Personnages de couleurs 105 : Démos complètes de coloriage

1. Introduction: Bienvenue dans le module 5 et bienvenue aux démonstrations de coloriage et de peinture Dans ce module, nous allons examiner les démos commentées de T lapsed, puis une démonstration complète de l'ensemble du flux de travail vous sera examiner les démos commentées de T lapsed, puis une présentée démonstration complète de l'ensemble du flux de travail Maintenant, il est important de noter que la démo complète est, en fait, également expirée, afin de réduire la taille des fichiers pour la plate-forme et de vous assurer que vous ne passerez pas jusqu'à 10 heures à regarder une démo C'est toujours à un rythme que vous pouvez suivre et tout voir dans les moindres détails, alors ne vous inquiétez pas à ce sujet Sachez qu'il s'agit de styles de peinture haut de gamme, en particulier ceux comme Kami ou quelque chose qui permet de en particulier ceux comme Kami ou quelque chose qui permet de contrôler les bords et qui utilise toutes les étapes du principe du formage Lining Cela prend généralement beaucoup plus de temps, et bien sûr, styles plus simplistes prennent beaucoup plus Je pense qu'en moyenne, je passerais en moyenne entre huit et 12 heures pour une peinture très haut de gamme et entre 3 et 5 heures pour un style de peinture inférieur ou plus simplifié. Gardez cela à l'esprit. J'ai vraiment hâte que vous les découvriez dans leur intégralité sur les flux de travail, et j'espère que vous en tirerez un grand parti. Regardez-les et regardez-les à nouveau. C'est ainsi que l'on apprend vraiment et l'on saisit vraiment certaines nuances, et je vous verrai dans les démos 2. Commentaire en timelapse - Carmi: Bonjour et bienvenue sur le timelapse de Carmi Nous allons y jeter un œil et je vais commenter ce flux de travail Maintenant, il fonctionne à une vitesse assez rapide, mais je vais faire une pause en cours de route pour discuter de certaines choses. Vous pouvez donc voir que je suis dans Photoshop. Nous venons de terminer les appartements, et je suis passé à la phase très importante des ombres ici. y avait aucune variante de couleur sur cette pièce en particulier, mais j'ai essayé de les ajouter plus tard. Et vous allez assister à une forte variation de stock dans ce que je déciderai de faire d' elle au fur et à mesure. Je suis donc en train de suivre notre processus habituel d' ombrage doux , en commençant travailler sur les ombres, mais j'ai commencé à me dire que je ne voulais pas donner à cette pièce en particulier un aspect légèrement ombré En fait, le projet sur lequel je travaillais pour elle avait plutôt un style pictural Bien que je puisse y parvenir avec Photoshop, j'ai décidé à un moment donné passer à Coral Painter et d'utiliser certains de ses pinceaux pour donner à la pièce un aspect plus pictural Je pars donc de zéro Mais je voulais vous montrer comment les choses peuvent changer. Lorsque vous décidez que vous souhaitez obtenir un aspect différent ou un style différent ou qu'un style de coloration particulier ne fonctionne pas sur votre dessin. C'est bon Ne vous inquiétez pas, ne paniquez pas. Allez-y et apportez les modifications que vous souhaitez. Elle s'en sortait donc bien. Il n'y a eu aucun problème avec le style. Mais j'ai juste trouvé que la stylisation ne convenait pas très bien au projet Et vous allez me voir passer à Coral Painter. Parfois, lorsque je conceptualise un personnage et que je dessine dans les seins Je sais que dans ce cas précis, ce personnage a des seins assez gros. C'est étrange parce que je n'ai jamais vraiment eu l'intention qu'elles aient de gros seins. C'est juste la façon dont je les dessine. J'essaie de penser aux masses, et je pense que parfois je finis par les surproportionner Mais nous avons dû modérer ce point. Vous avez vu la véritable finale de cette pièce. Elle a en fait une bande sur cette zone que je viens de peindre , mais je ne l'ai même pas dessinée. Donc voilà, j' utilise brièvement le pinceau carré et Photoshop, et je voulais obtenir un look brossé de type Photoshop , mais je n'en étais pas contente Vous pouvez donc voir tout de suite ici que nous sommes passés à la peinture corail en 2015. Et en fait, permettez-moi de dire également que nous parlons de Coral Painter, vous n'avez vraiment besoin que d' une seule version. Il s'agit d'une pièce de 2017. Mais Coral Painter, à partir de 20h10 en 2011, n'a pas vraiment changé grand-chose Donc, si vous avez une version à partir de Ben, c'est à peu près la même chose. Alors voilà, j'entre et je commence à faire le flux de travail normal de l'observation. J'ai fait un peu plus de travail sur le visage, parce que je voulais tester l'ensemble du flux de travail sur son visage, juste pour m'assurer que j'étais satisfaite la façon dont la stylisation ressortait J'avais l'air un peu plus peinte, un peu plus brossée au fur et à mesure. Ainsi, une fois que ce domaine est bien fait, je passe au flux de travail standard pour tous les autres éléments. Donc évidemment, ici, je travaille sur les cheveux. Nous allons faire les fards à cheveux. Et je saute un peu partout. S'assurer que tout fonctionne bien sur le visage. Et c'est une pièce très importante pour moi, cette pièce en particulier. temps en temps, je réalise une œuvre qui dépasse mes attentes quant ce que j'étais personnellement capable de réaliser, et vous constaterez également au cours de votre parcours artistique que vous ne cessez de grandir. Vous aurez des plateaux, puis vous atteindrez parfois de hauts sommets, puis un petit peu votre plateau, puis vous atteindrez un autre sommet C'est vraiment la nature de l'art, et je pense que la nature de nombreuses choses qui sont basées sur les compétences, c'est que plus vous y travaillez, mieux vous vous améliorez, il suffit de continuer. Et voilà, il suffit de refaire la phase d'ombre et d'investir vraiment, vraiment du temps dans les ombres, y réfléchir, de les modifier, les ajuster si nécessaire, puis de passer à la phase d'éclairage. repensant maintenant, j'ai l' impression qu'il n'y avait pas assez de contraste dans de nombreux domaines. Mais heureusement, comme nous le savons, nous pouvons utiliser des ajustements juste pour nous aider, créer des ombres supplémentaires, apporter une occlusion supplémentaire Tant que nous avons bien réfléchi à l' emplacement de ces ombres. Et c'est ainsi qu'ils produisent l'éclairage réfléchi. J'espère donc que maintenant, cela ne vous est pas étranger pour ce de tout ce que je fais dans cette pièce. On pourrait dire, eh bien, qu'il fait des spéculations sur le bijou, qu'il s'occupe de la phase d'éclairage ou de la phase de mise en valeur, et c'est exactement ainsi que vous voulez regarder et voir l'art Je n'aimerais pas que vous soyez à ce stade et que vous pensiez il y a une sorte de talent ou quelque chose comme ça. Je veux dire, il n'y en a pas vraiment. Je ne suis pas naturellement doué pour l'art. Il s'agit vraiment d'apprendre, d' apprendre, d' apprendre, d'apprendre. Je suis plutôt orienté vers les mathématiques , curieusement. Mais j'ai beaucoup aimé l'art, et j'ai admiré les gens qui le faisaient bien, surtout au début de la vingtaine, et c'est là que j'ai décidé : « Hé, je veux vraiment le faire, et je vais faire tout ce qu' il faut pour y parvenir ». me prouve et prouve aussi à beaucoup de mes étudiants que ce n'est pas une question de talent. C'est une question de dévouement et de passion. Si vous êtes passionné, si vous avez le dévouement, vous pouvez certainement exceller et être excellent dans le domaine de l'art. Et voici donc le rendu matériel de l'or. Et l'or, en particulier, qu'il s'agisse d'une couche d'or soyeuse ou d'or véritable, vous devez vraiment avoir très bon contraste entre les reflets, la lumière et les ombres, car c' est ce contraste fort qui lui donne l'apparence d'une matière dorée. Si le contraste est trop subtil, il semble jaune ou tardif. Ça n'a pas l'air correct. Vous pouvez voir à quel point les reflets sont brillants sur ces sections dorées Se déplacer avec des gants. Et vous pouvez voir, en particulier en regardant la peinture corail sur la droite, elle n'est pas vraiment différente de Photoshop. En fait, comme je l'ai déjà dit, la plupart des logiciels artistiques, les bons logiciels artistiques, sont assez similaires. Vous disposez de couches, de modes de et d'actions que vous pouvez effectuer sur les couches. Vous avez un sélecteur de couleurs, un panneau avec une énorme saturation en valeur, puis vous avez une petite fenêtre de navigateur Tous les éléments, bien sûr, avec Kari également. Elle a été flattée, elle a donc des éléments distincts. Bien sûr, si elle devait être vraiment peinte, j'aurais probablement fait un dessin moins raffiné pour l'une d'entre elles, car elle n'avait pas besoin d'être aussi illustrative si elle voulait être une peinture Mais aussi, j'aurais probablement juste travaillé sur une seule couche. Cela ne pose aucun problème pour vous assurer que vous appliquez dans votre esprit chacun des éléments du principe de mise en forme à cette section Je travaille sur des zones de couleur similaires, les fesses de la ceinture et le foulard, puis je passe à la spécularité des potions brillantes et autres, en y ajoutant des dégradés, des lumières, des ombres Ils sont en fait transparents. Il n'y a vraiment rien là-bas. Je ne peins pas le brillant, aucune couleur en particulier. Je mets simplement les reflets sur la forme, laisse les reflets le faire lire et ajoute la lumière réfléchie aux gants. Et encore une fois, je tiens à souligner que vous voulez vraiment comprendre les plans, réfléchir soigneusement à la rotation de l'objet en trois D, et cela vous aidera à décider, s'il y a une lumière réfléchie ici, lumière atteindra réellement cette zone ou non ? Et vous savez, d'une part, je tiens à dire que c'est tout ce qu' il y a à dire dans un sens, parce qu'une fois que vous connaissez le principe de doublage de formulaire, vous déterminez simplement où ces éléments du principe de doublage de formulaire vont se répercuter sur le formulaire. Bien entendu, lorsque vous comprenez le contrôle des contours, ce que vous savez sûrement déjà, vous ne voulez pas avoir des choses qui ressemblent à des coups de pinceau. Vous voulez que les éléments soient dégradés, et ils peuvent ressembler à un trait, exemple sur des spéculaires ou sur des zones nécessitant des arêtes chaudes Mais vous voulez que les choses restent fluides, pas très nettes. Le numérique a tendance à être bien trop précis. Et l'une des toutes premières choses que j'ai apprises sur le numérique, c'est ne pas se laisser emporter par la netteté du vraie peinture est beaucoup plus douce et permet à l'œil du spectateur de se déplacer beaucoup plus facilement œil du spectateur de se déplacer autour de la pièce, tout comme les vraies peintures. Me voilà de retour dans Photoshop et je fais ma post-production. Et Photoshop est excellent pour la post-production ou la production. Il est également excellent pour la post-production. Je ne pourrais pas atteindre le niveau de finition que j'ai sans Photoshop. Vous pouvez voir que je suis en train de faire quelques ajustements sur le design à l'aide des outils Warp et des outils de sélection des warp Et c'est moi qui regarde différents modèles. En équipe, nous avons décidé qu'il y avait un peu trop de zone visible par rapport à sa taille. Ce n'était donc pas un problème. Il suffit d'y mettre un joli motif en forme de croix et il s'ajustait parfaitement et fonctionnait bien. Et c'est la fin des laps de temps. Et j'espère que cela vous a été utile. Jetez un œil à la démo complète, et je vous verrai lors de la prochaine démo. 3. Commentaire en timelapse : votre appel: Jetons maintenant un coup d'œil aux cartes de cette fois-ci pour la pièce, votre appel. Et il s'agit plus d'une œuvre de style manga, un peu plus d' une œuvre de style manga, juste dans le style du dessin et aussi dans le style de la peinture Et vous voyez, je vais ici et je fais un survol de tout Ce n'est vraiment pas nécessaire. Au final, cela n'est plus du tout nécessaire car lorsque vous remplissez à plat toutes les zones séparées, vous avez déjà cette zone remplie. Parfois, je le fais parce que je veux m' assurer que, quel que soit le nombre d'effets que je produis, tout reste dans les limites initiales Mais pour être honnête avec toi, je ne fais plus ça. C'est vraiment une perte de temps pour moi. Ce que je préfèrerais faire maintenant, si je le voulais , c'est sélectionner toutes les zones de pliage à plat, les fusionner sur un calque et le rendre gris. Et puis je peux l'utiliser comme sélection de forme ou de silhouette, si je veux déplacer tous les éléments en une seule fois. Considérez-le comme une sorte d'outil qui reste dans les lignes. Quoi qu'il en soit, nous faisons la chute plate grise, puis nous passons à toutes nos chutes normales Et ce que je fais ici, c'est en utilisant l'ordre des couches, tant que je garde les couches d' arrière-plan derrière et les couches de premier plan devant Je n'ai pas besoin d'être très précis en ce qui concerne les chutes. Cela dit, il est probablement préférable d'être plus précis avec les zones complètes, simplement pour créer plus facilement certains types d' ombres sur les bords, comme les ombres ambiantes et certaines ombres d'occlusion Cette pièce était un peu pressée par le temps. Je prenais des raccourcis. Et honnêtement, je ne recommande pas les raccourcis. Je veux dire, les outils d'efficacité sont une chose, les raccourcis en sont une autre. Mais rien d'inhabituel que vous n'ayez jamais vu en termes de flux de travail. Il suffit de le remplir à plat. N'oubliez pas que plus vous dessinez d'éléments, plus vous dessinez d' éléments individuels, plus vous dessinez de détails, plus vous devrez effectuer de remplissages. Parfois, il peut être préférable de tempérer votre enthousiasme à l'idée d' ajouter des millions d' accessoires et d'objets car, bien entendu, tous ces éléments, s' ils couleurs ou des valeurs différentes, ont des couleurs ou des valeurs différentes, nécessiteront des remplissages à plat séparés Et là, je jouais légèrement avec l'opacité des lignes juste pour voir si je pouvais les adoucir un peu Je crois que je vais colorier les lignes comme nous l'avons fait pour que vous puissiez le voir J'ai également ajouté ces détails aux cartes, et elles auront donc également besoin de leurs propres chutes. Je n' aime vraiment pas le remplissage plat. En fait, je suis sûr qu'au fur et à mesure que vous travaillez sur vos pièces, vous commencez à vous rendre compte que le remplissage à plat prend beaucoup de temps et que ce n'est pas une activité très complexe, alors vous vous ennuyez à le faire. J' écoute généralement un film pendant que je le fais ou j' écoute de la musique, et même la musique peut devenir répétitive. Je vous recommande de mettre des rayons bleus ou des DVD ou autre Ou diffusez depuis Netflix ou autre, et faites-le simplement. Je sais que c'est un peu pénible, mais cela rend le reste du flux de travail ridiculement rapide Je veux dire, donc tu pourrais aller peindre une chose à la fois. Tu pourrais tout à fait le faire. Mais si vous faites toutes vos chutes dès le début, c'est vraiment un gain de temps Ici, j'utilise les outils numériques pour m'aider à comprendre la palette de couleurs. Je n'y avais pas pensé à l'avance. J'utilise simplement le réglage de la saturation des teintes pour voir ce qui fonctionne, voir quelles couleurs me semblent aller bien ensemble. À cet égard, la couleur a vraiment tendance à être assez subjective. Certains grands groupes de couleurs se marient généralement bien ensemble, mais dans la plupart des cas, c'est assez subjectif, et je pense que vous pouvez facilement le faire par instinct et ne pas vous tromper tant que votre dessin de base est bon et que vous avez une très compréhension de la couleur et de la lumière, ne pas vous tromper tant que votre dessin de base est bon et que vous avez une très bonne compréhension de la couleur et de la lumière, ce que vous devriez avoir maintenant, j'espère C'est parti pour la phase d' observation. J'opte pour un look légèrement ombré, mais vous verrez que j' essaie de simplifier une grande partie du flux de travail. Je ne crée pas d'ombres d'une précision incroyable, avec un peu de profondeur sur la peau Et beaucoup d' utilisation de pinceaux souples. Garder les choses douces. N'oubliez pas qu'un soft edge dit en fait : « Hé, ne me regardez pas ». Je suis douce, peut-être interprétez-moi d'une façon étrange, alors qu'une ombre à bords durs est une déclaration audacieuse, ombre à bords doux est plus ambiguë. Lorsque vous commencez à utiliser des arêtes beaucoup plus souples, les choses deviennent beaucoup plus implicites. Vous avez beaucoup plus de détails implicites que de détails déclarés. Et les détails implicites peuvent être très utiles pour guider le regard du spectateur sur les zones où les détails sont indiqués. En particulier dans une pièce de personnage, les yeux, le visage sont généralement vos points focaux. Vous pouvez le garder un peu plus doux partout ailleurs , puis vous durcir sur le visage J'étais juste en train de changer quelques pinceaux, d' en créer un nouveau, de modifier certains paramètres. Je mets des ombres pour les voitures ici pour les cheveux, qui sont ces ombres aux bords durs. Un autre conseil que je recommanderais est de laisser les détails des yeux durer. Lorsque vous détaillez les yeux et même en dessin, même en peinture. Quand il s' agit de peindre, oui, si vous les peignez tôt, l'œuvre peut sembler terminée avant même que vous ne l'ayez réellement terminée, car c'est force de leur point focal, et c'est dans notre nature humaine de vouloir et c'est dans notre nature humaine de vouloir impliquer les gens en les regardant dans les yeux. Essayez donc de laisser les yeux plats. Vous pouvez voir que je ne les ai pas vraiment touchés à part donner une couleur à la RS et au globe oculaire, vous savez, c'est une sorte de valeur de gris clair de base là-bas. Mais oui, laisse-le pour la fin. Ici encore, j'utilise la technique de peinture, mais une version très rapide, une version plus simplifiée, pas trop détaillée dans les cheveux. Mais chaque section reçoit vraiment son propre traitement des ombres. Je ne pense pas avoir encore fait les points saillants à ce stade. Et c'est là que je commence à faire des choix stylistiques, car dans cette pièce, il ne s'agira pas d'une sorte de style légèrement ombré inspiré du principe du silex. Nous allons en quelque sorte simplifier les reflets et les lumières réfléchies avec juste une couleur épaisse aux bords arrondis. Vous verrez donc cela se produire sous peu. Maintenant, souvenez-vous toujours que si vous avez un bon dessin mal peint, c'est toujours un bon dessin. Si vous avez un mauvais dessin bien peint, c'est quand même un mauvais dessin. Vous devez donc vraiment vous assurer que votre dessin est 100 % aussi bon que possible, aussi bon que possible, que vous êtes entièrement satisfait du dessin avant même de toucher à la couleur La couleur et la peinture ne sont vraiment qu'un autre niveau au-dessus de cette structure. Cela ne veut pas dire que vous ne pouvez pas dessiner avec de la peinture entre virgules, vous le pouvez certainement, vous pouvez peindre directement Vous n'avez pas besoin d'un dessin, mais vous devez ensuite vous assurer que votre structure fondamentale est solide. Et si vous utilisez simplement de la peinture, vous devez créer les formes avec la lumière dans l'ombre, en concentrant principalement sur les ombres. Construisez la structure de cette manière, puis entrez dans les détails seulement plus tard en ajoutant tous les éléments du flux de travail d'éclairage des formulaires. Ici, vous pouvez voir que je commence à passer aux lumières et aux reflets Les cheveux vont devenir assez clairs. Encore une fois, sur les cheveux, vous voulez vraiment choisir une zone. Peut-être deux, mais généralement une zone où il y aura les lumières les plus claires et laissez les lumières allumées sur cette zone. Ici, vous verrez que je fais ces points saillants sur une seule section, et je conserve mon pourcentage du principe d'éclairage des formulaires. Si vous y réfléchissez, quel serait le pourcentage spéculaire ou le point culminant du principe d'éclairage des formes C'est un très faible pourcentage. Cela représente 10 %, peut-être même 5 % de la forme totale de cette sphère d'éclairage. Vous devez réfléchir à votre utilisation des points forts de cette façon. Ici et là, je m'en tiens à ce que cela soit très, très minimal. Lorsque vous commencez à en faire trop, vous perdez les effets Il faut faire preuve de retenue avec les points forts. Ici, je joue avec différents styles en ce qui concerne l'éclairage. Certains ont des bords souples, d' autres des bords durs. Tu sais ce que sont ces pierres ? Sont-ils des joyaux ? Sont-ils opaques ? Sont-ils transparents ? Et vous pouvez voir qu'elles sont assez fines, elles ne touchent toujours pas les yeux, et je suis en train de styliser légèrement ne touchent toujours pas les yeux, le métal Ensuite, nous passons à la lumière dans les yeux. Vous pouvez le voir immédiatement dès que vous le faites. Soudain, la pièce semble terminée. On peut dire que vous pourriez en rester là. Mais je sais que j' ai encore du travail à faire. J'ai des zones qui ont besoin d'éclairage. Vous pouvez voir que j'ai adopté une approche très dure cet égard, la barre oblique de lumière réfléchie pouvant être une lumière secondaire Et cela revient à une sorte de simplification Lorsque vous commencez à simplifier certains éléments du flux de travail d'éclairage des formulaires, vous obtenez plus de styles à colorier , moins de styles de peinture Et vraiment, le style pictural de nos jours, vous savez, historiquement, c'est parce qu' ils utilisaient de la peinture et des pinceaux que les choses avaient l'air géniales Mais comme vous le savez, nous sommes entrés dans le 19e siècle, et nous avons commencé à utiliser l'aérographe et tous ces autres looks style Painter est devenu une chose où il était un style Ce n'était pas juste une bonne chose, c'est à cela que ressemblent les peintures à cause des coups de pinceau. Je suis devenu un style. Il s'agit donc vraiment de voir ces bords et d' avoir dégradés qui ne sont pas des dégradés lisses, mais des dégradés tracés où vous pouvez voir les où vous pouvez voir Et donc ici, nous approchons de la fin du flux de travail, en y ajoutant un peu de lumière secondaire, juste très tranchant Cela lui donne un style de bande dessinée particulier un peu plus avancé que celui des bandes dessinées, mais lui donne ce genre de look. Il semblerait que je sois allée à l'encontre de mon idée du bleu, que je l'ai gardé blanc. Je pense que je pourrais à nouveau apporter du bleu. Je ne suis pas sûr. Je suis en train de tester une lampe sur le vêtement Ici, nous ajoutons simplement un éclairage très doux à un visage. C'est assez difficile. Il peut être difficile de trouver un équilibre lorsque vous essayez d'obtenir un style particulièrement simpliste, car en ajoutant ces couches de principe de mise en forme, vous augmentez les attentes en matière de réalisme de la pièce J'ai décidé que les cartes avaient besoin de plus de texture, alors j'ai simplement ajouté ces lignes, juste pour leur donner un aspect un peu plus imprimé, je suppose. J'ai décidé d'opter pour ce thème, le thème du jeu de cartes. C'est un effet assez subtil. Le reste n'était en fait que de la mise en page. La pièce a été pratiquement réalisée d'ici. J'ai fait quelques autres modifications, j'ai fait pivoter la page, j'ai joué avec une composition de page, rien de majeur, le principe de l'éclairage du film était prêt à l'emploi Retourner l'image pour s'assurer qu'elle va bien des deux côtés. C'est dans l'image me mage, rotation de l'image, retournement horizontal. Et voici notre couche de superposition pour équilibrer les couleurs. Donc, ce ne sont que les derniers ajustements, je suis en train de trop peindre. Jouer avec un design. Je ne sais jamais vraiment où je suis censé apposer ma signature. Si je le pouvais, je laisserais ça de côté pour être honnête avec toi. La plupart des gens ne savent même pas ce qu'est ce symbole, je l'ai juste inscrit pour des raisons de copyright pour simplement dire : « Hé, c'est ma signature ». Mais je déteste ça. C'est un cauchemar compositionnel. J'aime que les pièces parlent vraiment d'elles-mêmes. J'utilise l' outil liquéfié qui s'y trouve juste pour ajuster la forme des diapositives Et vous pouvez voir, je veux dire, que vous en êtes vraiment à votre phase de post-production, à essayer de faire entendre votre voix finale. À quoi ressemblerait si vous l'imprimiez ? Où dois-je mettre le logo ou la signature, si vous voulez ? Quel type de graphisme pourrais-je faire pour améliorer la pièce ? Et pour être honnête, je pense en fait que ces subtilités ne font que nuire au travail Et je passe beaucoup trop de temps à m' occuper de ces choses, mais je devrais probablement faire une autre œuvre d'art, pour être honnête avec vous. Mais en fait, c'est à peu près tout pour ce commentaire. Je ne fais que quelques petites retouches, mais nous avons examiné la majeure partie du flux de travail, et je pense que vous avez une idée générale de la manière dont vous pouvez réellement manipuler le principe de l'éclairage des formulaires pour obtenir un aspect à des degrés et à des échelles variables dans votre travail. Vous voulez donc commencer par le plus complexe. Vous voulez apprendre le plus complexe, d'éclairage complet que flux de travail d'éclairage complet que nous avons suivi et que nous avons compris tous ces principes de lumière et de couleur. Et lorsque vous connaissez les règles les plus strictes, vous pouvez passer à l'augmentation ou à la baisse selon vos besoins. On dirait que j'ai décidé qu'il y avait en fait quelques retouches supplémentaires à faire. Surtout en ce qui concerne les points forts des vêtements, juste pour mettre en valeur les formes un peu plus. Ce que je fais, c'est appliquer la technique capillaire secrète qui consiste à peindre ces lumières, puis à les effacer doucement. Donnez-leur un look subtil. Et les lignes peuvent voir que certaines lignes sont légèrement brunes, juste pour adoucir l'apparence des lignes. C'est assez étrange, en fait. Je suis tout à fait convaincu que j'en avais fini tout à l'heure, mais ce n' est clairement pas le cas. Cela m' arrive parfois. J'ai probablement posé le document pendant quelques jours, revu et j'ai dit : « Hé, il y a certaines choses que je voudrais changer. Permettez-moi de dire que vous n'êtes pas obligé de tout faire en une seule fois. Tu ne le sais vraiment pas. Ajoutez des ombres de voiture sur les cartes et appliquez un peu de peinture sur les lèvres. Mais je dois dire que je n'ai pas l'impression cette cueillette de noix supplémentaire ait fait trop de différence l'ensemble. C'est l' un des problèmes de notre époque Est-ce qu'une pièce est terminée ? Qui sait ? C'est fini quand tu décides que c'est fini. Et il s'agissait plutôt de jouer avec une histoire. Peut-être qu'elle cachait des cartes. Elle triche au jeu ou quelque chose comme ça. Cela devrait être la fin de la pièce. Jetons un coup d'œil au flux temporel ici. La fin. Je vous verrai donc dans le prochain commentaire de Traps. Jetez un œil au flux de travail complet. Je vous montre que nous y trouverons quelques nuances. Je vous verrai dans les prochains commentaires sur Taps. 4. Commentaire en timelapse : ChronoViper: Bienvenue dans les laboratoires Chrono Viper T, et nous reprendrons les travaux juste après la fin des travaux Je suis allée de l'avant et j'ai commencé à travailler sur la couche de peau en y ajoutant des ombres douces et un peu de dispersion sous la surface Maintenant, cette pièce a un look très comique. L'illustration est un style très comique. Je veux donc que les choses restent assez simples, assez directes. Et la plupart du temps, dans le style des bandes dessinées, les reflets et les ombres, comme nous l'avons vu dans la section sur les styles de coloriage, sont généralement marqués. Et je pense que la plupart du temps, le coloriste a une liberté limitée, en particulier dans le flux de travail d'une bande dessinée Ils ont une liberté limitée quant à l'endroit où ils peuvent placer les lumières. Une grande partie de la direction artistique à cet égard est assurée par le dessinateur de bandes dessinées. Bien sûr, cela dépend du titre, de l'artiste. Mais la plupart du temps, ils stipulent où doivent se trouver les lumières et où doit se trouver l'ombre car ils décident de la manière dont le formulaire doit être lu dans les crayons L'encreur doit également suivre la direction du crayon, qui est essentiellement l' artiste principal d'une bande dessinée Ici, le flux de travail que je vais déplacer est vraiment rien que vous n'avez jamais vu auparavant. Nous travaillons sur les différentes couches plates. Et en ajoutant la scène générale de l'ombre, on pourrait dire qu'il faut vraiment simplifier les choses et s' assurer que les choses se lisent bien. Ici, par exemple, le costume est vraiment de cette couleur grise. Le pistolet est également gris foncé. Il peut y avoir beaucoup de confusion chez le spectateur s'il ne parvient pas différencier les différentes formes. Donc, ce que j'ai fait sur la main c'est d'éclaircir les valeurs des ombres Et en fait, c'est fait uniquement pour comprendre le spectateur. Ce n'est même pas nécessairement une théorie de la lumière. Il s'agit plutôt de manipuler cette composition pour que l'image continue de communiquer clairement Ici, je passe aux fichiers plats, de toutes les zones éclairées Maintenant, le costume est probablement nylon brillant ou une sorte de matériau à base de plastique. Il a des reflets très marqués. absolument garder à l'esprit avec ce genre de pièces c'est que lorsque vous optez pour un look de bande dessinée, vous voulez que les lignes parlent. Vous ne voulez donc pas que votre coloration, votre doublure, votre peinture gâchent tout le temps que vous avez investi dans les lignes ou qu'elles masquent trop les lignes. Et je l'ai constaté assez souvent lorsque vous essayez de créer un flux de travail de peinture très haut de gamme. Peut-être que vous optez pour le réalisme ou que vous optez pour un style pictural très grossier, risque d'être perdant lorsque vous le faites travail où quelque chose risque d'être perdant lorsque vous le faites sur des lignes qui nécessitent beaucoup de Soit le style de peinture ne fonctionnera pas bien ou ne se lira pas bien, soit vous devrez surpeindre de nombreuses lignes. Et en fait, si vous voulez travailler davantage sur des œuvres picturales, vous avez tendance à conserver des lignes plus fines, beaucoup moins de détails dans les zones, car vous allez avoir beaucoup moins de détails dans les zones, car vous allez trop peinturer ces détails de ligne Mais lorsque vous optez pour une œuvre d'art davantage basée sur le trait, vous voulez que les choses soient plus simples. Simplifiez légèrement la coloration et faites lire vos lignes. Ici, nous utilisons des reflets aux arêtes dures, en les surélevant pour obtenir vraiment ce genre d'aspect métallique. En fait, finissez par jouer un peu plus avec ça que sur la surface de la lame du pistolet. J'essayais en fait de savoir sur quelle couche se trouvait cette lame au bout d'une queue Je l'ai finalement trouvée. Je ne sais pas quelle couche. Je l'ai enfilé. On voyait une couche avec quelque chose, et je me suis complètement perdue. Maintenant, je fais toutes ces sections rouges, leur donnant un peu d'ombre, et je vais également faire une passe de surlignage, une passe de surlignage légère vers l'avant avec barre oblique oubliez pas non plus de ne pas ajouter de spéculaires à des objets qui ne sont tout simplement pas des matériaux spéculaires De toute évidence, cela va changer la façon dont le spectateur interprétera ce type de matériau. Ce que je faisais là-bas, c'était utiliser un pinceau doux pour créer un effet de lumière sourde sur les pads de téléportation Je le fais aussi ici avec le pistolet. Je le souligne un peu. Ensuite, je passe directement au-dessus de la couche jusqu'à la base du pistolet. Donnez-lui une légère lueur, sorte qu'il semble qu'il y ait une certaine diffusion de la lumière. Et puis je me suis rendu compte assez tard dans le jeu que son fard à lèvres supérieur devait être un peu plus foncé que le bas. Cela fait vraiment comprendre aux lèvres que la lèvre supérieure est plus foncée que la lèvre inférieure, plissée à cause des avions, non pas que nous voulons appliquer à la théorie de l' éclairage pur et dur, mais à cause des avions. Le plan supérieur de la lèvre est orienté vers le bas, il est donc généralement beaucoup plus ombragé et capte un peu de lumière réfléchie par le sol Et le plan des lèvres inférieur est évidemment orienté vers le haut, donc il est généralement beaucoup plus éclairé. C'est en fait une astuce rapide, même lorsque vous utilisez simplement des crayons pour obtenir de très belles lèvres, en vous assurant que la lèvre supérieure est foncée et que la lèvre inférieure est légèrement R Maintenant, il est fort probable que vous ayez déjà fait dessin complet des personnages à l'école d'art des personnages. Mais si ce n'est pas le cas, vous pouvez suivre ce cours et découvrir comment créer plusieurs styles de dessin. Parce que, bien sûr, le dessin lui-même comporte plusieurs styles , allant du réalisme aux dessins animés simplifiés Ici, je vais entrer dans le calque, puis je le duplique et je fais quelques ajustements. Je vais faire quelques ajustements supplémentaires car j'ai remarqué qu'elle était un peu foncée sur le fond blanc. Il est également plus facile d' éclaircir les documents que d'assombrir les Il est donc préférable de travailler dans un endroit légèrement plus sombre et d'augmenter la lumière plutôt que de travailler trop clair, et vous aurez alors des problèmes avec les ombres. Et c'est à peu près la fin de ce commentaire sur le flux de travail. À la fin, j' appliquais simplement un effet Photoshop appelé trait, qui donnait une bordure grise à tout. Ce n'est en fait qu'un petit effet et un effet supplémentaire. Je n'y suis pas allée à la fin de la journée. Je l'ai essayé. Je n'ai pas vraiment accepté. Et je vous verrai dans le prochain commentaire. 5. Commentaire en timelapse : cacher quelque chose: Bienvenue à la démonstration de Hyding Something, et nous reprendrons juste après les appartements et passerons aux variations de couleur Il s'agit évidemment d'une pièce que vous devriez probablement connaître assez bien. Ce personnage a été créé spécialement pour ce cours. Je voulais avoir un flux de travail très, très clair pour vous. Vous connaissez donc probablement déjà toutes les phases du flux de travail, mais je voulais inclure cette démonstration comme un long aperçu de ce que vous avez appris en termes d'application du principe de doublure de formulaire, en appliquant toutes les étapes du principe de doublure de formulaire en une seule pièce. Nous avons donc fait des variations de couleurs. Nous sommes passés à la peau, et je vais ajouter des ombres. Et nous savons que nous voulons d'abord créer nos grandes ombres générales, puis nos ombres d' occlusion ambiantes, puis nos ombres formelles, ce que je fais ici Et puis, partout où nous le pouvons, là où nous le jugeons nécessaire, en ajoutant ces ombres de voiture et ces ombres d'occlusion Je sais que vous en avez probablement assez de m'entendre dire cela, mais je me répète vraiment pour souligner l'importance de certaines choses. Et les ombres sont vraiment tout. Vous voulez vraiment surinvestir dans l'ombre durée totale de peinture de cette pièce était d'environ 5,5 à 6 heures. Je vais voir que la démo complète dans le temps imparti est un peu plus courte Je pense que c'est entre 2,5 et trois. Et une grande partie de ce temps est consacrée à la phase d'observation. J'essaie de m'assurer que les ombres sont placées correctement, me demandant si le formulaire se lit bien. Cela semble-t-il logique dans un espace en trois D, où je place les ombres ? Je vérifie également, où ai-je besoin d'un coût ? Où ai-je besoin d'une occlusion ? Où ai-je besoin d'une occlusion ambiante ? Est-ce qu'un bord ne se lit pas parce que l'occlusion ambiante est trop claire ou trop foncée, est-ce que le bord des coups de pinceau est trop fort à certains endroits ou trop mou ? Vous avez sans doute constaté tout au long du cours quel point la théorie elle-même est complexe. L'application réelle du flux de travail est assez simple et directe une fois que vous avez compris la théorie et que vous avez un flux de travail logique à suivre. L'appliquer n'est pas vraiment difficile. Il vous suffit de suivre les étapes. Mais vous commencez à comprendre à quel point la lumière est complexe, et même à quel point vous pourriez pousser l' éclairage dans un objet, déplaçant les sources de lumière autour de la pièce et en envisageant différents types de matériaux. Donc là, je continue simplement à travailler sur les ombres. Je veux juste réfléchir à endroit où je place ces objets. la région de son ventre, vous remarquerez peut-être les ombres semblent plus réalistes en termes de façon dont la lumière et l' ombre se déplacent sur la zone musculaire c'est moi qui regarde des images de référence, je regarde et extrais réellement la lumière dans zones ombragées de la région de l'estomac Ensuite, je rince et je répète les mêmes formes que j'ai apprises il y a peut-être quelques années. Et en parlant vraiment du sujet de référence , utilisez-le quand vous en avez besoin. Utilisez-le vraiment quand vous en avez besoin. Évidemment, ne volez pas, mais vous devez reprendre les principes fondamentaux de la référence et les appliquer à nouveau dans votre travail Une autre chose à noter est que la référence à la vie réelle, en particulier lorsque vous faites référence à la peinture, vous observez la lumière et l'ombre, est sensiblement différente de la référence photographique. Les appareils photo ne sont pas aussi précis que nos yeux, en général, mais en ce qui concerne la façon dont nos yeux gèrent le contraste, façon dont nos yeux gèrent le contraste, ils n'ont pas le type de capacité de contraste dynamique dont disposent les yeux. Ainsi, dans la mesure du possible, observez vraiment le monde qui vous entoure et observez comment la lumière agit sur certaines surfaces, différents types de peau, différentes conditions météorologiques, différentes conditions d'éclairage. Commencez par essayer de mémoriser à quoi cela pourrait ressembler, le type de pinceau dont vous pourriez avoir besoin pour obtenir cet effet , le type de saturation des teintes ou les couleurs ou valeurs d'éclairage réfléchi que vous devrez peut-être sélectionner. Je vais donc parcourir la pièce étape par étape. Je vais augmenter un peu la vitesse pour nous permettre de le traverser un peu plus rapidement. Vous pouvez voir immédiatement, vous ajoutez simplement une ombre douce et simple à un plat, et tout à coup, il devient tridimensionnel. Cela témoigne une fois de plus du pouvoir des ombres. À cet égard, certains artistes s'adaptent en fait à la valeur de l'ombre. Ils s'aplatissent à la valeur de l'ombre. C'est peut-être toi, non ? Rien ne change dans notre théorie, mais ils s'aplatissent à leur valeur fictive. Nous avons opté pour un ton moyen, essentiellement, ou pour une couleur locale moyenne Ils s'aplatissent à la valeur de l'ombre et ne peignent qu' à la lumière. Et peut-être que si vous pensez comme ça, je ne connais pas beaucoup de gens qui le pensent, pour être honnête. Mais si vous pensez comme ça, il n'y a rien de mal à cela. Vous venez tout juste de terminer la phase des ombres, et vous devrez ensuite surinvestir dans votre scène d'éclairage, pour que tout soit simplement inversé Mais rien ne changera jamais ce genre de règle fondamentale des deux valeurs. Les deux valeurs doivent être lues. La lumière et l'ombre doivent lire. La lumière et l'ombre doivent construire la forme. Et sans aucun doute, si vous avez fait une école d'art des personnages, terminé le dessin de personnages, et maintenant vous faites une école d'art des personnages, complétez le coloriage et la peinture. Vous pourriez penser : « Waouh ». Il existe de nombreuses règles. Et c'est cela le réalisme. Le réalisme a ces règles. Il existe des règles dont nous avons besoin pour créer des choses qui semblent réalistes ou qui peuvent au moins sembler crédibles dans un certain sens, elles sont dans l'espace, elles sont dans le temps, elles ont, elles ont de la lumière Et ce que nous faisons, c'est que nous trouvons notre liberté et notre liberté de création dans le respect des règles. Et il y a beaucoup de liberté dans les règles. Vous pouvez créer efficacement n'importe quel type de créature, n'importe quel type d'être, n'importe quel type de personne, n'importe quel type de monde. C'est illimité. C'est l'une des choses merveilleuses du réalisme. Il y a une communication très claire. C'est cette créature qui vit dans ce monde. C'est cette personne avec cette personnalité, etc. Nous passons donc à la phase légère. Voici mon flux de travail complet pour cette étape d'éclairage. Je fais très attention à ne pas devenir fou, placer principalement dans les zones éclairées, bien réfléchir à la place de la lumière. Encore une fois sur les cheveux, je l'ai déjà mentionné. Je le mentionne encore une fois pour vous. Détendez-vous avec les hautes lumières sur les cheveux, détendez-vous vraiment avec elles. Limitez-le à une zone, peut-être deux, et vous aurez une apparence décente ici. Passons à l'étape de l'éclairage réfléchi ici. fait, il s'agit simplement de sélectionner et choisir ces zones d'éclairage réfléchies. Ça va l'accélérer un peu. En pensant aux plans, quels plans sont orientés vers le bas, et en veillant à ce que le bord du dégradé ne ressemble pas à une bande, moins dans ce flux de travail en particulier, il faut dégrader n dans la couleur dans laquelle il s'écoule Ainsi, sous les coquilles, ils captent un peu de lumière réfléchie. Nous passons maintenant à la première étape. simple fait de faire entrer ces lumières très vives est encore plus tempéré maintenant que nous ne l'étions sur la scène d'éclairage. Seules quelques zones bénéficieront de cette lumière supplémentaire. Et je l'utilise également là-bas. Tempérée sur les cheveux, en retenant ces formes. Et en partant de l'élément et en suivant simplement notre flux de travail. Ce flux de travail est vraiment très puissant. Le flux de travail est très puissant. Vous avez constaté la possibilité d' augmenter la taille et de réduire ce que vous ne pouvez pas faire une fois que vous connaissez le principe de la doublure des formulaires . Il n'y a pas grand-chose que tu ne puisses pas faire. Passons aux spéculations sur la glace, et nous allons également lancer quelques spéculations sur d'autres domaines Vous pouvez me voir supprimer certaines lignes. Je fais des spéculations sur l' espèce de patte de poulpe qui s'y trouve. Elle n'est pas vraiment une sirène. Et l'idée était vraiment qu' elle avait un peu peur Elle a des oreilles d'elfe. Elle a un couteau dans le dos. Elle a des pattes de poulpe, mais elle est quand même très jolie Elle est toujours très belle. Et je jouais avec un feu secondaire vert. J'aurais peut-être dû en fin de compte, mais je veux que les choses restent un peu standardisées , car cela aurait ajouté à l'étrangeté de la pièce Tu ne sais pas si tu peux lui faire confiance ou non. Et puis, en quelque sorte, la couleur aurait été liée à la couleur de ses yeux. Vous savez, le vert ne semble pas forcément bon dans certaines circonstances, en particulier sous l'eau. Dans une forêt, c'est bon. Sous l'eau, c'est un peu bizarre, d'un vert éclatant. Nous y ajoutons donc l'éclairage secondaire. Et en fait, nous faisons d'abord un beau coup de pinceau doux, puis nous allons dans zone éclairée et nous l'illuminons en quelque sorte Nous le faisons évidemment parce que nous voulons que ce bord reste beau et lisse, tenant compte de toutes les zones où cette lumière pourrait toucher, en les améliorant si nécessaire. d'ajouter de petits haut-parleurs à éclairage secondaire dans l'œil ne fait que nous donner une agréable sensation de dynamique. Et puis travailler sur les coûts et les occlusions. Je pense que je veux vraiment revenir en arrière et modifier ce coût. Je n'aime pas vraiment l'angle de vue. Je pense que c'est bon. C'est bon Il se lit à un niveau raisonnable. Mais je suppose que mon point de vue subjectif est que, vous savez quoi, j'aimerais donner un peu plus de courbe aux choses. Le dernier que nous avons obtenu, donnez-lui un peu plus de courbe. Mais bon, je suppose que ça va. Je passe donc à nos premiers ajustements avant de commencer à faire certaines des finitions Je jouais avec, peut-être, en modifiant certaines teintes des éléments. Finalement, j'ai décidé, pour que tout reste standardisé. Nous allons juste rester les mêmes. Nous n'allons pas faire de changements insensés. Déplacer, se disperser sous la surface, maquiller un peu nos yeux Utilisez également cette couche de lumière douce, qui se trouve au-dessus de la couche de peau, et l'éclairage de la peau qui s'y trouve. Ensuite, nous abordons la technique dite secrète de peinture capillaire. Je voulais l'appeler la technique secrète de peinture capillaire de Scott technique secrète de peinture capillaire parce que je la considère comme la mienne, mais appelons-la technique secrète de peinture capillaire et vous pourrez l'avoir. Donc, ici, je tiens simplement à souligner à quel point il faut être fluide Il faut vraiment suivre le rythme des cheveux. Vous ne pouvez pas laisser ces traits apparaître sous des angles étranges ou quoi que ce soit d'autre. Les cheveux coulent, vous devez suivre le rythme des cheveux, et bien sûr, ce sont les ombres Elles sont donc très importantes, bien plus importantes que la lumière. Nous voulons donc vraiment investir plutôt que d'investir, en particulier dans les cheveux. Selon la fidélité que vous recherchez, vous pouvez porter cette technique jusqu'au réalisme très haut de gamme en utilisant une gamme de tailles de traits allant des traits épais aux traits fins représentant seul cheveu, de même dans les lumières. Mais vous devez vraiment bien réfléchir à l'endroit où vous ajoutez ces éléments. Ensuite, bien sûr, vous soulevez ces conseils et vous obtenez une finition très, très professionnelle, un look très professionnel. Ici, nous faisons le coloriage des lignes. J'ai opté pour une sorte de couleur locale la plupart du temps. Juste une couleur locale plus foncée, adoucit un peu l'image, lui donne un aspect un peu moins comic bookmaker d' Illustrator Vous voulez généralement laisser les yeux comme une valeur plus foncée, en particulier les lignes des yeux, les cils, à car lorsque vous commencez rendre les lignes Y trop claires, vous perdez du Et d'une manière générale, il y a beaucoup de contraste dans les yeux. Même chez de vraies personnes, il y a juste beaucoup de contraste. Et là, je suis en train de trop peindre, de combler les lacunes, de nettoyer toutes ces sortes de petites zones désagréables que je n'avais pas comblées auparavant. Et cela témoignera vraiment du niveau de dévouement et de professionnalisme dont vous faites preuve dans votre travail. Vous savez, certains artistes peuvent laisser ça dedans, mais ça ne s'en souciait pas vraiment. Vous voulez vous efforcer d'être le plus professionnel possible. J'utilise un fond blanc parce que j'étais tout à fait certaine de ne pas voir le fond complet correctement. Je suis voir le fond complet correctement donc rapidement passée sur un fond blanc, éteint le gris et j'ai laissé le blanc briller pour avoir un meilleur look. Et vous remarquerez que les bulles ne sont pas des cercles parfaits, et elles pourraient l'être, mais ce n'est pas obligatoire, n' est-ce pas ? Ils n'ont pas besoin de l'être. Vous constaterez que l'art n'est pas nécessairement une question de précision dans le réalisme, mais plutôt de précision dans la théorie. Appliquez-vous tous les éléments de l'éclairage pour travailler ? Utilisez-vous relativement bien la perspective en ce qui concerne la façon dont vous déterminez où éclairer les éléments ? Tu penses aux avions ? Nous y avons appliqué la couche bleue et l'aberration chromatique, en déplaçant les canaux d'un pixel seulement, ce qui a déplaçant les canaux d'un pixel seulement, adouci l'apparence et nous a donné une belle Et c'est vraiment la fin de ce flux de travail. J'espère donc que vous avez apprécié de cacher quelque chose un peu plus rapidement dans l'aperçu des Tar laps que nous avons vu dans le module 3 Et Define nous donne une belle vue d'ensemble de chaque étape. Une chose à la fois, faire en sorte chaque élément soit fait une chose à la fois. C'est la fin de cette vidéo sur le flux de travail. Merci d'avoir regardé. 6. C2 Final: Félicitations pour avoir atteint la fin du cours. Si c'est la première fois que vous le suivez, n'oubliez pas de suivre le cours à nouveau et passez maintenant aux devoirs en appliquant tous les aspects pratiques de tout ce que vous avez appris Si c'est la deuxième fois que vous le consultez, assurez-vous de publier votre travail. J'adorerais le voir, et je ne doute pas que vous avez constaté une amélioration rapide de vos compétences au cours de ce cours. N'hésitez pas à me contacter. Vous pouvez me poser des questions, me laisser des commentaires, et j' adorerais voir votre travail. J'adorerais vous aider et vraiment marcher côte à côte avec vous pour vous amener au niveau que vous souhaitez atteindre. Merci encore d' avoir acheté le cours. Je vous en suis vraiment reconnaissante, et j'espère que vous avez trouvé une immense valeur au fil du cours. Tout ça vient de moi, et je vous verrai quand je vous verrai. Bravo.