Mixer votre musique - Obtenir un son de qualité professionnelle | Mikael Baggström | Skillshare
Menu
Recherche

Vitesse de lecture


  • 0.5x
  • 1 x (normale)
  • 1.25x
  • 1.5x
  • 2x

Mixer votre musique - Obtenir un son de qualité professionnelle

teacher avatar Mikael Baggström, Music Composer | Sound Designer | Video Producer

Regardez ce cours et des milliers d'autres

Bénéficiez d'un accès illimité à tous les cours
Suivez des cours enseignés par des leaders de l'industrie et des professionnels
Explorez divers sujets comme l'illustration, le graphisme, la photographie et bien d'autres

Regardez ce cours et des milliers d'autres

Bénéficiez d'un accès illimité à tous les cours
Suivez des cours enseignés par des leaders de l'industrie et des professionnels
Explorez divers sujets comme l'illustration, le graphisme, la photographie et bien d'autres

Leçons de ce cours

    • 1.

      Introduction au mélange professionnel

      3:00

    • 2.

      Les 10 conseils de Mike sur le mélange

      6:02

    • 3.

      La toile 5D de la musique

      12:23

    • 4.

      La chaîne de production musicale

      3:50

    • 5.

      Dimension 1 - Time

      10:37

    • 6.

      Dimension 2 - Fréquence

      8:06

    • 7.

      Dimension 3 - niveau

      6:33

    • 8.

      Dimension 4 - Panning

      7:02

    • 9.

      Dimension 5 - Space

      7:53

    • 10.

      Mélange de flux de travail 1 - La configuration de mélange

      3:37

    • 11.

      Mélange de flux de travail étape 2 - Mélange approximatif

      6:45

    • 12.

      Mélange de flux de travail 3 - Mélange final

      5:50

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

1 340

apprenants

--

À propos de ce cours

Apprenez à mélanger votre musique de manière professionnelleVous
êtes intéressé par la production musicale, la frappe et la fabrication de musique sur votre ordinateur ? Eh bien, si vous souhaitez obtenir un son professionnel sur vos productions musicales finales, devez apprendre à mélanger votre musique.

Exemples de choses que vous allez apprendre

  • La toile 5D de la musique
  • La chaîne de production musicale
  • Comment mélanger dans les 5 dimensions
  • Flux de travail pratique
  • + Conseils et astuces bonus

Commencez aujourd'hui, c'est à vous qui en êtes aujourd'hui, et
remerciez-vous demain. Inscrivez-vous maintenant et je vous attendrai dans ce cours ! =) respectables les regards

de
Mikael "Mike" Baggström Composer
musicales | Concepteur de musique |

Rencontrez votre enseignant·e

Teacher Profile Image

Mikael Baggström

Music Composer | Sound Designer | Video Producer

Enseignant·e

Hey Friends and Creative People!

My name is Mike, and I am a Music Composer, Sound Designer and Artist. I Share my Story, Journey, Experience and Knowledge, to Inspire and Empower Creative People like you. =)

MY PASSION

I believe that learning should be fun. I love to bring my personality into my teaching style. I also try to make my courses dynamic, to be more interesting to you. =)

Friendly regards,
Mike from Sweden
Compose | Artist | Educator

Voir le profil complet

Level: Beginner

Notes attribuées au cours

Les attentes sont-elles satisfaites ?
    Dépassées !
  • 0%
  • Oui
  • 0%
  • En partie
  • 0%
  • Pas vraiment
  • 0%

Pourquoi s'inscrire à Skillshare ?

Suivez des cours Skillshare Original primés

Chaque cours comprend de courtes leçons et des travaux pratiques

Votre abonnement soutient les enseignants Skillshare

Apprenez, où que vous soyez

Suivez des cours où que vous soyez avec l'application Skillshare. Suivez-les en streaming ou téléchargez-les pour les regarder dans l'avion, dans le métro ou tout autre endroit où vous aimez apprendre.

Transcription

1. Introduction au mélange professionnel: Hey, amis et créateurs de musique Mike ici et maintenant il est temps pour vous d'apprendre l'essentiel du mixage de vos productions musicales pour obtenir un son professionnel. Commençons. Alors, qu'est-ce que cela signifie de bien mélanger votre musique en excès ? Mélanger de la musique est en fait très simple. L' objectif global est de créer un bon équilibre par rapport à la production globale. Vous le faites en mélangeant toutes les pistes individuelles, en utilisant diverses techniques pour appeler leur propre espace unique. Dans le mix final, vous vous efforcez d'obtenir un bon degré de séparation entre chaque piste de votre projet afin qu'ils aient chacun leur propre place, leur propre domaine dans le mix. Oui, les pistes se chevauchent les unes avec les autres. n'est que naturel parce que la séparation totale est fondamentalement impossible. Mais en additionnant toutes les techniques que vous apprendrez dans ce cours, vous serez en mesure de créer une meilleure séparation entre les pistes, ce qui conduira à une plus grande clarté pour tous les instruments et sons de votre mix. Imaginez un restaurant plein de gens qui parlent autour de vous. Le son global sera comme un gros bruit de roll off. Vous serez en mesure d'entendre que c'est beaucoup de gens qui parlent, mais pas vraiment des conversations individuelles. Cette analogie est comme un mauvais mélange dans une production musicale, beaucoup d'instruments et de pistes se battent les uns avec les autres, ce qui va créer un gros désordre sonore boueux. Mais disons que vous aviez un contrôle du volume pour chaque personne dans ce restaurant. Disons que vous pourriez les placer différemment dans l'espace stéréo. Il juste leurs voix avec e que et le filtrage automatiser volume. Utilisez la compression pour apprivoiser l'équilibre audio et l'âme. Eh bien, alors vous auriez le contrôle de toutes les conversations pour pouvoir les séparer suffisamment pour pouvoir entendre ce dont ils parlent. C' est une analogie pour ce qu'est le bon mélange. Incroyable. Maintenant, vous savez ce que vous pourrez faire lorsque vous apprendrez les techniques essentielles en mélangeant la musique. Il est temps pour vous de prendre le contrôle de votre musique. Apprenez la véritable mise hors tension, mélange pratique la ou pour améliorer vos compétences. Devenez un maître de vos productions musicales. Je pourrais, et je te verrai dans la prochaine 2. Les 10 conseils de Mike sur le mélange: Hey, amis et musiciens Mike ici et dans cette vidéo, je vais vous donner mes 10 meilleurs conseils ou mélanger de la musique professionnellement. D' accord, je vais aller assez vite, mais tu peux toujours y retourner et regarder à nouveau. Astuce un. Concentrez-vous sur le tableau d'ensemble. Mélanger de la musique est tout au sujet du résultat final. La grande image. C' est pourquoi je vous conseille de concentrer la majorité de votre temps sur des choses qui ont un impact majeur sur la situation globale. Comme les canaux de groupe, par exemple, pointe pour faire de nombreux petits changements. Ma directive personnelle est de faire beaucoup de petits changements partout. Augmentez un peu le paramètre ici, réduit un peu là. Les changements drastiques sur les instruments individuels sonnent généralement, sorte que l'esprit se met à faire beaucoup de petits changements ont tendance à produire le son le plus naturel et la pointe mixte professionnelle. Trois. Mélangez d'abord le noyau. Quel est le noyau ? Eh bien, c'est essentiellement le principal objectif de votre musique. Les éléments les plus importants, si vous voulez. Habituellement, ce sont des choses comme la batterie, basse et la mélodie principale ou le chant. Si vous obtenez ces bons équilibrés et mélangés d'abord, le reste de vos morceaux sera beaucoup plus facile. Conseil. Quatre. Mettez ces projecteurs au centre. Pensez à votre musique comme une scène de théâtre et à vos instruments comme des acteurs. Vous aurez toujours des acteurs principaux qui ont les projecteurs principaux sur eux, et de même, vous aurez des instruments et des sons dans votre production musicale qui exigent plus d'attention. Vous leur donnez cela en les plaçant au centre, alors décidez quels sons dans votre mix ou les acteurs principaux. Conseil. Cinq. Mélangez d'abord avec vos oreilles. Le plus important pour vous avez comme compositeur de musique et producteur ou vos oreilles. Apprenez à les utiliser pour écouter instinctivement la musique, les instruments et les cellules individuelles, et faites de petits changements tout en écoutant activement avec soin. Résiste à la tentation d'utiliser une analyse pour aimer un analyseur de spectre. Onley. Utilisez des outils techniques comme ça pour confirmer vos instincts. Conseil six. Utilisez les pistes de référence. Trouvez de la musique populaire publiée dans un style similaire à votre morceau et utilisée comme référence. Ceux-ci sont déjà mixtes professionnels. En fait, écouter et analyser de la musique mixte professionnelle peut être un bon moyen de former vos oreilles . Peut-être que votre musique a tendance à avoir trop de fréquences basses ou peut-être trop peu élevées . Conseil. Sept. Apprenez votre chambre et toujours vous moniteurs. Chaque pièce ajoutera son empreinte acoustique à ce que vous entendez lorsque vous écoutez les moniteurs de votre studio. C' est pourquoi vous devriez écouter beaucoup de musique dans votre studio et sur vos moniteurs afin que vous appreniez le son de la pièce et de vos haut-parleurs. Conseil. Huit. Calibrez vos niveaux. Nos oreilles répondent très différemment aux différents niveaux de volume, ce qui affecte la façon dont nous entendons les fréquences et l'équilibre de la musique écoutera. C' est pourquoi vous devez calibrer vos moniteurs de studio à un niveau spécifique afin que vous puissiez toujours mélanger votre musique tout en surveillant à un niveau sonore prédéfini. Il suffit de rechercher calibrer vos moniteurs de studio sur Google et plein d'un des guides pour trouver le conseil neuf. Vérifiez votre équilibre stéréo et votre capacité morale. Il est important de savoir que beaucoup de gens écouteront votre musique sur un système moral comme sur petits appareils tels que smartphones, tablettes, etc. Pendant le processus de mixage. Il est important que vous vérifiez votre mix en monaural de temps en temps sur le mix final, devrait avoir un bon équilibre stéréo et aussi bon son même sur un système moral. Astuce 10 mélanger à un niveau de sonie dédié. Je fais toujours ma musique pour que la production finale ait un niveau de sonie moyen dédié . Vous produirez des mélanges bien meilleurs si vous n'êtes pas trop influencé par le niveau sonore . Souvent, nous nous trompons en pensant qu'un changement a rendu meilleur son quand il a simplement fait paraître plus fort. Je recommande d'utiliser un compteur aime brancher sur votre sortie stéréo maître et de décider dès le début de votre processus de mixage, quel niveau de sonie moyen. Vous allez mélanger l'attrayant, par exemple, moins 14 amours. Très bien, c' étaient mes meilleurs conseils ou mélangeant votre musique professionnellement. J' espère que certaines de ces cassettes vous ont fait prendre conscience de votre propre processus de mixage. Maintenant, il n'y a qu'une seule façon d'améliorer vos compétences de mixage, c'est en mélangeant beaucoup de musique. Rien ne vaut apprendre. En le faisant. Assurez-vous de mettre en œuvre et d'essayer quelques-unes des choses que vous apprenez de mes conseils, puis fait autant de musique que vous pouvez chaque semaine. Je m'appelle Mike, et je te verrai dans le prochain 3. La toile 5D de la musique: Dans cette vidéo, vous apprendrez mon concept spécial de mixage professionnel de la musique, qui est basé sur la toile cinq D de la musique, et vous ou le peintre mélangeant musique contre peinture. C' est un concept que j'ai développé pour enseigner le mixage professionnel, et c'est aussi une excellente ligne directrice pour avoir le dos de votre esprit lorsque vous travaillez sur votre mix. Il est basé sur l'analogie de la peinture. Et ne vous inquiétez pas. Vous n'avez pas besoin d'être Leonardo da Vinci pour mélanger votre musique dans une production professionnelle, mais je crois que l'analogie de la peinture est idéale pour développer un sens hors perspective. Hors de la musique. Le peintre a des limites strictes pour travailler à l'intérieur lors de la création de son art de la taille de toile, la toile,les pinceaux et l'utilisation des outils des couleurs qu'il peut produire avec son palais. Mais même dans ces limites, une peinture peut devenir un véritable chef-d'œuvre. Les milliers de coups individuels du pinceau, toutes les couches de peinture et de l'image et le mélange de couleurs travaillent ensemble pour constituer la peinture finale. Quels meurtres sont l'impression que vous avez quand vous regardez la dernière peinture sur le mur ? Tout cadre complémentaire. Maintenant, comparons ces deux musiques. Comme pour la peinture, vous avez des restrictions basées sur la physique et les règles du domaine numérique, qui constituent l'enregistrement audio de votre production finie. Un exemple d'une telle restriction est l'ouïe humaine. n'y a aucune raison de faire de la musique en dehors de la portée de nos oreilles peuvent entendre le son. Votre mission est de peindre votre musique dans la gamme et les limites dont vous disposez pour l' audio et le son. Donc, quand vous mélangez de la musique, vous pouvez vous imaginer comme un grand peintre, un DaVinci arable de Leone. Mais pour la musique, alors quelle est la toile de cinq D de la musique ? Eh bien, ce n'est pas de la peinture ou des couleurs, mais comparé à une peinture physique, vous avez en fait un domaine plus important dans la musique pour peindre votre dernier apaisement du son. J' appelle cela les cinq caméras D de la musique, qui représentent les cinq dimensions. Lorsque vous mélangez votre production musicale, passons en revue une par une dimension une fois la première dimension à peindre votre musique en son temps. Si vous avez deux sons différents, vous pouvez les faire jouer exactement en même temps, ou vous pouvez les aligner légèrement l'un de l'autre et vous pouvez même les séparer entièrement dans la dimension temps. La dimension temporelle a le plus fort impact de la séparation entre les instruments et sons dans le mix. Le plus grand contrôle dans le temps est celui de l'arrangement, qui est principalement géré par le compositeur. Mais il peut, par exemple, une ligne audio toutes les pistes médiatiques après les pièces terminées en tant que producteur et ingénieur de mixage. Et, bien sûr, beaucoup de musiciens de nos jours font tout eux-mêmes, de la composition à l'arrangement en passant par la production et le mixage. Même de légères variations de chronométrage peuvent avoir un grand effet sur la clarté et la séparation entre les voies. Par exemple, disons que vous devez des zones percussives commençant exactement en même temps. Vous pouvez simplement faire glisser l'un d'eux un peu plus tôt dans la cupidité de votre D W et l'autre légèrement plus tard dans l'avidité. Maintenant, les deux cellules auront une certaine séparation en fonction du point de départ des sons percussifs . Il peut s'agir d'une question de secondes milli pour créer cette dimension de séparation à la fréquence. La deuxième dimension de la bande de cinq D de la musique est la fréquence. Vous êtes limité à la gamme de l'ouïe humaine pour peindre votre musique dans la règle générale est de 20 hertz à 20 000 hertz ou 20 tueurs. Bref, 20 Hertz est le son de basse le plus bas que l'homme puisse entendre en moyenne, et 20 000 hertz est la fréquence la plus élevée. Nous pouvons ramasser la musique Terre mais est composée de 12 notes qui sont réparties sur plusieurs octaves. Chaque note représente une fréquence fondamentale différente, allant de la base la plus basse à la hauteur la plus élevée. Et lorsque vous composez et arrangez de la musique, il est très important de savoir où, dans cette plage de fréquences, vous placez tous vos instruments et sons dans la phase de mixage. Je crois que les réglages de fréquence que vous faites à chaque instrument et piste sont l'un des éléments les plus importants sur lesquels vous avez le contrôle dans la toile finale de votre production musicale. Vous avez plusieurs outils disponibles en tant qu'ingénieur de mixage, tels que l'égalisation, le filtrage Hi Paul et faible post, multi mauvais et compression, etc. Dimension trois niveau. La troisième dimension que vous avez disponible dans les cinq canevas D de musique est le niveau ou le volume, si vous voulez, puisque nous travaillons dans le domaine numérique. Lorsque vous mélangez votre musique, vous êtes limité par les limites de l'échelle audio numérique du niveau audio, ce qui signifie que le volume à n'importe quel moment dans le temps est décrit par une valeur numérique. Et ces valeurs ont un toit au niveau de pointe absolu, qui est Ciro décibel. Rien ne peut dépasser cette limite, et si vous essayez, il ne fera que couper la forme audio tout de suite à ce niveau de pointe. Comme son épée de samouraï ou encore mieux l'analogie est de penser à l'échelle de l'auditoire DD deux comme un verre d'eau. Vous pouvez Onley verser une quantité limitée d'eau dans ce brillant avant qu'il ne soit plein. La brillance totale représente zéro décibel dans l'échelle audio numérique. Si vous essayez de verser plus d'eau dedans, cette eau va se déverser tout autour des bords et créé le désordre. Mais les filles réelles auront toujours la même quantité d'eau dedans. Lorsque vous mélangez votre musique, vous pouvez équilibrer vos instruments et vos sons pour être plus ou moins focalisés en ajustant le niveau de toutes les pistes. Cela se fait principalement en utilisant tous ces échecs de niveau dans le mélangeur, mais il peut également utiliser pour, tels que la compression dynamique, tourisme, la compression, la limitation, etc. pour façonner à la fois le niveau de pointe ainsi que le niveau moyen de toutes les pistes individuelles de votre mix. Dimension quatre. Panoramique Dans l'ancien temps de la musique, tout était enregistré en mono, et en fait, il y a encore des appareils que Onley place dans le modèle aujourd'hui. Je sais que c'est terrible, mais malheureusement, c'est vrai. Bien sûr, la meilleure expérience d'écoute de la musique réside dans l'ajout de la dimension du son stéréo ou même surround, dans certains cas en plaçant les instruments de gauche à droite ou, dans le cas contraire, entourent même de l'avant à l'arrière. Pour ceux-ci, vous utilisez un bouton de panoramique dans votre mélangeur, et il est très important d'apprendre à utiliser cette dimension. Si vous avez deux instruments qui se battent beaucoup les uns contre les autres, comme un piano calme et une guitare rythmique,par exemple, par exemple, lorsque vous jouez ensemble, vous entendrez combien ils rivalisent, ce qui est ce qui réduit considérablement la séparation et la clarté de chaque instrument. Mais en ajoutant simplement de la variation dans la dimension panoramique, vous améliorerez beaucoup la séparation et la clarté, alors faisons un peu de panoramique sur la piste de guitare rythmique ainsi que sur la piste de piano comm, en les tournant dans des directions séparées et Prenons une écoute Si vous écoutez cela sur un système stéréo, vous pouvez clairement entendre la séparation améliorée entre la guitare rythmique et la piste de piano calme . Cependant, vous devez savoir que si votre personnellement depuis à la piste sur un système moral, par exemple, sur une radio, un téléphone, etcetera, cette séparation ne sera pas présente. Alors ne comptez pas sur le panoramique seul. Dimension cinq Espace La dernière et cinquième dimension de la toile de la musique est l'espace, et par espace, je veux dire l'espace acoustique. Tous les sons peuvent avoir divers degrés dans les types de pièces acoustiques. Son intégré dans le son. Par exemple, votre voix sonnera très différente dans une salle de bain par rapport à une chambre. Cela est dû à la différence dans les réflexions audio dans la pièce, les matériaux de taille de la pièce, etc. Le terme musical pour ceux-ci est la réverbération ou réverbération pour court terme. Maintenant dans le mixage, vous pouvez utiliser ce fait pour créer une séparation entre les pistes en appliquant différents degrés et styles de son de réverbération sur différentes pistes parce que la variation crée un contraste, qui rend plus facile pour notre cerveau séparer chaque son. En fait, vous devriez vous rappeler le mot contraste. Il fait partie de l'essence de la production musicale et du mixage. Comparez ces deux peintures à nouveau un an. objet bas dans la peinture se distinguera encore plus s'il est placé sur un fond bleu . Parce que si vous connaissez une théorie des couleurs, vous savez que le bleu et le jaune ou ce qu'on appelle des couleurs complémentaires, qui signifie qu'ils sont sur les côtés opposés de l'autre dans la couleur réelle. Fondamentalement, le rapport de contraste est aussi élevé qu'il peut l'être entre les couleurs. Donc, si vous avez un son très sec signifiant une réverbération minimale, il se sentira encore plus concentré sur le punchy s'il est joué en même temps qu'un son avec une grande quantité de rivière. Incroyable. Maintenant, vous avez appris les concepts très importants de mélanger votre musique professionnellement, les cinq dimensions de la toile de la musique. Souvenez-vous donc de ces cinq dimensions. Écrivez-les. Prenez un moment pour vraiment Litton, plongez dans et utilisez-les comme votre guide. Les cinq dimensions des canons de la musique, du temps, niveau de fréquence et de l'espace. Parce que quand vous mélangez vos productions musicales, vous ou bien, le Léonard de Vinci ou la musique, je pourrais, et je vous verrai dans la prochaine 4. La chaîne de production musicale: dans cette vidéo, vous allez apprendre une règle très importante sur le mélange de musique par rapport à d'autres étapes de production dans le processus de fabrication d'un morceau de musique final. Ne le corrigez pas en post. Je vais les expliquer en utilisant une autre analogie. Et cette fois vient de l'industrie cinématographique, parce qu'un film dit est un endroit très mouvementé et des erreurs sont commises tout le temps. Ce fait a créé une phrase cle elle qui est utilisée tant de fois quand il n'y a pas temps pour corriger. L' erreur sur Set le corrigera en post, ce qui signifie qu'ils laissent le soin à l'équipe de post-production d'essayer de le résoudre. Bien sûr, les gars de post-production sont si fatigués de cela, mais cela fait partie du processus, donc ils l'acceptent juste pour ce que c'est. Eh bien, mélanger la musique et le mastering d'ailleurs ou les dernières étapes d'une production musicale. Donc, quand vous mélangez votre musique, vous êtes essentiellement dans la même étape que les gars de post-production. Pour les films, faire de la musique est une chaîne de tâches. Il commence par une idée continue avec l'étape de composition, puis à l'enregistrement des instruments et des sons que l'arrangement puis le mixage. Et enfin, maîtrise de chaque chaîne n'est que aussi forte que son maillon le plus faible. Vous ne devriez pas réparer les choses dans le post, ce qui signifie l'étape de mélange et de mastering. Si vous mélangez votre propre musique, vous avez le contrôle total. Et même si vous ne faites pas votre musique, vous pouvez souvent contacter l'artiste et suggérer des changements pour améliorer un enregistrement. L' arrangement, etc. Il est toujours préférable de corriger les choses plus tôt dans la chaîne. Permettez-moi de vous donner un exemple. Si vous avez un enregistrement vocal qui sonne trop lumineux au lieu de le corriger avec EQ vous dans la phase de mixage, que nous pouvons appeler les états de postproduction. Il est préférable d'essayer différents microphones jusqu'à ce que vous le trouviez mieux, celui qui convient à ce chanteur et à la chanson. Et dans certaines situations, vous pourriez vraiment vouloir changer le chanteur complètement. Permettez-moi de donner un autre exemple. Disons que vous avez trop de choses pendant n'importe quelle partie de votre chanson. Eh bien, au lieu d'essayer de corriger ce désordre et la boue à l'étape du mélange, changez le dans l'arrangement et le processus de composition à la place. N' oubliez pas que la production musicale est une chaîne qui est toutes importantes et doit être traitée avec soin. Ne vous précipitez pas à travers n'importe quelle étape car cela affectera gravement le résultat final. Une autre chose importante à retenir est que cette chaîne n'est pas statique. En tant que créateur de musique, vous pouvez et devez sauter d'avant en arrière à n'importe quel port de votre chaîne pour apporter des changements et des améliorations. Ne laissez aucun pas devenir supérieur à un autre. Toutes ces étapes d'importance égale. Rappelez-vous la chaîne de production musicale, et vous aurez un temps beaucoup plus facile à mélanger votre musique pour obtenir un son professionnel. m'appelle Mike, et je te verrai dans la prochaine vidéo. 5. Dimension 1 - Time: Dans cette vidéo, je vais vous expliquer différentes façons de mélanger votre musique en utilisant la première dimension hors de la toile du temps de musique. Pourquoi commençons-nous par le temps comme première dimension de la toile de la musique ? Simple, parce que lorsque vous séparez les instruments et les sons dans le temps, vous créez la meilleure séparation entre eux. Habituellement, cette dimension de la peinture de votre musique se fait dans le processus de composition et d'organisation d'une production musicale. Mais vous avez également des moyens de créer une séparation dans le temps dans le processus de mélange. Prenons un exemple pratique. Si vous avez un kick drum et une basse jouant en même temps, toutes les charges qu'ils sont calculées et jouées au même moment dans le temps, nous aurons de lourds conflits entre eux, et les deux pistes perdront de la clarté en conséquence. Donc, disons que vous avez un battement de tambour en 44, ce qui signifie quatre battements par barre et une ligne de base qui joue un motif de huit battements consécutifs. Toutes les autres notes de basse s'affronteront avec le kick drum, et le faible spectre de votre production musicale deviendra boueux et incontrôlé. Mais si vous composez et arrangez les coups de tambour et les notes de base pour être complètement séparés dans le temps, la moitié de votre travail de mixage est déjà fait. Par exemple, si vous jouez les notes de basse sur les battements off sur Lee, les coups de kick drum sonneront clairement et les accents de basse auront toujours leur focus . Mais vous ne voudrez peut-être pas garder la base Onley entre les coups de tambour. Eh bien, une astuce soignée est de simplement aligner la piste de base pour déclencher les notes un peu tôt. Nous parlons de milli secondes ici juste pour laisser l'attaque initiale hors des notes de base être entendue avant l'attaque sur les nœuds de kick drum. Et c'est quelque chose que vous pouvez faire pendant la phase de mixage, même si vous n'êtes pas en mesure de contrôler le processus de composition et d'arrangement. Dans certains cas, vous pouvez même pousser ces secondes pistes un peu plus tard dans la cupidité pour ajouter encore plus de séparation. Mais pour le kick drum, vous voulez généralement l'avoir lié à la grille. Permettez-moi de vous montrer une démonstration pratique, donc une façon d'aligner vos pistes dans l'espace est de simplement sélectionner un clip dans le séquenceur, désactiver la capture, puis simplement faire glisser avec votre souris, soit vers la gauche, soit vers le à droite. Mais j'ai trouvé que la meilleure façon de réaligner légèrement les pistes dans l'espace avec le plus contrôle et de précision est d'utiliser une fonctionnalité que la plupart des DWS ont, où vous pouvez aligner automatiquement la piste entière en y ajoutant un délai, qui peut être à la fois positif ou négatif, selon la direction que vous voulez pousser sur la piste. Cela peut être différent, en fonction de votre D W. Mais dans la logique, vous sélectionnez simplement la piste que vous voulez tracer, puis allez à l'inspecteur de piste ici et trouvez une fonctionnalité appelée DeLay est sous plus ici, et vous pouvez rendre ce retard positif ou négatif. Laissez-moi vous montrer ce qui se passe si j'utilise un paramètre de valeur élevée ici et ah, dans le séquenceur. Les pistes sont toujours parfaitement alignées sur la cupidité et synchronisées les unes avec les autres, mais maintenant vous entendrez la basse jouer les notes beaucoup plus tôt. En raison de ce retard, j'ai ajouté, sorte que vous pouvez régler le retard manuellement en faisant glisser vers le haut ou vers le bas avec votre bouche lorsque vous maintenez le bouton gauche de la souris ou écrire quelque chose avec votre clavier d'ordinateur. Ou vous pouvez utiliser ce bouton ici pour voir les valeurs de note réelles et ce à quoi elles correspondent dans les ticks ainsi qu'en mili secondes. Donc, disons que nous voulons le pousser plus tôt par une 16e note complète, qui est 240 ticks, ce qui équivaut à 136,4 millisecondes. Maintenant, écoutez ce que la piste sonne. Comme vous pouvez l'entendre, la basse sonne totalement hors du temps parce que je l'ai poussé très fort à gauche dans la grille . Mais si vous choisissez une séance plus modérée comme, par exemple, cela fait environ 20 millisecondes, ce qui équivaut à deux, une note 96 et 40 prend maintenant, vous allez créer une séparation supplémentaire entre le kick drum et la basse, ce qui peut faire ressortir votre son de base de plumage. Et cela sonnera encore serré dans le mélange. Alors écoutons. En fait, il est assez fréquent que les bassistes placent l'Italie alliée tôt dans la grille. Maintenant, faisons un autre exemple si vous avez une piste de guitare rythmique et un fait de piano calme jouant en même temps et dans la même plage hors du spectre de fréquence, ils vont rivaliser les uns avec les autres. Eh bien, vous pouvez toujours vous demander, les deux morceaux devraient-ils jouer en même temps ? Pour commencer ? Peut-être que vous commulez le piano pendant que la guitare fournit la composition et le rythme de la piste, puis passez au piano et mettez la guitare en sourdine dans une autre section de la piste. Fondamentalement, vous utilisez le principe d'arranger. Mais dans le processus de mélange, considérez cela comme une option. Si vous avez deux pistes qui sont fortement en concurrence les unes avec les autres, n'importe quel domaine de fréquence spécifique, la prochaine astuce que j'ai est de changer de mise au point au fil du temps n'importe quelle production, parce que le mélange est généralement une question de choix. Mais l'auditeur doit se concentrer sur les pistes qui doivent prendre les quatre rondes et celles qui doivent être en arrière-plan pour le support. Disons que la guitare arrive d'abord dans la piste, puis le piano. Eh bien, un truc que j'utilise personnellement pour créer une séparation. L' utilisation de la dimension temporelle ici consiste à basculer la mise au point entre deux instruments concurrents et non pas en coupant ou en coupant. Deux les séparent complètement dans le temps, mais pour automatiser le niveau sur chaque piste pour choisir Onley, un hors d'eux comme le premier plan à n'importe quel moment dans le temps Donc quand le piano arrive en deuxième ici, j'automatise le pour descendre en volume pour cette section, et dans une autre section je pourrais revenir pour me concentrer à nouveau sur la guitare. J' automatise donc les niveaux sur les deux pistes en conséquence. La dimension temporelle pour le mélange et la création de la séparation ne se limite pas à la disposition, à la mise en sourdine, coupe et à l'ajustement des niveaux. Comme je l'ai mentionné dans les exemples précédents, vous pouvez en fait toutes sortes d'automatisation sur différents paramètres pour ajuster le degré hors premier plan par rapport à l'arrière-plan sur des instruments concurrents dans votre mix. Fondamentalement, vous utilisez différents points dans le temps pour vous concentrer sur différents sons et instruments dans votre mix. Chaque fois que vous introduisez un nouvel instrument ou un son dans votre piste, considérez les instruments sur lesquels vous pouvez composer le focus dans le mix afin que le nouvel instrument puisse être clairement entendu. La raison pour laquelle ces fonctionne très bien est que nos oreilles et le cerveau ont déjà traité les vieux instruments, Donc, même si nous avons réduit l'accent sur elle, nous allons toujours les entendre clairement parce que le modèle et la présence hors d'eux a déjà été traitées par notre esprit. Très bien, résumons les points clés que vous avez appris une fois est la dimension la plus puissante pour créer une séparation entre les instruments et les sons. mélange intérieur qui contrôle le plus la dimension temporelle est dans le processus de composition et d'organisation en séparant lorsque les notes sont déclenchées, ainsi que dans l'organisation des sections où les instruments jouent ou ne jouent pas trois dans le mixage. Vous pouvez toujours aligner les pistes ou les sections individuelles pour qu'elles soient légèrement en avance ou en retard dans la grille. Pour ajouter une certaine séparation de temps lors de l'attaque initiale , retirez les instruments de votre mix. Quatre. Vous pouvez également couper des sections muettes et réarrangées des instruments dans le processus de mixage pour éviter la concurrence. Et cinq, vous pouvez utiliser la puissance de l'automatisation à certains paramètres, comme les filtres de panoramique de niveau et e que de déplacer fondamentalement la mise au point pour les pistes dans votre mix. Souvenez-vous de ça. Vous pouvez aller dans deux directions sur Lee. Soit vous repoussez l'instrument dans le mix, ce qui signifie moins de concentration sur celui-ci, soit vous le tirez vers l'avant, ce qui signifie plus de concentration sur celui-ci pour l'auditeur. Félicitations. Vous avez maintenant appris à bien contrôler le temps dans la musique. C' est parce que les machines de temps ne sont toujours pas disponibles dans mon magasin local prennent maintenant des mesures et pratiques, ajoutant la séparation dans le temps lorsque les notes ou déclenchées commutateur et mise au point entre les pistes pour différentes sections de votre projet et pousser et tirer des instruments à l'arrière ou à l'avant de votre mix en utilisant l'automatisation. Je peux vous promettre que c'est extrêmement puissant pour créer des mélanges meilleurs et plus professionnels . Je pourrais, et je te verrai dans la prochaine vidéo. 6. Dimension 2 - Fréquence: dans cette vidéo, je vais vous apprendre différentes façons de mélanger de la musique en utilisant cette seconde dimension hors de la toile de la fréquence de la musique. D' accord, donc j'ai appelé ces fréquences de dimension, mais comme vous le savez probablement, fréquence et la hauteur ou en relation avec la musique, vous avez plusieurs octaves pour composer votre musique et vos sons à l'intérieur. Maintenant, cela signifie que, comme pour la dimension temps, vous avez le plus de contrôle sur la distribution des anciens instruments et sons sur la plage de fréquences lorsque vous êtes en mode de composition et d'arrangement, fondamentalement, vous essayez de créer un équilibre de tous les instruments et sons de votre mix pour remplir toute la gamme de fréquences sans être trop encombré dans une plage spécifique. Disons,par exemple,que vous par exemple, avez trop de choses dans le milieu de gamme, ce qui est assez commun. Eh bien, quand vous composez, vous pouvez,par exemple, par exemple, envisager de transposer des instruments vers le haut ou vers le bas d'une octave pour réduire le cutter dans n'importe quelle plage de fréquences spécifique . Ou vous pouvez simplement désactiver un instrument lors d'un certain passage dans votre piste. Parce qu'une règle du mélange est que chaque fois que vous enlevez quelque chose, les choses restantes obtiennent automatiquement plus de puissance et de clarté. il ne s'agit donc pas d'augmenter les niveaux. Le plus souvent, il s'agit d'enlever ou de réduire d'autres éléments dans le mélange. Maintenant, si vous êtes un post le mode de composition et d'arrangement, vous pouvez faire beaucoup dans le mode de mixage technique ainsi que vos meilleurs amis ici ou les égaliseurs sur les filtres. Vous pouvez utiliser l'utilisation et les filtres d'égalisation sur toutes les pistes de votre projet. Lorsque vous mélangez pour façonner la tonalité et la fréquence, arrondissez toutes ces pistes afin que chaque piste ait son propre espace et son point focal dans la dimension de fréquence. Permettez-moi de vous donner un exemple pratique. Disons que vous avez un kick drum et une base qui se battent les uns avec les autres. Votre rôle dans la phase de mixage est de vous assurer que ces deux pistes ou audibles et distinctes dans le mix. Cela signifie que vous devrez prendre des décisions créatives lorsque vous façonnez le ton et le point focal de ces deux pistes. Voici une façon de travailler. Commencez par utiliser un égaliseur paramétrique sur le tambour de kick, a dit à une bande étroite et glisser avec un gros coup de pouce en décibels sur les fréquences inférieures jusqu'à ce que vous trouviez un bon coup de pouce clair qui marque le pied fondamental du tambour de kick. Disons que tu le trouves à environ 120 hertz. Ensuite, vous choisissez un égaliseur spécifique, brancher que vous voulez utiliser pour façonner le son du kick drum et booster quelques décibels sur 120 hertz sur cette piste de kick drum. Ensuite, vous ajoutez un e Que sur la piste de basse, où vous faites exactement le contraire, réduisant d'un couple de DB, tous 120 hertz. Ensuite, vous allez sur la piste de basse et faites la méthode e que swiper sur elle aussi. Supposons que vous trouviez une bonne, fondamentale propre à environ 60 hertz à nouveau. Utilisez un E que boost sur 60 hertz sur la piste de basse, puis sur la piste de kick drum, vous faites le contraire, faisant une petite coupe sur 60 hertz par un couple de décibels. C' est essentiellement l'essence de mélanger dans la dimension de fréquence, choisir un point focal pour une certaine piste, de l'augmenter un peu sur ce point focal pour couper un peu sur des pistes concurrentes sur la même fréquence. Cela créera une séparation des anciens combattants entre les voies ferrées. Encore une chose. Un instrument n'a pas besoin d'un seul point focal. Par exemple, vous voudrez peut-être disposer d'un autre point focal sur la piste de kick drum afin d'étendre la portée initiale Port Off the Sound, qui est une fréquence beaucoup plus élevée. Disons que tu trouves une bonne partie de l'attaque. Le son du tambour est d'environ deux kilohertz. Eh bien, alors vous ajoutez un autre point focal sur cette fréquence et faites l'égaliseur. Vous booster contre la routine du bétail à nouveau. Un conseil général que j'aime donner lors de l'utilisation e que est d'être prudent avec combien vous appliquez. Il sonne généralement mieux à petites doses. C' est pourquoi augmenter un peu sur une piste tout en réduisant un peu sur une autre piste fonctionne très bien. Et les filtres ? Eh bien, filtres ou fondamentalement, chacun Vous descend à chaque extrémité du spectre de fréquence. Un filtre à poteau bas est une pente dans la fréquence plus élevée, ce qui permet aux postes de fréquences inférieures et un filtre passe-haut est le contraire, laissant les fréquences plus élevées pulser. Vous pouvez également définir la pente raide en ajustant le filtre coupé en décibels par ruban de chêne . Je conseille d'être prudent avec l'utilisation de pentes très raides car, comme avec l'égalisation lourde, il peut facilement enlever le caractère naturel sur un son. Haut. Les filtres de post sont très bons pour éliminer les basses inutiles et grondent dans un son qui n'a pas besoin d'ajouter cette base. De nombreux producteurs et ingénieurs de mixage ont mis un peu de filtrage sur toutes les pistes sauf le kick drum et la basse, parce que tous les instruments qui devraient gérer le très bas de la dimension de fréquence dans la musique sur le spectre opposé, filtres à poteau bas peuvent être parfaits pour réduire la dureté et la morsure dans un instrument et fondamentalement repousser un peu dans le mélange. Une excellente façon d'obtenir un son vocal clair dans un mix est d'utiliser un peu de faible post filtrage sur fondamentalement toutes les pistes sauf les instruments d'adaptation vocale en tête comme revivre tout vient cordes de soutien de piano etcetera n'a pas besoin d'avoir beaucoup de haute fréquence l'information du tout , parce que leur but est principalement d'être en arrière-plan et le domaine de fréquence plus élevée est ce que nos oreilles ont tendance à se concentrer sur plus. Donc, si vous voulez repousser un instrument ou un son dans le mix, une façon est de réduire certaines de ses hautes fréquences. Incroyable. Maintenant, vous avez appris des façons de peindre votre musique dans la dimension de fréquence, comme équilibrer les instruments et les sons en hauteur généralement dans le processus de composition et d'arrangement. Réduire l'encombrement et manquer dans une plage de fréquences spécifique, par exemple, transposer des pistes à une autre octave ou même couper une section d'un instrument en utilisant e que et des filtres pour façonner toutes les pistes individuelles dans le mélange à chacun ont de leur propre espace et de points focaux ou points focaux. Il est super important que vous appreniez à équilibrer toutes les pistes de votre projet sur toute la gamme de fréquences. N' oubliez pas que vous avez une large gamme d'octaves pour peindre votre musique. m'appelle Mike, et je te verrai dans la prochaine vidéo. 7. Dimension 3 - niveau: Dans cette vidéo, vous allez apprendre à mélanger votre musique dans la troisième dimension de la toile de la musique, qui est les niveaux. Si vous avez déjà joué dans un groupe, vous avez probablement appris une leçon sur la nature humaine. Tout le monde semble toujours vouloir augmenter le niveau de son instrument et de sa musique inexpérimentée . Compositeurs et producteurs tombent également dans ce voyage parce que tout ne peut pas être bruyant même temps. Laissez-moi vous donner une analogie. Disons que vous sentez un morceau de papier avec du texte. Maintenant, quel devrait être l'accent pour le lecteur ? C' est votre première décision créative que vous devrez prendre. La prochaine est de quelle façon devriez-vous diriger la concentration. L' un des moyens les plus courants est hors cours en utilisant les titres. Bien sûr, toutes les phrases ne peuvent pas être une manchette, parce que c'est ridicule et ne ferait aucun bien pratique du tout. Une autre façon d'attirer l'attention est de marquer à nouveau certains mots ou groupes de mots sélectionnés en gras . Choisir le texte entier et le rendre en gras irait à l'encontre du but même de diriger le focus. Ce sont donc des exemples extrêmes pour illustrer ce que vous faites en tant qu'ingénieur de mixage. Le point clé à retenir est le plus grand nombre d'instruments et de sons sur lesquels vous essayez de vous concentrer à un moment donné dans le temps. Le pouvoir de liste qu'ils auront chacun, par exemple, revenir à la feuille de papier avec du texte. Si vous n'avez qu'un seul gros titre en haut de la page et que le reste du texte est de simples paragraphes, ce titre aura un focus super puissant. Plus il y a de gros titres ou plus vous marquez de mots en gras, moins ils auront chacun un impact. En tant qu'ingénieur de mixage, vous avez le pouvoir et la responsabilité de définir les niveaux de chaque piste individuelle de manière à guider l'auditeur hors de la production musicale complète. Quoi ou les titres de votre morceau et ce qui devrait être marqué en gras réglage les niveaux est en fait l'un des moyens les plus naturels et musicaux pour mélanger la musique rapidement et efficacement. Voici un cas où je recommande fortement d'apprendre à utiliser vos oreilles. Je monte ces échecs sans regarder les compteurs audio ou d'autres outils d'analyse, mais d'abord, n' oubliez pas de vous asseoir à tous les niveaux avec une grande quantité de marge de manœuvre avant de commencer à mélanger. Le terme technique pour cela est gagné mise en scène. Cela signifie que régler le niveau de chaque piste afin qu'il ait beaucoup d'espace pour augmenter le niveau avant d'entrer dans le rouge. Cela signifie qu'il ajuste le niveau de toutes les pistes avant le fader Channel afin qu'il commence votre processus de mixage. Lorsque toutes les défaillances sont réglées sur la position par défaut, qui est zéro dans certains D. W, vous avez la possibilité d'ajuster le niveau d'entrée de toutes les pistes directement dans la table de mixage haut. Ça s'appelle Game Here in Reason. Dans d'autres d. A. W, vous devez réellement insérer un branchement de gain comme premier effet d'insertion sur toutes les pistes pour faire le processus de staging de gain. Mais le but est de s'assurer que vous commencez à mélanger avec une bonne quantité de marge sur chaque piste , et personnellement j'aime commencer avec toutes les pistes ayant autour du même niveau de pic moyen autour de moins 20 décibels. Donc, je réinitialise simplement les anciennes défaillances de canal, puis j'utilise un branchement de gain ou un gain d'entrée sur le mélangeur pour ajuster chaque piste jusqu'à ce que le compteur affiche environ moins 20 décibels pour les sections de pointe de chaque piste. Quand il joue, assurez-vous d'abord d'équilibrer la fraîcheur de la musique et de laisser tout le reste être mélangé autour elle. Le cool pour la plupart de la musique est la batterie, la base et la mélodie de plomb, motif ou le crochet. Ces éléments devraient généralement avoir le plus de concentration et de puissance dans votre mélange. Lorsque vous avez ces éléments de base équilibrés, le reste devrait suivre plus facilement. Ensuite, je commence généralement par équilibrer les niveaux de tous les canaux du groupe. Et après cela, je passe généralement par toutes les pistes restantes une par une, chevauchant les échecs, en utilisant mon instinct et mes oreilles seulement parfois je garde les yeux fermés quand je mets les niveaux . En fait, mon conseil principal lors du mélange des niveaux est de mélanger musicalement. Pas techniquement correct. Ces échecs avec tes oreilles pour te guider Grand. Maintenant, nous avons appris à mélanger la dimension la plus musicale et instinctive de la musique, c' est-à-dire les niveaux. Il s'agit de décider ce qu'il faut faire en gros titres et ce qu'il faut marquer en gras. Fondamentalement ce que vous voulez tirer vers l'avant dans le mélange tous pousser vers l'arrière. Vous êtes au volant, le directeur de la production musicale. Vous devez faire les choix créatifs qui guident l'attention de l'auditeur, et Littles est votre outil aller à l'outil pour cela. Alors agissez maintenant et entraînez-vous à monter à ces niveaux. Je recommande fortement d'essayer de fermer les yeux quand vous mélangez les niveaux pour vraiment apprendre à mélanger à partir de votre instinct, en utilisant vos oreilles sur loin, il est sonore Vous travaillez avec un doctorat. m'appelle Mike et je te verrai dans la prochaine vidéo. 8. Dimension 4 - Panning: Maintenant, il est temps d'entrer dans le monde hors son stéréo en apprenant différentes façons de mélanger la musique, en utilisant la quatrième dimension hors de la toile de la musique, qui est panoramique , d'accord, donc tout d'abord, vous devez apprendre que vous ne pouvez pas dépendre de ces dimensions. Toutes les quatre autres dimensions de la toile de la musique seront traduites à toujours d' écouter de la musique. Mais malheureusement, pas tous les appareils que les gens utilisaient pour écouter de la musique ou en stéréo. En fait, il existe incroyablement de nombreux dispositifs en mono, en particulier les petits appareils et plus de dispositifs biliaires. Et même si elles ou en stéréo, c'est une très mauvaise image stéréo. Parce que le son stéréo dépend de la distance physique entre le haut-parleur gauche et le haut-parleur droit par rapport à l'auditeur. Fondamentalement, vous créez un triangle entre vous et les deux haut-parleurs. Maintenant, vous pourriez comprendre pourquoi tant d'appareils ou en mono ou ce que j'appelle un son stéréo minimal . Avec ce fait à l'esprit, vous devez vous assurer que votre mix a une bonne séparation entre les instruments et les sons , même sans aucune stéréo appliquée. C' est pourquoi de nombreux producteurs vous recommandent de vérifier votre mix dans Mona de temps en temps pendant le processus de mixage, alors le processus de mixage, apprenons-nous sur les bases du son stéréo. La stéréo est un moyen de placer un son dans un champ de gauche à droite. Ceci est fait avec un concept appelé panoramique. Si une piste est panoramique au milieu, cela signifie qu' elle enverra des quantités égales de signal audio au haut-parleur gauche en tant que haut-parleur droit . Mélanger dans cette quatrième dimension consiste essentiellement à séparer les pistes individuelles dans l' espace stéréo en les balançant différemment. Son stéréo a une grande puissance pour ajouter de la profondeur à votre musique. Avec la stéréo, la musique ne semble pas provenir des haut-parleurs eux-mêmes, mais d'une scène invisible devant vous. Par exemple, si vous lisez un son de modèle sur un système stéréo, les deux haut-parleurs paieront exactement le même son de la même manière, ce qui a l'effet psycho acoustique désactivé. Faire paraître le son provient d'un point juste au milieu des deux haut-parleurs, même si la réalité est que les deux haut-parleurs ou jouer le même son. C' est ce qu'est le son stéréo. Placer vos sons dans une étape invisible devant vous voici quelques lignes directrices pour mélanger dans les céréales une. Gardez le cœur de votre musique au centre. Le plus de puissance provient des sons qui semblent provenir du point central imaginaire créé par le son stéréo. Une raison pour cela est que vous aurez plus concentré dans le centre et aussi que vous aurez plus d'énergie sonore physique provenant des deux haut-parleurs. Donc, la recommandation est de garder le kick drum, caisse claire, basse et les voix de plomb en direct au milieu. Deux autres panoramiques équivaut à pousser en arrière dans le mélange. Plus vous déplacez quelque chose, moins la piste aura de puissance et de mise au point, ce qui signifie essentiellement que vous le repoussez dans le mix. Trois. Le double suivi est égal à l'utilisation de la vraie puissance de la stéréo. Avez-vous déjà entendu parler du double suivi ? Eh bien, c'est une technique qui utilise le son stéréo pour créer un son beaucoup plus grand et plus puissant. Assurez-vous d'obtenir les notes, le timing, groove et tout le plus près possible de vos enregistrements. Ensuite, vous déplacez une piste à l'extrême gauche et la moyenne des quatre. heure actuelle, vous avez réalisé une performance double piste, la plus courante utilisée pour le double suivi ou pour le chant principal ainsi que pour la guitare rythmique, en particulier les riff de guitare lourde et les pistes de comping. Utilisé cette technique à peu près tout le temps. Quatre. De bas à haut mona à stéréo. Fondamentalement, les fréquences inférieures ont moins de séparation stéréo. Dans le monde physique du son, nous ne pouvons même pas ici d'où viennent les fréquences les plus basses. C' est pourquoi vous pouvez placer un caisson de graves n'importe où dans la pièce. C' est parce que plus la fréquence est basse, plus la graisse de longueur d'onde pour le son est longue, ce qui explique pourquoi les basses circulent si facilement à travers les murs. Alors, comment appliquez-vous ces connaissances à votre bien mélange ? Fondamentalement, une directive est d'avoir moins de séparation stéréo dans la base et la gamme inférieure de vos pistes dans votre projet et la séparation stéréo MAWR dans les médiums élevés et les problèmes qui ouvriront votre son. Donnez-lui plus de profondeur et de dimension tout en gardant la production alimentaire sonne serrée et mise au point parce que les bas sont maintenus principalement dans le milieu cinq stéréo avec large ou étroite. J' ai un dernier conseil avancé pour vous concernant les informations stéréo dans une piste individuelle. Commencez par trouver l'hystérie avec contrôle Pugin ou peut-être que votre D W en a déjà intégré dans votre mixeur. Parce que le panoramique n'est qu'une partie de la séparation stéréo. Vous pouvez également choisir sur chaque piste de votre projet la largeur des champs stéréo devrait être en faisant une piste, avoir moins de steri avec vous êtes essentiellement le repousser dans le mix. Incroyable. Vous avez maintenant appris le son stéréo hors tension, comment il fonctionne et comment l'implémenter dans votre processus de mixage. Vous avez même mes meilleures lignes directrices et bandes sur le panoramique et la séparation stéréo, que je m'utilise moi-même pour le mixage professionnel maintenant prendre l'action et pratiquer ALS. Ces concepts que vous venez d'apprendre sur la façon d'utiliser la stéréo et le panoramique dans votre flux de mixage afin d'ajouter vraiment cette profondeur et cette séparation dans vos productions musicales. m'appelle Mike, et je te verrai dans la prochaine vidéo. 9. Dimension 5 - Space: Maintenant, il est temps pour vous d'apprendre à utiliser la puissance de la cinquième et dernière dimension pour peindre votre musique lors du mixage, qui est l'espace, tous les enregistrements d'instruments et sons sens lourd de l'espace en eux. C' est parce que les sons physiques sont affectés par l'environnement acoustique dans lequel ils ont tous créé le terme technique. Car c'est la réverbération ou réverbération pour court, La réverbération indique à notre cerveau la distance au son, la taille des espaces et même dans une certaine mesure, les matériaux et la dimension de la pièce. Lorsque vous entendez un enregistrement d'orchestre, vous entendez le son d'un tout dans lequel il a été enregistré. Maintenant, comment pouvez-vous pratiquement utiliser la réverbération dans le mixage pour créer plus de séparation dans l'espace pour votre musique ? Laisse-moi t'apprendre. Il y a maintenant une réverbération, la taille de la pièce et la quantité. Il peut utiliser différentes tailles de salle de réverbération ainsi que le montant hors niveau d'esprit pour différents fax dans votre projet lorsque vous mélangez votre musique, cela séparera les pistes dans les trois espaces de profondeur D. Plus les baies de la rivière sont grandes, ce qui signifie une plus longue dégradation du son. Plus vous repoussez dans le mix sur les mêmes objectifs. Si vous augmentez le rapport humide à sec. Salut, ton niveau d'esprit signifie plus d'espace. Le terme sec fait référence à votre son avant qu'il n'ait été affecté par une réverbération, ce qui signifie que vous n'avez pas ajouté de sens de l'espace. Sur le terme niveau d'esprit signifie la production traitée de la rivière. Par exemple, si vous utilisez une réverbération orchestrale entière sur un son, elle le rendra plus éloignée sur le signal d'esprit que vous mélangez avec le signal sec, plus le son deviendra spacieux et éloigné. L' extrême est de passer à 100% ce qui signifie que vous n'entendrez que la sortie pros ist de la réverbération elle-même dans la direction opposée. Si vous le souhaitez, fait un instrument ou un chant pour être plus concentré et dans votre visage, la liste, la réverbération ou l'espace que vous devez ajouter. En fait, certains instruments. Vous voulez probablement nous garder au sec car vous pouvez leur donner ce caractère serré, concentré et punchy. Un autre exemple d'enregistrement vraiment sec, ce qui signifie un sens minimal de l'espace est une voix off pour une bande-annonce commerciale, etc. Lorsqu' ils enregistrent ces pistes vocales, ils s'assurent de minimiser autant que possible la réverbération dans l'espace d'enregistrement. C' est pourquoi ces enregistrements peuvent sembler que la personne se tient près de vous. Écoutez cet exemple d'enregistrement vocal sec, suivi d'un enregistrement avec Reverb ajouté. C' est un enregistrement vocal sec. C' est un enregistrement vocal avec réverbération. Maintenant, j'ai chargé un plug de rivière dans ces tours de guitare rythmique que j'ai vendu. Alors écoutez ce qui se passe lorsque j'augmente le rapport de réverbération sec à humide, passant du pourcentage de sear, ce qui signifie un son sec total à peut-être quelque part au milieu, ce qui sera un son très spacieux et lointain. Je vais jouer la piste maintenant. Maintenant, si je suis seul, la guitare rythmique allumée reprendrait une écoute de cette petite pièce entière, vous serez en mesure d'entendre le piano calme prendre le relais comme point de mire pour l'auditeur, puisqu'il est fondamentalement sec comparé à la guitare rythmique qui est maintenant très éloignée et quatre retour dans le mix. Écoutons. Très bien, donc c'était un exemple assez extrême juste pour illustrer le point principal pour vous, qui est que si vous ajoutez une réverbération à un son, vous le repoussez dans le mix, la base de la rivière est grande et plus humide, plus loin vous poussez l'instrument, qui à son tour ajuste la mise au point sur d'autres pistes plus sèches et en avant dans votre mix pour réverbérer joliment, les éléments les plus importants d'une réverbération ou cette taille sur le niveau humide, le est mesurée comme combien de temps la réverbération Taylor avant qu'elle ne s'estompe complètement. Au niveau de la menace est simplement la quantité de sortie pros ist de la réverbération que vous mélangez avec le signal sec. Eh bien, il y a 1/3 élément de la rivière, mais c'est très important pour façonner l'attaque du son de réverbération. Et ça s'appelle le pré Dele. Fondamentalement, il ajoute un délai très court sur le signal humide de la sortie de réverbération par rapport au signal sec d'origine . Ce que cela signifie en pratique, c'est que l'attaque initiale de votre son restera sec. Laissez-moi partager une petite histoire avec vous pour vous aider à comprendre le concept de pré-retard dans la rivière. Disons que vous vous asseyez au milieu d'un grand trou d'orchestre en face de vous. Vous avez l'orchestre. S' ils frappent une note, vous entendrez le son des instruments de l'orchestre légèrement avant la réverbération l'ensemble. C' est parce que le son prend du temps pour voyager, et quand ils jouent une note, le son va dans des directions alées directement vers vous ainsi que vers les règles à l' automne. Par la distance, de l'orchestre à vous est plus courte que la distance de l'orchestre à rebondir sur les balles et ensuite venir à vous. C' est donc simplement de la physique que vous pouvez utiliser dans votre rivière. Connectez-vous à l'aide de la fonction appelée pré Delay. En fait, si vous chargez une rivière entière, présentez-la . Très probablement déjà un délai de pré-retard configuré parce que c'est l'état naturel. Comme vous venez d'apprendre de ma petite histoire. Maintenant, prenez des mesures et utilisez cette cinquième dimension pour placer vos pistes individuelles dans votre projet de mixage , utilisez différentes tailles de pièce, très le rapport humide à sec et les temps de pré-retard ajustés sur différents bouchons de rivière. Utilisez sur différentes pistes de votre projet. Vous pourrez non seulement placer vos morceaux dans l'espace stéréo, mais aussi dans la salle trois D que vous créez avec vos marques. m'appelle Mike, et je te verrai dans la prochaine vidéo. 10. Mélange de flux de travail 1 - La configuration de mélange: dans cette vidéo, je vais partager mon travail de mixage personnel bas avec vous. Il y a plusieurs façons de cuisiner un repas, mais je pense que vous pouvez devenir inspiré et obtenir des idées pour créer votre propre système de mixage professionnel de votre musique. Donc c'est comme ça que je commence. La première étape a organisé le projet comme la cuisson des aliments. Ce sera beaucoup plus facile, et vous ne perdez pas de temps si vous vous assurez que vous avez tous les ingrédients à la maison et aussi que vous les mettez sur votre banc de cuisine avant son point. Alors, comment cela se traduit-il par un mélange de musique ? Eh bien, des choses comme commander vos pistes et les nommer correctement en utilisant les groupes de canaux pour augmenter l'efficacité, s' assurer que toutes les pistes ou routées correctement, et fondamentalement démarrer le projet complet pour qu'il soit très clair et structuré avant de plonger dans la phase de mixage. Étape pour nettoyer le projet comme la cuisine, commençant par un banc de cuisine propre et Onley. Les ingrédients que vous utiliserez vous aideront beaucoup, Donc avant de commencer à mélanger, je passe par l'ensemble du projet pour supprimer toutes les pistes et les sons qui ne seront pas utilisés dans le mélange final que je supprime également, ou au moins réduire bruit indésirable en coupant les ports ou, par exemple, en réduisant les bruits de respiration. Ensuite, je passe par tous les enregistrements pour voir qu'ils ont des destins appropriés ainsi que des destins croisés pour éviter les clics brusques, les pops et les arrêts. J' ai écouté tous les enregistrements audio ainsi que les clips multimédia pour m'assurer que toutes les performances ou de haute qualité sur cela, il n'y a pas d'artefacts audio en eux comme, par exemple, écrêtage numérique, OLP tamis, bruit de fond, etcetera. Comme je fais ma propre musique, je peux choisir de revenir à la scène d'enregistrement pour refaire des enregistrements audio ou des performances médiatiques aussi. Étape 3 mettre en place prop Rogaine mise en scène sur tous les canaux que je fais toujours. Gain approprié Staging sur toutes les pistes gain. La mise en scène est une étape très importante lorsque vous mélangez dans le domaine numérique, car vous disposez d'une quantité limitée de marge de manœuvre avant que l'audio ne s'accroche. Alors, comment faites-vous ça ? Eh bien, vous réglez le niveau sur chaque piste avant le fader de canal pour vous assurer que chaque piste dispose d'une marge de manœuvre généreuse. Personnellement, je l'ai mis en place de sorte que chaque chaîne jette un regard autour de moins 20 handicap ou plus lorsque le Channel Fader est toujours dans sa position de départ. Ce qui, bien sûr, est zéro. Avoir cette quantité de place pour la tête est l'un des secrets du mélange professionnel, car le mélange est une question d'os. Non, le niveau global que vous pouvez et tirer toujours décider du niveau de sonie final dans la Merced pendant la scène, pas dans le mélange. 11. Mélange de flux de travail étape 2 - Mélange approximatif: dans cette vidéo, je vais partager ma façon de créer le premier brouillon du mix, que j'appelle un mix rugueux. Faire un mix rugueux devrait être extrêmement rapide afin qu'il vous forcera à faire confiance à vos instincts et oreilles pour votre premier brouillon après la mise en scène du jeu et à configurer tous les canaux pour avoir des niveaux de crête égaux autour de moins 20 décibels. L' équilibre du mélange sera. Le chaos est maintenant l'endroit où commence le vrai mélange. Voici donc les étapes. Personnellement, j'utilise un niveau rugueux assis pour tous les canaux individuels. La première chose que je fais est de faire un balayage brutal à travers tous les canaux individuels pour obtenir un niveau de départ rugueux pour le mélange. Je le fais en passant par les canaux groupe par groupe. Cela signifie que j'ai vendu un groupe à un pas de temps les niveaux bruts pour les pistes à l'intérieur de ce groupe, puis je vais au groupe suivant et ainsi de suite jusqu'à ce que j'aie fait ces deux canaux tous individuels à l'intérieur du projet. Donc, je ne touche pas du tout les échecs de canal de groupe à ce stade deux niveaux bruts assis pour tous les canaux de groupe. Une fois que les groupes ont leur équilibre interne fixé. Il est temps d'équilibrer les groupes les uns contre les autres. Et ici, j'ai toujours pensé, avec le cool hors piste d'abord. Dans la plupart des cas, il s' agit du groupe de batterie et de percussion, du groupe basé et du groupe principal , par exemple, chant principal, les hameçons , les mélodies , etc. essentiellement la force motrice et la concentration de votre musique. Une fois que ces groupes principaux ont été équilibrés les uns contre les autres, je passe par le reste des échecs du canal de groupe et dans la plupart des cas réduit le niveau de celui-ci pour augmenter l'accent sur le noyau de la musique. Ensuite, j'ai équilibré ces autres coquilles de groupe entre eux jusqu'à ce que j'ai des marques rugueuses hors tous les groupes. Trois filtres à impulsions basses et à poteau haut. Avant de commencer à ajouter deux canaux et groupes accusés, j'ajoute toujours des filtres en premier, et personnellement je préfère commencer directement sur les canaux de groupe parce que cela aura le plus grand effet. Et je veux toujours me concentrer sur un mélange rapide et rugueux. Ainsi, par exemple, j'ajoute généralement des filtres à impulsions élevées sur tous les groupes sauf le groupe de tambour et le groupe basé. Ensuite, j'avais des filtres de post bas sur les groupes de canaux que je veux repousser un peu dans le mix comme la composition de groupes d'instruments, par exemple. Ensuite, j'ajuste la fréquence de coupure et la pente de filtre de tous ces filtres et sur chaque canal de groupe. Rappelez-vous, un filtre passe-haut est utilisé pour filtrer Le Lewin sur un filtre à poteau bas est utilisé pour filtrer le haut de gamme du spectre de fréquences. Cela peut être vraiment déroutant au début. Quatre canaux de mise en file d'attente. Après avoir ajouté et ajusté tous les filtres passe-bas et passe-haut, je continue avec le plus chirurgical pour façonner les fréquences de toutes les pistes dans le mix. L' égaliseur. Je m'assure de suivre la méthode boost versus cut, ce qui signifie que pour fondamentalement tous les boosts, je le fais. J' essaie de trouver une coupure correspondante sur un son concurrent. De cette façon, je peux faire beaucoup de petits ajustements qui s'additionnent tous pour créer un mélange clair. Cinq. Panoramique. Régler la position stéréo pour toutes les pistes individuelles est un facteur énorme pour ajouter la séparation et la clarté dans le mix. Donc, comme avec les niveaux, je fais un balayage grossier avec les normes de panoramique sur toutes les coquilles individuelles. J' ai tendance à quitter le groupe Channel Fader est centré sur Onley faire le panoramique pour les canaux uniques . Je garde toujours les traces que je veux avoir le plus de puissance et de clarté complètement au centre aussi. Comme le kick drum basé sur le chant principal. En fait, tout ce que vous voulez sortir et être à l'avant du mélange doit être placé directement au milieu. Six en certificats. Ensuite, j'ajoute tous les certificats sur une base canal par canal, choses comme des compresseurs, distorsion , plug ins , de guessers, etc. Comme cela changera radicalement le caractère, la plage dynamique et la mise au point sur les pistes individuelles, j'ai également besoin d'ajuster les niveaux en conséquence sur les défaillances de canal. Sept. Envoyer des effets. La seule chose pour laquelle j'ai personnellement utilisé des effets de sable ou ce qui est refroidi des effets UIT ceux-ci ou effets qui ont changé la dimension de l'espace de la piste, ce qui signifie des herbes de rive sur les effets DeLay. J' ai déjà les effets sonores configurés dans mon modèle de production. Donc, dans cette étape, j'ai simplement besoin d'ajuster les niveaux d'envoi sur chaque canal que je veux avoir un peu d'espace à huit lecture et d'analyser après avoir un mélange complet de la production complète, je l'écoute. Tout en prenant des notes mentales. J' ai écouté des choses comme une mauvaise séparation entre les pistes concurrentes, pistes qui sonnent trop brillantes ou de Bumi et même des pistes que je pense ne sont pas nécessaires, et Onley crée un désordre dans la prochaine. Ensuite, je reviens aux étapes précédentes et les répète et dans certains cas, même des sections muettes ou des pistes supprimées. J' essaie de voler, travailler vite et de suivre mon instinct. Fondamentalement, je veux avoir une grossière marque terminée en une heure. Ensuite, je passe à l'étape finale de mixage, qui est tout au sujet du réglage fin, ainsi que de la mise en œuvre de techniques de mixage spéciales pour amener le mélange à ces professionnels imbéciles . 12. Mélange de flux de travail 3 - Mélange final: dans cette vidéo, je vais vous apprendre ma dernière étape en mélangeant ma musique pour créer les dernières marques professionnelles . D' accord. Voici donc les étapes que j'ai dans ma dernière étape de mixage. Un réglage fin. Je passe par chaque piste et fais des ajustements mineurs pour vous trouver les niveaux filtres IK utiliser panoramique, effets de sable et dans les certificats. Puisque j'ai déjà fait un mélange grossier plus tôt, je ne ferai pas de gros ajustements ici. Je le fais aussi pour les chaînes de groupe. Je m'assure que je vois toujours une bonne quantité de hauteur sur chaque piste dans le mélange, ce qui signifie qu'aucune piste est proche du rouge sur les mètres de niveau à l'automatisation. L' automatisation des paramètres est probablement la plus grande différence entre les remixes de début sur les mixes professionnels. Vous devriez surtout vous concentrer sur l'automatisation des niveaux sur les canaux qui rivalisent les uns avec autres. Guidez la mise au point pour l'auditeur. Rappelez-vous, tous les sons ne peuvent pas être un titre. Le mélange est tout au sujet de choix créatifs sur ce qu'il faut tirer vers l'avant ou pousser vers l'arrière. Et l'automatisation est un excellent outil pour ces trois techniques de production spéciales. Il y a beaucoup de trucs du métier que vous pouvez utiliser en tant qu'ingénieur de mixage, compression et égaliseur. Ewing n'est que la fondation. Par exemple, compression latérale Shane est une excellente technique pour s'assurer qu'un certain son instrumental est clair et distinct dans le mélange. plus souvent, c'est le kick drum qui est mis au point, et la base est automatiquement compressée pour réduire la présence sur chaque coup ou sur le kick drum. Mais vous pourriez être surpris de voir combien la science de la compression est utilisée ces jours-ci pour tous les styles de musique possibles, car dans son essence, compression de dimensionnement vous aide à automatiser l'automatisation. J' ai également tendance à utiliser la compression des risques sur les tambours et les percussions, qui consiste essentiellement à mélanger l'audio comprimé de l'ONU avec le fortement comprimé ou vous. Cela fera frapper fort les tambours tout en conservant le son authentique ouvert. J' aime aussi utiliser des shapers transitoires pour contrôler l'attaque et maintenir hors sons percussifs , en particulier un shaper transitoire, est fondamentalement un type spécial de compresseur qui a pour but de sortir ou de composer le long de l'attaque initiale ainsi que le sustain sur son. Donc, ce sont mes principaux effets de production spéciaux sont utilisés dans le mélange de compression de chaîne latérale, compression parallèle et de shapers transitoires pour le pré-mastering dans l'étape de pré-mastering. Je me concentre sur Lee sur les chaînes du groupe ici. Je fais ressortir les gros pistolets, les prises de compresseur haut de gamme et l'égaliseur pour faire le polissage final du mélange. Et encore une fois, j'ai utilisé la méthode boost versus cat pour ajouter un peu plus de séparation entre les canaux de groupe . J' utilise également un régal spécial ici que je veux partager avec vous, qui est d'ajouter un peu de saturation supplémentaire sur les canaux de groupe cool de votre production musicale. Fondamentalement le groupe de tambour, le groupe de base et le groupe de tête. Je le fais en utilisant un effet d'insertion sur chacun des canaux du groupe de base, généralement un peu de saturation vintage Plug in cinq chaîne de mastering. Enfin, j'ajoute ma chaîne de mastering à la sortie stéréo maître. mastering n'est pas vraiment un port de mixage traditionnel, mais j'aime personnellement faire mon mastering dans le même projet que le mix. Cependant, je n'active pas les plug-ins jusqu'à la toute fin. Ma chaîne de mastering change de piste en piste, mais voici la chaîne principale sont généralement utilisés comme un compresseur de bum point de départ pour la lumière . Équilibrage de la dynamique dans le mélange combien dépend de la piste de style que je produis à e que. Pour façonner la règle de remplacement. Sonnez la production de trois imageurs stéréo pour ouvrir le haut de gamme du spectre de fréquences en élargissant l'histoire d'un champ et contrôler le bas de gamme en le poussant vers le centre. Quatre limiteurs pour augmenter le niveau global de la production de quelques décibels. Combien dépend du style de la musique et combien je veux conserver les transitoires naturels . Compteur à cinq niveaux. Enfin, j'ai une fiche de réunion pour analyser le niveau de sonie moyen dans le compteur Lux standard dans système.