Maîtriser l'art botanique : peindre des pensées aquarelles réalistes étape par étape

1. Introduction: Bonjour et bienvenue sur ma chaîne. Je suis tellement excité de peindre avec vous aujourd'hui parce que les pensées sont l'un de mes sujets préférés à l'aquarelle. Ils viennent dans une variété de couleurs vives très vives et ils font un sujet parfait pour pratiquer les techniques d'aquarelle sur. m'appelle Anna, je suis une créatrice de monnaie canadienne, et je me spécialise dans l'art botanique et décoratif. Dans ce cours, je vais vous montrer étape par étape comment peindre trois types différents de fleurs d'alto ou de pansy. Bien que chaque leçon soit assez brève, environ 20-25 minutes, nous pratiquerons quelques techniques fondamentales essentielles pour arriver à une peinture réaliste à l'aquarelle. Nous allons commencer par parler du liquide de masquage et des façons de l'appliquer afin de préserver les reflets et préparer votre sujet avant d'appliquer des aquarelles. Ensuite, nous mettrons en pratique des techniques humides sur mouillé et humide sur sec afin construire le volume étape par étape et d'ajouter plus de réalisme à votre travail. Je vais également vous montrer sur certaines des pensées comment combiner humide sur humide et humide sur sec afin d'obtenir des résultats très intéressants. En termes de format, il s'agit d'un enregistrement en temps réel où vous m'entendrez raconter chaque étape du chemin. En outre, vous verrez une instruction détaillée écrite sur le côté gauche de l'écran où je vais résumer les objectifs de chaque étape, matériaux et les pigments que j'utilise, et les techniques que nous allons pratiquer. En termes de ressources pour vous aider dans cette classe, vous obtiendrez ce qui suit. Je vais vous donner un aperçu des matériaux que j'ai utilisés, y compris certaines alternatives que vous pourriez vouloir envisager en fonction de l'endroit où vous vous trouvez dans le monde et des marques que vous préférez. Pour ceux d'entre vous qui sont intéressés à apprendre à mieux esquisser vos sujets, j'ai également inclus une très brève leçon sur la façon d'en arriver à un aperçu parfait. Je sais, d'après vos commentaires sur beaucoup de mes classes précédentes, que c'est quelque chose avec lequel beaucoup d'entre vous luttent. Si vous ne voulez pas utiliser le contour noir et blanc que j'ai inclus dans les ressources de la classe, vous pouvez jeter un oeil à cette brève leçon et je vais vous montrer une technique très simple que j'utilise pour trouver des contours de pansy, et vous pouvez l'appliquer même sans utiliser de photo de référence. Mais, bien sûr, je vais partager un aperçu détaillé de mes pensées en noir et blanc afin que vous puissiez les télécharger et les tracer. Je vais également inclure tout un tas de photos de référence, différentes pensées de couleur afin que vous puissiez vous entraîner sur votre propre temps. Pour votre projet de classe, vous pouvez choisir de perfectionner votre technique en utilisant seulement une fleur à la fois, ou vous pouvez les combiner dans un panneau de composition plus complexe comme je l'ai fait ici dans une de mes peintures récentes à l'aquarelle. Si vous avez des questions pendant que vous évoluez avec votre projet, vous pouvez l'afficher dans la section discussion de ce cours. Si vous aimez la classe, n'oubliez pas de vous abonner à ma chaîne, et vous pouvez également me suivre sur les réseaux sociaux en utilisant les liens ci-dessus. Si vous avez envie de partager vos projets au-delà de la plateforme Skill Share, me taggez sur Instagram, j'adore voir votre travail. Maintenant, si tu es prêt, mettons-le à la table, j'ai hâte de te voir en classe. 2. Outils de peinture et accessoires facultatifs: Salut les gars, je suis si contente que vous ayez rejoint la classe. Dans cette première leçon, je vais parler des matériaux d'aquarelle que j'utilise. Vous pouvez également télécharger un document contenant un résumé des outils et aussi quelques alternatives que vous pourriez vouloir envisager en fonction de l'endroit où vous vous trouvez dans le monde. Je sais que tous les pays n'ont pas le même inventaire de marques lorsque vous allez dans votre magasin d'art local ou sur Amazon. Ce sont les marques de confiance que j'ai essayées et utilisées. Espérons que vous trouverez quelque chose que vous avez déjà dans votre collection d'aquarelle ou quelque chose que vous pouvez facilement obtenir de votre magasin d'art local. papier est la chose la plus importante numéro 1 dont vous aurez besoin lors de la peinture à l'aquarelle. Brosses et pigments, nous pouvons avoir une certaine flexibilité sur, mais le papier est l'approvisionnement numéro 1 qui fera en sorte que vous obtenez de bons résultats si vous choisissez le bon type. Assurez-vous de choisir du papier 100% coton fait pour l'aquarelle. Tout ce qui n'est pas 100% coton et non sans acide n'absorbe pas les couleurs de la même manière, ne tiendra pas l'eau de la même manière et ne vous donnera pas les bons résultats. En termes de poids, vous pouvez aller avec 140 livres ou plus. Plus élevé bien sûr est mieux car il tiendra plus d'eau. En termes de surface, vous pouvez aller avec pressé à froid ou pressé à chaud. Je préfère pressé à froid, il absorbe l'eau d'une manière très spécifique vous permettant de travailler avec une surface humide pendant un certain temps avant que l'eau ne sèche. Je recommande pressé à froid sur pressé à chaud. Vous pouvez voir un peu de gros plan ici. C' est assez granuleux et rugueux, et c'est la surface que vous cherchez. Enfin, vous pouvez aller avec des feuilles lâches ou choisir un bloc. J' aime les blocs, ils sont très pratiques parce que vous n'avez pas besoin d'étirer votre papier avant de peindre. Si vous allez avec des feuilles de papier en vrac, assurez-vous de l'étirer ou de la coller à votre table afin d'éviter cet effet de flambage lorsque vous ajoutez de l'eau. Ma marque de choix est des arcs, mais bien sûr, vous pouvez choisir votre marque préférée. J' aime bien le papier Winsor Newtons à froid pressé. Encore une fois, peu importe la marque que vous choisissez tant que votre papier est un papier aquarelle professionnel qui est 100% coton. Lorsque nous dessinons notre contour que vous pouvez par la façon télécharger dans ressources de classe à partir de contour noir et blanc que j'ai créé pour vous ou peut-être que vous préférez dessiner à la main. Quoi qu'il en soit, choisissez un crayon dur, alors n'allez pas avec quelque chose qui est doux parce qu'il laissera des marques sur votre papier. Allez avec quelque chose comme 2H ou 4H qui indique la dureté, j'utilise 4H pour ce dessin. En termes de gomme, n'importe quelle gomme douce fera l'affaire. Mais je voulais juste mentionner que pour plus de précision, je préfère les gommes rétractables. Ils sont très, très pratiques parce que vous ne voulez vraiment pas effacer trop sur votre papier aquarelle, cela affectera la surface que vous peignez plus tard. Les gommes minces rétractables comme celle-ci que j'ai ici vous aideront vraiment à ramasser les marques de graffiti que vous êtes intéressé à effacer et rien d'autre. C' est un outil vraiment, vraiment pratique. En termes de pinceaux, nous aurons besoin de deux types de pinceaux à aquarelle ronds. J' hésite à recommander pure sable Kolinsky pour diverses raisons, y compris le prix et aussi combien ils sont rares. J' utilise souvent des substituts synthétiques pour Kolinsky sable et je trouve qu' une Escoda en tant que marque a le meilleur rapport qualité/prix. Ce dont nous aurons besoin, c'est d'un pinceau rond plus grand pour les lavages plus grands, surtout au début, car nous faisons des lavages de fond et d'un pinceau rond un peu plus petit et plus fin pour ces petits détails vers la fin de notre travail. Si vous avez un vrai pinceau de sable Kolinsky, vous pouvez probablement vous en sortir avec un seul en taille quatre. véritables brosses de sable contiennent beaucoup d' eau, elles sont donc adaptées pour les grands lavages et elles ont également une pointe parfaite. Vous pouvez faire beaucoup de travail détaillé avec eux. Mais encore une fois, si vous n'avez pas de véritable sable Kolinsky, les brosses de sable synthétique fonctionnent très bien et vous n'avez besoin que de deux d'entre elles. Vous pouvez également utiliser des brosses écureuils ou écureuils synthétiques. Encore une fois, vous avez probablement besoin de deux : une plus grande brosse en taille 4, 5 , 6, et une plus petite en taille 0, 1 ou 2. Nous aurons besoin d'une palette et ma préférence est toujours pour la palette en porcelaine parce que palettes en plastique blanc absorbent les pigments et se salissent très rapidement. Mais ce n'est vraiment pas si important, vous pouvez utiliser n'importe quelle palette que vous avez sous la main. Pour l'eau, nous aurons besoin d'un pot d'eau. Il est en fait préférable d'avoir deux pots d'eau parce que vous utiliserez un pour nettoyer votre pinceau, puis le second pour vous assurer qu'il est complètement propre et clair lorsque vous passez d'un pigment à un autre. Maintenant, il y a quelques fournitures complètement optionnelles que je vais mentionner parce que vous me verrez les utiliser. Le premier étant ce gant. J' ai beaucoup de questions à ce sujet. C' est simplement pour m'aider à préserver le papier en dessous pendant que je peins. Beaucoup de gens utilisent juste un chiffon ou une feuille de papier de soie juste pour mettre sous votre main pour s'assurer qu'il n'y a pas de taches. Ces gants sont en fait faits pour les artistes numériques. Je travaille beaucoup sur les tablettes et je les trouve tout aussi utiles pour l'aquarelle, complètement facultative. Ensuite, vous pouvez envisager un médium aquarelle comme ce Ox Gall synthétique que j'utilise. Ce n'est pas nécessaire, mais c'est très utile si vous avez du mal à garder votre papier mouillé. Si votre flux de travail est un peu plus lent, cela vous aide à garder votre surface humide plus longtemps. Je trouve également que si vous travaillez dans un climat plus chaud et plus sec où votre papier sèche beaucoup plus rapidement, vous le trouverez également très utile car il vous aidera à garder votre surface humide plus longtemps. Celui que j'utilise est QoR aquarelles et vous avez seulement besoin de quelques gouttes dans votre pot d'eau pour faire l'affaire. Enfin, nous aurons besoin d'un liquide de masquage et d'un applicateur pour votre liquide de masquage. Si vous n'avez pas de liquide de masquage à partir d'aquarelles, ne vous inquiétez pas, vous pouvez toujours couvrir ces zones avec gouache blanche ou de l'aquarelle blanche une fois votre peinture terminée. Mais il est très utile avant de commencer à peindre pour préparer votre surface dans les zones que nous voulons garder blanc avec un peu de liquide de masquage. J' aime vraiment Winsor Newton, c'est très fluide et presque comme de l'eau. D' autres bonnes options de liquide de masquage incluent le frisquet liquide Dr. Ph . Martin. Assurez-vous d'obtenir le niveau 2, le niveau 1 est assez épais et pas aussi bon. niveau 2 est absolument excellent. Vous pouvez également essayer Schmincke Masking Fluid. J' aime vraiment celui avec la teinte bleue parce qu'il est en fait visible sur le papier après l'avoir appliqué. En ce qui concerne l'applicateur, j'aime les applicateurs en caoutchouc comme ce shaper en caoutchouc Royal Sovereign. Ne vous inquiétez pas si vous n'avez pas cet outil spécifique, vous pouvez simplement utiliser une vieille brosse ou le dos de votre brosse en bois ou une allumette. Ensuite, nous allons parler des pigments aquarelle et de la structure de notre palette de couleurs. 3. Structure des pigments et des palettes: Maintenant que nous avons passé nos provisions, je vais vous montrer les aquarelles dont nous aurons besoin pour nos trois fleurs. Je vais passer sur un pigments spécifiques et certaines des alternatives que vous pouvez envisager en fonction de votre collection existante de couleurs. Nous parlerons de la structure de notre palette. En d'autres termes, une façon d'organiser vos pigments pour chaque fleur de manière logique, avec une compréhension claire de l'impact de la lumière, qu'il s'agisse de la lumière du soleil ou d'un autre type de lumière, et de l'impact qu'elle a sur nos choix de pigments. Vous pouvez trouver une liste complète des pigments et la palette de chaque fleur dans le document de classe, que vous pouvez télécharger sur le site Web de Skillshare. Tu auras une table pratique, comme ça. Tout d'abord, je n'ai huit pigments que j'ai utilisés pour ces trois fleurs différentes. Deux d'entre eux, le bleu et l'orange, sont complètement facultatifs. Si vous ne trouvez qu'un match pour les six principaux, vous obtiendrez toujours un résultat très proche de ce que j'ai ici. N' hésitez pas à utiliser vos marques préférées. C' est vraiment à vous de décider et vous trouverez quelques suggestions alternatives dans le document. L' apprentissage le plus important que je veux que vous enleviez de cela est que vous pouvez avoir une palette plutôt limitée, et en arrangeant vos pigments d'une manière différente et en les superposant en utilisant une transparence différente et une saturation différente, vous pouvez obtenir un résultat complètement différent à chaque fois. Le premier dont nous aurons besoin est violet et j'utilise Dioxazine Purple de QoR. aquarelles QoR sont super vibrantes, mais peuvent être difficiles à contrôler. Ils utilisent un type de liant différent aquarelles typiques comme Winsor & Newton ou Daniel Smith. Le débit dans l'eau est un peu plus imprévisible, il faut du temps pour s'y habituer, mais le résultat est très vibrant. Vous pouvez choisir quelque chose de plus conservateur comme Imperial Purple de Daniel Smith ou tout autre violet de votre marque préférée. Ensuite, nous avons violet et il y a tellement d'options disponibles. Je suis allé avec Quinacridone Violet de QoR. Assurez-vous juste qu'il est plus sur le côté rouge que le bleu, sinon, il se perdra quand vous l'ajouterez sur vos violets. Si vous voulez qu'il se démarque plus, vous pouvez aller avec quelque chose de plus rose comme Quinacridone Magenta, ou même quelque chose comme Bordeaux de Daniel Smith. Nous aurons certainement besoin d'un rouge pour nos pensées, un rouge frais. Je dirais rester à l'écart des rouges plus chauds, plus orangés, parce qu'ils vont entrer en conflit avec le reste de la palette. Quelque chose comme Carmine, qui est ce que j'ai utilisé, Carmine de Daniel Smith, ou vous pouvez aussi aller avec Quinacridone Red ou Permanent Alizarin Crimson, les deux fonctionneraient très bien. Nous aurons besoin d'un brun chaud. J' ai décidé d'aller avec Perylène Marron, qui est une couleur rouge brique, brunâtre. Nous allons principalement utiliser ce pigment pour les ombres chaudes. En d'autres termes, les ombres qui contiennent quelques rebondissements glissent des reflets d' autres pétales et aussi pour quelques détails très fins sur ces éléments blancs au milieu de chaque fleur. Sur les pensées rouges, nous aurons également besoin de ce brun chaud afin de créer des contours pour nos pétales. Vous pouvez vraiment aller avec n'importe quel brun chaud préféré est. Quelque chose comme la matière brune vous donnera un look plus subtil. Si vous choisissez, disons Quinacridone Burnt Orange, plus brun orangé, il se distinguera beaucoup plus. Je vous encourage à expérimenter avec différents bruns et à voir lequel vous aimez le plus. Nous aurons besoin d'un jaune chaud, moyen, pour peindre le centre de chaque fleur et aussi, bien sûr, la base de nos pensées jaunes. J' en utilise un de QoR. Vous pouvez utiliser quelque chose comme Winsor Yellow de Winsor & Newton. Vraiment, l'un de vos jaunes chauds préférés. Peut-être, restez loin du jaune citron ou du jaune indien, ou de l'un des jaunes les plus froides, car ils se heurteraient au reste des palettes. Pour l'orange, ce qui est vraiment facultatif pour ce type de peinture, bien qu'il soit assez facile à trouver dans n'importe quelle palette, je dirais aller avec si vous l'avez. J' ai décidé d'aller avec Hansa Yellow Deep. C' est vraiment un jaune orangé, pas tout à fait une orange pleine. Vous pouvez aller avec quelque chose de beaucoup plus sombre et plus rouge si vous voulez, mais il y a aussi beaucoup de choix de milieu de gamme comme jaune-orange de [inaudible]. Enfin, notre vert, nous n'en avons besoin qu'un peu au centre de chaque fleur et aussi pour quelques ombres sur notre pansy jaune. Choisissez votre vert chaud préféré. Je suis allé avec du vert sève. Choix assez simple. Je vais certainement rester loin des verts bleuâtres plus vibrants. Bleu, nous n'aurons besoin qu'une fois sur nos pensées violettes et j'ai utilisé Phthalo bleu-vert ombre. J' ai tendance à privilégier les couleurs non granulantes, mais vraiment n'importe quel code bleu fonctionnera ici. Ne vous inquiétez pas pour l'ombre exacte. Il suffit de choisir votre bleu non granulant préféré. Parlons maintenant de construire notre structure de palette pour chaque fleur à l'aide de ces huit pigments. Si vous avez suivi l'un de mes cours précédents ou si vous avez vu l'une de mes vidéos YouTube, vous avez peut-être vu ce diagramme, qui est essentiellement une carte que j'ai créée pour vous aider à organiser vos pigments aquarelle pour n'importe quel sujet botanique, selon la direction de la lumière. Nous avons toujours notre pigment de base, qui est ce grand cercle au milieu, et c'est le choix le plus important que vous ferez. C' est le pigment qui gardera toute la palette ensemble. Tout le reste sera par rapport à ce pigment, en termes de température et de saturation de vos couleurs. Dans certains cas, vous pouvez ajouter un pigment de boost pour égayer votre base. Il est généralement proche du spectre, peut être plus frais ou probablement plus chaud et beaucoup plus dynamique que votre base. Dans le cas de nos pensées, nous n'avons pas besoin d'un coup de pouce parce que les couleurs de base que nous utiliserons sont toutes assez fortes. Ensuite, vous avez vos reflets et vos ombres. Bien sûr, ces pigments apparaîtront sur votre sujet en fonction de la façon dont la lumière le frappe. Les points forts sont généralement plus chauds et plus légers que votre base. Sur notre pansy pourpre, par exemple, nous utiliserons un lavage léger ou un rouge froid comme point culminant. Les ombres sont beaucoup plus compliquées et comprennent souvent plus d'un pigment. ombres peuvent contenir des réflexions d'autres sujets et je recommande d'utiliser à fois des pigments d'ombre froids et chauds afin de différencier ces différentes réflexions. Par exemple, dans le cas de notre pansy rouge, nous utiliserons le brun pour nos ombres plus chaudes car il contient des reflets jaunes, reflets d'autres pétales. Nous utiliserons le violet pour nos ombres plus fraîches. Enfin, il y a toujours des taches de couleur supplémentaires. En cas de pensées, nous avons ces grandes taches sombres sur chaque fleur et aussi quelques lignes profondément saturées que j'appelle veines. Nous devrons mettre de côté quelques pigments pour cela. Nous allons explorer cela plus en détail lorsque nous peignons chaque fleur. Avec cela à l'esprit, explorons chaque fleur et comment pourrait ressembler la structure de la palette que nous venons de discuter. D' abord, parlons des pigments de base. Ce sont les plus importants et c'est assez simple. Nous aurons besoin de violet pour les pensées violettes et j'utilise Dioxazine Purple. Choisissez votre violet préféré pour la base ici, un rouge frais pour les pensées rouges, j'utilise Carmine de Daniel Smith, et un jaune chaud de milieu de gamme pour nos pensées jaunes. Parlons maintenant des couleurs de soutien pour chacune de nos couleurs de base, pour chacune de nos couleurs différentes. Nous utiliserons un rouge frais pour les reflets sur la pansy pourpre, violet pour quelques ombres chaudes, et aussi quelques détails fantaisie sur les bords des pétales. bleu n'apparaît que sur cette pansy pourpre. En passant, sur quelques points lumineux et aussi sur certains pétales en arrière-plan, comme je l'ai mentionné, bleu vous aide à remettre les choses visuellement, donc juste pour nous aider à apporter ces pétales à l'arrière-plan. Enfin, brun chaud, pour quelques détails très légers au milieu de la fleur. Enfin, vous noterez que j'ai ces boîtes jaunes, vertes, orange sur la droite. Ceci est réservé spécifiquement au centre de la fleur, cette petite zone au milieu où nous n'avons pas notre couleur de base. Il a sa propre logique. Le jaune est notre base pour cette zone, vert est pour les ombres dans cette zone, et l'orange, une couleur facultative, si vous voulez l'utiliser, sera notre couleur de boost là-bas. Donc cet arbre sera le même pour chaque fleur. Jaune, orange, vert, pas seulement pour les pensées violettes sur chaque fleur au centre, nous allons utiliser la même structure. Pour nos pensées rouges, nous aurons besoin de encore moins de pigments. Violet, bien sûr, pour les ombres fraîches, et aussi ces grandes taches sombres au milieu. Un peu de violet des ombres chaudes. Brun pour les ombres chaudes et les détails au milieu de la fleur. Encore une fois, ce trio, jaune, orange, vert dont on vient de parler, au milieu. Pour notre pansy jaune, nous aurons besoin d'un peu d'orange pour booster le pigment jaune de base et j'utilise un orange jaunâtre, orange très clair, Hansa Yellow Deep de Daniel Smith. Violet et violet pour peindre ces taches sombres au milieu, et un brun chaud que j'ai fini par mélanger avec un peu de vert et orange pour trouver différentes variations d'ombre à travers les pétales. Bien sûr, jaune et vert pur au milieu, ce centre des pensées ne change vraiment pas beaucoup, donc nous allons le garder cohérent. Encore une fois, vous pouvez trouver les diagrammes de référence pour chaque fleur dans le document de classe. J' espère que vous trouvez cela informatif et amusant, non seulement dans le contexte de ces pensées, mais j'espère qu'en général, il peut vous aider à penser à travers différentes structures de palettes. Dans la leçon suivante, nous allons parler de la façon de dessiner un contour de pansy sans photo de référence. Vous pouvez sauter cette étape et aller directement à la peinture si vous le souhaitez. Bien sûr, vous pouvez télécharger les contours en noir et blanc, mes lignes de référence sur le site Web de Skillshare dans la section des ressources en classe. 4. Aperçu des fleurs - Conseils et techniques: Bonjour. Dans cette leçon, nous allons parler d'un moyen vraiment simple que vous pouvez utiliser pour trouver un contour précis pour une fleur de pansy. Maintenant, vous n'avez pas à l'esquisser à la main. Vous pouvez simplement télécharger le contour noir et blanc à partir des ressources de classe sur ce site Web Skillshare. Mais si vous êtes intéressé à apprendre comment construire votre forme de fleur à partir de zéro, même sans une photo de référence ou un contour, alors jetez un oeil à cela. Essentiellement avant de commencer, tout ce dont vous avez besoin est un crayon et vous aurez besoin de quelque chose pour vous aider à trouver une forme ronde. Vous pouvez utiliser un outil de boussole ou vous pouvez utiliser quelque chose comme un objet domestique, c'est un cercle parfait. Comme ce que j'ai utilisé ici, qui est juste une piste d'un pot. Maintenant, gardez à l'esprit que pour que cette vidéo soit nette et nette, j'ai utilisé un crayon bleu très doux et des marqueurs rouges et violets, mais c'est juste pour que vous puissiez voir les contours facilement. Pour votre travail final sur papier aquarelle, je vous recommande fortement d'utiliser un crayon très dur, quelque chose comme 3H ou 4H, afin que votre contour soit très faible et que vous ne laissiez aucune trace graphique sur le papier. abord, vous devez dessiner un cercle juste comme ça. Une fois que vous avez un beau cercle, trouvez le centre du cercle. Si vous utilisez un outil de boussole, serait beaucoup plus facile à trouver, mais vous pouvez juste décrire approximativement le centre, il suffit de mettre un point, sorte que vous savez que ce sera le centre de votre fleur. La prochaine chose qui vous aidera à trouver le bon placement pour les pétales sera deux lignes, verticales et horizontales, tout comme cela traversant et à travers le centre du cercle. Maintenant que vous avez divisé le cercle en quatre parties, vous pouvez commencer à partir du centre et dessiner le pétale avant. Comme un coeur à l'envers. Vous pouvez voir que ce sera le plus gros pétale. Ensuite, à partir de là, vous pouvez faire deux pétales symétriques allant à gauche et à droite. Laissez-moi décrire le pétale avant un peu plus pour que vous puissiez le voir mieux. Vous pouvez voir que c'est comme un coeur ovale ou un coeur à l'envers. Ensuite, les deux pétales de fond seront juste là à l'arrière. C' est une forme typique de pansy, cinq pétales. Maintenant, je vais juste utiliser un marqueur rouge pour tracer ma forme. Ainsi, vous pouvez voir exactement comment il s'intègre dans le cercle. Vous pouvez voir le plus grand pétale avant. Rien ne va vraiment en dehors de ce cercle contour tout va juste. Mais nous avons créé une forme de pansy facile sans aucune référence. Maintenant, quand vous êtes sur le point de commencer à peindre, sont les parties que nous devrons couvrir avec du liquide de masquage. Ces petites barbes venant de l'intérieur et sont attachées au pétale avant. Un peu de faits saillants parce que les pétales sont assez épais. Si votre source de lumière est sur la gauche, alors ce sont les parties que je garderais blanches ou mettrais du liquide de masquage dessus. Maintenant, les taches, vraiment facile à nouveau, juste en faisant le tour du centre du cercle. Je vais essayer à nouveau, mais sans dessiner mon cercle. J' imagine juste un contour de cercle. Parce que je l'ai fait tant de fois, je vais juste utiliser le point et la méthode croisée. Voici mon petit centre de la fleur. Ensuite, j'ai le squelette, la verticale et la ligne horizontale. Ensuite, je vais recommencer avec le pétale avant, juste une forme de coeur à l'envers, très symétrique, pétale gauche et pétale droit. Encore une fois, je vais juste du centre. Tout sort du centre. Ensuite, le pétale sur le dos, et un autre, les deux dans le dos se chevauchent. Ici, je vais aller avec un marqueur rouge juste pour que vous puissiez voir mieux. Tu as un joli gros pétale avant. Vous pouvez rendre les bords un peu plus ondulés juste pour ajouter un peu plus d'intérêt. Selon la fleur que vous peignez, elles peuvent être plus droites ou plus ondulées. Voilà encore notre panie, je l'ai fait juste en imaginant un cercle autour de mon point. Mais vous pouvez dessiner le cercle si c'est plus facile pour vous. Maintenant, c'est la partie que nous allons garder blanche dans le contour de départ avec un liquide de masquage. Je le couvre juste d'un marqueur violet pour te montrer pour que tu puisses mieux voir. C' est notre source de lumière venant de la gauche en bas. Vous avez quelques bords des pétales que vous voudrez peut-être tracer avec un liquide de masquage, juste pour les garder blancs pour préserver ces reflets. Maintenant, les taches de couleur, ils suivront la direction naturelle du pétale. Vous pouvez utiliser ces contours faibles, les contours au crayon des lignes horizontales et verticales pour vous aider à les rendre symétriques. On y va, deux de chaque côté. C' est votre fleur typique de pansy. C' est ainsi que vous pouvez en faire une sans photo de référence. Ou si vous avez une photo de référence, cette méthode vous aidera à garder votre fleur plus symétrique et plus précise. 5. Pansy - Partie 1: Donc nous sommes prêts à peindre. Dans la première leçon, je vais vous montrer comment peindre cette fleur pourpre. Nous allons le faire pas à pas, en temps réel. Si vous m'avez vu décrire le processus dans l'une des leçons précédentes, cela ne comprend que cinq étapes. Nous allons commencer par l'étape 1, qui est notre contour et notre liquide de masquage. En ce qui concerne le plan, ce que vous me verrez faire à droite, c'est juste le dessiner à la main. J' utilise un crayon dur, j'utilise pour 4H juste pour ne pas laisser de marques sur mon papier. Mais si vous n'êtes pas à l'aise de le dessiner à la main en utilisant une photo de référence , n'hésitez pas à utiliser le contour noir et blanc, que j'ai créé et enregistré dans la section ressources de cette classe, sur le site Web SkillShare. Vous pouvez également tracer, il n'y a absolument pas de bonne façon de créer des contours. Je pense que ce que nous voulons faire est, concentrer sur la pratique des techniques d'aquarelle et donc utiliser la méthode que vous préférez. Lorsque votre contour est fait, ce que nous devons faire est de masquer certaines zones blanches avec des fluides de masquage. On va finir avec quelque chose comme ça. Vous pouvez voir le liquide de masquage briller dans la lumière. Si vous n'avez pas de liquide de masquage, comme je l'ai mentionné précédemment, ne vous inquiétez pas, vous pouvez simplement peindre autour de ces zones, ou vous pouvez utiliser de la gouache blanche, ou de l'aquarelle blanche pour les couvrir ensuite. Ne laissez pas le fait que vous n'ayez pas de liquide de masquage vous décourager. Si vous avez du liquide de masquage, prenez votre applicateur le plus confortable, et suivez simplement. Vous pouvez utiliser un vieux pinceau. Assurez-vous simplement de le nettoyer après, ou vous pouvez utiliser une allumette. On va masquer juste un petit endroit ici et là. Donc ces deux petites parties au milieu, elles sont à la base des pétales latéraux. L' autre chose que je vais masquer, c'est juste quelques bords des pétales. Ce que vous remarquerez, c'est que je ne le fais que sur le côté gauche des pétales. Essentiellement, là où la lumière frappe le pétale, je veux m'assurer que je capture cela et créer un joli bord que nous effacerons plus tard. Commençons maintenant avec notre première couche de couleur. C' est notre couche d'arrière-plan,. Notre objectif ici est de créer un lavage de couleur vraiment léger juste pour établir le schéma de couleurs. C' est la partie la plus importante de la peinture. Si nous y parvenons, les prochaines étapes devraient être beaucoup plus faciles pour nous. La technique est appelée humide sur humide. Essentiellement, ce que je fais est d'appliquer une fine couche de mon pigment de base, dans ce cas, violet. Je vais y ajouter d'autres couleurs, mouillé sur mouillé. Nous devons travailler vite, avant que le papier ne sèche. Vous remarquerez que je peins un pétale à la fois. C' est juste pour s'assurer que mon papier ne sèche pas. En ce qui concerne les pigments que nous allons utiliser à ce stade, je vais utiliser le violet, le violet, pour créer de jolis reflets juteux. Si vous n'avez pas de quinacridone violet, qui est ce que j'utilise, magenta aura l'air beaucoup plus lumineux. Je l'ai déjà essayé et ça marche très bien. Nous aurons aussi besoin d'un peu de rouge ou de rose frais. Je vais utiliser du carmin. Opera rose aurait l'air incroyable, mais comme certains d'entre vous le savent peut-être déjà, c'est une couleur fugitive, donc il va disparaître. C' est pourquoi je vais utiliser du carmin et un peu de bleu, un peu de jaune et un peu de vert juste un peu. En termes de certains principes clés qui vous aideront tout au long du chemin. Comme je l'ai mentionné, la technique humide sur humide nécessite de la peinture sans aucune pause. Assurez-vous de choisir des zones plus petites comme un pétale à la fois, et de travailler jusqu'à ce que le papier soit sec. La deuxième chose que je voulais mentionner, c'est que cette couche doit être très légère. Vous pouvez voir que mon violet est vraiment dilué, et c'est parce que, avec les aquarelles, nous peignons toujours de la lumière à l'obscurité, nous construisons nos couches de la lumière à l'obscurité, parce que vous ne pouvez pas revenir en arrière et effacer quoi que ce soit. Assurez-vous de le garder très léger et vous pourriez même vouloir pré-mélanger votre violet clair avant de commencer, sorte que vous n'obtenez pas beaucoup de variation, et continuez simplement à travailler en toute confiance. Enfin, lorsque vous appliquez vos couleurs de boost , rouge frais, rose ou violet, assurez-vous que la direction de votre pinceau suit la direction du pétale, donc essentiellement, du bord du pétale vers le centre. Cela nous aidera à créer un look plus réaliste. Maintenant, en regardant la photo de référence, continuons simplement. Ce que tu me verras faire, c'est que je viens de finir le premier pétale sur la gauche, et je bouge la couleur. J' ai ma base pourpre et un peu de violet sur les bords, et je l'aide juste à s'étendre vers le centre. Maintenant, je vais laisser tomber un peu de carmin juste sur le dessus, parce que je sens qu'il y a un peu de soleil là-bas, qui s'infiltre, et peut-être un peu de violet saturé juste pour créer des zones d'ombre. Maintenant, faisons le prochain pétale. Je vais choisir ce pétale supérieur, c'est un peu plus léger, car je regarde ma photo de référence. Je vais commencer par une tache rose très claire, à nouveau en utilisant mon carmin, et ensuite je vais continuer avec mon violet. Il suffit de le contourner, très, très léger, on peut toujours le rendre plus sombre. Pour l'instant, je veux juste couvrir tout avec un lavage violet clair. En passant, mouillé sur mouillé peut être fait simplement en utilisant une base d'eau claire. Vous n'avez pas à commencer par le violet, mais je suis assez confiant que l'utilisation d'un lavage violet clair fonctionnera ici aussi bien. Vous pouvez voir que j'ai créé cette forme de pétales. Maintenant, je vais commencer à laisser tomber plus de couleurs, un peu plus de rose, ou plus précisément, le carmin est ce que j'utilise. Maintenant, faisons un peu de violet sur le bord, beaucoup plus saturé, mais encore assez léger. Je traîne juste ma brash le long du bord, regardant les pigments se propager. Ajout d'un peu plus de violet. Je vais le laisser sécher et passer à notre pétale inférieur. Le même principe, je vais juste couvrir tout avec un lavage violet clair, peut-être un peu plus sombre vers le centre de la fleur mais dans l'ensemble, très léger. Répartissez ce pigment. S' il y a une variation de la lumière et de l'obscurité, vous n'avez pas besoin de vous en inquiéter car il y aura beaucoup plus de détails que nous allons devoir prendre soin. Regardez-le dans l'ensemble, est-ce le lavage le plus léger que vous pouvez faire ? Peut-être qu'il fait un peu plus sombre vers le milieu, je pense que c'est bien. Je vais laisser tomber un peu de bleu, et j'utilise la teinte suif bleu-vert, un de mes pigments préférés. Ça va éclater juste là, au milieu. Maintenant, la même chose que nous avons déjà fait, juste passer le bord avec la pointe de ma brosse et appliquer la quinacridone violette. Espérons que votre papier est encore complètement mouillé là-bas. Ce que vous voulez atteindre ici est un bord vraiment tranchant, mais la couleur s'étendant vers le milieu et dans le violet. Maintenant, faisons le bon pétale. Même chose encore, je vais créer un lavage violet clair et suivre avec un peu de violent et un peu de carmin, peut-être un peu plus saturé violet juste là en bas à droite puisque cette partie du pétale est dans l'ombre. Maintenant, je vais avec la pointe de mon pinceau juste créer ces beaux bords saturés avec ma violette. Faisons le dernier pétale, c'est vraiment léger, c'est face au soleil. C' est juste là à l'arrière et c'est en quelque sorte vers le soleil. Vous pouvez voir que j'ai commencé avec une tache très légère de carmin ou n'importe quel rose que vous utilisez fonctionnera, et puis je vais juste le contourner en le mélangeant avec mon violet clair. Vers le centre, il va s'assombrir. Vous pouvez me voir appliquer un peu plus violet là-bas. Ensuite, je commence à définir ces rainures pétales juste un peu humide sur mouillé avec un peu violet et un peu de carmin juste quelques coups suivant la direction du pétale. Vous pouvez voir sur la photo de référence que c'est beaucoup plus rose, ce pétale, parce qu'il devient plus de soleil. Mais vers le centre, il devient plus sombre, donc Ici je vais à nouveau avec un peu plus saturé violet cette fois, mélangé autour, et je vais juste le laisser. Je pense que c'est ce que nous voulions réaliser. Je vais m'assurer que mon pétale avant était sec et peindre le centre de la fleur avec un léger lavage de jaune, puis ajouter un peu de jaune beaucoup plus profond juste là où le jaune se mélange avec le violet, un peu de vert sur le dessus, et ce serait notre couche de fond pour le centre de la fleur. Laissez vos couches sécher pendant au moins 2-3 heures, je l'ai donné un jour, juste pour s'assurer que votre papier est complètement sec parce que notre prochaine étape va impliquer une technique humide sur sec. En d'autres termes, nous allons superposer la couleur humide et transparente sur la peinture sèche. Notre objectif ici est de définir de plus grandes zones de lumière et d'ombre, booster certaines couleurs dans certains endroits, et d'ajouter vraiment une texture détaillée sur nos pétales. On va peindre beaucoup de ces rainures de pétales. Les pigments que j'utilise sont pour la plupart les mêmes que ceux que nous avons utilisés sur la couche d'arrière-plan, juste violet, rouge ou rose, et bleu. Je suis passé à un pinceau plus petit. Vous pouvez me voir passer ce premier pétale avec mon Escoda Versatil, mais cette fois il est en taille 2, donc j'ai besoin d'un bout beaucoup plus fin. Ce que vous me verrez faire essentiellement est de passer du bord de chaque pétale vers le centre. Il y aura des zones que je vais laisser complètement vides. Pour la plupart, je vais simplement créer ces rainures et elles seront principalement violettes avec d'autres couleurs tombées dans eux mouillé sur mouillé. Votre saturation pigmentaire doit être en deux étapes plus foncée que votre couche de base, mais tout de même assez transparente. Vous voulez toujours voir votre couleur se laver en dessous, mais il devrait être un peu plus sombre. Encore une fois, nous dirigeons nos coups du bord du pétale vers le bas. Ne vous inquiétez pas tant de votre photo de référence, je dirais que l'essentiel serait de regarder la forme du pétale que vous avez déjà créé et de simplement reconnaître ces bords ondulés. Chaque bord ondulé indiquerait où vous avez une zone de lumière et une zone d'ombre comme vous pouvez me voir le faire ici. À ce stade, je fais allusion à ma photo de référence, mais j'essaie juste de créer une variation et une certaine texture sur le pétale. Je crée juste ces rainures ombragées surtout avec mon violet. Parfois, si je peins sur une zone rosâtre très légère, je vais ajouter un peu de carmin. Je suis très conscient de la photo de référence, mais je considère aussi la source de lumière. Je sais qu'en général, en juger par la forme de mes pétales pour rendre ce look réaliste, la moitié inférieure des pétales latéraux sera toujours plus foncée parce qu'elle ne reçoit pas autant de lumière. La base du pétale supérieur sera également plus sombre, donc je vais m'assurer de créer ces ombres dans cette étape. Enfin, sur le pétale avant inférieur, je vais juste faire glisser quelques lignes du bord vers le centre. Il y a quelques rainures très définies là-bas déjà à en juger par le bord de mon pétale, donc je vais juste l'utiliser comme guide et créer ces lignes avec mon violet clair. Maintenant, pour définir le centre de la fleur, je vais juste ajouter un peu de vert sève juste là au milieu mélangé avec mon pinceau. C' est vraiment profond à l'intérieur de la fleur, donc il y a beaucoup d'ombres là-bas. Ce petit peu sur le dessus, si vous regardez de près la photo de référence, c'est un peu brunâtre, donc je vais utiliser mon brun chaud ici, brun rougeâtre. Créez un contour et laissez-le sécher afin que nous puissions passer à notre couche suivante. C' est la partie excitante où nous pouvons créer ces taches, ces taches sombres sur les pétales, et certaines veines vraiment définies. 6. Pansy violet - Partie 2: La technique que nous allons utiliser est de nouveau humide sur sec, et un peu de ce que j'appelle une technique combo, qui est un mélange de humide sur sec et humide sur humide. Je vais vous le montrer en détail dans une minute. Si c'est plus facile pour vous, vous pouvez définir les taches avant de peindre avec un crayon. Je le regarde et je commence par ma base pourpre, mais beaucoup plus saturé comme vous pouvez le voir. Encore une fois, parce que nous allons faire beaucoup de mouillé sur mouillé, nous voulons nous assurer que la zone sur laquelle nous travaillons est toujours humide. Peignons peut-être un, maximum deux pétales à la fois. Quand on fait nos veines, elles seront encore plus saturées que la tache. Vous pouvez voir ce que j'ai fait ici, c'est créer une tache avec violet, puis j'ai laissé un peu de mon carmin là-dedans. Vous pouvez aller avec le rose opéra ou la rose quinacridone, juste pour le rendre encore plus vibrant. Il sera vraiment beau, mélangé avec votre violet là-bas. Ce que je fais ici maintenant, c'est que je fais glisser la pointe de ma brosse à travers les pétales, en commençant par la zone sèche et vers le centre. Je commence humide sur sec, puis traîne dans la zone humide et il devient mouillé sur mouillé. Ce qui se passe ici, c'est que le début de la veine sera super précis. Ensuite, là où il frappe la tache humide, il se répandra un peu et se mélangera avec la couleur de fond. Maintenant, l'astuce ici est de s'assurer que votre point humide n'est pas trop humide. Tu ne veux pas trop d'eau sur ton papier. Vous voulez laisser votre eau s'enfoncer, peut-être une minute ou deux. Je peux vous montrer à quoi ça ressemble dans un angle. Vous pouvez voir comment la lumière le frappe. Il est mouillé, mais il n'est pas complètement débordant d'eau. C' est presque une demi-minute avant qu'il ne commence à se dessécher. Essayons encore une fois sur les pétales côté suivant. Je vais créer ceci un blob de couleur déchiquetée avec du violet, ajouter un peu de carmin, violet, peut-être plus violet. Maintenant, nous allons faire glisser ces lignes, et vous pouvez réellement le faire du centre vers l'extérieur ou dans l'inverse, n'a pas d'importance. Encore une fois, l'astuce est de s'assurer que votre papier n'est pas trop humide mais pas encore sec. Ici, je vais essayer de suivre la photo de référence beaucoup plus étroitement parce qu'il est facile de se laisser emporter avec ces lignes et ça commence à ressembler à une araignée. Quelques lignes plus épaisses, je vois cinq sur ce pétale, puis quelques petites lignes plus fines qui se ramifient. Une chose que vous pouvez faire est au lieu de simplement les faire en violet, combiner deux couleurs. Votre violet sur votre violet ou votre violet sur votre magenta. Cela ajouterait un peu d'intérêt visuel à votre peinture. Cela dépend de votre confort et de la qualité de votre brosse. Faisons le pétale avant. À présent, vous êtes familier avec le processus. Je vais peindre ma tache pourpre foncé. Pas encore trop sombre parce que je veux que les lignes soient visibles. Ensuite, je vais ajouter un peu de violet et de carmin juste pour le réchauffer. Plus violet sur la gauche parce que ce côté est loin du soleil. Le côté droit est plus susceptible d'attraper les rayons du soleil et de faire glisser quelques lignes préliminaires. Peut-être que j'ajouterai un peu plus de saturation là-bas. Attendez environ une minute et allez avec ma brosse fine depuis le centre. Très soigneusement, une ligne à la fois. Je teste juste pour voir, c'est comme si j'avais commencé un peu trop tôt. Ce n'est vraiment pas un processus scientifique. C' est très différent à chaque fois, alors pardonnez-moi, je ne vous donne pas un calendrier précis sur le temps que vous devez attendre avant que votre eau soit prête ou que votre surface soit prête. Vous le testez et voyez, est-ce que c'est trop répandu ? Tu vois toujours la ligne après avoir posé ton coup ? Si vous le faites, si vous voyez toujours cette ligne et qu'elle ne se fond pas dans l'arrière-plan, c'est le bon résultat que nous voulons. Vous pouvez voir sur le côté droit là-bas, j'ai commencé un peu trop tôt, donc ça se répand un peu plus hors de contrôle, mais ça va arriver. Il peut toujours être réparé. Nous pouvons toujours repartir avec une ligne plus saturée ou nous pouvons soulever la couleur. Tout est bon. Je pense que je suis heureux pour l'instant avec ce pétale. Ces deux premiers sont un peu différents parce qu'ils n'ont pas vraiment ces taches sombres. Je vais juste couvrir cette zone, la base du pétale avec de l'eau claire. Ensuite, faites quelques lignes violettes foncées comme elles apparaissent sur la photo de référence. De l'eau claire pour obtenir cette belle propagation. Là où notre ligne n'est pas trop précise, elle semble plus naturelle. On y va. Encore une fois, laissez sécher et assurez-vous qu'il est complètement sec avant d'effacer le liquide de masquage. Il est super important de s'assurer que votre papier est complètement sec avant d'effacer le liquide de masquage. Encore une fois, je lui ai donné environ six heures cette fois. Avec ma gomme rétractable, je vais juste enlever le liquide de masquage dans les zones où je l'ai mis et ensuite nous allons les réparer dans la phase finale, qui est notre phase de finition. C' est vraiment l'occasion pour nous de jeter un coup d'oeil à la peinture globale. Maintenant que les pigments sont tous secs, et comme la plupart d'entre vous le savent, aquarelles quand ils se dessèchent, ils ont l'air moins éclatants. C' est presque prêt. C' est à ça que ça va ressembler pour aller de l'avant. Nous pouvons maintenant terminer cela en corrigeant quelques détails mineurs. Comme en particulier, vous trouverez lorsque vous retirez le liquide de masquage, il y aura quelques bords qui ont besoin d'attention. Nous pouvons vouloir ajuster nos couleurs à certains endroits, peut-être augmenter certains d'entre eux. Je vais commencer par le centre de la fleur juste pour la réchauffer, faire éclater ce spot. C' est un beau contraste avec le violet, donc je veux le rendre plus prononcé, plus intense. La deuxième chose que je vais faire est maintenant aller mouillé sur sec avec la pointe de ma brosse et peut-être ajouter quelques veines de plus, mais comme beaucoup plus mince que je l'ai fait avant. Vous pouvez voir sur la photo de référence en particulier au bas de la fleur, il y a beaucoup plus de petites lignes et veines qui sont presque de couleur magenta. Je vais le faire juste pour rester fidèle au sujet et ajouter un peu d'intérêt visuel. Mais comme je l'ai déjà mentionné, c'est assez facile d'en faire trop. Vous ne voulez pas qu'il ait l'air à deux points ou comme un zèbre avec des lignes allant de haut en bas. Ne sois pas trop généreux avec tes lignes. Peut-être qu'on s'en tient au fond. Une autre chose que je vais faire est d'accentuer ces ombres sur le dessus des pétales latéraux et peut-être ajouter un peu plus de détails là-bas sur le bord. Encore une fois, en regardant de très près la photo de référence. Maintenant, ce que nous faisons, c'est juste le rendre plus réaliste, plus unique. Peindre ces petites imperfections et ajouter un peu plus de définition à nos ombres. Je pense que je suis content de ce côté. Je vais passer au pétale latéral sur la gauche et faire quelque chose de similaire, ajouter un peu plus de carmin juste là dessus. Encore une fois, c'est juste parce que je sais que le soleil brille presque à travers ce pétale, donc il devient beaucoup plus chaud de couleur. Ensuite, sur les bords, je vois des taches là-bas que je veux inclure. Ces deux plis sur le dessus du pétale avant, veulent s'assurer que je ne les laisse pas blancs. Couvrez-les avec un lavage très léger de violet. Maintenant, passons au sommet. Je vais juste passer en revue avec de minuscules coups. Encore une fois, toujours en suivant la direction du pétale à partir du bord vers le bas juste pour ajouter un peu plus d'intérêt là-bas et ensuite peut-être stimuler l'ombre. Cette zone n'est vraiment pas directement à la lumière du soleil, donc je vais la rendre un peu plus sombre. Peut-être une autre tache bleue. Nous en avons un sur le pétale avant, mais ici je vois une occasion d'en ajouter un autre. C' est bien parce qu'il va tout attacher ensemble, haut et bas en utilisant le bleu phthalo et juste sur le bord, en le mélangeant. En voici un autre. Peut-être que cette partie n'est pas si fidèle à la photo de référence, mais j'ai l'impression qu'elle est encore assez naturelle pour que notre seule tache bleue d'avant ne semble pas complètement déplacé. C' est à propos de ça. J'espère que vous avez apprécié le processus. Nous suivrons une variation de ce processus sur les deux prochaines fleurs avec quelques ajustements pour la couleur, bien sûr, et certaines des étapes. Mais dans l'ensemble, j'espère que vous avez apprécié la superposition et l'utilisation différentes techniques d'aquarelle du début à la fin pour construire une forme de fleur réaliste. Je te verrai dans la prochaine leçon. 7. Pansy - Partie 1: Dans cette leçon, je vais vous montrer comment peindre la pansée rouge. La chose intéressante à ce sujet est que les couleurs que nous allons utiliser sont pratiquement les mêmes que celles que nous avons utilisées dans la leçon précédente pour le pansy violet, mais en les arrangeant d'une manière différente et en les superposant d'une manière différente, nous sommes va atteindre un résultat complètement différent. Commençons et comme nous l'avons fait dans la fleur violette, je vais créer un contour. Je le dessine à la main. Mais si vous n'êtes pas à l'aise de le dessiner à la main, hésitez pas à utiliser le contour noir et blanc que j'ai enregistré pour vous dans les ressources de classe sur le site de partage de compétences. Vous pouvez également passer en revue l'une des leçons précédentes où je vous ai montré une technique très simple sur la façon de créer un contour de crayon précis. Le crayon que j'utilise, et que je recommande d'utiliser sur du papier aquarelle est 2H ou 4H, donc un crayon dur. Nous ne voulons pas laisser de traces de graffiti sur le papier, et si vous faites des erreurs, vous pouvez l'effacer avec n'importe quelle gomme douce. J' aime mes effaceurs rétractables minces parce qu'ils ne ramassent que ce que j'ai besoin d'eux pour ramasser. Une fois que notre contour est prêt, posons un peu de liquide de masquage. Ce que je vais faire est un peu différent de ce qu'on a fait dans la fleur pourpre. Je couvrirai les deux grandes taches blanches au milieu. Mais en termes de contours, si vous regardez la photo de référence, ce que nous devons faire est en fait créer une bordure très fine entre chaque pétale. Sur la fleur pourpre nous l'avons fait seulement du côté ensoleillé, et cette fleur nous allons tracer chaque bord qui est entouré de couleur. J' utilise mon shaper en caoutchouc comme applicateur et vous pouvez utiliser une allumette ou une vieille brosse. Je suis juste lentement taper et faire ma ligne mince, la taille de ce shaper de couleur est double zéro, donc il est facile pour moi de faire cette ligne mince. Vous pouvez utiliser une brosse synthétique en taille un ou zéro, il fonctionnera très bien ou une allumette et juste créer cette belle séparation entre les pétales. Comme je l'ai mentionné précédemment si vous n'avez pas de liquide de masquage, c'est très bien vous pouvez juste peindre pétale par pétale laissant une bordure blanche très mince entre les pétales. Vous pouvez également le réparer plus tard avec badigeon si vous faites une erreur ou peignez sur la zone. Maintenant, commençons notre deuxième étape et s'il vous plaît assurez-vous que votre liquide de masquage est complètement sec, je lui ai donné environ une heure. Notre objectif dans cette étape est d'établir le schéma de couleurs global. Nous allons appliquer nos couleurs mouillées sur mouillé, ce qui signifie que nous allons mouiller la zone et y ajouter des couleurs supplémentaires, et je vais faire quelque chose de différent ici avec le centre jaune dans la fleur violette que nous avons peinte en dernier. Je vais vous montrer un peu d'un flux différent où nous allons d'abord peindre le centre jaune et ensuite suivre avec notre couleur rouge de base. Peu importe la façon dont vous le faites tant que vous laissez un peu de temps entre votre centre jaune et votre couleur de pétale de base. J' ai commencé avec mon jaune chaud du noyau et je suis juste suivi avec un léger lavage de main dire jaune profond, vous pouvez même essayer un orange clair. Je le mélange avec de l'eau vers le centre du pétale et juste une petite goutte de vert. Maintenant, je vais laisser ça sécher pendant environ une demi-heure juste pour m'assurer que ça ne perturbe pas la couleur en dessous. Vous pouvez lui donner encore plus de temps et je vais suivre avec notre couleur rouge de base. J' utilise le carmin, c'est un rouge très sympa de Daniel Smith. Vous pouvez utiliser quelque chose comme Alizarine permanente pourpre ou tout rouge frais que vous avez dans votre palais. Je vais peindre des pétales après des pétales afin que je puisse m'assurer que la zone sur laquelle nous travaillons est humide lorsque j'ajoute des couleurs supplémentaires et que j'utilise ma brosse ronde moyenne, marron synthétique d'Escoda. vraie sable fonctionnera probablement encore mieux, mais je suis assez heureux avec ce substitut synthétique. Ils durent plus longtemps et bien sûr, il y a beaucoup moins cher et cette couleur fait un merveilleux, merveilleux substituts pour la vraie sable. Je vais juste étaler mon carmin sur ce pétale. Juste comme ça, je ne suis pas trop inquiet du fait que certaines zones sont peut-être un peu plus saturées, nous allons travailler sur eux beaucoup plus et poser beaucoup plus de couches. Pour l'instant, je suis très content de la façon dont ça sort et maintenant je vais commencer à laisser tomber ma violette. J' utilise la quinacridone violette du noyau. C' est très, très vibrant comme les couleurs de base ont tendance à l'être, et j'applique ces lignes dans la direction des pétales à partir du bord et vers le milieu. Je regarde le pigment se propager. Vous obtenez cette ligne faible, mais la couleur se propage dans toutes les directions et maintenant nous allons faire quelque chose de similaire sur le pétale à droite. Encore une fois, le carmin de base ou n'importe quel rouge cool avec lequel vous travaillez. Au fait, si votre rouge est plus sur le côté orange chaud, c'est absolument bien. Il va juste finir par avoir l'air un peu plus chaud dans l'ensemble. Ici, je peux voir sur la photo de référence, le côté inférieur du pétale est beaucoup plus sombre et cela a du sens parce qu'il est loin de la lumière du soleil. Je vais le rendre un peu plus saturé là-bas et ensuite déposer un tas de quinacridone violet aussi sur les bords. Je vais retourner à mon pétale gauche, ajouter un peu plus de violet là-bas. Il sèche, mais il est encore humide. Je peux ajouter plus de couleur là-bas et maintenant encore plus de carmin saturé juste en ajoutant ces taches ombragées et ce que cela fait c'est qu'il crée une texture très douce sur le pétale. C' est un très bon début pour nous et cela va donner certaine variation de ton et nous pouvons travailler avec cela dans les prochaines couches. Maintenant, attrape ton brun chaud. Vous pouvez utiliser toutes sortes de différents bruns rougeâtres et cela fonctionne vraiment bien ici pour les ombres en dessous et peut-être contre-intuitif d'utiliser le brun ici, mais cela fonctionne assez bien. La raison pour laquelle j'utilise le brun plutôt que violet est parce que je sais que le pétale avant jette quelques réflexions sur ces deux pétales latéraux et ce sont des reflets chauds. C' est pourquoi le brun chaud fonctionne très bien. Vous pouvez utiliser quelque chose comme la matière terrestre de Winsor Newton. J' ai utilisé du pérylène marron de Daniel Smith et maintenant faisons le pétale avant. C' est similaire à ce que nous avons fait avec notre fleur pourpre. Ici, je vais commencer avec plus de carmin saturé , puis le mélanger avec de l'eau claire vers les bords du pétale. La raison pour cela est que ce pétale est vraiment plus orienté vers le soleil, donc il est beaucoup plus léger. Je veux m'assurer que je commence la lumière, surtout sur les bords, mais bien sûr que nous nous dirigeons vers le milieu de la fleur, il sera plus saturé. Maintenant, je vais suivre avec un peu de violet à gauche et droite où les pétales se plient et il y a un peu d'ombre. Maintenant, dans ces plis que j' ai dessinés, je dois m'assurer que je laisse un peu plus de couleur saturée, et selon la taille de votre bord, le placement de ces ombres sera un peu différent pour vous par essentiellement en le jugeant par la direction de la lumière. Je m'assure que tout ce qui est en quelque sorte dans la rainure loin du soleil, je suis en train d'ajouter Carmine et ensuite de suivre avec mon brun chaud, ou plus spécifiquement marron parallèle. Maintenant, faisons les pétales supérieurs, je vais commencer par un lavage très léger marron parallèle et ensuite suivre avec Carmine, encore une fois, très léger. En regardant ma photo de référence, ils ont ces taches brunâtres, c'est pourquoi j'ai commencé avec un marron parallèle ou un brun chaud si vous utilisez du brun, puis avec mon rouge. La clé ici est de le garder super léger. Ensuite, suivez avec vos rouges, encore une fois, vous assurant que j'utilise la pointe de ma brosse dans le sens du pétale. Donc, de haut en bas vers le centre de la fleur, et enfin, en ajoutant un peu de violet, surtout en bas. Cette partie n'est pas vraiment n'importe où dans le chemin de la lumière du soleil, donc il va être plus sombre, puis quelques lignes mouillées sur mouillé, juste pour identifier les plis du pétale. Ce dernier pétale comme vous l'avez probablement deviné, il va faire assez sombre. C' est tout le chemin à l'arrière. Je vais commencer avec plus de carmin saturé, puis suivre avec un peu de violet, peut-être revenir au pétale précédent, un peu plus de paire brun-rouge, et juste là où il touche sur les deux autres pétales, je vais ajouter plus d'ombre. Encore une fois, à ce pétale, il est encore mouillé. Je peux y ajouter plus de saturation, plus de brun chaud. Encore une fois, brun chaud par opposition à dire violet cool parce que nous obtenons un peu rebondi du pétale à l'avant, et de sorte que l'ombre est très chaude. Maintenant, passons à notre couche de définition, et celui-ci est probablement le plus délicat parce que ce n'est pas si facile de suivre la photo de référence, donc je vais la suivre librement ici. Notre objectif est de vraiment définir nos zones d'ombre maintenant humides et sèches, ce qui signifie que les couches précédentes sont complètement sèches, et maintenant les coups que je pose et maintenant les coups que je poseont des bords très durs à moins que je ne les mélange avec de l'eau, et mon pigment est un peu plus saturé. Ensuite, dans la couche précédente, encore une fois, je suis strictement la direction du pétale du bord vers le bas. Les couleurs sont pratiquement les mêmes. Carmin, violet et marron parallèle. Donc, votre couleur de base, votre couleur violette, et votre brun chaud, gardez votre brun chaud pour les zones ombragées qui obtiennent des reflets d'autres pétales, et les zones les plus sombres vont être vers le centre de la et aussi sur ces pétales latéraux, au bas de chacun de ces pétales latéraux. Donc vous pouvez voir ici le pétale gauche, en fait je couvre presque toute la moitié inférieure avec ma violette et le mélange avec de l'eau, assurant qu'il reste très sombre, puis en ajoutant mon marron parallèle. Je vais faire la même chose à droite. Une couche de violet quinacridone couvrant presque toute la moitié inférieure. Alors, je vais en fait laisser tomber un peu de violet juste pour vraiment le reculer. Visuellement, le violet m'aidera à rendre cette zone plus fraîche et plus sombre. Donc, en plus de violette et marron parallèle, vous pourriez utiliser un peu de violet là-bas. Mélangé et ajouter quelques rainures supplémentaires du bord vers le milieu de la fleur. Maintenant, faisons le même exercice sur le dernier pétale. En fait, ce n'est pas notre dernier, c'est juste le pétale avant et nous avons encore un pétale à l'arrière. Mais ce que je fais, c'est, comme vous pouvez le voir, je double sur les zones identifiées dans mon calque d'arrière-plan sont les zones d'ombre, et juste les parcourir maintenant, humides et sèches, créant des arêtes plus définies pour ces ombres et ces rainures. Même principe, la direction de chaque pli est du centre vers le bord ou du bord vers le centre, selon votre préférence. Mais il devrait vraiment toujours suivre la direction du pétale tout le chemin vers le centre de la fleur. Principalement, j'utilise le violet et parfois mon brun chaud, mon marron parallèle. Maintenant, ajoutons un peu de définition au milieu, donc j'utilise sève green et je vais juste définir quelques zones ombragées là-bas. Donc quelques-uns sur le pétale supérieur, et là au centre. le mélangeant avec de l'eau, et peut-être que vous pouvez même ajouter un peu d'orange profond ou chaud anti-jaune si vous l'utilisez dans le calque d'arrière-plan. Je te verrai dans la prochaine leçon. 8. Pansy - Partie 2: Maintenant, la partie amusante, nous allons faire le calque d'accent. C' est ma partie préférée. On va faire ces taches, et ajouter des veines sombres sur les fleurs. Ça commence à paraître plus réaliste. Si vous le souhaitez, vous pouvez vous aider et créer ce contour des taches avec votre crayon d'abord. Je le regarde juste en utilisant la dioxazine pourpre de QoR. Très dynamique, se marie vraiment bien avec les quinacridones. Nous allons utiliser un mélange de technique humide sur humide et humide sur sec. qui signifie que je vais créer cet endroit alors qu'il est encore mouillé, ajouter un tas d'autres couleurs comme si j'ai juste laissé tomber un peu de mon carmin pour lui donner un coup de pouce. Ensuite, nous allons attraper beaucoup plus de violet saturé, et peindre ces veines de fleurs. Mais pas encore. Laisse entrer cette eau. Je vais faire un autre endroit sur la droite avant de commencer notre méthode mixte humide sur humide et humide sur sec. Nous y voilà, nous avons deux places. L' eau s'enfonce. Il n'est pas trop humide, il n'y a pas d'eau sur le dessus. Vous pouvez voir dans le reflet de la lumière. Mais il est encore assez humide. Ce que je vais faire avec ma brosse fine, c'est faire glisser quelques lignes, en commençant humide sur sec. Je commence tout le chemin sur la zone sèche du pétale, puis les traîne jusqu'à la zone humide. Là où ce n'est que le début de la ligne, humide sur sec, ça va être très tranchant. Là où il commence à passer sur le point humide, votre ligne va se répandre. Ce ne sera pas aussi précis. Si c'est trop répandu, donnez-lui une minute de plus, laissez cette eau couler dans un peu plus. En regardant la photo de référence, trouvez le bon emplacement pour ces veines. Vous pouvez également le faire dans la direction opposée. Vous pouvez commencer sur l'endroit humide et ensuite le faire glisser vers la zone sèche du pétale, comme je le fais ici sur le bon pétale. La clé ici est de ne pas être trop excité comme je le fais parfois, et de créer trop de lignes. Je vais juste le garder à trois ou quatre lignes principales, puis quelques petites ramifications. Vous pouvez les terminer mouillé sur sec avec votre base rouge, avec votre carmin, juste pour ajouter un peu de variation et d'intérêt visuel. Ici, vous pouvez voir sur le côté droit, mes lignes se répandent beaucoup trop. Cela veut dire que le papier était trop humide, et cela arrive parfois. C' est vraiment un processus imprévisible comme c'est généralement le cas avec un mouillé sur mouillé. Ne vous inquiétez pas trop si ça se propage trop loin. Encore une fois, donnez-lui une minute, et répétez le même processus sur le pétale avant ou notre dernière place. Faites le lavage de base avec du violet, puis ajoutez votre rouge et violet pour booster. Laisse tomber cette eau dans ton papier. C' est pourquoi je recommande uniquement du papier aquarelle professionnel parce que cet effet ne serait pas possible sur un papier ordinaire qui n'est pas 100% coton. Maintenant, essayons ces lignes. On dirait qu'il est trop humide en ce moment, mais essayons encore. Peut-être que j'ai commencé un peu trop tôt. Je vais juste les revoir une fois de plus, ajouter quelques branches plus minces, et encore une fois, passer sur les lignes avec plus de violet saturé, et laisser sécher. Maintenant, une fois qu'il est complètement sec, vous pouvez voir qu'il commence à paraître très proche de fini. Fais en sorte que tu lui donnes assez de temps, comme je lui ai donné environ six heures dans cette affaire. Maintenant, effacons le liquide de masquage. J' utilise ma gomme plus fine, donc je ne soulève pas d'autres zones de papier où j'ai déjà des pigments. S' il n'est pas assez sec, il va se tacher ; alors assurez-vous qu'il est complètement sec. Maintenant, continuons. Maintenant que nous avons révélé nos zones blanches, il est temps de finir notre fleur. Les touches de finition comprennent quelques choses. Nous allons corriger toutes les erreurs mineures que nous voyons, et généralement, elles apparaissent lorsque vous supprimez le liquide de masquage. Il peut y avoir des zones inégales. Nous pourrions ajouter quelques veines plus minces avec plus de pourpre et de rouge saturé. Pour cette fleur particulière, je veux aussi esquisser les pétales. En regardant la photo de référence, je vais créer un contour très fin. Prenez votre plus petit pinceau et faites simplement un contour très fin. J' utilise le violet, peut être le même rouge. Vous pouvez varier la couleur, mais c'est tout à fait différent de notre fleur pourpre qui avait un bord très défini. Ce rouge a une bordure blanche autour. Si vous peignez cette fleur et ajoutez un arrière-plan, vous n'aurez pas besoin de créer un contour tout autour, juste pour vous assurer que votre bordure ne touche pas les pétales et laisser un peu d'espace entre les deux. Mais dans ce cas, je peins sur du papier blanc. Je vais juste créer ce contour très faible. C' est vraiment une chance pour nous de regarder l'équilibre global des couleurs. Si quelque chose ne semble pas bien, s'il y a des zones trop claires, nous pouvons rendre ces ombres plus intenses en ajoutant quelques lavages supplémentaires. Pour l'instant, cependant, je vais juste continuer avec brun chaud, mon pérylène marron, et ajouter quelques détails sur ces taches blanches. Si vous regardez de près la fleur, ils ressemblent à de petites boules de fourche. Il y a des fibres là-bas. Je vais créer un peu plus de définition. Maintenant, c'est de ça que je parlais. J' ai l'impression que nous avons besoin d'ajouter plus d'ombres, le bas de nos pétales latéraux pour vraiment créer plus de variation dans le ton. Cela nous aidera à atteindre cet aspect réaliste. La raison pour laquelle je ne l'ai peut-être pas vu quand nous faisions les couches précédentes est parce que quand vous peignez mouillé sur mouillé, l'eau rend vos pigments plus sombres, quand il sèche, si vous avez peint avec aquarelles pendant une longue période, vous savez qu'il semble généralement plus léger. Je m'attendais à voir certaines zones qui auront besoin d'un peu plus de pigment et d'un peu plus de saturation. Maintenant, je vais juste ajouter du pérylène marron et même violet juste pour vraiment m'assurer que les ombres sont complètement définies. Une autre zone d'ombre que nous avons déjà couverte est bas du pétale supérieur, plus près de l'intérieur. Encore une fois, je vais utiliser un peu de brun chaud là-bas et violet. Peut-être ajouter quelques lignes et détails sur le pétale lui-même avec plus d'un lavage plus léger. Tout comme nous l'avons fait avant, en dirigeant toujours nos coups du bord et vers le centre. La même chose sur ce pétale sur le dos, juste quelques coups, juste un peu plus de variation de ton, rendant plus réaliste, identifiant ces petites rainures sur le pétale. Encore une fois, pas nécessairement exactement comme nous les voyons sur la photo de référence, mais suivant le même principe. Vous devriez avoir, à ce stade, une belle palette de couleurs de guidage avec votre calque d'arrière-plan, votre calque de définition et votre calque d'accentuation. Vous savez où sont ces zones ombragées, alors ajoutez-y plus de coups comme bon vous semble. Je vais ajouter quelques détails au centre et peut-être plus de définition à ces veines. Si vous vous souvenez, quand nous faisions cette couche, ma tache était trop humide, donc mes veines se répandaient trop loin. La couleur se dissout dans l'eau. Ils ne sont pas très définis. Je vais y ajouter plus de définition. On a fini. Va par-dessus ta fleur encore une fois. Si vous avez l'impression qu'il y a une possibilité d'ajouter des couleurs ou de soulever des couleurs avec une brosse humide transparente, vous pouvez le faire. Je pense que si vous suivez les étapes dans cet ordre et que vous peignez de très clair à sombre, vous devriez voir votre fleur émerger à ce stade. Tout ce dont vous avez besoin est de le laisser sécher, et vous pouvez soit ajouter des feuilles, soit les scanner, en faire un motif. J' aime vraiment faire des motifs de conception de surface avec mes fleurs d'aquarelle. J' espère que vous êtes satisfait de vos résultats. Dans la leçon suivante, je vais vous montrer comment peindre une pansy jaune, ce qui est probablement le plus facile de tous. Je te verrai dans la prochaine leçon. 9. Pansy jaune - Partie 1: Dans cette leçon, je vais vous montrer comment peindre la Pansy jaune. Notre première étape sera un contour de crayon et nous suivrons le processus similaire, mais nous allons sauter le liquide de masquage et je vais vous montrer comment peindre un Pansy juste en plaçant nos pigments autour de vastes zones. Encore une fois, je vais utiliser un crayon dur ici, juste en passant lentement autour de chaque pétale, créant un contour très faible et vous remarquerez que cette fleur particulière est un peu sur un angle, par opposition aux deux premières Pansies que nous peint, mais le processus sera très similaire. Donc, je vais commencer au milieu, trouver mon centre, puis construire mes pétales à partir du centre. Je ne vais pas décrire ces grandes taches sombres au milieu parce que cette fleur est vraiment légère, nos couches seront translucides, et donc quand nous approchons d'une étape de peinture de ces contours sombres, je pourrais mettre quelques crayons marques alors, mais je ne le ferai pas maintenant. Lorsque votre contour sera prêt, nous commencerons avec notre première couche de peinture, notre couche de fond et notre objectif ici est, encore une fois, juste d'établir le schéma de couleurs global. Comme je viens de le mentionner, veuillez garder vos couches super légères ici afin que vous puissiez même commencer avec de l'eau claire si c'est utile. Notre couleur de base est jaune, vous pouvez commencer avec de l'eau claire et simplement ajouter votre couleur jaune de base très lentement. Mais j'ai commencé avec un lavage très léger et j'ajoute un peu plus de pigment vers le centre de mon premier pétale, se terminant par juste une petite pièce de vert Sap. Maintenant, comme ma peinture sèche et que le papier absorbe lentement l'eau, je vais ajouter un peu de Hansa Yellow Deep, ce qui est mon choix pour mon orange clair, juste là au milieu. Créons la couche d'arrière-plan pour notre pétale avant. Encore une fois, je fais un lavage très léger de jaune et je vais utiliser du jaune plus intense, plus saturé jaune vers le centre, puis déposer un peu de ma Hansa Yellow Deep, juste là, presque au milieu de la fleur. Vous remarquerez que j'ai évité de mettre de la couleur au centre même de la fleur, nous allons travailler dessus plus tard. Maintenant, faisons le pétale gauche. Après avoir posé ma base jaune, je vais ajouter un peu de mon brun chaud et ma Hansa Yellow Deep tout en bas du pétale, il y a beaucoup d'ombres qui se passent. La pièce importante sera de capturer les reflets du pétale avant qui sont jetés sur le pétale arrière. Pour l'instant, gardons juste très léger, nous reviendrons dans cette zone, encore et encore, pour obtenir toutes les ombres correctement. Maintenant, faisons le pétale à droite. Plus je descends, plus mon jaune sera intense, encore une fois, c'est parce qu'il y a beaucoup d'ombre là-bas. Je vais laisser tomber un peu de mon brun chaud et mon orange clair et certaines de ces zones que je vois devront être dans l'ombre. Très vite, le dernier pétale en arrière-plan, juste un peu de notre base jaune. Laissez cette couche sécher complètement ; je lui ai donné environ deux heures et nous allons commencer à définir nos zones de lumière et d'ombre, mouillées sur sec, et construire ma saturation à mesure que je vais. A partir du bord, vous verrez sur ce pétale et aussi celui à droite, plus tard, je vais utiliser mon brun chaud. En utilisant le bord du pétale comme guide, je vais peindre ces ombres comme je me déplace vers le haut, transition lentement vers un lavage très léger de vert, que toute la zone est dans l'ombre, comme vous pouvez le voir sur la photo de référence, continuer en ajoutant un peu de mon brun chaud et un peu d'orange mélangé ensemble, encore une fois, super léger, et enfin , vers le milieu, vers le centre de la fleur, je vais finir avec un beaucoup jaune plus saturé, donc juste quelques nuances plus foncées que le jaune de base. Plus orange en bas, en le mélangeant avec du jaune et voilà. Le résultat est, nous avons laissé quelques points saillants sur les bords du pétale juste en ne touchant pas le papier du tout, et puis nous avons une belle variation de couleur sur le reste de la surface. Essayons la même chose sur ce pétale supérieur. Je vais commencer par peindre l'ombre avec un léger mélange de brun , puis passer au jaune chaud et orange vers le centre de la fleur. Encore une fois, remarquez que je laisse des espaces complètement vides et ce sont mes points forts et ceux sont tous vers le bord du pétale. Faisons ce pétale à droite. Encore une fois, je commence avec un brun chaud, un lavage très léger, passant à un jaune plus saturé et en soulignant simplement ces rainures en utilisant le bord du pétale comme guide. Je sais que le côté de chaque pli qui est loin de la lumière du soleil sera dans l'ombre et donc il sera plus sombre. Maintenant, faisons ce pétale arrière, le plus sombre. Techniquement, même si nous ne pouvons pas tout à fait le voir sur la photo de référence, mais j'ai commencé avec un jaune chaud et vers le centre, j'ai ajouté un peu plus brun. Maintenant, faisons le pétale avant. Celui-ci est le plus léger et nous devrions le garder ainsi, surtout vers le bord. Encore une fois, nous allons juste tracer quelques plis avec un lavage très, très super léger, plus chaud jaune, et orange vers le milieu, étaler autour, juste accentuer quelques ombres, peut-être plus vers le centre, Et maintenant cette zone tout le chemin au milieu, elle est dans l'ombre, et j'ai dit que nous allions y revenir plus tard ; juste en utilisant du vert Sap pur pour peindre l'ombre en dessous, autour de ça au centre, et encore sur le côté où nous voyons le pétale droit courbé vers l'intérieur, puis un peu sur le dessus. Encore une fois, la meilleure chose que vous pouvez faire à ce stade est de garder vos pigments légers parce que nous ne pouvons jamais revenir en arrière et effacer des choses à moins de soulever votre couleur avec une brosse humide, ce qui n'est pas toujours réussi, nous n'avons vraiment pas d'autres autre que la peinture de la lumière à l'obscurité, c'est ce que sont les aquarelles. Alors gardez-le très léger et construisez votre saturation lentement. Maintenant, je pense que nous pouvons laisser cette couche sécher et dans la leçon suivante, nous allons passer en revue notre couche d'accent et nos finitions. 10. Pansy jaune - Partie 2: Finissons notre pansy jaune avec les deux dernières couches, et notre couche d'accent se concentrera principalement sur ces taches sombres sur les deux pétales latéraux, ainsi que sur le pétale avant, et nous peindrons également ces fines veines combinant mouillé sur mouillé et humide sur les techniques sèches. Je vais commencer par le violet et mettre un lavage assez sombre au début, pas aussi sombre que ce que nous avons utilisé sur notre pansy pourpre. Juste parce que encore une fois, cette fleur est très légère, et nous voulons nous assurer que nous voyons encore un peu de jaune en dessous. Alors qu'il est encore humide, cette première place, je vais ajouter un peu de notre brun chaud, et maintenant je vais suivre avec un peu de violet et un peu plus violet vers le centre. Nous avons une belle variation de couleur capturant encore ces faits saillants, et je vais utiliser ma brosse fine, juste une pointe de la brosse juste pour traîner le pigment dans quelques endroits, et ce sera le début de nos veines. Encore une fois, nous suivons la progression naturelle des pétales et l'effet naturel de la lumière, sorte que nos pigments sont plus saturés vers le centre. Je vais le laisser sécher, on y reviendra plus tard. Je veux juste que l'eau commence à s'enfoncer avant d'y revenir, et en attendant, je vais peindre cet endroit sur le côté gauche. abord, un lavage très léger de violet, un peu de brun chaud, et maintenant je vais suivre avec un peu de violet, suivi de quelques gouttes de violet plus saturé vers le milieu. Je vais utiliser la pointe de ma brosse et un violet beaucoup plus saturé, en mettant quelques lignes sur le côté droit à cet endroit droit, mouillé sur mouillé, puis je vais faire quelques détails sur le bord juste commençant à tracer les taches où vont être nos veines. Je vais laisser sécher et regarder les pigments se propager tant qu' il y a un léger contour de la veine, je suis très heureux. Je pourrais y revenir et ajouter un peu plus de détails plus tard. Maintenant, faisons la tache sombre sur le pétale avant. Même processus, je vais commencer par un léger lavage de violet, ajouter un peu de brun, plus violet vers le centre, puis en veillant à ce que le bord n'est pas une ligne droite, mais plus en suivant les plis de le pétale commence à tracer ces veines, et un peu de brun plus chaud, peu de violet, très léger. Laissez-le reposer un peu, laissez l'eau couler dans le papier. J' ai attendu exactement 60 secondes, et maintenant je vais utiliser la pointe de mon pinceau et un marron pérylène très saturé juste pour peindre ces lignes, peut-être essayer violet au lieu de pérylène marron. C' est un peu plus sombre. J' ai l'impression que ma surface est encore trop humide. Vous pouvez voir que le pigment se propage, encore une fois cela arrive tout le temps, tout ce que nous avons à faire est juste de lui donner 30 secondes de plus et essayer à nouveau. Essayons-le sur le côté gauche, sur le côté droit. Maintenant, ça marche beaucoup mieux, donc on obtient ce bel effet de pigments qui se répandent, mais pas trop loin et je pense que je vais le laisser là. C' est une fleur très légère et je ne veux pas ajouter trop de détails durs. Maintenant, il est temps de terminer la touche. Notre objectif ici est de revoir le travail final, corriger les erreurs, ajuster notre balance des couleurs si nécessaire. En d'autres termes, nous allons rendre nos zones d'ombre plus sombres et nous allons tracer et travailler autour ou mettre en évidence les zones, et nous allons utiliser la technique humide sur sec. Nous n'avons pas besoin d'effacer le liquide de masquage dans ce cas, comme nous l'avons fait dans les deux premières fleurs, donc nous pouvons simplement passer à la finition de notre fleur. Avant de commencer, je voulais juste vous montrer le mélange que j'ai fait, et ce sera le mélange que je vais utiliser pour nos ombres sur cette fleur. C' est l'un de ces rares cas où nous ne allons pas mélanger les couleurs directement sur du papier, mais plutôt les prémélanger dans notre palette, et essentiellement ce que j'ai fait c'est que j'ai commencé avec mon vert sève. J' ai laissé tomber un peu de notre base, jaune dans ce vert, puis j'ai ajouté mon brun chaud, mon pérylène marron. En fin de compte, avec un peu plus d'eau, j'ai cette couleur olive, et ce sera la couleur que nous allons utiliser pour les ombres. La raison pour laquelle cela fonctionne est parce que ce mélange contient les couleurs principales que nous avons utilisées dans tout le pétale, et il nous permettra d'avoir ces ombres capturant une partie de la lumière qui est rebondi des pétales sur d'autres pétales. Par exemple, à partir du pétale avant, sur les pétales latéraux tout en gardant la palette globale cohésive. Même si c'est un peu un lavage plus sombre que nous allons appliquer, il va contenir toutes les couleurs que nous avons utilisées auparavant. Nous allons le garder au chaud, et nous ne voulons pas utiliser de bleus ou de violets préfigurés ici, mais cela va toujours marcher pour nous aider à trouver les zones qui ne reçoivent pas autant de lumière. Ce que vous me verrez faire au début, c'est me concentrer sur les zones au-dessus du pétale gauche et aussi au bas du pétale gauche. Je vais juste doubler sur ces ombres un peu plus, en utilisant notre mélange. Je vais passer à la pédale supérieure. Beaucoup d'ombres là-bas, et je vais juste accentuer les bords et les plis là-bas. Tout ce qui est loin du soleil, je vais le rendre un peu plus sombre. Il va y avoir beaucoup plus vert quand je me déplace vers le centre parce que c'est la partie qui va finalement toucher la tige, donc beaucoup plus verte là-bas. Maintenant, faisons le bon pétale. Encore une fois. Je vais vraiment doubler sur mes ombres. Il y en a une au milieu de cette pédale et une autre au bas. Passant au pétale avant, celui-ci, je veux m'assurer que je le garde léger. L' angle de ce pétale est vraiment orienté vers la lumière, donc je vais juste utiliser un jaune plus saturé. En revenant à mon pétale supérieur, un peu plus de notre jaune de base mélangé avec un peu de notre tempête orange et un peu plus haut. Mes coups suivent la direction de la pédale, toujours du bord vers le centre, et quelques détails orange en bas. Je pense que ça commence à paraître très près de fini alors que je regarde mes pigments se dessécher. Je vais passer au centre de la fleur, et ici, je pense que pour la première fois je n'ai pas peur d'utiliser un vert tout à fait saturé. Beaucoup de contraste en utilisant vert sève et juste des coups vraiment minuscules autour de ce petit détail. C' est presque une forme circulaire, créant beaucoup de contraste là-bas qui nous aidera à ajouter plus de profondeur. Maintenant, vous remarquerez que j'ai aussi fait quelques petits détails sur la pédale inférieure avec mon brun chaud, et ce sont les zones où vous voyez le verso du pétale. Encore une fois, cela nous aide à créer un sentiment de profondeur, et finalement je remarque que je pourrais utiliser un peu plus chaud brun sur le pétale avant vers le centre. terminer, je vais mettre une autre couche, une très grande couche, juste près de la moitié du pétale sur cette zone à gauche, où je vois beaucoup d'ombre. De même, parce que c'est le même angle, je vais utiliser notre mélange vert, brun , jaune sur le côté droit, et un peu plus sur le dernier pétale, celui qui regarde juste de l'arrière et c'est pour le remettre visuellement. Maintenant, notez que je vais revenir, et ajouter beaucoup de notre chaud, jaune, humide sur humide dans cette ombre et c'est le reflet dans l'ombre dont je parlais. Vous pouvez le voir assez clairement sur la photo de référence, donc même si ce côté de la pédale est détourné de la lumière, il obtient un peu de couleur jaune rebondissant du côté inférieur des pédales. C' est à propos de ça. Nous pourrions théoriquement revenir et ajouter beaucoup plus de détails sur les veines comme nous l'avons fait sur notre pansy violet et rouge, mais je veux garder la lumière pour cette pansy jaune parce que notre base est si légère et la sensation globale de ce pilote est très légère et translucide, je veux éviter de mettre dans des violettes plus sévères ou violettes, donc je vais le laisser à ce stade, moins de détails, moins de saturation par rapport à nos deux premières fleurs et je suis très heureux avec ce look pour ce particulier fleur. J' espère que vous êtes satisfait de votre résultat. Ensuite, juste quelques dernières pensées. Félicitations, vous avez terminé le cours. 11. Réflexions finales: Félicitations pour avoir terminé la classe. Peu importe si vous avez fait les trois fleurs ou juste concentré sur une fleur aujourd'hui. Je pense que vous constaterez que cela fait un grand exercice, surtout quand il s'agit d'art botanique, mais aussi pour n'importe quel sujet d'aquarelle. J' espère que vous avez apprécié la pratique humide sur humide et humide sur techniques sèches et que vous avez appris quelque chose nouveau sur les pigments que vous avez dans votre palette, et que vous êtes plus à l'aise avec le mélange directement sur du papier. Plus important encore, j'espère que vous obtenez plus à l'aise avec la construction d'une aquarelle couches étape par étape pour obtenir un volume réaliste, et vous avez une meilleure compréhension de la lumière et de l'ombre et comment vous pouvez utiliser ces différentes techniques afin de trouver un sujet réaliste. Si vous avez des questions ou que quelque chose n'était pas clair, vous pouvez publier une nouvelle discussion sur le site Web Skillshare dans la section Discussion de cette classe. Vos projets finaux, j'ai hâte de les voir, s'il vous plaît les poster dans la section projet de la classe. Si vous en avez envie, vous pouvez également les partager sur les réseaux sociaux et me étiqueter en utilisant l'une de ces poignées parce que j'aime voir ce que vous les gars venir avec et surtout si vous incorporez les fleurs dans certains de vos autres travail. N' oublie pas de me marquer, encore une fois, seulement si tu en as envie. Si vous aimez la classe, n'oubliez pas de vous abonner afin que vous puissiez recevoir une notification la prochaine fois que je publierai le cours. S' il y a des choses qui vous ont vraiment plu dans ce cours et que vous voulez que je continue à inclure dans les cours futurs, n'hésitez pas à tendre la main. Bien sûr, je suis très engagé à améliorer mon style d'enseignement. 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