Personnages stylisés : explorer le dynamisme et l’originalité à l’aquarelle et à l’encre

1. Introduction: J'aime vraiment les couleurs et les couleurs vives qui me rendent si heureuse. Les couleurs sont en fait le point central de mon travail. Shraer, artiste traditionnel spécialisé dans le calcium. J'utilise généralement des plaidoyers et aquarelles pour créer des portraits stylisés, et mon art s' inspire de la mode, de la pop culture, ainsi J'ai l'habitude de lire beaucoup de livres de fantasy, donc mon travail est également inspiré par les personnages que je lis. J'utilise des encres et des aquarelles pour créer des portraits stylisés. Je pense que l'idée de créer des portraits stylisés et des aquarelles vous sembler assez intimidante en raison de la permanence des médianes, mais il existe un moyen de peut vous sembler assez intimidante en raison de la permanence des médianes, mais il existe un moyen de travailler avec cette médiane et de rendre le processus moins intimidant et encore le processus moins intimidant portraits stylisés et des aquarelles peut vous sembler assez intimidante en raison de la permanence des médianes, mais il existe un moyen de travailler avec cette médiane et de rendre le processus moins intimidant et encore plus indulgent et thérapeutique. Donc, pour résumer, dans ce cours, vous apprendrez à créer un portrait en ligne de l'histoire à la fin Nous aborderons les principes fondamentaux de l'aquarelle, le bon plan de musculation pour créer des rayons de fumée, comment travailler en couches, créer de l'éclat dans P. Comment utiliser le dessin au trait pour ajouter du contraste aux œuvres d'art et des références à des sources plus dynamiques Choisissez une puissance colorimétrique limitée qui montre clairement ce qui est le plus difficile Ce cours est parfait pour les débutants, mais si vous êtes des artistes de niveau intermédiaire, vous essayez d' explorer les possibilités. Cela peut être bon pour toi. Commencez à montrer. 2. Votre projet et votre matériel: Gin, je suis tellement contente que tu aies décidé de participer à ce cours. Le projet de ce cours consiste simplement à créer un portrait stylisé, nous utiliserons une palette de couleurs limitée et nous obtiendrons également l'aide d'une photo de référence Ce cours s'adresse à tous les niveaux de compétence. Tout au long des leçons, nous ferons des exercices pour mettre en pratique chaque élément de la création d' un portrait stylisé Nous allons commencer par les aquarelles de la Colombie-Britannique, puis nous parlerons du mélange Puisque le mélange est la partie la plus importante de l'aquarelle Nous parlerons du mélange. Ensuite, nous parlerons d'un peu d'encrage et de la façon dont vous pouvez personnaliser vos compétences en matière d'encrage et comment les rendre moins intimidantes Nous choisirons également une référence, puis nous commencerons à travailler sur notre projet. Pour terminer notre projet de classe, la première chose dont nous aurons besoin est le papier aquarelle L'article que je vais utiliser pour ce cours provient d'Arches. C'est du papier aquarelle à 100 %. C'est quelque chose que j'utilise pour chaque illustration que j'ai réalisée. Mais si vous êtes débutant, nous vous recommandons vivement de vous procurer celui-ci car il est cher. Vous finirez par en gaspiller beaucoup. Je pense que vous devriez acheter quelque chose d'un peu moins cher, mais assurez-vous que c'est juste 100 %. Nous avons ce document ici. C'est ce qu'on appelle le papier Ba hog. C'est très bon marché, cela fonctionne très, très bien comme les arches. Je vous recommande vraiment de vous procurer celui-ci si vous l'avez disponible là où vous vivez. Mais il existe un autre papier littéralement disponible partout, appelé son paper. Je l'utilisais tout le temps, donc je vous recommande vraiment de vous en procurer si vous le souhaitez. La prochaine chose dont nous aurons besoin est l'aquarelle elle-même. L'aquarelle que je vais utiliser provient de St. Peter Bur init. Ce sont des peintures de grande qualité et elles ne sont pas très chères non plus Windsor et Newton, Windsor et Newton sont très chères. La prochaine chose dont nous aurons besoin pour le ng. Je vais utiliser ceux du docteur Ph Martin, ce sont des bombes, et j'adore vraiment. Et je les utilise depuis un bon moment. Ses pièces sont facultatives. Si vous n'avez que des aquarelles, c'est très bien. Enfin, je vais dessiner sur iPad, nous aurons donc besoin d'iPad, mais si vous n'en avez pas, c'est très bien Du papier rose ordinaire ferait l'affaire. Oui, quelles que soient les fournitures dont vous disposez, préparons-nous à créer de la magie, d'accord ? 3. Pratique : mélange et superposition: Cette leçon portera sur le mélange de couches. mélange est en fait la partie la plus importante de l'aquarelle, ce sont les principes fondamentaux de l'aquarelle Avant de passer à la peinture proprement dite et au projet croisé, nous devons maîtriser notre leçon de mélange C'est également quelque chose que j'utilise qui occupe une grande partie de mon travail et décrit en fait l'ensemble de mon processus. Commençons par ce qu'est le mélange. Le mélange n'est en fait qu'un diplôme créé à l'aquarelle Ce mur vous donne une finition lisse, il n'y a pas de bords durs. Voyons maintenant quelles sont les techniques par lesquelles vous pouvez obtenir cette finition lisse. Il existe essentiellement deux techniques, humide et la technique humide sur sec. Commençons par le mouillé et le mouillé. C'est exactement ce que suggère son nom. Pendant que nous mouillons d'abord le papier , nous appliquons la couleur, mettons le premier trait vers le bas. Au fur et à mesure, nous allons introduire de plus en plus d'eau dans le mélange pour créer cette finition lisse et impeccable. C'est la technique par laquelle vous pouvez obtenir ce look parfait, impeccable et magnifiquement mélangé La technique suivante est la technique humide et sèche. Pour celui-ci, nous n' allons pas faire de guerre au début. Au lieu de cela, nous allons passer directement à la peinture. Au fur et à mesure, nous mélangerons de plus en plus d'eau au mélange de peinture, comme nous l'avons fait pour le mouillé et le mouillé, afin de créer une transition en douceur. Pour la plupart des travaux, j'utilise la technique humide sur sec, car j'ai l' impression que le mouillé sert plutôt à couvrir de plus grandes surfaces et à obtenir une finition lisse. Comme je peins principalement des personnages avec beaucoup de détails sur une échelle relativement petite, j'ai l'impression que l'humidité me permet de mieux contrôler ce que je fais De plus, si vous pensez que votre co a l'air très désaturé, qu'il n'a pas l' impact souhaité n'a pas la profondeur que vous souhaitez, vous pouvez toujours superposer plusieurs couches ou qu'il n'a pas la profondeur que vous souhaitez, vous pouvez toujours superposer plusieurs couches pour obtenir un look très éclatant et contrasté superposition est donc en fait le seul moyen de créer cette ambiance, comme un look très dynamique et contrasté avec vos Oui, je sais, je vais juste utiliser aquarelle très concentrée, mais vous pouvez toujours le faire, mais cela rend le processus d'aquarelle moins indulgent, même si vous avez quelques imperfections les premières couches Une fois que vous aurez effectué plusieurs passages et que vous aurez atteint cette profondeur, vos imperfections seront invisibles. Je pense que c'est l'un des meilleurs moyens d' obtenir cette touche vibrante, vibrante et contrastée avec les aquarelles Comme je l'ai dit, même si vous avez des imperfections dans les premières couches, fois que nous y aurons fait plusieurs passages elle sera invisible parce que tout d'abord, nous avons commencé très légèrement, elle ne serait pas très nette de toute façon. Je pense que c'est très efficace et que cela rend le processus d'aquarelle moins intimidant également. Maintenant, une autre façon d'ajouter de l'éclat à la peinture à l' aquarelle consiste à mélanger un peu d'encre avec les Comme nous, les aquarelles sont des supports variables. Même si votre couche est complètement sèche et que vous passez à la couche suivante. Si vous manipulez vos pinceaux avec beaucoup de vigueur, si vous ne faites pas attention, cela perturbera la couche située en dessous et cela posera beaucoup de problèmes. Ma façon d'éviter tout ça, c'est de mélanger un peu d' encre avec de l'eau avec mon aquarelle Cela contribue non seulement à l'éclat lui-même car les encres à l'eau sont très concentrées. Cela aide à cela. De plus, comme j'utilise de l'encre acrylique, lorsqu'elle est mélangée à l' aquarelle elle-même, cela rend les aquarelles moins variables En gros, je n' ai pas à me soucier de réactiver les couches sous-jacentes une fois qu'elles sont sèches Attention également : vous ne pouvez pas utiliser les Kings directement sortis de la bouteille, car cela rend les friandises très élégantes Vous ne pourrez donc pas en ajouter d'autres couches par la suite Nous venons donc de discuter des modes de fusion et vous avez également évoqué la manière dont nous pouvons utiliser méthode de superposition pour obtenir une très éclatante et lisse finition très éclatante et lisse avec vos aquarelles Mais en l'essayant par vous-même, vous découvrirez que la navigation n'est pas aussi fluide que vous le pensiez. Il y aura toujours cette courbe d'apprentissage. Ensuite, nous allons simplement discuter de quelques problèmes de débutant auxquels j'ai été confronté et auxquels vous pourriez également être confronté. Parlons des erreurs. La première erreur que vous pourriez commettre en tant que débutant est de ne pas laisser chaque couche sécher complètement avant de faire quoi que ce soit par-dessus. Ce que je veux dire par là, c'est que vous commencez par très bien faire mouillé sur sec. Tout se planifie sans problème. Lorsque vous passez à la couche suivante, avant que la première couche ne soit sèche, elle est complètement sèche. Ce qui se passe, c'est que l'eau de votre pinceau se mélange la première couche légèrement séchée que vous venez mettre et donne cet effet appelé effet chou-fleur, qui vous empêche obtenir une finition lisse et éclatante La question suivante est comment devons-nous l'éviter ? La réponse est assez simple. Il suffit de laisser sécher complètement chaque couche. Même si vous trouvez quelques imperfections dans la première couche ou si vous pensez que votre couche est trop claire à votre goût ou trop pâle. Ou si vous essayez simplement de le terminer rapidement. Quel que soit le cas, n' essayez pas de faire quoi que ce soit avant qu'il ne soit sec. Vous pouvez accélérer le processus de séchage en utilisant un séchoir bleu ou autre, mais ne faites rien avant qu'il ne soit sec. Je sais que c'est difficile à tester parce que c'est notre instinct qui nous pousse à essayer de résoudre ce problème, mais n'essayez pas, n'essayez pas. Laissez-le essayer et mettez une autre couche par-dessus. C'est également pourquoi il est important de démarrer la lumière afin que même si elle n'est pas aussi parfaite que vous le souhaitez, vous puissiez toujours la fixer sur la couche suivante. Nous venons de terminer d'apprendre les bases. Nous avons maintenant les connaissances de base du mélange, de son fonctionnement et des erreurs Pas le temps de réfléchir pour s'entraîner. Pour pratiquer ensemble, j'ai fait deux exercices pour que nous puissions nous entraîner. La première consiste à créer un mélange bicolore en utilisant une technique humide sur humide. Le deuxième exercice sera également un mélange de deux couleurs, mais nous utiliserons une technique humide sur sec. Je sais que les mélanges de deux couleurs sont assez délicats. Je pense qu'il est très important apprendre. En tant que débutant, lorsque vous choisissez les couleurs de votre mélange de deux couleurs, je vous recommande de choisir couleurs analogues, car elles sont plus faciles à utiliser que des couleurs complémentaires ou des couleurs complémentaires séparées B est une couleur analogue qui se trouve juste à côté de l' autre en termes de couleur, nous faisons une transition harmonieuse Alors que les couleurs complémentaires peuvent être un peu délicates. Ce que je veux dire par là, c'est que prenons cet exemple, par exemple, dans cette latation, j'essayais de créer un dégradé entre le rouge foncé et le bleu sarcelle Qui sont gratuits, tout à fait complémentaires par nature. J'ai fini par les mélanger accidentellement et je me suis retrouvé avec un triclo fade, ce que je n'ai pas beaucoup aimé personnellement Prenez cette illustration, par exemple, je crée un dégradé entre le rose et le vert. J'ai fait attention à ne pas les mélanger et j'ai créé ici un mélange assez homogène Nous allons commencer par le loup , le mouillé sur le mouillé. Tout d'abord, nous allons choisir nos couleurs, bien sûr. Mélangez-les, préparez-les à part. Ensuite, nous allons passer à l'eau, car nous utilisons d'abord de l' eau mouillée et mouillée. Nous allons nous assurer que notre papier est bien mouillé. Ensuite, nous allons passer à notre première couleur. Selon le premier extrait au fur et à mesure que nous avançons, nous allons introduire plus en plus d'eau dans le mélange pour créer un gradient. Une fois qu'il sera complètement sec, nous passerons à la couleur suivante. Nous allons faire pivoter notre papier, répéter exactement le même processus que nous avons fait avec la première couleur. Nous avons terminé. Ensuite, nous allons faire le même mélange bicolore en utilisant la technique humide sur sec. Je vous encourage vraiment à continuer à vous entraîner, car il est très, très important de bien comprendre la partie mélange et superposition avant passer à la conception des personnages et Nous utiliserons toutes les techniques dont nous avons parlé dans cette leçon dans le projet de coûts réels lui-même. N'hésitez pas à mettre vos pratiques dans la section des projets et de la galerie car j'adorerais voir vos pratiques elles-mêmes. Cela dit, nous pouvons passer à la leçon suivante, à la mienne. 4. S’exercer à l’encrage : lignes artistiques: C'est le moyen ultime de donner du contraste et de la perspicacité aux personnages. C'est également la partie la plus attendue de mon processus de dessin. Nous connaissons donc plus ou moins les doublures fines Cubit. Mais dans cette leçon, nous allons être emmenés par N et nous allons nous entraîner aux pinceaux à coudées Cela peut sembler intimidant pour certains d'entre vous, mais croyez-moi, une fois que vous aurez acquis ces souvenirs indispensables, ce sera l'une de ces choses que vous attendez le plus dans votre peinture Développez-les en tant que mémoire, j'ai essentiellement divisé ce cours en deux exercices. Lors de la première accise, nous allons commencer par pratiquer quelques traits de base que nous utiliserons tout au long. Ensuite, dans le deuxième exercice, nous utiliserons ces traits de base et verrons comment vous pouvez utiliser ces traits de base et comment vous pouvez les combiner dans votre illustration réelle. Vous pouvez trouver ces exercices pour télécharger la section du projet et des ressources. Quels sont les traits de base ? Il existe en fait deux types de traits de base. Coups et descentes. Commençons par les coups. Qu'est-ce que bstroke ? Il s'agit simplement d'une ligne tracée vers le haut sous forme de rafales. Nous allons commencer par le bas. Ensuite, nous allons avoir une ligne légère courbe doucement vers le haut Tombez à mes côtés et entraînez-vous en suivant les directives que j'ai fournies. La clé ici est simplement d'appuyer sur la lumière et de créer un dix coups. Ensuite, nous avons un accident vasculaire cérébral. Au lieu d'appuyer sur la lumière, nous allons appuyer fort pour celui-ci. Nous allons donc simplement commencer par le haut, puis nous allons appuyer pour tracer une ligne droite. Comme pour les coups ascendants, nous ne léchons pas, nous essayons d'être très gentils et constants à chaque De plus, en appuyant fort, je ne veux pas vraiment dire que vous devez utiliser tous vos pinceaux pour stents, mais il s'agit de trouver un bon équilibre entre appuyer trop fort et appuyer pour masquer Ensuite, nous avons un coup de transition. Les traits de transition sont essentiellement une transition entre le trait ascendant et le trait Celui-ci peut être un peu délicat, alors assurez-vous d'être un peu patient avec vous-même, je pense. Nous commençons par un léger coup, puis nous progressons et nous allons mettre un peu plus de pression. Et lorsque nous atteindrons le sommet, vous allez à nouveau relâcher la pression. C'est comme maigrir, tu sais. Comme je l'ai dit, celui-ci est un peu délicat et il faut un peu de temps pour s'y habituer, pour être honnête. Vous pouvez également l'essayer avec différents pinceaux, et par exemple si vous avez un nouveau pinceau, vous ne l'avez pas encore vraiment utilisé. Vous pouvez donc pratiquer ces traits avec votre pinceau pour vous sentir un peu par vous-même avant de les utiliser sur votre dessin, vous savez ? Et j'utilise en fait la combinaison des grands traits ma peinture. Vous verrez la profondeur et le caractère que vous pouvez donner à l' illustration simplement en utilisant ces trois traits de base et en les combinant stylistiquement pour donner à votre personnage une touche unique. Passons maintenant à l'exercice suivant. J'ai préparé quelques petites phrases pour que vous puissiez faire la queue avec moi, bien sûr. Vous pouvez trouver cette version pour télécharger la section du projet et des ressources comme d'habitude. Assurez-vous de les télécharger et de les imprimer. La prochaine grande question est de savoir comment utiliser ces traits de base et quelles sont les règles pour les combiner ensemble. Pour le dire franchement, il n'y a pas de règles différentes quant à savoir laquelle utiliser Mais je vais vous donner mes quelques conseils personnels sur lesquels vous pouvez les utiliser. En gros, vous voulez suivre la forme de base de l'objet en question. Prenons donc cette feuille, par exemple, lorsque vous tracez le contour qui lui donne la forme de la feuille, il est utile d'utiliser des traits plus épais, comme des traits vers le bas. Vous pouvez essentiellement souligner la forme de cet objet et lui donner plus de caractère. Mais vous me voyez utiliser des traits de transition ici. Parce que je veux lui donner plus de caractère. C'est pourquoi nous avons des traits de transition. qui non seulement mettra en valeur la forme de cette feuille, mais lui donnera plus de personnalisation et de caractère Pour ce qui est des veines, j'utiliserais des traits très fins, qui sont les meilleurs pour les détails. C'est tout à fait normal d'obtenir un kilo au début, parce que je l'ai aussi. Vous les trouverez probablement, alors ne vous découragez pas en fin de compte. Voici une comparaison côte à côte entre le dessin au trait réalisé avec des doublures fines et le dessin au trait réalisé avec doublures fines et pinceaux, en utilisant les bases Ici, vous pouvez probablement voir la profondeur et le contraste que vous pouvez donner. J'espère que vous avez apprécié cette leçon. La prochaine, où nous rassemblerons quelques références et inspirations pour notre projet final. 5. Tableau d’humeur : Rassembler des références: Personnellement, lorsque je cherche des références ou des inspirations, je recherche généralement des poses et des références vestimentaires ainsi que de la photographie fantastique J'aime beaucoup les éléments fantastiques de mon travail, c'est pourquoi mon art consiste toujours à créer des énigmes avec créatures magiques portant des ailes et des brioches spatiales Mais ton choix peut être différent du mien. Vous préférerez peut-être des griffonnages, de la typographie ou des fleurs. Je fais appel à des peintres pour trouver mes références, mais n'hésitez pas à utiliser la plateforme que vous souhaitez utiliser. OK. Je vous ai également créé un tableau Pinterest comme point de départ. J'ai créé un lien dans l'onglet des ressources. N'hésitez pas à le vérifier ou à en créer un vous-même. Mais une chose à retenir lorsque vous utilisez des références, nous ne voulons vraiment pas les copier exactement ou en faire une réplique. Cela aide vraiment si vous avez un moodboard au lieu de vous référer à une seule photo Oui, assurez-vous de le faire. Personnellement, lorsque je cherche des références, je me concentre généralement d' abord sur la pose elle-même, sur la position de l'épaule, sur celle des mains, etc. je me concentre généralement d' abord sur la pose elle-même, sur la position de l'épaule, sur celle des mains, Parfois, il peut être un peu difficile trouver des références pour ce type de corps exact, mais pour la pose exacte que vous auriez pu imaginer Je peux donc devenir un peu difficile. Je collecte donc toujours des références, comme toujours, je sauvegarde poses que je trouve intéressantes et je les enregistre dans mon mode Pendras, puis j' y reviens pour les basicli en partie La prochaine chose sur laquelle je me concentre est le maquillage et les cheveux. Pour cette partie, je ne cherche généralement pas de références exactes car j'ai une approche plus fantastique de l'ici et du maquillage Ici, je me concentre davantage sur la forme et la fluidité de l'héritier ou de l'oubli du maquillage, peut-être sur certains maquillages trans et autres choses de ce genre. Je peux avoir une idée et improviser à partir de là, tu sais Ensuite, si je sais déjà quels motifs je souhaite intégrer à mon illustration, il est toujours utile de recueillir quelques références à ce sujet également. Par exemple, dans cette illustration, je voudrais inclure des fleurs, mais je ne suis pas vraiment douée pour dessiner des fleurs. Ici, j'examine quelques références sous différents angles, afin de pouvoir les décomposer dans l'illustration elle-même. S'il vous plaît, prenez votre temps, trouvez ce qui vous inspire vraiment et assurez-vous qu'il contient tout ce que vous souhaitez avoir en illustration. Assurez-vous d'avoir un moodboard, donc vous avez essentiellement un tableau de vision. Voici les références que j'ai choisies. Pour cette illustration, je me suis inspirée de cette pose. Sur cette photo, je me suis également inspiré de cette photographie. J'aime beaucoup le maquillage pour les yeux, les leçons, les gars. N'oubliez pas de partager mood board dans la section galerie de projets. Dans la leçon suivante, vous allez choisir un flic limité 6. Choisir une palette de couleurs limitée: Dans cette leçon, nous allons choisir de participer au projet final. Je pense que les couleurs sont en fait très importantes pour moi et pour mon processus. Tout simplement en fonction du type de couleurs que vous choisissez. Vous pouvez littéralement changer l'ambiance générale de l'illustration et le type d'ambiance que vous souhaitez représenter avec cela Personnellement, les couleurs plus vives me donnent impression d'être face aux oranges et autres. Alors que les couleurs plus foncées me rendent mélancolique. Je pense qu'il est très important de choisir une palette mixte qui fonctionne bien ensemble représente également ce que vous voulez représenter parmi toutes les possibilités Choisir une palette de couleurs qui fonctionne bien ensemble peut être assez difficile et difficile Je pense que pour mon illustration je choisis une palette de couleurs limitée En gros, je choisis un nombre limité de couleurs et je peux les répéter. Nous apprendrons comment choisir un pouvoir d'abattage limité qui reflète votre humeur et comment les répéter d'une manière logique, pour que l'ensemble soit sain Commençons par ce qu'est réellement une puissance d' appel limitée. Lorsque je parle de culpow limité, je fais référence à la sélection d' une quantité très limitée de couleurs et à leur répétition de manière à créer un sentiment d'équilibre Lorsque nous y travaillons, nous avons de nombreuses décisions à prendre. Tout ce que vous pouvez faire pour limiter les options ne vous gêne pas vraiment. Je pense que cela fait le contraire vous permet de vous concentrer sur votre créativité au lieu de vous concentrer sur votre créativité. Voici les quelques raisons pour lesquelles vous devriez également utiliser un nombre limité de tasses pour travailler. Tout d'abord, simplifiez le processus de prise de décision. Il est bien sûr plus facile de choisir cinq couleurs qui fonctionnent bien ensemble au lieu de 15. Deuxièmement, cela vous donne un sentiment d'harmonie. En gros, un carpi limité composé de trois à cinq couleurs vous aidera à voir plus facilement la relation entre les couleurs, et vous pourrez décrire les couleurs qui fonctionnent bien ensemble et celles qui ne le font pas, ce qui vous aide à créer un style bien harmonisé et équilibré. Cela peut également vous aider à définir votre style R. Lorsque nous parlons de mas et de style d'illustration, ce dont nous parlons vraiment, c'est d'une certaine cohérence. Cela peut être la cohérence de la couleur, ou cela peut également être le sujet. Les couleurs que vous choisissez souvent ou le style que Ms préfère jouent un rôle important dans recherche de votre véritable style d'estration Regardons l'une de mes illustrations, par exemple. Ici, j'utilise un chat limité composé de turquoise. Orange et jaune. Je répète que Tarc l'est plus souvent que les autres, cela crée une focalisation soudaine sur le visage lui-même. Maintenant, nous avons vu l'un des neuf trons. Regardons une autre illustration pour nous inspirer des tonnes de couleurs et de compositions. Première illustration d'Adrian, en fait c'est une version assez sympa et simple il y a aussi un rhume assez limité. Elle a utilisé y comme couleur principale et d'autres ressemblent plus à une hache en couleur. Et ils sont placés de telle sorte que vos yeux puissent se déplacer sur l'ensemble de l'illustration. L'action suivante est de Megan Hunter. Comme vous pouvez le constater, il y a beaucoup de personnages ici, mais elle a réussi à reproduire les mêmes couleurs manière à créer une harmonie et un équilibre dans l'illustration. Enfin, celui-ci est de Laser Proctor. Elle a décidé d'utiliser le noir comme couleur principale, qui est une couleur pop up orange assez imiqu Vous pouvez clairement comprendre que nous n'avons pas vraiment besoin de beaucoup de couleurs pour créer un cation bien équilibré. Je pense que nous avons une idée de base de ce qu'est une palette automobile limitée et façon dont les artistes l'utilisent dans leurs actions. Essayons de prendre une palette de voitures limitée composée de trois à cinq couleurs pour notre clo Personnellement, j'aime commencer par la couleur qui semble la plus importante pour moi, à couleur du visage elle-même Dans mon style d'illustration, j'utilise un envoi très exagéré au lieu de ce qui est plus réaliste Si vous préférez utiliser des systèmes réalistes, je pense que ce n'est peut-être pas un très bon point de départ vous pouvez déterminer quelle couleur est Dans cette illustration, vous pouvez déterminer quelle couleur est la plus importante pour vous Et aussi l'ambiance que vous voulez exprimer avec ça. C'est quelque chose de très simple, comme si vous avez un animal mignon dans votre composition, vous pouvez partir de là ou vous avez une couleur de cheveux spécifique, vous voulez choisir, vous pouvez également partir de là. Avec ça, cependant, la première couleur. À partir de là, vous devez réfléchir au type de sensation que vous allez ressentir avec cette tration. Pour le dire simplement, si vous essayez de créer un look très harmonisé et doux, vous pouvez envisager couleurs analogues situées les unes à côté des autres dans le voile de couleur Mais si vous essayez de créer un look éclatant très contrasté avec le vôtre, vous pouvez envisager les couleurs complémentaires qui se trouvent l' une en face de l' autre dans Core Donc, pour cette illustration, je pense opter pour une illustration très dynamique. Je pense donc que je vais choisir cette couleur bleu-violet très éclatante que j'ai choisie. Cette encre provient en fait du docteur Ph One. Avec ça, je devrais peut-être opter pour un jaune, car il est assez complémentaire au bleu. Oui, on peut mélanger un peu de vert pour obtenir un jaune doux Comme un crenew Peut-être qu'il y en a aussi un rose. C'est la palette de couleurs Call Power Rough que j'ai choisie en fonction du moodboard et du sentiment que j'ai pour cette Mais cela pourrait changer en fait. Restez ouvert à tout autre choix artistique que vous pourriez faire au fur et à mesure de votre progression. Vous n'êtes pas obligé de choisir strictement la palette de couleurs à ce stade, mais nous voulons juste une idée ou une base approximative. Utilisez ma leçon suivante, W nous faisons le croquis. 7. Ébaucher votre personnage: Maintenant que nous avons quelques références, nous avons également la palette Petro Coal Commençons par le dessin. Pour dessiner, j'utilise Procreate sur mon iPad , puis quand j'ai terminé , j'ai l'habitude de le tracer sur mon papier pour aquarelle Si je n'esquisse jamais à sec sur le papier aquarelle lui-même, c'est parce que j'ai vraiment l' impression que cela abîme le Même si je devais dessiner de façon traditionnelle, je ne dessinerais jamais vraiment sur du papier aquarelle Je dessinais sur le bout de papier de la voiture, puis une fois que j'aurais terminé, je le tracerais. Vous pouvez toujours choisir de l' esquisser directement sur le papier. Assurez-vous d'être un peu léger avec vos mains. Vous pouvez également utiliser d'autres logiciels numériques si vous le souhaitez, faire ce que vous voulez. J'aime avoir le moodboard devant moi lorsque je dessine, surtout lorsque je commence et que je pose les bases et la composition elle-même J'ai l'impression que le fait d'avoir une référence devant vous aide vraiment car cela vous évite d' avoir à dessiner à partir de mémoire et cela peut être un peu plus facile. J'aime utiliser un écran partagé. Il s'agit essentiellement d'ouvrir le moodboard et le canevas en même temps Lorsque je travaille sur Procreate, j'aime utiliser ce crayon H fourni avec le procreate lui-même J'aime beaucoup la texture du pinceau. Chaque fois que je travaille sur Procreate, je l'utilise toujours Commencez généralement l' esquisse elle-même en ayant un passé approximatif pour déterminer la composition dans laquelle chaque élément doit dans l'illustration sur le canevas Je passe ensuite à quelques formes pour comprendre l'inclinaison de la tête et le positionnement du cou et des épaules. En fait, je n'entre trop dans les détails dans cette phase. Cette phase consiste essentiellement à construire le bâtiment, la composition, ayant la base elle-même. Nous pouvons donc nous appuyer sur cela. De plus, cela revient à visualiser la visualisation, samariser le moodboard ou ce que vous aviez en tête et à le mettre sur votre toile en gros Ensuite, j'ai mis quelques détails comme le nez, les yeux et la bouche. En fait, j'utilise un guide très approximatif pour m' aider à placer la fonctionnalité elle-même. Je commence essentiellement par le cercle, puis j'ajoute un arc au bas du cercle pour créer cette forme ovale. C'est la base de la phase, puis je divise les deux côtés de la phase jusqu'à la ligne des yeux. À partir de là, je dessine les sourcils, le nez et la bouche Pour être honnête, je ne suis pas vraiment exactement ces directives et règles en elles-mêmes. Je dessine de la manière qui convient le mieux à mon style, mais ces directives sont là pour vous aider à trouver et à définir vos propres proportions. Ne vous laissez pas restreindre par ces directives, comme avoir l' impression que vous ne pouvez pas vous en sortir, vous devez toujours suivre parce que vous n'êtes pas vraiment obligée de toujours pouvoir jouer avec Ici aussi, à ce stade, j'ai également mis d'autres détails comme la forme des cheveux, des bouts de ficelles, mais pas trop dans les détails. À partir de maintenant, j'utilise mon instinct pour me guider. Je vous recommande de simplement l'esquisser si vous n'êtes pas sûr de quelque chose et de l'essayer. Si cela ne fonctionne pas bien avec la composition, il peut certainement la supprimer et passer à autre chose. C'est pourquoi j'aime dessiner numériquement car cela vous donne simplement plus d'options pour peaufiner, tordre et essayer plusieurs choses sans gaspiller À partir de maintenant, je continue de raffiner et de raffiner. Chaque fois que je peaufine l'esquisse, j'aime créer une nouvelle couche par-dessus la précédente. Je continue à trouver le sketch jusqu'à ce que j'en sois plutôt content. Et lorsque vous avez terminé l'esquisse et que vous êtes satisfait de son résultat, vous pouvez l'exporter vers une galerie pour l'exporter. Il vous suffit de cliquer sur le panneau d'action, suffit de cliquer sur puis sélectionner Partager, puis choisir le format dans lequel vous souhaitez qu'elle soit exportée. Je vais choisir un PNG. Terminé. Alors c'est le moment de retracer. Pour le traçage, j'utilise mon iPad. Si vous avez une lightbox, vous pouvez également l'utiliser. Mais si tu n'en as pas, tu veux utiliser ton iPad comme moi. Vous pouvez simplement télécharger l' application appelée lightbox trace. Voici notre croquis final. Pour être honnête, j'aime beaucoup la façon dont nous tournons maintenant. Dans la prochaine leçon, nous allons passer aux couleurs. Nous emporterons notre croquis lui-même. On se voit donc dans la prochaine leçon. 8. Visage : appliquer la technique du mélange: C'est dans cette leçon que se rejoignent toutes nos pratiques. Souvenez-vous des exercices que nous avons faits il y a quelques leçons, les exercices de mélange. Nous sommes sur le point d' utiliser toutes ces connaissances pour notre illustration Je commence toujours par le visage parce que je pense que la partie la plus importante d' une illustration, car si vous retrouvez le visage de votre personnage ici, c'est un bon départ , car si vous ne le vous devrez peut-être recommencer à zéro. Parce que si vous partez d' un autre point et que vous finissez par vous retrouver face à tout gâcher, vous perdrez beaucoup de temps. En fait, je place la première tache de couleur sur les principales zones focales, comme les joues et le nez, et partout où je pense que le fard à joues Ensuite, les exercices que nous avons faits il y a quelques leçons nous ont permis de discuter de la technique humide sur sec dont vous vous souvenez. C'est ce que je vais faire. Ici, je vais utiliser la technique humide sur sec où je vais simplement mettre une tache de couleur initiale Ensuite, je vais laver rapidement mon pinceau, puis je vais essayer de plier les bords pour obtenir une finition lisse. Une chose à faire est de faire sécher les pinceaux humides et non mouillés. Vous devez les tamponner sur une serviette en papier ou autre Ensuite, je vais répéter ce processus mouillé sur sec. Pour lui donner plus d'éclat , Pour lui donner plus d'éclat je vais travailler du clair au foncé, afin de créer naturellement un mélange lisse Vous pouvez travailler avec des aquarelles de manière à rendre le processus plus indulgent en travaillant par couches Ainsi, si l'une de vos couches n'est pas aussi lisse que vous le souhaitez, vous pouvez certainement la corriger dans la couche suivante. vos erreurs est très facile, contrairement à ce que vous deviez utiliser des couleurs vraiment intenses pour obtenir de l'éclat et une fois que vous avez fait une erreur avec vos couleurs, il sera très difficile de corriger cela Comme vous allez me voir le faire ici, je vais suivre le même processus de technique humide sur sec où je mets la tache de couleur, puis je la mélange, et je le ferai très nombreuses fois pour avoir l'éclat la profondeur que je souhaite Au cours de cette étape, ne vous inquiétez pas de rendre chaque couche parfaitement lisse, car au fur et à mesure que nous avancerons , nous la corrigerons. Ne t'en fais pas, amuse-toi bien. Je pense que le moment est venu de passer à autre chose. À bientôt, prochaine leçon. 9. Cheveux : superposer les couleurs pour plus de vie: Maintenant que nous en avons fini avec la peau, nous allons passer aux cheveux. Il existe en fait de nombreuses façons de colorier, vous pouvez vous y rendre ici. Il y a tellement de textures, tant de couleurs parmi lesquelles choisir La façon dont je m'y prends ici est assez similaire à la façon dont j'aborde la phase. Nous allons commencer par la zone où les cheveux sont les plus abondants et nous allons suivre technique humide et humide ou humide et sec, et nous allons répéter le processus mouillé et mouillé sur humide et sec, selon notre choix. Nous allons répéter le processus jusqu'à ce que nous obtenions la profondeur souhaitée. S'il s'agit d'une zone plus petite que vous souhaitez peindre, il sera plus facile de contrôler le mouillé et le sec que le mouillé sur le mouillé. La technique humide peut être utile pour de très grandes surfaces. Comme vous pouvez le constater, il suffit de mettre de la couleur et de la mélanger et vous devez passer très rapidement à l'étape Vous ne voulez pas le peindre juste pour le faire sécher. Sinon, vous ne pourrez pas entrer en douceur. Laissez chaque couche sécher complètement. Vous allez me voir passer d'un côté à l'autre. C'est juste pour laisser sécher chaque couche et pour ne pas avoir à me mouiller. Vous pouvez utiliser un sèche-cheveux si vous le souhaitez. Mais il est très important de laisser sécher chaque couche. Pour que tout soit clair, vous appliquez une couleur, puis vous utilisez le pinceau propre et humide pour le lisser Disons que vous avez une finition semi-lisse. Elle est prête comme vous le souhaitez. Nous avons l'instinct d'aller de l'avant et d'essayer d' arranger les choses alors que le temps commence tout juste à sécher, mais n'essayez pas cela. Au lieu de cela, nous allons passer à une autre partie de l'illustration et laisser cette couche sécher complètement. Ensuite, nous allons y revenir et essayer de mettre une autre couche par-dessus. Je comprends qu'il peut s'agir d'un petit bulbe couvrant de grandes surfaces. C'est pourquoi je travaille en section. Si vous peignez la peau, votre visage peut être une partie, votre cou une autre et le corps une autre. De cette façon, vous ne peignez pas une plus grande surface, n'avez pas à vous soucier une partie sécher un nœud sur une autre et de ne pas avoir un spin lisse En ce qui concerne les cheveux, nous allons utiliser la section plantae en acier De cette façon, nous ne peignons pas une très grande surface et empêchons une section de sécher avant que vous ne l'ayez traitée. Nous allons simplement prendre en compte une section à la fois, aller jusqu'au bon point et passer à la suivante. Il est donc plus facile d'obtenir un look cohérent avec cela. Avant cela, changez de brosse. Si vous en ressentez le besoin, si vous couvrez une très grande surface, vous pouvez utiliser un pinceau plus gros qu'il soit facile à manier Nous en avons donc presque fini avec les cheveux. Donc, dans la prochaine leçon, nous allons juste terminer avec les cheveux et la touche de rose et nous vous verrons ensuite. 10. Contraste : encrage et touches finales: King ne se sent pas bouleversé au début, car nous avons l'impression qu' une fois que nous avons commis une erreur, il n'y a pas de retour possible Dans cette leçon, nous allons parler de choses que nous pouvons corriger pour corriger nos erreurs afin que cela ne soit pas aussi pénible. Nous avons donc appris tous ces traits de base, et nous allons maintenant apprendre comment utiliser ces traits de base pour vous donner plus de caractère et rendre vos lignes plus dynamiques. Oui, commençons, d'accord ? Chaque fois que nous parlons d'encrage, nous pensons un peu comme à l'encre noire, etc., mais nous n'allons pas aborder l'encrage de cette façon , oui Tout d'abord, nous allons partir de si vous avez une couleur de base, disons l'orange. Ensuite, vous devez utiliser un orange plus foncé pour démarrer l'encrage. Je vais simplement utiliser un orange plus foncé pour cartographier les lambeaux de cheveux, puis je vais passer à quelque chose comme du brun ou du noir pour terminer le processus d'encrage afin d'obtenir un contraste supplémentaire La question suivante se pose : quel trait, quel trait de base utilisez-vous ? Il n'y a pas de règle spécifique, mais prenons cette forme en considération. Nous utiliserons principalement les traits descendants et les traits de transition pour la ligne qui forme la forme, nous utiliserons les traits ascendants pour le reste et peut-être quelques traits de transition ici et là, donc ce n'est pas très Nous pouvons utiliser le downstroke, notre trait de transition, pour donner plus de caractère à une ligne Mais en utilisant principalement des traits de transition, utilisez les traits, le trait ascendant, le trait descendant et le trait de transition où vous Assurez-vous de le mélanger un peu. Et tout ira bien, d'accord ? Nous pouvons maintenant passer à la forme. Nous allons répéter le processus. C'est juste pour prononcer la forme, le flux des cheveux. Je suis vraiment content de la façon dont les choses se passent. Il ne reste plus qu'à apporter quelques touches finales. Nous allons ajouter quelques lignes sur les yeux, les cils et les fleurs ici et Nous avons enfin terminé. Cela s'est vraiment bien passé, et j'espère que vous l'aimerez aussi. Dans la dernière leçon, nous allons simplement terminer. Je vais voir dans la prochaine leçon. 11. Conclusion: Toutes nos félicitations à vous pour avoir suivi le cours. Je sais que c'était assez long, et nous l' avons très bien fait. Nous avons donc beaucoup abordé dans ce cours, n'est-ce pas ? S'il y a une chose que j'espère que vous retiendrez de ce cours, c'est la façon dont vous pouvez obtenir un look audacieux et dynamique avec votre illustration et le contrat dont vous avez besoin. Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours, et j'espère que vous l'avez apprécié autant que j'ai aimé le faire. Oh, j'espère que tu seras capable de créer quelque chose dont tu seras vraiment fier. Et assurez-vous de partager votre création et votre projet dans section Dires, car j'adorerais voir ce que vous créerez après avoir regardé ces gars Faites-moi plaisir sur Instagram car je suis toujours là, n' hésitez pas à me taguer et à vous de créer. De plus, je partage de nombreuses vidéos de chats, ce qui pourrait être un hic, non ? Merci beaucoup encore une fois. Continuez à apprendre et à créer.