Peindre des fleurs expressives à l'aquarelle : atmosphère, couleur et reflet

1. Bienvenue au cours !: Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Will Elliston Et aujourd'hui, nous peignons une scène de fleurs japonaise expressive à l'aquarelle Ce sujet est un joyeux équilibre entre les contraires. Les formes structurées des temples et du pont contrastent avec la nature organique et souple. Nous laisserons chanter une palette harmonieuse, comme les roses et les magentas qui dérivent bleu-verts froids Le tout autour d'un design aux grandes formes lisibles. Attendez-vous à des pinceaux expressifs et reflets suggestifs plutôt que littéraux L'objectif est l'atmosphère et le ressenti, non la perfection ou les détails lourds. Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas par où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais, ni quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et en expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture progressera, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton Suivre en haut Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Commençons donc et peignons une scène où la structure et la nature chantent ensemble. 2. Votre projet: Merci beaucoup d'avoir rejoint ce cours. Je suis très heureuse que tu sois ici avec moi aujourd'hui. Considérez cette peinture comme une conversation entre forme et épanouissement. Laissez l'architecture rester calme et élégante. Des silhouettes simples, des tons neutres et reposants, tandis que les fleurs apparaissent sous forme de gestes de couleur qui dérivent et résonnent dans l'eau en contrebas Choisissez une palette limitée qui vous semble musicale, laissant des notes chaudes et froides se faufiler entre les branches, les pierres et le feuillage et en laissant quelques instants de fraîcheur guider le regard à travers le pont, ligne de toit et l'arbre Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l' aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet Projet et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de peindre cette scène florale, examinons tout le matériel et fournitures dont vous aurez besoin pour peindre dans le cours d'aujourd'hui. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. Ils sont très utiles à avoir à votre disposition et vous faciliteront le suivi. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu opramarne, bleu cobalt, bleu serléen, lavande, violet, ridian, noir, et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets . Je n'utilise aucune marque en particulier. Vous pouvez obtenir ces couleurs auprès de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor et Newton ou Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également une belle pointe qui peut être utilisée pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux. Sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se plisse facilement et est très impitoyable, permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles comme le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier Arches parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale. Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, cela vous permettra de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce dont vous aurez besoin pour peindre dans le cours d'aujourd'hui. Mais s'il vous plaît, si vous souhaitez expérimenter avec d'autres outils ou couleurs, vous pouvez les tester. Dessinons la scène. 4. Preparing The Composition: Cette peinture présente donc un équilibre entre la structure et de nombreux éléments organiques. L'homme a donc créé des structures telles que le pont, le temple, le pavillon, une sorte d' ancre ou le chaos qui règne avec les arbres organiques les fonds brumeux et l'eau Mais nous commençons tout de même avec des formes très organiques avec un crayon souple. Je repasse les mêmes lignes à plusieurs reprises juste pour les cartographier, puis je passerai à un crayon plus fin plus tard Bien entendu, avant qu'un tableau ne tombe, il est utile de comprendre ce que la composition équilibre réellement , car c'est grâce à cet équilibre que la scène se sent comme elle le fait. Deux mondes cohabitent sur la même longueur d'onde. L'une concerne les fleurs organiques, le feuillage, et l'autre, bien sûr, les temples dont je parlais Ainsi, lorsque ces deux mondes seront cartographiés, cela nous permettra d'être un peu plus intentionnels avec la peinture Je ne pense pas à dessiner chaque détail. concerne les options créées par l'homme, le type structurel d' objets tels que ce temple, je dois être un peu plus défini que les arbres, mais les arbres sont simplement très organiques, délimités assez grossièrement parce qu'ils sont organiques, permettra à la peinture de faire la majeure partie du travail à notre Nous n'avons donc pas besoin d'être aussi précis à ce sujet. Ces formes empêchent l'ensemble de l'image de flotter. Il y a donc un peu de va-et-vient. Je vais devoir utiliser le caoutchouc pour ramollir, puis y retourner pour l'affiner un peu plus. Mais passons à la peinture. 5. Mélanger les couleurs: Commençons donc par prémélanger certaines couleurs, car la couleur est en fait l' élément le plus important de la scène. C'est le rose vif et le contraste des verts qui rendent vraiment accrocheur au départ. Et il y a une interaction intéressante entre ce mélange de viridiens cobotle et le rose opéra que je vais utiliser J'aimerais juste ajouter rapidement que j'ai mis mon rose opéra dans la même poêle que mon Alizarin cramoisi, qui est le deuxième en bas à gauche Je le considère comme la même famille de couleurs, mais ce n'est vraiment qu' une apparition en tant qu'invité. Je l'ajoute donc à mon gin et à mon cramoisi qui sont toujours là parce que finalement, je vais tout utiliser et il se fondra uns dans les autres de façon biologique Je n'ai pas vraiment envie d'avoir une poêle séparée juste pour le rose opéra, et l'alizarin cramoisi est la couleur qui s'en rapproche le plus, donc je suis d'accord Vous pouvez voir quel Opera Pink j'utilise à l'écran. Je ne sais même pas de quelle marque il s'agit. C'est juste un modèle bon marché au hasard. Je pense que c'est le modèle le moins cher que j'ai trouvé dans magasin d'art, donc peu importe. Je sais que Daniel Smith, peut-être Windsor Newton, ont aussi leurs équivalents Donc, peu importe ce que vous utilisez, c'est parfait. En fait, je mélange du pourpre Elizarin à ce rose opéra, donc ce n'est pas un rose opéra pur parce que c'est trop artificiel Pour un arbre en fleurs. Mais remarquez que le violet que je viens de mélanger est fait de rose opéra et de vert viridien, ce que je trouve toujours très étrange parce que d'habitude, lorsque nous pensons au violet, nous pensons au rouge et au bleu mélangés, pas au rose et au vert, mais cela fonctionne parfaitement, et nous pouvons même utiliser ce bleu violacé pour les arbres éloignés en fait de rose opéra et de vert viridien, ce que je trouve toujours très étrange parce que d'habitude, lorsque nous pensons au violet, nous pensons au rouge et au bleu mélangés, pas au rose et au vert, mais cela fonctionne parfaitement, et nous pouvons même utiliser ce bleu violacé pour les arbres éloignés en arrière-plan, même bien qu'ils soient composés de rose et de vert, ils ressemblent à une toute nouvelle couleur. 6. Soft Trees: Maintenant, les couleurs sont mélangées. Je prémouille la zone où je veux que ces pigments s'écoulent En gros, je garde le ciel blanc, mais je veux que les arbres se fondent en quelque sorte dans le ciel. C'est pourquoi je prémouille simplement le papier pour qu'il ait un joli bord souple. Je tiens également à ajouter que, comme j' utilise le rose opéra dans le sarin cramoisi, je suis également dans le moule vert Vidian J'utilise du cobalt sarcelle de Daniel Smith, encore une fois, parce qu'ils appartiennent à la même famille de couleurs et qu'ils ont juste une granulation et une qualité légèrement différentes Je pense donc que cela créera un effet intéressant, mais ce n'est pas important pour la peinture. Si vous avez juste du Varidian ou si vous n'avez que du bleu, la peinture fonctionnera toujours Il est adaptable. Il peut être expérimenté et adapté à vos goûts. Je suis donc en train de mouiller presque tout le ciel. Il se peut qu'il y ait quelques arêtes autour des temples que je voudrais éviter. Mais la première application de la peinture est très légère, à peine perceptible, juste un peu de rose opéra Parce que, comme je le disais, je veux juste qu'il se fond dans le blanc du papier et que, petit à petit, il suffit de le tapoter un pinceau très chargé pour qu'au lieu d'aspirer l'eau ou du liquide sur le papier, il le laisse tomber dessus Nous pouvons maintenant travailler jusqu'à l'endroit où nous avons marqué les arbres au crayon et y avons déposé ce mélange de varidian au cobalt et sarcelle Si vous n'avez pas de bleu sarcelle cobalt, vous pouvez simplement utiliser du Varidian et un peu de cérlean ou de turquoise Si vous regardez mes nuanciers, vous pouvez voir comment obtenir la couleur de votre choix sans avoir à acheter spécifiquement toutes les peintures. Maintenant, je prends ce mélange violet, et c'est un violet et bleuté intéressant bleuté Encore une fois, mixé à partir d' Opera Pink et de Vidian. C'est intéressant car le ridian est un pigment très épais Si c'est dilué, mais les granules qu'il contient, les particules sont assez grosses. Ils atterrissent donc dans les rainures du papier d'une manière différente de celle du rose opéra parce que le rose opéra est si fin, si petit qu'on ne peut même pas voir les granules, la pigmentation qu'il contient. Ainsi, une fois mélangé à la palette, cela ressemble à une sorte de couleur bleu violacé unie Mais lorsque vous l'appliquez sur le papier, vous verrez comment, au fil du temps, la texture du papier crée un effet unique, car elles se superposent et créent un effet qui ne peut être réalisé qu' à l'aquarelle Cela ne peut pas être fait avec de l'acrylique ou de l'huile. J'applique donc ces traits entre le vert que nous venons de faire. Rien de trop précis, il s'estompe avec un joli bord doux. 7. Blossom Underlayer: Maintenant que la zone située derrière l'arbre, l'arbre en fleurs, est encore du papier mouillé, nous pouvons commencer à ajouter ce rose au fond, obtenant de jolis bords souples parce que je ne veux pas qu'il y ait des bords durs tout le temps. Je veux qu'il y ait quelques arêtes dures contrôlées plus tard. Mais pour créer cette sensation de profondeur de forme, je veux qu'il y ait des bords souples, et nous y parvenons en l' appliquant sur du papier mouillé, mouillé sur mouillé, comme on dit. Ensuite, au fur et à mesure que le papier commence à sécher, les formes deviennent un peu plus fermes et nous pouvons devenir un peu plus foncées avec le pigment Vous pouvez prendre votre temps pour regarder le temple sur la gauche et voir que je n'ai pas peint le dessus. J'ai peint tout autour, donc j'ai laissé le bord rester propre. Laissez quelques espaces blancs entre ce rose, car encore une fois, il ne s'agit que d'une sous-couche au départ Maintenant, il y a un autre type de vert que nous utilisons dans Ascender ici Cela a commencé avec de l' aridian, mais j'ai utilisé ocre jaune pour lui donner une sorte de vert plus chaud Le vert turquoise est évidemment plus frais car il contient du turquoise. La turquoise est un vert plus froid que le vert ocre jaune. Il n'y a pas grand-chose, juste une influence. Je mélange davantage ce gris violacé. C'est ce genre de choses qui nécessitent expérimentations, car je n'aurais jamais imaginé que le vert et le rose donneraient une couleur plus violette car ce sont généralement des couleurs complémentaires, ce qui signifierait un gris Le vert et le rouge font donc du gris, mais je suppose que c'est parce que le rose est un rouge plus froid et que le vert est aussi un vert plus froid. Ils se mélangent d'une manière ou d'une autre pour obtenir du violet 8. Background Trees: Maintenant, je vais commencer à ajouter un peu de ce vert ocre jaune sur le côté gauche, juste pour éviter cela ne soit trop monotone, en utilisant le même vert partout Mais il utilise toujours ce Vidian là-dedans. Donc, même si elle ressemble à une toute nouvelle couleur, elle ressemble à une cousine. Il est toujours connecté parce qu'il y a toujours ce vert dedans qui est le même vert que l'autre vert et il y a cette harmonie qui n'est pas évidente, et il y a cette harmonie qui n'est pas évidente, mais ce n'est pas une couleur complètement aléatoire. Peinture sous la courbe de ce temple. Maintenant, je vais recommencer à ajouter un vert plus riche et plus foncé, vert plus riche et plus foncé, mélangeant le vert et le rose pour obtenir le violet. qui m'enthousiasme ce tableau, c'est qu' il nous donne l'occasion combiner plusieurs idées vraiment intéressantes à la fois Nous avons donc l'architecture de ces temples, qui nous donne une structure et une clarté qui ancrent la scène, puis nous avons les fleurs et l'eau, qui nous apportent douceur, couleur Et puis comment ces relations, ces deux contraires de structure et d'organicité, pour ainsi dire, se chevauchent Apprendre à laisser les grandes masses de couleurs faire le plus gros du travail, en particulier lorsque nous ajoutons ce rose riche plus tard. Pour le moment, nous sommes juste en train de ciseler, peindre ce temple de manière négative, créer une atmosphère, de le rendre insaisissable Et puis, bien sûr, nous utiliserons ces accents structurels plus sombres comme la pagode, le pavillon, le pont même le tronc de l' arbre pour l'ancrer. Donc, toutes ces formes atmosphériques que nous sommes en train de créer, qui sont assez aléatoires et insaisissables, ont quelque chose de solide contre lequel jouer C'est donc là que nous devrions être les plus ludiques en ce moment, sans être définis ainsi. Elle peut être un peu plus claire, elle peut être un peu plus foncée. C'est parfaitement bon. 9. Feuillage rose: Maintenant, je vais commencer à ajouter quelques buissons roses sur le devant, mais tu dois t'assurer que le bord du buisson vert au-dessus est complètement sec ou du moins ne pas le toucher Laissez un petit espace, car vous ne voulez pas que le produit se contamine et ne se répande Nous voulons qu'il y ait une belle longueur d'avance dans ce buisson. Donc, je ne fais que remplir la zone, mais au lieu de le laver à plat, je laisse tomber des incohérences, donc des épaisseurs de pigment différentes, peut-être un peu plus tard, de l'eau pure, l'eau pure, un peu de rouge de cadmium dans ce mélange rose Juste pour que ce ne soit pas un lavage ennuyeux. Tu peux expérimenter. Peut-être que vous voulez y ajouter un peu de violet. Il existe différentes options ou façons de jouer avec cela. Séparez également le bord inférieur pour laisser une partie du blanc du papier rester. Et créer cette irrégularité, exemple créer un peu plus de distorsion, donne l'illusion du détail Ce n'est pas quelque chose que je planifie consciemment, mais s'il était plat, cela aurait l'air un peu étrange. Donc, le fait de jouer avec ces incohérences donne un peu de vie C'est pareil ici avec ce buisson au milieu. Jetez-le, et j'essaie de ne pas toucher la zone au-dessus qui est encore un peu humide Vous pouvez bien sûr utiliser un sèche-cheveux pour le sécher, mais je prends le risque pour le moment Je vois qu'il est légèrement contaminé. Il touche le dessus, et une partie de la grisaille se répand J'en suis donc consciente et je devrai peut-être me procurer un mouchoir pour sécher ce bord. Je peux utiliser le mouchoir pour perturber davantage les textures sur la gauche, créant, encore une fois, des incohérences, des zones qui sèchent plus vite que les autres, voire en y ajoutant un peu de viridian et vous pouvez voir que cela n'a pas l'air vert. Il a l'air gris. Donc, je varie un peu le ton. Ce rose opéra est beaucoup plus éclatant lorsqu'il est mouillé que lorsqu'il est séché, donc je vais également y remédier. C'est en mélangeant un peu plus le bord. 10. Jouer avec les bords « j': Maintenant, je vais ajouter un peu plus de profondeur à la scène en ajoutant quelques couches supplémentaires Je vais donc assombrir un peu les arbres en haut utilisons un joli vert moyen parce que nous avons ce joli pinceau doux en arrière-plan qui crée cette sensation d'atmosphère. Et puis au fur et à mesure que ça se rapproche, ça devient un peu plus défini. Et pendant que nous peignons cette partie, je voulais juste dire que je ne veux jamais que quelqu'un ait l' impression qu'une peinture est trop avancée pour eux, parce que cela peut être considéré comme une peinture assez compliquée et rebuter beaucoup de monde, mais ils ne devraient pas peut être considéré comme une peinture assez compliquée et rebuter beaucoup de monde, mais ils ne devraient pas avoir besoin d' attendre d'être meilleurs avant de tenter quelque chose ambitieux parce que je comprends pourquoi la peur existe, parce que nous voulons tous que nos peintures soient belles et qu'il est facile supposer que difficulté est synonyme d'échec, mais en fait, j'ai découvert de supposer que difficulté est synonyme d'échec, mais en fait, j'ai découvert le contraire pour moi, du moins en ce qui concerne l'apprentissage, car les peintures qui m'ont le plus appris étaient souvent celles qui me semblaient un peu hors de portée à l'époque, celles qui avaient l'air intimidants et dont je savais qu' ne seraient pas vraiment un succès total, ils ne seraient pas vraiment un succès total, mais ce sont eux qui m'ont fait réfléchir Je ne savais peut-être pas comment j'allais réaliser ce tableau, mais à cause de ces peintures, c'est le genre de peintures qui m'ont fait grandir parce qu'elles ne me permettaient mais à cause de ces peintures, c'est le genre de peintures qui m'ont fait grandir parce qu'elles ne me pas de rester à l'aise. Ils ont exigé que je regarde plus attentivement, que je sois devenue plus curieuse. Et que je développe ma propre façon de résoudre les problèmes plutôt que de m'appuyer sur une routine qui ne fonctionne que lorsque tout se passe bien. Lorsque j'enseignais par moi-même, je n'avais personne à côté de moi pour me demander que fais-je ici ou pourquoi est-ce arrivé ? Ou comment puis-je résoudre ce problème ? J'ai dû apprendre en remarquant ce qui n' allait pas, en transformant ce moment en question, puis cherchant une réponse aussi honnêtement que possible Et la vérité, c'est ces questions que réside dans ces questions que réside la véritable amélioration d'une peinture difficile Cela ne permet pas seulement de tester votre technique. Cela crée des situations que vous ne pouvez pas ignorer. Cela vous met face à face avec la limite exacte de votre compréhension. Par exemple, vous pouvez déposer un produit de lavage et obtenir soudainement une floraison indésirable. Et il semblerait que le journal vous ait trahi d'une manière ou d'une autre, mais le média ne fonctionne tout simplement pas pour vous. Mais au lieu de voir cela comme une preuve que vous n'êtes pas bon, vous pouvez transformer ce moment en une question utile. Pourquoi cette floraison s'est-elle produite ? Est-ce que c'était une différence d'humidité ? Est-ce qu'une zone a séché plus rapidement ? Ai-je introduit de la peinture plus humide sur une surface qui avait déjà commencé à durcir ? Et puis, lorsque vous commencez à vous poser ces questions, vous commencez à voir l'aquarelle comme quelque chose que vous pouvez comprendre, non comme quelque chose dont vous espérez simplement qu'il se comportera Et parfois, la question va encore plus loin parce que vous vous rendez compte que ce que vous avez appelé un accident peut en fait être un cadeau si vous apprenez à l'inviter. Et c'est là que le travail devient passionnant, car au lieu d'essayer de vous demander comment éliminer complètement les fleurs, vous commencez à vous demander comment je peux les créer exprès et comment puis-je les placer de manière à ce qu'elles ressemblent à une atmosphère plutôt qu'à une erreur. Comment une fleur peut-elle devenir de la brume dans un paysage, par exemple, c'est le genre de pensée qui transforme votre peinture parce que vous cessez voir l'aquarelle comme une lutte contre les accidents et que vous commencez à y voir un moyen transformer même les parties en désordre en quelque chose 11. Créer des sous-couches layers: Maintenant, j'utilise un lavis très léger pour peindre certains tons de la sous-couche des bâtiments et du pont Juste une sorte de brun rosé clair, fait, juste pour enlever la blancheur du papier Pour en revenir à ce dont je parlais, va de même pour tous les autres défis qui ne se présentent que lorsque vous vous surpassez. Vous pouvez essayer une scène avec une lumière incandescente et vous rendre compte que vous ne pouvez pas obtenir la luminosité souhaitée, vous pouvez en faire une question Votre lampe est-elle volée par trop de tons foncés ou par trop de tons moyens, ou donnez-vous à la lumière un endroit propre pour Par exemple, avec ce tableau, nous avons besoin que le rose brille. On ne peut pas utiliser de tons foncés avec le rose. Donc, pour le faire briller, j'ai ajouté ce vert foncé au-dessus du buisson, et c'est pourquoi ce bâtiment aura des tons sombres et le pont, et même le tronc de l'arbre plus tard contrasteront vraiment avec la luminosité des feuilles pour les faire ressortir. Vous pourriez essayer cette scène et penser qu'elle est très fréquentée, ou peut-être qu'elle devient trop chaotique. C'est une bonne chose. Ensuite, vous pouvez en faire une question, et vous pouvez vous demander si vous perdez la structure à grande valeur ajoutée ? Avez-vous autorisé trop d'accents concurrents ? Avez-vous oublié de tout simplifier en quelques groupes clairs ? Une peinture difficile rend ces questions tout à fait inévitables, car on atteint ces points où il faut apprendre à les poser. Vous commencez à développer une compétence qui est bien plus précieuse que n'importe quelle peinture. Vous développez la capacité de diagnostiquer et de résoudre les problèmes. Et c'est là le véritable talent de la peinture ne pas produire des résultats parfaits à chaque fois, mais devenir un artiste ou quelqu'un capable de réagir à tout ce qui arrive, surtout avec l'aquarelle quand c'est tellement imprévisible et h. Les choses doivent changer, : ne pas produire des résultats parfaits à chaque fois, mais devenir un artiste ou quelqu'un capable de réagir à tout ce qui arrive, surtout avec l'aquarelle quand c'est tellement imprévisible et h. Les choses doivent changer, et je pourrais dire une chose de temps en temps et me contredire plus tard parce que l'aquarelle a en quelque sorte forcé C'est aussi pour cela que je crois qu'il faut se permettre d'essayer des peintures qui dépassent votre niveau actuel car le but n'est pas d' obtenir un résultat final parfait Le but est d'apprendre quelque chose de réel. Même si votre peinture ne se présente pas comme vous l'imaginiez, vous découvrirez presque toujours quelque chose utile et cette découverte deviendra votre progression. C'est pourquoi, lorsque je donne des commentaires aux étudiants, même s'ils ne sont pas satisfaits, je considère que leurs résultats sont meilleurs que s'ils en étaient satisfaits car cela signifie qu'ils se sont vraiment surpassés et qu'ils font quelque chose qui ne leur convient pas. Et au cours de ce processus, même s' ils n'en sont pas conscients, ils en ont appris quelque chose. Même s'ils n'arrivent pas à s'y fier, leur intuition a appris quelque chose, et leur prochain tableau sera encore meilleur. Cela peut être aussi simple que de réaliser que vous pouvez être plus souple que vous ne le pensiez tout en créant quelque chose de lisible, ou c'est peut-être le moment où vous remarquerez que vos meilleurs passages ou lavages se produisent lorsque vous arrêtez d'essayer de contrôler chaque bord Ces leçons ne se concrétisent donc pas lorsque vous ne peignez que ce qui vous semble sûr. Ils arrivent lorsque vous vous autorisez à entrer dans l'incertitude. 12. Sous-couche d'eau: Je commence maintenant à peindre la sous-couche de l' eau et ses reflets Quand je parle de sous-couche, c'est vraiment l'essentiel, car nous ne reviendrons que sur quelques détails plus tard, peut-être des ondulations ou des ombres sous Je prémouille donc d'abord le papier et je ne fais que refléter subtilement les couleurs d'en haut Nous avons donc une couleur légèrement verdâtre avec les arbres de fond au milieu Ensuite, nous ajouterons un peu de rose sur le côté droit. Mais je pense que vous remarquerez que dans ce cours, je ne vais pas vraiment entrer dans les moindres détails de ce que je fais. Et ce n'est pas parce que j'essaie de te compliquer les choses ou de cacher quoi que ce soit. C'est parce que je crois généralement que l'une des compétences les plus précieuses que vous pouvez développer est la capacité de remarquer ce qui se passe et d' en faire une question claire , puis d'explorer votre propre chemin pour trouver une réponse. C'est ce que j'ai appris par moi-même, et le fait de ne pas avoir cette solution miracle lorsque vous atteignez un point de confusion peut vous amener à ralentir et demander ce qui se passe réellement ici. Pourquoi est-ce arrivé ? Pourquoi dois-je changer, et que se passera-t-il si j'essaie le contraire ? Bien entendu, vous pouvez également me poser ces questions dans la section de discussion. Mais en réalité, beaucoup de questions sont très personnelles, selon vos goûts et votre vision. Vous pouvez donc vous demander ce qui se passe réellement ici ? Pourquoi est-ce arrivé ? Pourquoi dois-je changer cela ou que se passera-t-il si j'essaie le contraire, si j'attends un peu plus longtemps ou utilise un peu moins ou plus d'eau ? Que se passe-t-il si je simplifie un peu plus cette forme ? Ce processus de questionnement est à l'origine de ma compréhension, et je pense qu'il contribuera également à améliorer votre compréhension. Et je ne veux pas te priver de cette même opportunité. Si je raconte chaque coup de pinceau ou si j'explique chaque petit ajustement, oui, vous serez en mesure de copier le tableau plus facilement à court terme, mais vous n' acquerrez pas nécessairement les compétences approfondies qui à tous les autres tableaux que vous réalisez en dehors d'un cours Quand on apprend à se poser les bonnes questions, on devient autonome. Vous devenez quelqu'un qui peut s'asseoir sur n'importe quelle référence, n'importe quel sujet, n'importe quelle situation d'éclairage, et finalement y trouver un sens. Et c'est ce que je veux pour toi. Je veux que tu puisses peindre sans avoir besoin moi tout en te sentant ancrée et capable. Surtout dans ce lavage que nous sommes en train de faire en ce moment, qui est très aléatoire et personnel. Par exemple, les couleurs n' ont pas vraiment de sens. Je n' y pense pas consciemment. C'est plutôt de l'intuition. J'ai laissé ce petit espace blanc au milieu avec quelques lignes ondulées, mais sa forme est assez organique 13. Réflexion du pont: Il y a une autre raison pour laquelle j'adopte cette approche parler de quelque chose qui va au-delà de la technique. Une peinture comme celle-ci n'est pas seulement un exercice technique, mais aussi une occasion d' explorer l' état d'esprit et la prise de décision, car il s'agit en fait d'une peinture assez vague. Nous avons quelques détails pour donner à sa structure, mais avec beaucoup de formes organiques et aléatoires, il semble presque inachevé au final Cette scène consiste à trouver un équilibre entre structure et douceur, clarté et suggestion, maîtrise et liberté, ce qui est le principal aspect de l'aquarelle . Il s'agit de permettre à cette atmosphère d'exister et de laisser la peinture respirer, acceptant que l'aquarelle est à son meilleur lorsqu'elle est autorisée à bouger et à Et ces idées sont assez difficiles à communiquer lorsque vous donnez des détails supplémentaires sur les différentes actions que je fais , car beaucoup d'entre elles sont assez répétitives et doivent être observées plutôt qu'expliquées. Donc, pour ce cours, j'aimerais utiliser un peu de temps pour vous aider à voir comment la peinture est maintenue, comment elle se sent comme elle le fait et quel type de pensée crée ce résultat. Parce qu'une fois que vous avez compris cette façon de penser, vous pouvez vraiment l'appliquer à n'importe quoi, pas seulement à ces fleurs et à ces temples Ici, je suis en train de jouer. Maintenant que nous avons ajouté le nettoyant, je fais tomber de l'eau pure ainsi que des gouttes de rose opéra, voir comment cela ne finira pas nécessairement par être quelque chose que vous aurez à faire, mais vous pouvez explorer cela. Vous souhaitez peut-être utiliser une autre couleur. Peut-être que vous pouvez utiliser du cobalt, du vert sarcelle ou du viridian. Bien sûr, lorsque je donne des cours qui s'adressent spécifiquement aux débutants, j'ai tendance à faire le contraire. Je me concentre beaucoup plus sur les fondamentaux et les techniques pratiques étape par étape car c'est ce dont les débutants ont le plus besoin ou veulent acquérir cette confiance, cette confiance initiale. Ils ont besoin d'étapes ou de définitions claires et d'un chemin simple à suivre pour ne pas se laisser submerger. Mais si vous suivez ce cours, surtout jusqu'à présent, il est fort probable que vous ayez déjà une certaine base. Vous comprenez déjà le comportement de l'aquarelle en général. Vous avez le sens du timing, de la superposition, de la façon de contrôler légèrement votre pinceau et, surtout, vous avez déjà la capacité d'observer les choses Vous pouvez donc voir ce qui se passe sur la page. Vous pouvez remarquer qu'une forme devient trop chargée, vous pouvez savoir quand quelque chose doit être assoupli ou simplifié, et vous pouvez commencer à prendre des décisions sans que je doive trop décrire ce que je fais Vous pouvez voir ce que je fais et vous en sortir avec votre propre interprétation personnelle. Au fur et à mesure que vous me suivrez, je vous encourage à le regarder de cette façon. 14. Sous-couche de la Pagode: Si vous regardez la peinture réalisée jusqu'à présent, vous pouvez voir qu'il ne s'agit essentiellement que de tons moyens. Bien sûr, il y a du blanc sur le papier, mais nous allons peindre dessus, sauf le ciel. Maintenant, nous allons commencer à travailler sur le bâtiment et commencer à utiliser un ton un peu plus sombre. J'utilise donc un violet atténué pour le moment, mais le plus important est qu'il soit atténué Je ne veux pas que ce soit d'une grande couleur éclatante pour le moment. C'est presque comme un gris, mais avec un peu plus de vivacité Je ne sais pas pourquoi j'ai choisi le violet, peut-être parce que nous avons déjà un peu de violet dans la composition, mais il peut s'agir d'un vert ou d'un rose sourd Je n'ai pas vraiment d'importance. Donc , en partant du haut vers le bas, j'essaie de déterminer les tons plutôt que la couleur car nous avons des zones où il y a de la lumière derrière et des zones où il fait sombre derrière. Si vous regardez la partie supérieure du toit, sur le côté gauche, c'est un fond plus sombre, et sur le côté droit, c'est un toit plus foncé avec un arrière-plan plus clair. Je travaille actuellement sur cette deuxième couche de toit. Et j'ai légèrement changé la couleur pour une sorte de couleur brune, juste pour varier un peu. Beaucoup de ces décisions ne sont pas gravées dans le marbre. Ils sont juste un peu fantaisistes. Ce sont des décisions spontanées. J'utilise également un pinceau plus petit depuis que je peins ce bâtiment parce qu'il a une belle pointe. Les autres zones étaient des formes assez grandes. Je fais en sorte que ce nettoyant soit un peu varié. Nous avons donc un peu de violet sur le côté gauche, et il passe au brun sur le côté droit. Et je mets même un peu de bleu turquoise en haut Même lorsqu'il s'agit de peindre ce bâtiment, qui est une structure artificielle peu organique, nous pouvons suggérer des détails plutôt que de le peindre. Nous allons laisser quelques arêtes rigides pour le soutenir. Mais même avec les haies, ces haies roses, vous pouvez aussi voir ces arêtes dures Cette peinture présente donc un réel contraste entre les bords doux et ambigus et les bords durs. Mais tout cela est assez ambigu. Par exemple, surtout à ce stade, vous pouvez voir que la majeure partie est sous-couche en ce moment, et que tout est en train de se mélanger et de fusionner C'est presque un peu rêveur. Je veux dire, dans un sens un peu surréaliste, il s'agit certainement de tirer le meilleur parti de notre licence artistique dans ce tableau. Je frotte ce bout là 15. motif arcitectural: Maintenant, je l'ai complètement séché avec un sèche-cheveux pour que nous puissions retourner ce bâtiment avec un ton plus foncé car, comme je le disais tout à l'heure, la plupart des tons sont des tons moyens. Il n'y a même pas de forte obscurité, peut-être juste au-dessus de cette haie, de cette haie rose sur le côté gauche, il y a un peu d'obscurité, mais maintenant nous allons peindre les parties boisées du bâtiment et du pont Donc j'utilise juste une sienne brûlée pour ça. Vous pouvez voir que c'est beaucoup plus épais, beaucoup plus riche. Et c'est là que je me fie vraiment au dessin car tout le reste est un peu ambigu. Mais ces fenêtres, ce genre de petit détail de netteté, c'est ce qui l'ancre vraiment Et ça lui donne ce sens de la forme, ça lui donne en quelque sorte du sens. Je veux dire, il n'est pas nécessaire que ce soit précis, mais nous devons simplement créer des détails précis qui structurent la pièce. Nous ne voulons pas que tout soit complètement ondulé, aléatoire et organique Mais avant même de commencer à peindre tous ces détails architecturaux, il est sage de prendre du recul et de considérer le tableau comme un ensemble de grandes relations car la force d'une scène comme celle-ci ne réside pas vraiment dans les petits détails. C'est ainsi que les grandes formes communiquent entre elles sur la page. Ce que j'essayais de trouver dans mes croquis miniatures et dessins préliminaires, c'est le genre d'équilibre entre la gauche et la Sur la gauche, nous avons la pagode, cette structure de bâtiment que nous sommes en train de construire, qui nous donne cette jolie forme de structure verticale D'accord. Il est un peu élégant et stable. Ensuite, sur la droite, nous avons une grande canopée fleurie. Plus tard, nous définirons cela ainsi que la masse foncée du tronc qui aidera également à faire passer l'œil à travers, et elle paraîtra beaucoup plus lâche et plus organique Mais ils sont tout aussi importants visuellement. Nous avons donc déjà élaboré, moins en pensant à la composition, ce contraste entre l' architecture et le clair d' un côté et quelque chose de plus doux et plus abondant autour. Et aucune des deux parties ne se sentira isolée, espérons-le. Nous le connectons, et c'est pourquoi le pont est un élément si utile au milieu. Et c'est une forme importante car même si elle est plus petite que la pagode ou l'arbre en fleurs, elle permet d'accomplir un travail discret, subtil mais important Il relie les deux côtés, ce qui est toujours important dans le tableau pour que tout soit lié et connecté. Cela donne à l'œil un chemin naturel à travers le tableau et ajoute une courbe douce à une scène qui comporte par ailleurs de nombreux passages verticaux et horizontaux, ainsi que son reflet dans l'eau Le pont est donc en fait bien plus qu'un petit détail. C'est une charnière compositionnelle. Cela ne marcherait pas vraiment s'il s'agissait d'un pont droit solide. Le fait que sa courbe y ajoute ce type d'élément fluide. Ensuite, nous pourrons parler un peu plus l'eau lorsque nous aborderons les ondulations plus tard 16. Peindre le pont: Nous pouvons donc maintenant peindre le pavillon à gauche et le pont. Ce faisant, nous pouvons réfléchir à la différence ou à la variété des formes que nous pouvons inclure dans cette peinture et à la manière dont elles interagissent. Parce que nous sommes en train de peindre ces toits, et dans une minute l' arche du pont Mais elles vont ensuite contraster avec les fleurs tendres que nous allons ajouter et avec les arbres lointains qui se fondent doucement dans le ciel L'eau possède une sorte d'élément horizontal. Et chacune de ces formes appartient pour ainsi dire à une famille visuelle différente. Et la peinture se combine en quelque sorte en les laissant suffisamment distincts pour se jouer les uns avec les autres. Si nous assouplissions tout, nous perdrions la structure. Et si nous faisions en sorte que tout soit précis et défini, il ne resterait plus aucune atmosphère. Lorsque je peins les détails de ces ponts, je ne suis pas aussi net et précis avec tous ces détails architecturaux. En fait, j'essaie d' obtenir une sorte de marque de brosse sèche, comme cela peut paraître éliminant l' humidité sur ma brosse et en utilisant la dent ou le papier pour créer cette texture, ai fait un peu la même chose sur le pavillon. Vous aurez peut-être besoin d'un petit mouchoir si vos pigments sont trop humides et coulent, ou vous pouvez utiliser une éponge comme celle que j'ai dans le coin supérieur Mais j'ai souvent de la peinture sèche sur ma palette et j'utilise cette peinture sèche pour assécher la peinture qui se trouve sur mon pinceau afin d'obtenir cet effet de pinceau sec. De plus, en inclinant votre brosse sur le côté plutôt que sur la pointe, vous pouvez également obtenir cet effet de brosse sèche, car nous n'enfonçons pas trop fort dans les dents du papier, dans les vallées Nous ne faisons que toucher la surface. Et cela ne fonctionne que sur du papier texturé. 17. Dark Tones: Nous avons donc fait la sous-couche, puis nous y sommes retournés et nous avons fait cette couche brune Et maintenant, nous allons passer à une troisième couche pour ajouter l'obscurité la plus foncée J'utilise donc du noir pur maintenant. Et c'est vraiment ce qui va le faire ressortir et lui donner de la structure. Je n'utiliserai le noir nulle part ailleurs, sauf pour les éléments architecturaux qui ancrent la scène. Peut-être que sur le côté droit du tableau avec la branche et le tronc de l'arbre, j'utiliserai des pigments foncés, mais certainement pas entièrement noirs comme ici. Et bien que nous n'ayons pas encore peint l'arbre, je pense qu'il est utile de noter que le centre du tableau ne contient pas les objets les plus lourds Il y avait un peu plus d'ambiance et de lumière au milieu. Et ce choix de conception est dû au fait qu'il empêche le milieu de se boucher Comme je l'ai déjà mentionné, le pont fonctionne comme un pont pour connecter. Cela permet à l'œil de se déplacer dans la scène plutôt que de se heurter à des informations surchargées Nous pouvons voir cette pagode sur le côté gauche. J'utilise un pigment épais pour commencer, puis de l'eau pure pour combler les lacunes. Ensuite, je laisse le pigment et l'eau réagir comme il se doit dans cet espace. Et puis une fois qu'il coule, je peux simplement utiliser le pinceau pour combler les trous sur le papier Je n'ai pas besoin de revenir souvent à ma palette car elle est déjà suffisamment humide. Je peux simplement réutiliser l'humidité déjà présente sur le papier et le pinceau Maintenant, sur ce deuxième toit, revenons à ce noir, et j'utilise le mélange brun que j'ai sur ma palette. Et il s'agit simplement de remplir cet espace puis de le relier au brun que nous avons déjà peint ci-dessous. C'est là que la valeur est plus importante que la couleur. Cela n'a pas vraiment d'importance parce que nous avons déjà le brun, puis le noir, je le vois plus comme un ton que comme une couleur. L'une des premières choses que je veux comprendre pour un tableau, c'est la structure des valeurs, car c'est ce qui unit discrètement toutes les couleurs et l'atmosphère. Et le design de la valeur est en fait beaucoup plus simple qu'il n'y paraît. Le fait de rester simple est ce qui le rend fort. Je veux dire, bien sûr, que nous avons quelques détails ici, mais cela n'a pas vraiment à voir avec la conception de la valeur. Nous avons les fleurs, bien sûr, à venir plus tard, auxquelles nous devons réfléchir Mais ces bâtiments, l'eau, tous ces petits événements visuels qui se produisent tout au long du tableau, ne reposent en fait que sur quelques familles de valeurs soigneusement organisées. Ce n'est pas vraiment une peinture très contrastée, même si nous avons un certain contraste à certains endroits. Il ne repose pas sur de fortes ténèbres partout. En fait, je dirais que même si nous peignons les zones les plus sombres en ce moment, l' une des raisons pour lesquelles la peinture est telle qu'elle est, c'est parce qu'elle met l'accent sur les tons moyens, quelle mesure cette peinture est composée uniquement de tons moyens Les fleurs seront également dans des tons moyens. Nous avons quelques accents sombres pour structurer cette scène. Mais une fois que nous l'avons reconnu, le sujet devient beaucoup plus facile à gérer. 18. Ombres du pont: Les formes les plus sombres font un travail très pratique. Et en gros, nous les avons déjà peints sur le bâtiment de gauche. Nous en faisons encore quelques autres sur le pont , puis sur le pavillon de droite. Peut-être aussi pour le coffre plus tard, mais je devrai faire preuve de jugement le moment venu. Mais en gros, ce sont ces accents sombres qui donnent à la peinture suffisamment de poids et de définition. Et sans eux, le ton d' Ath serait un peu trop doux ou un peu trop similaire. Avec tous les tableaux, mais surtout un tableau comme celui-ci où tout peut être un peu expressif. Je trouve qu'il est utile de continuer à plisser les yeux devant la scène, ce qui permet de réduire tous les détails et de voir si le modèle à plus grande valeur fonctionne toujours Si tout commence à s' effondrer sur un ton moyen général, je sais que je dois probablement regrouper le noir ou retrouver des passages plus clairs Si je peux encore clairement voir les principaux points d'ancrage les masses de fleurs tendres ou l'atmosphère pâle, c'est que la structure fait probablement encore son travail, et que les petits détails ne sont que des ajouts destinés à donner un peu plus de valeur à la scène, non la structure principale C'est donc un bon sujet pour nous rappeler que la couleur et la valeur ne sont pas vraiment la même chose, car une fleur peut être rose vif ou magenta et se situer toujours dans la plage de valeurs les plus claires Ça donne un peu de forme à ce feuillage. Que cette obscurité de l' ombre fasse ressortir le rose. C'est l'une des choses qui permettent à l' aquarelle de rester lumineuse grâce à ce contraste Et nous pouvons avoir beaucoup de couleurs sans trop alourdir le tout. Donc, pendant que je travaille avec ces tons sombres, j'essaie vraiment de protéger cette hiérarchie. Ce que je veux dire par là, c'est que la structure de valeur ici donne l'ordre à la peinture. Cela nous aide à faire la distinction entre ce qui doit être avancé et ce qui doit être dit plus doucement. 19. Utiliser un pigment épais: Je sais que beaucoup d'entre vous aiment explorer leurs propres voix et interprétations uniques. Dans une scène comme celle-ci, il y a donc de nombreuses occasions de mélanger les choses et d'expérimenter. Ce n'est pas un sujet qui dépend reproduction exacte, car il repose sur l'ambiance, l' harmonie des couleurs, une atmosphère douce, des masses groupées et quelques points d'ancrage structurels Mais cela signifie que nous pouvons faire des choix différents à chaque fois tout en créant quelque chose de beau, de convaincant et de complètement unique. Parce que pendant que vous suivez ce cours, je ne veux pas que vous pensiez que ma version est la solution absolue, définitive et correcte. C'est simplement ma version. C'est une façon d'arranger les masses de fleurs, d'équilibrer l'architecture, d' adoucir certaines formes gérer les reflets ou même de créer l' ambiance que je crée avec les couleurs de l'ensemble de la scène Il permet naturellement des variations en raison de son expressivité et de son caractère presque aléatoire lors de nombreux lavages Nous pouvons rendre les fleurs plus douces ou plus audacieuses. Nous pouvons rendre l'architecture beaucoup plus simple si nous le voulons, ou bien plus précise si vous voulez la dessiner et y consacrer plus de temps. Vous pouvez également changer les couleurs. Nous pouvons rendre l'eau un peu plus réfléchissante, comme un miroir, ou encore plus abstraite et brumeuse. Donc, comme pour chaque cours, je veux vous donner la permission de laisser votre peinture devenir la vôtre. Tu n'as pas besoin de correspondre exactement au mien. Vous n'avez même pas besoin d' utiliser les mêmes couleurs ou même le même rose que moi. Je dis cela parce qu' il est important que les élèves sachent que s'ils se découragent lorsque vous remarquez votre peinture s'éloigne de la démonstration, il est si facile à ce moment-là de penser que la mienne tourne mal alors qu'en réalité, elle est tourne mal alors qu'en réalité, elle peut-être simplement en train et que le fait de changer n' est pas du tout un échec En fait, dans un cours comme celui-ci, en particulier dans ce cours, différence est souvent le signe que vous réagissez au sujet à votre façon, car il repose sur cette intuition. On ne peut pas tout planifier avec cette peinture. C'est pourquoi je parle souvent de principes plutôt que techniques spécifiques, car lorsque nous comprenons un ensemble de principes communs et que nous laissons ces principes produire des résultats différents entre différentes mains, nous créons une galerie de projets étudiants très intéressante et nous pouvons apprendre les uns des autres. Je vois des choses dans le travail des étudiants qui me font réfléchir : pourquoi ne l'ai-je pas fait ? Juste de petites choses qui ne peuvent pas être planifiées et qui sont vraiment magiques. D'une certaine manière, c'est ce qui rend l' aquarelle si excitante. Ce n'est pas un média qui récompense un contrôle rigide à chaque instant. Cela récompense souvent la sensibilité, l'ouverture et la volonté de réagir à ce qui se passe sur la page. Donc, si l'un de ces passages fleurit un peu différemment votre eau s' avère un peu plus fraîche ou votre composition semble légèrement plus ouverte que la mienne, il n'y a pas de quoi paniquer. C'est peut-être là que commence une partie de ce charme. Je pense également qu'il y a quelque chose de libérateur à réaliser que la démonstration n' est pas la ligne d'arrivée, qu'elle n'est qu'un guide et un compagnon, un point de départ 20. Peindre la branche: Il est maintenant temps de peindre le principal élément accrocheur de la peinture, savoir l'arbre, le principal arbre à fleurs. Et nous allons commencer par peindre les branches du tronc, en utilisant le même type de couleur brune que celle que nous avons utilisée pour les bâtiments. Juste pour obtenir la structure. Et ces branches fonctionnent en fait comme des lignes directrices. Cet arbre est donc très beau, la majeure partie du tableau pour plusieurs raisons. Et c'est la raison pour laquelle la scène semble si riche et cohérente. Tout d'abord, cela crée un fort poids visuel sur le côté droit. Sans cela, le bâtiment de la pagode sur la gauche dominerait trop fort et le tableau pencherait dans une direction Mais cet arbre nous donne un contrepoids, mais dans un langage très différent , avec une ambiance différente Comme je l'ai déjà dit, le bâtiment de gauche est structuré, mais il est très organique et irrégulier. Nous ne cherchons donc pas à trouver un équilibre entre ce qui est similaire, nous trouvons un équilibre entre une forme claire créée par l'homme et une masse naturelle lâche. Et c'est ce contraste qui rend la composition intéressante plutôt que prévisible. 21. Painting The Blossom: J'ai donc ajouté des éclaboussures d' eau pure sur le dessus de ces branches, et nous allons peindre les feuilles vertes juste pour créer cette ambiguïté imprévisible Et quand j'arrive à cette zone fleurie de la peinture, l'une des choses les plus importantes que j'essaie de me rappeler, c'est que je ne peins pas des centaines de fleurs distinctes. Je peins des masses de couleurs et d'atmosphère qui ressemblent à des fleurs en raison de la façon dont elles sont toutes regroupées et de leur place dans la composition. Et comment se comportent leurs bords car nous avons ajouté ce rose pâle en arrière-plan, et maintenant nous ajoutons les bords durs au-dessus. Et j'utilise le bout de mon pinceau et je le tourne simplement d'avant en arrière, pour essayer de bien créer, en imitant Ce changement de mentalité est donc très important, car dès que nous commençons à traiter chaque fleur comme un petit objet individuel, la peinture peut devenir très rigide très rapidement. Donc, si jamais j'ai l'impression de me resserrer, je m' énerve un peu, je m'éclabousse et je fais quelque chose de fou juste pour cette raideur et Et je pense que c'est ce qui rend les scènes de fleurs si intrigantes pour d' autres artistes Et ce que j'essaie de transmettre dans celui-ci, ce n'est pas la précision de chaque fleur branche et de chaque élément. C'est cette sensation d' abondance de douceur, de légèreté, utilisation du rose que l' on ne peut pas vraiment utiliser aussi fortement dans d'autres peintures et la façon dont elles se rassemblent pour former petites grappes dérivantes Donc, plutôt que de me demander comment peindre ces fleurs, je trouve qu'il est beaucoup plus utile de me demander quelle est la forme générale de cette masse. Et vous pouvez obtenir différentes images de référence, et vous pouvez plisser les yeux pour voir comment la masse dans son ensemble se lit sur le plan de la composition, si elle est équilibrée, où elle est plus dense, où se ramollisse-t-elle ? Où se décompose-t-il dans l'air ? Considérez-les presque comme des formes de cloud. Et remarquez où se trouvent les plus grandes surfaces et où les grappes de fleurs sont les plus épaisses, là où elles chevauchent les branches, là où elles se chevauchent Et quand elles commencent à se fragmenter vers les bords extérieurs et à devenir un peu plus détaillées, j'utilise maintenant des éclaboussures pour créer un tas de fleurs, mais je ne les peins pas Je ne fais que les éclabousser. Cela permet de gagner un peu de temps et de le garder biologique. C'est vraiment une sorte de chaos organisé. Ils sont normaux, ils sont cassés. Ils présentent de petites lacunes de temps en temps, et plus on y réfléchit trop, plus on en perd la nature C'est très facile à faire. Mais le fait qu'ils aient ces lacunes et que certains soient plus mous, autres plus denses, c'est ce qui leur donne l'impression d'être vivants. Si nous les peignons tous avec la même petite marque répétée et le même espacement, ils paraîtront trop décoratifs et plats Il vaut donc mieux les rendre plus abstraits que trop serrés. Conservez-leur beaucoup de variations. Certaines zones molles, certaines zones brumeuses, presque une sorte de brume rose, comme vous pouvez le voir, je suis en train de l' adoucir 22. Peindre le pavillon: Nous avons maintenant peint tous les éléments. Il suffit de le resserrer, d' assombrir certaines zones, d' adoucir certaines zones, peut-être de l' affiner, peut-être de l'adoucir Ensuite, nous ajouterons de l' eau un peu plus tard. Mais maintenant, vous pouvez voir ce qui a le poids visuel. Le bâtiment à pacoda sur la gauche a beaucoup de poids car il est sombre, structuré et reconnaissable Et puis la fleur ci-dessus a beaucoup de poids cause de sa taille, de sa couleur. Et plus tard, il se peut que nous devions assombrir cette branche ou y ajouter un tronc solide Nous avons donc les deux ancres principales, une de chaque côté. Et puis, bien sûr, comme je le disais tout à l'heure, le pont se trouve entre eux pour les relier. Parce que lorsque vous entendez le mot équilibré, cela peut signifier ou vous pouvez imaginer que tout doit être réparti uniformément. Mais ce n'est pas vraiment ce qui se passe ici. Ils se sentent différents, mais ils supportent le même poids. 23. Some Rocks ocks: Maintenant, je vais faire un petit mélange doux qui coule dans l'eau en utilisant le pigment épais que nous avons appliqué auparavant Je vais appliquer différents pigments. C'est un viridien pour le moment Mettez-en un peu sur les rochers au-dessus, puis utilisez de l'eau pure pour le laisser couler tout seul Et cette eau joue également un rôle très important, du point de vue de la composition, car elle donne à l'ensemble de la scène de l' espace pour respirer Sans eau, la peinture pourrait sembler trop encombrée, car nous avons déjà des fleurs, l'architecture, du feuillage et beaucoup d'activité de tons et de couleurs dans la partie supérieure. Et il est facile de penser que nous devrions compenser cela au bas de l'échelle et l' égaler quelque peu. Mais nous allons vraiment rester abstraits et laisser l'aquarelle faire ce qu'elle veut vraiment Cela n'a pas vraiment de rapport avec ce qui est au-dessus, cela ouvre tout. Et cela crée également ce type d'élément calme la partie inférieure qui reflète et adoucit ce au-dessus. Ce n'est pas comme un miroir. Ainsi, lorsque nous examinons la composition, nous ne pensons pas uniquement aux objets. Nous réfléchissons également à l'endroit où l' œil peut se reposer. C'est une chose étrange à laquelle il faut vraiment penser, parce que lorsque nous peignons, nous voulons peindre des choses intéressantes et captivantes Mais parfois, il est agréable de laisser une zone où il ne se passe pas grand-chose, par exemple en essayant de créer un effet calmant. Je sculpte donc très grossièrement. Je ne dirais même pas de sculpter, juste de couper des pierres Dans le coin inférieur, très abstrait. Il suffit d'utiliser le pigment que nous avions déjà ci-dessous et de garder la palette quelque peu liée au reste. Je veux dire, nous avons ce genre de rougeur. Ce genre de couleur est un rose sourd, fait, une sorte de marron, en plus du violet Du genre bleuté. Le bleu va également bien avec le type de couleur marron marron. Et ce pigment épais que nous avons appliqué sur le côté gauche, je vais le mouiller et j' utilise un gros pinceau, et je mouille toute la zone pour commencer, puis je reviens pour l'agiter Je laisse donc l'eau déplacer le pigment d'elle-même maintenant. Je peux l'encourager. Mais pour obtenir cette sensation de reflet alors que l'aquarelle n'est pas un miroir et qu'elle laisse passer cette douceur, je dois vraiment laisser l' aquarelle agir elle-même Ensuite, nous pouvons commencer le faire descendre jusqu'en bas. Cela ne me dérange pas s'il y a un peu de texture. Il s'agit vraiment de jouer à ce stade, de s'amuser un peu. 24. Plus d'ombres: Après avoir répondu et parlé à tant d' étudiants qui ont partagé leurs projets et écrit un peu sur leur processus et leur expérience, j'ai constaté et parlé à tant d' étudiants qui ont partagé leurs projets et écrit un peu sur leur processus et qu'ils étaient beaucoup plus satisfaits de qu'ils étaient beaucoup plus satisfaits leur peinture s'ils regardaient d' abord le tout , puis peignaient ensuite à leur propre rythme ou s'ils revoyaient la vidéo faisant une pause étape par étape Parce que je ne veux pas que cela ressemble à une séquence d' instructions qui ne fonctionne que pour cette seule image. Je veux que nous comprenions les principes qui sous-tendent ce que nous essayons de faire, car une fois que nous les aurons compris, nous pourrons également les intégrer à toutes sortes de peintures futures. Donc oui, bien sûr, j'essaie d'y intégrer un élément étape par étape. Et visuellement, vous pouvez voir tout ce qui se passe. Mais pendant ce temps, je voudrais continuer à poser une question plus approfondie : pourquoi ce choix fonctionne-t-il ici ou quel en est le principe ? Par exemple, lorsque nous regroupons les fleurs en grandes masses au lieu de les peindre toutes individuellement, nous ne nous contentons pas de suivre une étape. Nous apprenons quelque chose de plus utile , à savoir que l'abondance se lit généralement mieux lorsqu'elle est simplifiée. En d'autres termes, la façon dont les formes groupées semblent souvent plus riches que les détails éparpillés. C'est un principe que nous pouvons utiliser encore et encore, nous peignions des fleurs, feuillages, des nuages ou même des foules de personnages. en va de même lorsque nous simplifions la construction de la pagode et du pont Nous ne les simplifions pas simplement parce que c'est plus rapide, mais parce que dans une peinture atmosphérique comme celle-ci, une silhouette forte et un design clair importent dans une peinture atmosphérique comme celle-ci, silhouette forte et un plus que des détails excessifs Autre exemple, lorsque nous adoucissons les reflets dans l'eau, il ne s'agit pas simplement d'une étape à copier. C'est une façon de comprendre le comportement des reflets dans une peinture atmosphérique expressive. Ils fonctionnent généralement mieux lorsqu'ils ressemblent à des échos plus doux du monde d'en haut, non à des répliques exactes. Si nous comprenons ce principe, plus tard, dans un autre cours ou dans notre propre peinture, nous pourrons l'appliquer à une rivière sur un trottoir mouillé ou à un paysage marin 25. Ajouter quelques vaguelettes: Encore quelques ajustements à faire avant de pouvoir dire que cette peinture est terminée. Je pense que je dois assombrir une partie de ce tronc et de ces branches. Quelques petits flous pour tout connecter. Je parle de l'ajout de votre propre interprétation à cela, ce qui peut sembler très bouleversant parce que vous pouvez regarder une peinture terminée et demander : comment puis-je la modifier ou l'adapter à ma propre vision ? L'une des meilleures façons commencer est de changer la couleur ou de jouer avec couleurs, car je peux comprendre à quel point il est difficile de changer le dessin ou la composition dans son ensemble, surtout si vous gagnez en confiance. Mais la couleur semble un peu plus accessible. Je peux vous donner un moyen de faire en sorte que la peinture vous ressemble sans avoir à réinventer toute la scène Et avec un sujet de jardin comme celui-ci en forme de fleur, c'est l'une des formes d'expérimentation les plus naturelles ou les plus organiques , car nous pouvons simplement changer de couleur. Par exemple, vous n'avez pas du tout besoin de rose opéra pour peindre ce tableau. Vous pouvez simplement utiliser l'alizarin cramoisi ou le rouge cabium. J'ai quand même mélangé CamiumRD à ce rose opéra. Ce n'est pas du rose opéra pur. Vous pouvez rendre la fleur jaune ou plus froide. Vous pouvez peut-être le rendre un peu plus lilas ou lavande. Peut-être que tu peux oublier que c'est une fleur et le peindre comme un arbre ordinaire, un vert différent. Vous pourriez créer une version plus ensoleillée, un peu plus chaude, un peu plus chaude, peut-être plus en fin d' après-midi ou en début de soirée Et pour cela, nous pourrions déplacer la fleur vers une sorte de saumon pêche, de couleur rose chaude Des tons doux d'abricot, pour ainsi dire. La lumière dans la brume pourrait avoir une légère chaleur dorée plutôt que ce vert froid pour le moment Et puis l'eau peut capter cette sensation d'ocre, cette chaleur Nous pouvons tout de même avoir des notes plus calmes, mais elles seraient un second rôle plutôt que les grands écrans que nous avons en ce moment ou la fraîcheur des rochers n'est qu'une façon de rendre la scène complètement différente en changeant simplement les couleurs, pour la rendre plus lumineuse ou plus éclatante Peut-être que l'architecture pourrait avoir des bruns plus chauds et être un peu plus rouge que jaune Vous pouvez également essayer une version monochrone, car toutes ces couleurs risquent d'être écrasantes Peut-être que vous utilisez simplement du gris et du rose. Ce sont les deux seules couleurs. Vous utilisez de la graisse grise, tout le reste, les arbres éloignés, le bâtiment, et vous utilisez du rose ou de l'Elazar et cramoisi pour les arbres et les reflets 26. Quelques points forts: J'espère qu'en finissant ce tableau, en liant tout, vous n'aurez pas l'impression d'avoir simplement suivi une séquence d'étapes. J'espère que vous avez également le sentiment d'avoir compris certaines des idées sous-jacentes au processus. Des choses que j'ai déjà abordées à quelques reprises, regrouper les fleurs pour former une masse plus grande, utiliser l'architecture comme point d'ancrage, équilibrer les couleurs chaudes et froides et sorte que le reflet soit plus doux qu'un monde au-dessus d'elles. le genre de principes qui ont l' importance bien au-delà de ce cours, choses que vous pouvez expérimenter sans soucier du résultat simplement parce que nous sommes là pour apprendre, et peu importe si le résultat final n'est pas un chef-d'œuvre. Nous appliquons les principes. Ce sont elles qui nous aident à passer de l'imitation à la compréhension , puis de la compréhension à la confiance et à l'expression personnelle. Comme vous pouvez le constater à ce stade, je n'ajoute que quelques derniers reflets blancs avec du quash blanc ne sont pas nombreux, et c'est tout à fait exprès, car dans un tableau comme celui-ci, ils prennent très vite de l'importance. Si j'en utilise trop, ils peuvent commencer à être décoratifs ou artificiels. Mais si je les place avec soin, ils peuvent vraiment aider à réveiller le tableau et à apporter un peu plus de clarté à quelques zones clés. Par habitude, j'essaie de laisser ces reflets blancs jusqu'à la fin du tableau. C'est parce qu'à ce stade, je peux voir exactement où le tableau a besoin d'un petit coup de pouce. Je n'utilise pas la gouache pour sauver l'ensemble du tableau ou pour redessiner Je l'utilise simplement pour placer quelques accents contrôlés là où la lumière capterait naturellement, exemple sur le pont, certaines zones que j'ai repeintes, une bordure de toit, une petite étincelle réfléchie sur l' Ou simplement quelques notes florales qui doivent être légèrement séparées des passages les plus sombres. J'ai même utilisé de la gouache blanche, laissée sécher, puis je l'ai recouverte rose pour ajouter des touches roses à certaines zones C'est presque comme de la ponctuation. Cela fonctionne mieux lorsqu' il est sélectif, mais c'est facilement exagéré 27. Réflexions finales !: Bon retour. Et félicitations pour avoir terminé ce cours d'aquarelle sur la peinture d'une scène florale japonaise expressive Nous avons exploré comment un design à forte valeur ajoutée et des formes architecturales simples peuvent laisser de la place à un feuillage lyrique lâche, comment des bords sélectifs et des blancs préservés créent éclat et comment relier l'eau, les arbres Les mêmes idées se traduisent magnifiquement dans les cours de jardin, les ponts au bord de la rivière et les scènes de parc où la couleur et où la couleur et N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer d'explorer, expérimenter et de repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l' aquarelle est tellement inspirante et je suis honorée d'être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous en faire part. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram en me taguant sur Will Elliston, car j'adorerais le voir Skillshare aime aussi voir mes étudiants travailler, alors taguez-les également sur Skillshare Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet sur la faune ou scènes sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton de suivi en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux J'espère que vous aurez envie de peindre avec plus d'expression dans vos futurs paysages. J'ai hâte de tous vous revoir dans prochains cours d'ici là, bonne peinture et au revoir pour le moment.