Ombres et valeurs : utiliser le pouvoir de l'ombre et de la lumière pour créer des œuvres réalistes

1. Intro: Bonjour. Je m'appelle Kendyll Hillegas. Je suis un artiste professionnel et illustrateur commercial. Je travaille à plein temps dans cette industrie, créant du travail pour l'emballage, habillement, les jeux vidéo et des clients éditoriaux comme The Wall Street Journal et [inaudible]. J' aime aussi partager mon expérience de l'industrie en ligne à des endroits comme YouTube et Instagram, et bien sûr à travers des cours ici sur Skill share. Comme mon travail tend vers le réalisme, je reçois beaucoup de questions d'artistes débutants ou en herbe ou même d'artistes établis qui cherchent à mélanger un peu leur style, se demandant comment ils peuvent rendre leur propre travail plus réaliste . En réponse à ces questions, j'ai créé une série de cours d'art de niveau fondamental couvrant tout, des proportions à la valeur, en passant par la couleur. C' est la deuxième partie de cette série et dans cette série, nous allons parler des valeurs. Ce sont les lumières, les sombres, et l'ombrage, et comment ces choses créent un sentiment de forme, de dimension et de réalisme dans les œuvres d'art. La valeur ou l'ombrage est absolument cruciale pour rendre réaliste une œuvre d'art bidimensionnelle. En fait, vous pouvez avoir l'esquisse de ligne la plus précise et parfaitement exécutée qui a vraiment de la place sur des proportions réalistes, mais si l'ombrage n'est pas bien fait ou s'il n'y a pas d'ombrage du tout, ce sujet sera toujours avoir l'air plat et ne se sentira pas réel. C' est pourquoi, à mon avis, après les proportions et la perspective, avoir un bon sens de la valeur, des sombres et des lumières, et comment ceux-ci travaillent ensemble pour créer un sens de la forme et la dimensionnalité dans votre œuvre est vraiment le étape la plus cruciale, la compétence la plus cruciale pour être en mesure de créer des dessins et des peintures réalistes. Dans ce cours, nous allons parler de différentes techniques d'ombrage, nous allons parler de la façon dont les valeurs fonctionnent réellement dans le monde réel et apprendrons à reconnaître différents types d'ombres et comment ces ombres décrivent un sens de la forme. Ensuite, nous allons apprendre à utiliser la comparaison pour voir les sombres et les lumières dans nos sujets, que ce soit une image de référence ou dans la vie réelle. Ensuite, nous allons apprendre à traduire ces valeurs, traduire ces sombres, lumières et ombres sur notre œuvre d'art pour lui donner un sens de forme, de poids et de réalisme. Nous aurons une série de leçons assis où je décompacterai chacun de ces points à un niveau conceptuel. Ensuite, nous aurons une démo détaillée et parlerons à travers ou vous aurez à me voir ombrer un dessin du début à la fin, commençant par relativement plat, puis en construisant des dimensions à travers les sombres, les lumières, et les valeurs à mesure que je vais et bien sûr, expliquant chaque étape du processus pendant que je travaille à travers. Puisque nous allons nous concentrer entièrement sur les valeurs et l'ombrage dans cette classe, nous n'allons pas avoir le temps d'aborder certains de ces éléments les plus élémentaires de dessin des proportions et des compétences d'observation de base. Si vous ne vous sentez pas encore à l'aise avec ceux-ci, je suggère de revenir en arrière et de prendre la première partie de cette série en premier. Ce cours couvre les notions de proportion et d'observation de base. Il sera lié dans la description de la classe. Vous pouvez également le trouver sur ma page de partage de compétences, mais si vous vous sentez à l'aise avec la proportion et que vous cherchez juste à vraiment comprendre les sombres et les lumières et comment voir les sombres et les lumières, alors cette classe est absolument pour vous. Vous aurez besoin d'un croquis de ligne de base pour commencer. C' est celui à partir duquel je vais travailler. Je l'ai créé spécifiquement pour cette classe. C' est sur ça que tu vas me voir travailler dans la démo. Si vous êtes un artiste débutant ou aspirant ou peut-être quelqu'un qui a eu un peu d'expérience mais qui n'a pas vraiment travaillé dans le réalisme, j'espère que vous vous joindrez à moi dans cette classe car nous nous appuyons vraiment sur bases que nous avons posées dans la partie 1 de cette série. Avec des proportions et apprendre à prendre notre travail d'un cran comment augmenter le sens du réalisme à travers les sombres et les lumières, à travers une bonne compréhension des valeurs, de l' ombrage et de la forme. J' ai hâte de commencer avec toi et de te voir en classe. 2. Qu'est-ce que la valeur ?: Bienvenue de retour. Nous allons avoir une brève discussion sur la valeur, sur ce qu'elle est, comment elle fonctionne et comment vous pouvez apprendre à la voir dans votre sujet. Alors première étape, qu'est-ce que la valeur ? Très fondamentalement, la valeur est l'obscurité ou la légèreté d'une couleur. Les couleurs plus foncées sont plus proches du noir sur l'échelle de gris et les couleurs plus claires sont plus proches du blanc sur l'échelle de gris. Comme vous m'avez entendu dire dans l'introduction, après une solide compréhension des proportions et perceptive, à mon avis, valeur est vraiment l'élément le plus crucial pour être en mesure de créer un sens du réalisme dans votre travail, il devrait donc être vraiment bien compris et soigneusement pratiqué avant de passer à quelque chose comme la couleur. D' accord. Alors, comment la valeur fonctionne-t-elle ? Que fait la valeur ? À une valeur de niveau très basique, les sombres et les lumières décrivent la forme du sujet. Donc, ils indiquent où sont les ombres, où sont les places médianes, et où les points les plus élevés sont dans votre sujet. Ils sont ce qui fait que quelque chose a l'air tridimensionnel et lui donne un sens du poids. Donc, nous pouvons voir que quelque chose comme une orange est une sphère plutôt qu'un cercle parce que nous pouvons voir où sont les points les plus élevés, où ils attrapent vraiment la lumière. On peut voir où sont les points du milieu. Ensuite, nous pouvons voir ces zones plus sombres courbées en dessous qui lui donnent ce sentiment de rondeur, de plénitude et d'ombre. valeurs plus sombres, les valeurs qui sont plus proches du noir sur l'échelle de gris ont tendance à s'effondrer et à rouler sous un sujet. Alors que les valeurs plus légères ont tendance à augmenter en quelque sorte et sortir de cet objet. Il est vraiment important de garder à l'esprit que la valeur est relative. Donc, juste regarder une valeur donnée par lui-même ne vous donne pas nécessairement l'image complète. Vous devez l'avoir en comparaison avec d'autres valeurs autour d'elle. Donc, une valeur n'est vraiment que la lumière sombre par rapport à une autre valeur. Un bon exemple de ce principe est ce curseur de valeur ici. On peut le voir passer de la lumière à l'obscurité. Ensuite, si vous regardez la rangée du bas, vous verrez une petite nuance au milieu de chacune de ces valeurs. Et cette nuance, croyez-la ou non, est exactement la même valeur tout au long du parcours. Mais quand vous le regardez au-dessus des carrés vraiment légers, au-dessus des carrés blancs ou ces valeurs vraiment, vraiment pâles, il se sent vraiment sombre.Alors que lorsque vous regardez sur le dessus de la super sombre, les valeurs qui sont plus proche du noir sur cette échelle, il a plus d'un sens léger et se sent comme un point culminant. Donc, cela illustre vraiment comment la valeur est relative et peut changer en fonction de ce qui l'entoure, quelles autres valeurs sont autour d'elle. Alors, comment voir de la valeur dans votre sujet ? Il est important d'en parler parce que beaucoup d'entre nous quand nous examinons un sujet, qu'il s'agisse d'un sujet réel ou d'une image de référence, ce sujet sera en couleur. Donc apprendre à voir de la valeur ne signifie pas seulement regarder une photo en noir et blanc et dire que cette partie est plus sombre que cette partie. C' est apprendre à voir réellement la valeur d'un sujet qui a encore de la couleur dedans. Donc, pour bien faire cela, il est utile de vous forcer à vous concentrer sur la séparation de la valeur de la couleur. Même s'ils sont vraiment liés et connectés. Une étape de base plus fondamentale est d'apprendre à voir d'abord où sont les sombres et les lumières. Donc, si vous regardez un sujet que ce soit une photo ou une vraie vie qui est en couleur la première chose que vous pouvez faire est de plisser vos yeux et vous voulez les plisser là où ils sont presque complètement proches. Là où vous laissez entrer la plus petite, la plus petite quantité de lumière que vous pouvez sans voir aucun des détails dans votre sujet. Vous serez toujours en mesure de voir la couleur, mais vous ne serez pas si distrait par les détails et la couleur ne sera pas si distrayant, ne sera pas si proéminente. Vraiment plisser vos yeux juste en regardant la plus petite ouverture qui va vous permettre de vous concentrer sur l'endroit où sont les sombres et les lumières. Alors, alors qu'ils font cela, essayez de regarder votre sujet et d'identifier où sont les sombres et les lumières les plus légères et de comparer énormément chacun d'eux à l'échelle de gris. Alors réfléchissez à comment si vous regardez une couleur foncée ; à quel point cela est-il proche du noir ? Est-il aussi sombre que le noir ou plus léger que le noir, puis vice versa avec les reflets. C' est près du blanc ? Est-ce un blanc pur ou un peu plus sombre que le blanc pur ? Essayez d'avoir un bon sens de l'endroit où ils tombent sur l'échelle de gris. Une fois que vous aurez les deux types de sondages identifier les sombres et les lumières vraiment claires, il sera plus facile de savoir où sont les valeurs moyennes. Ainsi, comme nous pouvons le voir à nouveau sur l'échelle de gris, nous avons du blanc pur à une extrémité et du noir pur à l'autre extrémité. Mais il y a toute une section de valeurs moyennes. Il peut parfois être plus difficile pour les gens d'identifier. C'est pourquoi je recommande d'essayer observer les sombres et les lumières les plus claires d' abord parce que cela va le rendre plus facile de voir ces tons moyens. Ce processus de recherche et de comparaison sera absolument essentiel pour créer un sens du réalisme dans votre travail, car c'est ce qui va nous permettre d'utiliser la valeur pour construire ce sens de la forme dans la dimension. 3. Fournitures et méthode: Il y a un nombre infini de façons de créer des ombrages et des dimensions dans votre travail en utilisant un nombre tout aussi infini de fournitures d'art, travaillant sur de nombreux types de surfaces différentes. Vous pouvez utiliser un crayon, vous pouvez utiliser l'aquarelle, et vous pouvez utiliser de l'encre, des marqueurs, vraiment n'importe quelle offre d'art que vous pouvez penser peut être utilisé pour créer des études de valeur et des croquis de valeur. Tout comme il y a beaucoup de combinaisons de médias différentes, il existe plusieurs façons d'aborder la valeur dans la création de lumières et de sombres dans votre travail. Par exemple, vous pouvez travailler de l'obscurité à la lumière, ou travailler de la lumière à l'obscurité, ou travailler du milieu à l'obscurité à la lumière ou du milieu à la lumière à l'obscurité. Certaines de ces approches fonctionnent mieux avec certaines combinaisons de médias. Ils sont juste un ajustement plus naturel. Mais en fait, celui que vous utilisez est surtout une question de préférence et vos objectifs finaux pour la pièce. Dans cette classe, nous allons rester super simple et travailler avec du graphite sur papier. Nous allons juste utiliser des crayons et des gommes, des fournitures d'art de base que la plupart des gens devraient avoir à la maison. Puisque nous les utilisons, nous allons aller de l'avant et travailler dans ma méthode préférée pour construire de la valeur, qui est du milieu à l'obscurité à la lumière. 4. Types de lumières et d'ombres: Il est important de comprendre qu'il existe différents types d'ombres et de reflets. Ils communiquent différentes choses sur la forme et la forme de votre sujet et la source de lumière à partir de laquelle vous travaillez. le plan fondamental, il y en a quatre. Deux types d'ombres différents et deux types de points forts différents. Il y a une ombre coulée et une ombre de forme, et la lumière réfléchie et un point culminant. Une ombre coulée est un type d'ombre qui est créé lorsque la source de lumière frappe votre sujet et laisse une ombre en dessous ou derrière lui. Une ombre de forme est une ombre qui tombe à travers le plan plus sombre ou le côté plus sombre de votre sujet, souvent en fonction de la force des sources de lumière et de la couleur de vos sujets, cette ombre sera plus d'un ton moyen, et il communique la courbe sous la forme du sujet. La lumière réfléchie ne sera pas nécessairement présente dans chaque sujet, mais elle l'est souvent, et c'est une zone de lumière plus douce. Ce n'est généralement pas aussi brillant que le point culminant. Cela indique souvent que la source lumineuse rebondit du sol sur lequel votre sujet est assis. C' est généralement de l'autre côté de l'endroit où votre point culminant est que partout où le point de lumière le plus fort, le point le plus lumineux de votre sujet, généralement la lumière réfléchie se trouve du côté opposé ou souvent le la lumière réfléchie est sur le côté opposé. Enfin, il y a des points forts, et les points forts sont la partie de votre sujet qui est le plus directement liée par votre source de lumière. Ils sont donc les plus légers, ils sont les plus proches du blanc sur l'échelle de valeur. Parfois, ils sont même blancs en fonction la couleur de votre sujet ou de la texture de votre sujet. Si vous avez un sujet vraiment brillant, ceux-ci auront souvent des reflets blancs clairs purs. Ce sont nos quatre types d'ombres et de points forts. ombres, formez des ombres, lumières réfléchies et des reflets. Ces quatre ombres et reflets peuvent avoir des caractéristiques très différentes en fonction de l'intensité de votre source lumineuse. Alors, comme votre source lumineuse est brillante, à quel point elle est proche de votre sujet, le type de surface sur laquelle le sujet est assis, la texture des sujets, la forme du sujet, toutes ces choses ont un impact sur les caractéristiques de ces faits saillants et ombres. Par exemple, quelque chose comme une ombre de formulaire quand il décrit une sphère va avoir généralement un bord assez doux. Alors que lorsqu'il décrit quelque chose qui a des bords plus durs comme un cube, il peut aussi avoir des bords plus durs. Cela étant dit, la douceur ou la dureté du bord peut indiquer à quel point la source lumineuse est proche ou éloignée. Si la lumière est beaucoup plus proche ou beaucoup plus forte, quelque chose comme la lumière naturelle du soleil à l'extérieur est une source de lumière très, très forte. Si souvent jeté des ombres qui sont en plein soleil auront un bord vraiment dur. Alors que si la lumière est plus douce comme si elle filtrait quelque chose, que soit des nuances de fenêtre ou des feuilles sur un arbre, la lumière plus douce produira un bord plus doux sur l'ombre. De plus, si votre sujet est plus éloigné de votre source lumineuse, cette ombre aura tendance à avoir un champ de dégradé plus graduel vers elle, mais ils sont vraiment doux. La même chose peut être vraie avec les faits saillants aussi. Si vous êtes sous une lumière directe ou une lumière très forte, ou si le sujet est brillant, vous aurez plus de chances d'avoir des reflets et d'avoir un véritable bord dur lumineux. Alors que si c'est une lumière plus diffuse, les lumières seront probablement plus douces. Juste avoir conscience du fait que la dureté ou la douceur que vous faites les bords de vos reflets et vos ombres va communiquer quelque chose sur votre sujet, il va communiquer quelque chose sur la forme de votre sujet. C' est quelque chose que vous devez faire attention lorsque vous exécutez votre ombrage. En ce qui concerne la façon dont vous faites l'ombrage lui-même, aspect de vos marques sur le papier, cela est aussi varié et diversifié que l'écriture manuscrite, sorte que personne ne peut vraiment vous dire ce qu'est votre écriture manuscrite. C' est quelque chose qui émerge au fil du temps. Vous pouvez trouver que vous gravitez vraiment vers une forme d'ombrage, une façon de poser vos marques, ou vous pouvez trouver que vous pouvez en faire quelques formes différentes et vous vous êtes senti à l'aise dans de multiples approches différentes. Mais si vous êtes tout nouveau dans ce domaine, si vous commencez tout juste à travailler sur l'ombrage, je recommande d'en essayer plusieurs et de voir lequel s'adapte bien. Vous pouvez également choisir d'effectuer différentes approches pour différentes œuvres d'art si vous souhaitez créer des effets différents. Le genre de cinq grandes familles, cinq approches différentes pour l'ombrage ou l'éclosion, qui sont des marques unidirectionnelles. L' une après l'autre, ressemble à un tas de petites lignes puis à des hachures croisées, qui sont des marques qui vont dans une direction, puis posées au-dessus de ces marques qui vont dans une autre direction, et il y a des ombres squiggly ou bouclés. Donc, sorte de marques qui ont un vrai sens organique, ça se sent vraiment dynamique, et ils ne sont pas nécessairement prévisibles de la même façon que l'éclosion et l'éclosion croisée ont tendance à suivre un modèle très prévisible ou ombrage squiggly ou bouclés peut se sentir un peu partout dans l'endroit et se sentir plus aléatoire. Ensuite, nous avons un ombrage doux ou mélangé, donc c'est là que vous pourriez essayer de rendre vos marques vraiment, vraiment minuscules, puis utiliser quelque chose comme votre doigt ou un papier piétiné pour les mélanger et adoucir les bords. Enfin, il y a des pointillés, qui sont essentiellement de petits petits points, beaucoup de petits points sur la surface de votre sujet. Habituellement, le pointillage est utilisé plus avec de l'encre qu'avec des crayons. Nous n'allons pas vraiment aborder cette technique dans la classe d'aujourd'hui, mais je voulais la mentionner quand même. y a vraiment pas de meilleure approche ou de meilleure façon d'ombrager. Vous pouvez utiliser une combinaison de plusieurs approches différentes ou juste une seule approche est vraiment juste à vous de décider. Donc, je vous encourage à utiliser cette classe comme un moment pour expérimenter. En fait, à ce stade, si vous vouliez faire quelque chose de vraiment simple, comme peut-être prendre une série de sphères ou formes très basiques et utiliser chacune de ces approches différentes pour ombrage pour les tester et voir ce que vous vous sentez à l' aise avant de passer à l'ombrage de votre dessin au trait. Ce serait une excellente occasion de le faire et vous pourriez, bien sûr, l'afficher dans les projets de classe. 5. Regarder, Poser, Comparer, Ajuster: Bienvenue de retour. Il s'agit de la dernière leçon conceptuelle avant de passer à la pièce de démonstration. C' est vraiment important parce que je veux parler de l'approche, l'approche globale que je vais utiliser tout au long de la création de cette démo. C' est aussi l'approche que j'utilise dans la vie quotidienne, dans ma vie professionnelle, car je crée du travail pour des clients commerciaux et pour des acheteurs privés d'art. C' est ainsi que je fais un travail réaliste. Vous avez peut-être aussi entendu m'en parler dans une autre classe, parfois je l'ai appelé le cycle LLDCA, qui signifie regarder, coucher, comparer, ajuster. Ce cycle, regardez, posez, comparez, ajustez, n' est qu'une approche pour regarder vos sujets, étudier ce que vous voyez et traduire les informations que vous y voyez sur votre œuvre pour la rendre réaliste. Donc, quand nous utilisons le, LLDCA pour les valeurs, pour travailler dans les sombres et les lumières.La première chose que vous allez faire, c' est que vous allez regarder votre sujet en plissant, comme nous l'avons mentionné dans une leçon précédente, essayez de obscurcir toutes les informations inutiles, les détails, la couleur, plisser dans vos yeux et juste regarder pour voir la valeur de votre sujet, les sombres et les lumières, et essayer de les évaluer mentalement comme nous avons parlé, comparant des valeurs plus sombres au noir pour voir à quel point elles sont vraiment sombres et des valeurs plus claires au blanc pour vraiment comprendre à quel point elles sont brillantes. Ensuite, une fois que vous avez la meilleure idée de l'endroit où se trouve une valeur sur cette échelle de valeur, allez-y et possez-la sur votre papier. Ensuite, nous allons comparer ce que nous avons établi à la référence et peut-être à notre image mentale de l'échelle de valeur, ou même à une échelle de valeur que vous avez devant vous, si cela est utile et demander, est-ce que cette zone est plus sombre ou plus léger que la zone que je regardais dans mon sujet. Ensuite, si elle doit être ajustée, allez-y et ajustez-la au besoin, puis répétez le cycle à nouveau, soit avec la même zone de valeur, soit avec une autre zone de valeur. Comme nous l'avons dit, puisque la valeur est relative et n'a vraiment de sens que par rapport à d'autres valeurs. Plus vous obtenez de valeurs sur votre pièce, plus vous la développez, plus il sera facile d'exécuter ce processus de comparaison et de comparer les valeurs qui se trouvent dans votre illustration aux relations de valeur que que vous voyez dans votre pièce. Donc, tout cela aura beaucoup plus de sens quand vous voyez réellement cela se produire en temps réel quand vous me voyez exécuter ce processus LLDCA que j'ajoute les valeurs et crée un sens de la forme dans ma pièce. C' est ce qu'on va faire dans la démo à venir. 6. Démo : Midtones Partie 1: Lorsque vous travaillez du milieu à de l'obscurité à la lumière, notre premier objectif est toujours de poser une grande bande de ton moyen. Pensez qu'il est juste comme une grande couverture de ton moyen qui va partout qui finira par être, a besoin de rencontrer des sombres à même vos sombres sombres. Pour ce faire, nous devons avoir une bonne idée initiale l'obscurité générale ou de la légèreté du ton moyen principal dans le sujet et je vais utiliser la méthode locale de comparaison down pour le faire. Je plissais les yeux, regarde mes sujets, essaie de voir les valeurs dans les plus grands domaines du sujet. Dans la plupart des sujets, il s'agit probablement de tons moyens, et il s'agit en effet de tons moyens ici dans ce sujet. Comme je l'ai fait, j'ai pris note des sombres et des lumières les plus claires d'abord pour m'orienter , puis j'essaie d'identifier et baser sur les tons moyens de ces sombres et les lumières. Une fois que j'ai ma meilleure idée, je vais donner une partie de cette valeur que je vise habituellement à être proche du ton médian que j'évalue, mais encore un peu plus léger, peut-être 60 ou 70 pour cent de l'obscurité ultime que, ce ton médian finira par être une fois que la pièce sera terminée. Dans ce cas, je commence avec un crayon assez dur. J' utilise un 2H et je vais de l'avant et je vais l'allonger un peu, puis le comparer à l'image de référence pour m'assurer que je ne deviens pas trop sombre trop tôt, et cela me semble plutôt bon. Je vais juste me déplacer sur toute la surface est un morceau partout qui, je pense, sera finalement cette ombre ou plus sombre. Je pose juste cette grande couverture médiane sur toute la pièce. C' est essentiellement comme une très longue phase de préparation. Ce sera la phase la plus longue, probablement tout au long de la pièce, moins que nous finissions par faire un peu de travail sur le fond. Alors que je commence avec ma passe initiale sur les tons moyens et que j'essaie d'aller très doux, peut-être le garder à 68 pour cent de ce que je pense qu'il va finalement devoir être plus tard. J' essaie juste de mettre plus une carte pour où je pense que les tons moyens seront presque de la même manière que lorsque vous essayez d'entendre les proportions toutes clouées, obtenir les choses au bon endroit, dans le droit se rapporte les unes aux autres. J' essaie juste de créer une petite carte de l'endroit où sont les tons moyens et à ce stade, les tons moyens vont effectivement couvrir partout où il y a un ton moyen et où il y a une ombre. Il y a peut-être des zones de ce ton médian qui vont devenir beaucoup plus sombres plus tard, mais je vais juste de l'avant et la pose comme une grande couverture médiane. Essayer également de garder les lumières les plus légères totalement intactes, car je peux toujours ajouter plus d'obscurité plus tard si elles doivent être assombries. Vous pouvez voir la façon dont je tiens mon crayon, je l'ai assez loin ici. Je le tiens vers le bas du crayon, ça vous empêche d'être trop concentré et d'appuyer trop fort. Je travaille juste mon chemin vraiment doucement à travers ces zones de ton moyen pour une version de l'ombrage squiggly. Mon intention d'être un peu plus proche de comme petits cercles presque surtout si j'essaie de rester très doux comme je le suis maintenant, ils ont tendance à avoir une circulaire regardé vers eux. Mais vous pourriez travailler dans la méthode que vous voulez et vous pourriez faire hacher, hacher, hacher, mais vous voulez obtenir ces ombres initiales établies, assurez-vous juste d'essayer de le garder vraiment doux à cette phase de début afin que vous ont beaucoup de flexibilité quand vient le temps d'ajouter vos ombres sombres et vos reflets lumineux. Si je vois une zone où j'ai mis du graphite que je ne devrais pas avoir, je vais juste aller de l'avant et ramasser avec ma gomme. Pas besoin d'attendre, juste corriger comme vous allez. Même si je suis juste à cette phase très précoce, cette phase de début d'obtenir tous les tons moyens établis. Je fais toujours attention à ce dont nous avons parlé avec différents types d' ombres et de points forts et comment certains d'entre eux auront des bords vraiment durs, comme ceux-ci ici, ont un bord assez dur, celui-ci a un assez hard edge juste ici. Mais alors cette ombre, qui est certainement juste une ombre de forme, a un bord beaucoup plus doux. C' est une ombre coulée, c'est une ombre coulée, c'est une ombre de forme, donc elle a un bord beaucoup plus doux, plus arrondi et c'est des graines dans la zone lumineuse beaucoup plus. Cette ombre sur laquelle je travaille ici est intéressante parce que c'est une ombre coulée, mais elle se connecte à une ombre de forme sur ce côté, ici je veux un bord plus dur, mais je veux que cela ait un bord plus doux. J' essaie de m'assurer d'inclure cela et, bien sûr, puisque nous essayons de créer une image réaliste ici en la dessinant, a un sens du réalisme. Il est important de continuer avec ce à quoi vous avez prêté attention lors de la création de votre croquis. Lors de la création de votre esquisse, vous étiez probablement très attentif à l'endroit où différentes lignes se croisaient, où différents plans se croisaient, où différents plans se croisaient,pour vous assurer que toutes ces proportions soient agréables et précises. Vous voulez continuer cela ici, puisque vous ne pensez plus à cela, nous ne pensons plus à notre sujet plutôt en termes de lignes. Nous y réfléchissons en termes de plans du sujet, sous la forme des sujets puisque nous essayons vraiment de créer un sentiment de dimensionnalité avec l'ombrage. Mais ce n'est pas parce que nous avons passé à l'ombrage que vous pouvez arrêter de prêter attention aux proportions. Les proportions sont importantes dans toute la pièce et c'est l'une des raisons pour lesquelles il est important d' avoir une bonne compréhension d'elles comme fondement. Faites attention à, où toutes ces ombres sont plutôt dans votre sujet. Ne commencez pas simplement à les poser bon gré, assurez-vous de prendre note de leur position par rapport aux autres éléments de votre dessin. Vous pouvez faire la même approche dont j'ai parlé dans la classe fondamentale pour les proportions et la classe de dessin observationnel. C' est la recherche et la mesure avec votre crayon si nécessaire, et toujours en utilisant le cycle d'ajustement de comparaison vers le bas pour le placement des ombres ainsi que pour la valeur des ombres. Au début, je laissais beaucoup de ce bol intacte, mais je pense que je veux vraiment que ce soit une valeur plus sombre que les lumières les plus légères de l'œuf. Dans le sujet, parce que cela est assis sur une surface grise, les zones qui apparaissent à travers le bol qui sont plus légers, plupart d'entre eux ne sont en fait pas blanc pur. Il y a peu de minuscules reflets blancs purs sur le bord du bol, mais la plupart de cela est plus léger. Les zones plus claires sont plus claires que les zones sombres évidemment, les zones lumineuses les plus claires dans le bol sont encore plus sombres que les zones les plus légères de l'œuf. C' est pourquoi j'ai changé de vitesse ici et essayé d'obtenir un peu d'un ton médian là-bas aussi. Puisque nous travaillons plus ou moins dans une seule valeur médiane de couverture ce moment, il est difficile de voir certaines de ces différences, mais nous les remarquerons beaucoup plus une fois que nous commencerons à poser peu vraiment sombre car, comme nous l'avons dit, les valeurs sont relatives. Chaque fois que nous parlons de valeurs et d'une utilisation efficace des valeurs, c'est vraiment parler relations de valeur et des relations entre ces sombres et les lumières et les tons moyens. La dernière zone que je veux obtenir un peu de ton médian est dans l'ombre de la fonte ici, bloquée là où je le veux et je vais juste poser une belle couverture solide de milieu, tout au long de ça. Il peut être tentant lorsque vous travaillez sur une très grande bande comme celle-ci de laisser votre rendu aller un peu, peut-être de faire des marques beaucoup plus grandes ou vraiment différentes pour sloppier que les marques que vous faisiez dans le reste de votre pièce. Si vous faites juste une valeur stable, si vous faites juste un petit croquis ici pour essayer de comprendre les lumières et les sombres sujet sévère, alors cette chose est vraiment pas grand-chose. Mais si vous voulez créer un beau dessin fini entièrement rendu, même s'il est seulement noir et blanc, je vous recommande de prendre le temps et le soin de rendre vos marques cohérentes tout au long. Ce qui donne au rendu de votre pièce sensation vraiment cohésive et l'aide également à paraître plus réaliste. Parce que si vous avez des marques vraiment audacieuses dans une zone, elles peuvent avoir tendance à attirer beaucoup d'attention sur elles-mêmes, ce qui n'est pas nécessairement une mauvaise chose, mais cela a tendance à détourner ce sens du réalisme. Si le réalisme et une pièce finie sont ce que vous visez, je vous recommande de créer vos marques de manière cohérente tout au long de la pièce. 7. Démo : Midtones Partie 2: Maintenant que j'ai une couche assez uniforme de ton moyen, une couverture de ton moyen posée partout où il y a des médiums ou des ombres, je travaille encore à nouveau à ce même crayon 2H et juste augmenter un peu la nuance, augmentant un peu d'obscurité dans certaines de ces régions, car il n'y a pas seulement un ton médian plat, il y a beaucoup de différence de valeur. Par exemple, si vous regardez cette zone ici dans la référence, c'est un peu plus sombre que le reste de l'ombre, et il y a même un peu de lumière réfléchie ici. peut qu'on finisse par enlever une partie de ce que j'ai établi, mais je veux juste commencer à différencier et indiquer certaines de ces zones plus complexes dans l'ombre. Ensuite, nous augmenterons encore plus cette différence en ajoutant une couleur plus foncée et en utilisant un crayon plus sombre et plus doux. Une partie de la raison pour laquelle je n'ai pas encore changé de crayons, je travaille toujours avec ce crayon 2H est que, je n'ai vraiment pas à m'inquiéter de devenir trop sombre puisque je sais que si j'utilise un crayon plus dur comme celui-ci, c'est Je vais seulement me laisser aller à un certain niveau de ténèbres. Même si je devais appuyer très fort et que j'appuie toujours assez doucement. À ce stade, je peux juste construire régulièrement des choses et ne pas avoir trop à m'inquiéter d'aller par-dessus bord. Il s'effacera encore relativement facilement à condition que vous utilisiez un beau papier plat, un papier qui était destiné au crayon. Ce papier n'est vraiment rien de fantaisie, c'est juste un papier de carnet de croquis recyclé. Je pense que c'est 60 livres, donc c'est assez léger. En fait, je suis devenu un peu trop sombre ici, j'utilise juste une gomme pétrie pour commencer stipple. Je le transmets à la surface. Vous pouvez peut-être entendre un peu ce son accrocheur quand il colle au papier. C' est une façon d'effacer partiellement, tirant une partie du pigment. Si je voulais devenir vraiment brillant, ce que je pourrais faire à la fin ici, je vais vraiment le frotter en quelques coups circulaires doux. Vous pouvez également utiliser une gomme ordinaire pour cela, comme une gomme en vinyle ou une gomme ordinaire. Mais ça ne marchera pas aussi bien pour l'embout doux et le ramassage partiel du pigment, le graphite, excusez-moi. Si vous avez une gomme pétrie, vous pouvez utiliser les deux techniques, vous pouvez utiliser le frottement et le caoutchouc circulaire. Tout ce temps, j'utilise juste le même processus qui regardent la pose, la comparaison, l'ajustement. C' est ainsi que je remarque certaines de ces erreurs que j'ai faites, rendant tout simplement trop sombre ou trop clair. Je vais juste aller de l'avant et je les répare pendant que j'avancerai. Dans quelques-unes de ces petites zones, comme des petits triangles où ils sont super sombres, j'appuie un peu plus fort encore, probablement, je ne sais pas 50 pour cent de ce que je pourrais appuyer en termes de force que je ont en fait dans ma main. Donc pousser plus fort à coup sûr, mais toujours pas aussi dur que je peux. Celles-ci deviendront encore plus sombres au fur et à mesure que nous développons des couches ultérieures. Encore une fois, je suis très attentif aux caractéristiques des ombres. Puisque celui-ci ici est une ombre coulée, cette partie ici, elle va avoir un bord plus dur, un bord plus clairement différencié. Cette partie ici est une ombre de forme, donc cela va avoir un bord plus doux et avoir l'impression qu'il y a plus d'un dégradé ou une courbe. Ici, comme j'ai ajouté plus de middark et augmenter l'intensité de la valeur ici, augmenter l'obscurité de la valeur. J' essaie aussi de garder ce bord tranchant à l'ombre, mais ici, je vais essayer d'amplifier la douceur. Ce bord est très pointu, ce bord est assez pointu mais pas aussi sombre que ce bord, et ce bord est beaucoup plus doux. Maintenant, cette étape où vous travaillez encore avec ce même crayon dur initial et se concentrant principalement sur les tons moyens et en essayant de développer les tons moyens, mais plus spécifiquement la nuance dans les tons moyens, de sorte que les midsombres. Cela pourrait être la phase la plus longue dans de nombreux cas parce que lorsque vous posez la première tranche initiale de tons moyens, vous pouvez aller assez vite, car vous n'avez pas besoin de prêter trop attention à l'endroit où les choses sont différenciées. Vous essayez juste d'obtenir une couverture globale de tons moyens assez précis. Mais dans cette situation, nous essayons d'identifier et de décrire toutes sortes de nuances, à la fois dans les formes des ombres, puis dans les valeurs, les différences dans les ombres. N' ayez pas peur de prendre votre temps à cette étape et d'y aller très soigneusement. Cela semblera vraiment long, mais une fois qu'il sera temps d'ajouter ces ombres les plus profondes et les plus sombres et de vraiment affiner les choses en termes de valeur, choses iront beaucoup plus vite si vous avez été vraiment précis à cette phase. Prenez votre temps à coller avec ce crayon initial, essayant de différencier et de décrire autant que vous le pouvez. Essayez de ne pas vous précipiter. Vous finirez probablement 70 pour cent de la pièce de cette façon. Ensuite, ce morceau restant avec le raffinage des sombres et l'ajout des ombres les plus profondes, va vraiment aller très vite quand vous aurez tout obtenu au bon endroit. Quelque chose qui est une caractéristique intéressante des ombres de forme, ce n'est pas toujours vrai. Mais la plupart du temps avec l'ombre de forme, vous aurez la zone plus foncée qui s'exécute dans une bande au bord de l'ombre ou près de celle-ci. Ensuite, il y a un peu de lumière réfléchie qui arrive à l'arrière de l'ombre. Parfois, avec des ombres de forme, la partie la plus sombre peut être au bord même. Mais plusieurs fois avec des ombres de forme, la partie la plus sombre est en fait en quelque sorte dans la partie supérieure de l'ombre près de l'endroit où elle rencontre la lumière. Assurez-vous donc de prêter une attention particulière à cela et à ce que vous voyez dans votre référence. Ne vous contentez pas d'exprimer ce que vous pensez être vrai dans votre esprit. Vous pouvez avoir une photo de, eh bien, si c'est une ombre, alors la partie la plus sombre sera en bas, là où elle se courbe en dessous. Mais ce n'est pas toujours le cas. Assurez-vous donc de prendre ces indices de votre référence, de la vie réelle et pas seulement de ce que vous avez dans votre mémoire visuelle. Un autre domaine surprenant en termes de lumière et d' ombre avec le sujet à partir duquel je travaille est ce petit triangle juste ici. Si je devais aller avec mon instinct, je dirais que ça devrait être plus sombre parce que c'est en dessous de ça. Mais en fait, juste la façon dont la lumière rebondit autour et reflétant ce petit triangle ici est plus léger que cette partie de l'œuf, qui est en fait sur le dessus. Un autre domaine où je dois juste être très prudent pour prêter une attention particulière à la référence et à ce qui se passe dans la réalité plutôt que ce que mon cerveau pense devrait se produire. Dans la première étape de ce processus, je me concentrais vraiment sur la pose de cette grande couverture médiane qui allait couvrir tout ce qui serait finalement un centre ville ou une ombre sombre. Mais à cette étape, j'essaie vraiment de me concentrer davantage sur la différenciation de certaines des différences subtiles dans les zones d'ombre. Donc, dans les tons moyens, il y a des zones qui sont plus sombres et il y a des zones qui sont plus légères. Ensuite, dans l'ombre, c'est la même chose, il y a des nuances qui indiquent où quelque chose est vraiment loin dans la pièce qui l'aide à lire est comme une vraie ombre qui est courbée sous qui a une ombre portée au-dessus de lui. Ensuite, il y a d'autres types d'ombres aussi, les ombres de forme, qui seront sombres mais pas tout à fait aussi sombres. À cette étape, j'essaie juste de commencer à décrire certaines de ces choses. Je dois donc prêter une attention beaucoup plus grande à leur référence à cette phase, est intéressant, que je ne l'ai fait à la première phase. Pendant cette phase, je vais aussi ajuster un peu plus, si j'ai l'impression d'avoir posé quelque chose qui fait trop sombre, je vais aller de l'avant et le remonter. Si quelque chose finit au mauvais endroit, je vais le remonter aussi. Je suis juste en train de parcourir ce cycle [inaudible] encore et encore, regardant la référence et en essayant de correspondre à ce que je vois dans la référence à ma peinture. 8. Démo : Midtones Partie 3: Une fois que j'ai obtenu un peu plus de zones sombres posées, je trouve souvent que mon ton moyen semble être obscurci et aussi. Comme nous avons parlé de la valeur est tout relatif et vous ne pouvez vraiment le voir avec précision que lorsqu'il est en comparaison avec d'autres valeurs. Il est logique que, comme les valeurs les plus sombres sont décrites, certains de ce que vous pensiez être un ton médian finissent être trop léger et vice versa peut être vrai aussi, mais généralement pour moi, je trouverais où les choses doivent être assombries. Je vais revoir une version modifiée du cycle [inaudible] une fois de plus, je vais regarder mes tons moyens et je vais les comparer aux ombres que je viens de poser, demandant s'ils sont trop sombres ou trop clairs ou simplement droite, et puis je vais passer par et ajuster si nécessaire. Lorsque vous faites cela, il est important de garder cette forme de votre sujet à l' esprit et de continuer à penser à votre sujet en tant qu'objet tridimensionnel dans l'espace. Pour ce faire, vous allez devoir tirer de certaines de ces compétences que vous avez de l'apprentissage des proportions et des perspectives, et ils accordent une attention particulière au placement de vos ombres, la forme de vos ombres, la caractéristiques de vos ombres. Qu' ils aient des bords durs ou des bords tranchants ou souples, et dans le cas du dessin sur lequel je travaille, il y a beaucoup de courbes, donc j'essaie vraiment de me concentrer, faisant suivre mes ombres avec les courbes naturelles et les contours de le sujet. Il s'agit d'une autre de ces ombres de forme qui a la zone plus foncée s'écoulant réellement près du bord de l'ombre où elle rencontre la lumière, plutôt que vers le bas au bord inférieur de l'ombre où elle se courbe en dessous. Une partie de la raison pour laquelle nous obtenons tant d'ombres avec ce sujet est que ce sujet lui-même est léger en valeur. Les œufs sont blancs, ce qui signifie qu'ils sont plus susceptibles de rebondir et de réfléchir la lumière, donc nous obtenons beaucoup d'ombres réfléchies. cadre de la raison pour laquelle j'ai choisi ce sujet est qu'ils sont un peu plus difficiles, excusez-moi, pas des ombres réfléchissantes, des lumières réfléchies. C' était une chose attrayante pour moi à propos de ce sujet fois parce que je pense qu'ils ont l'air intéressants et qu'ils sont amusants à capturer, mais ils sont aussi quelque peu contre-intuitifs, et vous obligent à faire attention et à observer de près. C' est une grande partie de ce qui rend un sens réaliste de la lumière, de l'obscurité et de la valeur. Comme j'assombrit cette valeur là, je peux voir que j'ai réellement besoin de moduler un peu et d'ajouter un peu d' ombrage ici pour que cette ombre se sente comme elle courbait et adoucisse le bord afin qu'elle ne finisse pas avec un bord dur. Parce que les valeurs sont relatives, vous devrez probablement en faire de plus en plus. Plus vous augmentez la différenciation de valeur dans la pièce, plus vous ajoutez sombre, plus vous verrez, je dois moduler cette ombre et augmenter le dégradé ici parce qu'il devient juste noir beaucoup moins visible plus sombre ombres que vous ajoutez. Je vais juste continuer à développer plus de nuance dans ces zones de ton moyen et essayer d' indiquer ce qui deviendra finalement une zone d'ombre plus tard. J' utilise toujours le crayon de 2h. Un crayon assez dur, et juste travailler mon chemin à travers tout le sujet, à travers toute la surface du séchage. Différencier, ajouter de la nuance, développer, et vraiment prendre mon temps à faire ça. Puisque c'est, comme je l'ai dit, l' une des phases les plus longues du projet, et je me contente de le laisser ainsi. Je pourrais aller de l'avant et accélérer un peu les choses ici. Soyez assurés que je ne fais rien de différent. Je continue juste avec le même crayon, la même technique, et j'ai parcouru tout le sujet. À ce stade, je vais faire une pause avec le crayon de 2h et passer à un crayon plus doux. Je vais commencer par un B, ce qui est un peu plus doux, et cela signifie qu'il est temps de passer à l'ombre. 9. Démo : Ombres Partie 1: Notre prochain objectif est donc de fixer certains des tons plus sombres, certaines des ombres vraiment sombres que nous voyons dans la référence à 80 à 90  % de leur obscurité, puis de réévaluer et d'ajuster les tons moyens si nécessaire. Donc, comme je l'ai mentionné, je passe à un crayon plus doux, ce qui va me permettre d'obtenir certaines de ces valeurs plus sombres qu'elles ne sont en ce moment, et je vise, pas finalement la plus sombre qu'elles vont être, mais environ 80 à 90 % de leur valeur. Donc je vais juste à cette phase aller droit pour les plus faciles à identifier. Donc je peux voir que c'est très sombre, c'est très sombre. Cette petite zone ici est très sombre. C' est très sombre, puis certaines de ces valeurs plus sombres dans le bol. Donc je vais essayer de faire tomber tout ça d' abord et ensuite nous réévaluerons nos tons moyens. Puisque ce crayon est tellement plus doux que ce que j'avais utilisé, je n'appuie pas plus fort. Je suis toujours à peine, à peine pressant probablement, eh bien, pas à peine, mais probablement 40%, 30 à 40% de combien je pourrais appuyer dur. Donc toujours assez doux et c'est l'avantage de passer à un crayon plus doux. Donc, même si j'avais appuyé vraiment, vraiment dur avec le 2H, j'aurais pu l'obtenir un peu plus sombre qu'il ne l'était ici, mais à un certain moment, il commence juste à rayer la surface du papier. C' est donc vraiment agréable d'avoir ces crayons plus doux où vous pouvez obtenir plus de graphite sans avoir à appuyer très fort. Si vous n'êtes pas familier avec le travail avec des crayons plus doux, vous remarquerez que vous devez les aiguiser beaucoup plus souvent. Sans surprise, puisque le graphite est plus doux, il perd son point plus facilement que le crayon dur. Je continue à utiliser la méthode d'ajustement de comparaison de regard vers le bas. Depuis que je vais chercher ces sombres sombres ici. Je les compare mentalement car je suis dans la phase d'apparence à manquer sur l'échelle de valeur puisque je sais qu'ils vont vraiment se rapprocher du noir. Ils ne vont pas finalement devenir noirs, mais je veux les obtenir 80 à 90 % du chemin là-bas, donc je les compare aux valeurs plus sombres sur l'échelle de gris dans mon esprit pendant que je prends les décisions sur la difficulté à appuyer, combien de graphite je veux poser. Certaines de ces ombres jetées sous les œufs ainsi que là où deux œufs se rencontrent sont en fait assez sombres, donc je vais utiliser le crayon B pour les assombrir un peu. Depuis que je suis passé au crayon plus doux, ça va devenir beaucoup plus facile de baver ce graphite, et je ne veux pas le faire. Alors je vais poser ma main sur un morceau de papier. Pendant que je travaille pour l'empêcher de tacher tout ce graphite. Juste continuer à travailler avec le crayon B ici, le crayon un peu plus doux, ajoutant plus de ces zones sombres, en particulier en se concentrant sur le bol à ce stade. Je peux aller de l'avant et accélérer un peu les choses, mais je continue simplement dans cette même technique en utilisant les mêmes matériaux. Donc si tu vois ça passer un peu plus vite, sachez que c'est ce que je fais. [ MUSIQUE] Il pourrait être tentant d'ignorer le développement de la valeur de cette ombre coulée ici et je ne vais probablement pas l' obtenir aussi sombre que dans la référence parce que dans la référence il y a un tissu gris foncé en arrière-plan et je n'inclue aucun de ce tissu donc, cela ne sera pas aussi sombre que dans la référence, mais il est toujours vraiment important de l'assombrir un peu puisque cela fait partie de ce qui nous aide à être capable de voir l'obscurité dans le sujet, le bol et les œufs. Donc, obtenir l'ombre projetée à son niveau relatif précis d' obscurité par rapport au reste de votre sujet est super important et la rendre réaliste. Une caractéristique intéressante de ces ombres puisque nous en parlons, c' est qu'au moins la partie que nous voyons, je suis sûr plus bas, comme hors du papier, comme hors du papier, elle commencerait à s'estomper vers une valeur plus légère, mais ici, il se comporte encore un peu de la façon opposée que l'on peut s'attendre à une ombre, où il est plus sombre ici qu'ici, dans ce domaine. C' est pourquoi j'ai commencé à ce bord et je suis en quelque sorte en train de travailler mon chemin parce que je veux capturer ce sens là où il est plus léger ici, car il y a de la lumière qui vient à travers le bol. Il s'agit d'un bol clair, puis plus sombre au fur et à mesure qu'il se dirige vers le bord. D' accord. Donc, je pense que j'ai obtenu les sombres les plus sombres couchés à environ 80 à 90 %, probablement plus près de 80 % de leur valeur ultime. Donc, à ce stade, je vais passer à travers et regarder et comparer, ajuster et modifier certains de ces tons moyens. Depuis que j'ai obtenu les sombres les plus sombres un peu plus sombres, maintenant il me rend plus facile de voir où j'ai besoin de certains des sombres moyens pour être un peu plus sombres. Donc, par exemple, ici, je pense ici probablement, peut-être même un peu ici, et certainement ici. Tous ceux qui ont besoin de se lever un peu dans l'obscurité. Donc, je vais continuer à utiliser le même crayon B, mais je pourrais en fait aller et en arrière avec le crayon 2H à nouveau, surtout si je dois m'assurer d'obtenir une sorte de zone douce, mais pas trop sombre. C' est un peu difficile à voir dans la référence, mais c'est une ombre jetée ici comme nous l'avons dit. Donc nous avons un avantage dur, mais c'est aussi une sorte de rencontre avec l'ombre de forme. Donc, si vous regardez le bord même de cet œuf, il est en fait un peu plus sombre que le reste de la zone de cette ombre, donc cela aide à indiquer qu'il est courbé vers l'arrière. Je veux m'assurer de décrire exactement cela ici. Alors j'y vais très soigneusement. Je tiens le crayon un peu plus loin, mais plus près du bord, en appuyant un peu plus fort. Je veux juste décrire la courbe de l'œuf. Une autre chose que je remarque alors que je continue à développer ces ombres est que dans la référence il y a une assez grande différence de température entre cet œuf qui est ici et cet œuf qui est là-haut. Cet œuf qui est sur le dessus est beaucoup plus frais. Cet œuf qui est en dessous est beaucoup plus chaud. Vous pouvez voir certaines de ces zones d'ombre en particulier presque un peu rose et si nous travaillions en couleur, nous serions certainement sûr de décrire cela, mais ce qui se passe ici, puisque je travaille juste en valeur est juste en noir et blanc. Cela finit, cette valeur chaude finit par me paraître un peu plus légère , même si c'est en fait aussi sombre que celui-ci sur le dessus. Donc j'ai juste remarqué que je faisais ça trop léger ici, surtout par rapport à ce qui se passe ici. Donc, et je remarque qu'en faisant la même méthode que nous avons faite, en plissant mes yeux, regardant la référence et je compare cette zone, cette zone sombre et cette zone sombre et une référence et quand j'ai mes yeux vraiment plissé assez fermé et je suis juste en train de regarder les valeurs. Toutes ces ombres, ces trois zones d'ombre ici qui sont sur cet œuf inférieur sont aussi sombres que les zones d'ombres qui sont sur cet œuf supérieur. J' ai donc besoin de les assombrir un peu. Il n'y aura pas vraiment de différence entre ces deux domaines puisque c'est noir et blanc. Comme je l'ai dit, si c'était de la couleur, nous serions sûrs de l'indiquer et vous verrez comme une belle sorte de lueur chaude ici. Donc, c'est quelque chose que nous perdons avec ce n'est qu'une valeur, un dessin de valeur, une esquisse de valeur par opposition à une pièce en quatre couleurs, mais il est encore plus important d'obtenir les valeurs précises afin de s'assurer que ces deux sont aussi sombres comme l'un l'autre. Donc je finis juste mon développement avec le crayon B. Va être prêt à passer au crayon plus doux et faire les ombres plus sombres assez bientôt ici. J' ai juste besoin de finir ce dernier petit peu de nuance et d'ombrage avec le crayon moyen doux. 10. Démo : Ombres Partie 2: Salut. Donc, pour la prochaine étape, nous allons essayer de fixer les sombres les plus sombres à 100 pour cent de leur valeur. Donc, je suis passé au crayon le plus doux que je vais utiliser, qui est un 6B. Je vais faire le même processus que celui que j'ai fait quand je les réduisais à 80-90 pour cent de leur valeur. Je vais d'abord chercher les zones les plus faciles. Donc, les zones où je peux voir le plus évidemment qu'il est vraiment, vraiment sombre ou très proche du noir sur l'échelle de gris et je vais effectivement tenir mon crayon, probablement le plus proche que je l'ai tenu à la fin et juste en utilisant soigneusement de petits traits minuscules, commencez à décrire certains de ces sombres les plus sombres. Je vais ramener dans le crayon B chaque fois que j'ai besoin d'adoucir un peu un bord ou une nuance pour créer une sensation de dégradé avec un crayon qui a un graphite très doux, comme le fait le 6B. Vous pouvez absolument le mélanger avec une souche de papier et aider à créer une partie du dégradé de cette façon. Je ne vais pas faire ça dans cette pièce. Je pense que je préférerais juste parce que je me mêle avec les crayons eux-mêmes. Mais c'est une option, surtout si vous travaillez sur une pièce qui a beaucoup plus de zones sombres et que nous allons revenir à LLDCA une fois de plus. Cette fois, je vais aller et retour entre regarder mon illustration, regarder mon dessin, et comparer les valeurs vraiment sombres, les zones que je connais devraient être vraiment sombres à certains de ces tons moyens plus sombres et alors je vais les comparer à ma référence. Donc, je ne compare pas seulement ce que j'ai posé à l'image de référence. Je compare les zones d'obscurité qui sont dans mon illustration qui sont dans mon dessin, les compare les unes aux autres, puis compare ces relations à l'image de référence. C' est vraiment important lorsque vous travaillez sur des valeurs. Ce n'est pas seulement une conversion de un à un. Vous convertissez également les relations que la proportionnalité, si vous voulez, de ces valeurs les unes aux autres. Une fois que j'ai une idée de certaines de ces nuances ou les zones les plus sombres sont, je vais établir cette valeur avec mon crayon logiciel en appuyant aussi fort que nécessaire pour l'obtenir à la bonne obscurité et puis je vais revenir en arrière et comparer ce que j'ai établi à la référence dans les autres valeurs autour d'elle dans le dessin. Bien sûr, je vais ajuster si nécessaire la foudre en effaçant ou assombrissant en ajoutant plus de crayon sur le dessus. Donc, à ce stade, je peux voir une fois que je commence à obtenir ces valeurs vraiment sombres dans le bol qui ont besoin d'être là. Toute cette autre zone et bol, ces tons moyens sont trop légers et ils rivalisent avec les lumières les plus légères qui sont ici dans les œufs. J' ai donc besoin de faire un peu d'assombrissement général dans le bol. Ceci est encore une fois, juste un excellent exemple de la façon dont voir la valeur est relative et vous pouvez vraiment seulement voir à quel point quelque chose est sombre quand il est comparé aux valeurs qui l'entourent. Maintenant que j'ai obtenu plus de ces vrais sombres vers le bas, je peux voir que j'ai un peu de construire une valeur dans le bol à faire pour cela reflète ce que je vois dans la référence et aussi juste pour avoir un sens seul dans son propre univers. Je peux en fait tirer en arrière dans le crayon 2H ici aussi. Il faut que je devienne plus sombre. Je veux faire attention à ne pas faire trop sombre. Quelque chose à garder à l'esprit est que vous ne pouvez pas obtenir un vrai noir foncé profond avec du graphite seul. Donc, si vous travaillez avec un crayon et que votre sujet appelle vraiment un vrai noir, vous pouvez essayer de superposer un autre type de médias seulement dans les zones vraiment sombres. Quelque chose comme le comté de cran ou le crayon de couleur noire peut bien fonctionner et vous pouvez revenir sur cette zone avec du graphite à mélanger. Puisque mon sujet est globalement assez léger, même s'il a un grand fond, j'ai décidé de ne pas faire de vraies zones noires et mes sombres sombres vont tous être décrits comme du graphite. Cette phase en tant que processus est généralement beaucoup plus rapide que les tons moyens et les noirs moyens puisque les sombres les plus sombres représentent généralement une partie relativement petite du sujet en termes de la quantité d'espace qu'ils occupent. La chose qui va prendre le plus de temps est vraiment de regarder en prenant beaucoup de soin et d' attention pour s'assurer que vous ne sursombrerez pas les zones qui n'en ont pas besoin, posez ce crayon noir le plus sombre où il ne devrait vraiment pas être posé. Parfois, surtout si vous avez fait beaucoup de retenue quand vous avez posé vos tons moyens, ça peut être vraiment tentant ou du moins c'est pour moi de sursombrer les choses juste parce que finalement avoir ça crayon plus doux sur votre main se sent juste si bien. On dirait que vous pouvez vraiment obtenir des choses belles et nettes et allonger beaucoup plus de détails. Mais parfois, si vous n'êtes pas prudent, cela finira par assombrir votre pièce, ce qui peut jeter tout le schéma de valeur. Je vais juste continuer ici en ajoutant les sombres les plus sombres avec le crayon 6B, puis en les modulant et en les mélangeant avec le crayon B. Comme vous pouvez le voir, je vais accélérer cela un peu juste depuis que cette phase du processus a pris un certain temps et je fais juste la même chose encore et encore, aller-retour entre ce crayon 6B et le crayon B. Je vais en fait passer maintenant à un crayon très dur à 6H car cela va me laisser aller super, super léger et je veux réellement moduler certaines de ces valeurs plus légères que j'ai ici comme un blanc pur. Mais plus je les regarde attentivement et surtout plus je les regarde plus sombres, plus j'obtiens ces valeurs vraiment sombres vers le bas. Je peux voir qu'il y a en fait un peu de gradation dans une zone comme celle-ci. Même si c'est surtout très léger, cette zone ici est le blanc pur. Tout cela est un peu plus doux. Donc je vais juste entrer avec un crayon très léger, toucher très léger tenant sur le côté pour essayer d'accumuler un peu de valeur là-bas. Donc, ce n'est pas un blanc pur si choquant en utilisant le crayon B une fois de plus pour assombrir cela. Espérons qu'avec tout cela d'avant en arrière, vous avez une idée de ce qu'est un acte d'équilibrage et comment toutes les valeurs se connectent vraiment les unes aux autres et s'appuient les unes sur les autres. Pour que l'on puisse lire avec précision, vous avez vraiment besoin d'eux pour être assez précis. Je vais accélérer ça une dernière fois ici. Je continue à rebondir entre quelques crayons différents dans les zones sombres. J' utilise ce 6B puis les crayons B pour ramollir et mélanger et puis quand vous me voyez travailler dans les zones plus légères, j'utilise le crayon 6H, qui est le crayon le plus dur. À cette phase, je travaille vraiment à obtenir tout exactement comme il se doit pour développer ces petits réglages dans la valeur. Ils vont faire en fin de compte vraiment lire et se sentir aussi réaliste. Juste ajouter quelques petites touches sombres ici à la zone d'ombre et ensuite nous allons passer à la phase suivante. 11. Démo : Ajustement des valeurs: À ce stade, je commence à avoir l'impression que les valeurs ne sont pas exactement lues comme je veux qu'elles lisent, en particulier dans certaines des zones plus légères des œufs. J' ai pris la décision de changer de vitesse. Ce n'était pas quelque chose que j'avais prévu au début. Mais comme vous pouvez le voir, je travaille sur le développement d'une partie du contexte. Je ne vais pas l'obtenir aussi sombre que dans l'image de référence. Mais je pense qu'il est important d'ajouter un peu d'une valeur plus foncée, juste un gris super doux à l'arrière-plan puisque cela va aider la lumière, les zones vraiment blanches dans mes oeufs lire comme une valeur plus brillante car ils sont en fait dans la vraie vie. J' utilise à nouveau ce crayon super dur, le crayon 6H, et je le tiens sur le côté, travaillant très légèrement en faisant mon petit genre de coups bouclés et squiggly en arrière-plan ici. Je suis juste en train de parcourir toute la surface du dessin. Cette partie va être vraiment fastidieuse. Encore une fois, cela peut sembler tentant de précipiter cela et de devenir un peu bâclé avec votre rendu et vos traits ici, c'est-à-dire, si vous décidez de rendre l'arrière-plan. C' est une zone sur laquelle beaucoup de gens se font trébucher en termes de rendu et de rendu différent en arrière-plan que dans le reste du dessin. Si vous décidez de développer l'arrière-plan, je vous encourage à prendre votre temps et juste lentement mais sûrement votre chemin à travers la surface de la pièce. Vous pouvez voir ici que je saute et travaille un peu sur les oeufs alors que j'ajoute cette valeur plus sombre à l'arrière-plan. Comme cela s'est produit tout au long de la pièce, ajouter une valeur plus sombre dans une zone rendra vraiment évident où vous avez encore besoin d'un développement ou peut-être de l'obscurité dans une autre zone. Depuis que j'ai ajouté ceci, je peux voir que certaines des zones claires de l'œuf ont encore besoin d'être peintes, donc je suis un peu de rebond entre l'arrière-plan et les œufs avec ce crayon 6H. À ce stade, j'ai décidé d'utiliser un petit crayon plus doux. Rien de fou. Je vais juste aller avec le 2H et je veux ajouter un léger gradient. Je veux avoir ce côté droit de la pièce, ou je suppose que la façon dont vous la regardez, ce serait sur le côté gauche, mais le côté ombre, le côté de la pièce qui est hors de la lumière, ou je suppose que la façon dont vous la regardez, ceserait sur le côté gauche, mais le côté ombre, le côté de la pièce qui est hors de la lumière, veulent que ce soit un peu plus sombre, juste un peu plus sombre. J' utilise deux crayons plus doux différents, le 2H et même le B ici. Avec le B, je vais tellement, donc, doux, si léger, je suis à peine pressé tout. Je le laisse glisser sur la surface du dessin, en essayant de créer ce dégradé. Un peu d'un sentiment de profondeur et d'obscurité dans le côté ombre de la pièce. Maintenant, peaufiner certaines de ces valeurs plus sombres qui sont dans le bol et sous le bol. Je pense que nous sommes enfin prêts à terminer avec cette phase de modulation, avec cette phase d'ajustement, et à passer aux points forts. 12. Démo : Points forts: Enfin, nous voulons affiner et nuancer certaines de nos zones plus légères. Nous utiliserons deux types de ressources différents pour ce faire, plus le crayon plus dur et plus léger que nous avons commencé avec, pour adoucir les bords. Cette fois avec LDCA, nous allons simplement faire l'inverse de ce que nous avons fait avec les plus sombres, nous allons plisser nos yeux et regarder ces valeurs de lumière. Cette fois, en essayant de voir s'il y a de petites zones de nuance dans cette super valeur de lumière elle-même. Astuce, ils sont presque définitivement le sont. La plupart des valeurs vraiment légères que vous voyez auront une certaine différenciation à l'intérieur de ces valeurs. Ce ne sera que des zones vraiment minuscules qui sont un vrai blanc pur. Une fois que j'ai une idée de certaines de ces nuances et où se trouvent les zones les plus légères, je vais utiliser ma gomme pour tirer une partie de la valeur plus légère si j'en ai besoin. Il y a quelques endroits où je suis devenu trop sombre que je ne vois pas. Espérons que si vous avez vraiment bien fait, et en gardant vos valeurs lumineuses non corrigées, vous n'aurez pas besoin de faire trop d'effacement. Selon la façon dont vous voulez qu'elle ressemble, vous pouvez soit tirer de beaucoup de médias, beaucoup de graphite en frottant votre gomme d'avant en arrière, ou si vous voulez en tirer un peu et vous travaillez avec un nécessaire ou gomme en caoutchouc, vous pouvez pointillé sur la surface, juste pour tirer un peu de graphite tout en laissant une partie de celui-ci posé. Ensuite, bien sûr, revenez en arrière et comparez-le à la référence et aux autres valeurs qui l'entourent. Ajustez-le au besoin en effaçant plus, ou en assombrissant en ajoutant un peu plus de ce crayon plus dur. Encore une fois, comme je l'ai fait avec les plus sombres sombres, je vais résister à la tentation d'éclaircir les zones qui n'en ont pas besoin. si nécessaire, je vais simplement sauter avec un crayon dur, soit 6H ou 2H, pour adoucir certains des bords pour ajouter des ingrédients qui pourraient avoir pleuré et obscurci par effacement, juste pour m'assurer que tout vient ensemble et est la bonne valeur, au bon endroit, ou pour faire une zone qui a vraiment un point culminant doux, délicat, un dur brillant faits saillants. Cela peut encore être difficile à faire si vous venez de commencer, mais vraiment essayer d'avoir une certaine retenue rendra la pièce beaucoup plus réaliste à la fin, car elle donnera une description précise de tous les différents types de zones lumineuses dans les zones sombres dont nous avons parlé. Donc c'est tout, c'est notre démo terminée. Je vous verrai dans la section suivante, où nous parlerons du projet de classe et de la fin du cours. 13. Projet de cours et synthèse: Bienvenue et félicitations pour avoir traversé toute cette classe. On finit la démo. Nous avons maintenant atteint ce que je considère comme la partie la plus amusante, qui est la partie où vous pouvez aller de l'avant et plonger dans. Pour prendre ces concepts que nous en avons parlé à un niveau théorique , puis exécuté dans la démo et vraiment essayer de les appliquer à votre propre pièce. Donc, en commençant par ce dessin proportionnel dont nous avons parlé, celui dont vous auriez besoin pour cette classe. Allez-y et ajoutez des sombres et des lumières. Vous pouvez utiliser un crayon si vous le voulez, comme nous l'avons fait dans cette classe, vous pouvez simplement suivre directement ce que j'ai fait dans la démo, ou si vous voulez vraiment le mélanger et essayer quelque chose de différent, vous pouvez utiliser pointillage et un stylo à pointes aiguisées ou crosshatching et des crayons Conte ou des marques squiggly et des charbons de bois. Vous pouvez vraiment faire n'importe quelle combinaison que vous voulez. Il suffit d'utiliser ce LLDCA de base, le regard, la pose, la comparaison, l' ajustement du cycle, pour évaluer les valeurs dans votre référence, dans votre sujet, puis de traduire ces valeurs dans votre illustration. Donc, surtout si vous décidez d'adopter un peu une approche différente, peut-être que vous voulez travailler de la lumière à l'obscurité ou à l'obscurité à la lumière, ou utiliser un média différent de celui que nous utilisons. S' il vous plaît prendre beaucoup de photos et partager ces photos dans la section des projets de classe. Il est super utile pour les autres lorsqu'ils apprennent à voir d'autres approches, voir comment les autres interprètent et exécutent les informations qu'ils apprennent en classe. Si vous vous sentez à l'aise de partager, je vous encourage vraiment à, Je fais de mon mieux pour regarder chaque projet et laisser des commentaires sur chaque projet. Et sur cette note, si vous voulez des commentaires constructifs honnêtes, veuillez l'indiquer dans les notes de ce que vous écrivez sur votre projet. Si vous voulez simplement partager votre travail, partager ce que vous avez fait et ne pas avoir de commentaires constructifs, c'est tout aussi bien. Mais si vous cherchez vraiment à développer et à améliorer vos compétences et que vous êtes ouvert à des commentaires constructifs. S' il vous plaît laissez-moi savoir afin que je puisse laisser le genre de commentaires qui seront vraiment les plus utiles pour vous. Enfin, j'aime partager le travail des étudiants sur mon Instagram, alors assurez-vous de me suivre. Je suis à KendyllHillegas sur Instagram. C' est le meilleur endroit pour me trouver. Jour après jour en partageant mon travail, partageant mon processus avec vous tous. Si vous publiez votre travail pour l'un de mes cours là-bas, s'il vous plaît étiquez-moi et utilisez le hashtag Skillshare avec Kendyll pour que je puisse trouver vos morceaux et ensuite les partager dans mes histoires insta. Alors, c'est tout. J'espère vraiment que ce cours vous a été utile. J' espère que vous avez appris quelque chose de nouveau. J' espère que vous vous sentez prêt et capable de prendre en charge le développement de la valeur dans vos propres œuvres d'art. Si vous êtes à la recherche de la prochaine classe pour prendre la prochaine classe de la série, c'est la classe numéro trois de ma série de fondations artistiques, et c'est la couleur et la création de couleurs réalistes dans votre travail. Vous pouvez trouver un lien vers ce cours aussi bien dans la description du cours ici ou sur ma page Skillshare, et j'espère vous y voir ou dans un autre cours bientôt. Merci encore, les gars. Au revoir.