Maîtriser l'art actuel : composition et perspective

1. Maîtriser l'art contemporain : composition et perspectives: Voulez-vous apprendre à créer œuvres contemporaines aussi fraîches et passionnantes que celle-ci ? Ceci ou cela. Ce cours vous expliquera les choses à faire et à ne pas faire en matière d'utilisation de différents matériaux et vous expliquera comment appliquer ce que vous avez appris à n'importe quel support pour créer des compositions et des perspectives réalistes. Tout au long de ce cours, vous aurez accès à leçons complètes, à des ressources supplémentaires et à des devoirs de cours qui vous guideront tout au long du processus de création d'œuvres d'art passionnantes en utilisant une gamme de matériaux différents. Nous commencerons par acquérir une solide connaissance des bases de l'art contemporain, exemple comment utiliser correctement vos outils. Création de perspectives, dessin en trois dimensions et utilisation de différentes valeurs de couleur pour représenter la lumière et l'ombre. passerez ensuite à la pratique et à enracinement de ces principes en appliquant ce que vous avez appris en créant une variété d'œuvres d'art qui mettent l'accent sur différentes méthodes de peinture et de dessin, telles que créer du réalisme, utiliser plusieurs couches, reproduire avec précision les reflets et utiliser de l'encre pour ajouter des détails complexes à vos peintures. Au cours de ces leçons, vous aborderez les erreurs courantes commises lors de l'utilisation simultanée de différents supports et expliquerez les erreurs courantes commises lors l'utilisation simultanée de différents supports et comment vous pouvez utiliser divers conseils, astuces et techniques pour les éviter. À la fin de ce cours, vous aurez non seulement la confiance nécessaire pour créer des œuvres d'art utilisant une gamme de supports différents. Mais vous avez également les connaissances et compréhension nécessaires pour utiliser ces supports de manière à se compléter et à améliorer votre œuvre finale. 2. Apprenez à connaître vos outils: Bonjour à tous et bienvenue dans ce nouveau tutoriel. Aujourd'hui, nous allons en apprendre davantage sur l'encre et sur façon dont nous pouvons utiliser l'encre et l'eau pour dessiner. Pour travailler avec de l'encre et de l'eau, nous avons également besoin d'un pinceau, des pinceaux ronds à bout pointu comme celui-ci. Ces pinceaux sont de différents types fabriqués à la main ou avec des cheveux naturels. Ils sont également disponibles en différentes tailles. Prenez votre temps pour rendre la sélection plus confortable pour vous. Les brosses à cheveux naturelles sont de meilleure qualité, mais elles sont également plus chères. Maintenant, pour commencer à travailler, nous avons besoin d'un pinceau à bout rond comme celui-ci, où les poils ne tombent pas, afin de pouvoir appliquer facilement les touches sur notre papier. Prenez le temps de tenir vos pinceaux. Voyez comment vous vous sentez. Maintenant, nous devons utiliser des pinceaux de taille moyenne à grande pour ce qui est de la taille. Comme les petits pinceaux sont généralement utilisés pour ajouter des détails, nous n'en avons pas beaucoup besoin, car nous pouvons utiliser la pointe pointue de ces pinceaux moyens ou grands pour obtenir les détails souhaité. Nous utilisons une encre classique à base d'eau. Et nous pouvons utiliser n'importe quelle couleur que nous voulons pour l'encre, noir, le marron ou toute autre couleur de votre choix. Le but est de commencer à pratiquer et à utiliser ce médium. Nous avons également besoin d' un peu d'eau propre à proximité, ainsi que de tissus secs. Ce sont les matériaux que nous allons utiliser pour commencer à travailler. Tout d'abord, nous allons découvrir les différentes techniques et méthodes d'utilisation de l'encre. Plus tard, nous appliquerons toutes ces techniques et nous les pratiquerons ensemble sur différents échantillons. Essayez de vous faire une idée du pinceau et sa pression et à bientôt dans le prochain tutoriel. 3. Pratiquer le dessin d'objet: Bonjour. Bienvenue dans un nouveau tutoriel. Aujourd'hui, nous allons utiliser différentes images comme modèles. Et ensemble, ils vont être une combinaison de nature morte. Nous allons d'abord les dessiner dans une vue en 2D, puis nous verrons plus tard comment les dessiner en 3D. Ici, nous avons des photos d' une bouilloire avec quelques citrons et un couteau à côté. Et le couteau est en perspective, on ne peut pas le voir, donc on ne le dessine pas vraiment. Nous voulons transformer cette image 3D en une image 2D et la dessiner. Nous allons commencer par créer un formulaire de combinaison. Nous allons dessiner un polygone. J'utilise un stylo ici, mais n'hésitez pas à utiliser un crayon. Maintenant, j'ai utilisé le triangle et un rectangle pour le manche. Et le couvercle de la théière. À côté de la bouilloire, je vais dessiner un cercle, quelques ovales. Juste pour créer les formes des citrons. Deux ovales et quelques triangles, comme vous pouvez le voir. Maintenant, nous avons dessiné ces formes, déterminé des formes géométriques et des lignes afin de créer nos principales images plates. Nous ajouterons ici un demi-cercle en guise de bouchon au bout de la bouilloire. Ici aussi. Nous dessinons ici une nature morte avec des lignes simples. Maintenant, pour ajouter plus de perception ou de profondeur de perception, nous allons dessiner des ombres avec des triangles sombres et clairs. Toutes les lignes que nous créons sont assez régulières. Même l'ombrage se fait en lignes droites simples. Il s'agit simplement d'apporter une certaine différence et de montrer les différences entre les lignes. Et ce que vous pouvez réaliser en appliquant vos lignes dans la bonne perspective. Exactement là où ils doivent être dans l'ombre. Et de laisser les reflets blancs. Simplifions un autre objet. Dessinons une bouteille. Placez votre objet devant vous pour pouvoir le voir confortablement. Dessinez un rectangle et un bouchon rectangulaire. Voici un cercle représentant un fruit. Puis un ovale. Nous avons ici une tasse avec une poignée. Maintenant, nous dessinons des formes simples sur la surface inférieure juste pour montrer le reflet. simple fait d'utiliser ces triangles et ces rectangles fins et longs implique une sensation de lumière ou de réflexion sur ces objets. Essayez de simplifier les objets qui vous entourent et d'en faire une vue D, analysez-les. C'est le but de ce didacticiel, c'est que nous voulons créer des images sous forme 2D. Ensuite, nous allons dessiner le d'un pot à lait manche d'un pot à lait. Il s'agit d'une forme de cône. Nous voulons le dessiner en 3D. Simplifiez les objets et créez des combinaisons de formes. Ne vous laissez pas submerger par la création. Si vous tracez des lignes droites, elles seront très longues. Vous n'êtes pas obligé de les créer d'un seul coup. Vous pouvez le faire en petits tirets. Choisissez maintenant un objet complexe pour savoir comment le simplifier. Peut-être une image qui a certain reflet et peut-être une casquette incurvée ou de forme inhabituelle. Vous pouvez créer une esquisse de l'objet, puis commencer à le dessiner avec le stylo. Si ça peut aider. Mais remarquez que ma première ligne est une ligne courbe. Incurvé vers le haut puis courbé vers le bas. Maintenant, même si j'ai une forme circulaire pour ma carafe et le manche. Mais ils sont plus incurvés qu'ils ne sont uniformes comme les autres. Encore une fois, il s'agit de notre tentative simplifier ce que nous considérons comme un objet complexe. Parfois, il peut être utile de commencer par un dessin au crayon puis de le parcourir avec un stylo. Cela pourrait également être une bonne pratique. Maintenant je dessine deux pommes. Peu importe qu' ils ne soient pas symétriques. Il s'agit simplement de s'entraîner et de mieux comprendre quoi ressemblent les images 2D en dessin ou comment les réaliser. Comment regarder les objets juste devant nous et en faire ces dessins en 2D. Vous pouvez également faire l' exercice de les dessiner en 30 s ou 1 min. De cette façon, cela vous pousse à faire ces lignes rapides et à vous fier davantage à votre observation. Nous créons maintenant une lampe. Nous dessinons à nouveau notre triangle rectangulaire et un autre triangle. Formes circulaires et ovales. Puis un petit rectangle. Et toutes ces formes sont empilées les unes sur les autres. Simplifier cette forme complexe devant un objet d' apparence complexe en miroir. Nous continuons à empiler ces formes, cercles, rectangles, ovales. Et c'est ainsi que nous avons créé la lampe. Utilisons une autre image compliquée. Commençons par un triangle. Un ovale vertical, un ovale horizontal. Une autre forme triangulaire ou rectangulaire lorsque vous encerclez une poignée. C'est ainsi que nous avons simplifié cet objet. L'idée est que ces formes, les formes géométriques, sont très utiles et permettent de créer des dessins simples et simples, des dessins 2D simples de n'importe quel objet. Cela n'a pas besoin d'être complexe. Cela peut être simple, direct ou même plus complexe. Si c'est plus complexe, il s'agit simplement de prendre plus de formes et de les combiner ou de les empiler les unes sur les autres, comme nous l'avons fait avec la lampe ici. Je suis juste en train d'installer un pot de fleurs ici. Juste pour que je puisse le regarder confortablement. Tu peux vraiment utiliser tout ce qui t'entoure. N'oubliez pas que la pratique vous aidera beaucoup. Il ne s'agit pas de faire des dessins parfaits, mais d'aborder votre médium et votre technique avec aisance et confiance. Où tu ne t'inquiètes pas. Utilisez votre stylo, faites ces lignes supplémentaires et ne les considérez vraiment pas comme des erreurs. Nous apprenons de tout ce que nous dessinons. Mais nous devons nous entraîner à apporter ces formes et à référencer ces formes afin de créer des objets complexes. J'ai créé une réflexion sur le pot ici avec un peu plus de détails. Mais maintenant, essayons d'ajouter un peu d'ombrage avec les rectangles. Ces rectangles sont l'éclairage. Ils constituent le point culminant où la lumière frappe. Et c'est ce que j' entends par ombrage. Il finit par laisser le reste de objet connu sous le nom de partie la plus sombre. Tout simplement parce que nous avons surligné un rectangle juste là. Nous devons continuer à nous entraîner. Encore une fois, n'oubliez la symétrie n' est pas importante ici. C'est la simplification sur laquelle nous essayons de nous concentrer. Continuez à dessiner différents objets, une bouilloire, une théière, un panier. Tout objet qui vous entoure qu'il est approprié d'être, d'être observé et simplifié. N'hésitez pas à m'envoyer toutes les questions que vous pourriez avoir. Vous pouvez même partager avec moi vos dessins si vous le souhaitez, et je serais heureuse de partager quelques conseils, quelques commentaires et de répondre toutes vos questions ou préoccupations. Maintenant, nous voulons dessiner un modèle 3D. J'ai placé la fourchette devant moi. Mais nous voulons le dessiner dans une vue en 2D. Des idées pour regarder des objets en 3D et les dessiner dans une vue 2D. Observez votre objet et créez vos lignes en conséquence. Vient ensuite un flacon de parfum. Nous le dessinons avec des rectangles et un triangle. Et plus nous sommes nombreux, plus nous le faisons, meilleures sont nos pratiques, plus nos lignes sont définies, nous agissons rapidement. Maintenant, une tasse et une perspective. Nous pouvons le dessiner en ombrage simplement en créant une ligne comme celle-ci. Qu'il y a une ombre à l'intérieur de la tasse, mais aussi sur le côté gauche. Continuez à vous entraîner avec n'importe quel objet autour de vous, placez-le simplement dans un endroit confortable et séchez-le dans une vue en 2D. Le dessin est une excellente forme d'art et c'est aussi un excellent exercice, quelque chose que je trouve un peu méditatif. C'est primaire. Vous prenez un crayon ou un stylo et vous commencez simplement à tracer vos lignes vers le bas. Et même si ce n'est pas parfait, l'idée est de pratiquer, car plus vous vous entraînez, plus vous regardez vraiment les objets et tracez les lignes que vous devez tracer montre leur forme. Peut-être montrer quelques points forts. Travaillez sur ces types d'objets et simplifiez-les en les dessinant dans une vue 2D. Continuez à vous entraîner. J'espère que vous avez apprécié le tutoriel d' aujourd'hui et à la prochaine fois. 4. La pratique de la forme 2D et 3D: Bonjour. Bienvenue dans un autre tutoriel. Aujourd'hui, nous allons travailler avec les formes de base générales. Comme vous le savez, il s'agit d'un cercle, triangle, d'un carré et d'un rectangle. Comme nous en sommes au début de notre cours. Entraînons-nous simplement à créer nos croquis de base ici avec n'importe quel crayon à votre disposition, créer ces formes sur votre page. Il existe des formes géométriques simples et nous allons illustrer des personnages. Pour ce faire, nous devons apprendre à observer le travail et à le simplifier. L'observation et la simplification sont deux des premières étapes de l' illustration et de la conception des personnages. Ce sont également quelques-unes des plus importantes qui nous aident à dessiner facilement différentes choses. Prenez le temps de créer votre croquis. Vous pouvez utiliser une gomme rigide pour effacer vos lignes. Ce que nous faisons maintenant, c'est créer personnages à partir de ces formes simples. Les formes en U n'ont pas besoin d'être parfaites, mais marquez-les comme je l' ai indiqué ici sur la page. N'oubliez pas d'utiliser vos ressources téléchargeables. Chaque didacticiel contient une ressource téléchargeable contenant toutes les informations nécessaires avec tout le matériel que nous allons utiliser. Alors, jetez-y un coup d'œil. Il contiendra toutes les informations nécessaires. L'idée est de commencer à vous familiariser avec le dessin de votre base. Maintenant, à l'aide d'un stylo ou d'un crayon fin, revoyez votre esquisse de base que vous avez créée avec votre crayon. Les formes que nous connaissons tous ici : le cercle, le triangle, le carré et le rectangle. En fait, nous utilisons ces formes géométriques simples et familières pour illustrer différents personnages, animaux et objets. Nous devons être capables d'analyser les choses. Et pour cela, nous devons être parfaitement familiarisés avec les différents forums. Sachez observer la courbure. Peut-être qu'il y a des lumières sur le côté droit ou sur le côté gauche. Et après avoir analysé et exagéré les tailles, nous les colorons , leur donnons de la texture et faisons une illustration de personnage unique. abord, nous devons éliminer les détails et considérer l'objet comme une forme générale pour le simplifier dans sa forme la plus simple. Ensuite, nous ajoutons l' élément d'exagération pour dessiner le personnage ou l'objet unique sur lequel nous travaillons. En y ajoutant de la couleur ainsi que la texture et d'autres éléments visuels. Nous sommes sur le point de l'achever. Commençons maintenant par examiner ces formes , en prenant chacune et en les décomposant selon des perspectives différentes. Nous avons un cercle ici. Et nous voulons créer les formes les plus courantes que nous utilisons lorsque nous dessinons des cercles. Vous avez ici un ovale allongé horizontalement, verticalement. Nous allons faire de même pour la forme suivante, qui est le triangle. Et nous pouvons montrer les différents angles et les modifier verticalement et horizontalement. Il s'agit également de pouvoir étudier visuellement les différentes perspectives de ces formes. En connaissant ces différents forums, nous pouvons simplifier un objet ou une figure complexe. Nous utilisons principalement la combinaison de ces formulaires pour créer des figures que nous examinerons ensemble et sur lesquelles nous continuerons à travailler. Comme vous le savez, chacun de ces formulaires peut également être en 3D. Simplement en ombrageant et en donnant une ombre à un cercle, nous pouvons le transformer en une sphère comme celle-ci. Nous avons donc indiqué sa courbure et le fait de lui donner une ombre le rend plus proche de d. Il s' agit donc simplement de faire que nos yeux s' entraînent visuellement à regarder ces différentes formes et la façon dont elles peuvent créer différentes perspectives. Cela nous aidera à dessiner nos sujets et dessiner en général en ajoutant quelques lignes. Nous pouvons donner certaine dimension à un triangle et créer un cône. Un carré peut également se transformer en cube comme celui-ci . rectangle en cube rectangulaire. Nous allons beaucoup utiliser ces formes 3D à mesure que nous avancerons. Nous utilisons beaucoup ces formes pour créer de l'espace, nous travaillons sur la forme des figures. En fait, nous créons une figure à partir de ces forums. Et en connaissant ces formes et ces éléments, nous pouvons simplifier une chose complexe et apprendre le processus de simplification en le pratiquant encore et encore. Nous connaissons tous ces forums. Si nous les combinons, comme c'est le cas actuellement, nous pouvons créer différentes choses et même les dessiner en perspective en traçant les lignes, en dessinant les formes conformément à ces lignes. Il s'agit essentiellement de créer des ombres et des reflets. Les surlignages laissent le blanc de la page à cet endroit et n'ajoutent aucune ligne. Mais c'est pour localiser visuellement où il se trouve. Observez comment je combine deux formes différentes ici. Ce sont des formes composées que nous pouvons dessiner et pratiquer avant de commencer à dessiner des figures, des espaces, des objets, etc. Nous pouvons utiliser ces forums et dessiner des formes simples et familières, comme une maison, comme nous le faisions quand nous étions enfants. Nous pouvons également créer de nombreuses formes et personnages différents en les combinant et les finaliser en les coloriant et en leur donnant de la texture. Ce qui compte, c'est de pratiquer et de s'habituer aux techniques. Assurez-vous donc de bien suivre les devoirs. Je suggère également de vous entraîner et de jouer avec ces formes et les lignes que nous avons créées. Faites-les à nouveau, adoptez votre propre approche ludique et découvrez-en plus sur votre outil. J'espère que vous avez apprécié le tutoriel d' aujourd'hui. À la prochaine. 5. Transformer vos dessins 2D en 3D: Bonjour. Bienvenue dans un autre tutoriel. Après avoir introduit quelques formes générales telles que des rectangles, des carrés , des triangles et un cercle dans différentes formes 3D. Dans notre dernier tutoriel. Nous allons maintenant les utiliser et dessiner des objets simples en les combinant ou en les construisant à partir d'une seule forme. Par exemple, regardez ma bouteille d'encre. Nous allons simplement le mettre ici pour que nous le voyions clairement. Nous allons maintenant utiliser les formes géométriques pour le dessiner. Placez votre modèle devant vous, pour qu'il soit facile à regarder. Et pour le simplifier, nous voyons que nous pouvons utiliser la forme de notre rectangle pour le dessiner. Nous dessinons d'abord le cube comme ceci. Les surfaces supérieure et inférieure sont dessinées en fonction de notre point de vue et de la façon dont nous les voyons. Nous le dessinons de cette façon, puis nous allons utiliser la forme ovale pour déterminer le bon endroit pour sa section transversale. J'ai continué à observer votre modèle. La bouteille sera dessinée en dessinant croquis en demi-cône comme celui-ci. Continuez à observer votre modèle, à observer la bouteille et à regarder les lignes. Nous avons également un ovale ici. Nous parcourons la forme de haut en bas. Nous dessinons ces ovales ainsi reliés par un cylindre. Il s'agit d'une combinaison d'un cylindre conique et d'un rectangle carré que nous allons utiliser ensemble. Et facilement comme ça, on peut dessiner une bouteille d'encre. C'est tout pour le flacon que nous avons dessiné facilement en utilisant des formes géométriques. L'idée est d'observer votre modèle et créer en général ces différents forums. Le point à prendre en considération à ce stade est de savoir dans quelle mesure nous allons y ajouter des détails. Nous n'avons pas examiné les détails. Ce que nous dessinons ici est la forme générale en utilisant le cylindre et le cube de tailles différentes. Pour le bouchon de la bouteille, nous utilisons la forme d' un petit cylindre comme celui-ci pour le dessiner. C'est-à-dire qu'il suffit d'ajouter l'autocollant sur le devant. Voici donc la bouteille d'encre. Certaines parties peuvent avoir des tailles différentes. Mais ce qui compte à ce stade, c'est de pouvoir simplifier ce formulaire en le dessinant dans ces formes, ce que nous venons de faire. Par exemple, si nous voulons dessiner ce pinceau, nous devons le mettre ici, juste devant nous. Observez-le. Dessinez une forme de prisme rectangulaire comme celle-ci, qui est assez longue. Et puis on ajoute un ovale comme celui-ci sur cette partie. Observez votre pinceau. Regardez les différentes formes qu'il contient. Nous devons maintenant dessiner le pinceau sous cette forme. Ainsi, pour simplifier la forme d'un pinceau, nous utilisons la forme d' un cube pour le dessiner. Et nous le combinons avec un, avec un ovale en haut. Et c'est long. C'est comme si vous regardiez l'objet à l'intérieur de la boîte. Et quelle forme doit-elle prendre ? De cette façon, nous sommes en mesure de le simplifier. Nous essayons donc de transformer ce cube en l'objet que nous voulons dessiner. Nous dessinons un rectangle puis un ovale. Ensuite, nous ajoutons l' ombrage si nécessaire. Et c'est un pinceau. Nous pouvons dessiner des objets autour de nous simplement en les simplifiant en formes. Pour boire un verre d'eau. Ce serait comme un cylindre, qui devient plus petit dans la partie inférieure. Et c'est vraiment tout simplement comme ça. Nous pouvons transformer une forme complexe en une forme simple. Si j'ajoute un ombrage, j'en indiquerai la courbure. Et vous pouvez l'appliquer à différents objets. Par exemple, pour dessiner des ciseaux vu de face, nous devons considérer un cube en perspective comme celle-ci. Nous allons maintenant le dessiner depuis la vue de dessus. Nous pouvons éliminer la perspective car nous n'avons pas besoin de l'appliquer ici. Pour simplifier et dessiner, les ciseaux dessinent une surface simple comme un cercle, un ovale, un triangle et un rectangle qui mène à un triangle au bout des ciseaux. De cette façon, nous simplifions les différents objets que nous allons dessiner. Nous pouvons nous entraîner de plus en plus en dessinant les différents objets que nous pouvons voir autour de nous en utilisant cette méthode de simplification. Maintenant, pour dessiner un extincteur, vous devez dessiner un simple cylindre et un cône dessus. Et un cintre comme celui-ci. Et c'est ainsi que nous avons pu dessiner un extincteur. Et ces lignes très simples, c'est une question d'observation. Et cette technique nous permet d'analyser et de simplifier différents objets et de commencer à les dessiner dans ces formes géométriques simples. Par exemple, en les analysant et en les dessinant en 3D, nous devrions les placer dans un cône comme celui-ci. Si vous souhaitez dessiner des formes en 2D qui ne sont pas en perspective, nous les dessinerons à l'aide de formes telles qu'un cercle, carré, un triangle et un rectangle. Mais si vous souhaitez dessiner des objets en combinant ces formes, ce dessin ne sera pas vu en perspective comme avec les ciseaux. Maintenant, pour dessiner un verre, faut le dessiner comme ça. En forme 2D. Pour dessiner une bouteille d'encre, nous dessinons la moitié d'un cylindre. Et nous n'y ajoutons aucune dimension. Nous utilisons les formes les plus simples et les formes de ce type pour simplifier différents objets. Nous pouvons dessiner des ciseaux de différentes tailles en modifiant simplement les tailles de ces formes. Nous dessinons un triangle comme celui-ci, joint par un triangle plus grand, puis nous ajoutons les contours. C'est un autre type de ciseaux. Si nous voulons dessiner des ciseaux ouverts, nous dessinerons deux triangles séparés par un peu de distance. Pratiquez et pratiquez autant que vous le pouvez et dessinez des objets autour de vous. En les simplifiant. Faites cet exercice pour simplifier un objet complexe. Regardez donc quelque chose qui vous entoure et commencez ce processus de simplification et d'utilisation de formes géométriques. Si vous voulez créer un exemple, utilisez un sac, par exemple pour dessiner un sac et une forme rectangulaire. Encore une fois, nous allons le dessiner dans un cube comme celui-ci. Il s'agit d'un sac sans bretelles et sans cintre et dont le devant ressemble à une poignée. Contrairement à cela, nous avons dessiné un sac en perspective en le simplifiant. Pour le dessiner à nouveau en 2D, nous devons dessiner un rectangle joint par un cercle en haut. Nous ajoutons ces deux cercles pour montrer les boutons qui s'y trouvent et pour lui donner la caractéristique de savoir ce que c' est, c'est un objet. Nous les avons donc dessinés simplement par quatre formes principales : carré, cercle, triangle et rectangle. Également une sphère ou un cône, un cube ou un prisme rectangulaire dans des formes 2D et 3D. Lorsque nous dessinons quelque chose en 3D, cela signifie que l'objet est en perspective. Continuez à vous entraîner. Commencez par cette forme ici. Jouez avec le médium et à la prochaine fois. 6. Appliquer de la lumière et de l'ombre à votre travail: Bonjour. Bienvenue dans un autre tutoriel de dessin. Après avoir dessiné et pratiqué dessin de formes en 2D et appris à créer des objets avec des lignes simples. Aujourd'hui, nous allons les dessiner en 3D à l'aide d'un crayon ou d'un crayon si vous préférez. Tout d'abord, nous allons dessiner les formes en 2D d'une théière, d'une tasse et d'un sucrier. À l'aide de ces lignes simples et régulières, examinez vos objets ou l'image de votre modèle et faites votre dessin. Tracez les lignes que vous voyez. Un dessin 2D d'un objet est assez plat. Nous allons aujourd'hui faire la différence entre le dessin 2D et le dessin 3D. Alors que nous terminons ce croquis, ce croquis en 2D, je tiens simplement à vous rappeler d'utiliser vos ressources téléchargeables. Ils contiennent toutes les informations pour chaque tutoriel que vous suivez. Ne vous inquiétez pas trop de la réalité symétrique. Vous essayez simplement de créer une esquisse avec des lignes régulières, des lignes simples pour créer une image de ces objets. Et voici un simple croquis ou un dessin de base si vous le souhaitez. Maintenant, si nous observons notre dessin ici, nous les avons créés à l'aide d'un cercle, d'un rectangle, d'un triangle et d'un ovale. Nous allons maintenant dessiner les formes 3D de ces objets, comme des cônes. Nous commençons donc par une forme de cylindre juste en haut. Ensuite, nous passons à la création d'un cercle dont nous ombrageons et qui deviendra une sphère. J'ai créé un bec et une poignée. Nous avons maintenant une autre demi-sphère. Nous avons créé un ovale pour la soucoupe. Mais même la nature du dessin que je crée de cette manière. Il ne s'agit pas d'une simple ligne nette, ce sont des lignes claires qui se rejoignent pour former une image finale. Et le support du Sugar Bowl. Maintenant, il y a une ombre sur cette sphère, cette courbure du cylindre et de la sphère. J'ajoute les ombres comme si la lumière venait de la gauche. Les ombres indiquent ici la courbure. Ils donnent un champ plus 3D aux objets. La façon dont la lumière frappe les objets qui se tiennent côte à côte doit sembler logique. Si cela vient de la gauche ils doivent tous être surlignés par la gauche et l'ombre se trouve de l'autre côté. Maintenant que nous avons créé les objets sur la gauche avec ces lignes simples sous la forme d'une simple image. C'est toujours une simple photo sur la droite. Mais simplement avec plus de hachages, il n'est pas nécessaire de procéder à une analyse plus approfondie. Dans les objets compliqués 2, nous les simplifions en combinant des formes plus géométriques. Maintenant, dessinons ces formes ici. Plus d'informations sur les ombres, les reflets et les ombres ici. Le soleil frappe du côté gauche. Et pour dessiner ce cône. Si le soleil vient du côté gauche comme indiqué, nous dessinerons des hachures sur le côté. Sur la droite. Juste pour que vous remarquiez une différence là où la lumière atteint les zones claires, c' est-à-dire là où se trouve le blanc, le milieu puis le bord droit. Encore une fois ici avec le cylindre. Cela s'applique à toutes les formes. La partie droite est plus sombre. Le milieu est un peu plus sombre. un peu comme si c'était dans la tonalité moyenne. Ensuite, vous avez le surligné sur la gauche. Nous devons nous assurer que l' ombre est réellement sombre, quelques nuances plus foncées que notre juste milieu. la partie supérieure de notre cylindre, la lumière frappe l' intérieur, sur la droite. À présent. Nous dessinons maintenant une sphère. Si le soleil brille du, de la gauche ici. Nous allons partir de la partie sombre vers la partie claire. Juste pour indiquer cette courbure ici. Et l'ombrage : les types de lignes que vous décidez d'utiliser pour créer l'ombrage et mettre en valeur le clair, cela dépend de la texture que vous souhaitez obtenir ou du matériau que vous utilisez que vous ombragez l'objet. Pour l'instant, je vais placer ces lignes courbes l'une à côté de l'autre. Mais d'une manière générale, nous considérons ces objets, le cône, le cylindre et la sphère dans un mat et une texture mate ou MapView. N'oubliez pas que plus vous vous entraînez, plus il vous sera facile de vous entraîner à regarder les objets. Parce qu'alors vous observerez la texture que vous devez créer. Les différentes lignes nécessaires là où se trouvent les ombres, où se trouvent les tons les plus foncés ? Et même dans le noir, il y a des tonalités, peut-être qu'il y a une gradation la plus légère. Et il en va de même pour les moments forts. Quel est le point le plus sombre ? Quel est le point fort le plus léger ? En général, nous prenons en compte ces objets dans les mathématiques, la couleur, mais nous pouvons également simplifier les formes avec formes principales suivantes : le triangle, le rectangle, le cylindre et le sphère. Et en les combinant, nous pouvons créer différents objets. Il s'agit d'un exercice visant à simplifier des objets complexes et à en faire des dessins 2D ou 3D. C'est tout le problème. Nous nous sommes beaucoup entraînés et avons transformé des objets complexes et simples en dessins au trait les montrer en 2D et en formes 3D et 3D. Il est temps de travailler sur les étapes du cœur, par exemple en dessinant des animaux et des humains. Dessiner des natures mortes de la nature est plus simple que dessiner l'anatomie humaine ou animale. Mais ce sont toutes des choses qui vont être pratiquées , car elles contiennent beaucoup plus de détails à aborder, beaucoup plus de décisions en termes de texture et de perspective, d'éclairage, de reflets et d'ombres. Mais nous pouvons certainement obtenir une image réaliste avec de la pratique. J'espère que vous avez apprécié le tutoriel d' aujourd'hui. Continuez à vous entraîner et à la prochaine fois. 7. Apprendre les différentes techniques de pinceaux: Bonjour à tous et bienvenue dans un autre tutoriel. L'une des techniques les plus couramment utilisées pour travailler avec de encre et de l'eau est la technique humide sur mouillé. Pour cela, nous devons appliquer de l'eau sur la surface sur laquelle nous voulons travailler. Nous appliquons l'eau sur le papier, comme ça. Je marque un carré ici. Ensuite, nous appliquons l'encre à base d'eau, elle-même aqueuse sur la zone humide de notre papier. Vous avez presque légèrement infusé la couleur et l'avez laissée s'étendre. J'utilise une encre brune ici, une encre brune à base d'eau. Il y a de l'eau sur mon pinceau et ma couleur. Voici à quoi ressemble une technique humide sur mouillée. Vous devez faire attention à ne pas effleurer votre pinceau. Il pourrait éclabousser les côtés. C'est le type de texture que nous obtenons lorsque nous travaillons avec une technique humide sur mouillé. L'encre de couleur ou même les aquarelles mélangées l'eau comme si elles coulaient la surface s'infiltrent. Ce type de texture est également très utilisé, car il fonctionne sur différents échantillons. Une autre technique que nous pouvons utiliser pour travailler avec encre consiste à appliquer un produit sec sur la surface. Dans cette technique, telle qu'elle est visible ici, nous appliquons l'encre sur du carton ou du papier sec. Vous pouvez prendre le temps de vous entraîner sur le terrain pour le pinceau. À la fois en utilisant une technique humide sur humide ou humide sur sec. Avec cette technique, les couleurs que nous ajoutons à la surface sèchent plus rapidement elles sont plus faciles à gérer et nous pouvons contrôler ce que nous faisons. cette technique, nous pouvons voir des lignes et des bords clairs, ce que nous n'avions pas vu la technique « mouillé sur mouillé », car l'eau mélangeait les couleurs les unes aux autres. Ici, nous utilisions toujours la brosse humide. C'est pourquoi nous pouvons encore voir gouttelettes d'eau sur les touches que nous avons appliquées sur la surface, une surface sèche. Prenez le temps de vous entraîner , de vous familiariser le médium et d'observer les différents types d'effets. La technique suivante est sèche sur sec. En utilisant cette technique, nous pouvons tirer parti de la texture du papier ou du carton sur lequel nous appliquons la couleur. Cela pourrait affecter notre choix de papier ou de carton à l'avenir. Prenez le temps de vous entraîner à appliquer couleur sèche sur du papier sec ou de la couleur à base d'eau. Prenez le temps d' appliquer votre pinceau dans différentes directions. Peut-être n'utiliser que la pointe, peut-être aussi incliner le pinceau. Cette pratique vous permet de vous familiariser avec le médium. On peut dire que les touches que nous appliquons à la surface avec cette technique sont toutes un peu dures. Cependant, les différentes textures peuvent être utilisées à des fins différentes pour obtenir détails différents en fonction l'échantillon sur lequel nous travaillons. Nous pouvons même continuer à appliquer la couleur avec cette technique afin d'obtenir une couleur et une surface très sèches avec un minimum d'encre sur notre pinceau et de créer une nouvelle texture. Par exemple, cette technique et ce type de texture peuvent convenir pour dessiner des arbres et des branches sèches, même des prairies, pour dessiner le C ou une rue un jour de pluie ou un horizon brumeux lointain. La technique humide sur humide peut être un bon choix dans situations normales et également pour mélanger les couleurs. Nous pouvons utiliser la technique humide sur sèche. Tout en travaillant à l' encre ou à l'aquarelle. Nous sommes censés travailler sur les ombres et les lumières. Il est important de garder à l'esprit que nous passons du clair à l'obscurité. Jouer avec le médium aide beaucoup à le manipuler. Nous commençons le travail en ajoutant d'abord les couleurs très claires, en utilisant beaucoup d'eau et une petite quantité de couleur, que ce soit de l' encre ou de l'aquarelle. Et petit à petit, nous pouvons ajouter de plus en plus d'encre sur notre surface tout en créant une surface de couleur claire. Les couleurs plus foncées, en revanche, sont créées en ajoutant plus de concentré de couleur et moins d'eau. L'idée est d'avoir un pourcentage de couleur plus élevé dans un mélange d'eau afin de créer des couleurs plus foncées. Alors que les surfaces plus claires nécessitent une couleur moins concentrée. Mélangé à de l'eau. En utilisant la pointe du pinceau, nous pouvons ainsi conserver plus d'encre sur la zone humide. Comme le carton, la surface est sèche, l'encre ne pénétrera pas sur les parties sèches et restera sur la partie à laquelle nous avons ajouté de l'eau. Et cette partie, comme cela est évident ici, deviendra plus sombre. Sur cette partie, comme nous avons une surface humide plus large et que notre pinceau retient plus d'eau, nous pouvons obtenir des couleurs plus claires. Pendant ce temps , nous avons ajouté de l'eau sur une petite surface L'encre restera donc à l'intérieur ce paramètre et elle deviendra plus foncée. C'est ainsi que nous créons différentes tonalités de couleur et que nous utilisons de l'encre et de l'eau surface sur laquelle nous allons travailler ajoutant une certaine quantité de couleur et d'eau sur une partie particulière de la . notre pinceau. Il s'agit donc de contrôler la quantité d'encre que vous ajoutez à votre eau. C'est ainsi que les lumières et les ombres sont créées et nous pouvons facilement les ajouter à notre travail. N'oubliez pas qu'il est toujours préférable de commencer par claires, puis de créer ces couches de couleurs. Maintenant, la raison pour laquelle nous devons pratiquer cela, c'est parce que nous pouvons déplacer et utiliser notre pinceau de différentes manières. Nous pouvons créer de larges marques sur le papier de cette manière. Ou nous pouvons travailler sur plus de détails et des lignes plus fines à l'aide de la pointe du pinceau. Nous pouvons également l' appliquer comme ceci et le résultat serait une large barre de couleurs. Ce type de mouvement de la main nous donne cette texture. À l'aide de la pointe du pinceau, nous pouvons tracer des lignes très fines. Ici, comme nous avons appliqué de la couleur humide sur une surface mouillée, nous appliquons en fait la technique humide sur humide et il est évident que les couleurs vont se mélanger ainsi. Si nous y prêtons une attention particulière, nous pouvons constater que si nous connaissons bien nos matériaux, l'eau, l'encre, les pinceaux et les papiers, nous pouvons facilement créer différentes textures et ajouter des détails différentes manières. Il suffit de jouer avec le médium et de s'entraîner. Prenez le temps d' explorer le médium. Et plus vous pratiquez, plus vous vous rapprochez de développer votre propre style. Le plus important est de connaître et maîtriser l'utilisation du pinceau, l'encre et des mélanges d'eau. Et puis nous pouvons facilement créer beaux paysages et des textures variées. Le prochain point important est de faire attention lorsque vous travaillez avec de l'encre et de l'eau, c'est le temps. Nous devons tenir compte du fait que nous ne pouvons pas consacrer trop de temps à chaque aspect et que nous devons être rapides. Il n'est pas faux de dire que l'élément de surprise joue ici un rôle si important lorsque nous dessinons avec cette technique. Comme vous pouvez le voir sur cette partie, nous avons travaillé ensemble. Nous pouvons voir que la ligne simple que nous avons tracée ressemble une forêt et la distance au coucher du soleil. Et cela est créé en moins d'une minute. Cela nous montre l'importance de l'élément vitesse lors de l'utilisation de ces matériaux et techniques. Avec de plus en plus de pratique, nous pouvons maîtriser les techniques étape par étape, puis les utiliser pleinement. Il s'agit des techniques initiales généralement utilisées. J'ai hâte de créer des échantillons ensemble et d'utiliser ces techniques. N'oubliez pas que plus vous pratiquez, plus vous avez confiance en vous. Rendez-vous dans le prochain tutoriel. 8. Pratiquer les arbres débutants: Bonjour à tous et bienvenue dans un autre tutoriel. Aujourd'hui, nous allons appliquer toutes les techniques et méthodes que nous avons commencé à pratiquer dans le premier tutoriel en utilisant l' aquarelle ainsi que des dessins à l'encre et à l'eau. Aujourd'hui, nous allons créer un échantillon d' arbre et nous commençons par utiliser un sabre. Prenez votre temps pour vous assurer que tout votre matériel est à portée de main. Vous avez de l'eau propre et des mouchoirs propres. Et commençons. La première technique que nous allons utiliser est la technique humide sur mouillé. C'est une technique difficile, mais nous devons nous entraîner. Je dépose une encre ocre à base d'eau. Nous appliquons de l'eau sur la zone où nous voulons dessiner la marque Sean. Utilisez vos ressources téléchargeables qui contiennent toutes les informations nécessaires pour chaque didacticiel que nous proposons. Vos ressources téléchargeables indiqueront également les couleurs que nous allons utiliser, les pinceaux, tout le matériel nécessaire. Maintenant, nous ajoutons de la couleur sur les parties auxquelles nous venons d'ajouter de l'eau. Nous devons être rapides pour que les services ne soient pas épuisés. Nous devons être rapides lorsque nous travaillons sur cet échantillon. Cependant, il faut de l' entraînement pour être un peu plus rapide car nous travaillons avec de l'encre et de l'eau. Si vous devez mettre la vidéo en pause, prenez votre temps et appliquez de nouveau de l'eau sur votre papier. S'il te plaît, fais-le. N'oubliez pas que plus nous pratiquons, plus un médium nous parvient facilement. Toutes ces décisions concernant quantité d'eau et d'encre à appliquer deviendront instinctives. Mais à ce stade, je recommande de simplement pratiquer, de ne pas être déçu par le résultat et simplement tirer des leçons du processus autant que possible. Maintenant, j'utilise une encre brune à base d'eau. Comme nous appliquons une technique humide sur humide, nous ajoutons de plus en plus d'encre, mais je suis plus déterminé quant à l'endroit où je place mon encre. Nous examinons notre échantillon et nous constatons qu'il y a plus d'ombres sur le côté droit de la branche. C'est donc là que j' applique le plus de couleur. Sont des couleurs plus concentrées pour être correct. Comme nous avons une surface humide, plus nous déplaçons le pinceau sur ces parties, plus les couleurs se mélangeront sur la surface. Chaque fois que nous utilisons cette technique, nous devons faire attention aux parties légères de l'œuvre et ne pas trop les toucher. S'ils doivent être beaucoup plus clairs, il suffit de les laisser agir et ne pas détourner la couleur vers ces parties. Nous voulons les laisser intacts. Il ne faut pas trop déplacer notre pinceau sur différentes surfaces, comme dans la peinture à l'aquarelle. Nous ne travaillons pas sur les échantillons à plusieurs reprises et nous devons être capables de dessiner ce que nous sommes censés faire avec un nombre limité de coups de pinceau. Prenez donc le temps d' observer votre échantillon. Regardez où se trouvent les ombres, où se trouvent les parties les plus sombres et où se trouvent les zones les plus claires pour vous assurer de ne pas toucher ces parties. Par exemple, dans cette branche sur laquelle nous travaillions, nous pouvons utiliser ces petites lignes créées ici d'une manière ou d'une autre alors que nous continuons travailler sur différentes parties de notre travail. À certains endroits, il se peut que nous devions supprimer de la texture, comme ces petites lignes créées. Encore une fois, nous trempons notre pinceau dans de l'eau et nous commençons à décolorer ces parties et à supprimer les lignes créées initialement. L'eau est donc utilisée de manière à atténuer, modifier ou modifier notre position principale de l'eau ou des couleurs. L'important, c'est de conserver ces parties claires, les reflets, et non de les toucher. Nous pouvons ajouter les parties sombres au cours du travail, mais pas les parties claires. Nous pouvons même diriger les parties sombres d'un endroit à un autre de notre travail, par exemple déplacer l'encre avec la pointe du pinceau pour qu'elle soit exactement là où nous en avons besoin. Alors ça tire, ça y crée une sorte de tache. Sur certains bords de l'œuvre. Nous pouvons ajouter de l'eau avec notre pinceau tant qu'il est encore humide. Et retirez la peinture précédemment appliquée de cette manière en la soulevant. Enfin, en utilisant un pinceau avec plus d'encre, nous allons ajouter ces parties sombres à notre travail. L'un des points à prendre en compte est que nous n'apportons pas les parties sombres sur les bords car nous avons essayé d'avoir une ligne plus claire comme celle-ci. Et nos œuvres. Peu importe ce sur quoi nous travaillons, qu'il s' agisse d'une branche ou autre, nous n'ajoutons pas de ligne foncée sur les bords. Nous devons nous entraîner à appliquer l'encre et à travailler avec elle afin de mieux contrôler l'encre sur notre surface. Parfois, lorsqu'il y a plus d'eau ou d'encre sur la surface sur laquelle nous travaillons, nous n'en voulons pas. Nous pouvons facilement éliminer le surplus d'eau ou d'encre avec un mouchoir sec, comme je le fais actuellement. Vous pouvez également utiliser un coton si c'est plus confortable. De cette façon, nous pouvons effacer certaines parties de l'œuvre ou enlever de la couleur de la page. Cependant, nous devons faire attention à ne pas trop appuyer sur le mouchoir ou répéter trop souvent car cela risquerait de supprimer les textures, les différentes textures que nous avons créées en bas. Depuis le début, nous n'utilisons pour l'instant que la technique «  humide sur sol mouillé ». Et c'est pourquoi toutes les taches de couleur que nous ajoutons s'estompent ainsi. Nous avons essayé de conserver l' encre sur certaines parties en appliquant le pinceau comme celui-ci sur la surface, en tapotant sur la surface. La technique humide sur humide nous permet de mieux familiariser avec cette technique et de mieux comprendre comment elle sèche, comment l'encre durcit et quel en est l'esthétique. Appuyez donc sur votre page comme ceci. Lorsque vous souhaitez ajouter une partie très foncée, vous créez essentiellement un concentré de couleur à cet endroit spécifique. Remarquez les couches d'arrière-plan, façon dont elles sèchent, la façon dont la couleur s'infiltre. Maintenant, remarquez à quoi ressemblerait l'œuvre si nous utilisions cette technique, plus vous ajoutez de la couleur ou si vous faites preuve beaucoup de détermination involontaire quant endroit où vous placez votre couleur. Vous pouvez regarder votre dessin et le voir s'assembler. Nous allons maintenant travailler à nouveau sur cette branche et cette fois sur une surface sèche. Nous n'allons donc pas ajouter d'eau à la surface. Au lieu de cela, nous utiliserons l'encre et l'eau que nous avons sur le pinceau et commencerons à travailler uniquement avec ces deux. Esquisse de la branche. Nous devons d'abord laver notre pinceau, puis le tremper dans l'encre et à nouveau dans l'eau afin qu'il ne nous donne pas une teinte très foncée au départ. Et de cette façon, nous commençons par une couleur plus claire, la base la plus claire. Et maintenant, nous allons à nouveau peindre la branche. Mais n'oubliez pas que la surface est sèche. J'utilise le bout de mon pinceau. Nous appliquons notre couleur très légèrement. Nous voulons faire attention à la pression ou endroit où nous plaçons notre couleur. Nous observons notre échantillon et faisons notre croquis en conséquence. Assurez-vous d'avoir des mouchoirs propres prêts à être utilisés. Juste au cas où. Et de l'eau potable. Nous allons utiliser la largeur du pinceau comme ceci. Nous veillons également à ce que la partie surlignée ou les parties blanches de la surface restent la partie surlignée ou intactes. Suis mon exemple. Tout comme cette autre branche sur laquelle nous utilisons la technique humide sur mouillé et avons conservé les parties blanches ici. Nous allons également le garder ici. Observer mon échantillon et poursuivre mon croquis. Maintenant, nous allons appliquer des couches légèrement plus foncées. Nous avons besoin de plus d' encre sur notre pinceau. Et juste comme ça, nous recommençons à travailler sur la branche, en ajoutant des couches d'ombrage de cette manière. Lorsque nous ajoutons les différentes touches au papier, nous devons toujours laisser certaines parties intactes. Tout d'abord, parce que la texture de l'arbre comporte ces trous. Et nous devons également conserver les pièces les plus légères dès le début. Nous pouvons toujours travailler dessus et les remplir plus tard ou au fur et à mesure de notre dessin. Mais gardez-les à l'esprit. C'est toujours le meilleur choix pour mettre en valeur les reflets et la texture rugueuse. Ils sont habillés avec autant de force que leurs contours. Alors prenez votre temps, observez votre image. Si nous ne marquons pas les zones surlignées ou les parties blanches de notre dessin dès le début. Et à la place, nous ajoutons de la couleur à toutes les surfaces. Notre œuvre ne ressemblerait plus à une aquarelle, et elle perd cette texture unique. Cette encre, cette eau ou cette aquarelle contiennent. Que ce mélange de deux liquides ou une couleur s'infiltre dans un liquide puis qu'il dessine sur la surface, nous voulons y prêter attention. Il est bon de savoir et important de garder à l'esprit qu' une œuvre d'aquarelle, c'est jouer avec les lumières. Les reflets sont tout aussi puissants que les contrastes. N'hésitez pas à m'envoyer vos questions à tout moment ou à me faire part vos dessins à différentes étapes ou terminés. Et je suis très heureuse de partager quelques conseils avec vous. Peut-être te donner quelques commentaires. Peut-être quelques indications. Assurez-vous simplement de vous entraîner. Utilisez vos pinceaux, l'encre et l'eau pour vous entraîner au type d'effet que vous pourriez obtenir avec ce matériau avec ce support. Plus nous pratiquons, plus nous nous rapprochons de notre propre style. La pratique permet également d'acquérir une plus grande confiance en soi et une meilleure approche du médium. Ainsi, la façon dont vous l'utilisez, la façon dont vous appliquez votre couleur, la confiance en elle augmente. Maintenant, ces parties plus claires que nous avons conservées depuis le début ressemblent petites branches sortant de l'arbre. C'est pourquoi ils ont l'air plus lumineux que les autres parties. Nous devons maintenant ajouter plus d'encre à notre pinceau créer une teinte plus foncée afin pouvoir commencer à ajouter une autre couche à notre travail. De cette façon. Encore une fois, nous veillons ajouter les tons les plus foncés tout en tenant compte des lignes plus claires qui se trouvent juste à côté Nous ne voulons pas ajouter de tons plus foncés sur les bords. Nous passons à l'étape suivante. Cependant, nous n'appliquons pas l' encre uniquement sur le papier. Nous le mélangeons avec de l'eau. Il s'agit d'une technique humide sur sec. Donc, si votre pinceau sèche, vous devez y ajouter de l'eau. Nous devons attendre que ces pièces soient trop sèches. C'est donc un peu comme ce qui s'est passé lorsque nous travaillions avec une technique humide sur mouillé ne s'est pas produit. Si nous ajoutons les couches supplémentaires immédiatement sans attendre que les couches précédentes soient sèches, cela se serait produit une infiltration de couleur sur la page. Nous voulons que les différentes couches se traduisent les unes dans les autres et ne se mélangent pas complètement. Nous utilisons la pointe du pinceau pour ajouter ce genre de détails et les lignes fines. Si vous devez mettre la vidéo en pause à tout moment , faites-le. Juste pour t'entraîner, peut-être nettoyer ton pinceau, peut-être te faire nettoyer un mouchoir en papier. Mais soyez aussi rapide que possible. Ensuite, rejouez et nous continuons ensemble. Maintenant, nous continuons à ajouter les lignes hachurées de cette façon. Il ne s'agit pas d'utiliser la technique sèche qui nous permet de déplacer le pinceau de cette façon et d'ajouter lignes hachurées pour créer ces textures là-haut. S'il y a des parties sur lesquelles nous souhaitons enlever ou réduire les parties foncées, nous pouvons utiliser le tissu sec et l'appliquer de cette manière sur les peintures alors qu'elles sont encore humides, puis les retirer , les retirer de la page. Cela demande un peu de pratique. Vous ne voulez pas appuyer trop fort avec votre mouchoir sur votre page. Vous ne faites que soulever une partie de la couleur, pas la totalité. Nous continuons à ajouter nos informations à ce sujet. Les zones ombrées sont des zones plus sombres. Juste comme ça. Nous utilisons la pointe du pinceau pour ajouter des détails et des parties de couleur plus concentrées. Prenez le temps d' observer votre échantillon. C'est le modèle à partir duquel nous dessinons ou créons cette aquarelle. Au fur et à mesure que nous ajoutons des détails étape par étape, le niveau de contraste de notre travail augmente car nous avons équilibré les zones claires et les parties ombrées des parties les plus sombres de notre photo. Si nous continuons à ajouter ces lignes hachurées pour créer les couches nécessaires sur le tronc de l'arbre et montrer sa texture. Plus l' image aura un aspect réaliste, plus naturel. Riche également parce que nous avons ajouté plus de détails et que nous avons fait preuve d'intention quant à l'endroit où nous ajoutons nos informations. Veillez donc à ce que vos points forts soient intacts. Où nous ajoutons les parties sombres et claires et comment nous les façonnons, nous apprenons en pratiquant beaucoup, principalement en entraînant nos yeux à les rechercher. Lorsque nous examinons les points forts, remarquons quel est le plus clair de mes points forts ? Quelle est la plus foncée ou la plus claire de mes ombres ? heure actuelle, nous appliquons et pratiquons simplement différentes techniques d'aquarelle, d' encre et d'eau sur un échantillon pour voir comment elles doivent être appliquées et comment elles fonctionnent. L'aquarelle a sa propre esthétique. Et plus nous pratiquons, plus nous comprenons comment créer ces différentes textures. Comment tirer le meilleur parti de cette technique d'aquarelle. C'est pourquoi je dis : prenez le temps d'observer votre image et amusez-vous pendant que vous vous entraînez. Découvrir ce média. Parce que plus on s' entraîne et plus on joue avec notre médium, c'est le seul moyen d' avoir des accidents heureux. Des choses inattendues au que nous ne savions pas que notre pinceau pouvait créer ce genre de marque ou qu' avec ce type de pression, nous obtenons une certaine esthétique. C'est simplement en jouant avec le médium que nous pouvons en apprendre davantage. Je prends mon temps pour ajouter plus de détails ici. J'applique mes gestes et la direction dans laquelle se trouve la branche ou le vert de la branche. Nous pouvons facilement voir à quel point une œuvre serait différente si différentes techniques y étaient appliquées. La différence entre notre succursale de droite et celle de gauche est claire. Pendant que nous y travaillions, nous avons réalisé que ces deux parties pouvaient être symétriques et créer une sorte d'équilibre dans notre travail. Cependant, au fur et à mesure que nous descendons, il semblait préférable de supprimer la partie inférieure et de l' assombrir pour faire apparaître les ombres. C'est ainsi que nous procédons. Remarquez comment je déplace la couleur vers le haut. Maintenant, j'utilise mon mouchoir pour redonner un peu plus de lumière que j'ombrage. Il faut appliquer le pinceau sur la surface de cette manière pour ajouter de l'encre, mais aussi le retirer parfois avec juste de l'eau sur notre pinceau. Et le mouchoir aide également. Suis mon exemple. J'ai observé mon application de la couleur. Il est important de savoir que lorsque nous travaillons avec des aquarelles, nous n'utilisons pas une seule technique de travail, une combinaison de plusieurs techniques est utilisée pour terminer l'ensemble du dessin. C'est ainsi que nous avons enrichi notre dessin ici en utilisant toutes ces techniques ensemble. Travailler à ajouter les ombres et les lumières au bon endroit et créer cette richesse de couches. Tout cela augmente la profondeur de perception et la richesse de l'image, rendant plus naturelle. Mais aussi donner à l' œuvre un aspect harmonieux. Nous continuons à observer notre travail pour ajouter d'autres ombres finales ici. Nous voulons terminer notre dessin. Ajoutez tous les derniers détails. J'espère que vous avez apprécié le tutoriel d' aujourd'hui. Merci beaucoup de m'avoir rejoint et à la prochaine. 9. Peinture complète de la branche d'arbre: Bonjour à tous et bienvenue dans un autre tutoriel. Dans cette leçon, nous allons dessiner un arbre et appliquer différentes techniques d' aquarelle que nous avons apprises et pratiquées ensemble jusqu'à présent. Nous commençons par notre crayon mécanique. Tout d'abord, nous allons faire un croquis général de l'arbre. Vous souhaitez utiliser vos ressources téléchargeables. Ils contiennent toutes les informations nécessaires pour chaque tutoriel sur lequel nous travaillons. Ils auront même le croquis et les grilles à votre disposition pour vous permettre de vous entraîner à faire vos esquisses de base de n'importe quel dessin sur lequel nous travaillons. Cet arbre a une surface rugueuse et des branches enchevêtrées. Nous allons commencer le travail avec des taches de couleur plus claires. J'utilise un sabre et de l'encre brune à base d'eau. Nous essayons d'ajouter les couleurs rapidement et d'être rapides. Assurez-vous de garder à l'esprit où se trouvent les zones claires ou les parties blanches. Vous les gardez donc sur le blanc de la page. Prenez le temps d' examiner votre échantillon, déterminer où se trouvent les parties lumineuses et de commencer votre travail. Vous devez être intentionnel et décisif quant à l'endroit où nous appliquons notre couleur. Si vous vous sentez un peu inquiète, vous pouvez rendre votre couleur un peu plus liquide ou liquide, la rendant plus claire. l'aide de la pointe de votre pinceau, À l'aide de la pointe de votre pinceau, vous pouvez ajouter votre couleur à des parties spécifiques de votre dessin sans toucher les reflets ou les parties blanches sont des lignes qui doivent rester blanches. Nous essayons maintenant de déterminer les bons endroits pour les parties sombres. Nous accumulons des couches qui doivent sécher avant de travailler sur les couches suivantes. Nous ajoutons ici cette couleur de fond. Nous allons maintenant utiliser notre pinceau sec et ajouter des touches d'encre sèches sur notre travail. Juste pour créer la texture du tronc d'arbre. Il s'agit d'un poil naturel. C'est une grande brosse à épée. Appliquez votre couleur comme je le fais maintenant. C'est ce qu'on appelle une technique de brosse sèche. Suis mon exemple. En fait, nous utilisons la texture que nous donne le pinceau lui-même et non l'eau. Nous voulons continuer à observer notre échantillon d'image. Regardez où se trouvent les points forts, où se trouvent les contours. Quand tu regardes les parties les plus sombres, les ombres , tu essaies de remarquer quelle est la plus sombre des ombres ? Quelle est la tonalité la plus claire des ombres ? Juste pour que nous soyons plus conscients au fur et à mesure que nous travaillons sur notre dessin. J'applique ces petits détails avec le conseil absolu. Utiliser un pinceau sec pour ajouter plus de texture. Cette texture donne à notre arbre un aspect plus riche et plus réaliste. Voici toutes les textures de troncs d'arbres sur lesquelles nous travaillons. Si vous devez vous entraîner à utiliser le pinceau sec ou à travailler avec celui-ci sur une surface sèche. Parce que, comme vous le remarquez, notre couche primaire, la couche aqueuse, est en train de sécher ou de sécher. Maintenant, je vais le parcourir avec un pinceau sec et de l'encre. Même sur les parties claires, vous pouvez ajouter des taches de couleur sèches juste pour avoir une intersection entre les parties les plus sombres et les plus claires. Cela nous aiderait à mieux montrer la texture rugueuse du tronc de l'arbre. Au fur et à mesure que nous commençons à médiatiser et à placer cette texture entre notre arrière-plan le plus clair et les parties plus sombres que nous avons appliquées. Cette technique de pinceau sec est généralement utilisée pour montrer des textures et des textures rugueuses. Plus précisément, plus nous ajoutons d' eau au pinceau, plus la texture sera douce sur le papier. Et au contraire, plus la surface sur laquelle nous travaillons est sèche ou brossée, plus la surface sur laquelle nous travaillons également plus expressive lorsque les gestes du pinceau sont très, très détaillés et texturés. Il est préférable de ne pas esquisser différentes parties de nos œuvres lorsque nous utilisons des aquarelles. Et le meilleur choix est de traiter les surfaces, pas seulement les lignes. Parce que, comme vous le savez, nous construisons différentes couches ici. Nous voulons que chaque couche sèche afin de pouvoir créer la couche suivante par-dessus et la faire traduire l'une dans l'autre. Parce qu'avec l'aquarelle, nous créons couches plus transparentes grâce une technique sèche sur sec qui nous permet d'avoir plus de lignes. Et en fait, c'est cette technique qui nous permet d' ajouter, d'ajouter des hachures. Nous utilisons la combinaison de plusieurs techniques pour travailler sur cette pièce. N'oubliez pas de vous entraîner. Pratique. Ce n'est pas seulement que vous obtiendrez un dessin final parfait si vous répétez le même dessin. Mais cela apporte beaucoup plus de confiance dans la façon dont nous appliquons nos couleurs, notre utilisation de ce support, notre capacité à ajouter de la couleur et de l'eau les mélanger et à savoir comment en faire. Mais en général, plus nous pratiquons et jouons avec notre médium, plus nous sommes confiants et plus les résultats sont beaux. Parce que la liberté avec laquelle nous appliquons la couleur se reflète dans notre dessin final. Je prends mon temps pour observer mon échantillon. Maintenant, nous ajoutons de l'eau au pinceau que nous utilisons. Ensuite, retirez l'eau avec un mouchoir sec, ajoutez-y de l'encre et, une fois de plus, retirez le surplus d'eau et recommencez à travailler. Vous pouvez utiliser cette technique simplement pour nettoyer votre pinceau et recommencer à appliquer plus de couleur. Nous travaillons de cette manière afin que toute la surface sur laquelle nous travaillons ne devienne pas trop sombre. Nous commençons maintenant à ajouter plus de contraste à notre travail. Comme vous pouvez le constater, nous continuons à travailler sur le tronc de l'arbre de cette manière , comme cela a été mentionné précédemment, il est important de ne pas ajouter de parties sombres sur les bords. Si nous laissons un petit lien entre les parties sombres et les bords, cela nous aidera à mieux montrer cette dimension de la courbure dans l'arbre ainsi que les formes circulaires. J'essaie d'ajouter autant de détails que je peux. Je veux mettre en valeur mon sapin et le rendre plus réaliste. Nous utilisons des lignes courbes, de longs coups de pinceau, des traits secs, une technique en pointillés. Passons à l'étape suivante, nous ajoutons de l'encre au pinceau et non de l'eau du tout, afin de pouvoir commencer à appliquer des taches plus foncées sur notre travail. On peut voir tout cela sur cette partie de l'arbre. Nous en avons déterminé l'emplacement. N'oubliez pas que vous pouvez m'envoyer vos questions à tout moment ou peut-être partager avec moi vos dessins finaux. Et je peux partager avec vous quelques commentaires, vous donner quelques conseils et répondre à toutes vos questions. J'aimerais prendre des photos de mes œuvres à différentes étapes au fur et à mesure que je les complète. Cela vous donne une idée de ce sur quoi je me suis davantage concentré, la façon dont l'image s'est construite. Et cela vous aide à visualiser, à regarder votre image et à voir Est-ce harmonieux, équilibré ou les parties sombres ? Similaire, cohérent. Et moi, euh, j'applique ma technique de manière cohérente. Cet aspect visuel est quelque chose que nous pratiquons en regardant nos œuvres d'art. Nous essayons de garder les parties claires, les points blancs nets et intacts pendant que nous travaillons. Si nous remplissons toutes ces parties et ces points, le côté droit de l'œuvre, qui est déjà sombre, deviendrait plus sombre et nous n' aurons plus la sensation dimensionnelle de notre travail. Nous perdons ce sens de la profondeur de perception. Nos points forts sont tout aussi importants que nos ombres. Dimension et forme créées par tous ces points concaves et convexes sur le tronc de l'arbre. L'utilisation des lumières et des ombres disparaîtrait si nous remplissions les zones claires. Et nous aurions un ton plus monotone sur l' ensemble de notre dessin. De plus, l'harmonie que nous avons créée jusqu'à présent avec les lumières et les ombres disparaîtrait. Si nous remplissons ces parties, nous aurions une partie sombre et une partie claire l'une à côté de l'autre. C'est pourquoi nous devons faire attention aux parties légères de notre travail et essayer de ne pas les perdre ou de les faire perdre avec le reste des tonalités. Comme mentionné précédemment, nous devons prendre le temps d' examiner notre échantillon, voir ce que nous dessinons. Nous le faisons constamment. Bien entendu, l'image, notre échantillon d'image ou l'objet physique devant nous ne ressemblera pas exactement à ce que notre dessin ne lui ressemblera pas exactement. Mais nous voulons une référence très solide et nous voulons continuer à chercher parce que parfois nous pouvons faire l'hypothèse suivante : oh, voici à quoi cela ressemble, parce que nous avons des informations, nous savons à quoi ressemble un arbre, mais nous pouvons ensuite oublier où se trouvent les reflets, où se trouvent les ombres. C'est pourquoi il est important de continuer à examiner votre modèle. Il vous permet d'ajouter des informations que vous ne connaissiez pas. Il y en a peut-être. La pratique à regarder et à voir l'œuvre est la meilleure pratique que vous puissiez faire. Désormais, nous pouvons également utiliser le type de texture que le carton que nous utilisons nous donne au papier sur lequel nous dessinons ou le carton possède son propre grain et ses propres fibres. Ensuite, nous pouvons en profiter et faire ressortir cette texture également. Et nous verrons comment nos couleurs se situent sur ce type de texture et en tiendrons compte dans notre dessin. Et surtout si nous utilisons un pinceau sec. Juste quelque chose à garder à l'esprit. J'ajoute des détails au fur et à mesure que je les vois et je continue à travailler sur une partie, puis je continue et je passe à l'autre. Nous devons ajouter les points noirs sur notre travail aux bons endroits et les disperser afin de les harmoniser, assurer qu' ils sont cohérents dans les différentes parties de l'œuvre. entraînons également à maintenir notre application avec notre pinceau pour être cohérente. Le dessin final indiquera clairement qu'il y a harmonie, dessin final indiquera clairement qu'il y a car même si nous avons utilisé différentes techniques, notre application est harmonieuse pour chaque technique. Nous allons ajouter plus de texture et de détails sur cette partie car nous n' avons pas travaillé autant sur elle sur les autres parties. Nous rendons la branche plus audacieuse en y ajoutant plus de détails et de textures. Maintenant, en utilisant la largeur du pinceau, nous ajoutons ces textures à l'œuvre. Alors oui, juste comme ça. Si vous avez besoin d'un moment pour tester une certaine marque que vous souhaitez créer avec votre pinceau. Il suffit de mettre la vidéo en pause et de l' essayer sur une feuille séparée, puis de la lire à nouveau. Et nous continuons ensemble. Nous ajoutons les feuilles et les buissons avec le même pinceau sec, ce qui nous permet de mieux montrer la texture du papier ou du carton sur lequel nous travaillons. De cette façon, nous ajoutons plus de détails. Regarde la façon dont j' applique ces gestes. Ils y sont très légers avec le bout de mon pinceau. Elles sont plus sporadiques ou irrégulières. On peut encore ajouter le contraste de l'œuvre, même les parties les plus sombres. Nous ajoutons maintenant des taches sombres comme petits points sur la partie inférieure des branches. Et aussi là où la texture du tronc devient rugueuse ou exactement là où nous le voyons dans notre échantillon. Comme ici. Pratiquez également une dernière chose. Pendant que tu travailles sur un dessin. Prends un petit moment juste pour reculer la tête. Jetez un œil à votre dessin, regardez ce que vous avez créé jusqu'à présent. Cet aspect visuel, par exemple, vous devez regarder l'œuvre et voir si elle a l'air visuellement logique. Peut-être que certaines parties se démarquent davantage que d'autres et que vous souhaitez trouver un équilibre. Prenez donc un moment toutes les quelques minutes pour jeter un coup d'œil à ce que vous avez créé, le dessin que vous avez créé parce qu'il possède sa propre esthétique. Mike a dit tout à l' heure que ce ne serait pas exactement comme votre échantillon, mais qu'il pourrait être encore plus beau et qu'il a sa propre vie. Et nous y travaillons. Nous travaillons sur le dessin. L'échantillon est là juste pour notre référence. Maintenant, comme nous voulons utiliser toutes les techniques que nous avons apprises sur ce travail, nous allons utiliser de l'eau et l'appliquer avec un pinceau sur notre surface. Juste comme ça. Suis mon exemple. Nous allons utiliser l'eau uniquement pour décolorer les différentes parties. Certaines parties de la peinture ont été ajoutées pour obtenir une texture plus proche de la couche primaire que nous avons créée. Nous rassemblons les travaux. Décoloration de ces parties parallèlement la texture sèche que nous avons sur ces autres parties. Les techniques humides et sèches nous aident donc à créer une harmonie dans le travail. Et cela ajoute de la beauté et une profondeur de perception. Maintenant, la pratique est essentielle ici, c'est vraiment essentiel. C'est ainsi que nous nous améliorons dans cette technique et ce médium avec toutes ces techniques Afin de créer ce type d'harmonie, nous devons être capables de contrôler notre pinceau, à fois lorsqu'il est sec. et quand il fait humide. Sur papier humide ou papier sec. Cela ne vient qu'avec de la pratique. aquarelle ou le dessin à l'eau et à l'encre font partie de ces techniques dans lesquelles nous devons être rapides et peindre. Contre la montre. Nous avons une limite quant à la quantité de travail que nous pouvons travailler sur un dessin à l'aquarelle. Vous pouvez continuer à travailler dessus car les couches sèchent. Nous ajoutons sans cesse des touches de couleur les unes sur les autres. Ce que nous pouvons faire, c'est augmenter le contraste en une ou deux étapes, travailler avec de l'eau et de l'encre sur la surface et rehausser la couleur avec un mouchoir en papier. y aura pas d'autre étape après celles-ci et nous devons terminer notre travail en ce nombre limité d' étapes si nous insistons pour y ajouter plus, l'aspect de l'œuvre sous forme d'aquarelle ou œuvre d'art à l'eau et à l'encre. Il disparaîtrait ou serait perturbé. Vous ajoutez quelque chose qui n'est pas censé être là d'une certaine manière. C'est pourquoi nous devons y travailler dès maintenant. Et cela ressemblerait à une œuvre à la gouache ou à l'acrylique si on y ajoutait trop de touches et de couches. Ici, nous avons ajouté une légère couche d'ombre. Nous pouvons également accélérer le processus de séchage en utilisant un sèche-cheveux. Nous terminons le travail en ajoutant de petites lignes. Merci beaucoup de m'avoir rejoint et à bientôt dans le prochain tutoriel. 10. Faire et ne pas jouer dans la nature morte: Bonjour et bienvenue dans un autre didacticiel de cette leçon. Dans la continuité des leçons précédentes sur le dessin à l' aquarelle et à l'encre, nous allons nous concentrer sur les erreurs courantes qui peuvent survenir lors travailler avec ces matériaux et voir comment ils peuvent être évités. Nous allons travailler sur un échantillon de nature morte de fruits. Nous allons donc commencer par esquisser le modèle très légèrement. Utilisez vos ressources téléchargeables. Ils disposeront de toutes les informations nécessaires à votre tutoriel. L'esquisse dont vous avez besoin, les grilles pour créer l'esquisse. Tous les matériaux que nous utiliserons. Nous devons faire le croquis initial très légèrement ici. Parce que lorsque les couches d' aquarelle sont ajoutées à l'œuvre, ces lignes claires ne devraient pas être visibles. Prenez le temps de créer votre croquis. Passez en revue les détails dont vous avez besoin comme ligne directrice. Même s'ils sont légers, ils indiqueront toujours où appliquer nos mélanges d'encre et d'eau. Si vous avez déjà créé votre croquis, vous pouvez sauter deux minutes en 5,45 secondes, lesquelles nous commencerons à appliquer nos couleurs et notre eau. Maintenant, nous allons ajouter des couleurs. Les mêmes techniques et méthodes que nous avons pratiquées dans les leçons précédentes seront utilisées avec différentes couleurs sur cet échantillon. Nous devons être prudents et contrôler nos pinceaux. La quantité d'eau que nous ajoutons à la surface. Et en fait, l' équilibre créé entre l'eau et l' encre nous permet décrire ce que nous allons faire de la manière la plus simple et la meilleure possible. De cette façon, toutes les complexités de la forme peuvent être simplifiées pour obtenir une forme qui montre parfaitement la composition. En fait, ce n'est pas quelque chose sur lequel il faut consacrer autant de temps. C'est plutôt quelque chose qui s' apprend en pratiquant et nous pouvons transférer très rapidement ce que nous allons représenter sur notre feuille de papier. Juste quelques touches d'encre et d'eau. Nous allons travailler sur l' échantillon en fonction des bonnes et des mauvaises méthodes, en montrant les choses à faire et à ne pas faire en matière d' aquarelle et la façon dont elles sont appliquées. Notre sujet peut être tout ce que nous voyons devant nous. Et nous pouvons également utiliser différentes techniques telles que mouillé sur mouillé ou sec sur sec. Cela n'a pas beaucoup d'importance. Ce qui compte, c'est de savoir quelles sont les erreurs les plus courantes qui peuvent se produire lorsque nous utilisons des aquarelles. Maintenant que nous avons appliqué de l'eau sur notre papier ou notre carton, voici la version à ne pas faire et nous allons parler des bonnes manières de le faire. Il est faux de commencer à travailler avec les aquarelles en appliquant d'abord les couleurs sombres. Il est faux de commencer à ajouter les couleurs sombres que l'on voit sur l'œuvre. Tout d'abord, nous allons commencer par un brun. C'est un rouge indien. C'est une chose à ne pas faire. À ce stade , cela avait ajouté à la beauté de l'œuvre. Cependant, la mauvaise chose à faire maintenant est de continuer à travailler dessus et d'y ajouter d'autres points noirs, ce que nous allons faire. Nous observons l'œuvre pour voir où se trouvent les parties les plus sombres et commençons à y appliquer les tons les plus foncés. J'utilise un Van **** marron. Au fur et à mesure que nous avançons. Nous continuons à y travailler plus qu'il n'en faut. C'est également une chose à ne pas faire. En ajoutant trop de couches de couleurs principalement foncées sur l'œuvre, nous couvrons tous les espaces qui laissent apparaître différentes parties de l' œuvre. Nous voulons éviter de le faire à l'avenir, car nous finissons par assombrir encore plus inutilement cette partie ombragée . Comme cela est visible sur cette partie, nous avons supprimé la sensation d'aquarelle de l'œuvre. Cette esthétique que l'on obtient des aquarelles est en train de disparaître. L'erreur suivante est d' ajouter une couleur très claire, comme une couleur jaune clair pour travailler sur cette paire. La première erreur a été de commencer par les tons de couleurs les plus sombres de l'œuvre. L'erreur suivante consiste à appliquer la teinte jaune clair juste à côté de la partie foncée. Ce que nous essayons de faire, c'est de travailler sur la texture de la paire car nos pinceaux salissent réellement les couleurs. Peu importe combien nous nettoyons le pinceau, la couleur sera toujours sale et impure, ce qui nuira à l'œuvre, la qualité des couleurs qui apparaissent sur l'œuvre. Comme mentionné précédemment. Nous allons faire tout cela, les choses à ne pas faire sur une œuvre d'aquarelle ici sont comme des erreurs qui se produisent souvent. Maintenant, la prochaine chose que nous allons faire , à ne pas faire, est d'ajouter un contour sombre aux œuvres. Nous essayons maintenant d'ajouter une ombre à l'œuvre. essayant de travailler sur les ombres, nous avons appliqué à nouveau des couleurs sombres sur le pinceau puis sur le papier sans laisser sécher l'œuvre qui avait besoin de temps. Je travaille dessus alors qu' il est encore humide. Il est interdit d'en placer une autre couche alors qu'il est encore humide. C'est le contraste entre cette teinte brune et cette teinte jaune sur laquelle nous travaillons actuellement. C'est pourquoi nous ajoutons cet endroit ici juste pour essayer de les différencier. Mais c'est toujours problématique. Travailler de cette façon est problématique. Cela ne vous donne pas les meilleurs résultats. Nous continuons maintenant à travailler sur le poivron. Encore une fois, nous allons commencer le travail en ajoutant les tons de couleur plus foncés, ce qui est fort. Lorsque nous commençons le processus d' ajout de couleurs avec des tons plus foncés, en particulier avec quelque chose comme le marron. L'ensemble de l'œuvre et la surface sur laquelle nous travaillons seraient tachés et auraient l'air sales au fur et à mesure que nous avançons. Nous commettons maintenant une autre erreur courante en matière d'aquarelle, qui consiste à diriger les peintures d'ici à là, en déplaçant la couleur sur votre surface. Immédiatement après cela, nous allons commencer à appliquer la couleur rouge sur la surface. Il s'agit d'une lecture DPU au cadmium. Il y a aussi des parties claires, parties brillantes sur les bords du poivron car nous montrons les erreurs courantes de l'aquarelle. Nous allons les couvrir, sans leur laisser intacts les bons endroits. Vous savez que nous laissons habituellement les points forts, les points blancs. Ce sont les parties claires, elles sont le blanc de la page. Ce n'est pas ce que nous faisons. poivre rouge manquera de quelques reflets. Nous avons en fait couvert les lumières ici, ce qui est faux. Maintenant, nous continuons à le faire. En fait, nous ajoutons de plus en plus d'ombres à l'œuvre afin de créer une sensation dimensionnelle. Cependant, l'aquarelle n'est pas l'outil avec lequel vous pouvez ajouter de plus en plus de couches pour créer la dimension que vous recherchez. Au lieu de cela, la dimension doit être créée d' un seul coup de pinceau. Mais nous essayons ici de donner de la dimension à l'œuvre par plusieurs mouvements de va-et-vient de notre pinceau, ce qui est faux. Vous devez diriger votre pinceau et être intentionnel quant à l'endroit où vous appliquez votre couleur. Les couleurs se mélangent les unes aux autres car nous avons ajouté l'eau sur toute la surface avant d'ajouter les couleurs. Si nous essayions d'enlever les couleurs avec un mouchoir sec comme celui-ci, toutes les couleurs que nous avons ajoutées à la surface disparaîtraient. Il serait décollé. L'erreur suivante consiste à ajouter une couche de couleur foncée, un contour sombre tout autour de l' objet sur lequel nous travaillons. En ajoutant des couches plus foncées et l'ombre du poivron sur la paire et en passant du foncé au clair, ce qui est encore une fois faux. Vous avez ajouté des points noirs à notre œuvre qui, à côté de ces autres points noirs endommageront l'ensemble de l'œuvre et son apparence. Il est presque difficile de différencier ou même savoir ce que nous dessinons. Maintenant, la surface est sèche. Nous pouvons voir les taches créées sur l'œuvre qui ne sont pas placées aux bons endroits. Et aussi en utilisant les bonnes tonalités de couleurs. Pour résoudre ce problème, nous allons ajouter encore plus de points noirs, ce qui est encore une fois une erreur d' essayer de donner une définition ici. Et ils utilisent une tonalité plus foncée parce que c'est ce qui est nécessaire pour créer un petit contour. Comme une erreur. De la façon dont j' applique la couleur actuellement, ces mouvements de va-et-vient du pinceau vont ajouter couches excessives à l'œuvre alors que nous essayons de travailler sur la dimension jaune ici. Nous continuons à travailler dessus avec de mauvaises techniques et appliquons ici la teinte la plus claire, ce qui ne fonctionnera pas. Il n'aura pas, n'aura pas l' apparence que nous voudrions parce que la couleur a été tachée. Le point fort n'est pas là. Même si j'ajoute cette couleur vive en haut. Nous ne pouvons pas appliquer la teinte la plus claire sur la plus foncée et la peinture à l' aquarelle. Et la bonne façon d'appliquer des couleurs à l'aquarelle est de passer du clair au foncé en appliquant les couleurs claires sur la surface où nous utilisons également la texture du papier. Et nous ne pouvons pas travailler avec des aquarelles la même manière que nous travaillons avec de l'acrylique, par exemple. Il y a ici un aspect superposé où vous travaillez du plus clair au plus foncé, laissant chaque couche sécher, puis en commençant par chaque couche suivante au fur et à mesure du séchage. Quelle que soit la façon dont nous travaillons dessus ajoutons d'autres couches pour créer de la dimension. Aujourd'hui, nous ne sommes pas en mesure d'y parvenir. Nous ajoutons sans cesse ces parties plus sombres à l'œuvre. Et ce qui se passe actuellement, c'est que plus nous ajoutons de couches sombres qui salissent toute la surface. Nous avons également ajouté de l'eau dont nous avons réellement besoin à la surface, ce qui nous empêche de contrôler les couleurs et la manière dont elles sont appliquées. Prenez un moment pour regarder votre dessin, votre dessin actuel en ce moment où ce sont les choses à ne pas faire. À l'aquarelle. Nous appliquons ici le ton de couleur jaune. Et comme cela est visible, la présence de jaune et de brun un à côté de l'autre avec un excès d'eau la surface ne fera que salir toute la surface. En travaillant de cette manière, les couches de couleurs précédentes que nous avons ajoutées disparaissent également . Une autre erreur est de concentrer autant de couleurs sur votre pinceau. Vous devez le faire lentement et couche par couche. Mais faire glisser la couleur en tant que telle ne va pas aider. Comme nous avons ajouté plus d'eau qu'il n'en faut réellement à la surface. Et pour pouvoir continuer à travailler, nous devons attendre que les couches de couleur et d' eau sèchent ou éliminer l'excès d'eau avec un mouchoir sec qui élimine également les couleurs . Ensuite, nous devons travailler une fois de plus sur les taches de couleur sur l'ensemble de la sensation de travail à l' aquarelle. L'esthétique que l'aquarelle vous confère à cet ensemble limité de coups de pinceau est en quelque sorte supprimée, elle est ruinée, nous n'avons pas réussi à réaliser ce processus. Nous essayons en fait de faire en sorte que cela fonctionne en répétant les erreurs, en répétant les erreurs, ce qui n'arrivera pas. L'aquarelle est une technique dont l'œuvre est façonnée par un ou deux coups de pinceau. Et comment nous contrôlons l'eau, les couleurs et le pinceau. Il s'agit d'une quantité d'eau calculée, d' une quantité d'encre calculée, d'une quantité calculée de coups de pinceau. L'échantillon sur lequel nous travaillons actuellement , car nous avons appliqué les mauvaises techniques, les mauvaises techniques à ne pas faire, nous allons trop loin pour le concrétiser. Et ce n'est pas ainsi que nous devrions travailler avec les aquarelles. Nous ajoutons des couches de couleur encore plus sombres sur ces parties et ajoutons en fait les nouvelles couches d'ombrage au-dessus des ombres précédentes. Nous allons ajouter la couleur verte tout de suite à partir du stylo sur la surface. L'ajout de couleurs de cette manière ne donnera pas une belle œuvre, comme nous l'avons déjà établi. J'utilise une couleur vert foncé Hookers ici. Comme on peut le voir, les couleurs commencent à se mélanger à leur surface, et c'est à cause de l'eau que nous avons appliquée sur la surface. Nous avons en fait recouvert toutes les parties de l'œuvre avec de la couleur sans laisser de parties blanches, ni de reflets, ni d'espaces vides. Pour différencier les différentes parties ici. Nous allons travailler sur l'arrière-plan. Montrez également l'une des autres erreurs fréquemment répétées de l'aquarelle, qui consiste à travailler sur le fond avec une couleur noire. J'utilise un noir ivoire. Utiliser la couleur noire ici est une erreur car cela ajoute plus de points sales sur l'œuvre. De plus, la couleur noire ne va pas bien avec les autres couleurs utilisées dans cette œuvre jusqu'à présent, nous avons dû essayer créer ces parties plus sombres en ajoutant différentes tonalités de gris et non de noir. L'un des points les plus importants est de garder les aspects légers de notre travail. Et cela vient de la bonne observation que nous faisons de l'œuvre. Ici. Il y a une partie lumineuse très importante à l'arrière de la sphère de la paire. Nous allons le couvrir. Cela permet de détacher la sensation d'aquarelle de l'œuvre. Ici. Nous avons trop de taches sombres qui lui ont ôté la luminosité habituelle d'une œuvre d' aquarelle. Et le travail est devenu sale à cause de toutes les tonalités brunes que nous avons utilisées. Vous voulez examiner votre image et voir à quel point elle n'est pas séparée ou présente des reflets. Par exemple, sur cette partie, nous ne pouvons pas voir la beauté de la couleur rouge. Nous avons ajouté. Seul le petit point que nous avons ici reste sur le côté lumineux où nous pouvons profiter de la couleur, le vert, même tout le jaune, s'infiltre dans le rouge. Elles ont toutes été mélangées, elles ont supprimé la sensation dimensionnelle de l'œuvre et sont devenues plates. Les contours bruns partout dans le monde ont complètement endommagé le croquis de l'œuvre. Comme il a été mentionné précédemment, il est important de ne pas ajouter ce contour sombre autour des objets en tant que légère déformation provenant de toutes les parties de l'objet. Et en ajoutant ce contour sombre sans tenir compte des parties claires, l'objet semble plat. Le poivre que nous avons ici est devenu complètement plat à cause de tous les contours foncés que nous avons ajoutés. En fait, nous n'étions pas en mesure de contrôler les taches de couleur et la lumière que nous avions à l' origine à l' arrière de la paire a maintenant disparu avec toutes les parties sombres que nous avons ajoutées. L'erreur suivante consiste à ajouter des couleurs tout autour de l'objet et à couvrir réellement l'espace autour des objets. Par exemple. Nous pouvons utiliser une couleur plus claire comme celle-ci autour des objets, comme le bleu que nous appliquons actuellement. L'ajout d'alcynes sous quelque forme que ce soit est une erreur et nous ne devons pas utiliser de pinceau, colorer et couvrir tous les espaces autour des objets dans nos œuvres. Nous recouvrons tous les espaces vides en y ajoutant des couleurs. Nous remplissons toutes les fibres de notre papier ou de notre carton. Nous allons maintenant appliquer la couleur complémentaire pour celle-ci, par exemple l'orange sur ces parties. Comme c'est visible, les couleurs vont paraître sales. Les couleurs complémentaires ne doivent pas être utilisées côte à côte, car elles se mélangeront et donneront l' impression car elles se mélangeront et donneront qu'elles se sont entachées . À la fin. Nous couvrons toutes les pièces et ne laissons espace pour les lumières ou les espaces inutiles. Nous exagérons sur cet échantillon, mais cela peut facilement se produire lorsque nous travaillions sur un paysage avec de nombreuses couleurs différentes. Si nous ne pouvons pas contrôler les couleurs, le pinceau et l'eau que nous utilisons, nous n'obtiendrons pas un bel effet final. Il est très important d'avoir des espaces vides et intacts entre les couleurs afin que notre œuvre d'aquarelle puisse respirer. Prenez le temps d'observer votre image et d' examiner ses aspects problématiques. Les parties blanches peuvent également faire apparaître les lumières et laisser respirer l'œuvre, mais elles peuvent également paraître plus réalistes et plus naturelles. Et les différentes parties de l'œuvre se révéleront mieux , car il s'agit d'un équilibre. Souvenez-vous comment nous avons parlé. Il s'agit d'un équilibre entre les reflets, les contours et les ombres. Les reflets sont tout aussi puissants que les ombres et les parties sombres. Et nous ne devons pas appliquer les contours foncés jusqu'au bord qu'ils empêchent de montrer la courbure de l' objet que nous dessinons. Nous allons maintenant poursuivre notre travail sur le même échantillon, mais cette fois en contrôlant les couleurs, le pinceau et l' eau que nous utilisons. La première étape consiste à laver complètement notre brosse pour qu'elle soit propre. Nous allons utiliser la pointe du pinceau. Un point important pour les débutants est de ne pas commencer leurs entraînements par une technique humide sur mouillé, car il s'agit d'une méthode difficile à contrôler. Nous allons appliquer de l'eau et de la couleur avec notre pinceau. Rappelez-vous que dans notre échantillon de gauche, nous avons appliqué le ton le plus foncé en premier. Nos couleurs se fondent les unes dans les autres. Nous n'avons pas laissé assez de temps pour que les couches sèchent. Cela a également donné à l'ensemble de l' œuvre un aspect sale et les couleurs ont perdu leur luminosité après avoir été mélangées. Nous allons donc commencer par les couleurs les plus claires , puis nous ajouterons les parties sombres. Nous commençons par une teinte jaune de la paire. Et pour cela, nous utiliserons un jaune chaud comme le cadmium. Et nous ajoutons également de l'eau à notre couleur. Nous avons sur le pinceau, donc nous avons de l'eau sur notre pinceau, aquarelle sur notre pinceau. Plus tard, nous y ajouterons plus d'eau et ajouterons la couleur dans le même sens que la forme de la paire. Mais c'est ainsi que nous sommes censés commencer avec un ton plus clair. Au fur et à mesure que nous atteignons les parties les plus légères, nous devons ajouter de l'eau à l'œuvre. Ajoutez donc plus d'eau à votre pinceau si vous arrivez à une partie encore plus claire. Nous ajoutons la couleur de cette manière sur les différentes parties de l'œuvre. La couleur que nous avons maintenant est très brillante. Nous devons conserver cette luminosité tout au long du processus de création de l'image. donc très important de garder un œil est donc très important de garder un œil sur les points forts. S'il y a des parties qui doivent rester blanches sur la page. Vous devez également garder un œil là-dessus. Nous laissons ces parties intactes et blanches comme les bords de l'objet. Continuez à observer votre sujet, votre échantillon. Pendant que tu dessines. Nous lavons le pinceau une fois de plus et commençons à travailler sur le poivron avec un rouge. Nous allons mélanger la couleur rouge que nous avons avec un peu d'orange. Pour avoir une meilleure combinaison de couleurs, pour avoir un rouge un peu plus vif. L'étape suivante consiste à ajouter de l'eau à la combinaison, cette combinaison de couleurs que nous venons de créer. Il devient donc plus léger et plus aqueux. Et nous pouvons donc le diffuser un peu plus. Nous commençons à ajouter la couleur de cette façon sur le poivron à l'aide de la pointe de mon pinceau. Nous ajoutons également un peu plus d'eau. Nous prenons soin de laisser certaines parties intactes. Par exemple, sur le point convexe apparaissent. Ne le recouvrez d'aucune couleur. Nous continuons à regarder notre échantillon. Bien que les dessins ne soient exactement les mêmes que nos échantillons, ce n'est pas l'idée. L'idée est de créer un dessin à l'aquarelle dans l' esthétique de l'aquarelle, nous pratiquons et nous obtenons un dessin qui des reflets, des contrastes et qui montre bien l'image. Nous devons nous entraîner à regarder notre travail. Et en visualisant l'harmonie. Pendant que nous postulons, regardez ma vitesse. Ma vitesse a diminué. Je laisse plus de temps à cette couche pour sécher et observer mon application. J'applique avec la pointe de mon pinceau. Lorsque je travaille sur le corps du poivron, j'utilise la longueur de mon pinceau, le côté de mon pinceau. Partout où je vois, je crée un concentré de couleurs. Je laisse une petite palette de couleurs à cet endroit. Nous ajoutons des couleurs de cette manière, étape par étape, du clair au foncé. Bien que ma vitesse ait ralenti dans cet échantillon, ce que nous faisons correctement. Je ne vais pas ralentir non plus. Nous laissons les couleurs bouger librement sur certaines parties auxquelles nous avons ajouté de l'eau auparavant et laissons le travail se tout seul, comme une œuvre d'aquarelle peut être similaire à une œuvre heureuse incident où nous devrions laisser les choses se produire, laisser les couleurs sécher et s'infiltrer dans le papier pour obtenir cet effet. Le processus de séchage révèle cette esthétique. Ensuite, nous allons utiliser une couleur ocre. Et après y avoir ajouté plus d'eau, nous l'appliquons ainsi sur notre surface. N'hésitez pas à m'envoyer toutes les questions que vous pourriez avoir ou les dessins que vous pourriez avoir complétés. Je suis très heureuse de partager avec vous quelques commentaires, peut-être quelques conseils. Mais utilisez nos ressources téléchargeables qui contiennent toutes les informations nécessaires pour chaque didacticiel sur lequel nous travaillons. Maintenant, nous devons commencer à travailler sur les teintes les plus sombres. Nous voulons assombrir légèrement notre dessin. Alors que j'applique cette couche secondaire, l'ocre est d'une teinte plus foncée que le jaune primaire que nous avons appliqué. Avec l'ocre jaune. J'ai ajouté une tache de couleur comme celle-ci. Ensuite, nous attendons de voir ce qu'il en sera. Nous le dirigeons où nous voulons à l'aide de notre pinceau. De cette façon. Nous devons éviter que cela ne crée différentes taches, telles que des taches sur l'œuvre. Nous voulons les appliquer exactement là où nous les voyons. Prenez le temps d' observer votre échantillon. Regardez où se trouvent les ombres et les reflets. Vous ne voulez pas couvrir toutes les parties jaunes, surtout pas les reflets. Nous pouvons utiliser le tissu sec de cette façon et extraire soigneusement l' excès d'eau à la surface. Il ne faut pas appuyer trop fort. Il faut maintenant attendre que les différentes parties de l'œuvre soient sèches. À ce stade. Nous allons travailler sur le poivron. Nous avons ce point rouge ici. Nous allons maintenant ajouter les couches d' ombrage étape par étape. Nous ajoutons la couleur au pinceau. Nous utilisons un brun pour le moment. Vous devez faire attention à l'endroit où vous appliquez votre couleur. Pour le rendre un peu plus liquide, nous y ajoutons de l'eau avec notre pinceau. De cette façon. Vous pouvez également tamponner votre pinceau sur un mouchoir en papier si vous avez l' impression qu'il contient trop d'eau ou trop de couleur. Une tache de couleur comme celle-ci est créée au cours du travail. Nous pouvons le garder. L'esthétique du médium permet ce genre de petite extension de couleur. C'est bon. Nous allons maintenant ajouter une plus grande teinte brune ici pour la rendre légèrement plus foncée. N'oubliez pas que la meilleure pratique que vous pouvez faire est d'examiner votre modèle. Regardez ce que vous dessinez, observez les parties les plus claires et essayez de leur donner un dégradé. Quelle est la partie la plus claire qui est blanche et quelle est la partie la plus sombre des lumières ? Et puis jetez également un œil à vos parties les plus sombres, les ombres. Quelle est la plus sombre des ombres ? Est-ce que c'est un marron ? Est-ce plus proche du noir ? Ce n'est pas plus bleu. La meilleure pratique que vous pourriez faire est donc d' observer et de vraiment voir sur quoi vous travaillez dans votre dessin pour créer nœud, soit visuellement, soit sur un papier ensuite. pour vous dire que ce sont les tonalités que vous allez utiliser. Alors, c'est ta palette. Et en nous entraînant, car plus nous pratiquons, plus nous sommes en mesure de mélanger nos couleurs avec la bonne quantité d' eau et de travailler sur notre vitesse. Bien que nous ayons besoin que ces couches sèchent, nous voulons également être en mesure de travailler et de les faire se traduire les unes dans les autres sans s'emmêler les unes dans les autres. Nous continuons donc à ajouter les couleurs comme celle-ci, en n'ajoutant que des adultes à la surface. Mais lorsque la surface est humide, les couleurs vont bouger et se fondre sur la zone sur laquelle nous avons ajouté de l'eau. Nous devons continuer à pratiquer la façon dont nous ajoutons nos couleurs afin d'apprendre comment nous devons le faire et comment contrôler réellement l'encre ou les aquarelles sur la surface. Comme cela est visible à ce stade, les couleurs se déplacent sur la partie humide, nous attendons donc qu'elles se stabilisent avant de poursuivre notre travail. En attendant, nous allons ajouter la couleur verte sur cette partie, qui est le dessus de notre poivron. Nous allons ajouter un peu d'orange au vert que nous voulons utiliser pour obtenir une couleur vert olive. Cela réchauffera un peu notre vert. Si vous avez besoin de nettoyer votre brosse procurer des mouchoirs ou de l'eau potable. Vas-y, fais-le. Vous prenez également un moment pour mélanger notre vert à notre orange. Nous commençons à l'appliquer. Avec le bout de mon pinceau. J'applique le vert, on enlève une partie de la couleur à l' aide d'un mouchoir sec. Encore une fois, vous ne voulez pas appliquer trop de pression sur vos tissus. Vous ne faites que lever la couleur ou si vous sentez que votre pinceau contient trop d'eau, vous pouvez le tamponner sur votre mouchoir en papier. Si ce n'est pas le cas, allez-y. faut maintenant attendre qu'il sèche. Nous avons gardé cette partie blanche ici. Que voyez-vous juste en dessous de la tige verte ? Nous ne l'avons peut-être pas nécessairement sur notre échantillon, mais il est très important d' utiliser réellement ces parties blanches. Même si le surlignage votre échantillon est légèrement plus foncé, vous pouvez le laisser blanc sur votre dessin. Cela vous donne la possibilité d'ajouter une tonalité très claire plus tard ou peut-être même de la laisser blanche. La surface est sèche dans une certaine mesure. Et maintenant, en utilisant le ton de couleur marron, nous commençons à ajouter les parties les plus sombres. Après avoir retiré le surplus d'eau de notre brosse. J'ai ajouté un petit détail sur le dessus de la tige. Ici aussi, sur le bord supérieur du poivron. Nous ajoutons les parties sombres étape par étape. Et avec beaucoup de soin. Vous devez laisser sécher les aquarelles car elles ont naturellement leur propre esthétique. Vous voyez comment notre rouge est devenu ce rose clair. Et il a une tonalité orange et nos bruns sont plus doux. Essayez donc d'intégrer visuellement cette esthétique et de travailler avec elle. Nous lavons le pinceau et commençons à ajouter une plus grande teinte rouge à ces parties. Tu dois faire attention ici. Ajoutez-les comme ceci. Nous avons ajouté une autre couche rouge à l'œuvre, juste pour la rendre un peu plus audacieuse. Mais remarquez que nous ne l'avons pas fait dès le départ. Nous avons ajouté une couche par couche parce que nous voulons toujours que cette teinte plus claire, cette esthétique de l'aquarelle transparaisse à travers nos couches et que nous nous habillons comme ça. Nous avons ajouté une autre couche. Rendre notre travail un peu plus audacieux. Nous continuons d' observer notre modèle. Nous voulons nous assurer de ne pas masquer les reflets lorsque nous ajoutons ces couches car cela peut très facilement se produire. C'est pourquoi il s'agit de contrôler la quantité d'eau quantité de couleur que nous ajoutons. Maintenant, nous attendons que les autres pièces soient sèches pour ne plus travailler dessus. Pour l'instant Nous laissons le poivron sec. Nous retournons travailler sur la paire. Nous allons utiliser une couleur ocre et nous allons commencer à l' appliquer sur ces pièces. Comme vous pouvez le voir ici, lorsque la couleur rouge du poivron se mélange à ces parties. Nous essayons de l'orienter vers les différentes parties que nous voulions de cette manière. Pour contrôler la couleur, vous pouvez la soulever avec un mouchoir comme celui-ci. Et il convient un peu moins que ce que vous avez demandé aux parties ombragées. Mais nous prenons plus de contrôle en retirant la couleur de la surface et en tapotant le tissu sec. Nous continuons à travailler sur la paire. Sur la troisième couche avec notre ocre. Ou en ajoutant le détail supérieur de la tige. Avec le Van **** marron. Nous ajoutons les parties les plus sombres de cette façon. Suis mon exemple. Il est maintenant temps de commencer à travailler sur l'ombre de la paire. Je commence par une couche très légère pour l'ombre. Nous faisons attention à ne pas l'appliquer partout. Vous avez également une légère ombre sous le poivron. Nous allons ajouter cette partie sombre ici. Nous utilisons le même ton brun. Nous ajoutons le Van **** marron sur l'ombre, mais nous laissons la couleur bouger sur la partie humide. Nous voulons nous concentrer, être patients et diffuser correctement notre couleur. Pendant que nous travaillions sur la paire ici, parlons de la partie qui a saigné du poivron à la paire. Nous aurions pu mieux contrôler l'eau. Vous y êtes peut-être parvenue mieux que moi lorsque ce saignement ne s'est pas produit, où le rouge n'a pas accédé au jaune. Il en est ainsi. C'est incroyable de voir comment chaque fois que vous pratiquez, vous apprenez, vous apprenez. Et l'aquarelle a cependant sa propre esthétique. Même maintenant que nous créons l'image, elle n'est peut-être même pas aussi visible que nous le pensons. Mais nous devons travailler avec les couleurs et le médium et continuer à nous entraîner. En travaillant ici sur l'ombre, nous laissons les couleurs bouger sur la partie humide que nous avons créée. Nous allons utiliser le même ton marron sur cette partie de la paire. Les couleurs bougent sur cette partie humide et nous n' allons pas empêcher cela, car c'est la nature de l'aquarelle. Nous les orientons simplement de la manière que nous voulons. Nous attendons un peu pour que la surface sur laquelle nous venons de travailler sèche. Ce processus de dessin peut être accéléré en utilisant un sèche-cheveux ou en attendant qu'il sèche, car le sèche-cheveux peut déplacer les couleurs de différentes parties à cause de la pression de l' air s'il est trop proche. C'est donc parfois une meilleure idée de laisser les couleurs sécher d'elles-mêmes. Lorsque nous utilisons le sèche-cheveux, nous devons nous assurer de le tenir verticalement afin que les couleurs se répercutent sur la texture du papier et pas ailleurs, à gauche ou à droite. Nous ne voulons pas plier notre sèche-cheveux vers la droite ou vers la gauche. Il est évident que nous avons ici cette partie légère. Et cela a même contribué à la beauté de l' aquarelle. Nous avons orienté la couleur dans cette partie, dans cette direction. Nous voulons continuer à observer notre image. Nous continuons à mélanger nos couleurs à l'aide d'un pinceau propre. Comme nous ajoutons d'autres ombres ici avec un Van **** marron. Nous aurons plus de contraste dans notre travail. Ce sont les dernières taches de couleur que nous ajoutons à l'œuvre. Nous avons de l'eau sur notre pinceau, nous avons une couleur concentrée dessus. Nous ne voulons pas que cette couleur foncée s' infiltre dans quoi que ce soit d'autre plus qu'elle n'en a besoin. Nous avons essayé de montrer à l'aquarelle les parties claires du poivron sur la surface. Prenez un moment pour reculer la tête et regarder votre image. En utilisant du rouge. Nous ajoutons soigneusement ces taches de couleurs tout en faisant attention aux parties les plus claires de l'œuvre ici. C'est juste une tentative d' assainir un peu notre image. Nous en avons presque fini avec un poivre car nous en avons créé la texture et l'apparence. Je cherche simplement à harmoniser les différentes couleurs que nous avons placées et leurs textures. Nous attendons toujours que cette pièce sèche sur la paire afin de pouvoir travailler davantage dessus. En attendant, nous allons commencer à travailler sur le contexte de l'œuvre. Nous allons utiliser le marron, qui comporte quelques petites touches de bleu. Et nous commençons à ajouter légèrement les couleurs. Et nous commençons à ajouter les taches pour les parties les plus sombres. Regarde comme ma couleur est claire. Ajouter mes taches, permettre à la couleur de s' accumuler ou de s'asseoir dans certains espaces. Je regarde l' ombre telle que je la vois. Je regarde l'arrière-plan. Je voudrais donner un dernier champ à notre image. Si vous avez besoin d'un moment pour pratiquer l'application de la couleur claire sur une feuille séparée. Mettez la vidéo en pause, travaillez sur une feuille séparée, puis rejouez, et nous terminons le dessin ensemble. Nous ajoutons ces parties plus sombres aux zones extérieures aux objets sur lesquels nous avons travaillé et ajoutons ces formes aléatoires avec elles. De cette façon, nous pouvons montrer la texture du tissu. Il y a un point convexe sur le tissu que nous montrons avec ces coups de pinceau. Nous devons simplement continuer à observer notre modèle. Nous devons maintenant commencer à ajouter une teinte légèrement plus foncée sur ces pièces. Nous avons marqué la couche primaire. Ensuite, nous repartons avec un Payne's Grey. Pour ajouter plus de détails. J'utilise mon mouchoir pour enlever l' excès de couleur ou d'eau. Nous pouvons nous assurer que la surface sur laquelle nous travaillons est sèche en tapotant dessus un mouchoir sec avant d'ajouter la couleur. Juste comme ça, nous ajoutons les parties les plus sombres. Observez votre image. Et ajoutez les détails en conséquence. À ce stade, nous devons nous assurer que les couleurs ne seront pas mélangées les unes aux autres afin de mieux montrer la texture du tissu. Nous montrons la texture du tissu et ses points convexes et concaves par de simples touches comme celles-ci. Suis mon exemple. Bien que nous utilisions une couleur plus foncée, nous devons être intentionnels quant à endroit où nous plaçons nos gestes. Parce qu'en même temps, nous devons nous assurer que la surface n'est pas sale, qu'elle n'a pas l'air sale ou en désordre. Nous ajoutons sans cesse ces touches simples et chaque fois que nous avons l' impression qu'elles affectent le contraste de l'œuvre, nous pouvons facilement les retirer avec notre tissu sec comme ceci. Nous devons les retirer avant, comme avant qu'ils ne sèchent complètement. Lorsque je regarde les formes et la composition de ce que nous dessinons, gardez votre mouchoir à portée de main. Cette partie est presque sèche. Et une belle texture a été créée avec un mélange de parties sombres et claires. Nous devons nous assurer de ne pas l'endommager en y travaillant trop. Ce qui s'est passé sur cette partie, c' que les couleurs du poivron et la paire se sont mélangées lorsque la surface était humide. Nous supprimons donc la couleur où ils ont été mélangés. Assurez-vous que cette pièce était sèche et nous allons maintenant travailler davantage sur cette partie de la paire. bien, c'est que nous avons retiré de la couleur de ce mélange très rapidement. Juste pour l'empêcher d'aller plus loin. Mais nous avons également redirigé la couleur vers d'autres parties. Maintenant, avec un Van **** marron ici, je ne fais que rajouter cette place. Nous ajoutons cette tache de couleur ici et nous continuons à travailler dessus. Nous voulons ici faire une petite différence entre notre paire et l'ombre. Nous faisons très attention. Bien que ce soit un médium délicat et une technique délicate à utiliser. Mouillé sur mouillé ou mouillé sur sec. Ne vous laissez pas décourager. Jouez avec le médium. C'est la seule façon de pratiquer d'apprendre et de gagner en confiance. Nous continuons à travailler sur ces pièces ici avec un pinceau légèrement plus humide car nous voulons une couche légère. Nous ajoutons cette partie sombre ici tout en nous assurant d'avoir cette partie plus claire juste à côté, cette ligne, nous devons simplement garder un œil dessus. Et maintenant, nous allons ajouter une couche plus foncée sur cette partie pour créer un meilleur contraste pour l'œuvre. Nous voulons différencier, 11. Peinture à vase et fruits contemporains: Bonjour. J'espère que vous allez tous bien. Aujourd'hui, nous voulons choisir une peinture simple. Cette peinture est limitée au blanc et au vert. Cela signifie que nous n'utilisons pas beaucoup de couleur dans cette peinture, elle peut donc être utile pour travailler à l'aquarelle. Il existe une teinte de pomme et de fleur que nous allons créer avec une technique humide. Tout d'abord, nous allons commencer par dessiner notre esquisse principale. À l'aide d'un crayon mécanique. Nous voulons garder nos marques aussi légères que possible, car nous ne voulons pas que ces lignes apparaissent à travers notre peinture à l'aquarelle. N'oubliez pas d'utiliser vos ressources téléchargeables. Ils contiennent toutes les informations nécessaires à chaque tutoriel, y compris les grilles pour dessiner votre croquis. Prenez le temps de créer votre croquis. Si vous avez déjà créé votre esquisse. Avancez rapidement jusqu'à la cinquième minute, où nous commençons notre peinture à l' aquarelle. N'hésitez pas à utiliser n'importe quel crayon que vous êtes plus à l'aise. Comme mentionné précédemment, j'ai utilisé un crayon mécanique ici. Une remarque à propos du dessin de votre esquisse de base. Vous souhaitez ajouter autant d'informations que possible. Pour le moment, je surveille juste la périphérie de mon croquis de base. Presque comme un contour ou endroit où toutes les pièces doivent être dessinées. Création de l'espace général ici. Prends ton temps. Il est tout à fait normal d'effacer plusieurs fois, faire des allers-retours. Assurez-vous que votre poignet est beau et léger. La pression que tu exerces sur ton crayon est très légère. Travailler sur nos croquis de base, l'une des parties les plus importantes. Cela vous aide à vous rappeler où doivent se trouver les tons clairs ou les ombres. C'est pourquoi je disais que le sketch principal doit vraiment contenir autant d'informations que possible. Alors que nous travaillons sur notre croquis. Il y a quelques points que nous devons prendre en compte. La première est une bonne observation. Nous devons examiner minutieusement les différentes formes et spécifier leurs formes. Nous pouvons utiliser des lignes plus simples ou des formes géométriques pour ce processus. C'est le deuxième point. Également. Un autre point important est de travailler sur le croquis initial avec la pression minimale de la main. Nous avons un croquis très léger sur lequel nous pouvons appliquer les couches d'aquarelle. Construisez-les. Lorsque nous allons appliquer des aquarelles, nous devons nous assurer que tous nos matériaux sont prêts à nos côtés. Comme le verre d'eau, les stylos de couleur et les mouchoirs. Cela facilite l'ensemble du processus et nous pouvons avancer beaucoup plus rapidement. N'oubliez pas que l'aquarelle est un médium rapide. Nous devons analyser et savoir ce que nous allons faire. Et assurez-vous de laisser les couches sèches avant de passer à l' étape suivante et de commencer le travail. Maintenant que nous avons notre esquisse générale, prochaine étape consiste à peindre à l'aquarelle. Le pot et la fleur ont la même couleur. C'est blanc. Nous n'avons pas beaucoup de couleurs ici. Ce n'est pas un blanc vif, c'est un blanc chaud. Si nous avons de l'atmosphère sur de la lumière, ce blanc sera chaud et vice versa. À l'aquarelle, nous devons combiner les couleurs avec de l'eau, puis l'utiliser. Nous utilisons une couleur claire avec de l'eau. Il peut être ocre ou brun clair. Mais pour une tonalité cool, nous utilisons une couleur bleu clair. Nous utilisons maintenant une couleur marron clair mélangée à une bonne quantité d'eau. Il devient une tache très légère lorsqu'il sèche. Observez la façon dont j'utilise mon pinceau. Le pot n'est pas transparent, mais il est brillant. Nous devons donc garder certaines parties blanches, le blanc du papier. Vous souhaitez appliquer cette couleur partout ou sur la plupart des zones du vase ici. Mais notre esquisse inférieure principale est très claire et n'est pas visible à travers les couches d'aquarelle que nous allons créer. Mais pour nous, il s'agit d'une ligne directrice. Il faudra de la pratique pour savoir quelle quantité d'eau ajouter à ces couleurs très claires. Si vous avez l'impression qu'il est trop liquide, vous pouvez en retirer un peu avec un mouchoir ou le laisser sécher. C'est aussi une question d'instinct. Après un certain temps, une fois que vous l'aurez suffisamment pratiqué, toutes ces décisions seront prises plus instinctivement. Mais pour l'instant, même en appliquant une couleur très claire, il se peut que notre pinceau contienne moins de couleur que nous ne le pensons, ou plus d'eau que nous ne le pensons. Maintenant que nous avons dessiné la pièce, nous allons utiliser une couleur plus foncée. Nous ajoutons un peu de violet à notre mélange. Nous créons ces taches qui peuvent vraiment être effacées. Nous voulons maintenir que les vases sont blancs et qu'ils ont un peu de brillance, mais qu'ils ont quelques ombres. Je passe en revue le manche du vase ici, laissant un peu de couleur et quelques zones juste pour indiquer un peu plus d'ombre. Maintenant, nous assombrissons un peu notre couleur. J'utilise une couleur indigo ici. Juste pour marquer les spots. Encore une fois, gardez votre mouchoir à portée de main au cas où vous auriez besoin de retirer la couleur de la page. Assurez-vous de ne pas exercer trop de pression, ni avec votre brosse ni avec votre mouchoir en papier. Ces détails ici semblent subtils, mais ils sont à peu près suffisants. Mon dessin ou mon patron n'ont pas besoin d'une tonalité plus foncée car les vases sont blancs. Nous pouvons rendre la tonalité un peu plus violacée en ajoutant un peu plus de cette teinte. Mais voyez comment nous devons être prudents avec le blanc. Et nous appliquons notre violet très légèrement et très délicatement. Nous ne voulons pas l' appliquer partout. Remarquez que ma vitesse n'est pas trop rapide mais pas trop lente. Je ne veux pas que ma surface soit complètement sèche, mais je ne veux pas non plus qu'elle soit trop humide au point que mes couleurs se répandent sur d'autres zones. Je laisse un peu de temps pour le séchage. Et j'applique quand même ma tonalité, ce sont les tonalités violettes, les tonalités indigo les tonalités indigo uniquement aux endroits nécessaires et pas partout. Regardez le manche de ce bocal ou de ce vase. Je ne le suis pas, ce n'est pas complètement recouvert de couleur. Nous allons maintenant travailler sur la pomme. Nous lavons notre brosse et la séchons complètement. Nous mélangeons nos couleurs. Nous ajoutons de l'eau. Nous allons utiliser une couleur verte neutre. Nous rendons ce phosphore vert neutre avec un peu d'orange. Nous devons garder un point fort ici. Je ne vais donc pas toucher à cette partie. Prenez le temps d' observer votre modèle. Regardez le point culminant. Regardez les parties les plus sombres où se trouvent les ombres. Nous voulons simplement faire attention à ne pas toucher les parties claires et à éliminer tout excès d'eau ou de peinture de votre page. Nous voulons le faire à la légère, sans trop de pression. J'y vais avec une couleur vert sève. S'il y a un excès d'eau dans votre couleur, vous pouvez le soulever avec votre mouchoir en papier. Sinon, dirigez votre couche la plus foncée de cette façon avec la pointe de votre pinceau. Je surveille également cette très légère ligne entre la pomme et le vase. Nous pouvons utiliser un ton de vert, mais plus vous utilisez de tonalité soit pour les ombres, soit pour les parties les plus claires. Plus votre image est riche, les tonalités correspondent les unes aux autres ou l'objectif auquel vous les placez. Après avoir ajouté plusieurs couches vertes, nous devons attendre et les laisser sécher. Nous lavons notre pinceau, le séchons et y retournons pour ajouter plus de détails. C'est une très bonne technique et une très bonne habitude à prendre lorsque vous travaillez à l'aquarelle, pour laver votre pinceau, sécher, puis le remettre avec un pinceau propre afin que votre application ne soit pas mélangé avec n' importe quelle autre couleur. Il n'est pas non plus resté là depuis un certain temps sur votre pinceau. Il y a peut-être des fibres dessus. Pour le moment, nous ajoutons simplement une tonalité plus foncée au vert. Notre vitesse est toujours moyenne, alors que nous avons attendu un peu la couche en dessous sèche. Nous allons également utiliser cette couleur pour la fleur ici. Avant de ne pas pouvoir obtenir les détails souhaités, nous pourrions utiliser un pinceau plus petit. Utilisez ce qui est à votre disposition si vous n'avez pas exactement les mêmes couleurs ou pinceaux, ne vous laissez pas décourager. Utilisez ce qui est à votre disposition, ce qui est le plus confortable pour vous. J'y vais avec un stylo et je commence à ajouter les détails de ma fleur. Nous utilisons un peu de couleur blanche sèche pour cette partie car les feuilles sont fines et petites. Mais j'ai également ajouté du sépia ici. Lorsque nous travaillons sur différentes parties de notre dessin, nous laissons sécher d'autres pièces. Prenez l'habitude de toujours, toutes les quelques minutes, reculer la tête. Regardez votre dessin, regardez ce que vous avez créé jusqu'à présent pour si les reflets correspondent voir si les reflets correspondent aux points forts de votre modèle. Avez-vous abordé ou marqué la position des ombres dans différentes parties ? Maintenant, je dessine la tige de la pomme ici. Je veux faire attention. J'utilise toujours le même pinceau pour obtenir ce détail. N'oubliez pas que lorsque les taches sèchent, elles deviennent plus belles. C'est cet effet qu'ils ont lorsqu'ils sont posés ou restent dans le papier et les fibres du papier, c'est l'esthétique de l'aquarelle. Réaliser une image complète ou des objets d'une manière plus naturelle et plus réaliste en utilisant ce support qui demande beaucoup de contrôle. Ici, j'utilise une ombre brûlée et j'utilise un pinceau large. Encore une fois. J'ajoute un bleu viridien en bas à gauche. Lorsque les taches sèchent, lorsque nos couleurs sèchent, elles s' éclaircissent. Habillez-vous, gardez cela à l'esprit. Il y a quelque chose de très beau et en laissant les couleurs sèches, plus on pratique l'aquarelle. La guerre, vous comprenez mieux comment ces couleurs sèchent sur un certain papier. Ensuite, vous pouvez décider de la quantité de couleur à appliquer à votre pinceau quantité d'eau à ajouter. Toutes ces décisions vous viendront beaucoup plus facilement et de manière beaucoup plus instinctive, que vous vous entraînerez. Regarde le nombre de tonalités que j'ai sur mes Was. Cela le rend simplement beaucoup plus riche. Et c'est moi qui construis toujours les couches. très décisive et intentionnelle Nous plaçons nos couleurs de manière très décisive et intentionnelle. Veillez à ne pas appliquer de couleurs à travers différentes pièces, en les remplaçant exactement là où vous en avez besoin. Continuez à regarder votre modèle, continuez à y référencer l'image. Bien entendu, nos dessins ne seront pas exactement les mêmes. Mais l'idée est de surveiller où se trouvent les reflets et les ombres sans compter sur les informations dont nous disposons sur l'apparence d'un vase. Et pour continuer à travailler, nous voulons être informés par le modèle que nous utilisons pour créer ce dessin. Faites attention à ces points forts. C'est juste en face de la poignée du vase. Il y a un point fort que j'ai conservé car je le vois dans mon modèle. Quelle que soit la teinte que nous créons, nous voulons la décolorer. Vous pouvez utiliser votre mouchoir pour cela sans trop de pression. Non, il ne suffit pas d' appuyer légèrement, mais de tirer légèrement pour créer un fondu dans la direction souhaitée, n'importe quelle direction. Après séchage. C'est à ce moment que nous renforçons l'ombre. Maintenant, avec une teinte viridienne, je reviens sur la pomme. J'ajoute l' ombre dont j'ai besoin, en orientant la couleur là où j'ai besoin. Maintenant, nous ajoutons un peu de vert chaud ici. Vous remarquerez les différentes tonalités selon lesquelles ce vert qui se trouve à côté de la tige est différent de celui qui suit. Et le vert qui met en valeur la courbure de la pomme. Toutes ces décisions découlent d'un examen approfondi de votre modèle. Vous regardez, vous observez et vous étudiez les points forts. Et plus tu t'entraînes, plus tu vois très bien ce que tu dessines. La plus grande pratique que nous devons faire est regarder et de remarquer réellement où se trouvent les reflets, où se trouvent les ombres. Ce sont eux qui rendront nos œuvres puissantes et belles. J'y vais avec une sève verte. Encore une tonalité. Je le fais légèrement et je contrôle l'orientation de ma couleur. Je veux que mes couleurs soient aqueuses et que chaque couche sèche. Que lorsque j'applique de fines couches, le processus de dessin n' est pas très long. Nous devons simplement leur permettre de se traduire les uns dans les autres. C'est pourquoi nous créons toutes ces sonorités. Nous contrôlons notre conception en retirant et en plaçant les taches afin d'en mettre plus aux bons endroits. On les ajoute et on les estompe. Juste comme ça. Je dois faire attention à ne pas enlever la tige. Nous avons créé une toute petite ombre sous la tige. Si tu le vois. Nous avons un point fort et nous avons une ombre. Plus vous laissez une couleur sécher longtemps, moins vous pourrez la saisir avec un mouchoir ou la retirer de votre page avec un mouchoir. N'oubliez pas que vous pouvez m'envoyer vos questions si vous en avez à tout moment. Je suis très heureuse de partager avec vous quelques conseils, quelques commentaires. Vous êtes également invités à partager avec moi vos dessins finaux. Je peux partager avec vous quelques directives. Maintenant, je recommence à travailler sur le vase. J'ai mis un peu plus d'eau ici parce que nous pouvons contrôler les taches avec de l'eau qui se décolorent de plus en plus. S'estompe ou se tache de plus en plus. Parce que cela a cet effet. est l'esthétique de la teinture qui va mieux montrer l'effet aquarelle ici. Je travaille également sur la courbure du vase. Nous essayons simplement de laisser sécher les couches et d' observer notre modèle, d'observer notre dessin. Et je suis en train d'examiner la courbure et comment je peux la montrer un peu plus sur le vase. Cette partie est l' ombre des lumières. Nous avons mouillé cette partie afin de montrer le reflet avec une technique humide. Il s'agit de la technique « wet on wet ». Je mets donc de l'eau sur ma page et je la place exactement là où j'en ai besoin. Vous avez le reflet du vase en dessous et vous avez le reflet de la pomme. Parce que je travaille mouillé sur mouillé et qu'il y a de la couleur sous la pomme. Ne t'inquiète pas trop. Vous pouvez soulever cette couleur avec un mouchoir en papier ou simplement marquer la zone où se reflète la pomme. J'observe ici une ombre qui se trouve dans le reflet. Nous créons cette tache comme ça. Si tu hésites, suis-moi. Sinon, amusez-vous simplement avec un médium. Faites des erreurs et dessinez votre travail à la légère. Commencez par les tonalités les plus claires aux plus foncées. Parce que ce n'est qu'en jouant avec notre médium et en testant ces techniques que nous en apprenons davantage sur le médium, ses points forts, comment le manipuler, comment l'utiliser. Et après tant de pratiques, nous nous rapprochons de plus en plus de notre propre style. Et comme vous pouvez le voir ici, nous formons la tache selon la forme de la pomme. Nous voulons rendre cette partie un peu plus légère. Alors je retire la couleur. Nous voulons travailler sur l' ensemble de la réflexion ici. Je lave mon pinceau en mélangeant un peu de couleur. J'utilise une teinte viridienne ici. Il est combiné avec un peu de noir ivoire. Pas trop. Fais attention aux noirs. Tu ne veux pas. Avoir trop de tonalité foncée, en particulier le ton foncé, les tons noirs en particulier peuvent être trop durs. J'applique mes ombres dans le reflet exactement là où elles doivent être. Si vous devez faire une pause d'une minute, tirez la tête en arrière regardez le logo que vous avez créé. Examinez votre modèle et voyez où, comment, où vous en êtes à ce stade et comment nous pouvons le développer davantage. Nous laissons ces pièces sécher maintenant. Et maintenant, nous allons ajouter la dernière tonalité sombre et foncée à la pomme. Nous laissons ces pièces sécher maintenant. Nous continuons à ajouter encore plus de cette dernière ombre foncée de la pomme. Si vous ne savez pas quoi faire à un moment donné, suivez simplement mon exemple. Assurez-vous d'utiliser votre mouchoir pour tamponner ou éliminer tout excès d'eau ou de couleur. Prenez un moment pour regarder votre dessin à l'aquarelle à ce stade et voir ce qui pourrait manquer ou ce qui peut être ajouté. Si vous devez laisser sécher certaines pièces. Allez-y, faites-le. Nous avons ajouté une tonalité brunâtre ici. J'utilise mon mouchoir pour le retirer. Je voudrais travailler un peu plus sur la pomme ici. N'oubliez pas que vous pouvez refaire certaines parties. Ici, nous devons mouiller la surface. Encore une fois. Le mouillage de la surface peut être utilisé pour ajouter plus de couleur et peut également être utilisé pour éclaircir une certaine partie. Ici, j'utilise une sève verte. N'hésitez pas à utiliser différentes tonalités vertes qui vous conviennent le mieux ou qui vous attirent le plus. Comme vous le savez, nous pouvons répéter la tache plusieurs fois. Cependant, essayez de le faire avec soin. Et n'utilisez pas beaucoup cette technique. Parce que si nous ne le faisons pas avec soin, cela peut compliquer un peu le travail. Assurez-vous donc que votre surface est sèche avant d'appliquer plus d'eau dessus. Tu veux prendre ton temps. Utilisez également votre mouchoir pour enlever la couleur. Ici, j'utilise un vert prostitué foncé juste pour mieux travailler sur cette ombre là-bas. Je travaille également sur la réflexion ici. Prends ton temps. Utilisez la pointe de votre pinceau pour les détails, les petits détails et les détails délicats. Maintenant, nous lui donnons un peu de temps pour sécher. Mouillons cette partie ici. La forme de notre pomme est presque complète, mais nous la laissons sèche. Et maintenant, nous travaillons sur le reflet du vase. J'utilise une couleur indigo, assombris ces parties et nous mouillons également le manche du pot. Nous utilisons une couleur violette ou une teinte violette pour créer des taches dans cette partie Continuez à observer l'image de votre modèle. Vous devez laisser une partie sèche , puis passer à la suivante. Ensuite, nous allons travailler sur la fleur et les feuilles. Assurez-vous de ne vouloir que la partie que vous devez peindre. Prends ton temps. Maintenant, nous lavons notre brosse. Nous avons une fleur blanche là-haut et l'atmosphère qui l'entoure est chaleureuse. Nous utilisons donc une couleur marron très moyenne mélangée à de l'eau. Bien sûr, nous commençons par l'ombrage. Il n'est pas nécessaire de copier le modèle exact de la fleur, mais nous voulons en connaître le geste général. Suis, suis le mouvement de ma main. J'utilise le bout de mon pinceau. Utilisez-en un peu la longueur au début. Maintenant, nous ajoutons de l'obscurité avec une tonalité violette. J'observe ma fleur et ajoute des ombres là où je les vois. Nous allons ajouter beaucoup de taches ici afin de pouvoir utiliser de l'eau et du mouchoir pour les modifier. Il y a une ligne autour de la tache qui peut être bonne ou non, selon notre modèle. Mais nous ne voulons pas que cette ligne soit très évidente. Nous voulons simplement ajouter les tonalités nécessaires. Il suffit d'ajouter une petite touche sur le manche du vase. Je complète l' ombre juste à côté de cette ligne de reflets. C'est pourquoi nous devons être très précis. Prenez le temps d' observer votre image. Mon poignet est très léger. Mon application est très légère. J'utilise à peine le bout de mon pinceau. Nous assombrissons légèrement cette partie juste pour créer une teinte. Juste pour sous-entendre cette courbure. Mais regarde comme ma couleur est claire. Afin de créer ces tonalités pour les teintes très claires, elles sont considérées comme des couleurs floues comme des couleurs sales. En utilisant une tonalité violette, supprimez cette sensation qu'elle est plus brune ou noirâtre. Cela l'empêche de paraître salissant. Le violet est donc le truc. Nous essayons d'utiliser des couleurs claires dans la peinture à l'aquarelle. Surtout avec ces tonalités claires, vous voulez que votre couleur soit aussi claire que possible. Il y a donc très peu, très peu de teinte dedans. Quelles que soient les lignes que nous créons. Si nous mettons la couleur dans un endroit plus concentré, nous voulons la décolorer. N'oubliez pas de prendre un moment pour reculer la tête. Jetez un œil à votre dessin et à ce que vous avez créé jusqu'à présent. Visuellement, vous serez en mesure de voir où vous avez peut-être manqué certains des points forts. Peut-être avez-vous besoin d'un peu plus d' ombrage ici et là. C'est ce moment où vous détournez le regard et regardez à nouveau votre image et remarquez que vous vous concentrez peut-être trop sur les reflets et non sur les objets. Peut-être que certaines ombres manquent sur la fleur. Nous cherchons à nous assurer qu'il y a équilibre et harmonie tout autour de notre dessin à l'aquarelle. J'ajoute une sève verte sur ma fleur. Je voudrais un peu plus de détails, mais sans enlever le point fort. Si vous devez utiliser le stylo à pinceau à ce stade pour plus de détails, allez-y. Vous devez utiliser les outils qui vous conviennent le mieux. Si vous vous sentez différent pour obtenir un résultat proche, vous obtenez le même résultat, mais vous êtes plus à l'aise avec cela. Alors allez-y et utilisez-le. Utilisez ce qui est à votre disposition. Comme vous pouvez le constater, nous avons du marron, vert et du violet dans notre palette. Si nous utilisons des couleurs épaisses, la peinture ne sera pas attrayante, car les éléments que nous y peignons sont ne sera pas attrayante, car les éléments que nous assez clairs et ont également ce beau reflet que nous voulons afin de conserver leur sens de la transparence en leur sein. Nous allons ajouter quelques taches d'orange et cette partie avec un autre pinceau et un pinceau presque sec. Je l'applique sur ces petites taches, très petites taches. Je regarde juste tous les détails qui entourent la fleur, peut-être les feuilles. Je prends juste mon temps. Je voudrais ajouter une petite tonalité orange ici. Maintenant, quand nous aurons ajouté quelques lignes. Et vous vous souvenez comment nous disions que lorsque nous ajoutons un concentré de couleur et que nous l'alignons, nous devions le décolorer. Mais cela ne signifie pas que si parfois vous avez créé une ligne très délicate et qu' elle est là, vous n'avez pas besoin de la nourrir. Cela dépend entièrement de vous. Parce que chaque artiste est différent. Chaque personne qui applique et utilise ce média l' utilise différemment. Et nous avons des préférences et nous avons également des zones de confort. Pour ce qui est des pinceaux à utiliser, des tonalités qui pourraient nous intéresser le plus. Je vais juste passer en revue les détails très légèrement avec mon stylo pinceau parce que je veux obtenir que ces lignes contrastent l'esthétique de l'aquarelle, qui est coloration, effet de coloration de différentes tonalités les unes sur les autres qui créent l'application lors de la création du vase. Ces points définis, comme la tige et la tige de la fleur , la tige de la pomme et les petites feuilles, ancrent en quelque sorte l'image. Ils créent cet équilibre du haut vers le bas. Je voulais juste ajouter ici un petit détail sur le reflet de la tige de la pomme. Nous allons maintenant ajouter de la couleur afin de montrer la ligne horizontale. Il y a une ligne horizontale que nous avons en quelque sorte regardée pour dessiner notre croquis. Et placez notre vase et notre pomme en équilibre sur la surface. Nous fabriquons des couleurs chaudes comme le lilas. Lavez votre pinceau, séchez-le. Si vous avez l'impression qu'il est taché, signifie que votre mélange de couleurs est peut-être altéré par les couleurs actuelles. Nous entrons. Nous ajoutons un indigo édulcoré très clair. Nous faisons le tour pour créer cette forme. Il ne remplit pas tout le papier. Nous voulons juste en montrer une auréole. Comme un halo qui entoure ces deux objets que nous faisons peindre à l'aquarelle. Soyez prudent, travaillez très légèrement. Vous pouvez même opter pour une teinte plus claire que celle que j'utilise ici. N'oubliez pas qu'avec de telles couleurs claires, elles sèchent encore plus clairement. Notre dessin à l'aquarelle est presque terminé. Vous pouvez prendre encore plus de temps pour ajouter plus de détails à votre guise. Mais comme vous le savez, avec une peinture à l'aquarelle, nous ne voulons pas trop travailler sur les couches. J'espère que vous avez apprécié toutes les techniques que nous avons utilisées aujourd'hui. Merci beaucoup de m'avoir rejoint et à la prochaine. 12. Œuvre d'art de forêt multimédia mixte: Bonjour. Bienvenue dans un autre tutoriel. Aujourd'hui, nous allons peindre à l'encre et l'eau et adopter une approche plus expressive et personnelle de la peinture. Nous allons commencer par n'importe quel crayon, importe quel crayon générique que vous possédez. Et nous allons commencer par esquisser l'image et la placer sous forme de grille. Veillez à utiliser vos ressources téléchargeables, qui contiennent toutes les informations nécessaires pour chaque didacticiel. Il contient également le modèle ou l'image de référence à partir de laquelle vous pouvez dessiner votre esquisse de base et la grille correspondante. Vous trouverez également la palette de couleurs et tous les matériaux que nous allons utiliser. Lorsque vous créez votre esquisse, assurez-vous maintenant que vos lignes sont claires. La pression que vous exercez sur votre crayon est très légère. Nous essayons de créer un croquis qui nous donne une idée de l'ensemble de l'image. Les reflets, la direction que prennent peut-être les ombres ou les contours. Maintenant, c'est un tronc d'arbre sur lequel nous allons travailler. Plus tard. Nous allons effacer ces zones autour de l'œuvre pour créer une sorte de Beyonce ou une ambiance de travail. Nous pouvons également utiliser des stylos à aquarelle pour notre travail. Ici, nous utilisons un pinceau. Nous utilisons une couleur noire claire, donc c'est une couleur noire vraiment édulcorée. Tout d'abord, nous allons travailler sur les parties les plus légères de l'œuvre. Donc, même si nous avons choisi une couleur noire édulcorée, nous l' appliquons très légèrement. Nous créons ainsi les différentes tonalités beaucoup plus facilement et aussi plus expressives. Comme nous l'avons appris précédemment, nous devons passer des tonalités claires aux tonalités plus foncées. Suis, suis le mouvement de ma main. Je passe de la pointe du pinceau à du côté du pinceau pour ajouter des détails, mais aussi peut-être pour étaler la couleur et la faire glisser sur les zones dont j'ai besoin. Gardez à l'esprit que lorsque vous utilisez votre pinceau, il contient un mélange d' encre et d'eau. Mais plus vous l'utilisez sans renouveler ni ajouter de mélange d'eau et d'encre, plus votre application sera claire, plus le rapport entre la couleur et l'eau est parfois clair, ce qui peut fonctionner notre avantage. Maintenant, gardez à l'esprit que nous utilisons la blancheur du papier pour montrer la lumière qui émane de l'image elle-même, comme le papier, le blanc du papier va jouer un rôle dans les temps forts. Si nous dessinons sans utiliser de modèle, nous devons imaginer la source de lumière à un moment donné, exemple si elle vient de la droite ou de la gauche. Et nous ajoutons les couches d'ombrage en conséquence, car elles rendent notre travail plus attrayant. Remarquez comment j'utilise la légèreté du mélange sur mon pinceau, ici. Et je continue à appliquer la couleur de base de fond. C'est donc presque comme mon dessin de base à l' aquarelle. J'ajoute des détails là où j'en ai besoin. J'évite également les surlignements, les espaces blancs. Prenez un moment pour observer votre travail. Ici, nous assombrissons légèrement cette partie. Parce que lorsque je regarde mon modèle, j'ajoute simplement quelques nuances de tonalité plus foncée à certaines zones. Continuons à observer notre modèle. C'est la meilleure référence pour nous indiquer où se situent les zones claires et les ombres. Remarquez à quel point j' applique légèrement ma couleur. Mon poignet est libre. Je ne m'appuie pas trop sur mon papier. Je tiens légèrement mon pinceau confortablement. Et mes doigts sont retirés de la page parce que vous ne voulez pas faire glisser cette couleur car elle est encore humide. Voici maintenant nos tonalités ici. Nous avons créé une tonalité grise pour notre image. Nous avons indiqué une différence. Notre tronc d'arbre. Et ce qui ressemble à une échelle. Maintenant que nous avons créé nos couleurs de base, il est temps de passer à la tonalité plus foncée. Avec chaque couche. Nous allons devenir de plus en plus sombres. Cela ne signifie pas seulement le noir ou les couleurs les plus foncées. Cela peut aussi signifier un jaune ou un rouge, mais le ratio de couleur est supérieur à celui de l'eau. La concentration de couleur est plus élevée. Cela vous donne donc lignes plus définies et pleines de couleurs. Et au fur et à mesure que je m'assombrit, remarquez qu'il y a juste quelques nuances plus foncées. Au final, il ne fait pas très sombre et je crée un contraste élevé. Nous avançons lentement dans cette direction. Et nous continuons dans cette voie et nous ajoutons sans cesse des détails. Prenez le temps d' observer votre modèle, mais observez également votre propre dessin. Si vous pensez avoir ajouté trop d'encre à votre pinceau, lavez-le. Et nous appliquons le mélange dans une tonalité plus claire. Vous pouvez également utiliser un papier de soie pour rehausser la couleur. Maintenant qu'il y a une échelle ici, nous ajoutons simplement quelques détails supplémentaires pour mieux le mettre en évidence. Nous utilisons une tonalité beaucoup plus foncée pour montrer également son ombre. Maintenant, nous voulons ajouter un peu plus de couleur, plus de noirceur. J'ajoute donc un peu plus de couleur noire ici. Et je commence à travailler autour du tronc et des feuilles. Nous continuons à alterner entre l' utilisation de la pointe absolue de notre pinceau et peut-être du côté de celui-ci. C'est le côté le plus large, c'est le côté qui fait glisser la couleur vers le bas. Comme nous utilisons ici quelques nuances de tonalité plus foncée, nous voulons être prudents. Nous voulons être intentionnels quant à endroit où nous plaçons notre couleur. Bonjour, mon lead. ces petits gestes vraiment minuscules que je fais. Nous pouvons facilement commencer à appliquer notre couleur partout. Mais nous devons nous abstenir de le faire. Et ayez confiance qu'il sèchera exactement là où nous l'avons placé. Tout simplement parce qu'il y a de l'eau dans le mélange. Cela ne veut pas dire qu' il ira partout. C'est l'équilibre. Avec peinture à l'aquarelle. Nous devons continuellement équilibrer la quantité de couleur par mois d'eau et la quantité d'application que nous créons sur notre page. Comme vous pouvez le constater, même à ce niveau de l'œuvre, nous avons créé des gestes plus expressifs. Nous n'essayons donc pas de dessiner version réaliste du tronc d'arbre, mais nous voulons créer quelque chose qui ait une apparence naturelle et une belle apparence. Assurez-vous donc de suivre les mouvements de mes mains. Faites également attention au type de coups de pinceau utilisés. Et essayez de travailler de la même manière. N'oubliez pas de toujours vous entraîner. Une fois le didacticiel terminé ou avant de commencer le didacticiel, si vous voulez vous entraîner, c'est la meilleure façon de vous améliorer dans ce domaine. C'est la seule façon tester les différentes techniques que nous avons apprises et de renforcer notre confiance en nous et notre propre approche de la peinture à l' aquarelle. Notre confiance influence notre application, liberté avec laquelle nous appliquons nos couleurs dépend de nos choix et de nos mélanges de couleurs. Donc, la pratique aide beaucoup, beaucoup. Pas seulement pour répéter la même image, mais en général, pour nos techniques. Prenez le temps d'observer les détails et ajoutez-les en conséquence. franchissant les marches, je voudrais rendre l'échelle un peu plus visible. J'observe les ombres et je fais les marques les plus sombres là où elles doivent être. La partie la plus sombre est cette section située juste en dessous de l'échelle. Nous y ajoutons donc des couches supplémentaires. Ici. Nous ajoutons plus de détails sur la droite. Parce que nous avons l' arbre et son ombre. Nous utilisons différents coups de pinceau pour montrer différentes tonalités et textures tout autour de l'œuvre. Nous voulons qu'il paraisse équilibré partout. Nous distribuons différentes tonalités sur différentes parties de l'œuvre. La création de ces tonalités nous aide à donner vie à l'œuvre et à laisser les yeux bouger tout autour de l'œuvre. Gardez votre mouchoir à portée de main au cas où vous voudriez réduire ou supprimer la couleur de votre page ou de votre pinceau. Prenez toujours un moment pour observer votre dessin. Tirez la tête en arrière, regardez ce que vous avez créé jusqu'à présent. Regardez comment les couches primaires ont séché. Nous avons maintenant créé notre première couche, la première couche de notre travail. Nous allons maintenant utiliser notre stylo, notre stylo plongeant, pour ajouter plus de détails à l'œuvre et la rendre beaucoup plus expressive car le stylo plongeant nous permet d'obtenir des lignes et des contours très précis. L'ajout de détails est une autre étape importante notre travail et nous devons le faire progressivement et avec délicatesse et faire nos marques exactement là où nous voulons qu'elles soient. Suite. Continuez à observer votre modèle. Suis mon exemple. Observez comment j' applique l'encre ici. Mes lignes sont irrégulières, sont des changements de direction en fonction de ce que je mets en attente dans notre dessin. Si vous voulez prendre un moment, observez comment je postule à l'aide de cet outil. Et il suffit de regarder. Et puis revenez en arrière. Ensuite, nous pourrons le faire ensemble. C'est également une option. Mais c'est juste que cet outil vous permet de créer des lignes plus précises. Et maintenant, il y a un équilibre entre l'arrière-plan, qui est constitué d'aquarelles, et ces tonalités belles et nuageuses. Ce trait de plume, qui est plus précis et que nous devrons ensuite harmoniser entre eux en ajoutant les lignes en fonction de nos coups de pinceau, nous créons une œuvre encore plus expressive. Nous augmentons la profondeur de perception de notre travail. J'ajoute simplement des détails là où je les vois. Assurez-vous d'appliquer vos informations dans le sens où elles doivent être. Donc, si vous empruntez les marches de l'échelle, vos lignes sont plus horizontales sur cet espace. S'il se trouve dans les ombres situées sous chaque marche, il est plus irrégulier et imite les ombres. Nous ajoutons plus de détails sur le tronc de l'arbre en ajoutant des lignes. De cette façon. Il peut sembler que nous dessinons ces lignes de manière aléatoire, mais nous sommes toujours conscients des coups de pinceau et donc des angles droits et des directions de nos lignes. Je réfléchis dans la direction des grains du tronc d' arbre. Les marches de l' échelle, même les feuilles. utilise simplement leur forme comme guide pour appliquer mes lignes ici. Encore une fois, nous utilisons notre pinceau pour ajouter plus de couches de couleur à l'œuvre. Remarquez ma candidature. J'ai ajouté un mélange de couleurs jaunes ici. Alors que mes coups de pinceau sont sur le point de sécher, l'encre et le stylo sont sur le point de sécher. J'ajoute ma tonalité jaune ici. notre dessin initial, nous utilisons encre noire et maintenant nous combinons le noir et le marron pour ajouter des couches plus colorées. Mon brun est très clair, il est presque jaunâtre. Pour cette partie, nous utilisons principalement de l'encre brune. Lorsque nous appliquons la couleur avec notre pinceau sur les lignes à l'encre noire que nous avons dessinées précédemment avec notre stylo plongeur, elles se combinent et créent une texture attrayante avec notre peinture à l'aquarelle. C'est pourquoi nous devons avoir un dessin à l'aquarelle de base. Et cela est léger et permet aux couches suivantes de s' harmoniser les unes avec les autres. Pour nous donner également plus de détails avec le stylo et l'encre. Nous continuons à travailler de cette manière en trouvant équilibre entre ces deux, ces deux styles, ces deux esthétiques. Et juste comme ça, nous continuons à ajouter des détails en ajoutant ces lignes. Si vous avez l'impression que votre page est un peu humide, laissez-la sécher un moment, puis insérez-la avec votre stylo et encre et continuez à ajouter vos informations. N'oubliez pas que lorsque vous appliquez vos lignes à différentes parties de l'image, vous ajoutez également des hachures, qui sont des lignes proches les unes des autres. Ils peuvent également se croiser sur certaines sections. Nous ajoutons ici d'autres lignes hachurées sur les bords de l'échelle. Prenez un moment pour regarder le dessin que vous créez et votre modèle. Nos dessins ne ressembleront certainement pas exactement au modèle auquel nous faisons référence. Ils sont peut-être encore plus beaux. Ils ont également leur propre sens de l'esthétique et du style. Nous essayons simplement d'utiliser notre modèle pour rendre notre dessin aussi réaliste et naturel que possible. J'ajoute quelques lignes hachurées sur ces parties ici. Juste pour montrer les feuilles. Nous ajoutons des feuilles sèches de cette façon. Prenez un moment pour reculer la tête, regarder votre dessin, peut-être vous éloigner, voire détourner le regard. Y regarder à nouveau, c' est observer quels types d' effets créent les lignes. De quoi avons-nous besoin de plus ou de moins ? Et bien sûr, gardez toujours un œil sur les zones claires les parties blanches devant être blanches, afin de pouvoir les corriger en dernière étape si vous en avez besoin. Nous allons maintenant utiliser à nouveau le pinceau humide ici. Nous voulons ajouter de la couleur comme celle-ci. Remarquez comment j' applique ma couleur avec la pointe absolue de mon pinceau. Nous ajoutons d'autres feuilles sur ces zones autour de l'œuvre. Comme mentionné précédemment, nous utilisons différentes parties de notre pinceau et nous l' appliquons également sous différents angles pour dessiner différentes formes. Nous ajoutons une couche plus foncée sur cette partie ici. Souvenez-vous que nous avons dit que c'est la partie la plus sombre qui fait de l'ombre sous l'échelle, au-dessus de toutes les autres ombres que je vois également. Mais très délicatement. Prends ton temps. Maintenant, je vais utiliser la partie blanche de notre papier dans la partie inférieure de l'œuvre pour montrer l'herbe. Je laisse donc une partie de la lumière du papier pour jouer un rôle dans l'apparence de l'herbe. Je continue d'observer mon modèle. Juste pour continuer à référencer où vont les ombres, où se trouvent les reflets. Ainsi, plus nous ajoutons de couches, plus nous recréons de tonalités de gris, plus nous créons de tonalités de brun. Comme mentionné précédemment, nous sommes maintenant en train de trouver un équilibre entre ces 22 techniques que nous avons regroupées Nous voulons nous assurer que les reflets sont aussi forts que les ombres et les contours. Je prends un moment pour regarder mon travail afin de m' assurer que j'applique mes lignes au bon endroit. Cette œuvre est une combinaison de différentes tonalités. Et ce que nous voulons montrer, ce sont les tonalités des plus sombres aux plus claires, c'est ainsi que nous avons travaillé. Nous sommes partis des couches les plus claires passer progressivement aux couches les plus sombres. Nous voulons également examiner les bords de notre image. Nous voulons donner l'impression qu'il s'estompe sur les bords, mais rien de trop brusque. Je m'assure donc que les bords sont beaux et naturels. Mon tronc d'arbre a besoin d'un peu de couleur. Maintenant, souvenez-vous que nous séchons notre brosse en papier. Il doit être légèrement humide pour qu'il absorbe la couleur et appliquons-le sur la surface. Vous pouvez indiquer votre pourboire comme vous le souhaitez. Vous pouvez ensuite voir comment les différentes touches du pinceau créent différents gestes. Lorsque nous utilisons une technique sèche, humide ou très humide comme le pinceau, vous pouvez voir ces différentes textures. Et je vous conseille de jouer avec votre médium. Essayez de créer ces différentes tonalités, textures et lignes sur un autre dessin d' entraînement. Et plus vous jouez, plus vous apprenez à manipuler votre outil. Quel genre de textures cela peut vous donner. Regardez la texture créée sur cette partie avec ces feuilles. Et puis la partie supérieure, délicate, elle est magnifique. Les couches situées en dessous ont séché, elles ne bougent pas et ne s'y enfoncent se traduisent simplement par de nouvelles couches. À la fin, nous n'utilisons qu' un pinceau sec car le travail n' est plus mouillé et nous pouvons appliquer le pinceau sec et apporter touches finales complètement sèches. Enfin, c'est une œuvre achevée et expressive, pleine de tonalité, pleine de contrastes. J'espère que vous avez apprécié ce tutoriel utilisant différentes techniques. Assurez-vous également de suivre les devoirs. N'hésitez pas à m'envoyer toutes vos questions et à bientôt dans le prochain tutoriel. Merci 13. Peinture graphique: Bonjour. Bienvenue dans un autre tutoriel. Aujourd'hui, nous allons dessiner quelques figures et les peindre à l'aquarelle. En commençant par un crayon mécanique, nous allons dessiner notre esquisse de base. Utilisez vos ressources téléchargeables. Ils contiennent toutes les informations nécessaires chaque didacticiel, y compris le croquis, les grilles pour le dessiner, la palette et tous les matériaux que nous allons utiliser. Commençons par dessiner les figures, les formes de base. Prenez le temps de décider où ils vont apparaître sur votre page. Avec ce crayon mécanique, nous n'appliquons pas beaucoup de pression. L'idée est de ne pas montrer du tout ce contour à travers notre peinture à l'aquarelle. Nous voulons simplement avoir une directive quant à endroit où nous allons appliquer nos aquarelles. Si vous devez indiquer des ombres, indiquez-les dans votre esquisse, ainsi que dans les zones claires. Il est très important de noter les points forts, que ce soit visuellement ou dans votre croquis. Elles accentueront tout autant que les parties ombragées contrastantes. Si vous pouvez constater à quel point nous pouvons créer facilement les figures à l'aide de formulaires simples, vous encouragerons à le faire plus souvent. Elles peuvent sembler intimidantes et débutantes. Nous pouvons maintenant faire les chiffres. Nous avons dessiné un peu mouillé avec un pinceau humide. Nous mélangeons un peu de couleur sépia dans notre pinceau. Nous commençons à l' appliquer à notre page. Nous essayons simplement de créer un formulaire général ici. Prenez note de ma candidature. Suis mon exemple. Nous voulons laisser une partie de la couleur se cumuler dans certaines zones, simplement pour indiquer une ombre plus forte, comme au niveau des genoux ou du bas de la jambe. Et nous voulons laisser certaines zones complètement blanches. Parce que ce sont les points forts tels que la couleur un peu sur le corps. Prenez le temps d' observer votre échantillon, assurez-vous de pouvoir le consulter facilement afin de pouvoir consulter aussi souvent que nécessaire. Trouver les bonnes proportions est la partie la plus difficile. Nous avons marqué la tête ici. Nous devons compléter cette partie du corps. Plus tu t'entraînes. Non seulement vous améliorez votre capacité à créer des figures, mais votre confiance dans le médium augmente. Ainsi, votre application devient plus gratuite, plus confiante, et cela apparaîtra dans votre dessin final. Dessiner des figures à l'aquarelle nécessite des gestes très simples, mais ils doivent être intentionnels. Et nous devons savoir exactement où nous les appliquons. Plus vous vous entraînez, plus vous comprenez comment ce médium sèche quelles parties resteront aussi foncées que nous les avons appliquées. Et quelle est l'esthétique générale de la peinture à l'aquarelle ? Nous pourrons également étudier visuellement la taille de la tête par rapport au corps. Il s'agit donc d'une pratique de proportionnalité. Nous avons laissé certaines parties blanches, comme vous pouvez le voir, ou plus claires parce que c'est une technique d'aquarelle. Et nous ne voulons pas appliquer la couleur partout. Nous voulons que les points saillants mettent en évidence certains détails dans la figure. J'ajoute un rouge très clair ici. Et nous l'appliquons exactement de la même technique. Nous passons simplement en revue certaines parties qui montrent que la veste est un peu plus brune. Utilisez votre papier de soie pour enlever la couleur de votre page. Nous n'avons pas appuyé trop fort sur notre papier de soie, mais juste assez pour faire ressortir la couleur sans endommager les autres zones qui ne sont peut-être pas sèches à 100 %. Si vous avez levé un peu trop de couleur, ne vous inquiétez pas, vous pouvez vous habiller comme ça et ajouter plus de détails ou plus de couleur. Mais l'idée est que nous voulons nous sentir à l' aise avec le médium et les techniques. Et la seule façon de mieux comprendre le médium et les techniques est de les appliquer, de s'entraîner et de faire des erreurs. Que nous utilisions un pinceau humide sur du carton ou du papier mouillé, ou un pinceau sec sur du papier sec, le formulaire sera créé C'est très important. C'est ce que nous voulions dire par proportions. Nous devons étudier visuellement notre modèle. Regardez la distance entre les genoux et le bas du pied, le torse, la tête. Il y a une dimension ici. Nous voulons augmenter le sens de la perception, mais nous voulons que les proportions du corps paraissent correctes ou équilibrées. Nous montrons différentes techniques d'aquarelle sur une seule œuvre pour montrer qu'il ne faut pas en avoir peur et qu'il n'est pas si difficile d'apporter quelques corrections ici et là. Encore une fois, nous pouvons supprimer la couleur comme nous l'avons fait avec le mouchoir. Remarquez comment j'utilise la pointe de mon pinceau pour appliquer quelques détails sur la jupe. Pour laisser les reflets, nous devons laisser certaines parties intactes pour indiquer que la jupe reflète la lumière qu'il y a également une chemise sous la veste. Dans la figure principale. Nous sommes libres de jouer avec la couleur et le papier. Comme vous l'avez vu, nous avons travaillé sur humide ici et maintenant nous travaillons à sec sur sec, ce qui permet de contrôler plus facilement le pinceau et la couleur. Nos personnages ont également une barbe et un chapeau. Le deuxième personnage porte une robe traditionnelle , à savoir une jupe et une robe courte pour hommes et femmes. J'ai appelé Celinda. Encore une fois, nous utilisons ici une technique de séchage sur sec. Regardez à quel point mes détails sont plus contrôlés. C'est juste que l'esthétique fait une petite différence. Les épaules du troisième doigt sont légèrement plus larges. J'ai donc dû l'indiquer parce que son point de vue est tourné vers le spectateur par opposition à la figure du milieu dont la perspective est latérale et donc les épaules sont moins larges. Nous ajoutons quelques taches à notre silhouette ici juste pour embellir et ajouter plus de texture. Nous voulons mettre en valeur ce pantalon ample par rapport à un pantalon plus serré. Nous aimerions examiner nos chiffres et peut-être y ajouter des détails supplémentaires que nous aurions peut-être manqués. Il y a aussi un bâton dans cette figurine, c'est la main. Nous l'avons donc intégré très légèrement. Regardez comme les reflets sont magnifiques. Et observez votre dessin pendant qu'il sèche. Nous allons maintenant travailler sur la figure suivante. Nous devons apprendre à regarder les choses sous formes ou des formes simples et à les dessiner aussi simplement que nous les voyons exactement comme nous les voyons, nous dessinons et vous seriez surpris, vous feriez une marque sur le papier penser à ça ne se verra pas. Cela ne s' affichera pas tel que vous le voyez. Mais ensuite, vous regardez en arrière, vous tirez la tête en arrière, vous regardez ce que vous avez créé, une nouvelle réalisation, d'accord, qui a l'air logique, qui a l'air harmonieuse. Cela ressemble en fait à un genou épaule et à une tête. Il s'agit simplement de pratiquer les proportions. Nous continuons à ajouter les détails tels que nous les voyons. N'hésitez pas à m'envoyer des questions à tout moment. Vous pouvez même partager avec moi vos derniers dessins. Et je suis très heureuse de vous donner quelques conseils, peut-être des commentaires et des directives. Continuez à observer votre échantillon. Nos dessins ne sont pas censés ressembler exactement à l'échantillon à partir duquel nous tirons. Cependant, notre échantillon est là pour indiquer où les ombres doivent se trouver, où les reflets doivent figurer tous les éléments de notre dessin. Mais notre dessin en lui-même a sa propre esthétique. Mais nous continuons à essayer de le rendre aussi réaliste que possible, aussi naturel que possible. Comme vous pouvez le voir ici, nous pouvons faire varier la saturation de couleur que nous avons sur notre pinceau dans différentes parties du dessin. Juste pour mettre en valeur certains vêtements, peut-être la barbe, peut-être un chapeau. Vous pouvez ajouter plus de pigment à votre pinceau. Vous pouvez concentrer la couleur en réduisant la quantité d'eau. Nous voulons travailler un peu à légère pour avoir la possibilité d' apporter des modifications plus tard, car nous pouvons toujours rendre quelque chose de plus sombre facilement, mais le rendre plus clair est un peu plus difficile. Cette figurine a un chapeau noir. En utilisant la même technique ici, j'applique quelques points sur son manteau. Maintenant, nous voulons travailler avec notre pinceau lorsqu'il est plein de couleurs. Nous voulons qu'il soit pointé comme ça. Son pourcentage de couleur est plus élevé que celui de l'eau. Nous allons maintenant ajouter des détails comme celui-ci. Regardez avec quelle précision je peux appliquer mes coordonnées. J'ai trouvé l'œil, un peu de barbe et le chapeau. Nous utilisons ici une technique «  dry on dry ». Nous conservons le pinceau comme ça et avec le bout de notre pinceau, nous dessinons des détails plus petits comme les yeux et le nez, la bouche, la moustache et la barbe. Nous avons le contrôle. Si vous avez l'impression que votre brosse contient trop d'eau, tamponnez-la sur votre mouchoir en papier. Nous dessinons rapidement, mais nous utilisions également la technique des points et des lignes. Mon poignet est très léger, la pression sur mon pinceau est très légère. Je travaille vers le bas , puis je remonte comme ça, ce qui a permis à cette partie de sécher un peu plus. Je continue d'ajouter les détails. Prends un moment pour regarder ton dessin. Regardez les différents personnages, leur mouvement, leurs distances les uns par rapport aux autres, ainsi que les distances en termes de fond. Notre majeur est le plus éloigné. Le chiffre sur lequel nous travaillons actuellement est le plus proche. Nous voulons simplement nous assurer qu' ils sont tous visuellement harmonieux. Ces différentes techniques vous permettent d'obtenir différents détails. En bas, nous dessinons une femme qui marche dans la rue. Nous utilisons la même technique. Et nous appliquons la couleur dans la direction souhaitée. Regardez la courbure de la veste de la femme. Nous l'avons appliqué dans un mouvement circulaire. Nous devons être intentionnels quant à l'endroit où nous plaçons nos couleurs. Ici. Nous allons dessiner un père et un enfant. Nous avons créé son pantalon avec seulement deux lignes. Prenez note de la simplicité des gestes pour créer ces différents éléments du corps. Et maintenant, l'enfant, comme vous pouvez le voir, nous avons dessiné ces figures de loin. Et si nous voulons dessiner d'autres objets, comme des voitures, des vélos, des arbres ou des bâtiments, nous pouvons les dessiner par quelques coups de pinceau. Tout comme ce que nous avons fait jusqu'à présent avec les chiffres. Nous dessinons un homme par derrière. Il a quelque chose en main et il s'en va. Ce personnage s' éloigne de nous, regarde dans l'autre sens, portant quelque chose dans sa main. Et maintenant, nous allons dessiner deux hommes portant des codes. L'un d'eux porte un chapeau. Faites attention à la façon dont nous déplaçons le pinceau et façon dont nous le caressons pour créer des formes. Nous pouvons les assombrir si nous le voulons, en ajoutant simplement plus de couleur à notre pinceau. Nous pouvons même ajouter leurs ombres. Nous le faisons de la manière la plus simple qui soit. Juste comme ça. Remarquez comment notre aquarelle sèche sur toutes les figures que nous avons créées jusqu'à présent. Le plus important ici est dessiner les bonnes proportions des figures. Les différentes parties du corps, ou même les vêtements ou accessoires, doivent être des gestes très spécifiques et appliqués tels que nous les voyons. Parce que s'ils sont disproportionnés, ils n'auraient pas l'air tels qu'ils sont. Ils ressembleraient davantage une erreur ou à des proportions disproportionnées qu' à un colis ressemblant à un colis qu' un homme tient, ou à un bâton ressemblant un bâton que cet homme est s'appuyant sur. Nous voulons pratiquer ce dessin de proportions. Nous devons vraiment bien regarder nos doigts. Pouvoir effectuer des mesures visuelles ou au crayon et appliquer, appliquer la perspective que nous voyons sur le papier. Avec aquarelle. Nous devons également utiliser la blancheur de notre page et laisser des espaces vides. Et cela apporte des points forts. Cela donne vie aux éléments, leur donne un peu plus de champ D. Avec de simples lignes verticales et horizontales comme celle-ci, nous dessinons des pylônes et des distances lointaines. L'idée de ce tutoriel est de comprendre la simplicité de certains gestes. Et en assombrissant le même trait une extrémité et peut-être plus clair à l'autre bout. Nous dessinons maintenant un autre personnage avec un chapeau sur la tête. Cette figurine est assise. La face de la figure est vue de profil. J'ajoute un peu plus de couleur au corps ici. Cette figurine est créée selon une technique humide sur mouillée. Souvenez-vous maintenant que la technique « humide sur humide » consiste à appliquer de l'eau claire sur la zone où nous allons exactement ajouter de la couleur. Mais sur notre pinceau, nous aurions à la fois de l'eau et de la couleur. C'est une technique humide sur mouillée. Je ne fais qu'accentuer le siège sur lequel se trouve cette figurine. Nous devons également le laisser sec. Nous allons maintenant dessiner d'autres figures. Il s'agit d'un personnage vu de derrière. Cette figurine porte également un chapeau. Lorsque nous dessinons le chapeau, la figure ressemble davantage à un être humain et prend moins la forme aléatoire que nous voyons. Tout simplement parce que ce dessin essaie d'indiquer une figure assise par terre. Ils peuvent très facilement être perdus. Et cela, et ce trait d'aquarelle, le chapeau équilibre ou nous indique qu'il s'agit d'une personne. Maintenant, nous voulons dessiner une statue de cheval ou l'image d' un vrai cheval, en fait. Comme nous l'avons dit, technique de l'aquarelle. Et ce médium possède sa propre esthétique. La sculpture d'un cheval ressemblerait à une sculpture si elle se trouve sur un piédestal ou sur une sorte un piédestal ou sur une sorte de structure qui le soulève. Mais un cheval va avoir une apparence très similaire. Sans le piédestal. Nous appliquons ici la technique humide sur humide Nous appliquons donc de l' eau sur notre papier. Je suis très détaillé. J'ai les jambes d'un cheval. Il y a une silhouette sur le cheval. Et j'ajoute la queue. Maintenant, j'ajoute plus de couleur. J'entre et je place ma couleur exactement là où j'en ai besoin. Regardez donc la façon dont je marque la tête de la figure. La tête du cheval, le corps. Tu dois beaucoup t'entraîner. Et puis ça devient plus agréable. Et vous voyez à quel point il est facile de travailler à l'aquarelle. L'idée est de renforcer votre confiance et votre approche avec ce média. Il a sa propre esthétique et nous devons être en mesure de comprendre ce médium, comment il sèche, comment l'appliquer simplement en pratiquant davantage ou en appliquant les ombres là où elles doivent être. Si nous créons une plate-forme pour ce cheval comme celle-ci, il deviendra une sculpture. C'est en arrière-plan, derrière nos doigts. Notre concentration de couleur est différente, même si nous utilisons la même couleur, mais elle est différente selon les différentes parties de notre dessin. Si nous assombrissons les parties principales de cette statue, elle devient plus attrayante et accrocheuse. Où nous avons ajouté un peu d' obscurité sur la figure. Juste comme ça et cette technique pointillée. Nous l'utilisons pour assombrir les parties principales afin de rendre notre travail un peu plus remarquable et plus visible. Nous créons un contraste plus élevé entre les ombres et les reflets de notre travail. Nous lavons et séchons votre brosse, et cette fois nous travaillons à sec sur sec. Nous voulons maintenant dessiner un lampadaire. Nous voulons être très précis et placer notre couleur exactement là où nous voulons qu'elle soit. Une technique de séchage sur sec signifie que la surface du papier adhère très fortement à la couleur. Cette technique vise à obtenir un très grand nombre de détails. Je tiens mon pinceau très près des poils. Je garde mon poignet lâche. Nous ajoutons maintenant un peu plus de détails à la statue, mais nous avions besoin qu'elle sèche. Nous lui avons donc accordé un peu de temps pour nous assurer qu'il soit sec. Ensuite, vous allez ajouter plus de détails. Continuez à ajouter des détails tels que vous les voyez, ou autant que vous le souhaitez. Je vais passer en revue la barbe de cette figurine. Cette figure ne contient pas beaucoup de détails en Lui. Nous pouvons ajouter un bâton ici. mettre en valeur le chapeau, l'idée selon laquelle il faut sécher sur sec permet d' obtenir une plus grande concentration de couleur pour qu'elle reste exactement là où vous l'avez appliquée et ne pas s'infiltrer dans la page. Quoi qu'il en soit, au fur et à mesure que vous accentuez, ces détails gagnent richesse car nous avons augmenté le contraste. Nous l'avons rendu un peu plus bidimensionnel. En ajoutant des lignes comme celles-ci, nous créons un sol. Tous nos chiffres sont donc fondés. Nous pouvons même dessiner des figures beaucoup plus petites sans aucun détail, avec quelques gestes simples. Ce sont des chiffres très petits, très petits et très éloignés. La pratique de ces gestes minimaux prend du temps. L'idée principale est de bien observer vos doigts et d'y inclure les détails absolument nécessaires, même s'il ne s'agit que de deux gestes, mais ils indiqueront qu' il y a une figure. J'espère que vous avez apprécié ce tutoriel et que nous sommes en mesure de mettre en pratique plusieurs techniques. Merci beaucoup de vous joindre à moi aujourd'hui et à la prochaine fois. 14. Peinture de bâtiment débutante: Bonjour. Bienvenue dans un autre tutoriel. J'espère que tu vas bien. Aujourd'hui, nous avons choisi un tableau pour deux raisons. Tout d'abord, nous voulons utiliser l'aquarelle dans une technique différente. Les taches que nous avons utilisées dans les vidéos précédentes étaient petites, mais elles sont différentes. Ce travail est un peu plus facile et nous permet d'explorer une toute nouvelle esthétique. Nous commençons par dessiner notre croquis à l'aide d'un crayon mécanique. C'est le dôme d'une église. Nous devons faire attention à la symétrie ici. N'oubliez pas d'utiliser vos ressources téléchargeables. Nous les mettons à votre disposition avec toutes les informations nécessaires sur chaque tutoriel. Avec la palette de couleurs, l'esquisse, le modèle que nous allons dessiner à partir de la grille. Vous devez créer votre esquisse. En guise petit conseil, vous pouvez imprimer cette esquisse. Entraînez-vous en le créant directement au-dessus de cette impression. Vous pouvez également dessiner le croquis séparément sur une autre page tout en observant ce croquis. Bien sûr. Prenons notre temps pour créer ce croquis. Vous devez inscrire les marques à titre indicatif afin d'ajouter des ombres, d'ajouter des points sur lesquels vous pensez que c'est le point culminant et que vous ne voulez pas le toucher. Prenez donc votre temps pour faire toutes les notes dont vous avez besoin et, bien sûr, faites les aussi légèrement que possible. Nous ne voulons pas que ce contour apparaisse à travers notre peinture à l'aquarelle. Si vous avez déjà créé votre esquisse. Avancez vite et rejoignez-moi à la minute 6.5. Bien, maintenant que nous avons notre esquisse générale, parlons un peu de la peinture d'aujourd'hui. Afin d'obtenir une technique de couleur simple, nous allons utiliser des couleurs froides pour montrer les parties éloignées de notre image. Et des couleurs chaudes pour les objets qui sont au premier plan et plus proches de nous. En fait, nous utilisons des couleurs froides pour l'ombre de notre bâtiment. Il existe de nombreuses techniques, mais nous allons maintenant utiliser cette technique simple qui consiste à utiliser des couleurs plus froides pour indiquer les sujets et les éléments qui se situent plus loin dans la perspective. Et des couleurs plus chaudes, pour tout ce qui est plus proche et au premier plan, nous voulons travailler sur ces différentes tonalités et les créer afin de donner à notre image une sensation de richesse et prenez plaisir à créer cette profondeur de perception. Commençons maintenant par mouiller notre pinceau. Ensuite, nous appliquons de l'eau sur les zones que nous allons peindre. Veillez à ne pas toucher les parties blanches, qui sont les points forts de votre image car vous ne voulez pas que la couleur, une fois ajoutée à cette surface humide, ne s' infiltre dans les reflets ou , car vous ne voulez pas que la couleur, une fois ajoutée à cette surface humide, ne s' infiltre dans les reflets ou parties blanches qui sont censées être le blanc de votre page. Nous utilisons un sabre ici. Et remarquez l'application. J'utilise le bout de mon pinceau. Je tiens mon pinceau assez près des poils. Et je passe en revue les parties où la surface doit être mouillée. Gardez à l'esprit que la pratique de ce médium vous permettra non seulement d'appliquer cette technique de manière plus habile, mais cela renforcera cette technique de manière plus habile, également notre confiance et notre approche de ce médium. façon dont nous tenons notre pinceau, façon dont nous mélangeons nos couleurs, la façon dont nous appliquons l' eau sur notre surface, nous prêtons davantage attention à nos reflets. Nous sommes en mesure de vraiment entraîner principalement en regardant notre modèle. La plus grande pratique que vous puissiez faire est de regarder, regarder ce sur quoi vous dessinez, ce que vous peignez. Et prenez vraiment note des points forts. Quel est le plus sombre des reflets ? Quel est le ton le plus clair parmi les tons clairs ? Et il en va de même pour les ombres, les parties les plus sombres. Quel est le plus sombre des reflets ? Est-ce un marron ? Est-ce une tonalité bleutée ? Et quelle est la plus claire de mes ombres ? Prendre note de tous ces points est quelque chose que nous avons pratiqué en regardant. Nous devons donc nous entraîner à regarder, à regarder, à regarder. Parce que parfois, lorsque nous créons des dessins, nous sommes surpris et nous continuons à travailler dessus en fonction quoi nous pensons que le bâtiment ressemble, par exemple ou à quoi ressemble un arbre. Mais vous devez vraiment continuer à regarder votre modèle, même s'il ne ressemblera pas exactement à notre dessin. Et c'est très bien car il a sa propre beauté. Maintenant, nous allons commencer par utiliser un vert neutre, bleu sur notre dessin. C'est notre première couleur. Prenez le temps de mélanger vos couleurs. Assurez-vous d'avoir des mouchoirs propres portée de main, de l'eau propre à portée de main. J'utilise une teinte viridienne ici. Je passe en revue non seulement le bout de mon pinceau, mais aussi le côté pour étaler la couleur vers le bas. Remarquez à quel point ma couleur est claire, quel point elle est aqueuse. Je l'étale dans tout le bâtiment. Nous pouvons mettre le contour en gras plus tard si nécessaire, ou le garder effacé. Cela dépend vraiment esthétique ou des préférences de chaque artiste. Mais s'il est décoloré, cela donne également cette belle esthétique, autant plus qu'il est plus en arrière plan. Plus on s'estompe, plus cela semble s' éloigner parce que c' est une sensation plus générale. Et nous accentuons le point d'entrée dans notre dessin, qui se trouve au premier plan à droite. Suis mon exemple. Nous utilisons la pointe de notre pinceau lorsque nous essayons d'être précis et d'éviter certains reflets. Remarquez que même si j'ai ajouté mon vert à mon dôme et au bâtiment, j'ai également laissé des points saillants sur la gauche, où nous avons une simple colonne ici. Vous pouvez également laisser une petite quantité de couleurs dans certaines parties si vous le souhaitez. Tous ces détails qui découlent de la nature d'une technique humide sur mouillée. Parce que nos pinceaux sont mouillés et qu'ils sont colorés. Mais notre page est également humide. Vous pouvez tracer des lignes et petits détails au sommet du dôme. Cette ligne au milieu, c'est la diagonale où j'ai accentué cette direction du sol. Je laisse un point culminant au milieu. Je continue de travailler sur les détails. Gardez les yeux rivés sur ces directives. Vous avez créé cette esquisse, l'esquisse de base que vous avez créée vous-même. Je m'assure que mon poignet est léger. Mes doigts sont un peu plus éloignés des poils. Et nous devons maintenir une certaine vitesse, mais ne vous laissez pas stresser. Nous n'avons pas besoin d'être très rapides ni même aussi rapides que moi lorsque j' applique ma couleur. Si vous avez besoin d'un moment, mettez la vidéo en pause, appliquez votre couleur de base, puis rejouez et nous continuons à nous réunir. Oui, nous ne pouvons pas être très lents non plus simplement à cause de la nature de ce médium, de celui de l' aquarelle. Mais je postule et j'ajoute autant de détails que possible. Et je donne aussi des moments, quatre parties différentes trop sèches. Ainsi, lorsque je travaille sur quelque chose, je le laisse et je passe à l'étape suivante, en lui laissant une chance de sécher. Vous voulez effacer cette partie ici. Continuez à regarder votre modèle. Plus vous vous entraînez, plus cela vous viendra facilement. Et cela renforce notre confiance, notre confiance avec ce média et ce sentiment de liberté avec l'application. Cela apparaîtra à travers vos dessins. Mais ne vous laissez pas décourager par le résultat final , s'il ne correspond pas à vos attentes . Continuez à vous entraîner. Parce qu'il y a une certaine fluidité dans cette esthétique, dans l' esthétique de l'aquarelle qui permet au résultat et à la différence de s'estomper, d'être léger. Nous devons attendre que notre image soit sèche. Parce que nous avons des tonalités similaires, mais nous voulons que chaque couche soit traduite dans la couche située en dessous et ne se fond pas vraiment dans celle-ci. Vous devez laisser le temps à votre couche de sécher. Nous allons utiliser des couleurs plus chaudes sur cette partie, ici sur le devant. Et la couleur ne doit pas être trop contrastée. C'est une image très douce. Et nous continuons à utiliser une technique humide. Remarquez, remarquez comment vos couleurs dessinent toutes vos applications. Remarquez comment cette technique sèche. Il sèche un peu plus légèrement. Il a cet effet estompé, presque nuageux. Soyez donc patient avec le processus de séchage. Donnez-lui le temps qu'il mérite. Si vous remarquez que quelque chose est sec, vous pouvez peut-être ajouter plus de détails. J'utilise une sève verte ici. C'est une couleur plus chaude que le viridien. Ils ajoutent soigneusement mes coordonnées, j'observe mon modèle et j'ajoute mes coordonnées ici. J'ajoute des lignes horizontales du bâtiment. Ils ne sont pas complets. Les lignes sont des lignes d'un seul geste. Au lieu de cela, nous passons lentement de l'obscurité au clair. Nous voulons être prudents car nous utilisons une quantité limitée de couleurs ici. Comme si on ne nous donnait que deux couleurs pour créer un ensemble complet de tonalités. C'est donc sur les tonalités que réside la force du dessin final. Alors cette sève verte, remarquez à quel point elle se démarque. C'est vraiment différent de l'autre green. Et en m'assurant de l'appliquer aux bons endroits, cela apporte simplement plus de richesse à mon image, plus de définition. En utilisant une couleur chaude pour cette partie, nous montrons également mieux la perspective. Nous colorons uniquement les parties ombrées qui sont plus foncées et nous conservons les parties blanches comme blanches. C'est pourquoi nous devons être prudents et consacrer plus de temps à notre croquis. Parce que nous devons être très intentionnels quant à l'endroit où nous plaçons notre couleur. N'hésitez pas à m'envoyer vos questions à tout moment. Vous pouvez également m'envoyer vos dessins finaux et je serais très heureuse de partager avec vous quelques commentaires et peut-être quelques conseils. Je laisse à mon image un peu de temps pour sécher, mais je me concentre également sur les reflets et je m' assure d'appliquer ma couleur aux bons endroits. L'esthétique de cette aquarelle est délicate. Il fait également très beau et nuageux. Et nous voulons conserver cette esthétique. Il y a des espaces vides ici. Vous voulez faire ressortir ce détail par de très petits gestes. Si vous pensez que votre brosse contient trop d'eau, tamponnez-la simplement sur un morceau de tissu. Nous créons ce bâtiment de manière très simple et avec très peu de couleurs. fallu très bien observer notre modèle et Il a fallu très bien observer notre modèle et appliquer les lignes . Donc, lorsque j'applique mes détails, j'utilise le bout de mon pinceau. Je tiens mon pinceau un peu plus près de la pointe. Et j'applique mes couleurs dans la direction qu' elles doivent être. Nous pouvons utiliser un pinceau sec pour cette partie ici. Juste pour ajouter de la texture au sol au recto et au bas de la page. Mais mon pinceau contient très peu, très peu de liquide , très peu d'eau. Je suis d'accord pour continuer. Lorsque nous utilisons des couleurs limitées, les techniques varient et nous pouvons utiliser un pinceau sec ou un pinceau complètement sec avec très peu de couleur. Ou nous pouvons l'utiliser avec très peu d'eau. C'est une décision qui dépend de vous. Mais maintenant, nous travaillons sur ces chroniques ici. Nous créons les colonnes du bâtiment. Et nous le complétons en quelques gestes avec un pinceau. pinceau sec vous aidera beaucoup dans ces petits détails ici. Et nous complétons ce chiffre avec des ajouts très minimes. J'ajoute de l'eau ici et de la couleur. Je veux simplement ajouter plus d'ombre et cette partie tout en gardant les reflets là où ils se trouvent. Remarquez donc comment je me suis déplacée, mais il y a encore deux lignes de reflets et de blancs. Je veux montrer l'ombre qui se trouve en dessous, en dessous de ce sommet du bâtiment. Et se reflétant sur le haut des colonnes. N'oubliez pas que nous devons être intentionnels quant à l'endroit où nous plaçons notre couleur. Nous ne le mettons pas partout. Nous observons notre modèle. Nous cherchons où se trouvent les ombres. Et nous ajoutons, nous ajoutons nos ombres et nos contours. Ce changement de pression continu est dû au fait que nous avons modifié l'application de notre couleur en modifiant la pression avec laquelle nous appuyons sur notre pinceau. Nous changeons ce que nous utilisons. Utilisons-nous le côté du pinceau ou utilisons-nous peut-être le bout du pinceau ? Toutes ces décisions commenceront vous venir très instinctivement. Plus vous vous entraînez, bien sûr, plus vous êtes délicat, plus vous avez moins de pression. Parce que nous voulons être prudents. Nous préférons travailler plus clair plutôt que d'utiliser une couleur très foncée ou un pinceau sec. Avec un pinceau sec et juste de la couleur, nous voulons être très, très décisifs. Vous savez exactement où vous placez vos lignes car il devient très difficile de changer. Nous allons ajouter quelques taches. J'utilise une prostituée vert foncé ici. Nous allons ajouter quelques taches afin de montrer la grande perspective du bâtiment, cette sensation de verticalité orientée vers le haut. Les jouets Grand, la sensation de perspective des jouets. Nous ajoutons quelques chiffres en bas de page. Et les chiffres ont besoin de pratique, c'est sûr. Alors, entraînez-vous à créer des figures de cette manière très simple et simple. Il suffit de s'entraîner jusqu'où l'on peut créer le détail des épaules et de la tête. Ce sont des choses comme ça qui ajoutent tellement, tellement de détails. Ces gestes très simples et très simples. Comme vous l'avez remarqué, j'ai utilisé une teinte de vert plus foncé pour ajouter les derniers détails ici. Ils ressemblent plus à des taches, ce ne sont pas de longues lignes. Il y a des taches simples. Les figures sont de simples taches. Ces petites ombres sur les colonnes sont des taches. Nous améliorons la perspective grâce à des lignes chaudes. Remarquez que les colonnes et le bâtiment à l'avant, ici en bas à droite, le bâtiment à l'avant, ici en bas à droite, sont beaucoup plus présents et accentués que le bâtiment à l'arrière, bien que celui de l' arrière soit beaucoup plus coloré. Mais celui du recto détaille les reflets, le blanc de la page est habillé avec autant force que les contours que nous avons créés dans le noir. Les ombres et les contours foncés que nous avons créés pour les colonnes, les ombres et le bas de la colonne. Les chiffres donnent également une idée de la hauteur de ces colonnes. Comme mentionné précédemment, il s'agit d'une pratique de recherche. Il faut entraîner nos yeux pour voir : Oh, il y a encore plus d'ombres entre ces colonnes. Il y a une, il y a une petite partie sombre sous le sommet du toit des colonnes. Nous voulons montrer cette puissante gradation de perspective. Le bâtiment situé à l' arrière est haut, un point culminant au milieu, qui ressemble à un étang ou à un espace de promenade. Nous avons également laissé les points forts de l'arrière du bâtiment. Mais c'est celui du devant qui contient beaucoup plus de détails. Nous examinons tous les détails, surtout si vous voyez l'un de vos croquis, votre croquis au crayon. Soit vous les effacez si vous n'en avez pas besoin, soit vous les passez en revue et complétez votre image. Notre travail est presque terminé. Nous travaillons simplement sur les éléments, cet environnement. Faire en sorte que nous prenions un moment pour reculer la tête. Regardez le dessin que nous avons créé et notez-le visuellement. Est-ce que cela semble équilibré en termes de tonalités ? En termes d'éléments la page, c'est la perspective que nous voulions. Et rien qu'en utilisant des tonalités froides et chaudes d'une seule couleur, le vert, nous avons pu obtenir une excellente perspective sur cette image. Merci beaucoup de m' avoir rejoint. J'espère que cela vous a plu. À la prochaine. 15. Bateau sur le paysage aquatique: Bonjour. Bienvenue dans un autre tutoriel. Nous allons dessiner un quai à aquarelle et à l'encre aujourd'hui. Tout d'abord, nous allons faire un croquis rapide de la scène à l'aide de notre crayon mécanique. Nous allons le faire très légèrement. Nous voulons inscrire notre croquis comme ligne directrice, ce qui nous aidera à placer nos couleurs et notre peinture dans notre image. Tout en gardant à l'esprit où se situent les zones claires et les ombres. Ici, nous allons tracer une ligne horizontale comme celle-ci. Et nous allons travailler sur le croquis initial du bateau. Essayez de suivre les mouvements de mes mains aussi précisément que possible. N'oubliez pas que vous pouvez utiliser vos ressources téléchargeables, qui contiennent toutes les informations sur chaque didacticiel sur lequel vous travaillez. Il contiendra l'exemple d'image à partir duquel vous pourrez vous entraîner l'esquisse que nous sommes en train de créer. Les grilles correspondantes sont disponibles. aussi la palette de couleurs et tous les matériaux que nous allons utiliser. Si votre palette de couleurs ou les pinceaux disponibles sont légèrement différents de ceux que nous utilisons. Ne vous laissez pas décourager. Utilisez tout ce qui est à votre disposition et que vous préférez. L'idée est de pratiquer, d' en apprendre davantage sur le médium et de s'amuser en cours de route. Prenez le temps de créer votre croquis. Observez votre modèle et esquissez les lignes et tous les détails supplémentaires. Le plus important est de garder visuellement à l'esprit où se situent les points forts. Si nécessaire. Vous pouvez également indiquer où se trouvent les ombres. Ainsi, lorsque nous commencerons, l'aquarelle aura un meilleur guide. Très bien. Maintenant que nous avons terminé le croquis initial, nous devons appliquer de l'eau sur notre surface, exactement là où nous voulons ajouter de la couleur. C'est ainsi que nous allons commencer notre technique mouillé sur mouillé. Nous utilisons un pinceau doux et nous appliquons de l'eau très peu colorée sur la zone que nous allons peindre. Nous devons faire attention à la couleur blanche du papier. Ce sont les points forts, les parties que nous n' allons pas toucher. Nous allons choisir une couleur brune ici et mélanger avec du vert comme vous pouvez le voir. Et puis nous commençons à l'appliquer sur la surface avec notre pinceau. Suivez mon exemple en ce qui concerne l' application de la couleur. Nous avons créé un nombre brut ici. J'utilise la pointe de mon pinceau pour parcourir les coins les plus détaillés. Et j'appliquerais un peu plus de pression pour ajouter plus de couleur au papier et moins de pression au fur et à papier et moins de pression au fur et mesure que j'atteindrais les bords et les points les plus fins. Essayez de prendre en compte les formes et les formes du bateau qui étaient clairement indiquées dans notre croquis initial. Souvenez-vous de vos premiers croquis, de votre guide. Il est là pour nous aider à prendre des décisions quant à l'endroit où nous appliquons nos couleurs. Si vous avez trop de combinaison de couleur, de couleur et d'eau sur votre pinceau, utilisez votre serviette propre tamponnez votre pinceau sur votre serviette et continuez. Mais je vous encourage à vous entraîner avec votre pinceau avec la quantité de liquide et de couleur qu'il contient et à appliquer votre couleur très légèrement. Les gens sur le bateau sont facilement attirés comme ça. En laissant la palette de couleurs prendre une certaine forme qui indique la figure. pinceau très simples peuvent nous aider à dessiner ces différentes formes. Ils ont une couleur plus concentrée que le reste du bateau et leurs formes, bien sûr, mais la couleur se reflète clairement dans ces figures, ces figures humaines assises. Je continue à très bien observer mon image. Si vous avez appliqué un excès d'eau, vous pouvez utiliser le bord de votre mouchoir juste pour enlever un peu de couleur ou enlever de la couleur de la page. Ce que nous faisons en ce moment, c'est essentiellement une esquisse rapide d' un vieux quai avec un bateau et des personnes à bord. J'ai ajouté plus de couleur, donc le rapport entre la couleur et l'eau est plus élevé maintenant, car n'oubliez pas que vous commencez toujours par les couches les plus claires, puis vous remontez vers les couches les plus foncées couches. C'est pourquoi nous continuons à observer notre image. Vous remarquez quelles sont les deux teintes suivantes plus foncées ? Quelles sont les deux teintes les plus foncées suivantes ? Et où dois-je appliquer ma couleur ? Cela donne également une chance à vos couches primaires de sécher. Remarquez mon application ici, vous utilisez à peu près la même combinaison de couleurs que nous avons utilisée précédemment. Nous l'avons ajouté légèrement sur le reflet du bateau sur l'eau , puis nous avons ajouté plus de couleur pour créer ces lignes très sombres ici. Nous ajoutons des détails plus sombres au travail que nous élaborons pour donner une définition. L'observation est la principale observation de votre modèle. Examinez bien le modèle et votre propre travail et ajoutez les détails en conséquence. Votre modèle est là pour vous indiquer où se trouvent les ombres les reflets. Mais cela ne signifie pas que votre dessin aura exactement la même apparence. Il doit avoir sa propre esthétique et nous devons y travailler, continuer à ajouter nos ombres et à nous assurer que nos reflets sont beaux et accentués. travaillons à rendre notre dessin plus réaliste, équilibré en termes de tonalités et plus beau. Bien sûr. J'ajoute simplement mes informations de base partout où j'en ai besoin. Je veux une image plus complète. Avant de passer à l'étape suivante, nous dessinons des lignes droites comme celle-ci pour ajouter différentes parties du bateau. Ce n'est pas un long coup, il est plus petit. traits pointillés. Essayez d'utiliser votre pinceau à bon escient. Quatre lignes comme celle-ci. Nous n'utilisons que certaines parties du pinceau, c'est la pointe, mais aussi très légèrement. Et puis légèrement sur le côté lorsque vous essayez d'étaler la couleur. N'oubliez pas de vous entraîner, utilisez votre outil sur un dessin d'entraînement séparé et séparé. J'applique de l'eau sur mon papier ici. Je veux travailler sur ce fond avec une couleur bleu-vert. Nous allons commencer à travailler comme ça sur cette partie et ajouter ces couches de couleur. Regardez à quel point le rapport de couleur est léger ici. J'ai mélangé une teinte viridienne et une turquoise. Mais regardez à quel point il est léger, petit, le rapport entre la couleur et l'eau. Je veux que mon arrière-plan soit très clair. Et plus il est clair, plus il est en arrière-plan. Je ne fais que mettre en valeur mon bateau ici. Je vous donne un contexte dans lequel il s'agit d'une question d'eau. N'oubliez pas de faire attention à ne pas passer en revue les points saillants. Nous avons besoin des reflets tout autant que contours et des ombres plus foncées. Ils sont tout aussi puissants. Ici, nous ajoutons ces couches en haut pour montrer que cette terre remonte loin dans notre peinture. Si vous avez besoin d'un moment pour laver votre pinceau, le sécher et réappliquer un mélange de couleur. Vas-y, fais-le. Il suffit de mettre la vidéo en pause. Il faut être un peu rapide, pas trop lent. Parce qu'ici, bien que nos couleurs soient claires, elles le seront, elles sont sur une surface humide et nous voulons qu'elles se traduisent les unes dans les autres. Nous voulons donc ces tonalités, la façon dont le vert vient en haut, l'autre arrière-plan, l'arrière-plan principal. Nous voulons qu'ils se traduisent les uns dans les autres. Nous travaillons sur l'apparence générale de l' ensemble de l'œuvre. Cette scène est peinte sans tenir compte des détails. Je veux dire l'eau et la terre au loin ou simplement garder à l'esprit où se trouvent les points forts et les éviter. Mais nous voulons appliquer cette couleur. Maintenant, nous allons utiliser un brun cette fois, car il ne contient pas beaucoup d'eau. Nous le mélangeons avec du vert olive et nous commençons à l'appliquer sur ces parties ici. observé mon application et la façon dont je laisse les couleurs s'accumuler à certains endroits pour lui donner forme. Observez votre modèle et observez mon application. Si vous avez l'impression que votre brosse est trop humide, il suffit de la tamponner sur un mouchoir propre. Maintenant, nous laissons sécher ces pièces afin de pouvoir continuer le travail. Cette partie supérieure est humide , nous la laissons donc sèche. Il vaut mieux les laisser sécher et continuer à travailler dessus plus tard. En attendant, nous ajoutons plus de détails sur les bateaux. Quelques nuances plus foncées ici. J'applique à nouveau ma couleur sur le bateau. J'observe mon modèle, observe mon propre dessin et ajoute les ombres là où elles doivent être. Par exemple, seul le côté droit du bateau est beaucoup plus sombre. Si vous pensez que votre peinture est trop humide, laissez-la sécher un moment. C'est bon. Si vous aimez l'efficacité créée et que vous ne voulez pas faire ressortir la couleur, laissez-la sécher un moment. Nous avons défini les grandes lignes de notre travail en ajoutant touches mouillées sur mouillées à l' œuvre sur ces pièces ici. Nous avons également déterminé le cadre du projet et son domaine de travail. Remarquez également comment les différentes pièces ont séché. Nous devons apporter ces touches à ces parties de l' œuvre comme il se doit. Montrons l'eau dans notre tableau. Nous allons utiliser une seule couleur car nous ne voulons pas rendre cette peinture trop colorée. Nous voulons conserver cette esthétique, c' est-à-dire une tonalité légèrement mono où toutes les tonalités sont un peu proches les unes des autres. Maintenant, nous recommençons à travailler sur l'arbre , en ajoutant une autre couche. Faites attention aux coups de pinceau utilisés pour l'arbre et aux marques qu'il laisse derrière lui. Nous utilisons la pointe la plus large et la plus large de notre pinceau et nous y ajoutons quelques touches pour montrer la forme générale de l'arbre. C'est ainsi que nous avons peint. Et nous conservons quelques parties blanches, les parties blanches qui entourent certaines branches. Entre les deux. Avec la pointe du pinceau, on ajoute les feuilles. Nous laissons la couleur s' accumuler aux endroits où nous voulons ajouter des feuilles. Nous allons travailler sur cette partie maintenant. Nous y avons déjà travaillé avec une technique humide sur mouillé. Maintenant, nous allons appliquer la couche suivante qui est sèche. Notre couleur est mélangée à un peu d'eau, pas trop, mais nos pages sèchent. Soyez très intentionnel quant à l'endroit où vous placez votre couleur maintenant, car il n'y a pas beaucoup de liquide, il est difficile de déplacer la couleur. Il affichera également exactement les lignes que vous avez appliquées. Nous essayons d'être délicats et de dessiner un bateau sur cette partie comme ça. Et nous continuons à ajouter plus de détails. Nous utilisons des lignes simples et des forums pour montrer que ces objets sont là. Ces détails lointains sont dessinés en ajoutant des lignes et des points simples. L'important est de les ajouter dans la perspective qu'ils sont. Juste avec un geste suffisant pour montrer ce qu'ils sont. Nous retirons l'excès d'eau de notre pinceau afin de pouvoir ajouter des détails plus délicats avec un bout pointu de notre pinceau. Nous essayons également d'utiliser la texture du papier à notre avantage. Parce qu'il y a du grain dans ton papier. Et s'il y a quelque chose de texturé ou si nous voulons utiliser ou avoir le reflet d' un bâtiment ici, cela ajoutera exactement cela. Nous ajoutons également plus de détails sous forme d'arbres et d'humains. Nous maintenons notre pinceau au sec car cela nous permet d'appliquer ces détails de manière très fine, très fine, avec des lignes très fines. Ce qui contraste très bien avec l'esthétique du fond. Et la technique humide sur mouillée, qui est un peu trouble, comporte toujours des détails, mais son esthétique est trouble. Cette technique consiste à sécher sur sec ou humide, sec mais très peu d'humidité. Il en va de même pour ces détails fins qui offrent un excellent contraste et nous finirons par créer une si belle image pour vous. Nous ajoutons quelques lignes et points supplémentaires très loin. Nous diffusons des lignes plus dures en ajoutant plus d'eau au mélange. Si vous avez créé une ligne un peu trop dure, ajoutez simplement un peu d' eau pour la faire disparaître. Sinon, continuez à ajouter ces informations afin que nous voulions les montrer au loin. Échappez au paysage. Nous peignons ces détails avec un pinceau sec. Peut-être pourrons-nous les mélanger plus tard. Comme nous ne voyons pas très clairement les détails lointains dans notre travail, les avons magnifiquement ajoutés pour l'instant. Gardez juste à l'esprit que nous pouvons les estomper. Mais c'est une très bonne pratique de garder votre pinceau au sec. Appliquez vos couleurs à des endroits spécifiques et utilisez votre pinceau dans cette technique. C'est une très bonne pratique. Encore une fois, pour rappel, nous avons très peu d'eau dans nos pinceaux. Ici. J'ai ajouté un peu plus d'eau juste pour effacer certains détails. Cela dépend vraiment de vos goûts et de votre esthétique. Nous devons donc estomper les couleurs les unes dans les autres. Sur ces parties, ce serait comme ça. Et nous aurons ce genre de texture et couleur lorsque nous verrons les bateaux, mais le paysage qui se cache derrière, c' est un peu plus flou. Quoi qu'il en soit, la couche de cette partie est une combinaison de couleurs chaudes estompées les unes dans les autres. Maintenant, séchons le pinceau et retirez-en l'eau pour continuer le travail. Nous aiguisons le pinceau avec notre main comme ceci. Nous prenons de la couleur. Nous créons nos mélanges sur la palette, puis nous pouvons y ajouter de l'eau au fur et à mesure que nous en avons besoin. Nous allons maintenant travailler sur la texture du tissu sur cette partie. Nous le faisons exactement comme lorsque nous travaillons avec des crayons de couleur ou du fusain. C'est presque comme si les visites étaient de petites files d'attente. Nous créons la texture de ce tissu avec notre pinceau. Habille-toi comme ça. Si vous devez vous entraîner sur une page séparée sur le côté, allez-y, mettez la vidéo en pause, puis rediffusez-la et nous continuons ensemble. Nous ajoutons un peu d' eau bouche afin de mieux travailler nos couleurs. Vous avez donc accès à votre petit peu de liquide en bouche si vous en avez besoin. Nous continuons maintenant à travailler sur la texture du tissu de la vente. Nous ajoutons quelques touches de couleur avec notre pinceau. Juste comme ça, en créant la texture. Mais remarquez comment les lumières et les ombres apparaissent lorsque nous les créons et que nous plaçons notre texture exactement là où nous le voulons. Remarquez le pliage, comme il semble maintenant qu'il se plie de haut en bas ou en mouvement. J' observe continuellement mon modèle et je continue à appliquer mes coordonnées. Prends un moment pour reculer la tête. Regardez le dessin que vous avez créé. Examinez tous les reflets, les ombres, les lignes que vous avez créées sous forme de contours. Ou peut-être détourne le regard un peu et repense à ton dessin. Et visuellement, vous pourrez voir s' il y a un déséquilibre entre quelque chose qui est trop clair et nécessite plus de détails ou s'il est trop foncé. Peut-être que nous pouvons ajouter de l'eau et le faire disparaître. Mais prenez l' habitude de vous arrêter et de regarder juste une seconde ou deux. Aiguisez à nouveau votre pinceau pour continuer à ajouter ces détails. C'est suffisant pour cette partie maintenant et nous pouvons tracer les limites. Nous avons ajouté un peu d'eau à notre pinceau, mais pas trop. Nous l'avons aiguisé avec nos mains. Nous marquons le début et la fin des lignes ici. Nous avons juste besoin d'être détaillés. Prends notre temps. Ne vous laissez intimider par la ligne que vous créez avec ces petits traits, comme s'il s'agissait tirets pour terminer une longue ligne. Il suffit de suivre le mouvement de ma main pour créer cette ligne. Nous avons fait de même de chaque côté. Nous avons également dessiné quelques points, juste pour montrer la corde nouée et le bateau dans son ensemble, ainsi que la façon dont il monte. Il y a cette forme avec les lignes qui l'entourent. Prenez le temps d'ajouter tous les détails nécessaires. Il y a maintenant plus de détails à ajouter à l'œuvre. Et ce n'est que pour en souligner la beauté dans son ensemble. Vous pouvez toujours utiliser de tels détails pour créer la forme et la forme de ce sur quoi nous travaillons. Vous voulez donner les détails. La bonne quantité de visibilité avec votre, avec le pinceau que vous utilisez. Il y a quelques figures sur cette partie que nous dessinons avec un pinceau sec comme celui-ci. Nous avons créé une couleur de fond pour eux plus tôt, mais maintenant nous voulons simplement leur donner une couleur plus définitive. Nous travaillons ici sur la texture du bateau. La même technique sèche également. Nous dessinons la tête et le corps. Juste pour montrer qu'il s'agit d'une figure humaine assise là. Nous faisons simplement un petit geste pour la tête puis le corps avec des points. Juste comme ça. Suis mon exemple. Je continue à travailler sur les figures, mais aussi sur la texture du bateau car elles sont sur la même ligne. D'une certaine manière, cette partie délavée du bateau ajoute à la beauté de l'œuvre. Nous n'allons donc pas y travailler davantage en ajoutant plus de couches et de détails. C'est le côté droit du bateau qui est plus sombre, il y a plus d'ombres. Et le côté gauche est plus pâle et plus léger. Et il y a quelque chose de vraiment beau cette esthétique désuète. Je vais donc le laisser. Juste pour donner cet équilibre, il y a ce bel équilibre. Je veux juste ajouter cette partie ici. Cette partie a juste besoin d'être légèrement accentuée avec quelques lignes et formes simples. Alors nous allons le quitter. C'est ce genre d'esthétique dans cette peinture qui n'a pas besoin d'être complètement colorée. Le dessin du bateau est terminé. Nous lui avons maintenant donné les détails nécessaires pour montrer les figures, l' ombre, tous les contours et il semble complet. Il y a encore une ligne ici. Nous montrons maintenant le reflet de l'eau en traçant quelques lignes comme celle-ci. Ces lignes horizontales ajoutées sur l'eau sont toujours utiles pour montrer les reflets sur l'eau. Nous devons également nous assurer de laisser certaines parties entre les deux intactes afin que l'espace ne complètement rempli de couleur. Et ces parties intactes sont les lumières entre les lignes. cas, ils montreront les ondulations ou la texture de l'eau et le reflet de tout ce qui l'entoure. Donc, plus près du bateau, il fait un peu plus sombre, un peu plus loin, il fait un peu plus clair. la photo principale, cette partie est recouverte de pierres et de sable, mais nous les avons supprimées et avons ajouté un reflet d'eau pour la rendre plus attrayante. Je suis juste en train de travailler sur cette partie. Juste pour le rendre plus complet. Nous ajoutons quelques touches sèches. Nous voulons que cette texture transparaisse. N'oubliez pas de pratiquer, votre technique ou d'utiliser un support spécifique. Non seulement cela vous aide à recréer la même image encore et encore et mieux. Il commence à se familiariser avec ce médium. L'idée est de vous entraîner suffisamment pour comprendre vos pinceaux, les couleurs, le mélange, les techniques suivantes : mouillé sur mouillé ou humide sur sec ou sec, sec sur sec. Toutes ces techniques nécessitent donc de la pratique. Et plus vous vous entraînez, plus vous maîtrisez ces techniques et manipulez votre pinceau, comme si vous jouiez avec le médium pour découvrir quelles sont les textures qu' il contient vous atteindre ? Et les coups de pinceau qui conviennent le mieux différents objets, comme les coups de pinceau pour un arbre ou les feuilles d'un arbre, sont différents de ceux que vous créeriez pour l' eau ou pour les bâtiments. Tout cela demande donc de la pratique. Remarquez comment j'ajoute les feuilles ici, mais je laisse des endroits blancs pour accentuer la lumière qui passe. N'hésitez pas à m'envoyer vos questions ou peut-être vos peintures finales. Je suis plus qu'heureuse de partager avec vous quelques commentaires, peut-être quelques conseils. Ici, nous ajoutons plus de feuilles sur cette partie avec notre brosse sèche. Cela nous aide à créer la texture dont nous avons besoin à cet endroit de l'arbre. Il y a de la lumière du soleil sur certaines feuilles, ce qui apparaît comme ceci, ce qui rend également les reflets encore plus lumineux. En créant ce contraste. Nous ajoutons la couche initiale comme ceci, puis nous ajouterons plus de détails pour les feuilles. De petites et grandes touches de pinceau combinées peuvent apporter plus de beauté et renforcer le sens du détail. Nous le faisons sur cette partie car il n'y a rien dans le ciel dans cette partie et nous pouvons en ajouter d'autres. Juste comme ça. Cela nous aide à mieux travailler sur la composition de l'œuvre. Maintenant, en utilisant un brun plus clair, nous allons peindre des feuilles plus en arrière. Ils sont plus petits et font donc des gestes plus reculés en termes de perspective. Donc toutes ces tonalités différentes, les plus foncées et les plus claires, plus les différents gestes de pinceau. Ils apportent une telle richesse à notre image. Ils ajoutent tellement à la profondeur des détails et à quel point nous pouvons en profiter. En tant que spectateur, je commence à parcourir l' image jusqu'à ces détails. Nous ajoutons ici une couche plus foncée à cette partie de l'arbre. Mais évidemment, nous ne remplissons pas tout l'espace. Nous restons toujours précis quant à l'endroit où nous plaçons nos couleurs. L'ajout de touches différentes avec différentes qualités nous permet de travailler plus facilement sur les détails. Et bien sûr, cela ajoute à la beauté de l'œuvre. Nous continuons à observer nos modèles et à ajouter nos détails ici. Nous nous efforçons essentiellement de répartir les parties les plus sombres de manière égale sur l'œuvre et de maintenir l' équilibre de l'œuvre. Et ce que j'entends par équilibré visuellement. Remarquez que comme nous avons cette partie plus sombre ici, nous avons essayé d'ajouter de plus petites parties sombres autour de celle-ci afin de maintenir l'équilibre du travail. Il est donc clair que l'ombre de l'arbre ou des feuilles se trouve sur cette partie. Et les autres sont plus éclairés ou plus légers à cause de la lumière. Ainsi, en utilisant ces différentes parties sombres, nous créons une sensation de courbure ou un corps incurvé pour donner à l'arbre une impression qu'il n'est pas plat. Nous continuons à travailler de cette manière. Nous ajoutons également une couche plus foncée sur cette partie. Mais nous le faisons avec délicatesse. Si nous essayons de regarder l' œuvre les yeux mi-ouverts, nous pouvons mieux voir les couches que nous venons d'ajouter. Souvenez-vous de cet équilibre visuel dont nous avons parlé. Voici comment vérifier, y jeter un œil et voir si vous devez peut-être en ajouter un peu plus quelque part. Nous devons travailler sur différentes pièces juste pour leur permettre de sécher également. Donc, si vous travaillez sur une pièce et que vous passez à la suivante, vous laissez la première partie sécher. Nous pouvons observer notre arbre sur le chemin ou différentes marques sont en train de sécher. Cela nous permet de poursuivre sur cette lancée et d'ajouter plus de détails. Je garde mon poignet léger. Ici. Comme vous pouvez le constater, la source de lumière se trouve dans le coin supérieur gauche de l'arbre. Nous ajoutons donc les couches d'ombrage en conséquence et plus vers la droite. J'observe simplement mon modèle et j'observe mon image. Nous devons ajouter quelques touches de couleur supplémentaires sur cette partie. Habillé comme ça. Ce sont des gestes très rapides. J'ai ajouté de l'eau et de la couleur à mon pinceau et j' applique ces détails ici. Ne laissez pas les coins de votre travail intacts. Ajoutez les détails nécessaires pour compléter votre image, au moins pour créer visuellement ce sentiment d'unité. Et ce n'est pas qu'il ait été oublié. J'essaie juste de m'assurer que toutes les lignes sont bien connectées. Je voudrais compléter un peu ce premier plan. Maintenant, en ajoutant ces simples touches de notre pinceau comme ceci, nous pouvons terminer le travail. Du moins sur ce point. Nous devons ajouter une autre couche sombre sur cette partie ici. Et nous le faisons avec soin. Parce que nous pouvons voir cette accentuation légèrement dans le modèle. Nous voulons ajouter ce détail. Nous devons garder à l'esprit que les couches d'ombrage foncées ne sont généralement pas ajoutées à la fin des objets de ce type. L'extrémité d'un objet est plus claire. Vous retirez donc votre pinceau de la page. Nous ajoutons des couches inutiles ici sous la corde. Par une simple ligne, nous ajoutons plus de détails sur cette partie. Nous répétons le même processus. Nous voulons également créer un équilibre et une distance. Il y a toujours une distance entre les parties sombres, comme celles que nous avons ajoutées sur ces parties. Nous gardons certaines parties plus claires entre les couches, bien sûr, les couches les plus sombres. Pour rendre justice à chaque partie. Nous ajoutons ici une couche sombre continue sur ces pièces. Si nous ne créons pas ce type d'équilibre visuel, nous perdons le sentiment de rendre l'image plus réaliste. Il suffit d'ajouter quelques détails plus sombres ici et là. Je prends mon temps rien qu'à observer mon image. Nous devons ajouter une petite couche plus foncée ici. Nous voulons simplement regarder notre image et couvrir les bords pour voir à quoi elle ressemble. Nous observons le travail et ajoutons les détails nécessaires sur différentes pièces, non sur une seule pièce. Donc, si vous avez besoin de détourner le regard , puis de revenir regarder votre image, c'est aussi une option. Habituellement, le processus de finition d'une image peut prendre beaucoup de temps d' un artiste à l'autre. Parce qu'il est parfois difficile de décider qu'une image est terminée, qu'elle est terminée. Connaître plus de détails est nécessaire. Et cela dépend de la meilleure statique que vous préférez, quantité d' obscurité que vous préférez. Ce sont donc toutes des questions qui s'adressent à chaque artiste. Cependant, notre travail est pour l' essentiel terminé sur ce point. Il y a des parties que nous laissons intactes. Nous en avons fini avec eux et cela ajoute à la beauté de l'œuvre. S'il manque des détails ou si vous pensez qu'ils compléteront vraiment votre image, je les ajouterais. L'essentiel est d'observer notre travail, d'observer notre dessin et de pratiquer, bien sûr, de continuer à pratiquer. Appréciez le processus, jouez avec votre médium. Des accidents heureux se produisent et ils nous apprennent que c' cela qui crée ce coup de pinceau, par exemple, mais l'idée est simplement s'arrêter et de regarder souvent notre image. Et ce que nous avons créé. Ici, nous avons également cet arrière-plan terminé qui crée la base de notre image et c'est complet. Merci de vous joindre à moi aujourd'hui. J'espère que vous avez apprécié le tutoriel d' aujourd'hui et à la prochaine fois. 16. Œuvre complète de porte: Bonjour. Bienvenue dans un autre tutoriel d'aquarelle. Nous allons créer une aquarelle représentant un escalier. Commençons par dessiner notre esquisse de base à l'aide d'un crayon mécanique. Utilisez vos ressources téléchargeables. Ils disposeront de toutes les informations nécessaires pour chaque tutoriel. Avec tous les détails sur la palette de couleurs que nous allons utiliser, les matériaux et toutes les informations nécessaires, y compris la création du croquis pour notre modèle et les grilles nécessaires. Prenez le temps de créer le croquis. Nous voulons créer le croquis avec une pression très légère. Si vos lignes ont tendance à être un peu plus sombres que nécessaire, il suffit de les effacer et de recommencer. Nous voulons indiquer dans notre croquis tous les détails nécessaires pour savoir où doivent se trouver les reflets, afin de nous assurer de ne pas y ajouter de couleur. Et tous les détails sur la direction que prendront les ombres. N'oubliez pas que ce croquis n' est qu'un guide, mais qu'il doit contenir tous les détails nécessaires pour que, lorsque nous appliquons notre couleur, nous ne manquions aucun des détails qui rendent notre dessin tellement plus intéressant beau et ajoute à sa profondeur de perception. Si vous avez déjà fait votre croquis, vous pouvez avancer de deux minutes huit, où nous commencerons à travailler avec nos aquarelles. Prends ton temps. Continuez à observer l'image de votre modèle. votre image modale qui contient C'est votre image modale qui contient le plus d'informations en ce qui concerne les ombres, les reflets et les lignes que vous dessinez. Si, à un moment donné, vous ne savez pas quoi faire sur une certaine partie. Suis juste mon exemple. Imite mon dessin. Assurez-vous de dessiner le plus légèrement possible. Notre esquisse de base est notre ligne directrice lorsque nous commençons à colorier notre dessin. Je continue de regarder l'image de mon modèle juste pour m'assurer saisir les détails tels que je les vois et de ne manquer aucun détail. Comme mentionné précédemment, utilisez votre esquisse de base pour ajouter autant de détails que vous le souhaitez, indiquant où se trouvent les ombres, quels sont les reflets, lesquels doivent éviter et conserver le blanc du page. Pour ajouter tous les éléments de notre dessin. Ne vous inquiétez pas si vous devez effacer plusieurs fois, apportez des corrections plusieurs fois. C'est tout à fait normal. Prenez le temps de créer votre esquisse de base. Vous pouvez mettre la vidéo en pause, revenir en arrière plusieurs fois. Un exercice que vous pourriez faire pour vous entraîner et améliorer votre dessin est de dessiner sur un, avec un chronomètre activé, qui vous permet d' être rapide et de sélectionner les lignes les plus importantes afin de montrer votre dessin. Et cela nous aide à améliorer nos esquisses ou notre visualisation des proportions. Je suis juste en train de m'assurer d'ajouter les détails sur mon dessin. Prenez le temps de regarder votre croquis jusqu'à présent voir tous les éléments que vous avez ajoutés et comparer à l'image de votre modèle. Juste pour prendre un moment pour le regarder d' œil neuf et peut-être vérifier ce qui pourrait manquer. Prends ton temps. OK, maintenant que nous avons fait notre esquisse générale, commençons par nos techniques d'aquarelle. Nous allons commencer par utiliser une technique sèche. Nous mélangeons nos combinaisons de couleurs ici, en bouche. Et encore une fois, n'oubliez pas que toutes les couleurs que nous allons utiliser sont répertoriées dans vos ressources téléchargeables pour ce didacticiel. Si vous avez besoin d'un peu de temps pour mélanger vos couleurs, mettez la vidéo en pause, créez vos combinaisons de couleurs puis rejouez, et nous continuons ensemble. Nous allons commencer par utiliser un peu de bleu et un peu de brun. Nous pouvons peindre les parties sombres lorsque nous travaillons avec une technique sèche, car cela ne salira pas les pièces claires. Cela conservera la texture de la page. Il s'agit d'une technique humide sur sèche car nos couleurs sont un peu humides avec l'eau et notre page est sèche. À l'aide de mon sabre. Je commence à appliquer mes couleurs. Assurez-vous que votre modèle peut être vu confortablement. Continuez à regarder votre échantillon. Utiliser votre croquis comme ligne directrice. Et en regardant votre échantillon, vous commencez à appliquer les ombres en conséquence. Remarquez à quel point je tiens mon sabre de près. Nous voulons être intentionnels quant à endroit où nous plaçons nos couleurs ici. Si tu as besoin d'un peu d'eau. Ajoutez-en un peu à votre pinceau, mais en très petite quantité. Nous dessinons un Bannister en ce moment. Nous dessinons en quelque sorte à l'aquarelle. Parce que nos pages assèchent nos couleurs. Nous restons vraiment attachés à la page tout de suite. Ce n'est pas une surface mouillée. C'est pourquoi nous devons faire attention à endroit où nous appliquons nos couleurs. Nous ajouterons de l'eau, mais plus tard dans le processus, nous utiliserons la texture de la surface ou du papier sur lequel nous dessinons. À notre avantage. S'il y a une texture, nous voulons connaître l'application de notre pinceau dessus, quel effet il produit. Si vous devez vous entraîner sur une page séparée juste pour vous en faire une idée, allez-y. Mais alors que nous ajoutons les détails des ombres à notre dessin, l'important est de ne pas ajouter de couleur aux reflets. Vous voulez que les parties blanches restent les parties blanches du papier. Vous ne voulez pas perdre de vue la luminosité de ces reflets. Ils sont tout aussi puissants que les contours et les ombres que nous allons créer. Nous conservons ces parties blanches pour leur donner forme. Nous donnons l'impression d'une image plus réaliste. En fin de compte, nous essayons de donner quelques détails à ces escaliers, les lignes diagonales ici. Prenez le temps d' observer votre image. Nos dessins ne ressembleront pas à l'image à laquelle nous faisons référence. Mais l'idée est de pouvoir détecter où se trouvent les ombres, où se trouvent les reflets. Notre propre image a sa propre beauté. Prenez l'habitude de vous arrêter toutes les quelques minutes. Tirez la tête en arrière, regardez le dessin que vous créez. Ne nous laissons pas emporter par le simple fait de remplir, de remplir le croquis que nous avons créé. Nous voulons garder un œil sur les ombres et les reflets. Appliquez vos lignes dans la direction de l'objet que vous peignez. Si nous voulons très bien montrer la perspective des escaliers, nous devons les dessiner correctement. Et il ne s'agit pas d' une mesure précise, mais d'une question de perspective et de proportion. Pour être en mesure de voir visuellement vous regardez votre modèle, regardez votre dessin, par exemple, assurez-vous que les distances entre chaque étape sont logiques, visuellement logiques, qu'elles ont l'air équilibrés, qu'aucun d'entre eux ne se regarde trop près l' l' autre dans cette perspective. Ou peut-être trop loin. Si vous avez besoin d'un ton plus clair à tout moment, vous suffit d'ajouter un peu d'eau. Nous devons simplement faire attention en permanence et à des ombres et des reflets considérables. Remarquez comment, à l'extérieur de l'escalier, mes lignes sont verticales. Ils ne sont pas horizontaux comme je les ai dessinés sur les escaliers, les marches. Remarquez que ma vitesse est moyenne. Je ne travaille pas trop vite. Je suis plus détendue car il s'agit d'une technique humide sur sec. S'il s'agissait d'une technique humide sur mouillée, je devrais être rapide et précise et choisir le bon moment pour arrêter et laisser sécher les couches. Mais voici mes couleurs, je dois faire attention à ce que mes couleurs soient claires. Appliquez-les aux bons endroits. Assurez-vous qu'ils sont secs avant que je passe mon poignet dessus. Comme on peut le voir ici, la couleur de notre pinceau devient de moins en moins claire. Cela peut être une bonne caractéristique pour montrer les nuances et l'humidité. Alors ne mouillez pas encore le pinceau. Nous devons créer une vue générale ou un croquis. Ensuite, nous utiliserons de l'eau pour mouiller à nouveau notre pinceau et le rendre plus humide afin de montrer plus de contraste et d'ajouter plus de détails. Et efforcez-vous de maintenir l' équilibre des points de vue de tous les côtés. Nous voulons continuer à créer ces couches et à travailler sur l'aspect réaliste de celles-ci. Comme mentionné précédemment, n'ajoutez pas encore d'eau à votre robe en brosse. Utilisez cette humidité très minimale pour ajouter ces détails très légers. Parce qu'à ce stade, notre pinceau a peu de couleur et peu d'eau. Nous voulons appliquer ici les lignes les plus claires. Cela crée donc cette toute petite tonalité entre les colonnes, par exemple en haut des escaliers, ces lignes latérales. Maintenant, j'ai ajouté un peu d'eau juste pour l'assombrir. Le mur extérieur de l'escalier. Je mélange un peu plus de couleur, bien sûr, de la couleur humide. Et j'applique mon ombre ici. J'ai mélangé une teinte viridienne et j'adore le feu vert. Encore une fois, il s'agit d'un mélange aqueux afin de garder mes couleurs claires. Et pour conserver cette esthétique, cette esthétique légère. Mais je continue à obtenir les ombres dont j'ai besoin. Et remarquez le changement de ton de couleur. Nous voulons utiliser notre pinceau dans toutes les directions nécessaires. J'utilise donc le côté de mon pinceau pour faire glisser la couleur horizontalement. Cela indique le terrain. J'ai ajouté mon ombre et cette petite entrée ici. J'y ajoute un peu plus de couleur. Juste pour donner un peu plus de détails. Mélanger un peu plus de couleur. Je vais y ajouter cette ombre. Placer nos ombres aux bons endroits. Et le fait de s'assurer que les reflets sont toujours présents et accentués augmente la profondeur de perception de notre image. Il devient plus riche et paraît plus naturel et plus réaliste. Il y a aussi une ombre là-haut. Je veux conserver l'esthétique, l'esthétique des escaliers ici. Avec un papier de soie. J'ai retiré une partie de la couleur car elle était un peu trop forte. Remarquez que l'intérieur de cette ouverture plus foncée, l'ouverture incurvée, reste plus sombre parce qu'elle a pu sécher un peu. Nous continuons à observer notre modèle et à ajouter nos détails. N'hésitez pas à m'envoyer toutes les questions que vous pourriez avoir. Vous pouvez également m'envoyer vos dessins définitifs si vous le souhaitez. Je suis plus qu'heureuse de partager quelques commentaires, peut-être quelques conseils. Une autre façon de voir comment j' ai construit une image est de la prendre photo à différentes étapes de la réalisation de mon dessin. Je suis capable de voir visuellement s'il y a un déséquilibre, s'il y a des parties sur lesquelles j'ai travaillé plus que d'autres. Sur quoi me concentrer, peut-être la prochaine fois que je mettrai en pratique des idées, plus nous pratiquerons, plus nous connaîtrons le médium et plus notre confiance en nous augmentera. C'est pourquoi notre application s'agrandit. Remarquez comment les pièces sèchent à différents endroits, que ce soit dans les escaliers ou sous les escaliers. Nous créons maintenant la porte en haut de l'escalier. Nous avons créé le plan ici. Nous voulons combler ce mur. Nous voulons montrer à la perspective qu'il y a un mur à cet endroit. Maintenant, pour créer la porte elle-même, nous devons mélanger l' orange et le marron. La façon dont nous allons appliquer notre couleur ici est de l'ajouter à l'aide d'une technique de coloration. L'idée est d'utiliser cette technique pour faire ressortir la texture de la porte ou pour accentuer une texture de la porte. Vous pouvez désormais obtenir de la texture en profitant principalement du vert de votre papier ou de votre carton. Mouillez votre couleur et appliquez votre couleur. Vous pouvez obtenir cette texture que nous voyons ici sur le mur. Je m' assure d'appliquer ma couleur aux bons endroits. Il faut lui donner du temps. Maintenant, le papier doit sécher, il doit absorber la couleur. En ce qui concerne notre application de la porte et du mur, bien qu'ils soient de couleurs différentes, leur application est un peu différente. Le mélange eau/couleur de la porte était plus faible. Même si le mur était orange et brun, il y avait une plus grande quantité d'eau dedans. Mais ils sont à la fois verticaux et ascendants, ils peuvent donc facilement se mélanger. Nous devons donc simplement le laisser sécher et continuer à travailler sur une autre pièce. Nous avons ajouté un peu plus d'eau et de couleur à notre pinceau ici. Et nous travaillons sur les marches de l'escalier. Nous voulons ajouter plus de contraste. Continuons à travailler avec toutes les techniques que nous avons utilisées jusqu'à présent. Nous devons faire attention à l'endroit où nous appliquons nos ombres. Nous devons éviter les reflets et les laisser blancs afin pouvoir leur ajouter une tonalité très claire plus tard. Et nous voulons continuer à ajouter ces contours plus foncés très soigneusement aux bons endroits. Je vais franchir cette ombre sous les escaliers. Maintenant, j'applique davantage de lignes ombrées là où c'est nécessaire. Ajoutez de l'eau à vos lignes plus foncées si vous souhaitez les éclaircir ou étendre leur ombre. Si vous n'êtes pas sûr à tout moment de la marche à suivre, suivez mon exemple. Nous montrons le bord clair du toit comme ceci. Nous l'assombrissons afin de créer une telle forme d'arc. La règle la plus importante est de continuer à observer votre modèle. L'image de votre modèle contient le plus d'informations. En ce qui concerne les ombres, les tons clairs, ce qui doit être plus foncé, ce qui doit rester blanc sur la page. Ajoutez ces lignes verticales ici. Utilisez la pointe de votre pinceau pour obtenir des détails délicats ou des détails plus précis ou spécifiques. J'utilise mon mouchoir ici pour enlever une partie de la couleur. N'oubliez pas que vous pouvez refaire n'importe quelle partie plusieurs fois, c'est tout à fait normal et correct. Assurez-vous simplement que votre page sèche avant de travailler à nouveau dessus. Vous souhaitez ajouter de l'ombrage dans ces parties ici. N'hésitez pas à me faire part de vos dessins. Je suis plus qu'heureuse de vous faire part de mes commentaires. Maintenant, nous le laissons sécher. Ensuite, nous allons utiliser notre brosse sèche pour ces pièces. Nous utilisons notre brosse sèche afin d'obtenir plus de détails. Nous devons faire attention à l' endroit où nous appliquons notre couleur, car elle est sèche adhère donc parfaitement au papier. Il devient difficile d'apporter des modifications. N'hésitez pas à m'envoyer toutes les questions que vous pourriez avoir en cours de route. Je suis là pour vous aider à ajouter ces détails ici, les lignes contrastantes. Ils apportent une profondeur de perception à notre travail. Ils apportent également de la clarté aux différents éléments de l'œuvre. Lorsque nous ombrageons ces parties, cela rend l'œuvre plus belle car nous pouvons en voir plus. Assurez-vous que votre poignet est léger. Vous n'exercez pas beaucoup de pression sur votre page. Continuez à observer l'image de votre modèle. J'ai appliqué de l'eau ici juste pour ajouter cette zone ombragée. Sont des zones ombragées. Restez concentré pendant que vous travaillez sur des parties plus détaillées et prenez votre temps. Le tracé des lignes et de la surface dépend de nous et de notre expérience. Nous devons prendre en compte le modèle, l'image de notre modèle. Et nous devons également tenir compte de notre propre style. Nous devrions essayer différentes techniques, comme la technique sèche. Ou technique humide sur mouillé. Juste pour savoir lequel nous convient le mieux. Quelle est la technique qui vous permet d' être plus créatif ou d'apprécier le processus. Et ne vous inquiétez pas si vous faites des erreurs et que vous manquez peut-être votre dessin. C'est tout à fait normal que cela se produise. Et ces erreurs peuvent nous aider à mieux apprendre et à améliorer notre expérience. Maintenant, je vais mouiller cette partie. Il s'agit donc d'une deuxième couche sur les détails que j'ai appliquée avec un pinceau sec. C'est pourquoi il est important de vous assurer que vos couches sont sèches avant les recouvrir d' une autre couche humide afin qu'elles restent en place. Si vous avez besoin d'une pause dans votre travail artistique, prenez un moment et détournez le regard. Puis repensez à votre travail avec un regard neuf. Juste pour remarquer ce qui pourrait manquer. Nous continuons à ajouter de l' ombrage sur notre porte ici. Et nous pouvons estomper cette partie afin d'avoir une meilleure profondeur. Vous devez continuer à ajouter ces lignes contrastantes et à ombrer les différents éléments. Nous devons examiner l'ensemble du dessin l'évaluer et l'analyser. Nous devons assombrir la prochaine partie. Nous combinons le marron et le bleu afin d'avoir une couleur de tonalité vert foncé et bleuâtre. Vous devez vous entraîner à contrôler l'humidité de votre brosse. Plus vous vous entraînez à contrôler vos aquarelles, les sécher sur les surfaces de mariage, à appliquer de la couleur , plus vous devenez confiant meilleurs seront vos résultats. Je travaille sur les parties les plus sombres ici. Cet espace situé sous les escaliers est également l'une des parties les plus sombres. Nous utilisons toujours une autre tonalité dans la partie ombrée ou une tonalité foncée afin de ne pas être d'un noir absolu ou très foncé. C'est donc bien de le donner à. différentes nuances sont deux tonalités différentes. Au moins. Séchez notre pinceau ici et nous l' utilisons pour la surface des balustrades afin de montrer sa texture en flocons. La texture de cette pièce est différente de celle des parties humides, nous utilisons donc un pinceau sec. Il est important d'examiner l'œuvre d'art dans son ensemble. Prenez note des points forts. Et juste pour savoir s'il manque quelque chose, R peut être ajouté. J'ajoute les détails, comme je l'ai dit, voyez-les. Nous devons passer en revue toutes les parties de nos œuvres d'art. Prenez votre temps et donnez aux différentes pièces une chance de sécher. Utilisez également votre mouchoir pour contrôler vos aquarelles. Nous utilisons un pinceau plus humide afin de créer des ombres ou des zones ombragées un peu plus claires. Nous appliquons également plus de couleur et un peu de pinceau sec. Lorsque nous voulons créer des lignes audacieuses. Nous voulons travailler sur ces pièces avec soin afin de ne pas abîmer les parties blanches. Il y a certaines parties claires, comme les lignes blanches, dont vous ne voulez pas vous débarrasser. Vous voulez vous assurer qu'ils restent. Ne retirez donc pas ces parties claires et blanches à cette étape, afin qu'elles ne soient pas toutes colorées. Vous voulez vous assurer que les étapes sont bien distinguées. Et cela ne se produit qu'avec une combinaison des lignes contrastantes, mais aussi des reflets. Nous allons maintenant ajouter des couleurs chaudes avec un autre pinceau. Nous allons utiliser une couleur marron et orange. Nous créons la combinaison de couleurs. Et puis nous commençons à l'appliquer. Ici, j'utilise un stylo. Un stylo vous permet de libérer de l'eau lorsque vous en avez besoin. Et c'est à vous d' ajouter plus de couleur. Prends ton temps. Maintenant, souvenez-vous nous voulons des parties blanches aux bons endroits. Mais si nous laissons toutes les parties blanches très larges, notre travail n'aura pas l' air vraiment harmonieux. Ils doivent avoir une teinte ou une tonalité très claire dans certaines parties. C'est quelque chose que vous pratiquez ou que vous vous efforcez améliorer au fur et à mesure que vous pratiquez et utilisez des aquarelles. Continuez à observer l'image de votre modèle. N'hésitez pas à partager avec moi vos dessins ou aquarelles à tout moment, je serais ravie de vous faire part de vos commentaires, peut-être d' en discuter. Je suis là pour t'aider. Aujourd'hui, l'aquarelle a sa propre esthétique. C'est une esthétique un peu floue. Il possède également cette esthétique de tache d'eau et c'est juste quelque chose que nous devons accepter. Et évidemment, si nous utilisons ce médium, nous devons en trouver la beauté et travailler dans respect de son esthétique. Continuez à observer l'image de votre modèle ainsi que vos propres œuvres d'art. Passez en revue autant de détails que vous le souhaitez. L'ajout de détails aux différentes parties de votre œuvre d'art dépend vraiment de vous. Si vous préférez que la deuxième fenêtre sur la gauche reste vraiment effacée sans aucun détail, ce n'est pas grave. Maintenant, nous partageons cette partie ici. D'accord. J'espère que vous avez apprécié colorier cette image à l'aquarelle. Également. J'espère que l'utilisation du pinceau a été très utile car elle nous permet d'ajouter tous ces détails et de réduire le contact avec notre page. Maintenant, nous utilisons à nouveau notre sabre. Nous devons légèrement ombrer cette partie ici . Remarquez les couleurs que nous avons eues sur notre palais. Ils peuvent sécher et nous pouvons y ajouter de l'eau et les réactiver ou leur ajouter plus de couleur et les réactiver au fur et à mesure. Dans notre dessin à l'aquarelle. Nous allons maintenant commencer à utiliser la technique humide sur sol mouillé. Nous avons donc appliqué de l'eau sur notre page. Nous avons également de l'eau sur notre pinceau coloré. Et cette technique n'est pas facile. Mais cela ne signifie pas que nous ne sommes pas en mesure d'y parvenir. Le mélange est ici du bleu viridien et du vert Hooker. Et nous devons simplement continuer à pratiquer avec la technique «  mouillé sur mouillé ». L'idée est de contrôler, de contrôler l'eau et de contrôler l'orientation de la couleur. Ajouter de l'eau à notre pinceau ou à notre page nous donne plus d'ombres. Cela permet à la couleur de s' accumuler à certains endroits. Vous pouvez donc atteindre cette obscurité d'une manière différente. Nous avons donc atteint l'ensemble de ce bloc. Nous avons rassemblé tout cet espace, mais nous lui avons donné plusieurs surfaces en appliquant plusieurs couches. Souvenez-vous, tout comme j'ai travaillé sur la partie en bas à droite. Ensuite, je l'ai laissé sécher et je suis allée travailler sur la gauche, sur le côté gauche de la partie inférieure de notre dessin. Maintenant, je les laisse à la fois secs et avec une plus grande quantité de couleur sur mon pinceau ici. J'y vais pour ajouter les détails les plus sombres. Le noir, c'est les détails. Ce sont les grandes lignes. Ils vont apporter de la vraie richesse, mais nous ne pouvons pas avoir beaucoup d'eau sur nos pinceaux. Nous devons être très précis et intentionnels quant à l'endroit où nous les plaçons. Remarquez donc, par exemple sur cette main courante ici, le surlignage au milieu des deux lignes que j'ai créées. En haut des colonnes, il y a un point surligné que j'ai laissé. Les reflets sont habillés avec autant de force que mes lignes sombres. Prends ton temps. Observez votre image, observez votre modèle. J'utilise mon pinceau ici parce que je veux, je veux obtenir ces détails. Le pinceau est rempli d'eau, il contient de l'eau pour que vous puissiez prendre directement de la couleur et il sera automatiquement mélangé à un peu d'eau pour vous. Mais l'idée de ce pinceau est plus de contrôle et donc plus de détails. Ou un détail plus précis. Assurez-vous que la position de votre poignet n' affecte pas votre dessin. Observez votre modèle et ajoutez ces détails. Comme je l'ai déjà mentionné. Toutes les quelques minutes, prenez un moment pour reculer la tête. Regardez le dessin que vous avez créé jusqu'à présent. Et étudiez visuellement l'équilibre. Est-ce que mon dessin à l'aquarelle a l'air harmonieux, a-t-il l'air harmonieux ? Certaines parties semblent-elles incompatibles avec d'autres en termes d'application ? Où dois-je ajouter mes contours, mes formes les plus sombres ? Nous continuons à faire référence à notre modèle parce qu'il nous donne des indices pour où se situent tous ces points forts et les détails que nous pourrions manquer. Ce n'est pas pour que notre dessin à l'aquarelle ressemble exactement à notre modèle. Ce n'est pas l'idée. C'est le fait que notre dessin est peut-être encore plus beau que le modèle. Mais nous devons y travailler et l'examiner séparément. Mais notre modèle existe également. Guide et référence en tant que tels, c'est notre référence. Il nous indique où doivent se trouver les ombres. Nous voulons que notre image reste réaliste et belle. Nous restons concentrés sur chaque élément sur lequel nous travaillons. Nous ajoutons tous les détails étape par étape. Il y a ici un petit aperçu que je dois présenter. Ces lignes détaillées ressemblent à la première colonne de l'étape inférieure. Ils créent une telle présence, surtout sur ce fond délavé des marches, marches, du style. La technique que nous avons utilisée pour les étapes est différente de cette très précise, petit détail du pinceau crée un très beau contraste. Remarquez la texture que nous avons sur la main courante. Nous voulons travailler sur tous les aspects. Il y a plus de ténèbres en haut des colonnes sur cette partie simplement parce qu'une ombre est projetée. De plus, nos mélanges de couleurs, si vous remarquez, les mélanges que nous avons créés évitent toute netteté inutile liée à l'utilisation d' une couleur noire parce que je suis de couleur noire, pas seulement elle, non seulement elle contamine les autres couleurs plus claires, mais elle est trop dure, surtout dans les dessins à l'aquarelle où esthétique du style trouble apparaît. Vous voulez donc que vos ombres soient les parties les plus sombres , que les détails les plus sombres soient sombres, mais pas noirs. Ils ont l'air plus olive, plus brunâtres, plus bleutés, plus froids, plus chauds. Donc, tous ces détails, nous avons quelques lignes éparses ici. Nous les ajoutons simplement tels que nous les voyons. N'oubliez pas de me faire part toutes les questions que vous pourriez avoir en cours de route. Partagez même avec moi vos dessins. Et aussi, si vous en avez, si vous pratiquez beaucoup un médium, vous continuez à jouer, vous l' abordez de manière détendue et vous êtes joueur également. Nous finissons par en découvrir beaucoup plus sur le médium, mais aussi sur notre propre sens du style. Qu'est-ce qui est plus confortable pour nous ? Qu'est-ce qui est plus confortable ? C'est aussi plus esthétique. Mais plus vous vous entraînez, plus vous découvrirez ces détails. J'essaie de passer en revue tous les détails entre les colonnes, juste pour terminer les étapes et leur donner la définition dont ils ont besoin. J'ai toujours peur de passer à côté certains détails parce que je suis trop concentré sur une partie. Je trouve l'aquarelle ou le fait d'être prise en nuançant ou en estompant les tonalités que j'ai créées. Cela devient méditatif pour moi, je prendre et j'ai oublié de regarder mon modèle. Et j'oublie de regarder les détails. Et je travaille en me basant sur les informations que j'ai en tête selon lesquelles j'ai une idée de ce à quoi ressemblent les escaliers, mais nous devons éviter cela et continuer à examiner notre modèle. ajoute quelques détails supplémentaires à ma porte ici. Ces lignes délicates, si vous avez créé des lignes pour une marche , veillez à les appliquer à tous les escaliers. Vérifiez où vous pouvez voir ces lignes ailleurs. Tout comme nous avons créé les grandes lignes de la porte. Nous y sommes allés et nous avons ajouté ces informations. Je retourne travailler à la porte d'ici. Je cherche juste un peu plus de couleur. Et je vais passer cette deuxième porte. Nous voulons afficher et spécifier les fenêtres. J'aime beaucoup le pinceau à stylo. Cela permet de tels détails. Même si, à distance, vous ne remarquerez peut-être pas ces petites lignes, mais toute la texture change complètement. Nous donnons de plus en plus de détails sur les fenêtres d'ici. Juste pour avoir tout le terrain. Je travaille sur le cadre de la porte. Nous devons nous assurer d'appliquer les lignes exactement là où elles doivent être et pas plus épaisses que ce que nous pensons qu'elles doivent être alors, car nous les considérons comme délicates car elles impliquent perspective. Qu'il s'agisse de lignes horizontales, verticales ou diagonales, cette perspective est très importante. Donc, cette ligne qui passe horizontalement entre les portes et le mur et maintenant les lignes verticales sont très importantes. Ils impliquent la verticalité du bâtiment. Ils ne sont pas non plus horizontaux tout comme ils sont diagonaux. Cette orientation est très importante. Avec le pinceau à stylo. La technique est plus sèche que les autres techniques que nous avons utilisées. Nous devons donc être plus prudents, surtout si notre page est sèche pour qu'elle prenne immédiatement la couleur. Ou en ajoutant un autre élément ici. Remarquez la texture créée avec ces lignes. J'ai laissé la partie inférieure de mon dessin sécher complètement. Maintenant, j'ajoute mes coordonnées ici. J'ai travaillé sur les portes de gauche à droite juste pour éviter mon poignet ne passe par-dessus une porte de droite si j' étais parti de là. Vous devez vous assurer que cette ligne traverse ce mur horizontalement, légèrement en diagonale. Vous voulez vous assurer que cette perspective est maintenue. Avec ce pinceau à stylo. Je suis capable de créer ces petites lignes les unes à côté des autres. Ce sont des écloseries. J'observe simplement mon modèle et j'applique mes lignes telles que je les vois. Et en gardant à l'esprit les reflets et les parties qui ne devraient pas avoir de couleur. N'oubliez pas de vous arrêter toutes les quelques minutes et de regarder votre dessin. Tirez la tête en arrière. Prenez peut-être quelques minutes pour détourner le regard. Prenez une collation, revenez et jetez un œil au dessin que vous avez créé jusqu'à présent. Nous recherchons visuellement l'harmonie entre toutes les techniques que nous avons créées. Nous voulons, nous voulons que chaque élément de notre dessin ait l'impression qu'il appartient tous à ce dessin. S'il y a quelque chose qui ressort trop, soit très sombre, soit l'ombrage est un peu trop prononcé, ou peut-être que le point le plus clair est trop blanc. Nous voulons passer en revue cela. Mais pour pouvoir le voir, nous devons prendre un moment pour détourner le regard, regarder en arrière notre dessin et voir où se situe le déséquilibre. S'il y en a. Nous allons utiliser un peu de couleur orange et marron pour, pour la teinte de cette partie ici. Remarquez comment appliquer une teinte au-dessus de ces petites lignes verticales ou même une ligne foncée au-dessus de cette partie trouble du mur. Il reste encore très visible car nous l'avons laissé frire. Nous travaillons maintenant sur le revêtement de sol, le terrazzo. L'ensemble de l'image doit être complète. Nous voulons travailler sur l'environnement dans son ensemble. Dans l'ensemble. Nous ne devrions pas avoir peur lorsque nous travaillons à l'aquarelle. Vous voulez simplement être à l'aise et détendu. Son style est très libre. Et oui, nous avons appliqué de nombreuses lignes très détaillées. Mais en fin de compte, parce que nous y regardons de si près, nous avons tendance à oublier que ce style possède une esthétique très belle et décontractée. C'est nuageux, c'est meuble, c'est délicat. Et plus nous pratiquons, mieux nous atteignons toutes ces qualités. Mais si ce n'est pas comme prévu ou s'il n'est pas aussi bon que nous le souhaiterions. Ne laissez pas cela vous décourager ou vous empêcher de vous entraîner , d'essayer et de commettre des erreurs. Parce que la réalité, c'est que plus on joue avec un médium et qu' on en apprend davantage sur le médium lui-même, son propre style. Mais tu commets aussi des erreurs heureuses. Par exemple, il se peut que vous utilisiez un certain outil, puis que vous l' appliquiez avec une certaine pression ou dans une certaine direction. Et puis tu te rends compte, oh, je ne savais pas que cela pouvait créer cet effet. Ces heureux accidents sont une bonne chose. Nous avons tendance à apprendre beaucoup d'eux. Je prends juste une fraction de seconde pour sécher mon pinceau, prendre un peu plus de couleur et effacer cette partie foncée ici. Sur la balustrade. Ce noir n'était pas noir, mais cette partie sombre était trop foncée. Je voulais le modérer. Je voudrais passer en revue tous les détails. Nous allons maintenant peindre derrière les rampes. Faites attention aux points forts. Vous ne voulez pas recouvrir les parties blanches qui doivent rester blanches. Parce que sur une seule colonne de la balustrade, par exemple haut des escaliers. Il comporte des points forts et nous ne voulons pas aborder cette partie. Prenez note des combinaisons de couleurs que vous avez créées et l'effet qu'elles ont eu sur les autres couleurs lorsque vous les avez appliquées par-dessus. Encore une fois, nous combinons le marron et le bleu. Juste pour assombrir cette partie. Avoir une variété de tonalités qui vont de pair. Apportez simplement de la richesse à vos œuvres d'art. Ajoutez autant de détails que possible. C'est un très beau défi. Nous ne peignons pas le reste de la bannière ici. Comme nous le savons, nous dessinons simplement ces parties à l'aquarelle. Nous voulons ici impliquer l'ombrage, mais sans trop de détails. Maintenant, nous utilisons une brosse plus grande et nous assombrissons le toit. Prends ton temps. Ici. Nous allons utiliser notre sabre. Et c'est la majeure partie des broussailles qui assombrit le toit. Notre couleur est donc aqueuse. Nous avons ajouté deux couches afin voir comment elles se superposent. Doit être dans la perspective et dans la direction du bâtiment. Ici. J'ajoute un peu plus de tonalité aux portes et aux fenêtres. Nous voulons compléter l'ensemble du champ, l' ensemble de l'environnement du dessin. Tout comme nous l'avons fait sur le terrain. Maintenant, nous avons fait le toit. Nous ajoutons cette teinte très claire. Nous ne voulons pas que cela nuise aux détails que nous avons créés. C'est un ton beaucoup plus clair. Nous allons maintenant ajouter un peu plus, un peu plus d'ombres sur cette partie ici. J'ajoute donc un peu plus de couleur à mon pinceau. Et j' y ajoute l'ombre causée par le toit. Nous voulons être précis sur l'endroit où nous appliquons notre ombre. Nous voulons créer un avantage à cet égard. Il y a une ombre sur cette porte. Nous pouvons maintenant dessiner un arbre ou un buisson afin de rendre notre aquarelle finale plus belle. L'une des choses importantes est que nous voulons savoir quelle technique convient aux différents éléments. Nous devons donc apprendre à utiliser correctement la technique humide sur sec. Nous devrions nous entraîner davantage. Et tout simplement. Ne vous inquiétez pas, n'ayez pas peur du médium et ne vous laissez pas décourager. Créé. Faites toutes les erreurs, découvrez-en davantage, et c'est la meilleure façon de pratiquer et de réaliser ces techniques de manière plus belle et meilleure. Et cela renforce votre confiance en vous. J'ai ajouté de l'eau à mon pinceau. J'ajoute ces informations ici. Nous ne faisons qu' accentuer chaque élément. Nous voulons examiner notre point de vue et assurer qu'il est équilibré. On peut laver cette partie ici et la décolorer un peu plus juste là. En ajoutant simplement un peu d'eau, nous sommes en mesure de soulever certaines des parties les plus ombragées. Vous ne voulez pas appliquer trop de pression lorsque vous appliquez ce petit peu d' eau, car vous ne voulez pas perdre de vue les détails que vous avez déjà obtenus. Vous ajoutez simplement de plus en plus de contraste ici. Vous obtenez un contraste plus délicat et vous assemblez l'ensemble de l'image. Nous utilisons d' abord la technique sèche, puis pour créer une harmonie avec la technique humide et les lignes sèches. Faites donc attention à ces détails et à vos points forts. Le dessin est maintenant terminé. Merci de m'avoir rejoint. J'espère que cela vous a plu et à la prochaine fois. 17. Paysage urbain avec aquarelle et encre: Bonjour. Bienvenue dans un autre tutoriel. J'espère que tu vas bien. Aujourd'hui, nous allons utiliser l' aquarelle pour dessiner un canal à Venise. J'utilise un crayon ici pour dessiner mon croquis. Ce croquis est un croquis de base qui nous indiquera où nous allons appliquer nos aquarelles. Commençons par dessiner un croquis général. N'oubliez pas d'utiliser vos ressources téléchargeables. Ils disposeront de toutes les informations nécessaires et de ce dont vous avez besoin pour créer votre esquisse de base. Notre esquisse initiale peut indiquer la périphérie de notre œuvre, l'espacement, peut-être la forme générale de celle-ci. Et plus tard, nous entrerons dans les détails. Dessiner des bâtiments en général est une très bonne pratique. Il y a un pont ici. Prenez le temps de créer votre esquisse de base. Ce sera votre ligne directrice lorsque nous commencerons à ajouter des aquarelles. Ajoutez autant de détails que possible à votre esquisse de base. Vous pouvez même ajouter des hachures très claires pour indiquer les ombres. Il y a des pièces en bois dans l'eau et le reflet. Assurez-vous d'ajouter vos coordonnées très légèrement. Ils sont là pour vous guider et vous aider. Nous ne voulons tout simplement pas de lignes très sombres qui pourraient perturber votre peinture à l'aquarelle. Si vous ne savez pas à tout moment quoi faire dans une certaine partie ou comment dessiner quelque chose. Suis juste mon exemple. Imite mon dessin. Continuez à observer l'image de votre modèle. Il contient le plus d'informations pour vous. N'hésitez pas à m'envoyer toutes les questions que vous pourriez avoir en cours de route. Je suis là pour t'aider. Les bâtiments d' Italie et de Venise constituent une très bonne pratique pour travailler à aquarelle en raison des différentes textures et des différentes techniques d'aquarelle que nous pouvons appliquer. Utilisez vos ressources téléchargeables où toutes les informations sur chaque didacticiel sont disponibles. Pour que vous ayez accès aux informations sur la palette de couleurs, nous allons utiliser la grille avec laquelle vous pourrez dessiner votre croquis et tous les matériaux nécessaires. Nous n'ajoutons pas beaucoup de détails dans notre croquis, mais nous voulons indiquer où se trouvent les points forts, marquer les bâtiments, les reflets. Dans notre dessin actuel, la partie droite est plus foncée et présente des nuances, mais la partie gauche plus claire car le soleil brille dessus. Tout d'abord, nous allons utiliser des couleurs pures et claires. Il y a une couleur rose pour le mur ici. Assurez-vous d'avoir tout votre matériel à portée de main. Nous allons créer différentes combinaisons de couleurs. Pour réaliser notre dessin complet, nous devons avoir des mouchoirs propres, de l'eau propre. Prenez le temps de créer vos mélanges de couleurs. Ici, nous allons mélanger le rose et le rouge. Comme mentionné, nous avons un mur rosâtre. Nous ajoutons un peu d' eau à notre pinceau. Et l'aérographe est un sabre. Et nous commençons. N' oubliez pas de surveiller où se trouvent les reflets, les parties complètement blanches. Ils sont le blanc de la page. Il y a différentes lignes blanches à travers les bâtiments. C'est pourquoi nous indiquons certains détails sur notre croquis et en quoi ils nous servent de lignes directrices lorsque nous appliquons notre aquarelle. Nous utilisons ici une teinte rouge alizarine. La concentration de couleur est très faible. Nous voulons toujours partir les plus claires aux couleurs les plus foncées. Enlevez la couleur de votre page avec un mouchoir, comme je l'ai fait en ce moment. Vous n'avez pas besoin d'appliquer beaucoup de pression lorsque vous placez le mouchoir sur votre page. N'hésitez pas à m'envoyer toutes les questions que vous pourriez avoir en cours de route. Vous êtes également plus que bienvenu pour partager avec moi vos dessins finaux. Je suis très heureuse de partager avec vous quelques commentaires, quelques conseils. La couleur la plus claire est lorsque nous esquissons essentiellement avec notre aquarelle à ce stade, mieux c'est. Parce que nous pouvons facilement rendre notre dessin plus, plus ombragé ou plus sombre. Au fur et à mesure que nous progressons dans notre dessin. N'oubliez pas de garder un œil sur les points forts. Nous voulons qu'ils soient intacts. Même si nous allons ajouter une ombre ou une tonalité très légère. Mais plus tard dans le dessin, pour l'instant, vous devez les laisser aussi clairs que possible. J'utilise une Sienne crue ici. Comme vous pouvez le constater d'après le mélange que j'ai fait sur ma palette et mon application, il y a une plus grande concentration de couleur sur mon pinceau. Assurez-vous de pouvoir voir confortablement votre modèle. Continuez à regarder votre modèle. Toutes les quelques minutes. Prenez un moment, tirez la tête en arrière et regardez le dessin que vous êtes en train de créer. Plus nous examinons notre image et notre modèle, plus nous comprenons où se situent les reflets, où doivent se trouver les ombres et comment progresser visuellement. Ou en ajoutant les détails tels que nous les voyons. Plus nous travaillons sur cette partie, plus nous précisons les fenêtres et les lignes entre elles. Ces lignes blanches ou séparations sont les points forts mais aussi l'élément qui va faire ressortir ces fenêtres. Reprenez leur forme. Et nous aurons une meilleure idée des endroits où appliquer également nos ombres autour de ces reflets. Nous voulons nous assurer que nos couleurs sont appliquées dans la bonne direction. Je garde mon poignet léger. Et continuez à travailler avec votre brosse sans ajouter trop d'eau. Seulement si vous avez vraiment besoin d'utiliser la quantité d'humidité de votre brosse telle qu'elle est actuellement. Profitez de la texture que cela pourrait vous donner. J'ai ajouté un peu plus de couleur ici parce que je dois travailler sur le toit. Je vais maintenant passer en revue quelques petits détails à ce sujet. Maintenant, nous combinons les couleurs orange et verte pour créer une tonalité de plus en plus chaude. Maintenant, nous ajoutons du vert et du rose afin d'avoir un rose plus, plus trouble. Nous allons utiliser cette couleur pour le pont. Il s'agit de la partie ombragée du pont. Nous devons passer en revue tous les détails que nous avons créés dans notre croquis. Nous voulons travailler sur chaque élément et continuer à travailler jusqu'à chaque section suivante. Nous sommes en train de spécifier les lignes. Nous voulons être en mesure de créer nous-mêmes un croquis à l' aquarelle. J'espère que vous avez réussi à obtenir une certaine liberté avec ce média à ce stade. Profitez-en un peu plus, jouez, découvrez-en plus sur le support et les matériaux. Mais peut-être aussi en savoir plus sur vous-même et votre style. Parce que plus nous pratiquons un médium, plus nous sommes en mesure d'en savoir plus sur notre confort et nos préférences en matière d'utilisation des différents matériaux. Cette partie est plus sombre. Nous allons donc légèrement changer nos couleurs. Nous allons combiner le rouge et le bleu et un peu de jaune. Et puis nous commençons à ombrer. Nous avons obtenu cette tonalité chaude, chaude et violacée. Faites attention à la façon dont j'applique la couleur. Il est très léger. J'utilise le côté de mon pinceau pour étaler ma couleur. Il n'y a ni lumière ni surlignage dans cette section, c'est pourquoi je l'applique partout. J'ajoute plus d'eau en utilisant un peu plus de teinte bleue ici. J'applique ma couleur de manière très verticale. Prenez le temps d' observer votre modèle. Ici, j'utilise un indigo puis une alizarine ouf. Je veux travailler sur cette partie située sous le pont. Généralement, nous définissons les ombres à l'aide de la pointe du pinceau. Ensuite, nous utilisons la partie la plus large du pinceau pour dessiner. En fait, nous ajoutons des couleurs, des nuances, des lumières et plusieurs étapes. Et nous faisons un mouvement de va-et-vient. Après cela, nous utilisons le pinceau et dessinons l'endroit. Et enfin, nous ajoutons à nouveau des couleurs. Nous créons des couches. Lorsque nous travaillons sur une pièce et que nous passons à la suivante, nous laissons la première partie sécher. Nous appliquons nos couleurs légèrement. Faites attention au mouvement du pinceau et à l' utilisation des couleurs ici, nous voulons nous assurer qu' il y a une harmonie visuelle sur l'ensemble du dessin. Nous voulons que ces couleurs se reflètent également dans différentes parties Bien que nous ayons créé différentes combinaisons de couleurs, il y a toujours cette harmonie en termes de tonalités. Nous utilisons un bleu turquoise très clair pour l'eau. Encore une fois. Surveillez le mouvement de la brosse. Prenez le temps de créer vos mélanges de couleurs. Mettez la vidéo en pause si nécessaire, puis rediffusez-la pour continuer ensemble. Remarquez l'application. La concentration de couleur dans mon pinceau. Il y a moins d'eau et plus de couleur. Nous avons ajouté ce bleu turquoise dans l'ombre sous le pont. Il faut une logique visuelle à notre image. C'est pourquoi nous avons cette couleur au bas du pont, dans l'ombre car il reflète l'eau. Nous ne voulons pas que ces différentes tonalités aient l' air étrangères les unes aux autres. C'est pourquoi vous mélangez un peu les tonalités de l' autre dans des parties réfléchissantes. Ici, je crée l' ombre avec une teinte viridienne. Lorsque vous changez de couleur, assurez-vous de laver votre pinceau et de le sécher. Pour le bleu viridien, nous avons combiné du bleu-vert et un peu brun pour obtenir une couleur bleu-vert foncé. Je vais y retourner avec de plus en plus de couleur bleutée sous le pont. Nous combinons maintenant les couleurs rouge et rose. Gardez à l'esprit les points forts, l'endroit et parties qui doivent rester complètement blanches ou le blanc du papier. Toutes les quelques minutes, prenez un moment, gardez la tête en arrière et regardez ce que vous avez créé. Regarde ton dessin. Notez ce qui nécessite plus d'ombrage, ce qui nécessite plus de détails. Faites attention à la façon dont j' applique mes couleurs sur cette zone d'eau. Bien que nous créions un croquis général avec notre aquarelle, nous lui avons donné beaucoup de caractère. Une fois que cette pièce aura séché, nous utiliserons une brosse à tremper. Ça ressemble à ça. Nous allons utiliser de l'encre brune pour créer de l'espace. Nous n'utilisons pas d'encre noire. Le noir est trop dur. Nous ne voulons pas qu'il entre en conflit avec toutes ces tonalités magnifiquement délicates. Je vérifie que mes pages sont sèches. Avec un mouchoir. Vous pouvez éliminer tout excès d'eau ou de couleur. Nous allons maintenant créer ce bâtiment avec un croquis linéaire. Nous avons utilisé l'esquisse linéaire dans le dernier tutoriel. Nous pouvons le dissoudre avec de l'eau plus tard. Mais cela ne signifie pas que vous devez être moins prudent avec votre candidature. Soyez très intentionnel sur des points précis. Il s'agit d'une forme plus simple de croquis avec différentes lignes. Suis mon exemple. Bien que nous ayons des détails et que des lignes plus petites soient horizontales, les lignes principales soient plus verticales, ce qui implique une perspective ascendante. étonnant avec les bâtiments c'est qu'ils s'élèvent contre la gravité. C'est uniquement en termes de perception lorsque nous les examinons. Et ils ont beaucoup de lignes verticales et de lignes horizontales. Mais le but est de s'assurer que nous traçons nos lignes dans la bonne perspective. Nous pensons donc qu'une ligne horizontale pourrait être plus diagonale ou plus incurvée. Il s'agit d'une technique qui demande la concentration et un peu de concentration tout en regardant constamment votre modèle. Regardez où se trouvent les lignes, où se trouvent les points forts. Il vous aide à placer correctement vos ombres et vos contours. Il est normal de faire des erreurs ou d'avoir des lignes qui ne sont pas, trop, pas mesurées. Parce qu'en général, nous dessinons beaucoup de lignes et vous pouvez commencer par les éclaircir, puis choisir l'une d'entre elles et décider de rendre cette ligne plus foncée pour accentuer une certaine colonne ou une certaine ligne en bordure du bâtiment. Mais l'idée est de prendre plaisir à créer ces détails. C'est délicatement. Il faut du temps pour tracer ces lignes. L'idée est de continuer à regarder votre dessin et à regarder votre modèle. Je suis en train de voir où se trouvent les détails de mes bâtiments. Vous devez parfois faire attention à ce que notre pinceau ne libère pas plus d' encre que nécessaire. Si nous libérons plus d'encre, c' est aussi pour ajouter plus d' ombrage à une certaine partie. Vous ne voulez pas mettre trop de pression sur votre outil. Ce qui, à son tour, crée une pression accrue sur votre papier, car il est peut-être mouillé et vous risquez d'appliquer trop de couleur. Essayez de tenir le pinceau comme ceci. Exactement comme je le tiens. N'oubliez pas d'utiliser vos notes de manière intentionnelle, même si elles ne sont pas parfaites. Choisissez simplement où vous placez vos lignes au lieu de les placer au hasard. Nous voulons prélever l'encre avec le bord du porte-encre, non la tremper complètement dedans. Juste à la limite, comme ça. Nous libérons toute trace d' encre supplémentaire provenant de la trempette. Et nous continuons à ajouter nos coordonnées. Lorsque nous trempons notre pinceau et notre encre, cela commence par avoir un peu trop d'encre. Vous devez donc commencer par une partie ombrée plus foncée, puis passer aux parties plus claires. Gardez également à l'esprit que lorsque nous appuyons légèrement sur le pinceau, moins d'encre est transférée sur le papier. Ce n'est donc qu'une question de pratique en fait. Nous utilisons ici une brosse à tremper de haute qualité. Continuez à observer l'image de votre modèle et appliquez vos informations en conséquence. Notre pinceau contient beaucoup d'encre au début. Comme mentionné précédemment, nous devons d' abord travailler sur les parties les plus sombres , puis nous passerons aux parties les plus claires. Et n'oubliez pas que vous pouvez retirer tout excès d'encre à l'aide d'un mouchoir en papier. Prends ton temps. Gardez à l'esprit que plus vous pratiquez, plus vous prendrez plaisir à créer des combinaisons de médiums. Ici, nous combinons aquarelle et l'utilisation de notre pinceau à encre. Nous devrions regarder notre peinture plus que le modèle simplement pour assurer que nous plaçons correctement les lignes. Parce qu'à ce stade, nous avons beaucoup d'informations sur notre travail artistique. Nous savons donc où appliquer nos lignes, mais bien sûr, vérifiez l'image de votre modèle. De temps en temps. Ces taches blanches sont utiles pour embellir notre travail. Vous devez laisser certaines parties blanches. Nous pouvons éliminer tout excès d' encre à l'aide d'un mouchoir en papier. Mais en ce qui concerne l' aquarelle, ne vous inquiétez pas trop. Nous pouvons créer des taches. Et c'est la technique de aquarelle qui nous donne cette esthétique. Prends ton temps. Concentrez-vous sur les détails. Il y a une structure ici. Si nous le dessinons, cela rendra notre travail encore plus beau. Assurez-vous de garder lumière de votre poignet et celle de votre application également. Vous ne voulez pas transférer trop d'encre sur votre page, involontairement. Passez en revue les détails, les lignes les plus épaisses et les plus fines. Nous sommes partis de cette partie. Ensuite, nous augmentons la pression que nous exerçons sur notre pinceau à encre ici. Et cela lui permet de libérer plus d'encre. Nous sommes donc en mesure de travailler sur les parties les plus épaisses là où les lignes sont plus épaisses. Et pour donner plus de contraste à notre travail. Continuez à observer votre modèle. Si vous avez l'impression de ne pas savoir quel est le détail suivant, c'est votre modèle qui contient le plus d'informations. Maintenant, lorsqu'il s'agit d'utiliser plusieurs supports ou de combiner deux supports différents entre eux. Vous devez regarder différentes images de modèles. Entraînez-vous à les dessiner, entraînez-vous à utiliser deux médiums différents ensemble. Il peut s'agir d'aquarelle et de pastels ou d'aquarelle et d'encre. Notre encre et nos pastels, c'est vraiment à vous de décider. Nous allons maintenant travailler sur ces arches ici. La couleur que nous avons utilisée ci-dessous n'est qu'un halo. Et maintenant, nous allons l' écloser ou le recouvrir, juste pour le rendre plus beau et pour lui donner cette clarté et ces détails qui le définiront encore plus. Concentrez-vous sur les détails. Il s'agit de placer les lignes aux bons endroits et non de remplir tous les espaces. Si nous devions créer cette œuvre uniquement avec de l'encre, cela prendrait plus de temps car il y a beaucoup d' informations à ajouter. Un outil ou un support. Veillez à ne pas vous salir la main ou la paume de votre main. Et l'important est de ne pas ramasser l'encre pour la transférer ensuite sur d'autres parties de votre dessin par erreur. Gardez toujours un œil sur les reflets, les parties de l' œuvre qui doivent rester blanches sur le papier. Nous maintenons ici la limite entre ces deux teintes. Peut-être y a-t-il d'autres détails dans la peinture, par exemple il y a une cheminée ici et nous ne la dessinons pas parce que ce n'est qu'une tache à cet endroit et cela peut indiquer la distance. Il y a une texture sur ce toit. Vous devez augmenter la pression de votre main sur votre pinceau à encre pour libérer plus d'encre et éliminer la zone ombrée. Concentrez-vous sur les détails. Lorsque nous travaillons sur des pièces à l'aquarelle, nous devons hacher pour relier l'aquarelle et les parties blanches du carton. Afin de créer une harmonie entre eux. Nous devons faire attention à la transition des supports les uns dans les autres, aux détails et à la manière dont ils ont besoin, s'ils ont ou non une couleur de fond, et s'ils ont besoin de plus de couleur. Il s'agit vraiment de créer cet équilibre et d'ajouter des détails en fonction de notre arrière-plan et des différentes textures présentes. Nous devons donc travailler sur ces parties et travailler à l' équilibre visuel de l'ensemble. Regardez toutes les pointes des bâtiments ici. Assurez-vous d'avoir bien noté tous les détails. Nous utilisons des points et de petites lignes pour cette partie du toit. Et nous utilisons des points Y pour les parties ombrées. Prends ton temps. Nous allons maintenant travailler sur Windows. Nous devrions dessiner les fenêtres dans une direction. Tout d'abord, nous devons spécifier les lignes. Nous devrions examiner notre travail d'une manière générale afin d'ajouter correctement les détails. Surtout dans le cas des bâtiments, dont les fenêtres doivent être alignées horizontalement ou verticalement. Juste sur la même ligne, même si c'est en diagonale. Prends ton temps. Nous allons maintenant travailler sur le pont. Le mouvement de notre pinceau est rapide. Le mouvement de notre pinceau ne doit pas être trop lent. Vous devez le faire rapidement afin de réaliser également ce geste ou cette texture avec laquelle vous avez créé, avec celui-ci avec le pinceau à encre. Cela vous aide également à maintenir une pression très légère sur votre main en créant ces marques et lignes plus rapidement. Continuez à regarder l'image de votre modèle. Nous continuons à ajouter des détails à chaque partie sur laquelle nous travaillons. Nous utilisons plusieurs points d'affilée ou des tirets d'affilée afin de créer une forme générale de cette partie ici. Tant que le détail est uniforme sur une ligne, cela ajoutera à la texture du pont. L'obscurité du Congrès du pont devrait être équivalente l' une à l'autre et il devrait y avoir une cohérence ou une transition cohérente dans cette ombre. Pour prendre un moment pour observer vos propres œuvres d'art. Et regardez également image de votre modèle et ajoutez les détails nécessaires. Nous n'utilisons pas de ligne très large pour ce pinceau afin de travailler sur des pièces légères et délicates. Cette partie du pont est délicate. Nous dessinons cette forme en arc de cette pièce. J'espère que vous avez apprécié d'ajouter ces détails avec notre pinceau et notre encre. Comme vous pouvez le constater, à ce stade, nous n'élargissons pas la ligne de ce pinceau, car les parties les plus claires ou les plus délicates sont les parties les plus foncées. Cette partie du pont est délicate. Et nous dessinons la forme de l'arc plusieurs fois avec plusieurs lignes pour l'assombrir. Mais lorsque nous dessinons l'ombre, nous dessinons presque ces lignes l'une à côté autre pour obtenir cette obscurité. Et nous voulons couvrir complètement cette partie, mais nous n'enlevons pas les parties aquarellées. Nous voulons laisser ces tonalités qui viennent de l'arrière-plan. Nous travaillons sur cette partie lorsque les lignes deviennent fines et délicates, certaines parties nécessitent une pression manuelle plus importante et d'autres nécessitent une pression plus légère. Nous avons ici des poteaux en bois qui sont dans l'eau. Nous ne faisons donc que les ajouter. J'espère que cela a été un peu agréable et méditatif d'agir, ajouter tous ces détails sur les différents bâtiments. Et pour travailler sur les différentes parties. Nous voulons continuer à observer notre modèle et à ajouter les ombres exactement là où elles doivent être, aussi sombres qu'elles le doivent. Avec les lignes ici, j'utilise mon pinceau pour créer des lignes les unes à côté des autres, créant ainsi une tonalité relativement foncée, mais pas complètement recouverte. Nous devons laisser certaines parties pour laisser passer les beaux tons de bleu beaux tons de bleu et de brun et le fond. Si vous avez besoin de plus, entraînez-vous avec cet outil, je pratiquerais différentes formes. Donc, dans ce dessin, nous avons des bâtiments et un pont. Mais ce que j'entends par différentes formes c'est dessiner des arbres ou des fleurs, ou même une couverture, par exemple où les lignes deviendront plus irrégulières. Et c'est une très bonne pratique. Cela vous en dit beaucoup plus sur votre outil. Mieux apprendre à passer d'une pression à l' autre. Parce que nous n' épaississons pas nos lignes avec ce pinceau et cette encre spécifiques , comme si nous dessinions davantage de lignes, mais que nous les appliquons dans des directions différentes. Ainsi, même sous le pont, remarquez que les lignes commencent horizontalement depuis le haut, puis se courbent vers le bas, devenant presque verticales car cette directionnalité est très importante. Il oriente les yeux vers le dessin pour voir quelle est la courbure du bas des ponts, cette partie qui se trouve sous le pont. Nous continuons à ajouter ces croquis verticalement ici. Nous voulons terminer toutes les parties de notre dessin. Nous voulons imiter la texture que nous avons créée avec les aquarelles sur l'eau. Maintenant, j'ajoute plus de détails sur mon pont. Nous ajoutons ces détails ici, nous les esquissons, mais nous allons y travailler un peu avec le pinceau. Parce que nous voulons que notre image soit complète. Souvenez-vous de ce dont nous avons parlé en termes d' équilibre sur l' ensemble du dessin. Non seulement en ce qui concerne la tonalité des couleurs, mais aussi en ce qui concerne les techniques que nous avons utilisées, mais est-ce que cela semble équilibré ? Y a-t-il une partie qui semble avoir besoin de plus de détails, de tonalités supplémentaires, peut-être en arrière-plan ? Nous devons y travailler. Si vous avez besoin de quelques instants pour vous arrêter ici, arrêtez la vidéo. Détournez le regard, faites une pause, revenez avec un regard neuf et jetez un œil à ce que vous avez créé jusqu'à présent. Il y a quelques fenêtres ici. Mais remarquez le mouvement de ma main. Remarquez le croquis de va-et-vient où je ne crée pas une ligne continue dans une direction et c'est tout. Non, mes lignes sont légères et elles vont et viennent pour créer une ligne complète. Je prends juste un moment pour regarder mon dessin. Je remarque ici quelques lignes qui doivent être ajoutées. Nous voulons ici passer en revue les détails qui font la médiation entre une partie très sombre située sous le pont et ces reflets sur l'eau. Nous voulons pouvoir apposer nos marques de manière harmonieuse avec l'eau. Nos lignes les plus proches du bas du pont sont donc proches les unes des autres. Et au fur et à mesure que vous vous éloignez, ils commencent à s'espacer un peu plus , puis vous avez ces gribouillis dans les ombres. Maintenant, sur ce bâtiment, nous avons encore quelques ombres, mais l'idée est de regarder la diagonale principale au milieu de notre dessin, celle qui accentue le sommet du pont. Vous devez vous assurer qu'il est connecté au bâtiment vertical sur lequel nous travaillons de manière très logique. Vous voulez que ces lignes traversent votre dessin ou verticalement le traversent avec des fenêtres les unes au-dessus des autres. Les tours qu'ils alignent très bien. Parce que s'ils ne sont pas alignés, nos bâtiments auront l' air un peu asymétriques. Nous pouvons donc être propriétaires de ce bâtiment. Nous allons dessiner les fenêtres, mais nous ne les rendons pas trop sombres. Nous veillons à ce que ces parties soient très légères car nous sommes à la limite du dessin. Et nous faisons en sorte que ces parties soient un peu effacées. Nous laissons sécher les premières couches d'encre avant d'essayer d'ajouter des détails supplémentaires. À ce stade. Si vous venez de travailler sur le bâtiment de droite, vous devez le laisser sécher un peu. Si vous craignez de prendre couleur avec votre poignet, si vous posez votre main sur votre page, placez une feuille de papier sous votre main pendant que vous travaillez sur le bâtiment de gauche ? Je tiens mon pinceau à mi-chemin. Mes risques, les risques, se situent donc un peu plus loin. Il y a quelques rampes que nous créons ici avec des lignes. La densité de couleur de ces fenêtres est faible. Certaines fenêtres sont ouvertes d' une manière ou d'une autre, elles sont fermées. Nous devons continuer à observer notre modèle et à recueillir ces détails. Nous pouvons penser que ce n'est pas très visible ou qu'il ne s'affichera pas, mais ces petits gestes montrent tout. Et remarquez à quel point nous n'avons pas touché les lignes surlignées nous n'avons pas touché les ton initial que nous avons placé à le ton initial que nous avons placé à l'arrière-plan du bâtiment sur lequel nous travaillons. Ce sont nos lignes directrices. Elles restent nos directives quant à l'endroit où nous allons placer nos fenêtres, permettant à ces lignes horizontales d'être équilibrées et à ce que toutes les fenêtres soient placées correctement unes à côté des autres et au-dessus de l'un l'autre. Les lignes surlignées resteront également des reflets accentuant cette perspective horizontale. N'hésitez pas à m'envoyer toutes les questions que vous pourriez avoir en cours de route. Ou si vous voulez simplement partager votre dessin, je serais peut-être plus qu'heureuse de les regarder. C'est toujours beau de regarder des aquarelles. Nous pouvons en discuter et je pourrai répondre certaines préoccupations ou peut-être vous donner quelques commentaires. N'oubliez pas de pratiquer et de profiter simplement du processus. Profitez du support, amusez-vous avec les outils dont vous disposez et les couleurs que vous avez. Et pratiquez ces techniques. Le mouillé sur le mouillé, le mouillé sur le sec, le sec sur le mouillé. Toutes ces techniques ont leur propre esthétique , leurs propres effets et leur propre utilisation. Certains d'entre eux sont meilleurs ou plus puissants pour les arbres, la nature et ce type de lignes. Et d'autres conviennent mieux à un beau ciel nuageux et des textures et à des vêtements. C'est donc juste une question de pratique. Regardez les petits gestes et les petits points que je place pour indiquer les fenêtres ici. Mais ils sont très importants. Ils donnent à la moitié gauche de notre dessin un aspect presque totalement complet. Nos fenêtres sont maintenant terminées. Nous ajoutons quelques détails. Si nous voyons que nous en avons oublié. Mais nous ne devons pas ajouter trop de détails dans certaines parties, car nous ne voulons pas trop les assombrir, car cela deviendrait inutile et créerait un déséquilibre. Nous devons maintenir l' harmonie entre toutes les parties. Cette cohérence dans la vue implique la distance. Si vous assombrissez trop l'une des fenêtres, vous aurez simplement l'impression qu'elle n'est pas bien placée et qu'il y a un peu extraterrestre au milieu du bâtiment. Prenez donc le temps de regarder votre travail. Rassemblez-le. Examinez visuellement la logique visuelle. Regardez-le de haut en bas, de gauche à droite. Regardez la perspective, les dimensions. Au contraire, cela ne semble vraiment pas à sa place. Il s'agit simplement de noter ce qui aurait pu en être la cause. Alors réessayez. Réessayez, entraînez-vous à nouveau. Certaines fenêtres sont ouvertes, il y a donc de l'obscurité à l'intérieur autres sont fermées , elles sont donc un peu plus claires. Je ne fais que réfléchir à mon modèle. Et ce que je vois, ces arches ici, peut utiliser un peu plus de détails et d'ombres. Voici ce pinceau avec ses fines lignes et tous les détails que nous avons ajoutés. Nous l'utilisons également comme médiateur. Laisse-moi t'expliquer. C'est donc un médiateur, car il fait la médiation entre les tonalités d'aquarelle que vous avez créées et celles que vous avez principalement utilisées pour esquisser notre dessin. Nous avons donc créé notre croquis au crayon, puis nous avons créé un croquis à l'aquarelle avec quelques détails. Ensuite, nous avons opté pour ceci, avec ce pinceau qui ajoutait des détails beaucoup plus petits. Mais lorsque vous l'appliquez en plusieurs lignes, comme nous l'avons fait sous le pont ou dans l'ombre des arches des fenêtres du pont, vous en plusieurs lignes, comme nous l'avons fait sous le pont ou dans l'ombre des arches des fenêtres du obtenez des fenêtres différentes. Il devient ce médiateur en plusieurs lignes. Il réunit la peinture à l' aquarelle, cette peinture au pinceau et à l'encre. Nous continuons à ajouter des détails le bâtiment ici sur la droite. L'idée est d' examiner toutes les parties des aquarelles et toutes les parties de l' application au pinceau et à l'encre et de voir s'il y en a une qui doit être harmonisée, qui doit être assemblée. Donc, par exemple, prenons l'eau. Nous avons des aquarelles là-bas. Nous avons également appliqué notre stylo, mais en créant ces lignes ondulées et en reflétant les bâtons de bois dans l'eau. Nous avons harmonisé notre image parce que deux techniques vont de pair. Et ils reflètent les bâtiments. Et ces deux techniques et cette harmonie sont omniprésentes sur notre dessin et ne sont pas simplement isolées. L'eau aurait semblé séparée du reste du dessin sans ces quelques lignes ondulées au premier plan de notre dessin. Tout en bas. Je n'ajoute que partiellement ces détails ici parce que c'est la fin de notre dessin. Ce bâtiment a l'air très complet. Nous voulons maintenant ajouter quelques lignes sur l'eau ici. Encore un peu de lignes. J'ai observé ma candidature. Très légère pression. Des lignes horizontales, très légèrement. Alors souvenez-vous de ce que nous avons dit. Médiation. Nous harmonisons les deux techniques de coloration. Nous avons utilisé un pinceau à épée pour nos aquarelles. Et nous utilisons ce pinceau pour appliquer notre encre, mais nous les associons. Ce sont les ombres des colonnes et des fenêtres ici. Nous devons créer cet équilibre. Regarde comme mes lignes sont irrégulières. Nous les ajoutons simplement si nécessaire et aussi légèrement que nécessaire. Nous créons de la texture sur le pont en hachurant comme ceci, lignes verticales, des lignes horizontales. Passez en revue toutes les parties. Regardez d'abord avec vos yeux , passez-les visuellement , puis appliquez vos lignes. Je remarque quelque chose en haut du bâtiment que je peux ajouter. Notre nouveau-né est presque terminé. Nous nous assurons simplement de ne manquer aucun détail. Notre travail est maintenant presque terminé. Nous allons mouiller notre brosse ou sabre et l'utiliser directement sur les parties de nos nouveau-nés. Si vous pensez devoir attendre que votre encre sèche partout, laissez-la sécher un moment. Mettez la vidéo en pause et redémarrez-la lorsque vous serez prêt. Maintenant avec leur sabre. Il y a de l'ombre ici. Nous mouillons cette partie avec cette couleur et nous l'appliquons légèrement. On peut l'enlever avec un mouchoir en papier. Si vous en avez appliqué un peu trop, vous devriez pouvoir voir vos hachures et toute votre encre. L'encre passe à travers, à travers le pinceau de ton épée. Coloriage. Le mouchoir en papier et le capteur de couleur vous permettent d'éclaircir la couleur soulevée sur la page, mais aussi de rendre votre dessin un peu plus clair si vous voulez voir plus d'encre, d' encre, de peinture, de peinture, gestes. Continuez simplement à regarder votre image. Vous voulez continuer à regarder la situation dans son ensemble. Et nous voulons conserver la texture que nous avons obtenue partout. Nous recouvrons cette partie avec un peu de bleu car elle est différente des autres parties. Sur le pont. Nous avons appliqué notre ocre jaune, mais il y a du bleu dedans. Et ici aussi. Il y a un bel effet délavé en retirant la couleur de la page avec le mouchoir. Je veux conserver cette esthétique. Ajoutez de la couleur aux fenêtres ici. Juste pour m'assurer que mon application d' encre ne l'emporte pas sur mes aquarelles. Nous voulons toujours que l' effet aquarelle se fasse sentir. Maintenant, nous le laissons sécher et nous continuons à apporter des modifications. Nous l'améliorons avec une brosse à tremper et ajoutons des écloseries. Si nous avons l'impression que l'effet aquarelle a pris le dessus à certains endroits, il s'agit d'une création constante d'équilibre entre les deux techniques. N'oubliez pas que la réalisation d'une œuvre d'art peut vraiment varier d' un artiste à l'autre. Nous percevons tous nos images de manière très différente et nos préférences en termes d'esthétique et d'effets différents provenant de différents médiums. Cela varie. Je peux donc regarder cette image et sentir qu'elle est complète, c'est fait. Je n'ai pas plus de détails à ajouter. J'ai ajouté toutes les informations dont j'avais besoin. Et parfois, vous pouvez le regarder et continuer à voir : « Oh, je veux plus de contraste , plus de reflets, ou plus de technique de l'aquarelle ou de l'esthétique de l'aquarelle ». réalisation d'une œuvre d' art ou d'un dessin peut donc prendre un certain temps . Mais l'idée est de continuer à regarder nos œuvres d'art. Et pour y voir, c'est ce que nous avons réalisé jusqu'à présent. Je l'apprécie pour ce qu'il est. Les différentes techniques que vous avez appliquées. Et le plus important, c' est que vous l'avez apprécié, que vous en avez appris quelque chose. J'ajoute plus de détails ici simplement parce que j'ai l'impression cette partie du pont doit être plus complète. Et s'il s'agit du résultat final, si vous n'êtes pas satisfait du résultat final, n'oubliez pas que toutes les techniques que vous avez utilisées peuvent être réappliquées et réessayer. Mais fais une pause. Fais une pause entre les deux. Parce que nous apprenons toujours. Nous apprenons toujours en pratiquant. Au moins, nous avons davantage confiance dans le média, dans les outils que nous utilisons. Notre travail est maintenant terminé. J'espère que vous avez apprécié toutes les techniques que nous avons utilisées aujourd'hui. Continuez à vous entraîner et attendez avec impatience de faire un autre dessin avec vous dans le prochain tutoriel.