Créer des couleurs réalistes : une introduction pour les débutants

1. Intro: Bonjour, je m'appelle Kendall Villegas et je suis artiste et illustrateur à temps plein. Mon travail est utilisé dans les magazines et les jeux vidéo, sur l'emballage et la publicité, en parallèle. J' aime aussi partager mon expérience dans l'industrie créative. Avec vous tous sur YouTube et bien sûr ici sur le partage de compétences. L' une des questions les plus courantes que j'ai des artistes débutants ou en herbe sur YouTube ou les médias sociaux est de savoir comment puis-je créer une couleur convaincante et réaliste dans mon travail ? Dans cette classe, nous allons déballer cette question et aborder la couleur pour un artiste traditionnel de manière systématique et complète. Apprenez cinq choses principales, d'abord, pour identifier les caractéristiques de base des couleurs telles que la valeur, la teinte et la saturation. Deuxièmement, construire l'harmonie des couleurs et comprendre les relations des couleurs à l'aide de la roue des couleurs. Troisièmement, construire une palette. Alors, comment choisir réellement les couleurs que vous allez utiliser dans votre palais, comment les assembler, nous allons couvrir que à la fois avec un pigment pur couleurs et avec des couleurs qui sont des mélanges ou des mélanges. Numéro quatre, comment identifier et voir avec précision les couleurs qui sont dans votre référence et enfin, comment rassembler tout cela, comment mélanger les couleurs que vous voyez dans vos références et les faire correspondre à votre dans la peinture ou le dessin que vous créez. Nous aurons une série de leçons assis où je décompacterai toutes les théories et concepts derrière chacun de ces cinq points, puis nous aurons une démo détaillée en temps réel, où je créerai une peinture du début à la fin et expliquerai chaque choix de couleur unique que je fais le long du chemin et comment il se rapporte aux concepts que nous avons couverts dans la classe. Vous obtiendrez à la fois la théorie du sit-down et l'exécution en temps réel. Ce cours est le mieux adapté pour les artistes médiatiques traditionnels. Je dirais que si vous êtes un artiste des médias numériques, vous aurez encore des choses que vous pouvez emporter qui seront précieuses, mais cela est certainement orienté vers les artistes médiatiques traditionnels. gens qui travaillent dans la peinture, pastel ou crayon, n'importe quel média physique, également probablement mieux adapté pour ceux qui ont déjà un peu de familiarité avec le dessin et qui veulent vraiment juste prendre leurs compétences au niveau supérieur par apprendre à utiliser efficacement la couleur. Après avoir terminé ce cours, vous aurez une bonne compréhension de la théorie des couleurs de base et vous serez en mesure d'appliquer ces concepts théoriques manière vraiment pratique à votre propre travail pour créer ce sens de belle couleur réaliste. J' espère que vous me rejoindrez en classe. Je suis super excité de commencer et de plonger dans l'un de mes concepts préférés avec vous tous. 2. Terminologie des couleurs: Pour la première leçon, nous allons plonger dans certaines des caractéristiques de base de la couleur. Nous allons passer en revue quatre caractéristiques. Celles-ci incluent la teinte, valeur, la saturation et la température, nous allons définir chacune de ces caractéristiques et décompresser la façon dont elles se rapportent à l'art et à la fabrication d'art et pourquoi elles sont bonnes choses dont il faut être conscient. Le premier terme que nous allons aborder est la valeur. La valeur signifie simplement que l'obscurité ou la légèreté d'une couleur, les couleurs plus foncées sont plus proches du noir sur l'échelle de gris, les couleurs plus claires sont plus proches du blanc sur l'échelle de gris. La valeur est vraiment un terme crucial pour tous les artistes à comprendre, et pour être en mesure d'identifier un art car c'est souvent ce qui dénote la forme du sujet. La valeur est la façon dont nous avons une idée de l'endroit où se trouvent les zones élevées d'un sujet parce qu'elles sont généralement plus légères, peut-être même plus brillantes, et que les zones plus sombres d'un sujet ont tendance à être les parties qui s'enfoncent ou se courbent en arrière. Donc, ayant un bon sens et la capacité d'identifier la valeur de votre travail, cela va vous rendre plus facilement capable créer un sens de la forme et de la tridimensionnalité, c'est vraiment la pierre angulaire de la création d'une œuvre réaliste, et c'est pourquoi l'étape initiale lorsque vous apprenez à dessiner, est souvent de faire des croquis monochromatiques au crayon. Je sais que parfois ça peut ressentir, c'est tellement ennuyeux ce que je veux vraiment faire est d'apprendre à peindre en couleur, et vous y arriverez absolument, vous apprendrez ça. Mais il est vraiment essentiel d'avoir un bon sens de la valeur et de la forme avant de plonger dans la couleur, car c'est le squelette sur lequel repose tout le reste, et si ce n'est pas en place ou qu'il n'est pas stable ou stable, vous allez d'avoir un temps vraiment difficile à faire un travail qui semble réaliste et surtout un travail qui a de la couleur, c'est une couleur réaliste. Alors, comment le site de travail de valeur a touché un peu cela déjà, mais les couleurs plus foncées ont tendance à couler en arrière et les couleurs plus claires ont tendance à monter en avant, si vous jetez un oeil dans la pièce où vous êtes, n'importe quoi autour de vous, vous remarquerez que le les points supérieurs d'un objet sont plus clairs et les points inférieurs d'un objet sont plus sombres. Donc apprendre à voir de la valeur, cela va être une pratique tout au long de la vie et un exercice à vie si vous voulez créer de l'art réaliste, mais il y a un truc super utile qui est quelque chose que j'ai appris quand j' étais dans école d'art et je l'utilise encore aujourd'hui tout le temps, et il se sent vraiment simple, mais l'astuce est fondamentalement juste de plisser vos yeux. Alors, je suis presque à l'endroit où ils sont complètement fermés, où vous laissez juste entrer le plus petit éclat de lumière et vous aurez du mal à voir les détails, vous ne voulez pas voir les détails. Vous essayez juste d'avoir vos yeux le plus près possible tout en laissant entrer juste ce petit éclat de lumière, et comme vous le faites, vous pouvez tourner et regarder le sujet que vous essayez de dessiner. Maintenant, ce que vous remarquerez, c'est parce que vous ne pouvez pas vraiment voir les détails, tout sera un peu obscurci par le plissage. Cela va vraiment vous aider à identifier où sont les plus grandes zones de l'obscurité et les plus grandes zones de lumière, et c'est la première étape cruciale pour être en mesure de voir valeur est de comprendre comment l'obscurité et la lumière sont séparées, où ils sont vraiment les plus sombres sont et où ils sont vraiment les lumières les plus légères sont, et une fois que vous avez identifié les plus sombres et les plus légères lumières, alors vous pouvez essayer de comparer un peu et de voir où sont les tons moyens, et cela donnera vous avez une bonne idée du spectre de valeurs de vos sujets. Nous allons donc parler beaucoup plus de la valeur plus tard et comment l'appliquer et comment l'identifier et la voir dans votre travail. Mais en ce moment, nous allons juste continuer avec nos autres termes et caractéristiques de la couleur, et le suivant est la teinte. La teinte est fondamentalement juste une caractéristique d'une couleur qui la fait apparaître comme rouge, vert, bleu, jaune, quoi que ce soit. D' une certaine façon, vous pouvez penser à la teinte est juste un autre mot pour la couleur. Le terme suivant est la saturation, et la saturation peut être considérée comme l'intensité ou la pureté d'une couleur. Ainsi, le pur, le pigment dans la couleur, le plus saturé sera, et le plus terne, le moins saturé. Maintenant, apprendre la saturation, apprendre à voir la saturation peut être difficile au début. C' est particulièrement délicat si vous essayez de créer un travail réaliste. Nous allons donc parler de quelques astuces plus tard pour identifier et apprendre à voir et évaluer comment la couleur est saturée. Mais pour l'instant, certaines choses à garder à l'esprit sur la façon dont la saturation fonctionne dans une peinture couleurs désaturées sont des couleurs qui sont moins saturées ont tendance à couler de la même façon que les couleurs sombres font, et nous allons attirer moins d'attention sur eux-mêmes. Ils ne semblent généralement pas aussi bruyants ou évidents que les couleurs saturées, et les couleurs plus saturées sont le contraire, bien sûr, ils ont tendance à se poser plus à la surface, ils sont plus forts ou visuellement, ils attirent plus l'attention sur eux-mêmes. Maintenant, comment voir la saturation. Nous avons déjà parlé de la façon de voir la valeur de l'astuce avec plisser vos yeux. Mais dans l'ensemble, la meilleure façon d'apprendre à voir la saturation est par comparaison, vous allez regarder une couleur, vous allez vous concentrer sur une zone spécifique dans votre référence et obtenir un sens juste essayer d'avoir un instinct initial de la couleur que vous pensez qu'il est, Alors, quelle est la teinte ? C' est un rouge ? Oui, c'est un rouge. Quelle est la valeur ? À quel point est-il sombre ou clair ? Quelle est la saturation, et la meilleure façon de comprendre la saturation est, comparant la couleur sur laquelle vous vous concentrez aux autres couleurs qui l'entourent, et visuellement vous frayer un chemin à travers l'image et en disant, ok, j'ai ceci zone rouge ici, est-ce plus rouge ? Est-ce un rouge plus clair, plus intense que cet autre rouge ici, ou est-ce moins brillant ? Moins intense ? Donc c'est une comparaison d'aller-retour, eh bien, en regardant d'abord, puis en comparant et puis en évaluant votre comparaison pour voir à quel point c'est précis, et encore une fois, nous allons en parler beaucoup plus et vous verrez des démonstrations de moi le faire, mais c'est le large champ d'application pour voir et évaluer la saturation, et avec la pratique, voir la saturation de cette façon va devenir vraiment naturel. Certaines personnes peuvent le faire naturellement, mais pour la plupart d'entre nous, c'est une compétence apprise, et à cause de cela, vous voudrez garder à l'esprit que pour de nombreux artistes débutants, la tendance est de sursaturation, et il y a un certain nombre de raisons différentes à cela, dont nous parlerons plus dans une autre leçon. Mais en gardant cela à l'esprit que la tendance pour plupart des artistes débutants est d'utiliser des couleurs trop saturées, c'est-à-dire que si vous essayez de créer une couleur réaliste, la saturation est quelque chose qui doit être utilisé avec une certaine discrétion et utilisé uniquement en petites quantités. Avant de passer à la température, qui est notre quatrième et dernier terme, je voudrais avoir une brève discussion sur la relation entre la valeur et la saturation. La relation entre l'obscurité ou la légèreté d'une couleur et la relation entre l'intensité ou la pureté de cette couleur. La valeur et la saturation sont très souvent liées, mais elles n'ont pas nécessairement à l'être. Par exemple, ce rouge pur profond est une valeur plus foncée que ce jaune pur vif. Ce sont tous les deux des couleurs pigmentaires pures, ce qui signifie qu'ils sont tous les deux saturés, mais l'un d'eux a une valeur intrinsèquement plus foncée que l'autre. Ainsi, vous pouvez voir avec des couleurs pures, complètement saturées, certaines couleurs seront naturellement plus foncées, certaines couleurs seront naturellement plus claires, et un autre exemple sont ces deux couleurs très claires. Donc, les deux sont vraiment légers en termes de valeur, ils ont tous les deux beaucoup de blanc en eux, mais l'un est assez saturé, vous pouvez voir celui-ci ici est assez saturé, et l'autre n'est vraiment pas du tout saturé, mais ils sont tous les deux de la même légèreté. Donc, juste avoir une compréhension que juste parce quelque chose est plus sombre ne signifie pas qu'il est plus saturé et vice versa. Ces termes deviendront de plus en plus clairs à mesure que vous les verrez dans l'action et dans d'autres leçons et dans la démo, alors restez avec moi pour un terme de plus, une définition de plus d'un terme, et c'est la température. La température d'une couleur est la chaleur ou la fraîcheur inhérente de cette couleur. Une façon très simple de penser à cela serait qu'il y a des couleurs chaudes comme le rouge, l' orange, le jaune et les couleurs froides comme le bleu, le vert et le violet. Mais la façon la plus complexe et probablement plus réaliste d'y penser est qu'il y a chaud et cool de presque toutes les nuances que vous pourriez imaginer. Il y a donc des rouges chauds et des rouges froids jaunes chauds et des jaunes froids un blues chaud et des bleus froids. Différents pigments et différents mélanges ont ces différentes caractéristiques de température, chaleur différente ou fraîcheur différente et en termes de comment ils se comportent dans une peinture, couleurs plus froides, comme des couleurs plus foncées et comme moins saturées ont tendance à couler en arrière et sont un peu plus silencieux, et nous allons lire plus comme une ombre, et les couleurs plus chaudes ont tendance à monter à la surface comme des couleurs saturées, comme les couleurs claires. Les couleurs plus chaudes ont tendance à monter à la surface et à attirer plus d'attention sur elles-mêmes. Il est important de noter que la température, la chaleur ou la fraîcheur d'une couleur, est probablement l'un des aspects les plus subjectifs de la couleur. Toutes les couleurs, comme tout art visuel, sont quelque peu subjectives, mais la température a tendance à être assez subjective, et ce que je veux dire par là principalement, c'est que les gens vont l'expérimenter de différentes manières. Donc, un excellent exemple est la différence entre le bleu outremer et le bleu céruléen. Donc, pour moi, il semble assez évident que l'ultramarine est la couleur la plus fraîche et que le céruléen est le bleu plus chaud. Mais il y a beaucoup de gens qui le voient de l'autre façon qu'ils voient céruléen comme cool et ultramarin comme chaud. C' est très bien et ça ne devrait pas vous alarmer ou vous rendre nerveux à propos de l'utilisation de la couleur. chose la plus importante est que vous êtes cohérent dans votre propre univers de peinture, si vous êtes comme moi et que vous voyez l'outremer est le bleu plus frais, juste avoir une conscience de cela et utiliser l'ultramarine constamment comme le bleu plus frais, et céruléen ou [inaudible] ou n'importe quel autre bleu que vous allez utiliser comme bleu plus chaud, et cela vous permettra toujours de créer relations de couleurs vraiment intéressantes et unifiées. C' est tout pour notre introduction de la terminologie des couleurs. Félicitations, vous avez réussi. Ensuite, nous allons discuter d'un outil important pour l'utilisation et la compréhension de la couleur, c'est-à-dire la roue de couleur et les couleurs spécifiquement complémentaires. 3. Relations entre les couleurs: Si vous avez déjà suivi un cours d'art, peut-être même un cours d'art à l'école primaire, il y a des chances que vous en ayez probablement vu un. Mais si vous ne l'avez pas fait ou si vous n'êtes pas clair sur l'utilité, comment une roue de couleur peut être utilisée, nous allons passer brièvement en revue dans cette leçon. C' est une roue de couleur. Une roue de couleur peut être très simple ou très complexe. La plupart des roues de couleur auront au moins trois couleurs primaires, qui sont les couleurs qui ne peuvent pas être formées à partir d'autres couleurs et les trois couleurs secondaires. Certaines roues de couleur auront également des couleurs tertiaires, qui sont les couleurs qui sont faites en mélangeant la couleur primaire et une couleur secondaire. La principale raison pour laquelle nous parlons de la roue de couleur est parce que c'est la meilleure façon de comprendre les relations de couleur. Je ne vais pas faire votre reproduire une roue de couleur ou faire votre propre roue de couleur bien que, se sentir libre si vous voulez, il peut être amusant et thérapeutique chose à faire. La principale façon dont j'utilise encore ma compréhension et ma connaissance de la roue des couleurs est de comprendre l'harmonie des couleurs et les relations des couleurs. Un terme que vous avez probablement entendu avant si vous avez suivi un cours d'art est des couleurs complémentaires. Les couleurs complémentaires sont des couleurs qui sont directement face les unes des autres sur la roue de couleur. L' utilisation de couleurs complémentaires dans vos peintures peut être un outil vraiment puissant car ces deux couleurs sont vraiment un contraste élevé et mettre des couleurs à contraste élevé à côté des autres couleurs pour avoir le plus grand niveau de contraste peut augmenter ce sentiment de vibrations et vivacité dans ces deux couleurs et peut vraiment les aider à sauter hors du substrat. D' autres types de relations de couleur communes sont les couleurs triadiques et apparentées. Les couleurs triadiques sont faites à partir de regroupements trois couleurs équidistantes sur la roue de couleur. Cela crée un haut niveau de contraste qui peut amplifier dynamisme des couleurs et faire vraiment synchroniser ces couleurs dans votre peinture. Les couleurs associées sont un regroupement d' une couleur homme plus deux autres couleurs qui se trouvent à proximité sur la roue de couleur. Si votre objectif est de peindre de façon réaliste, ce dont nous parlons dans cette classe, vous tirez la plupart de vos repères de couleur directement de votre source, directement de la réalité. Cependant, vous pouvez et devez toujours utiliser une connaissance de la théorie des couleurs lorsque vous planifiez et exécutez votre peinture. C' est pourquoi il est si utile d'avoir une compréhension de la roue de couleur et de la façon dont vous pouvez l'utiliser pour déterminer les relations de couleur. Comme je l'ai dit, je n'ai généralement plus de roue de couleur dans mon studio, mais c'est quelque chose que j'ai internalisé. Quand je pense à prendre des décisions stratégiques sur la couleur. Si je décide que je veux utiliser une couleur complémentaire dans une zone spécifique pour vraiment augmenter le dynamisme, je viens de l'appeler à esprit mentalement. Lorsque vous comprenez vraiment bien ces choses, lorsque vous comprenez les couleurs complémentaires et que vous avez une bonne image visuelle de la roue de couleur, vous allez être en mesure d'utiliser la couleur avec plus d'intention et de créer effets vraiment intéressants et puissants dans votre travail. Nous parlerons plus de l'application des couleurs complémentaires dans une leçon à venir qui est le nom du jeu ici et ces leçons fondamentales. Nous introduisons certains concepts et nous allons ensuite aborder la façon dont ils s'appliquent dans les leçons ultérieures. Ensuite, nous allons plonger dans certains des trucs pratiques, qui est de savoir comment déterminer les couleurs dans vos photos de référence. Ce sera une leçon en deux parties et nous allons plonger dans la première partie de la leçon suivante. 4. Apprendre à voir la valeur: travers cette leçon et la leçon suivante, nous allons parler de la façon de voir et d'identifier réellement les couleurs qui sont dans votre référence, votre source, l'image à partir de laquelle vous peignez directement pour créer cette œuvre réaliste. Pour la première partie, nous allons parler de la valeur et de la façon de voir la valeur. La raison pour laquelle nous abordons la valeur d'abord est exactement ce que nous avons dit dans cette leçon d'introduction sur la valeur, c'est que comprendre et voir la valeur est le fondement, est la clé pour créer une couleur réaliste dans votre travail. Toutes les autres choses dont on va parler s'accrochent vraiment à ça. Donc, c'est super important, peut se sentir un peu ennuyeux parce que si ce que vous êtes ici pour apprendre sur la couleur, nous allons commencer par parler de noir et blanc, mais croyez-moi, ça vaut la peine d'investir le temps et d'essayer de comprendre ce bien, car cela va rendre votre vie tellement plus facile quand il s'agit de l' application réelle de la couleur réaliste dans la prochaine leçon. Surtout si vous êtes un débutant, chaque fois que vous travaillez sur un tableau, lorsque vous essayez de créer une pièce complète finie, pas seulement un croquis mais une pièce réelle dans laquelle vous allez investir un peu de temps, il peut être particulièrement utile de passer quelques minutes, n'importe où de 5-20 minutes créer des études de valeur de votre sujet. Une étude de valeur est juste une esquisse vraiment, vraiment simple qui est, en plus de la ligne ou de la forme du sujet, les proportions du sujet, vous essayez juste de bloquer très rapidement juste avec un crayon ou parfois les gens vont utiliser du charbon de bois pour cela, essayer de bloquer là où les zones sombres sont et laisser de côté où les zones claires sont. Mais vous essayez simplement de créer une feuille de route pour vous-même des zones sombres, des tons moyens et des zones claires. Faire cette chose rapidement avant de passer beaucoup de temps réellement investir dans votre peinture peut vous permettre d'avoir juste un bon sens pour où vous allez en termes de valeur et c'est, comme je l' ai mentionné, particulièrement utile pour les débutants, mais c'est toujours une pratique que j'ai aujourd'hui, surtout si je crée une pièce plus grande ou une illustration plus complexe et que je veux m' assurer que j'ai vraiment ces relations de valeur clouées. Je vais encore passer 10 minutes à créer quelques études de valeur différentes, juste pour avoir un sens pour ça. Pour créer une étude de valeur, nous allons simplement revenir à cette astuce que nous avons apprise dans la deuxième leçon, qui vous plisse les yeux. Vous voulez regarder votre sujet et plisser vos yeux aussi près qu'ils peuvent obtenir tout en laissant entrer le plus petit éclat de lumière, vous voulez juste être en mesure de voir à peine le sujet. Une fois que vous avez fait cela, vous pouvez travailler soit sur un morceau de papier rebut, soit sur votre carnet de croquis, ou vraiment peu importe ce que la surface est pour cela, parce que c'est juste une petite étude rapide. Mais une fois que vous voyez que vous pouvez utiliser n'importe quel morceau de papier rebut et votre crayon en graphite ou un stylo à charbon de bois, tout ce que vous voulez utiliser pour marquer rapidement où vous voyez les zones sombres les plus sombres de la pièce. Encore une fois, avec le plissage, vous essayez vraiment de ne pas vous concentrer du tout sur les détails. Ne vous inquiétez même pas trop de la proportion. Tu essayes juste de descendre ces zones sombres et de mettre ça sur ton papier. Une fois que vous aurez votre meilleure idée et que vous l'aurez posée, vous allez ouvrir les yeux et vous allez regarder à nouveau votre sujet et ce que vous venez de poser et vous voulez comparer les deux et voir comment proche de la réalité est ce que je viens de mettre sur mon papier. Si vous avez posé les sombres les plus sombres, vous voulez alors peut-être plisser , en regardant les deux à nouveau, fois votre croquis et le sujet et comparer les zones sombres et vous demander  : « Est-ce l'obscurité que j'ai couché plus sombre ou plus léger que la zone sombre dans ma référence ? » Ensuite, allez-y et ajustez le cas échéant. Fondamentalement, ce que nous faisons c'est que nous travaillons dans ce cycle de look, en prenant notre meilleure estimation, en le posant, puis en le comparant à la référence et en ajustant le cas échéant. C' est le même motif que nous allons utiliser quand il s'agit d' identifier les autres aspects de la couleur. Donc vraiment intérioriser ce regard , trouver votre meilleure estimation, établir, comparer et ajuster, c'est le cycle fondamental pour identifier et créer des couleurs réalistes dans votre travail. Comme vous pouvez le voir, ma petite étude de valeur ici est encore très rude. Ça ne ressemble pas du tout au sujet. Tout ce que ça me dit, c'est où sont les sombres, et où sont les lumières les plus légères. Mais encore cet acte de le créer, cet acte de regarder et de venir avec ma meilleure supposition, énonçant ce que je pense avoir vu, puis en le comparant à l'image de référence et en l'ajustant si nécessaire, c'est toujours a été vraiment précieux parce que cela m'a donné une idée de l'endroit où se trouvent ces zones sombres et claires dans le sujet et cela m'a aussi donné un petit indice sur l'endroit où je vais potentiellement faire quelques erreurs quand je crée la pièce finale, parce que cela m'a donné un sens pour où j'ai eu tendance à voir des choses qui sont plus sombres que dans la vraie vie ou plus légères qu'elles ne le sont dans une vraie vie. Mais de toute façon, ça me donne un petit indice sur la façon dont mon cerveau veut voir ce sujet. Donc, comme vous pouvez le voir, ce cycle de look, de se coucher, comparer et d'ajuster est vraiment l'ingrédient clé ici pour apprendre à voir et à exécuter des couleurs réalistes. Parce que c'est si crucial, parce que c'est si fondamental, je veux faire une pause ici et présenter la première partie du projet de classe, qui est pour vous de sélectionner un sujet et de créer une série d'études de valeur. Ne passez pas plus de quelques minutes sur chacun d'eux. Ne soyez pas trop pris dans les détails. Tout ce que vous essayez de faire est de voir les zones sombres et claires et de comprendre où se trouvent les tons moyens. Alors si vous vous sentez à l'aise de partager ceux dans les projets de classe, bien sûr, s'il vous plaît faire. J' adore voir ce que vous publiez et partagez là-bas. 5. Apprendre à voir la teinte, la saturation et la température: Maintenant que nous avons une certaine compréhension des valeurs de notre sujet, et comment identifier ces valeurs, et les faire reposer sur le papier, nous allons accroître la complexité des concepts ici et parler de la façon de voir les autres aspects de la couleur ainsi. Si vous vous souvenez de la deuxième leçon ces autres aspects sont la teinte, la saturation et la température. Nous allons adopter une approche globale similaire à celle que nous venons d'avoir en apprenant à voir la valeur, et c'est essayer de ne pas être trop pris au départ dans les petits détails, les nuances, les petits changements de couleur et les petites zones de votre sujet. Nous allons suivre le même modèle de regard, allonger, comparer, ajuster. Une fois de plus, comme nous l'avons fait avec la section des valeurs, essayez de considérer votre sujet comme un objet tridimensionnel simplifié. Si comme moi, vous travaillez sur quelque chose comme une pomme, essayez de penser à la forme la plus simplifiée d'une pomme, qui est une sphère. Encore une fois, vous voudrez peut-être essayer de plisser vos yeux et de regarder votre sujet. Identifiez les zones sombres et claires les plans généraux de base de votre sujet pour vous aider à le considérer comme un objet tridimensionnel dans l'espace. Une fois que vous avez un bon sens pour ces grandes surfaces, les grands avions, les grandes zones sombres et les zones blanches, vous allez regarder votre sujet à nouveau pour essayer de voir les couleurs de ces grandes zones et d'évaluer les caractéristiques de la couleur dont nous avons parlé. Vous avez déjà une idée de l'obscurité ou de la légèreté de votre sujet, différentes zones de valeur de votre sujet qui indiquent sa forme, alors vous allez également vouloir essayer d'identifier la teinte. Choisissez d'abord l'une de ces grandes zones et essayez d'identifier la teinte de cette zone. C' est rouge ? C'est bleu. C' est violet ? C'est vert ? Une fois que vous avez un sens pour cela, pour la valeur et la teinte, vous voulez essayer d'avoir une idée de la saturation. Comme nous l'avons mentionné dans une leçon précédente, la meilleure façon de le faire est de comparer. Si vous regardez une zone et que vous pensez, c'est un rouge moyen, permettez-moi de la comparer à cette autre zone ici, qui est également un rouge moyen, cette zone est plus saturée ou moins saturée ou la même saturation ? Une fois que vous avez l'impression que vous avez un bon sens de la façon dont il est saturé par rapport aux autres couleurs du sujet, la dernière chose que vous voulez essayer d'évaluer est la température. Quelle est la chaleur ou la fraîcheur de cette zone ? Ça peut être quelque chose pour lequel tu as juste un sens. Qu' il se sent chaud ou qu'il se sent cool. Mais pour moi, personnellement, j'ai tendance à préférer l'approche comparative. Encore une fois, en regardant ce rouge moyen ici encore peut-être au départ mon instinct est qu'il se sent chaud parce qu'il est rouge, mais quand je regarde et je compare avec ces autres zones, je peux voir, en fait, c'est un peu plus cool, que c'est probablement un rouge plus frais que je regarde. Une fois que vous avez terminé la recherche, une fois que vous avez mentalement votre meilleure estimation, vous allez poser une couleur sur une nuance, puis comparer à côté de votre peinture, à côté de votre référence. C' est la principale raison pour laquelle j'ai conseillé de travailler de la vie ou d'une photo par opposition à une photo sur un écran. Parce qu'une photo sur un écran va émettre de la lumière, et je serai transparent avec vous tous, et dire que dans mon travail professionnel, je travaille presque toujours à partir de photos sur un écran. Je travaille à partir d'un iPad. Mais j'ai eu de nombreuses années de pratique et je sais comment compenser mentalement le fait que je vois une image rétro-éclairée. Mais si vous venez de commencer, il sera beaucoup plus facile de créer une couleur réaliste si vous travaillez de la vie ou à partir d'une image imprimée. Nous allons travailler à partir d'une image imprimée dans la démo, et vous pouvez voir comment cela fonctionne vraiment bien pour définir la couleur sur l'échantillon et la comparer à la référence. Quand il s'agit d'une photo imprimée, vous pouvez juste la mettre juste à côté la référence et vous serez en mesure de voir assez évidemment, c'est plus sombre qu'il ne devrait l'être. Ou c'est plus saturé qu'il ne devrait l'être. Ou c'est plus cool qu'il ne devrait l'être. Vous aurez immédiatement un bon sens en comparant la couleur que vous avez mélangée, la couleur que vous avez égarée avec votre sujet, avec votre image de référence. Alors que si vous faites cela sur un écran rétroéclairé comme votre téléphone ou un iPad, il sera beaucoup plus difficile de faire cette comparaison. On a regardé. On s'est couchés. Nous avons comparé la couleur que nous pensons avoir sur l'échantillon à la couleur qui se trouve réellement dans notre image de référence. Nous l'avons également comparé aux couleurs qui l'entourent en tenant compte de la valeur. Que ce soit plus sombre ou plus léger. La teinte. De quelle couleur c' est, est-ce plus vert ? C'est plus bluffant ? C'est plus rouge. C' est plus violette ? La saturation. Est-il plus intense ou moins intense ? La température. Est-il plus chaud ou plus frais ? Une fois que nous avons fait toute cette comparaison, nous nous ajustons. Encore une fois, la comparaison est l'ingrédient clé ici, tout comme elle l'était lorsque nous identifions la valeur. En tant que tel, ce processus est beaucoup un va-et-vient. Tu vas passer par tout ce cycle. Le regard, Coucher, comparer, ajuster plusieurs fois tout au long d'une peinture. Tu trouveras ce que tu penses que la couleur est. Tu vas le comparer mentalement. Ensuite, vous allez le poser sur votre substrat et comparer à nouveau à la référence juste pour voir si vous avez bien compris. Puis ajustez au besoin. Maintenant, en passant, c'est une raison pour laquelle il peut être si utile de travailler en couches et de commencer vraiment léger si vous le pouvez, parce que cela vous donne juste plus d'espace et plus de place pour continuer ce processus de préparation et ajustement pour vous assurer que vous obtenez la couleur exactement exactement comme il se doit. Vous me verrez aborder tout ce processus et vous verrez à quel point c'est cyclique, combien de fois je le fais encore, et encore, et encore dans la démo. Quand je fais la peinture de démonstration. Avec la pratique, vous ferez chacune de ces étapes plus rapidement et éventuellement même inconsciemment. C' est comme beaucoup, je suis sûr d'abord quand vous essayez d'imaginer, chaque fois que je prends une décision de couleur, je dois regarder pour comparer et ajuster. La triste réalité, la dure réalité, je ne veux pas être négative, mais la réalité est qu'il n'y a vraiment pas de raccourci, moyen facile de le faire. C' est une version de la façon dont on m'a enseigné à l'école. C' est comme ça que je fais encore aujourd'hui. Il peut y avoir quelques prodiges de couleur très chanceux là-bas dans le monde qui peut voir une couleur et sans avoir à sauter à travers l'un de ces cerceaux que la plupart d'entre nous ont à faire. Ils peuvent juste immédiatement identifier exactement quelle est la couleur, savoir scientifiquement comment faire correspondre et ensuite la poser sur leur toile tout de suite exactement comme il se doit. Ces gens existent, j'en suis sûr, mais ils sont très peu nombreux. La plupart des artistes professionnels font une version de exactement ce dont je parle, la recherche, la comparaison et l'ajustement. Si vous voulez apprendre à créer une couleur réaliste, vous devez vraiment embrasser ce processus et simplement comprendre qu' il deviendra plus facile et plus internalisé et se sentir plus naturel au fil du temps. Ensuite, nous allons plonger dans le mélange de couleurs et parler de la différence entre la couleur pigmentaire et les couleurs mélangées, comment mettre en place une palette, tous ces trucs amusants. 6. Pigment unique vs pigment pré-mélangé: Nous nous rapprochons de la démo pratique, où je vais créer un tableau du début à la fin, mais avant de plonger dans cela, nous devons aborder un dernier sujet, c'est-à-dire le mélange des couleurs. La première chose que nous devons décompresser un peu, c'est les médias pigmentaires, plutôt que les médias mixtes et mixtes. Selon le type de média que vous utilisez, les couleurs avec lesquelles vous travaillez peuvent être des pigments à source unique. Ils peuvent avoir un seul pigment en eux, ou ils peuvent être des mélanges qui sont fabriqués à partir de pigments multiples. Généralement, les peintures à tubes comme l'aquarelle , l' acrylique, les huiles ont des options de pigment unique et des options mélangées, tandis que les médiums comme le crayon de couleur , les marqueurs, certaines marques de gouache, certains types de pastels, aura vraiment seulement des options qui sont mélangées ou pré-mélangées. Ceux-là encore, sont des couleurs qui sont composées de plusieurs pigments différents déjà. Deux peintures comme je l'ai mentionné, ont aussi beaucoup de mélanges, mais ils ont généralement une très large gamme d'options de pigments purs, surtout si vous travaillez avec une marque professionnelle ou une marque haut de gamme. Cette question des pigments purs par rapport aux pigments mélangés est en fait assez complexe, et selon le coin d'Internet où vous vous trouvez, peut-être même un peu controversé. Beaucoup d'artistes se sentent très fortement que vous ne devriez utiliser que la couleur pigmentaire pure, car elle vous donne le plus de contrôle à certains égards plutôt que d'utiliser des médiums mélangés, mais personnellement je suis bien en utilisant les deux. J' utilise des couleurs pigmentaires pures et j'utilise des couleurs prémélangées. Je pense qu'ils peuvent tous les deux être utilisés magnifiquement pour créer des couleurs vraiment vibrantes et réalistes, tant que vous comprenez les différences entre eux, et quand et comment les utiliser. Une grande différence entre un média pigmentaire unique et un média mélangé est que si vous utilisez un média pigmentaire unique, vous pouvez commencer par est que si vous utilisez un média pigmentaire unique, une palette relativement petite, et vous allez faire tout votre propre mélange pour obtenir des correspondances de couleur à votre référence. Chaque couleur que vous voyez dans votre référence, vous allez devoir mélanger à la main pour obtenir exactement le bon. Inversement, si vous utilisez des couleurs prémélangées ou des couleurs mélangées, disons que si vous utilisez des crayons de couleur, comme j'aime le faire, vous voudrez essayer de minimiser le mélange. Vous voudrez essayer d'utiliser moins de couleurs différentes les unes sur les autres, afin d'éviter la boue. boue est un peu un terme subjectif, mais fondamentalement, cela signifie juste que la couleur semble terne, comme si elle avait perdu un sens de la vie, il n'y a pas de dynamisme à elle. boue peut se produire essentiellement lorsque vous avez trop de pigments différents mélangeant ensemble et superposant les uns sur les autres. Si vous utilisez un média pigmentaire unique, il peut parfois être plus facile pour certaines personnes d'éviter la boue, parce que vous utilisez juste moins de pigments différents, et vous savez toujours exactement ce qu'il y a dans le mélange de couleurs que vous avez fait. Attendu que, si vous utilisez des supports mélangés comme des crayons de couleur ou des marqueurs, vous ne connaissez pas toujours les pigments exacts qui se trouvent dans ce mélange. Il peut donc être un peu plus facile de tomber accidentellement dans la création d'une couleur boueuse. Pour cette raison, c'est là que vous voulez être un peu plus prudent lorsque vous utilisez des couleurs prémélangées pour passer le temps d'essayer de faire correspondre avec précision la couleur mélangée à votre sujet, par rapport aux couleurs pigmentaires pures n'auront qu'un seul pigment en eux, sorte que vous avez un peu plus de flexibilité. Si vous vous demandez si les peintures que vous avez déjà, les fournitures que vous avez déjà, sont un seul pigment ou non. Si vous travaillez avec deux peintures, vous devriez pouvoir les retourner et voir une liste d'ingrédients presque à l'arrière du tube de peinture, qui vous indiquera quels pigments ont été utilisés pour créer cette couleur. Vous pouvez également, si elle n'apparaît pas sur le tube pour une raison quelconque ou si elle est difficile à voir, vous pouvez généralement trouver cette information sur le site Web du fabricant, en regardant la couleur spécifique, puis il vous dira quels pigments ont été utilisé pour faire cette couleur. 7. Construire une palette et les bases du mélange de couleurs: De quelles couleurs avez-vous besoin lorsque vous construisez une palette ? Pour les couleurs à base de pigments, vous aurez vraiment besoin de six couleurs essentielles. Vous aurez besoin d'un rouge chaud, d'un rouge frais, d'un bleu chaud, d'un bleu froid, d'un jaune chaud et d'un jaune froid. Pour la démo, j'utiliserai un jeu d'aquarelles de départ de Daniel Smith qui contient chacune de ces couleurs, et c'est vraiment tout ce dont j'ai besoin pour une palette de base pour l'aquarelle. Mais si vous travaillez avec de l'acrylique ou de l'huile, vous devriez également être sûr d'ajouter du blanc de titane au mélange. Bien sûr, si vous le souhaitez, vous pouvez également remplir votre palette avec d'autres options. Si vous voulez faire quelque chose en plus de ces six premières, je vais probablement atteindre un violet ou un vert viridien qui va juste rendre le mélange de certaines couleurs plus facile. Vous pouvez mélanger à peu près tout ce dont vous aurez besoin avec les six couleurs initiales, mais il peut être agréable de le remplir parfois avec un violet ou un viridien. À mon avis, le noir est toujours facultatif. Vous pouvez mélanger des couleurs vraiment intéressantes qui sont très proches du noir. Nous avons juste plus de vivacité que le noir pur sorti du tube ne le fait. Maintenant, de quelles couleurs avez-vous besoin si vous travaillez avec des couleurs prémélange ou des couleurs de base mixtes ? Si vous travaillez avec des couleurs de prémélange, qu'il s'agisse d'une couleur de tube, de crayons, de marqueurs, vous aurez probablement besoin d'une plus grande gamme de couleurs pour correspondre exactement à ce que vous voyez dans votre image de référence. Si vous travaillez avec des crayons de couleur comme je serai dans la démo, généralement, je pense que l'ensemble 72 est un bon endroit pour commencer. Je recommande Prismacolors comme option économique. Si vous cherchez une option de splurge, je recommande Luminance de Caran d'Ache. J' utilise ces deux lignes régulièrement, et les couleurs spécifiques vont dépendre en grande partie ce que vous dessinez et de votre style. Il y aura probablement des couleurs que vous utilisez très rapidement, et vous passez par tout le temps et les couleurs que vous n'utilisez pas très rapidement du tout, et trouvez que vous n'avez presque jamais à les remplacer. Pour cette raison, je trouve qu'il est particulièrement important lorsque vous travaillez avec des couleurs mélangées que vous choisissez des marques qui ont leurs couleurs disponibles stock ouvert. Stock ouvert signifie que vous pouvez acheter une seule couleur individuelle, donc juste un marqueur ou un crayon au besoin, plutôt que de racheter l'ensemble quand vous les 15 couleurs que vous utilisez tout le temps. C' est pourquoi je recommande Prismacolors comme option budgétaire. À ma connaissance, ce sont les crayons les plus abordables qui sont disponibles en stock ouvert. Comment configurer votre palette et mélanger les couleurs. moment, je vais parler de la configuration de la palette à base de pigments, puis je décompacterai et je parlerai de la mise en place d'une palette à base mixte quand je serai en fait dans la démo. Je le fais en direct dans la démo. Mais pour l'instant, nous allons commencer avec un pigment à base aquarelles Daniel Smith que j'utilise, et avec l'aquarelle, vous pouvez vraiment travailler sur n'importe quelle palette. Ça peut être une vieille assiette. Ça pourrait être un morceau de feuille d'étain. Ce pourrait être une palette en plastique avec des murs. Tout ce que vous voulez travailler, c'est bien. J' ai ce vieux plateau médical en émail que j'aime utiliser pour une palette chaque fois que je travaille avec des couleurs de tube. C' est ce que je vais utiliser pour l'installer. installant ma palette ici, vous verrez que je mets le bleu [inaudible], qui est à mon avis le bleu plus chaud, ultramarine française, qui est le bleu plus frais, le nouveau Cambodge, qui est la lumière jaune Hansa plus chaude, qui est le jaune plus frais, Pyrrol Scarlet, qui est le chaud ou rouge et la rose de quinacridone qui est le rouge plus frais. Si je travaillais avec des peintures à l'huile, je passerais un peu de temps à prémélanger autant de couleurs que possible puisque l'huile prend éternellement pour sécher, donc prémélange dans vos couleurs peut réellement être gain de temps et peut être un bon moyen de faire le processus de peinture plus facile. Mais avec des aquarelles et des acryliques vraiment, j'aime simplement les mélanger au fur et à mesure, les mélanger comme j'en ai besoin, plutôt que de les mélanger à l'avance. Je dois être sûr de laisser beaucoup d'espace entre chacune des couleurs de la palette. C' est pourquoi je l'ai mis en place de cette façon avec une bonne quantité de place. Maintenant que nous avons notre configuration en bouche, allons simplement couvrir quelques bonnes pratiques pour mélanger les couleurs. Le premier est celui que nous avons déjà mentionné, et c'est de vous laisser beaucoup de place entre les couleurs de votre palette. La seconde consiste à utiliser un couteau à palette propre ou une brosse propre lorsque vous attrapez de la peinture de la pile de couleur d'origine. Cela garantit que les couleurs source restent vraiment pures et vibrantes et que vous pouvez les mélanger avec d'autres couleurs facilement plus tard si vous en avez besoin. Le troisième point est que si vous travaillez avec de l'acrylique ou de l'huile, vous devriez vraiment utiliser un couteau à palette pour mélanger, pas votre brosse. Je vais aller de l'avant et juste être honnête avec vous parce que vous verrez comment je fais vraiment ça quand je serai dans la démo. J' avoue que je ne suis pas la meilleure à ces deux derniers points. J' ai tendance à utiliser ma brosse pour mélanger, et j'ai tendance parfois à retourner aux piles sources avec une brosse sale. J' aurais aimé avoir formé d'autres habitudes plus tôt, mais pour l'instant, je dois juste contourner certaines de ces mauvaises habitudes. Mais j'ai pensé que je pourrais mentionner les bonnes quand même au cas où vous commencerez et que vous vouliez essayer d'avoir de bons résultats. Parlons de quelques pointeurs de mélange. Première étape, comment saturer ou désaturé une couleur. Vraiment, la seule façon d'augmenter le niveau de saturation dans une couleur est d'ajouter plus de pigment saturé. Se souvenir que la saturation est l'intensité de la couleur, pas la légèreté. Pour rendre une couleur plus intense, vous avez vraiment une option, et c'est d'ajouter plus de la couleur pigmentaire pure, ou si vous travaillez avec des mélanges, choisir l'une des couleurs pré-mélangées qui est plus saturée et travailler cela dans. L' inverse à la couleur désaturée, vous pouvez soit ajouter du noir, ce que certaines personnes font. Mais je dirai, je recommande vraiment fortement d'ajouter du noir, ou vous pouvez ajouter de petites quantités d'une couleur complémentaire. La raison pour laquelle je préfère ajouter la couleur complémentaire ajout de noir est qu'il produit des couleurs qui ont plus de variété et qui sont plus intéressantes et ont moins de boue au lieu d'ajouter simplement du noir. Si vous pouvez imaginer travailler à travers une peinture entière, et chaque fois que vous voulez assombrir une couleur, vous ajoutez du noir, toutes les couleurs de votre peinture vont être simplement frappées d'une cheville en termes de leur dynamisme impureté. que, si vous désaturez en ajoutant des petits morceaux des différentes couleurs complémentaires, vert sera désaturé en ajoutant du rouge, et le violet serait désaturé en ajoutant du jaune, et le bleu sera désaturé par l'ajout d'orange. Les couleurs auront juste beaucoup plus de variété parce qu'ils sont fabriqués à partir de quelques deux couleurs différentes par opposition à seulement la couleur, puis chaque fois que vous devez désaturer l'ajout de noir. Essayez de passer un peu de temps à apprendre comment le faire si vous le pouvez, cela va vraiment payer en termes de vivacité et d'intérêt de votre couleur. C' est comment assombrir ou éclaircir la couleur. La même chose vaut pour assombrir une couleur. Vous pouvez utiliser du noir. Encore une fois, je recommande contre cela. Si vous voulez assombrir une couleur, vous allez briser à nouveau pour le complément de cette couleur. La couleur qui est directement en face de lui sur la roue de couleur, et l'utiliser en quantités variables. Si vous ajoutez juste un peu de celui-ci, il va juste se désaturer et s'assombrir légèrement. Mais si vous en ajoutez beaucoup, ça va vraiment assombrir cette couleur, finalement. Probablement arriver à même une nuance presque noire. Lorsque vous voulez éclaircir la couleur, si vous travaillez avec un support opaque comme de l'huile, de l'acrylique ou du pinceau, vous ajouterez du blanc. Si vous voulez éclaircir l'aquarelle, tout ce que vous ferez est d'ajouter plus d'eau et de vous assurer de poser une couche plus fine. Dernier point à entendre avant de courir à la démo, comment créer des mélanges chauds et cool. Pour créer un mélange chaud. Si vous mélangez une couleur, vous mélangez votre propre couleur, et vous voulez que ce soit une couleur chaude, utilisez deux couleurs chaudes différentes. Si vous essayez de mélanger une orange, vous avez le choix entre le rouge froid, le rouge chaud, le jaune froid et le jaune chaud. Si vous voulez mélanger un peu d'orange chaud, assurez-vous de choisir le rouge chaud et le jaune chaud. Alors que si vous voulez mélanger un orange plus frais, vous pouvez choisir le rouge froid et le jaune froid. Si vous voulez faire un peu plus neutre orange, vous pouvez faire l'un des rouges plus chauds et le jaune plus froid ou le rouge froid et le jaune plus chaud. Ensuite, nous allons enfin plonger dans la démo où je vais créer un tableau du début à la fin, et je vais vraiment décompresser comment et quand j'utilise toutes ces techniques différentes. Vous me verrez faire la correspondance des couleurs en temps réel, et je vais vraiment expliquer tout le processus, en cours de processus comme ça se passe. 8. Démo, partie 1: Donc, nous allons plonger dans la démo de l'aquarelle dans juste une seconde ici.. Avant de commencer l'action, je voulais juste mentionner que cette pièce a pris une heure et 45 minutes au total pour créer dans la vraie vie. Afin de garder ce lien approprié de taille de morsure de classe, j'en ai coupé certains. La plupart de ce qui a été coupé sont les pauses où je décide quoi faire et l'évaluation, puis, bien sûr, une partie de l'exécution de la couleur. Je montre toutes les couleurs qui sont mises vers le bas, mais disons que j'ai passé cinq minutes ou 10 minutes à travailler avec une couleur donnée dans la vraie vie, je l'ai peut-être coupé pour montrer seulement 10 ou 20 secondes de l'action. Vous verrez tous les choix de couleur que j'ai faits, mais certains du temps qui était vraiment nécessaire pour l'exécution ont été découpés. Je voulais juste faire une divulgation complète à ce sujet, vous dire combien de temps ce morceau a pris et ensuite je pense que la démo va durer environ 25 minutes. Allons-y et plongons directement dans. Commencer l'action ici j'ai mon croquis, j'ai mon image de référence, j'ai ma palette, mon papier buvard, et j'ai mis les couleurs sur la palette et je commence à mélanger. Vous pouvez voir la couleur que j'essaie de mélanger est mise en évidence avec le cercle turquoise juste au-dessus. C' est essentiellement le point culminant vraiment lumineux sur le dessus de la pomme. Je fais cette section d'abord parce que c'est la chose la plus légère de toute la pomme. Je veux m'assurer de descendre ça depuis l'aquarelle, vous devez travailler de la lumière à l'obscurité. Je vais pour une jolie mauve sourdine. J' ai commencé avec le bleu outremer, puis une partie de la quinacridone rose. Pour le désaturer un peu, j'ai ajouté juste un petit peu de la nouvelle gamboge, qui est le jaune plus chaud. Je le teste sur mon échantillon ici pour voir si j'ai la bonne couleur. Alors je vais aller de l'avant et le poser sur mon croquis. Je commence vraiment léger. J' ai besoin d'être plus sombre plus tard, mais je veux juste la garder légère pour commencer, car je ne peux pas vraiment revenir en arrière et le rendre plus léger si je fais trop sombre au départ. Je travaille à faire correspondre cette nouvelle zone mise en évidence ici. C' est à nouveau dans le cercle turquoise dans l'image de référence. Je veux un rose doux. Donc je commence juste avec un pyrrol écarlate vraiment arrosé. Réalisant que c'est un peu trop léger ce que j'ai initialement, donc je suis en train d'ajouter un peu plus et de vérifier à nouveau, et c'est beaucoup trop saturer et un peu trop chaud. Donc, je vais essayer de le refroidir avec un petit peu d'ultramarine, et j'ai aussi ajouté comme le petit peu de la lumière jaune hansa. Maintenant, cette couleur me semble plutôt bonne. Alors je vais aller de l'avant et le poser sur mon croquis. Encore une fois, je travaille assez léger. Je devrai probablement assombrir cela plus tard, mais je ne veux pas aller trop loin dans l'obscurité pour commencer, puisque je n'ai même pas établi les tons moyens. Je bloque partout où je vois cette couleur. Maintenant, je vais travailler sur le mélange de cette section verte que j'ai mise en évidence ici. Donc, je commence avec la lumière jaune hansa et j'ai ajouté dans un petit peu de bleu phthalo. À ce stade, c'est un peu trop saturé, donc j'ajoute un petit peu de pyrrol écarlate. rouge est le compliment du vert, donc ça va m'aider à abattre la saturation. Ça a l'air mieux, mais ça m'a l'air un peu trop chaud. Donc, je vais aller de l'avant et mélanger un nouveau vert qui est, commence avec deux couleurs fraîches différentes. Je vais faire la lumière jaune hansa qui est cool, et le bleu outremer qui est cool. Je vais vérifier et voir à quoi ça ressemble. On y va. Je pense que c'est le gagnant. Je vais aller de l'avant et l'allonger. Maintenant, je veux travailler sur cette couleur orange que j' ai mis en évidence ici à nouveau dans le cercle turquoise. Je commence par ce vert que j'ai mélangé tout à l'heure, qui était un peu trop chaud. J' ai ajouté un tout petit peu du nouveau bateau de gibier et puis le plus petit peu de l'écarlate pyrrol. J' essaie de bloquer à nouveau partout où je vois cette couleur, et je rebondis à ce vert plus frais maintenant pour m'allonger un peu autour de la tige de la pomme. Ça ressemble vraiment au vert cool pour moi. Puis il y a un tout petit peu là-haut, au sommet de la pomme. Maintenant, je vais passer à mélanger le rouge principal. Cette section ici que j'ai mis en évidence est le bit le plus saturé. Je teste juste l'écarlate pyrrol pur. air trop chaud pour moi, donc j'ajoute de la quinacridone rose. Je vérifie encore ça. Regarde un peu trop cool maintenant. Donc plus de l'écarlate pyrrol. Essayer d'aller très lentement ici, et ça ressemble à la bonne couleur pour moi. Je vais aller de l'avant et le poser sur le croquis. Tout cela va avoir besoin de beaucoup plus de nuance plus tard, mais pour l'instant j'essaie juste de bloquer dans la plupart des endroits où je vois cette couleur rouge plus saturée. Je me rends compte que je vais avoir besoin de plus de la même couleur, donc je mélange juste plus de l'écarlate pyrrol et la quinacridone rose et continue à travailler mon chemin à travers la pièce, posant partout où je vois cette couleur. Maintenant, je veux mélanger un peu plus de ce genre de couleur orange. Je commence avec mon pyrrol écarlate et un peu de nouveau gamboge, qui est juste trop saturé. Donc, je le renverse un petit peu avec juste une petite touche de bleu phthalo. Je vais vérifier, encore trop le saturer. Donc je vais prendre un peu plus de phthalo bleu. Je suis allé beaucoup trop avec le phthalo et j'ai fini avec une couleur bleu vert. Donc plutôt que de me battre, je vais juste recommencer dans une nouvelle pile, obtenir un peu plus de gamboge, peu plus de pyrrol écarlate, puis mélanger un peu de cette couleur qui avait trop de phthalo bleu dedans. Je vais juste aller et retours avec le pyrrol et le nouveau gamboge jusqu'à ce que j'arrive à la bonne chaleur. Je pense que je me rapproche ici, donc je vais vérifier à nouveau mon échantillon. Ça a l'air beaucoup mieux. Alors je vais aller de l'avant et commencer à poser ça. Ici, je veux développer une partie de l'ombre et les zones verdâtres. Donc, j'attrape un peu plus de la même couleur verte que j'ai développée plus tôt. J' en ai mélangé un peu plus. Encore une fois, c'est la lumière jaune hansa et l'ultramarine. Je m'entraîne à travers la zone plus ombragée, plus sombre, moins saturée de la partie verte de la pomme. Je rebondisse d'avant en arrière avec cette couleur de biscotte désaturée que j'ai faite aussi. Donc, en allant d'avant en arrière entre le vert et la biscotte, essayant d'obtenir les parties d'ombre de la pomme à la bonne valeur et à la bonne couleur, puis continuant à travailler sur les parties plus sombres de la pomme avec cette couleur de biscotte désaturée que j'ai faite. À ce stade, j'ai l'impression que j'ai besoin de plus de vert ombragé frais. Je mélange un peu plus de lumière jaune hansa et un peu d'outremer. Ça m'a l'air droit. Je vais aller de l'avant et poser ça et juste ramollir les bords ici et en ajouter une partie à la partie intérieure gauche de la tige puisque c'est aussi dans l'ombre. Maintenant, je prends à peu près juste un pyrrol écarlate pur, une version édulcorée d'un pur pyrrol écarlate, et je fais un lavage sur toutes les zones rougeâtres comme Apple. Je fais ça pour quelques raisons. abord, parce qu'il ne me semble pas assez saturé, je pense que j'ai besoin d'amplifier la saturation et d'approfondir un peu la valeur. Deuxièmement, parce que je veux faire plus d'un sentiment d'unité et en ce moment la couleur est vraiment inégale. Donc faire quelques lavages d'une seule couleur sur le dessus va vraiment m'aider à obtenir plus de ce sens unifié. Maintenant, j'attrape un peu plus de ma couleur de biscotte désaturée et je continue à travailler le long de la frontière entre les zones vertes et rouges. À ce stade, maintenant que j'ai obtenu tous ces tons moyens vers le bas, je peux voir que mon point culminant est trop léger. Je vais assombrir la partie des points forts là juste pour qu'elle ne se distingue pas tellement du reste de la pièce. Mélange un peu plus de ma couleur de biscotte ici. Je vais continuer à essayer de développer les zones sombres de cette pomme. Je suis allé très peu à peu avec les valeurs ici. Donc, les valeurs sombres arrivent en dernier lieu puisque c'est vraiment la meilleure façon que je préfère travailler avec l'aquarelle afin de m'assurer que vous obtenez les bonnes valeurs, en les construisant progressivement au fil du temps. À ce stade, je voulais être un peu plus cool, donc j'ai mis beaucoup de la quinacridone rose sur mon pinceau pour donner à cette ombre un sens plus cool. Comme nous l'avons mentionné dans les leçons de couleur, avoir quelque chose qui a une température plus fraîche peut vraiment aider vos ombres à lire comme des ombres. À ce stade, je veux essayer d'obtenir une bonne couleur pour la tige. Cette couleur que j'ai mélangée plus tôt quand j'essayais de faire l'orange, qui avait trop de taches dedans, est en fait juste pour la tige. Maintenant, je veux développer ce morceau ici où le point culminant rencontre le reste de la pomme. C' est un peu trop dur pour moi comment je l'ai en ce moment, donc je l'adoucit un peu. Maintenant, je vais aller de l'avant et travailler sur l'ombre portée. Je veux aller de l'avant et garder mon ombre belle et fraîche. Je vais travailler avec l'ultramarine, beaucoup d'ultramarine. Je le pose juste au même endroit où j'ai eu mon mix de points forts. Il y a déjà une petite partie de la quinacridone. Je mélange un peu plus de quinacridone rose et puis une fois de plus, abattant la saturation avec la lumière jaune hansa. C' est un peu plus cool que ce qui est dans l'image de référence. Mais je vais aller de l'avant et prendre cette décision pour mettre ce que je veux être là au lieu de ce qui est vraiment là puisque je veux garder mon ombre belle et fraîche. Il y a beaucoup de couleurs chaudes dans la pomme. Je pense qu'avoir un ton plus bleu à l'ombre va vraiment compléter cette couleur orange-rouge dans la pomme assez bien. Je suis juste en train de prendre une décision exécutive basée sur ce que je sais sur la théorie des couleurs pour aller de l'avant et pousser cette ombre vers l'extrémité plus fraîche. J' ai besoin de mélanger une version plus sombre de celui-ci pour la partie la plus sombre de l'image de référence. Donc je fais la même chose. C' est encore une fois la quinacridone rose, l' ultramarine, et comme je veux qu'il devienne encore plus sombre, je mélange plus de la lumière jaune hansa, et je vais juste poser ça dans la partie la plus sombre de l'ombre portée droite sous la pomme. Je me sens comme le rouge de la pomme, surtout dans ce point culminant plus doux sur le côté ici, a fini par devenir un peu trop chaud. Je mélange du pyrrol écarlate avec de la quinacridone rose. Je vais faire un lavage plus frais sur le dessus pour essayer d' obtenir la température là où je pense qu'elle doit être. Je peux déjà dire que je vais un peu lourd ici, donc je vais utiliser ma serviette en papier, juste m'en occuper un peu. Les couleurs me sent encore un peu trop chaud par rapport à la référence. Mais c'est quelque chose que je pourrai m'occuper plus tard avec un crayon de couleur. Je vais juste aller de l'avant et travailler dans un peu plus de cette ombre, couleur de repos, pour essayer d'obtenir les valeurs juste du côté ombre de la pomme. Encore une fois, ramollir les bords avec la brosse plus petite. essaie juste de vraiment m'assurer que j'ai toutes les zones qui ont cette couleur de biscotte exactement comme elles devraient l'être. La bonne couleur, la bonne valeur, travaillant dans un peu plus du vert foncé. Cela n'a pas besoin d'être parfait parce que je vais nuancer tous ces beaucoup avec un crayon de couleur. Mais plus je me fais maintenant, facile quand il sera temps de travailler avec un crayon de couleur. Je vais aller de l'avant et souffler ma pièce ici, puisque je travaille sur l'horloge et essaie d'être gentil et rapide, et ensuite nous allons passer au crayon de couleur. 9. Démo, partie 2: Donc, ici, nous allons sur la partie crayon de couleur de la pièce, la couche d'aquarelle est complètement sèche, donc je vais aller de l'avant et choisir ce que je pense que j'ai besoin pour ma palette de crayons de couleur. Comme je l'ai mentionné dans la leçon de couleur, lorsque vous travaillez avec des couleurs pré-mélangées ou pré-mélangées, vous voulez essayer de commencer avec la plus grande section, une plus grande palette de couleurs, ce qui, espérons-le, vous permettra de faire un correspondance précise avec moins de mélange. Donc, j'ai seulement commencé avec les six couleurs initiales pour l'aquarelle et vous pouvez voir que j'ai déjà beaucoup plus que cela pour les crayons de couleur. J' essaie de regarder la référence et de voir quelles couleurs sont dans la référence et quelles couleurs je pense que je vais avoir besoin pour être en mesure de les faire correspondre avec précision. J' ai donc quelques groupements principaux différents ici. J' ai des crèmes, jaunes clairs, des jaunes plus profonds et des jaunes plus brillants, des oranges différentes, des rouges plus chauds, des rouges froids, plus saturés, moins saturé, plus sombre, et j'ai aussi quelques verts différents. J' ai essentiellement essayé de regarder l'image de référence et d'avoir un sens, basé sur mon instinct, quelles couleurs je pense que je vais avoir besoin. Donc j'essaie juste de faire correspondre cette couleur ici que j'ai mis en évidence avec le cercle turquoise, donc je vais entrer avec le rouge pré-saturé puis le rouge moins saturé et je vais tester les deux dehors. Je vais aller de l'avant et faire correspondre quelques couleurs abord juste pour que je sache lesquelles je vais utiliser. Donc j'essaie d'obtenir cette couleur ici, cette couleur de rouille de l'ombre. Donc, je teste une orange plus fraîche désaturée, et puis je veux trouver la couleur pour ce lieu de transition entre la rouille et le vert. Au début, ça me semble un peu du côté orangé, mais j'ai l'impression que ça va être assez jaune. Donc je pense que ce sont les couleurs principales dont j'ai besoin pour les rouges et les jaunes. En fait, j'ai changé d'avis sur mon approche. Je pense que plutôt que d'entrer avec les rouges d'abord, je vais commencer à essayer de descendre certains de ces petits points minuscules qui sont à travers la surface de la pomme et je ne veux pas utiliser le blanc parce que le blanc serait un peu trop dur donc je vais dans une couleur crème douce. C' est un très beau crayon pointu que j'ai ici et je vais juste marquer certains de ces points blancs juste pour m'assurer que j'ai ceux vers le bas, ça rendra beaucoup plus facile de les inclure cette façon que si je devais les ajouter sur le dessus plus tard. Je vais passer à ma prochaine couleur la plus claire qui est le vrai jaune vif et je vais travailler sur certains des points de transition entre le vert et la rouille et essayer d'obtenir ce ton jaune vers le bas. Maintenant, je vais commencer à travailler sur certaines des zones rouillées de la pomme, la couleur rouillée, j'utilise cette orange plus fraîche, moins saturée et je travaille juste à travers partout où je vois cette couleur. Maintenant, je vais passer à certaines des zones plus vertes de la pomme en essayant de descendre cette section sur le côté de la pomme ici qui est dans le côté de l'ombre, mais il est en fait un peu plus léger, semble qu'il a un reflet de la surface revenir dessus, et puis je travaille dans cette orange plus chaude, plus saturée que tu m'as vu commencer le test au début sur la face inférieure de la pomme ici et je travaille juste en petits coups circulaires avec mon crayon. J' essaie d'obtenir une partie de la couleur de côté ici sentir qu'il doit être un peu plus sombre et peut-être même un peu plus chaud vert. J' ai donc atteint le zeste de citron vert de Prismacolor, qui est un peu plus sombre que le vert que j'utilisais et il fait assez chaud. Maintenant, en changeant les engrenages au rouge, j'ai ramassé, je pense, c'est rouge carmin. C' est un rouge très lumineux, très saturé, frais et rebondit maintenant à certaines des parties d'ombre. Ensuite, en entrant dans cette partie ici, le côté ombre à côté de la tige, il semble être plus d'un vrai vert, et puis c'est une couleur moins fraîche, peachy. Retour à ce rouge carmin. Puis ici, je vais travailler dans probablement le crayon de couleur le plus sombre que j'ai utilisé jusqu'à présent. C' est rouge toscane. Je veux juste obtenir cette valeur la partie sombre de cette pomme plus proche de l'endroit où elle doit être si rouge toscan va être la couleur parfaite pour m'aider à faire ça. C' est aussi un rouge foncé. Je crois que c'est Crimson Lake. Je pense que c'est le nom de la couleur, mais ce n'est pas aussi sombre que le rouge toscan mais ça va être génial pour une couleur de transition. À ce stade, je pense que je suis prêt à être un peu plus léger avec ce point culminant donc j'ai ramassé la pêche légère, qui dans la palette Prismacolor a beaucoup de blanc dedans. Donc, je vais juste vraiment subtil, vraiment doux sur certaines des zones plus légères de ce point culminant, je ne couvre pas tout le truc, j'essaie juste de faire les portions qui ont réellement lu comme plus lumineux et plus léger. Ensuite, je vais prendre une partie de la même couleur et travailler sur les bords de la surbrillance supérieure juste pour les adoucir un peu. Ils lisent toujours comme un peu trop dur, même si j'ai essayé de les adoucir avec l'aquarelle, donc crayon de couleur est un excellent moyen d'unifier une partie de la couleur là-bas et de s'assurer qu'il n'a pas un tel bord net contre naturel. De retour avec certains de ces rouges plus brillants ici en utilisant un rouge coquelicot juste ici, qui est juste un vrai rouge très brillant, vraiment saturé, chaud. Ensuite, ici, je vais redécrire certaines de ces portions plus légères que j'ai faites et en fait les adoucir un peu, donc je veux juste les poser d'abord, ils étaient juste vraiment nets, des points pointus. Ils ont été adoucis un peu d'avoir les autres couleurs, mis sur le dessus d'eux, mais si vous pouvez imaginer ces petites taches qui sont sur une pomme, ils ont généralement des bords doux donc je suis juste essayer de plume certains de ces bords un peu avec la couleur crème. Maintenant, pour la première fois, je viens ici avec du blanc pur. C' est juste le blanc Prismacolor. Encore une fois, vous pouvez voir que je ne vais pas passer en revue tout le point culminant avec elle. Comme nous avons parlé avec les lumières et les sombres étant vraiment judicieux et vraiment double vérifier si ce qui semble être un vrai blanc pur est en fait un vrai blanc pur parce qu'avoir certaines de ces nuances dans les parties les plus légères de votre sujet lui-même, ce sera ce qui le rend vraiment réaliste par opposition à si vous avez juste un gros bloc de blanc pur chaque fois que vous avez un point culminant. Encore une fois, un peu plus de coquelicot rouge. Maintenant, la transition vers un peu plus de développement sur le côté ombre de la pomme et plus particulièrement la zone verte. Juste en regardant la référence par rapport à ce que j'ai déjà sur ma pièce, je peux dire qu'il doit être à la fois plus sombre et plus frais. Donc je teste une couleur appelée vert céladon, qui est un vert de jade neutre cool. C' est le même que j'utilisais plus tôt, et ça va être une très bonne correspondance à la fois pour la teinte et la température et la valeur de cette section de la pomme. Encore une fois, revenez à cette zone sombre. Le plus sombre et le plus développé je reçois tout le reste, j'ai toujours l'impression que ce n'est pas assez sombre. Donc, je vais utiliser l'une des astuces dont nous avons parlé, encore une fois, dans les parties assis de la leçon et c'est d'assombrir la couleur avec ses compléments. Donc, je vais utiliser un vert foncé, qui vert, comme nous nous souvenons, est le complément du rouge. Maintenant, je dois développer cette partie ici, ce petit petit petit peu vert qui regarde dessus. Ensuite, revenez au côté vert foncé de la pomme juste pour essayer de rapprocher l'ombre de la valeur précise à ce stade pour l'aider à lire comme une ombre. Bon, un peu plus de développement sur les rouges ici et retour au jaune, retour à un peu d'orange, juste essayer d'obtenir la bonne température, la bonne saturation dans toutes les petites zones rouges. À ce stade de la pièce, nous avons vraiment développé et vraiment disposé tous les grands blocs de couleur alors ce que je fais ici quand je passe d'avant en arrière entre ces crayons de couleur est que je regarde juste les petites tranches de couleur. Je fais le même processus que nous avons fait, le regard, le coucher, comparer, ajuster, mais les sections que je regarde sont devenues de plus en plus petites. Donc, il a commencé par regarder les grands blocs de couleur et maintenant je regarde et compare ces petites zones de couleur pour essayer d' obtenir la nuance de ces couleurs exactement comme elles devraient l'être. Je continue juste à rebondir entre les différents rouges et oranges et verts en essayant d'obtenir ces petites zones de couleur nuancée exactement comme ils devraient l'être. Maintenant, je vais aller de l'avant et développer un peu l'ombre moulée, l'ombre portée, et encore une fois, je vais juste rebondir entre différentes couleurs ici dans de petites zones essayant de réduire la nuance. Je vais ramasser ce crayon de couleur crème à nouveau et essayer d'obtenir certaines de ces zones plus légères, ces petites stries qui sortent de autour de la tige de la pomme, essayer d'obtenir certains de ceux vers le bas. Encore une fois, je suis capable de travailler avec cette couleur plus claire sur les couleurs plus sombres parce que beaucoup de ce qui est ici est l'aquarelle. Donc quelque chose comme une crème va être vraiment agréable et opaque sur le dessus de la couche d' aquarelle par opposition à si j'avais fait toute cette pièce avec un crayon de couleur, je ne serais pas en mesure de couche tout à fait de la même manière. Plus de ces petits détails légers. À ce stade, je vais travailler un peu plus sur l'ombre, et dans l'ensemble, j'ai l'impression que l'ombre a une bonne quantité de rouge, donc je vais le refléter dans la peinture, mais quand il s'agit du reste de l'ombre portée, je suis toujours va faire ce que j'avais initialement prévu et essayer de le garder assez neutre, assez cool. Donc, j'utilise une combinaison d'un violet vraiment, vraiment gris clair, qui est une couleur assez cool. Donc, à ce stade, je vais juste rebondir d'avant en arrière assez rapidement entre différentes couleurs très claires et des couleurs très sombres. Je travaille essentiellement à obtenir ces lumières les plus claires et les plus sombres sombres vers le bas, adoucir plus les bords des petits points à travers la pomme, continuer à développer l'ombre, ce qui est en fait une valeur assez lumineuse, puis ajouter un peu d'un point culminant le long du bord de la tige et plus d'ombres sur la zone intérieure de la tige. J' utilise ce même processus de juste regarder comparer et essayer d'obtenir les bonnes valeurs, les bonnes teintes dans toutes ces petites zones. Je mets juste quelques touches de finition le long du bord ici. Je veux m'assurer que ce bord se lit vraiment comme une surface qui est courbée vers l'arrière, donc je dois m' assurer d'avoir une petite ombre qui court le long du bord là-bas et ensuite faire quelques touches de finition avec le blanc pur et la crème et je pense que je vais l'appeler un jour. Donc, comme je l'ai mentionné, beaucoup de mes autres pièces seraient plus de cinq ou six fois plus longues que ça, donc ce n'est pas totalement parfait, mais j'espère que vous pouvez avoir un bon sens pour ce processus et pour la façon dont je prends des décisions avec couleur tout au long d'une peinture. Si je travaillais sur un 10-20 notre peinture, je ferais juste plus du même processus. Donc, ce serait le même cycle, ce serait le regard, se coucher, comparer, ajuster. Il serait juste beaucoup, beaucoup plus de fois et j'aurais probablement plus de couches et peut-être même d'autres médias aussi bien comme la gouache ou le pastel. Donc c'est tout pour la démo. 10. Pièges courants: Ok, bienvenue. Donc c'était la démo. Espérons que cela a été vraiment utile et vous avez l'impression que vous avez une idée plus complète de ces différents aspects de la couleur et comment utiliser et voir la couleur dans votre image de référence dans votre peinture. Avant de terminer la classe, je voulais prendre un moment rapide pour simplement passer en revue certains des pièges communs pour les artistes débutants quand ils tentent de créer des couleurs réalistes. La réalité est que les débutants peuvent être plus sensibles à certaines de ces erreurs, mais il y a vraiment des choses que nous devons tous prendre soin d'être prudents et d'éviter afin de créer une couleur réaliste. Nous en avons parlé un peu dans d'autres leçons. Je veux juste le déballer un peu plus. Le premier piège est la tendance à faire une couleur trop sombre ou trop claire, donc n'obtenez pas la bonne valeur. C' est un défi pour les débutants et vraiment pour nous tous parce que voir la nuance dans la valeur, tout comme voir la nuance et la couleur est une compétence qui prend du temps à se développer. Beaucoup d'entre nous, lorsque nous commencerons à commencer, auront tendance à rendre automatiquement les zones qui semblent vraiment sombres, et les zones qui semblent claires presque blanches. Nous avons donc tendance à rendre la valeur trop extrême. En réalité, à moins que le sujet ne soit éclairé par une lumière artificielle très dure, la plupart des couleurs que nous voyons dans la plupart des sujets sont des tons moyens. Il y a donc ces vraies lumières et celles qui sont presque noires, mais la réalité est que la plupart des couleurs sont quelque part sur ce spectre moyen. Donc, juste avoir conscience que la tendance peut être d' aller trop loin dans les deux sens et d'ignorer le milieu peut vous aider à vous rappeler jeter un second coup d'oeil et, espérons-le, obtenir ces tons moyens avec précision. Une façon de vous aider à le faire aussi est d'essayer réserver les sombres et les lumières les plus claires jusqu'à la fin de votre peinture. Donc, même si tu penses, oui, cette zone ici, c'est presque noir. Essayez ou attendez que vous ayez certains des autres tons intermédiaires vers le bas avant de déposer les sombres les plus sombres. Si vous enregistrez cela jusqu'à la fin, cela peut vous forcer à voir plus de tons moyens et à vous assurer que vous les obtenez correctement. La prochaine chose à prendre en compte est une bonne chose, mais elle comporte des défis, et c'est que nous avons tous ces cerveaux incroyables qui se souviennent de beaucoup d'informations sur le monde qui nous entoure. Donc, l'une des choses que nos cerveaux font pour conserver toute cette information est de la simplifier. Donc, nous nous souvenons qu'un arbre est vert, l'océan est bleu, une pomme est rouge, une vache est noire et blanche, et nous avons ces images mentales que nous pouvons rappeler à l'esprit de ces choses. Nous marchons tout le temps avec la mémoire et la connaissance de la couleur que nous pensons que ces choses sont. Donc, quand vient le temps de peindre réellement cette chose, quand vient le temps de peindre réellement l'arbre ou la feuille, par exemple, nos souvenirs étonnants peuvent travailler contre nous parce qu'ils essaient de se souvenir de la version simplifiée et de nous faire penser c'est ce que nous disons dans la vraie vie. Donc nous avons peint une feuille et notre cerveau va penser, oui, les feuilles sont vertes. Donc, surtout pour les débutants, ce sera une tendance à rendre la feuille trop verte, presque comme une icône d'une feuille ou un dessin animé d'une feuille, par opposition à la réalité d'une feuille verte vraiment complexe qui oui, a vert et se lit comme vert, mais n'est probablement pas aussi saturé, a probablement beaucoup de rouge dedans aussi bien. Cela se connecte assez bien à la tendance suivante, le prochain piège, qui est aussi quelque chose que nous avons abordé et qui est la tendance pour les débutants à faire des couleurs trop saturées. C' est en partie à cause de nos souvenirs de choses qu'ils deviennent plus simplifiés et se transforment en forme d'icône d'eux par opposition à la forme réelle d'eux, mais aussi c'est juste parce que les couleurs saturées sont vraiment belles et elles sont attrayant et ils sont amusants à regarder. Donc, il y a un désir d'utiliser beaucoup de couleurs saturées quand peut-être ce n'est pas réellement dans le sujet réel de la référence. Encore une fois, je dirai la même chose que j'ai déjà dit quand j'ai mentionné cela ; il n'y a rien de mal à utiliser une couleur purement saturée. Si c'est le style que vous voulez opter, génial. Mais si vous essayez de créer un travail réaliste, souvenant simplement que la vraie saturation pure est très rare dans la vraie vie, surtout si vous peignez des objets naturels ; donc les fruits, les animaux, les plantes, les gens, il n'y a pas beaucoup de pur saturation dans le monde. La plupart des choses qui sont purement saturées sont des choses qui sont faites par l'homme. Donc juste avoir une prise de conscience de cela vous aidera, espérons-le, à le recomposer un peu et à sauvegarder ces moments de saturation pure pour quand ils apparaissent vraiment dans votre référence. L' extrémité opposée du spectre peut également être un défi pour les artistes débutants. C' est quelque chose que nous avons également abordé avec le mélange et c'est la boue. Donc, parfois, si nous essayons de développer une couleur nuancée, surtout pour utiliser des couleurs prémélangées ou prémélangées, la tendance peut être à faire un peu trop de mélanges différents, à utiliser trop de mélanges différents, et cela peut faire perdre à la couleur son éclat et avoir un peu un sens boueux. Donc, la chose de base à retenir ici est que si vous finissez par utiliser trop de pigments différents, c'est la situation où vous pouvez créer de la boue. Donc, si vous utilisez des couleurs pigmentaires pures, c'est un peu plus difficile d'avoir de la boue. Si vous utilisez des couleurs prémélange, c'est un peu plus facile. Donc, si vous utilisez ces couleurs de prémélange, essayez de faire correspondre directement une seule couleur plutôt que de superposer beaucoup de couleurs les unes sur les autres. Si vous utilisez les pigments purs, vous n'avez pas à vous inquiéter autant à ce sujet, mais gardez juste une trace du nombre de pigments différents, nombre de couleurs différentes que vous avez dans votre mélange. Le problème de ce point est que si vous travaillez sur le mélange d'une couleur, surtout si vous travaillez dans un médium commel' aquarelle ou un crayon de couleur et que la couleur devient trop boueuse surtout si vous travaillez dans un médium comme , il peut être difficile d'enregistrer cela. Si vous travaillez à l'huile ou à l'acrylique, vous pouvez juste attendre qu'elle sèche ou la gratte de votre toile et recommencer à zéro, mais une fois que la couleur à l'aquarelle devient boueuse, vous avez des options limitées. Vous pouvez être en mesure d'ajouter un crayon de couleur sur le dessus, crayon de couleur un peu opaque qui couvrira une partie de celui-ci. Comme je l'ai dit, quand nous avons parlé de boue pour la première fois, ne restez pas dans la crainte que cela se produise. À un moment donné, il le fera. Vous allez ruiner une peinture de couleur trop boueuse et vous en apprendrez. Donc juste avoir cette conscience de base de lorsque vous travaillez avec des mélanges, essayez d'utiliser moins et lorsque vous travaillez avec des pigments, vous n'avez pas à vous inquiéter autant. D' accord. Ensuite, nous allons terminer la classe et parler du projet de classe. 11. Conclusion et projet du cours: Bienvenue de retour. Nous sommes enfin arrivés à la dernière leçon. Maintenant, il est temps pour vous de prendre tout ce que vous avez appris et de rassembler toutes ces pièces et de les mettre en pratique dans le projet de classe. Nous avons déjà couvert la partie 1 du projet de classe, qui est une étude de valeur. Si vous ne l'avez pas encore fait, j'espère que vous prendrez le temps de créer quelques études de valeur basées sur votre référence. Pensez à ces petites études de valeur comme une petite note pour vous-même. Ils n'ont pas besoin d'être parfaits. Ils n'ont pas besoin d'être détaillés, même si vous ne passez que dix minutes à faire cela, cela vaudra bien votre temps. La deuxième partie du projet de classe consiste à créer une peinture en couleur finie en utilisant le support de votre choix. Évidemment, j'utilise de l'aquarelle et des crayons de couleur, mais vous pouvez vraiment utiliser n'importe quoi si vous voulez faire de l'acrylique ou pastel ou un marqueur ou un mélange de marqueur et autre chose, le mélange d'autres médias. Quoi que vous vouliez le faire, créez une peinture en couleur du début à la fin en utilisant la technique dont nous avons parlé dans toutes les autres leçons. En regardant, en posant la couleur, en comparant et en ajustant si nécessaire. Je répète ce processus encore et encore. Une fois que vous avez terminé, j'espère que vous prendrez le temps de partager votre travail terminé dans le projet de classe et surtout toutes les photos de travail en cours. Si vous avez des notes sur ce que vous apprenez ou ce que vous enlevez, cela vous sera particulièrement utile. J' aime toujours les projets de classe senior dans n'importe quelle classe, mais je pense qu'en raison de la nature subjective de la couleur, il est si utile pour nous de voir comment les autres le traitent et comment les autres s'y approchent. Si vous vous sentez à l'aise de partager votre projet de classe, j'espère vraiment que vous le ferez. Merci encore beaucoup d'avoir suivi ce cours. J' espère que cela a été utile. J' espère que vous vous sentez plus confiant en couleur et êtes prêt à plonger dans la création de vos propres peintures colorées réalistes.