Maîtrisez le processus de montage vidéo : du brief créatif au projet fini

1. Bienvenue dans le processus !: Finalement, fini. montage vidéo peut être une tâche très redoutable. Par où commencez-vous par les coups de feu ? Choisissez les modifications que vous utilisez ? Musique, effets sonores, histoire de couleurs. Vous voulez que cette modification soit bonne ? Non, tu voulais être super. Mais ça peut devenir écrasant. Ici. Allons lancer l'intro. Demandé pour le processus de post-production et le début de vos projets jusqu'à la fin, tout au long de ma carrière, j'ai eu l'occasion de l' améliorer ou de trouver mon propre processus de montage, d'analyser, de prendre le temps de cinéaste dissecte et monteur Cooper Canada. Dans ce cours, je vais décomposer le processus de post-production et fournir des étapes pratiques que vous pouvez appliquer à votre propre projet. Vous apprendrez comment se préparer à l'édition, pourquoi ils choisissent certains clips plutôt que d'autres, où commencer et où aller. Je vais t'apprendre les techniques de montage. 2. Projet de cours: Merci beaucoup d'avoir suivi mon cours. Je suis excité de vous avoir ici. On va s'amuser beaucoup, apprendre beaucoup, et créer un projet génial. Notre projet de classe est d'environ 30 secondes d'édition motivationnelle. Sois patient. Ne jugez pas chaque jour par le bureau pour lire. Mais par les graines que vous avez tracées. Jour déterminé obscurité vous couvrira. Vous aurez du mal à voir la lumière. Attends à l'espoir. Votre jour viendra. Les images de notre projet de classe étaient à l'origine destinées à un autre projet que nous avons tourné. Et nous n'avons jamais fini par l'utiliser parce que les choses ont fini par aller dans une direction créative différente. C' était un travail en cours, et j'ai décidé de l'adapter à ce projet de classe. J' ai eu une voix off supplémentaire pour ça et j'ai créé une petite histoire. Je dirais que ce projet est plus un montage créatif car il est ambigu en termes de quoi l'édition finie peut ressembler. Et c'est vraiment ce qui est génial à ce sujet. n'avez pas à rendre ce projet identique à celui que j'ai créé ? Vous pouvez utiliser les clips que vous voulez et utiliser autant ou aussi peu de la voix off que vous le souhaitez. Vous pouvez changer complètement le ton. Tu peux en faire un film d'horreur si tu veux. Et je suis excité de voir ce que vous pourriez faire avec ça. Ce qui est génial dans ce projet, c'est que vous pouvez faire autant ou aussi peu de travail que vous le souhaitez si vous voulez fléchir vos compétences d'édition, faites-le si vous voulez travailler sur la conception sonore ou la couleur en particulier, optez pour cela. Si vous trouvez que vous avez des problèmes avec l'un des processus en cours de route, faites tout simplement de votre mieux pour obtenir quelque chose, une coupe grossière, un travail en cours, éditer tout ce qui vous aidera à devenir un meilleur éditeur et solidifier également le pour vous. Il est également important de se rappeler que le design sonore, le mixage sonore, le classement des couleurs, toutes ces choses. Ce sont des emplois spécialisés sur lesquels nous nous concentrerons toute leur vie et parfaits et maîtrisons. En tant que rédacteur en chef, on s'attend à ce que vous puissiez faire toutes ces choses. Gardez donc à l'esprit que nous faisons tout, mais nous ne le faisons pas au même niveau que quelqu'un qui se concentre sur cette compétence de façon indépendante. Il faut beaucoup de pratique. Il faut beaucoup d'habileté, alors ne vous battez pas, juste amusez-vous. Je veux que vous puissiez prendre ce processus et l'appliquer à n'importe quel projet sur lequel vous travaillez. Vous pouvez le faire dans une UA pour être créatif. Et je suis là pour vous encourager et vous guider dans ce processus. Vous aurez besoin d'une sorte de programmes d'édition pour compléter ce projet. J' utiliserai Premier Pro pour démontrer, et je vous recommande d'utiliser ce programme. Mais si vous voulez utiliser un programme différent, vous pouvez, en particulier pour les processus globaux que vous apprendrez et quelques autres grandes idées dont nous discuterons. Certaines des leçons que vous pouvez tirer des grandes idées, mais vous finirez par les appliquer avec des filtres ou des processus dans Premiere Pro qui peuvent ne pas être exactement les mêmes dans un autre programme. Il est également conseillé que vous ayez les compétences techniques d'édition avant de commencer ce projet. Maintenant, je vais enseigner sur les processus à travers les différentes étapes de l'édition, mais je ne vais pas nécessairement entrer dans les détails sur façon de créer une séquence ou de naviguer dans les panneaux. Par exemple, si vous avez un projet sur lequel vous travaillez actuellement, je vous encourage à y travailler et à m'assurer que vous avez affiché pour examen ou que vous écrivez une ou deux phrases expliquant comment vous appliquez les leçons apprises à votre propre processus. Après avoir suivi ce cours, j'espère que vous n'êtes pas découragé par les difficultés inattendues de votre projet, quel que soit le problème auquel vous faites face, vous pouvez simplement revenir au processus et sentir bien à propos de ce que votre édition va d'être à la fin. Commençons la première étape du processus en créant des limitations pour notre édition. 3. Le dossier créatif: Dans cette prochaine étape du processus, nous allons passer du temps à nous concentrer sur la création de limites pour notre projet. Cette étape est si importante parce qu'elle nous aide à cartographier notre édition et cela nous fait gagner du temps et des efforts potentiels gaspillés. Disons que vous travaillez pour une compagnie de surf. Et cette compagnie de surf a un tas de séquences de service impressionnantes et vous a chargé de créer une vidéo hors de lui. Ils disent que tu peux faire ce que tu veux. Tu penses, génial, j'ai une liberté créative totale. Vous regardez toutes les images et vous ne savez pas par où commencer, vous ne savez pas quoi faire. Quel est le but ? Eh bien, c'est le problème. Vous n'avez pas de limites définies pour guider vos décisions. Création de lignes directrices pour votre projet. Ce qu'on appelle un mémoire créatif. Et en fonction de l'entreprise ou du projet, vous pourriez avoir un mémoire créatif ou non, mais c'est toujours votre travail de créer ce mémoire créatif pour vous-même ou la limitation stimule la créativité et nous permet de concentrer nos efforts. Allons donc de l'avant et créons quelques limites pour notre projet. La première et la plus importante question à poser au démarrage d'un projet est pourquoi ? Quel est le but ? Quel est le but de vos magasins pour le projet ou pour travailler ? C' est un court extrait d'un projet plus vaste. Alors, quel est l'intérêt de tout ça ? Eh bien, quand j'ai trouvé ce cours pour la première fois, j'ai pensé que cette vidéo pouvait être utilisée comme une pièce d'inspiration. Donc, mon intention serait d'inspirer le public. Et cette intention à son tour peut nous aider à découvrir le but du projet. Peut-être voulons-nous rappeler aux gens que les choses les plus petites de la vie et les choses les plus lentes de la vie peuvent créer le plus grand impact. Alors bien sûr, nous devons aussi considérer notre voix off, qui est que le patient ne juge pas. Chaque jour, par le poing de la salle, vous lisez, mais par le stock de semences, vous tracez et restez déterminé. ténèbres vous couvriront. Vous aurez du mal à voir la lumière, mais tenez à l'espoir avec le temps, votre jour viendra. K, Imaginons ici peut-être que le but est d'encourager les gens, même s'ils sont dans un endroit difficile, avoir un moment difficile, sont en difficulté. Que ça fait partie du processus de croissance. La persévérance finira par leur permettre d'en sortir comme une personne plus forte. Ok, donc maintenant on connaît notre but. Nous voulons faire passer ce message. Et la façon dont nous allons le faire est d'essayer de faire ressentir quelque chose au public. Et nous le faisons à travers le ton du film. Le ton prévu vise à vous faire sentir quelque chose. Cela me fait m'asseoir au bord de mon siège, le cœur battant, excitant. Cela, d'un autre côté, me fait peur. Ça me fait flipper, ça m'effraie. Et puis ça, c'est un film léger et bienveillant qui m'inspire. Vous pourriez guérir les mots, ton et l'humeur jetés ensemble de façon synonyme. Et dans cette classe, j'utiliserai les mots humeur et ton de façon interchangeable dans une certaine mesure, mais il est important de noter qu'ils ne sont pas tout à fait la même chose, mais ils sont tous les deux importants. Imaginez avoir une conversation avec quelqu'un. Le ton est la façon dont vous pourriez leur dire quelque chose. Vous pourriez dire quelque chose avec colère ou empathie. Et comment vous faites sentir l'autre personne à travers votre ton est l'humeur que vous créez. Cela pourrait les rendre tristes, fous, fâchés, heureux, inspirés en tant que conteurs, en tant que rédacteurs, nous contrôlons le ton du film, mais nous n'avons pas toujours le contrôle de l'humeur qu' il crée pour tous ceux qui le regardent. À venir avec quelques intentions. Comme si je voulais que le public se sente inspiré. Je veux qu'ils se sentent encouragés. Je veux qu'ils se sentent pleins d'espoir. Toutes ces intentions sont d'excellents moyens de se connecter émotionnellement au public, à l'objectif général de notre film. C' est ce ton que nous voulons établir qui aide à connecter le public émotionnellement. Le ton et le but général du film vont de pair déjà ici. Cela nous donne un énorme avantage à raconter l'histoire. Vous pouvez utiliser ces intentions et l'objectif général de notre édition pour guider toutes les décisions d'édition sont à partir de là. Et c'est la chose la plus importante à clouer le plus tôt possible dans le processus. Un autre exemple de ceci est tiré de la recommandation de film pour un rêve. Après avoir fini de regarder ça, j'ai été pétrifié et ça m'a donné envie de ne jamais toucher à aucune sorte de drogue. Le ton général du film, Il fait très sombre. C' est incroyable comment ils sont capables de vous faire sentir cet isolement en regardant le film. Il y a beaucoup de décisions d'édition qui contribuent à l'ambiance créée par le ton. Mais une technique particulière qui a vraiment ajouté à ce sentiment d'isolement était l'utilisation de l'écran partagé. Même dans la scène où Harry parle avec Marion, ils sont dans le même lit. Ils ont ce moment intime, cette conversation intime. Et pourtant, vous sentez cette incroyable déconnexion entre les personnages et c'est troublant de regarder. Maintenant, prenez la même scène et imaginez que s'ils n'avaient pas d'écran partagé, vous l'afficheriez d'une manière complètement différente. Les formes de ton, les décisions musicales , le rythme, les effets sonores. C' est le lien émotionnel avec le but général du film. Sans le ton, le but est un peu inutile. Il y a beaucoup d'interprétations différentes de ce film et des idées sur le but de ce film. Mais n'importe laquelle de ces interprétations passe à travers le ton du film et la façon dont il a influencé les gens émotionnellement. Vous êtes tous sortis du cinéma ressentant divers degrés d'émotion. Et dans le meilleur des cas, le film va nous changer. Et oui, il y a beaucoup d'aspects là-dedans. Mais en tant que rédacteurs, chaque édition que nous faisons contribue à créer ce lien émotionnel, approfondir l'histoire, à vous connecter à son but, ou à vous sortir de l'expérience. La prochaine chose à considérer est, quelle est l'histoire ? Et ce que je veux dire par le mot de l'histoire, c'est la séquence chronologique, le début, le milieu et la fin. Et dans notre cas, nous éditons un jardinier creusant un trou, saisissant une graine, plaçant dans le trou, couvrant la graine de saleté, puis arrosant enfin la graine. Nous avons donc un simple début, milieu et une fin, rien de fracassant la terre. Nous avons aussi un début, un milieu et une fin avec notre voix off. Ce projet est assez simple, mais dans beaucoup de projets, ils peuvent être ambigus. Vous pouvez avoir beaucoup de métrages, des tas de scènes, et vous devez décider ce qui est le plus important pour votre début, votre milieu et votre fin. Cela vous aidera à affiner considérablement vos séquences. Une autre limitation extrêmement utile est comprendre combien de temps vous avez terminé la modification. Vous pouvez déterminer la durée d'un projet dès le début. Vous aurez beaucoup plus de temps à travailler dans cette limite. Les limitations de longueur peuvent vous aider à mieux choisir la musique. Si vous savez qu'un projet sera à peu près à une minute. Vous pouvez viser à trouver de la musique adaptée à cette minute ou cinq musiques que vous pouvez potentiellement réduire à cette minute. J' aime aussi la limitation du temps parce que si je sais que je n'ai qu'à remplir trente secondes de séquences, je peux vraiment choisir les clips que je choisis. Votre public cible peut également être un moyen efficace de guider votre projet dans la bonne direction. J' avais l'habitude de travailler dans la production pour une entreprise de meubles où le public cible était la mère occupée âgée de 28 à 34 ans. Certaines entreprises vont approfondir ces profils de personnages et être très spécifiques sur le type de public cible qu'elles visent. Et c'est génial car cela peut vraiment vous aider à décider quels clips conviennent le mieux à ce public. Plus précisément, le public cible peut affecter les choix musicaux, rythme et le rythme, la longueur de la pièce globale, vraiment cela affecte l'ensemble de la pièce. Ainsi, par exemple, dans le calendrier, Il y a un rythme global plus lent, musique ludique et effets sonores. On met davantage l'accent sur la continuité du montage, ce que nous allons voir dans la leçon sur le processus de montage vidéo. Les épisodes ne durent que 20 minutes. Le ton global est positif et gai. Vous n'ajouteriez pas un show enfant de la même façon que vous éditez un spectacle comme Breaking Bad. Dans Breaking Bad, le rythme est orienté vers l'histoire. Les choix musicaux sont également axés sur l'histoire et la tonalité. On met moins l'accent sur l'édition. Continuité. Les épisodes sont 60 minutes de long, et le ton général est sombre et comique, Il est sombre comique. Avoir une bonne idée de qui est votre public cible, ou aussi vous aider à diriger vos projets en conséquence. Ok, donc pour notre projet, supposons simplement trouver le public cible ici. Nous essayons d'encourager les gens avec cette pièce. Donc je suppose que notre public sera des gens qui ont traversé des difficultés. Donc probablement plus vieux, mais il pourrait être plus jeune aussi. Peut-être des 18 à 25 ans. Tu sais, peut-être qu'on essaie d'encourager les enfants qui sortent du lycée. Ils ne savent pas quoi faire de leur vie. Et ils ont besoin d'encouragements. Peut-être qu'ils sont contrariés que les choses ne se passent pas aussi vite dans leur carrière. Notre public cible peut être de 18 à 25 ans. Et c'est un message inspirant et plein d'espoir pour ceux qui sont coincés se sentent comme ils ne savent pas quoi faire de leur vie. Alors quand nous disons cela, visons simplement la gamme de 18 à 25 ans, mâle, femelle, 18 à 25 ans. Un autre aspect important à considérer est l'endroit où le film sera projeté ? Sera sur YouTube, Facebook, Instagram, Tiktok à la télévision. Toutes ces différentes plateformes peuvent affecter le montage d' un film et d'une manière différente avec Facebook et Instagram, plupart du temps les gens ne peuvent même pas activer l'audio. Cela peut donc affecter la façon dont vous modifiez. Cela peut affecter la façon dont vous utilisez l'audio ou n'utilisez pas l'audio. Et évidemment, cela affectera la durée totale du projet, la façon dont vous mélangez l'audio du projet, si vous avez besoin ou non de vraiment vous soucier de la diffusion sûre, la façon dont vous livrez le projet, le fichier et Kodak choix, tout cela est très simple. Les limitations doivent suivre pour pouvoir même le publier sur ces plateformes en premier lieu. Ce que j'aime vraiment, c'est utiliser ces limitations de manière créative. J' ai vraiment aimé cet exemple ici. Cette société a mis leurs annonces sur YouTube et ils savaient que l'annonce serait ignorable après un certain temps, ils ont construit leur annonce autourde ils ont construit leur annonce autour cette connaissance que s'ils n'attirent pas l'attention du public, audience ignorera l'annonce dès que le bouton Ignorer sera disponible. Ne me remercie pas. Remerciez les économies. Tu ne peux pas ignorer cette annonce géico parce que c'est déjà plus géico. 15 minutes pourraient dire 50 pour cent ou plus sur l'assurance automobile. Je sais qu'il n'y a pas beaucoup d'édition ici, mais c'est un excellent exemple de la façon dont les créatifs peuvent utiliser la plate-forme et les limitations de temps d'une manière créative. Donc, ce sont les directives de base que je traverse en approchant et en éditant. Ces directives vous aideront à affiner considérablement votre édition et vous permettront de vous concentrer davantage sur votre travail. Mais rappelez-vous, le but de votre histoire et le lien émotionnel avec le public est le plus important. Allez-y et terminez votre propre mémoire créatif et n'oubliez pas que vous n'avez pas à le faire exactement de cette façon. Vous pouvez ajouter vos propres limites, tout ce que vous pensez pourrait aider à façonner l'orientation et le but de votre histoire. L' organisation des fichiers s'enroule ensuite. 4. Règles de l'organisation de fichiers !: Grâce à une excellente organisation des fichiers et dossiers, il est plus rapide lors de la recherche d'actifs pour votre projet. Et cela rend la gestion de projet, bien sûr, beaucoup plus facile. C' est juste mon opinion, mais avec mes projets, je vise à avoir plus de dossiers dans mon dossier principal de projet, ce qui élimine le besoin de plus de sous-dossiers et me permet d'accéder aux fichiers dont j'ai besoin en moins de clics. Oui. Avec des projets plus complexes, vous avez besoin de plus de sous-dossiers. Mais je vise toujours moins de clics pour accéder au fichier que j'ai besoin d'accéder. Cela augmente la vitesse pour arriver à l'actif et j'ai besoin d'y arriver et il réduit également le mal de tête qui vient de cuisiner tellement. Il en va de même pour la gestion des dossiers de projet. Essayez de conserver le minimum de clics dont vous avez besoin afin de maintenir une sorte d'organisation. Moins de dossiers, à mon avis, mieux c'est. L' utilisation de nombres vous permet d'organiser vos dossiers dans l'ordre que vous préférez. L' utilisation de nombres permet également de créer une hiérarchie dans votre structure de dossiers. Si je n'avais pas de chiffres ici, tout serait par ordre alphabétique. Allez-y et changez les chiffres si vous préférez. Vous pouvez changer les dossiers si vous préférez, ce qui vous convient le plus. Un excellent moyen de nommer vos fichiers de projet ou d'exporter des fichiers, est d'inclure la date. Ainsi, par exemple, avec ces fichiers de projets, j'ai 210 515, ce qui correspond à 202105 pour moi et 15 pour la journée. Donc, à chaque fois que je travaille sur ce projet, si c'est un nouveau jour et que je suis malade et que je progresse, je garde comme et inclut la date. Cela me permet de garder une trace de la version actuelle de l'édition sur laquelle je travaille. Si j'ai besoin d'y retourner et de dire, d'accord, qu'est-ce que j'ai fait le 15 mai ? Je peux le faire. en va de même pour les séquences de votre projet. Je fais des progrès significatifs. Je vais copier coller, ajouter la date actuelle. De cette façon, tout le travail que je fais en ce jour est autonome dans cette séquence. Si j'ai besoin d'y retourner, je peux y retourner. C' est non destructif. Aussi, si je fais des progrès assez significatifs dans le même jour et je sens que je veux juste sauvegarder la séquence. Je vais aller de l'avant et copier coller cela, garder la même date et ajouter la lettre b. Si je le fais à nouveau et que je fais plus de progrès, je vais avoir la lettre C. Peut-être que vous avez une idée que vous voulez essayer, mais vous ne voulez pas détruire votre séquence actuelle. Si vous voulez faire cela, vous pouvez copier coller, puis écrire ALT à la fin de la date elle-même. Donc, vous pouvez voir que c'est une séquence alternative. Vous pouvez explorer cette séquence alternative. Et si cela fonctionne, super, copiez le coller et faites que votre séquence principale. Si ce n'est pas génial, laissez-le comme une séquence ordonnée. Qu' est-ce qui est génial à propos de ça ? C' est non destructif. Vous pouvez tester les modifications de votre séquence sans vous soucier de détruire le travail que vous avez déjà fait. J' ai inclus ma propre structure de dossiers dans le téléchargement. Si vous avez envie d'utiliser cela, allez-y, mais vous n'êtes pas obligé de suivre ceci à un T. Créez votre propre structure de dossiers. Rappelez-vous juste que moins de clics vous permettra d'économiser des maux de tête de clic, à mon avis, je l'aime mieux quand c'est utile. Utilisez des nombres pour créer une hiérarchie dans votre structure de dossiers. Enfin, utilisez la date dans le nom de vos fichiers ou séquences de projet comme sauvegarde supplémentaire pour voir les progrès réalisés et permettre des itinéraires alternatifs faciles et non destructifs dans votre projet d'édition. Je sais que l'organisation des fichiers peut être très fastidieuse, mais s'il vous plaît faites de votre mieux pour organiser maintenant afin que vous ne le regrettiez pas plus tard. 5. Choisissez les meilleurs clips pour votre histoire: Il est temps de sélectionner nos séquences. Réduire nos séquences aux meilleurs clips nous aidera à devenir plus efficaces au début de notre première édition. C' est la première étape pour passer en revue toutes les séquences dans leur intégralité. La façon dont j'aime le faire est de mettre tous mes clips dans une séquence, examiner. Et comme je vois des parties de clips ou clips complets que j'aime et pense va bien fonctionner avec l'histoire. A couper ces parties et les mettre sur la deuxième piste tout en ayant toujours accès à toutes les séquences est essentiellement comme un pré-montage. Éditez tous les clips qui, selon vous, ne fonctionneront pas pour le projet et mettez de côté les falaises qui, selon vous, fonctionneront le mieux. Une fois la vidéo passée en revue, vous disposez d'une banque d'informations sur laquelle vous pouvez puiser lorsque vous effectuez des modifications. Si, pour une raison quelconque, vous décidez qu'un tir ne fonctionne pas, vous pouvez toujours revenir dans la séquence et dire, Oh oui, je me souviens que nous avons un autre tir qui pourrait fonctionner pour ça aussi. Tu peux vite y retourner, prendre ce coup, le jeter. Pas de problème. Pendant le processus de révision, demandez-vous quels clips conviennent le mieux à l'histoire ? Et pour clarifier quand j'utilise le mot histoire, il englobe le quoi ou la séquence chronologique. Le y, qui est le but général, le sens du message. Et comment le quoi et le pourquoi sont connectés, qui est par le ton et l'humeur, ou comment l'histoire a l'intention de vous faire sentir. Ce clip fonctionne-t-il mieux que ce clip pour raconter l'histoire ? Tout se résume vraiment à ça. Si nous savons ce que et pourquoi de l'histoire et comment nous voulons que le public se sent. Le processus de cueillette des clips sera beaucoup plus facile. Ça pourrait se résumer à, eh bien, ces deux photos de l'histoire, mais quel coup est en fait le meilleur ? Le tir à gauche est-il meilleur que le tir à droite ? Est-ce que ce gros plan à gauche est mieux que ce gros plan à droite. Parfois, la qualité d'une prise de vue est dépassée de manière inutilisable et inutilisable. Peut-être que c'est trop fragile ou que la balance des blancs est horrible. Dans ces cas, je le mettrais de côté et ne l'utiliserais pas, mais ne le supprimerais pas non plus. Conservez-le simplement dans votre chronologie Selects. Si à la fin de votre projet vous trouvez que vous avez du mal à trouver une couverture et que vous n'avez d'autre choix que d'utiliser cette photo, alors ce serait le moment où vous l'utiliseriez. Il y a aussi un temps surprenant que j'ai utilisé des clips inutilisables. Et un tournage, j'ai trouvé un tir qui était les fouets de la caméra passent à la lumière, je pensais. Ok, c'est des ordures. Je n'utilise pas ça. Mettez-le de côté. Mais finalement, j'ai fini par l'utiliser dans le projet parce qu'il a ajouté un certain intérêt visuel. Maintenant, quand je tourne des vidéoclips comme ça, j'y réfléchirai et j'essaierai délibérément de faire passer les lumières et d'autres objets. J' ai de la place pour expérimenter dans l'édition. Écoutez cette courte morsure sonore ou l'obscurité vous couvrira. Pour moi, la performance semble bien, mais j'ai trouvé que ça ne convenait pas autant à l'histoire qu'elle aurait pu l'avoir. J' ai donc demandé à Mike, les artistes de la voix off de faire une seconde prise avec la direction de donner une matinée stricte. Et ça a beaucoup changé sa performance. ténèbres vous couvriront. Après avoir entendu cette prise, j'ai vraiment aimé l'ambiance. Cependant, je me sentais comme la fin de la voix ici. Ça s'est senti un peu forcé. Donc tout ce que j'ai fait était de garder la majorité de la deuxième voix off et de couper la partie de la performance que je n'aimais pas. Je l'ai remplacé par la première prise. ténèbres vous couvriront. J' ai trouvé que ce mélange sonore, choisir la meilleure performance de l'une ou l'autre prise et à son tour adapté l'histoire et son but. Le meilleur. ténèbres vous couvriront. ténèbres vous couvriront. ténèbres vous couvriront. déchiffrement et la performance des acteurs peuvent être une chose très subjective et nous n'avons pas assez de temps pour nous plonger dans ce domaine. Mais pour l'instant, demandez-vous, est-ce que ça vous semble bon ? Est-ce qu'il communique clairement les parties de l'histoire que vous voulez traverser ? Est-ce que ça a l'air authentique ? Est-ce que ça a l'air réel ? On voit en 3D, mais sur un écran d'ordinateur, tout est en 2D. Les images avec une grande profondeur ont cette qualité 3D pour eux. Vous pouvez identifier la profondeur d'une image en regardant le contraste autre et la luminosité et l'obscurité de l'image, ou le contraste et la couleur. Vous pouvez également regarder la perspective, quelles lignes vous conduisent à travers le cadre. Il ne crée pas de perspective de premier plan, de milieu et d'arrière-plan distincts. Vous pouvez également identifier la profondeur à travers la profondeur de champ de la prise de vue, qui est juste les parties de l'image qui sont dans la mise au point acceptable. Et le moyen facile d'identifier si un cadre a de la profondeur est de simplement regarder les couches du cadre lui-même. Pour en revenir à notre projet, voici quelques exemples. Dans ce plan, nous avons un premier plan clair et un fond clair. Ceci est créé avec un arrière-plan floue et le premier plan est en nette mise au point. Dans ce plan, nous avons trois couches qui vont au premier plan. Le sol est hors de l'attention. La graine est mise au point au milieu du sol et le fond est hors de la mise au point. La profondeur est également créée par perspective. L' angle de tir est faible par rapport au sol, ce qui lui donne plus de profondeur. Si vous deviez augmenter l'angle du tir, disons par exemple, dans ce plan ici, nous n'obtenons pas autant de profondeur de perspective. La majeure partie de la profondeur provient du contraste créé entre le teint plus clair et la saleté plus foncée. Cela ne signifie pas nécessairement que ce tir est pire que l'autre. Ils ont raconté des histoires différentes. Et encore une fois, les histoires, le facteur décisif le plus important ici. Ici, nous avons deux photos qui racontent la même histoire. Le jardinier est blanc dans la saleté de ses mains. Après avoir regardé ces deux cadres, j'ai choisi la navette et ri parce que la profondeur est beaucoup plus grande que la perspective à gauche est à un angle différent, créant un premier plan avec les doigts et les mains, et milieu de terrain avec les bras et le pantalon, et un fond avec le feuillage. La perspective de la prise de vue à droite est plutôt un plan de profil, créant seulement deux couches distinctes. L' arrière-plan sur le plan de gauche crée également plus de contraste avec les tons de peau. Puis le tir à droite. Les deux tirs de grande profondeur à travers la profondeur de champ. L' arrière-plan est hors de la mise au point, tandis que le premier plan est mis au point. Le mouvement à l'intérieur d'un cadre peut créer un intérêt visuel. Il peut s'agir du mouvement d'une caméra ou du mouvement d'une action à l'intérieur du cadre lui-même. L' avantage d'un tir avec mouvement sur un plan statique est qu'il a la capacité de guider l'œil d'un montage à l'autre. Donc, dans le cas où j'ai deux plans différents avec des angles identiques, l'un est statique, mais l'autre a du mouvement. Je choisirais probablement celui qui a du mouvement. Sauf si bien sûr, le plan statique raconte mieux l'histoire. Le panoramique de la caméra de gauche à droite coupe bien avec cette photo avec un mouvement similaire. Il en va de même pour ces deux coups de feu. Un tir a beaucoup moins de mouvement que l'autre, lequel vous semble plus intéressant. En outre, nous avons l'avantage d'utiliser le mouvement l' intérieur du cadre qui peut guider l'œil du spectateur d'une partie du cadre à l'autre et peut aider à relier ce plan à une autre prise de vue avec un mouvement similaire. Parfois, vous pouvez simplement compter sur le sentiment pour certains de ces coups. Vous pourriez sentir que celui-là se sent mieux. Je ne sais pas pourquoi, mais ça me fait mieux. Je vais le choisir. C' est tout à fait bien. Chaque fois que vous passez en revue des séquences, vous affinez votre regard sur les petits détails. Vous serez mieux en mesure de déterminer quelle séquence fonctionnera mieux et comment elle pourrait fonctionner avec l'édition globale. Ensuite, il découvrira peut-être, oh ouais, que ce tir a une subtile fusée. C' est ce que le ton de la pièce et quelque chose avec une fusée se sent optimiste. Et c'est ce que je vais faire. Ce qui est génial, c'est que tout cela n'est pas destructif. Vous pouvez toujours revenir en arrière et utiliser un clip que vous pensiez ne pas fonctionner à l'origine. Donc, pour résumer, passer en revue toutes les séquences vous donne la chance de les mettre mentalement en banque dans votre esprit afin que vous puissiez en tirer dessus et plus tard, l'utilisateur projette l'histoire pour affiner vos séquences aux meilleurs clips. Vous pouvez également déterminer les meilleurs clips en regardant la qualité du clip, la performance d'un acteur, si le clip a ou non un mouvement, la profondeur et ce que le clip tente de communiquer globalement. Et si c'est efficace pour le faire. Dans le monde parfait, vous auriez tous ces attributs dans un seul clip. Les prochaines étapes de ce projet consistent donc à affiner vos choix de clips dans le nom du dossier sélectionné. Vous verrez que j'ai déjà fait ce processus pour vous. Si vous préférez faire ce processus par vous-même, qui est une excellente idée, allez-y et faites-le maintenant. Dans la leçon suivante, nous allons apprendre par où commencer avec le montage et où aller. 6. Comment assembler tout type de vidéo: Super, vous avez choisi vos sélections, mais par où commencez-vous ? Savoir par où commencer et où aller aidera accroître votre confiance et à laisser de côté les devinettes. Savoir par où commencer peut être assez simple, mais pas facile quand il s'agit de projets scriptés. Peut suivre avec le script, brancher le métrage, et aller du début à la fin jusqu'à ce que vous ayez un assemblage rugueux. Mais quand il s'agit d'œuvres non scénarisées, il peut être un peu plus difficile de savoir par où commencer. Moi-même. Cette question, quel élément raconte le plus clairement une histoire ? Par exemple, dans les vidéoclips, la musique est ce qui anime l'histoire, c'est parce que souvent la musique est l'histoire. La musique vous aide à éclairer vos modifications. Autre exemple dans le travail de style documentaire, le récit est guidé par les interviews. Donc, vous concentrer sur la parole est là où vous voudriez commencer. Comme dans ce projet ici, mon objectif principal était de me concentrer sur le récit d'abord, avoir ce qu'on appelle le montage radio, qui est là où on s'en tient à éditer les interviews. L' image à ce stade n'est pas importante. Vous pouvez même modifier ces entrevues sans voir la personne interviewée. Dans certains cas, il se peut que vous n'ayez pas de voix off, de dialogue ou de script à suivre. Dans ce cas, vous pouvez commencer par Eclipse et les exposer dans un assemblage rugueux en utilisant les histoires commençant, milieu et fin comme guide. Donc, après avoir créé un assemblage rugueux de vos clips, vous pouvez commencer à connecter la voix off et les clips ensemble afin qu'ils correspondent un peu mieux et aient un peu plus de flux vers ce rôle. Dans ce processus, nous travaillons avec le montage pour obtenir un aperçu approximatif de notre histoire à travers Visual et VoiceOver. abord, une fois que nous avons notre montage approximatif à la fois visuel et voice-off, nous pouvons commencer à chercher de la musique appropriée. Il y a quelques écoles de pensée quand il s'agit d'éditer avec de la musique ou sans musique. Certains éditeurs préfèrent poser une piste temporaire tout de suite et couper à la musique, ce qui, je pense, est correct dans certaines circonstances, d'autres préfèrent couper la scène sèche sans musique. La pensée ici est que si vous pouvez faire travailler la scène avec des visuels et le dialogue d'abord, la musique l'améliorera, plutôt que de se fier à la musique pour que la scène se sente bien. Il y a des moments où vous avez juste cette pensée. Je dois d'abord couper avec de la musique. Surtout si vous coupez une séquence de montage avec une variété de clips, la musique peut vraiment aider à traiter la structure et à contenir l'édition dans son ensemble. Dans d'autres modifications, vous pouvez décider de ne pas ajouter de musique jusqu'à la fin. Je vous suggère de vous pencher vers couper la scène sèche abord une fois que vous avez un montage rugueux et il a commencé à se sentir bien, a un bon flux, le rythme. Ensuite, ajoutez la musique. Si vous voulez avoir certains moments qui sont accentués par la musique, vous pouvez affiner l'édition à partir de là. Donc, jusqu'à présent, avec ce montage, nous avons commencé avec les visuels, les clips, puis nous avons intégré la voix off, puis nous avons commencé à ajouter la musique. Chaque partie de ce processus nécessitera quelques ajustements. Donc, après avoir ajouté la voix off, par exemple, vous devrez ajuster l'éclipse et la voix off pour qu'elles s'adaptent mieux. Et puis une fois que vous aurez la musique, vous serez probablement en train de vous ajuster pour vous assurer qu' ils sont tous harmonieux ensemble et bien assemblés. Cela fait également partie du processus et il est très important que vous ne teniez pas à l'édition. Vous voulez changer avec l'édition au fur et à mesure qu'elle évolue. Donc, si vous avez des idées, n'ayez pas peur de les essayer, et n'ayez pas peur de modifier complètement votre séquence. Assurez-vous simplement de créer une séquence supplémentaire afin qu'elle ne soit pas destructive. Vous n'êtes pas limité à cet ordre particulier. Parfois, quand je travaille sur un montage radio pour beaucoup de différents types d'interviews. Je peux en avoir marre et j'ai juste besoin de faire autre chose. Ou il pourrait y avoir un moment particulier dans un montage dont je ne me sens pas totalement confiant ou je ne peux pas vraiment voir où va aller l'édition. Et à ce stade, je pourrais décider que je préférerais travailler sur des visuels ou peut-être que je chercherai de la musique qui pourrait être appropriée pour la scène. Parfois, un peu d'exploration vous aidera à revenir sur la bonne voie avec une interview ou une partie particulière de l'histoire travaillent sur. Cela peut vraiment vous aider à gagner en confiance et vous aider à rester engagé dans le projet. Comme les éditeurs étaient des sentiments, pas des robots, l'intuition de l'utilisateur. S' il se sent juste de tenter de faire de la musique, faites-le. Ou si vous voulez passer du temps à travailler sur graphiques et à comprendre comment cela pourrait fonctionner, modifiez globalement, alors faites-le. Le processus consiste à prendre des itinéraires alternatifs. Parfois, le seul chemin à travers le projet est de faire un détour pour expérimenter une idée, puis de réaliser que cela fonctionne. Ou peut-être découvrir une autre idée que vous n'auriez pu découvrir qu'en essayant cette première idée. N' ayez pas peur de quitter le chemin si vous vous sentez coincé ou sans inspiration. Jetons maintenant un coup d'oeil à l'ensemble du processus. Par où commençons-nous et où allons-nous avec l'assemblée ? Nous commençons par les visuels, ajoutons la voix off, puis ajoutons la musique. Ne vous inquiétez pas trop de la durée de l'assemblage global. Commencez par travailler sur l'édition jusqu'à ce que cela soit logique chronologiquement. Si vous travaillez sur un autre projet comme un clip vidéo, commencez par la musique. Et travailler sur un documentaire. Commencez par la voix off et le dialogue. Nos leçons à venir, nous allons approfondir les prochaines étapes du processus d'édition. Cela aura plus de sens une fois que vous aurez traversé plus de leçons. Une fois que vous avez une structure rugueuse, faites des ajustements à vos séquences, voix off et musique à chaque passage de montage, concentrez-vous sur le rythme et le rythme global. Travailler sur le but, le ton, je trace et le mouvement, et la continuité de l'édition. Selon les personnes avec qui vous travaillez. C' est peut-être un bon moment pour exporter une mise à jour rapide pour examen. Dans la phase finale de montage, les ajustements que vous apporterez des visuels, voix off et de la musique seront minimes. Vous pouvez commencer à ajouter des graphiques, mais bien sûr, vous pouvez les ajouter plus tôt si nécessaire. Vous commencerez également à travailler sur votre paysage sonore, ce qui nécessitera plus d'ajustements. Encore une fois, ces ajustements sont nécessaires pour s'assurer que tous les éléments se sentent harmonieux et maintiennent un bon rythme et un bon rythme. À ce stade, vous pouvez envoyer une autre modification pour révision, effectuer des ajustements, réexaminer, puis obtenir l'approbation finale du verrou d'image, ce qui signifie que rien ne devrait changer dans l'édition. Mais encore une fois, il n'est jamais trop tard pour ajouter des révisions si vous en avez absolument besoin. C' est lorsque vous travaillez sur la correction des couleurs et le classement des couleurs. Dans certains cas, si vous travaillez avec le métrage du journal, en particulier, vous pouvez ajouter des lots ou corriger la couleur de votre métrage plus tôt dans le processus. Mais ce sont des tâches que vous voulez un peu verrouillé édition afin que vous soyez plus efficace et non pas la correction des couleurs et les clips de classement des couleurs que vous allez juste finir par supprimer dans l'édition fine. Et enfin, quand tout le monde est heureux, il est temps de livrer le produit final. N' oubliez pas que ce ne sont que des lignes directrices. Chaque processus, chaque équipe, chaque professionnel impliqué dans la production changera le processus dans son ensemble. J' espère donc que cette leçon n'est pas furieuse pour ceux qui veulent un chemin spécifique. n'y a pas de réponse correcte à 100% ici. Mais ce que je ne peux pas dire, je vous suggère de commencer par le récit. Est-ce des visuels, la voix off, le dialogue, la musique. Qu' est-ce qui motive l'histoire ? Commencez par cela d'abord, puis obtenez ce début, le milieu et la fin approximative sur la ligne de temps. Si vous avez l'habitude de couper en musique, essayez d'abord de couper la scène sèche, puis d'ajouter la musique par la suite. Si vous êtes extrêmement coincé et que vous ne pouvez pas voir où va le projet. Essayez d'abord de chercher de la musique, allez à la leçon sur la musique et choisissez de la musique pour votre projet. N' oubliez pas que quelle que soit la partie du processeur, vous devrez toujours faire petits ajustements pour relier les éléments ensemble et les rendre cohérents. Allez-y et commencez votre première édition. Ajoutez les visuels, ajoutez la voix off, mais n'allez pas trop loin car dans la leçon suivante, nous allons passer par le processus de montage vidéo, ce qui vous aidera avec votre montage initial. 7. Le processus de montage: Dans cette leçon, je vais passer par mon propre processus de montage vidéo et vous expliquer les raisons pour lesquelles je fais certaines modifications. Et j'espère que cela vous aidera à améliorer et à affiner votre propre processus. Une grande raison de faire une coupe est simplement pour l'histoire. J' ai vraiment aimé le coup de fouiller le sol. Alors peut-être qu'on va commencer par le sol ici. Alors on y va. Je pense que c'est assez de temps. Nous avons l'idée de ce qui se passe vraiment, vous n'avez pas besoin d'avoir un clip aller plus longtemps que nécessaire tout de suite. Je vois. D' accord. C'est une main qui descend dans le sol et qui frotte le sol, vous voyez que vous obtenez le point du clip assez rapidement. Il est également génial de commencer avec ce plan, c'est que c'est notre plan le plus large disponible, donc il nous donne le plus de contextes pour la scène. On voit qu'on est dans ce jardin. Il y a du feuillage autour. Cela nous donne une idée de l'environnement. Et dans certains cas, il est plus important d'avoir des prises de vue que d'autres. Et dans ce cas, cela peut ne pas être aussi important parce que vous pouvez clairement voir le contexte de la scène sans avoir besoin de autant d'informations. Une autre règle de base lors de la coupe pour histoire est que vous voulez généralement couper à un plan qui révèle une sorte de nouvelles informations sur la scène, le personnage ou l'histoire elle-même. Parfois, vous pouvez choisir de ne pas révéler les informations que le public souhaite. C' est peut-être parce que vous essayez de soutenir le ton de votre édition. Donc tu es comme une peinture avec ta toile. Cette séquence de sélection et cette séquence sont vos toiles avec toutes vos couleurs. Et tu glisses sur toutes les couleurs, essayant de déterminer quels clips on veut couper pour les tester. Vous pouvez mélanger quelques clips ensemble et ils ne fonctionnent pas, mais c'est bon. Continuez à essayer les choses. Et je vais continuer à suivre ce processus jusqu'à ce que j'aie rassemblé toute l'histoire approximative. Je connais déjà cette annonce, elle ne fonctionnera pas bien à moins qu' on ne coupe lourdement une partie de l'action. Donc, cela signifie que ce n'est pas parce que cette main revient vers la caméra que nous devons réduire à la main. Retour en arrière. Je veux dire, tu pourrais, mais dans ce cas, je ne pense pas qu'on le veuille. Je pense que nous voulons peut-être même s'arrêter là, faire un montage rapide. Et puis le creusement commence. Je veux dire, je pense que ça marche même. C' est donc ce qu'on appelle la continuité de l'édition, qui est où les personnages et les objets sont en relation les uns avec les autres tout au long d'une séquence de prises de vue. Dans le premier plan de coupe à SHA2, nous avons une continuité d'édition parce que la main de tir à deux ne saute pas dans son espace physique. Mais dans le plan 3, nous avons coupé toute une série d'actions pour rompre la continuité. On ne voit jamais cette main droite entrer et commencer à creuser le trou. Au lieu de cela, nous coupons cette action et nous coupons directement aux deux mains en creusant le trou. Donc on coupe beaucoup d'action ici. Si je coupe l'action logiquement du point A au point B au point C, audiences sont allées à comprendre exactement ce qui se passe. Et parfois c'est très important, mais d'autres fois ce n'est pas le cas. Nos cerveaux peuvent remplir l'action que nous ne voyons pas l'action qui manque. Nous pouvons également utiliser la continuité d'édition pour attirer l'attention sur des modifications spécifiques. Donc, dans cette courte séquence ici, sur ces trois coupes, je ne suis pas en train de suivre la continuité de l'édition. C' est pour accélérer les choix et faire avancer l'histoire rapidement. Ensuite, sur cette coupe ici, je choisis de suivre la continuité de l'édition. Je ne coupe aucune de l'action. Et je pense qu'il attire plus l'attention sur cette coupe et c'est là que je veux attirer l'attention, qui concerne la graine. Regardez-les comme mon œil suit le petit doigt. Et puis tout droit dans le prochain coup. Mon oeil est déjà sur l'ensemble l'action de creusement et c'est déjà un lisse qu'il est déjà. Allons donc par là, creusant le trou. Tu n'en as même pas besoin. Encore une fois, nous voulons nous attarder sur le plan tant que nous avons besoin que le public comprenne ce qui se passe. Et je ne pense pas toujours seulement à l'endroit où se trouve quelque chose dans le cadre et aussi à la façon dont il bouge. Et c'est la raison pour laquelle je cherche un mouvement à l'intérieur du cadre et pourquoi un mouvement prioritaire dans le cadre de notre plan statique. J' aimerais le mouvement ici, et c'est pour ça que j'ai choisi ce plan plutôt que le tir. Donc, fondamentalement en essayant de faire est de suivre le mouvement d'une image à l'autre. J' ai essayé de créer l'édition, juste quand la graine revenait sur ma main. Mais maintenant j'essaie de trouver un moyen de le faire fonctionner avec le mouvement qui passe de droite à gauche. Voyons donc comment cela fonctionne. Quelque chose ne marche pas ici. Ce n'est pas fluide. Il est également très important de se rappeler que cela nécessite de l'expérimentation. Cela m'a pris un certain temps pour comprendre comment faire fonctionner le mouvement et la trace oculaire et a pris beaucoup d'expérimentation avec différents clips. Donc, gardez jusqu'à ce que vous obteniez quelque chose qui fonctionne pour vous. Les mains allant de droite à gauche, torsion et aussi un suit à travers dans ce coup ici. Chaque tir révèle quelque chose de nouveau. Ce plan révèle cette partie de la graine. Celle-ci est peut-être plus inutile, mais nous voyons quand même un angle différent de la graine au moins. Et puis celui-ci, il montre le plan plus large, qui va essentiellement se connecter de ce plan à la plantation de la graine. Donc je pense déjà à un pas d'avance. Retourner à la coupe pour l'histoire. J' ai fini par couper cette photo ici parce qu'elle était redondante. Et même si cela montrait une partie différente de la graine, il ne suffisait pas de faire avancer l'histoire de manière significative. Donc, il a fini par le couper. Un autre exemple ici. coupant d'ici à là, sans aucun mouvement, le tir semble juste trop similaire, mais aussi assez différent pour qu'il ne semble pas cohérent. Voir le siège est orienté à cet angle, puis dans ce plan est face à cet angle. Donc, lorsque vous coupez de ce plan à ce plan, l'angle de la graine est trop différent et devient alors déchirant. Pour corriger cela, nous pouvons commencer par faire entrer une partie de la terre tout de suite dans le cadre. Donc nous ne sommes pas Jarred par ce coup. Notre regard s'accroche dans le mouvement qui arrive. Parce que le sol tombe progressivement ici, nous pouvons peut-être faire quelques modifications délicates pour que nous puissions continuer le mouvement. Ça ne marche pas. Essayons. Essayons d'y aller parce que toute la graine, elle bouge à ce stade. Essayons cette coupure ici. Ainsi, la graine s'arrête et se déplace à nouveau. C' est ce qui me déconne en ce moment. Et je vois qu'il s'arrête et qu'il remonte et remonte. Peut-être qu'on suivra ce mouvement ici. Essaie de réparer ça. Mettons-le dans un peu. Essayons ça. Ça pourrait marcher. En ce moment, c'est juste un montage rugueux. Nous pouvons certainement trouver comment résoudre ce problème, ou vous pouvez revenir dans nos sélections et choisir un plan différent. C' est donc un aperçu de mon processus lors de la création d'un premier montage, d'une couverture, sans exagérer mon accueil avec un clip. Révéler de nouvelles informations si nécessaire. Utiliser l'histoire pour décider quel clip je pourrais utiliser ensuite. est également important de penser à la continuité de montage pour inclure toute l'action de quelque chose tout au long d'une séquence de plans. Ou pouvons-nous couper l'action ? mouvement à l'intérieur d'un cadre ? Peut attirer l'œil de quelqu'un d'un coup à l'autre. Considérez également le mouvement des objets physiques à l'intérieur de la scène et la façon dont ils circulent d'une coupe à l'autre. Certains d'entre vous se demandent peut-être, qu'en est-il du rythme et du rythme. Et oui, c'est important et je considère cela aussi. Quand je suis en train de monter, cela devient plus important fur et à mesure que l'on passe par des effets sonores et de la musique, car cela ajoute au rythme global et au rythme de la pièce. Si vous voulez plus de conseils sur le rythme et le rythme, j'ai lié dans les notes ci-dessous la leçon de rythme et de rythme de mon autre cours sur les techniques de montage vidéo. Alors pensez à ces choses pendant que vous faites votre coupe. Vous n'avez pas à faire toutes ces choses en même temps. Pendant votre assemblage, vous pouvez effectuer plusieurs passes et vous concentrer sur chacune de ces choses individuellement au fur et à mesure que vous traversez chaque passe si vous ne l'avez pas déjà fait, aller de l'avant et terminer votre assemblage initial ou découpe grossière avec image et voix off. C' est maintenant un bon moment pour ajouter de la musique à votre ajout. Donc, dans la prochaine leçon, nous allons parler de la façon de choisir la bonne musique. 8. Choisir la bonne musique: Choisir une excellente musique peut donner vie à votre histoire, aider au rythme et au rythme de votre projet, et vous aider à structurer votre montage dans son ensemble. Il est donc important de savoir comment identifier la grande musique. Pour cette leçon, je vais utiliser artless pour expliquer comment je choisis la musique, vous pouvez utiliser n'importe quel fournisseur de services de musique que vous préférez. J' utilise principalement les listes d'art et le son épidémique. Beaucoup de ces services d'abonnement à la musique vous permettent de vous inscrire à un essai de 30 jours. Vous pouvez donc aller de l'avant et le faire et télécharger une piste en filigrane à utiliser dans votre propre édition. J' ai également énuméré quelques sites que vous pouvez utiliser pour la musique gratuite, que vous pouvez utiliser pour des projets personnels et commerciaux. Comme toujours. Le but de l'histoire que j'essaie de raconter pour des conseils. Vous vous souvenez de ce diagramme ici de moins de trois, le ton est notre lien émotionnel avec le but de notre histoire. Et la musique fait un excellent travail pour créer un lien émotionnel. Il est donc important que nous choisissions une musique qui correspond au ton de notre projet et que nous nous assurions qu'elle soit géniale. Nous voulons obtenir une humeur et un ton inspirants, et peut-être même un peu dramatiques. Lorsque nous choisissons de la musique, nous voulons rester ouverts et télécharger des morceaux qui, selon vous, pourraient fonctionner. Ils pourraient pas, mais c'est bon. Nous allons choisir plus de musique que nous n'en avons besoin, puis la réduire à partir de là avec l'un de ces fournisseurs de musique en ligne, la meilleure façon de commencer est d'utiliser les tags disponibles pour affiner vos choix musicaux. Nous ne sommes pas vraiment préoccupés par le thème de la vidéo ou les instruments de la piste. Nous sommes surtout préoccupés par l'humeur et le genre parce que le nu est le résultat du ton de notre projet, c'est ce que nous voulons que notre public se sent. Et le genre peut également aider à notre tonalité prévue. Au lieu de cliquer sur toutes ces balises qui s'appliquent, comme si nous avons cliqué sur édifiant, oh oui, c'est totalement épique. T2. Et c'est puissant, c'est excitant, c'est heureux et, et c'est drôle. Ça ne vous mènera nulle part. Choisir trop de balises réduira trop nos options. Ces options ne fonctionnent tout simplement pas pour le projet sur lequel nous travaillons. Essayer de réduire les balises à un ou deux ou trois maximum. Alors regardons ce que nous essayons de créer ici. Donc je pense que ça va être un peu dramatique. Peut-être qu'on va essayer d'édifier deux. Essayons que le genre aidera également à affiner nos choix. Parce que je sais déjà que cette pièce ne fonctionnera pas bien avec le blues, la musique rock, pas de chanteur-compositeur, non, nous ne voulons pas que notre voix off soit en concurrence avec le chanteur. Donc nous avons besoin de musique qui n'a pas de chanteur dedans. Hip hop, non, vacances, non, ça ne veut pas dire que ces genres ne fonctionneront pas pour votre projet. Si vous voyez un genre qui peut correspondre à la tonalité que vous allez pour, sélectionné cinématographique. C' est une grande étiquette. Sélectionnez tout de suite. Nous voulons emmener le public dans un voyage. Et lorsque vous cliquez sur le tag cinématographique, il vous donne plus d'options musicales qui ont cette histoire naturelle que le voyage naturel déjà dans la musique. Un début, un milieu et une fin intéressants. Et la musique vous emmène dans un voyage à travers différentes couches de son, instruments. Et la chanson dans son ensemble a un ton et une humeur à elle. Voici donc un exemple de chanson qui, je pense, vous emmène dans un voyage. Et vous pouvez voir que j'ai divisé la chanson en segments. Et les coupes que j'ai faites sur cette piste sont soit de nouveaux instruments en cours d'introduction, différents types de rythme, un type différent de sensation ou d'humeur. Et il change d'intensité, même un type d'effet différent. Et je suis sûr qu'il y a d'autres attributs à la musique que les musiciens professionnels peuvent chiffrer, mais c'est ainsi que je décompose une piste en tant qu'éditeur. Donc ici, nous avons un exemple d'un nouvel instrument introduit, une guitare et une basse, un violoncelle, je pense que je ne sais pas exactement ce que c'est. Ce segment introduit également un nouveau champ et une nouvelle ambiance. Et d'abord, nous avons ce piano et ça te donne ce genre de sensation certaine et juste une sensation d'errance pour moi. Et puis quand la guitare et la basse ou quoi que ce soit arrive et se sent presque plus exotique, comme si nous sommes arrivés quelque part. Vous pouvez interpréter ça comme vous voulez. Mais il est important de noter qu'il y a un changement de ton. Il y a un changement d'humeur. Voici un exemple de l'évolution de la musique et du rythme. Et ce que je veux dire par ceci est la quantité de perles jouées PRE mesure. Donc, pouvez-vous ne pas avoir besoin de savoir ce qu'est une mesure ? Il suffit d'écouter ce segment ou la quantité de battements augmente. Il y a donc plus de notes jouées par mesure de cette piste, qui la rend plus intéressante. Ce changement le rend plus imprévisible. Voici un exemple de la façon dont les effets spéciaux peuvent changer la musique. Écoutez ça et voyez si vous pouvez l'entendre. Tu as entendu ça ? As-tu entendu ce subtil changement de réverbération ? La musique sonnait comme si elle était plus proche de toi. Et puis le musicien a modifié la piste en augmentant la réverbération. Cela lui a ajouté un peu d'espace. On dirait qu'on est arrivés dans un autre endroit. Donc, cet effet ajoute également à l'histoire qui est au ton, il ajoute au voyage de cette piste. Et enfin, il y a de l'intensité. Écoutez ce changement d'intensité de laiterie intense pour appeler la sérine. L' intensité d'une piste peut être déterminée par le nombre d'instruments joués à la fois, le nombre de battements à un moment donné, et aussi la puissance de la partie de la piste. Voici un exemple de musique qui pourrait avoir un but dans certains cas, mais dans la plupart des cas, je n'utiliserais probablement pas de musique comme celle-ci. J' ai rompu la piste de la même façon que la précédente. Ce que j'ai remarqué tout de suite, c'est qu'il n'y a pas de changement de rythme. n'y a pas de changement de ton. n'y a pas de changement d'intensité, en fait, à part l'intro. Les seuls changements qui se produisent dans cette chanson sont soit de nouveaux instruments soit d'être introduits, soit d'être enlevés, et le changement subtil dans la progression des accords, le manque de ces autres éléments dans cette musique nous fait suivre un peu plus prévisible et pas le meilleur choix pour la narration. n'y a pas de nuance dans le ton, c'est comme un ton tout le temps. Un conseil très utile ici, regardez les formes d'onde lorsque vous regardez de la musique. Vous pouvez voir tout de suite en comparant les deux exemples que les formes d'onde sont complètement différentes. Juste des sommets et des vallées dans celui-ci. Alors que dans celui-ci du tout, le même. Écoutez vos premières impressions. D' accord ? Tout cela semble bien aussi. Si vous obtenez une certaine ambiance de la piste, au départ, probable que d'autres personnes puissent obtenir le même champ de cette piste également. Fichiers X. On dirait une sorte de spectacle de crime. D' accord. Ça ressemble à un fantasme. Juste là. On dirait le Seigneur des Anneaux. Et puis je vois le tag fantaisie. Ce n'est pas tout à fait le bon genre pour nous. C' est un peu intéressant, assez dramatique. Si ça correspond au ton, tu y vas, super. Essayez-le. Un moyen rapide d'ajouter votre piste est de lire l'audio dans le service d'abonnement à la musique que l'onglet retour au programme d'édition, appuyez sur Lecture, et de prendre une écoute au patient. Ne juge pas, change de jour au bureau pour mettre la Bible. Elle a déjà fait beaucoup. Je vois que ça marche. C' est dramatique, ça ajoute quelque chose à ça. C' est lui-même. On va sauver celui-là. Parfois, vous serez surpris par des pistes qui ne se sentent pas tout à fait bien. Mais quand il les regardait à la vidéo, ils pouvaient travailler. Les cellules sont très dramatiques. Mais pour le diable, on va juste essayer d'auditionner. Ça tue l'embrayage. Sois patient. Ne juge pas. Chaque jour par la salle de poisson FUV, mais par les feuilles que vous avez tracées. Et d'accord, ça pourrait marcher. Restez déterminé. Ténèbres, Clavey U, vous aurez du mal à voir la lumière. Tu vas te mettre à jour. D' accord. Je ne pensais pas que ce médicament fonctionnerait du tout, mais en fait, il peut, il peut, il peut très bien fonctionner. Et surtout si vous avez vu le crescendo là-bas, c'est arrivé à la fin des 29 secondes environ de toute façon, mais avec quelques ajustements, vous avez probablement dépassé le temps. Allez-y et trouvez de la musique, testez quelques options différentes. Et lorsque vous ajoutez la musique à votre montage, n'oubliez pas que vous allez réajuster le moment de votre édition. Vous pourriez avoir une inspiration différente pour le choix de la musique et cela changera la façon dont votre montage est, et c'est génial. Laissez-le façonner votre édition encore plus. Rappelez-vous que le processus d'édition est terminé et passe. Ainsi, chaque nouvel élément que vous ajoutez à l'histoire devra être intégré dans votre édition actuelle et votre édition prête à s'ajuster et à changer en conséquence. Donc, pour récapituler, essayez seulement de sélectionner quelques balises. Commencez par le genre et l'humeur. Identifiez la grande musique en écoutant les changements dans l'instrument, le rythme, ton, l'intensité et l'effet, et assurez-vous que la piste vous déplace d'une manière ou d'une autre émotionnellement. Premières impressions de l'utilisateur avec les pistes. Assurez-vous également de les éditer. Et quand tu as des doutes, essaye-le. Ça ne fait pas mal. Allez-y et cherchez de la musique pour votre propre projet. Et dans la leçon suivante, nous allons apprendre ce que cela signifie de modifier avec but. 9. Éditer dans un but précis: Nous voulons garder à l'esprit en tout temps comment notre montage fait sentir le public. Comment cette coupure fait-elle sentir le public ? Et celle-là ? Comment toutes les coupes de votre édition donnent-elles à l'audience sentiment global, que vous réussissiez ou non à vous connecter avec l'audience, vous devez toujours justifier chaque modification que vous effectuez. Sinon, quel est l'intérêt de faire un montage en premier lieu ? Par exemple, ici, quand le jardinier place la graine dans le trou, juste là, cette coupe, c'est super simple, mais ça a aussi beaucoup à voir avec le but général de la pièce que nous essayons d'inspirer, nous essayons d'encourager, nous essayons de créer ce message plein d'espoir. Et une façon de le faire est de mettre l'accent sur notre personnage de héros, qui est la graine. C' est un plan très centré qui peut représenter la stabilité. Et c'est aussi la première fois que vous voyez le trou creusé avec juste la graine à l'intérieur. Il met donc beaucoup plus l'accent sur ce moment. En revenant également à la leçon sur le processus d'édition, j'ai expliqué ce qu'était la continuité d'édition et comment j'ai utilisé la continuité d'édition sur cette coupe, en particulier pour contraster les autres modifications qui ne suivent pas les règles de continuité. Et je fais cela et tente de créer plus de sens avec cette édition. J' ai également utilisé un zoom numérique très subtil pour souligner. Concentrez-vous sur la scène de lui plus. Dans le paysage sonore lui-même. J' ai ajouté cette explosion, qui ressemble plus à un coup de base. Pour souligner la goutte d'une graine. J' ai tenu un peu plus longtemps sur le coup. J' ai donc dû copier ces images quelques fois pour allonger le plan un peu plus. S' attarder sur le plan change le rythme, ajoutant un peu plus de tension et de drame. Et enfin, nous avons notre voix off, restez déterminés. Restez déterminé, ce qui est le message de notre pièce que nous essayons d'encourager ou d'inspirer. Je veux attirer l'attention sur ce message. Donc, le moment où ce VoiceOver arrive est important. Le public qui a l'impression d'être la graine elle-même, il est dans cette position. Le siège est tout seul au centre du cadre. On sait que ça va arriver, ça va être couvert. Donc peut-être qu'il y a un peu d'anxiété autour de ça, mais le rappel vocal, restez déterminé. On sait pourquoi on fait ça. Nous savons que nous allons passer par cette transformation. Ce ne sera pas facile, mais il y a de bonnes choses à l'autre bout. Donc, je sais que cela semble un peu ridicule, mais cela m'aide toujours à faire un montage et à avoir une bonne raison pour l'édition qui justifie l'édition. J' ai une raison. J' espère que ça frappe le public de la manière voulue. Donc, toutes ces raisons, en utilisant la continuité d'édition qui coupe à ce moment, la base a frappé le plan prolongé prolongé, le jour de la voix off déterminer le zoom numérique. Toutes ces modifications visent à faire en sorte que le public se rapproche de cette position, à attirer l'attention sur le but de l'histoire. plupart du temps, quand je fais des modifications, je me demande comment ça se sent ? Je parle même à haute voix et en utilisant les mots, j'ai l'impression que cette coupe utilise ces mots sentis peuvent m'aider à me connecter à l'émotion de la coupe et m'aider à justifier mes choix d'édition, en veillant à ce que but est ressenti et vu avec chaque choix que je fais. C' est pourquoi nous devons compter sur ces intentions. Notre intention pour l'édition est la suivante. Cela ne signifie pas que le public va recevoir cette édition de cette façon, mais vous avez le pouvoir de justifier votre montage et de tenter de le faire, et d'avoir une meilleure capacité de connecter le public à l'objectif global. Un autre exemple ici, les fondus sont généralement connus pour être utilisés pour créer un passage du temps. J' ai senti que ce dissous fonctionnerait le meilleur pour ce moment, le dissoudre est une transition en douceur des taches de saleté tombant match dissolvant aux gouttelettes d'eau, la saleté et l'eau contraste les uns les autres et ils ont tous les deux des significations différentes. Le public peut créer le sens qu'il veut sortir de cela et il peut être subtil. Ce n'est peut-être même pas si évident. Mais l'idée est que j'avais cela en tête pour justifier la réduction. J' essaie de montrer qu'avec le temps, les taches de saleté, la saleté qui couvre la graine finiront par se transformer en eau nourrissante, ce qui représente l'espoir. L' espoir qui vous fait traverser les temps sombres. Attends à l'espoir. Une fois que vous entendez le mot espoir, c'est là que vous pouvez voir l'eau pleinement visible. n'y a pas de changement d'opacité parce que je voulais vraiment souligner l'espoir de la situation à ce moment-là. Accrochez-vous à l'espoir. J' ai également décidé d'amplifier le bruit de la pluie pour souligner davantage ce symbolisme. J' ai essayé pour chaque édition de justifier mes raisons pour faire la coupe. J' ai essayé de faire en sorte que chaque édition soit adaptée au but par l'émotion. Toutes les modifications ne fonctionneront pas de cette façon, mais j'ai essayé, ce ne sont que quelques exemples de mon édition. Et qui sait ? Peut-être que vous avez interprété d'une manière complètement différente. C' est très bien. Tout ce qui compte vraiment, c'est que chaque modification que vous faites doit être justifiée. Vous essayez toujours de penser à ce que le public va ressentir à ce moment là. Et si cela sert le but de votre projet. Et puis ce qui est génial, c'est quand quelqu'un d'autre passe en revue votre projet, il peut confirmer si oui ou non le ton que vous voulez faire passer. Le but de votre édition doit toujours être au premier plan de votre esprit. Pensez à votre propre édition et à la façon dont vous avez créé un sens avec chaque coupe ou groupe de coupes, cela peut signifier que vous effectuez des coupes de sorte qu'une autre coupe ait un sens. C' est aussi l'art de l'édition et cela prend du temps et de la pratique. C' est ce qui me rend vraiment excité à propos de l'édition globale. Amusez-vous à créer un but avec votre édition. Et rappelez-vous, vous pouvez donner un sens à chaque modification que vous faites. Dans la prochaine leçon, nous allons plonger dans le mixage audio. 10. Directives pour le mixage audio: Dans cette leçon, nous allons passer en revue quelques directives générales de mixage audio. Comprendre ce processus aidera à améliorer la qualité de votre paysage sonore. Le but d'un paysage sonore est d'attirer le public dans l'histoire et pour y réussir, le paysage sonore doit améliorer le montage. Débarrassez-vous de toutes les distractions possibles. Cela signifie principalement nettoyer tous les clics et les pops. Pour moi, C'est devenu une habitude d'ajouter deux millisecondes fondus audio aux tenants et sorties de chaque morceau audio. Cela permettra de créer rapidement des transitions fluides vers votre audio. Je vais passer en revue quelques directives très générales sur les niveaux audio ici. Alors prenez ceci avec un grain de sel. Vous devez utiliser vos oreilles. Et pour chaque projet, ça va être différent. Ce projet, à mon avis, est mélangé un peu plus chaud que les autres, ce qui signifie que je lance mon audio plus près du pic maximal, ce que je ne fais pas pour chaque projet. Une autre chose à garder à l'esprit, ne pas dépasser 0 décibels ou vous déformerez votre audio parce que la voix est si intégrée à notre histoire, Il est très important que nous entendions la voix off clairement, nette, pas étouffée, concis. Quoi qu'il en soit, nous allons veiller à ce que la voix off soit claire au-dessus de la musique et des effets sonores. Ne juge pas, chaque jour près des bijoux de poisson de la salle, j'aime garder ma voix au-dessus de moins 12 à moins 6. Il y a des moments où il peut atteindre jusqu'à moins trois, mais cela ne va pas au-delà. Astuce rapide, utilisez le compresseur multibande avec un préréglage de diffusion. Cela compresse l'audio, donnant à la voix off un son plus uniforme, met l'accent sur les fréquences particulières la voix et concentre le son de la voix off, rendant plus frappant et net et clair. Cela vous permet également d'augmenter votre musique et vos effets sonores un peu plus sans perdre la clarté de la voix off dans le mix. En outre, lorsque vous appliquez des effets de plusieurs clips audio, essayez d'utiliser la table de mixage de pistes audio de cette façon, si vous effectuez des ajustements, vous pouvez les effectuer sur tous vos clips en même temps, plutôt que d'avoir à sélectionner chaque élément audio individuel dans un le temps. Ce que j'aime, c'est que ce sont des lignes directrices, donc vous n'avez pas nécessairement à vous en tenir, surtout si votre histoire l'exige. J' ai adoré le spectacle d'esprit Hunter, et j'ai surtout trouvé leur choix de garder la voix est inférieure à la musique dans ces scènes de bar captivant, vous avez vraiment à écouter. Et si vous étiez à cet endroit dans la vraie vie avec un groupe jouant en direct, vous ne seriez probablement pas capable d'entendre l'autre personne si bien au-dessus de la musique. J' aime donc comment ils l'utilisent pour raconter l'histoire et la rendre plus réelle. Mais ce qu'ils ont aussi fait était d'ajouter des sous-titres. absence de sous-titres permet au public de lire ce qu'il dit. S' ils n'attrapent pas les mots réels de ce qu'ils disent, est-ce qu'il leur permet de garder les choix de mélange visant le réalisme de l'histoire. C' est juste mon opinion, mais jetez un oeil à ces scènes quand vous en avez la chance. Contrairement à ces scènes spécifiquement mixtes dans le chasseur d'esprit, l'histoire complexe et les visuels du locataire nécessite toute votre attention. Je crois comprendre que Christopher Nolan voulait donner au public expérience immersive et qu'il croit vraiment au cinéma. Donc ce film était destiné à être regardé dans les salles, et je n'ai pas eu la chance de le voir dans les salles, donc j'ai dû regarder à la télé. Et j'ai trouvé qu'une partie du dialogue était difficile à comprendre en raison de la musique en plein essor et de la dynamique élevée m'a amené à monter l'audio pendant les moments de silence et à le baisser pendant les moments forts. Finalement, j'ai choisi de regarder avec des sous-titres, qui rivalisaient aussi avec les visuels complexes. Et il est devenu plus difficile de suivre l'histoire, ce qui a fini par me sortir de l'expérience. Plus tard, j'ai décidé de les regarder des scènes, des écouteurs et le mix était incroyable dans mon casque. Quelle est la morale de l'histoire ici ? Même si la plupart des films et des séries TV gardent les voix claires au-dessus du reste de l'audio, vous n'avez pas toujours à suivre les règles, mais vous devez également considérer où et comment votre montage sera visualisé. Assurez-vous juste de trouver ce médium heureux qui convient à l'histoire sans frustrer votre public. Pour les effets sonores, je vais essayer de garder les niveaux atteignent un pic d'environ moins 20 à moins huit. Et certains effets peuvent même aller à moins trois. C' est l'objectif pour moi avec le son, est de compléter le montage et d'attirer le public plus profondément dans l'action et l'histoire. Dans la leçon suivante, je vais passer par d'autres conseils sur les effets sonores, car c'est une grande partie d'un grand paysage sonore. La musique comme les effets sonores, aussi, vous l'avez deviné. Il doit attirer le public dans l'histoire. Et ce que la musique fait vraiment bien, c'est rehausser le ton du projet. Je viserai skié ma musique culminant entre moins 20 décibels à moins 10 décibels. Et dans certains cas, la musique et même venir jusqu'à moins trois décibels. Si l'histoire l'exige, la musique servira surtout à équilibrer les moments entre notre voix off et transportera notre public jusqu'à la fin de la pièce. Quand les voix sont présentes, j'ai tendance à déjouer ou tremper la musique pour garder la voix off claire. Chaque jour près des bijoux de poisson de hall, en fonction de la scène, vous pourriez avoir à canard ou plonger plus souvent qu'autrement, lorsque vous avez des moments sans voix off ou des effets sonores concurrents et de la musique et faire un excellent travail pour remplir le vide. Si nous laissons un moment MC ou où il n'y a pas de dialogue ou d'effets sonores, il peut sembler qu'une erreur a été faite dans le mix. Maintenant, cela ne veut pas dire que vous ne pouvez pas avoir de moments tranquilles dans votre musique, juste viser à être intentionnel à ce sujet. Donc, dans cette partie du mélange, je veux qu'il plonge la musique pour souligner la pluie, qui symbolise l'espoir. Donc, dans ce cas, je vais progressivement tremper la musique vers le bas pour guider l'auditeur de la musique au son croissant de la pluie. Alors voici un résumé. Utilisez des fondus audio pour éviter les clics ou les pops dans votre audio. La voix doit être propre et claire, comprise par rapport aux autres sons. Visez à garder votre dialogue autour de moins 12 à moins six décibels. Essayez d'utiliser le compresseur multibande. C' est un excellent moyen de passer votre voix au niveau supérieur rapidement et facilement. Les effets sonores sont généralement pour moi, autour de moins 20 à moins huit décibels. Encore une fois, ils complètent le montage, attirent le public dans l'action, soulignent certains moments d'histoire. La musique autour de moins 20 décibels à moins 10 décibels. Musique et profiter vraiment le ton de votre pièce. Nous voulons que chaque élément de l'audio, le dialogue, les effets sonores, la musique, le tout se complimente mutuellement et l'édition globale. Dans la prochaine leçon, nous allons tout parler des effets sonores dans notre paysage sonore. 11. Créer un paysage sonore captivant: Tout comme la musique, les effets sonores peuvent attirer le public dans l'action qui se passe à l'écran. Il est donc important de savoir quels effets sonores choisir et comment les modifier en fonction de votre histoire. La façon dont j'aime aborder le processus de sélection des effets sonores. Parcourez ma séquence, identifiez où les effets sonores pourraient s'adapter et quel type de son pourrait fonctionner avec l'action. La façon dont je fais cela est juste de poser des marqueurs et d'écrire toutes les idées d'effets sonores que j'ai pour un point particulier de la chronologie. La proximité de l'appareil photo avec un personnage ou un objet altère la qualité sonore, l'intensité sonore et le choix du son. Donc, dans ce plan de loin, nous voyons la tête se frotter contre la saleté. Et au lieu d'entendre les bruits de saleté parce qu'il est si loin, l'ambiance de la scène va dominer ça. Donc vous pouvez entendre dans cet exemple, j'ai choisi de l'amplifier, les oiseaux et l'ambiance au lieu de la saleté. Dans un plan comme celui-ci, où nous sommes plus proches du sujet, nous avons un peu plus de liberté et de relancer l'audio. J' ai même eu l'idée que je pouvais utiliser quelque chose comme la construction d'effets sonores de gravats ou comme un toboggan rocheux ou quelque chose comme ça. Les sons n'ont pas nécessairement besoin d'être réalistes. Ils ont juste besoin de sonner pour l'action, la scène et l'histoire globale. utilisation d'un effet sonore qui peut ne pas être réaliste pour la scène, va plus loin et peut être utile lorsque vous essayez d'attirer l'attention sur certains moments de l'histoire. Nous espérons que ces moments attireront le public plus profondément dans l'histoire et dans sa signification. Utilisez cela pour déterminer les parties de l'histoire que vous voulez mettre en valeur. Écoutez ce paysage sonore que j'ai créé. J' ai mis en sourdine la musique et la voix off pour que vous puissiez vraiment entendre les effets sonores. Quel rôle ils jouent dans le but de l'histoire. Je sais que tout le monde aura une idée différente. Ce genre de paysages sonores leur semble bon et ce qu'ils préfèrent. Mais mon intention avec le paysage sonore était d'utiliser une variété d' effets sonores pour attirer l'attention sur notre héros, qui est la graine, j'ai utilisé une variété de hits, souhaits, impacts pour amplifier les mouvements de la graine. Soulignez la couverture de cette équipe avec la saleté. Que ça sonne un peu plus terrifiant. Bague Boone. Faites attention à la nourriture de l'eau, de la pluie, et faites cette transition dans les oiseaux qui gazouillent à nouveau, ce qui est destiné à montrer la vie de la graine, l'avenir de celle-ci. Donc, tout est sur l'histoire de la graine, tout sur le but de cette graine. Je ne fais que souligner ces moments et je pense à comment attirer l'attention sur le but de ce projet ? Il est très important d'obtenir un paysage sonore complet. Et ce qui se résume vraiment à utiliser une gamme complète de fréquences, basse fréquence et de sons haute fréquence. Et vous pouvez le faire en superposant plusieurs effets sonores ensemble que les hautes fréquences sont basses, ou que vous pouvez manipuler la fréquence à l'aide d'un filtre. Faire cela en ajoutant plusieurs couches d'effets sonores est en fait assez simple. Je vais chercher un effet sonore qui fonctionne et qui dispose de hautes fréquences. Et puis je vais également regarder vers des effets sonores à basse fréquence qui fonctionneront aussi pour la même action. Dans ce segment ici, j'ai utilisé une combinaison de sons haute fréquence et de sons basse fréquence. Le George saupoudrant son haute fréquence. Les mains se brossent ensemble comprennent une combinaison de fréquences hautes et moyennes. Voici une fréquence plus basse. Enfin, j'ai ajouté quelques effets sonores whoosh pour mettre en évidence la coupe du noir aux mains brossant ensemble, ici nous avons un souhait de moyenne haute fréquence. Et ce lavage profond et poussoir couvrant nos basses fréquences. Et encore une fois, tous ces effets sonores se sont écrasés ensemble. Revenons à la saleté qui tombe sur cette partie graine de l'édition afin que je puisse vous montrer quoi ressemble cette partie sans aucun réglage de fréquence. Avant d'appliquer des effets, c'était un peu un gâchis de sons. Et après avoir ajusté les fréquences, c'est à ça que ça ressemble. Je vais utiliser ce court segment avec deux effets sonores différents pour illustrer comment manipuler les fréquences. Dans ce cas, nous allons simplement couper notre deuxième piste. Écoutons cette première piste ici pour rester simple. Notre piste supérieure sera haute fréquence et notre piste basse sera basse fréquence. Et nous avons déjà beaucoup de cette haute fréquence dans cet effet sonore. Donc je ne vais pas l'ajuster du tout. Prenons une écoute de la deuxième piste audio maintenant. Donc, vous pouvez déjà entendre que cela sonne très haute fréquence. C' est un compliment, l'effet sonore haute fréquence sur la première couche, nous voulons extraire un peu plus des sons basse fréquence dans celui-ci. Donc, pour ce faire, je vais utiliser l'égaliseur paramétrique, qui est un filtre d'effets audio. Tous les contrôles d'effets d'égaliseur paramétrique de file d'attente modifient l'effet. Et nous pouvons lire ceci de gauche à droite et le côté gauche nous avons nos sons basse fréquence, et le côté droit nous avons des sons haute fréquence. Lorsque nous le rejouons, vous pouvez voir tous les sons basse fréquence de ce côté et les sons haute fréquence de ce côté ici. Il y a un peu plus de sons haute fréquence qui sont soulignés ici. Et ce que j'aime dans l'égaliseur paramétrique, c'est que vous pouvez obtenir très spécifique avec différentes fréquences. Et il y a plein de choses que vous pouvez faire avec ça. Mais parce que nous nous concentrons simplement sur essayer de créer des fréquences basses et hautes, nous pouvons simplement désactiver tous ces intervalles ici. Garder seulement sont des notes haute et basse fréquence. Si vous cliquez et faites glisser l'un de ces points, vous ne pouvez pas aller au-delà de moins 15 dB ou passer le bas ou le haut de gamme sur l'échelle blessée. Donc, une façon d'aller au-delà est d'utiliser les curseurs de nombre. Et nous allons complètement baisser cette haute fréquence. Et on va monter cette basse fréquence, belle et haute. Donc on ne capte que cette partie des fréquences ici. Alors écoutons ça. Déjà. Vous pouvez entendre, je capture beaucoup plus de sons basse fréquence. Mais je pense que je veux même pousser un peu plus. Et ajustons ça un peu plus. Nous couperons même ces fréquences et nous nous concentrerons sur les basses. Bien que, vous auriez un bon champ e de base à elle. Et maintenant, lorsque nous combinons notre effet sonore haute fréquence et notre effet sonore basse fréquence, nous obtenons une belle gamme complète de fréquences et de nos sons. Et c'est ce que j'ai fait avec tous les effets sonores. J' ai choisi les hautes fréquences et les basses fréquences. Et j'ai utilisé ces fréquences pour créer un paysage sonore plus complet. Donc, pour résumer, lors de la recherche d'effets sonores, je considère la proximité du son à la caméra. Lorsque vous êtes plus loin de l'action, peut-être que l'ambiance pourrait prendre le dessus. Si vous êtes plus proche de l'action, vous avez certainement plus de liberté et créer des sons qui pourraient ne pas être aussi réalistes que l'action, mais ils sonneront bien pour la scène. Et en fait, il est plus important de trouver des faits qui sonnent droit à l'action ou à la scène dans l'histoire plutôt que d'être exacts. Cela vaut également pour le but de notre histoire. L' effet de glissement de rock n'est peut-être pas exact pour notre scène, mais ça me semble juste et ça fonctionne avec l'histoire. Et enfin, il est si important de viser à créer un son complet, créer un lit musical avec des effets sonores à basse fréquence et des effets sonores à haute fréquence. Et assurez-vous d'utiliser également un effet de fréquence comme l'égaliseur paramétrique pour obtenir le son que vous voulez. Prenez ces conseils et idées et amusez-vous à créer votre propre paysage sonore. Dans la prochaine leçon, nous discuterons des normes de sonie. 12. Normes d'intensité sonore: Une fois que nous avons obtenu un mix complet, suivant nos directives générales de mixage audio, il est temps de faire quelques ajustements finaux pour s'assurer que notre sonie est le niveau approprié pour sa plate-forme prévue ou en utilisant le Radar Loudness, nous pouvons mesurer la sonie moyenne de toute notre édition. Ceci est important parce qu'il nous donne les informations dont nous avons besoin pour nous assurer que le bruit de notre montage est là où nous voulons qu'il soit lorsque nous sortons pour la diffusion web ou le cinéma, respect d'une norme est un excellent moyen de développer un système que vous pourriez suivre à chaque fois. Ainsi, chacune de vos modifications reste cohérente. Pour utiliser le latin, ouvrez la table de mixage de piste audio et nous allons appliquer l'effet à notre piste principale. Et bien sûr, la piste principale est où tous sont audio est sortie 2. Donc, tout ce qui est appliqué ici sera appliqué à chaque piste audio unique. Allez à Special clic Radar Loudness écrit lorsque nous cliquons avec le bouton droit et éditer, il va s'ouvrir et vous voyez ce radar fantaisie. Tout de suite. Vous pouvez voir ici que nous avons une liste de presets, qui est un excellent endroit pour commencer en fonction de l'endroit où votre édition va éventuellement vivre, sera le facteur déterminant des paramètres que vous devez composer. Différents diffuseurs ont des exigences différentes pour le bruit et les pics. Et lorsque vous livrez des actifs, un radiodiffuseur aura généralement une sorte de fiche technique détaillant tout ce dont vous avez besoin pour lui fournir. Et cela inclut également les exigences en matière de sonie. Le standard de sonie est mesuré dans les amours I'll UFS, qui sont les unités de sonie, sonie AFS pleine échelle ou wapiti K pondérée par rapport aux amours pleine échelle et LCF S sont essentiellement la même chose. Ils sont tous les deux mesurés en échelle absolue et sont tous les deux égaux à un. Jetons un coup d'oeil à ces presets. Nous avons le DSPTA, qui est couramment utilisé en Amérique du Nord. Si nous cliquons sur Paramètres ici, nous verrons les modifications appliquées avec leurs préréglages. Et vous pouvez également voir ici que le bruit cible est moins 23 ALK AFS. Ici, nous avons les normes européennes de diffusion. bruit cible est moins 23 Elliot de S, donc un peu plus fort. Et puis ici, nous avons TRB 32, qui est les normes de diffusion japonaises. Et c'est aussi à moins 24 wapitis AFS. Et puis nous avons le Cinéma, qui est moins 24. La mesure de l'intensité sonore est différente de la mesure des pics. Vos sonomètres sont ce qui mesure les pics, votre audio de pointe. Alors que le radar le plus fort mesure les niveaux moyens. Pour le Web, la ligne directrice générale est de s'en tenir à moins 16 LK IFS utilisera le préréglage ATSC pour notre point de départ. Et c'est pour les normes de diffusion en Amérique du Nord. Cliquez et faites glisser le curseur vers le bas jusqu'à moins six. Et on changera notre vitesse radar à une minute. Et la raison en est que notre projet ne dure que 40 secondes environ. Donc, la vitesse radar est ce qui détermine combien sera affiché sur notre radar. Et prenez aussi notre indicateur de pic et faites-le glisser vers le bas à 0 décibels parce que pour le web, nous ne voulons pas qu'il atteigne la passe 0. n'y a pas d'exigence générale quant à ce que le pic maximal doit être. Sois patient. Ne jugez pas chacun. D' accord, donc nous sommes assez bruyants. On est à moins 14. Je n'ai pas non plus remarqué de pics. L' indicateur de pic s'allume si les pics vont au-delà de ce que vous avez dit, l'indicateur de pic 2. Donc, comme il est réglé sur 0, rien n'est des chemins de pointe 0, donc nous ne risquerons aucune distorsion. Ce qui est génial avec ce Radar Loudness, c'est qu'il nous donne une représentation visuelle de l'intensité sonore. Et nous pouvons voir que c'est assez cohérent. Mais ici, ça devient un peu plus fort. Donc je peux retourner dans le mix et essayer d'obtenir plus d'un son uniforme tout au long. Maintenant, notre objectif est de nous donner un moins six AFS OK. Et la façon de faire c'est de, eh bien, il y a un tas de façons différentes pour faire ça. Mais j'utiliserais le limiteur dur. Et la raison en est que le limiteur dur fait deux choses différentes. Cliquons dessus. Premièrement, ça limite l'audio. Vous garantissez donc que l'audio ne va pas dépasser une certaine limite que vous avez définie. Et vous pouvez également modifier le boost d'entrée, ce qui augmentera l'audio global ou diminuera l'audio global à l'aide de ce curseur. Donc, si vous avez un son qui n'est pas assez fort, vous pouvez le booster d'une certaine quantité de décibels pour atteindre le niveau que vous voulez atteindre. Mais dans notre cas, nous devons l'abaisser d'un certain nombre de décibels. Donc, si vous voulez que cela soit moins 16 décibels, nous devons réduire cela de 1,4 décibels. Donc, faites un clic droit sur le limiteur dur et réduira l'augmentation d'entrée de 1,4 décibels. Et nous allons aussi passer de pic à pic. Et la raison en est que le vrai pic est l' endroit où le niveau maximum de notre signal audio va frapper. Il ne peut pas dépasser ce que nous indiquons sur cette échelle. Si cela dit un vrai pic et le vrai pic est comme un pic, mais d'après ma compréhension, c'est plus précis et je ne suis pas sûr exactement pourquoi nous avons besoin de vrais pics et pics et pas seulement avoir un vrai pic. Mais c'est comme ça. Fondamentalement, si vous voulez utiliser pic, vous risquez toujours la chance que certains pics voyous passent la limite fixée. Peu importe ce qui empêchera tout signal de dépasser votre limite définie. Et dans notre cas, c'est moins 0,1 décibels. Je vais lancer le radar une fois de plus, réinitialiser ça, et nous allons voir où nous atterrissons. Boom, on y va. On est à moins 16 émissions sonores. simple traitement de notre audio en utilisant le limiteur dur nous amènera le reste du chemin là-bas. Maintenant, faisons semblant que c'était diffusé. Qu' est-ce qu'on ferait ? J'ai téléchargé les spécifications de CBC. Je viens du Canada. Imaginons donc que nous livrons quelque chose pour Radio-Canada. Et ici, nous avons eu cet énorme document plein de spécifications techniques que nous pourrions suivre et inclus dans cela est notre audio. Et regarde ça, on a une sonie audio juste ici. Il est écrit ici moins 20 décibel vrai pic max. Donc, cela signifie que nous ne pouvons pas dépasser le moin2. Revenons à nos paramètres. Nous pouvons régler cet indicateur de pic maintenant 2 moins 2 DDNTP. Donc, cela nous montrera pour Pékin passé moins2, un programme sonore de moins 24 wapitis AFS et un plus moins 2 ALU signifie que nous pourrions être dans deux unités de sonie de moins 24 LK IFS, mais ce n'est pas un problème. On peut frapper Minus 24. Rendons ça à moins 24. Notre radar a changé, donc maintenant il est hors des limites de ce dont nous avons besoin pour la diffusion. Puisque nous avons équilibré notre audio à partir de moins 16, nous pouvons simplement revenir directement dans notre limiteur dur. Nous avons le vrai pic sélectionné et nous allons définir ceci minus2 parce que nous ne voulons pas qu'il dépasse moins 20 dB TP. Et nous allons prendre notre boost d'entrée vers le bas huit points décimaux supplémentaires. Si on enlève ça dans huit autres, on devrait descendre à moins 24. Alors qu'est-ce que c'est ? C' est moins 9.4. Maintenant, c'est radar, ça. Et là, vous n'avez pas lu moins 24 wapitis AFS et rien n'est en train de dépasser minuscule 2 dNTP. Donc, pour récapituler, la mesure de la sonie est différente de la mesure des pics. Les sonomètres mesurent les pics, tandis que le radar sonore mesure les niveaux moyens. Pour le web. Vous pouvez vous en tenir à une cible de moins 16, mais assurez-vous de ne pas dépasser 0 pour la diffusion. Et référez-vous à la fiche technique de n'importe quel radiodiffuseur que vous livrez votre projet final 2. Et dans notre exemple, nous sommes restés à moins 24 ALK AFS et moins 20 dB TP. Le vrai pic est la version la plus précise de Peek. Utilisez vrai pic pour vous assurer que vous n'allez pas au-delà de la limite. Nous utilisons le limiteur dur car il limite votre audio et il vous permet également d' ajuster le gain global de sortie à l'aide de l'échelle de boosts d'entrée. Donc, si vous êtes trop chaud, vous avez refusé un peu pour atteindre cette sonie cible. Et si vous êtes trop silencieux, faites-le monter pour que vous puissiez revenir à la sonie ciblée. Si vous voyez beaucoup de variation dans votre sondness mètre or retour dans votre mix et assurez-vous que tout est correct et ne pointe pas. Et c'est dans les directives générales de mixage audio de moins de 10. Excellent travail. Nous avons terminé la partie audio de ce cours. Ensuite, nous allons parler de la correction des couleurs ou de la façon d' obtenir une luminosité et un contraste précis. 13. Régler l'éclat et le contraste: Avant d'ajouter un regard à vos séquences, il est important que nous obtenions des niveaux de luminance appropriés. Dans cette leçon, nous allons nous concentrer sur la façon d' obtenir une luminosité et un contraste précis. Pour commencer la correction des couleurs primaires, nous avons besoin de quelques outils de correction des couleurs, Lumetri Color et nos portées. Si vous n'avez pas ces panneaux ouverts, allez dans Fenêtre, Couleur Lumetri et limitez vos portées, qui se trouve juste ici. Lorsque le panneau Lumetri est ouvert, la sélection suit. L' option de tête de lecture sera activée où que votre tête de jeu se trouve, elle sélectionnera automatiquement le clip qu'elle est au-dessus de. Je ne suis pas un grand fan de ça. Alors je vais passer à la séquence. Désélectionnez la sélection Suit la tête de jeu, et là vous l'avez. Maintenant, il ne sélectionne plus automatiquement le clip. Maintenant, jetons un coup d'oeil à nos champs d'action. Donc, ici, nous avons une gamme de portée. scopes sont là pour nous aider, euh, mesurer les valeurs d'éclairage, couleur et de saturation dans notre image. Ne soyons pas trop dépassés ici. Désélectionnez simplement tous ces éléments à l'exception de la forme d'onde. Et tout ce que je fais est de cliquer avec le bouton droit sur la fenêtre Lumetri Scopes pour obtenir ce menu. Vous pouvez également cliquer sur cette petite clé pour obtenir ce menu. Assurez-vous donc que vous avez juste sélectionné la forme d'onde. Et nous allons changer le type de forme d'onde en Luma car la première étape du processus de correction des couleurs est d'obtenir des niveaux de luminance précis. Et lorsque nous sélectionnons notre forme d'onde comme luma, nous mesurons simplement la luminosité de l'image. n'y a pas de valeurs de couleur. Toutes ces petites particules blanches dans le moniteur de forme d'onde correspondent aux valeurs de luminance de notre image. Donc ce groupe est la saleté. La saleté remplit la majeure partie du cadre et c'est entre dix et 20 IRI. Alors, qu'est-ce que tu crois que c'est ? Juste ici, dans cette zone ? Eh bien, c'est cette feuille. Cette feuille est située entre 20 et 50 IRE. Et puis vous pouvez voir ce feuillage plus sombre, qui est dans cette zone ici. Et qu'est-ce que tu crois que c'est ? Dans notre main ? Et quand on la rejoue, on voit que c'est un peu comme animer ces particules pendant que la main bouge. Un moyen très simple d'identifier quelle partie de l'image correspond à la partie de la forme d'onde est d'accéder à vos contrôles d'effets. Sélectionnez un masque. Revenez à votre Lumetri Scopes, puis vous pouvez cliquer et faire glisser le masque sur l'image ne voient que des parties qui sont masquées. Donc oui, il y a notre feuille, il y a le feuillage plus sombre. Et puis il y a notre main. Il y a notre teint de peau qui va de l'autre côté. Cela va être très utile lorsque nous essayons d'obtenir tous les éléments avec notre image à la bonne luminance. Si vous êtes débutant dans la lecture des formes d'onde, passez par le reste des clips et essayez d'identifier les valeurs qui correspondent aux parties de l'image. Et puis prenez votre masque et découvrez à quel point vous étiez proche d'être incorrect. Ce que j'aime utiliser comme référence pour des niveaux de luminance précis, c'est le système Zone. Ceci a été créé par hansel Adams et Fred Archer pour déterminer l'exposition et le développement optimaux du film. C' est pour la photographie en noir et blanc, mais je l'utilise aussi comme référence pour l'exposition pour vidéo et en post-production lors de la configuration de mes curseurs d'exposition. Ainsi, le 0 à 10 sur le système de zone peut correspondre à 0 à 100 sur notre échelle IRE. Jetons un coup d'oeil à cela et faisons correspondre grossièrement au système de zone. Et bien sûr, vous avez encore l'utilisateur que j'ai arrêté le déterminé dans ces circonstances, dans ces conditions d'éclairage avec ces éléments dans le cadre ressemblent à ceci. Donc je pousse et tire des curseurs jusqu'à ce que les choses atterrissent dans les bonnes zones. Vous pouvez voir que je commence par mon contraste et que j' apporte lentement mes reflets et mes ombres dans les bonnes valeurs de luminance. Donc, la forme d'onde commence à se développer un peu et je n'essaie pas d'écraser le détail dans les ombres, je n'essaie pas non plus de découper les surlignements. Il s'agit de conserver autant d'informations que possible dans l'image. Vous pourriez être tenté de faire tomber les ombres dans la saleté parce qu'il ajoute plus de contraste et naturellement cela ajoute plus de punch. Et c'est un peu satisfaisant de voir une image à contraste élevé, mais évitez de le faire à ce stade. Essayez d'obtenir cette saleté au bon niveau, ce qui signifie que vous n'écrasez pas les ombres simplement parce que la saleté est sombre. Cela ne signifie pas qu'il doit être à 0 IRE. Ensuite, je vais jeter un masque ici, vérifier les valeurs, vérifier les tons de peau. Les tons de peau semblent un peu chauds, donc je vais les ramener un peu à la zone d'atterrissage 6. Et les points forts des tons de peau pourraient pousser peut-être dans la Zone 7. Et quand il s'agit de tons de peau dans le cadre, je priorise généralement les niveaux des tons de peau d'abord, et c'est une autre façon que je détermine le niveau de la mer, regardant les tons de peau dans le cadre. Et parfois je vais juste surveiller les niveaux des tons de peau et laisser tout le reste tomber là où un mâle autour de cela, la gamme dynamique des tons de peau dans ce plan est très large. Il va de 10 IRI jusqu'à 70 IRE. Donc, dans ce cas, et dans la plupart des cas, je regarde les reflets de la peau et ramène les niveaux à l'endroit où les faits saillants devraient être. En tant que rédacteur en chef, vous allez corriger beaucoup de différents types de teintes de peau. Et ils viennent dans un large éventail d'éclairage et différentes situations d'éclairage. Donc, souvent, j'utilise ces directives, mais je me demande aussi, est-ce que cela semble naturel compte tenu des conditions d'éclairage ? Est-ce que cela semble réaliste pour l'histoire et le monde dans lequel nous vivons ? Encore une fois, dans la phase de luminance, tout ce que nous essayons de faire est d'obtenir une luminosité et un contraste précis dans chacun de nos clichés afin qu'ils soient cohérents. Vous pouvez toujours basculer entre chaque image pour vérifier les réglages. Mais l'utilisation de la vue de comparaison est un moyen beaucoup plus facile de s'assurer que tout correspond. Pour ce faire, cochez l'onglet Roues de couleur et correspondance. Sélectionnez notre clip. Nous voulons donc faire correspondre ce clip à notre premier. Cliquez sur la vue de comparaison. Et vous aurez les deux clips l'un à côté de l'autre. Un autre moyen rapide et facile d'obtenir la vue de comparaison est d'aller dans votre éditeur de boutons ici. La vue de comparaison est cette icône ici, cliquez et faites glisser vers votre barre de boutons et vous êtes tous prêts à aller. Eh bien, j'aime particulièrement la vue de comparaison est que vous pouvez comparer des portées aussi bien. Donc, vous avez une vue très claire de, d' accord, les ombres plus audacieuses ne sont pas tout à fait alignées ici. Il est donc assez facile d'entrer et de modifier quelques choses. Et puis nos faits saillants semblent un peu plus chauds. Et ce cadre par rapport à notre cadre sur la gauche, et je préfère les reflets globaux de la peau ici que je ne le fais ici. Alors peut-être que je vais juste les faire tomber un peu. Donc, je vais prendre les faits saillants vers le bas. Je vais même réduire l'exposition juste, juste un peu. Et encore une fois, je suis juste en train de régler mes curseurs jusqu'à ce que j'obtienne un niveau général qui correspond à notre premier tir. Il semble donc que nous ayons une comparaison plus similaire des cadres. Luminance sage. C' est un cadre plus froid que ça. Les niveaux de luminance peuvent presque sembler différents dans chaque cadre. Mais une fois que vous avez ajusté votre balance des blancs, votre teinte et votre saturation dans la leçon suivante, les tirs auront l'air beaucoup plus homogène en termes de luminance. C' est pourquoi il est si important de toujours faire confiance à vos portées. Normalement, je corrige la luminance et la couleur en même temps. Si tu veux aller de l'avant et faire ça, tu peux le faire après avoir regardé la leçon suivante. Mais par tous les moyens, si vous voulez passer par chaque clip et ajuster d'abord la luminance, c'est une excellente pratique et c'est un excellent moyen de se concentrer sur un aspect de la correction des couleurs à la fois. Donc, pour récapituler, moniteur de forme d'onde utilisateur pour ajuster les valeurs de luminance à leurs niveaux précis. Utilisez un masque pour obtenir une lecture plus précise de vos niveaux de luminance. Le système de zone est une excellente référence lors du réglage des niveaux d'éclairement. Mais rappelez-vous, faites preuve de votre meilleur jugement pour ce qui est beau, ce qui semble réel, ce qui semble naturel, et n'oubliez pas les conditions d'éclairage qui changent tout. Dans certains cas, il est plus important que chaque élément soit cohérent tout au long de votre séquence. Avoir une base cohérente rendra le processus de classement des couleurs ou l'ajout d'un look beaucoup plus facile. Donc, si vous décidez que les reflets de votre peau seront à 70 IRE, assurez-vous que les reflets des tons de peau dans chaque cadre finissent par être autour de 70 IRE. Et rappelez-vous également que nous essayons simplement de conserver le plus d'informations possible. Ne tombez pas dans le piège de tirer vos ombres jusqu' à 0 et vos reflets jusqu'à 100. Sauf si bien sûr vous avez du noir pur ou du blanc pur dans le cadre. Si l'objectif est de maintenir autant de détails dans les ombres et les surlignements que possible. Passons à la prochaine leçon où nous allons corriger nos couleurs. 14. Régler la couleur: Maintenant que nous avons atteint des niveaux d'éclairage adéquats, il est temps de se concentrer sur la précision des couleurs. Obtenir une base de couleur précise nous donnera un bon endroit pour commencer lors de l'ajout de la télécommande. correction des couleurs fait également partie de notre processus de correction des couleurs primaire. Et pour cela, nous devons jeter un oeil à la portée vectorielle. Depuis la dernière leçon, nous avons utilisé le moniteur de forme d'onde. Il suffit donc de laisser la portée vectorielle, vous pouvez soit utiliser la clé, soit cliquer avec le bouton droit sur la fenêtre Lumetri et sélectionner Vector Scope YUV. Et désélectionnons une luma de forme d'onde, donc nous obtenons une vue plus grande de la portée vectorielle. La portée vectorielle nous montre différentes teintes et comment ces teintes sont saturées, les couleurs représentées par ces boîtes et lettres reliées par cette ligne de délimitation ici. Plus les particules sont éloignées du centre de la portée vectorielle, plus les couleurs sont saturées, plus elles sont proches du centre, moins elles sont saturées là-bas. Donc, si j'ajuste mon curseur de saturation, vous pouvez voir et ramener la saturation en noir et blanc. n'y a pas de couleur enregistrée sur notre portée vectorielle. Nous avons monté cette saturation. Ces particules s'éloignent plus du centre. ligne de délimitation représente la diffusion sûre pour la vidéo SD, qui est 75 % de saturation des couleurs. Maintenant que nous travaillons en HD, nous pouvons aller au-delà de cette ligne et ces boîtes à l'extérieur représentant 100% de saturation pour garder vos niveaux de saturation légaux, vous ne voulez pas aller au-delà de ces boîtes extérieures, mais pour le web il ne Pas vraiment d'importance. Mais encore une fois, pour le web, vous ne voudrez pas aller au-delà de ces couleurs de toute façon, parce que vous ne gagnez rien en allant au-delà 100% de saturation des couleurs lors de l'ajustement pour une couleur précise dans un plan. La première chose que je vais faire est d'ajuster la balance des blancs. Le processus d'ajustement blanc équilibré élimine les couleurs irréalistes et notre image. Donc, tout ce qui est censé être blanc pur apparaîtra blanc lorsqu'il est vu sous le moniteur de l'ordinateur. Il y a donc plusieurs façons d'obtenir une balance précise des blancs, carton blanc carburant ou une carte grise à 18 pour cent. Vous pouvez simplement saisir votre sélecteur de balance des blancs. Cliquez et voilà, vous avez votre balance des blancs. Ou si vous voulez le faire manuellement, vous pouvez sélectionner un masque. Assurez-vous que juste la partie blanche est affichée. Accédez à votre portée vectorielle. Et vous pouvez voir ici que ce blanc est en fait légèrement penché vers le jaune et le rouge. Donc, si nous ajoutons un peu plus de bleu là-dedans, nous allons le faire descendre un peu, puis peut-être un peu trop de vert là-dedans, que trop de bleu jusqu'à ce que vous l'ajustiez comme ça. Donc maintenant vous pouvez voir ici que nous avons moins de saturation sur notre carton blanc, qui est censé être blanc, qui n'a aucune valeur de couleur à elle. Par conséquent, il doit être au centre de la portée vectorielle avant, après. Vous n'avez pas nécessairement besoin d'une carte blanche non plus. Si vous n'aviez pas de carte blanche, réinitialisons ça. Vous pouvez sélectionner quelque chose dans le cadre qui est blanc. Nous pouvons même cliquer sur le planificateur blanc là-bas, mais il se penche un peu plus fortement vers le bleu. Utilisez donc cette technique avec prudence. Si vous n'avez pas de carte de balance des blancs ou tout ce qui est blanc dans le cadre à titre de référence. Ne vous inquiétez pas, vous pouvez également regarder les tons de la peau. Donc on va juste masquer les teintes de la peau. Nous allons obtenir certains de ces faits saillants ici aussi. On va retourner à notre portée. Maintenant, notre balance des blancs est assez précise. Et la façon dont vous pouvez le dire est par cette ligne ici, ça s'appelle la ligne de teint de la peau. Tant que vos tons de peau ici, que nous avons masqués, se déplacent vers le haut sur cette ligne. Vous obtenez des tons de peau précis. Peu importe le type de teint avec lequel vous avez affaire. Tous les tons de peau précis atterriront sur cette ligne. Il y a un peu plus de tons de peau penchés vers le vert et le jaune. Pour que nous puissions ajuster notre teinte vers le magenta un peu plus. Et ça semble même un peu chaud. Peut-être trop de saturation si tu aimes ça, c'est bon. Mais si nous essayons d'obtenir une base plus précise, nous pourrions juste réduire ça un peu, juste un peu. Voyons où ça nous mène. Alors voyons un avant et après. Il fait donc un peu chaud, un peu jaune, on peut voir un peu de vert jaune. On allume cette chose et maintenant on obtient un peu plus de magenta et de bleu. Peut-être que tu n'aimes pas beaucoup ça, alors on trouve quelque chose entre les deux. Et là, vous l'avez. Nous avons une balance des blancs plus précise que l'utilisation de cette peau tonifie dans le cadre. Jetons un coup d'oeil à un cadre dans notre projet. Je vais ajouter un nouvel effet de couleur Lumetri juste pour que je puisse le démontrer un peu mieux. Nous avons déjà terminé nos réglages de luminance. Je vais donc ajouter un nouvel effet de couleur Lumetri et ajuster la couleur. Pour que nous puissions voir avant et après. Masque. Et une chose à noter, vous n'avez pas besoin de masquer tout parfaitement comme ça. Comme toute la main parfaitement. Tu n'as pas besoin de faire ça. suffit de jeter un masque là-dessus et assurez-vous que vous attrapez une large gamme de teintes de peau n'a pas besoin d'être parfait. Donc vous pouvez voir qu'on se penche un peu vers le jaune. Donc on va juste prendre cette tente vers le magenta. La chaleur de la scène semble un peu terne. Donc, cela pourrait prendre ça juste un peu et passer à travers une ligne juste un peu plus. On y va. Désélectionnons ceci et jetons un coup d'oeil. Donc parce que cette photo a été filmée sur le même objectif et a une configuration similaire à celle de cette photo. Et j'ai des tons de peau dans cette photo. Et j'ai pu corriger la balance des blancs. Je peux cliquer avec le bouton droit sur copier, puis cliquer avec le bouton droit sur ce clip et coller les attributs Sélectionnez la couleur Lumetri. Maintenant, nous avons un cadre qui a déjà l'air très bien parce que nous prenons toutes les informations de ce plan et l'appliquons à celui-ci. Soyez prudent car si les photos ont balance des blancs différente ou des films sur différents appareils photo et objectifs, vous allez vraiment vouloir composer chacun de ces clichés individuellement. Un autre outil extrêmement utile pour ajuster la balance des blancs est d'utiliser le RGB Parade. Le défilé RVB montre le canal rouge, le canal vert et le canal bleu dans notre image. Et vous pouvez voir tout de suite ici, regardant cette image, nous avons un peu plus rouge dans l'ensemble et le canal bleu est un peu tonifié vers le bas. Donc, cela montre que c'est un peu plus une image chaude. Et ce qui est génial à propos de la RGB Parade, c'est que nous pouvons voir tout de suite si les choses sont un peu égales par rapport aux couleurs. Donc, si nous avons tourné de cette façon pour réchauffer la mauvaise balance des blancs, si ce n'est pas déjà évident, nous pouvons voir que c'est une image chaude, mais en regardant le RGB Parade, vous pouvez voir tout de suite que c'est plus chaud image. Et si nous avons tourné trop froid, vous pouvez voir qu'il y a plus de bleu dans l'image, puis il y a du rouge et du vert. Juste en regardant le défilé RGB. Réinitialisons ça. Nous pouvons utiliser le RGB Parade pour équilibrer cette image. Et comme nous avons un vérificateur de couleur dans ce cadre, nous pouvons simplement jeter un masque au-dessus du vérificateur de couleur. Retournez à nos Lumetri Scopes. Et vous pouvez voir tout de suite les ombres, les tons moyens et les reflets qui correspondent à notre vérificateur de couleurs. Si nous regardons simplement la couleur, nous pouvons ajuster les couleurs en conséquence en utilisant les ombres, tons moyens et les reflets. Alors voyons ici. Essayons d'ajuster et d'obtenir plus de bleu. Ça a l'air plutôt bien. Mais vous pouvez voir dans ce cas, ajuster la température et la teinte ne suffit pas pour obtenir cet équilibre dans nos ombres, tons moyens et reflets. Vous devez donc aller dans les courbes ou les roues de couleur pour obtenir une image plus équilibrée. On a juste un peu trop de bleu dans le point culminant ici, donc on va juste l'enlever un peu. On y va. Bien sûr. Essayons de faire correspondre les ombres un peu plus. On a un peu plus de rouge dans l'ombre. Alors cliquez sur le canal rouge, abaissez juste un peu. Donc maintenant, nous avons notre rouge, vert, bleu là-bas, même dans l'ombre, obtenir plus uniforme dans les tons moyens et plus uniforme dans les moments forts. Maintenant, regardons à quoi ça ressemble quand on enlève notre masque. Donc nous avons notre avant et après. Donc, c'est un peu plus équilibré dans l'ensemble. Ce n'est peut-être pas le cas, mais nous pouvons continuer à nous ajuster à partir de là. Donc, après avoir obtenu une correction générale de la balance des blancs, vous pouvez vous arrêter là ou vous pouvez aller dans votre RGB Parade. Et plus spécifiquement composer la couleur dans les ombres, les tons moyens et les reflets. On peut voir en ouvrant le RGB Parade, le rouge dans l'ombre est un peu plus élevé que le bleu et le vert. Et en fait, si vous le regardez, il y a un peu de rouge dans l'ombre. Et je suis presque sûr que c'est arrivé parce que je masque trop d' ombres dans mes tons de peau et il y a beaucoup de saleté sur mes mains. Ainsi, la portée vectorielle affichait plus de tons dans la saleté, ce qui donnait plus de rouge dans l'ombre. Mais nous pouvons aller à nos courbes, cliquer sur le rouge et descendre nos ombres un peu. Et puis cela nous donne une image plus équilibrée dans nos ombres, en cliquant avant et après vous pouvez certainement voir cette distribution rouge. Avant que nous ayons fait cet ajustement. Nous avons sorti ce chassage de nos ombres avec l'aide du RVB, prié pour la correction secondaire des couleurs. Nous avons affaire à des sélections de couleurs individuelles. C' est là que nous pouvons faire quelques ajustements. Je me sens plutôt bien à ce sujet. Mais j'ai remarqué que le feuillage dans notre cadre me semble presque un peu jaune. Donc si on regarde notre portée, je veux dire, c'est super subtil, ok ? Je suis vraiment pointilleux ici, mais si on voulait que ça paraisse un peu plus vert. On peut le faire. Donc, pour corriger les couleurs individuelles, je peux aller dans mes courbes de saturation de teinte, utiliser la correction de couleur Teinte vs Teinte et vous permet changer n'importe quelle couleur sur le spectre à n'importe quelle autre couleur que vous voulez. Donc je vais sélectionner cette pipette ici. Cliquez sur la feuille. Ce sont notre ancre est juste ici. Et lorsque vous cliquez et faites glisser le point central, vous pouvez voir que les couleurs changent. Nous pourrions juste manger vers cette couleur devenant un peu plus verte. Et je peux voir, vous pouvez voir que ça se penche un peu plus comme ça. Donc je pourrais ouvrir ces ancres en forme. Donc je capture plus du spectre de ces couleurs dans la feuille. Donc c'est un bleu différent. Maintenant, nous allons un peu plus près du vert. C' est très nitpicky, ok, tu n'as pas à faire ça. Certaines caméras ont des biais de couleurs différentes et les fixent. Vous voulez aller dans votre correction de couleur secondaire pour cela. Donc on a quelque chose d'un peu plus proche du vert. Jetons un coup d'oeil à ça. Donc, le cadre global, si je le désélectionne, feuilles semblent un peu plus vertes, presque soufflé même. Reprends ça un peu, juste un cran et jetons un autre coup d'oeil. Oui. Ouais, c'est génial. C' est pourquoi avoir un vérificateur de couleur et un cadre peut également être bénéfique. Parce que dans ce profil particulier sur lequel j'ai filmé cela, vous pouvez voir que la couleur verte est aussi un peu jaune. Vous pouvez voir ici sur la lunette, et il va entre le jaune et le vert. Il ne vise pas complètement le vert. Donc, si je voulais ajuster ça, je pourrais à nouveau utiliser le Hue vs Hue. Sélectionnez la pipette. Cliquez sur la couleur, puis cliquez et faites glisser jusqu'à ce que je me rapproche de cette couleur verte. Quand il désélectionne que vous pouvez vraiment me voir avant qu'il ne semble vert. Mais quand il a corrigé c'est comme, oh, en fait, c'est comme ça que ça me semble plus proche du vert maintenant qu'avant. Donc c'est très subtil, mais vous pouvez voir la différence. La correction de couleur secondaire est un excellent moyen de vraiment composer ces couleurs encore plus. Donc, pour résumer, c'est génial si vous avez une carte de balance des blancs, vous pouvez utiliser le sélecteur de balance des blancs, mais je suggère même de masquer la zone blanche et d'ajuster manuellement votre température et votre teinte. Et aussi la portée vectorielle de l'utilisateur pour ajuster vos tons de peau et s'assurer qu'ils atterrissent sur cette ligne de teint de peau. Ouvrez cette Parade RGB pour avoir une idée générale de l'équilibre de votre image. L' utilisation du RVB Parade est un excellent moyen de résoudre les problèmes de couleur au sein de votre image. Utilisez la fonction Copier coller les attributs pour accélérer votre flux de travail. Et enfin, si vous remarquez quelque chose d'étrange avec des couleurs individuelles, vous pouvez utiliser une correction de teinte vs teinte courbes pour composer ces couleurs à quelque chose de plus qui soit à votre goût ou plus précis. Prenez le temps de corriger vos couleurs. Lancez votre séquence et assurez-vous qu'ils sont cohérents dans tout. Dans la leçon suivante, nous discuterons des attributs d'un look. 15. Attributs d'un look: La qualité de couleur de votre édition peut ajouter au ton de votre projet et servir de moyen pratique pour créer de la profondeur dans votre image. Le processus de correction des couleurs est axé sur la précision de la luminance, du contraste et de la couleur. Alors que dans le classement des couleurs, il s'agit de créer un look global de nos séquences qui pourrait susciter une réaction émotionnelle. Lors de la création d'un look, nous modifions et images contraste lumineux, couleur et texture. Avertissement rapide, on touche juste la surface ici. Je ne suis pas un coloriste pro. Les bâtons, beaucoup de pratique et d'habileté et il y a une tonne de façons dont la couleur peut influencer le public que je suis encore en train d'apprendre. Mais cela étant dit, c'est ainsi que je vais déterminer comment donner un coup d'oeil à mes images. Est-ce que vous voyez appel pour un look lumineux et gai, ou sombre et de mauvaise humeur. Ozark. Est-il parfait exemple de prendre la luminance vers le bas pour s'adapter au ton sombre du spectacle. Alors que dans beaucoup de comédies, la bosse, la luminance et la saturation pour s'adapter au ton plus clair du genre. Un look à faible contraste. Dix, offrent une sensation plus unifiée, subtile, même authentique et plus naturelle tout en préservant les détails dans les reflets et les ombres. Un look à contraste élevé peut ajouter un coup de poing à votre image, dessiner l'œil et créer plus de séparation entre les reflets et les ombres. Il peut également être amené à des extrêmes en écrasant les détails dans les ombres ou en découpant les reflets. Maintenant encore une fois, dans les leçons de correction des couleurs, j'ai dit maintenir les détails, maintenir en détail, ne pas écraser les ombres ou les reflets de clip. Eh bien, maintenant nous sommes dans le processus de classement des couleurs où les règles peuvent être enfreintes. Vous pouvez écraser les ombres ou les surlignements de clip. Assurez-vous que cela fonctionne avec votre histoire. Les ombres écrasantes dans la scène de Kill Bill Volume 2 ajoutent vraiment au grain et à la violence. Il y a beaucoup de science et de pensée derrière lesquelles les couleurs suscitent le type d' émotions que toutes sont utilisées pour communiquer différentes choses à un public. Ajouter des teintes bleues peut créer une sensation de mauvaise humeur et de tristesse. plus chauds. Un sentiment plus optimiste et optimiste. Du film Rey règne, sa femme Della se marie. Les couleurs s'orientent davantage vers des tons plus chauds à mesure que le temps passe et nous nous estompons à la scène suivante. Vous pouvez voir que les couleurs D saturent se pencher plus vers les teintes bleues. Même dans le RGB Parade, vous pouvez voir le changement. Et aussi le contraste global diminue toujours aussi légèrement. 16. Travailler avec une équipe: En tant qu'éditeur, il y a tellement de choses à couvrir sur le plan technique qu'il est facile de négliger les compétences techniques nécessaires lorsque vous travaillez au sein d'une équipe. Qu' est-ce que le renforcement de ces compétences vous aidera à rester en tête, devenir un meilleur collaborateur et, en fin de compte, à produire un meilleur montage. Après avoir travaillé sur un projet pendant des jours sans fin, vous envoyez enfin une édition pour examen, ou vous pensez que c'est parfait, rien ne devrait changer. C' est facile d'entrer dans cet état d'esprit. Mais lorsque vous envoyez une modification initiale, faites de votre mieux pour vous détacher de certains résultats positifs. En fait, ce serait bien. Attendez-vous à des révisions, peu importe à quel point vous pensez que la modification est bonne. Lorsque vous recevez n'importe quel type de critique ou de rétroaction, prenez votre temps de l'absorber. Votre réaction initiale pourrait être de le rejeter et de dire qu'ils ne savent pas de quoi ils parlent ou peut-être que vous le prendrez personnellement. Et la vérité, c'est qu'ils n'ont peut-être pas raison. La rétroaction pourrait aggraver le projet. Mais souvent d'après ma propre expérience quand j'ai pensé comme ça et que j'ai été peut-être un peu défensif. Et puis après avoir réfléchi sur la critique, j'ai pu voir au-delà de la réaction initiale que j'ai eue et prendre la partie constructive de cette rétroaction et améliorer encore l'édition. Tu sais quoi ? Je n'aime pas vraiment cette suggestion de révision et je pense que c'est génial, mais je dirais gardez-la pour vous-même, créez une autre version, envoyez-leur deux versions. Une version avec une suggestion de révisions qu'ils ont fourni, puis une version supplémentaire avec vos propres idées qui pourraient améliorer les révisions suggérées. Ils pourraient décider que Hey, vous ajoutez des travaux mieux. Ou ils pourraient dire, Hey, j'aime ce que tu as fait là-bas. Peut-être que vous pouvez apporter ces idées dans l'édition originale. Pensez à vous comme un résolveur de problèmes. Cela m'aide à me séparer de prendre des révisions personnellement en tant qu'éditeur qui a pris ces décisions au résolveur de problèmes, qui arrive à résoudre tous les problèmes dans l'édition. Cela me permet d'utiliser mes pouvoirs créatifs de résolution de problèmes pour rencontrer un projet. Ok, tu le regardes depuis des mois pendant que quelqu'un l' examine pour la première fois a des yeux frais. C' est un cadeau. Ils peuvent voir l'édition et avoir leurs propres réactions émotionnelles initiales à votre édition. Remerciez-les pour cela, puis travaillez à des solutions. Rappelez-vous, l'histoire et son but est plus grand que vous et votre édition. Plus vous visez, plus grand bien de l'édition, plus de gens avec qui vous avez travaillé pour 1D ceci et visez pour cela aussi. C' est un cliché, mais retirer votre ego de la solution encourage les autres à faire la même chose à partir de ce point de vue, encourage tout le monde à se détacher de prendre le crédit d'une partie particulière et à se concentrer sur le travail en tant que pour se concentrer sur l'obtention des meilleurs résultats possibles. Cela prend des années de pratique, et c'est pourquoi il est également important de travailler sur vous-même. Ne lisez pas seulement des livres sur le montage et la réalisation de films. Lisez des livres sur l'amélioration de vous-même. Lisez des livres sur la façon de mieux écouter, comment prendre des commentaires, comment vous améliorer et les compétences de communication. Je suis dans les couloirs de ce niveau, mais avec l'expérience, j'ai appris à devenir un meilleur et plus rapide résolveur de problèmes. Cela a aidé les gens à gagner plus de confiance en moi et dans le travail que je fais. Et vraiment, c'est juste ce cycle pour continuer à offrir des solutions et tous les autres problèmes qui surgissent, il suffit d'y aller à nouveau avec une attitude positive de résolution de problèmes. Et la prochaine fois que vous recevrez des commentaires sur les modifications apportées, suivez certains de ces conseils et essayez-les. La prochaine leçon est l'heure de la fin de la gestion de projet. 17. Fin de la gestion de projet: Maintenant que vous avez terminé votre mise à jour, il est temps de mettre fin à la gestion de projet. Cela inclut l'exploitation de différentes versions de votre mise à jour pour la livraison et le stockage et suivre ce processus de gestion de projet vous évitera des maux de tête futurs. Parlons de quel type d'exportations de fichiers nous avons besoin de quatre situations différentes. Le premier type d'exportation que vous voulez faire est une version pleine résolution de votre vidéo. À partir de là, vous pouvez utiliser ce fichier maître pour exporter plusieurs codecs pour charger deux plates-formes différentes. Dans la plupart des cas, un temps rapide pour deux à type de fichier HQ sera très bien. Pour 22 est pour la vidéo tendue et est le plus commun. Si vous modifiez un métrage brut qui a été tourné sur un appareil photo avec le codec ProRes 4, 4, 4, 4. Choisissez ensuite ProRes 444 car il est conçu pour la vidéo 12 bits. Donc, si vous exportez plusieurs versions, utilisez ce fichier maître pour exporter ces versions à partir de. Si vous exportez uniquement une autre version pour le Web, vous pouvez simplement exporter directement à partir de votre séquence. Mais il est toujours bon d'avoir ce fichier maître parce que vous ne savez jamais à l'avenir que vous pourriez besoin d'un type de fichier différent ou que vous pourriez avoir besoin d'un clip de celui ajouté pour l'utiliser dans une bande-annonce ou une pièce promotionnelle, ou vous devrez peut-être créer une nouvelle mise à jour. Donc, j'irais jusqu'à dire exporter un master sans aucun de vos effets de classement à des fins d'archivage et de futures modifications. Et puis aussi exporter et un autre fichier maître sans graphiques ou tiers inférieurs, juste au cas où vous avez besoin de flexibilité pour des projets supplémentaires. Le type le plus commun de Kodak pour le web est H.264. Dans beaucoup de cas, vous téléchargez sur le Web afin que d'autres puissent vous donner des notes ou vous le faites pour la livraison finale. Cliquez sur H.264 et vous verrez qu'il y a une variété de préréglages que vous pouvez utiliser, tels que YouTube, Vimeo, et mon préféré, qui est de haute qualité. La seule chose que j'ai fait juste dans ces paramètres est d'exporter comme un débit binaire variable à passer avec un débit binaire cible de 20 et un débit binaire maximal de 24. L' exportation avec ces paramètres augmente le temps d'exportation. Donc, si vous avez un projet plus long et que vous voulez les exporter est plus rapide, vous pouvez utiliser CBR. Le seul inconvénient de l'utilisation du CBR est qu'il est moins efficace et optimise la taille par rapport à la qualité. Ainsi, la taille globale du fichier sera plus grande tandis que la qualité restera constante au débit binaire que vous choisissez. Alors que si vous choisissez le débit binaire variable lors de la première passe, votre ordinateur effectuera des calculs pour déterminer le débit binaire idéal. Et lors de la deuxième passe, nous ajusterons le débit binaire en fonction de la quantité d'informations l'ordinateur a besoin pour traiter sur une image donnée. Dans ce plan, nous avons juste le premier plan des feuilles qui se déplacent. Ainsi, un débit binaire variable s'ajustera en fonction quantité d'informations à traiter d'une image à l'autre. Cela nous donne une taille de fichier plus petite, une taille de fichier plus efficace, mais cela prend plus de temps. Sur les petits projets. Vous ne remarquerez pas ça autant. Mais avec les grands projets, projets plus complexes, les temps d'exportation peuvent faire une différence. Vous ne vous souciez pas de la taille du fichier va être utilisé. Débit binaire constant, il est plus rapide, mais avec des tailles de fichiers plus grandes car il ne prend pas en compte où il peut économiser de l'espace. Si vous voulez un moyen d'encodage plus efficace, utilisez le débit binaire variable avec pour passer la sélection. Cela prendra plus de temps pour exporter avec un débit binaire plus élevé. Vous aurez donc des tailles de fichiers plus grandes avec des rendements plus faibles sur la qualité. Mais si vous constatez que votre image se brise dans certains cadres ou que certains détails se perdent, augmentez votre débit binaire si nécessaire pour une image plus nette. Il peut y avoir des cas où vous exportez pour différents diffuseurs et dans ce cas, suivez simplement la fiche technique à condition que ce soit aussi simple que plug and play. Le dernier type d'exportation serait donc pour les tiges. Les tiges sont des sous-mélanges distincts de notre mix principal, qui comprennent la musique, les effets sonores et le dialogue. Vous pouvez exporter chaque piste audio individuellement ou les regrouper en fonction de la catégorie, solant chaque piste puis en exportant un fichier WAV. Ce processus d'exportation de tiges est totalement correct, surtout si vous préférez avoir des fichiers audio individuels. Assurez-vous simplement que vous exportez en tant que fichier WAV car il s'agit d'un format audio non compressé. Une autre façon de le faire d'une manière plus efficace serait d'exporter vos tiges avec votre fichier maître. Maintenant, nous avons notre vidéo finale prête pour l'exportation. Avant de faire quoi que ce soit, nettoyons les pistes audio et vidéo supplémentaires dont nous n'avons pas besoin. Donc faites un clic droit sur les pistes, supprimez les pistes. Vérifiez la suppression des pistes vidéo. Vérifiez la suppression des pistes audio. Toutes les pistes vides sélectionnées. En cliquant sur OK, nous supprimerons toutes les pistes audio et vidéo inutilisées. Ok, donc nous voulons exporter notre fichier maître, qui est un fichier QuickTime 42 HQ. Si nous exportons à partir de la séquence, nous n'obtenons que deux canaux audio, ce qui ne nous permet pas de divvy up ou audio dans les tiges. Nous ne pouvons pas personnaliser notre séquence actuelle pour l'exporter en tant que maître multicanal. Donc, pour ce faire, nous devons créer une nouvelle séquence qui inclut un certain nombre de canaux afin que nous puissions exporter des tiges avec notre fichier maître. Si c'est déroutant, ne vous inquiétez pas, cela aura beaucoup plus de sens une fois que vous aurez terminé cette leçon. Cliquez donc sur la note, créez une nouvelle séquence. Et nous allons utiliser le préréglage numérique SLR 10 ADP car il correspond aux paramètres actuels que nous avons. Vous pouvez également utiliser le préréglage aéré 10 ADP, comment cela fonctionne. Faites même la lecture 10 séquence ADP fonctionne aussi. Si vous modifiez en 1280 par 720, assurez-vous simplement d'aller à vos paramètres, modifiez la taille de l'image en conséquence. Nous allons renommer notre séquence en quelque chose qui contient le mot master afin que vous sachiez que c'est votre fichier maître et qu'il inclut les tiges. Alors je vais nommer le mien HD, le maître jardinier. Et nommez-le quelque chose qui fonctionne pour vous. Alors que dans cinq ans, vous allez savoir exactement ce que c'est et ce que cela signifie pour 42 HQ. Je peux même nommer acuity pour QuickTime. Donc maintenant, je sais ce qu'est le fichier maître et quel codec il sera exporté comme. Alors, allons dans notre onglet Tracks. C' est là que nous pouvons changer notre sortie principale de stéréo, ce qui nous permet seulement de canaux audio à une exportation multicanal. Nous pouvons donc exporter 32 canaux audio si nous le voulons. Ainsi, lorsque vous importez le fichier maître exporté, vous disposez de 32 canaux audio disponibles. Donc, la façon dont nous déterminons le nombre de canaux dont nous avons besoin est la façon dont nous voulons regrouper nos tiges. Vous pouvez regrouper les tiges de la manière que vous préférez. Vous pouvez exporter les huit pistes audio si vous le souhaitez en tant que tiges individuelles. Je pense que c'est un peu exagéré, mais dans certains cas, vous pourriez vouloir le faire. Vous pouvez également les exporter regroupés en voix off, effets sonores et musique. Mais dans mon cas, je veux les exporter sous forme de voix off, effets sonores Foley, d'effets cinématographiques, effets sonores, d'effets sonores ambiants et de musique. C' est cinq groupements distincts, cinq tiges audio distinctes. Donc pour ce faire, nous avons besoin de dix canaux audio parce que nous avons cinq groupes différents et ils sont tous stéréo. C' est un total de 10 canaux parce que chaque piste audio a un canal gauche et un canal droit à elle. Si vous nommez déjà les canaux, vous pouvez simplement cliquer sur charger à partir de la séquence, trouver la séquence à partir de laquelle vous voulez charger vos pistes. Et il ajoutera automatiquement les noms des pistes. Vous pouvez également utiliser le bouton plus pour ajouter des pistes. Et c'est très bien aussi. Comme je n'ai pas nommé mes pistes audio dans l'édition, je vais renommer ces pistes en ce qu'elles représentent sur ma chronologie. Nous voulons passer de la sortie stéréo à la sortie multicanal. Nous avons donc la possibilité de déterminer quelle piste de chacun de ces groupements sera sur lors de l'exportation de notre fichier maître. Et rappelez-vous, parce que ce sont des paires stéréo, nous voulons avoir 10 canaux, cinq groupements stéréo appariés équivaut à 10 canaux. Si vous cliquez sur Attributions de sortie, vous pouvez voir ici que nous affectons chaque regroupement à leur piste correspondante. Donc, une voix off sur les pistes 12. Donc, c'est exact. Nous affecterons nos effets sonores à 34. Donc, nous allons passer par chacun, en l'assignant à 34. Et puis nos effets sonores d'impact cinématographique attribueront deux pistes. 56 sont ambiance sera attribué à 78, et la musique sera assignée à 9 et 10. 1 et 2, voix sur 34, effets sonores Foley, 5 et 6, impacts cinématographiques. 7, 8, ambiance, 9 et 10 musique. C' est donc cinq flux audio distincts. Nous pouvons également modifier notre vidéo en fonction de la quantité de pistes dont nous avons besoin. Donc parce qu'on a six morceaux de vidéo ici, on peut changer ça en six coups, ok ? Et il crée une nouvelle séquence avec tout leur audio joliment nommé ici. Six pistes vidéo. Accédez à votre dernier verrouillé pour modifier, sélectionnez tout copier, puis collez-le dans votre nouvelle séquence. Maintenant, cette séquence nous permet d'exporter plusieurs canaux parce que nous l'avons modifiée. Donc maintenant vous pouvez voir ici que c'est 10 canaux audio. Et dans notre séquence précédente, ce n'est que de la stéréo. Et pour une raison quelconque, vous ne pouvez pas modifier la configuration du canal après avoir déjà créé la séquence. C' est pourquoi nous créons cette nouvelle séquence. Contrôle M ou Commande M pour l'exportation. Sélectionnez le format QuickTime. Pour notre fichier maître 422 HQ. Cliquez sur l'onglet Audio et changez la taille de l'échantillon de 16 à 24 parce que la voix off, les effets sonores et la musique que nous sommes tous enregistrés en audio 24 bits ou plus. Et c'est une spécification recommandée pour la plupart des radiodiffuseurs. Et ici, dans la configuration des canaux audio, si nous n'avions pas la séquence multicanal, nous n'aurions pas la possibilité d'ajouter plus de flux audio. Maintenant que nous avons 10 canaux, nous pouvons ajouter cinq flux audio stéréo. Changez toutes ces sorties audio en stéréo. Et rappelez-vous, chacun de ces regroupements se rapporte à ce que nous avons configuré nos canaux pour être. Donc, cela nous donnera cinq pistes stéréo appariées sur Export. Si vous êtes toujours confus, ne vous inquiétez pas, je vais vous montrer à quoi ça va ressembler après avoir réimporté notre maître final. J' ai déjà créé un dossier d'exportation principal pour contenir nos exportations principales. Va l'importer à nouveau dans notre projet. Je peux te montrer à quoi ça ressemble. Lorsque nous cliquons et faisons glisser ce fichier maître vers notre séquence. Regarde ça. Vous pouvez voir cinq pistes audio individuelles avec 10 canaux à gauche et à droite. Quiconque prend en charge l'aspect promotionnel du projet, peut-on dire, préfère une musique différente. Vous pouvez juste sortir ça chaque jour par le poing de salle que vous lisez, ou ils peuvent dire, Hey, ces impacts cinématographiques ne correspondent pas vraiment au ton de cette pièce promotionnelle qui est peut-être trop dramatique. Donc nous prendrons Mount ne juge pas, chaque jour près du poisson du hall pour vous. Ou peut-être qu'ils pourraient dire, Hey, je veux mélanger cet audio d'une manière différente. Alors, allons-y et modifions ce son. Ajoutons de nouveaux filtres à cela. C' est aussi pourquoi il est important de sélectionner l'audio 24 bits car il est beaucoup plus flexible lors de l'édition que de l'audio 16 bits. J' espère donc que vous pouvez voir l'avantage d'exporter un fichier maître avec plusieurs tiges. Donc, pour récapituler, exportez d'abord votre fichier maître, et si nécessaire, l'exportation était également des tiges. Vous pouvez utiliser ce fichier maître pour exporter des versions supplémentaires de votre mise à jour vers d'autres plates-formes de votre choix, en fonction de la complexité de votre projet, personnes avec lesquelles vous travaillez, le volume des exportations peut varier. Vous pouvez disposer d'un fichier maître avec des tiges, d'une version non classée à des fins d'archivage et de modifications ultérieures. Et vous pourriez même avoir une exportation sans aucun graphique inclus dans votre fichier maître que vous pourriez explorer dans H.264 pour YouTube, Vimeo, Facebook, instagram, etc. Encore une fois, c'est pourquoi il est si important d'être organisé car vous pouvez vous retrouver avec 20 versions différentes de votre édition, 20 formats de fichiers différents. Et ça peut devenir un peu fou. Allez-y, exportez et téléchargez votre projet pour examen afin que vous puissiez recevoir des commentaires. Et si tu ne l'as pas fini, c'est tout à fait bien. Vous pouvez télécharger des travaux en cours. Ou si vous ne pouvez pas le télécharger pour quelque raison que ce soit, expliquez en quelques phrases comment ce cours a eu un impact sur votre processus. J' ai adoré entendre ça. Dans la leçon suivante, nous allons passer en revue le résumé final. 18. Récap final: Oui, super boulot de passer toutes les leçons et d'aller aussi loin. J' espère que vous êtes inspiré à prendre tout ce que vous avez appris et appliqué à vos propres projets. Ok, maintenant c'est l'heure du résumé final. Un bref créatif guide le montage et aide l'équipe à rester sur la même page de manière créative, le but de votre édition et le ton dans lequel vous racontez votre histoire sont de la plus haute importance. Assurez-vous d'organiser vos fichiers, faites-le comme vous préférez. Si vous avez déjà un système qui est génial. Sinon, moins il y a de clics, mieux c'est. Utilisez des nombres pour créer une hiérarchie dans votre structure de dossiers et ajoutez les dates que vos fichiers de projet, vos exportations et vos séquences de projet pour organisation supplémentaire ou le choix des éléments peut être déterminé par vos histoires, but, ton prévu, et c'est l'ordre chronologique. Utilisez ces critères pour qualifier vos clips. Qualité, performance, profondeur et mouvement. Commencez votre montage avec l'élément qui raconte le plus clairement votre histoire est que les séquences, est-ce l'audio de vos interviews ? Peut-être que c'est la musique tout au long du processus. L' expérimentation est un must. Accrocher seulement sur un clip aussi longtemps que nécessaire. Utilisez le mouvement et j'ai tracé pour garder votre édition coule d'un coup à l'autre. Et n'oubliez pas d'utiliser la continuité de l'édition pour contribuer à votre édition. Visez à soutenir le but de votre histoire avec chaque choix d'édition que vous faites. À mon avis, c'est la partie la plus importante et la plus amusante de l'édition et de la narration. Utilisez ces critères pour sélectionner la musique, la variation et les instruments, le rythme, tonalité, l'intensité et les effets. Tous ces critères n'ont pas besoin d'être présents, mais s'assure que la tonalité globale de la musique prend en charge votre montage. Un superbe paysage sonore attire votre public dans l'histoire, vise un dialogue clair et crée un son complet grâce à la sélection d'effets sonores et à la manipulation de fréquence. N' oubliez pas également d'utiliser votre Radar Loudness pour détecter tout problème et trouver ce spot sonore, la luminosité du correcteur, le contraste et la couleur à l'aide de vos étendues de couleur. N' oubliez pas de viser la précision dans le processus de correction des couleurs, puis ajoutez un look qui profite à votre histoire. Par la suite, travailler avec une équipe vous aidera à améliorer votre édition. Acceptez la critique avec grâce. Rappelez-vous, les commentaires sont un cadeau. Gardez également à l'esprit que la gestion des critiques et des commentaires prend de la pratique. Lorsque vous avez votre dernière édition marchée, exportez, un maître de haute qualité avec des tiges pour la livraison finale. Cela sera également utilisé lors de l'exportation de formats et de codecs supplémentaires. En plus de cela, exportez un masque sans effets pour les graphiques à utiliser lors de la réédition et à des fins d'archivage. Maintenant, il est temps de télécharger votre projet terminé. Si vous n'avez pas terminé votre projet, c'est bon. Vous pouvez télécharger un travail en cours. Si, pour une raison quelconque, vous ne pouvez pas télécharger votre projet, c'est bien aussi. Vous pouvez également écrire quelques phrases expliquant comment vous avez appliqué ce que vous avez appris à votre propre processus. Comment votre processus a-t-il changé ? Comment a-t-il évolué ? Je suis excité de l'entendre. S' il vous plaît laisser un commentaire et recommander ce cours à un ami ou à une personne que vous connaissez peut-être de mon avantage. Aussi, veuillez suivre mon profil si vous voulez voir plus de cours à l'avenir. Si vous voulez en savoir plus, j'ai plus de cours sur le montage vidéo et la réalisation cinématographique. Merci encore d'avoir suivi mon cours sur le processus de montage vidéo. Rappelez-vous, l'histoire est votre guide. Je te verrai un échantillon.