Motif répétitif à l'aquarelle : créer des motifs pour l'impression sur demande dans Adobe Photoshop

1. C'est parti !: [MUSIQUE] Hé, là. Je m' appelle Cat Coquillette, et je suis ici pour vous apprendre à illustrer de magnifiques motifs sans couture. Les motifs sans couture sont le type de conception le plus important que vous souhaitez avoir dans votre portefeuille, si vous souhaitez réussir dans la conception de surface. Dans la classe d'aujourd'hui, vous apprendrez tout le processus, depuis l' esquisse de vos éléments jusqu'à leur remplissage. Numérisez ensuite vos illustrations, soit à l'aide d'un téléphone, soit d'un scanner, si vous en avez un. Vous apprendrez ensuite les étapes à suivre pour organiser vos illustrations en un motif professionnel et transparent. Nous allons également explorer des choses amusantes comme créer nouvelles palettes de couleurs et insuffler accents métalliques directement dans votre œuvre d'art. Si vous êtes déjà complètement débordé, écoutez-moi. Les motifs sans couture ne doivent pas être effrayants. En fait, Photoshop dispose d'un outil appelé Aperçu des motifs, qui facilite la création de motifs homogènes plus facilement que jamais auparavant. Tous les calculs et le placement parfait que nous devions faire sont désormais entièrement automatisés, grâce à cet outil simple. Si vous n'avez jamais exploré Photoshop auparavant, ne vous inquiétez pas. Il s'agit d'un cours adapté aux débutants. Je vais tout décomposer en morceaux faciles de la taille d'une bouchée. Vous n'allez pas vous perdre ou vous laisser derrière vous. Si vous ne possédez pas Photoshop, vous pouvez télécharger une version d'essai gratuite. J'ai fourni un lien vers cela dans la description de la classe ci-dessous. L'une des idées fausses les plus courantes est que pour vendre ou sous licence vos plans de surface, il doit s'agir d'un vecteur ou d'une œuvre créée dans Adobe Illustrator. Devinez quoi ? La grande majorité de mon portefeuille de design de surface n' est pas d'art vectoriel. C'est une œuvre d'art que j'ai peinte à la main à l'aquarelle. En fait, ma ligne de papier peint la plus récente qui vient d'être sélectionnée pour Target est un motif transparent issu, vous l' avez deviné, d'une de mes peintures à l'aquarelle. Pour être tout à fait honnête, c'était l'une de mes plus grandes motivations pour créer ce cours. Il est possible à 100 % de réussir dans la conception de surface à l'aide d'œuvres peintes à la main. Aujourd'hui, je veux vous montrer comment. En fait, je donne le coup d'envoi de ce cours en répondant aux questions les plus posées des étudiants concernant le design de surface et les licences artistiques. Je vais vous donner mes meilleurs conseils quand il s'agit de questions telles que puis-je vendre mon design via plusieurs sites Web ? Quelles sont les dimensions optimales pour les motifs ? Comment avez-vous obtenu votre premier accord de licence ? Comment un débutant peut-il se faire remarquer dans la conception de surface ? Essentiellement, je prends des années de connaissances de l'industrie et je les condense dans les choses les plus essentielles que vous devez savoir quand il s'agit de développer votre propre portefeuille de conceptions de surfaces. Il s'agit d'une classe globale, et vous allez acquérir toutes les compétences. Nous commencerons par élaborer un concept de ce que sera votre modèle. C'est là que je pivote dans mes meilleurs conseils pour créer des designs qui ont un fort potentiel de vente. Vous apprendrez ensuite comment esquisser votre idée sur papier. À partir de là, vous pouvez le remplir en utilisant des aquarelles comme je vais montrer ou tout autre support que vous préférez. Ensuite, vous apprendrez comment numériser ou photographier vos œuvres d'art afin de pouvoir apporter vos illustrations peintes à la main dans Photoshop pour les organiser en un motif parfait et transparent. Nous terminerons le cours par une démonstration sur la façon de télécharger vos illustrations sur des sites Web d' impression à la demande afin que vous puissiez commencer vendre vos créations dès que vous aurez terminé ce cours. J'ai vendu plus d'un million de produits grâce à des licences artistiques, et 100 000 d'entre eux étaient par l'intermédiaire de Society6. Je vais partager mes meilleurs conseils pour réussir sur des sites Web d' impression à la demande comme celui-ci. En fait, tout au long de ce cours, je vais partager mes stratégies pour créer des designs qui sont des vendeurs solides. Vous apprendrez pourquoi j' intègre toujours ma signature dans mes œuvres d'art, comment faire de même, et comment choisir des motifs qui ont tendance à se vendre très bien. Si cela résonne avec vous, vous allez adorer ce cours. Tout comme beaucoup de mes autres cours de Skillshare, je fais ça avec des tonnes de cadeaux. J'ai rassemblé 20 textures métalliques de feuilles et de paillettes dans un arc-en-ciel de couleurs. C'est plus métallique que je ne l'ai jamais partagé auparavant. Je vais vous montrer comment insuffler des accents métalliques votre œuvre pour ajouter de la brillance et de la brillance. Je vous donne également une texture de papier aquarelle préparée juste pour ce cours. Il s'intégrera parfaitement dans votre modèle. Il est temps de plonger directement. Mais avant de commencer, n'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton Suivre en haut. Cela signifie que vous recevrez un e-mail dès que je lancerai mon prochain cours ou que j'aurai une grosse annonce à partager avec mes élèves. Vous pouvez également me suivre sur Instagram @catcoq, et je parle d'engagements sur les réseaux sociaux. Sans plus tarder, commençons à créer de belles œuvres d'art pour se transformer en un motif homogène. [MUSIQUE] 2. Qet réponses : conception de surface: [MUSIQUE] Avant de commencer, je vais commencer par répondre aux six questions que je reçois le plus souvent lorsqu'il s'agit d' un design de surface et de motifs homogènes. Question 1, à quoi sert un schéma de répétition ? Les motifs sans soudure sont le type de motif de surface le plus polyvalent. Ce qui les rend si magiques, c'est que les blocs s' aligneront parfaitement, ce qui signifie que le motif peut être mis à l'échelle infiniment. C'est la clé pour créer des designs qui fonctionnent bien sur le papier peint, tissus, la literie, comme vous le nommez. Si vous êtes intéressé par la conception de surface, des motifs sans soudure sont indispensables. En prime, cela vous ouvre la porte pour commencer à télécharger vos créations pour imprimer des sites Web à la demande tels que Spoonflower, où vous pouvez commencer à gagner un revenu avec vos œuvres d'art. Question 2, raster contre vecteur. Très vite, si vous vous demandez quelle est la différence entre les images raster et les images vectorielles, je vous ai couvert. Raster signifie que l'illustration est composée de pixels. Lorsque je scanne ma peinture sur l'ordinateur et que je zoome, vous verrez que cette œuvre est composée de minuscules pixels. Si vous développez ce design et que vous l' explosez à des proportions énormes, vous verrez les pixels, ils deviennent flous. C'est pourquoi je scanne mes œuvres d'art dans des dimensions massivement grandes. En capturant mes peintures originales avec une très haute qualité avec mon scanner, je peux agrandir cette œuvre pour qu'elle soit énorme sans qu'elle ne devienne floue. Mais il y a une limite, et une fois que j'ai atteint cette limite, elle deviendra floue. Avec les illustrations vectorielles, ce n'est pas un problème. Quelle que soit la taille de votre illustration vectorielle, elle aura toujours la même apparence. En effet, les illustrations vectorielles sont composées de lignes, points, de courbes et de formes qui sont toutes basées sur des formules mathématiques. Lorsque vous dessinez des formes dans Adobe Illustrator, ces illustrations sont basées sur des vecteurs. Les illustrations vectorielles sont incroyablement polyvalentes car il n'y a aucune limite quant à la taille ou à la taille de vos illustrations. J'adore l'art de style vectoriel et je crée beaucoup d' illustrations vectorielles dans mon portfolio, mais j'adore aussi le sentiment d' une illustration peinte à la main. Je veux éclaircir un mythe que j'ai entendu maintes et maintes fois. Tout le monde pense que les modèles professionnels doivent être réalisés dans Adobe Illustrator et qu'ils doivent être vectoriels. Devinez quoi ? Quatre-vingt-dix-neuf pour cent de mes motifs ne sont pas vectorisés. Beaucoup d'entre eux sont éléments peints à la main que j'ai réalisés à l'aquarelle ou à l'acrylique, que je ne vectorise pas parce que j' adore les imperfections des œuvres d'art créées à la main, en particulier les coups de pinceau visibles, mélange dynamique de couleurs et des fleurs d'aquarelle, même des bords bancaux qui rendent œuvres créées à la main si charmantes. classe d'aujourd'hui se concentre sur les éléments rastérisés dessinés à la main. Vous pouvez suivre aquarelle comme je vais le montrer, ou vous pouvez importer illustrations que vous avez dessinées dans Procreate, ou simplement utiliser un marqueur et gribouiller certaines formes. Toutes ces méthodes fonctionneront pour la classe d'aujourd'hui. Question 3, puis-je vendre le même modèle par différentes entreprises ? Oui, et je fais ça tout le temps. J'ai la même œuvre d'art disponible via Spoonflower, Society6, Redbubble, et même les partenaires de licence en magasin que j'ai comme Urban Outfitters et ModCloth. Nous allons approfondir cette question plus tard dans ce cours lorsque je vous guiderai à travers un processus de téléchargement typique. Mais sachez cela pour l'instant, tant que le contrat prévoit qu'il s'agit d'un contrat de licence non exclusif, vous êtes prêt à partir. bref, certaines entreprises vous enverront un document juridique à réviser , parfois appelé accords d'artistes. D'autres entreprises, en particulier les sites d'impression à la demande tels que Society6, ont cela dans leurs conditions de service. Également appelés termes et conditions sur d'autres plateformes. Partout où le langage juridique est stocké, vous voulez le trouver, le lire et vous assurer qu'il n'est pas exclusif pour la façon dont vous accordez une licence à vos créations. Question 4, quoi de mieux, Photoshop ou Procreate ? J'utilise ces deux programmes et je les aime tous les deux pour des raisons différentes. Vous pouvez créer des motifs homogènes dans Photoshop et Procreate. J'ai même un autre cours de Skillshare qui vous apprend exactement comment en faire dans Procreate, mais en fin de compte, vous avez plus de flexibilité dans Photoshop. Dans Photoshop, il y a moins de restrictions quant la dimension de votre canevas ou au nombre de calques que vous utilisez. Procreate limite les deux, ce qui signifie qu'il est difficile travailler sur de grandes tailles de toile avec beaucoup de calques. Comme vous allez le découvrir dans cette classe, j'adore les toiles géantes. En parlant de restrictions de calques, je suis vraiment content que Photoshop ne soit pas strict à ce sujet, car lorsque nous commencerons explorer diverses palettes de couleurs, à explorer diverses palettes de couleurs, nous aurons beaucoup de calques. J'aime comment, dans Photoshop, nous pouvons conserver toutes nos explorations de couleurs dans un seul canevas. Cela facilite la tâche et facilite l'organisation. De plus, il est très facile de tester votre modèle dans Photoshop. Tout est automatisé pour nous, donc nous n'avons pas à empiler nos blocs manuellement, comme nous le faisons dans Procreate. Dans Photoshop, il est également très facile de régler la taille de votre motif en un seul clic l'aide de notre outil de remplissage de motifs. Tout cela étant dit, Procreate reste une option fabuleuse, surtout si vous n'avez pas Photoshop. Procreate est également une bonne option si vous souhaitez conserver l'intégralité de votre processus dans le même programme, de l'esquisse au final en passant par le motif, vous pouvez effectuer tout cela dans Procreate. J'utilise Procreate pour dessiner de nouvelles illustrations à partir de zéro. Je ne fais pas ça dans Photoshop car il m'est difficile de dessiner naturellement avec une souris. Mais avec Procreate, je peux tenir mon stylet comme un crayon et créer de belles illustrations dessinées à la main. Pour moi, c'est ainsi que je différencie les deux. Procreate est un excellent outil pour dessiner des œuvres d'art originales, Photoshop est un excellent outil pour polir vos œuvres et les transformer en motifs. Question 5, comment avez-vous obtenu votre premier accord de licence ? Ma première grande pause a été en fait Urban Outfitters. Je sais que j'ai commencé par un coup. Je vendais mes créations par l'intermédiaire Society6 depuis quelques années, et à ce moment-là, tous mes revenus provenaient de l'impression à la demande, sans accord de licence pour le moment. En fait, je faisais la queue sur le point de passer par la sécurité à LAX et mon téléphone a bourdonné. C'était un e-mail d'un acheteur d'Urban Outfitters et ils étaient intéressés par la licence de mon design Good Vibes. J'ai complètement paniqué dans le bon sens parce que c' était ma première grande pause. Ils ont trouvé mon design sur Society6, et mon compte Instagram était lié dans ma biographie. L'acheteur a traqué mon Instagram, trouvé Good Vibes, puis m'a directement contacté. C'est l'une de ces raisons pour lesquelles une présence sur sites d'impression à la demande est si stratégique. Il ne s'agit pas toujours de ventes, il s'agit parfois de s'exposer et d'avoir un endroit où les gens peuvent vous trouver, contacter et peut-être conclure une nouvelle affaire. Je vais approfondir celle-ci plus tard lorsque nous arriverons à la section de téléchargement de ce cours. Enfin, la question 6, comment faire remarquer votre œuvre d'art ? Chaque artiste a sa propre histoire pour sa première grande pause, et je viens de partager la mienne. Mais voici mes meilleurs conseils pour tous ceux qui veulent se faire remarquer dans l'industrie du design de surface aujourd'hui. Il est important de disposer d'un corpus de travail solide et commercial. Ce que je veux dire par là, c'est deux choses. Premièrement, vous ajoutez activement nouveaux designs à votre portfolio, même si ce portfolio est simplement votre page Instagram. La première partie est facile. Soyez artiste et créez de nouveaux designs. Nous avons adoré cette partie. La deuxième partie est accompagnée d'un peu plus de stratégie. Vous voulez créer des designs qui se vendent bien, n'est-ce pas tous ? Ce qui a fonctionné le mieux pour moi personnellement c'est de garder un œil sur les tendances et créer de nouvelles œuvres d'art qui déterminent ce qui est populaire ou qui sera bientôt le cas. Je passe beaucoup de temps à parcourir des sites Web qui résonnent auprès de mon propre public pour voir ce qu'ils vendent. Si l'anthropologie a une tonne d'empreintes animales cette saison, il y a des chances que l' impression animale soit à la mode, et si les clients de l'anthropologie l'achètent, il fortes chances que les miennes le soient également. Nous avons un public très similaire. J'insuffle toujours ma propre voix artistique unique dans mes créations. Je ne copie pas les tendances, je m' inspire simplement pour les motifs. Enfin, si vous voulez réussir en tant que concepteur de surface, mon meilleur conseil est de commencer avant d'être prêt. Beaucoup d'étudiants m' qu'ils attendent d' avoir X pièces dans leur portefeuille avant de leur portefeuille avant commencer leur boutique Spoonflower, ou ils ne veulent pas partager leur des œuvres d'art sur les réseaux sociaux pour l'instant parce qu'elles ne sont pas prêtes. Reality Check, nous commençons tous avec zéro abonnés et zéro vente, et nous nous construisons à partir de là. Si j'attendais que je me sentais prêt, j'attendrais toujours. Mon conseil est de vous mettre en place aussi dur que possible, car dès que vous le faites, vous aurez une base sur laquelle vous pourrez commencer à construire. C'est ainsi que nous grandissons en tant qu'artistes, nous créons, apprenons de nos erreurs, améliorons, puis nous créons encore plus. C'est un processus qui ne s'arrête jamais. Dès que vous vous lancerez et que vous commencerez, plus tôt vous trouverez votre propre succès. [MUSIQUE] Je voulais faire un petit discours de pep là-dedans. Maintenant que c'est couvert, commençons par passer en revue les fournitures de la classe d'aujourd'hui. 3. Matériel: Cette classe est divisée en deux parties. Tout d'abord, nous allons peindre à la main à l'aquarelle. Ensuite, nous travaillerons sur l'ordinateur dans Photoshop. Pour les aquarelles, je vais rester assez simple aujourd'hui. J'ai extrait quelques casseroles de mon kit d'aquarelle professionnel Winsor et Newton. L'ensemble complet est ici avec beaucoup de couleurs différentes. J'ai décidé, encore une fois, de garder le palais assez simple et j'ai simplement choisi ces quatre. Les quatre couleurs que j'ai choisies sont les suivantes : cobalt, turquoise clair, indigo, orange cadmium et rose opéra. Ce sont les quatre couleurs que j'utilise, mais je vous encourage à suivre la palette de couleurs qui vous convient. Lorsque vous choisissez vos couleurs, je vous encourage vivement à opter pour une palette de couleurs plus minimale. Je ne choisis que quatre couleurs ici, mais même l'orange et le rose vont très bien ensemble et l'indigo et le turquoise marient très bien ensemble. Moins est toujours mieux que plus lorsqu'il s'agit de palettes de couleurs sophistiquées à l'aquarelle, alors choisissez simplement une petite poignée de couleurs avec lesquelles travailler. En fait, vous n'avez même pas besoin d'utiliser des aquarelles si vous suivez. Chaque étape pour transformer votre illustration dessinée à la main en votre illustration dessinée à la main en un motif homogène sera exactement la même, quel que soit votre support. Vous pouvez donc utiliser des aquarelles comme j'utilise, ou vous pouvez suivre avec des crayons de couleur, des marqueurs, de l' acrylique, de la gouache même créer des illustrations si vous le souhaitez. En fait, je dessine une grande partie de mes éléments sur mon iPad à l'aide Procreate, puis je les intégrerai dans Photoshop plus tard pour les organiser selon un motif fluide. Vous pouvez choisir votre propre support artistique à suivre aujourd'hui. Je ferai une démonstration avec mon préféré, l'aquarelle. Je vais terminer ceci, puisque je sais que ce sont les quatre couleurs que je vais utiliser. Encore des trucs amusants, des pinceaux. En ce qui concerne les pinceaux pour aquarelle, je ne suis en aucun cas élitiste. Il s'agit d'un pack de pinceaux que j'ai trouvé sur Amazon. Ils coûtent environ 1$ par brosse, ils sont donc assez bon marché. Au lieu de parler des marques que je recherche, je vais parler des attributs que je recherche dans un bon pinceau à aquarelle. Tout d'abord, ils doivent être étiquetés comme des pinceaux à aquarelle. Un pinceau à aquarelle est un pinceau qui retiendra beaucoup plus d'eau dans les poils qu' un pinceau acrylique ou à l'huile standard. Je vais juste déposer toutes mes fournitures aujourd'hui. Si vous achetez des pinceaux pour aquarelle, assurez-vous simplement que vous recherchez spécifiquement des pinceaux pour aquarelle. Parlons des tailles de ces pinceaux. Mon pinceau le plus petit est en fait une taille 1, mon pinceau moyen fait une taille 5 et puis ce type, qui est mon plus gros pinceau, fait en fait une taille 9. Si vous vous demandez ce qu'est ce pinceau géant, c' est le pinceau que j'utilise pour effacer les marques de crayon sur la page lorsque j'ai fini d'effacer. En fait, je l'utilise même sur mon scanner pour nettoyer le plateau du scanner s' il y a de petits morceaux de poussière et de particules dessus. Je ne peins pas vraiment avec ce pinceau, c'est juste mon pinceau d' archéologue pour éliminer les imperfections de mon papier et du scanner. Ensuite, un crayon et une gomme. J'aime utiliser ces gommes à effacer, car vous pouvez affiner beaucoup plus la façon dont vous effacez. C'est comme effacer avec un crayon, c'est très intuitif à tenir. Si j'efface des zones de détails très restreintes, ces gommes à effacer sont vraiment parfaites pour cela. L'autre gomme que j'utilise est ma gomme malaxée. C'est juste une gomme à effacer, c'est comme du mastic stupide. Je l'utilise pour alléger mon croquis sur mon papier. Quand j'aurai fini de dessiner ma composition, je vais prendre ma gomme à effacer et simplement l'effacer sur la page comme ceci, ce qui aidera à alléger mon croquis général. Avec l'aquarelle, une fois que votre peinture est passée au-dessus de ces marques de crayon, vous ne pouvez plus l'effacer. Vous pouvez toujours effacer les marques de crayon qui se trouvent uniquement sur votre papier sans peinture, mais dès que la peinture aura recouvert sur votre papier sans peinture, mais dès que la peinture ces marques de crayon et aura séché, vous ne pourrez plus les effacer plus tard C'est pourquoi il est très important de vous assurer que votre croquis est aussi clair que possible. Plus l'esquisse est claire, moins elle a de chances d' apparaître dans votre peinture finale. En parlant de cela, c'est pourquoi j'utilise un crayon à mine très dur. 3H est un crayon à mine assez dur, ce qui signifie que si je fais à peine une marque sur ma page, elle apparaîtra à peine. Le but du jeu avec l'aquarelle, encore une fois, est de s'assurer que ces marques de crayon ne figurent pas trop en évidence sur vos peintures. Une petite quantité suffit toujours, mais s'il s'agit de marques de crayon très foncées, cela pourrait compromettre l' effet de votre aquarelle. Encore une fois, pour cette raison, je préfère les crayons à mine dure, car la marque apparaît à peine sur la page lorsque je dessine. Cette mine est très dure et la mine dure est indiquée par un H, donc tout ce qui porte un H, 3H, 5H , 1H, signifiera des crayons à mine dure. Pour moi, j'ai trouvé que 3H était mon point fort, c'est donc ce que je vais utiliser aujourd'hui pour réaliser notre sketch. La prochaine étape de la peinture est le plat à eau. Je vais juste utiliser un mug. C'est en fait l'une de mes créations que j'ai vendues sur Society 6. Elle constitue un excellent café le matin et un excellent café le matin plat à eau lorsque je peins l'après-midi. Une chose à laquelle il faut penser avec les plats à eau, c'est vous ne voulez pas boire l'eau de peinture, c'est vraiment dégoûtant et si vous prenez un thé ici et votre plat à eau ici, il peut être très facile de prendre la mauvaise eau et d'en boire une gorgée, alors ne le faites pas. L'une des façons de me rappeler qu'il s'agit d'un plat à eau, ne pas boire, est de mettre un petit morceau de ruban adhésif sur le dessus et depuis que j'ai commencé à le faire, cela m'a permis de réduire considérablement ma consommation d'eau pour la peinture. Donc, un petit conseil de pro pour vous aujourd'hui. Enfin et surtout, le matériel artistique final dont vous aurez besoin pour la partie peinture de ce cours est le papier. Je vais peindre à l'aquarelle, donc j'utilise du papier aquarelle et c'est vraiment très important. Avec l'aquarelle, il y a beaucoup d'eau sur le pigment lorsque vous peignez avec votre pinceau Plus le papier est épais, mieux c'est pour vous. Ce que je recherche dans le papier pour aquarelle, c'est qu'il est désigné comme papier aquarelle, c'est la chose la plus importante. S'il est indiqué que c'est du papier aquarelle, cela signifie qu'il peut supporter d'avoir toute cette peinture et cette eau sur un pinceau sur la page. Il ne se déformera pas et ne se pliera pas, il sera durable et capable de résister à votre aquarelle. Je préfère utiliser une série 300, qui est moyenne en termes d' épaisseur de votre papier pour aquarelle. 100 est un papier très fin et très léger. Je pense qu'il peut atteindre 500 et que c'est le papier pour aquarelle le plus lourd. 100, c'est un peu moins cher, 500 ou 600, c'est le plus cher. Mais encore une fois, 300 est mon point idéal, parce que je n'utilise pas beaucoup d'eau sur ma page. Donc, si vous êtes un aquarelliste et que vous constatez toujours que votre papier se plie et se déforme, vous devriez peut-être augmenter cette série et passer au niveau supérieur et voir si c'est mieux pour vous, mais pour moi, 300 est la solution. La dernière chose que je vais faire remarquer à propos du papier aquarelle, c'est que je cherche du papier aquarelle pressé à froid. Cela signifie que le papier est un peu plus bosselé et qu'il a plus de dents. presse à chaud sera un papier aquarelle très lisse, presse à froid est bosselée. J'adore cette texture, donc je préfère toujours la texture bosselée, qui est pressée à froid. En ce qui concerne le format de votre papier pour aquarelle, je peins généralement sur 11 x 15, c'est ma zone de confort. Je connais des artistes qui préfèrent des blocs de papier plus petits, d' autres qui préfèrent des blocs-notes beaucoup plus grands. Je recommande d'utiliser ce qui vous convient le mieux et qui convient le mieux à votre style de peinture. Une dernière chose que je tiens à mentionner à propos de la peinture, serviettes en papier seront vos meilleures amies. Je macule, renverse et macule mes peintures tout le temps. gens pensent que les aquarelles sont très impitoyables, ce qui est tout à fait possible, mais en éliminant les éclaboussures assez rapidement, mais en éliminant les éclaboussures assez rapidement, vous pouvez corriger bon nombre de ces erreurs dès qu'elles se produisent Je vais donc vous montrer comment procéder également dans la partie peinture de ce cours, mais pour l'instant, des serviettes en papier, mettez-en sur les extrémités. Maintenant, la deuxième partie de ce cours se déroule sur l'écran de votre ordinateur. Tout d'abord, vous aurez besoin de quelque chose pour numériser vos peintures. En fait, je vais utiliser un scanner. Il s'agit d'un scanner photo Epson V19. Si vous n'avez pas de scanner, vous pouvez également utiliser un appareil photo ou votre téléphone. Pour la conception de surfaces professionnelles, les scanners sont les meilleurs car ils capturent des images de la plus haute résolution. Mais si vous êtes simplement curieux de savoir comment créer des motifs et que vous voulez vous amuser et explorer, ne vous sentez pas obligé de faire des folies sur un scanner, vous pouvez toujours utiliser un appareil photo ou votre téléphone à la place. Les techniques que vous apprendrez plus tard dans Photoshop sont universelles, peu importe ce que vous utilisez pour numériser vos illustrations, qu'il s'agisse d'un téléphone, d'un scanner ou de votre appareil photo. En approfondissant les scanners, ma marque de scanners préférée est sans aucun doute Epson. Epson publie généralement un nouveau modèle de scanner photo chaque année. mien est le V19, je l'ai acheté en 2020, donc il y aura certainement une version plus récente, meilleure et plus améliorée sur le marché maintenant. Que vous utilisiez votre téléphone, votre appareil photo ou votre scanner, nous aborderons cette question plus en plus tard. Je vais aborder les trois bases, afin de m'assurer que vous disposez d'un appareil capable de capturer notre travail et de le numériser pour pouvoir capturer notre travail et de le numériser l'utiliser plus tard dans Photoshop. En parlant de Photoshop, c'est la prochaine fourniture dont vous aurez besoin. Vous souhaitez également disposer d'une version mise à jour de Photoshop opérationnelle sur votre ordinateur. Si vous n'avez pas Photoshop, ne vous inquiétez pas, vous pouvez télécharger une version d'essai gratuite en ligne. J'ai fourni un lien ci-dessous pour que vous puissiez également le noter. Maintenant, pour les cadeaux. Rien que pour avoir suivi mon cours aujourd'hui, tu auras droit à une tonne de cadeaux. Ces cadeaux sont totalement facultatifs dans cette classe. Considérez-les comme un avantage supplémentaire. Vous pouvez télécharger ces ressources gratuites pour les utiliser dès aujourd'hui, ou vous pouvez suivre et terminer votre projet de classe en utilisant vos textures préférées, à vous de choisir. Quoi qu'il en soit, vous allez vous retrouver avec un magnifique projet de classe. Vous obtiendrez une texture de papier aquarelle haute résolution. C'est ce que j'utilise dans mes propres œuvres d'art professionnelles. De plus, vous obtiendrez un ensemble de textures métalliques qui vous permettront d'insuffler un peu de brillance et de brillance à vos créations. J'ai inclus des textures métalliques en cadeau pour certains de mes autres cours, mais c'est la première fois que j' inclus ces textures métalliques scintillantes. Il s'agit en fait de feuilles de papier pailleté que j'ai numérisées sur mon ordinateur en très haute résolution et optimisées spécifiquement pour le cours d'aujourd'hui. Ils sont tous dimensionnés pour s'adapter parfaitement à votre toile. Ne vous inquiétez pas, nous verrons exactement comment utiliser ces textures plus tard dans le cours d'aujourd'hui. J'ai tous ces fichiers gratuits prêts à être téléchargés sur Dropbox. Accédez simplement à catcoq.com/seamless et vous pourrez accéder à tous les bonus gratuits simplement en saisissant votre nom et votre e-mail. Cela débloquera également l'accès à mes newsletters où je partage, vous l'aurez deviné, encore plus de cadeaux, mises à jour et des ressources artistiques pour vous aider dans votre parcours créatif. Enfin et surtout, je souhaite que cette classe soit aussi accessible que possible. Je vous donne la permission, si vous le souhaitez, passer à la deuxième partie de ce cours, qui consiste à transformer vos illustrations à l'aquarelle en un motif homogène dans Photoshop. Si vous souhaitez utiliser vos propres illustrations dessinées à la main et passer directement à cette partie, vous pouvez le faire. Mais bien entendu, je vous encourage vivement à suivre également la partie aquarelle, car c'est là que je partagerai mes meilleurs conseils pour choisir des motifs qui se vendent très bien, créer nos éléments de la manière la plus optimale, en particulier pour des motifs homogènes et mes conseils professionnels pour créer nos éléments de la manière la plus optimale, en particulier pour des motifs homogènes, et mes conseils professionnels pour peindre de manière à permettre cette numérisation partie de cette classe tellement plus facile. Ma recommandation m'accompagne définitivement du début à la fin de ce cours. Entrons directement dans le vif du sujet, en commençant par le choix de votre sujet. 4. Votre concept: [MUSIQUE] Vous avez deux options pour ce que vous voulez peindre aujourd'hui. L'option 1 consiste à peindre juste à côté de moi et à suivre le même exemple que je fais pour créer mon motif transparent. C'est une excellente option si vous êtes assez nouveau dans les aquarelles et que vous seriez plus aise de suivre mon exemple, je suis ici pour vous montrer la voie. L'option 2, c'est de peindre juste à côté de moi, mais de créer votre propre motif. Vous obtiendrez toujours exactement mes mêmes conseils pour les considérations que je fais lorsque je peins à la main mes éléments, comme le dimensionnement de chaque pièce et pour ne rien recadrer de la page, et peindre dans un cela va rendre suppression de cet arrière-plan beaucoup plus facile. Tous ces conseils juteux et plus encore. Le gros bonus ici, si vous décidez d'opter pour l'option 2, qui consiste à peindre votre propre motif, c'est que vous pourrez vendre ce motif plus tard, ce soit sur Etsy ou Spoonflower ou Society6, ou n'importe où ailleurs, si vous créez votre propre modèle, vous posséderez ce droit d'auteur et vous pourrez faire ce que vous voulez avec lui. Si vous suivez mon exemple exact, et que vous peignez également ces fleurs et feuilles exactement comme je le fais, c'est génial, et ce ne sera que pour la pratique, mais vous ne pourrez pas monétiser plus tard. N'hésitez pas à suivre mon motif floral exact pour que vous puissiez vous entraîner et apprendre, ou suivre la création votre propre motif unique si vous souhaitez le monétiser plus tard. Parlons de choisir un motif. Quand il s'agit de choisir votre sujet, vous avez littéralement des possibilités infinies. J'ai créé des motifs homogènes à partir de sushis, ailes de cigale, de champignons, de licornes, bananes, de montgolfières, de lapins, arc-en-ciel, de loutres, de pêches et de boules disco. Vous comprenez l'idée. Choisissez un sujet qui vous parle. Aujourd'hui, je vais présenter un motif sans couture avec le motif toujours tendance, les fleurs. Les motifs floraux sont la constante persistante du design de surface. Les motifs floraux se sont très bien vendus historiquement et ils continueront de le faire. C'est ce que je veux dire quand je dis tendance à feuilles persistantes ; en termes simples, les fleurs ne se démoderont jamais. C'est une excellente nouvelle pour moi en tant que concepteur de surfaces car je sais que si je peins un motif floral, il y a de bonnes chances de devenir un vendeur solide dans mon portefeuille maintenant et pendant des années pour venez. L'autre raison pour laquelle les motifs floraux ont tendance à se vendre si bien, c'est parce qu'ils sont vraiment beaux sur une grande variété de produits. Dans mon portefeuille de licences, j'ai des fleurs disponibles comme papier peint, journaux et planificateurs, cartes fixes, couettes et parures de lit, même vaisselle et produits cadeaux. La décoration intérieure est définitivement mon point de mire pour les fleurs. Les motifs floraux sont vraiment beaux sur les tapis, les oreillers, rideaux et les couvre-lits, les fleurs et les feuilles sont tout simplement amusantes à peindre. J'ai créé une tonne d' œuvres d'art d' inspiration florale au fil des ans. Même si c'est exactement le même motif, fleurs, j'essaie de rendre chaque motif un peu différent. J'ai réalisé des formes florales audacieuses et graphiques, délicates et féminines, des fleurs vacances comme des poinsettias, imprimés floraux groovy inspirés du rétro, de l'aquarelle, gouache, de l'acrylique, du vecteur et des fleurs procréées. Le fait est qu'il existe un nombre infini de façons de représenter un motif floral. Une chose que je veux ajouter, c'est ce cours va vous fournir une tonne de contenu vraiment bon que vous pourrez partager sur les réseaux sociaux. Tout derrière les coulisses que vous pouvez partager qui montre votre processus artistique fonctionne toujours très bien sur le social. Voici un moyen rapide et efficace de montrer à votre processus artistique un motif homogène. J'ai commencé avec un dernier motif parce que c'est l'image la plus convaincante, et cela va rendre ma grille sur Instagram vraiment belle. Ensuite, je montre mon croquis au crayon original puis une peinture à moitié terminée, et enfin quelques maquettes pour montrer à quoi il ressemble sur des produits réels. Mes clients, mes abonnés sur les réseaux sociaux et mes clients sous licence adorent également voir cela en coulisses. D'autant plus que les histoires plus personnelles derrière les dessins rendent l'œuvre un peu plus personnelle. Cet exemple ne contient que des photos, mais lorsque vous suivez la création de votre propre motif, vous pouvez également faire des photos ou des vidéos. Les vidéos sont particulièrement intéressantes si vous souhaitez créer une bobine Instagram ou créer votre propre TikTok et plus les vidéos sur les réseaux sociaux ont créer votre propre TikTok et plus les vidéos sur tendance à obtenir un peu meilleur engagement que les photos. Au fur et à mesure, si vous souhaitez utiliser votre téléphone pour capturer des vidéos et des photos montrant votre processus du début à la fin, il vous donnera du contenu vraiment agréable et juteux à afficher plus tard lorsque vous promouvoir votre design sur les réseaux sociaux. C'était un peu segue, mais de bons conseils sur les réseaux sociaux. Quoi qu'il en soit, oui. Vous pouvez choisir l'option 1, qui est suivie avec mes fleurs exactes. Ou vous pouvez faire votre propre version d'un motif floral, suivant mon même motif, le rendant unique à vous ou autre chose. Une fois que vous avez votre concept et visions et que vous êtes prêt à partir, il est temps de passer à la partie amusante, qui consiste à l' esquisser sur papier. 5. Croquis: [MUSIQUE] Il est temps de faire des croquis. Les fournitures que j'ai en main ici sont un morceau de papier aquarelle vierge, un crayon à croquis. Rappelez-vous que le mien est un 3H. Si vous n'avez pas exactement une 3H, ce n'est pas grave. N'oubliez pas que lorsque vous esquissez pour esquisser le plus léger possible. Si vous utilisez un crayon mécanique ou si vous avez une autre mine, ne vous inquiétez pas. J'ai aussi une gomme à effacer, en fait deux gommes à effacer à portée de main. J'ai mon clicker racer ici et rappelez-vous que c'est pour effacer des zones très fines. Ensuite, j'ai aussi ma gomme malaxée, qui se souvient quand on a fini ce croquis, appuyant et en le soulevant de la page pour l'alléger. Un morceau de papier, donc c'est le verso d'une petite étude de couleur que j'ai faite, une petite illustration de pratique. Je peux m'en servir pour pratiquer quelques croquis miniatures. Plus tard, nous pourrons tester certaines couleurs de peinture sur un papier de ferraille. C'est juste une chose pratique à avoir sous la main. Pro-Tip. Ce papier d'entraînement peut également être utilisé comme limite protectrice entre votre paume et votre papier lorsque vous peignez. N'oubliez pas que lorsque vous esquissez ou peignez, il est vraiment important que votre peau ne touche pas autant le papier, car les huiles de votre main se libèrent sur le papier et il devient un peu difficile à remplir. ces zones lorsque vous peignez plus tard. Si vous avez un morceau de papier, vous pouvez vraiment l'utiliser pour reposer votre paume pendant que vous esquissez si vous voulez être aussi supplémentaire que moi. Quand il s'agit de répétition de motifs qui semblent être très bien ajustés, j'ai constaté que ce qui fonctionne le mieux, c'est d' avoir trois tailles d'éléments différentes. Ici, je suis allé de l'avant et j'ai peint l'exemple avant de peindre juste pour m'entraîner. Les trois tailles différentes ici sont le seul élément de héros. L'élément héros est juste cela. C'est une grande illustration qui occupera la plus grande partie de l' espace sur le motif. Vos éléments moyens, et dans ce cas, j'en ai deux peuvent être disposés autour de votre élément héros lorsque vous assemblez votre motif. Tous les petits éléments de détail peuvent être insérés dans les espaces pour aider à combler l'espace. Un grand héros, quelques médiums, puis quelques petits détails que vous pouvez utiliser pour combler les lacunes de votre motif transparent. Le résultat sera ce design très cohérent et épuré qui est vraiment facile à assembler. Croyez-moi, cette technique des trois côtés a grandement facilité la vie de ma conception de motifs. Allons-y. J'ai déjà mon exemple ici. Je vais juste le mettre sur le côté comme référence visuelle au fur et à mesure. Allons de l'avant et commençons par notre élément héros. N'oubliez pas qu'il s'agit du plus grand élément que vous allez créer dans votre modèle. vite, rappelez-vous que lorsque vous utilisez votre crayon, dessinez très légèrement sur votre page. Mais pour moi, je vais vraiment dessiner assez fort parce que je veux que vous soyez en mesure de voir ce que je fais. Je vais dessiner très sombre et lourd sur ma page, mais au fur et à mesure que vous suivez, restez très léger et aéré. Je vais commencer par cette tige. Je vais simplement le dessiner comme ça. C'est une très belle ligne légèrement courbée. Comme vous pouvez le voir, je n'ai tracé qu'une seule ligne pour représenter cette tige ici même si dans ma peinture, j'ai des zones plus minces, des zones plus épaisses, nous n'avons pas besoin d'esquisser chaque petit détail comme la largeur de la tige telle que nous esquissons sur notre papier. En fait, il est préférable de conserver le moins de marques de crayon possible sur votre page. Je ne dessine pas tous les petits détails parce que je ne veux pas un tas de marques de crayon embrouille mes dernières aquarelles. Au lieu de cela, car peu de marques sur le papier, c'est mieux. C'est pourquoi avoir du papier ferraille peut vous être utile. Vous pouvez esquisser votre motif plusieurs fois jusqu'à ce que vous vous sentiez à l'aise de faire le croquis final sur votre papier. Si vous voulez vous entraîner un peu sur votre papier de ferraille, c'est très bien. Une fois que vous êtes prêt, vous pouvez prendre ces croquis et les rendre définitifs sur votre papier aquarelle. Je vais revenir à mon dernier article et travailler sur ces éléments de héros. On dirait que j'ai une tige primaire , puis peut-être qu'une tige se détache sur un angle comme celui-ci et peut-être que je ferai les fleurs. Je vais faire 1, 2. N'oubliez pas que c'est trop sombre, mais je veux que vous puissiez voir ce que je fais. Mais à mesure que vous suivez des croquis très légers et doux. Je vais faire l'autre fleurir. Il n'est pas nécessaire que ce soit un croquis incroyablement réaliste. La mienne est une idée très interprétative de ce à quoi pourrait ressembler un arrangement floral. Il est assez lourd sur le côté droit. Je vais ajouter une tige plus grande ici pour aider à équilibrer un peu cela. Parfait. Mon héros est terminé. Il est temps de passer à ces éléments moyens. Une chose à noter, c'est que vous remarquerez qu' aucune partie de mon élément de héros est recadrée de la page, et c'est très intentionnel. Vous voulez vous assurer que tous vos éléments sont représentés intégralement, rien n'est coupé de la page. N'oubliez pas que vous allez couper ces éléments et les déplacer autour de votre tableau d'art numérique, en tournant, en retournant, en redimensionnant, en redimensionnant, tout ce qui s'amuse. Un élément entièrement non recadré fonctionnera beaucoup mieux que quelque chose qui est mieux que quelque chose qui est brusquement coupé de la page. Bien que ces tiges florales continuent théoriquement dans le sol et se transforment en racines, je n'ai pas nécessairement besoin de montrer tous ces détails. Au lieu de cela, je vais simplement ces bords d'une manière très agréable et ce sera génial quand je arrangerai en un motif transparent plus tard. Si vous suivez et vous choisissez un motif différent, peut-être que c'est une branche de fleurs de cerisier, vous n'avez pas besoin de montrer cette branche qui s'étend nécessairement sur l'arbre, le le tronc d'arbre, les racines, les feuilles, tout ça. Vous pouvez simplement trouver un moyen de réduire sélectivement le bord de cette branche pour qu'elle soit belle et naturelle. Pour moi, j'arrondis habituellement mes bords ou je les rétrécie en une pointe fine. Nous allons en apprendre davantage au fur et à mesure que nous peignons. chose que je veux souligner très rapidement, je ne me soucie pas trop gâcher mon croquis sur ce papier. Je peins tous ces éléments spécifiquement pour pouvoir les réorganiser ultérieurement en un motif répété dans Photoshop. Cette œuvre originale ne sera probablement jamais accrochée à un mur ou présentée dans une galerie. Il s'agit simplement d'une partie d'un processus plus long. cette raison, ce document n' est pas précieux pour moi. Si je gâche une de mes fleurs, je vais simplement en peindre une autre juste à côté, puis je n' utiliserai pas la première. Je n'utiliserai les bonnes choses que plus tard lorsqu'il s'agit de rassembler ces éléments en un motif. Je pourrais même tester mes poêles à peinture sur le même papier, juste pour voir ce qui fonctionne le mieux. C'est pourquoi j'aime travailler sur gros papiers comme celui-ci, car cela me donne un peu plus d' espace pour explorer et jouer, voir ce qui fonctionne, voir ce qui ne fonctionne pas. De plus, je n'ai pas à me sentir stressé idée de faire un produit absolument parfait. Si cela ne fonctionne pas, il suffit de peindre juste à côté. Si je dépose une grosse goutte d'eau sur mon papier, pas de soucis, cela n'apparaîtra jamais dans le dernier motif car je l'enlèverai simplement dans Photoshop. Il vous faudra peut-être quelques essais avant peindre la fleur, la mousse ou la banane parfaite ou les motifs que vous suivez, c'est tout à fait parfait. Vous allez utiliser les meilleurs plus tard dans votre modèle dans Photoshop. Les points vont juste tomber dans l'oubli. Gardez cela à l'esprit au fur et à mesure. Ce papier est destiné à l'exploration et au jeu, va garder les bonnes choses, jeter les mauvaises choses, pas de soucis. L'étape suivante est l'heure des éléments moyens. Je fais généralement entre un et trois éléments moyens. Aujourd'hui, je vais m'en tenir à deux : une floraison orientée vers l'avant , puis une photo frontale de la fleur. Juste pour rendre les choses un peu plus faciles, je vais utiliser mon plat d'eau, tracer autour de lui pour obtenir une bonne estimation de cette fleur. Parfait. Une zone centrale puis quelques fleurs. Parfait. Maintenant, pour le dernier élément moyen c'est cette fleur orientée vers l'avant. Encore une fois, assez simple. Une jolie petite tige sinueuse. Quelques feuilles sortent, puis ce haut fleurit. Enfin, il est temps de prendre en compte les éléments détaillés. N'oubliez pas que ce sont les petits gars que vous utiliserez plus tard pour combler les lacunes de votre modèle. Je veux que mon thème floral soit vraiment solide et cohérent que mes éléments détaillés soient tirés des mêmes motifs que ceux que je viens de peindre. Au lieu d'une fleur pleine, il s'agira de quelques pétales individuels et de quelques feuilles. Je vais également inclure quelques petites fleurs et points en herbe. Les points sont toujours très bons lorsque vous essayez de combler de très petites lacunes. Dots seront vos meilleurs amis. Cela va me donner une très belle variété à utiliser plus tard. De plus, les détails seront des formes et des couleurs similaires à celles du héros en moyenne, ce qui va aider mon motif à se sentir beaucoup plus cohérent. Allons de l'avant et dessinons certains de ces éléments détaillés. Je vais commencer par ces fleurs en herbe ici. Ligne courbée, comme avant. Je vais juste faire une feuille, une tige qui sort de cette façon. Peut-être que celui-ci n'est qu'un bourgeon et celui-ci peut être une floraison complète. Ensuite, j'en ferai un autre ici. Celui-ci peut être deux bourgeons et une grosse feuille. Ensuite, les pétales individuels, qui sont des formes très, très simplifiées et quelques feuilles. Je vais faire une fleur pleine de côté. Pour les points, je n'ai pas vraiment à les dessiner. Je sais comment peindre un cercle, alors je vais juste mettre une petite étoile ici pour me rappeler de faire ces points. C'est ça. Votre croquis doit être très simple, aussi peu de lignes que possible et des marques de crayon très légères. N'oubliez pas que si vous voulez aller de l'avant et éclaircir vos marques encore plus loin pour que vous puissiez à peine les voir pendant que vous peignez, vous pouvez utiliser votre gomme et effacer très doucement votre page aime ça jusqu'à ce qu'elle soit très, très faible et que vous puissiez à peine la voir. Ou si vous avez une gomme pétrie comme celle-ci, vous pouvez simplement utiliser cette gomme malaxée, presser sur votre papier et la tirer vers le haut pour alléger encore plus l'esquisse. Mais rappelez-vous, je vais sauter cette étape parce que je veux que vous puissiez voir très clairement mon croquis sur la caméra. Pro-tip, comme je l'ai mentionné plus tôt avec la collecte images que vous allez utiliser pour les publications sur les réseaux sociaux parce qu'elles ont l'air vraiment bien, ce serait vraiment un excellent point de départ. Si vous souhaitez créer une bobine ou une publication Instagram montrant le processus, allez de l'avant et prenez quelques photos de ce à quoi ressemble votre croquis, ou faites peut-être une jolie vidéo panoramique votre esquisse et vous pourrez l'utiliser plus tard lorsque vous présentez le processus en coulisses pour savoir comment vous avez créé ce magnifique motif. Une fois que vous avez l'impression d'être dans un endroit plutôt génial avec votre croquis, il est temps de passer la partie très amusante, qui consiste à sortir vos peintures, crayons de couleur, marqueurs, quoi que vous soyez. en suivant, et nous allons commencer à remplir nos formes avec de la couleur. 6. Peinture: [MUSIQUE] Il est maintenant temps de jouer la partie très amusante, qui consiste en fait à peindre sur votre page. Les fournitures que j'ai à portée de main pour cela sont un, mon dernier croquis sur papier aquarelle, j'ai trois pinceaux ici. Encore une fois, ils sont en taille 1, 5 et 9, sont mes jolis pinceaux de détail. Ensuite, j'ai quatre casseroles que j'ai retirées de ma palette d'aquarelles Winsor & Newton. Vous pouvez suivre toutes les couleurs que vous souhaitez. Mais encore une fois, voici mon exemple, j'aime vraiment la façon dont ces couleurs fonctionnent ensemble. C'est ce que j'utilise, mais n'hésitez pas à suivre les couleurs que vous aimez. J'ai aussi mon plat d'eau avec mon ruban adhésif et mes serviettes en papier d'urgence juste au cas où j'en aurais besoin. Allons de l'avant et commençons. Ensuite, je vais également utiliser mon papier de ferraille pour reposer ma paume afin que je ne reçoive pas mes huiles pour les mains partout sur la page. Vous n'êtes pas obligé de le faire, c'est complètement facultatif, mais c'est agréable d'avoir la main sur quelque chose pendant que vous peignez. Je vais commencer par mes pétales ici et je veux que ceux-ci soient principalement roses et qu'ils aient une touche d'orange qui les accompagne. Je vais commencer par utiliser mon pinceau moyen numéro 9 et remplir vraiment cette casserole pour qu'elle soit agréable et saturée d'eau. Parfois, je vais mélanger les couleurs sur une palette séparée, mais pour aujourd'hui, je veux que ça reste très simple et je vais tirer directement de la casserole. Lorsque vous utilisez des couleurs directement du tube ou de la casserole, quel que soit votre support, sera les couleurs les plus vives et les plus vives. Je ne vais pas faire beaucoup de mixage, le mixage que je vais faire, encore une fois, est sur la page. J'ai un beau revêtement uniforme sur mon pinceau, beaucoup d'eau sur leur pointe pro avec de l'aquarelle. Si jamais vous avez l' impression de perdre le contrôle ou que cela devient désordonné, ajoutez de l'eau car cela facilitera le contrôle des pinceaux. J'ai une jolie casserole juteuse ici. Je vais commencer à remplir cette fleur principale. J'utilise mon gros pinceau pour obtenir ces sections plus grandes. Ensuite, quand il s'agit des bords, je vais passer à mon petit pinceau de détail. Même chose, je vais le remplir dans cette casserole, l' obtenir bien et enrobé d' eau, puis je vais utiliser très soigneusement les bords de cette brosse pour vraiment affiner la façon dont le pigment est fusionner sur la page. Une chose que je voudrais souligner ici, c'est que j'utilise mes marques de crayon pour indiquer où vont se trouver ces zones d'espaces blancs. Je ne peins pas vraiment sur mes marques de crayon , bien sûr, je vais parfois le faire par erreur, pas de soucis. Mais pour la plupart, je veux que ces marques de crayon indiquent vraiment où il n'y a pas de peinture. Si vous regardez ici mon exemple, ces espaces entre les pétales étaient à l' origine des marques de crayon. Une fois la peinture sèche, je n'ai eu qu'à effacer les marques de crayon et parce que la peinture n'était pas sur elles, elles se sont parfaitement effacées de la page. Lorsque vous peignez, considérez ces marques de crayon comme la limite entre l'endroit où la peinture doit s'arrêter et se terminer. Je vais maintenant vous montrer comment je fusionne les couleurs sur la page. Je vais remplir mon pinceau de détail avec un joli petit peu d'orange. Honnêtement, ce pigment orange est si fort, donc un peu va loin. J'ai un beau revêtement uniforme sur ma brosse ici et je vais simplement plonger ici au centre et le laisser sortir naturellement vers les autres zones de ce pétale. Nous obtenons cet effet vraiment agréable ici, où les zones extérieures du pétale sont rose vif et les zones intérieures ont un ton plus orange et elles se mélangent très bien au centre. Je vais utiliser mon pinceau moyen pour cela. Le pinceau plus grand, même s' il est relativement petit, il est en fait un peu trop gros pour ces pétales. Je vais revenir à mon numéro 5 et remplir les autres pétales en utilisant la même technique. Maintenant que la zone rose est remplie, nous allons aller de l'avant, prendre un peu de cette orange et plonger, tremper, plonger dans une zone jusqu'à ce qu'elle se retire doucement vers le reste. N'oubliez pas que vous pouvez toujours basculer entre les pinceaux. Vous pouvez utiliser un pinceau plus grand pour les sections plus grandes, puis passer à un pinceau de détail plus petit pour vraiment affiner ces bords, je le fais tout le temps. Tampons un peu d'orange dans cette zone centrale et voyons ce qui se passe quand il commence à sécher. Maintenant que j'ai entièrement rempli ce pétale de fleur, je vais aller de l'avant et faire le reste des zones rosées et orangées sur toute ma composition simplement parce que je veux conserver cette eau de peinture. agréable et frais. Si je devais faire ma tige bleue en ce moment, cette eau de peinture deviendrait beaucoup plus boueuse et la prochaine fois que j'ai voulu faire ma zone rose, elle deviendra de plus en plus terne. Je pourrais aller de l'avant et peindre ma tige, aller jeter mon eau de peinture, acheter de l'eau de peinture, mais je suis un peu paresseux, donc je vais aller de l'avant et faire toutes les zones roses d'abord, déversez cette eau, puis faites toutes les zones bleues et vertes. De cette façon, encore une fois, les pigments resteront vraiment beaux et vibrants car l'eau sera propre tout le temps. N'oubliez pas que vous pouvez toujours poser votre main sur votre papier de ferraille. Je vais passer pour avoir été un peu de cette orange. Maintenant, pour des zones plus grandes comme ce gros pétale orienté vers l'avant, je vais passer à mon plus grand pinceau de détail, qui est une taille 9. N'oubliez pas que beaucoup d' eau vous facilitera la tâche. Si vous passez en revue les marques de crayon comme je le fais ici, ce n'est pas la fin du monde. Ils apparaîtront une fois la peinture sèche, mais quelques marques de crayon donnent impression plus authentique à l' aquarelle. Honnêtement, ce sont ces imperfections qui se produisent avec aquarelle qui en font l'un de mes médiums préférés avec lesquels peindre. Trempez dans cette orange pour qu'elle se fonde naturellement avec ce rose. Parfois, je vais faire quelques sections distinctes comme celle-ci avant de mélanger cette couleur supplémentaire, orange, pour que la peinture ait un peu plus de temps pour s'installer. Il commence tellement mouillé et goopy sur la page. Il est normal de faire quelques sections à la fois avant de revenir en arrière et de passer à votre couleur supplémentaire et de la plonger. [MUSIQUE] Oups, j'ai donc laissé tomber un peu de peinture sur mon papier. Mais encore une fois, ce n'est pas la fin du monde car je peux simplement supprimer cela dans Photoshop plus tard. Mais je vais vous montrer comment vous pouvez réellement supprimer cela si cela se produit dans une zone intégrale ou pour une aquarelle où vous vouliez vraiment chérir l'original. J'utilise simplement des serviettes en papier et je vais appuyer et je soulève et c'est presque parti. Pour mes dernières zones, je pense que je vais avoir ce dernier pétale, principalement orange, juste pour le mélanger un peu. Cette peinture orange est tellement saturée et opaque que vous en avez à peine besoin pour faire une différence sur votre page. Cool, et je vais faire l'inverse de ce que je faisais avant. Je vais utiliser juste un petit peu de rose pour me fondre dans cette orange. Cette étoile me rappelle que je dois faire deux cercles. Je vais en faire un rose orangé, je vais en faire un rose vif, puis un orange pur. Parfait. C'est tout pour les parties rosées et orangées de mon aquarelle. Maintenant, je vais aller de l'avant, jeter mon eau de peinture, commencer par de l' eau de peinture fraîche, puis aller de l'avant et attaquer aux zones de tige bleu-vert. Cool, maintenant que nous avons terminé cette première couche, c'est tous ces tons roses et orangés, j'ai nettoyé mon eau de peinture, c'est tout nouveau. Je vais aller de l'avant et commencer sur le deuxième ton, qui va être, encore une fois, ces feuilles bleues et vertes. Comme avant, je vais travailler de gauche à droite parce que je ne veux pas enduire ma peinture au fur et à mesure que je suis droitier. Je vais commencer par remplir à nouveau cette palette turquoise et la rendre agréable et remplie pigments et d'un enduit uniforme sur mon pinceau. Pour cela, je vais faire varier un peu la pression de ma brosse. Ici, je vais vous montrer sur le papier d'entraînement. Au lieu de ne faire qu' un seul coup de monoline comme ça, je vais en fait varier la pression là où elle devient légère, lourde, légère pour obtenir une belle variété en contraste dans ma forme. N'hésitez pas à faire quelques coups d' entraînement sur votre papier d'entraînement ou sur votre vrai papier ici, car encore une fois, nous allons découper ce que nous n'utilisons pas. Je vais commencer par être léger, lourd et léger. Parfait. [BRUIT] Je vais passer à mon pinceau de taille moyenne et même si cette peinture est encore mouillée, je vais plonger dans ce bleu indigo profond et agréable juste pour que bleu indigo profond et agréable juste des choses amusantes se produisent sur le papier. Cool, et tout comme cette orange, l'indigo est vraiment pigmenté, donc un peu de peinture va loin. Je vais passer à mon pinceau moyen, revenir à ma turquoise et commencer à remplir ces feuilles. N'oubliez pas qu'en cas de doute, ajoutez toujours plus d'eau. Comme vous le voyez ici, je suis passé à un pinceau plus petit pour que ces bords soient beaux et nets. Ensuite, je ferai cette trempette avec l' indigo avec ma peinture encore mouillée pour obtenir de jolis petits mélanges de couleurs ici. Encore une fois, plus d'eau vous aidera à réaliser ce mélange. C'est l'heure de la prochaine tige et de la même chose, je passerai à cet indigo, et je vais faire quelques petits plongeons directement sur la ligne. Parfait. Je retournerai à ma turquoise et j' achèverai ces tiges. Il y a des choses vraiment amusantes alors que ces couleurs commencent à se fondre ensemble. Même chose, il suffit de plonger dans cet indigo en apportant plus d'eau dans les zones pour vraiment encourager ce mélange. Même chose ici, légère, lourde, légère pression. Je vais passer à la couleur indigo et je vais faire quelques petites gouttes amusantes ici pour encourager ce mélange. Il suffit constamment de basculer entre les stylos, entre les tailles de pinceaux. Si jamais il ne se mélange pas très bien, suffit d'ajouter plus d'eau dans ces sections, ce qui aidera vraiment le mélange à se produire. Je dois faire attention à ne pas poser ma paume sur les zones humides du papier. Peut-être que cette deuxième feuille sera principalement indigo. Une chose que je voudrais souligner ici en peignant, c'est que je ne laisse pas beaucoup de zones blanches dans la peinture. Tout est très profond , saturé et opaque et la raison pour laquelle je fais cela, c'est intentionnel, c'est parce que lorsque je les scanne plus tard, lorsque vous avez beaucoup de zones blanches plus claires dans votre peinture, il devient un peu plus délicat de supprimer ce fond de texture de papier blanc. Par défaut, lorsque je peins, j'essaie de le rendre un peu plus opaque et de le remplir avec plus de couleur. Pour moi, plus le pigment est profond et saturé mieux c'est simplement parce que cela facilite un peu le retrait de ce fond. N'oubliez pas d'aller de l'avant et de peindre vos points avec votre autre couleur. À ce stade, je suis allé de l'avant et j'ai terminé ma peinture. La prochaine étape est que je veux attendre cela sèche dans son intégralité, la voici, ma gomme avant d'utiliser ma gomme pour effacer ces marques de crayon errant. Il sèche beaucoup plus rapidement si vous mettez votre papier au soleil ou si vous voulez aller encore plus vite, vous pouvez utiliser un sèche-cheveux pour souffler doucement de l'air chaud sur votre papier, ce qui le fera sécher très rapidement. Une chose que je veux faire avant d' oublier encore une fois, à l'aide de mon crayon, je vais faire quelques signatures de pratique sur ma page afin d'avoir une signature que je peux insuffler quelque part dans mon motif. Encore une fois, cette page ne doit pas nécessairement être parfaite. Peut-être en essayez-en quelques-uns. Ma signature est CatCoq. En fait, celui-là a l'air plutôt bien. Je pourrais juste aller avec ça. Mais n'hésitez pas si vous le souhaitez, à essayer différents styles, différents types de signatures, et en trouver une qui vous convient le mieux. Le plus important dans une signature, à mon avis, c'est qu'elle est lisible. Donc, si quelqu'un finit par acheter ce motif ou une impression d'art, il pourrait facilement voir ma signature sur cette pièce, Google mon nom, puis trouver d'autres exemples de mon travail. Lorsque vous trouvez une signature qui fonctionne pour vous, n'hésitez pas à y mettre une petite étoile ce qui vous rappellera d'utiliser cette signature plus tard lors de la numérisation. J'utilise un crayon, mais vous pouvez aussi faire votre signature avec un stylo, marqueur, un poinçon, tout va bien. Je vais laisser sécher tout ça et ensuite j'effacerai les marques de crayon et les numériserai. 7. Numériser: [MUSIQUE] Il est temps de numériser la partie de la classe d'aujourd'hui. Nous allons prendre notre œuvre dessinée à la main et la numériser dans un fichier informatique. N'oubliez pas que vous avez deux options pour numériser votre fichier. L'option 1 consiste à le numériser à l'aide d'un scanner et l'option 2 consiste à le photographier. Tout d'abord, avant d'entrer dans tout cela, votre peinture doit être complètement sèche, et la première chose que vous voulez faire est d'utiliser une gomme et nous allons effacer toutes ces marques de crayon. N'oubliez pas que si vous avez peint une marque de crayon comme je l'ai fait ici, vous ne pourrez pas l'effacer puisque la peinture est dessus, mais vous pouvez toujours effacer les marques de crayon qui se trouvent sur le papier. sans peinture sur eux. C'est ici que j'utilise mon pinceau archéologue pour brosser les marques de crayon de la page au lieu d'utiliser mes mains. Une fois que vos marques de crayon entièrement effacées de la page, à l'exception de votre signature, il est temps de numériser nos œuvres. Je vais d' abord faire une démonstration avec la numérisation. La première chose à faire pour votre scanner est de vous assurer que le banc de numérisation est entièrement propre. En général, je garde les choses assez simples, j'utilise mon nettoyant pour lunettes puis un chiffon en microfibre, c'est la même chose avec laquelle je nettoie mes lunettes d'écran d'ordinateur. Je vapore le chiffon et nettoie tout mon lit de scanner. Il est toujours surprenant de voir combien de poussière et grain restent coincés sur le lit du scanner entre les balayages. S'il n'y a que quelques particules de poussière, je retirerai ma même brosse à effacer et je l'utiliserai simplement pour déplacer ces morceaux de poussière du lit du scanner. Lorsque je numérise mes illustrations, comme vous pouvez le constater, le papier est en fait plus grand que le lit du scanner lui-même. En général, je finis par numériser en quelques morceaux séparés , puis je les fusionne dans Photoshop. Mais pour la classe d'aujourd'hui, nous continuerons à numériser en morceaux séparés parce que mon papier est énorme, mais nous n'allons pas nécessairement les fusionner comme je le fais avec mon peintures autonomes qui doivent être conservées comme une seule image entière. Pour ce projet, je n'ai pas nécessairement besoin assurer que ce scan est parfaitement fusionné , car l'idée de peindre les éléments séparés est que nous allons tirer. les écartés, les réarrangeant quand même. Encore une fois, ce fusible n'est pas vraiment nécessaire. Mais si vous voulez apprendre à fusionner parfaitement deux ou plusieurs scans ensemble dans Photoshop, consultez mon autre cours Skillshare. Numérisez vos œuvres pour les vendre en ligne, préparez vos peintures pour l'impression à la demande. La façon dont je vais les scanner , c'est que je veux m'assurer que tous mes éléments sont parfaitement encapsulés dans chaque analyse. Cela va probablement signifier une analyse de ces éléments plus ma signature, une analyse des éléments moyens, puis une analyse des éléments de détail. Il y a une chance que je puisse les adapter aux deux en un seul scan, nous verrons simplement ce qui se passe. Mais l'important, c'est je ne veux pas couper d'éléments de ma peau et devoir les fusionner ensemble. C'est juste un travail supplémentaire, je préfère les capturer parfaitement dans le scan pour enregistrer une étape plus tard. Dans mon cas, je vais commencer par placer mon papier sur le lit du scanner comme ça, je fermerai mon lit de scanner, [BRUIT] faire un scan, et un conseil professionnel, si vous numérisez plusieurs sections de votre papier, assurez-vous de le garder dans la même orientation pour chaque analyse. Ne le retournez pas comme ça, maintenez-le cohérent pour toutes vos analyses. La raison pour laquelle c'est important, c'est parce que lorsque cette lumière numérisée passe sur votre papier, elle projette une ombre très subtile sur le cahotement et la véracité de votre papier. Donc, si vous le retourniez et utilisez ces deux scans, l'ombre, la texture du papier serait un peu différente et elle serait légèrement incohérente. Une solution de contournement rapide consiste simplement à vous assurer que vous numérisez dans le même angle pour vos deux scans. numérisation prend généralement quelques minutes. Ce que je vais faire, c'est que je vais tenir doucement mes mains sur le couvercle pour que le papier soit très bien affleuré au lit de numérisation. N'appuyez pas trop fort, sinon le scan va être compromis et vous obtiendrez compromis et vous obtiendrez ces séries bizarres dans votre fichier numérique. En ce qui concerne l' enregistrement de votre fichier, vous disposez généralement de quelques options ici. Les TIFF vous donneront une meilleure qualité que les JPEG, mais j'ai généralement enregistré mes scans en JPEG de toute façon, car la taille du fichier est massivement plus petite et même si TIFF ont une qualité légèrement supérieure, Je suis en train de scanner ces résolutions massives afin qu'une légère différence de qualité ne fasse pas une grande différence pour moi. Juste une note secondaire ici, votre boîte de dialogue de réglage de numérisation ne ressemble probablement pas exactement à la mienne. Chaque scanner possède une boîte de dialogue légèrement différente. Il suffit donc de chercher des paramètres comparables à ceux que je saisis ici. Je veux que mes paramètres de numérisation soient sur la photo, le mode soit photo, ne jamais documenter, et je numérise à une résolution assez élevée. Je vais utiliser 1200 ppp pour l'analyse, et j'utiliserai ma boîte à miniatures pour établir chaque partie de l'analyse que je fais. Il semble que je puisse attraper mon héros et mon médium en un seul scan, je vais appuyer sur « Numériser », capturer ça, puis faire la même chose avec mes éléments de détail. Maintenant que vous avez les bases de la numérisation, je vais vous donner mes meilleurs conseils pour photographier vos œuvres d'art. N'oubliez pas que la photographie de vos illustrations est l'option 2 si vous n'avez pas de scanner. numérisation est ma méthode préférée, mais la photographie peut prendre une seconde de près. Si vous prévoyez de numériser, cela ne s'appliquera pas à vous, vous pouvez simplement aller de l'avant et passer à la leçon suivante. Conseils de photographie : pour photographier vos éléments, vous pouvez utiliser un appareil photo ou votre téléphone. Je veux rendre ce cours aussi accessible que possible pour vous, donc si vous n'avez pas d'appareil photo reflex numérique de luxe, vous pouvez toujours utiliser votre téléphone. Que vous numérisiez votre travail ou que vous le photographiez avec un appareil photo ou un téléphone, la numérisation, la numérisation, le nettoyage, tout ce que vous faites dans Photoshop sera exactement le même. Si vous allez simplement utiliser votre téléphone pour numériser vos illustrations, et peut-être que plus tard, vous avez décidé de passer à un scanner, toutes les étapes que vous apprenez dans ce cours seront exactement les mêmes. Peu importe la façon dont vos affaires sont numérisées, ce que nous faisons dans Photoshop est universel de toute façon. Voici ce que vous devez savoir pour créer une photo de qualité. Premièrement, l'éclairage est la chose la plus importante ici. lumière naturelle vous donnera absolument les meilleurs résultats, n'utilisez pas de flash. Les jours nuageux sont meilleurs que jours ensoleillés, ce qui semble contre-intuitif, mais lorsque la lumière du soleil est filtrée à travers les nuages, cela donnera une apparence plus homogène à votre œuvre. lumière directe du soleil peut causer ces ombres et ces hautes lumières très dures. En ce qui concerne l'éclairage, ce que vous voulez éviter à tout prix est de faire rétroéclairer vos œuvres d'art, ce qui signifie que le soleil est derrière votre papier. Si c'est le cas, votre illustration sera très sombre la photo et les couleurs ne seront pas précises du tout. Voici un exemple de photographie rétroéclairée, et voici un exemple de photographie parfaitement éclairée. Deuxièmement, en positionnant, vous souhaitez capturer une photo parfaitement directe de votre œuvre d'art. Assurez-vous que l' objectif est incliné au centre exact de votre illustration. Vous ne voulez pas être à un angle comme ici ou ici, c'est parfaitement au-dessus de la voie à suivre. La meilleure façon de le faire est de placer votre tableau sur une table, puis de photographier d'en haut comme ceci. N'oubliez pas d' appuyer sur le centre de votre illustration pour définir le focus. Troisièmement, n'utilisez jamais le zoom de la caméra. Pour des résultats plus nets, maintenez votre appareil photo aussi près que possible sans que votre illustration soit recadrée du cadre. Quatrièmement, vérifiez votre téléphone ou votre appareil photo pour vous assurer que la photo qu' il capture aura taille de fichier de la plus haute qualité. Ce sont tous les éléments de base pour photographier vos œuvres d'art. Comme vous pouvez le constater, la photographie est un peu plus compliquée que la simple numérisation, mais la photographie est définitivement une option viable si vous en avez besoin. Une fois que vos numérisations ou photos sont enregistrées sur votre ordinateur, l'étape suivante consiste à ouvrir Photoshop. 8. Retirer l'arrière-plan: [MUSIQUE] Il est maintenant temps de supprimer ce fond de texture papier. Cette étape est cruciale car nous allons déplacer chaque élément tout seul et les assembler en un motif homogène. Si la texture du papier était en place pour cela, cela ne fonctionnerait tout simplement pas. Voyez-vous ce que je veux dire ici ? C'est pourquoi il est très important de supprimer ce fond de texture de papier original. Plus tard, nous mettrons un nouvel arrière-plan à sa place. Cette nouvelle texture de papier va se trouver sur sa propre couche, sorte que nous pourrons déplacer nos éléments sans que cette texture de papier ne se déplace également. Il restera en place tout le temps. J'aime bien avoir ces arrière-plans de texture papier aquarelle derrière mes peintures à l'aquarelle. Cela aide les aquarelles à se sentir un peu plus ancrées, et c'est un joli clin d'oeil à votre support original, qui peignait ces éléments à la main. J'ai ouvert Photoshop et ça ressemble à ça. Je suis allé de l'avant et j'ai réinitialisé tous mes essentiels pour que vous puissiez voir exactement la même chose que je vois. Si, à un moment donné, vos préférences sont un peu différentes des miennes et que vous vous perdez, je vais vous montrer comment réinitialiser vos essentiels pour que nous soyons tous sur la même longueur d'onde. Ici, dans votre menu principal, vous pouvez appuyer sur Photoshop, Préférences, Général. Ensuite, allez ici à cette option où elle indique réinitialiser les préférences lors de l'arrêt. Cliquez dessus, appuyez sur « Ok » et « Ok », et maintenant ce que vous pouvez faire est de quitter Photoshop, le rouvrir, et vous verrez exactement la même chose que je vois sur mon écran parce que nous allons tous les deux être à cette page de démarrage. La première chose que je vais faire est de venir ici sur mon bureau et vous pouvez voir ces deux apparences que j' ai faites de mes peintures. Je vais commencer un nouveau dossier sur mon bureau et l'appeler le titre de cette illustration. J'ai beaucoup de motifs floraux différents et je veux m' assurer de les garder distinctement différents des autres. Je vais appeler ça des fleurs douces. Je vais nommer ce dossier Sweet Florals. Je veux toujours m'assurer que mes dossiers correspondent au nom du design. Maintenant, nous pouvons cliquer et faire glisser mes scans et les mettre dans mon dossier Sweet Florals. Maintenant, tout va être contenu au même endroit. Tout d'abord, je vais aller de l'avant, sélectionner mes deux scans et les ouvrir dans Photoshop. Vous pouvez maintenant voir que les deux analyses se trouvent dans deux onglets distincts ici dans Photoshop. La première chose que je vais faire est les combiner dans le même document. Lorsque je retire cet arrière-plan papier, il se retire des deux scans en même temps. Pour ce faire, je vais simplement passer ici, sélectionner l'un de mes onglets, cliquer et le détacher et maintenant j'ai ce document séparé de celui qui se trouve en dessous. Ensuite, j'utiliserai mon outil Pointeur, qui est V sur mon clavier. Vous pouvez également accéder à votre menu ici et sélectionner V comme outil Déplacer. Avec cette option sélectionnée, je vais simplement cliquer n'importe où sur mon Canevas et le faire glisser dans mon autre document. Maintenant, je peux revenir à ce premier onglet, cliquer pour le fermer car je n'en ai plus besoin. Maintenant, je n'ai qu'un seul onglet ouvert et il y a deux couches ici. Vous pouvez toujours activer et désactiver ces globes oculaires pour modifier la visibilité de vos calques. Le calque que j'ai fait glisser sur le dessus est ici, il s'appelle calque 1 et ce calque d'origine s'appelle juste arrière-plan. Je vais activer la couche 1. Encore une fois, appuyez sur « V » pour vous assurer que mon outil Déplacer est sélectionné. Je vais juste cliquer et faire glisser ça sur le côté. Appuyez ensuite sur « C » pour accéder à mon outil Recadrage. Vous pouvez également vous y rendre ici dans votre barre de menus, cliquer longuement et vous assurer que cet outil de recadrage est sélectionné. Si vous jetez un coup d'œil dans le menu supérieur, vous verrez qu'aucun ratio n' est sélectionné. C'est génial. C'est exactement comme ça que je veux le garder. Maintenant, je peux simplement cliquer sur le côté, tirer le recadrage et m'assurer que je saisis le reste de cette analyse. Vous pouvez maintenant appuyer sur « Entrée » votre clavier pour définir ce recadrage. Parce que je n'aime pas regarder choses à l' envers sur mon écran, je vais faire pivoter cette autre analyse pour que tout soit dans la même orientation. Encore une fois, cette couche est sélectionnée. Je vais aller dans mon outil Transform, qui est Command T sur votre clavier. Vous pouvez également y accéder en allant dans Modifier, Transformer, Rotation. Vous verrez maintenant que votre pointeur est devenu cette flèche courbée à deux pointes. Je vais simplement cliquer et faire glisser ça pour le faire pivoter. Si vous maintenez la touche Maj enfoncée sur votre clavier, la rotation s'accrochera à ces incréments parfaits de 15 degrés, ce qui facilite un peu la tâche. Une fois qu'il est positionné dans la bonne orientation, j'appuie sur « Entrée » pour définir cette transformation. À ce stade, j' ai les deux scans ensemble sur le même tableau artistique. Je peux simplement cliquer sur ce premier calque, maintenir la touche Maj enfoncée sur mon clavier, cliquer sur le calque d'arrière-plan et appuyer « Commande E » pour fusionner ces deux calques ensemble et maintenant tout est activé un seul calque de sorte que lorsque nous supprimons l'arrière-plan, il arrive à ces deux scans au lieu de devoir le faire deux fois. Une chose très rapide, je tiens à souligner ici sur le panneau de vos calques, les calques d' arrière-plan sont verrouillés par défaut, ce qui signifie que vous ne pouvez pas effectuer de réglages aussi facilement. Si votre calque est verrouillé, suffit de cliquer dessus une fois pour rompre ce verrou et rendre cette couche modifiable. Avant de faire quoi que ce soit d'autre, je veux aller de l'avant et sauver mes progrès. Fichier, Enregistrer sous, je n'ai pas besoin de le montrer à nouveau car j'enregistre toujours sur mon ordinateur et nous sommes déjà dans ce dossier floral doux, ce qui est génial. Je vais juste aller de l'avant et changer le nom du dossier en fleurs sucrées. Assurez-vous qu'il s'agit d'un format Photoshop, ce qui signifie que l'extension se termine par PSD et appuyez sur « Enregistrer ». Je n'ai pas besoin de le montrer à nouveau car je veux toujours une compatibilité maximale. Maintenant, vous pouvez voir dans l'onglet supérieur, le nom de ce fichier a changé , quel que soit le scan d'origine en « sweet florals.PSD » ou quel que soit le titre de votre illustration. Si, pour quelque raison que ce soit, vous ne voyez pas de changement de nom ici dans l'onglet, fermez-le en cliquant sur X. Retournez dans votre dossier, retrouvez ce fichier et ouvrez-le . encore une fois dans Photoshop. Vous voulez absolument vous assurer que votre fichier est modifié ici dans cet onglet. Lorsqu'il s'agit de supprimer votre fond de texture papier dans Photoshop, la première étape consiste à définir les points blancs. Cela ne s'applique en passant si le papier sur lequel vous avez peint à l'origine est blanc, si vous avez peint de l'acrylique sur travaux manuels ou sur une toile plus foncée, vous n'avez pas besoin de faire cela. Mais parce que je peins presque tout sur du papier aquarelle blanc, je commence par définir les points blancs car parfois mes numérisations deviennent un peu plus sombres que l'original, donc je veux pour le ramener à la vivacité naturelle de ma peinture originale. Je vais vous montrer comment faire ça. Encore une fois, je vais cliquer sur ce calque, assurer qu'il est sélectionné et je vais entrer dans mes niveaux, c' est-à-dire la commande L sur votre clavier. Vous pouvez également y accéder en allant à l'image, aux réglages, aux niveaux. Ici, à vos niveaux, vous avez ces trois compte-gouttes. Celui que nous voulons se trouve ici à l'extrême droite, allez-y et cliquez dessus et c' est ainsi que nous goûtons nos points blancs. Je vais zoomer sur mon aquarelle, Command, plus, plus, plus, plus, plus, plus. Trouvez une zone blanche sur ce papier et cliquez simplement une fois. Très, très légère différence, mais ce qui a fait, c' est qu'elle a éclairé la composition globale et a obtenu que les zones les plus larges soient blanches, ce qui est plus naturel que l'original était peint. Je vais aller de l'avant et appuyer sur « OK » et ensuite adapter ma composition à l'écran, c' est-à-dire Commande 0 sur votre clavier. Je vais vous montrer l' avant et l'après ici dans mon histoire. Avant de définir le point blanc, ça ressemblait à ceci. Après avoir défini le point blanc, ça ressemblait à ça. De très petits changements. La prochaine chose que je souhaite faire est de sélectionner cette texture de papier afin que nous puissions isoler de l'arrière-plan. Encore une fois, je veux m'assurer que mon calque est sélectionné. Je vais dupliquer ce calque en appuyant sur la commande J sur mon clavier, puis en cliquant et en masquant la visibilité de cette couche d'origine. Nous allons revenir sur cette couche d'origine un peu plus tard. Mais pour l'instant, je peux simplement aller de l'avant et le cacher et nous pouvons nous concentrer sur ce calque dupliqué. Pour sélectionner l'arrière-plan, je vais utiliser un outil appelé baguette magique. Pour y arriver, vous pouvez appuyer sur « W » votre clavier ou en accédant à la barre d'outils, en cliquant et en maintenant enfoncé et en vous assurant que l'outil Baguette magique est sélectionné. La dernière chose que je vais faire est de cliquer là où il est dit contigu, pour désactiver cela. Avec contigu activé, si je devais sélectionner, disons cette zone rose, elle ne va attraper que les roses qui se touchent dans une tolérance de 32. Si je désactive les contigus et que je fais la même chose, il va sélectionner tous les roses de la toile entière, même s'ils ne se touchent pas directement dans la même tolérance de 32. Si je devais ramener cette tolérance jusqu'à 99 et sélectionner les roses, vous pouvez voir beaucoup d'autres choses qui ont été sélectionnées, même les choses que je ne veux pas forcément saisir. Nous allons appuyer sur « Commande D » pour retourner là où j'étais. Remettez cette tolérance à 32. C'est un bon endroit idéal. Assurez-vous que le contigu est désactivé. Avec ma baguette magique sélectionnée, je vais simplement cliquer n'importe où dans la zone blanche pour sélectionner cette texture de papier. Je peux appuyer sur « Z » sur mon clavier et zoomer. Ce que je cherche, c'est m' assurer que toute cette texture de papier blanc a été sélectionnée. Je m'en fiche trop qu' il y ait des stragglers ici parce qu'ils ne touchent pas le tableau lui-même. Tant que cette texture de papier a été sélectionnée, je suis prêt à partir. Si vous devez ajouter à votre sélection, encore une fois appuyant sur « W » de votre clavier pour passer à l'outil Magic Wand, vous pouvez appuyer et maintenir la touche Maj sur votre clavier, cliquer et ajouter à votre sélection. Je vais vous montrer très vite, ici, il a attrapé une partie du blanc des zones les plus claires de ce pétale. C'est pourquoi j' aime bien peindre un peu plus sombre et ne pas avoir ce spectacle blanc. Parce que lorsque des choses comme ça se produisent, ça ajoute une étape supplémentaire pour moi. Si vous avez beaucoup de zones blanches dans votre illustration, je vais vous montrer comment supprimer l'arrière-plan de la texture du papier sans découper dans votre illustration, donc c'est probablement une bonne chose. c'est ce qui arrive. Commande 0 pour s'adapter à l'écran. La première chose que je vais faire est d'inverser ma sélection. Vous pouvez y arriver en allant à sélectionner, inverser. Ce que cela a fait, c'est au lieu d'avoir sélectionné le fond blanc, il a inversé la sélection de sorte que maintenant c'est mon illustration qui a été sélectionnée. Maintenant, je vais aller dans Sélectionner, Modifier, Développer d'un pixel. Je vais zoomer et vous montrer à quoi cela ressemble. Avant d'agrandir d'un pixel, cela ressemblait à ceci, et après avoir ajouté un peu plus d'espace de respiration autour notre illustration, de sorte que nous ne recadrons aucun élément vital. Enfin, je vais aller dans Sélectionner, Modifier, Plume d'un pixel et appuyer sur « OK ». Vous ne pouvez pas vraiment dire qu' s'est produit quelque chose de significatif, mais ce que fait la plume, c'est qu'elle ajoute un très léger flou au bord de votre sélection. Sans la plume, si je devais découper la texture du papier, ce serait une ligne très dure, mais en la plaçant d'un pixel, cela ajoute simplement un beau flou doux pour qu'il ne se sente pas comme fortement découpé. De cette façon, lorsque nous le mettrons sur une texture papier plus tard, il sera un peu plus naturel et il se fondra un peu mieux. Je vais écrire Command Zero pour qu'il corresponde à l'écran. Je vais revenir ici à nouveau en m'assurant que le calque est sélectionné et en bas du panneau Calques et cliquez sur cette icône où elle indique « Ajouter un masque de calque ». Cool. Cet arrière-plan à carreaux est façon de Photoshop d'indiquer qu'il s'agit d'une transparence. Chaque fois que vous voyez cette case à cocher grise et blanche, cela signifie qu' il n'y a rien. n'y a pas de blancheur, il n'y a pas de fond papier, il est tout simplement complètement transparent, ce qui est exactement ce que nous voulons. Mais, rappelez-vous, ici, nous avons cette zone qui a été sélectionnée et si je zoome très près, vous pouvez voir que la partie de notre illustration a été découpée. Vous pouvez voir ces zones d' arrière-plan à carreaux. Je ne veux pas que cela se produise. Je veux conserver l'intégrité de mes œuvres d'art originales , je veux donc la repeindre c'est pourquoi nous avons utilisé le masque. Encore une fois, commandez zéro pour s'adapter à l'écran Ce que je vais faire, c'est ici, sur mon panneau Calques, je veux m'assurer que ce calque est sélectionné. Je vais passer ici à mes effets, qui est l'icône fx, cliquez dessus et sélectionnez Superposition de couleur. Peu importe la couleur que vous avez ici, tant que vous pouvez voir beaucoup de contraste entre vos éléments et l'arrière-plan. Cela n'a pas seulement rendu tous mes éléments noirs. Je l'utilise simplement temporairement pour voir très clairement ce qui a été découpé et ce qui est encore là. Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire. Je vais appuyer sur Z sur mon clavier et zoomer, et maintenant je peux clairement voir les zones qui ont été découpées lorsque nous avons supprimé cet arrière-plan de texture papier. Pour illustrer ce que je veux dire, vous pouvez désactiver et activer la visibilité de masque de calque et voir exactement de quoi il parle. Il est vraiment difficile de voir que ces zones ont été découpées ici, mais lorsque vous activez la superposition de couleurs, cela devient beaucoup plus évident. J'utilise les superpositions de couleurs comme moyen temporaire pour moi de voir très rapidement ce qui a été découpé, ce qui est encore là, et au moment où j'ai fini de le peaufiner, je peux aller de l'avant et simplement supprimer ça. superposition de couleur. C'est juste un outil temporaire pour moi afin que je puisse voir un peu mieux ce qui se passe sur mon ordinateur. Ce que je veux faire, c'est de revenir en arrière dans les zones qui ont été retirées lorsque j'ai découpé ce fond de texture de papier. Pour ce faire, je vais utiliser mon outil de pinceau, qui est B sur mon clavier. Vous pouvez également vous y rendre ici dans votre barre d'outils, en cliquant et en maintenant enfoncé et en vous assurant que votre outil de pinceau est sélectionné. Ensuite, je vais cliquer sur cette petite flèche à côté de la taille de mon pinceau, tourner la dureté jusqu'à 100 %, augmenter un peu la taille et revenir ici à mon calques. Je veux m'assurer que ce n'est pas la vignette du calque, mais le masque est ce qui est sélectionné. Maintenant, je peux appuyer sur Z sur mon clavier, cliquer, faire glisser et rechercher des zones qui ont accidentellement été supprimées comme cette zone ici. Donc, B sur mon clavier me donne mon pinceau. Voici une petite astuce pratique. Vous pouvez utiliser votre support droit et votre support gauche sur votre clavier pour modifier la taille de votre pinceau sans avoir à passer ici chaque fois et faire manuellement ici sur le défilement. Il s'agit simplement d'un petit moyen pratique de changer rapidement la taille du pinceau sans devoir revenir à chaque fois dans la barre d'outils. Ce que je veux faire, c'est peindre dans les zones qui ont été découpées. Pour ce faire, je veux m' assurer que mes couleurs ici sont blanches au premier plan et noires en arrière-plan. S'ils ne ressemblent pas à ceci, continuez et appuyez sur D sur votre clavier et les couleurs par défaut seront réinitialisées. Si vous appuyez sur X sur votre clavier, il permutera quelle que soit la couleur de premier plan et d' arrière-plan. Si vous appuyez à nouveau sur X, il reviendra comme avant. Mais en appuyant sur D, il va directement dans vos valeurs par défaut et vous pouvez cliquer et utiliser votre pinceau pour remplir les zones qui ont été découpées. Je cherche juste ces zones blanches à l'intérieur mes pétales et c'est ce que je vais repeindre. Si j'échangeais mes couleurs de premier plan et d'arrière-plan, qui est encore X sur votre clavier, et que je les peins, j'effacerais en fait une partie de l'illustration. Si je désactive ma superposition de couleurs, c'est à ça que ça ressemble. Je ne veux vraiment pas faire ça. Je vais appuyer sur la commande Z de mon clavier quelques fois pour revenir là où j'étais auparavant. N'oubliez pas que vous pouvez toujours activer et désactiver la visibilité de cette superposition de couleur, cela nous aide simplement à voir ce qui a été découpé et ce qui ne l'est pas. La superposition de couleur est activée. Je vais appuyer sur Commande Moins à quelques reprises, puis faire défiler mon tableau d'art et m' assurer qu'il n'y a pas de zones intégrales dans l'illustration qui sont découpées. J'ai peint assez sombre sur cet original, donc ça a l' air plutôt bien. En voici un juste ici. Encore une fois, D sur mon clavier pour s'assurer qu'il s'agit des couleurs de premier plan et d'arrière-plan par défaut. Je veux m'assurer que mon masque est sélectionné, pas le calque lui-même, mais le masque. J'appuierai sur B sur mon clavier pour accéder à mon pinceau et je vais simplement remplir cette zone. J'ai définitivement perdu beaucoup plus sur ce floral frontal. Encore une fois, je ne fais que le remplir avec mon pinceau. Je vais zoomer plus serré sur celui-ci, alors Z et tirez. Maintenant, vous pouvez voir quand je désactive la superposition de couleurs, cette zone qui a été découpée auparavant est maintenant de retour dans l'illustration. n'y a pas de grille transparente à travers mon pétale de fleurs , ce qui est parfait. La superposition de couleur revient, Commande moins moins et B pour accéder à mon pinceau et je vais finir de remplir ces zones. N'oubliez pas que vous pouvez utiliser votre support droit pour augmenter la taille de votre brosse, et votre support gauche pour le réduire. C'est l'un de ces moments où il est vraiment important d'avoir un écran d'ordinateur propre. Sinon, vous essayez d'effacer cette partie de l'illustration et il s'avère que ce n'est qu'un morceau de poussière sur votre écran. Je passe par là et je cherche juste des zones dans l'illustration qui ont été découpées que je veux remplir. la plupart des cas, c'est plutôt beau. Je suis presque sûr que cette zone est la marque du crayon. Voyons, oui, donc c'est les marques de crayon qui arrivent parce que je ne les ai pas complètement effacées, est pourquoi cela vous permet d'économiser beaucoup de travail numérique si vous allez l'avant et effacez très complètement votre Du papier, mais je vais vous montrer comment vous en débarrasser. Encore une fois, mon masque est sélectionné, ma superposition de couleur est désactivée pour que je puisse voir les marques de crayon. Je vais appuyer sur B pour atteindre mon pinceau, support gauche quelques fois pour le réduire. Maintenant, je vais appuyer sur X sur mon clavier pour changer mes couleurs par défaut et maintenant je peux simplement cliquer et effacer très doucement ces marques de crayon. Si vous enlevez ces marques de crayon et vous allez accidentellement un peu trop loin, que vous allez accidentellement un peu trop loin, ce n'est pas la fin du monde et c'est pourquoi nous utilisons le masque au lieu de simplement effacer le calque. lui-même. Lorsque nous avons un masque en place, nous pouvons peindre dans toutes les zones que nous avons accidentellement enlevées. Dans ce cas, je veux simplement changer mes couleurs de premier plan et d'arrière-plan ici, ce qui est encore une fois en appuyant sur X sur votre clavier. Ensuite, je peux utiliser mon pinceau et peindre littéralement dans la zone qui a été enlevée en premier lieu. Encore une fois, en appuyant sur X et changeant mes couleurs de premier plan et d'arrière-plan, je peux maintenant très délicatement peindre les zones où se trouve ce papier. Les masques ici vous donnent simplement plus de souplesse. Je vais aller de l'avant et rallumer cette superposition de couleur. Ensuite, commandez moins, moins, moins, moins, moins pour effectuer un zoom arrière quelques fois et assurez-vous que j'ai rempli le reste des zones de mon illustration qui ont été découpées. On dirait que je les ai tous obtenus, ce qui est fantastique. Mais si vous vous demandez ce que nous allons faire à propos tous ces petits morceaux et traîneaux ici que nous ne voulons certainement pas dans notre finale, c'est ainsi que vous les supprimez également. Je pourrais avec mon pinceau sélectionné, passer par et me débarrasser manuellement de tout cela. Mais quand vous regardez tout le Canvas, ce serait beaucoup de travail, donc j'ai un raccourci pour vous. Ici, sur mon calque avec ma superposition de couleur activée, donc mon calque entier est noir ou quelle que soit la couleur que vous choisissez. Je vais contrôler le clic sur le nom de ma couche. Encore une fois, je ne vais pas cliquer en maintenant la touche Contrôle enfoncée sur le masque ou cliquer sur la vignette du calque. Je veux m'assurer que je survole nom de ma couche, puis que je contrôle le clic, et je vais aller ici pour rastériser le style de calque. Ce qui a fait, c'est qu'il a aplati toute la couche. Maintenant, nous ne pouvons plus activer ou désactiver la visibilité de ce masque car il a été aplati. C'est exactement pourquoi notre couche d'origine est enregistrée en dessous avec la visibilité désactivée car nous y accéderons dans une seconde. Ma couche est complètement aplatie. Il est sélectionné, pas le calque d'origine, ne connaît pas le calque, mais ce calque est sélectionné. Je vais revenir à mes baguettes magiques, qui se souviennent que c'est W sur votre clavier ou ici sur votre barre d'outils, l'outil baguette magique. Maintenant, je vais retourner contigu, cliquer sur l'un de mes pétales pour qu'il soit sélectionné, et rappelez-vous qu'en continuant, il ne s'agit que de sélectionner les zones qui se touchent. Ce que je veux faire est de maintenir la touche Maj enfoncée sur mon clavier et de cliquer et de sélectionner toutes les autres zones de mon illustration. Une bonne façon de tester si toutes vos zones ont été sélectionnées est d'appuyer sur la commande X sur votre clavier, qui élimine tout sauf que j'ai complètement oublié la signature, donc la commande Z pour annuler. Ensuite, j'appuierai Z sur mon clavier. Cliquez et faites glisser le curseur pour me resserrer un peu afin que je puisse voir ce que je fais. Ensuite, j'appuierai W sur mon clavier pour revenir à mes baguettes magiques. Appuyez sur Maj et maintenez puis cliquez et saisissez tous les morceaux de ma signature. Cool Command 0 pour s'adapter à l'écran. Maintenant, si je le découpe à nouveau, Commande X, je peux voir que tous les domaines importants de cette illustration ont disparu, et j'ai laissé derrière moi tous ces petits morceaux de traîneau, c'est exactement ce que je veux faire. Commandez Z pour le remettre en place, Commandez 0 pour revenir à l'écran afin que je puisse voir ce que je fais. Maintenant, avec tout ce qui est sélectionné, je vais passer ici dans le panneau de mes calques, désactiver la visibilité de ce calque noir. Activez la visibilité de mon clic d'origine et assurez-vous que mon calque d'origine est sélectionné. Accédez à Sélectionner, Modifier, Plume, un pixel. Appuyez sur « OK » et allez dans Modifier, Couper. Nous allons maintenant accéder à Modifier, Coller spécial, Coller en place, et vous pouvez voir que votre illustration a collée exactement à l'endroit où elle a été découpée. La raison pour laquelle c'est si important c'est que si vous passez ici dans le panneau Calques, vous pouvez aller de l'avant et cliquer sur Supprimer sur ce calque d'arrière-plan et sélectionner ce calque noir. Appuyez également sur Supprimer, et vous avez maintenant votre illustration avec l'arrière-plan parfaitement supprimé. C'est exactement comme ça que je retire l'arrière-plan chaque papier aquarelle que je numérise sur mon ordinateur. Il semble qu'il y ait beaucoup d'étapes, mais si vous continuez à vous entraîner, vous arriverez à un point où cela semble très intuitif et vous passerez par toutes ces étapes de manière très transparente. Pour moi, il faut environ cinq minutes pour supprimer ce fond de texture papier parce que je vais très vite maintenant. Il ne s'agit que de l'étape 1, l'étape 2, de l'étape 3. Plus vous le pratiquez, mieux vous obtiendrez et vous vous sentirez beaucoup plus à l'aise avec le processus. Maintenant que nos éléments ont été isolés de l'arrière-plan, continuons et économisons. La commande S va enregistrer ce fichier. Voici les étapes à suivre pour supprimer l'arrière-plan de la texture du papier. Je tiens à souligner ici qu' il existe en fait de nombreuses façons différentes de supprimer l' arrière-plan de la texture papier dans Photoshop. C'est exactement la façon qui me convient le mieux. Si vous ne pouvez pas dire que je suis très précis sur la façon dont j'ai supprimé cet arrière-plan. Je voulais me sentir aussi lisse et naturel que possible, c'est pourquoi je passe tout ce temps à plumer d'un seul pixel, à repeindre manuellement ce masque, ajuster le point blanc. Tous ces trucs très minutieusement détaillés. En fin de compte, je gagne ma vie en accordant licences à mes œuvres d'art à un niveau professionnel, sorte que l'attention supplémentaire portée aux détails compte vraiment. Il vous faudra probablement quelques essais avant de vraiment vous lancer dans la suppression de ce fond de texture de papier, et c'est tout à fait normal. Vous pouvez rembobiner cette vidéo autant que nécessaire jusqu'à ce que vous vous sentiez à l' aise avec le processus. J'ai définitivement mis en signet beaucoup de vidéos lorsque j'ai commencé avec Photoshop et que j' apprenais les bases. Maintenant que vos éléments sont complètement supprimés de l'arrière-plan, il est temps de les préparer en un motif homogène. 9. Préparez vos éléments: [MUSIQUE] Il est maintenant temps de préparer et de polir vos éléments afin que nous puissions les organiser en un motif homogène. Avant de le faire, allez-y et sauvegardez vos progrès. C'est toujours une bonne idée d'économiser au fur et à mesure. Pour moi, ce n'est qu' une simple commande S. Tout d'abord, ce que nous allons faire est d'ajuster cette vivacité de couleur. Comme je l'ai mentionné avec la numérisation, parfois l' éclat et la saturation d'origine de vos couleurs peuvent être un peu perdus dans ce processus de numérisation, ce qui n'est pas grave, nous pouvons aller de l'avant et apporter tout de suite dans Photoshop. Je vais vous montrer comment. Tout d'abord, je veux m'assurer que ce calque est sélectionné. S'il n'est pas sélectionné, il suffit de le toucher une fois et s' assurer que le cadre de sélection s'affiche autour. Commande 0 pour s'adapter à l'écran. La première chose que je vais faire est ouvrir la teinte et la saturation. Vous pouvez y accéder en appuyant sur Commande U sur votre clavier ou en passant réglages de l'image, à la teinte et à la saturation. Encore une fois, ce que je vois ici sur mon papier est vraiment luxuriant, vibrant et saturé. À l'écran. C'est un peu perdu. Ramenons ça tout de suite. Avec mon menu de teinte et de saturation ouvert, je vais simplement cliquer sur le bouton à côté la saturation et l' afficher un peu. Lorsque cette case d'aperçu est cochée ici, vous pourrez voir en temps réel les modifications que vous effectuez. Tout le chemin vers la gauche, désature complètement votre œuvre d'art. Tout au long de la droite, rend très, très dynamique. Nous n'avons besoin de rien d'aussi fou. Je vais retourner au centre et juste en parler un peu. Je pense que le 22 est un bon endroit. Je vais aller de l'avant et appuyer sur « OK ». Encore une fois, vous pouvez passer ici à votre histoire pour voir l' avant et l'après. Des changements très subtils, mais c'est génial. Ensuite, lorsque je regarde ici mon original, je vois que les tons sont assez profonds et sombres dans certaines zones, et je veux aller de l' avant et ramener cela dans ma version numérisée. Pour cela, nous allons utiliser nos niveaux. Encore une fois, en vous assurant que votre calque est sélectionné, vous pouvez obtenir deux niveaux en appuyant sur la commande L sur votre clavier ou en allant ici à l'image, aux réglages et aux niveaux. Il s'agit maintenant du même outil que celui que nous avons utilisé plus tôt lorsque nous définissions ce point blanc ici. Ce n'est pas ce que nous allons faire cette fois-ci. Au lieu de cela, je vais me concentrer ici sur les niveaux d'entrée. Si vous faites glisser ce bascule d'extrême gauche vers la droite, votre illustration devient très, très profonde et sombre, et si vous aviez amené ce bascule d'extrême droite à gauche, il devient très, très léger. Cette bascule au milieu sert à définir ces tons moyens. En général, je n'utilise trop souvent cette bascule du milieu. Au lieu de cela, j'aime jouer avec les bascules droit et gauche. La première chose que je vais faire, c'est aller ici sur mon bascule gauche et de voir ce qui se passe si je l'apporte si légèrement à droite. J'aime la façon dont cela approfondit vraiment l'obscurité ici, mais je ne veux pas être trop sombre ici sur ma feuille, alors je pense que je vais m' arrêter ici à 23 ans. De même, voyons ce qui se passe si j'amène un peu mon bascule droit vers l'intérieur. Je pense que je vais juste l' apporter si légèrement. Si je l'amène trop loin , ces zones plus légères deviennent un peu trop blanches. Ce n'est pas une science exacte. Cela se résume vraiment à des préférences personnelles. C'est moi qui regarde mon illustration qui détermine à quel point je veux qu'il devienne sombre, à quel point je veux qu'il devienne clair, sa saturation, etc. Pour vous, penchez-vous simplement vos préférences personnelles et amusez-vous bien avec ça et jouez un peu. Une fois que vous avez trouvé un endroit idéal ici, vous pouvez aller de l'avant et appuyer sur « OK ». Encore une fois, je vais vous montrer avant que nous ayons fait tous ces ajustements et après. De très légers changements, mais je pense que cela fait une grande différence dans l'ensemble. Nous allons entrer dans ces deux outils un peu plus tard lorsque nous jouerons avec ces réglages de couleurs, mais pour l'instant, continuons de préparer nos éléments pour le motif transparent. Si vous jetez un coup d'œil ici, tous nos éléments se trouvent sur un seul calque. C'est indiqué ici sur le panneau Calques. Ce que je veux faire, c'est séparer ces éléments pour que je puisse bouger une seule feuille sans que tout le reste ne bouge. N'oubliez pas que nous allons assembler ces éléments comme un puzzle, il est donc important de pouvoir les déplacer un à la fois. Pour ce faire, je vais utiliser mon outil Lasso, qui est L sur votre clavier. Vous pouvez également accéder à votre barre de menus, sélectionner et la maintenir enfoncée, et vous avez vos options Lasso. Le Lasso classique signifie que vous pouvez simplement dessiner exactement ce que vous voulez que votre sélection soit. C'est génial car il vous offre beaucoup de flexibilité. Le Lasso magnétique, Lassos autour de formes. Donc ce n'est pas moi qui dessine parfaitement, c'est le Lasso qui détermine où se trouvent les limites. Je l'utilise aussi de temps en temps, mais pas pour le moment. L'outil Lasso que je vais utiliser pour cela est le Lasso polygonal. C'est le Lasso qui dessine ces lignes parfaitement droites et pour moi, il est juste un peu plus rapide d'utiliser celui-ci lorsque j' isole des formes. Littéralement, la façon dont cela fonctionne est de cliquer simplement sur vos points d'ancrage pour sélectionner l'ensemble de votre pièce. Il n'est pas nécessaire de le connecter parfaitement au début. Il suffit de double-cliquer pour terminer la sélection. Comme je l'ai mentionné, je veux que chacun de ces éléments soit séparé sur sa propre couche. Une fois ma première sélection terminée, je vais la couper en appuyant sur Commande X sur mon clavier, puis je la remettrai en place, c' est-à-dire le décalage de la commande V, le tout en une seule fois. Vous pouvez également coller sur place en allant dans Modifier, Coller le collage spécial en place. Juste un conseil de pro ici, si jamais vous oubliez un raccourci clavier, ils sont listés ici droite comme un petit rappel, si vous souhaitez les utiliser plus tard. Donc Coller in Place est littéralement Shift Command V et nous l'avons là. Maintenant, si vous regardez ici sur le panneau de vos calques, vous pouvez voir que Hero Elements se trouve sur son propre calque. Cela signifie que vous pouvez venir ici et cliquer, tourner vos éléments, faire pivoter si vous le souhaitez. L'important, c'est qu'il se trouve sur sa propre couche, donc nous avons plus de flexibilité. Nous voulons aller de l'avant et le faire pour tous les autres éléments de notre toile. Un conseil de pro ici. instant, cette couche est sélectionnée. Si c'était le cas, allons-y et plongeons là-dessus. Lasso autour de cette fleur, donc pour aller à mon Lasso, rappelez-vous que j'utilise mon Lasso polygonal. Si je devais couper autour de cette fleur et aller dans Edit Cut, je vais avoir cette erreur et la raison se produit est parce que jetez un coup d'œil ici, je ne suis pas sur le bon calque. Tout ce que vous devez faire, c'est de vous assurer que vous êtes sur couche d'origine de l'élément que vous essayez de sortir au lasso , puis de réessayer. Éditez, coupez, parfait. N'oubliez pas que la commande Maj V va la coller en place. Maintenant, nous avons cette fleur orientée vers l'avant entièrement sur sa propre couche. Je vais juste accélérer un peu cela et finir d'isoler ces éléments en m'assurant que la couche des éléments principaux est sélectionnée. J'appuie sur L pour accéder à mon Lasso, Commande X pour couper, Maj Command V pour coller, rincer et répéter. Retournez à mon calque. N'oubliez pas votre signature ici. Coupe la commande Maj V à coller. Allons de l'avant et saisissons le reste de ces éléments en utilisant le même processus. Je vais appuyer sur Z et insérer ces éléments car ils sont minuscules , puis j'appuie sur L pour revenir à mon Lasso et Command 0 pour s'adapter à l'écran. Je vais activer et désactiver la visibilité de cette couche d'origine. cool, juste pour s'assurer que ce point orange est le dernier point. Vous pouvez vérifier à nouveau en faisant sélectionner cette couche d'origine et en appuyant sur Commande T pour ouvrir la transformation. Vous devriez voir que cette zone de limite ne se trouve que sur cette dernière forme, ce qu'il s'agit. Évadez-vous pour sortir de la transformation. Nous avons maintenant tous nos éléments sur leurs propres couches individuelles ici, ce qui est exactement là où nous voulons être. La dernière étape que nous devons faire pour terminer la préparation de nos éléments avant commencer à les organiser en un motif homogène consiste à transformer chacune de ces couches en un objet intelligent. Dans la vidéo suivante, lorsque nous commencerons à organiser ce bloc de motifs, nous allons utiliser un outil dans Photoshop appelé Aperçu des motifs. Il s'agit d'un outil vraiment puissant dans Photoshop. C'est essentiellement ce qui nous permet de créer ces motifs uniformes très facilement. Mais la clé pour que cela fonctionne est chacune de nos couches ici, chaque élément doit être un objet intelligent. En ce moment, ils ne le sont pas. Nous plongerons un peu plus en profondeur dans les objets intelligents dans notre prochaine vidéo. Mais pour l'instant, allons-y et finissons la préparation des éléments, donc je vais commencer par le haut de la pile ici, sélectionner ce calque et monter ici dans ma barre de menu supérieure et cliquer sur « Calque », Les objets intelligents se convertissent en objet intelligent. Si vous regardez votre Canvas, vous ne pouvez pas vraiment voir qu'il s'est passé quelque chose. Mais ici, dans le panneau de vos calques, vous verrez cet indicateur bas à droite de la vignette de votre calque et c'est la façon de Photoshop de vous montrer qu'il s' agit d'un objet intelligent et non d'un objet intelligent . couche rasterisée normale. Nous voulons aller de l'avant et faire exactement la même chose pour tous les autres éléments de notre panneau Calques. Il y a donc beaucoup de couches ici. Je pense que je compte 17 ou 18 ans. Je vais vous montrer comment accélérer ce processus en créant votre propre raccourci personnalisé. Ici, dans la barre de menu supérieure, cliquez sur « Modifier » jusqu'aux raccourcis clavier du bas. Basculez le carat en regard de Calque. Et vous voulez faire défiler vers le bas jusqu'à ce que vous voyez un objet intelligent qui, si je me souviens bien, il devrait être vers le bas. Parfait, voici des objets intelligents. Allez-y et cliquez là où il est indiqué Convertir en objet intelligent et c'est là que vous pouvez saisir vos propres raccourcis clavier personnalisés. Je vais penser à un raccourci clavier que je n'utilise pas vraiment pour autre chose, c' est-à-dire la commande Y. Je vais juste taper cette action comme si je faisais le raccourci clavier pour de vrai. Par conséquent, Command Y et Photoshop me disent que ce raccourci clavier est déjà utilisé pour les couleurs d'épreuve. Mais je n'utilise jamais ces couleurs à l'épreuve du raccourci clavier. En fait, je n'utilise même pas ces couleurs à l'épreuve des outils dans Photoshop. Je vais aller de l'avant et le remplacer et en faire mes propres raccourcis clavier personnalisés. Je vais simplement cliquer sur « Accepter ». Parfait. Maintenant, je peux appuyer sur « OK ». Maintenant, je peux parcourir tous mes calques et appuyer sur Commande Y sur mon clavier et il se convertira automatiquement en objet intelligent. C'est juste un moyen pour moi de gagner du temps. Au lieu de toujours monter ici pour Layer Smart Object Convert to Smart Object, je peux simplement parcourir mes couches et appuyer rapidement sur le raccourci clavier, Commande Y, [NOISE] et les faire tous très rapidement. . Parfait. À ce stade nous avons fini de préparer nos éléments. Allons de l'avant et sauvegardons, donc Commande S. La prochaine étape sera d'organiser tous ces éléments dans un modèle homogène. 10. Rédiger le bloc: Maintenant que nous avons terminé tout ce travail de préparation, nous avons conçu, esquissé, peint, supprimé l'arrière-plan, préparé ces éléments. Tout s'est construit jusqu'à ce moment, qui réunit ces éléments en un motif parfait et homogène. Allons de l'avant et commençons. Rappel rapide pour aller de l'avant et enregistrer vos progrès, alors « Command S ». Nous voulons maintenant commencer un nouveau canevas. « Commande N » sur votre clavier ouvrira un nouveau document. Je veux aller ici là où il est dit pouces et le changer en pixels et que mes pixels soient 12 000 par 12 000. La résolution doit être de 300 PPI et le mode couleur doit être RVB. Le reste de vos paramètres devrait correspondre à ce que j'ai ici. Douze mille pixels, c'est l'équivalent ici Je vais vous montrer que si nous le changeons en pouces, il fait 40. Douze mille pixels, c'est la même chose que 40 pouces sur 40 pouces. Ce que nous faisons ici, c'est le bloc, qui est une partie du motif qui se répète à l'infini. Un bloc de 40 x 40 pouces est en fait assez massif. Pour être tout à fait honnête, tout ce qui dépasse 5 000 pixels fonctionnera ici comme un bloc. Je préfère travailler dans des fichiers très volumineux au cas où j'aurais besoin d'utiliser ce bloc complet de 40 pouces plus tard. C'est pourquoi je préfère utiliser des types de fichiers plus volumineux. Encore une fois, tout ce qui est de 5 000 pixels et plus va fonctionner ici. Je préfère simplement travailler sur des toiles géniales. Choisissez la taille de pixel qui vous convient le mieux. Mais je vais aller de l'avant et ramener le mien à 12 000 par 12 000. Une autre chose que je tiens à souligner, c'est que vous voulez vous assurer que le plan de travail est éteint. Si vous voyez une coche ici, cliquez dessus une fois pour désactiver cette option. Parce que l'outil que nous utiliserons ultérieurement appelé Aperçu des motifs ne fonctionne pas si le plan de travail est activé. Assurez-vous que c'est éteint. Encore une fois, tous ces autres paramètres restent les mêmes, je vais continuer et appuyer sur « Créer ». La première chose que je vais faire maintenant que j'ai créé ce nouveau canevas est de le sauvegarder. Fichier Enregistrer sous, je vais enregistrer sur mon ordinateur, sur mon bureau dans ce dossier appelé Sweet Florals. Je vais juste cliquer ici où il est écrit SweetFlorals.psd pour remplir automatiquement mon nom de fichier. Je vais ajouter un bloc à la fin de tout ça. heure actuelle, c'est un PSD, qui est un format Photoshop. En fait, je vais passer à un format de document volumineux, ce qui va changer l' extension ici en PSB. Un fichier Photoshop et un fichier grand format de document sont essentiellement exactement la même chose. La seule différence est que fichier grand format de document vous permettra enregistrer votre fichier à plus de deux gigaoctets. Standard Photoshop Files, qui encore une fois notre PSD, vous permettent d'aller jusqu'à deux concerts ou moins. Mais comme j'utilise une taille de canevas si massive et que je vais avoir beaucoup de calques ici lorsque nous commencerons à régler les couleurs, mon fichier pourrait très bien dépasser deux gigaoctets. Pour aller de l'avant et me préparer à cela maintenant, je veux aller de l'avant et m' assurer que ce fichier grand format de document est sélectionné et vérifier que mon extension ici est PSB. Encore une fois, la seule différence ici est que cela va me permettre d'enregistrer des fichiers de plus de deux gigaoctets, ce qui pourrait être celui-ci. SweetFlorals-Block.PSB est prêt à aller dans mon dossier Sweet Florals. Je vais aller de l'avant et appuyer sur « Enregistrer ». Encore une fois, vous voulez venir ici et regarder votre onglet et vous assurer que ce nom de fichier a changé. S'il indique toujours sans nom, allez-y et fermez-le en appuyant sur X. Ensuite, retournez dans votre dossier, recherchez ce fichier de bloc et double-cliquez dessus pour l'ouvrir dans Photoshop. Jetez ensuite un coup d' œil à vos onglets pour vous assurer que le nom de fichier correct existe. Parfois, Photoshop peut être un peu bogué avec cette commande Enregistrer sous, donc je veux toujours vérifier mes onglets et m'assurer que je suis sur le bon nom de fichier. La règle d'or des motifs sans couture est que tout ce qui est recadré un côté de votre bloc doit être répété parfaitement de l'autre côté. De cette façon, lorsque ce motif est répété et empilé, il s'alignera parfaitement à chaque fois. Avant, je devais le faire manuellement dans Photoshop. Mais maintenant, avec cet outil d'aperçu des motifs, il est beaucoup plus simple pour moi de créer mes motifs, car il va faire cette partie pour moi. Je vais vous montrer comment. Tout comme avant que nous ayons nos deux onglets ici. Nous avons l'onglet Sweet Florals avec tous nos éléments, puis nous avons le fichier bloc ici. Ce que je veux faire, c'est aller de l'avant, sélectionner mon onglet floral doux, le séparer des autres. Ensuite, cliquez sur mon calque tout bas, faites défiler vers le haut et sélectionnez tous mes calques en maintenant la touche Maj enfoncée et en cliquant sur. Cela est allé de l'avant et les a tous récupérés. Maintenant, je peux cliquer sur mes calques et les faire glisser sur ce nouveau canevas ici. Ils sont tous recadrés de la page, mais c'est bon parce que vous les voyez ici dans le panneau des calques. La première chose que je veux faire est de les amener tous au centre de la toile. Je veux que mon outil de déplacement soit sélectionné, qui est encore V sur votre clavier. Ensuite, dans ce menu supérieur, je peux cliquer sur cette icône pour tout centrer sur un axe vertical et cette icône ici pour tout centrer parfaitement. La commande T va tout sélectionner. Je peux simplement l'amener ici au bas de ma toile, dehors du chemin et appuyer sur « Entrée » pour définir cette transformation. Allez-y et cliquez n'importe où sur votre canevas pour désélectionner tous ces calques. Encore une fois, avec cet outil de déplacement sélectionné, qui est V, je veux monter ici et vérifier deux fois et m' assurer que la sélection automatique est activée. Cela signifie que je peux aller ici, cliquer et faire glisser mon calque. Si la sélection automatique n'est pas activée et que j'essayais d'attraper l' un de ces calques, elle ne déplacerait que le calque sélectionné ici dans mon panneau Calques. Si j'essaie de saisir ce genre de choses, c'est toujours cette couche qui est sélectionnée car vous ne pouvez effectuer des sélections que dans le panneau de votre calque. Je ne veux pas cela, donc je vais aller ici, activer la sélection automatique, et maintenant je peux saisir ces éléments au fur et à mesure. N'oubliez pas que tout ce qui est recadré sur une partie de votre toile doit être parfaitement répété ici en bas. Je le faisais manuellement, et je vais vous montrer un exemple rapide de façon dont vous n'avez pas à suivre cette partie. La façon dont j'utilise pour m'assurer que chaque fois que j'ai été coupé parfaitement en bas, je m' assurerais que ce calque était sélectionné. Appuyez sur « Commande J » sur mon clavier pour dupliquer le calque, « Commande T » pour ouvrir la transformation. Parce que je voudrais que cela soit parfaitement dupliqué sur l'axe vertical, j'irais ici jusqu'à mes chiffres et j'atteignais plus 12 000. Car encore une fois, c'est la taille de mes toiles carrées , puis appuyez deux fois sur « Entrée » pour définir la transformation. Maintenant, vous voyez que ce qui est coupé en haut se répète parfaitement en bas. Si cette fleur était coupée ici, je ferais la même chose. Avec ce calque sélectionné, j'appuyais « Commande J », « Commande T » pour ouvrir la transformation, et ici sur l'axe des X, je frapperais plus 12 000, Entrée deux fois et ce serait parfaitement tranché pour que l'autre partie se répète ici. Encore une fois, c'est l'ancienne façon de faire les choses, mais maintenant avec Pattern Preview, cela rend les choses beaucoup plus simples et je n'ai plus à le faire manuellement. Je vais vous montrer comment. abord, je vais supprimer ces pièces supplémentaires car je n'en ai plus besoin. Je vais tout ramener là où il était pour que nous puissions commencer par une ardoise propre. Je vais passer à View Pattern Preview. Vous verrez ici que l'aperçu des motifs fonctionne le mieux avec les objets intelligents . C'est pourquoi nous avons créé tous ces calques des objets intelligents dans la leçon précédente afin qu'il fonctionne avec cet outil. Je vais aller de l'avant et appuyer sur « OK ». Maintenant, si vous effectuez un zoom arrière, donc « Commande moins », moins, moins, vous verrez qu'il est déjà en train de dupliquer ce schéma. Cela en fait un motif homogène pour nous. C'est difficile à dire en ce moment, car tous nos éléments sont pressés ici dans ce coin inférieur. Mais une fois que nous commencerons à les déplacer, vous verrez la vraie magie de cet outil. J'appuie sur « V » de mon clavier pour revenir à mon outil de déplacement. Maintenant, si je clique sur l'un de ces éléments et que je le déplace, vous pouvez voir qu'il se déplace pour l'ensemble du motif. Ici, avec ce carré bleu, c'est notre toile réelle. Ce carré bleu mesure en fait 40 pouces sur 40 pouces. Vous pouvez voir ici, quand la pointe de cette fleur est découpée dans ce carré bleu, elle apparaît juste ici en bas. Essentiellement, cet outil d' aperçu des motifs nous permet de voir exactement à quoi ressemble ce modèle comme une répétition en temps réel. Nous n'avons pas à faire le calcul. Nous n'avons pas besoin de trancher parfaitement nos éléments et de les répéter manuellement de l'autre côté. Il fait tout cela pour nous. Je vais cliquer sur « Command plus », plus quelques fois juste pour me rapprocher un peu plus. La façon dont j'aime construire mes répétitions consiste à commencer par les éléments les plus gros, puis à descendre, si gros, deuxième plus grand. Ensuite, j'utilise ces charges détaillées pour combler les lacunes. Je vais vous montrer comment je l'ai construit. J'ai mes éléments les plus importants ici. J'apporterai ma floraison complète à côté. Ce que je veux faire, c'est trouver des endroits où l'on se sent bien ajusté. Je vais peut-être faire pivoter un peu cet élément Héros. En cliquant dessus pour le sélectionner, je clique sur « Command T » sur mon clavier pour ouvrir Transform. Je pourrais le faire pivoter légèrement comme ça, donc c'est un peu plus gracieux. Parfait. Encore une fois, vous pouvez voir que lorsque je déplace cet élément, toutes les autres réplications du même élément héros sont également en mouvement, ce qui est plutôt cool. Entrez pour définir la transformation et encore une fois avec mon outil de déplacement sélectionné, qui est V sur mon clavier et, encore une fois, cherchez des occasions de ranger ces éléments là où ils se sentent bien et naturels et lisse. Voici ce qu'il y a de cool. il n'est pas nécessaire d' utiliser un seul élément de héros. Nous pouvons le dupliquer et l'utiliser plusieurs fois dans notre bloc. Je vais aller de l'avant et le faire maintenant avant de commencer à parcourir tous ces éléments moyens et détaillés. Parce que encore une fois, je travaille du plus grand au petit. Cela me donnera la meilleure occasion d' adapter les choses d'une manière agréable et naturelle. Avec mon outil de déplacement sélectionné, qui est V, je vais cliquer sur « Une fois « sur nos éléments de héros. Vous pouvez voir que cela signifie qu' il est sélectionné ici dans notre panneau Calques , puis je cliquerai sur « Commande J » pour dupliquer cette couche. Maintenant, ici, dans notre panneau Calques, vous pouvez voir qu'il y en a deux ici. Il est difficile de le dire sur le plan de travail car la couche supérieure recouvre parfaitement la couche inférieure. Mais nous pouvons utiliser notre outil de déplacement, le décomposer un peu et trouver un autre endroit sur la toile. Une chose avec des motifs homogènes, c'est que vous ne voulez pas nécessairement voir où ce bloc commence et s'arrête. L'idée est que l'ensemble du motif devrait ressembler à une image très fluide. Pour ce faire, je ne veux pas que mes éléments soient trop répétitifs, alors une astuce que j' ai consiste à utiliser l'outil de transformation, je vais le retourner. Avec mon deuxième élément de héros ici, il est déjà sélectionné. Je clique sur « Command T » sur mon clavier , puis cliquez dessus en maintenant la touche Ctrl enfoncée et choisissez « Flip horizontal », parfait. Avec l' outil de transformation encore sélectionné, je vais passer ici jusqu'à ce que je vois cette flèche courbe à double tête et je vais juste la repositionner légèrement. C'est peut-être en bas des éléments. Appuyez sur « Entrée », encore une fois, nous allons voir tous ces gars dans un petit peu, ne soulignez pas qu'ils sont là. Allez-y et dupliquons également cet élément de héros, alors je cliquerai une fois dessus pour m' assurer qu'il est sélectionné ici dans le panneau Calques. Ensuite, je cliquerai sur « Commande J » pour dupliquer cette couche, « Commande T » pour ouvrir la transformation. Encore une fois, je cliquerai en maintenant la touche Contrôle enfoncée et je le retourne Je vais peut-être mettre celui-ci ici. Encore une fois avec une transformation sélectionnée, je vais la redimensionner un peu pour qu'elle s'intègre vraiment bien dans cette zone , puis j'appuierai sur « Entrée ». Cool. Il est maintenant temps de passer aux éléments moyens. heure actuelle, notre autre héros bloque la voie. Ce que je vais faire, c'est cliquer une fois sur ce héros pour le sélectionner dans le panneau Calques, puis le déplacer vers le bas du panneau Calques. Vous pouvez le faire manuellement en cliquant et en faisant glisser votre calque tout le long vers le bas ou vous pouvez faire ce que je fais, c'est-à-dire les raccourcis clavier, qui est « Maj Command Left Bracket » et qui le déplace jusqu'à en bas du panneau Calques, de sorte que tous ces éléments moyens et détails se trouvent au-dessus ce qui permet de les cliquer et de les déplacer facilement. À ce stade, je vais utiliser les outils que je viens expliquer et arranger ce bloc qu'il soit agréable et confortable, V pour obtenir mon outil de déménagement et je vais juste chercher des occasions de s' adapter ces éléments, d'une manière vraiment naturelle. Cela peut vous aider à commencer par un coin de la toile et à vous frayer un chemin vers les autres quadrants. Une chose que je veux essayer, c'est ces éléments se chevauchent. Après tout, l'original a été peint à l'aquarelle sorte que le chevauchement de différentes sections pourrait être vraiment agréable. Si je zoome ici, qui est encore Z, puis que je tire, si j'ai ces deux feuilles qui se chevauchent, une est très clairement au-dessus de l' autre et ça ne semble pas très naturel comme l'aquarelle. Ce que je vais faire, c'est appliquer un mode de fusion à tous les calques. Je vais faire défiler vers le haut du panneau de mes calques, sélectionner le calque le plus haut, faire défiler jusqu'en bas, appuyer et maintenir « Maj » sur mon clavier et sélectionner notre couche finale pour que tous nos calques sont sélectionnés. Ensuite, je vais venir ici là où ça dit normal et changer le mode de fusion pour se multiplier. Cool. Allez-y et cliquez n'importe où sur votre canevas pour désélectionner vos calques. Maintenant, lorsque vous déplacez les calques les uns sur les autres comme celui-ci, vous verrez comment ces deux couleurs se fondent de manière vraiment magnifique. Parce que c'est ainsi que fonctionnent les aquarelles, il y a un support transparent. L'utilisation d'un mode de mélange comme Multiply peut l'aider à se sentir beaucoup plus naturel. « Commande zéro » pour s'adapter à l'écran et puisque j'ai appliqué ce mode de mélange de multiplication à tous les calques, vous allez voir cela avec tout. Toutes les parties que nous chevauchons, vous verrez que le mode de fusion de transparence arrive, ce qui est plutôt cool. Je vais continuer à organiser mes éléments sur le tableau « Command Minus » pour revoir mon tableau dans son intégralité et je vais juste terminer cette sélection. Une chose que je vais faire est de dupliquer cet élément de héros une fois de plus. Encore une fois, en cliquant sur ce calque pour le sélectionner, j'appuie sur « Commande J », « Commande T » pour ouvrir transformation et je vais en fait réduire celle-ci en cliquant sur un coin et en faisant glisser c'est un peu baissé. Maintenant, je dois juste trouver une place pour ça. C'est pourquoi il est vraiment utile de travailler du grand au petit sinon vous manquez de points pour vos éléments. Cette région est plutôt belle. J'appuie sur « Entrée » pour définir la transformation et commencer à réorganiser. N'oubliez pas de cliquer pour sélectionner le calque « Commande J » pour le dupliquer, « Commande T » pour ouvrir la transformation et vous pouvez la remuer et trouver un bon endroit pour elle. Si une zone semble un peu trop homogène d'une couleur, je vais apporter une autre couleur juste pour la séparer un peu. Parce que rappelez-vous, je veux que ce motif soit agréable et même quand il se répète, j'attraperai mon autre feuille pour que V obtienne mon outil de déplacement, cliquez et sélectionnez « Commande J » pour dupliquer ce calque, « Commande T « pour ouvrir transformation et maintenant je vais trouver des endroits pour ça. peux faire un beau chevauchement ici aussi, j'ai ces points ici. Je pourrais commencer à les placer dans des zones un peu plus raffinées. N'oubliez pas que vous avez également votre signature ici. Je vais attendre que mon bloc soit complètement arrangé avant de m'en occuper. À ce stade, je cherche des lacunes à combler dans mon schéma . Vous pouvez effectuer un zoom arrière à tout moment et voir comment cela se réunit, et avoir un bel aperçu général pour vous assurer qu'il est vraiment agréable, fluide et uniforme. Mais en ce moment, je vois ces lacunes ici, qui sont ici, dans mon quartier. Je veux aller de l'avant et remplir ça. Commande plus, plus, plus, plus. Je vais y aller et le remplir de cette fleur ici. Je vais le sélectionner, appuyer sur « Commande J » pour le copier, « Command T » pour ouvrir Transform et je veux trouver un bon endroit pour cela. Maintenant, si je fais un zoom arrière à nouveau, vous pouvez voir que l'écart a été comblé et qu'il a l'air beaucoup plus beau. À ce stade, je vais juste passer par là, commencer à dupliquer mes points et à remplir vraiment ces lacunes supplémentaires pour qu'elles soient très remplies. « Commande 0" pour s'adapter à l'écran, et commençons à peaufiner. Ce que je veux faire ici, c'est mettre les points de couleur chaude dans les zones qui ont des couleurs froides à côté, et mettre ces points frais dans des zones où il y a beaucoup de tons chauds. Cela aidera à briser un peu le motif et à ressentir des tons beaucoup plus uniformes. Une chose que je tiens à souligner ici, c'est ces points bleus étant parfaitement horizontaux uns des autres vont être un peu distrayants dans le motif pour avoir une ligne aussi forte. Au lieu de cela, je pourrais amener ce point un peu ici pour briser la monotonie. Vous remarquerez que je fais pivoter ces points lorsque je les mets en place, ce qui les aide simplement à se sentir un peu plus variés, surtout avec ce point où il a ce fort contraste entre l'indigo et le turquoise. Il suffit de le faire pivoter en différents angles qu'il se sente un peu plus varié dans ce schéma général. mesure que nous arrivons à des zones plus étroites, vous voudrez peut-être réduire la taille de certains de ces éléments de remplissage. Je pense qu'il est temps de passer un autre test du globe oculaire, donc je vais faire un zoom arrière. Commandez moins, moins, moins et voyez à quoi ressemble ce schéma. Honnêtement, je pense que c' est vraiment génial. Il est très uniformisé. n'y a pas de lacunes ou de grappes évidentes d' une couleur qui ne sont pas divisées uniformément avec une autre couleur. Même dans ces zones où il y a beaucoup de rose qui se produit, j'ai certaines de ces feuilles turquoise et indigo qui aident à le briser un peu. Si vous continuez à zoomer, alors « Commande moins », moins, moins, moins, moins, vous verrez à quel point ce schéma devient vraiment serré, ce qui est un peu fou. « Commande 0" pour rentrer dans ma toile et s'adapter à l'écran. La dernière chose que je veux faire, c'est trouver un endroit agréable où rentrer ma signature. Je vais cliquer sur ma signature. C'est difficile à saisir en fait, alors je vais appuyer sur « Z » et tirer V pour accéder à mon outil de déplacement et maintenant je vais cliquer dessus, parfait. « Commande 0 » pour revenir à l'écran, et « Commande T » pour ouvrir la transformation. La clé pour ajouter votre signature à votre bloc de motifs est de trouver un moyen d'insérer votre signature, où elle n'est pas trop évidente ou distrayante, mais elle s'écoule très bien avec le illustration. Si votre signature était géante et énorme et que ce bloc se répète tous les 10, 20 ou 30 pouces, cela pourrait paraître un peu distrayant. Dans ce pâté de maisons, je veux trouver un endroit pour cette signature où je peux simplement l'insérer et elle ne se démarque pas trop. Je pense que l'endroit pour ça va être ici même sur cette feuille noire. Encore une fois, je vais le faire pivoter, le réduire un peu pour qu'il s'adapte et j'appuie sur « Entrée » pour définir cette transformation. Si vous regardez ça et que vous pensez que je suis fou parce que je viens de cacher ma signature, écoutez-moi. Avec ce calque de signature sélectionné, je vais passer ici en mode de fusion et le changer en écran. Maintenant, cela devient beaucoup plus évident. Je vais zoomer encore plus serré, donc Z et tirer. La seule chose que je n'aime pas, c'est qu'elle ait cet effet halo. Il s'agit en fait d'une solution très rapide. Je vais juste inverser cette signature. « Commande I » sur mon clavier ; ou en allant ici à Image, Réglages, Inverser. Il est un peu trop faible en ce moment, alors je veux évoquer cette blancheur. Je vais appuyer sur « Commande L » sur mon clavier pour ouvrir mes niveaux et saisir ce bascule d'extrême droite et l' apporter en mots pour que ma signature soit blanche. Je vais appuyer sur « OK ». « Commande 0" pour s'adapter à l'écran. Je vais zoomer quelques fois et voir à quoi ça ressemble. Je pense que je vais le réduire et rendre un peu plus petit parce que même c' est un peu trop intense pour moi. Encore une fois, je veux que ma signature sur ce bloc renforce vraiment mon image de marque, mais je ne veux pas que ce soit évident où ça va être une horreur visuelle. Z, et je vais saisir, encore une fois que le calque de signature est sélectionné, je vais donc appuyer sur « Commande T ». Allez-y et appuyez sur « OK », ça ne me dérange pas. Je vais le réduire, juste le rendre un peu plus petit dans cette feuille. Appuyez sur « OK », puis revenez en plein écran, « Commande 0". Voyons à quoi ça ressemble. Parfait. La signature est définitivement là, mais elle n'est pas trop dans votre visage. C'est exactement ce que je veux. Remarque rapide ici sur la présence votre signature dans votre bloc. Cela signifie que chaque fois que votre bloc est répété, cette signature sera également répétée. Je connais certains artistes qui n' incluent jamais leur signature pour des motifs spécialement destinés aux tissus ou aux papiers peints, car ils ne veulent pas être trop gênants en ayant cette signature se répète toutes les fois, cinq pouces, 10 pouces, 15, quels que soient vos paramètres. Je comprends vraiment d'où viennent ces artistes. C'est vraiment une préférence personnelle. Pour moi, il est très important d'avoir ma signature sur tous mes produits lorsque cela a du sens. Je veux absolument renforcer cette reconnaissance de marque. Si quelqu'un commande une de mes œuvres d' art une tasse à café ou un oreiller quelque part sur ce produit, je l'espère, ma signature est là pour pouvoir toujours voir l'artiste original derrière. le design. Encore une fois, c'est une préférence personnelle pour moi et la façon dont je donne la priorité à la reconnaissance de ma marque, tous les artistes ne se soucient pas autant avoir leur signature sur tout, mais je le fais vraiment. Si vous avez du mal à trouver un endroit où placer votre signature dans ce bloc de motifs. Ne vous inquiétez pas, vous pouvez toujours inclure votre signature dans le prochain fichier que nous allons créer aujourd'hui, qui sera le fichier de signatures complet. Mais avant d'y arriver, n'oubliez pas d'aller de l'avant et de sauver « Command S ». Optimisez toujours la compatibilité. Ne vous montrez plus et vérifiez ici pour vous assurer que c'est le nom de fichier correct qui sauve le bloc Sweet Florals. Je veux vous montrer très vite si nous allons ici pour afficher et désactiver l'aperçu des motifs, vous pouvez voir que nous perdons certains des éléments qui ont été coupés ici. Ils ne se répètent pas automatiquement ici. En effet, cette répétition ne se produit que dans l'aperçu des motifs. Je reviendrai à View ; Pattern Preview, je n'ai pas besoin de le revoir. Maintenant, vous verrez qu' il est allé de l'avant et rempli le reste de ce bloc. Où sont coupés les éléments d'un côté, ils se répètent de l'autre. Si vous êtes des éléments disparaissent complètement et que vous vous demandez ce qui s'est passé, vous voulez aller de l'avant et vous assurer que View ; Pattern Preview est activé. Je vais maintenant vous montrer comment enregistrer ce motif et le remplir entièrement sur une toile séparée. 11. Remplir le motif: [MUSIQUE] Très vite, je veux juste vous féliciter d' avoir atteint ce niveau avec votre motif sans faille. Les motifs sans couture sont certainement le type de motifs le plus compliqué à créer, donc en arriver là est un accomplissement massif donc [APPLAUDISSEMENTS] félicitations. Allons de l'avant et optimisons cela un peu plus loin. Maintenant que votre bloc est entièrement rempli et a l'air parfait, il est temps copier ce motif et de le remplir dans un canevas séparé. À ce stade, nous avons quelques fichiers distincts dans notre dossier. Nous avons ces deux scans originaux, nous avons analysé ces éléments, nettoyés et tous sur leurs propres éléments individuels, puis nous avons notre fichier de blocs qui est ce que nous venons de terminer. N'oubliez pas que le bloc est essentiellement l'épine dorsale de notre motif sans couture. Maintenant que nous avons ce fichier de blocs entièrement arrangé et enregistré, il est temps de créer notre fichier de travail final pour la classe d'aujourd'hui, où nous commençons à abandonner ce modèle. Si vous n'avez pas encore enregistré votre bloc, procédez Commandez S sur votre clavier. Nous allons créer notre fichier de travail final, donc Commandez N pour démarrer un nouveau document. Je vais conserver tous les paramètres ici, exactement les mêmes, exactement les mêmes, 12 000 pixels par 12 000 pixels, 300 PPI et le mode couleur RVB. Maintenant, nous allons aller ici et appuyer sur « Créer ». Avant d'aller plus loin, je veux aller de l'avant et enregistrer ce nouveau canevas, alors Shift Command S pour enregistrer sous. Je vais appuyer sur « SweetFlorals-Block » et changer Block en Pattern. Encore une fois, je veux m' assurer que je suis un grand format de document, donc ça se termine par psb. Nous économisons dans ce même dossier SweetFlorals. Nous allons continuer et appuyer sur « Enregistrer ». Encore une fois, vous souhaitez jeter un coup d'œil à votre onglet et vous assurer que le nom de fichier a changé. Si ce n'est pas le cas, allez-y et fermez-le, Commandez W. Retournez dans votre dossier et ouvrez-le à nouveau dans Photoshop. Pourquoi avons-nous créé un fichier de 12 000 x 12 000 pixels qui, rappelez-vous, est la même chose que 40 pouces sur 40 pouces ? C'est l'endroit idéal pour moi en ce qui concerne la taille des fichiers pour deux des principaux sites d' impression à la demande que j'utilise, à savoir Redbubble et Society6. Si je dépasse 40 pouces sur 40 pouces sur Redbubble, cela a du mal à télécharger et parfois cela ne fonctionne pas et si je vais moins de 40 pouces sur 40 pouces, cela n'activera pas tous les produits sur Society6, surtout les grands comme les meubles et la literie, donc 12 000 pixels sur 12 000 pixels, soit la même chose que 40 pouces sur 40 pouces, sont parfaits pour moi. Ce que je veux faire dans ce fichier de motifs, c'est littéralement simplement remplir le motif de mon bloc ici. La raison pour laquelle c'est important, c'est parce qu'ici, sur notre fichier de blocs, c'est juste que ce n'est que le bloc. Vous pouvez voir que notre toile est indiquée ici avec cette boîte bleue. Tout ce qui est passé qui ne fait pas vraiment partie de notre toile. Si nous devions essayer de sauver cela, la seule chose qui serait sauvée, c'est le bloc lui-même, rien ici. C'est pourquoi je crée un fichier séparé pour remplir le motif dans son intégralité. C'est pour le bloc, c'est parfait, il reste tel quel. Ce fichier séparé comportera ce modèle complètement inondé. Je vais vous montrer comment je fais ça. Encore une fois, ce fichier de blocs est définitif, prêt à être utilisé. J'irai ici pour Edit, Define Pattern. Je me fiche vraiment de ce que je nomme , alors je vais juste appuyer sur « OK ». Maintenant, si je reviens à mon prochain onglet, qui est mon fichier de motifs, je vais donc passer à Calque, Nouveau calque de remplissage, Motif. Allez-y et appuyez sur « OK ». Nous ne voulons pas de ce lierre vert, alors allez-y et trouvez ce caret à côté de cette vignette, j'ai beaucoup de motifs ici dans Photoshop, alors faites défiler vers le bas et votre dernier motif sera à tout en bas de cette pile. Allez-y et touchez-le une fois, et il se remplira automatiquement avec ce nouveau motif. Je vais vous montrer mon astuce préférée en matière de remplissage de motifs. C'est ici, sous la balance. Vous pouvez régler la taille de ce motif en cliquant sur le caret à côté l'échelle et en abaissant votre curseur pour réduire le motif, puis vers le haut pour le rendre un peu plus grand. Mais pour moi, je veux remplir ce motif pour qu' il soit agréable et plein sur le bloc. Quarante-cinq ans, c'est vraiment très bien. Je pense que nous allons y aller. Encore une fois, il s'agit d'une préférence personnelle, donc tout ce que vous ajustez ici, car l'échelle dépend de vous et de la taille que vous souhaitez voir votre modèle sur les produits. Mais je pense que pour moi, 45 ans est plutôt bien. Je vais aller de l'avant et appuyer sur « OK ». Voici ce qui est génial avec le remplissage de motifs, vous pouvez continuer, double-cliquez sur cette vignette « Calque », encore une fois, nous ne cliquons pas sur « Masque », nous cliquons sur la vignette « Calque » et vous pouvez ajuster la taille à tout moment. Il n'est jamais permanent. Vous avez beaucoup de flexibilité ici, ce qui est génial. Je vais aller de l'avant et appuyer sur « OK ». Une question que je reçois beaucoup de la part des étudiants est quelle est la différence entre votre fichier de blocs et votre fichier de modèle ? À quoi bon avoir deux dossiers distincts ici ? C'est une excellente question et il y a en fait quelques raisons différentes pour séparer les fichiers comme celui-ci. La première et la plus importante raison est que le fichier de blocs contient toutes ces couches modifiables. Si je retourne ici, revenez à l'onglet de mon fichier de blocage, vous verrez toutes ces couches individuelles répertoriées. Si jamais j'ai besoin de passer en revue et de faire un ajustement et de me débarrasser de quelque chose ou de le déplacer, j'ai toujours cette flexibilité ici dans mon fichier de travail car toutes ces couches sont intacte. Ici, sur mon fichier de motifs, tout est aplati. Si je dois changer un élément individuel, cela devient beaucoup plus délicat car il n'est pas séparé en couches individuelles. Si jamais vous avez besoin de revenir en arrière et d'effectuer une modification, c'est très facile à faire ici dans votre fichier de blocs , car tous ces éléments sont individuellement sur leur propre calque. Votre fichier de blocs est votre fichier modifiable et votre fichier de motifs est une version aplatie de ce modèle. La deuxième raison pour laquelle j'aime que mon fichier de blocs soit séparé de mon fichier de modèle, c'est qu'il m'aide à garder tous mes fichiers beaucoup plus organisés. C'est bon pour moi et pour ma propre santé mentale, et c'est également génial pour mes clients qui souhaitent avoir un accès facile à mes fichiers. Si j'avais tout, ces éléments, le fichier bloc, le motif, tous contenus dans un seul fichier, ce serait super chaotique. Au lieu de cela, il vaut mieux qu'ils soient leurs propres fichiers distincts. C'est encore plus important lorsque nous commençons à créer plus tard toutes ces altérations de palette de couleurs jolies et juteuses. Vous remarquerez que le panneau de vos calques sera plus en plus encombré de couches. heure actuelle, par exemple, dans notre fichier de modèles, nous n'avons qu'une seule couche. Nous pouvons en fait aller de l'avant et supprimer ce calque d'arrière-plan. Mais une fois que nous avons créé toutes nos palettes de couleurs supplémentaires, vous verrez que le panneau Calques commence vraiment à se remplir. Pour des raisons d'organisation, il est bon que tous les motifs soient remplis sur ce fichier et tous les éléments individuels qui composent le bloc dans un fichier séparé. La troisième raison pour laquelle je garde le fichier bloc séparé du fichier de modèle est dû à l' objectif prévu de chacun de ces types de fichiers. Certaines entreprises d'impression à la demande exigent que vous ne téléchargiez que le bloc, que d'autres ont besoin de ce modèle complet , c'est pourquoi j'aime avoir les deux sous la main. Jetons d'abord un coup d'œil au bloc. N'oubliez pas que lorsque nous enregistrerons ce fichier de blocs, vous ne verrez pas tous vous ne verrez pas tous ces éléments sur le côté. Vous ne verrez que ce qui est contenu dans cette boîte bleue. Plus tard dans cette classe, nous allons enregistrer ce fichier de blocs sous forme de JPEG aplati. que nous allons faire pour cette palette de couleurs et toutes les palettes de couleurs supplémentaires que nous créons dans cette classe. Une fois que j'ai enregistré un JPEG aplati de toutes ces modifications de couleurs individuelles, je téléverrai ce fichier de blocs directement dans Spoonflower et ils l'empileront automatiquement et le répéteront sur leur produits, qui sont du tissu et du papier peint. Plus tard dans ce cours, nous allons approfondir les téléchargements de fichiers comme celui-ci. Mais pour l'instant, je veux juste vous montrer un exemple rapide de la différence entre ce bloc et fichier de motifs lorsqu'il est dans une application réelle comme ici sur Spoonflower. N'oubliez pas que tout ce que j'ai fait sur Spoonflower était de télécharger ce bloc original et Spoonflower s' empile et le répète automatiquement ici. Vous pouvez voir que c'est une répétition basique. Si c'était juste ce bloc original, cela ressemblerait à ceci, mais Spoonflower fait cette répétition pour nous. Spoonflower exige que vous téléchargiez un fichier JPEG du bloc, alors que d'autres sites Web d' impression à la demande requièrent le motif complet. Ici, je vais vous montrer un exemple avec Society6. Ici, je vais juste plonger dans un produit en particulier. Jetons un coup d'œil au tapis. Ici, le fichier que j'ai téléchargé n'est pas le fichier bloc, c'est ce modèle complet car dans Society6, ils n'ont pas la capacité répéter le bloc pour vous. Vous devez le faire vous-même avant de télécharger. Au lieu de cela, vous allez télécharger un fichier JPEG aplati de ce fichier de motifs complet , puis le dimensionner en fonction de chaque produit. Ce n'est pas un bloc qui s' empile automatiquement dans le back-end, comme le fait Spoonflower. Au lieu de cela, vous avez déjà enregistré , aplati et téléchargé au format JPEG. C'est pourquoi je veux que les deux options de fichier soient enregistrées, le bloc et le modèle. Je vais télécharger le bloc Spoonflower car il sera automatiquement empilé et répété sur leurs produits car c'est comme ça que fonctionne leur site Web , puis je le téléverrai sur Spoonflower car il sera automatiquement empilé et répété sur leurs produits, car c'est comme ça que fonctionne leur site Web, puis je le téléverrai. modèle à Society6 , puis augmentez et baissez ce modèle pour s'adapter à chaque produit, car rappelez-vous que Society6 ne va pas répéter et empiler ce bloc automatiquement comme Spoonflower le fait, c'est pourquoi je dois télécharger le fichier de modèle à la place. Rappelez-vous la règle d'or des motifs sans couture, tout ce qui est coupé sur la toile d'un côté doit être répété parfaitement sur le bord opposé. Mais quand il s'agit de mon fichier de modèles, cela ne doit pas nécessairement être le cas. Vous pouvez voir ce floral se couper de ce bord et il ne se répète pas parfaitement de ce côté, mais c'est tout à fait parfait car le fichier de motif n'est pas conçu pour être une répétition empilée parfaite. C'est à ça que sert le bloc. C'est la différence entre le fichier bloc et le fichier de motifs. Utilisez le bloc lorsqu'il est destiné à être empilé et répété à l'infini comme sur les produits Spoonflower. Utilisez le motif comme illustration plate pour les produits qui ne permettent pas empilage comme le fait Spoonflower. Il s'agit de la plupart des produits sur Society6, c'est pourquoi je télécharge le fichier de motifs. Maintenant que tous les éléments techniques sont à l'écart, allez-y et sauvegardez vos progrès. L'épargne devrait maintenant être une seconde nature pour vous. prochaine étape est l'une de mes parties préférées pour être un concepteur de surface, c'est explorer diverses palettes de couleurs. Plongeons dedans. 12. Exploration des couleurs: [MUSIQUE] Quand il s'agit de concevoir des motifs, couleur est ma partie préférée. Avec quelques ajustements dans Photoshop, vous pouvez créer autant de belles palettes de couleurs à partir d'une seule œuvre d'art. Personnellement, je le fais pour presque tous les designs de mon portefeuille. En plus d'être une chose amusante à faire, créer des modifications de couleurs est en fait une stratégie vraiment intelligente si vous souhaitez optimiser et augmenter votre potentiel de ventes. Cette palette de couleurs rose et bleue originale est vraiment adorable, mais que se passe-t-il si un client ou un client cherche spécifiquement quelque chose comme le jaune ou le bleu sarcelle ? Au lieu de perdre une offre de licence ou une vente potentielle, vous pouvez facilement ajuster la couleur de votre illustration pour créer plusieurs versions à partir du même design. Parfois, ils finissent même par aimer une couleur particulière plus que le design original. De plus, explorer la couleur est un moyen fabuleux d' élargir votre portefeuille. Si vous envisagez de télécharger votre modèle pour imprimer des sites à la demande tels que Spoonflower ou Society6, création de cinq ou 10 palettes de couleurs vous donnera cinq ou 10 modèles supplémentaires à télécharger. Il s'agit de travailler plus intelligemment, pas plus dur. Allons-y. La façon dont nous allons créer nos alts de couleurs aujourd'hui se trouve ici dans ce fichier de blocs. Ensuite, nous ferons la même étape que nous avons faite plus tôt définir le modèle, puis le remplir dans le fichier de motifs, mais pour l'instant, ouvrez votre bloc ici, et c'est là que nous allons faire. début. La première chose que je vais faire c'est ici, dans mon panneau Calques, c'est assez chaotique. Il se passe beaucoup de choses ici. Ce que je vais faire, c'est faire défiler vers le haut de mon panneau Calques, sélectionner ce premier calque, faire défiler jusqu'au bas, sélectionner ce dernier calque. Je ne me soucie pas de l'arrière-plan. Je vais appuyer sur la commande G pour regrouper toutes ces couches au sein du même groupe. Je vais double-cliquer sur le nom de la couche [NOISE] et le remplacer par Working. travailler indique simplement que toutes les pièces modifiables se trouvent dans le même dossier. Nous allons l' aplatir plus tard lorsque nous fabriquerons nos alts de couleurs, il est donc toujours agréable d'avoir un dossier contenant tous ces éléments individuels. De cette façon, si vous souhaitez revenir plus tard et effectuer quelques ajustements, vous l'aurez toujours dans ce fichier de travail. Je vais continuer et appuyer sur ce carat à côté l'icône du dossier pour le consolider dans mon panneau Calques. N'oubliez pas que l'arrière-plan ne se trouve pas dans le dossier de travail, il se trouve en dessous. Ce que nous voulons faire, c'est cliquer sur votre dossier de travail pour le sélectionner, et nous allons en faire une copie. Lorsque cette couche est sélectionnée, la commande J de votre clavier le dupliquera. Cela peut prendre une minute ou deux, car il y a tellement de couches dans ce dossier, est donc la première chose que nous allons aborder. Nous allons en fait consolider toutes ces couches et les aplatir. C'est pourquoi il est vraiment important que cet arrière-plan ne se trouve pas dans ce dossier. Si vous basculez ce curseur vers le bas et que vous faites défiler vers le bas de votre dossier, vous devriez voir qu'il n'y a pas d'arrière-plan. Il se trouve ici en dehors de nos dossiers au bas du panneau Calques. La raison pour laquelle c'est important, c'est parce que nous allons aplatir tout ce dossier. faisant défiler vers le haut de mon panneau Calques, je peux aller de l'avant et cliquer sur ce carat à côté de Copie de travail pour le consolider, et maintenant, avec ce calque sélectionné, je vais cliquer sur Commande E sur mon clavier. Ce que cela a fait, c'est qu'il a pris tous les éléments de ce dossier et les a aplatis en un seul calque. Maintenant, si vous souhaitez déplacer une seule pièce, la couche entière va se déplacer car nous n'avons plus ces éléments individuels, ils ont tous été fusionnés en une seule couche. Mais c'est bon parce que j'ai ce dossier de travail juste en dessous, donc il sera toujours là pour moi si j'en ai besoin. Allez-y et cliquez sur le calque le plus haut pour le sélectionner, et la première chose que nous allons faire est jouer avec la teinte et la saturation. Je vais passer ici à Calque, Nouveau calque de réglage, Teinte et Saturation. Allez-y et appuyez sur « OK ». Maintenant, ici, dans notre panneau Propriétés, nous pouvons ajuster la saturation comme nous l'avons fait auparavant avec une très lumineuse, saturée et très désaturée. Vous pouvez ramener cela à zéro pour réinitialiser, mais ce que je veux faire ici, c'est jouer avec ce spectre de teintes. Si vous cliquez sur le bouton sous Hue, vous pouvez l'amener dans le spectre et voir en temps réel comment ces couleurs peuvent s'ajuster. À l'extrémité gauche du spectre, nous obtenons ce joli vert vif et bleu, et si nous le ramenons au centre et que nous le ramenons à droite, nous obtiendrons d'autres variations de couleurs cool comme bien. Quel que soit l' aspect de l'extrême droite, ce sera exactement le même que celui de l' extrême gauche. en soit, c'est une différence de couleur de 180. Lorsque je joue avec une teinte et une saturation comme celle-ci, l'une de mes façons préférées de positionner le bascule est l'amener jusqu'au 180. À mon avis, le fait d'avoir ces couleurs opposées polaires donne généralement des résultats assez intéressants. Dans ce cas cependant, j'aime vraiment ce qui se passe ici avec cette palette de lavande et de sauge. Je pense que c'est vraiment intéressant, donc je pense que ce sera le premier avec lequel je vais aller. On dirait que c'est au 112 négatif ici sur mon panneau Hue. Je pense que c'est vraiment joli. Je vais aller de l'avant et m'assurer que le calque Teinte et Saturation est sélectionné, maintenez la touche Maj enfoncée et cliquez sur ma « Copie de travail », puis appuyez sur Commande G sur mon clavier pour regrouper ces deux éléments ensemble. Je vais maintenant double-cliquer sur le nom du groupe et le nommer comme celui de ma palette de couleurs. Dans ce cas, [BRUIT] La sauge de lavande. C'est ainsi que nous avons terminé notre première palette de couleurs. Une chose que je veux aborder très rapidement est la raison pour laquelle j'ai choisi ce calque de réglage au lieu de simplement passer à Image, Réglages, Teinte et Saturation comme nous l'avons fait plus tôt, puis de jouer avec la teinte ici. Ce que nous avons fait, c'est aller dans Calque, Nouveau calque de réglage, Teinte et Saturation. C'est exactement le même outil, la même teinte et la même saturation. La seule différence, c'est qu' en faisant de cette couche de réglage, nous avons un peu plus de flexibilité. C'est ce que je veux dire. Ce calque de réglage se trouve en fait au-dessus de cette palette d'origine. Cela signifie qu'à tout moment, nous pouvons toujours revenir dans cette couche de réglage et en faire mes nouvelles modifications si nous le voulons. La façon dont nous avons ajusté couleur n'était pas sur le calque lui-même, ce qui reste toujours parfaitement préservé. Au lieu de cela, il s'agit d'un calque juste au-dessus. De cette façon, si plus tard j'essaie me rappeler comment j'ai obtenu cette couleur exacte, je peux toujours ouvrir mon fichier ici, basculer dans les calques et regarder exactement les modifications que j'ai apportées. Encore une fois, ce n'est qu'une préférence personnelle, car j' aime avoir un peu plus de contrôle sur mes fichiers. Je vais aller de l'avant et taper ce carat à côté Lavendar et de Sage pour consolider cette couche. Génial. Maintenant que nous avons créé une modification de couleur, allons-y et faisons une autre. Pour la prochaine, il s'agira d' une technique appelée «  Spot Editor Color ». C'est là que vous réglez la couleur d' une partie de l'illustration, mais que vous laissez la couleur dans les autres parties de l' illustration cohérente. Dans ce cas, je vais changer uniquement les pétales de mon illustration, ces zones roses et orangées, et je vais laisser les feuilles exactement les mêmes. Je vais vous montrer comment. La première chose que nous allons faire est assurer que la couche Lavendar Sage est sélectionnée, puis de cliquer sur Commande J sur votre clavier pour dupliquer ce calque. Pendant que je suis ici, je vais juste aller de l'avant et désactiver la visibilité de ces autres couches parce que je n'ai pas vraiment besoin de voir ce qui se passe là-bas en ce moment. Je vais cliquer sur le curseur pour basculer mon calque et sélectionner la vignette du calque pour Teinte et Saturation. Je vais ramener ça à zéro. Nous revenons maintenant à notre palette de couleurs originale. À ce stade, je vais encore sortir cette baguette magique. Je vais venir ici, cliquer sur mon calque pour sélectionner toutes ces illustrations. Ensuite, je vais appuyer sur W sur mon clavier. Vous pouvez également y arriver en venant ici dans votre barre de menus et en vous assurant que votre outil de baguette magique est sélectionné. Ici, dans cette barre de menu supérieure, je vais porter cette tolérance jusqu'à 50. Cela signifie qu'il va sélectionner beaucoup plus de rose qu'il ne le ferait autrement s'il était encore à 32 ans. Je veux m'assurer que les contigus sont désactivés. N'oubliez pas que si je sélectionne une zone rose maintenant, toutes les zones roses de notre plan de travail seront sélectionnées. C'est un peu déroutant en ce moment parce que nous sommes dans cet aperçu du motif, mais n'oubliez pas que tout ce qui se trouve à l' extérieur de cette boîte bleue n'est que Photoshop qui nous montre ce que sera le motif transparent. On dirait. Je vais aller de l'avant et zoomer, Command Plus, Plus, et je vais sélectionner tous les tons chauds de mon illustration. Je maintiens la touche Maj enfoncée sur mon clavier et je clique sur les autres zones orange et rose. En maintenant la touche Maj enfoncée, je vais cliquer ici. Toujours en maintenant la touche Maj enfoncée, je vais continuer à cliquer et à sélectionner jusqu'à ce que tous ces tons chauds soient sélectionnés par ma baguette magique. Si vous voulez vérifier et voir si vous avez tout sélectionné, vous pouvez le couper en appuyant sur la commande X, et il semble qu'il reste des zones roses, alors j'appuie sur Z sur mon clavier et zoomez sur certaines de ces zones, puis Commandez Z, pour annuler cette coupe. Maintenant, j'appuie sur W pour revenir à ma baguette, appuyer sur Maj et maintenir la touche Maj sur mon clavier, puis cliquer et sélectionner ces zones restantes. On dirait qu'il y a quelques morceaux ici et peut-être ici. Génial. Je pense que j'ai tout eu. Je vais aller de l'avant et le vérifier. Commande X. Oui. Presque. Commandez Z, appuyez sur W pour accéder à mes baguettes, maintenez la touche Maj et cliquons et saisissons également ces zones. Command Zero, pour s'adapter à l'écran et Command X pour tout couper. Génial, je pense que nous avons à peu près tous ces tons chauds. La commande Z, va annuler cette coupe, et maintenant j'ai sélectionné tous les tons chauds pour lesquels j'aimerais modifier la couleur et la façon dont je vais le faire est en créant un masque ici sur mon calque de réglage. Il y a déjà un masque en place. C'est cette boîte blanche ici. Continuez et cliquez sur cette case pour la sélectionner, cliquez sur Contrôle et cliquez sur Supprimer le masque de calque. Maintenant que la sélection est en place, nous allons ajouter la nôtre. Encore une fois, cette couche de teinte et de saturation est sélectionnée. Je vais passer ici à cette petite icône qui dit « Ajouter un masque de calque », et je vais cliquer dessus. Génial. Il ne semble pas que beaucoup de choses se soient passées à l'écran. Vous verrez que ce masque de calque contient de nombreuses formes. Toutes les zones noires de cette zone indiquent que ce calque en dessous est visible. Mais parce qu'ici, dans notre teinte et notre saturation, nous sommes de retour à zéro, vous ne pouvez pas vraiment voir de changements. Allons de l'avant et changeons cela. Encore une fois avec cette teinte et vignette de saturation sélectionnées, pas le masque, mais la teinte et la saturation, je vais venir ici à ma teinte et commencer à jouer avec elle sur le spectre. C'est plutôt cool. Maintenant, nous voyons que la couleur de ces pétales change, mais ces feuilles restent exactement les mêmes, et c'est parce que c'est la couche de feuilles qui apparaît ici. Encore une fois, je vais cliquer, assurer que la teinte et la miniature de saturation sont mises en surbrillance, et je vais jouer ici sur mon spectre de teintes jusqu'à ce que je trouve quelque chose de cool. J'aime vraiment ce qui se passe ici avec ces pétales bleus vraiment vifs, je pense que c'est une très belle palette de couleurs monotone avec tous ces bleus. Une chose que je veux voir, est que si j'ai toutes les feuilles complètement désaturées pour que les pétales de fleurs éclatent vraiment. Je vais vous montrer comment faire ça. La première chose que je vais faire est venir ici dans mon panneau Calques, assurer que ce calque de teinte et de saturation est sélectionné, puis appuyez sur Commande J sur mon clavier, [NOISE] qui duplique la couche. Cela a dupliqué l'action, donc nous avons des couleurs assez folles ici avec les pétales de fleurs, mais nous allons réparer ça très rapidement. Encore une fois, je veux m'assurer que ce masque est sélectionné, pas la vignette de teinte et de saturation, mais le masque lui-même, et je vais inverser ce masque, donc Commandement je vais inverser. Maintenant, je peux venir ici, sélectionner ma teinte et ma vignette de saturation, et ramener cette saturation jusqu'au bout pour désaturer complètement ces feuilles. Maintenant, commandez moins, moins, moins. C'est vraiment cool, avec ces fleurs et pétales bleus très vifs , puis ces feuilles noires et grises complètement désaturées, je pense que c'est vraiment sympa. Je vais aller de l'avant et appeler celle-ci une palette de couleurs finalisée. Je viendrai ici au nom de mon dossier, double-cliquez dessus et je le remplacerai en [NOISE] bleu-gris, puis je peux cliquer sur ce caret pour consolider les calques. Cool, donc c'est notre deuxième couleur alt terminée. Je vais vous montrer comment en faire une autre avec des couleurs complémentaires. Je le fais tout le temps dans mes illustrations. Je pense que les tons complémentaires sont vraiment bons dans un design, et quand je dis complémentaire, je veux dire des couleurs qui se trouvent les unes sur les autres sur la roue chromatique. Rouge et vert, bleu et orange, violet et jaune. Vous avez l'idée, alors allons essayer une palette de couleurs complémentaire ici dans notre fichier. La première chose que je vais faire, ici avec mon calque bleu-gris sélectionné, est d'appuyer sur la commande J, dupliquer sur mon panneau Calques. Je peux aller de l'avant et désactiver la visibilité de cette couche d'origine, puis basculer sur cette carotte pour ouvrir nos couches. Je vais aller de l'avant et masquer la visibilité de ces deux couches de réglage et repartir de zéro. Je vais cliquer sur ma copie de travail. Passez au calque, nouveau calque de réglage, et cette fois, je vais opter pour l'équilibre des couleurs. Allez-y et appuyez sur, OK. Cette fois, nous allons obtenir un menu légèrement différent ici sur notre panneau des propriétés. Nous allons jouer avec eux dans un petit peu, mais allons d' abord passer ici et ajuster nos masques. N'oubliez pas que nous avons fabriqué ces masques en utilisant la baguette magique et en sélectionnant tout le rose et l'orange de notre composition. Je ne veux pas avoir à refaire ça, donc je veux utiliser ce masque existant. Ici, dans mon panneau Calques. Je vais cliquer sur mon masque de calque à côté de la balance des couleurs, cliquez dessus et cliquez sur Supprimer le masque de calque. Maintenant, je peux saisir ce masque ici pour former ma teinte et ma saturation, le faire glisser au-dessus de la balance des couleurs, et maintenant je ne pourrai ajuster les couleurs que pour certaines parties de l'illustration. Je n'ai plus besoin de ces deux-là, donc je peux aller de l'avant et sélectionner ce calque et appuyer sur « Supprimer » sur mon clavier, même que celui-ci ici supprimer deux fois. Génial. Passons maintenant en revue et commençons à modifier cette couleur pour créer une palette de couleurs complémentaire. Parce que ce masque représente la couleur des pétales, c'est ce que nous allons changer en premier. Je viendrai ici sur mon icône de balance des couleurs et tout d'abord, je vais jouer, que se passe-t-il si j'amène le cyan à gauche ou le rouge jusqu'à droite ? Même chose avec le magenta ou le vert, nous avons des trucs vraiment sympas ici. Le jaune jusqu'à gauche, jusqu'à droite. C'est amusant. Mais n'oubliez pas que ce que nous voulons ici, c'est une palette de couleurs complémentaire. Dans ce cas, je veux voir à quoi cela ressemble avec fleurs orange vif puis des feuilles bleues, car rappelez-vous que l' orange et le bleu sont face de la roue des couleurs, ce qui signifie que c'est un palette complémentaire parfaite. Encore une fois, en veillant à ce que votre vignette de calque de balance des couleurs soit sélectionnée, revenons ici, et je vais ramener ces jaunes au négatif 100 parce que ce que je suis une palette de couleurs orange pour ces pétales et fleurs. Mais ça ne m'a pas permis d'aller jusqu'au bout, il y a encore beaucoup de rose et de fard à joues, je pense que ce que nous devons faire est de cliquer ici où il est écrit « Midtones » et nous allons le changer en ombres. Tout comme nous changeons les valeurs des tons moyens plus tôt, nous pouvons faire la même chose avec les ombres et les amener à droite ou gauche pour tous ces spectres, ce qui est très amusant. Mais rappelez-vous que je vais chercher une orange, donc je vais faire monter ce rouge légèrement, amener ce vert à droite et nous nous approchons vraiment ici, et je pense que cela pourrait faire le astuce. J' amènerai le jaune jusqu'à gauche. Parfait. Cela nous a donné un très beau ton orange pour ces pétales et ces fleurs. là que nous l'avons. Notre palette de couleurs complémentaire parfaite. En fait, la couleur arrête trois des arrêts de couleurs que nous allons explorer aujourd'hui. Je vais aller de l'avant et changer le nom de ce calque en bleu orange. Ensuite, je vais vous montrer comment vous pouvez définir les couleurs ensemble pour qu'elles soient plus harmonieuses en tant que palette. Je retournerai dans le panneau de mes calques, toucherai ce caret pour consolider le calque orange bleu, et avec ce calque sélectionné, je clique sur « Commande J » pour dupliquer. Allez-y et désactivez la visibilité de cette couche sous la couche, et réduisons ce caret. Je vais cliquer sur tout ce calque d'équilibre des couleurs [NOISE] et le supprimer de mon panneau Calques, et nous allons commencer par là où nous avons commencé. Pour définir les couleurs, ce que cela signifie, c'est que je vais choisir une couleur à superposer sur tous ces calques et vraiment enfoncer ces couleurs ensemble. Je vais vous montrer ce que je veux dire. Avec ce calque de copie de travail sélectionné, je vais aller au bas du panneau de mes calques et cliquer sur « Créer un nouveau calque » et maintenant j'ai un calque vide juste au-dessus. Ce que je veux faire, c'est remplir ce calque d'une couleur unie. Je vais aller jusqu'à ma barre de menu de gauche, cliquer sur ce carré noir et je vais changer ma couleur de premier plan, essayons le violet, puis j'appuie sur « OK » et Je veux remplir ce carré de violet. J'appuierai sur « G » mon clavier pour accéder à mon outil de remplissage, vous pouvez également vous y rendre ici dans votre barre de menus et passer à la sélection de l'outil de seau de peinture, et maintenant cliquez n'importe où dans votre art-board. N'oubliez pas que c'est dans cette place juste ici. Maintenant, tout mon motif est devenu violet. Je vais vous montrer comment y remédier, et c'est là que la vraie magie se produit. Si vous cliquez ici dans votre mode de transparence où il est écrit « Normal  », vous pouvez explorer de nombreux modes de transparence différents. Passons à travers et trouvons celui qui fonctionne vraiment bien. La combustion des couleurs est vraiment agréable, ce flot de violet s' enfonce vraiment dans les couleurs existantes. Je pense que c'est vraiment sympa, donc c'est un prétendant fort. Voyons d'autres. Lighten est vraiment sympa aussi. C'est de très beaux pastels qui arrivent. L'écran et l'éclairage sont très similaires, mais oui, c'est sympa. La couleur esquive, j'aime aussi les couleurs plus claires. Tous ces modes de fusion de transparence vous offrent occasions assez intéressantes couleur et de la rendre un peu plus harmonieuse, mais celui auquel je me penche le plus est la gravure de couleur ici. Je vais aller de l'avant et cliquer sur « Désélectionner ». Génial. J'adore la profondeur et la vivacité cette palette juste en ayant ce calque juste au-dessus. Vous pouvez activer et désactiver la visibilité pour voir à quoi elle ressemble sans et avec. Très cool. Je vais aller de l'avant et nommer cette palette magenta indigo. [BRUIT] Il y a en fait un autre mode de transparence j'ai vraiment aimé pour cela, donc je vais aller de l'avant et le créer très rapidement puisque je sais déjà que cela fonctionne. Je vais consolider le caret, appuyer sur « Commande J » pour dupliquer le calque, désactiver la visibilité du calque en dessous, basculer ce curseur vers le bas, revenir dans mon calque violet. Je vais changer cela pour éclaircir parce que j'ai vraiment adoré ce pastel s' il devient vraiment beau, surtout avec cet accord de menthe aux roses et aux violets, beau. Je vais aller de l'avant et nommer ce dossier pervenche, et c'est un moyen très simple créer une palette de couleurs supplémentaire, qui a pris deux secondes. Un petit rappel pour aller de l'avant et sauvegarder vos progrès, alors « Command S. » C'est un enveloppement pour les altérations de couleur. Je vais m'arrêter ici avant vous entraîner dans une douzaine de plus. Croyez-moi, il est vraiment facile de descendre ce trou de lapin. Je l'ai mentionné plus tôt, pour chaque dessin que je crée, je vais généralement faire environ cinq ou dix modifications de couleurs. Vous pouvez continuer à explorer le vôtre à votre guise. Si vous voulez plonger encore plus profondément dans l'exploration des couleurs et jouer dans Photoshop, j'ai une autre classe de Skillshare appelée cultiver la couleur. Variez des palettes dans des œuvres d'art originales et développez votre portefeuille. Dans cette classe, vous apprendrez comment créer encore plus de modifications de couleurs dans Photoshop. Vous pouvez le regarder en cliquant sur mon nom en haut et faisant défiler mon profil jusqu'à ce que vous voyiez tous mes cours. C'est un enveloppement pour la couleur. Passons à l'étape suivante, qui consiste à insuffler des accents métalliques directement dans votre œuvre d'art. 13. Touches métalliques: [MUSIQUE] Maintenant que vous avez une variété de fabuleuses palettes de couleurs conçues, je vais vous montrer une technique de plus cool, rehaussant vos œuvres d'art avec des accents métalliques. cadre du bonus d' inscription à ce cours, je vous propose 20 textures métalliques haute résolution que vous pouvez télécharger et insuffler directement dans vos créations. Tout d'abord, rappelez-vous que vous pouvez trouver tous ces cadeaux en allant sur catcoq.com/seamless. J'ai également mis un lien vers cela ci-dessous dans la description de la classe. Une fois sur place, vous pourrez télécharger tous les fichiers métalliques directement depuis Dropbox. Pour moi, une fois qu'ils ont été téléchargés, ils apparaissent ici dans mon dossier Téléchargements. Je vais aller de l'avant et ouvrir mon dossier Metallic Textures. C'est ici que j'ai toutes ces 20 textures métalliques prêtes pour vous. J'ai assemblé ces textures spécialement pour la classe d'aujourd'hui, donc elles sont toutes dimensionnées pour s'adapter parfaitement à votre plan de travail. Ils mesurent tous 40 pouces sur 40 pouces. Je vais donc aller de l'avant et en prendre un à titre d'exemple. Je pense que je vais aller avec le Gold Glitter. Avec ce fichier sélectionné, je vais simplement cliquer dessus et le faire glisser directement dans mon fichier de blocs. Il a l'air super massif. Si je fais un zoom arrière, l' or couvre tout et c'est parce que encore une fois, nous avons activé cet aperçu du motif. Comme je l'ai dit, cette lime en or mesure exactement 40 pouces sur 40 pouces, ce qui signifie qu'elle s'adapte parfaitement à mon plan de travail. Nous allons appuyer sur « Entrée » pour définir la transformation. Tout d'abord, je ne vois rien, alors allons de l'avant et éteignons la visibilité de cet or, nous y reviendrons dans une seconde. Je pense donc que ce que je vais faire, c'est insuffler cet or directement dans ma palette de couleurs pervenche. Je ne veux pas que tout soit en or. Je pense qu'avec les textures métalliques, elles fonctionnent mieux comme accents directs où on en voit juste quelques-uns arriver, donc c'est exactement ce que je vais faire ici. Pour cette illustration, je pense que tous les points seront du même or et ensuite j'aurai cette palette de pervenche. Je vais vous montrer comment vous pouvez repérer métaux infusés comme ça. Tout d'abord, je vais aller de l'avant et basculer le caret de la palette de pervenche. Cliquez sur mon calque d'illustrations pour le sélectionner. Maintenant, je vais utiliser mon outil Lasso pour saisir tous ces points. N'oubliez pas que nous n'avons besoin que de saisir les points qui se trouvent dans notre toile, donc tout ce qui se trouve dans ce carré bleu. Rappelez-vous que mon outil Lasso est L sur le clavier. Vous pouvez également accéder à votre barre d'outils et sélectionner le Lasso de votre choix. Pour cela, je vais m' en tenir à l'outil Lasso polygonal. Maintenant, je vais zoomer un peu plus, Command Plus Plus. Je vais commencer à sélectionner tous les points de ma toile. Comme vous pouvez le voir ici, j'ai essayé de saisir tout ce point comme celui-ci, mais l'outil Lasso ne me limite qu'à ce qu' il y a dans ma toile, c'est tout à fait très bien. Je dois juste me rappeler d'aller l'avant et de saisir aussi ce point du bas, ce qui est fait pour moi parce qu'il sait ce que j'essayais de faire. N'oubliez pas que si vous souhaitez obtenir plusieurs sélections avec votre outil Lasso, vous souhaitez appuyer sur Maj et maintenir la touche Maj sur votre clavier, puis cliquer sur. Si Maj n'est pas sélectionné et que vous essayez de saisir un autre élément, cela supprime votre autre sélection. N'oubliez donc pas de maintenir la touche Maj du premier clic, puis vous pouvez abandonner Maj, et cela s'ajoutera quand même à la sélection. Je peux en prendre trois en un avec celui-là. Encore une fois, en maintenant la touche Maj enfoncée pour ce premier clic, je peux maintenant relâcher Maj et finir sélectionner ce point. Je vais aller chercher à nouveau tous les points, non pas pour l'ensemble du motif, mais juste dans cette toile. Je pense que je les ai tous eus. Pour aller de l'avant et vérifier, je vais appuyer sur la commande X pour les couper. Je n'en vois plus , donc c'est tout. Je vais les remettre en place en appuyant sur la commande Z. Maintenant, ce que je veux faire, c'est m'assurer que les points sont sélectionnés. Je n'ai pas besoin de toute cette pièce autour des points, alors ce que je vais faire c'est d'appuyer sur « V » de mon clavier pour passer à mon outil de déplacement. Maintenant, je vais utiliser les touches fléchées de mon clavier, et appuyez simplement sur la flèche droite une fois, pour les déplacer toutes dans un sens puis la flèche gauche une fois, pour les déplacer là où ils se trouvaient. Ce que cela a fait, c'est maintenant qu'il attrapé les points eux-mêmes, pas cet espace supplémentaire autour des points. C'est juste une petite astuce rapide. Maintenant que j'ai sélectionné les points, je vais passer à Sélectionner, Modifier, Développer, de 1 pixel. Maintenant, sélectionnez Modifier, Plume, 1 pixel. Maintenant, je vais passer ici à ma texture dorée, allumer le globe oculaire pour montrer à nouveau la visibilité de cette couche. Ma sélection est toujours en place, donc je vais accéder à mon icône Ajouter un masque de calque et appuyer une fois dessus pour y jeter un masque. Parfait. Pendant que nous sommes ici dans notre panneau Calques, je vais juste aller de l'avant et saisir cette couche d'or et la placer dans ce dossier de pervenche haut de la pile des calques. Si je le mets sous ce ton violet, les points deviennent violets, ce qui a l' air plutôt cool, mais ce n'est pas ce que je veux pour l'instant. Je vais donc le remettre en haut de la pile. Génial. Maintenant, si je fais un zoom arrière, vous pouvez voir tous ces embellissements dorés vraiment cool par-dessus cette couleur pervenche. Je vais zoomer pour que nous puissions voir toute la splendeur de cette texture. C'est vraiment adorable en fait. Oui, ça a l'air génial. La raison pour laquelle j'ai élargi cette sélection plus tôt, c'est parce que je ne voulais pas que le point d'origine arrive. Donc, lorsque j'ai agrandi cette sélection d'un seul pixel, ici, je zoomerai encore plus, ce que cela signifie que l'or va couvrir entièrement ce calque en dessous. Je vais aller de l'avant et rallumer la visibilité de cet or, la commande 0 pour s'adapter à l'écran, et c'est là que vous l'avez. Il est donc assez facile d' insuffler ces métaux directement dans votre œuvre d'art. Autre chose que je veux vous montrer très rapidement, puisque nous avons déjà ce masque en place juste ici, nous pouvons laisser tomber d'autres textures métalliques et voir à quoi elles peuvent ressembler aussi aux accents de points. Je vais vous montrer très vite. Si je retourne à mon fichier Metallic Textures, essayons plutôt ce paillettes turquoise. Je vais le faire glisser dans ma toile. Encore une fois, il est parfaitement dimensionné pour s'adapter à 40 pouces sur 40 pouces. Je vais donc appuyer sur « Entrée ». Maintenant, si je clique sur mon masque lui-même, pas sur la vignette du calque, mais sur le masque. Par conséquent, cliquez sur Commande, vous pouvez voir qu' il est répliqué exactement avec la même sélection. Maintenant, avec mon calque de paillettes turquoise sélectionné, si je descends ici et clique sur l'icône pour ajouter un masque de calque, je peux voir à quoi ressemble la turquoise. En fait, c'est plutôt cool. Je vais zoomer. De beaux effets de paillettes se produisent ici. Commande 0 pour s'adapter à l'écran. Cela montre donc qu'une fois que vous avez créé un masque, vous n'avez pas à isoler ces points à chaque fois. Vous pouvez simplement cliquer sur votre masque de calque avec la touche Commande pour répliquer la sélection et mettre en place pour une nouvelle sélection. C'est juste un hack rapide pour travailler un peu plus intelligemment, pas plus dur. Je pense que je préfère cette couche d' or en dessous, donc je vais aller de l'avant et avec ce calque turquoise sélectionné, il suffit de cliquer sur Supprimer sur mon clavier. Maintenant, je vais changer le nom Perivenche Golds pour me rappeler qu'il s'agit de l'option or métallique. Je vais cliquer sur ce caret pour le consolider. Maintenant, j'ai une variété de très belles palettes de couleurs ici dans mes couches, ainsi que le coloris original lui-même. Comme toujours, vous pouvez continuer à explorer vous-même les accents métalliques. J'ai généralement au moins quelques options de couleurs infusées de métal pour chaque dessin que je crée. C'est un emballage pour les métaux, passons à la vidéo suivante, qui consiste à enregistrer vos fichiers dans le réglage le plus optimisé possible. 14. Enregistrer: Maintenant que nous avons terminé toutes ces étapes et créé des designs vraiment époustouflants dans Photoshop, il est temps de passer à la dernière étape. Nous allons remplir le reste de nos modèles, puis nous allons enregistrer ces fichiers, le fichier de blocs, puis le fichier de motifs avec les paramètres de sauvegarde les plus optimaux requis pour les sites d'impression à la demande tels que Spoonflower, Society6 et Red Bubble. Commençons. J'ai ouvert mon dossier Sweet Florals ici. Je veux aller de l'avant et ouvrir le fichier de blocs et le fichier de motifs dans Photoshop. Conseil de pro, allez-y et sauvegardez-les tous les deux si vous ne l'avez pas déjà fait. Command S, parfait. Si je vais d'abord dans mon fichier de motifs, je verrai que l'un de ces modèles est déjà complètement rempli. Je n'ai apporté aucun changement à ce schéma depuis que je l'ai rempli la première fois, donc le premier est déjà terminé. Ce que je vais faire, c'est venir ici dans le panneau de mes calques, double-cliquez sur le nom du calque et remplacez-le par le nom de ma palette de couleurs. Pour cela, je vais l'appeler rose bleu. Parfait. Le premier est déjà terminé. Maintenant, je vais revenir à mon fichier de blocage. Encore une fois, nous basculons entre ces deux onglets. Avant d'aller plus loin, je veux double-cliquer là où il est dit « travailler » et taper le même nom de palette de couleurs, donc rose bleu. Encore une fois, ma palette de couleurs est indiquée sur les deux. N'oubliez pas que celui-ci s'appelle le fichier de travail, car nous avons toutes les couches individuelles dans ce fichier. Ensuite, je vais désactiver la visibilité du travail, activer la visibilité de la lavande et sauge, puis faire la même étape que nous l'avons faite précédemment, où je vais modifier, Définir le motif. Encore une fois, je ne me soucie pas du nom. Ensuite, je reviendrai à mon fichier PSB Pattern. Venez ici dans mes calques, assurez-vous que le rose et le bleu sont sélectionnés, puis appuyez Commande J sur mon clavier pour dupliquer ce calque. Maintenant, je peux double-cliquer sur la vignette du motif et cliquer sur la carotte et basculer vers le bas jusqu' à la dernière création de motif, c' est-à-dire ce palais de sauge de lavande. N'oubliez pas que c'est là que vous pouvez jouer avec l'échelle et avoir vos éléments très petits ou très grands. Mais j'ai découvert plus tôt que 45 % fonctionnaient plutôt bien pour ce schéma, donc je vais rester cohérent. J'appuie sur « Ok » , puis double-cliquez sur le nom du calque et remplacez-le en sauge lavande. À ce stade, je vais simplement rincer et répéter ce processus et faire répliquer tous mes fichiers de blocs dans mon fichier de motifs, sorte que toutes les palettes de couleurs soient représenté sur les deux fichiers. Je vais écrire pour revenir à mon fichier de blocage. Désactivez la visibilité de la sauge de lavande. Activez la visibilité de bleu-gris, éditez, Définir le motif. Revenons à mon fichier de motifs. Une fois encore une fois la sauge de lavande sélectionnée, je cliquerai sur la commande J, double-cliquez sur la vignette du calque, basculez sur la carotte et sélectionnez mon dernier motif. Appuyez ensuite sur « OK », n'oubliez pas de mettre à jour nom de votre calque bleu-gris et répétez. C'était le dernier. Maintenant, j'ai toutes mes palettes de couleurs ici dans mon fichier bloc, remplies sous forme de motif et répliquées ici dans mon fichier de motifs. Je veux aller de l'avant et enregistrer mon fichier de modèles Command S, afin de ne pas perdre de progrès. C'est le problème si vous n'avez pas mis votre signature dans le bloc parce que vous ne voulez pas elle se répète aussi fréquemment. Ici, je vais zoomer et vous montrer à quoi ressemble le mien. Ma signature se répète ici, ici, ici et ici. Si vous n'aimez pas ce look, alors c'est bon. Vous pouvez placer votre signature non pas dans le fichier bloc, mais dans le fichier de motifs lui-même. Je vais vous montrer comment. Je retournerai dans mon bloc, activerai la visibilité de mon fichier de travail et je veux trouver ma signature. Je vais simplement zoomer, appuyer sur « V » pour accéder à mon outil Déplacer et cliquer à droite sur ma signature, ce qui mettra en surbrillance ce calque. Maintenant, si je décompose cet onglet simplement en le tirant sur le côté, je peux saisir ce calque, cliquer et le faire glisser vers mon fichier de motifs. Il est blanc donc il a disparu, alors je vais juste toucher la commande T, appuyer sur « OK ». C'est là. Il se cache ici. C'est le point où je pourrais le mettre quelque part dans mon fichier de motifs s'il n'est pas déjà dans le bloc. Si vous n'avez pas de signature répétée maintenant, c'est le moment d'aller de l'avant et de l' insérer quelque part dans le design. Je l'aime généralement dans le coin inférieur droit, alors peut-être que je le mettrais dans ce pétale ici, alors « Entrez ». C'est pourquoi je ne peux pas le voir. Il se trouve sous cette couche d'or pervenche. Allez-y, cliquez dessus et faites-le glisser vers le haut. Le voilà, Z et tirez, la commande T pour ouvrir transformation et vous pouvez la dimensionner en fonction. Commande 0 pour s'adapter à l'écran. C'est encore le moment de brancher votre signature si elle ne se répète pas déjà, mais comme la mienne se répète déjà, je vais aller de l'avant et supprimer ce que je viens de faire. C'était juste un exemple à vous montrer. La dernière chose que je veux faire sur ce fichier de motifs est de déposer cette texture de papier. Je l'ai déjà téléchargé depuis Dropbox, il est donc ici dans mon dossier Téléchargements. Je vais simplement cliquer et le faire glisser directement, car rappelez-vous qu' il a déjà une taille de 40 pouces sur 40 pouces. Allez-y et appuyez sur « OK ». Si vous vous demandez pourquoi nous venons bloquer toute notre illustration, ce que nous devons faire est de passer ici à notre mode de fusion et de la modifier pour la multiplier. Assurez-vous également que la texture du papier se trouve en haut de votre pile de calques. Il n'est pas caché quelque part entre les deux, mais il se trouve tout en haut. Maintenant, si j'appuie sur « Z » et que j'enfile, vous pourrez voir cette texture de papier arriver avec l'illustration. Cette texture de papier est multipliée sur absolument tout ce que vous voyez passer de façon très subtile grâce à l' aquarelle elle-même. Ici, je vais vous montrer à quoi cela ressemble sans la texture du papier, où il est très propre mais aussi très net, puis avec la texture du papier. Parce que ma peinture originale était aquarelle, je préfère beaucoup cela. Avoir ce fond de texture papier aquarelle sur ce fichier de motifs fait une grande différence et aide cette peinture à se sentir beaucoup plus naturelle. Encore une fois, je vais vous montrer sans cette texture et cette largeur de papier. Charmant. Commande 0 pour s'adapter à l'écran. À ce stade, j'ai fini d'optimiser mon fichier de motifs et mon fichier de blocs. Je vais enregistrer mon fichier de modèle, Commande S. Maintenant que ces deux fichiers de travail sont terminés, nous avons le fichier bloc et le fichier de modèle, prêts à être utilisés à 100%. Il est temps de les enregistrer en tant que JPEG individuels afin qu' ils soient prêts à être téléchargés sur des sites d'impression à la demande tels que Spoonflower, Society6, Redbubble, Etsy ou tout ce que vous utilisez. Je vais vous montrer comment je les exporte. La première chose que je vais faire est de remettre ces onglets ensemble pour qu' il soit facile de basculer entre les deux. Voyons voir. J'ai mon dossier de blocs ici. Je vais juste cliquer dessus et le mettre ici. Mes deux onglets sont facilement accessibles entre les deux. À ce stade, je vais juste passer entre ces deux fichiers et sauvegarder chacune des couleurs comme son propre JPEG individuel. Je vais commencer par un bloc ici, et tout d'abord, je vais passer au panneau de mes calques, consolider à nouveau ce fichier de travail, et je vais commencer de bas en haut ici. Je vais commencer par ma palette originale. J'ai caché la visibilité de toutes mes autres couches. Je vais aller dans Fichier, Enregistrer sous, et c'est un bloc. Je vais donc commencer ici, sauf que je vais commencer le nom de fichier avec l'option de palette de couleurs. Je l'ai appelé PinkBlue. Le nom complet sera l' option de palette de couleurs Rose/Bleu, Sweet Florals, qui est le nom du dessin que je lui ai donné, puis Bloquer parce que c'est ce que c'est. Nous sommes dans le fichier de blocs ici. La seule chose que je veux changer maintenant, c'est le format. Je ne veux pas l'enregistrer comme aucune de ces options. Je veux en fait l'enregistrer en tant que copie pour pouvoir l' enregistrer au format JPEG. Vous remarquerez maintenant, en haut, l'extension est passée en JPG, ce qui indique JPEG. Un fichier JPEG est un fichier aplati Il va donc prendre tous les calques que nous avons ici dans notre panneau Calques et les aplatir en un seul calque. Une fois que mon œuvre est complètement finalisée, c'est le moment des JPEG. Je n'ai pas besoin d'avoir de calques dans mon JPEG, ce que je n'ai pas de toute façon parce que j' ai toujours les couches dans mes fichiers PSB en cours. JPEG n'est donc qu'une taille de fichier beaucoup plus petite que nos fichiers de travail massifs, mais il a tout notre design en haute résolution, prêt à l'emploi. Nous allons continuer et appuyer sur « Enregistrer ». J'ai toujours envie de les sauvegarder au maximum. Je vais appuyer sur « OK », et nous en avons un sauvegardé. Je vais retourner dans notre dossier SweetFlorals très rapidement, et je vais vous montrer à quoi ressemble ce JPEG. C'est juste ici. Il est enregistré au format JPEG. Je vais l'ouvrir dans Photoshop, et c' est tout, donc c'est notre fichier de blocage exact. Nous n'avons pas ce modèle d' extension qui se détache car nous ne sommes pas dans l'aperçu des motifs avec cela. Ce n'est que notre JPEG. Si vous jetez un coup d'œil ici à notre panneau Calques, vous verrez qu'il ne s'agit que d'un seul calque. Il n'a pas tous ces calques individuels comme nous l' avons sur notre fichier de travail, ce qui est génial car le JPEG est juste cette image aplatie. C'est tout ce que j'ai besoin de ça. Si vous jetez un coup d'œil ici, la taille de l'image de notre fichier JPEG est exactement la même que celle de notre fichier de travail. Il est donc toujours de 40 pouces sur 40 pouces. Si nous changeons cela en pixels, c'est 12 000 par 12 000, la résolution est de 300. Tout a l'air génial. Ici, dans notre mode couleur, nous sommes toujours en couleur RVB, ce qui est parfait. J'utilise la couleur RVB pour chacune de mes conceptions car chaque site d'impression à la demande que je vends nécessite un mode couleur RVB, et non CMJN. Je m'en tiens avec RVB pour tout. Je peux aller de l'avant et fermer ce JPEG. Je viens de l'ouvrir à titre d'exemple. Maintenant, je vais aller dans mon dossier de motifs, et je vais faire exactement la même chose. Je vais désactiver la visibilité de tous les calques qui ne sont pas mon PinkBlue, et maintenant je vais l'enregistrer en tant que JPEG aplati. Fichier, vous pouvez sauter une étape ici en accédant simplement à Enregistrer en tant que copie. Je vais cliquer là où il est écrit PinkBlue, et changer de bloc en motif. Je veux m'assurer de l'enregistrer au format JPEG et que l'extension ici passe JPEG et j'appuierai sur « Enregistrer ». Encore une fois, à la qualité maximale, soit 12, et appuyez sur « OK ». Cool. Maintenant, je vais répéter exactement les mêmes étapes et enregistrer toutes mes palettes de couleurs individuelles en tant que fichiers JPEG. Je retournerai dans mon quartier. Désactivez la visibilité du PinkBlue, activez la visibilité de la sauge de lavande et faites la même chose. Fichier, Enregistrer en tant que copie. Je cliquerai là où il est écrit PinkBlue. Changez-le en LavenderSage et assurez-vous que je l' enregistre au format JPEG et que l'extension passe en JPG. Je vais appuyer sur « Enregistrer », et je viendrai ici dans mon fichier de motifs et je ferai la même chose. Désactivez la visibilité de PinkBlue. Activez la visibilité de LavenderSage. Dossier. Enregistrez une copie. Cliquez sur « LavenderSage », changez de bloc en motif et enregistrez-le au format JPEG. Maintenant, je vais juste accélérer un peu le processus. Cool. J'ai fini de sauvegarder tous mes JPEG. Je vais vous montrer à quoi ressemble mon dossier. Maintenant, tout d'un coup, ce dossier est devenu beaucoup plus peuplé. Nous avons toutes nos palettes de couleurs individuelles enregistrées au format JPEG, ainsi que nos trois fichiers de travail. Nous avons les éléments originaux, nous avons le motif, le bloc, puis toutes ces variations de nos fichiers JPEG en bloc et en modèle. Maintenant que vous avez appris comment enregistrer tous vos fichiers dans les types de fichiers optimaux, je vais vous montrer comment je les télécharge sur des sites d'impression à la demande. Ce sera un petit bonus en coulisses pour jeter un coup d'œil à mon processus de téléchargement. 15. Télécharger sur POD: Avant de plonger un peu dans les coulisses où je vous montre comment je télécharge mes modèles sur des sites d'impression à la demande, je veux prendre une seconde et vous donner mon aperçu intérieur sur les sites d' impression à la demande en répondant c'est une grande question. Est-il possible de gagner de l'argent grâce à l'impression à la demande ? Après tout, il y a tellement de concurrence. Répondez, absolument. Voici mes meilleurs conseils pour réussir l' impression à la demande en raison de mes huit années de succès parmi les meilleurs vendeurs sur Society6. Astuce 1 : votre boutique personnelle sur un site d'impression à la demande constitue un portfolio fabuleux. En fait, c'est ainsi que beaucoup de mes concédants de licence m'ont vraiment trouvé. Ils ont d'abord trouvé bon nombre de mes créations sur Society6, puis ils ont cliqué sur ma biographie et trouvé un lien vers mon adresse e-mail , mon site Web ou mes réseaux sociaux dans ma biographie. C'est pourquoi il est si important que vos coordonnées soient répertoriées dans votre biographie, qu'il s'agisse de votre e-mail, un lien vers un réseau social ou d'un site Web, ou tout ce qui précède. Il est donc très facile pour les clients de vous trouver et de vous contacter. Astuce 2 : vous pouvez et devez vendre vos créations via plusieurs sites d'impression à la demande. Tant que les plateformes sur lesquelles vous vendez stipulent que tous les designs que vous téléchargez ne sont pas exclusifs uniquement, vous êtes prêt à partir. Lisez toujours les termes et conditions pour assurer que le contrat de licence n'est pas exclusif et que vous conservez toujours tous les droits d'auteur sur vos créations. Astuce 3 : recherchez nouvelles entreprises d'impression à la demande afin que vous soyez le premier dans la porte si elles font de la taille. Society6 est un fabuleux site d'impression à la demande, mais il existe depuis 2009 et il y a beaucoup de créateurs de contenu, tout comme moi, qui vendent sur leur plateforme. C'est bon et mauvais. C'est bien parce qu'il s'agit d'une entreprise bien reconnue, et comme je l'ai mentionné, beaucoup de mes clients m'ont initialement trouvé parce qu'ils ont d'abord trouvé mon travail sur Society6. Mais il peut être difficile de se faire remarquer lorsque vous êtes en compétition avec des milliers ou des centaines de milliers d'autres artistes. Une stratégie consiste à rechercher de nouveaux sites Web d'impression à la demande afin que vous puissiez grandir avec eux. Mixtiles est un site avec lequel je me suis impliqué à la fin de 2019, et l'année suivante, 2020, ils étaient en fait mon troisième site d' impression à la demande le plus rentable. Il peut être très avantageux d'être le premier à la porte. De nouveaux sites d'impression à la demande s'ouvrent constamment. Je recommande de faire des recherches en ligne pour en trouver nouvelles avant qu'elles ne deviennent massivement populaires. Astuce 4 : téléchargez vos illustrations de manière cohérente. Mon objectif est de télécharger un nouveau design chaque jour sur des sites Web d'impression à la demande, et bien sûr, en créant dix palettes de couleurs différentes partir d'un même design, ce qui me donne dix jours complets des téléchargements, ce qui est génial. Je ne télécharge pas toutes mes palettes de couleurs en même temps. Au lieu de cela, j'essaie de les étaler sur quelques semaines ou quelques mois pour que mon flux entier ne soit pas un seul motif dans plusieurs coloris. Il est temps que l'exemple bonus vous montre comment je rationalise le processus téléchargement de mes créations sur les trois principaux sites d' impression à la demande que je vais montrer aujourd'hui, Society6, Spoonflower, et Redbubble. Beaucoup de gens m'ont dit que le téléchargement de vos fichiers sur des sites d'impression à la demande peut être un gros problème, et croyez-moi, j'y suis certainement allé. Je vais vous montrer ma méthode je vais vous montrer comment j'optimise les mots-clés et les titres pour tirer le meilleur parti de mes illustrations. Je vais commencer en supposant que vous avez déjà créé des comptes sur ces sites. Si ce n'est pas le cas, il est très simple de configurer votre boutique. Je vais commencer par télécharger mon doux motif floral dans les palettes de couleurs originales. En outre, un rapide rappel que si vous avez suivi l'utilisation de ma même illustration florale, vous ne pouvez pas la télécharger pour la vendre en ligne puisque c'est moi qui l'ai conçue. Cependant, si vous avez votre propre modèle que vous avez numérisé dans cette classe, ce n'est pas le mien, allez-y. Je vais commencer par ouvrir Society6. Je vais commencer ici même avec Society6. Je vais frapper Sell. Ensuite, allez ici pour ajouter une nouvelle illustration, sélectionner un fichier, et dans mon dossier Sweet Florals, je vais recommencer avec cette palette de couleurs rose bleu originale comme fichier de motifs, pas le bloc, mais le modèle pour Society6. Je vais aller de l'avant et appuyer sur « Ouvrir », et ça s'appelle les fleurs douces roses et bleues. Parfait. Je vais aller de l'avant et Commande A pour sélectionner cela, Commande C à copier. Ensuite, allez ici à Redbubble. Je vais accéder à mon compte, ajouter de nouvelles illustrations, télécharger de nouvelles œuvres et récupérer exactement le même modèle. Appuyez sur « Ouvrir » et cliquez sur sous Commande Titre V pour coller. Le prochain est Spoonflower. Je vais aller sur mon tableau de bord. Cliquez là où il est écrit « Ajouter des dessins », et maintenant quelque chose que je veux souligner, vos fichiers pour Spoonflower doivent être inférieurs à 40 mégaoctets. Si je vais ici dans mon dossier, mon fichier de blocage est en fait un peu plus gros. Je vais aller de l'avant et redimensionner ça juste pour Spoonflower, mais pas juste sur mon original. Je vais ouvrir ce bloc dans Photoshop et aller dans Image, Taille de l'image, et ramenons cela à 20 pouces sur 20 pouces. La moitié de la taille d'origine. Appuyez sur « OK », Fichier, Enregistrer sous. N'oubliez pas que nous ne voulons pas écrire sur le bloc d'origine car c'est beaucoup plus élevé, donc si un client ou un partenaire de licence en a besoin plus tard, nous avons toujours le bloc haute résolution pour les envoyer. Nous allons faire une résolution inférieure pour Spoonflower puisque nous avons dépassé cette limite de fichiers. Après le bloc, je vais juste faire Spoonflower, et c'est ce que je me rappelle que ce bloc est en fait une image en basse résolution. Encore une fois, c'est un JPEG. Je vais aller de l'avant et appuyer sur « Enregistrer ». Jetons maintenant un coup d'œil sur nos dossiers ici. Parfait, maintenant nous sommes en dessous de cette limite de 40 még, qui est exactement ce que nous voulons. Maintenant, je peux revenir à Spoonflower, cliquer sur « Choisir les fichiers », saisir l' option Spoonflower et appuyer sur « Ouvrir ». J'ai confirmé mes droits d'auteur et je souhaite les télécharger. Pendant que nous attendons ces téléchargements, je vais vous montrer une petite astuce que j'utilise dans mes dossiers. Nous sommes de retour ici dans mon dossier Sweet Florals, et il y a beaucoup de choses qui se passent ici. Ce que je viens de faire, c'est télécharger cette palette de couleurs sur les trois sites d'impression à la demande. Je veux créer un petit rappel pour ne plus recharger cela dans quelques semaines, mois ou années. Je vais utiliser un outil appelé étiquette de couleur, ce que vous pouvez faire avec les MacBooks. Ce que je vais faire, c'est sélectionner tous mes fichiers, Commande A, appuyer sur Commande, puis cliquer pour désélectionner ces analyses originales, et je vais cliquer sur Contrôle et y mettre une étiquette rouge pour me rappeler téléchargez-les sur Redbubble, cliquez à nouveau en maintenant la touche Contrôle enfoncée. Placez une balise violette pour me rappeler de les télécharger sur Society6 et d'y mettre un tag vert pour me rappeler de les télécharger sur Spoonflower. Maintenant, puisque j'ai déjà téléchargé la version rose bleu, je peux désactiver ces balises car j'ai déjà fait cette action. Encore une fois, cliquez sur la touche Ctrl enfoncée, allez mes tags et supprimez les trois Maintenant, si j'ouvre ce dossier dans quelques jours, mois ou années, je saurai que tout ce qui comporte une étiquette de couleur est un fichier qui doit encore être téléchargé sur un fichier qui doit encore être ces sites Web d' impression à la demande. Puisque j'ai des milliers de designs dans mon portefeuille, c'est un très bon moyen de me rappeler rapidement ce qui a été téléchargé et ce qui n'a pas encore été téléchargé. En revenant à Society6, il a fini de télécharger. Je vais aller de l'avant et appuyer sur « Continuer ». Oui, c'est mon travail. Non, il n'est pas mûr. Continuez. La catégorie est la peinture. Avant d'ajouter mes tags, je vais aller de l'avant et le faire ici sur Redbubble. Les balises de mots-clés sont tous les mots qui se rapportent à ce que pourrait être votre illustration. Ceux-ci sont vraiment précieux à inclure lorsque vous téléchargez votre conception, car nombreux utilisateurs trouveront votre travail, car ils ont peut-être recherché l' un de ces mots de balise. Pour cela, je vais utiliser des étiquettes comme fleur, fleurs, fleurs, motif, floraison, printemps, été, nature, feuille, feuilles, aquarelle, jardin, vacances, coloré, et mon nom de marque, catcoq. Je pense que c'est un bon nombre de balises, et maintenant qu'elles sont répertoriées, je vais faire la commande A pour tout sélectionner, commande C à copier, puis revenir ici Society6 et les coller ici. Parfait, et la raison pour laquelle je le fais de cette façon est que je n'ai à écrire les étiquettes qu'une seule fois, puis je peux simplement copier et coller dans Society6 et Spoonflower, parlant de, passons ici pour Florez à la cuillère et collez ces étiquettes. Je vais également réviser le titre, les fleurs de la suite. Rose et bleu. Je conserve la cohérence de mes titres sur tous les sites d'impression à la demande. Revenons à Society6. Par défaut, de nombreux produits commencent à être désactivés , je veux donc trouver ceux qui sont éteints et les rallumer. Maintenant, pour certains produits comme cette affiche, je pense que ce design est trop petit pour ce produit exact. Je veux aller de l'avant et l' agrandir sur cette affiche, alors je vais passer à Edit. N'oubliez pas de sauvegarder vos modifications. C'est là que je peux augmenter un peu cette échelle pour qu'elle soit un peu plus naturelle sur une affiche. Une chose que je veux garder à l'esprit, c'est que ma signature est toujours visible. Dans ce cas, c'est ici deux fois. Je pense que c'est bon. Je tiens à souligner ici, avec l'échelle, c'est 100 % de ce que je peux mettre à l'échelle de cette œuvre comme sur ce produit. Society6 ne me laissera pas dépasser ce qu'il est capable d'imprimer avec une résolution de haute qualité. Parce que ces fichiers sont encore une fois si massifs, je peux en faire assez gros. Je n'en ai pas besoin si grand, mais je veux juste le souligner pour que vous puissiez voir un exemple. Society6 ne vous permettra jamais de faire évoluer votre produit au-delà de ce qu'il est capable d' imprimer avec une résolution de haute qualité, ce qui est plutôt génial. Allons ramener ça. Je pense que ce placement est vraiment sympa et il y ma signature juste là, donc nous allons continuer et enregistrer et activer. C'est l'une des choses sympas. Society6 vous permet d' activer par lots vos produits, ce qui signifie que nous n'avons pas à faire exactement la même chose d'agrandissement et de redimensionnement pour chaque produit. Pour les produits dont les dimensions sont comparables, nous pouvons aller de l'avant et en cocher plus d'un. Plateau de service, support mural et plateau en acrylique, allons-y et faites-les ressembler exactement à ceci. Activer. Cool. Vous pouvez maintenant voir à quoi cela ressemble avec un design plus grand. Je pense que c'est beaucoup mieux. Ce que je vais faire, c'est simplement passer basculer sur ceux qui sont bons à aller et peut-être modifier et ajuster ceux qui ont besoin de ce modèle, être un peu plus gros. Par exemple, ce coussin, je n'ai pas vraiment aimé son apparence avec un motif très complexe et fin. Je pense que les motifs sont un peu meilleurs quand ils sont modernes et agrandis, alors je vais aussi faire sauter celui-ci un peu. Encore une fois, ma signature est coupée ici et ici, donc je vais juste l'ajuster pour m' assurer que ma signature est toujours visible. Parfait. Vous pouvez toujours générer un aperçu pour voir à quoi ressemble cette balance sur le produit. Il s'agit simplement d'un outil utile pour voir votre design en temps réel sur un produit. Ça m'a l'air génial. Il y a ma signature belle et évidente, mais pas trop puissante. Je vais continuer et appuyer sur « Enregistrer et activer ». Je veux la même dimension pour le sac fourre-tout, pour les arts muraux en bois, et à peu près tous ces éléments sauf le papier peint. Nous allons y arriver dans une seconde. Cool. Maintenant, je peux voir à quoi ressemble mon design agrandi en tant que décoration murale en bois. Parce que rappelez-vous que nous l'avons activé lorsque nous avons édité l'oreiller. Je vois aussi à quel point il est plus grand sur des choses comme les horloges murales et cet oreiller de sol. Mais ce que je veux aborder ensuite, c'est le papier peint car cela nécessite un motif répété. Je vais aller dans Edit, et je me souviendrai que ce fichier de motifs n'est pas une répétition parfaite. Vous pouvez voir que la fleur recadrée sur le côté gauche ne se répète pas parfaitement du côté droit. C'est là que le bloc est utile pour Society6. Je vais télécharger un nouveau fichier, aller chercher ce bloc et appuyer sur « Ouvrir ». papier peint est le seul produit Society6 qui nécessite en fait un motif homogène. C'est le seul produit sur lequel je télécharge ce bloc. Sur Society6, tout le reste est ce fichier de modèle, qui n'est pas une répétition parfaite. J'ai sauvegardé ce bloc pour juste du papier peint sur Society6. Pendant que cela est en cours de téléchargement, je vais passer ici sur Redbubble et commencer à activer certains produits. Je désactive généralement les motifs sur les t-shirts comme celui-ci. Je ne pense pas qu'ils soient très beaux. Ils fonctionnent beaucoup mieux en tant qu'imprimé complet, comme sur ces chemises ici. autocollants. Pourquoi pas ? Quelqu'un pourrait s'intéresser à ça. Je vais simplement continuer à faire défiler vers le bas. Même chose, je veux aller de l'avant et augmenter le motif sur l'oreiller, que vous pouvez voir en temps réel, ce qui est vraiment utile et l' amener dans un endroit agréable ici. Où est ma signature ? Il est là en bas. Cool. Je vais y aller l'avant et appliquer les modifications. Vous ne pouvez pas activer les produits par lots sur Redbubble comme vous pouvez avec Society6, donc c'est un peu plus de maintenance. Nous allons descendre ici, activer les jupes et aller de l'avant et tout allumer. Pour certaines choses, je pourrais vouloir les redimensionner et agrandir un peu le motif. Je vais simplement passer en revue et activer les produits qui sont bons à utiliser et redimensionner ceux qui ont besoin d'un peu plus de travail. Je vais vous montrer quelque chose ici. Je vais utiliser le sac de sport comme exemple. Je pense que ce motif semble trop grand sur produit et je veux qu'il soit beaucoup plus petit et affiné. Même si ce fichier de modèle est téléchargé, nous pouvons toujours y arriver avec Redbubble. Je vais aller dans Edit, et je ne peux pas réduire mon modèle parce que c'est littéralement là où il se termine. Si je veux que mon motif soit plus petit sur le produit, que dois-je faire ? Le bloc. Je vais aller dans Remplacer l'image, je vais récupérer ce bloc et le télécharger. L'une des choses intéressantes avec Redbubble est qu'elles vous permettent de télécharger votre bloc, puis de contrôler comment il est empilé et répété et sa taille et sa taille. Vous ne pouvez pas le faire avec Society6 , donc Redbubble est plutôt cool de cette façon. Je dois attendre que cela soit téléchargé avant de vous montrer comment. Pendant que c'est encore en cours de téléchargement, je vais aller ici à Spoonflower. Mon design est déjà téléchargé. J'ai mon titre, tous mes tags, et ce que je veux faire, c'est positionner cela pour qu'il soit bien sur un produit. N'oubliez pas que le bloc était vraiment grand, donc notre motif est énorme sur le tissu. Il est difficile de se faire une idée de l'échelle ici même sur Redbubble, même avec la règle. Je suis une personne visuelle, j'ai donc besoin de voir à quoi ça ressemble sur un vrai produit. Pour ce faire, choisissez Afficher tous les produits. Je vais cliquer avec le bouton droit de la souris et ouvrir dans un nouvel onglet pour que cela reste ici et que je puisse passer à mon nouvel onglet et voir à quoi il ressemble sur un vrai produit. Papier peint, intéressant. On y va. Le motif semble vraiment cool sur les produits, mais il est beaucoup trop grand. Même ici, sur cet oreiller, c'est beaucoup trop massif. Je veux vraiment le réduire un peu, peut-être un peu. Pour rendre le motif un peu plus serré et plus petit, je peux aller juste ici et cliquer sur « Plus petit 21 ». C'est littéralement la moitié de la taille de ce que nous étions auparavant avec 40. Allons encore plus petit et voyons ce qui se passe. 10.5, celle-ci a l' air plutôt bien. Je vais y aller et sauvegarder la mise en page. Bien que cela économise, je vais revenir en arrière et vérifier mes progrès sur Society6. Cool. Le bloc a été entièrement téléchargé ici sur nos produits de papier peint. Allons de l'avant et cliquez sur Générer des aperçus pour voir à quoi il ressemble. Génial. Ça a l'air vraiment bien comme papier peint en fait. Vous pouvez voir que ce motif sans coutures a fait un travail parfait de répétition, empilage et de carrelage absolument parfaitement sans bords mal alignés. Ça a l'air génial. Je vais cliquer sur « Enregistrer et activer ». Je n'ai pas besoin de cela sur d' autres produits , alors je cliquerai sur « Sauter cette étape ». Cool. À ce stade, je vais simplement passer par Society6, activer des produits qui ont fière allure et je vais modifier les produits là où je veux ajuster un peu cette échelle. Comme ce tapis, je pourrais en parler un peu et m' assurer que ma signature est toujours incluse quelque part dans ce design. Appuyez sur « Enregistrer » et activez-le également pour les autres types de produits. Society6 propose de nombreux produits différents. Une fois que vous avez fini de les parcourir et de les activer tous, vous pouvez venir ici et publier votre œuvre d'art. Une fois publié, le statut ici changera pour l' indiquer et vous pourrez le voir en direct sur votre boutique Society6 dans tous les produits que vous avez activés, ce qui est joli cool. Society6 est terminée. Allons ici à Redbubble et voyons nos progrès. Le bloc a fini de télécharger nos sacs de sport. Comme vous pouvez le constater, les éléments sont devenus encore plus grands sur ces sacs de sport, ce que nous ne voulons pas, mais au lieu de cela, nous avons téléchargé ce bloc pour pouvoir le mettre à l'échelle. Vous avez la possibilité de griller votre motif et de cette façon, vous pouvez le rendre aussi petit et détaillé que vous le souhaitez ou aussi grand que celui-ci , ce qui, encore une fois, nous ne voulons pas pour le sac de sport. Encore une fois, je peux le voir en temps réel au fur et à mesure que je peux trouver une belle taille qui fonctionne très bien. En fait, j'aime beaucoup ça, alors nous allons appuyer sur « Appliquer les modifications ». Avec Redbubble, vous avez les deux options. Vous pouvez télécharger votre fichier de modèles ou télécharger votre bloc, puis l'empiler et le répéter sur les produits. Une fois vos produits Redbubble terminés, vous pouvez continuer et sauvegarder votre travail. Une fois qu'il est entièrement traité, vous pourrez le voir en direct sur le site Web de Redbubble. Pour Society6 et Redbubble, il peut parfois s'écouler jusqu'à 15, 20 minutes avant de le voir en direct dans votre boutique. C'est juste un traitement dans les backends. Dernier point mais non le moindre, revenons ici à Spoonflower. Maintenant que cette nouvelle taille est enregistrée, voyons à quoi elle ressemble sur les produits. Génial. Cette taille plus petite est en fait beaucoup mieux sur les produits que le plus grand, donc je pense que ça va être bon à emporter. C'est exactement là que je vais le garder. Je retournerai à Spoonflower, et je veux aller de l'avant et l' activer pour tous les produits. Spoonflower est un peu différent de Society6 ou Redbubble. Pour Spoonflower, vous devez acheter un échantillon de votre modèle avant de pouvoir l'activer en vente. La raison pour laquelle ils le font encore, c'est parce que ces répétitions sont si difficiles à réaliser. Ils veulent s'assurer qu'il va réellement aligner et paraître bien lorsque vous approuvez cet échantillon avant que d'autres personnes puissent acheter votre illustration. Si vous souhaitez avoir un design particulier à vendre sur Spoonflower, vous devez d'abord acheter une nuance. Mais pour les deux autres, Society6 et Redbubble, une fois votre design publié, n'importe qui peut l'acheter. C'est une solution pour les coulisses avec Print On Demand. J'espère que cela vous a plu dans les coulisses de mon processus de téléchargement. Ensuite, j'ai quelques dernières réflexions à partager avec vous dans notre dernière vidéo de la classe d'aujourd'hui. 16. Réflexions finales: [MUSIQUE] Tout d'abord, je veux juste vous dire à quel point vous êtes impressionnant d'avoir atteint la fin de ce cours. conception de motifs sans couture est le type de motif le plus difficile et il m'a fallu des années pour maîtriser pleinement le processus. Vous êtes déjà en avance sur la courbe en matière de conception de surface. Vous pouvez acquérir les compétences que vous apprendrez aujourd'hui et créer tant de designs sympas qui ont des applications réelles dans le secteur de la conception de surfaces. J'ai hâte de voir comment votre schéma s'est réuni. N'hésitez pas à partager vos œuvres dans la galerie des projets étudiants ci-dessous. Vous trouverez la galerie sous l'onglet Projets et ressources. Sur la droite, vous verrez un bouton vert indiquant Créer un projet. Cliquez dessus et une fois sur place, vous aurez la possibilité de télécharger une photo de couverture, d' ajouter un titre et d'écrire une petite description. Vous pouvez inclure du texte et des images ici. Si vous preniez quelques photos de processus en cours de route, j'aimerais aussi les voir. Veuillez partager une photo de votre croquis ou de votre peinture, puis comment le motif final est apparu dans Photoshop. Puisque les fichiers Photoshop que nous avons créés aujourd'hui sont massifs, cela fonctionnera mieux si vous effectuez simplement une capture d'écran de votre fichier Photoshop. Téléchargez ensuite ces captures d'écran dans la galerie de projets. Les captures d'écran seront téléchargées beaucoup plus rapidement Skillshare que nos fichiers Photoshop massivement géants. Une fois que votre projet est téléchargé, il apparaît dans la galerie des projets étudiants. Vous pouvez voir d'autres projets ici et je vous encourage à aimer et à commenter le travail de chacun. Si vous souhaitez partager votre projet sur Instagram, veuillez me taguer @catcoq et Skillshare @skillshare afin que nous puissions aimer et commenter . prime, de temps en temps, je décide de mettre en avant le travail des étudiants dans mes e-mails Il y a donc toujours une chance que vous puissiez y trouver l'avenir de vos œuvres d'art. En parlant de courriels, si vous voulez vous informer dès que je lance mon prochain cours, cliquez sur le bouton de suivi ci-dessus pour me suivre sur Skillshare. Non seulement vous serez le premier à savoir dès la sortie de mon prochain cours, mais j'envoie également des messages à mes abonnés et ils regorgent mais j'envoie également des messages à de conseils utiles, cadeaux et de ressources artistiques, et le cadeau gratuit d'adhésion Skillshare. J'adore offrir à mes élèves ces avantages amusants. Vous pouvez également me suivre sur Instagram pour voir nouvelles œuvres d'art que je suis en train de créer et où je vis actuellement dans le monde. ce moment, je suis dans mon Airbnb au Mexique où je vis depuis an. Ma prochaine destination est l'Espagne, où j'organiserai une retraite d'artistes durant l'été et après cela, qui sait ? Je vis dans une valise depuis six ans, donc la vie est une aventure complète. Enfin, je veux vous recommander quelques cours puisque vous avez suivi mon cours de patrons sans couture aujourd'hui. Si vous avez apprécié celui-ci et que vous voulez découvrir plus de mes cours en même temps, je vous recommande de regarder, Cultiver la couleur, varier les palettes dans l' art original et Grow Your Portfolio. Dans ce cours, vous plongerez en profondeur dans l'exploration des couleurs dans Photoshop. De plus, je laisse tomber beaucoup de bombes de valeur créer des palettes de couleurs qui se vendent particulièrement bien et comment suivre les tendances des couleurs votre œuvre puisse atteindre la crème du globe. Vous pouvez trouver cette classe en cliquant sur mon nom au-dessus cette vidéo et en faisant défiler mon profil pour voir toutes mes autres classes. Un autre document qui pourrait vous intéresser est un guide étape par étape pour les licences artistiques. Vendez votre première œuvre d'art en ligne. Dans cette classe, vous allez commencer à vendre vos œuvres d'art en ligne, en concentrant sur des sites imprimés à la demande tels que Society6. Depuis que j'ai vendu plus de 100 000 produits sur Society6, ce cours est essentiellement moi qui vous dit tout ce qui a très bien fonctionné pour moi. Enfin, si vous voulez apprendre à créer un motif de répétition sur votre iPad à l'aide de l'application de dessin Procreate, checkout, my class, dessiner des motifs homogènes dans Procreate plus professional conseils de conception de surface. C'est un autre cours amical pour débutants. Donc, même si vous n'avez jamais utilisé Procreate auparavant, vous serez en mesure de suivre très bien. Si vous avez apprécié mon cours aujourd'hui, veuillez laisser un avis. Ces critiques représentent beaucoup pour moi et j' adore lire ce que vous pensiez de ma classe. J'enseigne sur Skillshare depuis plus de cinq ans. dans l'épanouissement que je retiens d'être enseignant, c'est ce qui me pousse à continuer d'inspirer mes élèves. Vous êtes géniaux. Merci beaucoup de vous être joint à moi aujourd'hui, j'ai hâte de voir vos motifs homogènes. Prenez soin de vous et je vous verrai la prochaine fois. [MUSIQUE]