Peindre avec des crayons de couleur : un guide pour débutants

1. Introduction: Bonjour. Je m'appelle Kendyll, et je suis illustrateur et artiste travaillant principalement dans médias mixtes avec un accent mis sur le crayon de couleur. Mon expérience est dans la peinture à l'huile classique, mais j'ai travaillé à temps plein comme illustrateur depuis cinq ans en remplissant des missions pour Real Simple, Vanity Fair France et Milk Street Magazine entre autres. Je suis probablement surtout connu pour mon illustration de nourriture, qui est apparue sur tout, des vêtements à l'emballage, en passant par les impressions d'art à grande échelle. Au cours des deux dernières années, j'ai également réalisé des vidéos sur YouTube en partageant des connaissances et des connaissances de l'industrie , ainsi que des choses que j'ai apprises en cours de route en tant qu'artiste et illustrateur. Transmettre ce que j'ai appris aux autres est devenu une partie vraiment enrichissante de mon travail, et je suis heureux d'avoir l'occasion de le faire d'une nouvelle façon ici sur Skillshare. Dans cette classe, nous allons passer en revue les variétés de crayons de couleur, et apprendre à construire une palette avec des crayons de couleur. Vous identifierez également votre propre écriture au crayon de couleur unique, et mélangez et superposées de manière experte pour créer une texture intéressante et des teintes riches. Tout au long de cette classe, il y aura aussi beaucoup de démonstrations montrant exactement comment j'utilise les médiums, et les techniques, et je vais aussi créer une pièce du début à la fin en utilisant toutes ces techniques, sorte que vous pouvez voir seulement les compétences individuelles, mais voyez comment elles fonctionnent une fois qu'elles sont toutes réunies, et utilisez pour créer une pièce du début à la fin. Aucune connaissance préalable n'est nécessaire, mais nous allons aller assez en profondeur à différentes techniques et pratiques, donc ce cours devrait être intéressant pour les personnes de débutants totaux, artistes amateurs, à ceux qui travaillent professionnellement dans le domaine, et veulent juste ajouter un nouveau médium ou compétence à leur répertoire. Après avoir terminé ce cours, vous serez familier avec une variété de techniques fondamentales de crayon de couleur, et serez en mesure de traduire en toute confiance ceux pour créer vos propres peintures au crayon de couleur. Commençons. 2. Types de crayons de couleur: D' accord. Donc, avant d'entrer dans les techniques de crayon de couleur. Revenons sur quelques variétés différentes et types de crayons de couleur. Donc, il y a littéralement des dizaines de marques de crayons de couleur sur le marché. Certains sont très abordables coûtant 10 à 20 cents par crayon. Allant jusqu'à l'extrémité supérieure coûtant 5$ le crayon ou plus. Mais pour les besoins de cette classe, nous allons principalement diviser les crayons de couleur en deux groupes. Le premier groupe est le noyau mou, et ce sont des crayons de couleur qui ont un pigment en eux et le pigment est maintenu ensemble par un liant à base de cire ou d'huile. Ce seront des choses comme Crayola, ou Prismacolor, ou Artisa. peu près tout ce que vous trouverez au magasin Arts to Play qui est juste appelé crayon de couleur, tomberait dans la catégorie du crayon de couleur de noyau doux ou ce que nous appelons un crayon de couleur de noyau doux pour cette classe. Ensuite, l'autre catégorie sont crayon de couleur soluble dans l'eau. Ceux-ci sont parfois appelés crayons de couleur aquarelle, crayon de couleur aquarelle. C' est boucheux, mais nous utilisons ces deux termes dans cette classe et ce sont des crayons qui ont encore du pigment, mais cette fois, au lieu d'être maintenus ensemble par un liant à base de cire ou d'huile, ils sont maintenus ensemble par un liant soluble dans l'eau. Ainsi, vous pouvez utiliser de l'eau pour le mouiller et le décomposer et déplacer le pigment comme vous le feriez avec l'aquarelle. Maintenant, vous pouvez utiliser vraiment n'importe quel type de crayon de couleur que vous voulez dans cette classe. Si vous avez déjà quelque chose à portée de main, vous pouvez aller avant et l'utiliser, mais mes crayons recommandés, si vous achetez quelque chose de nouveau ou si vous voulez obtenir un autre ensemble, pour l'extrémité inférieure serait Prismacolor et pour le plus fin serait la luminance de Caran d'Ache. Ce sont tous les deux très crémeux pigment dense, beaux crayons qui ont beaucoup de couleur et d'intensité et sont vraiment super pour travailler avec. Pour les crayons solubles dans l'eau, encore une fois, je recommande Prismacolor pour l'extrémité inférieure, et pour l'extrémité supérieure, je recommande les crayons aquarelle Faber-Castell Albrecht Durer. Le Faber-Castell a une gamme de couleurs beaucoup plus large. Le Prismacolor a une gamme plus petite. Mais ce sont tous les deux de très beaux crayons. Facile à travailler avec une bonne quantité de pigment, etc. Donc, comme je l'ai mentionné, vous pouvez vraiment utiliser n'importe quel type de crayon de couleur ou de crayon aquarelle pour les techniques que nous allons passer dans cette classe et qui comprend, crayons de couleur très bas de gamme et peu coûteux comme Crayola. La seule chose à garder à l'esprit si vous décidez d'aller cette voie est que, moins cher un crayon de couleur, généralement cela signifie moins de pigment que le crayon de couleur aura. Ainsi, les ingrédients dans le crayon de couleur sont pigments et une sorte de liant et parfois des ingrédients de remplissage aussi bien. Donc, si vous utilisez un crayon de couleur moins cher. Habituellement, il a plus de liant, plus d'ingrédients de remplissage et moins de pigment. Et si vous êtes préoccupé par le prix, je recommande généralement d'opter pour un plus petit ensemble de crayons de couleur de qualité supérieure par opposition à un très grand ensemble de crayons de qualité inférieure. Donc, jusqu'à maintenant, nous allons plonger dans les types de papier, et quels types de travail de papier le mieux lors de l'utilisation d'un crayon aquarelle et d'un crayon de couleur. 3. Papier pour crayons de couleur: D' accord. Donc, il est temps de parler de papier. Dans cette leçon, nous allons examiner et passer en revue les types et les variétés de papier qui fonctionnent le mieux avec un crayon aquarelle et un crayon de couleur et en particulier, la combinaison de ces deux. Donc, la plupart des artistes de crayon de couleur et d'aquarelle décident de travailler sur du papier et c'est parce que pour bien fonctionner, ces médiums ont vraiment besoin d'une surface poreuse qui peut imprégner et tenir à tout le pigment que vous allez poser. Donc, même s'ils peuvent travailler sur d'autres substrats, sur d'autres services, pour cette classe, nous allons vraiment nous concentrer sur le papier. Maintenant, lorsque vous choisissez un papier, la première chose que vous voulez considérer est le poids et la texture du papier. Généralement, vous voulez avoir votre papier de poids. Il s'agit d'un papier qui sera plus robuste, tiendra à notre superposition et qui sera mouillé et qui aura ensuite des supports secs mis sur le dessus. Ce n'est pas toujours le cas, mais en général, s'il s'agit d'un papier lourd comme au-dessus de 300 g/m², il sera plus robuste, de meilleure qualité et sera capable de résister à tout ce que vous allez passer dans un placard dans la fabrication d'une peinture au crayon de couleur. Après avoir travaillé avec ce type de support, la combinaison de crayon aquarelle et crayon de couleur, vous pouvez utiliser soit un papier plus lisse ou un papier plus rugueux. Ça dépend en fin de compte du look que tu cherches. Un papier plus lisse qui serait généralement soit un papier aquarelle à chaud ou peut-être un papier couleur qui a été fait pour l'impression. Ces papiers vous permettront de développer un peu plus de détails et vous pouvez également travailler à plus petite échelle tout en conservant une grande quantité de détails. Maintenant, si vous voulez travailler sur un papier plus rugueux ou quelque chose comme un papier aquarelle pressé à froid, ce papier a beaucoup plus de texture à lui, parfois vous entendrez des artistes se référer à la texture dans le papier comme la dent de le papier et vous pouvez l'imaginer comme ces petites dents qui sortent du papier et que vous frottez votre pigment d'avant en arrière qui descend dans les dents dans le papier. Ainsi, comme vous pouvez l'imaginer, un papier qui a une dent plus profonde va pouvoir contenir plus de pigment qu'un papier qui a une dent peu profonde. Donc, un papier plus rugueux comme un papier pressé à froid, vous allez être en mesure d'obtenir plus de pigments là-dedans et probablement travailler encore plus de couches. L' autre côté, le revers, le côté le plus difficile est qu'il peut parfois être plus difficile d' obtenir des niveaux de détail très fins dans un papier pressé à froid, un papier rugueux, sauf si vous travaillez vraiment gros. Aussi, bon à garder à l'esprit est ce que vous aimez est le look vraiment lisse qui n'a aucune trace de marques ou de texture alors, vous allez probablement vouloir un papier plus lisse. Ainsi, plus le papier commence avec de la texture au début, plus votre pièce aura de texture à la fin, si cela a du sens. Maintenant, certains artistes de crayons de couleur travaillent sur des choses comme le pastel mat ou le bristol board, surfaces qui sont plus lisses mais qui ne fonctionnent généralement pas aussi bien pour une combinaison de médias humides et secs. Donc, puisque nous allons parler de la façon d'incorporer crayons aquarelle dans le processus de création d'une peinture au crayon de couleur cohésive, vous voulez généralement vous assurer de coller avec papiers qui fonctionneront bien pour les milieux secs. Donc, éviter bristol board, éviter mylar, éviter pastel mat, même si ce sont tous mes services qui peuvent bien fonctionner, ils ne sont tout simplement pas génial pour cette combinaison de médias. Donc, pour les articles recommandés, si vous voulez travailler sur un service plus fluide, je suggère le Reves BFK. C' est un papier de gravure. C' est vraiment agréable et absorbant, vraiment robuste, il a une surface lisse très beurrée. C' est définitivement mon papier lisse préféré sur lequel travailler. Arches fait également un beau papier aquarelle, très lisse et chaud sur lequel vous ne serez pas en mesure d'obtenir autant de couches, mais c'est vraiment un beau papier. Si vous voulez travailler sur un papier plus rugueux, un papier plus texturé à l'extrémité supérieure, je recommande le Fabriano Artistico. Encore une fois, assurez-vous que vous obtenez le poids plus lourd que le poids vraiment léger. C' est un très beau papier, a une très belle texture organique et permet beaucoup de superposition. Si vous voulez aller sur la fin plus de budget, je recommande Strathmore papier aquarelle pressé à froid. Ensuite, nous aurons un examen rapide de quelques autres fournitures et matériaux dont vous aurez besoin si vous créez de la peinture au crayon de couleur. Ensuite, nous allons plonger directement dans la technique. 4. Autres fournitures : taille-crayons, mélangeurs et pinceaux: Bienvenue à cette petite leçon très rapide dans laquelle nous allons juste passer en revue quelques dernières choses dont vous aurez besoin pour créer une belle peinture au crayon de couleur. Donc, le premier est un taille-crayon et vous pouvez vraiment utiliser n'importe quel type de taille-crayon qui fonctionne bien avec vos crayons de couleur, qui s'adapte à vos crayons de couleur. Essayez simplement d'en choisir un qui ne vous dérange pas d'utiliser, parce que si vous créez une peinture au crayon de couleur entière, vous passez un peu de temps à affûter des crayons de couleur. Donc, pour cette raison, certains artistes de crayons de couleur aiment vraiment utiliser taille-crayons électriques et je les ai utilisés parfois dans le passé. Le seul problème que j'ai avec eux est qu'ils peuvent avoir tendance à gaspiller un peu de plomb. Donc, je recommande, mon aiguiseur préféré est le Alvin Brass Bullet et c'est un très petit taille-crayon à main, mais la raison pour laquelle je l'aime tellement est qu'il ne gaspille pas autant de plomb et aussi vous pouvez changer la lame vraiment facile et les lames de remplacement sont peu coûteuses. Donc, si vous avez des difficultés à affûter et que vos fils continuent de casser, remplacer la lame est souvent un bon choix. Donc, je recommande le Alvin Brass Bullet. Nous aurons également besoin de quelques pinceaux parce que nous allons utiliser des pinceaux à la fois pour mélanger le crayon aquarelle et pour mélanger un crayon doux dans les étapes ultérieures. Vous pourriez avoir une large gamme de pinceaux. Vous pouvez utiliser beaucoup de tailles différentes en fonction de la pièce sur laquelle vous travaillez et de la zone que vous mélangez, mais les deux types de brosses de base que je recommande d'obtenir, serait une brosse ronde numéro deux qui a été faite soit pour l'huile ou l'acrylique. Donc, vous voulez qu'il ait de jolis poils raides et l'autre pinceau serait un Filbert numéro quatre et celui-ci pourrait être pour l'aquarelle ou pour l'acrylique. Vous voulez qu'il ait encore un peu de rigidité, mais certainement être plus doux que le pinceau rond numéro deux. Maintenant, vous avez aussi besoin d'une sorte de solvant, un solvant est ce que nous utilisons pour décomposer le liant dans le crayon à noyau doux afin que nous puissions déplacer le pigment et le mélanger et le rendre agréable et lisse, presque comme vous Je travaille avec de l'aquarelle ou même de la peinture à l'huile et je recommande d'utiliser Gamsol, qui est faite par Gamblin. Nous parlerons davantage de la raison pour laquelle c'est ma recommandation lorsque nous aborderons la leçon de mélange plus tard dans la classe. Vous avez également besoin d'une tasse pour tenir votre eau lorsque nous mélangeons avec les crayons à l'aquarelle, une sorte de chiffon ou une serviette en papier pour buvard et puis dernier mais pas le moindre est, Sharpie ou un marqueur Posca. Maintenant, c'est facultatif, mais c'est ce que nous allons utiliser pour ajouter reflets opaques à la toute fin. Donc, vous pourriez utiliser un stylo gel, vraiment n'importe quel type de pigment blanc opaque. Vous pouvez même utiliser juste de la peinture de squash, mais je vais recommander soit un marqueur de peinture Sharpie ou un marqueur de peinture Posca juste parce qu'ils sont faciles à utiliser et je sais par expérience, qu'ils fonctionnent vraiment bien sur le haut de crayons de couleur. D' accord. Ensuite, nous avons marque faire et déterminer que vous êtes une écriture crayon de couleur unique. 5. Marquage : votre écriture manuscrite au crayon de couleur: Bienvenue de retour. Nous allons enfin entrer dans la partie amusante, la technique actuelle de l'utilisation des crayons de couleur, et notre première pièce de technique dont nous allons discuter est Mark Making. Maintenant, tout comme votre écriture, la façon dont vous posez crayon de couleur sera unique et après un certain temps, après la pratique, après de nombreuses heures de travail, elle finira par devenir quelque chose comme votre écriture. que vous ne pensez même pas. C' est juste la façon dont vous le faites, la façon dont vous abordez naturellement le sujet. Maintenant, parce que c'est si unique, il y a beaucoup et beaucoup de façons différentes que vous pouvez l'aborder. Mais en général, le style de création de marques tombe dans l'une des quatre catégories, ou vous pouvez voir un artiste utilisant quelques versions différentes à la fois. Mais les quatre principales catégories de marquage dont nous allons parler sont l'éclosion unidirectionnelle, et c'est juste aller et venir avec un crayon de couleur dans la même direction beaucoup et beaucoup de fois ; hachures croisées qui est l'endroit où vous allez et venez dans une direction pendant un peu de temps, puis aller et venir dans une autre direction au-dessus du haut de la trappe ; même des coups circulaires, et des coups circulaires sauvages. Maintenant, tous ces coups peuvent être faits soit à grande échelle, les rendant plus proéminents et bruyants, attirant beaucoup d'attention sur eux-mêmes, ou à plus petite échelle, les rendant plus silencieux et doux et laissant l'attention sur le sujet à ce stade. Ainsi, lorsque vous testez ces différents styles de traits, ces différents styles de marque, vous pouvez trouver tout de suite que vous gravitez vers un, celui se sent le plus à l'aise pour vous. mienne a tendance à être une combinaison des coups circulaires même jumelés avec les coups circulaires sauvages folles, mais si l'on ne saute pas vers vous tout de suite. Essayez de créer une pièce entière dans chacun des cadrans course et voyez lequel vous tire le plus, celui qui se sent le plus naturel pour votre main. Ou une autre façon de choisir serait, si l'un ne se sent pas mieux que les autres, vous pourriez décider juste en fonction du look final que vous aimez le mieux. Si vous aimez vraiment un aspect géométrique prononcé, vous pourriez finir par aller pour la hachure unidirectionnelle ou la hachure transversale. Si vous aimez un look plus doux et plus pictural, vous pouvez opter pour le coup plus rond. Donc, testez quelques-uns et voyez quel genre vous appelle d'abord et rappelez-vous juste à nouveau, comme votre écriture, ce n'est pas quelque chose que vous pouvez juste dire d'accord, c'est la façon dont je vais le faire aujourd'hui, je vais toujours avoir cette genre de style de course. C' est mon style de course unique. Vous pouvez en avoir un qui vous appelle d'abord ou que vous aimez le mieux, mais la façon dont vous faites des marques va émerger au fil du temps. Donc, ne vous inquiétez pas trop choisir le bon ou de l'approcher de la bonne manière. Il n'y a vraiment pas de meilleur à faire. C' est celui qui fonctionne le mieux pour vous, fois en termes de processus réel de le faire, ce qui se sent naturel, ce qui se sent agréable et aussi le résultat final, ce qui semble bien et ce dont vous vous sentez satisfait. Donc, une autre chose à garder à l'esprit est que votre style de trait, votre style de marque sera également influencé par pression que vous appliquez lorsque vous mettez le crayon de couleur sur le papier. Donc, si vous êtes quelqu'un qui l'a, nous pourrions appeler la main lourde, ou une main expressive et que vous appuyez vraiment fort quand vous posez le pigment, vous allez avoir des marques plus sombres et plus anciennes que quelqu'un qui a un très doux, main délicate, qui pourrait avoir à travailler en plus de couches pour construire jusqu'au même effet. Donc encore une fois, ni l'un ni l'autre n'a raison ou tort et celui semble être plus à l'aise pour vous ou obtenir le look que vous aimez à la fin, c'est la direction dans laquelle vous devriez aller. D' accord. Ensuite, nous allons parler de la façon de construire une palette en utilisant des crayons de couleur. 6. Créer une palette avec des crayons de couleur: Donc, lorsque vous vous préparez à travailler avec un crayon de couleur, soit avec un crayon aquarelle ou un crayon doux, vous allez vouloir mettre en place une palette de la même façon que vous le feriez si vous travailliez avec de l'acrylique ou de l'huile ou de l'aquarelle Peets. Maintenant, contrairement à l'huile acrylique ou à une aquarelle tubulaire, la plupart des couleurs que vous utiliserez avec crayons à aquarelle et des crayons à noyau doux sont des mélanges ou des mélanges. Cela signifie qu'ils sont fabriqués avec quelques types différents de pigments. Donc, construire votre palette va sembler légèrement différent de que vous le feriez si vous le construisiez pour dire, peinture à l'huile classique. Là où vous choisiriez du jaune chaud et du jaune froid et un bleu chaud et un bleu froid. Plutôt que de le faire, essentiellement ce que vous allez faire est de regarder votre sujet et de faire votre meilleure estimation pour quelles couleurs vous allez utiliser tout au long de la peinture. Ainsi, par exemple, dans cette image de référence à la fraise que je vais utiliser pour peindre cette peinture simple pour cette classe, nous pouvons voir qu'il y a beaucoup de rouges, y compris un vrai rouge cerise, un rouge plus foncé et encore plus de une couleur dorée orangée dans certaines des zones plus claires de la fraise. Ensuite, pour le vert, nous avons une gamme d'un vert sauge frais, un vert pomme plus chaud et quelques verts plus foncés dans l'ombre. Ensuite, quelques couleurs supplémentaires dont nous aurons besoin sont la couleur crémeuse coquille d'oeuf, une lavande pâle en sourdine et probablement un vrai blanc ainsi que pour obtenir cette couleur crème vraiment pâle. Donc, après avoir regardé votre sujet et avoir pris votre meilleur devis et évalué, allez dans votre boîte de crayons de couleur, retirez ces couleurs et mettez-les de côté soit dans un autre récipient, soit sur votre espace de travail. Les mettre de côté comme ça est utile parce que vous allez passer moins de temps à creuser dans une grande boîte de crayons de couleur en particulier, si vous avez un énorme ensemble ou si vous les gardez juste dans un plateau et pas tout ce qui a organisé de la façon que Je le fais. Il vous aidera également à garder la couleur constante tout au long de votre pièce. Donc, si vous êtes assis et capable de finir un morceau en une journée ou en une seule séance, et cela peut ne pas être autant une préoccupation pour vous. Mais si une peinture vous prend plusieurs heures ou jours et que vous allez devoir faire plus d'une séance, vous voulez vous assurer que vous utilisez les mêmes couleurs pour les mêmes choses tout au long de la peinture pour garder l'histoire des couleurs cohésive et empêcher les couleurs de devenir boueuses. Ensuite, nous allons parler de la façon de faire un sous-tableau à l'aide de crayons aquarelle. 7. Créer une sous-couche avec des crayons aquarellables: Bienvenue de retour. Dans cette leçon, nous allons parler de la façon d'utiliser des crayons de couleur solubles dans l'eau ou crayons aquarelle pour développer une sous-peinture pour vos crayons à noyau doux. Un sous-tableau est fondamentalement une version moins détaillée de votre peinture finale. Vous pouvez penser à cela comme un croquis coloré ou un contour de couleur pour votre peinture, et parce qu'il se concentre principalement sur le grand tableau avec un sous-tableau, votre objectif est de descendre les grandes zones de couleur et valeur qui sont claires et sombres et pas trop se concentrer sur l'un des détails. La raison pour laquelle je recommande de créer un underpainting lorsque vous travaillez avec crayons de couleur softcore est que surtout si vous travaillez sur un papier texturé, juste aller droit dans les crayons softcore va prendre beaucoup de temps pour accumuler suffisamment de couleur et de pigment pour couvrir entièrement le spectacle blanc à travers le papier qui vient de travailler avec un papier texturé. En plus de prendre beaucoup de temps pour obtenir que tout rempli, il va manger beaucoup de votre pigment et si vous travaillez avec un crayon de couleur comme une couleur Prisma qui est plus abordable mais toujours environ $1 le crayon, cela peut aller assez vite et c'est agréable d'avoir un moyen de contourner cela. Les crayons aquarelle sont parfaits pour faire la sous-peinture pour quelques raisons. Numéro un, vous pouvez poser le pigment et il va se fondre très facilement avec de l'eau et vous allez obtenir plus de couverture d'une plus grande surface que vous ne le feriez si vous faisiez la même chose avec des crayons de couleur softcore et un solvant. D' accord. Donc, maintenant nous allons plonger dans la façon d'utiliser réellement des crayons à aquarelle. Maintenant, travailler avec des crayons aquarelle ou des crayons solubles dans l'eau peut prendre un peu de s'y habituer , surtout si vous êtes habitué aux crayons à aquarelle ou softcore traditionnels. La première chose à retenir à leur sujet est que le liant qui maintient le pigment est soluble dans l'eau, sorte que vous pouvez utiliser de l'eau pour les mélanger, vous n'avez pas besoin d'utiliser une sorte de solvant. cette raison, il existe tellement de techniques différentes que vous pouvez utiliser avec des crayons à aquarelle. Nous pourrions avoir une vidéo entière juste sur crayons aquarelle et vous pourriez certainement créer une pièce du début à la fin juste avec ce médium. Mais comme nous les utilisons principalement comme sous-peinture pour les besoins de cette classe, nous allons nous concentrer sur une méthode principale, à savoir la méthode sèche sur sèche avec mélange humide. Donc, pour utiliser des crayons aquarelle de cette façon, vous prenez juste le crayon sec et le posez directement sur le papier sec. vous appuyez dur, plus le pigment finira sur le papier, ce qui signifie que, cette zone sera plus sombre et plus saturée une fois qu'elle sera mélangée. Donc, si vous êtes nouveau à l'aquarelle crayon, je vous recommande d'essayer d'avoir un peu de main plus légère d'abord jusqu'à ce que vous connaissiez vraiment bien vos crayons. C' est parce qu'avec le crayon aquarelle et le crayon softcore, vous pouvez toujours revenir plus tard et ajouter plus de couches et le rendre plus sombre et plus profond et plus saturé, mais si vous allez trop sombre, trop saturé, trop tôt, c'est vraiment difficile de le recomposer. Donc, contrairement à la peinture acrylique ou à la peinture à l'huile où vous pouvez la gratter et en ajouter plus exactement ou vous pouvez attendre qu'elle sèche et simplement faire plus de couches sur le dessus, cela ne fonctionne pas vraiment aussi bien avec les crayons aquarelle et crayons softcore parce que ils sont assez translucides et transparents, ils n'ont pas la même opacité que l'huile et l'acrylique. Donc, une fois que vous avez vos crayons aquarelle tous posés sur votre papier sec, il est temps de mélanger avec de l'eau et votre brosse ronde numéro deux et vous pouvez mélanger de la même manière que vous avez posé vos coups. Donc, si vous avez fait des hachures unidirectionnelles, vous pouvez fusionner avec des hachures unidirectionnelles, ou vous pouvez fusionner dans un motif de trait différent. Maintenant, gardez à l'esprit que cela va toujours être couvert avec plus de couches de crayon softcore, donc toute texture que vous mettez ici ou toute douceur que vous travaillez vraiment dur à atteindre, va pas vraiment trop d'importance dans le résultat final la pièce parce qu'il y aura encore tant d'autres couches à venir sur le dessus. Donc, deux choses à garder à l'esprit lorsque vous travaillez avec cette combinaison de crayon aquarelle et crayon softcore, et la première chose est que vous voulez toujours le crayon aquarelle soit la couche de base de la sous-peinture, vous ne va pas vouloir utiliser crayon aquarelle sur le dessus du crayon softcore. La raison pour laquelle c'est le cas est que les crayons à noyau souple ont un liant à base de cire ou d'huile. Donc, si vous pouvez imaginer que ça va aller sur le dessus du papier presque comme un scellant pour le papier. Donc, si vous essayez d'utiliser quelque chose qui est à base d'eau comme ou des crayons aquarelle pour tremper dans le papier par la suite, il ne sera pas en mesure d'entrer dans ce papier parce qu'il sera couvert par le liant à l'huile ou à la cire qui est dans vos crayons de couleur. Donc, crayon aquarelle d'abord, crayons de couleur softcore deuxième. L' autre chose à retenir est que le crayon aquarelle peut sembler différent une fois mouillé que lorsqu'il était sec. Donc, pour cette raison, je recommande fortement que, surtout si vous avez un nouvel ensemble de crayons aquarelle ou si vous êtes nouveau dans le milieu, vous n'êtes pas vraiment habitué à ceux que vous avez, je vous recommande de créer des échantillons pour vous-même avant de commencer à utiliser les crayons à aquarelle. De cette façon, vous pouvez vous familiariser avec l'apparence du crayon de couleur quand il est sec et à quoi il ressemble quand il a été mélangé avec de l'eau. C' est vraiment simple à faire, il suffit de prendre un papier aquarelle ou n'importe quel type de papier que vous allez utiliser et de faire des petits échantillons de tous vos crayons de couleur, vos crayons d'aquarelle et de marquer le nombre de crayon de couleur ou le nom du crayon de couleur en dessous, puis mélanger une zone de celui-ci afin que vous puissiez avoir une idée de ce qu'il ressemble une fois qu'il est sec par rapport à quand il est mouillé. Maintenant, une fois que sous la peinture, il est complètement sec, vous pouvez soit ajouter plus de couches de crayon aquarelle ou même de la couleur d'eau si vous le souhaitez, ou si vous lisez, vous pouvez vous déplacer directement avec les crayons softcore, qui est ce que nous allons pour en parler dans la prochaine leçon. 8. Travailler en couches: D' accord. Donc, dans cette leçon, nous allons plonger dans des crayons de couleur à noyau doux, nous allons couvrir quelques bases et aussi parler de travailler en couches. Donc, tout comme travailler dans l'huile ou l'acrylique, beaucoup d'artistes de crayons de couleur moi-même inclus aiment travailler en couches. Je préfère cette méthode parce qu'elle me permet de rester concentré sur la pièce dans son ensemble plutôt que d'être trop attaché sur un domaine spécifique de détail, et m'aide à garder une histoire de couleur cohérente et à développer la pièce de manière cohérente tout au long. C' est aussi une approche un peu plus conservatrice. Donc, plutôt que d'entrer directement, vraiment audacieux, vraiment intense, avec beaucoup de saturation ou d'obscurité, construisant progressivement le détail la profondeur et la forme pendant que vous travaillez sur la pièce dans son ensemble est un bon moyen d'éviter de faire des erreurs ou d' obtenir une zone trop sombre ou trop claire vraiment tôt dans la pièce, ce qui, comme nous l'avons discuté dans d'autres leçons, peut être vraiment difficile à corriger. Donc, lorsque vous travaillez en couches avec un crayon doux ou de couleur, tout comme avec un crayon aquarelle, vous voulez entrer avec une main légère d'abord. Donc, vous allez essayer de faire en sorte que les premières couches que vous mettez vers le bas soient les couches les plus fines possibles. Maintenant, si vous êtes familier avec peinture à l'huile classique ou même la peinture avec de l'acrylique, je suppose, cette méthode est appelée trop gras. Donc, ce que cela signifie, c'est que nous mettons abord nos couches minces maigres et que nous gardons les couches les plus épaisses les plus lourdes jusqu'à la fin. Cette technique est excellente car elle vous permet de vous fondre au fur et à mesure que vous allez sans créer de boue. Il vous empêche également d'aplatir la dent de votre papier trop tôt. N' oubliez pas que lorsque vous travaillez avec des crayons de couleur, si une partie de votre pièce ou de la pièce dans son ensemble est surchargée soit trop sombre, trop saturée, trop claire, trop pigment, c'est une erreur vraiment difficile à corriger. Donc, contrairement à l'huile ou à l'acrylique, vous ne pouvez pas le gratter et en ajouter plus juste sur le dessus. L' opacité n'est pas là avec les crayons de couleur pour couvrir ce genre d'erreurs. Donc, travailler en couches est un excellent moyen de vous empêcher de commettre ce genre d'erreurs et de minimiser ce genre d'erreurs. C' est idéal pour les artistes débutants et les artistes plus expérimentés. D'accord. Ensuite, nous allons parler de commencer votre pièce à mi-parcours et pourquoi c'est la meilleure approche lorsque vous travaillez en couches avec des crayons de couleur. 9. Commencer avec des tons moyens: D' accord. Donc, lorsque vous travaillez avec vos crayons de couleur doux au-dessus de votre sous-peinture, et que vous vous apprêtez à commencer cette méthode à la mode sur le maigre, vous allez travailler en couches, je vous recommande généralement de commencer avec les tons moyens. Donc, lorsque vous travaillez avec des crayons de couleur et des couches, je recommande fortement de commencer par les tons moyens. Maintenant, les tons moyens sont des couleurs qui ne sont pas trop sombres, et pas trop claires par rapport aux autres couleurs qui les entourent dans le sujet. Donc, c'est une bonne approche à avoir lorsque vous travaillez avec vos crayons aquarelle pour créer votre sous-peinture, et lorsque vous entrez avec vos premières couches de crayons de couleur, les crayons de couleur doux sur le dessus de la sous peinture. En approchant d'abord les tons moyens, vous aidera à mieux déterminer la forme globale et la forme de votre sujet. Essayez d'y penser comme un sculpteur le ferait. Imaginez un sculpteur qui travaille dans un grand bloc de marbre ou de bois, ils commencent par quelque chose qui n'est que la forme et les dimensions de base de leur sujet et ils se taillent progressivement en ajoutant de plus en plus de détails. Donc, travailler dans une sous-peinture et descendre vos premières couches de tons moyens, vous aide à vraiment tailler la forme large globale du sujet et ensuite vous pouvez aller plus tard et sculpter de plus en plus de détails avec votre sombres et vos lumières vraiment. Commencer par les tons moyens vous donne également un meilleur sens pour comparer les sombres et les lumières de votre pièce. Donc, à moins que vous travailliez sur une pièce qui a un sujet plutôt qui a une source de lumière vraiment dramatique, donc il a des zones très sombres et des zones très claires, plupart des sujets qui sont naturellement éclairés vont avoir, la plupart des tons moyens tout au long du sujet. Donc, avoir les tons moyens vers le bas assez précisément, abord vous aidera à comparer les zones où il y a de l'ombre et les zones où il y a de la lumière, de sorte que vous pouvez voir, « oh c'est vraiment une zone sombre, c'est vraiment une zone claire ». La raison pour laquelle c'est le cas, c'est que la teinte qui est la couleur et la valeur, qui est sombre et la lumière ne se produit pas dans le vide. Ainsi, la façon dont vous voyez et percevez les couleurs et l'obscurité ou la légèreté est influencée et influencée par toutes les couleurs et toutes les nuances et valeurs qui l'entourent dans le sujet. Donc, par exemple, prenez ce sujet qui a beaucoup de lumière et c'est globalement un sujet très léger, mais cette petite zone est l'une des zones les plus sombres de ce sujet. Maintenant, si vous prenez cette couleur et que vous la comparez à ce sujet qui a des zones très sombres, elle ressemble en fait à une lumière ou peut-être à un ton moyen selon la façon dont vous la percevez. Donc, descendre ces tons moyens tôt va vous aider à vraiment identifier et discerner les zones claires et les zones sombres de votre sujet. Donc, quand vous travaillez sur votre sous-peinture et quand vous allez dans vos premières couches de crayon doux avec les tons moyens, vous pouvez soit, laisser les zones très sombres, les zones que vous pensez être les plus sombres ombres dans votre sujet. Vous pouvez soit laisser ceux non travaillés, soit vous pouvez mettre le ton moyen sur le dessus, en ajoutant plus sombre sur les tons moyens, fonctionne assez bien généralement tant que votre ton moyen n'est pas la couleur qui a beaucoup de blanc dedans. D' un autre côté, si vous pensez qu'une zone de votre sujet va être vraiment légère, plus légère que les tons moyens, plus légère que le reste de la pièce, vous allez probablement vouloir essayer de la laisser intacte par les tons moyens, de la même façon que vous le feriez si vous travailliez avec de l'aquarelle. C' est parce que l'ajout d'un crayon de couleur blanche ou d'un crayon de couleur claire sur un ton moyen peut aligner une zone, peut fournir une certaine luminosité. Mais il ne sera jamais aussi léger ou aussi brillant que si ce papier était intact dès le début. Donc, surtout si vous travaillez sur un sujet lumineux global où les points forts sont des zones claires semblent presque blanches, vous voulez essayer de les éviter avec les tons moyens. Très bien, donc une fois que vous avez vos tons moyens globaux vers le bas, vous avez un bon sens pour l'histoire des couleurs de votre sujet, la forme globale et la dimension et vous devriez commencer à voir, « d'accord c'est là que je pense que les sombres sont c'est là que je pense que les lumières vont aller », et c'est ce que nous allons discuter dans la prochaine leçon. 10. Ajouter les foncés les plus foncés et les clairs les plus clairs: Bienvenue de retour. Donc, maintenant que vous avez les tons moyens vers le bas, nous pouvons parler d'ajouter les plus sombres et les lumières les plus légères avec un crayon à noyau doux. Donc, une fois que vous avez identifié les zones les plus sombres de votre sujet et que vous vous apprêtez à ajouter et à développer ces ombres, plutôt que d'entrer directement avec du noir, demandez-vous à quel point cette zone est vraiment sombre par rapport au tons moyens. Donc, est-ce vraiment noir ou est-ce juste un peu plus sombre, plusieurs nuances plus sombres, que ce que j'ai vers le bas des tons moyens. Essayez de commencer avec un peu plus d' une main provisoire afin que plutôt que d'atteindre la chose la plus sombre que vous pouvez, lorsque vous développez vos zones d'ombre, commencez par peut-être par des choses qui sont une ombre ou deux plus sombres que vos tons moyens. Je veux faire une note ici que personnellement, j'utilise très rarement du noir dans l'une de mes peintures au crayon de couleur, et c'est parce que la plupart des ombres, même si elles sont assez sombres, ont encore une certaine couleur en eux. Ce ne sont vraiment que les ombres les plus profondes qui sont complètement sans couleur. Donc, essayez vraiment de réfléchir soigneusement et d'enregistrer ce crayon de couleur noire pur uniquement pour les zones qui devraient vraiment être noires. Plutôt que d'utiliser le noir pour les ombres les plus sombres de votre sujet, essayez d'utiliser la couleur complémentaire. Donc, si vous travaillez sur une peinture d'une fraise par exemple, les zones les plus sombres du rouge, et vous pourriez utiliser des verts, puisque le vert est la couleur complémentaire du rouge. Vous pouvez utiliser le vert pour ajouter de la profondeur et de l'ombre, et les zones les plus sombres du vert, vous pouvez ajouter du rouge pour ajouter de la profondeur et de l'ombre. Maintenant, lorsque vous travaillez avec des crayons de couleur à noyau doux, ou n'importe quel crayon de couleur vraiment comme nous l'avons mentionné dans la leçon précédente, peu près toutes ces couleurs sont des mélanges. Donc ils sont vraiment rouge foncé, et ils sont vraiment vert foncé, ils ont probablement un peu de noir dedans, pigment noir dedans déjà. Donc, en utilisant ces couleurs, les couleurs complémentaires ensemble, va juste augmenter le contraste, ça va faire pour une couleur plus foncée, mais ça va encore avoir plus de vivacité et dynamisme que si vous alliez juste avec un crayon de couleur noire pure. Donc, une fois que vous avez fait quelques couches d'ombres et que vous les avez développées au point où vous avez l' impression qu'elles sont à peu près ce qu'elles devraient être comparées à votre référence, vous pouvez continuer à développer les faits saillants. Maintenant, les zones lumineuses ne sont pas nécessairement des mises en évidence, sont seulement les zones qui sont plus claires que les tons moyens par rapport à l'histoire de couleur globale de votre sujet. A ce stade, il est sûr de commencer à utiliser des crayons de couleur qui ont beaucoup de blanc en eux ou qui sont très légers. L' utilisation de ces couleurs vous aidera à décrire et à former les zones plus claires de votre sujet. Donc, à ce stade, vous devriez avoir votre sous-peinture fini, plusieurs couches du crayon à noyau doux sur le dessus avec vos tons moyens, et vos sombres, et vos lumières. Vous aurez la forme globale de votre sujet, mais pas nécessairement des tonnes de détails. Maintenant, à ce stade, si vous voulez faire un mélange, c'est le moment idéal pour commencer un mélange, ce dont nous allons parler dans la prochaine leçon. 11. Mélanger avec de l'essence minérale inodore: D' accord. Donc, maintenant que nous avons notre sous-peinture fait et que nous avons nos premières couches de tons foncés et de lumières mi-tons à l'aide de crayons de couleur douce, nous sommes prêts à parler de mélange. Maintenant, en travaillant en couches, comme nous l'avons été, nous vous avons déjà donné la possibilité de mélanger un peu à mesure que vous allez, en utilisant le frottement de votre crayon de couleur pour travailler sur le dessus en couches, et créer une certaine quantité de douceur. Mais si vous aimez un look crémeux vraiment lisse qui a un peu plus une sensation picturale, vous pouvez essayer de mélanger avec une sorte de solvant. Maintenant, le solvant que je recommande est Gamsol, qui est un type d'esprit minéral inodore. C' est fait par Gamblin. Essentiellement ce qu'il fait, est de décomposer le liant qui maintient ensemble le pigment dans le crayon de couleur, sorte que vous pouvez librement vous déplacer autour du pigment. Maintenant, vous voudrez peut-être le faire à travers une pièce entière, faire mélanger votre pièce entière, ou vous pourriez vouloir simplement minimiser la texture dans certaines zones, comme une ombre. Avoir très peu de texture dans l'ombre l'aidera à s'enfoncer un peu plus, et à avoir l'air un peu plus sombre et plus riche qu'il ne l'aurait fait sans aucun mélange. Ainsi, vous pouvez faire soit le mélange de la pièce entière, soit le mélange ponctuel. Travailler avec un solvant pour mélanger des crayons de couleur peut créer un effet presque comme le glaçage avec de la peinture à l'huile. Ainsi, une fois qu'il est sec, une fois que le solvant est complètement sec, vous pouvez couches sur plus de crayons de couleur sur le dessus. Donc, en utilisant n'importe quel solvant, qu'il s'agisse de Gamsol, ou d'un autre type d'esprit minéral inodore, vous voulez toujours être très prudent d'utiliser beaucoup de ventilation et de suivre toutes les instructions de sécurité du fabricant. D' accord. Donc, pour mélanger vos crayons de couleur à l'aide de Gamsol, tout comme quand nous mélangions les crayons d'aquarelle avec de l'eau, vous voulez commencer à utiliser la plus petite quantité possible, et le balancer et le balancer soit dans un mouvements circulaires avec votre brosse. Maintenant, lorsque vous mélangez les couches précédentes, en fonction de la quantité de pigment sur le papier, il pourrait finir par paraître un peu délavé ou incolore au départ. Il peut également y avoir une légère teinte jaunâtre sur le papier, la zone qui a été soudée avec l'esprit minéral inodore alors qu'il est encore humide. Cette teinte, cette couleur disparaîtra une fois qu'elle sera sec. Quand j'utilise Gamsol avec les crayons de couleur de mélange, je préfère généralement utiliser une brosse plus douce, ce numéro quatre filbert que j'ai mentionné au début de la classe, mais vous pouvez utiliser n'importe quel type de pinceau que vous aimez le mieux. Il est également intelligent de travailler dans de petites zones, en travaillant à votre façon. Si vous êtes droitier, faites votre chemin de gauche à droite sur votre pièce, plutôt que de droite à gauche. Cela vous aide à éviter de poser votre main sur l'une des zones humides, car une fois que vous le faites, il peut tacher la même chose que si vous travaillez avec de la peinture. Alors, essayez de vous en souvenir. Puisque le liant a été un peu dissous avec le solvant, ce pigment peut se déplacer partout et peut se faire baver très facilement. Donc, pendant que vous travaillez, essayez de travailler de gauche à droite si vous êtes droitier, ou de droite à gauche si vous êtes gaucher juste pour éviter que cela ne se produise. Si votre pinceau se salit lorsque vous utilisez un esprit minéral inodore, ou si vous passez d'une zone sombre à une zone claire, ou d'un bleu à une orange, quelque chose comme ça, vous pouvez simplement utiliser le minéral inodore Esprit pour nettoyer votre brosse. Donc, il suffit de le mettre dans le récipient d'OMS, comme vous le feriez si vous travailliez avec de l'eau et des crayons aquarelle. Lorsque vous utilisez cette méthode, vous voulez vous assurer que le Gamsol est complètement sec avant d'ajouter un crayon de couleur plus sur le dessus. Vous pouvez savoir s'il est sec en retournant votre papier et en voyant s'il y a des zones translucides. Il peut sembler sec par le haut, et il ne va pas se sentir mouillé comme avec de l'eau et de l'aquarelle. Alors, ouais, retournez votre papier et regardez s'il y en a sur des zones translucides. S' il y en a, ça veut dire qu'il est encore mouillé. Il sèche encore. Donc, vous voulez le laisser sécher complètement dans une zone bien ventilée avant d'ajouter des couches supplémentaires. Ensuite, nous allons parler d'ajouter plus de couches, pourquoi vous voudrez peut-être le faire et comment le faire. 12. Créer une couche, mélanger, répéter: D' accord. Donc maintenant, après avoir fait votre premier passage au milieu, les sombres et les lumières et avoir fait un peu de mélange avec de l'esprit minéral inodore, vous devriez avoir au moins deux couches vers le bas. Vous avez votre sous-peinture, puis la couche de vos crayons doux vers le bas. À ce stade, la forme globale et la forme de votre sujet devraient être assez claires. La plupart des zones de couleur devraient correspondre assez bien à votre sujet si vous visez une sorte de réalisme. Donc, maintenant est un excellent point pour prendre du recul et regarder votre pièce, votre peinture et la comparer à votre référence ou modèle en fonction de ce que vous travaillez et vous demander, d' accord y a-t-il des zones sombres qui doivent être plus sombres ? Y a-t-il des zones claires qui doivent être plus légères ? Est-ce que cela correspond assez bien à mon sujet ? Maintenant, en fonction de la quantité de détails que vous voulez dans votre pièce et de la façon dont vous voulez l'obtenir, vous pouvez ajouter plus de calques à ce stade. J' ai habituellement de trois à cinq couches dans une de mes peintures au crayon de couleur. Parfois encore plus que ça surtout, si je travaille sur un papier vraiment texturé. Vous pouvez utiliser des calques supplémentaires pour ajouter plus d'obscurité, ajouter plus de légèreté pour augmenter et décrire davantage la forme de votre sujet, trois dimensions de votre sujet ou vous pouvez les utiliser pour ajouter plus de détails. Maintenant, quand je dis une couche, je ne veux pas forcément parler de tout le tableau, de toute la pièce avec un crayon de couleur. couches supplémentaires sur le dessus peuvent être en fait de petites zones où vous ajoutez détails et vous concentrer sur ces petites choses qui font vraiment sortir la pièce et paraître réelle. Comme vous le faites, lorsque vous ajoutez ces couches supplémentaires, vous pouvez vous arrêter et vous fondre entre chaque couche à l'aide de gamsol ou de brunissage, ce dont nous allons parler dans la leçon suivante. Ou, si vous voulez conserver plus de texture parce que vous aimez le look de texture, vous pouvez le faire aussi. Aussi, gardez à l'esprit que le mélange va toujours masquer un peu les détails. Donc, si vous avez travaillé dans une région et que vous êtes vraiment satisfait de son apparence et vraiment satisfait de la quantité de détails, il n'y a aucune raison que vous ayez à mélanger davantage. Ainsi, le mélange et la superposition sont toujours facultatifs. Ce sont des techniques que vous pouvez utiliser pour obtenir que la pièce regarde plus la façon dont vous voulez qu'elle ressemble, mais vous n'avez pas besoin de mélanger une zone spécifique si vous aimez ce look plus de texture ou si vous êtes satisfait de la quantité de détails que vous ont. Donc, en général, mon processus est quelque chose comme sous-peindre, couche de crayon de couleur, mélange, couche de crayon de couleur, mélange et puis laisser dehors tout mélange dans ces dernières quelques couches juste pour préserver des moments intéressants de texture et Détail. Si je choisis de faire n'importe quel mélange dans les couches les plus finales, ce sera généralement juste un collage ponctuel avec une technique appelée brunissage, qui est ce dont nous allons parler dans la prochaine leçon. 13. Brunissage : un autre moyen de mélanger une fois que vous avez terminé d'ajouter des couches: Très bien, dans cette leçon, nous allons discuter d'une forme alternative ou supplémentaire de mélange au mélange avec de l' esprit minéral inodore et c'est ce qu'on appelle le brunissement. brunissage consiste essentiellement à utiliser la friction et la pression de votre crayon de couleur, que vous utilisiez un véritable crayon de couleur ou un mélangeur incolore, pour déplacer et pousser ce pigment plus bas dans la dent du papier. Faire cela rend la couleur plus foncée, plus riche, plus lisse, la même chose que si vous alliez à l'esprit minéral inodore. Maintenant, vous pouvez utiliser le brunissage au lieu de mélanger avec Gamsol ou, en plus, sur les couches ultérieures de la pièce, ce qui est ce que j'ai tendance à faire. Donc, pour brunir, ce que vous devez faire est d'appuyer très fort avec votre crayon. Imaginez que vous poussiez ce pigment jusqu'à la dent du papier. Parfois, il est utile de tenir votre crayon un peu plus droit que de l'incliner sur le côté, juste parce qu'il vous permet de mettre plus de pression directement sur le papier. Encore une fois, vous pouvez travailler dans des traits uniformes et des hachures unidirectionnelles, ou des hachures transversales, ou une sorte de trait circulaire. Vous pouvez vraiment faire n'importe quelle sorte de traits ou de marques que vous voulez. Quelques choses à garder à l'esprit lorsque vous utilisez le brunissage pour mélanger est que la texture, la forme de votre marque sera plus visible que si vous utilisiez le Gamsol ou un esprit minéral inodore. Contrairement au mélange Gamsol, vous voulez vous assurer d' économiser le brunissement pour la toute fin de votre pièce. Donc, une fois que vous avez bruni une zone, vous ne pouvez vraiment rien ajouter de plus sur le dessus parce que ce que vous avez essentiellement fait est poussé tout le pigment aussi loin dans le papier qu'il ira et ensuite aplatir la dent du papier. Donc, il n'y a vraiment nulle part ailleurs pour que le pigment aille une fois que vous avez fait ça. Vous voudrez également faire attention lorsque vous brunissez, soit sur un papier lisse, soit sur un papier moins cher, simplement parce qu'il peut être un peu dur sur le papier. Donc, vous devez avoir un substrat vraiment robuste pour résister au brunissement. Si vous brunissez un papier qui n'a pas vraiment été conçu pour lui, qui n'a pas beaucoup de dents ou de texture pour commencer, vous pouvez finir par déchirer le papier ou le faire une sorte de pilule, et il finit juste avec pas un très beau look. Ma méthode préférée pour le brunissage est, encore une fois, l'enregistrer jusqu' à la fin en l'utilisant juste sur des zones très petites, très sombres ou très claires. D' accord, nous allons maintenant parler d' ajouter des faits saillants et de finir votre peinture. 14. Ajouter des rehauts: Bienvenue à la deuxième à dernière leçon de cette classe. Dans cette leçon, nous allons parler de la mise en évidence. Les points forts sont donc les petites zones qui sont vraiment brillantes. Peut-être qu'ils apparaissent comme blancs selon la lumière votre sujet ou la façon dont votre sujet est sec ou humide. Mais généralement, il est préférable de sauver ce genre de chose, surtout dans une peinture au crayon de couleur jusqu'à la toute fin. Donc, une fois que votre pièce est à 99 pour cent en bas, vous pouvez commencer à penser aux faits saillants. Donc, pour ajouter des faits saillants, vous pouvez utiliser soit un crayon de couleur blanc doux. Une note très spécifique, c'est juste mon goût personnel, je pense que le crayon de couleur blanche Prismacolor est le meilleur absolu pour ajouter des faits saillants même si le crayon Korinda Ash Color est plus élevé et beaucoup plus cher que celui de Prismacolor. Je pense que le blanc Korinda Ash n'est pas aussi bon que le blanc Prismacolor. Donc, je recommande d'utiliser le Prismacolor blanc pour ajouter des faits saillants, et si vous avez une autre marque que vous préférez, vous pouvez également aller acheter seulement le Prismacolor blanc dans la plupart des magasins d'art ou d'artisanat. Donc, oui, vous pouvez utiliser le Prismacolor blanc pour ajouter des reflets plus doux et plus crémeux, ou si vous avez un brillant opaque très dur, super lumineux, vous pouvez utiliser le stylo de peinture Sharpie ou le marqueur de peinture Posca. Les deux ont vraiment bien fonctionné pour ajouter de petites zones de lumières super lumineuses. Donc, certains sujets comme un morceau de fruit vraiment juteux dans éclairage très dramatique auront beaucoup de ces petits reflets blancs. Mais en général, c'est quelque chose que vous voulez utiliser judicieusement et faire attention à ne pas exagérer, surtout si vous essayez de créer le réalisme dans votre pièce. Si d'un autre côté vous travaillez avec une approche plus stylisée, vous pouvez vraiment utiliser les reflets blancs comme vous le souhaitez. Gardez à l'esprit qu'un plus grand nombre de ces reflets opaques vraiment brillants créeront généralement un look moins réaliste parce que la plupart des sujets qui sont naturellement éclairés, il suffit de penser à un visage par exemple, ont seulement quelques petites zones qui ont vraiment ce genre de point culminant, comme il pourrait apparaître dans les yeux ou sur les lèvres. Mais pour le reste du visage, même s'il y a des zones claires, elles ne sont pas vraiment blanches. Donc, comme vous l'avez fait quand vous pensiez aux ombres vraiment sombres, jetez un oeil et demandez-vous  : « C'est vraiment blanc ? Est-ce vraiment un vrai blanc opaque ou est-ce juste une couleur plus claire ? » Cela vous aidera à obtenir plus de réalisme dans votre pièce, si c'est ce que vous cherchez. Très bien, alors jusqu'à la prochaine, les dernières pensées et terminez. 15. Réflexions finales: Bien joué. Vous l'avez fait à travers toute la classe et êtes maintenant prêt à mettre tous ces principes ensemble pour faire votre propre peinture au crayon de couleur. Rappelez-vous, comme tout support artistique, la meilleure façon d'apprendre est de faire la pratique pratique pratique. Donc, je vous encourage vraiment à faire au moins un ou deux ou même tous les projets de classe fournis ci-dessous pour exercer les différentes compétences que nous avons acquises tout au long de ce cours. Veuillez les partager avec la communauté, afin que tout le monde puisse voir ce sur quoi vous travaillez. Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours. J' ai hâte de voir ce que tu fais. 16. Bonus : démo du processus complet: Bonjour, et bienvenue à cette petite démo bonus de moi peindre l'exemple entier de fraise du début à la fin. Comme vous pouvez le voir, je commence avec la première couche de crayons aquarelle pour créer un sous-tableau comme nous en avons parlé dans la classe. Encore une fois, comme nous l'avons dit en classe, j'utilise principalement des tons moyens pour commencer ici, et cela aidera à éviter que ma peinture ne devienne trop sombre ou trop claire trop tôt. Juste un petit mot, tu vas voir ma tête surgir ici quelques fois, désolé pour ça. Bon, maintenant que j'ai les crayons d'aquarelle complètement posés, il est temps de se fondre. J' utilise juste de l'eau du robinet ordinaire et une tasse avec mon pinceau rond acrylique numéro deux travaillant mon chemin à travers la peinture pour le mélanger. Vous remarquerez que je vais zone par zone de sorte que je n'ai pas besoin de mélanger la couleur ou de rincer ma brosse trop. Donc, j'ai fait le vert d'abord et maintenant je travaille sur le rouge, et comme nous en avons parlé dans la classe, j'utilise très peu d'eau juste assez pour m' aider à mouiller le pigment et à le déplacer un peu, mais je ne suis pas obtenir mon papier pour le saturer. Bon, maintenant que le crayon à aquarelle a séché, je me prépare à aller dans mes crayons doux. Encore une fois, je commence avec les tons moyens et c'est un peu d'une sorte de couleur orange vermillon. Tu me verras entrer et sortir avec la caméra. J' ai aussi pris quelques photos de processus. Maintenant, quelque chose que vous remarquerez peut-être pendant que je travaille là-dessus, je vais en avant et en arrière entre les tons moyens et les très sombres un peu. C' est parce que je suis vraiment à l'aise avec ce processus, donc je ne l'ai pas strictement séparé dans le processus dont nous avons parlé en classe, les tons moyens, puis les sombres, puis les lumières. Il y a un peu d'aller-retour mais dans l'ensemble, je m'en tiens à ce principe de rester principalement dans les tons moyens et de sauver les très sombres et très lumières jusqu'à la fin. Mais parce que je fais ce processus depuis si longtemps, cela fait des années et des années maintenant, je suis assez à l'aise avec, donc je me sens un peu plus capable d'entrer dans ombres sombres et les zones claires plus tôt que je ne le recommanderais si vous êtes débutant. J' ai les couleurs que j'ai utilisées toutes listées dans- Je pense que ce sera dans la description de la classe, peut-être dans la section du projet de classe. C' est ma première classe Skillshare donc je ne suis pas sûr exactement où toutes les informations devraient aller, mais ce sera dans les notes de classe quelque part. Donc, si vous voulez voir les couleurs exactes que j'ai utilisées dans cette pièce afin que vous puissiez les utiliser aussi, jetez un oeil et ils seront listés ci-dessous. Juste une petite note de côté très spécifique à ce sujet, à la couleur dans ce sujet en particulier, est que vous verrez que j'utilise une sorte de crayon de couleur orange néon et qui entre et sort quelques fois. Mais cette couleur sera répertoriée avec toutes les autres couleurs, mais c'est particulièrement utile si vous travaillez sur des sujets rouges. Le rouge est juste un pigment délicat en général et la plupart du temps, il est difficile d'obtenir ce vrai genre de rouge lumineux que vous auriez dans quelque chose comme une fraise ou une pastèque. Donc, avoir cette orange fluo à mélanger et à ajouter à vos rouges peut vraiment aider à les rendre vibrants et pop. Bon, maintenant que j'ai la première sous peinture faite et les premières couches de crayon doux, je suis prêt à commencer à me mélanger avec le gamsol et mon pinceau Filbert numéro quatre. Je suis juste en train de traverser la pièce de gauche à droite puisque je suis droitier, ce qui m'aide à éviter les taches, et rend le processus de mélange plus simple. Mon objectif principal avec le mélange à ce stade est rassembler tout ensemble et de se débarrasser partie de la texture et une partie du coup de pinceau, excusez-moi, pas de coup de pinceau, coups de crayon, juste pour donner à la pièce un regard cohésif. Une fois que le gamsol a séché, je reviens avec plus de couches de crayons de couleur comme je l'ai dit en classe. J' ai tendance à faire au moins trois couches incluant des sous-peintures, parfois plus comme quatre ou cinq ou même plus si c'est un sujet compliqué. Donc, à ce stade, je vais juste entrer avec les sombres, avec très de la lumière et avec les tons moyens, juste travailler à travers le sujet dans son ensemble pour obtenir tout exactement comme je le veux. Vous pouvez voir que j'utilise du blanc pur ici dans la zone blanche de la fraise. Cela ne fonctionne toujours pas vraiment comme un point culminant parce que même si j'utilise le crayon de couleur blanche, je le mélange avec d'autres couleurs donc ce n'est pas vraiment un blanc pur et pur. Cette mise en évidence sera sauvegardée jusqu'à la toute fin, mais cela m'aide à obtenir cette zone lumineuse globale à la bonne valeur. Maintenant, il est temps de se mélanger avec le gamsol. Encore une fois, aller et essayer de tout rassembler et vous verrez qu'il tonifie un peu cette zone blanche afin qu'elle ne prenne pas le contrôle de toute la pièce et devienne trop fort et trop lumineux trop tôt. Bon, donc maintenant, je vais entrer avec une autre couche de crayons de couleur, crayon de couleur doux et juste une sorte d'essayer de redécrire ces détails et d'obtenir tout ce que je veux. Puisque ce sera la dernière couche avant les faits saillants, il est important d'obtenir les détails corrects et d'avoir tout comme je veux qu'il regarde dans la peinture finie. À ce stade, puisque je ne ferai plus de mélange, j'essaie aussi d'être assez prudent avec mes marques pour le frapper pour ne pas devenir trop sauvage parce que je n'aurai pas d'autre occasion de les mélanger. Très bien, une fois que j'aurai fini d'ajouter les derniers détails avec le crayon doux, je vais aller avec un stylo à peinture Sharpie. Comme vous pouvez le voir, je fais ça dans de petites zones, surtout comme des petits points et des points juste pour donner à la fraise ce joli look juteux. Puisque la fraise est en fait un morceau de fruit vraiment juteux, elle a plus de ceux-ci et beaucoup plus de ces petits reflets blancs opaques que de nombreux sujets ne le font. Mais quand même, j'essaie de faire attention à ne pas aller par-dessus bord et comme dans la zone blanche de la fraise, c'est juste une zone vraiment légère, mais n'est pas vraiment un point culminant. Je n'utilise aucun stylo à peinture Sharpie pour décrire les petites frondes ou les petites lignes blanches qui sortent du centre de la fraise. Je ne l'utilise vraiment que pour ces reflets blancs opaques vraiment brillants qui sont vraiment réfléchissants sur une surface humide. D' accord, je suis à peu près en train de finir ici, en me rapprochant de la fin de la pièce. Je vais faire un scan ici pour que vous puissiez voir à quoi ça ressemble une fois qu'il est complètement terminé et scanné. Il est là. Très bien, merci beaucoup d'avoir regardé la démo et merci encore d'avoir suivi ce cours. Si vous voulez suivre et créer votre propre version de cette peinture au crayon de couleur fraise, il y a un croquis téléchargeable dans les matériaux de classe et qui est répertorié comme l'un des projets de classe. Comme je l'ai mentionné dans la vidéo finale, je vous recommande d'essayer autant de projets de classe possible et surtout si vous êtes un débutant avec un crayon de couleur, il pourrait être bon d'essayer certains des autres projets de classe avant essayer la peinture, mais tout le matériel est répertorié dans les notes de classe, et j'espère que vous en profiterez pour faire quelque chose de vous-même et le partagerez avec la classe. Merci encore et j'ai hâte de voir ce que vous faites.