Photographie de beauté : shooting photo à la maison et à petit budget

1. Introduction: Bonjour mes amis. Je suis Devon Lennox. Je suis photographe de mode et de beauté basé à Las Vegas, dans le Nevada, et je suis photographe professionnel depuis 2018, à plein temps, à l'automne 2020. À l'écran, je vais maintenant vous montrer un échantillon et une collection de mes images les plus récentes. Cela dit, je souhaite approfondir le départ vers photographie éditoriale de mode, puis la photographie de beauté. Avec ce cours Skillshare, je vais vous montrer les coulisses complètes de la manière de capturer ces images à la maison, en respectant votre budget et votre budget. Avec ce cours Skillshare, nous allons découvrir les coulisses. Je vais vous montrer le flux de travail complet dont vous aurez besoin. Cela inclut les outils, les techniques, votre espace et l' équipement dont vous aurez besoin. Ensuite, nous allons capturer nos images. À partir de là, nous allons passer cette image en post-production pour la retoucher, la finaliser et la perfectionner à un niveau commercial. Ce cours s'adresse aux photographes de niveau intermédiaire qui ont déjà une compréhension de base du fonctionnement de leur appareil photo et de la distance focale. Cela dit, si vous êtes débutant, je vais tout expliquer en profondeur avec des termes faciles à comprendre afin que vous ne vous perdiez pas et que vous puissiez tout de même acquérir connaissances et des informations précieuses tout au long de ce cours. L'objectif ultime de ce cours Skillshare est de vous fournir les outils et les techniques nécessaires pour obtenir ces résultats vous-même à la maison et reproduire vos propres images de photographie de beauté tirées éditoriaux populaires tels que Vogue, L and N Style, pour n'en nommer que quelques-uns. J'ai également inclus un projet de classe pour accompagner ce cours, qui vous permettra de télécharger entre une et trois de vos propres photos de beauté prises à la maison. À partir de là, je souhaite que vous incluiez une brève description expliquant votre réflexion et ce que vous avez appris du tournage, puis que vous téléchargiez ces images et la description dans la galerie classique. À partir de là, nous pouvons vous donner des commentaires constructifs et nous pouvons tous grandir ensemble. Cela dit, je suis heureuse d'être votre instructeur pendant toute la durée de ce cours et vous voir de l'intérieur. 2. Espace de studio: Bonjour mes amis, Davon Lenix est là, et bienvenue. Ravie de t'avoir ici. Allons-y. Dans cette leçon, j' aimerais aborder l'aspect le plus important de la reproduction de ces images à la maison, à votre environnement de prise de vue et les considérations que vous souhaitez prendre en compte concernant votre espace de studio impromptu. Photographier un éditorial de beauté à la maison ne nécessite pas beaucoup d'espace, car ces images sont souvent prises au niveau de la poitrine ou plus haut. Malgré un recadrage aussi serré des sujets, ce type de photographie nécessite tout de même un certain espace et une certaine distance de travail entre vous et le modèle. Il est important de vous assurer que votre espace de tournage ou votre studio est suffisamment grand pour accueillir. Heureusement, pour la plupart d'entre nous, même ceux qui vivent dans des appartements d'une chambre ou même des studios, nous avons encore suffisamment pour reproduire ces images à la maison, particulier si vous vivez dans une salle à manger combinée, mais même la plupart des salons dédiés et des salles à manger séparées fonctionneront à eux seuls. En fait, au cours des quatre dernières années, j'ai réalisé plusieurs dizaines d'éditoriaux de photographie de beauté dans mon salon de cette manière. Je ne peux pas confirmer que la configuration de l' éclairage que vous aborderez plus tard dans ce cours fonctionne et qu'elle est solide comme le roc. Mais c'est principalement parce que tous les appartements, même les studios dans lesquels j'ai vécu, offraient des dimensions très similaires, et les dimensions que je vais énumérer ici sont ce que je pense être le minimum pour réaliser ce type de photographie à la maison. Je vous encourage à prendre dès maintenant le temps de mesurer votre espace à l'aide d'un ruban à mesurer afin de confirmer qu' il sera suffisant. Sinon, cherchez un autre endroit dans votre maison pour trouver l'espace nécessaire pour tout installer. Ces dimensions sont les suivantes : une largeur de 6 pieds, une longueur ou une profondeur de 10 pieds et une hauteur de plafond d'environ 8 pieds. Désormais, si votre espace répond à ces dimensions minimales, vous pouvez prendre des photos de beauté à la maison, et vous pourrez le faire confortablement sans aucun problème. Toutefois, si vous photographiez une pièce plus petite que celle décrite, vous aurez du mal à capturer ces images confortablement. Ce ne sera en aucun cas impossible, mais il sera difficile de manœuvrer votre équipement photo et la configuration de l'éclairage, et vous constaterez peut-être que cela deviendra insuffisant à long terme. En même temps, si vous disposez d'un espace plus grand que celui décrit, vous aurez plus de flexibilité pour choisir un objectif à focale plus longue ou modifier votre sélection d'objectifs, et dans ce cas, vous avez un avantage certain. Cela dit, il y a d'autres éléments à prendre en compte en dehors de l'espace ou de vos seules dimensions. Vous devrez également tenir compte de la couleur des murs de votre maison, car elle affectera votre image finale. Idéalement, vous devez peindre les murs avec un gris neutre et plat, afin qu'ils soient totalement exempts de dominantes de couleurs et n'affectent pas la balance des blancs de votre appareil photo. Mais pour la plupart d'entre nous, en particulier ceux d'entre nous qui vivent dans des appartements, avoir une telle couleur n' est pas possible. Au lieu de cela, la plupart des maisons et appartements auront des murs blancs. Heureusement, cela fonctionne également très bien. Le seul inconvénient est que les murs blancs agiront comme un réflecteur dans ce cas, remplissant les deux côtés de votre sujet si vous vous trouvez dans un espace vraiment restreint. Dans ce cas, vous aurez du mal à contrôler l'éclairage pour créer une image de photographie de beauté plus maussade, car la lumière se répandra sur les deux côtés du sujet et comblera les ombres, réduisant ainsi le contraste. Pour cela, vous devez ajouter un drapeau ou une grille à votre éclairage principal. Mais cela complique les choses au-delà de la portée de ce cours Skillshare en particulier. Cela dit, dans la plupart des cas de photographie de beauté, le fait d' avoir des murs blancs des deux côtés peut être un avantage et créer une photo plus lumineuse et plus aérée, rafraîchissante et qui ajoute généralement à ces images. Cependant, je tiens à souligner une chose importante ici, que votre maison n'a pas du tout de murs blancs, mais qu'ils sont colorés, c'est là que nous rencontrerons un problème. Si vous avez des murs colorés ou un mur recouvert de vinyle ou de papier peint, la couleur du mur changera la couleur de votre photo. Dans ce cas, cela affectera directement la balance des blancs de votre appareil photo, le modèle, le teint, la couleur de votre arrière-plan et l'apparence des vêtements que porte votre modèle de manière négative. Vous voudrez retirer ce film de vinyle ou ce papier peint ou peindre le mur d'une couleur plus neutre à long terme, si cela est possible. Toutefois, si cela n'est pas possible ou si c'est tout simplement trop peu pratique, vous pouvez emballer votre modèle à l'aide d'un panneau d'affichage recto-verso. Dans ce cas, il peut efficacement servir mur et signaler tous les murs colorés de votre maison, éliminant ainsi tous ces problèmes de dominante de couleur. Mais parfait, vous connaissez maintenant les principales considérations concernant votre espace de prise de vue. Discutons maintenant de la caméra et de l'équipement d'éclairage nous aurons besoin pour commencer. 3. Équipement d'éclairage et de caméra: Alors bonjour mes amis, Devaun Lennox est là et bon retour. Dans cette vidéo, nous parlerons l'éclairage et de l' équipement de caméra dont vous aurez besoin pour réaliser ce type d'images à la maison. Mais d'abord, commençons par parler de l'équipement d'éclairage. Au minimum, vous aurez besoin d'un flash, également connu sous le nom de Monolight, également connu sous le nom de Monolight, avec une puissance de sortie de 150 watts ou plus. Avec 150 watts, vous pourrez prendre des photos à des ouvertures plus élevées, comme F8 ou 11, vous permettra de capturer d'excellents détails sur votre modèle avec une mise au point précise. Certains de ces détails peuvent inclure les nuances et leur rouge à lèvres ou leur brillant, fins dégradés de couleur de leur maquillage ou de leur fard à paupières, ou même la rosée de leur peau. L'unité que j'ai utilisée pour l'image principale de ce cours était le coup de pause de Buff Einstein, un stroboscope équilibré à la lumière du jour 8641. Vous aurez également besoin d'un déclencheur pour cette lampe ou pour la lampe que vous prévoyez d'utiliser pour votre prise de vue. Pour déclencher ce type de lumière, vous pouvez utiliser un système filaire, qui utilise un câble flash filaire qui se connecte directement au terminal PC Sync de votre appareil photo. Vous pouvez également utiliser un système sans fil qui transmet en le connectant directement à la griffe de votre caméra. un ou l'autre fonctionnera parfaitement, mais pour ma prise de vue, j'utilise les déclencheurs de flash de studio sans fil Cyber Sink, qui sont le système de transmission sans fil recommandé par Policy Buffer pour ce produit. Ensuite, vous aurez besoin d'un support d'éclairage robuste, mais surtout, un support doté d'une perche. aide d'une perche, vous pouvez décaler la lumière par rapport aux pieds du support, ce qui vous permet de vous placer directement sous la lumière sans aucun problème. Bien entendu, vous pouvez utiliser un support d'éclairage traditionnel et le décaler en modifiant légèrement l'angle tout en continuant à photographier directement sur votre modèle. Mais disposer d'une perche pour ce type de photographie s'avérera inestimable à long terme, car elle vous offrira le plus d'espace de prise de vue dans tout votre environnement et la flexibilité nécessaire pour déplacer votre modèle. Quoi qu'il en soit, je recommande d'opter pour un support d' éclairage en aluminium plus robuste, comme ceux fabriqués par photodéoxy ou impact. Ces supports d'éclairage sont dotés boutons plus robustes qui ne se cassent pas après seulement six mois d'utilisation et ils supportent également une charge utile plus élevée, ce qui serait utile car vous pouvez également les utiliser avec une perche pour compenser votre lumière. De plus, ces produits ne sont que légèrement plus chers que leurs alternatives moins chères, ils en valent donc vraiment la peine. À partir de là, vous aurez également besoin d'une boîte souple pour modifier et adoucir la lumière de votre stroboscope. Dans cet aspect, vous disposez de nombreuses options qui ne seront limitées qu'en fonction de votre espace de prise de vue. Vous pouvez utiliser des boîtes souples compactes ou des parapluies mesurant jusqu'à huit pieds ici. Mais pour rester simple et rentable, la meilleure option est d'opter pour une Okta Box de 48 pouces ou un plat de beauté pour la tête d'affiche J'ai utilisé le plat de beauté blanc Policy Buff. Mais vous pouvez facilement reproduire cette configuration d'éclairage identique avec une Okta Box 48 pouces beaucoup moins chère, Okta Box 48 pouces beaucoup moins chère, qui est également pliable offre une diffusion à la fois intérieure et extérieure afin d'adoucir la lumière et de la diffuser davantage. Pour le prix, la qualité de fabrication et les fonctionnalités générales de ce produit pour ce support, et les fonctionnalités générales de ce produit c'est absolument inestimable. Au total, vous pouvez reproduire la configuration identique à celle que j'utilise, mais avec une qualité de fabrication légèrement inférieure pour seulement 200 USD. Mais je peux vous garantir que les résultats entre ces deux configurations sont identiques. Vous n'avez donc absolument pas besoin du prix de l'équipement, surtout si vous êtes débutant. Maintenant que l'éclairage est couvert, parlons de votre équipement photo. Je ne saurais trop insister le fait qu'il faut utiliser la configuration de l'appareil photo et de l'objectif que vous possédez déjà, mais si vous voulez vraiment perfectionner vos compétences et vous consacrer exclusivement à ce médium, procurer un objectif F1.8 de 85 millimètres deviendra un must, tandis que l' objectif F1.8 de 50 millimètres est généralement la pour la plupart des photographes qui souhaitent perfectionner leurs compétences. Pour ce support, la distance focale de 85 millimètres est la norme de l'industrie. Non seulement vous remarquerez une meilleure qualité d'image, notamment en termes de netteté centrale et performances en basse lumière avec un objectif F1.8 de 85 millimètres, vous obtiendrez également des images plus flatteuses car les caractéristiques de cet objectif ont tendance à affiner les traits du visage des modèles, qui les rend presque toujours ce qui les rend presque toujours plus attrayants. Pour la plupart des fabricants, l' objectif point F1 de 85 millimètres ou son équivalent est généralement assez rentable et coûte moins de 300 dollars américains. Mais naturellement, si vous voulez éviter cette dépense particulière et que vous possédez déjà un objectif en kit, vous pouvez l'utiliser à la place, surtout si vous avez un objectif en kit de 28 à 70 millimètres ou équivalent. La focale de l' objectif du kit varie considérablement. Mais certains modèles mesurent plus de 50 millimètres et sont suffisamment proches de 85 ou 90 millimètres, donc si votre objectif convient déjà, inutile d'en acheter un autre. Cela fonctionnera parfaitement, comme c'est le cas pour ce type de photographie. Ensuite, vous pouvez également envisager une toile de fond ou un système de support d'arrière-plan et vous pouvez également envisager un papier transparent coloré pour ajouter plus d'intérêt et de thème à vos images. Toutefois, si vous photographiez sur un mur blanc et celui-ci est suffisamment éloigné, disons cinq ou six pieds, vous pouvez également éviter cette dépense particulière si vous ne voulez qu' un fond blanc. Vous pouvez également monter un drap de lit bien repassé ou un tissu similaire, serré ou drapé sur le rebord d'une fenêtre. Cela fonctionnerait également, étant donné ces deux méthodes nécessiteront un post-traitement pour éliminer toute distraction ou irrégularité en arrière-plan. Mais c'est quand même un bon point de départ. Cela dit, si vous souhaitez plus de flexibilité et contrôle sur les couleurs et le type d'arrière-plan, un système de support dédié à la toile de fond n'augmentera votre total que de 100 USD. Il est juste de dire qu' un papier blanc transparent ou un papier transparent de qualité tendance offre un résultat véritablement professionnel qui rendra vos images comparables à celles des autres acteurs du secteur. C'est donc une dépense qui en vaut vraiment la peine. En fin de compte, le kit d'éclairage est l'aspect le plus important de l'équipement dont vous avez besoin pour ce type de photographie. Et étant donné que ce type de photographie ne nécessite qu'un minimum d'équipement, c'est-à-dire une seule lumière, nous recherchons un point d'entrée très abordable dans la photographie de beauté que même les photographes les plus récents peuvent atteindre. Mais super, maintenant que nous avons abordé l'éclairage et l'équipement de caméra nécessaires, parlons de la position de votre éclairage. 4. Configuration de l'éclairage: Bonjour mes amis, Devaun Lennox est là et bon retour. Dans cette leçon, nous allons parler de la configuration de l'éclairage et de la façon dont vous allez positionner votre éclairage. Tout d'abord, laissez-moi vous montrer rendu à l'écran de la configuration de l'éclairage ce moment afin que vous puissiez avoir une idée de ce à quoi les choses vont ressembler. Mais abordons la configuration plus en détail, commençant par les distances de positionnement général de votre lumière dans votre espace. Idéalement, vous voulez que votre modèle soit à une distance 5 pieds de votre arrière-plan. Cela signifie que moins de lumière atteindra l'arrière-plan, laissant l'arrière-plan passer à un gris moyen, plutôt que de rester blanc irrégulier. Je vais vous montrer la différence entre un positionnement du modèle à 5 pieds de l'arrière-plan et directement devant l'arrière-plan à l'écran en ce moment. Comme vous pouvez le constater, il existe une différence notable entre la luminosité de l'arrière-plan dans ces deux rendus. Ce n'est pas une différence spectaculaire, mais c'est certainement quelque chose à noter. Mais en général, le fait d'avoir l'arrière-plan directement derrière le modèle accentue ses textures, car nous prenons généralement des photos à des valeurs d'ouverture plus élevées, soit f8 ou plus, ce qui devient généralement une distraction dans ce type de photo. Je suggère cependant d' expérimenter cet aspect par vous-même pour voir s'il s'agit d'un facteur décisif, car cela peut ou non dépendre de votre style de photographie. qui concerne la distance générale et le positionnement de l'espace couvert, parlons maintenant de détails plus spécifiques sur l' endroit où vous allez placer votre lumière par rapport à votre modèle. Pour la photographie de beauté, nous voulons un éclairage aussi uniforme, flatteur et proportionné que possible. Cela signifie inévitablement que nous voudrons placer la lumière directement devant notre modèle, afin que tous les aspects de leur visage, de leur cou et de leurs épaules soient éclairés de la même manière. Nous voulons également placer notre lumière le plus près possible du visage et des épaules de notre modèle afin de créer la lumière la plus douce et la plus flatteuse possible. Je trouve que placer la lumière à une distance de 2 à 3 pieds est la distance idéale pour ce support, car elle est suffisamment proche pour créer une lumière douce et uniforme sur notre modèle, mais pas trop près du modèle pour que la lumière elle-même empiète leur espace personnel et devienne quelque peu inconfortable pour notre modèle. Maintenant, en ce qui concerne la hauteur de notre lampe, vous devez la positionner de telle sorte que le bas de votre softbox ou du plat de beauté, si vous en utilisez un, se trouve juste au-dessus de l'œil de votre modèle. Dans la plupart des cas, ce sera environ 5 à 6 pieds, selon qu'ils sont debout ou assis. Le placer à cette hauteur signifiera deux choses. Premièrement, il sera juste assez haut pour vous puissiez prendre des photos directement en dessous et directement sur votre modèle ce qui signifie que vous capturerez le visage du modèle sans ajouter de distorsion due à l'inclinaison de votre appareil photo, ce qui peut le raccourcir et ne contribue généralement pas à rendre les gens attrayants. Ensuite, cela signifie également que la lumière sera focalisée sur le visage et les épaules de votre sujet, exactement là où nous voulons qu'il soit, plutôt que d'être trop haut pour plutôt que d'être trop haut ensuite se concentrer sur ses cheveux, ou trop bas et de toucher sa poitrine, ce qui n' est pas ce que nous voulons que nos spectateurs voient en premier. À partir de là, vous pouvez expérimenter l'angle ou l'inclinaison de votre softbox et de la lumière. En inclinant la lumière vers le bas, disons à 45 degrés, vous créez un peu plus d'ombres et de contours sur le visage de votre modèle, en particulier sous son nez autour de ses pommettes et sous le cou. En positionnant ainsi la lumière, vous créerez ce que l'on appelle un éclairage en forme de papillon, qui convient parfaitement à la photographie de beauté si vous recherchez quelque chose de légèrement plus angulaire et audacieux. Mais si vous voulez quelque chose de plus doux, uniforme et flatteur, laissez votre lumière à 90 degrés ou pointée directement vers l'avant pour aplatir l'image et créer la lumière la plus agréable possible sur votre sujet. À l'écran, je vais maintenant vous montrer un rendu de la différence entre un rendu de la différence entre ces deux types de positions angulaires. Comme vous pouvez le constater, il y a une différence entre les deux, mais les résultats sont subtils et peu spectaculaires. Cependant, vous remarquerez cela devient une différence majeure une fois que vous aurez finalisé et retouché l'image plus tard en post-traitement. Pourtant, en fin de compte, chacune de ces options dépend de vos préférences personnelles et du style de photographie de beauté que vous recherchez. Cela dit, c'est un élément qui vaut la peine d'être expérimenté et de voir lequel convient le mieux à votre style de photographie. La dernière et dernière variable sera de savoir s'il faut ajouter un réflecteur sous le cou et le menton de votre modèle. Il s'agit d'une étape facultative, mais elle doit également être expérimentée. Si vous souhaitez aplatir votre image réduire le contraste et la rendre plus agréable dans l'ensemble, cet ajout créera une lumière encore plus flatteuse car il réduira le contraste, ce qui est particulièrement utile si vous utilisez un style de photographie plus doux, moins contrasté et moins dur. À l'écran, je vais vous montrer la différence entre ajouter un réflecteur et le laisser de côté. Pour l' image principale de ce cours, j'ai utilisé un réflecteur situé sous le modèle pour renvoyer davantage de lumière sur le sujet. Cela permet de réduire le contraste et de combler les ombres. Rétrospectivement, il aurait peut-être été préférable de se passer du réflecteur pour cette photo en particulier, étant donné que l'image avait déjà une ambiance sombre et qu'elle est graphique telle Ce type d' éclairage aurait donc permis de mieux intégrer le thème. Mais dans l'état actuel des choses, il fonctionne tel quel. Cependant, félicitations, à partir de là, vous avez la configuration complète de l'éclairage, alors placez-vous à quelques mètres et commencez à expérimenter votre composition. Maintenant que nous avons abordé la configuration complète de l'éclairage, parlons des paramètres de la caméra et de la façon dont vous configurez votre caméra. 5. Configuration des caméras: Bonjour, mes amis, Devaun Lennox , et bon retour. Dans cette leçon, nous allons parler des réglages de votre appareil photo et de l' obtention des meilleurs résultats. Commençons par les réglages de l'appareil photo. Comme nous photographions en intérieur dans des conditions d'éclairage contrôlées, notre exposition sera dictée par notre ouverture et nos réglages ISO. La vitesse d'obturation n'entre en jeu qu'en tant que paramètre de base pour la synchronisation avec notre terme appelé synchronisation du flash, et pour éviter devenir flous en photographiant à main levée. Mais sinon, elle ne joue pas le même rôle que les autres formes de photographie, alors ne vous inquiétez pas trop pour ce cadre particulier. Maintenant que nous avons contrôle total sur la quantité de lumière présente dans notre environnement en ajustant puissance de sortie du flash pour modifier la quantité de lumière qui atteint notre sujet, il est préférable de régler notre appareil photo sur sa base, la sensibilité ISO. À l'ISO de base, nos caméras captureront la plage dynamique la plus élevée, le moins de bruit et la meilleure qualité d'image possible. Pour la plupart des appareils photo du marché, la sensibilité ISO de base est de 100, 160 ou 200. Lorsque vous êtes prêt à prendre des photos, réglez d' abord votre appareil photo sur sa sensibilité ISO de base. Ensuite, notre réglage d'ouverture. Cela déterminera notre profondeur de champ et le degré de netteté de notre sujet. Pour ce type de photographie, vous disposez de nombreuses options, et ce paramètre dépendra probablement du style d' image que vous préférez. Mais il est généralement préférable de commencer par un réglage d'ouverture de F/8 ou F/11, car ces valeurs fourniront une profondeur de champ suffisante pour capturer tous les détails du visage de votre modèle. Mais vous pouvez tester un réglage d'ouverture plus faible, comme F/4 ou F/2,8, et ces réglages d'ouverture se traduiront par une profondeur de champ plus faible. Cela peut être une excellente option si vous souhaitez estomper les imperfections de la peau de votre modèle, faciliter le post-traitement. Vous pouvez également vous concentrer uniquement sur certains aspects du modèle, comme ses yeux, et laisser tout le reste tomber et se concentrer, ce qui crée une photo plus percutante dans de nombreux cas. Quoi qu'il en soit, lorsque vous êtes prêt à commencer à prendre des photos, réglez votre ouverture sur F/8 et utilisez-le comme point de départ à partir de là. Enfin, notre vitesse d'obturation, qui dans ce type de photographie est l' aspect le moins important de l'exposition, mais en ce qui concerne la vitesse d'obturation, il y a encore quelques remarques que nous voulons garder à l'esprit. Généralement, une vitesse d'obturation de 1/125. Ensuite, c'est un excellent point de départ pour ce type de photographie, car il offre une vitesse suffisante pour éviter tout flou lors de la prise de vue à main levée, mais c'est également une valeur sûre qui se synchronise avec plupart des flashes commerciaux la plupart des flashes commerciaux et les émetteurs disponibles. À cette valeur, vous n' aurez aucun problème à utiliser votre flash et à atteindre sa vitesse maximale de synchronisation du flash. À l'instar d'Aperture, vous pouvez également explorer des vitesses d' obturation inférieures à 1/1/250 par seconde Ces valeurs plus lentes peuvent constituer un excellent moyen d'ajouter des effets créatifs à vos photos en introduisant délibérément flou cinétique pour créer un effet de fantôme. Parfait. Maintenant que nous avons abordé les paramètres de base de l' appareil photo, passons à quelques conseils pour obtenir les meilleurs résultats. Si vos appareils photo prennent en charge la détection des visages et des yeux, activez cette fonction et réglez la zone de mise au point sur le tiers supérieur de l'écran LCD. Maintenant, si vous réglez la mise au point automatique sur le tiers supérieur de l'écran LCD, c'est parce que nous prenons souvent des photos en orientation portrait plutôt qu'en mode paysage pour ce type de photographie. En réglant votre point de mise au point automatique sur le tiers supérieur plutôt que sur le centre, réglant votre point de mise au point automatique sur le tiers supérieur plutôt que sur le vous réduisez la fréquence à laquelle vous devez effectuer la mise au point et recomposer une image, vous fait gagner du temps lors de la prise de vue. Mais surtout, cela accélère également mise au point de votre appareil photo en général, réduisant ainsi son temps d'acquisition de la mise au point, ce qui réduira la fréquence à laquelle il recherche la mise au point. Au final, cela vous permettra de créer des images avec une mise au point plus constante. Ensuite, si votre appareil photo est doté d'audit continu précise et fiable mise au point d'audit continu précise et fiable appelée CAF ou autofocus continu, vous pouvez utiliser cette fonction. Toutefois, si vous constatez que votre système de mise au point est souvent aléatoire, l'utilisation de l'AFS ou de la mise au point automatique à prise unique avec détection du visage et des yeux vous donnera certainement les meilleurs résultats. Parlons maintenant de la balance des blancs. Notre balance des blancs sur les appareils photo de dernière génération indique que ceux fabriqués après 2018 fourniront fabriqués après 2018 fourniront une balance des blancs automatique suffisamment précise pour ce type de situation. Vous ne devriez pas trouver les couleurs si distrayantes et décalées qu'elles nécessiteront d'énormes ajustements de couleur lors du post-traitement, mais si vous avez un appareil photo plus ancien qui a été fabriqué avant 2018, l'utilisation du réglage de la balance des blancs du flash vous permettra d'obtenir des couleurs plus homogènes et plus précises que la balance des blancs automatique. Vous pouvez également régler un réglage de balance des blancs personnalisé à un réglage de balance des blancs personnalisé l'aide du mode Kelvin de votre appareil photo, et vous obtiendrez probablement une valeur dominante comprise entre 5 000 et 5 600 Kelvin, selon la sortie de votre flash couleur, mais vous devez connaître température de couleur de votre fabricant. continuant à le faire manuellement, vous obtiendrez couleurs et une balance des blancs encore plus précises balance des blancs encore plus précises que si vous utilisiez le réglage du flash C'est donc une meilleure option. À partir de là, vous souhaitez prendre une photo d' essai de votre sujet Évaluez maintenant l'image sur l'écran LCD arrière pour vérifier l'exposition. Vérifiez ensuite l'exposition à l' aide de l'histogramme pour vous assurer que vous ne surexposez pas ou que vous ne réduisez les zones claires, en particulier. Dans ce format de photographie, il est préférable de sous-exposer votre image d'un tiers de point, puis d'augmenter l'exposition en post-traitement. Comme nous photographierons principalement le visage d'un mannequin et que si sa peau est humide, Dewey ou grasse, elle réfléchira encore plus de lumière que d'habitude. Si vous surexposez ces points forts, vous ne pourrez pas récupérer ces détails et le post-traitement, et en général, cela peut ruiner les images. Super, maintenant que nous avons abordé configuration de votre appareil photo et quelques conseils pour capturer les meilleures images possibles, concluons avec quelques dernières considérations vous voudrez prendre en compte lors de la prise de vue elle-même. 6. Autres considérations: Bonjour, mes amis. Devaun Lennox est là et bon retour. Dans cette leçon, nous aborderons les deux dernières considérations que vous souhaitez prendre en compte lors du tournage. s'agira de savoir si vous devez utiliser un réflecteur pour réduire les contrastes et combler les zones d'ombre ou si vous devez envisager de vous connecter pendant la prise de vue pour revoir vos images. Pour l'image du cours, j'ai utilisé un réflecteur situé sous le menton du modèle pour combler les ombres. Dans ce cas, j'utilise un réflecteur argenté de quatre pieds placé juste en dessous du niveau de la poitrine. À l'écran , je vais vous montrer comment ajouter un réflecteur sous le menton du modèle pour ce type de photographie plutôt que de le retirer. C'est important, je note que vous n'êtes pas obligé d'utiliser un réflecteur, surtout si vous optez pour une image plus contrastée ou si vous voulez quelque chose de plus audacieux dans ces situations, ajout d'un réflecteur ne fera que plus contrastée ou si vous voulez quelque chose de plus audacieux dans ces situations, l' ajout d'un réflecteur ne fera que contredire votre idée. Il vaut mieux le sauter. Cela dit, si vous souhaitez obtenir une image avec un contraste et un contour minimes, l'utilisation d'un réflecteur est moyen idéal pour obtenir cet effet particulier. Ensuite, vous pouvez envisager de connecter votre appareil photo à votre ordinateur afin pouvoir transférer les photos et les consulter en temps réel pendant la prise de vue. Ce processus, connu sous le nom de partage de connexion, constitue un excellent flux de travail pour pouvoir évaluer les détails les plus fins qui sont difficiles à voir sur l'écran LCD de l'appareil photo, tels que le maquillage, la coiffure du modèle ou même les effets de votre éclairage. C'est également un excellent moyen de voir les réglages que vous effectuez en temps réel, tels que le changement d'angle de votre lumière, ou c'est tout simplement une excellente option pour montrer au modèle sur lequel vous travaillez les superbes images que vous capturez. Si vous souhaitez obtenir des informations détaillées sur la façon de le configurer avant de configurer votre appareil photo et votre logiciel vous pouvez effectuer une recherche rapide en ligne et trouver de nombreuses informations, mais la configuration spécifique ne fait pas partie du cadre de ce cours. Maintenant que nous avons abordé les deux dernières considérations, vous savez maintenant comment capturer des images de photographie de beauté à la maison. Passons au flux de travail de post-production pour peaufiner et peaufiner nos images afin de transformer ce que nous avons capturé jusqu'à présent à un niveau professionnel. 7. Fixer l'exposition: Alors bonjour mes amis, Devon Lennox est là et bon retour. Dans cette leçon, nous allons démarrer le flux de travail de post-production afin aux images que vous avez capturées un niveau véritablement professionnel. Je tiens à faire une remarque importante en ce qui concerne les logiciels Je n'utilise pas Adobe Photoshop ou Light Room pour le flux de travail de post-production. J'ai déjà suivi un cours sur le partage de compétences qui explique comment exactement le même flux de travail que celui que je vais aborder ici dans Affinity Photo sur iOS ou iPad. Vous pouvez consulter ce cours de partage de compétences si vous souhaitez et obtenir des informations spécifiques sur la façon procéder dans Adobe Photoshop. Cela étant dit, passons au flux de travail de post-production. Nous voici donc sur iOS Voici la photo DNG que je vais fournir dans le cadre des ressources pour ce cours de partage de compétences en particulier à . Vous pouvez donc télécharger cette image pour la suivre étape par étape, moins que vous ne souhaitiez simplement la regarder, juste pour voir les techniques du flux de travail. Maintenant, ouvrons Affinity Photo et ouvrons notre image. Maintenant que nous sommes dans Affinity Photo par défaut, Affinity Photo ouvre son personnage développé et c'est dans ce personnage développé que nous allons pouvoir effectuer certains des ajustements de base, ce qui constitue la première étape de notre flux de travail. Ici, le panneau des bases s'ouvrira et nous serons invités à plusieurs aspects importants de ce que nous allons rechercher, à savoir que dans le coin supérieur droit, dans le coin supérieur droit trouverez l'histogramme, suivi de nos araignées d' exposition, suivi de quelques améliorations, à savoir le contraste, la saturation, la vibrance ou la sélection de la balance des blancs, puis nos ombres et surlignons cette image en particulier et toutes les images, qu'elles soient Adobe Photoshop, Lightroom ou même ici dans Affinity Photo. La première chose à faire est d'évaluer l'histogramme, afin de voir si nous pouvons maximiser plage dynamique de notre caméra en poussant couches les plus externes de notre histogramme, à la fois les zones claires et les ombres, à leurs valeurs maximales avant qu'elles ne commencent à s'écrêter et à perdre des détails. Le moyen le plus simple de le faire est d'abord régler le curseur d' exposition, qui permet de régler l' exposition de l'ensemble de l'image Je trouve qu'une valeur d'environ 0,15 est suffisante pour faire apparaître l'exposition générale de l'image et commencer à accentuer les reflets sur le côté droit de ce canal rouge. Ça commence à être clipsé ici, mais ce n'est pas vraiment un clip. À partir de là, vous avez quelques options pour ajuster votre point noir, ce qui réduira essentiellement les ombres et les tons moyens. Mais plus important encore, un moyen plus simple de le faire est de simplement réduire le curseur des ombres, qui se concentrera spécifiquement sur les ombres plutôt que les ombres, les noirs et certains tons moyens. Ici, je règle le curseur des ombres pour pousser l'histogramme le plus haut possible vers la gauche avant de perdre des détails. Je trouve qu'une valeur de 100 est tout à fait suffisante. Si vous souhaitez également ajouter plus de contraste, vous pouvez également augmenter le point noir à une valeur de 5 %, ce qui augmentera également les ombres et les ténèbres. Mais cela va un peu trop loin, donc la valeur de 3 % me permet d'obtenir une plage dynamique laquelle je déplace les noirs et les ombres complètement vers la gauche et je pousse les zones claires vers le haut. Vous pouvez également augmenter le curseur des surlignements si vous souhaitez obtenir encore plus de contraste Je dirais probablement qu'un maximum de 10 % pour cette image serait tout que je pourrais faire, car à partir de ce moment, nous commençons à cliquer sur trop de blancs. Et maintenant, nous pouvons utiliser l'avant et après pour voir le contraste ajouté. Nous avons un peu amélioré les noirs. Nous avons ajouté plus de contraste à l'ensemble de l'image. L'exposition de son visage est à peu près la même qu'auparavant, mais nous avons fondamentalement augmenté le contraste. Les seuls autres réglages que je pourrais faire seraient simplement de descendre dans le curseur de correction de l'objectif et d'activer la distorsion , puis d'activer la distorsion pour votre objectif. Comme vous pouvez le constater, cela a corrigé certaine distorsion du barillet puisque j'utilisais un F2 de 35 millimètres, un objectif équivalent à 50 millimètres, et un F50 millimètres pour photographier de si près, je vais avoir une certaine distorsion. Donc, si vous vous trouvez dans cette situation, si vous photographiez si près de votre sujet et que vous utilisez un objectif de 50 millimètres ou moins, vous aurez une certaine distorsion en barillet et peut-être même oui, que vous pouvez corriger en accédant au réglage des détails et à Adobe Lightroom réglage des détails et à Adobe Photoshop, ou ici dans le panneau de correction de l'objectif pour Affinity Photo. Vous pouvez également supprimer toute vignette, le cas échéant. Pour cette image, ce n'est pas applicable je ne vais donc pas l'activer. Cela dit, nous pouvons cocher la case pour développer notre image et passer à la partie suivante du flux de travail de post-production. Dans la leçon suivante, nous allons aborder la prochaine série d'étapes Je vous y verrai donc. 8. Nettoyage de recadrage et de fond: Bonjour, mes amis Devaun Lennox, et bon retour. Dans cette leçon, nous allons recadrer la photo les imperfections de l'arrière-plan et supprimer toutes les distractions majeures avant de passer au processus de retouche plus détaillé. Pour cela, la première étape que je ferais naturellement est d'utiliser Affinity Photo en utilisant l'outil de recadrage, en utilisant quelques options en ce qui concerne le mode, vous pouvez utiliser le ratio d'origine ou le ratio personnalisé. Dans la plupart des cas, le ratio d'origine sera excellent. Cependant, vous pouvez utiliser un ratio personnalisé et le régler sur 8 x 10. Si vous mettez en ligne spécifiquement sur Instagram ou sur d'autres réseaux sociaux, car il s'agit de l'une des exigences relatives à la longueur maximale des portraits. Vous pouvez également taper 10 par 10, qui sera le carré covalent un par un. Si vous souhaitez également créer carré un par un pour cette image en particulier, je vais faire un 8 10 plutôt que de laisser le rapport hauteur/largeur d'origine , puis nous pouvons simplement entrer et recadrer. Je vais entrer ici et je vais le redimensionner au niveau approprié. Je vais entrer, placer troisième, le déplacer et nous pouvons dire que le recadrage est terminé. Maintenant, pour la plupart de vos images, une fois que vous les avez recadrées au format d'image requis, vous pouvez dire que c'est bon et passer aux étapes suivantes du flux de travail. Cependant, pour cette image en particulier, j' aimerais vous montrer une technique supplémentaire : il s' agit aimerais vous montrer une technique supplémentaire de supprimer rapidement les éléments gênants, tels que supprimer rapidement les éléments gênants, tels grands réflecteurs, de vos images afin de conserver votre rapport hauteur/largeur d'origine sans avoir à recadrer. Plus précisément, ce dont je parle, c' est qu'ici j'ai un réflecteur argenté. Je vais vous montrer, à l'aide d'une technique et d'un flux de travail très courts , comment vous pouvez supprimer cela sans avoir à procéder minutieusement séparation des fréquences lors de la peinture ou du clonage, de l'estampage, outil de patch, il existe un moyen plus simple de le faire. Une photo d'affinité et vous pouvez également le faire dans Photoshop. Vous allez essentiellement sélectionner la zone environnante à l' aide de l'outil de cadrage rectangulaire. Vous allez sélectionner à la fois le sujet et l'arrière-plan, faisant attention à ne pas sélectionner l'objet que vous essayez de supprimer . Dans Affinity Photo, vous allez revenir à notre mode photo normal. Vous allez utiliser l'outil de déplacement, sélectionner ici l'objet que nous venons de faire, et nous allons le faire glisser vers le bas. Maintenant, cela va provoquer une petite distorsion, particulièrement peut-être légèrement perceptible sur la main de votre modèle, si vous en avez. Mais il s'agit d'une solution simple sur laquelle nous pourrons revenir plus tard si nécessaire si vous la trouvez distrayante. Mais en plus de cela, et c'est le moyen le plus simple de le corriger, vous allez revenir ici au personnage des sélections, revenir ici et désélectionner. En 10 secondes, vous pouvez y aller et vous pouvez supprimer toute cette zone et tout est tombé d'un coup. La seule autre chose à noter est que si vous zoomez de près, vous pouvez commencer à voir cette légère ligne grise indiquant l'endroit où nous avons fait notre sélection l'aide de l'outil de cadrage rectangulaire. Il s'agit d'une solution très simple et vous n'aurez peut-être même pas besoin de la corriger en fonction du type d'image que vous recherchez. Surtout en ce qui concerne la distance de visualisation, car si vous regardez la photo ici, personne ne la remarquera , vous n'avez donc pas à la corriger. Mais si quelqu' un zoome la photo de manière très détaillée, vous commencerez à la remarquer à un moment donné. Solution très simple sur laquelle nous pourrons revenir plus tard si vous trouvez distrayante, mais pour le moment, je tiens juste à le souligner, mais vous n' aurez probablement pas à vous en inquiéter. La dernière étape de ce flux de travail consistera à éliminer toutes les distractions présentes dans les zones restantes de l'arrière-plan, à savoir les irrégularités en termes de texture et d' arrière-plan ou, dans ce cas, y a de la poussière de capteur ici que j' aimerais éliminer. Je vais revenir au personnage des photos. C'est une solution très simple. Je vais donc simplement me contenter du tampon cloné, de sortir et d'utiliser le pinceau d'inpainting. Choisissez une largeur raisonnable ici et je vais juste entrer et peindre ça. L'outil Inpainting fonctionne essentiellement la même manière que le pinceau cicatrisant ou cicatrisant , un tampon clone ou un pinceau hybride. Vous pouvez simplement peindre et échantillonner la couleur, la texture et le ton environnants pour éliminer les imperfections. Cela dit, sont les seules distractions que je vois ici et nous pouvons passer à la prochaine étape du flux de travail de post-production. Dans la leçon suivante, nous allons aborder les prochaines étapes . À bientôt. 9. Nettoyage de la peau: Bonjour, mes amis Devaun Linux sont là et bon retour. Dans cette leçon particulière, nous allons procéder au nettoyage de notre peau, ce qui consiste notamment à éliminer les imperfections et la texture inégale de la peau de notre modèle. Il existe de nombreuses façons d'utiliser cette technique particulière. Cependant, pour ce cours Skillshare en particulier, je vais rester très simple et vous montrer l'outil le plus simple, le plus rapide et le plus efficace, qui, dans ce cas , utilisera l'outil Inpainting d'Affinity Photo, qui est à peu près l'équivalent du pinceau localisé d'Adobe Photoshop, et c'est un mélange entre un pinceau cicatrisant et un tampon clone. Essentiellement, cet outil va échantillonner à la fois la texture et le ton de la zone dans laquelle nous peignons. Il va analyser cette sélection et essayer de la reproduire en fusion dans cette zone peinte avec les pixels environnants pour donner à cette zone un aspect un peu plus Je suppose que c'est le meilleur mot que je puisse dire, la rendre un peu plus cohérente Même pour trouver le pinceau de retouche, nous allons passer ici dans notre panneau d'outils. Sous le pinceau clone, nous avons le pinceau final, juste ici. Le moyen le plus simple d'appliquer cet effet est simplement de peindre sur les imperfections que vous souhaitez supprimer. Cependant, je vous suggère de créer une copie de votre couche d'arrière-plan afin de pouvoir ajuster l'opacité de cet effet, afin de ne pas l'appliquer directement à votre couche d'arrière-plan. Pour ce faire, nous pouvons simplement appuyer sur nos trois icônes ici et appuyer sur Dupliquer. Maintenant que nous avons un doublon, notre couche d'arrière-plan, nous pouvons appliquer cet effet en toute sécurité et nous pouvons simplement peindre les imperfections. Maintenant, pour ce shooting en particulier, notre mannequin a une belle peau et elle a également fait un travail incroyable sur son maquillage en ajoutant beaucoup de correcteur et de fard à joues et en se fondant très bien dans son maquillage général. n'aurons pas grand-chose à faire ici, mais je vais juste vous montrer l'effet de base. En gros, ce que vous voulez faire avec ce pinceau, c'est définir la source sur la couche actuelle plutôt que sur la couche actuelle et en dessous. Parce que vous souhaitez que l'effet soit simplement appliqué à la couche actuelle et que son échantillonnage se fasse uniquement sur la couche actuelle. En ce qui concerne les paramètres, vous allez régler la largeur du pinceau pour qu'elle soit légèrement plus grande que la tache que vous essayez de supprimer par exemple pour cette tache ici, qui ressemblera à une ligne d'âge, plus grande que la tache que vous essayez de supprimer, par exemple pour cette tache ici, qui ressemblera à une ligne d'âge, ou simplement la porter à 20 à 40 pixels. Opacité et fluidité, vous pouvez les laisser à 100 %, et la dureté sera de 0 %. Parce que nous voulons un avantage et une transition très doux. Ensuite, vous allez simplement zoomer et essayer de rester à un zoom inférieur à un pour pouvoir vraiment appliquer l'effet un petit niveau très précis sans zoomer complètement jusqu' ici, puis l' appliquer avec des coups de pinceau plus grands, car malheureusement, avec cette technique, elle a tendance à supprimer la texture, et vous pouvez réellement l' obtenir restituez la texture en utilisant des techniques telles que la séparation des fréquences. Vous pouvez également ajouter du bruit plus tard dans le flux de post-production pour retrouver cette texture avant ce cours Skillshare Je ne vais pas aborder certaines de ces retouches esthétiques plus avancées. Je vais laisser cela pour un cours plus avancé. Mais sachez simplement qu'en utilisant cette technique particulière, tout comme le pinceau Spot Healing dans Adobe Photoshop, vous perdrez absolument un peu de texture. Il y a certaines choses que nous pouvons faire pour retrouver cette texture Ce n'est donc pas un facteur décisif, mais je le souligne simplement pour que vous perdiez un peu de texture et que cela adoucisse certaines de ces zones. À moins que vous ne zoomiez au même niveau de zoom que celui que j'utilise actuellement, vous ne remarquerez pas les taches ou le manque de texture que nous obtenons en appliquant cette technique particulière. Cela dit, si vous voulez quelqu'un regarde votre image de si près, vous remarquerez que c'est comme de la bavure. Cela étant dit, tout ce que nous allons faire, c'est simplement peindre sur tout ce que nous trouvons être un peu une distraction. En ce qui concerne les textures. Il existe d'autres outils que vous pouvez utiliser pour ce faire, mais je trouve que le pinceau intégré à Affinity Photo est de loin le meilleur outil vous puissiez utiliser. L'outil de patch, vous pouvez utiliser le pinceau clone. Je peux utiliser le pinceau cicatrisant. Tous ces autres outils fonctionnent certainement. Mais en peinture, c'est de loin la technique de brossage la plus efficace et le flux de travail est sans aucun doute le meilleur, à moins que vous n' utilisiez spécifiquement la séparation des fréquences pour ensuite la suivre. Mais en gros, je vais simplement rester au niveau du zoom pour pouvoir simplement faire le tour de la toile et corriger toutes les zones qui, selon moi, ne constituent pas une texture permanente sur la peau de notre modèle. Ou cela peut être quelque chose que vous voulez simplement supprimer pour des raisons esthétiques, puis vous débarrasser de certaines de ces lignes, en effacer une partie. Mais c'est aussi simple que de repeindre. Et comme nous zoomons beaucoup et que nous maintenons notre pinceau très petit et localisé, les modifications ne seront pas très visibles lorsque vous effectuez un zoom arrière. Mais si vous effectuez un zoom arrière et que vous utilisez un pinceau plus grand, comme je l' ai déjà mentionné , un pinceau qui prendra un certain temps, mais qui altère généralement la texture, et vous pouvez commencer à remarquer qu' il y a des motifs répétitifs dans la texture, ou que la texture semble juste un peu douce, et elle n'a pas l'air bien et vous serez capable de remarquez cette différence. En maintenant votre zoom très serré et maintenant votre pinceau dans la plage de 20 à 40 pixels, vous pouvez facilement faire le tour de l'ensemble du visage. Vous ne devriez pas remarquer que vous perdez de la texture. Mais comme je l'ai dit, si vous le savez, c' est un problème, il existe des moyens d'obtenir ces paquets de texture, ce n'est vraiment pas la fin du monde. Maintenant, j'ai terminé la grande majorité du visage ici. Vous pouvez également utiliser la même technique sur d'autres aspects de votre photo, sur la peau de votre modèle, y compris ses mains. Vous pouvez également le faire sur le vêtement et les vêtements. Mais c'est à peu près le principe de base de cette section du flux de travail, et c'est l'idée générale de ce que vous allez faire à cette étape particulière du flux de travail. En utilisant simplement l'outil Inpainting, vous pouvez aller très loin. Vous allez éliminer de nombreuses imperfections et vous pouvez vraiment éclaircir la texture. En fait, laissez-moi juste vous montrer l'avant et l'après. Ce ne sera pas une énorme différence car sur cette photo, comme je l'ai déjà mentionné, elle a déjà une belle peau et elle fait un travail incroyable avec son maquillage Il n'y avait donc pas grand-chose à retoucher ici. Mais si vous photographiez un mannequin et que vous faites de la photographie de beauté, et que le mannequin n'a pas vraiment un excellent travail avec le maquillage ou que vous n'avez pas eu de maquilleuse sur votre séance photo, c'est à ce moment-là que vous remarquerez vraiment une plus grande différence en termes d' élimination des imperfections, de l'acné, etc. Mais c'est l'étape fondamentale de cette partie du flux de travail, et nous pouvons commencer à passer à la partie suivante du flux de travail de post-production. Dans la leçon suivante, nous allons aborder la prochaine série d'étapes. Je vous y verrai donc. 10. Dodge et Burn: Bonjour mes amis, Davon Linux est là et bon retour. Dans cette leçon, je souhaite aborder et vous montrer une technique utilisée dans l'industrie connue sous le nom de Dodge and Burn. Si vous ne connaissez pas la technique Dodge and Burn, il s' agit essentiellement d'une technique que vous utilisez pour ajouter contraste localement à votre image ce qui signifie que vous augmentez la luminosité des zones claires et vous assombrissez les zones sombres de la photo, mais vous pouvez peindre l'effet plutôt que d'utiliser un curseur de contraste, une exposition ou un point noir et le curseur de surbrillance que vous pouvez trouver dans Photoshop Lightroom ou ici dans Affinity Photo dans les onglets de base du réglage de l'exposition, qui affecte l'image dans son ensemble. Avec Dodge and Burn, vous appliquez en fait un effet similaire, mais vous le faites dans une zone très localisée et très spécifique, ce qui vous permet d'ajouter plus de contour en contraste avec des zones plus spécifiques lesquelles vous souhaitez exagérer votre photo. En fait, cela vous permet également d'ajouter des reflets qui n'existent pas, ajouter des ombres qui n'existent pas. Vous pouvez également définir différentes caractéristiques de la musculature et de la mâchoire faciale. Le nez, l'arête du nez. Vous pouvez rendre les lignes de la mâchoire des gens plus anguleuses ou les rendre un peu plus rondes. Vous pouvez également relier les sujets et ajouter une configuration d' éclairage à deux ou trois points avec esquive et combustion. Dans l'ensemble, c'est très efficace et c'est aussi un excellent moyen pour vous de corriger erreurs d'éclairage que vous avez commises Dans ce cas, j'ai légèrement pointé ma lumière vers la droite. Les mains de la mannequin sont aussi brillantes que son visage, et je trouve cela gênant. C'est le principe de base de ce qu'est Dodge and Burn si vous ne le connaissez pas. Cela dit, il existe de nombreuses techniques différentes appliquer Dodge and Burn localement. Mais la méthode spécifique que je vais vous montrer maintenant est la plus simple de le faire dans Photoshop, Lightroom, Capture One ici et Affinity Photo. Il existe des moyens plus avancés de le faire. Il existe également d'autres pinceaux dédiés pour ce faire, mais je trouve que cette technique est la plus simple et qu'elle fonctionne dans toutes ces applications. fait, nous allons utiliser une couche d' ajustement des courbes. Nous allons en régler un pour éclaircir l'exposition de l'image. Nous allons en définir une autre pour assombrir l'exposition de l'image, puis nous allons régler ces deux couches en mode luminosité. J'expliquerai pourquoi nous faisons cela plus tard. Ensuite, nous allons peindre sur un masque et appliquer l' effet sur certaines zones. Pour obtenir cette configuration dans Affinity Photo , nous allons passer à notre curseur de réglages. Nous allons descendre jusqu'à atteindre virages, puis redescendre ici jusqu'à la spline. Nous allons taper au milieu et nous allons remettre cela juste ici, vers le milieu. Ce sont les paramètres 0.38, 0.62 si vous voulez les copier, alors je vais revenir aux couches. Je vais ajouter une nouvelle couche, une couche de pixels. Revenons aux courbes et nous allons redescendre à la spline et nous allons redescendre vers le milieu, 0,64, 0,34, soit le contraire de ce que nous avions auparavant. Je vais revenir ici au panneau Layers. Je vais juste supprimer cette couche vide. Maintenant que nous allons faire avec les deux couches que nous avons ici, nous allons passer en revue options de réglage de nos courbes de fusion et faire passer notre mode de fusion de normal à luminosité. La raison pour laquelle nous allons passer du mode de fusion normal à Luminosité est de nous assurer que cet effet n'affecte que le ton et qu'il n'affecte pas simultanément la saturation ou la couleur de votre image. Parfois, lorsque vous ajoutez une couche d'ajustement des courbes, elle peut également augmenter ou diminuer la saturation. Nous ne souhaitons donc pas que cet effet soit appliqué immédiatement, car nous y reviendrons dans une section ultérieure de ce flux de travail pour effectuer une correction des couleurs. Si nous ne réglons pas ce mode de fusion sur la luminosité ici, nous allons simplement ajouter du travail à une étape ultérieure de votre flux de travail et cela vous ralentira Afin de ne pas avoir à ajouter de travail plus tard, il vous suffit de régler le mode de fusion sur luminosité afin d'éviter tout changement. Maintenant, vous remarquerez peut-être que l'image semble folle. Ce que nous allons faire, c'est ajouter un masque vide à cette couche et nous allons également ajouter un masque vide à la couche inférieure. Vous pouvez également regrouper ces deux couches si vous souhaitez en ajuster les effets simultanément et je suis sur le point de le faire. Je peux vous montrer l' avant et l'après et nous pouvons également rendre l' effet global beaucoup plus subtil. Tout d'abord, nous allons passer à la couche inférieure, qui sera notre esquive. On fera référence à l'esquive. En gros, l'idée d' esquiver est d'augmenter l'exposition aux reflets pour accentuer les points forts d'une image. Dans ce cas, lorsque je souhaite ajouter plus de reflets ou simplement accentuer les yeux de la mannequin, nous déplaçons certaines poches et ombres qui se trouvent sous ses yeux. Ajoutez un peu plus de reflets à son nez et à son front, ajoutez un peu de contour à sa mâchoire et à ses joues, puis ajoutez un peu de scintillement à ses lèvres. Allons-y et sélectionnons le masque, puis nous allons passer à notre pinceau ou à notre pinceau ordinaire. Nos paramètres seront les suivants. 100 % d'opacité, 100 % de fluidité, 2 % de dureté et nous allons simplement régler la du pinceau sur une taille plus grande, puis nous pouvons simplement peindre pour obtenir l'effet. Tout d'abord, ajoutons un petit surlignage. Cela peut être très difficile pour le moment, mais je vais ajuster l'opacité. Plus tard, je vais ouvrir cette ombre sous ses yeux, au-dessus de ses yeux pour enlever ces poches. Je vais en ajouter un peu plus ici. Je vais entrer , déposer ça vers le bas , mettre un peu de lumière sur les yeux. Yeux. Ouvrez-les, ajoutez un peu de surbrillance sous les sourcils, puis ajoutez une petite touche de surlignage juste sur le front, ressortir le front, faites ressortir le front, redescendez, réduisez le pinceau, ajoutez-en un peu ici, un peu sur les lèvres elles-mêmes. Je vais en ajouter un peu en dessous, accentuer cela et ensuite juste les joues juste ici. Je vais en ajouter un peu sur les joues, prendre un peu. Ensuite, je vais m' occuper des cheveux, en ajouter un peu. Rends-le beaucoup plus petit. Ensuite, nous allons entrer et ajouter quelques traits aux cheveux. Donnez-lui plus de détails. alors laissons tomber l'opacité pour le rendre un peu plus réaliste. Descendons pour effectuer un zoom arrière. Vous pouvez déjà voir à quel point cela fait toute la différence en ouvrant les yeux du mannequin. Cela vous donne un peu plus d'angularité à son visage. Où disons 20 %. Et maintenant, nous allons passer à la combustion, qui sera la couche supérieure opposée. Assurez-vous d'avoir sélectionné le masque et, à l'aide de notre pinceau sur fond blanc, nous allons ajouter plus de contours et d'ombres. Laisse-moi agrandir un peu mon pinceau. Ajoutez-en là. Ajoutez-en ici. Je vais en ajouter un peu aux sourcils, les assombrir un peu. Viens ici et ajoutez-en un peu à nos paupières, ici en dessous. Peut-être assombrir un peu la pupille , puis peut-être cette ligne juste au-dessus du pli de l'œil. Fais-le. Entrez, ajoutez-en un peu aux cheveux, assombrissez les cheveux, puis assombrissez également cette zone. Passons maintenant au nez, le contournant légèrement. En dessous, un peu jusqu'à la lèvre. Sous la lèvre également , puis frappez à nouveau les joues. Bien sûr, cela a toujours l'air incroyablement lourd. Il faut juste être capable de voir l'effet. Ensuite, nous allons simplement réduire l'opacité. Je vais probablement finir par faire 20 pour cent également ici. D'accord ? Nous pouvons maintenant activer et désactiver l'effet. Maintenant, une autre remarque : je vais utiliser le brûleur pour réduire réellement l'exposition des mains du modèle. Pinceau. Sélectionnez cette option juste pour réduire également cette zone. est juste parce que je trouvais ce moment fort un peu brillant et distrayant, alors nous allons le faire. OK, et cela a légèrement atténué ce point fort , de sorte que la plupart des éclairages ne sont pas concentrés sur ceux que nous avons ici sur l'espace modèle. Vous pouvez également utiliser la même technique sur les vêtements si vous trouvez que certaines zones du vêtement sont claires et distrayantes et si vous souhaitez les faire ressortir, ou vous pouvez également utiliser cet effet sur l'arrière-plan, par exemple si vous souhaitez ajouter un peu d' éclairage à l'arrière-plan, vous pouvez également le faire là-bas et aidera à égaliser certaines ombres en arrière-plan. Vous pouvez créer autant de couches que vous le souhaitez, puis utiliser une gomme ou un pinceau doux pour estomper ces deux zones afin d'améliorer la transition. Je veux dire que ça égalise un peu l'arrière-plan. Vous pouvez jouer avec cela si, si vous ne voulez pas que l'arrière-plan soit exposé à une certaine exposition, cela rendra évidemment l' arrière-plan un peu plus clair en bas et attirera l' attention de vos spectateurs vers le bas. Vous pouvez souhaiter ou non cet effet, mais vous ne pouvez pas utiliser Dodge and Burn pour accentuer les détails de l'arrière-plan. Il n'est pas nécessaire que ce soit uniquement pour le visage et les vêtements que vous trouverez dans votre boutique. Mais fondamentalement, c'est la technique d' esquive et de combustion. C'est un excellent moyen d'ajouter contraste local et de corriger l'exposition de certaines zones de votre photo. C'est une excellente technique qui vous permet également de relier votre image si vous avez commis une erreur d'éclairage ou si vous souhaitez ajouter des effets d'éclairage supplémentaires, ou si vous souhaitez ajouter tels qu'un éclairage ou un autre type d'éclairage à deux ou trois points. Vous pouvez également utiliser la couleur pour esquiver et brûler si vous le souhaitez. Ce sont des techniques plus avancées que je vais probablement montrer dans un autre cours Skillshare, mais donnez-moi un aperçu. Elles sont également possibles. Grâce à cette technique, nous pouvons passer à la partie suivante du flux de travail de post-production. Dans la leçon suivante, nous allons aborder la prochaine étape. Je vous y verrai. 11. CORRECTION DES COULEURS: Bonjour, mes amis. Devaun Lennox est là et bon retour. Dans cette leçon, nous allons aborder la partie de notre flux de travail consacrée à la correction des couleurs et à l'étalonnage final des couleurs. Maintenant, c'est généralement là que vous feriez l'équivalent d' un point blanc et d'un point noir en définissant un seuil dans Photoshop, mais pour ce flux de travail particulier dans Affinity Photo, cela ne fonctionne pas vraiment aussi bien Vous devez donc adopter une approche plus artisanale qui consiste à corriger les couleurs en utilisant vos yeux plutôt que d' utiliser le panneau d'informations, puis régler vos couleurs par numéro. Il existe de nombreuses manières de corriger les couleurs de vos images et de finaliser votre balance des blancs. Vous avez peut-être remarqué que je ne m'occupais pas de la balance des blancs lorsque nous avons les expositions de base lorsque j'ai ouvert l'image pour la première fois dans Affinity Photo. C'est à ce stade du flux de travail que j'effectue les dernières corrections de couleur pour obtenir l'image, le grade de couleur et la couleur que je recherche, plutôt que le début. La façon dont j'ai pris cette photo, je l'ai prise avec une balance des blancs très plate au départ, donc je n'ai pas vraiment eu besoin de faire réglage pour le réchauffer ou quoi que ce soit d'autre. J'allais y revenir plus tard dans le flux de travail, mais vous pouvez régler votre balance des blancs plus tôt dans le flux de travail, mais je pense qu'en ce moment, lorsque vous finalisez votre image, que vous effectuez la correction finale des couleurs et que vous effectuez l'étalonnage final des couleurs c'est le moment idéal pour vous , c'est le moment idéal pour vous occuper de l'aspect couleur. Comme je le disais tout à l'heure, il existe de nombreuses manières de corriger les couleurs, en particulier dans Affinity Photo, mais je trouve que la méthode la plus simple consiste simplement à utiliser la balance des couleurs, puis à ajouter différentes couleurs cyan, magenta ou jaune à vos tons moyens dans vos tons clairs ou foncés. Pour ma part, je trouve simplement que les tons moyens qui vont composer la majeure partie de la peau juste un peu froids, donc je vais ajouter un peu plus de rouge. Je ne vais pas aller trop loin sur le rouge, mais je trouve qu'il faisait un peu froid, donc je vais en ajouter peut-être 15 et puis c'est devenu un peu vert également, donc je vais juste ajouter peut-être un moins 5 et je vais vous montrer l'avant et l'après. Réchauffe-le un peu , c'est un peu vert. Je voulais juste donner un peu plus de vie à la peau, qui est un peu verte et un peu décolorée. Ensuite, pour les ombres, vous pouvez ajouter une coloration aux ombres. Si vous souhaitez ajouter plus de bleu et donner à votre image un effet de coloration plus prononcé. Je vais en faire un peu, mais je vais surtout ajouter une touche magenta, rougeâtre et violacée, puis juste l'effet global par la suite. Je vais lui donner quelque chose comme ça. Maintenant, il s'agit simplement étalonnage général des couleurs et je vais simplement réduire l' opacité de cette couche. Je ne veux pas être aussi évident, mais je veux qu'il y ait une coloration un peu subtile là-dedans. Nous ajoutons ici un peu plus de finition magenta-rougeâtre. Maintenant, dans cette section également, je vais passer en revue et apporter dernières corrections à la couleur de ma peau. Je vais vous montrer les techniques pour colorer correctement la peau si vous devez colorer correctement la peau. La façon dont j'ai pris cette image et le fait que j'ai utilisé un plat de beauté l'éclairage était très uniforme et qu'il n'y avait pas vraiment beaucoup de teintes dans ont fait en sorte que l'éclairage était très uniforme et qu'il n'y avait pas vraiment beaucoup de teintes dans les différentes couleurs de la pièce Je n'ai donc pas vraiment besoin de corriger autant de couleurs en particulier, mais le principe de base est que vous allez ouvrir une nouvelle couche dans votre programme de montage. Vous allez changer le mode de fusion en couleur, mais vous pouvez également utiliser le mode moyen. Moyenne, je vais vous le montrer bientôt, mais la moyenne prendra également en compte l'exposition de la zone environnante et utilisera également dans le cadre de son ajustement de la couleur, puis vous allez échantillonner une certaine zone à l' aide du pinceau, vous assurer que votre pinceau est sélectionné, échantillonner une belle valeur moyenne, puis vous allez peindre les autres zones que vous trouvez gênantes du point de vue de la couleur. Ensuite, vous allez simplement ajuster l'opacité jusqu'à ce que vous simplement ajuster l'opacité jusqu'à trouviez un bon mélange entre la couleur de peau d'origine qui, selon vous est la meilleure pour peau du modèle , et ensuite la zone à problèmes. C'est essentiellement ce que tu vas faire. La seule zone de cette photo qui pourrait potentiellement poser problème est juste la zone de la bouche du mannequin, juste ici, elle est un peu verte. Je vais continuer et je vais juste vous montrer de quoi je parle ici. Dans ce cas, je veux quelque chose de plus saturé, puis je peindrais cette zone pour réchauffer toute cette zone et éliminer teinte verdâtre de cette zone. Je ne fais qu'ajouter saturation et maintenant, si je vais beaucoup plus haut, vous pouvez voir de quoi je parle ici. Je passe à 30 % et je vais vous montrer l'avant et l'après. Cela a juste ajouté un peu de chaleur et a éliminé le ton vert qui était présent, mais il y a une autre technique que je voudrais vous montrer. C'est quelque chose que je ferais à cette étape du flux de travail, consiste à utiliser une couche en mode de fusion moyen pour uniformiser davantage de tons. Pour cela, vous allez créer une nouvelle couche. Vous allez monter ici, changer votre mode de fusion de normal à moyen, qui se trouve juste ici. La moyenne fonctionne également comme la couche de couleur, mais elle prend également l'exposition de la zone que vous avez sélectionnée et l'utilise comme base de référence. C'est un excellent moyen de finaliser l'exposition d'une zone donnée. Elle est un peu plus localisée que l'utilisation de l'esquive et de la combustion. C'est en partie pour cela que je le fais ici. Vous allez voir de quoi je parle ici. Cela ajoutera essentiellement de l'exposition et de la couleur à ces zones des mains. Non seulement cela uniformise cette zone en termes de ton, mais cela ajoute également la même couleur. C'est un raccourci vraiment intéressant pour faire deux choses en une. Vous pouvez réparer une zone et lui donner un aspect beaucoup plus homogène en termes de couleur et de ton. Vous remarquerez qu'il y faisait plus sombre, puis qu'il a également rempli la couleur. La couleur d' ici est très similaire à la couleur d'ici. Cela résout ces deux problèmes à la fois pour vous . C'est une super petite astuce. C'est en fait quelque chose que je ferais pour corriger l'arrière-plan , et c'est ce que je vais faire maintenant. Je vais revenir ici, régler cela de normal à moyen, et je vais en fait corriger l'arrière-plan pour obtenir une moyenne de l'arrière-plan. C'est en fait quelque chose que je ferais également à ce stade du flux et je me contenterais de peindre l'arrière-plan pour uniformiser l' ensemble de l'arrière-plan. Maintenant, je vais le faire très rapidement, mais ce serait une bonne idée que vous y consacriez un peu de temps. Je vais y retourner. Je veux juste changer l'exposition en bas. Vous pouvez faire l'ensemble de l' arrière-plan de cette façon si vous voulez que l'arrière-plan dans son ensemble soit très, très uniforme et cela vous donnera un arrière-plan très professionnel si vous procédez de cette façon. Vous n'êtes pas obligé de faire tout le contexte. Je vais juste faire la partie inférieure juste pour me débarrasser de cette vignette. Vous remarquerez l'avant et l'après. Elle a simplement supprimé tout cela , tout cela uniformise la couleur de l'arrière-plan et la rend plus similaire à l'arrière-plan que j'ai échantillonné ici. C'est une bonne astuce facile qui vous d'entrer et de faire plusieurs choses à la fois. Permettez-moi de regrouper les modifications que nous venons apporter afin que vous puissiez voir l'avant et l'après. C'est avant et c'est après, puis revenons à la réalité. Nous avons juste uniformisé le ton des mains , puis nous avons uniformisé le visage. Mais c'est ce que je ferais dans cette section du flux de travail lorsqu'il s'agit de la gestion finale des couleurs, ajoutant un petit grade de couleur. Je m'assurerais alors également que le visage du modèle ne présente pas de couleurs inégales. Tout est beau et uniforme . Ensuite, je m'assurerais que s' il y a des mains ou des vêtements, si distrait par la couleur des mains, vous pouvez y remédier en utilisant la technique de coloration que je vous ai montrée tout vous pouvez y remédier en utilisant la technique de coloration que à l'heure. À ce stade également, si vous souhaitez corriger l'arrière-plan ou utiliser technique classique pour simultanément votre exposition et vos couleurs, c'est également le moment idéal pour le faire avant finaliser et d'ajouter notre netteté, puis d'exporter notre image pour le Web ou pour l'impression. Nous pouvons commencer à passer à la partie suivante du flux de travail de post-production. Dans la leçon suivante, nous allons aborder la prochaine série d'étapes Je vous y verrai donc. 12. accentuation: Bonjour mes amis et bon retour. Dans cette vidéo, nous allons améliorer la netteté notre photo pour la préparer à l'exportation. Aujourd'hui, il existe de nombreuses façons d'améliorer la netteté vos images, qu'il s'agisse d'Adobe Photoshop, Lightroom et, ici, d'Affinity Photo. Mais je trouve que le moyen le plus simple est de loin d'utiliser le masque non aiguisé. Cela vous permettra d' avoir une grande flexibilité en ce qui concerne l'endroit où vous appliquez la netteté, mais aussi votre seuil et les paramètres de netteté que vous appliquez à votre image. Je vais vous montrer comment configurer cette fonction particulière. Mais comme je l'ai dit, il existe de nombreuses autres façons d' améliorer la netteté de vos images. d'abord, vous devez sélectionner toutes vos images et créer une nouvelle couche. Parce que les filtres que nous allons appliquer ne peuvent fonctionner que sur une couche aplatie pixellisée. Ils ne fonctionnent pas sur plusieurs couches, ils doivent être aplatis et pixellisés. Vous allez également sélectionner toutes les couches ici dans Affinity Photo, apparaître ici, puis nous allons cliquer sur « Fusionner les couches visibles ». Cela va créer une nouvelle couche supérieure composée de toutes les couches que nous avons sélectionnées en dessous. Ensuite, nous allons passer à l'onglet des filtres. Nous allons faire défiler la page vers le bas et appuyer sur « Unsharp Mask ». Maintenant, vous allez définir votre facteur, qui est l'équivalent du curseur de quantité dans Adobe Photoshop. Vous allez régler ce paramètre sur 50 % , puis utiliser un rayon compris entre un et deux pixels. Je vais juste le régler sur deux pixels, mais vous pouvez le régler sur un seul si vous voulez un effet de netteté plus subtil. Ensuite, vous allez ajuster le seuil, de manière à ce qu'il ne fasse qu' ajouter de la netteté aux yeux, aux sourcils et à une petite partie des cheveux du modèle . Parce que ce seront certains des éléments qui seront les plus éloignés, je suppose, du plan de la caméra. Ils vont être attachés. Vous allez simplement régler l'affûtage jusqu'à ce que nous commencions à peine à obtenir le couvercle. Vous pouvez l'utiliser avant et après pour voir plus facilement ce qui se passe ici. Vous ne voulez pas trop aiguiser les cheveux, mais en même temps, vous devez vous assurer que cela aiguise les yeux et les lèvres. Je vais probablement revenir à environ 15, où cela ajoute un effet. Je pourrais peut-être aller un peu plus loin et le rendre un peu plus puissant. Peut-être 12, ça ajoute certainement un effet à cela. Vous pouvez le voir ici sur les cils. Ensuite, nous allons cliquer sur « Appliquer » et c'est fondamentalement tout ce que vous avez à faire. Maintenant, la seule autre chose à noter, c'est que vous voudrez peut-être passer d'un mode de fusion normal à un mode de luminosité. Parfois, lorsque vous appliquez ces effets d'affûtage, ils peuvent également ajouter de la coloration, généralement une frange violette les halos, ce qui provoque une décoloration de l'affûtage. Si vous voulez éviter cela ou si vous le remarquez en utilisant le masque Unsharp dans votre application, vous devez passer du mode de fusion à la luminosité. Cela ne s'applique essentiellement qu' au changement d'exposition, l'exposition et à un changement de couleur. Mais c'est fondamentalement tout ce que nous allons faire pour améliorer notre image. Nous pouvons commencer à passer à la partie suivante du flux de travail de post-production. Dans la leçon suivante, nous allons aborder la prochaine série d'étapes. Je te verrai là-bas. 13. Exporter: Bonjour mes amis. Devon Lennox est là et bienvenue à notre dernière leçon sur le flux de travail de post-production. Nous allons maintenant exporter notre image à la fois au format JPEG haute résolution pour nos archives et en tant qu'image prête à être publiée sur les réseaux sociaux. Le moyen le plus simple d'exporter une photo Affinity est d'accéder à notre menu principal et de cliquer sur « Exporter ». Vous disposez désormais de nombreux paramètres et formats de fichiers vers lesquels vous pouvez exporter. Toutefois, le meilleur format de fichier à exporter depuis Affinity Photo, qui permettra d'optimiser à la fois la qualité de l'image et de réduire la taille finale du fichier, afin d'obtenir un fichier image d'une taille de 25, 30 ou 100 mégaoctets ou plus, est le JPEG. Vous pouvez utiliser un PNG, mais ils deviennent assez volumineux. Vous pouvez utiliser un TIFF, mais ils deviennent également assez volumineux, et cela n'a pas vraiment d'avantage énorme. Vous allez accéder à Photoshop ou Illustrator pour utiliser l'un de ces autres formats, qui sont très utiles pour l'exportation vers d'autres applications. Mais comme nous exportons uniquement pour enregistrer l'image pour nos propres archives, il vous suffit de cliquer sur l'option JPEG ici. Je vais laisser les dimensions définies par votre appareil photo, qui devraient être d'environ 4 000 x 6 000 pixels. Qualité d'image, je vais la laisser maximisée à 100 %. Vous pouvez maintenant jouer avec le profil ICC, qui sera votre profil de couleur. Je suggère de le laisser au format sRGB, qui est l'une des options que vous pouvez sélectionner lorsque vous configurez votre toile au début. Vous pouvez le placer sur Adobe RGB si votre moniteur est calibré pour Adobe RGB, ou si vous souhaitez simplement utiliser le format DCI-P3 si vous possédez un appareil Apple prenant en charge ce format. Cependant, pour la plupart d'entre nous, le sRGB sera la meilleure option. Ensuite, une fois que vous aurez sélectionné cette option, Affinity fournira la taille finale de votre fichier et il vous suffira de cliquer sur « OK », et vous pourrez l'enregistrer à n'importe quel endroit de votre iPad. Je vais juste le mettre ici, et je vais juste le mettre dans Procreate pour le moment. Vous pouvez simplement l'enregistrer là-bas et le remplacer. Puis boum, nous avons maintenant notre image JPEG exportée prête à être sauvegardée. Maintenant, comment exportez-vous pour les réseaux sociaux ? Les mêmes processus que précédemment. Accédez au menu principal lors de l'exportation, puis nous allons nous assurer que JPEG est sélectionné. La seule différence ici est que vous allez ajuster ce curseur de qualité jusqu'à ce que vous obteniez la taille finale du fichier en générant un aperçu inférieur à un mégaoctet. Ce sera environ 50 %. Passons à 49. Nous allons simplement nous assurer que la taille du fichier est inférieure à un mégaoctet, donc 950 kilo-octets devraient suffire. Ensuite, nous allons appuyer sur « OK » et nous pouvons enregistrer cela dans le même dossier qu'auparavant. Je vais juste venir ici en taper un et appuyer sur « Enregistrer ». Vous y êtes. Vous avez maintenant exporté à la fois votre JPEG haute résolution pour votre sauvegarde à des fins d'archivage, mais vous avez également exporté un JPEG de haute qualité dont la taille de fichier est plus petite idéal pour le partage sur le Web. Notre flux de travail de post-production est maintenant Vous avez maintenant toutes les étapes nécessaires pour finaliser votre image et l'amener à un niveau véritablement professionnel. 14. Dernières réflexions: Voilà, mes amis. Il existe des photographies de beauté économiques à la maison, ventilées du début à la fin. Je tiens à vous remercier d'avoir pris le temps de regarder ce cours. J'espère que les techniques et les compétences que j'ai mises en valeur tout au long de ce cours vous ont été utiles, et j'espère qu'elles ont prouvé que chacun d'entre nous peut capturer des images dignes d'un magazine. Bien entendu, la location ou l'achat d'un studio commercial présentent toujours beaucoup de valeur . Mais la réalité est que vous pouvez reproduire ces résultats chez vous sans contracter un autre prêt hypothécaire par la même occasion. Il n'y a pas non plus de raison d'utiliser équipement ou un équipement de la plus haute qualité pour cette forme de photographie. Tout le monde peut le faire. Il suffit de connaître les techniques de base et d' avoir un flux de travail fiable. À partir de là, trouvez de bons modèles et entraînez-vous. Quoi qu'il en soit, vous êtes désormais parfaitement équipé pour vous attaquer à ce médium. Nous avons abordé les outils nécessaires tels que les éclairages, configuration de votre caméra, les meilleures pratiques à utiliser, les éléments compte à la fois sur le plateau et au préalable, ainsi que le flux de travail complet du post-traitement. C'est à vous de prendre le relais à partir d'ici et de montrer votre vision au monde entier. En parlant de montrer votre vision au monde, votre projet de classe consiste à télécharger votre propre séance éditoriale sur la beauté. Je vous encourage à faire preuve de créativité et à ne pas être perfectionniste, surtout s'il s'agit de votre première tentative dans ce domaine. Je vous invite également à publier tous les travaux en cours ou même les projets entièrement achevés des années précédentes. Quoi qu'il en soit, l'objectif est que nous apprenions et grandissions ensemble. Si vous avez des commentaires ou des questions complémentaires à nous poser concernant ce cours, n' des questions complémentaires à nous poser concernant ce cours, hésitez pas à me le faire savoir en nous contactant ici via Skillshare. J'ai hâte de publier d'autres cours sur cette plateforme et de continuer à vous aider à créer votre vision. Cela dit, j'ai été votre hôte Devaun Lennox et je vous verrai la prochaine fois.