Photographie artistique : exprimer votre vision avec des effets réalisés avec votre appareil photo

1. Introduction au cours: Beaucoup de photos de nos jours m'ont ennuyé. Il semble que certains photographes oublié qu'ils sont eux aussi des artistes. Ils ont peur de prendre des risques et une licence artistique dans leur travail. Un appareil photo est un outil comme n'importe quel autre et lorsque vous en comprenez les paramètres, vous pouvez prendre votre vision et prendre des photos intentionnellement. Bonjour, je m'appelle Maureen, je suis photographe de portraits et de beaux-arts. Avec mon travail, je veux donner aux gens un espace sûr pour l'introspection et la vulnérabilité, afin de susciter le courage d' attirer leur voix intérieure. L'une des inspirations de ce cours est mon portrait, Cololina. Cette photo a été publiée en photo Vogue Italie et je l'ai créée dans la salle de bain de ma mère avec tout ce que j'ai disponible. Le succès de cette photo ne dépend pas entièrement de l'équipement que je devais créer , mais plutôt de ma connaissance des effets intégrés à l'appareil photo, ma vision et de ma recette pour construire l'histoire que je voulais raconter. Dans ce cours, nous commencerons par avoir une brève conversation sur la façon d'être inspiré, comment la curiosité et la volonté d'être vulnérable peuvent-elles vous aider à vulnérable peuvent-elles vous aider créer une vision unique de l'histoire. Ensuite, dans chaque leçon, vous apprendrez comment expérimenter et plier la réalité avec des effets intégrés à la caméra. Pour cela, j'ai sélectionné cinq de mes favoris à essayer. Il s'agit de mouvements gelés, de flou, de zoom, de mise au point et d'ICM. Pour votre projet de classe, vous choisirez un effet intégré à la caméra qui, selon vous correspond à votre vision et expérimentez-le. Votre objectif n'est pas de prendre une « photo magnifique ou techniquement parfaite ». Parfois, une photo convaincante est simplement laide ou même sombre, mais significative pour vous et, espérons-le, pour les autres. Ce cours s'adresse à tous ceux qui ressentent un stock ou qui s'ennuient de la photographie. Si vous êtes quelqu'un qui peut prendre bonnes photos qui ne vous bougent pas, ce cours vous aidera à vous reconnecter avec votre voix intérieure tout en ajoutant du dynamisme à vos images. Même le débutant est le bienvenu ici. Ce cours vous donnera inspiration sur la façon dont vous pouvez réaliser travail significatif tout en apprenant les fondamentaux de la caméra afin que vous puissiez commencer à créer immédiatement. À la fin, vous aurez une idée complète de la fusion de l' inspiration, de la narration et de la façon de tirer parti des paramètres de votre appareil photo et de l' objectif comme si vous utilisiez différents. pinceaux pour créer des œuvres artistiques sans avoir besoin de se fier à Photoshop. Sachez que vous avez la responsabilité en tant qu'artiste, d'apporter ce qu'il y a en vous. Cela fait partie de votre héritage , alors devenons vulnérables. 2. Orientation De Projet Et De Classe: [MUSIQUE] Bienvenue dans la classe. Notre objectif pour votre projet de classe est de choisir un effet intégré qui, selon vous, peut vous aider à communiquer votre vision ou vos émotions de votre histoire et à l'expérimenter. Je vous invite ensuite à partager vos résultats ou vos résultats dans la section Galerie de projets. Je me ferai un plaisir de vous fournir des commentaires constructifs. Mais avant de commencer la notation, j'aimerais vous donner quelques recommandations. Commencez par le bon état d'esprit. Il n'est absolument pas nécessaire de prendre une photo magnifique ou techniquement parfaite. Il s'agit d'expérimenter, pratiquer et de découvrir une nouvelle façon de s'exprimer. Lorsque vous essayez d' obtenir un effet intégré à l'appareil photo, concentrez-vous sur la lecture et expérimentez-le avec les paramètres de votre appareil photo et l'objectif. Plus vous vous entraînez, il vous sera facile de créer ces effets lors de vos déplacements. Cette compétence fera partie de votre boîte à outils de photographie qui vous permettra créer des photos créatives uniques pour vous et pourquoi pas pour les futurs clients. Pour les sections où vous travaillez à construire une vision de l' histoire significative, considérez cette partie du processus comme une pratique créative de soins personnels dans laquelle vous partagerez ce qu'il y a en vous, ce qui compte pour vous. Ce rituel m'aide à me détendre et m'amène à entrer dans l'état de flux pour me connecter profondément à ma voix intérieure pour créer des images significatives. Je vous le recommande vivement. Pour vous aider à créer votre projet, j'ai divisé cette classe d'une manière qui vous guide tout au long de mon flux de travail afin que vous puissiez l' imiter ou vous inspirer pour créer votre propre système créatif. La première leçon décrit étape par étape comment s' inspirer et construire une vision de l'histoire jusqu'à comment la fusionner avec des effets intégrés à la caméra. Le reste des leçons se concentre sur deux enseignements centraux : comment obtenir un effet spécifique à la caméra et fournir des exemples de la façon dont je fusionne cet effet avec ma vision pour aider à raconter l' histoire ou l'émotion. Cette classe regorge de tonnes d'informations exploitables. Pour vous aider à gagner un point débordé, j'ai dû me couvrir. Je vous recommande de télécharger d'abord le manuel de calcul et de ressources que j'ai créé pour vous, car il contient un résumé de tous les concepts fondamentaux de chaque leçon. Cela vous permettra de vous immerger dans les vidéos, puis d'avoir le classeur à portée de main lorsque vous travaillez sur votre projet. D'autres ressources que j' ai incluses sont une liste de tous les équipements que j' utilise pour chaque effet de caméra, ressources et alternatives au cas où vous n'avez pas l'équipement que j'ai utilisé, une ISO, une ouverture, et un tableau de vitesse d'obturation, ainsi qu'une section pour écrire les paramètres de votre appareil photo pendant que vous expérimentez ou des notes concernant votre processus. L'équipement de base dont vous aurez besoin est un appareil photo reflex numérique, un trépied ou un vase pour contenir votre appareil photo, et tout logiciel de montage pour améliorer vos photos. Pour des effets intégrés à l'appareil photo plus avancés, vous aurez besoin d'un objectif zoom pour l'effet zoom et d'un téléphone portable pour l'effet défocalisé au cas où vous pouvez le faire avec votre appareil photo reflex numérique ou vos objectifs. Si vous n'en avez pas quelques-uns, j'ai inclus un PDF avec des options dans la section Ressources. Enfin, il sera bon d'avoir un fond noir ou un drap de lit ou un tissu sombre pour l'effet de flou de mouvement, un objet brillant et une lumière constante. Il peut également s'agir d'une lampe de maison pour l'effet de flou de mouvement. Ne vous inquiétez pas si vous n'avez pas tous les équipements que je propose. Je vous encourage à regarder les leçons, inspirer pour expérimenter et pourquoi ne pas trouver des moyens d'obtenir des effets à l' intérieur de la caméra avec tout ce que vous avez disponible. Il y a toujours des options à créer comme je l'ai fait lors de la création mon portrait Elena publié dans PhotoVogue, en Italie. Vous êtes tous prêts. Je vous verrai dans la prochaine leçon. [MUSIQUE] 3. Processus créatif : Construire votre vision: Bien que ce cours porte sur la façon de s' exprimer avec des effets intégrés à la caméra, il serait utile de se concentrer tout d'abord sur l'apprentissage leur intégration dans le concept de vos images. L'objectif est que ces effets aident à communiquer votre histoire ou votre émotion. Mais pour y parvenir, je vais d'abord vous montrer mon processus créatif pour développer une histoire ou une scène. Un processus en trois étapes que j'ai trouvé est assez relaxant, amusant et perspicace. Il pourrait même devenir une pratique créative de création personnelle. En bref, nous parlerons de la façon de créer votre coffre-fort d'inspiration pour vous inspirer, déterminer quels sujets ou thèmes vous souhaitez exprimer avec votre photographie, et le processus à suivre pour construisez votre histoire en fonction vos sujets préférés et fusionnez-la avec un effet intégré à la caméra. Ce processus est très pratique, surtout si vous avez le bloc du créateur. Vous vous sentez débordé et découragé parce que vous n'avez aucune idée de ce qu'il faut créer. Votre esprit est vide. Mais c'est bon, ça arrive à tous les créateurs. Nous avons juste besoin de nous inspirer et d'appliquer certaines techniques pour enflammer le moteur créatif. Commençons. Une des habitudes que j'ai développées pour nourrir ma créativité est rassembler tout ce qui apporte joie et [inaudible] mes intérêts. Je garde ces ressources dans ce que j' appelle mon coffre-fort ou mon centre d'inspiration. Par exemple, mes sources d' inspiration sont les peintres de la Renaissance, musique, les paroles, les films, les livres et mes expériences de vie. vue mutuel, tout peut être source d'inspiration. Vous pouvez commencer immédiatement à créer votre coffre d'inspiration. Avoir un dossier dans votre ordinateur ou dans le Cloud dans lequel vous pouvez conserver des références de choses qui vous intéressent, qui vous déplacent, ferait l'affaire. Je vous encourage à créer votre centre d'inspiration dès que possible, car au lieu de sortir avec votre appareil photo sans aucune idée de l' histoire à raconter, ce qui peut être très décourageant, avoir des références sur les choses que vous aimez détendrait votre esprit et stimulerait votre créativité et susciterait des idées pour vos projets. de nous exposer à différents artistes, est précieux de nous exposer à différents artistes, techniques et expériences de vie. Vous disposerez d'un univers d'options pour tirer parti de votre coffre d'inspiration et les mélanger afin de développer une perspective unique. J'aime penser que les créateurs de ces ressources sont mes mentors et que leur influence sur ma créativité éclairera mon travail. L'étape suivante consiste à découvrir les thèmes ou sujets généraux que vous souhaitez explorer et développer dans votre photographie. Par exemple, mes sujets sont le silence, mélancolie, la nature, la vulnérabilité, l'intimité et la féminité. Il est important de le clouer car , en tant que message central de votre image, ils peuvent devenir votre voix et communiquer ce que vous défendez à votre audience. Comment trouver le vôtre ? Nous pouvons les découvrir en creusant nos intérêts et en nous interrogeant nous-mêmes. C'est ce que j' aimerais que vous essayiez. Si possible, trouvez un endroit où vous pouvez être seul. Regardez votre coffre d'inspiration et regardez également vos photos et rappelez-vous des histoires uniques avec vos amis et votre famille. Soyez curieux de savoir ce que vous avez collecté. Essayez de ne pas vous juger vous-même. Concentrez-vous sur l'observation et l'absorption. Plongez dans la contemplation. Prenez ensuite un papier et un stylo et commencez par vous interviewer. Vous pouvez utiliser les invites suivantes comme guide ou créer les vôtres. Je les ajouterai dans leur section Ressources si vous en avez besoin. Si je devais mourir demain, quoi pourrais-je être passionné de parler ? Quelles activités m'ont apporté le plus de joie ou m'ont fait sentir vivant tout au long de ma vie ? Qu'est-ce que je ressens lorsque je vois les œuvres des artistes que j'admire ? Quels mots de chansons que j' aime beaucoup résonnent avec moi ? Quels sont les passe-temps ou les habitudes qui me font sentir en vie ? Soyez minutieux et soulignez les mots qui vous émouvent, ceux qui résonnent le plus et suscitent une passion pour la création. Pour moi, les œuvres de Sandro Botticelli déclenchent les mots féminité. C'est devenu l'un de mes thèmes et sujets d'intérêt préférés. Cet exercice vous permet d' explorer votre cosmos intérieur. Il est aussi illimité que vous le souhaitez. Si vous vous sentez mal à l'aise en étant vulnérable, c'est génial. Vous devrez apprendre à mieux vous connaître vous-même. Par exemple, quand je travaillais sur mon père de pause, j'ai exploré ses derniers jours avant de décéder. J'étais nerveuse car regarder le passé et l'exposer peut être très douloureux. Cependant, je savais que [inaudible] et me laisser vulnérable m' aideront à mieux le comprendre et à avoir un lien plus profond. Cette ouverture m'a permis de créer quelque chose de beau et de spirituel qui est sorti tout droit de mon vrai moi. La vulnérabilité n'est pas à craindre. Nous pouvons l'adopter pour créer un travail plus significatif et nous connecter profondément avec nous-mêmes et avec les autres. Nous avons créé le coffre d'inspiration et découvert les sujets à développer dans votre photographie. Quoi maintenant ? Eh bien, la prochaine étape consiste construire votre vision de l'histoire en fonction un ou deux thèmes et d' ajouter des effets intégrés à la caméra pour vous aider à raconter votre histoire. Maintenant, choisissez l'un de vos thèmes et sujets préférés et demandez-vous quelle histoire puis-je voir ? Prenez votre temps et imaginez une scène puis décrivez-la. Soyez très détaillé. Pensez à cet objet, à cet emplacement, à cette garde-robe, à cet accessoire, à tout pour donner vie à votre histoire de vision. Voici un exemple. Thème, féminité et mouvement. Une histoire ou une vision de l'histoire, une femme est assise tranquillement. Elle est dans un endroit sombre mais entourée de lumière chaude. Il y a un sentiment de paix, de sérénité et de féminité. Je vois ses cheveux. Il est désordonné, sauvage et gratuit. Elle a de belles fleurs suspendues sur le dos. Elle semble confiante sur sa peau nue, dansant insouciante, profitant de son temps. Comme vous pouvez le voir, je décrit une scène comme si je la racontais à un ami. Je n'essaie pas d'écrire un livre, mais seulement d'imaginer ce qui se passe là-bas. Je suis très détaillé. L'objectif est d'avoir une idée claire de ce que nous voulons exprimer. Si vous avez du mal à raconter des histoires, suivez ces questions sur ces éléments de narration comme guide pour les développer. Trois éléments suffiront à construire l'histoire. Je vais commencer par décrire d'abord le sujet. Par exemple, Qui ? Une femme est assise tranquillement. Quoi ? Elle est dans le noir, mais il y a aussi une lumière chaude qui l'entoure. On dirait que son corps bougeait. Elle porte des fleurs, elles sont accrochées au dos. Où ? Il peut s'agir de sa chambre ou de sa salle de bains. N'oubliez pas que le public n'a pas besoin de savoir pourquoi cet objet se trouve dans cette situation ou à la fin de l'histoire. Laissez-les se demander comment ça s'est terminé. Cela créera de l'engagement. Pour terminer la construction de l'histoire, nous devons réfléchir aux éléments qui nous aideront à la raconter. En d'autres termes, quels effets et symboles intégrés seront appliqués pour donner à mon public des indications sur ce qu'est une histoire ou une scène. Vous les avez peut-être déjà écrits intuitivement dans votre vision de l'histoire, c'est parfait. Mais veillons à ce que ces éléments communiquent quelque chose. Parlons de ces éléments. Un symbole peut être un objet qui sert d'accessoire ou d' élément dans l'image, mais qui signifie également quelque chose qui dépasse le sens du mot, ce qui ajoute une couche à la communication de votre histoire. Pour Alina, j'utilise les fleurs comme signe de féminité et de pureté. Les effets intégrés à l'appareil photo sont des distorsions de la réalité créées en jouant avec des combinaisons de paramètres de votre appareil photo et de l'objectif. À emporter, c'est de savoir pourquoi ils seront à votre image. Assurez-vous que l'effet que vous choisissez communique quelque chose dans l'histoire plutôt que de sélectionner uniquement parce qu'il a l'air cool. Pensez toujours à ce que vous voulez que vous ressentiez vous-même et votre public. Voulez-vous que votre spectateur ressent du mouvement en appliquant un flou de mouvement par exemple ? Pour Alina, j'ai utilisé le flou de mouvement avec une technique d'exposition longue pour représenter un mouvement doux du corps d'Alina. Avec cet effet, j'espère que le spectateur éprouve un sentiment de mouvement dans le corps d'Alina au lieu de regarder une image fixe. Je veux transporter mon public vers une scène live dynamique. Tout au long de ce cours, je vais vous montrer d'autres exemples de mon travail et d'autres artistes qui expriment leur vision avec des effets de caméra pour vous aider à vous inspirer. Une vision complète de l'histoire comprenant des symboles et des effets intégrés à l'appareil photo ressemble à ceci. Maintenant que vous avez une vision claire, ne reste plus qu' à faire un croquis dans votre vision de l'histoire pour avoir une carte visuelle de votre scène. Notez qu'il existe d'autres types de photographie, comme l'abstraite. Dans ceux-ci, vous pouvez intégrer effets à l'appareil photo sans raconter d'histoire. Dans ce cas, l'idée est d'exprimer une émotion afin que son processus de création soit différent de celui de la création d'une histoire. C'était une longue unité créative. J'espère que vous avez apprécié autant que moi. N'oubliez pas que c'est de cette façon que je fusionne une vision de l'histoire avec des effets intégrés à la caméra. Je vous invite à prendre cela comme un guide pour créer votre propre système afin de créer des images que vous aimez. Merci. On se voit dans la prochaine leçon. [MUSIQUE] 4. Mouvement congelé: [MUSIQUE] mouvement gelé est le fait qui nous permet de voir quelque chose qui bouge complètement gelé dans le temps. Ce que j'aime dans cet effet, c'est qu'il nous aide à voir tous les détails de l' action qui se déroule. Voyons comment cet effet peut être appliqué pour transmettre une histoire ou exprimer une émotion. L'histoire de cette photo a été inspirée de la chanson Cry Me A River. Même si cette phrase est le titre d'une chanson pop, j'ai trouvé intéressant d' explorer et de créer une image qui représentera un chagrin et tous les sentiments qui l'accompagnent. Par exemple, tristesse, frustration , regret, etc. C'est une scène dans laquelle on ne sait pas qui est le sujet, pourquoi elle porte un pull fantaisie pendant la journée et quand elle s'est retrouvée sous une douche à l'extérieur, on n'en a aucune idée. Cependant, si on regarde le langage corporel, on peut dire qu'elle est peut-être triste, en colère. Nous pouvons dire que quelque chose ne va vraiment pas, et c'est intrigant. Ne pas savoir ce qui se passe dans la scène, c'est tout à fait très bien. Cela fera en sorte que votre public s'interroge et devine comment se déroule ou se termine l' histoire. Ce que je recommande, c'est lorsque vous photographiez, filmez avec l'intention d' exprimer une émotion spécifique. Par exemple, si vous regardez cette photo, même si elle provient du même photoshoot, son expression et son langage corporel sont complètement différents, et donc l' histoire change. Cela pourrait représenter une histoire sur quelque chose de bon, par exemple une célébration parfois ou même une euphorie. Pour aider à transmettre cette triste histoire, j'applique l'effet de mouvement gelé pour rendre les gouttes d'eau nettes et nettes comme métaphore pour représenter quelque chose qui peut être douloureux. Par exemple, des petits rochers ou des balles frappent votre corps. L'opposé de ceux-ci aura été d'appliquer flou de mouvement pour rendre l'eau plus douce et plus douce, transmettant une émotion complètement différente. Par exemple, la mélancolie. Eléments ou symboles. autres éléments ou symboles utilisés pour communiquer l'histoire sont le pull fantaisie qu'elle porte et l'alliance, car ils fournissent des indices sur ce qui se passe dans l'histoire. Dans ce cas, j'ai choisi une garde-robe de fête ou de cocktail conçue pour être portée pendant la nuit lors d'une fête ou d'un cocktail afin que le public puisse spéculer sur les scénarios possibles. Par exemple, peut-être qu'elle était au dîner ou à la fête et qu'elle n'est pas revenue à la maison. Enfin, l'eau elle-même représente des émotions qui coulent. Voici d'autres exemples merveilleux de différents photographes. Le photographe Neal Grundy, et j'espère bien le prononcer, a créé ces impressionnantes séries d' images appelées sculptures transitoires. Ces séries idéalistes ont été réalisées en gelant des morceaux de tissu au milieu du vol, ce qui donne l'impression, comme son nom l'indique, de sculptures. Bien que ces photographies ne racontent pas une histoire en soi, elles transmettent certainement des émotions. Pour moi, c'est calme et un sentiment de gravité. D'autres très bons exemples sont ceux du photographe Natsumi Hayashi. Elle photographie des autoportraits de lévitation, et transforme généralement des scénarios en histoires très intéressantes. C'est une invitation créative pour vous. Quel scénario et quel sujet utiliseriez-vous ces techniques de mouvement gelé pour véhiculer la folie ? Pensez-y. Parlons maintenant des aspects techniques. Comment pouvez-vous atteindre cet effet ? La première chose que je fais lorsque je suis prêt à photographier, c'est de m'arrêter un instant et de me demander pourquoi dois-je faire avec mes paramètres d'exposition pour obtenir un certain effet ? Dans ce cas, je sais que je veux geler la motion. Pour cela, je dois me concentrer sur la vitesse d'obturation. La vitesse d'obturation nous permet de faire deux choses. abord, choisir pendant combien de temps le capteur de la caméra sera exposé à la lumière. Deuxièmement, cela nous aide également à geler le mouvement, ce que nous recherchons dans cette leçon. Ou cela peut également nous aider à créer un flou de mouvement. Pour geler le mouvement, vous devez choisir une vitesse d'obturation d' au moins 1/250 de seconde et plus. La valeur exacte de la vitesse d'obturation dépend de la vitesse à laquelle votre sujet se déplace. Par exemple, s'il s'agit d'une personne qui marche normalement plutôt que de geler des gouttes d'eau. Maintenant, allons tirer. Une fois que votre appareil photo est prêt, commencez par tester la vitesse d'obturation rapide par rapport au sujet en mouvement. Dans ce cas, j'ai commencé à tester mes vitesses d'obturation contre les gouttes d'eau. Voyez ensuite la différence entre chacun de vos tests et choisissez celui qui gèle le sujet avec succès. Je ne suis honnêtement pas une personne technique, donc j'apporte toujours une fiche de triche avec moi pour revoir mes options et mon triangle d'exposition si j'en ai besoin. Gardez à l'esprit que j'ai photographié par une journée très ensoleillée, ce qui m'a permis de photographier à une vitesse d'obturation très élevée de 1/1600 de seconde, et avec une grande profondeur de champ sans avoir besoin de flash ou stroboscopique pour compenser la lumière. Si vous photographiez à l'intérieur, vous aurez probablement besoin d'un flash ou d'un stroboscope qui vous donnera l'éclat de lumière nécessaire pour filmer rapidement et geler le mouvement. Après avoir examiné tous mes clichés, je me rends compte que j'aurai essayé une vitesse d'obturation plus rapide car même si j'ai vraiment adoré les résultats, je remarque que certaines gouttes n'étaient pas aussi nettes et nettes. comme je le veux. Ce n'est certainement pas une grosse affaire, mais ce sont des choses à considérer là même pendant que vous tournez. Les incitations créatives vous permettent de commencer à utiliser votre imagination et de remue-méninges à la maison. Rappelez-vous également que vous pouvez partager votre projet dans la section Projet et obtenir des commentaires constructifs de ma part et de vos collègues étudiants. C'est tout pour cette leçon. Je vous verrai dans le prochain. Au revoir. [MUSIQUE] 5. Bouquet de mouvement : Technique d'exposition longue: flou de mouvement est l'effet frappant enregistré lorsque votre sujet ou votre appareil photo se déplace pendant une exposition. Pour rappel, l'exposition correspond à la quantité de lumière qui atteint le capteur ou le film de votre appareil photo. Il est déterminé par la façon dont vous réglez la vitesse d'obturation, l'ouverture et les numéros ISO. De tous les types d'effets de flou de mouvement, c'est de loin mon préféré car cette technique m'a permis de créer belles œuvres éditoriales en utilisant simplement des lampes que j'ai trouvées chez moi ou un petit lumières constantes. Vous verrez à quel point il est facile de créer un flou de mouvement avec cette technique à la maison. Parlons d' abord de la partie créative de la séance photo afin que vous puissiez commencer à réfléchir à des idées pour comparer une émotion ou une histoire avec cet effet. Le flou de mouvement créé à l'aide de la technique d'exposition longue me donne l'impression de quelque chose d'éthéré. Cela me rappelle le temps qui s'est écoulé. Cela pourrait aussi être de l'énergie qui quitte notre corps, murmure ou pourquoi pas des ondes sonores qui coulent autour de nous ? Pour vous donner plus de contexte, explorons les détails créatifs derrière cette image. Inspiration, c'est l' une des images inspirées des enseignements du philosophe britannique Allan Watts. La narration, l'histoire [inaudible] sur le lâcher prise plusieurs niveaux : lâcher le passé, lâcher les vieilles croyances et les observer au fur et à mesure. Le sujet est dans la solitude ; son esprit est dans un endroit calme. Elle absorbe son passé et laisse tomber pour pouvoir vivre ici dans le moment présent. L'effet est un flou de mouvement réalisé avec une technique d'exposition longue pour créer un sentier léger. Le sentier lumineux représente l'énergie des vieilles croyances, des vies passées et de la douleur quittant le corps, l'esprit et l'âme. Les symboles utilisés sont l'endroit sombre pour représenter l' esprit tranquille et la solitude. J'ai partagé avec vous certaines des représentations qu'un flou de mouvement peut transmettre dans une image, mais il s'agit en aucun cas d'une liste exhaustive. J'ai une autre impulsion créative pour vous. Je suis très curieux de savoir quelle émotion ou quelle histoire vous transmettriez en appliquant un flou de mouvement avec la technique d'exposition longue. Comme dans nos leçons précédentes, parlons maintenant de la façon de créer cet effet. La première chose, la chose la plus importante est choisir un endroit où vous pouvez tirer dans le noir. Soit c'est une pièce sombre où vous pouvez fermer toutes les ombres, ou peut-être que vous pouvez photographier la nuit. Nous avons besoin de ce type de jeu contrôlé par la lumière afin que l'effet de sentier lumineux soit parfaitement visible, sinon si vous avez plus de lumière autour, plus de lumière ambiante, vous ne pourrez pas voir l'effet de flou de mouvement sur le sentier comme nous le voulons. Souvenez-vous d'une pièce sombre ou d'une prise de vue nocturne. Pour les exemples que je vais vous montrer, j'ai utilisé l'équipement suivant. Un trépied ou quelque chose qui peut contenir votre appareil photo, il peut s'agir d'une pile de livres ou d'une table, d'une toile de fond sombre ; pour cet effet, plus la toile de fond est sombre , mieux c'est. J'ai utilisé un tissu noir et marron qui fonctionne. Les draps ou même un mur sombre fonctionnent parfaitement bien. Tant qu'il fait sombre, vous êtes prêt à partir. J'ai également utilisé une lumière constante, ce qui signifie une source de lumière qui fournit constamment de la lumière, il peut s'agir, par exemple, d'une lampe LED ou d'une lampe que vous pouvez trouver dans votre maison. J'ai utilisé cette petite lampe LED. Rien de fantaisiste qui fonctionne totalement. Bien sûr, vous aurez besoin d'une personne pour tirer. Je fais surtout des autoportraits, pour que cette personne puisse être toi. Si c'est le cas, je vous recommande d'obtenir une télécommande. Je les ai, cela m' aide à travailler plus facilement. Je n'ai pas besoin de régler ma minuterie et courir sur les lieux et de faire des allers-retours. Vous aurez également besoin d'un objet brillant pour refléter la lumière et créer le sentier lumineux. Par exemple, j'utilise cette chaussure. C'est littéralement ce dont vous avez besoin, quelque chose qui reflète la lumière. Une fois que tout l' équipement et la pièce ou l'ensemble sont prêts, il est temps de définir où vous allez placer votre lumière constante. J'ai placé ma lumière constante autour de 45 degrés devant moi. La lumière était face à moi d'en haut. Je m'assurais que la lumière me frappait le visage et la chaussure brillante pour vraiment créer cette traînée de lumière. Parlons un peu de vos paramètres. Dans la leçon précédente, nous avons parlé du mouvement gelé, que vous pouvez atteindre en sélectionnant une vitesse d'obturation de 1 sur 250 et plus. Pour cette leçon, nous allons faire le contraire. Nous allons à nouveau lire d'abord et avant tout les réglages de la vitesse d'obturation. Mais cette fois-ci, la clé est de choisir une vitesse d'obturation très lente, puis équilibrer l'ouverture et l' ISO en conséquence. En d'autres termes, nous travaillerons avec une technique d'exposition longue durée. N'oubliez pas que lorsque vous sélectionnez une vitesse d'obturation lente, plus de lumière frappe le capteur, ce qui signifie que vous pourriez obtenir une image surexposée. Pour résoudre ce problème, compensez en sélectionnant un plus grand nombre d'ouverture et sélectionnez un ISO faible, par exemple 100e. Maintenant, pour créer un flou de mouvement, quelque chose doit bouger. Il peut s'agir de l'appareil photo ou de l'objet que vous photographiez. Lorsque je créais ce concept, l'idée était de créer une traînée de lumière, ainsi que des traces de lumière qui refléteront mon visage et mon corps sous différents angles, ce qui signifie que je devrai expérimenter en se déplaçant à différents pas et en posant différentes manières là où je tenais les chaussures brillantes. Je vais devoir le faire encore et encore jusqu'à ce que je reçoive la photo qui transmettra vraiment l'idée de lâcher prise. Pour cette prise de vue, ma vitesse d'obturation était de cinq secondes, ouverture était de 22 et la norme ISO était de 100. Vous pouvez commencer par des paramètres similaires en tenant compte du fait que vos paramètres changeront parce que vous filmez dans un état différent. Une fois que vous avez défini vos paramètres préliminaires, commencez à mesurer la vitesse que vous avancez par rapport à votre vitesse d' obturation. Entraînez-vous, entraînez-vous, entraînez-vous jusqu'à ce que vous obteniez la combinaison parfaite de paramètres et de la vitesse à suivre pour obtenir le résultat souhaité. J'espère que vous avez apprécié cette leçon autant que moi. N'oubliez pas de partager votre projet dans la session du projet. Je me ferai un plaisir de vous fournir des commentaires constructifs. Merci beaucoup et à la prochaine leçon. [MUSIQUE] 6. Hors de la concentration: [MUSIQUE] Combien de fois avez-vous entendu dire que vos photos devaient être ciblées et nettes ? Je devine presque toujours. Mais pour cette leçon, je veux vous inviter à penser différemment. Penser que ce qui peut être un point déterminant pour beaucoup de photographes pourrait également être un autre outil pour exprimer votre créativité. Je parle de superbes images complètement défocalisées, mais intentionnellement, vous voyez que de superbes images complètement défocalisées, mais intentionnellement, la photographie est une médiane d'expression et, en tant que telle, il y a des situations où la technique est ni bien ni mal. C'est juste une autre façon d'obtenir un résultat précis et, tout en obtenant images nettes, il est généralement recommandé d' obtenir des photos incroyables. Il y a des moments où le contraire est vrai. Dans le cadre de cette leçon, je vous donne la permission de noter des images défocalisées, alors plongeons. Voici quelques exemples de la façon dont j'ai utilisé cette technique pour créer des images qui représentent des souvenirs que j'ai avec des amis, rêves et des histoires fictives. Lorsque je ferme les yeux, les images ne sont ni précises ni claires. C'est pourquoi j'adore cette technique, afin que mon spectateur puisse être transporté dans ma propre expérience. C'est comme leur donner accès aux parties les plus personnelles de mon esprit. Cette image, par exemple, est inspirée de l' histoire de mon père. La façon dont je me souviens de lui, et ce que je pense qu' il imaginait au moment de son décès. La scène raconte l' histoire d'un homme solitaire qui aimait passer du temps dans la mer. C'était son lieu sacré. Le sujet est résolu à contempler la beauté de nature et à se préparer à transcender. C'est son dernier souvenir, ou peut-être son rêve. Effets, technique défocalisée pour que le spectateur ait des émotions similaires à celles que le sujet a pu ressentir. Il peut s'agir d'un souvenir ou d'un rêve. Les symboles utilisés, l'eau comme symbole de la provocation du mental subconscient avant le décès et la transformation. La lumière comme symbole de la vie dans l'au-delà et du guidage. Voici d'autres exemples d' images défocalisées de l'artiste Bill Armstrong. Ces images font partie de son travail intitulé The Infinity série. Sa technique consiste à faire des collages et à en prendre des photos. Quand il le fait, c'est photocopier, couper et peindre sur des images, puis les reprend comme des photographies hors focus. Comme vous pouvez le constater, vous pouvez créer des images défocalisées en prenant des photos de collages ou pourquoi pas ? Par exemple, prenez des photos d'un design que vous avez réalisé dans Photoshop pour créer quelque chose de complètement nouveau. Avant de poursuivre la partie technique, examinons la prochaine invite créative. Après avoir terminé cette leçon, allez-y et promenez-vous avec votre appareil photo dans votre quartier ou dans un endroit que vous aimez, observez les environs. Ne vous précipitez pas, prenez le temps d' absorber tout ce que vous voyez, puis choisissez une scène que vous aimeriez voir comme un rêve ou comme un souvenir lointain en appliquant la technique défocalisée. Il est maintenant temps de découvrir comment créer ces effets. En ce qui concerne l'endroit où vous pouvez photographier à tout moment de la journée, extérieur ou à l'intérieur, c'est à vous de décider, quel que soit l'endroit où vous choisissez de photographier, je suggère que vous commenciez par une histoire simple, peut-être une scène avec une seule personne, afin que vous puissiez commencer à ressentir comment le défocalisation fonctionne et s'en tire. Pour créer cet effet, vous devez basculer la mise au point de votre caméra en mode manuel. Cela signifie que vous utilisez la bague de mise au point de votre appareil photo. Sinon, vous êtes défocalisé, les paramètres tenteront de vous concentrer ailleurs. Si vous n'avez pas de sonnerie de mise au point, vous pouvez peut-être utiliser votre téléphone portable et passer à la mise au point en mode manuel. Pour cet effet, nous devons travailler sur les arrêts F de l'objectif. Cela signifie préparer votre appareil photo à prendre des photos avec les deux chiffres supérieurs les plus petits disponibles. Il s'agit de limiter la profondeur de champ et de créer un style de compartiment. Par exemple, mes deux plus petits chiffres supérieurs sont 2,8 et, comme toujours, n'oubliez pas de configurer votre appareil photo avec la bonne exposition. Dans ce cas, réglez votre ISO et votre obturateur en conséquence. Par exemple, j'ai photographié une journée ensoleillée en plein air avec de la lumière naturelle, donc je viens d'amener mon appareil photo à la 100e ISO. Obturateur à une vitesse supérieure à 600e pour éviter le flou de mouvement et réduire la quantité de lumière. Mon objectif était un objectif de 50 mètres. Une fois que vous êtes prêt à prendre des photos, si vous travaillez avec un appareil photo reflex numérique en mode manuel, déplacez la bague de mise au point pour qu'elle se concentre d'abord sur l'infini, puis déplacez-la d'avant en arrière plusieurs fois jusqu'à ce que vous ayez le bon choix. quantité de travail. Ce que je veux dire, c'est trouver une image défocalisée qui a encore une certaine forme, afin que votre spectateur puisse identifier les éléments. Sinon, si vous exagérez l'effet, cela rendra l'image abstraite, que vous pourrez certainement utiliser pour d'autres pauses photographiques, la fois dans le cadre de cette leçon, concentrons-nous, non jeu de mots, obtenir une belle image défocalisée. De plus, vous devrez peut-être jouer avec la distance entre le sujet et l'arrière-plan, et si vous avez un objectif zoom ou un autre objectif, expérimentez-les ainsi que toutes ces variables peuvent changer la façon dont vous avez besoin. l'effet ressemble. Enfin, si vous utilisez votre téléphone portable, cherchez un moyen de définir la mise au point en mode manuel et de le déplacer plus tard, également plusieurs fois jusqu'à obtenir le meilleur résultat. C'est une image que je vous ai montrée dans l'exemple créatif, et c'est le résultat de quelque chose de similaire réalisé dans le parc. C'est ainsi que vous pouvez obtenir d' incroyables images défocalisées. C'est tout pour cette leçon. Si vous avez des questions, hésitez pas à les poster dans la section discussion, je serai ravi de répondre. [MUSIQUE] 7. Zoom: [MUSIQUE] Dans cette leçon, je vais vous montrer un effet qui ne semble pas très célèbre, mais c'est super amusant de jouer avec. Il s'agit de l'effet Zoom. Je vois généralement cet effet appliqué dans la photographie de nuit ou dans une photographie sportive. Pour la photographie nocturne, l'effet crée un environnement incroyablement éclairé, presque comme si nous étions entourés d'étoiles filantes ou de faisceaux laser, créant ainsi une atmosphère futuriste. Pour le sport, il ajoute du dynamisme et de l'énergie à l'action. Par exemple, dans cette image, j'ai appliqué l'effet pour symboliser la force et l'énergie émanant du sujet pendant qu'il boxe. Mais aussi, si vous êtes plutôt du côté des beaux-arts, de mode ou de la photographie artistique, vous pouvez absolument appliquer cet effet à n'importe lequel de vos concepts pour ajouter du drame ou de la symbologie à votre récit, ou tout simplement pour ajouter votre propre style. Jetons un coup d'œil à la prochaine image. Cette image est inspirée par mes observations sur les inconnus de la ville et notre vulnérabilité lorsque nous marchons seuls. Contes. La scène transmet curiosité et raconte une histoire sur une femme qui marche tranquillement et un observateur qui s'interroge et spécule sur elle. Effets. L' effet Zoom représente deux choses : l'esprit de l'observateur qui s' interroge complètement sur la personne devant elle et le temps qui passe pendant que le sujet marche. loin. L'effet Zoom lui-même représente la distance, le temps et l'énergie des deux personnes, l' une observant, l' autre qui s'éloigne. Je pense qu'en tant qu'artiste, il est important d'écouter vos idées et de trouver une méthode ou technique qui vous permet de transmettre votre récit comme vous le ressentez. Ils créatifs pour cette leçon sont, comme vous-même, quelle est une technique qui peut potentiellement correspondre à ce que je veux exprimer ? Voyons maintenant ce vous aurez besoin pour créer cet effet. Vous aurez besoin d'un trépied. Ceci est important parce que nous devons choisir une vitesse d'obturation inférieure ou une exposition prolongée, si vous portez simplement votre appareil photo entre vos mains, il ne sera pas aussi stable et vous obtiendrez un flou de mouvement, ce qui semble très cool, mais ce sera pour une autre mission. Vous aurez également besoin d'un objectif. Nous allons effectuer un zoom avant ou arrière pour atteindre cet effet. Mon objectif zoom mesure une longueur de mise au point de 24 à 7 millimètres. Pour ce faire, nous devons travailler sur deux points principaux. Numéro 1, sélection d'une vitesse d'obturation lente. n'existe pas de règle ni de valeur de vitesse d'obturation spécifique. Votre meilleure vitesse d'obturation dépendra différents facteurs tels que la quantité de lumière dans laquelle vous prenez des photos, extérieur ou à l'intérieur, la vitesse à laquelle vous effectuez un zoom avant ou un zoom arrière. Deuxième chose et très importante, à quel point vous effectuez un zoom avant ou un zoom arrière rapide, lent ou fluide. Encore une fois, cela nécessitera beaucoup d'expérimentations. Personnellement, j'ai constaté que le fait d'être relativement rapide et fluide me donne généralement les résultats que j'aime le plus. En ce qui concerne l'emplacement, vous pouvez photographier à l'intérieur ou à l'extérieur. Je suggère fortement que vous commenciez tôt le soir, en général, dans un environnement de faible luminosité. Je le recommande car vous devrez utiliser une vitesse d'obturation plus lente pour obtenir cet effet, ce qui permettra à plus de lumière de pénétrer dans le capteur de votre appareil photo et, par conséquent, vous devrez compenser avec un plus grand nombre d'ouverture pour réduire la quantité de lumière et éviter les images surexposées. Par exemple, cette image a été prise à l'extérieur vers 17h et mes réglages étaient la vitesse d'obturation, cinq secondes, 100 ISO, et mon numéro d'ouverture est 22, ce qui est mon plus grand numéro d' ouverture. En d'autres termes, la plus petite ouverture de mon objectif. Donc, fondamentalement, la plus petite ouverture que mon objectif puisse atteindre, et cela peut m'aider à réduire la quantité de lumière qui arrive. Maintenant que vous avez tout configuré, votre emplacement, sujet et tout votre équipement, parlons de cette étape lorsque vous travaillez avec votre appareil photo. Numéro 1, commencez par vous concentrer sur le point le plus intéressant. Par exemple, le visage de votre sujet, une chose spécifique, un bâtiment, quelque chose qui vous intéresse. Si vous vous concentrez sur quelque chose de hasard, vous risquez d'attirer l'attention du sujet principal du récit ou de toute l'histoire. Numéro 2, placez votre doigt sur votre obturateur et votre autre main au-dessus de votre objectif. Numéro 3, lorsque vous appuyez sur le bouton de l'obturateur, commencez à faire pivoter votre objectif en effectuant un zoom avant simultanément. Numéro 4, voyez le résultat et réglez votre vitesse d'obturation et votre numéro d'ouverture en conséquence. Réessayez, entraînez-vous et expérimentez jusqu'à ce que vous obteniez ce que vous cherchez. C'est tout pour cette leçon. Si vous avez des questions, hésitez pas à les publier dans la section discussion et n'oubliez pas de partager votre travail pour recevoir des commentaires constructifs. voit dans la prochaine leçon. [MUSIQUE] 8. Flou : Technique de mouvement de caméra intentionnelle: [MUSIQUE] Je suis un peintre frustré qui a toujours admiré les peintures impressionnistes abstraites. J'adore la façon dont ce style peut transmettre des émotions et des ambiances envoûtantes. La bonne nouvelle pour de nombreux photographes artistes c'est qu'il existe un moyen cool de créer des images abstraites et floues, grâce à la technique de mouvement intentionnel de la caméra. Comme son nom l'indique, nous allons déménager intentionnellement notre appareil photo pendant que nous prenons des photos. Cela signifie que nous n'avons pas du tout à nous soucier de la netteté. Nous allons avec un état d'esprit d' expérience et nous sommes surpris par les résultats. Dans la majeure partie de cette classe, l'objectif était de raconter une histoire. Mais pour cette leçon, nous allons travailler à capturer les atmosphères intéressées. N'oubliez pas que votre appareil photo est un outil qui capturera n'importe quoi de vos intérêts, pas seulement des histoires. La photographie abstraite peut être un excellent médium pour captiver vous-même et captiver les autres. Plongeons dedans. Lorsque je travaille à cet effet, je m'assois toujours dans une pièce calme et je commence à réfléchir et à écrire sur les endroits que j'aime visiter et j' aimerais voir se transformer en photographie abstraite. Habituellement, je m'intéresse à la nature comme une plage vide, forêts ou peut-être avec un ami ou une famille parce que ces endroits me font sentir joyeuse, sérine, parfois nostalgique, et en pleine synchronisation avec le beauté de la nature. Ces endroits ont un manque d'énergie que j'ai hâte de capturer de manière abstraite. Mais j'aime aussi m' interroger à travers quelques joyaux cachés de la ville et contempler l'architecture et les lumières lorsque le soleil se couche. Je vous encourage à trouver votre propre façon de vous connecter à l'atmosphère qui se connecte à vos intérêts et à vos sentiments et que vous avez hâte de capturer de manière abstraite. J'aime penser à cela comme si l'atmosphère ou le lieu que j'ai choisi était un prolongement de mon état d'esprit ou de mes émotions actuelles. Bref, et pour être plus clair, lorsque je dis atmosphère, je parle d'un lieu qui a un sens profond pour vous. Comme je l'ai déjà mentionné, dans cette leçon, nous nous concentrons sur capture d'atmosphères qui, espérons-le, susciteront des émotions chez vous et votre public plutôt que de raconter une histoire. Cependant, il est important de penser à l'inspiration et aux éléments ou symboles de l' atmosphère que vous choisissez qui sont importants pour vous, car ils vous aideront en tant que feuille de route. pour sélectionner la composition la mieux adaptée à votre photo. Ce n'est pas forcément compliqué. En fait, plus c' est simple, mieux c'est. Permettez-moi de vous montrer un exemple. Les connaître avant la prise de vue photo me permet d'imaginer comment je veux que mes éléments soient capturés dans l'image finale. Inspiration. Cette image est inspirée par la beauté de la mer. Ce n'est jamais la fin du mouvement et des souvenirs de la vie au bord de la plage. Les symboles utilisés. L'eau est la paix, la sérénité, les cycles constants de purification et la vie. Les gens indéfinis comme symbole de l'ombre du passé. La source créative de cette leçon est que si vous étiez un paysage ou un lieu, où seriez-vous et pourquoi ? Pour cet effet, nous devons travailler sur deux points principaux : la vitesse d'obturation pour obtenir l'effet de flou abstrait, et deuxièmement, la vitesse basse et la direction dans laquelle vous déplacez votre appareil photo. Mon objectif est d' observer d'abord l'atmosphère ou une scène et de voir quel est son flux. Ce que je veux dire, c'est qu'y a-t-il des lumières horizontales ou droites que j'aimerais suivre comme s'il s'agissait de coups de pinceau. Quel que soit le flux et parce que je suis intéressé à être surpris, j'expérimente le déplacement de la caméra dans différentes directions. Vous pouvez même mélanger cette technique avec une technique plus simple que j' enseigne dans la même classe. Vous pouvez zoomer avec votre objectif zoom avant si vous les possédez et déplacez votre appareil photo en même temps. Consultez cette leçon si vous ne l'avez pas fait. Bien que nous ayons déjà parlé de la façon de vous connecter et de choisir la meilleure ambiance, il est très important de prendre en compte l'heure de la journée où vous allez filmer ou le contraste que vous pouvez trouver à l'endroit choisi. Laissez-moi vous expliquer. Essayez de rechercher un contraste entre les couleurs, les tons clairs et les ombres qui peuvent aider à obtenir un bon équilibre entre flou et certains éléments identifiables. À l'instar de la technique du zoom, cela nécessitera également beaucoup d'expérimentation car il n'y a pas de règle ou de vitesse d'obturation lente spécifique. Cependant, un bon point de départ pourrait être une seconde et partir de là. Découvrez à quel point l' image peut être abstraite plus la vitesse d' obturation est basse ou longue. Comme je l'ai mentionné dans d'autres leçons, réduction de la vitesse d'obturation signifie que vous obtiendrez plus de lumière dans votre appareil photo Vous devrez donc ajuster votre ouverture en conséquence pour éviter toute surexposition. images. À partir de là, il s'agit de pratiquer des tonnes de fois. Peut-être pourriez-vous commencer à pratiquer la technique avec des endroits aléatoires, puis, une fois que vous vous sentez mieux préparé, programmez une journée spéciale pour filmer dans l'endroit qui est si important pour vous et prendre le temps. pour être détendu et profiter de votre processus. J'espère que vous avez apprécié cette leçon autant que moi. Je suis ravi de voir ce que vous créez. J'aimerais vous inviter à partager votre travail sur la section projet. [MUSIQUE] 9. Améliorez vos photos: [MUSIQUE] Eh bien, tous les exemples d'effets que vous avez vus dans les leçons précédentes ont été faits directement à la caméra, et il n'était pas nécessaire de les modifier dans Photoshop. Quoi qu'il en soit, j' aime toujours améliorer mes photos dans Camera Raw. C'est un processus très simple où vous, en tant qu'artiste, avez la possibilité d'ajouter votre style. N'oubliez pas qu'il ne s' agit pas de compliquer votre processus et de changer beaucoup de choses, c'est un processus doux si vous voulez, où vous effectuerez simplement des ajustements simples et faciles qui rendent votre les images sont encore plus belles. On met la cerise sur le gâteau. Maintenant, j'avais l'habitude d'améliorer mes photos dans Lightroom, mais j'ai trouvé un meilleur moyen rationaliser mon processus dans Bridge. Dans ce programme, je peux trier facilement mes images et ouvrir les photos que je veux améliorer dans Camera Raw, similaire à Lightroom. Cela fonctionne comme un charme pour moi. Mais ne vous inquiétez pas si vous n'avez pas Camera Raw. Vous pouvez également utiliser Lightroom ou d'autres programmes d'édition tels que Skylum, Luminar, Capture One ou même Apple ou Google Photos, car ils ont tous les éléments essentiels pour rendre vos photos encore plus belles . Permettez-moi de vous montrer un peu de mon processus. Pendant que je suis ici dans mon programme de montage qui est Camera Raw et j'ai importé mon fichier brut directement de mon appareil photo. Je n'ai apporté aucune modification à ce fichier. La première chose que je fais lorsque j'ouvre mon image, c'est de me demander comment dois-je imaginer que cette image ressemble ? Encore une fois, ce processus n'est pas compliqué. C'est très bref, c'est juste pour mettre votre style dans votre image. J'adore déjà la photo, mais je sais qu'avec quelques ajustements, elle sera encore meilleure et elle aura mon style. Je sais qu'en termes de cellule, ce que cela signifie pour moi, c'est que j'appliquerai le contraste. J'adore les photos contrastées dramatiques, et j'adore aussi ce projet soit quelque chose d'éthéré et qui semble avoir été réalisé sur un film plutôt que sur un appareil photo numérique. Pour me lancer dans cette vision, la première chose que je ferai est de recadrer mon image et de trouver un recadrage qui aide vraiment à transmettre l'histoire. J'aime bien le carré découpé pour celui-ci donc j' aime vraiment ça et à partir d'ici, je vais aller dans mon panneau Basic. Vous trouverez quelque chose comme ça dans Google Photos, Lightroom ou quelque chose du genre. Il existe de nombreuses applications où vous pouvez faire de même, les bases. Comme je l'ai mentionné, puisque j' aime vraiment les photos dramatiques contrastées, la première chose que je ferai est d'aller à mon contraste, c'est plus léger ou de niveaux et de commencer à m'ajuster un peu. À ce sujet, il fonctionne déjà. Cela me donne beaucoup de drame et de contraste et j'adore ça. À partir de là, je vais jouer un peu avec ces curseurs et voir s' ils ajoutent à ma photo. C'est aussi un peu d'intuition, c'est juste du style. C'est exactement l' occasion pour vous de vous connecter à ce que vous aimez. L'une d'elles appelle à votre créativité, à votre style. Je vais aussi essayer la clarté et évidemment, si vous allez du côté opposé, ça a l'air terrible. Encore une fois, moins c'est au moins ce que j'aime penser. C'est mon opinion personnelle. À moins que mon client ne demande quelque chose de très dramatique, je ne sais pas, peut-être que je vais l'ajuster, mais j'ai tendance à faire les choses plus simples. Il suffit de jouer, c'est la beauté de ça. Vous pouvez vraiment jouer comme si vous peigniez dans une toile. C'est tout, je n' utiliserai plus ça. J'ai transmis ce que je veux. À partir de là, je vais maintenant aller dans mon mélangeur de couleurs pour voir si je peux changer la couleur de la garde-robe que j'utilise ici parce que même si j'adore le ton, ce n'est ni ma préférence ni ma préférée. Je vais bleu bleu et je cherche quelque chose de plus turquoise. J'espère que c'est la bonne façon de le dire, et à peu près cela. J'adore le contraste. Non seulement les contrastes, mais l'équilibre entre cet or et cette teinte. J'adore vraiment ça. Encore une fois, je verrai peut-être si je peux changer un peu les oranges dorées ou dorées. Je ne pense pas que ça en vaut la peine pour l'instant. Je pense que j'aime bien ça. passant, en parlant d'effectuer des ajustements et de modifier votre photo, je recommande vivement que lorsque vous aurez fini de modifier votre photo, laissez vos yeux reposer pendant quelques jours ; quelques jours. . Ne jetez pas un coup d'œil à votre photo. Retournez à nouveau quelques jours et jetez un coup d'œil. Parce que ce qui arrive, c'est que nous avons tendance à exagérer. Parce que lorsque nous montons, nous avons tendance à exagérer la vision parce que nous sommes enthousiastes et vous pouvez dire : « Oh, j'adore vraiment ça. C'est incroyable. » Oui, à ce moment-là, c'est génial pour toi. Mais je vous recommande vivement de revenir en arrière et voir que parfois ce n'est pas comme ça. C'est très bien. Il n'y a rien de mal à ça. C'est normal. Tous les artistes le font. Il s'agit juste de reposer les yeux, revenir et de dire : « Oh, tu sais quoi ? Je pense que c'était beaucoup trop contrasté, alors j'irai par exemple mon panneau Basic et ajuster en conséquence. » C'est la beauté de tout ça. Que vous pouvez revenir quand vous le souhaitez et changer cela. Il suffit de prendre cela en considération. C'est une très bonne pratique pour votre art de le laisser reposer et d'y retourner et de polir, si vous voulez. Que ce soit pour les bases et le classement des couleurs et le mélangeur de couleurs. Ici, dans le classement des couleurs, ce que je viens de faire, c'était juste d'ajuster un peu l'équilibre entre tous et de le rendre à nouveau contrasté et dramatique et je l'ai compris. Les résultats sont exactement ce que je cherche. Après cela, généralement, j'adore aussi les photos en noir et blanc. Je vais toujours dans mes réglages en noir et blanc et je vois à quoi ça ressemble parce que ça m'arrive beaucoup. J'adore les deux versions et pour me faciliter les choses, j'enregistre les deux versions et je les ai au cas où je voudrais utiliser l'une ou l'autre en fonction de ce que je prévois d'en faire. Rien de mal à avoir les deux versions. En fait, je vous encourage à avoir les deux versions, car d'abord, vous pourrez voir le contraste dans vos images ; si elle semble plate ou si elle semble avoir une bonne gamme de noirs et de blancs. Par exemple, ici même, je vois totalement que cela fonctionne très bien. J'ai le drame ici et attire mon attention sur les parties où il y a plus de lumière, l'attention et c'est exactement ce que je cherche parce que je veux transmettre une histoire qui fait de vous Je m'interroge sur tout cela qui se passe ici. Peut-être ici aussi, parce que vous ne savez pas si elle est dans une pièce sombre ou ce qui se passe. Tous ces éléments s'ajoutent à votre composition, à votre histoire. Tout a un poids sur le projet final. C'est la première chose pour laquelle je vous recommande de le faire et aussi parce que parfois nos photos seront meilleures d'une façon ou d'une autre. Parfois, vous penserez, oh, et la couleur est meilleure. Je ne changerai jamais cela, mais vous le changez en noir et blanc et vous l'aimez absolument. N'hésitez pas à y aller et à prendre ces décisions. Maintenant, il y a quelque chose à propos des effets. Habituellement, je n'utiliserai pas effets si je travaille avec un client qui a besoin d'un portrait de prises de tête parce que je veux vraiment que celles-ci soient nettes, claires, nettes et très bien définies. Pour ce genre de photos, je ne le fais pas, je cherche quelque chose qui ressemble plus à un film, donc je vais certainement ajouter le grain parce que ça me donne l' impression qu'il a de la texture, du volume, il a quelque chose de différent, donc je ne suis pas inquiet d'ajouter du grain. Je vais le faire pour mes beaux-arts. Parfois, selon le projet, cela ne doit pas nécessairement être à chaque fois, mais j'aime vraiment ajouter cette texture. Dernier point mais non le moindre, les préréglages. Voici le truc. Je ne suis pas un défenseur des préréglages car appelez-moi l'ancien style, j'ai l'impression que c'est comme si un autre artiste applique le style à votre photo. Je n'aime pas ça à 100 %, mais j'ai des exceptions. Par exemple, si je sais comment créer cela et juste pour un processus pratique, je l'utilise, parfait car je sais comment les faire fonctionner. Sinon, je ne le ferai pas. Pour moi, dans ce cas, j'adore vraiment les préréglages en noir et blanc. J'applique généralement un contraste élevé en noir et blanc sur mes photos car j' adore le sentiment qu'ils ressentent. J'adore les contrastes. Bien que je ne les ai pas créés moi-même, il a été fait écrire le logiciel, je sais que je peux le faire moi-même. Je sais non seulement que je peux le faire, mais que cela correspond à mon idée de ce que je veux de ma photo. J'ai les compétences et, pour des raisons pratiques, je choisirai de l'utiliser, et c' est tout à fait très bien. Donnez-vous la permission, si vous voulez, d'utiliser des préréglages en fonction de vos règles. Pour moi, c'est la règle. Mais pour vous, ça pourrait être très bien et c'est tout à fait très bien. Je ne dis pas que vous le faites comme moi. Ce n'est qu'une opinion personnelle. C'est ça. J'espère que ce petit processus vous a plu. Merci. Comme vous pouvez le constater, c'était un moyen très simple mais efficace de faire ressortir vos images. Nous avons terminé cette leçon. J'espère que vous avez eu l' inspiration pour rehausser vos photos et j'aimerais bien voir ce que vous créez. N'hésitez pas à partager votre projet lors de la pause afin que la communauté étudiante puisse profiter de votre travail et vous fournir des commentaires constructifs. [MUSIQUE] 10. Dernières réflexions: Merci beaucoup d' avoir suivi mon cours. J'espère que c'est une étincelle de votre curiosité d'explorer votre voix intérieure et de vous exprimer de manière créative. Nous avons couvert le processus créatif pour savoir ce que vous souhaitez partager avec le monde entier et les aspects techniques de la création d' un revenu ou d'effets pour vous aider à exprimer votre vision. Le plus grand point à retenir que j'aimerais partager avec vous est qu'en cultivant votre curiosité et explorant le monde à l'intérieur et autour de vous, vous entretiendrez votre créativité pour créer travail significatif, quel que soit l'outil artistique que vous utilisez. Continuez à expérimenter et à pratiquer afin de pouvoir vous exprimer intentionnellement. Pour continuer à vous soutenir dans votre parcours artistique, que vous soyez débutant ou avancé, je vous invite à partager votre projet dans la section Galerie de projets. Encourageons notre communauté avec des images artistiques. N'oubliez pas que je suis toujours heureux de vous fournir des commentaires constructifs. Si vous avez des questions. N'hésitez pas à me contacter via mon site Web ou vous posez vos questions ici dans la section discussion. De plus, si vous souhaitez recevoir des notifications concernant mes nouveaux cours, suivez-moi ici sur Skillshare ou Instagram. Enfin, si vous souhaitez recevoir du contenu intéressant sur la photographie artistique, pratiques créatives de bien-être et la productivité créative, veuillez vous abonner à ma newsletter. Merci beaucoup encore, et passez une belle journée créative.