Peindre un geai bleu à l’aquarelle : l’élégance de la nature

1. Aperçu: Salut les gars. Bienvenue dans mon cours de compétences sur la peinture d'un geai bleu. Je suis Chris, aquarelliste et artiste numérique ainsi que professeur Dans ce cours, nous nous concentrerons sur la peinture d'un J bleu perché sur une brindille avec de jolies fleurs Nous nous amuserons à expérimenter différentes nuances de bleu et à utiliser une palette de couleurs analogue pour donner vie à cette belle peinture Je pense que ce tutoriel convient aux artistes de tous niveaux de compétence. Si vous êtes un débutant à la recherche d'un défi, vous pourrez suivre mes instructions et créer cette œuvre d'art en toute simplicité. Le didacticiel est divisé en parties courtes et faciles à gérer. Je vous guide étape par étape tout au long du processus pour vous aider à démarrer. Je fournirai des ressources telles qu'une liste des fournitures que j'ai utilisées, dessins au trait prêts à imprimer de différentes tailles et la photo de référence. Vous pouvez également vous référer à ma peinture terminée pour inspirer et vous guider lorsque vous travaillez sur votre propre peinture. Si vous êtes prêt à créer quelque chose de beau, plongeons-nous dans le vif du sujet et commençons. 2. Votre projet: Pour votre projet de classe, je vous encourage à suivre ensemble de mon processus et à peindre avec moi. Cependant, si vous trouvez que l'ensemble du tableau est trop long à la fois, n'hésitez pas à vous concentrer sur une seule section. Vous pouvez choisir de peindre une seule fleur, une grappe de fleurs ou même simplement l'oiseau lui-même. L'objectif principal est d'appliquer les concepts et les compétences que vous avez appris en classe et de créer une œuvre d'art unique qui reflète votre style personnel. N'hésitez pas à partager vos photos de progression et le tableau final avec la classe. Vous pouvez les télécharger dans la section Projets et ressources en cliquant sur le bouton Créer un projet. Fournir une brève description de votre processus et des défis que vous avez rencontrés au cours de votre parcours créatif peut être utile à la fois pour les autres étudiants et pour moi. Cela permet d'obtenir des commentaires et un soutien précieux. Si vous rencontrez des questions ou des préoccupations au cours du processus, n'hésitez pas à les poser dans la section de discussion. Je suis là pour t'aider de toutes les manières possibles. Enfin, je vous recommande vivement de regarder chaque leçon avant de commencer à peindre. Cela vous aidera à vous familiariser avec les techniques et à mieux vous préparer à ce qui vous attend, ce qui de vivre une expérience de peinture plus confiante et plus agréable. Si vous trouvez ce cours utile, je vous en serais très reconnaissant. Si vous pouviez laisser un commentaire honnête, vos commentaires m' aideront à créer un meilleur contenu et à aider les autres étudiants à décider de suivre ce cours ou non. Merci d'avance. 3. Ressources: J'ai préparé des ressources utiles pour votre projet, auxquelles vous pouvez accéder dans la section Projets et ressources. Dans les ressources, vous trouverez le fichier PDF contenant une liste des fournitures que j'ai utilisées pour cette peinture. Bien qu'il ne soit pas nécessaire d' utiliser exactement les mêmes fournitures, je recommande d'utiliser du papier 100 % coton. Pour de meilleurs résultats, vous pouvez utiliser vos peintures et pinceaux préférés. Vous trouverez également une photo de référence et ma peinture terminée, qui peuvent toutes deux vous inspirer pour vos propres œuvres d'art. De plus, il existe des dessins au trait disponibles en différentes tailles que vous pouvez imprimer et transférer sur votre papier aquarelle Vous pouvez choisir la taille qui correspond à vos préférences. N'hésitez pas à explorer ces ressources et à les utiliser pour créer votre propre peinture unique et magnifique. Si vous avez des questions en cours de route, n'hésitez pas à me contacter. Profitez bien de votre projet. 4. Introduction: Salut. Aujourd'hui, nous plongeons dans le monde coloré de la peinture à l'aquarelle Ensemble, nous allons créer un magnifique portrait d'un geai bleu. geais bleus sont connus pour leur beauté éclatante et je suis heureuse de vous aider à en donner vie à un geai sur le papier Avant de nous plonger dans le processus de peinture, parlons du processus de préparation et des idées qui sous-tendent cette œuvre d'art. Tout d'abord, je voulais peindre un oiseau comme sujet principal. Après avoir parcouru diverses photos d'oiseaux, je suis tombé sur des geais bleus Ils ont attiré mon attention parce que je n'avais rien peint en bleu depuis longtemps. Le temps chaud dehors m'a donné envie de couleurs froides. J'ai choisi une superbe photo de geai bleu comme source d'inspiration. Ensuite, j'ai travaillé sur la composition du tableau. J'ai essayé quelques croquis miniatures rapides, mais rien n'a vraiment marché C'est alors que je me suis tournée vers Pinterest pour trouver une inspiration créative. Les illustrations vintage et les cartes postales contiennent souvent de fantastiques idées de composition. Les oiseaux assis sur des brindilles entourées de fleurs délicates semblaient être un thème récurrent J'ai décidé d'intégrer des fleurs dans ma peinture, inspirant d'un concept similaire à celui que j'avais utilisé dans une œuvre précédente, Spring Twittering Ma première idée a été de peindre des fleurs de cerisier pour avoir une meilleure idée de leur apparence et de la façon de les dessiner J'ai fait des recherches sur des photos de fleurs de cerisier C'est dans cet esprit que j'ai esquissé une composition comportant un J bleu inspiré de ma photo de référence, mais pas une copie exacte Et une brindille avec des fleurs que j'ai assemblée en me basant sur ma compréhension générale de leurs formes Une fois que j'ai eu ma composition, j'ai peaufiné le dessin. Je l'ai imprimé et j'ai utilisé un chemin lumineux pour le transférer sur mon papier aquarelle J'ai décidé de ne pas mouiller le papier cette fois. Habituellement, je mouille à la fois le recto et le verso du papier, agrafe sur mon Gator Board et je le laisse sécher pendant Mais pour ce tableau, j'ai sauté l' étape du mariage car je ne voulais pas peindre un fond mouillé sur un fond mouillé Je savais qu'il n'y aurait pas trop de flambage du papier. J'ai simplement agrafé le papier sur mon tableau Gator et je l'ai collé sur quatre côtés. C'est ainsi que j'étais prête à commencer à peindre. J'avais une idée claire que l'oiseau devait être bleu, mais je réfléchissais à la couleur des fleurs Au départ, j'ai pensé que le rose pourrait fonctionner. Puis j'ai pensé à l'orange pour compléter le bleu. Cependant, j'ai décidé d'essayer quelque chose de différent cette fois et d'opter pour une palette de couleurs analogue J'ai choisi d'utiliser la teinte bleu-vert Windsor comme couleur principale pour la touche d'oiseau ou le bleu cobalt pour les fleurs. Je voulais un bleu plus chaud. J'ai choisi le bleu cobalt et le bleu outremer. Mais j'ai également ajouté de la rose permanente pour donner aux fleurs une teinte violette. De cette façon, j'ai conservé une palette de couleurs analogue harmonieuse. Ensuite, j'ai pensé à ajouter un arrière-plan subtil pour lier le tout. Au lieu de peindre tout le fond, j'ai opté pour une forme légèrement nuageuse. Pour ce faire, j'ai utilisé du bleu cobalt et de la rose permanente pour créer un lien entre l'arrière-plan et le sujet principal. Le concept général de cette peinture est une palette de couleurs analogue avec un bleu Windsor verdâtre froid pour les fleurs violettes des oiseaux, un bleu moyen neutre et du rose pour le fond J'ai également inclus de minuscules feuilles vertes comme couleur d'accent pour ajouter de la profondeur et de l'intérêt. Je suis très content du résultat. J'ai gardé les choses simples avec des formes basiques, application directe des couleurs et j'ai beaucoup utilisé une technique humide sur sec. Ce qui, je le sais, est généralement plus agréable et plus facile pour la plupart d'entre vous. Je crois que ce sera un projet de peinture. Nous allons diviser ce tableau en quelques étapes pour vous faciliter la tâche. Nous allons commencer par l'arrière-plan, puis passer à la peinture de la première grappe de fleurs, suivie de la deuxième grappe et de la troisième grappe. Ensuite, nous ajouterons la brindille foncée, et enfin nous allons peindre l'oiseau. Si vous êtes prêt, commençons 5. Arrière-plan: Commençons maintenant à travailler sur le fond. Toutefois, si vous préférez ne pas peindre le fond, hésitez pas à sauter cette étape. Permettez-moi d'abord d'expliquer le concept général. Je ne veux pas que le fond domine le tableau. Je veux que l'oiseau et les fleurs soient les étoiles. Nous allons ajouter une touche subtile d'arrière-plan, comme une forme légèrement nuageuse qui complète les sujets principaux. Pour obtenir cet effet, nous utiliserons la technique humide sur humide. qui crée ces jolies formes douces qui s'estompent parfaitement. D'habitude, je masque le sujet principal pour peindre le fond, mais dans ce cas, je ne pense pas que ce soit nécessaire. Les zones que nous allons peindre sont relativement petites. Nous pouvons facilement contourner les fleurs, même si nous passons accidentellement par-dessus les fleurs ou l'oiseau. C'est bon Nous avons une arme secrète , une brosse à récurer pour éliminer tout chevauchement indésirable Avant de commencer à peindre, j'utiliserai la gomme dont j'ai besoin pour passer légèrement sur mon croquis au crayon Cela éliminera l'excès de graphite et éclaircira l'esquisse. Normalement, je ferais un croquis très clair, mais pour ce tutoriel, je vais garder les lignes un peu plus visibles afin que vous puissiez les suivre facilement Commençons par préparer nos couleurs pour le fond. Nous utiliserons du bleu cobalt et de la rose permanente. J'aime beaucoup le bleu cobalt. C'est un bleu ciel naturel apaisant. Le bleu cobalt est ma couleur préférée pour le ciel. Parfois, je le mélange avec le bleu Windsor ou le bleu outremer pour obtenir différentes nuances du Mais pour que cette peinture s'en tienne au bleu cobalt, prenez une bonne quantité de bleu cobalt et de rose permanente. Vous avez peut-être remarqué que j' utilise généralement un pinceau plat pour préparer mes couleurs. J'utilise un pinceau plat bon marché à cette fin car il me permet de ramasser plus de peinture rapidement. De plus, lorsque la peinture sèche sur la palette, il faut parfois la frotter plusieurs fois pour la faire passer sur votre pinceau. Et comme je ne veux pas abîmer mes bons pinceaux, j'utilise ce pinceau plat pour mixer. Utilisez maintenant un pinceau de taille 8, plongez-le dans l'eau et appliquez-le sur la première zone à gauche. Maintenant, prenons un peu de bleu cobalt et déposons-le près des fleurs. L'idée ici est d'appliquer la peinture près des fleurs et de la laisser s'étaler dans l'eau. Cela créera les jolis bords souples que nous visons. L'essentiel est d' utiliser suffisamment d'eau et appliquer sur une surface plus grande que celle que vous avez l'intention de peindre. Regardez, la peinture va se répandre dans l'eau et il faut de la place pour le faire. Nous ne pouvons pas simplement appliquer de l'eau sur une petite surface, car lorsque la peinture atteint le bord de la zone humide, elle crée un bord dur. Au fur et à mesure qu'il sèche. En appliquant de l'eau sur une plus grande surface, la peinture aura plus d' espace pour s'étendre librement, ce qui donnera les bords souples que nous voulons. J'espère que cela a du sens. Je passe à un pinceau plus petit car je cherche à peindre soigneusement autour des fleurs. De plus, j'ajoute de l'eau vers la partie supérieure pour donner à la peinture encore plus d'espace pour s' écouler, au cas où. Continuez et continuez à peindre le fond sous la brindille Maintenant, je tiens à souligner que j'ai créé intentionnellement certaines formes avec des bords durs. Au cours de cette étape, j'ai appliqué le bleu près des fleurs et j'ai utilisé plus d'eau pour faire baisser la couleur. Ci-dessous, j'ai façonné certaines zones ressemblant à des pétales avec de l'eau légèrement teintée. Ce sont des indications très subtiles de fleurs qui ajoutent plus d'intérêt à l'arrière-plan. En combinant des bords légèrement nuageux avec des arêtes vives et subtiles, je trouve que cela ajoute une touche agréable. Il y a aussi quelques petites zones entre les fleurs que nous devons remplir. Notez que je n'essaie pas de peindre autour d'une petite brindille dans cette zone. Au lieu de cela, j'applique le bleu sur toute la surface. La raison en est je sais que le rameau sera beaucoup plus foncé et qu'il sera facile d'appliquer la peinture foncée sur le bleu Ici, nous avons un autre domaine. L'avantage de ce contexte c'est que nous pouvons le diviser en sections plus petites et travailler sur chaque section séparément. J'ai également décidé d'ajouter des rangées permanentes pour un peu plus de style. Lorsque vous regardez le tableau final, vous verrez que cette technique humide sur mouillé m'a permis de créer ces formes super douces ressemblant à des nuages en arrière-plan. C'est très subtil, mais cela ajoute beaucoup plus d'intérêt à la peinture, bien sûr. N'hésitez pas à utiliser des couleurs différentes si vous le souhaitez. Tu n'es pas obligée de suivre exactement mes choix. Utilisez votre liberté de création pour personnaliser ce tableau. Nous n'avons pas de photo de référence pour cela, nous pouvons donc vraiment peindre à notre guise. Même si nous nous en souvenions, nous avons la licence créative de le peindre à notre manière. À ce stade, voici à quoi ressemble le tableau. Je vais le laisser sécher maintenant. Une ou deux heures devraient suffire. Normalement, si je peignais tout le fond mouillé sur mouillé, je le laisserais sécher pendant la nuit. Mais ce ne sont que de petites zones, elles n'ont pas besoin d' autant de temps pour sécher. Vous pouvez également utiliser un sèche-cheveux pour accélérer le processus de séchage lorsque vous êtes prêt et que votre peinture est complètement sèche. Passons à la partie suivante. 6. Grappe 1 - Couche initiale: Avant de commencer à peindre les fleurs, laissez-moi vous expliquer les étapes que nous allons suivre et quelques principes de base à garder à l'esprit. Nous allons peindre les fleurs en trois étapes principales. Dans un premier temps, nous appliquerons les couleurs de base aux pétales. Voici quelques idées clés à retenir. Utilisez un ton plus clair pour les couleurs finales. Laissez des zones blanches pour représenter les points forts. Donnez l'impression de pétales enroulés en laissant des bords blancs sur certains d'entre eux. Pour les fleurs, utilisez principalement du bleu cobalt, bleu outremer et des rangées permanentes Dans un deuxième temps, nous définirons nos couleurs plus clairement et ajouterons des ombres aux pétales Dans la troisième partie, nous nous concentrerons sur les détails les plus fins. Nous allons peindre des filaments émergeant du centre de la fleur et pouvons assombrir certaines zones si nécessaire Avant de commencer à peindre les fleurs, j'aimerais resserrer un peu les bords. Comme vous pouvez le voir, j'ai accidentellement recouvert de peinture bleue des pétales Je voudrais supprimer ces chevauchements. Je vais utiliser ma brosse à récurer maintenant. Permettez-moi de vous montrer mes brosses à récurer car on me pose souvent des questions à leur sujet Ma brosse à récurer principale est la brosse Swindsor Newton's Galleria Je l'ai depuis plusieurs années. C'est un peu brûlé maintenant. Mais c'est en fait une bonne chose parce que c'est devenu un peu plus souple. Quand c'est neuf, c'est assez rigide. Après un certain usage, les poils deviennent plus souples. Ce pinceau fait tout ce dont j'ai besoin. Je l'utilise pour presque tous les tableaux. J'ai également un petit pinceau Princeton Snap Shader. Celui-ci est vraiment petit et les poils sont beaucoup plus doux. Je l'utilise de temps en temps pour enlever de petites zones de peinture. Par exemple, pour créer des nervures plus claires sur les feuilles. En général, vous devrez expérimenter différents pinceaux pour trouver celui qui vous convient le mieux. Pour moi, une brosse à récurer est essentiellement une brosse plate avec poils légèrement plus rigides que mes pinceaux à aquarelle habituels à Les pinceaux conçus pour la peinture acrylique fonctionnent souvent bien comme pinceaux à récurer Il existe des brosses spécifiquement étiquetées sous le nom de brosses à récurer, et elles peuvent même avoir des formes rondes Cependant, j'ai trouvé que les pinceaux plats, en particulier ceux étiquetés flat, bright shader ou bright shader, répondent parfaitement à mes besoins Revenons maintenant à notre peinture. Je vais tremper mon pinceau dans l'eau, retirer l'excès d'eau sur une serviette en papier. Ensuite, avec un pinceau légèrement humide, je vais frotter doucement la zone de peinture que je souhaite enlever. Ensuite, je vais tamponner la tache avec une serviette en papier et la peinture doit être enlevée ou au moins je vais me débarrasser des bords durs de ma brosse à récurer est d'adoucir les bords de cette objectif principal de ma brosse à récurer est d'adoucir les bords de cette façon. Une fois que nous avons nettoyé les bords des fleurs, nous pouvons commencer à peindre. J'utiliserai un pinceau taille 6. Nous en sommes actuellement à la première étape du processus. Notre objectif est d'appliquer les couleurs principales aux pétales. Je vais commencer par le bleu cobalt. Et en utilisant la technique humide sur sec, j'appliquerai la peinture sur le premier. Mais comme nous n' avons pas de photo de référence pour les fleurs, nous devrons déterminer où appliquer la peinture. Ce que je garde à l'esprit, c'est que la source lumineuse se trouve quelque part au-dessus, peut-être légèrement vers la gauche. Cela signifie que les côtés supérieur et gauche des pétales doivent être plus clairs et que les ombres doivent être à droite et plus vers le bas. C'est un cas indicatif général. Nous avons deux écouteurs. Celui du dessus jette une ombre sur celui du dessous. C'est pourquoi je peins une ombre là-bas. Je crois également que le bourgeon doit être plus foncé, près des parties vertes. J'utilise une couleur plus forte, plus proche des sépales. Après avoir appliqué la peinture, humide et sèche, je rince et j'efface rapidement mon pinceau avec un pinceau propre et légèrement humide Je vais adoucir les bords pour la prochaine paire de bourgeons. J'ai choisi un ton légèrement plus rose, rendant la couleur un peu plus violette Je laisse également un point saillant. Le bord supérieur de chaque pétale. Ensuite, il y a une ombre en dessous, suivie d'une zone plus claire. Cela permet de savoir quelles parties des pétales sont les plus surélevées et lesquelles sont les plus concaves Les parties les plus sombres sont celles de l' ombre qui reçoivent le moins de lumière et qui semblent concaves Nous devons jouer avec les lumières et les ombres pour créer l'impression d'une forme tridimensionnelle. Dans ce cas, notre illustration est simple. Nous ne suivons pas une photo en particulier. Nous avons la liberté créative de faire ce qui nous plaît. Je pense également que le fait de varier les couleurs des fleurs les rendra plus intéressantes. Dans certaines zones, j' utilise plus de bleu, tandis que dans d'autres, je penche davantage vers le rose. Cette variété ajoutera un intérêt visuel et créera une composition de couleurs bien équilibrée avec notre fond bleu rose. Maintenant, je mélange l'or vert avec bleu outremer pour obtenir un beau vert neutre Je veux appliquer ce vert sur les feuilles pour voir à quoi ça ressemble. Il n'y a pas beaucoup d' espaces verts dans ce tableau. Si vous préférez, vous pouvez laisser les légumes verts jusqu'à la fin lorsque vous aurez fini de planter toutes les fleurs. Je suis juste curieuse de voir comment ma couleur verte préférée s' intégrera ici. J'applique également cette couche initiale sur les feuilles. Continuons maintenant à peindre les pétales. Notez que nous travaillons sur de très petites surfaces et que nous utilisons la technique humide sur sec, ce qui signifie que la peinture sèche assez rapidement. Vous n'aurez pas à attendre longtemps que la peinture sèche pour peindre les pétales les uns à côté des autres. Normalement, vous pouvez sauter un pétale, peindre un autre, puis revenir à avez oublié une fois que tout est sec. Mais ici, ce n'est pas nécessaire car le temps de séchage est assez court. Décrire le processus peut être un peu difficile ici lorsque nous n'avons pas photo de référence à suivre avec précision. Ce que je fais maintenant, c'est juste expérimenter avec les couleurs et peindre les fleurs d'une manière simple mais convaincante Tu peux me suivre si tu veux. Ou vous pouvez choisir de peindre les fleurs différemment, peut-être avec des détails plus complexes. Ou peut-être, dans un style perdant, si vous voulez suivre mon approche, je vous recommande de regarder d'abord ce que je fais, puis de poser la vidéo Regardez le tableau dans le coin ou un imprimé, si vous en avez un. Essayez de recréer ce que vous voyez dans ma peinture. N'oubliez pas qu'il ne s'agit que de la première étape. À ce stade, nous appliquons des couleurs de base, en laissant des reflets et en suggérant des ombres. Une fois cette partie terminée, passons à l'étape suivante et ajoutons plus de définition à nos fleurs. 7. Groupe 1 - Ombres et détails: OK, super, notre couche initiale est maintenant sèche et nous sommes prêts à affiner nos couleurs et à ajouter des ombres. Dans cette étape, nous allons continuer à utiliser les mêmes couleurs que dans la partie précédente. Notre objectif ici est d'assombrir certaines zones et d'intensifier les couleurs là où cela est nécessaire. Procédez étape par étape, vous concentrant sur chaque pétale individuellement. Réfléchissez aux zones qui devraient être plus sombres. Par exemple, considérez des zones plus prononcées ou plus proches des feuilles. Peut-être aimeriez-vous rendre certaines zones plus éclatantes avec des couleurs. Si c'est le cas, allez-y et ajoutez une teinte plus foncée de bleu ou de rose. Comme vous pouvez le constater, j'ajoute plus de couleurs pour améliorer la définition de zones spécifiques. Il est important de noter que je n'utilise pas nécessairement une teinte de peinture plus foncée. Je conserve la même consistance de peinture que dans la couche précédente. Cependant, comme les aquarelles sont transparentes, nous créons des couches de couleur. La deuxième couche peut paraître plus foncée que la première. Prenez votre temps et ne vous précipitez pas pour rendre les choses trop sombres. Appliquez les couleurs progressivement et évaluez leur apparence au fur et à mesure. Si nécessaire, vous pouvez toujours ajouter de la couleur après séchage. Par exemple, je ne sais pas exactement où placer les ombres ou si je dois ajouter plus de détails aux pétales. Je teste les eaux en appliquant d'abord une version plus claire de la couleur, puis en revenant aux mêmes zones pour appliquer couleurs plus foncées si je pense que cela améliorera l'apparence générale. Surtout, je cherche à définir le centre des fleurs et les ombres entre chaque pétale. Certains pétales peuvent être légèrement plus en arrière. Je veux les peindre un peu plus foncés que les autres pour donner l'impression qu' ils sont cachés derrière J'applique également le mélange vert sur les feuilles, composé d' or vert et de bleu outremer, pour créer des ombres sur les feuilles J'utilise plus de bleu outremer pour obtenir un ton Je reste très simple en utilisant la technique humide sur sec et en évitant ramollir les bords comme je le fais habituellement Cette fois, je vise un effet légèrement différent. Quelque chose comme une illustration avec une apparence plus aquarelle qui inclut les deux Bords souples et tranchants. Je peins une ombre d' un côté d'une feuille et l'autre trois lignes simples pour suggérer les nervures. Plus tard, lorsque le côté gauche sera sec, j'ajouterai également des veines à la zone ombragée Comme vous pouvez le constater, il s'agit d'une peinture très simple, rien de trop compliqué. J'espère que vous serez d'accord avec moi à ce stade. Les fleurs ne sont peut-être pas particulièrement impressionnantes, mais je suis certain que le résultat final sera magnifique. Ce qui me fait penser de cette façon, c'est mon appréciation pour les modèles répétitifs. Je sais que quoi que vous répétez , cela a tendance à être beau si vous le répétez. Bien que nous n'ayons pas vraiment de motif répétitif ici, nous avons de nombreuses fleurs et elles suivent toutes un processus similaire. Lorsque vous avez plusieurs fleurs similaires, elles finiront par s'assembler parfaitement. Ce dont nous avons vraiment besoin à ce stade, c'est simplement de patience. Et de continuer à progresser pas à pas jusqu'à ce que tout soit terminé. Nous passons maintenant à la troisième étape, qui consiste à ajouter les détails les plus fins. Je passe à un pinceau taille 4 pour cette partie, je choisis un peu de bleu outremer assez foncé et concentré. Avec cette couleur, je peins les points autour du centre des fleurs, qui représenteront nos anthères pour ajouter une certaine variation de couleur Ensuite, je vais ajouter un peu de rose, en utilisant uniquement le bout de mon tableau, les filaments qui relient le centre de la fleur aux Ers. C'est un moyen simple et efficace de peindre ces fleurs. Répétez le même processus pour les deux autres fleurs. Prenez un moment pour regarder vos fleurs et demandez-vous s'il y a des zones que vous aimeriez assombrir Par exemple, je voudrais ajouter un peu plus d'ombrage, mais pas trop. N'oubliez pas les feuilles. Finissons-les en ajoutant quelques veines simples à l'aide de notre mélange vert. Je trouve que ces petites feuilles ont l'air très simples, mais elles sont vraiment mignonnes. 8. Grappe 2 - Couche initiale: Notre première grappe de fleurs est terminée et nous pouvons maintenant passer à la seconde. Dans cette partie, je veux vous montrer le processus un angle différent afin que vous puissiez tout voir clairement. Cette fois, j'utiliserai un pinceau taille 4 pour ces fleurs. J'utilise le bleu outremer comme bleu principal. C'était mon plan initial, car je voulais utiliser un bleu plus chaud pour les fleurs en utilisant du bleu outremer et de la rose permanente Alternativement, j'applique les couleurs principales sur les pétales. Encore une fois, je laisse quelques espaces blancs qui serviront de reflets ou sur certains pétales, ces zones blanches représentent des pétales enroulés C'est du moins le concept qui me vient à l'esprit. Je pense qu'il est crucial de varier la couleur et de passer du bleu au la couleur et de passer du bleu au rose, car cela empêche la couleur de paraître plate Bien que nous puissions utiliser du violet, juste du violet pur pour cela, je pense que cette approche ajoute plus d'intérêt visuel. la dernière fleur, j'utilise un ton légèrement plus foncé car cette fleur est située à l'arrière et sous l'oiseau, elle est plus dans l'ombre. Au cours de cette étape, vous pouvez également voir à quel point il est important de maintenir une consistance de peinture uniforme. Regardez de plus près, je peins les pétales, gauche, puis je retourne à ma palette pour récupérer de la peinture. Cependant, ce faisant, j'ai également ramassé plus d'eau. Maintenant, la peinture que j' utilise est beaucoup plus humide que la peinture sur le papier qui commence déjà à sécher Cette incohérence dans l'humidité de la peinture peut entraîner la création de fleurs Lorsque je touche le papier avec de la peinture humide, l'eau dégagée par le pinceau repousse le pigment qui sèche, ce qui donne naissance à des formes appelées fleurs, choux-fleurs Cet effet est caractéristique des aquarelles. Certaines personnes l' adorent, d'autres le détestent. Certains y voient une erreur, tandis que d'autres les créent intentionnellement. C'est quelque chose qui ajoute une touche unique à votre peinture, mais qui peut aussi l'abîmer s'il apparaît dans une zone indésirable. Pour éviter cela, vous devez toujours vous assurer que vous utilisez de la peinture ayant la même consistance. Si vous appliquez de la peinture anti-intempéries sur une zone en train de sécher, il y a de fortes chances qu'une floraison se produise. Pour remédier à ce problème, vous pouvez soit peindre dessus avec une couleur plus foncée. Ou utilisez un pinceau à récurer pour retirer délicatement la peinture des bords de la fleur, afin de la rendre moins visible. Et puis éventuellement appliquer une autre couche de peinture pour les recouvrir. Personnellement, je ne les répare jamais. Je pense qu'ils sont uniques et même s'ils apparaissent dans des endroits que je n'avais pas prévus, je les accepte et je ne m'inquiète pas pour eux. Il y a des choses plus importantes à craindre dans ce monde qu' une fleur dans ma peinture. 9. Groupe 2 - Ombres et détails: La couche initiale est maintenant complètement sèche, il est donc temps de passer à l'étape suivante, assombrissant les couleurs et en ajoutant les détails Je travaille à peindre les ombres d'une manière qui, je crois, fonctionnera bien ici. Mon objectif est de laisser des zones plus claires sur chaque pétale, sauf lorsque je veux cacher le pétale entier dans une ombre, auquel cas j'assombrit le Par exemple, j'ai laissé cette zone blanche, qui représente un pétale enroulé Je pense que s'il est enroulé, la face interne de ce pétale doit être dans l'ombre Ce pétale paraît plus foncé que les autres. Je me concentre également sur la peinture des ombres dans les zones où les pétales se rencontrent. Je crois que cela ajoute de la dimension en indiquant que les pétales se chevauchent. À ce stade, les fleurs ne ressemblent pas encore à des fleurs. Chaque pétale peut sembler avoir une forme aléatoire. Cependant, il est important d'avoir une image mentale claire de votre objectif. Vous savez, ce sont des pétales qui s' assemblent au centre pour former une fleur. Certains pétales peuvent apparaître au hasard à partir de différentes fleurs, et c'est parfaitement bien. N'oubliez pas que vous peignez les fleurs et gardez à l'esprit la direction que vous allez prendre avec votre peinture. Cela vous aidera à trouver un sens à l'apparent chaos des pétales. J'essaie d'imaginer les fleurs principales et réfléchir à leur centre, endroit où je vais peindre les filaments, le reste n'étant qu'un ajout à ces fleurs principales N'oubliez pas ces petits bourgeons en bas. J'ai utilisé un peu plus de bleu outremer pour les peindre. Une fois cette étape terminée, passons à l'étape suivante. Tout est maintenant complètement sec, nous pouvons donc commencer à ajouter les détails les plus fins comme avant Commencez par peindre de nombreux points autour du centre. Elles représentent les fans des fleurs. Ajoutez ensuite ces délicats filaments fins pour compléter les fleurs. Répétez également ce processus pour les autres fleurs. Une fois cette étape terminée, prenez le temps de comparer cette grappe de fleurs avec la précédente. Est-ce qu'ils se ressemblent ? Peut-être devrez-vous assombrir certaines ombres ou ajuster les valeurs tonales pour que toutes les fleurs que vous avez peintes jusqu'à présent soient similaires en termes de lumière et de couleur foncée Après tout, ils poussent tous sur le même ajustement et devraient se ressembler Ajoutez un ton de bleu plus foncé aux bourgeons pour définir leurs ombres. De plus, nous pouvons également peindre ces minuscules feuilles à ce stade. Ce ne sont que de petits éléments supplémentaires ne nécessitent pas trop de travail. Commencez par appliquer une version plus légère du mélange vert d' or vert et de bleu outremer. Une fois que la première couche est sèche, utilisez un ton légèrement plus foncé pour ajouter des ombres simples. Essayez de ne pas trop le travailler. Nous ne visons pas l' hyperréalisme ici. Je veux que tu t'amuses et n'insistes pas trop sur la perfection. Peignez également les minuscules sépales verts des bourgeons Lorsque vous aurez terminé cette étape, passons au troisième groupe sur le côté droit 10. Grappe 3 - couche initiale, ombres, détails: Dans cette partie, nous allons continuer à peindre les fleurs comme nous le faisions auparavant. Je souhaite diviser cette section en étapes plus petites car vous devriez déjà avoir une bonne compréhension du processus. Le principal défi que vous pourriez rencontrer est de décider où appliquer les couleurs, où laisser les reflets et où ajouter des ombres. Croyez-moi, je n'avais pas non plus de feuille de route claire. Je n'utilisais pas une photo de référence comme guide. Il faut parfois compter sur notre imagination. Je comprends que ce ne soit pas facile, surtout si vous avez l'habitude de baser votre peinture sur des photos. Mais pourquoi ne pas l'essayer ? Vous pouvez maintenant utiliser ma peinture comme référence, ce qui devrait vous faciliter la tâche. N'hésitez pas à peindre vos fleurs différemment si vous préférez. Voici à quoi ressemble l'ensemble du tableau après avoir appliqué la couche initiale sur la troisième grappe de fleurs. Nous pouvons maintenant intensifier les couleurs dans les ombres et augmenter le contraste des tons Il est essentiel de disposer d'un large éventail de valeurs tonales, allant des reflets aux bleus et violets profonds Cela donnera plus de dimension à vos fleurs. L'absence de tons foncés peut entraîner un effet délavé, donnant l' impression que quelque chose manque à votre peinture. Les valeurs sombres sont essentielles. Je ne suggère pas d'utiliser du noir, mais d'incorporer des tons clairement plus foncés dans certaines zones, en particulier au centre des fleurs et sur les pétales en arrière-plan et dans l'ombre. Après avoir ajouté des tons plus foncés aux pétales, nous pouvons appliquer la couleur verte de base aux éléments verts. Une fois que la couche verte initiale est sèche, nous pouvons ajouter des ombres en utilisant une teinte verte plus foncée. Gardez les choses simples, essayez de ne pas trop y réfléchir et d'éviter d'en faire trop Parfois, moins c'est plus. À ce stade, notre peinture inclut le fond et les fleurs. Ajoutons maintenant le tweak noir pour relier toutes les fleurs ensemble. 11. Brindille: Je prévois de commencer avec un pinceau taille 6 pour la brindille. C'est un bon point de départ pour la brindille. Nous voulons une couleur plus foncée. Je suggère d'utiliser du bleu outremer, du vert, de l'or et de la rose permanente, que nous avons déjà utilisés dans notre peinture Pour assombrir ce mélange, ajoutez des peintures. Le gris, le gris l'assombrira rapidement et maintiendra l'harmonie des couleurs sans utiliser de noir. Le mélange est polyvalent et nous permet de le déplacer vers le bleu, vert ou le rose pour plus de variété. Commencez par appliquer une couche initiale avec un mélange de valeurs moyennes. La modification peut capter les couleurs de son environnement mélangeant du rose, du vert ou du bleu à quelques endroits Pour imiter cet effet, n'oubliez pas de peindre ces minuscules brindilles et feuilles décoratives Il y a une petite zone sous l'oiseau et quelques brindilles sur le côté droit. Envisagez d'utiliser un ton plus clair pour suggérer que la brindille disparaît en arrière-plan une fois que la texture de la première couche est sèche, utilisez les mêmes couleurs que précédemment et imaginez créer des lignes diagonales irrégulières et fragiles, plus foncées en bas et plus claires en haut Cette technique permet de créer une impression des lignes, pas besoin d'être parallèle pour améliorer les zones d'ombre situées au bas du tweak avec un ton plus foncé Cela ajoute du caractère et fait ressortir les fleurs. Ces tons sombres donnent de la profondeur et de la dimension à la peinture. Les fleurs semblent désormais mieux définies par rapport aux éléments sombres et le tableau prend vie. Prenez un moment pour admirer votre travail. Je trouve qu'il est superbe avec des fleurs autour de l'oiseau, subtils accents verts et une branche bien définie sur un fond doux. Je suis plutôt content de ma peinture jusqu'à présent. J'espère que vous aussi. Faisons une petite pause et lorsque vous serez prêt, nous pourrons passer à la peinture de l'oiseau. 12. Oiseau - couche initiale: Passons maintenant à la partie agréable de peindre l'oiseau. Nous allons peindre le J bleu en quatre étapes. Dans la première partie, nous appliquerons une couche plus claire sur l'ensemble de l'oiseau en utilisant une version plus claire des couleurs finales. Dans un deuxième temps, nous ajouterons les tons les plus sombres, qui nous fournira une référence pour les valeurs tonales La troisième partie consiste à ajouter des valeurs moyennes pour approfondir les couleurs. Dans la dernière partie, nous ajouterons les détails de finition pour compléter l'oiseau et l'ensemble du tableau. Commençons. Pour l'oiseau, nous aurons besoin de deux bleus. L'un est le bleu cobalt , que nous avons déjà utilisé. La seconde est la teinte bleu-vert Windsor, un bleu fort et froid qui tend vers le vert. Maintenant, prenez votre pinceau taille 6. À ce stade, nous sommes en train de créer une feuille de route. Nous voulons appliquer des versions plus claires des couleurs finales. Optez doucement pour les tons foncés. Trempez votre pinceau dans l'eau et obtenez une consistance aqueuse de bleu cobalt Commencez par appliquer la peinture à partir du bec. Laissez une petite lumière blanche sur le bec, puis passez à la tête Notez que j'utilise un ton très clair et une consistance aqueuse Cela permet une superposition fluide des couleurs. Nous peignons humide et sec, alors assurez-vous que la peinture est diluée. Cela l'empêche de sécher trop rapidement, ce qui se traduit par des bords durs et un mélange irrégulier Passez progressivement aux vents ou à la teinte bleu-vert. Vous remarquerez peut-être que l'oiseau de ma peinture ne correspond pas exactement à celui de la photo de référence. C'est parce que cette fois je n'ai pas retrouvé l'oiseau. J'utilise la photo comme référence pour comprendre où se trouvent les lumières et les ténèbres et comment les couleurs sont réparties sur les plumes de l'oiseau Pour la partie supérieure de l' oiseau, y compris le bec, tête et le cou, j' utilise davantage de bleu cobalt Au fur et à mesure que je descends dans les ailes, je passe à la teinte bleu-vert Windsor. J'ai mentionné l'utilisation d'une consistance aqueuse de peinture pour obtenir des couches lisses Bien que cela soit vrai, n'oubliez pas que nous peignons la nature et que la nature possède de nombreuses textures. L'oiseau est recouvert de centaines de plumes, sa surface est donc parfaitement lisse. Ne vous inquiétez pas si vous avez des fleurs, imperfections, des taches étranges ou des traînées de couleur inattendues Il n'est pas nécessaire que ce soit parfait. Ne vous inquiétez pas si vos lavages ne sont pas parfaitement lisses. Maintenant, pour le ventre, il nous faut une couleur différente. C'est un peu neutre, comme un beige gris. Lorsque vous trouvez une couleur difficile à identifier puis à ajuster selon les besoins, je mélange du bleu cobalt avec sienne brûlée pour créer un gris neutre, que nous pouvons commencer à appliquer sur le ventre Selon la zone que vous peignez, vous pouvez la déplacer davantage vers le bleu, rose, le marron ou toute autre couleur. Ajoutez maintenant une petite touche de rose permanente. La touche subtile relie l'oiseau au reste du tableau et maintient l'harmonie des couleurs. Je vais faire une petite pause car j'ai oublié de dessiner les détails sur les plumes. être utile d'ajouter des lignes pour définir les limites Il peut être utile d'ajouter des lignes pour définir les limites de chaque couleur sur les plumes. Bien, maintenant que je suis de retour, je choisis la teinte bleu-vert Windsor et je commence à peindre les ailes. Restons concentrés sur l'objectif de cette étape. Nous appliquons les couleurs initiales. Utilisez la couleur bleue sur l'ensemble des ailes et les plumes de la queue pour couvrir tout sauf les points blancs. Ne vous inquiétez pas si les points blancs de votre oiseau ne se trouvent pas exactement aux mêmes endroits que sur la référence. Ce qui compte, c'est l'impression générale. Que la tache blanche soit à l'extrémité des plumes ou non n'est pas un problème. Il y a des milliers d'oiseaux comme celui-ci et chacun d' eux est différent. Notre objectif est de capturer la disposition générale des trois couleurs principales sur les plumes. Du blanc, du bleu et presque du noir. Maintenant, prenez votre temps et appliquez lentement la peinture bleue sur toutes les zones bleues et sombres, à l'exception des zones blanches. Les parties les plus sombres seront beaucoup plus foncées que le bleu. Vous pouvez appliquer le bleu dans ces zones et la peinture foncée couvrira ces taches plus tard. Une fois cette étape terminée, faites une courte pause, puis nous pourrons passer à la partie agréable suivante de cette peinture. 13. Oiseau - Tons foncés: Maintenant que la couche initiale est sèche, concentrons-nous sur les tons sombres. Vous vous demandez peut-être pourquoi je commence par le bleu sur la tête, au lieu de passer directement aux tons très foncés comme le suggère le titre. Je le fais pour démontrer l' importance des tons sombres et pour vous montrer d'abord à quoi cela ressemble sans eux. En peinture à l'aquarelle, nous travaillons généralement du clair au foncé, chaque couche suivante devenant progressivement plus foncée jusqu'à ce que nous obtenions la valeur tonale souhaitée. Cependant, comment déterminez-vous le degré d'obscurité que vous devez atteindre et si la zone que vous peignez est suffisamment foncée ? L'une des méthodes consiste à prendre une photo de votre peinture actuelle, à la convertir en niveaux de gris et à la comparer à la photo de référence en noir et blanc. De cette façon, vous pouvez évaluer si les valeurs tonales de votre peinture correspondent étroitement à celles de la référence C'est une technique précieuse à utiliser de temps en temps. Une autre approche consiste à comparer la zone sur laquelle vous travaillez avec d'autres zones que vous avez déjà peintes. Par exemple, vous pouvez voir que les pétales de fleurs sont relativement clairs et que la tête de l'oiseau doit être beaucoup plus foncée. C'est pourquoi j' applique maintenant un ton plus foncé. S'il n'est toujours pas assez foncé et ton ressemble à celui des pétales, vous pouvez ajouter de la peinture pour assombrir la couleur Cette méthode consiste à comparer une zone à une autre, parfois même entre différents sujets de votre peinture. Obtenez un meilleur point de référence. Il est logique de se concentrer sur l'oiseau lui-même. Puisque nous peignons l'oiseau, il n'y a rien de plus proche que le sujet lui-même. La solution consiste à appliquer d' abord les tons sombres à l'oiseau. Ce faisant, nous établissons des limites claires pour nos valeurs tonales au sein du sujet Pensez-y de cette façon. Nos tons clairs sont déjà en place. Rien dans notre peinture ne sera plus clair que ces tons clairs. Maintenant, si nous peignons les parties les plus sombres de l'oiseau, établirons l'autre extrémité de l'échelle tonale Nous saurons que rien ne peut être plus sombre que ces tons sombres. Cela nous laisse avec des valeurs moyennes qui se situeront entre les lumières et les ténèbres. Maintenant, regardez le tableau. Les plumes bleues sur le dessus de la tête peuvent sembler assez foncées. Mais sont-ils aussi sombres qu'ils devraient l'être ? C'est difficile à dire sans un bon point de référence. Le meilleur point de référence est toujours le ton le plus sombre. Vous pouvez ajouter de la peinture légèrement plus foncée et plus concentrée pour créer des ombres, mais vous ne savez peut-être pas à quel point ces plumes doivent être foncées. Ensuite, utilisez des traits courts et un ton bleu clair pour peindre les plumes autour de l'œil. Au fur et à mesure que vous peignez, vous ajoutez peut-être de plus en plus de peinture pour créer de la texture. Mais où est la limite ? À quel moment le bleu sera-t-il suffisamment foncé ? Malheureusement, cela peut être difficile à déterminer à ce stade, surtout si vous n'êtes pas très expérimenté. J'ai ajouté de nombreux petits coups de pinceau sous les yeux pour suggérer une texture plumeuse, mais j'ai l'impression qu'il manque quelque chose, comme si j'étais perdue dans une mer de couleurs sans lumière directrice Cela peut même sembler désordonné avec ces lignes aléatoires, ressemblent pas vraiment à des plumes. Mais il y a deux points importants à retenir. Tout d'abord, nous n'avons pas encore terminé. Deuxièmement, il nous manque un bon point de référence sombre. Non, faisons un changement. Je passe à un pinceau d' observation de petite taille 2 , mais vous pouvez l'utiliser Pinceau rond plus petit et plus ordinaire si vous préférez. En fait, je vais bientôt recommencer à utiliser mon pinceau rond. Préparons un mélange foncé Maintenant, prenons la teinte bleu-vert Windsor et ajoutez-y de la peinture grise. Ce bleu doit être fort et foncé, mais il n'est pas noir. C'est un bleu très, très foncé. Mais notre cerveau l' interprétera comme du noir. Dans le tableau final, avec un petit pinceau, commencez à peindre tous les éléments sombres de l'oiseau, commençant par la tête et les plumes situées près du bec Travaillons maintenant sur les yeux. Il est important de peindre l'œil à un stade précoce, car les yeux ajoutent de la vie à la peinture. Et vous vous sentirez mieux lorsque le sujet que vous peignez semblera observer que vous appliquez de la Sienne brûlée sur l'œil, laissant un reflet blanc. Ce n'est pas une pure ciena brûlée. Il est mélangé à un peu de bleu, donc ce n'est pas un brun clair. Laissez les yeux sécher et, en attendant, continuez à ajouter d'autres zones sombres. Non, revenons-en à l'œil nu. Ajoutez notre couleur foncée au centre de l'œil et peignez un anneau autour de celui-ci. Améliorez l'iris avec plus de sienne brûlée. Et ajoutez de petites plumes autour du bec. Utilisez le même bleu foncé pour peindre la partie inférieure du bec J'ai opté pour un pinceau rond principalement parce qu'il retient plus d'eau et crée une pointe pointue, ce dont nous avons besoin. Nous voulons maintenant appliquer de nombreuses petites lignes pour créer une impression de plumes. Continuez à utiliser le bleu foncé pour peindre les éléments les plus sombres des ailes Essayez de recréer ce beau motif sur les ailes. N'hésitez pas à passer d'un pinceau à l'autre selon vos besoins. Peignez soigneusement chaque plume. Notez que les points noirs sont généralement autour, les points blancs entre les points noirs, il y a une couleur bleu clair. Définissez chaque plume en peignant son bord avec une fine ligne Pour peindre de telles lignes longues et fines, vous pouvez également utiliser un pinceau de designer, comme un pinceau doré par exemple. Le pinceau d'un designer est similaire à un pinceau à poils longs et fins Mais tant qu'il y a des gréeurs, ce n'est pas nécessaire. Mais il est bon de savoir que ce type de pinceau existe au cas où vous voudriez l' essayer un jour. Je me sens à l'aise pour peindre ces lignes avec mon pinceau rond, avec une pointe pointue. Je reviens à ma taille en velours noir pour une fois. Vous avez fini d'ajouter les zones sombres, laissez-les sécher complètement, puis nous pouvons passer à l'étape suivante. 14. Bird - Valeurs moyennes: J'espère que vous conviendrez avec moi que l'ajout des parties sombres de l'oiseau lui donne vraiment vie. Même si ce n'est pas encore tout à fait terminé. Il y a un contraste saisissant entre l'obscurité et la lumière. Nous devons maintenant ajouter les valeurs intermédiaires. Prenez la teinte bleu-vert Windsor mélangée à une touche de bleu cobalt et appliquez-la sur la partie supérieure de l'aile. Essayez de créer un dégradé avec bleu plus foncé à gauche et du bleu plus clair à droite. Utilisez maintenant le bleu Windsor pour peindre les plumes des ailes. Passez par-dessus les zones bleues pour approfondir bleu avec la deuxième couche. Remarquez à quel point il est maintenant plus facile d' évaluer le degré d'obscurité que nous devrions atteindre, car nous savons que nous ne pouvons pas devenir plus foncés que tons foncés que nous avions peints dans la couche précédente. vent ou le bleu sont une couleur qui tache, ce qui signifie qu'il n'est pas facile de la retirer du papier. Cela fonctionne à notre avantage car lorsque nous peignons sur ces longues lignes sombres, il y a moins de risques de perturber ou de tacher les lignes de la couche précédente Ils doivent rester en place lorsqu'il s'agit de plumes présentant des taches blanches. Remarquez où j' applique le bleu. Maintenant j'imagine que chaque plume projette une ombre. Sur la suivante, j'applique le bleu sur le côté gauche de chaque plume le moment, je me concentre uniquement sur les zones bleues et laisse les points blancs pour le moment. Ensuite, vous brossez l'eau, enlevez l'excès d'eau avec la peinture humide, des taches aux points blancs Sur les points blancs, nous voulons des ombres subtiles. Nous activons la peinture foncée et la tirons légèrement pour créer ces ombres délicates. Les plumes commencent à prendre une forme plus tridimensionnelle maintenant. Comme les ailes projettent une ombre sur la queue, la partie supérieure de la queue est dans l'ombre. Commencez par appliquer du bleu Windsor , puis ajoutez de la peinture grise à votre bleu. Et introduisez ce bleu foncé sous les ailes pour suggérer l'ombre. Continuez à peindre les plumes. En appliquant du bleu sur le côté gauche de chaque plume, peignez les points bleus avec une teinte plus foncée de bleu Windsor L'étape est maintenant terminée. Nous pouvons passer à l'étape finale où nous ajouterons les détails et finirons le tableau. 15. Oiseau - Détails: L'oiseau est presque terminé, mais il reste encore quelques détails à ajouter pour terminer le tableau. Pour commencer, peignons les plumes du ventre. Je passe à un pinceau de taille quatre pour cette partie. Pour le ventre, il faudra un mélange de couleurs neutres. Bleu cobalt avec sienne brûlée et rose permanente. Cela nous donnera une jolie couleur beige que nous pourrons ajuster pour nous pencher davantage vers le bleu, rose ou le brun selon les besoins. Commencez légèrement avec du bleu cobalt dans la partie supérieure du ventre. Utilisez le bout de votre pinceau et créez une texture plumeuse avec de nombreux coups de pinceau courts Au fur et à mesure que vous progressez, ajustez la couleur en passant davantage rose ou au brun selon besoins de la zone que vous peignez près de la jambe, nous utiliserons une technique de peinture négative Des plumes plus claires au-dessus de la jambe projettent une ombre en dessous. Pour recréer facilement cet effet, nous pouvons peindre les plumes plus foncées situées en dessous, en prenant la forme des plumes claires situées au-dessus Essentiellement, nous peignons l'espace négatif entre les plumes claires. J'ai commencé par un ton clair pour définir les formes et voir où devraient aller les couleurs les plus foncées. En même temps, j'ai ajouté une ombre bleu foncé sous l'aile , essentielle pour donner à l' oiseau un véritable aspect tridimensionnel. En assombrissant les plumes, je l'ai fait un peu trop vite et j'ai commis une erreur Je n'aime pas le résultat parce que je n'ai pas fait assez attention. Je me suis retrouvée avec des lignes aléatoires sans tenir compte des plumes plus claires qui se trouvaient devant, ce a créé une zone désordonnée. Mais c'est bon. Cela n'attire pas trop l'attention quand je regarde le tableau dans son ensemble. Je l'accepte maintenant. Je vais maintenant peindre la jambe, mais je ne vais pas y passer trop de temps. Oh, non. Je dois avouer que les pattes sont pour moi les parties les plus difficiles à peindre de l'oiseau. Je n'aime vraiment pas les peindre. Je ne les aime pas souvent. Si possible, j'essaie de cacher les pieds avec des fleurs ou des feuilles juste pour éviter d' avoir à les peindre ici sur les pieds. Je commence par quelques bleus puis j'ajoute des bleus plus foncés. Avec plus de peintures grises, je veux laisser quelques points blancs pour créer la texture rugueuse caractéristique. Je ne pense pas que la jambe soit très importante, c'est un petit élément. Je crois que l'oiseau lui-même, son œil et les fleurs font beaucoup de mouvements. J'évalue souvent si certains éléments sont cruciaux ou non. Je fais moins attention à peindre tous les détails. Je souhaite également ajouter quelques petits coups de pinceau bleus dans la partie supérieure pour suggérer une texture de plume pas trop prononcée. Je ne veux pas ajouter trop de détails, je veux juste suggérer l'orientation des plumes et ajouter juste un peu de texture. Enfin, avec un bleu plus foncé, j'assombrit les lignes des plumes les plus longues Et je pourrais aussi ajouter quelques ombres. Avant de signer le tableau, je lui jette un dernier coup d'œil pour voir s'il y a des points à améliorer. Certaines zones doivent souvent être assombries, comme l'ombre sous l'aile ou les tons foncés de la jambe J'ai également décidé d' appliquer une autre couche de bleu cobalt sur une petite partie du fond. J'ai trouvé que la valeur tonale des plumes du ventre et du ciel était trop similaire. Comme j'avais besoin de plus de définition et de contraste, j'ai appliqué un ton plus foncé de bleu cobalt pour créer ce contraste. Maintenant, le tableau est terminé. Quand je le signe, j'ai l' impression de clore un chapitre. J'apporte rarement des modifications à un tableau après l'avoir assigné. Même si je détecte des erreurs potentielles, j'ai tendance à éviter de faire des ajustements ou des corrections, car il est très facile d'empirer les choses. Je considère chaque tableau comme une expérience d'apprentissage. Cela nous amène à la fin de notre tutoriel. J'espère que vous avez apprécié les vidéos et que vous allez essayer ce tableau. C'était une exploration amusante des différentes nuances de bleu. Essayez-le. Merci d' avoir regardé et bonne peinture.