Maîtriser la transition : créer des vidéos explicatives et des projets multiscènes dans Adobe After Effects

1. Intro: Vous voulez donc apprendre à créer des vidéos explicatives. C'est génial. Cela signifie que vous prenez votre carrière au sérieux. Peut-être souhaitez-vous également maîtriser des vidéos de démonstration de produits, des documentaires pour YouTube ou même des clips musicaux animés Savez-vous ce que tous ces projets ont en commun ? Transitions. Laisse-moi t'expliquer. Tous ces types de projets complexes se composent de plusieurs périodes. Par exemple, les vidéos explicatives peuvent inclure 5 à 20 stents, parfois même Lorsque j'étais motion designer débutant, après avoir reçu le script pour mes clients et conçu les stages, j' avais toujours très peur de me lancer dans ces projets C'est la raison pour laquelle je n'ai pas compris comment relier facilement tous les passages de la phase d'animation Je ne savais pas comment passer d'une scène à l'autre. Quelques années plus tard, après avoir maîtrisé les vidéos explicatives et être devenue instructrice d' After Effects, à ma grande surprise, la principale question que me posaient mes étudiants était la Comment passer d' une scène à l'autre ? La plupart d'entre eux avaient la même peur que moi, et cela les empêchait de se lancer dans de grands projets. À ce moment-là, j'ai réalisé que je voulais résoudre ce problème une bonne fois pour toutes. Plus important encore, je voulais l'enseigner d'une manière amusante et facile à comprendre. C'est ainsi qu'est née la maîtrise de la transition. Le cours commence par les deux premières leçons au cours desquelles je vais vous présenter les bases et décomposer les différents types de transitions à partir de zéro Ensuite, je vais vous expliquer quelques points essentiels que vous devez savoir lors de la phase de préparation avant de passer quelques points essentiels que vous devez savoir à l'animation. Dans ces deux leçons, vous n'aurez rien à faire. Asseyez-vous, regardez et écoutez. Une fois que vous avez compris les bases et une solide compréhension des types de transition, nous passons directement à l'aspect pratique des choses, et c'est à ce moment-là que vous passez à l'action. Au cours du cours, vous acquerrez une compréhension approfondie des transitions les plus couramment utilisées dans les projets complexes. Cette compétence vous aidera non seulement à animer de manière fluide, mais également à mieux planifier vos projets, les structurer pour faciliter les modifications et même à estimer les coûts des projets avec plus de précision, et même à estimer les coûts des projets avec plus de précision car vous comprendrez enfin ce qu'il faut pour travailler sur des projets complexes Vous découvrirez également comment obtenir la meilleure qualité pour vos projets et identifier problèmes potentiels qui pourraient survenir au cours du processus, ainsi que des solutions pratiques pour les résoudre. À la fin du cours, vous aurez plein d' idées pour diverses transitions et, plus important encore, vous saurez comment les créer dans After Effects. Vous maîtriserez le bon flux de travail pour gérer des animations complexes, par exemple quand utiliser la caméra et quand l'ignorer, quand et pourquoi vous devez précomposer vos couches, et comment mélanger les trois D et les piqûres en douceur pour faire passer vos animations au niveau supérieur Ne vous inquiétez pas si vous pensez que ce n'est pas un cours que vous pouvez suivre, car je vais vous donner des indications utiles, afin que vous sachiez toujours quand écouter et quand sauter et suivre. Vous recevrez également des questions en milieu de classe pour vous aider à mémoriser les techniques clés et souvenir de toutes les choses importantes. Et ne vous inquiétez pas, je vous rappelle de faire des pauses au bon moment pour rester en forme et ne pas vous épuiser. De plus, toutes les leçons sont accompagnées d'une voix off professionnelle très facile à comprendre, parfaite pour les anglophones non natifs De plus, tout au long du cours, nous aborderons des choses amusantes que vous souhaitez pratiquer tous les jours, comme la création de trois objets en D et des animations de texte. Nous allons également concevoir de superbes arrière-plans et même essayer quelques animations de base pour les personnages. Vous pourrez jouer avec des animations de rebond, animations de formes accrocheuses et bien plus encore Et pour conclure, j'ai une tâche amusante à faire à la maison. J'ai conçu trois petits projets différents prêts à être animés. Pour chaque projet, vous trouverez une vidéo présentant la transition que je souhaite que vous créiez Les designs d'écran sont simples, vous pouvez donc vous concentrer entièrement sur le perfectionnement de vos transitions Vous pouvez commencer à animer immédiatement, mais si vous ne vous sentez pas suffisamment à l' aise, vous pouvez découvrir comment j'ai créé la transition dans le fichier de projet After Effects fourni pour chaque tâche Donc, si vous êtes prêt à améliorer vos compétences en motion design et enfin vous lancer dans de grands projets en toute confiance, ne perdez pas de temps. Laissez-moi vous guider grâce à mes années d'expérience afin que vous puissiez raccourcir votre courbe d'apprentissage et commencer à maîtriser la transition dès aujourd'hui Franchissez le pas, surmontez vos peurs et laissez libre cours à votre créativité grâce à la maîtrise de la transition. 2. Transitions que vous pouvez réaliser dans After Effects: Bonjour, et bienvenue à la première leçon. Dans cette leçon, vous n'avez rien à faire, il suffit de regarder et d'écouter. Nous allons commencer par les transitions de base que la plupart d'entre vous connaissent probablement déjà. Vous aurez peut-être l'impression de ne pas avoir besoin de le regarder, mais j'insiste pour que vous le fassiez parce que je suis sûr que vous découvrirez beaucoup de choses que vous ne saviez pas. Plus important encore, cette leçon réchauffera votre cerveau avant que nous ne nous plongions dans l'animation. Commençons par les bases. Dans mon cas, je les exemples à l' aide de vidéos d'animaux, mais il peut s'agir d'une précomposition ou de toute autre couche de votre projet Utilisez ces transitions de base avec les vidéos, car elles fonctionnent mieux pour les séquences réelles comme celles-ci que pour les animations graphiques. Bien entendu, vous pouvez utiliser ces transitions dans vos projets de motion design si vous le souhaitez, mais elles ont tendance à mieux fonctionner avec des vidéos réelles. Nous explorerons les transitions spécifiques aux projets de motion design juste après celles-ci, et nous les mettrons en pratique plus tard dans le cours. Pour l'instant, il est très important pour moi que vous vous familiarisiez avec les bases. Je vais montrer comment créer toutes les transitions à l'aide des précompositions que j'ai déjà préparées pour cette leçon De cette façon, nous pouvons apprendre à aborder chaque transition à partir de zéro, et pas seulement à voir à quoi elles ressemblent. Nous allons commencer par la plus simple, la transition de coupe. Une transition de coupure se produit lorsque nous terminons une séquence à un moment précis et commençons immédiatement la suivante juste après. Tout d'abord, je trouverai dans ma vidéo le moment où je veux qu'elle s'arrête là où la Panthère fait pivoter sa tête Je vais maintenant appuyer sur Alt dans le crochet droit pour recadrer cette couche depuis le côté droit. C'est à partir de la fin de cette couche. Ensuite, je trouverai dans la deuxième vidéo le moment où je veux que ça commence. Disons quelque part par ici. Je vais presser le sel dans le crochet gauche. Pour le recadrer depuis le côté gauche, c'est le début de cette couche. ne me reste plus qu'à placer la deuxième couche juste après la première. Après vérification, ça a l'air bien, je peux passer à autre chose. Lorsque vous effectuez des transitions de découpe, il est important de vous assurer que les couches sont placées immédiatement les unes après les autres. Parfois, nous pouvons accidentellement laisser un espace d'une ou deux images, ce qui peut provoquer des images vides inutiles entre les couches, comme vous pouvez le voir maintenant. Veillez donc à zoomer et à vérifier qu'il n'y a pas d'écart entre les couches. Très bien, passons à la suivante et créons une transition dissoute. Une transition dissoute se produit lorsque la première séquence s'estompe et révèle la suivante C'est très simple à créer. abord, nous devons trouver le moment où nous voulons que la première séquence se termine. Appuyez ensuite sur T pour ouvrir la propriété d'opacité de la couche afin de créer l'animation de dissolution Je vais maintenant créer la première image-clé avec une valeur de 100 %. Supposons que je veuille que la dissolution dure 1 seconde, à ce moment-là, je ramènerai l'opacité à 0 % Maintenant, je peux recadrer cette couche à la fin en utilisant Alt et le crochet droit. Ensuite, je vais facilement atténuer les images clés pour créer une animation qui disparaît plus facilement Voici le raccourci pour accéder à la fonction Easy Ease. Pour terminer, je dois trouver le moment de la deuxième séquence où je veux que ça commence. Disons juste avant que le lion ne fasse pivoter sa tête. Je vais déplacer la couche vers la gauche. Voyons voir. Encore un peu. Je peux maintenant recadrer cette couche dès le début de l'animation de dissolution. Voyons à quoi cela ressemble dans l'ensemble. Je trouve que ça a l'air génial. Nous pouvons maintenant passer à la suivante. Cette fois, nous allons créer une dissolution blanche, qui consiste à utiliser une couche pour recouvrir l'ensemble du cadre faire la transition entre les séquences. Il n'est pas nécessaire que la couche soit blanche. Vous pouvez utiliser n'importe quelle autre couleur, mais la plupart du temps, il est préférable d'utiliser du blanc ou du noir. Pour cette transition, nous devons d'abord recadrer la première séquence au moment où nous voulons que la transition se produise. Trouvez ensuite le moment où la deuxième séquence commence et placez les deux couches l'une après l'autre comme nous l'avons fait pour la transition de découpe. Dans mon cas, après avoir vérifié la vidéo, je constate que le meilleur moment pour démarrer la deuxième vidéo est depuis le début. Je vais placer la couche ici. Ensuite, nous allons créer une couche solide blanche ou une couche de forme blanche qui couvre l'ensemble du cadre. Cette fois, je vais utiliser une couche de forme. Pour cela, assurez-vous qu'aucune couche n'est sélectionnée afin d'éviter de créer un masque inutile. Double-cliquez ensuite sur l'outil rectangle. Cela créera un rectangle exactement de la même taille que les dimensions de votre composition. Ensuite, assurez-vous de choisir la bonne couleur et de désactiver le trait pour cette forme. Maintenant, appuyez sur Entrée sur le calque pour le renommer en white dissolve et placez-le au-dessus des deux séquences Ensuite, recadrez cette couche. Par exemple, supposons qu'il commence à 13 secondes et 20 images et se termine à 14 secondes et 20 images, soit exactement une seconde plus tard, et recadrez-le à partir de la fin. Maintenant, allez au début de cette couche et appuyez sur T pour réutiliser la propriété d' opacité Cette fois, je vais créer la première image-clé avec une valeur de zéro Ensuite, je vais aller au centre de cette couche et changer la valeur d'opacité à 100 % Enfin, je vais aller à la fin de la couche et ramener l' opacité à zéro Maintenant, je peux facilement atténuer les images clés. Ensuite, je placerai la couche de telle sorte que, lorsque l' opacité est à 100 %, elle s'aligne exactement sur le moment où il y a une coupure entre les deux séquences De cette façon, la découpe est masquée car la forme blanche la recouvre, créant ainsi une transition lisse et blanche dissoute. Assurez-vous simplement que si vous modifiez le moment de la transition entre les séquences, vous déplacez également la couche dissoute en conséquence. Cela garantit que le moment où la couche dissoute atteint 100 % d'opacité s'aligne parfaitement avec la découpe Voyons à quoi ça ressemble. Génial. Passons à la suivante. Cette fois, nous allons créer une transition scintillante qui ajoutera une ambiance énergique à la scène Elle est très simple à créer et ressemble beaucoup à l'animation de dissolution, car nous allons réutiliser la propriété d' opacité abord, nous devons trouver le point de transition entre les deux séquences. Je vais accélérer ce processus. Ensuite, je vais dupliquer la couche de dissolution blanche à l'aide de la commande ou de la commande D. Maintenant, je vais placer cette couche au-dessus des deux séquences et la placer ici pour le moment. Ensuite, je vais appuyer sur vous et supprimer ses images clés. Maintenant, je vais ramener l' opacité à zéro et maintenant je vais positionner cette couche au moment où je veux que le scintillement commence Commençons cette couche partir d'ici et renommons-la en scintillement Génial. Je vais maintenant appuyer sur T pour ouvrir la propriété d'opacité et créer la première image-clé avec une valeur de zéro Ensuite, je vais avancer d'une image et régler l'opacité à 100 % Zoomons sur la chronologie pour meilleure visibilité. Voici un raccourci pour déplacer une image à la fois. Maintenez la touche Ctrl ou Commande enfoncée et appuyez sur la touche flèche droite pour avancer d'une image supplémentaire. Maintenant, je vais remettre la valeur à zéro. Déplacez un autre cadre vers l'avant et réglez l'opacité sur 100 %. Au lieu de répéter cette action manuellement, je peux copier les images-clés que j'ai déjà créées Déplacez un cadre vers l'avant et collez-les. Je vais répéter ce processus encore quelques fois. Pour terminer, assurez-vous que la dernière image-clé a une valeur de zéro Maintenant, je ne veux pas que ce scintillement dure trop longtemps. Je vais passer à la dernière image-clé et recadrer la couche sur le côté droit pour l'arrêter là Enfin, je vais positionner la couche de scintillement telle sorte qu'au moment de la découpe entre les deux séquences, l'opacité soit Cela garantit que le scintillement couvre entièrement la découpe, qui nous permet d'obtenir une transition de scintillement froide Voyons à quoi cela ressemble une fois de plus. Génial. Nous pouvons maintenant passer à notre dernière transition de base, savoir la transition de superposition Cela implique l'utilisation d' une autre séquence pour couvrir le moment coupé entre deux séquences pendant une très courte période. Voyons comment procéder. Tout d'abord, comme toujours, nous devons trouver le moment où la première séquence doit se terminer et recadrer la couche jusqu'à ce point. Disons que je veux que ça s'arrête là. Trouvez ensuite le point de départ de la deuxième séquence et recadrez la partie inutile. Je peux maintenant zoomer sur la chronologie pour vérifier que mes deux séquences sont correctement placées et qu'il n'y a aucun écart entre elles. Après avoir configuré le point de transition, nous pouvons utiliser des séquences intéressantes comme superposition pour la transition Dans mon cas, j'ai trouvé cette jolie vidéo de vieux visuels télévisés. Je vais le placer au-dessus des deux séquences, et maintenant je vais trouver un moment agréable dans cette séquence à utiliser pour la transition. Par exemple, ce moment avec le cercle et le titre. Ensuite, je vais recadrer cette couche en partant de la gauche pour qu'elle soit visible à ce stade. Ensuite, je trouverai un point de terminaison pour cette section et recadrerai la couche en partant de la droite. J'ai maintenant une très courte séquence que je peux utiliser comme transition de superposition pour mes séquences Je le placerai juste au moment où la coupure se produira. Et voilà, c'est une belle transition. Je peux l'étiqueter en bleu pour l' identifier comme une couche de transition dans ma chronologie. Nous avons donc fini d'explorer les transitions de base que nous pouvons utiliser avec les vidéos. Passons maintenant à des techniques de transition plus avancées. Par exemple, les transitions MAT. Je vais les démontrer avec des vidéos réelles pour une meilleure compréhension, mais vous pouvez également utiliser ces transitions et ces projets de motion design. Les transitions basées sur le MAT impliquent l'utilisation de types de séquences spécifiques pour créer une manière unique de révéler ou de masquer nos séquences. Nous pouvons même animer la séquence pour obtenir des résultats spécifiques, comme je l'ai fait dans cet exemple, animant l'échelle de cette séquence à l'encre pour créer une animation révélatrice Essentiellement, nous utilisons une autre séquence comme masque pour nos séquences via les options Track MT et After Effects. Si la fonction Track MAT ne vous est pas familière , ne vous inquiétez pas. Je vais expliquer brièvement ce sujet dans un instant. Cependant, pour le comprendre plus en détail, je recommande vivement de consulter mon cours gratuit, le guide d'After Effects pour débutants, où j'aborde ce sujet en profondeur. Vous trouverez le lien vers le cours et la description de cette vidéo. En attendant, je vais ouvrir la précomposition non animée, c'est-à-dire préparée pour cette leçon et voyons comment y parvenir Pour créer ce type de transition, vous utiliserez généralement des séquences à l'encre en noir et blanc comme celle-ci ou des animations au pinceau comme celle-ci. Permettez-moi d'intégrer ces deux séquences à ma scène. Avant de poursuivre, permettez-moi récapituler rapidement ce qu'est Track Matt dans After Effects Il existe deux principaux types de fonctions Track Matt, Alpha mat et Luma Mat. Commençons par comprendre ce qu'est l'alpha Mt. Comme vous pouvez le voir, j' ai une sphère avec un dégradé de noir à blanc et une couche vidéo. Cette vidéo peut également être une précomposition ou une autre couche d'After Effects Voici les fonctions de Track Matt. La fonction Track Matt est essentiellement une autre façon de décrire les options de masquage et les effets secondaires, similaire à un masque de découpage dans Photoshop ou Illustrator Cela signifie que nous pouvons utiliser une couche comme masque pour une autre couche. Si je veux que la vidéo utilise la sphère comme masque, me suffit de faire glisser le fouet de la fonction Track Matt de la couche vidéo vers la couche sphère Maintenant, la sphère s'éteint automatiquement et ma vidéo n'est visible que dans les limites de la sphère. Cela signifie que la forme de la sphère est utilisée comme masque pour la vidéo. La vidéo n'apparaîtra que dans la zone des sphères. Nous pouvons également cliquer ici pour inverser le tapis Alpha, ce qui fait le contraire Maintenant, dans la zone de la sphère, la vidéo ne sera pas visible. Pour annuler le tapis, il me suffit d'ouvrir le menu Track Matt et de n'en sélectionner aucun. Pour le ramener, je vais à nouveau faire glisser le fouet PI de la couche vidéo vers la couche sphérique. Passons à autre chose et découvrons ce qu'est un luma mat. Ici, nous avons exactement la même configuration avec la sphère en dégradé et la vidéo. D'ailleurs, si vous ne voyez pas les fonctions du Track Mat, cliquez simplement sur Toggle Switches en bas de la page. Maintenant, utilisons le luma mat. Tout d'abord, je vais faire glisser le fouet PI de la couche vidéo vers la couche sphérique Ensuite, je vais changer l'alpha mat en luma mat en cliquant ici Nous utilisons maintenant la fonction luma matte. Contrairement à Alpha mat, qui utilise uniquement la forme et les dimensions de la couche sphérique pour créer un masque, le luma mat utilise également la luminosité, les couleurs blanches, et l' obscurité, les couleurs noires Dans notre cas, la sphère à gradient. Cela crée un effet de masquage plus complexe pour notre vidéo. Avec le luma matte, Aftereffects utilise non seulement la forme de la sphère, mais également la luminosité et l' obscurité de la sphère pour déterminer quelles parties de la vidéo sont visibles ou Dans ce cas, les zones claires de la sphère rendent la vidéo visible tandis que les zones sombres la masquent. Si nous inversons le luma nat, les zones claires masqueront la vidéo et les zones sombres la rendront visible Maintenant que nous avons compris les deux options du tapis de course, je vais fermer les précompositions et nous verrons comment appliquer cette technique pour créer de belles transitions La première transition que nous allons créer est une animation qui révèle un pinceau Comme le montre cet exemple, nous avons la vidéo du lion, puis elle disparaît dans un style de pinceau révéler la vidéo qui se trouve derrière elle. Voyons comment créer cet effet. Voici mes images de coups de pinceau. Je vais le laisser ici et déplacer le reste des couches sur le côté pour le moment. Ensuite, je vais ajouter la vidéo avec laquelle je souhaite interagir. Dans ce cas, le léopard des neiges. Je vais le placer en dessous de la vidéo du pinceau. Avant d'appliquer le tapis, je peux étiqueter cette couche avec une couleur différente pour que ma chronologie reste organisée. Comme vous vous en souvenez peut-être, les fonctions du tapis de course utiliseront la forme de cette couche pour interagir avec la vidéo située en dessous. N'oubliez pas que cette vidéo a une forme rectangulaire, ce qui est important pour ce que nous allons faire. Pour l'instant, recadrons cette séquence au moment où l'écran devient complètement noir, car nous ne voulons pas utiliser le reste de la séquence pour l'effet révélateur. Je vais me tenir debout à ce stade, presser le sel et le bon support pour le recadrer. Ensuite, je vais faire glisser le fouet de la fonction Trackmat de la couche vidéo vers la séquence du pinceau Dans les dernières versions d'After Effects, le tapis de piste passe automatiquement au tapis inversé Luma pour créer une tapis inversé Luma pour créer interaction correcte entre les deux couches Cependant, la plupart du temps, lorsque nous faisons glisser le fouet, le premier tapis appliqué est le tapis alpha Permettez-moi de le réinitialiser à l'option alpha mat par défaut. Maintenant, nous ne voyons rien se passer. En effet, comme vous vous en souvenez peut-être, Alpha mat ne prend en compte que la forme de la couche mate et ignore ses informations de couleur Dans ce cas, comme je l'ai montré précédemment, le métrage a une forme rectangulaire. Cela signifie que nous avons essentiellement créé un masque rectangulaire pour la vidéo ci-dessous, qui n'est pas ce dont nous avons besoin. Pour qu'After Effects reconnaisse les informations colorimétriques de cette séquence, nous devons cliquer ici et passer à Luma Matte Maintenant, nous pouvons voir une certaine interaction entre les deux couches. Les zones sombres de la vidéo prise au pinceau masqueront la vidéo située en dessous, tandis que les zones claires la rendront visible. Mais disons que je souhaite que cette interaction ait lieu plus tard dans la chronologie. Disons à partir de la première seconde. heure actuelle, je ne vois rien se passer car la couche vidéo n' interagit pas avec la couche située en dessous pendant cette période. L'interaction ne commence qu'à la première seconde où commence la séquence du coup de pinceau. Comme vous pouvez le constater, les zones blanches du métrage rendent visible la couche située en dessous. Cela signifie que nous devons étendre le cadre blanc pour qu' il commence là où commence la vidéo du léopard des neiges Pour cela, j'ai une astuce sympa à vous montrer. Dans ce cas, je peux cliquer avec le bouton droit sur la séquence, passer à l'heure et activer le remappage temporel Cela crée des images clés pour les points de début et de fin de la vidéo. Maintenant, je peux étendre le métrage depuis le côté gauche car nous avons converti l'heure de cette couche en images-clés, tout ce qui se trouve avant la première image-clé se figera Cela nous permet d'étirer le métrage pour inclure davantage de zones claires qui interagiront avec la couche située en dessous. Je peux même commencer la séquence plus tard dans la chronologie et la prolonger jusqu'au point où commence la vidéo ci-dessous. C'est ainsi que nous créons la transition qui disparaît pour la vidéo Utilisons maintenant cette séquence pour révéler la vidéo. Pour ce faire, il suffit d' inverser le luma mat. Ainsi, les zones claires de la séquence masquent la vidéo tandis que les zones sombres la rendent visible. C' est la transition que je recherchais. C'est ainsi que je voulais dévoiler cette vidéo. Ensuite, je vais recadrer les parties inutiles de la vidéo. Maintenant, je vais décider à quel endroit de la vidéo je veux que la révélation ait lieu. Disons quelque part par ici. Je vais amener les images à ce point et les recadrer pour commencer à partir de là. Dans ce cas, il n'est pas nécessaire de prolonger la séquence, car avec un luma mat inversé, les zones sombres de la séquence agissent comme espace vide qui n' interagit pas avec la vidéo située en dessous Je sais que cela peut sembler très confus au début , mais croyez-moi, après avoir joué plusieurs fois avec les fonctions du tapis de course, vous vous y habituerez très rapidement. Ne vous inquiétez pas si vous ne vous souvenez pas du type de luma mat à utiliser pour obtenir un effet spécifique Il suffit de basculer plusieurs fois entre les options de luma normale et inversée et de voir celle qui convient le mieux à l' animation que vous recherchez Maintenant, je vais placer la vidéo du lion ici et trouver le bon moment pour la démarrer. Ça a l'air bien, juste avant que le lion ne tourne la tête. Une fois que le lion aura tourné la tête, je lancerai l' animation révélatrice du léopard des neiges Il est très important de s'assurer que la première vidéo dure jusqu'à ce que l'animation de révélation soit terminée. Sinon, nous aurons une zone vide dans la chronologie. Passons maintenant à la suivante. Je vais étiqueter cette vidéo en bleu et je vais vous montrer à nouveau ce processus. Pour utiliser la séquence à encre afin d' interagir avec la vidéo de Black Panther, je vais d'abord faire glisser le fouet Track Matt de la couche vidéo sur la séquence à encre Une fois de plus, le Track Matt se met automatiquement en mode Luma inversé, ce qui crée une animation révélatrice Si je désactive la fonction d'inversion, nous obtiendrons une animation disparaissant Dans ce cas, nous voulons révéler la vidéo. Maintenant, je dois placer ces couches au-dessus de toutes les autres. Supposons que je veuille que la vidéo de Black Panther commence à ce moment-là. Désormais, les zones sombres de la séquence à encre rendent la vidéo visible, tandis que les zones claires la rendent invisible. Dès que les zones sombres commencent à s'étendre, plus grande partie de la vidéo devient visible. Cependant, cette fois, les zones sombres ne couvrent pas l'ensemble de l'image, ce qui signifie que nous ne verrons pas la vidéo complète située en dessous. Dans de telles situations, nous pouvons simplement créer une animation à l'échelle. Je vais d'abord déplacer le point d'ancrage de la séquence encree vers le coin supérieur gauche, car c'est dans cette direction que je souhaite qu'elle se développe. De cette façon, j'obtiendrai davantage de zones sombres recouvrant le cadre. Ensuite, j'utiliserai la propriété scale pour créer une animation de mise à l'échelle pour le métrage encré. Nous avons maintenant la couleur noire qui recouvre tout le cadre. Mais parce que nous avons redimensionné les images, elles ont perdu une partie de leur qualité Dans ces cas, j'adore activer la fonction de qualité et d'échantillonnage ici. Cela peut améliorer un peu l' apparence. Maintenant, je peux voir la vidéo complète de Black Panther. Voyons à quoi tout cela ressemble ensemble. Génial. Nous avons ainsi fini de couvrir les transitions de base les plus couramment utilisées lors du montage de vidéos. Passons maintenant à autre chose et découvrons les transitions de base spécifiques aux projets de motion design. La première transition dont nous parlerons est la transition Matchcut, très pratique Une transition adaptée est une astuce intéressante utilisée dans le motion design et le montage vidéo. Il relie deux plans de manière fluide en faisant correspondre les éléments visuels ou les mouvements entre eux. Cela rend la transition fluide et plutôt satisfaisante. Nous pouvons créer une transition par correspondance en utilisant différentes propriétés telles que la position, l'échelle ou la rotation. Je vais maintenant passer en revue chacune d' elles et les créer à partir de zéro pour que vous puissiez voir à quel point c'est simple. Commençons par créer un découpage correspondant en utilisant le mouvement de position de deux éléments de la scène. Dans cet exemple, nous allons créer une transition entre deux couches de texte. Tout d'abord, je dois les placer tous les deux dans la même position. Pour ce faire, je peux utiliser l'outil d'alignement. Ensuite, je vais sélectionner les deux couches, appuyer sur P pour ouvrir la propriété position et créer une animation de position simple pour chaque couche, en les déplaçant de haut en bas. Comme vous pouvez le constater, le mouvement de ces couches est actuellement linéaire, ce qui signifie qu'elles se déplacent à une vitesse constante tout au long de l'animation. Pour créer l'effet match cut, nous avons besoin qu'ils se déplacent très rapidement à un moment précis de l'animation. Nous pouvons y parvenir en simplifiant les images-clés, puis en les ajustant dans l'éditeur de graphiques Assurez-vous d'utiliser le graphique de vitesse. Le graphique de vitesse, nous pouvons voir la vitesse de l'animation. Au début, la vitesse est de zéro pixel par seconde, mais au milieu de l'animation, elle culmine à plus de 50 pixels par seconde. La vitesse change car nous avons converti les images-clés linéaires en images-clés Easy Ease Maintenant, nous devons exagérer encore plus ce changement et accélérer encore davantage Nous pouvons le faire en faisant glisser le manche des premières images-clés vers la droite et le manche des images-clés finales vers la gauche Maintenant que la vitesse au milieu de l'animation est supérieure à 2000, il ne nous reste plus qu'à un pas de créer le match cut. Avant cela, je tiens à vous rappeler qu'il n'est pas nécessaire régler manuellement la vitesse des images-clés et du graphique de vitesse Vous pouvez le faire à l'aide du panneau de vélocité des images-clés. Pour utiliser le panneau de vélocité des images-clés , assurez-vous d' abord d'avoir sélectionné les images-clés Maintenez ensuite la touche Alt ou Option sur Mac et double-cliquez sur l'une des images-clés Cela ouvrira les paramètres de vélocité. Ici, je peux modifier le pourcentage d' influence, qui correspond à ce que nous avons ajusté précédemment dans le graphique de vitesse à 85 % pour les vitesses entrantes et sortantes Dans l'éditeur de graphes, cela donnera l'impression que nous avons ajusté manuellement les images-clés pour obtenir le même effet Il est important de noter que vous ne pouvez pas ajuster simultanément la vélocité des images-clés pour différents types de propriétés Par exemple, si vous sélectionnez images-clés de propriétés d' échelle et de position en même temps, le réglage de vélocité ne s'appliquera qu' à la propriété de l' image-clé sur laquelle vous avez cliqué Pour éviter cela, terminez d'ajuster images-clés d' une propriété avant de passer à une autre Maintenant, pour créer un meilleur effet de match cut, augmentons encore l' influence de la vélocité pour créer une vitesse encore plus grande au milieu de l'animation. Régler l' influence de la vélocité à 95 % ralentira un peu plus le mouvement au début, mais il augmentera ensuite la vitesse au milieu du mouvement et ralentira jusqu' à la vitesse de départ Cela permettra aux couches de se déplacer très rapidement au milieu de l'animation. C'est vrai. Maintenant, pour créer réellement l'effet Match Cut, il suffit de diviser les couches au point où leur vitesse est maximale. Pour ce faire, je vais sélectionner la première couche de texte et aller au moment où la vitesse est maximale. Dans notre cas, comme nous l'avons vu dans l'éditeur de graphes, c'est au milieu de l'animation. Ensuite, j'appuierai sur Alt et le crochet droit pour le recadrer à partir de la fin. Je vais faire de même pour la deuxième couche de texte, en la recadrant du début au même moment Comme les deux couches ont exactement la même vitesse et le même mouvement, cela crée une transition ultra rapide entre elles lors de l'animation de position. Vous pouvez le voir, cela a l'air très fluide et dynamique et c'est super facile à créer. Maintenant, je vais vous montrer comment obtenir cet effet à l'aide d'une animation à l'échelle. C'est à peu près le même processus, mais cette fois j'utilise une animation à l'échelle au lieu de la position. Tout d'abord, je vais sélectionner les deux couches et les aligner au centre de la composition à l'aide du raccourci Shift Home Ensuite, je vais passer au début de la presse d'animation et créer la première image-clé pour les deux avec une valeur de 20 Ensuite, je vais avancer d'une seconde et les agrandir. C'est trop. Essayons 120, peut-être 110. Je vais maintenant ajuster la vélocité. Ensuite, je vais me placer au milieu de l'animation et du premier mot à ce moment-là et recadrer le deuxième mot pour commencer à partir de ce moment précis. Ça y est. Nous avons une belle transition scalable avec Match Cut. La découpe entre les couches correspond à l'animation des deux couches. Pour vous aider à mieux vous souvenir de cette technique, laissez-moi vous montrer comment créer l'effet à l'aide d'une animation de rotation. Je vais d'abord placer les couches dans la même position. Ensuite, je vais créer une animation de rotation similaire pour les deux couches. Ensuite, je vais ajuster la vitesse du mouvement. Enfin, je vais trouver le moment où la vitesse est maximale et recadrer les couches en conséquence. Maintenant que nous avons appris à créer un découpage par correspondance entre les couches, passons au niveau supérieur et voyons comment utiliser ce principe pour créer une transition par correspondance entre deux scènes. Comme vous pouvez le constater, j'ai deux scènes dans ma composition. Il peut s'agir de scènes de votre projet comportant plusieurs couches et différents éléments. Dans la première scène, j'ai une couche de texte rotative. Lors de la deuxième précomposition, j'ai un design différent avec différentes couches Il existe également un objet avec une animation de rotation. Lorsque nous jouons l'animation, vous remarquerez que même si la couche rotative de la première scène est complètement différente de l'objet en rotation dans la deuxième scène, et même si les couleurs et les motifs sont totalement différents, nous obtenons toujours une transition fluide et visuellement agréable. C'est la magie de la technique du match cut et c'est ainsi que vous pouvez l'utiliser pour faire la transition entre les scènes et vos projets. Voyons comment cela se fait. Pour commencer, je vais entrer dans la première scène et la préparer pour la transition. Mais avant cela, je vais fermer toutes les précompositions ouvertes que j'ai ici Supposons maintenant qu'il s' agisse d'une scène de mon projet et que je souhaite créer une transition vers la suivante en utilisant l'effet match cut avec rotation. Je vais commencer par déterminer le moment où la première scène commence à se terminer. À partir de là, je vais créer une animation de rotation pour la couche de texte, comme nous l'avons fait précédemment. Je vais régler la durée à exactement 1 seconde et faire en sorte que la couche effectue une rotation complète. Enfin, je vais ajuster la vélocité. C'est la vitesse de l'animation rend super rapide au milieu du mouvement. Voyons à quoi ça ressemble. Ensuite, je vais passer à la deuxième scène et créer la même animation de rotation pour la couche de forme, en partant du moment exact où l'animation commence dans la première scène. Cela simplifie la démonstration et garantit une transition fluide. Voici le moment où la vitesse de ma silhouette atteint son apogée. Je vais revenir à la composition principale et recadrer cette précomposition depuis le début jusqu'à Ensuite, je vais recadrer la première scène pour terminer à ce point précis. Maintenant, j'ai créé un mouvement continu pour les couches à l'intérieur des deux scènes, ce qui a permis une transition super cool entre les scènes. Voyons à quoi cela ressemble ensemble. Génial. Passons maintenant à l'exemple suivant. Parfois, nous pouvons utiliser des précompositions sous forme de couches pour créer une transition adaptée, comme je l'ai fait ici en utilisant une animation à l'échelle, exactement comme nous l'avons fait avec les couches de texte dans les exemples précédents La différence ici est que nous animons les précompositions elles-mêmes Laissez-moi vous montrer comment je l'ai fait très rapidement. J'ai d'abord sélectionné les deux précompositions et créé la même animation à la même échelle pour les J'ai ensuite ajusté la vélocité et déplacé les images-clés au point où je voulais que la transition commence Après avoir vérifié l' animation à quelques reprises, j'ai placé l' indicateur de temps au milieu du mouvement et j'ai recadré les deux compositions en conséquence. C'est ainsi que nous créons une transition « Match Cut » fluide et évolutive. Nous avons ainsi terminé les exemples de match cut. Passons maintenant à la technique de transition suivante que vous utiliserez fréquemment dans vos projets de motion design, la transition panoramique La transition panoramique est une technique très simple qui consiste à créer un mouvement panoramique pour passer d' une scène à l'autre Il existe de nombreuses approches différentes pour cette transition. Commençons par les principes de base et voyons comment créer une transition panoramique simple entre la première scène et la seconde Supposons que vous travailliez sur un projet et que votre chronologie comporte déjà de nombreuses couches. Certaines couches appartiennent à la première scène tandis que d'autres appartiennent à la deuxième scène. Dans ce cas, vous devez précomposer les couches pour chaque scène Par exemple, précomposons les couches qui constituent la première scène Sélectionnez toutes les couches pertinentes, puis cliquez avec le bouton droit de la souris, choisissez précomposer et nommez-la Scène 1. Je m' assure que les deux fonctions sont sélectionnées, puis je clique sur OK. Procédez ensuite de même pour les couches de la deuxième scène. J'appellerai ça une scène deux. Vous aurez maintenant deux précompositions, que vous pouvez voir dans le projet Avant de poursuivre, je vous recommande d'organiser votre projet en plaçant les précompositions dans un dossier séparé Cela permet de garder les choses propres et faciles à gérer. Supposons maintenant que toute l'action de la première scène se termine à un moment précis. Tout d'abord, je vais sélectionner la précomposition de la scène 1 et appuyer sur P pour ouvrir la propriété position et créer la première image-clé à ce stade Ensuite, je vais avancer d'une seconde sur la chronologie. Maintenant, je peux décider du type de panoramique que je veux. Vous n'avez pas à le déplacer uniquement sur les côtés. Je peux également animer cette pré-composition de haut en bas. Dans ce cas, je vais déplacer la première scène vers la gauche. C'est bon. Maintenant, je vais facilement atténuer les images clés et ajuster la vélocité pour créer un mouvement plus fluide. C'est ainsi que nous créons une transition panoramique de base dans laquelle la première scène sort du cadre pour révéler la seconde Maintenant, rendons les choses un peu plus intéressantes. Faisons entrer la deuxième scène par le côté droit juste au moment où la première scène commence à se déplacer vers la gauche. Pour cela, il n'est pas nécessaire de créer une animation de position pour la deuxième scène. Au lieu de cela, il suffit de le déplacer vers la droite en dehors du cadre. Je vais le placer exactement à côté de la première scène. Ensuite, déplacez l'indicateur de temps jusqu'à un point juste avant le début de l'animation de la première scène et associez la deuxième scène à la première. De cette façon, nous atteignons le mouvement panoramique que nous visons Voici un exemple de création d' une transition panoramique en animant les précompositions Explorons maintenant une autre approche pour créer une transition panoramique agréable Contrairement à l'exemple précédent, cette méthode consiste à animer les couches à l'intérieur des précompositions plutôt que les précompositions elles-mêmes place de cette approche peut prendre un peu plus de temps, mais elle est plus esthétique car vous pouvez créer un décalage entre les mouvements des couches. C'est bon. Voyons comment créer cette transition. abord, je vais dupliquer les scènes que j'ai créées précédemment à partir du panneau Projet afin de pouvoir apporter des modifications aux nouvelles sans affecter les versions d'origine. Commençons maintenant à travailler sur la transition. Je vais d'abord entrer dans ma première scène. Avant de continuer, permettez-moi de changer rapidement le nom des précompositions et le panneau Projet car cette précomposition doit être appelée pré-composition 5 puisqu' il s'agit de la première scène de cette séquence, et cette précomposition Bien, revenons à la transition. Maintenant, je suis dans la précomposition appelée scène 5, la première scène. ' Imaginez que je travaille sur un projet et que je décide que cette scène se terminera à la deuxième seconde. Je vais sélectionner toutes les couches, appuyer sur P pour afficher la propriété de position et ramener l' indicateur de temps à la deuxième seconde, et ramener l' indicateur de temps à la deuxième seconde car c'est là que je veux que la scène se termine. Ensuite, je vais créer une image-clé pour toutes les couches sélectionnées. Ensuite, je vais avancer de 2 secondes jusqu'à la quatrième, car je veux que l' animation d'outtro dure 2 secondes. Je vais faire glisser toutes les couches sélectionnées hors du cadre vers la gauche. Pour améliorer le mouvement, je vais facilement atténuer les images clés et ajuster la vélocité pour un résultat plus fluide. Après avoir vérifié le mouvement, je vais commencer à créer un délai pour les couches. Je veux que les couches les plus proches du côté gauche commencent à se déplacer en premier. Pour une meilleure organisation de la chronologie, je vais aborder cette couche ici. Ensuite, je vais placer la sphère noire la plus proche du côté gauche en dessous et déplacer ses images-clés. 3. Avantages et inconvénients du processus de préparation: Bon retour. Dans cette courte leçon, je souhaite vous présenter les étapes importantes de mon processus de création de designs dans Illustrator avant de les importer dans After Effects. Comme dans la leçon précédente, j'aimerais que vous vous asseyiez, regardiez et écoutiez sans rien faire. Le processus de conception des scènes est extrêmement important, et je suis sûr que vous découvrirez dans Illustrator quelques astuces pratiques que vous avez peut-être manquées. Des astuces qui peuvent réellement vous aider à améliorer votre flux de travail lors de la création de projets de motion design complexes. Commençons par le premier conseil, qui concerne la configuration de votre document. La première chose que j'aime faire est choisir le format du film et de la vidéo. Cette configuration fournit des guides intégrés spécialement pour l'animation , que vous verrez en une minute. Lorsque je crée des scènes, j'aime travailler sur l' ensemble du projet en une seule fois afin de pouvoir voir toutes les scènes côte à côte. Pour cet exemple, je vais nommer le projet TM All scenes où TM signifie transition Mastery. Après avoir nommé le fichier, je vais créer 16 tableaux pour représenter mes scènes. J'en choisis 16 car la plupart des vidéos explicatives se composent de cinq à 20 scènes Plus tard, je pourrai ajouter ou supprimer nos tableaux si nécessaire. Pour l'instant, je n'ai pas besoin de changer quoi que ce soit d'autre, je vais donc appuyer sur Créer. Avant de commencer à travailler, je règle généralement la disposition de mon espace de travail sur Essentials Classic. Cette disposition affiche tous les panneaux nécessaires à mon flux de travail. Maintenant, je veux vous montrer comment ajuster l'aperçu de votre espace de travail au cas où vous n'aimeriez pas l'apparence par défaut de la configuration des films et des documents vidéo. Pour ce faire, je vais accéder au fichier et cliquer sur Configuration du document. Ici, je peux apporter divers ajustements à l'espace de travail. Nous pouvons également accéder à ce panneau en cliquant sur la configuration du document dans l'onglet Actions rapides situé ici. Dans ce panneau, vous pouvez personnaliser les couleurs de la grille. Par exemple, je peux cliquer sur Personnaliser et choisir une couleur pour la première grille. Supposons que je choisisse un gris foncé pour la première couleur de la grille. Après l'avoir sélectionnée, une fenêtre contextuelle apparaîtra pour la deuxième couleur de la grille, dans laquelle je choisirai le même gris foncé. La grille a maintenant un aspect uniforme subtil. Dans cet exemple, je vais rétablir les couleurs par défaut de la grille et passer au réglage de l' espacement du plan de travail heure actuelle, tous les plans de travail sont trop rapprochés, ce que je n'aime pas car je préfère avoir plus d'espace pour concevoir mes scènes Pour répartir les plans de travail, je vais revenir à la configuration du document et cliquer sur Modifier les plans de travail Ensuite, dans le panneau d'accès rapide, je vais cliquer sur le bouton Tout réorganiser Ici, je peux ajuster le nombre de colonnes et l'espacement entre les plans de travail Réglons l'espacement à 500 pixels. Désormais, toutes les cartes R sont distantes de 500 pixels. Si je souhaite modifier l'espacement, je peux simplement entrer à nouveau dans le menu Réorganiser tout et l'ajuster Par exemple, je pourrais le régler sur 300 pixels ou même 200 pixels, selon ce qui convient le mieux à mon flux de travail. Une fois que je suis satisfait de la configuration, il est temps de sauvegarder le fichier. À ce stade, je vais créer un nouveau dossier sur mon ordinateur appelé AI pour stocker tous les fichiers Adobe Illustrator de ce projet. Après avoir nommé le fichier et vérifié qu'il est enregistré sous forme de fichier AI, je clique sur Enregistrer, puis OK. C'est tout pour cette étape. Passons maintenant au deuxième conseil, qui concerne le processus de conception. Au début de mon processus de conception, je ne travaille généralement qu'avec deux couches, l'une pour l'arrière-plan et l' autre pour les graphismes. Garder les choses simples à ce stade m'aide à rester organisée. Plus tard dans les leçons, j'expliquerai quand et comment nous pouvons diviser les couches de manière très efficace. Un autre conseil important pour le processus de conception consiste gérer des scènes continues que vous souhaitez voir côte à côte. Par exemple, dans ce cas, je souhaite créer une autre scène qui continue à partir de la première. Pour ce faire, j'utilise le RBardTol et je sélectionne toutes les cartes R dans le panneau Arboards les déplacer vers Ensuite, je vais cliquer sur un tableau R pour désélectionner tous les tableaux R, puis sélectionner uniquement ceux que je souhaite déplacer Tout en maintenant la touche Maj enfoncée, je sélectionne les trois cartes R dont j'ai besoin, puis je maintiens la touche Alt ou Option enfoncée sur Mac pour les dupliquer et déplacer les copies vers la nouvelle position. Parfois, lorsque vous déplacez des cartes R, vous pouvez sélectionner accidentellement des couches inutiles. Ne t'inquiète pas. Passez simplement à l'outil de sélection, sélectionnez les couches dont vous n'avez pas besoin dans la nouvelle scène et supprimez-les. Je peux maintenant continuer à concevoir la scène suivante appartenant à cette séquence d'animation. Visuellement, cette approche est très organisée et elle m' aide à imaginer les transitions je peux créer au sein de la séquence. Maintenant, laissez-moi vous montrer quelques erreurs courantes que vous pourriez rencontrer au cours de ce processus. Par exemple, après avoir sélectionné les plans de travail que vous souhaitez déplacer, il est facile d'oublier que vous utilisez l' outil de plan de travail et de créer accidentellement de nouveaux Pour éviter cela, vérifiez vos sélections et supprimez les plans de travail inutiles de la liste Vous pouvez ensuite passer à la création de votre scène. Si vous devez ajuster la position de vos cartes R, sélectionnez-les toutes à nouveau et déplacez-les pour qu'elles s' alignent parfaitement sur les scènes précédentes. Cela garantit que tout reste net et visuellement cohérent. C'est bon. Passons à autre chose. Maintenant, laissez-moi vous montrer ce qu'il faut faire après avoir terminé la conception de vos scènes. Comme vous vous en souvenez, nous n'avons travaillé qu'avec deux couches jusqu'à présent, mais le moment est diviser les couches pour chaque scène. Cela vous permet de disposer des couches appropriées pour chaque scène individuelle. Voici comment je m'y prends. Tout d'abord, pour faciliter le travail, je vais extraire ce panneau de la zone grise et le déplacer dans cette section de l'interface. Je souhaite maintenant séparer chaque élément de contenu graphique dans sa propre couche. Vous pouvez le faire manuellement, mais laissez-moi vous montrer une astuce utile. Avant de scinder les couches, assurez-vous qu'aucune d'entre elles n'est groupée Après m'être assuré que tout est dissocié, je peux sélectionner la couche contenant tous mes graphiques Ensuite, je vais cliquer sur le menu Hamburger pour ouvrir les options du panneau et sélectionner Release to Layers Sequence Illustrator sépare désormais le contenu de cette couche en couches individuelles. Ensuite, je vais sélectionner toutes ces nouvelles couches et les faire glisser hors de la couche d'origine. Cela laissera une couche vide, que je peux reconnaître car il n'y a plus la petite flèche Ica à côté. Une fois confirmé, je supprimerai cette couche vide. Génial. Je vais maintenant répéter le même processus pour les couches d'arrière-plan, sélectionner la couche, libérer les couches, déplacer les nouvelles couches et supprimer la couche vide. Je peux maintenant regrouper les couches appartenant à chaque scène. Ce regroupement sera très utile à l'étape suivante où nous importerons chaque tableau dans After Effects. Vous allez bientôt comprendre pourquoi cette étape est importante. Par exemple, j' ai maintenant un groupe qui inclut toutes les couches créant la première scène. Je vais répéter ce processus pour le reste des scènes. D'ailleurs, le raccourci pour regrouper les couches est Contrôle ou Commande sur Mac plus G. Vous ne comprenez peut-être pas exactement pourquoi nous organisons le fichier de cette façon, mais soyez indulgent. Tout aura du sens dans un instant. Je vais accélérer ce processus pour le moment. Une fois que j'ai regroupé les couches pour chaque scène, je me débarrasse de toutes les couches vides créées pendant le processus de regroupement. Comme indiqué précédemment, vous pouvez identifier une couche vide car elle ne comporte pas la petite icône en forme de flèche à côté. Permettez-moi également d'accélérer ce processus. Génial. J'ai maintenant 21 couches qui représentent chaque scène. Ensuite, je vais ouvrir le panneau du plan de travail et placer à proximité du panneau des calques pour en faciliter l'accès Je dois m'assurer que les plans de travail sont dans le bon ordre. heure actuelle, par exemple, si je clique sur la cinquième scène, elle apparaît comme le 16e plan de travail du panneau Cela créera des problèmes plus tard au cours du processus de sauvegarde, il est important de résoudre ce problème dès maintenant. Pour réorganiser les plans de travail, je vais sélectionner la scène souhaitée dans le panneau Calques et Illustrator mettra en évidence le plan de travail correspondant dans le panneau dans le Je vais ensuite faire glisser le plan de travail dans la bonne position. À ce stade, je sélectionne les dessins tout en regardant le panneau du plan de travail pour voir si le plan de travail sélectionné correspond à l'ordre de la scène de mon projet Lorsque je constate que les plans de travail ne correspondent pas à l'ordre de mon design, je les déplace dans le bon ordre dans le panneau Plan de travail Une fois que les Rboards seront dans le bon ordre, je les renommerai pour une meilleure organisation. ne me reste plus qu'à sélectionner l'arboard, à double-cliquer dessus et à le renommer avec le nom correct suivant l' ordre chronologique de À ce stade, nous pouvons cliquer sur chaque scène et vérifier le panneau Arboard pour vérifier que les scènes sont dans le bon ordre Tout est organisé, je vais enregistrer les plans de travail sous forme de fichiers Illustrator distincts Pour l'instant, les noms des couches n'ont pas d'importance, car nous pourrons y remédier à l'étape suivante. Pour enregistrer le document sous forme de fichiers Illustrator distincts, je vais accéder au fichier et cliquer sur Enregistrer sous. Je vais choisir de l' enregistrer sur mon ordinateur, sélectionner le dossier dans lequel je souhaite stocker les fichiers séparés, les cartes R, et de continuer à partir de là. Ensuite, je vais choisir un autre nom pour le document sur lequel je travaille actuellement. Ensuite, je vais m'assurer de l' enregistrer sous forme de fichier Illustrator. Après avoir cliqué sur Enregistrer, je choisirai l'option permettant d'enregistrer chaque tableau de bord dans un fichier distinct Je vais sélectionner toutes les cartes R et appuyer sur OK. Maintenant, je vais attendre que le processus de sauvegarde soit terminé. Maintenant, lorsque j'ouvre le dossier, je vois tous les plans de travail séparés enregistrés sous forme de fichiers Illustrator individuels Le premier fichier sera toujours une copie du document original, celui qui inclut toutes les scènes sur lesquelles nous venons de travailler. Cependant, dans ce cas, je n'aime pas les noms des fichiers Illustrator. Je veux que les noms représentent les scènes. Pour résoudre ce problème, je vais rouvrir le fichier d'origine et fermer les fichiers nouvellement créés Ensuite, je supprimerai tous les fichiers Illustrator que je viens d'enregistrer et je reviendrai pour changer le nom des cartes R. Il est important pour moi de vous montrer ces étapes car je veux que vous travailliez de manière très organisée. Je veux également que vous soyez conscient des erreurs vous pourriez commettre et que vous sachiez comment les corriger avant qu'il ne soit trop tard, exemple en le découvrant pendant la phase d' animation, ce qui pourrait complètement gâcher le projet, surtout si vous avez déjà animé quelques scènes. Après avoir renommé les Rbards, j'appuierai sur Ctrl ou Commande sur Mac Plus pour enregistrer les modifications apportées au document Ensuite, je vais enregistrer à nouveau chaque Rboard dans un fichier séparé, comme je l'ai fait plus tôt Maintenant, j'ai tous les fichiers enregistrés de manière très organisée. L'un des fichiers restera le même que mon document d'origine, je peux donc le supprimer si je le souhaite. Avant cela, je vais fermer Illustrator pour éviter toute confusion, puis supprimer le fichier dupliqué car je n'ai pas besoin de deux copies de celui-ci. Avant de commencer le processus d'importation dans After Effects, je souhaite créer un nouveau dossier spécialement pour les fichiers de plan de travail qui représentent les scènes Cela m'aide à rester organisé, car le dossier AI principal peut également contenir d'autres fichiers Illustrator pour le projet. Le fait de séparer le fichier de scène garantit que tout est facile à trouver. Maintenant que j'ai préparé tous les fichiers de conception pour l'animation, nous sommes prêts à passer à la phase d'animation. C'est ici que vous pouvez enfin saisir votre souris et me rejoindre pour créer une vidéo explicative complète à partir de zéro, concentrant sur l'apprentissage de différentes approches pour créer des transitions fluides Ça va être génial, on se voit là-bas. 4. Transition zoom complexe dans un espace 3D: Bonjour. Nous allons maintenant nous plonger dans After Effects pour commencer à animer nos scènes C'est dans cette leçon que vous allez commencer à travailler à mes côtés. Il est important de mentionner que nous allons commencer par créer les transitions les plus complexes pour les premières scènes du projet, puis passer aux plus simples. Je l'ai structuré de cette façon pour tirer parti de votre niveau de concentration initial au début du cours. Cela dit, assurons-nous que nous sommes tous sur la même longueur d'onde en ce qui concerne les paramètres du logiciel. Tout d'abord, cliquez sur l'espace de travail par défaut pour voir la même disposition des panneaux que la mienne. Ensuite, allez dans Modifier les préférences et cliquez sur Général. Assurez-vous que tous les paramètres correspondent aux miens. Une fois cela fait, veuillez régler la langue de votre ordinateur sur l' anglais afin que tous les raccourcis que nous utiliserons fonctionnent correctement. C'est bon. Créons maintenant notre première composition. Nous pouvons l'appeler Master Comp. Nous travaillerons en résolution Full HD 1920 x 1080 avec une fréquence d'images de 30 images par seconde. Comme nous ne connaissons pas la durée de la vidéo finale, fixons-la à 3 minutes à partir de maintenant. Vous pouvez laisser la couleur d'arrière-plan de l' aperçu en noir, puis cliquer sur OK. Maintenant, avant d'importer les dessins, je recommande d'enregistrer le projet pour activer la fonction d'enregistrement automatique en cas de panne du projet Passons au fichier et cliquez sur Enregistrer. Maintenant, créons un nouveau dossier appelé AE, puis saisissons-le pour enregistrer le projet ici. Appelons ce projet TM Project. Une fois terminé, cliquez sur le bouton Enregistrer. Lorsque je travaille sur des projets complexes, j'aime ouvrir le fichier de conception principal pour voir toutes mes scènes au même endroit. Cela m'aide parfois à trouver de nouvelles idées pour les transitions entre les scènes. Pour commencer, travaillons sur ces deux séquences animées qui constituent la première scène de notre projet. Pour l'instant, je vais importer uniquement ces deux modèles, pas tous les modèles que j'ai. Maintenant, avant d'importer les deux fichiers dans After Effects, je vais ouvrir les fichiers et ajuster les calques. Notez que cela n'est pas nécessaire car vous disposez déjà des fichiers de conception finalisés. À ce stade, écoutez et regardez comment je prépare ces fichiers pour l'animation. Nous les importerons bientôt ensemble dans After Effects. C'est à ce moment que je peux travailler individuellement et ajuster les couches chaque dessin plutôt que de gérer toutes les couches de tous les modèles dans un seul document. À mon avis, il s'agit d'une méthode de travail très efficace. Cela vous permet de vous concentrer sur chaque scène et de gérer plus facilement un document comportant moins de couches plutôt que de naviguer dans un fichier encombré Par exemple, dans cette conception, je vais séparer les couches sphériques des couches linéaires, car j'en aurai besoin sur des couches distinctes pour créer la transition que j'ai prévue pour cette scène. Cependant, lorsque j'essaie de séparer les couches comme nous l'avons fait précédemment, cela ne fonctionne pas car les graphiques sont toujours groupés. Pour résoudre ce problème, je vais abord dissocier tous les graphiques de la couche Ce n'est qu'alors que je peux utiliser la fonction pour séparer les graphiques en couches individuelles. Maintenant, je vais déplacer toutes les couches hors de la couche principale. Une fois cela fait, je peux supprimer les couches vides qui ne sont plus nécessaires. À ce stade, vous pouvez nommer les couches pour les organiser. Dans mon cas, je ne le ferai pas car nous allons recréer cette scène à partir de zéro avec After Effects Parfois, si une scène est composée de formes géométriques simples, je préfère la créer directement dans After Effects. C'est une bonne habitude à développer car elle peut vous faire gagner beaucoup de temps dans de futurs projets. Bien entendu, nous pouvons également animer les couches à partir des fichiers Illustrator si nécessaire. Mais dans cette leçon, je tiens à vous encourager à vous familiariser création de scènes à partir de zéro et avec Aftereffects. Il s'agit d'une compétence inestimable pour rationaliser votre flux de travail. Je vous montre ce processus dès maintenant, car il existe des scènes que nous ne pouvons pas créer à partir de zéro et avec After Effects. J'utilise cette scène simple pour expliquer le processus de préparation d'une scène individuelle afin que vous puissiez mieux la comprendre. Permettez-moi de revoir le processus une fois de plus pour la première scène également. Après avoir dissocié le dessin, je peux séparer les couches, puis les extraire de la couche principale et la supprimer Il est très important que vous appuyiez sur Controls pour enregistrer les fichiers après les avoir ajustés avant de les importer dans After Effects. Pour ces deux scènes spécifiques, ce n'est pas aussi crucial car nous les créerons à partir de zéro et avec After Effects, mais il est bon de prendre l'habitude pour les autres scènes. Bien, après avoir enregistré les dessins, importons les fichiers dans After Effects. Maintenant c'est à ton tour de saisir la souris et de le faire avec moi. La première chose que vous devez savoir est que vous ne pouvez pas importer plus d' un fichier à la fois. Si vous le faites, After Effects les importera sous forme de calque plat, sans les calques séparés que nous venons de préparer. Si vous le faites accidentellement, appuyez sur Ctrl Z ou Commande Z sur Mac pour annuler et importer chaque fichier un par un. Lorsque vous faites glisser le fichier dans After Effects, une fenêtre contextuelle vous demande comment vous souhaitez importer le fichier Illustrator. Nous ne voulons pas qu'il s'agisse d'une couche aplatie, nous ne choisirons donc pas Nous allons plutôt sélectionner la composition. Cette option importe toutes les couches et crée automatiquement une précomposition pour le fichier contenant toutes les couches. Ensuite, il vous sera demandé si vous souhaitez importer le fichier avec la couche ou la taille du document. Voici la différence. Taille du document, les limites des couches correspondront aux dimensions du document d'origine. Cela peut rendre l'animation plus difficile. En termes de taille de couche, les limites s'adaptent au contenu spécifique de chaque couche, ce qui facilite grandement l'animation. Assurez-vous de choisir la taille de couche pour ce projet. Génial. Passons maintenant à la deuxième scène également. Pour que le panneau de projet reste organisé, j'aime cliquer ici pour trier les actifs par ordre. Ensuite, je marque ma composition principale avec une couleur distincte pour la différencier des autres compositions que je créerai à l'avenir. C'est le bon moment pour appuyer sur Controls ou sur Command S pour enregistrer votre progression. Prenez l'habitude d'économiser toutes les quelques minutes. Passons maintenant à la première scène et examinons ce que nous avons. Vous remarquerez qu'il peut sembler un peu différent du mien. Si je déplace les couches, vous verrez que dans mon projet, les couches sont recadrées, alors que dans le vôtre, elles ne le sont pas C'est parce que vous travaillez avec la version fixe. Je vais vous montrer comment je l'ai réparé. Dans de tels cas, il vous suffit de revenir à votre design Illustrator et de déplacer toutes les couches situées en dehors la scène dans les limites de visibilité. Une fois cela fait, enregistrez le projet. Lorsque vous revenez dans After Effects, les couches ne sont pas recadrées et sont prêtes à être animées C'est bon. Commençons maintenant à animer cette scène. Comme je l'ai mentionné précédemment, vous pouvez utiliser les fichiers Illustrator et la scène prédéfinie pour l'animer, et nous le ferons pour les prochaines scènes de ce projet Mais comme je veux vous apprendre à tirer le meilleur parti d'After Effects, j'aimerais que vous appreniez à créer des scènes simples à partir de zéro. Cette compétence vous permettra de gagner beaucoup de temps dans vos futurs projets. Pratiquons cette approche ensemble. Nous pouvons sélectionner la précomposition ici et l'utiliser comme petite fenêtre de référence pour voir à quoi devrait ressembler la scène Pour commencer, créons une sphère grise sans trait. Maintenant, changez sa taille en 300. Si ces propriétés ne s'affichent pas, c'est probablement parce que vous utilisez une ancienne version d'After Effects. Dans ce cas, vous pouvez trouver tous ces paramètres en ouvrant les propriétés de la couche. Voici la taille de la forme. Génial. Sélectionnez ensuite la couche et appuyez sur Entrée pour la renommer en sphère 1 Dupliquez maintenant la couche quatre fois pour créer cinq sphères, car le dessin comporte cinq sphères de couleurs différentes. Déplaçons la nouvelle sphère ici et poursuivons ce processus quatre fois de plus. C'est bon. Maintenant, colorons chaque sphère. Vous pouvez modifier la couleur à partir de ce panneau ou en utilisant l' outil Eyedropper pour échantillonner les couleurs directement à partir du dessin Répétez ce processus pour le reste des sphères. Génial. Maintenant, déplacez les sphères vers le haut et créez une nouvelle couche solide blanche qui servira de couche d'arrière-plan. Cliquez donc avec le bouton droit de la souris ici, allez sur Nouveau et sélectionnez solide. Nommez-le BG one. Échantillonnez la couleur du dessin et assurez-vous que la taille correspond à la composition. Génial Créons ensuite le titre de cette scène. Sélectionnez l'outil de texte et tapez. Bienvenue Remplacez-la par la bonne police, qui dans notre cas est Poppins bold, qui se trouve dans les polices préinstallées et After Mais si vous ne le trouvez pas, vous pouvez l'activer depuis Adobe Fonts ou le télécharger gratuitement depuis Google Fonts. Bien, revenons au projet. Maintenant, pour trouver la bonne taille, vous pouvez accéder au dessin, double-cliquer sur le texte, et maintenant je peux voir la bonne taille. Revenons à After Effects. Modifions la taille de police à 50. Accédez au panneau des paragraphes et alignez le texte au centre. Assurez-vous ensuite que l'orientation du texte est réglée de gauche à droite. Si vous ne voyez pas ces panneaux, vous les trouverez dans le menu de la fenêtre. Alignez maintenant le texte au centre de la composition à l'aide de l'outil d'alignement et centrez le point d'ancrage Pour ce faire rapidement, maintenez la touche Ctrl ou Commande enfoncée sur Mac et double-cliquez sur l'outil AnchorPoint Génial Nous sommes maintenant prêts à préparer la scène pour l'animation. Mais d'abord, appuyez sur V pour revenir à l' outil de sélection. C'est bon. Nous allons maintenant animer la scène dans un espace en trois D. Créons d'abord une nouvelle caméra. Maintenant, utilisez une caméra à un nœud avec un objectif de 35 millimètres et appuyez sur OK. After Effects vous invite indiquer qu'il n'y a pas trois calques dans la scène, cliquez sur OK et convertissez les calques existants en trois Si vous ne voyez pas l'icône des trois dysfonctionnements, cliquez ici pour l'activer Convertissez toutes les couches à l' exception de la couche d'arrière-plan , que nous pouvons verrouiller pour le moment. Enregistrez le projet avant de poursuivre. Maintenant, répartissons les couches pour créer le look souhaité. Pour ce faire, nous allons travailler avec deux points de vue. Assurez-vous d'utiliser le moteur de rendu 3D classique. Si ce n'est pas le cas, appuyez sur Ctrl K pour ouvrir les paramètres de composition. Passez ensuite au moteur de rendu 3D et modifiez le paramètre à partir de Maintenant, sélectionnons la vue de gauche et définissons-la sur la vue du haut. C'est l'un des angles les plus pratiques pour disposer votre caméra et les couches de la scène. Utilisez cette vue pour commencer à répartir les couches dans un espace en trois D tout en référençant le dessin Gardez un œil sur votre fenêtre de référence en haut de l'écran lorsque vous déplacez les sphères pour qu'elles correspondent à la disposition. Si votre aperçu ne ressemble pas au mien, sélectionnez la vue et configurez-la comme il convient. Et maintenant, continuez à ajuster les sphères en utilisant les deux vues. La vue de dessus est idéale pour déplacer les couches le long de l'axe Z plus près ou plus loin de la caméra. La vue active de la caméra est préférable pour déplacer les couches vers le haut, vers le bas ou sur les côtés. Dupliquons celui-ci. Je vais également dupliquer celui-ci. Parfois, nous pouvons utiliser les valeurs des propriétés de position de la couche pour déplacer les couches. Dupliquons celui-ci. s'agit d'un bon exemple où il est beaucoup plus pratique de modifier les valeurs de la couche pour trouver la bonne position pour la sphère. Maintenant, dupliquons également le noir. Je vais également dupliquer celui-ci. Dupliquons également le bleu. Je vois que nous avons une sphère bleue brillante qui doit être éloignée de la caméra. Dupliquons celui-ci et plaçons le nouveau à l'arrière. Maintenant, je vois que nous avons une autre sphère qui doit être placée loin à l'arrière. Il fait sombre. Revenons à After Effects et dupliquons celui-ci. Maintenant, placons-le loin à l'arrière. Si je fais un zoom arrière dans la vue supérieure, je peux voir la position des couches depuis le haut et leur distance les unes par rapport aux autres. C'est bon. Fermons maintenant les couches et enregistrons le projet avant commencer à animer la scène Génial. Maintenant que notre scène est prête pour l'animation, nous pouvons retourner au travail avec une vue et enfin commencer à animer la scène Pour animer l'introduction de cette scène, nous allons utiliser la technique d' animation inversée Comme nous savons que toutes les couches doivent être exactement comme elles le sont actuellement, je vais passer, disons, à la marque des deux secondes et créer une image-clé pour la position des sphères Sélectionnons-les tous, appuyons sur P et créons une image-clé. Ensuite, je vais revenir au début de la chronologie et déplacer toutes les sphères vers le centre de la composition. L'utilisation de l'outil d'alignement ne fonctionnera pas puisque nous avons affaire à trois couches en D, mais j'ai une astuce intéressante. Nous pouvons définir la valeur de l'axe Z à zéro pour toutes les couches , puis les aligner manuellement au centre à l' aide de la grille de sécurité des titres. Activons la grille d'action sécurisée et utilisons-la pour trouver le centre du cadre. Nous pouvons désactiver la couche de texte pour le moment et continuer à ajuster la position de toutes les sphères. Nous avons une animation de position fluide. Animons ensuite l'échelle des sphères en utilisant la même technique d'animation inversée Au bout de deux secondes, je créerai une image-clé pour la valeur d'échelle actuelle car je sais qu' à ce stade, les sphères doivent ressembler à ce qu'elles sont actuellement Ensuite, je reculerai dans le temps et mettrai la valeur de l'échelle à zéro. Si votre ordinateur n'est pas très puissant, vous pouvez réduire la qualité de l'aperçu pour améliorer les performances. Essayez de le régler sur un quart si cela ne suffit pas. Je vais le ramener à son état complet Maintenant, je désélectionne toutes les couches et j'appuie deux fois sur vous pour réduire l' affichage de l'image-clé de toutes les Prévisualisons ce que nous avons créé. Je pense que ça a l'air bien et que nous pouvons passer à autre chose. Comme nous avons réparti ces sphères dans l'espace tridimensionnel, chaque sphère étant positionnée différemment le long de l'axe Z, le déplacement de la caméra crée un effet de parallaxe intéressant, comme je l'ai mentionné plus tôt C'est bon. Appuyons plusieurs fois sur Ctrl ou Commande ZA pour que tout revienne à la normale et commençons maintenant à créer la transition pour la scène suivante où nous voyons le petit graphique et le texte en dessous. Pour cela, nous allons utiliser une animation Zoom in avec la caméra et animer quelques sphères pour les relier à la scène suivante Pour commencer, rétablissons la couche de texte et passons à deux vues pour mieux positionner les couches. Maintenant qu'il y a un autre titre dans la scène suivante, je vais dupliquer le calque de texte actuel et déplacer légèrement vers l'arrière le long de l'axe Z, en le plaçant quelque part à l'arrière. C'est à ce moment que nous créerons la deuxième scène. Pourquoi ce poste précis ? Honnêtement, je suppose qu' y a pas de bon ou de mauvais choix ici C'est le but de l'animation  : expérimenter, apporter des ajustements et affiner selon les besoins. Les erreurs font partie du processus, alors ne vous en faites pas. C'est grâce à eux que nous apprenons et que nous nous améliorons. D'accord. Regardons maintenant notre référence et déplaçons certaines couches aux positions nécessaires pour la scène suivante. Dans ce cas, nous devons déplacer quatre sphères. Commençons par celui-ci, maintenons la touche Ctrl ou Commande sur Mac, et continuons à sélectionner trois autres sphères. Assurez-vous de sélectionner les bonnes sphères colorées. C'est là que le petit panneau de référence situé au-dessus du panneau de projet est utile. Une fois sélectionnés, placons-les ici pour avoir une chronologie organisée. Nous pouvons également les étiqueter de différentes couleurs pour indiquer qu'ils seront utilisés dans la scène suivante. C'est bon. Désactivons maintenant la première couche de texte et modifions le texte du second titre. Copiez le texte du dessin et assurez-vous que les détails sont corrects. Dans notre cas, tous les détails sont corrects, puisqu'il s'agit d'une copie du premier titre qui doit ressembler exactement à celui-ci. Ensuite, ajoutons la ligne que nous voyons dans la scène. Pour le trouver, je vais rechercher dans les couches de la deuxième scène. Je pense que c'est celui-ci. Pour confirmer, nous pouvons double-cliquer sur la couche pour la prévisualiser. Activons l' arrière-plan transparent dans l'aperçu, et comme vous pouvez le voir, c' est la couche dont nous avons besoin. Maintenant, faisons-le glisser dans la composition. Pour l'animer, nous pouvons le convertir en couche de forme. Ensuite, supprimez le fichier Illustrator et renommez-le stroke Marquons-le également en violet pour indiquer qu'il appartient à la deuxième scène. Convertissons maintenant cette forme en une couche tridimensionnelle et déplaçons-la dans la même position sur l'axe Z que le titre de la deuxième scène Pour ce faire précisément, vérifiez la valeur de l'axe X de la couche de titre et définissez la même valeur pour la couche de traits Pour vous faciliter la tâche, nous pouvons le remplacer par un nombre arrondi dont nous nous souviendrons, puis définir ce nombre pour la couche de traits. Génial Ensuite, ajustons la position. Amenez légèrement le calque de titre vers le bas et déplacez le calque de trait vers le haut Sympa. Nous venons de terminer la préparation de la deuxième scène. Nous pouvons maintenant commencer à travailler sur la transition. Mais avant cela, créons une jolie animation d'introduction pour le premier titre en utilisant la propriété scale Alors, désactivons d'abord les couches de la deuxième scène et activons le premier titre. Maintenant, pour démarrer l'animation de cette couche de texte, passons au début de la chronologie. Isolez la couche, activez l'arrière-plan transparent et revenez au mode de travail avec une seule vue pour vous concentrer sur l'animation. Et maintenant, créons une animation d'introduction contextuelle sympa. Créez la première image-clé avec les échelles définies à zéro. Passez ensuite à 1 seconde et définissez la valeur sur 100. Ensuite, à l'image 15, au milieu de cette animation, augmentez-la jusqu'à 150 ou peut-être même 200. C'est bon. Maintenant, allégeons facilement les images-clés. Désormais, au lieu d'ajuster la vélocité manuellement dans l'éditeur de graphes, nous pouvons utiliser une méthode plus rapide. Sélectionnez les images-clés, maintenez la touche Alt ou Option enfoncée sur Mac, puis double-cliquez sur l'une d'entre elles pour ouvrir le panneau de vélocité Réglez la vitesse d'entrée et de sortie à 85 %. Voyons à quoi ça ressemble. OK, je trouve que ça a l'air sympa. Maintenant, ajustons également l'animation des sphères. Notre objectif est de synchroniser l'animation des sphères avec l' animation contextuelle du texte. Alors, commencez par les placer toutes en solo pour vous concentrer sur leur animation , puis appuyez sur P pour ouvrir la propriété position et voir toutes les images clés que nous avons ici. Simplifiez facilement toutes les images-clés de position et, cette fois, utilisez l'éditeur de graphes pour que l'animation démarre rapidement, puis ralentisse à la fin Voyons ce que nous avons. Génial. Ajustons maintenant l'animation de l'échelle pour les sphères. Sélectionnez toutes les images-clés de l'échelle et créez la même animation que celle que nous avons faite pour la position Regardons-le encore une fois. Je pense que ça a l'air bien. Maintenant, chronométrons l' animation de la scène. Je veux que les sphères entrent dans la scène après l'animation du titre. Pour ce faire, examinons d'abord les images-clés que nous avons créées pour toutes les couches Assurez-vous qu'aucune couche n'est sélectionnée et appuyez sur vous. visualisation de toutes les images-clés de toutes les couches nous aidera à chronométrer le texte et l' animation des sphères. C'est bon. Sélectionnons toutes les couches de sphères et trouvons le bon moment dans la chronologie pour leur entrée dans la scène. Nous pouvons également utiliser la première couche de texte en solo. Ensuite, nous devons regarder l'animation de la couche de texte et ajuster le timing des sphères en conséquence. Déplaçons les sphères ici et revoyons l'animation plusieurs fois pour voir si elle vous convient. Je pense que nous pouvons déplacer l'animation des sphères pour commencer à partir de l'image numéro 20. Maintenant, j'ai l'impression que le texte active les sphères , et c'est exactement l'effet que je recherche. C'est bon. Ramenons tout à la normale et commençons à travailler sur la transition vers la scène suivante. Pour commencer, nous allons animer les sphères qui doivent apparaître dans la deuxième scène Décidons que la transition commence au bout d'une seconde. Sélectionnons les quatre sphères et appuyons sur P pour voir leur position dans les images clés. Un petit conseil. Lorsque des couches passent d'une scène à l'autre, créez toujours une petite pause entre leur première animation et leur prochain mouvement Dans notre cas, je ne commencerai pas à déplacer les sphères vers leur nouvelle position immédiatement après la fin de leur première animation. Je vais plutôt donner quelques images de pause en créant une image-clé ayant la même valeur que la dernière Ce n'est qu'après cela que j'avancerai, disons 2 secondes et que je commencerai à déplacer les sphères vers leurs nouvelles positions. Fixons la valeur de l'axe X pour les sphères à 3 333, car elle correspond à la valeur du deuxième titre et de la couche de traits. Maintenant que l'axe Z est défini pour les sphères, nous pouvons les déplacer vers le haut, le bas, gauche ou la droite pour les positionner approximativement là où elles doivent être Ce faisant, je garde toujours un œil sur la référence pour m'assurer que chaque sphère est correctement placée. Commençons par déplacer les sphères et essayons de les placer dans la bonne position à l'aide de la référence. Bientôt, nous traiterons également de leurs tailles. C'est ainsi que j'aime travailler lorsque j'ai affaire à un tas de couches. Je crée d'abord une animation initiale pour une propriété, puis je crée une animation pour une autre propriété si nécessaire. Ce n'est qu'après cela que j'améliorerai l'animation en ajustant la vélocité et le timing de l'animation que j'ai créée. Une fois l' animation de position terminée, passons à l' animation d'échelle pour les sphères. Comme pour la position, je vais commencer par créer une courte pause en définissant la même valeur d'échelle à ce moment-là. Ensuite, j' avancerai de 2 secondes et j'ajusterai l' échelle en fonction du design. Je pense qu'une valeur de 20 fonctionne bien pour le moment. Ensuite, appuyez sur vous pour afficher toutes les images-clés et affiner les images-clés de dernière position pour obtenir l'apparence souhaitée. C'est bon. Je trouve que ça a l'air génial. Nous pouvons maintenant passer à la création de l'animation de caméra pour la transition de la première scène à la seconde. Commençons l' animation de la caméra au point où les quatre sphères commencent à se déplacer vers le trait de la deuxième scène. Avancez ensuite de 2 secondes et rapprochez la caméra des couches de la deuxième scène en ajustant la position de l'axe. Pour l'instant, plaçons la caméra quelque part par ici. Si nécessaire, vous pouvez également ajuster la position large pour un meilleur alignement. Supprimons ensuite la sphère qui ne devrait pas être visible lorsque nous voyons déjà la deuxième scène. Pour ce faire, rendez-vous au point où la caméra commence bouger car c'est le point où nos quatre sphères commencent à bouger, et c'est à ce moment que la transition commence. Ce sera le moment d'animer la sphère indésirable que nous avons dans la deuxième scène Dans notre cas, c'est au bout de trois secondes. Créez une image-clé pour la position de cette sphère, puis avancez de 2 secondes et déplacez la sphère hors de vue en ajustant sa valeur d'axe Génial. Nous pouvons maintenant enregistrer le projet et passer à autre chose. Nous allons maintenant commencer à finaliser la deuxième scène. Par exemple, ajustons l'animation des quatre sphères de cette scène. Je souhaite corriger la position finale d' une sphère car elle n'est pas alignée avec la couche de traits. Pour ce faire, nous pouvons diminuer l'opacité de toutes les sphères et ajuster leurs images-clés de position finale De cette façon, je peux facilement voir si les sphères sont alignées avec le trait. Une fois cela fait, ramenez l' opacité à 100. Appuyez maintenant sur S pour ajuster l' échelle des sphères. À mon avis, ils sont trop gros en ce moment. Une valeur de 15 semble bien meilleure. C'est bon. Passons maintenant au fait que même si nous plaçons la couche de traits en dessous de toutes les couches de la chronologie, elle apparaîtra toujours au-dessus de celles-ci dans la scène. Cela se produit parce que nous travaillons avec trois couches en D et que dans trois couches en D, l'ordre des couches dans la chronologie n' a aucun effet sur la scène. Ce qui détermine l'apparence dans la scène, c'est la valeur de la position Z. Pour résoudre ce problème, nous devons déplacer la couche de contour d'un pixel vers l'arrière le long de l'axe Z. Ce réglage assure sa place derrière les sphères. Revenons à une vue pour voir à quoi elle ressemble. Comme vous pouvez le constater, il arrive un moment où la sphère bleu clair entre en collision avec le trait pendant quelques images Cela se produit parce qu' à ce moment-là, les positions des axes sont les mêmes. Ce n'est pas du tout un problème car nous pouvons ajuster le chemin de position de la sphère. Laissez-moi vous montrer comment faire. abord, nous devons trouver le moment où la collision se produit. On dirait que c'est par ici. Cette sphère se déplace derrière le trait et avant d'atteindre sa position finale, elle passe par le trait. Pour résoudre ce problème, reculons de quelques images et déplaçons cette sphère vers le haut pour qu'elle passe par-dessus le trait au lieu de le traverser. Voyons si nous réglons le problème. Il m'est très difficile de le voir clairement, alors sélectionnons la vue de gauche et changeons-la pour l'un des angles latéraux. Imaginons la vue de gauche et observons ce qui se passe sous cet angle. Ici, nous pouvons voir la caméra regarder le trait et la sphère. Faisons attention à la vue de gauche et essayons de voir ce qui se passe ici. De ce point de vue, il est clair que le trait doit être légèrement ajusté à sa trajectoire d'animation de position. de commodité, nous allons étiqueter la couche Pour plus de commodité, nous allons étiqueter la couche de traits d'une couleur différente. Passons maintenant à l' image-clé que nous avons créée et ajustons la trajectoire de la sphère pour qu' elle ne passe pas simplement au-dessus du trait, mais qu'elle soit placée devant celui-ci le long de l'axe Z à ce moment-là Cela garantit qu'il n'y a pas de collision entre la sphère et le trait. Ça a déjà l'air bien mieux. Nous pouvons également modifier l'image-clé pour que le trait se déplace légèrement sur le côté Pour rendre l'animation plus fluide, nous pouvons utiliser l'outil de conversion des sommets pour courber la trajectoire de la sphère, créant ainsi un mouvement plus fluide Je trouve que ça a l'air génial. N'oubliez pas de revenir à l' outil de sélection lorsque vous aurez terminé. Passons maintenant à l' ajustement de la position du premier titre. Je veux que le texte soit centré sur la scène lorsque la caméra avance. Mais avant cela, sélectionnons la vue de gauche et ramenons-la à l'angle supérieur. Revenons au travail avec un seul point de vue. C'est bon. Faisons maintenant passer en revue le premier texte par la caméra. Pour ce faire, créons une image-clé indiquant la position de la couche de texte au moment où la caméra commence à bouger Avancez ensuite un peu dans le temps et ajustez la position du texte pour l'aligner parfaitement. Allez en arrière et en avant pour voir à quoi cela ressemble. Je dois déplacer le texte un peu vers le bas. Je vais me tenir devant l'image-clé et ajuster la position. Voyons ce que nous avons. Je trouve que ça a l'air super maintenant. Plaçons la deuxième image-clé à la cinquième seconde pour ralentir le mouvement du texte Ça a déjà l'air bien mieux. Cela fait, passons à autre chose et créons une animation d'introduction pour le deuxième titre Nous utiliserons l'animateur de texte pour créer une animation de texte simple et agréable, que j'utilise souvent dans mes vidéos explicatives Ouvrez le texte, sélectionnez-le et ajoutez un nouvel animateur avec la propriété position Il y a beaucoup à apprendre sur utilisation des animateurs de texte et d'After Effects Donc, si vous avez l'impression de ne pas en savoir beaucoup à leur sujet, je vous recommande vivement de consulter le texte de mon cours en mouvement. ce cours, j'explique en profondeur tout ce qui concerne l'utilisation animateurs de texte et je partage d'autres astuces très utiles pour créer des animations de texte accrocheuses Bien, revenons au projet. Nous avons choisi la propriété position car nous voulons que le texte s'anime du bas vers sa position initiale Définissez une valeur pour la propriété position afin de définir le point de départ de l'animation. Ouvrez ensuite le sélecteur de plage , puis le menu avancé. Modifiez le paramètre d'animation de forme de cet animateur pour l'accélérer, qui permet au texte de commencer à s' animer de gauche à droite Ajustez ensuite le réglage pour que le texte soit animé par des mots plutôt que par des caractères. Maintenant que l' animateur de texte est configuré, il est temps de créer l'animation Tout d'abord, déterminez le moment où l' animation doit commencer. Disons 4 secondes et 15 images. Définissez la propriété offset sur -100, ce qui positionne le texte en fonction de la valeur que nous avons définie pour la propriété position dans le menu de sélection de plage Créez maintenant une image-clé à ce stade. Passez ensuite à 5 secondes et 15 images, exactement 1 seconde plus tard, et réglez le décalage sur 100. Pour terminer, rendez-vous au point où l' animation du texte se termine. Cliquez avec le bouton droit sur le texte et créez un nouveau masque pour révéler le texte. Cela nous donne une animation de texte claire et révélatrice en un rien de temps. Pour améliorer l'animation, réglez l'atténuation des images-clés directement dans l'animateur de texte Cela est similaire à la façon dont nous procédons dans le panneau de vélocité des images-clés, mais ici, vous pouvez le faire en réglant le Es à 20 % et le E au minimum à 80 % Cela donnera à vos animations de texte un aspect fluide et professionnel. Nous en avons presque terminé avec ces deux scènes. Pour garder les choses organisées, nous pouvons recadrer les couches dont nous n'avons plus besoin. Par exemple, placez-vous à la cinquième seconde et recadrez les sphères de la première scène, car nous ne les voyons plus dans l'animation. Génial. Maintenant, pour rendre les choses un peu plus intéressantes, créons une jolie animation d' introduction pour la couche de traits à la troisième seconde, juste avant passer à la deuxième scène Nous pouvons le faire en utilisant l'effet trim paths. Ajoutez l'effet de découpage des tracés à la couche de traits pour commencer à l'animer Pour mieux voir ce que nous faisons, redimensionnez légèrement le trait et commencez à créer l'animation. À la troisième étape, fixons la valeur finale à zéro et créons une image-clé. Passons ensuite au cinquième et fixons-le à 100. Nous pouvons maintenant ramener le trait à deux et voir à quoi cela ressemble. Pour terminer, facilitons la couche de texte, car nous ne l'avons pas fait plus tôt. Faisons de même pour l'animation du trait. Pour le trait, nous pouvons régler la vélocité à 85 % pour les animations entrantes et sortantes afin de le rendre un peu plus intéressant. Pour le texte, il n'est pas nécessaire d' ajuster la vélocité. J'adore sa façon de bouger. Cependant, nous pouvons appliquer ce réglage au mouvement de la caméra et voir à quoi il ressemble. Petit rappel : si vous réglez la vélocité à 85 % pour les animations entrantes et sortantes , le mouvement démarre lentement , gagne en vitesse et ralentit à nouveau juste avant la fin. Voyons à quoi ça ressemble. Je trouve ça génial, mais je remarque que l'animation des quatre sphères semble un peu décalée. Nous allons donc sélectionner ces couches et appuyer sur vous pour voir les images clés. Maintenant, pour nous concentrer sur leur animation, nous allons utiliser ces sphères en solo. Et maintenant, je veux vous expliquer ce que je n'ai pas aimé exactement dans l'animation ici. Comme vous pouvez le constater, leur animation démarre trop vite très tôt dans la chronologie. J'aimerais que les sphères bougent en même temps que le mouvement de notre caméra, commençant lentement, en prenant de la vitesse et en ralentissant. Si je sélectionne les images-clés et que je passe dans l'éditeur de graphes, nous verrons que ce n' est pas le cas Pour l'instant, les sphères commencent à se déplacer rapidement au début de l'animation. Pour qu'elle corresponde à l'animation de notre caméra, commençons par ouvrir la propriété position pour chaque sphère. Maintenant, sélectionnez les images-clés et réglez la vélocité à 85 %. C'est mieux maintenant, mais je n'aime pas la pause et le mouvement de la sphère bleu vif provoqués par la vitesse ajustée. Pour résoudre ce problème, survolez la deuxième image-clé, maintenez la touche Ctrl ou Commande enfoncée sur Mac, puis cliquez une fois sur l'image-clé problématique Ensuite, il convertira l'image-clé allégée en image-clé continue, empêchant ainsi de baisser de vitesse à ce moment Le mouvement semble meilleur maintenant, mais je n'aime pas la façon dont cette sphère entre en collision avec la sphère lumineuse Passons à l'image-clé du milieu et ajustons la position de la sphère vers la gauche en ce moment Je pense que ça a l'air mieux maintenant. Passons également à la couche de traits en solo pour voir à quoi elle ressemble. OK, je trouve que ça a l'air sympa. Maintenant, sélectionnons les sphères et appuyons pour ouvrir la propriété scale. Ajustez ensuite la vélocité à 85 % pour mieux s'adapter à l' animation de position et au mouvement de notre caméra. Regardons-le encore une fois. J'ai remarqué que les deux sphères bleues qui trouvent au milieu entrent en collision maintenant, et je n'aime pas ce à quoi cela ressemble, essayons d'y remédier Déplaçons la trajectoire de position des images-clés du milieu vers la droite Après l'avoir regardée plusieurs fois, je remarque maintenant que la sphère bleue entre en collision avec la sphère brillante Déplaçons ce point vers le bas et voyons si cela résout le problème. Génial Nous avons finalement bien compris. Regardons cette partie encore une fois pour être sûrs. D'accord, je pense que ça a l'air plutôt bien maintenant. C'est un élément crucial de la création de projets de motion design. Vérifiez toujours l'animation plusieurs fois avant de passer à autre chose. Cela nous permet d'être aussi confiants que possible avant de passer à la scène suivante. Je trouve que tout semble parfait, sauf le deuxième texte. Je pense qu'il devrait entrer en scène plus tôt et que l'animation devrait durer un peu plus longtemps. Ajustons ça. Commençons d'abord cette animation 5. Transition de panoramique latérale fluide: Bonjour. Dans cette leçon, nous allons travailler sur l'intégralité de cette longue scène qui comprend quatre séquences animées ou quatre courtes scènes. Nous allons créer des transitions panoramiques simples pour les trois premières scènes et une animation Zoom in sympa pour la dernière scène, qui nous mènera à la suivante Cette combinaison de transitions est couramment utilisée, il est donc important de maîtriser création. Commençons. Comme je l'ai indiqué dans la leçon précédente, lorsque vous travaillez avec des designs d'Illustrator, au lieu de tout créer à partir de zéro et après effets, il est essentiel d'ouvrir les fichiers Illustrator individuels enregistrés précédemment. Cela nous permet de vérifier s'il est nécessaire de séparer des couches pour l'animation. Bien que certains éléments puissent être créés directement dans After Effects, tels que les zones de texte et les animations linéaires, il est toujours conseillé de s'assurer que le fichier de conception est prêt pour l'animation. Permettez-moi donc d'ouvrir tous les fichiers de visualisation pertinents. Je vous l'ai dit dans la leçon précédente, vous n'avez pas besoin de les ouvrir puisque vous avez déjà les fichiers Illustrator finalisés. Pour l'instant, il suffit de regarder et d'écouter. Le plus important pour moi, c'est que vous compreniez pourquoi certaines couches sont séparées et les autres non. Passons en revue les dessins et décidons quelles couches doivent être séparées. Par exemple, je vois qu'il y a un équipement que je vais certainement vouloir animer dans After Effects Tout d'abord, je vais dissocier ce dessin, sélectionner la couche, puis séparer à l'aide de la fonction Release to Layers Ensuite, je vais faire glisser les couches hors de la couche principale et supprimer la couche vide Maintenant que les couches sont séparées, nous devons vérifier si nous avons obtenu la bonne séparation. Par exemple, je vois que le cercle de l'engrenage se trouve dans une couche séparée. Dans ce cas, je n'ai pas besoin qu'il soit séparé. Je vais donc sélectionner à la fois le cercle et le rapport tout en maintenant la touche Shift enfoncée , puis les regrouper. Ensuite, je vais supprimer le calque vide. Comme cette couche sera animée dans After Effects, je vais également lui donner un nom. Dans mes projets, je ne perds pas de temps à nommer tous les calques fichiers Illustrator, car je sais que je n'utiliserai pas la plupart d' entre eux dans After Effects. Ne nommez que les couches importantes. Génial. Maintenant, je vais faire de même pour ce design. Par exemple, puisque je sais que je veux créer une animation dans laquelle le verrou se déverrouille, je vais m'assurer que les deux parties du verrou sont séparées Je vais également étiqueter ces couches pour faciliter les choses dans After Effects. Je peux les appeler serrure 1 et serrure 2. Voyons ce que nous avons dans ce design. Je vais le laisser tel quel, car je peux le créer en quelques secondes dans After Effects. Avant d'importer les dessins, n' oubliez pas de sauvegarder les modifications apportées aux dessins. Je vais saisir chaque fichier et appuyer sur Controls. Bien, maintenant c'est à ton tour de travailler avec moi. Importons les dessins un par un en choisissant de les importer sous forme de composition avec des tailles de couche. Je vais maintenant vous montrer la meilleure façon de préparer ces designs et After Effects afin de créer la transition panoramique que nous prévoyons Lorsque vous créez une animation panoramique, il est essentiel de savoir combien de scènes feront partie de la séquence d' animation Dans notre cas, nous avons les scènes trois, quatre, cinq et six. scène 7 fait suite l'animation Zoom in de la scène 6, elle ne fera donc pas partie de la transition panoramique Cela signifie qu'il y a quatre scènes à inclure dans l' animation panoramique Créons une nouvelle composition. Vous pouvez le faire manuellement ou utiliser le raccourci. Je vais l'appeler scène deux. L'important ici est que nous devons ajuster la largeur de la composition pour qu'elle s'adapte aux quatre scènes. J'utiliserai le champ de largeur comme calculateur et multiplierai la largeur Full HD 1920 par quatre. Cela nous donne une composition suffisamment large pour inclure toutes les scènes dont nous avons besoin pour l'animation panoramique Nous allons maintenant créer ces scènes dans la composition. Dans de tels cas, j'intègre les précompositions de conception dans la composition à titre de guides ou Commençons par importer la scène 3 et l'aligner sur la gauche Ensuite, introduisez la scène 4 et activez la fonction de capture pour la placer directement à côté de la scène 3 Répétez cette opération pour les scènes restantes. Nous n'ajouterons pas la scène 7 car elle ne fait pas partie de la transition panoramique Nous avons maintenant une grande composition combinant les quatre scènes. Nous pouvons commencer à créer les objets de cette scène à l'aide calques Illustrator ou en créant des éléments à partir de zéro et avec After Effects, nous ferons les deux. Il est important de vous montrer comment créer des éléments de design à partir de zéro et d'After Effects car en plus d' apprendre les transitions, je souhaite que vous découvriez des fonctionnalités d' After Effects que vous auriez peut-être manquées. Commençons par diminuer l'opacité des couches pour les utiliser comme références Désactivez l' arrière-plan transparent pour mieux les voir et verrouillez les couches pour éviter de les déplacer accidentellement. Nous allons commencer par créer le titre de la première scène. Si les menus de texte ne s'affichent pas, ouvrez-les depuis le menu Fenêtre. Ouvrons également l'onglet des paragraphes. Maintenant, ajustons la couleur, la police et la taille du texte. Nous pouvons vérifier les chiffres exacts dans le design d'Illustrator. Maintenant, ajustez également l'orientation. Une fois terminé, revenez à l'outil de sélection et placez le texte en position. Permettez-moi de corriger une faute d'orthographe très rapidement. Créons maintenant la zone de texte sous le titre. Comme nous aurons besoin de plusieurs zones de texte, nous allons créer une nouvelle composition que nous pourrons dupliquer et modifier selon les besoins. Appuyez sur Ctrl ou Commande N. Appelons-la zone de texte 1. La taille n'a pas besoin d'être trop grande. Les dimensions de résolution HD fonctionneront pour le moment. Vous pouvez voir les bonnes dimensions ici. C'est bon. Modifions d' abord la largeur, puis la hauteur. Nous pourrons l'ajuster ultérieurement si nécessaire. Je vais maintenant vous apprendre à créer une zone de texte à ajustement automatique qui se redimensionne en fonction du texte qu'elle contient Commençons par créer la couche de texte. Dans ce cas, nous rédigerons le cours. Voyons la taille que doit avoir ce texte dans le design. La taille est 50. Ajustez ensuite le texte au centre et assurez-vous qu'il est aligné de gauche à droite. Alignons-le maintenant au centre de la composition. Alignez ensuite le point d'ancrage en maintenant la touche Ctrl ou Commande enfoncée et en double-cliquant sur l'outil de point d'ancrage. Créons maintenant la zone de texte. Accédez au panneau Effets et paramètres prédéfinis et recherchez une zone de texte. Ce préréglage prêt à l'emploi est très utile, mais le faire glisser vers le panneau des calques ne fonctionnera pas Pour l'utiliser, double-cliquez dessus. Une fois appliqué, placez la zone de texte sous le texte et ajustez ses paramètres. Faites-le d'abord interagir avec le calque de texte, désactivez le trait et colorez le cadre en blanc. Changez ensuite la couleur du texte en noir. Génial. Maintenant, sélectionnons la zone de texte et ouvrons les options de mise à l'échelle et de remplissage Ensuite, ajustez le rembourrage de la boîte pour l' agrandir légèrement, puis définissons la rondeur des coins Vérifiez la valeur exacte dans le design d'Illustrator en cochant la case à l'aide de l'outil de sélection directe. De cette façon, je peux voir les coins arrondis de cette forme. Ensuite, je peux revenir au projet et régler la rondeur à la bonne valeur Une fois cela fait, la zone de texte sera automatiquement redimensionnée chaque fois que le texte sera modifié Ajustons maintenant la taille de la composition car, comme vous l'avez remarqué, elle est trop grande pour le moment. Trouvons-lui une bonne proportion. Nous pouvons diviser les dimensions que nous avons ici et voir à quoi cela ressemble. Ça a l'air bien. Génial. Revenons maintenant à notre scène et apportons cette précomposition ici. Mais avant cela, taguons la scène en maquette et en bleu pour un projet plus organisé Faites maintenant glisser la zone de texte dans notre scène. Mettons-le dans la bonne position. Si vous souhaitez redimensionner la zone de texte pour qu'elle corresponde exactement au design, vous pouvez le faire en redimensionnant la couche et en activant la fonction de réduction des transformations pour une meilleure qualité. Nous pouvons également entrer dans la précomposition et redimensionner le rembourrage global Réglons-le sur 70. Ça a l'air sympa. Activons quand même la fonction de réduction des transformations, au cas où nous déciderions de créer une animation de mise à l'échelle pour cette précomposition ultérieurement. C'est bon. Passons à la partie suivante. Nous devons créer une autre zone de texte ici. Pour cela, dupliquons la précomposition de la zone de texte que nous avons trouvée dans le panneau de projet Entrez-le et modifiez le texte. Vous pouvez copier le texte du dessin dans Illustrator. Génial. Maintenant, introduisons cette précomposition sur la scène et plaçons-la dans la bonne position Ensuite, nous devons créer le verrou. C'est l'exemple parfait d' un cas où il est préférable d'utiliser le calque Illustrator plutôt que de le créer de toutes pièces avec After Effects. OK, entrons donc la précomposition créée à partir du fichier Illustrator et copions les couches nécessaires Mais avant cela, laissez-moi vous montrer quelque chose. La sphère qui doit faire partie de la couche Lock One se trouve actuellement sur une couche séparée. Dans votre cas, vous ne le verrez pas parce que vous utilisez mes fichiers finaux. Regardez et écoutez ce que je vais vous montrer. C'est une situation qui peut se produire souvent. Pendant le processus de préparation, se peut que nous manquions certaines choses et il est important de savoir comment gérer ces situations une fois que nous sommes déjà dans la phase d'animation. Par exemple, travailler avec une couche supplémentaire ne ruinera pas le projet, mais je préfère éviter les couches inutiles dans la chronologie. Si vous essayez de résoudre ce problème en modifiant le fichier de conception et en l'enregistrant après avoir importé les couches dans After Effects, cela risque de gâcher votre projet. Il est donc essentiel d' identifier et résoudre ces problèmes avant ajouter des images-clés aux couches Dans ce cas, je peux supprimer le dossier des couches et la précomposition de cette scène de mon projet After Effects Une fois terminé, je retournerai au fichier de conception, je couperai la sphère et je la collerai dans le calque approprié. Après avoir supprimé le calque vide, je vais enregistrer le fichier. Je peux ensuite réimporter le design dans After Effects sans me soucier casser quoi que ce soit dans le projet Je vais maintenant ajouter ma nouvelle précomposition à la scène pour l' utiliser comme référence, tout comme j'ai utilisé la précomposition précédente avant de la supprimer Je vais passer à la précomposition, et maintenant revenons au travail ensemble Copiez les deux couches du verrou et collez-les dans notre scène. Placez-les dans la bonne position et n'oubliez pas réduire les couches afin que, si nous les redimensionnons à l'avenir, elles conservent leur meilleure qualité. Comme vous pouvez le constater, après avoir redimensionné les couches, elles perdront un peu de qualité. Réunissons ces deux couches. Très bien, je vais les ramener à la normale et passons à autre chose. Petit rappel. Cliquez ici si vous ne voyez pas la fonction de réduction. Génial. Passons maintenant à la partie suivante. Tout d'abord, dupliquez à nouveau la précomposition de la zone de texte et modifiez le texte qu'elle contient Maintenant, je vois que la taille de la composition est trop petite pour celle-ci, alors ajustons-la très rapidement C'est mieux. Maintenant, introduisez cette précomposition sur les lieux N'oubliez pas de réduire la composition, de passer à autre chose et de récupérer la couche d'engrenage dès la précomposition du design Entrez dans la scène 5, sélectionnez la couche d'engrenage et copiez-la à partir de là. Retournez maintenant à la scène principale et collez-la ici. Zoomons en arrière pour voir où il se trouve et maintenant amenons-le dans la bonne position. Génial. Nous avons terminé de créer les trois premières scènes qui feront partie de l' animation panoramique Voyons maintenant comment gérer les situations dans lesquelles nous voulons combiner une composition à trois couches en D dans notre scène en deux D. Dans de tels cas, il est préférable de créer la scène en trois D dans une pré-composition séparée plutôt que de gérer trois Dlayers directement dans la composition principale Créons une nouvelle composition, nommons-la boîte à trois D et définissons-la en résolution Full HD Apprenons maintenant un moyen rapide de créer une boîte en trois D. Tout d'abord, nous devons créer les parois de la boîte. Pour cela, sélectionnez l'outil rectangle et double-cliquez dessus pour créer une forme aux dimensions exactes de la composition La prochaine étape pour créer toutes les parois de la boîte en trois D consiste à dupliquer la forme que nous avons créée quatre fois Nous avons donc un total de cinq couches de forme. Ensuite, assurez-vous que l'outil de capture est activé et déplacez les formes sur les côtés Déplacez ensuite le reste vers le haut et le bas. Ensuite, sélectionnez l'outil de point d'ancrage et ajustez les points d'ancrage pour chaque mur de manière à ce qu' ils pivotent correctement lorsque vous les faites pivoter dans l'espace en trois D. Génial. Et maintenant, convertissons toutes les couches en trois couches D. Sélectionnez tous les doublons et appuyez sur R pour ouvrir la propriété de rotation Nous devons maintenant ajuster l'axe de rotation chaque couche pour créer la boîte. Pour les parois latérales, nous allons ajuster l'axe de rotation Y. Pour les parois supérieure et inférieure, ce sera l'axe X. Sympa. Nous pouvons maintenant fermer les couches et associer les couches dupliquées à la première Ce faisant, nous pouvons contrôler la position de l'ensemble de la boîte à partir d'une seule couche. Très bien, alors placons-le ici et réglons l'axe X sur 2000 Maintenant, sélectionnons cette scène dans le panneau du projet pour l'utiliser comme référence pour colorer les murs. Si vous utilisez la dernière version d'After Effects, vous pouvez utiliser la pipette depuis le panneau Essential Graphics Mais si ce n'est pas le cas, vous pouvez le faire l' ancienne et changer la couleur dans le menu des propriétés des couches. Génial. Passons maintenant aux formes supérieure et inférieure car elles sont trop courtes. Pour cela, ouvrez la propriété scale et décochez les proportions contraintes pour les redimensionner uniquement sur l'axe Y. Nous pouvons le régler à 175. Faisons de même pour la partie supérieure. Génial. Nous avons maintenant une boîte à trois D. Puisque nous savons déjà que nous voulons créer un zoom et une animation pour passer à la scène suivante, créons une caméra. Maintenant, appuyons sur P et plaçons l'appareil photo de manière à ce que le boîtier soit à l'intérieur du cadre. Je vois que nous devons à nouveau ajuster la taille des parties supérieure et inférieure. Réglons ça très rapidement. Essayez simplement une valeur différente jusqu'à ce que la forme s'aligne sur le reste des murs Très bien, nous avons fini de créer la composition de la boîte en trois D, et il est maintenant temps de l'intégrer à notre scène principale Tout d'abord, revenons à la scène deux, puis faisons-y glisser les trois cases D pré-comp Utilisons l'outil d'alignement pour l' aligner sur le côté droit de cette scène. N'activez pas la fonction de réduction des transformations pour cette composition, car les couches interagiront avec les dimensions de cette résolution de composition, et ce n'est pas ce que nous voulons Nous reviendrons bientôt sur cette partie. Mais commençons par apprendre à créer transitions panoramiques fluides pour l'ensemble de cette scène Pour commencer, nous devons créer l'animation linéaire, car il s'agit l'objet principal qui dirigera toute la scène. Maintenant, lorsque j'utilise un tas de scènes comme référence, j'adore définir une opacité différente pour chaque précomposition afin de savoir où se termine chaque Cela m'aide à comprendre où la ligne et la sphère doivent être placées. Si nous n'avions pas de précompositions de référence à utiliser comme guides, je créerais trois couches de formes, d'une largeur de 1920 pixels et d'une hauteur de 1080 pixels, une largeur de 1920 pixels et d'une hauteur de 1080 pixels que je répartirais sur la scène pour servir de C'est bon. Voyons maintenant comment créer l'animation linéaire. Nous allons d'abord créer la ligne. Assurez-vous qu'aucun calque n'est sélectionné, puis sélectionnez l'outil Plume et définissez la couleur du trait sur le noir et la largeur du trait sur deux. Désactivez ensuite le remplissage, zoomez sur l'aperçu et commencez à tracer la ligne. Ne créez pas la ligne trop près de la scène car nous avons besoin d' espace pour la sphère, créez le premier point ici. Maintenez maintenant la touche Shift enfoncée et créez le point suivant. Relâchez ensuite la touche Shift pour créer librement la trajectoire diagonale. Ne vous inquiétez pas du désalignement ici. Continuez simplement à créer la ligne. Finissons le chemin quelque part au centre de la dernière scène de cette composition. Enfin, renommez la couche en ligne ou en trait et redimensionnez temporairement la largeur du trait pour que nous puissions voir ce que nous faisons Génial. Voyons maintenant comment créer l' animation avec la sphère. Pour plus de commodité, isolons cette couche et activons l' arrière-plan d' aperçu transparent. Maintenant, avant de créer la sphère, isolons également la première scène de cette composition afin de pouvoir l'utiliser comme référence Assurez-vous qu'aucune couche n'est sélectionnée, puis créez une petite sphère. Nous pouvons sélectionner la première scène de design pour échantillonner la bonne couleur de cette sphère bleu vif. Maintenant, désactivons le trait et définissons sa taille à une valeur arrondie. Si vous ne voyez pas la propriété de taille ici, vous pouvez la trouver dans les propriétés de la couche de forme. N'oublions pas de changer le nom. Génial. Maintenant, nous n'avons plus besoin de la référence, nous pouvons donc commencer à créer l'animation. Nous pratiquons ce processus dans le cadre du cours d'animation de logo lors création d'une animation de logo super cool pour une entreprise de technologie inventée. Pour ceux qui l'ont regardé, ce sera un excellent rappel Pour ceux qui ne l'ont pas encore fait, ce sera une astuce super cool à apprendre et à utiliser dans vos prochains projets. Commençons par sélectionner le tracé de la couche de forme. Ensuite, allez dans le menu Fenêtre, faites défiler la page vers le bas et ouvrez le script intégré appelé Create Nulls from Path Une fois le panneau ouvert, choisissez l'option Tracer le chemin. Cela générera un objet nul avec des images-clés qui représentent son mouvement le long de la trajectoire Pour l'instant, l'animation tourne en boucle par défaut, mais comme nous n'en avons besoin qu'une seule fois, nous allons corriger ce problème. Sélectionnez l'objet nul, accédez au panneau de configuration des effets et décochez l'option boucle Désormais, le zéro ne parcourra le chemin qu'une seule fois. Maintenant, pour que la ligne n'apparaisse que là où le zéro se déplace, nous allons appliquer l' effet des trajectoires de découpage à la couche de traits. Après avoir ajouté l'effet, nous lierons la propriété end des trajectoires de découpage à la propriété progress de la valeur null. Cela synchronisera la visibilité de la ligne avec le mouvement du zéro. Ensuite, nous devons attacher la sphère au zéro. Pour cela, maintenez la touche Shift enfoncée , puis placez la sphère sur la valeur nulle. Cela placera la sphère directement à la position actuelle du zéro tout en créant une relation parent-enfant entre les deux. Maintenant que les coins de la ligne semblent trop nets, nous allons ajouter un effet de coins arrondis à la couche de traits. Le réglage du rayon à environ 50 permet de lisser les bords et de donner à la ligne un aspect plus net et plus poli. Il est maintenant temps d'animer la sphère et la ligne ensemble. Pour commencer, nous pouvons ramener le trait à deux. Désactivons ensuite la fonction solo pour voir toutes les couches. Et enregistrez le projet avant de passer à autre chose. C'est bon. Passons maintenant au début de l'animation du tracé et désactivons l'arrière-plan transparent afin de voir ce que nous faisons de mieux. Ensuite, nous allons placer l'objet nul ci-dessus pour concentrer dessus et appuyer sur vous pour voir ses images-clés, que nous allons ajuster et animer Laissons la première image-clé à zéro. Passons maintenant à la deuxième image-clé et changeons la valeur jusqu'à ce que la sphère passe devant la zone de texte. Nous pouvons le fixer à 20 pour le moment. Voyons à quoi ça ressemble. Je pense que c'est trop rapide. Plaçons donc la deuxième image-clé aux deux secondes et voyons à quoi elle ressemble. C'est bon. Passons maintenant à la barre des quatre secondes et déplaçons la sphère un peu vers l'avant. Ce faisant, nous créons un bel effet de ralenti dans l'animation. Génial. Maintenant, bougeons à nouveau pendant 2 secondes et positionnons la sphère quelque part après la deuxième zone de texte. Ensuite, au bout de 2 secondes supplémentaires, avançons-le un peu plus pour créer un effet de ralenti et cool. Ralentir la sphère avant de passer à la scène suivante n'est pas uniquement une question d'esthétique Nous faisons cela pour donner au spectateur suffisamment de temps pour lire les zones de texte. Dans notre cas, nous donnons au spectateur 2 secondes pour lire. Toutefois, si vous avez des titres plus longs, vous pouvez y consacrer un peu plus de temps. C'est bon. Répétons maintenant le même processus pour la dernière partie. Au bout de dix secondes, plaçons la sphère quelque part par ici. Puis, au bout de 12 secondes, avançons un peu. Génial. Passons maintenant à la barre des 14 secondes et définissons la valeur sur 100. Je voudrais maintenant parler de quelque chose de très important lors de la création d' animations de trajectoire, comme nous venons de le faire. est essentiel de savoir à propos de cette technique que lorsque vous ajustez les points de la trajectoire, par exemple, si nous voulons augmenter légèrement la position finale de la trajectoire, vous devez vous assurer que tout est correctement aligné Faisons-le très vite. Tout d'abord, placez-vous en position finale. Sélectionnez ensuite l'outil Stylo, zoomez légèrement et sélectionnez la couche de traits. Cliquez une fois sur le dernier point et placez-le quelque part au centre du cadre. Après cela, le chemin est modifié et, par conséquent, l'animation du zéro est également ajustée. Cela signifie que nous devons passer en revue toutes les images-clés et assurer que la position du zéro, qui est la sphère, est toujours précise OK, disons que nous voulons corriger la position de la sphère. Pour ce faire, assurez-vous que vous êtes debout sur l'image-clé avant de régler la valeur , puis ajustez les valeurs Très bien, je pense que tout le reste semble bon, et nous sommes prêts à vérifier l'animation. À ce stade, l' animation est superbe, mais pour la rendre encore plus attrayante, nous allons ajouter des micro-animations aux objets situés au-dessus des zones de texte. Par exemple, nous pouvons faire pivoter l'engrenage et animer le verrou pour créer une animation de déverrouillage Ces petits détails donneront à la scène plus de profondeur et de personnalité, donnant vie à l'ensemble du design. Commençons par créer une animation sympa pour le grand titre que nous avons ici. Je veux que quelque chose d' intéressant se produise avec le texte lorsque cette sphère touche la zone de texte à ce moment-là. Supposons que ce titre représente le logo de l'entreprise et qu'on vous ait demandé de créer une animation complexe pour celui-ci. C'est un bon exemple de cas où il est utile de précomposer la couche et de travailler sur l'animation dans une précomposition séparée Dans ce cas, ne passons pas trop de temps à créer quelque chose de trop complexe. Je veux juste vous montrer quand et pourquoi les précompositions sont utiles. Pour l'instant, ajoutons quelques étincelles. Précomposons d'abord cette couche de titre afin de ne pas encombrer la chronologie avec trop de Nous pouvons nommer le titre principal de la précomposition. Assurez-vous de sélectionner les deux options, puis cliquez sur OK. À présent, introduisons cette précomposition, alignons la couche au centre et ajustons la taille de la composition en fonction de l'animation que nous allons créer Appuyez sur Ctrl ou Commande K et voyons quelles seront les meilleures dimensions pour cette précomposition D'accord. Vérifions-nous maintenant qu'aucune couche n' sélectionnée et créons une forme scintillante à l'aide de l'outil Ellipse. Nous pouvons nommer cette forme scintillante. Une fois terminé, ajoutons l' effet pli et ballonnement pour donner au cercle une forme scintillante Essayons de le régler sur -90, peut-être -80. Ça a l'air mieux. Parfait. Ensuite, animons-le Accédez au début de la chronologie et au lieu d' utiliser la propriété scale, nous allons animer la taille de la forme Bientôt, vous comprendrez pourquoi il s'agit d'une meilleure approche. Définissez d'abord la taille sur zéro et créez la première image-clé. Avancez ensuite d'une seconde et définissez une autre image-clé avec la même valeur Maintenant, au cadre 15, réglez la taille sur 100. Adoucissons facilement les images-clés et ajustons leur vélocité. Prévisualisons l' animation. Ça a l'air bien. Maintenant, dupliquez la couche scintillante et placez-la quelque part dans le coin inférieur droit du texte Appuyez maintenant sur S pour ouvrir la propriété scale et réduire légèrement ce doublon. C'est pourquoi nous avons animé la propriété size au lieu de la propriété scale. Cela nous permet de redimensionner la couche sans perturber l' animation C'est bon. Revenons maintenant à la composition principale et positionnons cette précomposition pour qu'elle corresponde au design N'oubliez pas d'activer les transformations par compression pour une qualité optimale. La prochaine chose que nous devons faire est de chronométrer les étincelles pour qu'elles apparaissent exactement au moment où la sphère touche la zone de texte en 1 seconde et 15 images Pour ce faire, introduisons la précomposition Sparkle et changeons l'animation pour qu'elle démarre au bon moment Enfin, pour rendre les étincelles plus dynamiques, créez un petit délai en déplaçant l'animation des petites étincelles de quelques Cela semble excellent et nous sommes prêts à passer à autre chose. Je vais maintenant changer la couleur bleue de cette précomposition. Pour ce faire, je vais le localiser dans le panneau du projet, y changer la couleur, puis l'ajuster dans le panneau des calques. Il est bleu car il a été créé à partir d'une précomposition colorée en bleu dans le panneau de projet Prévisualisons maintenant la scène. Je trouve que ça a l'air génial, nous pouvons donc passer à l' animation du verrou abord, nous devons trouver le meilleur moment pour démarrer l'animation du verrou. Nous allons démarrer l'animation du cadenas après 5 secondes et 15 images. Sélectionnez les deux couches du verrou, ouvrez la propriété position et créez la première image-clé en abaissant cette partie du verrou pour qu'elle semble fermée Avancez ensuite d'une seconde et soulevez-le . Mettons-le ici. Maintenant, assouplissons facilement les images-clés pour rendre le mouvement plus fluide Ajustons ensuite le timing et voyons à quoi cela ressemble. Cela semble correct pour le moment, alors passons à l' animation de l'équipement Voyons d'abord quand le démarrer. Nous allons commencer son animation à 9 secondes et 15 images, et cette fois nous utiliserons la propriété de rotation. Créons une séquence de rotation intéressante. Créez d'abord une image clé avec la valeur actuelle, puis avancez de 15 images et faites pivoter l'engrenage vers l'arrière à -45 degrés. Avancez maintenant d'une seconde et 15 images et réglez la rotation pour terminer un tour complet. Pour cela, nous devons le faire pivoter dans le sens opposé jusqu'à ce que nous obtenions une rotation positive de 45 degrés. Ajustons maintenant le mouvement et prévisualisons l'animation. J'ai remarqué que la deuxième rotation semblait trop rapide, alors corrigeons-la à l'aide de l'éditeur de graphes. Nous devons d'abord sélectionner les images-clés problématiques, puis entrer dans l'éditeur de graphes et ajuster leurs poignées Nous allons laisser la première rotation telle quelle et régler uniquement les poignées de la deuxième paire d'images-clés pour la lisser. C'est bien mieux. Nous avons ainsi terminé d'animer les trois premières parties Il est maintenant temps d'améliorer l'animation et d' apprendre quelques astuces pratiques pour affiner les images-clés Concentrons-nous d'abord sur l' amélioration de l'animation des lignes. Pour faciliter la lecture, désactivons toutes les précompositions de référence et changeons la couleur d'arrière-plan de l'aperçu en gris neutre Vous pouvez le faire en appuyant sur Ctrl K et en ajustant les paramètres de composition. Ensuite, isolons uniquement les couches qui créent l'animation linéaire afin de pouvoir nous concentrer sur elles sans que le reste des couches n'interfère. De cette façon, nous pouvons mieux voir la ligne et nous sommes prêts à améliorer son mouvement. Appuyons sur la couche nulle pour faire apparaître les images-clés La première étape consiste à convertir facilement ces images-clés en appuyant sur F neuf ou sur FNF neuf sur Mac Cela permettra de lisser l'animation. Ajustons maintenant le panneau de prévisualisation afin de voir la scène dans son intégralité et de vérifier à quoi ressemble l'animation après avoir allégé les images-clés Comme vous pouvez le constater, l' animation semble plus fluide, mais à cause de cet assouplissement, nous pouvons remarquer des pauses étranges dans le mouvement où la sphère ralentit trop. Ces pauses se produisent parce qu'il y a points où la vitesse des sphères tombe à zéro, et ce n'est pas ce que nous voulons. Nous visons une animation fluide et continue. Ne vous inquiétez pas, nous allons bientôt régler ce problème. Pour l'instant, faisons en sorte que cette sphère entre rapidement en scène, car nous voulons créer une transition identique à la scène précédente que nous avons animée dans la leçon précédente. Pour cela, entrons dans l'éditeur de graphes et faisons glisser la poignée de cette image-clé vers la gauche Cela permettra à la sphère d'entrer rapidement au début. Ignorez la pause que nous avons ici pour le moment. Nous allons régler ce problème dans un instant. Passons à autre chose. Faisons en sorte que la sphère aille un peu plus vite en ce moment. Nous pouvons le faire en ajustant la vélocité de ces deux images-clés, en veillant à ne pas affecter l'image-clé précédente Si vous vous demandez pourquoi nous n'avons pas utilisé le panneau de vélocité des images-clés, c'est parce que cela affecterait également la vélocité de l'image-clé précédente Comme vous pouvez le constater, si je règle l'influence des deux images-clés à 85 % et que je la vérifie dans l'éditeur de graphes, nous pouvons constater que cette action affecte le mouvement avant et après cette partie Je vais donc appuyer sur Ctrl ou Commande Z pour annuler l'action et ramener les poignées à l'état dans lequel nous les avions ajustées manuellement. Voyons à quoi ça ressemble. Cela semble correct, mais il y a encore des pauses pendant l'animation, et nous les aborderons très bientôt. Pour l'instant, continuons à ajuster les images-clés là où nous voulons que la sphère s'accélère , comme c'est le cas actuellement Ajustons les poignées de ces images-clés comme nous l'avons fait précédemment Si nous voulons être très précis, nous pouvons essayer de maintenir la même vélocité pour ces sections. Faisons en sorte que cette sphère aille plus vite lorsqu'elle passe à la scène suivante. Maintenant, ajustons également cette partie. Essayez de régler les poignées jusqu'à ce que vous obteniez vélocité d'environ 80 ou 85 %. Assurez-vous que l'influence se situe dans cette fourchette. Ajustons maintenant la vélocité de la dernière partie lorsque la sphère passe à la scène suivante. Ça a l'air sympa. Revenons maintenant à la scène principale et l'animation une fois de plus avant de corriger les parties en pause du mouvement. C'est bon. Comme vous pouvez le constater, nous avons maintenant un mouvement beaucoup plus fluide, mais les pauses semblent toujours étranges. Abordons-les enfin. Tout d'abord, nous devons comprendre pourquoi cela se produit. Ces pauses se produisent parce qu' après avoir assoupli les images-clés, la vitesse des sphères chute à zéro dans certaines parties de l'animation , comme dans ces zones Pour résoudre ce problème, il suffit d' augmenter la vitesse pendant ces sections. Nous pourrions afficher manuellement chaque image clé, mais cela ne serait pas très efficace. Nous pouvons plutôt sélectionner ces images-clés et double-cliquer dessus pour ouvrir le panneau de vélocité des images-clés Ici, cochez la case continue. Cela garantit que les images-clés sont connectées, ce qui nous permet de les élever légèrement pour qu'elles n' atteignent pas une vitesse nulle Appliquons la même technique à cette autre section. Voyons à quoi ça ressemble. Ça a l'air bien mieux. Corrigons maintenant les autres parties où la vitesse tombe à zéro. Vérifiez l'animation dans les parties délicates et ajustez les poignées pour créer une courbe lisse. C'est bon. Regardons l'animation du début à la fin. Je trouve que ça a l'air incroyable, et nous pouvons maintenant enregistrer le projet et passer à autre chose. Après avoir créé l'animation initiale, je la revois toujours avec le reste de la scène pour vérifier si des ajustements sont nécessaires. Le moment est bien choisi. Dans ce cas, j'ai l'impression que l'animation d'ouverture des verrous se produit trop rapidement Je vais donc ouvrir ses images clés et faire glisser la dernière d'une seconde vers l'avant. Ça a l'air bien mieux. Je souhaite également que l' animation de l'équipement dure plus longtemps. Je vais ouvrir ses cadres clés et déplacer le dernier aussi. Disons, les 12 secondes. Je trouve que ça a l'air génial. Fermons les précompositions ouvertes ici avant de passer à autre chose. Sympa. Maintenant que nous avons ajusté l'animation, je vais supprimer les précompositions de référence et créer un arrière-plan approprié pour cette composition au cas où nous souhaiterions ajouter des couleurs spéciales ultérieurement Pour créer un arrière-plan, nous pouvons utiliser une couche solide ou une couche de forme. Dans ce cas, je vais créer une couche de forme car il est plus facile de contrôler la couleur. Tout d'abord, assurez-vous qu'aucune couche n'est sélectionnée. Choisissez ensuite l' outil rectangle et désactivez le trait. Sélectionnez la couleur appropriée. Nous pouvons le déguster d'ici. Maintenant, double-cliquez sur l'outil rectangle pour créer une forme de la taille de la composition. Renommons également cette couche, BG one. Je préfère créer trois couches d'arrière-plan distinctes pour chaque partie au cas où nous déciderions d'utiliser couleurs différentes pour des sections spécifiques. Ouvrez les propriétés de la forme et modifiez la taille. Si vous utilisez une ancienne version d'After Effects, vous pouvez également l'ajuster à partir du calque lui-même. Décochons les proportions limitées pour modifier uniquement la largeur et définissons-la sur 1920 Ensuite, revérifiez les proportions restreintes et alignez cette couche sur le côté gauche pour servir d' arrière-plan à la première section Je souhaite maintenant partager un petit conseil qui peut être très utile lors de la création de transitions panoramiques, comme celui sur lequel nous travaillons ici Pour faciliter le contrôle de l'animation panoramique, nous pouvons utiliser les couches d'arrière-plan comme guides Cela aura bientôt plus de sens. Pour l'instant, activons le trait, définissons sa couleur sur le noir et ajustons la largeur à dix. Ensuite, dupliquez cette couche et placez-la dans la section suivante, en veillant à ce qu'elle soit correctement alignée Pour vous faciliter la tâche, activez la fonction de capture et saisissez 6. Préparer une scène pour une transition ascendante 3D: Bonjour, et bon retour. Nous allons commencer cette leçon en passant en revue les prochaines scènes que nous devons animer. Cette fois, nous allons nous concentrer sur les scènes mettant en scène les personnages, l'ordinateur portable et la clé. Nous devons créer des transitions pour chacune de ces scènes. Conseil de pro : essayez de ne pas travailler sur plus de trois ou quatre scènes à la fois. La gestion simultanée d'un trop grand nombre de scènes peut compliquer votre processus d'animation et gâcher votre projet Par exemple, nous pourrions passer l' animation de la scène suivante après la scène clé, mais je préfère ne pas le faire pour le moment le ferai une fois que j'aurai fini de créer l'animation des quatre scènes précédentes, ce qui m'aidera à travailler plus efficacement et à rester organisé. Cela dit, je prévois de créer une belle animation de transition panoramique pour les trois premières scènes, puis nous créerons un zoom en transition lorsque nous atteindrons l'ordinateur portable Cette fois, nous ne créerons pas une simple animation panoramique Nous allons plutôt créer une animation panoramique vers le haut et, pour la rendre plus intéressante, nous la ferons dans un espace en trois D. Commençons maintenant à travailler sur les scènes et à les préparer pour l'animation. Petit rappel, vous n'êtes pas obligé faire car vous avez déjà les fichiers Illustrator finalisés fois que j'ai fini de les préparer pour l'animation. Pour l'instant, je veux que vous observiez concentriez sur le processus et que vous m'écoutiez pendant que j'explique le raisonnement qui sous-tend le processus de préparation. Ne t'inquiète pas Je vous ferai savoir quand il sera temps de saisir la souris et de passer à l'action. Avant de commencer, permettez-moi fermer tous les fichiers non pertinents que j'ai ici. C'est bon. Je vais maintenant ouvrir les scènes pertinentes, commençant par la scène huit. Génial Ensuite, j'ouvrirai également la scène neuf et la scène dix. Ce sont les scènes qui flotteront dans l'espace tridimensionnel. Nous traiterons de la scène des ordinateurs portables plus tard. Je vais maintenant commencer à préparer les scènes, commençant par le design de la huitième scène. abord, nous devons réfléchir aux couches que nous voulons séparer pour l'animation. Je vais donc dissocier le design. Ensuite, je vais m'assurer qu'il n' y a plus de groupes ici. Cela peut rester en groupe pour le moment car je n'ai pas besoin que tous les objets ici soient sur des couches séparées. Maintenant que cette couche est sélectionnée, je vais séparer les couches à l' aide de la fonction Release to Layers. Ensuite, je vais extraire toutes les couches de cette couche et supprimer la couche vide. Ensuite, je vais m'assurer que toutes les couches s'insèrent bien dans le canevas pour éviter de les recadrer lors de l'importation Maintenant, je souhaite également séparer l'indicateur de temps du groupe car je prévois de l' animer ultérieurement. Je vais double-cliquer dessus. Appuyez sur Control X pour le couper, ouvrez un nouveau calque et appuyez sur Control Shift V pour le coller à la même position sur le nouveau calque. un nom au panneau de l'interface utilisateur de cette couche, et pour l'instant, je vais copier ce nom et le coller dans la couche avec l'illustration de l' indicateur temporel. Génial. Passons au personnage. Tout d'abord, je vais dissocier ce design. Comme il ne s'agit pas d'un cours sur l'animation des personnages et que je ne veux pas trop compliquer les choses, je vais uniquement animer la main du personnage C'est la partie qui sera déplacée dans After Effects Je vais donc la couper et la coller sur un nouveau calque. Je vais également étiqueter les couches liées au personnage pour plus de clarté. Je vais maintenant vérifier les éventuels ajustements nécessaires dans la conception. Par exemple, je n'ai pas besoin cette couleur bleue ici, je vais donc la supprimer. Cependant, après l'avoir supprimée, je constate que j'ai besoin de cette partie pour animer correctement la main Je vais donc la ramener et colorier pour qu'elle corresponde à celle du reste du garçon Cela montre à quel point la préparation est importante. Cela peut prévenir de nombreux maux de tête plus tard. Planifiez toujours ce que vous voulez dans l'animation et préparez les fichiers de conception en conséquence. Je vais continuer à séparer cette partie de la main car elle doit flotter dans les airs lorsque le personnage déplace sa main. Une fois que j'en aurai fini avec un petit panneau d'interface utilisateur, je passerai à m' occuper du doigt. Je vais couper le doigt et le coller sur une nouvelle couche au-dessus la petite partie de l'interface utilisateur, car j'ai besoin que le doigt soit au-dessus et non en dessous. Je vais maintenant étiqueter les couches pour faciliter leur organisation dans After Effects. Comme la dernière fois, je ne nomme que les couches que je prévois d'animer. Parfois, je nomme toutes les couches de mes fichiers de conception, mais cette fois, je veux que ce soit rapide. N'oubliez pas que si vous n'aimez pas tout nommer, étiquetez au moins les couches que vous allez animer , comme je le fais ici. C'est bon. Je pense que cette scène est prête, et maintenant je vais passer à la préparation de la suivante. Cette scène est très similaire à la précédente, le processus sera donc le même. Je vais donc accélérer ce processus. Tout d'abord, je dissocie le dessin et je sépare les couches. Ensuite, j'identifie les éléments qui doivent être séparés pour l'animation, comme l'indicateur de temps. Ensuite, j'étiquette les couches pertinentes. Ensuite, j'active et désactive les couches pour m'assurer que tout est correctement séparé et je continue à séparer autres parties, comme les mains du personnage Je vais à nouveau dissocier la main pour ne couper que la partie du bras sans la partie des épaules Je vais maintenant m'assurer de sélectionner tous les objets relatifs à l'icône , puis de la découper du calque. Enfin, je crée un nouveau calque au-dessus du calque d'icônes et je colle le doigt ici Maintenant, je m'assure que toutes les couches sont séparées en les activant et en les retirant. Ensuite, je vais faire quelques ajustements, comme dans cette zone de la main. Je vais lever le doigt un peu. Maintenant, je m'assure d' intégrer les couches de nuages dans la scène, puis je peux passer à la scène suivante. Pour être honnête, je prévois de créer cette scène à partir de zéro et After Effects parce que je veux vous apprendre à créer un ordinateur portable 3D. Je vais quand même séparer les couches au cas où. Je ne nommerai cependant pas ces couches, car nous les traiterons directement dans After Effects. En ce qui concerne les nuages, je préfère les préparer dans un fichier Illustrator distinct contenant tous les designs de cloud en un seul endroit. Cela est particulièrement utile lorsque vous travaillez avec des designs trouvés en ligne, comme les designs Cloud que j'ai obtenus auprès de Freepik Lorsque j'utilise un fichier que j'ai téléchargé sur Internet, je ne travaille généralement pas sur le fichier d'origine. Au lieu de cela, j'enregistre ce fichier en tant que nouveau fichier Illustrator qui sera utilisé spécifiquement dans le projet sur lequel je travaille actuellement au cas où j'aurais besoin de l' utiliser à nouveau à l'avenir. Je vais lui donner un nom et m'assurer qu'il est enregistré en tant que fichier Illustrator. Je vais maintenant préparer ce fichier en supprimant les couches inutiles et en séparant les nuages. Vous ne voyez peut-être pas le but de cette étape maintenant, mais dans d'autres cas, par exemple lorsque vous travaillez avec des éléments de conception similaires tels que des icônes, des avatars ou d'autres composants répétitifs Il est utile de les avoir tous dans un seul fichier à des tailles cohérentes. Pour l'instant, je vais séparer les couches. Je vais dissocier le design et utiliser la version pour que les couches fonctionnent comme d'habitude Mais comme vous pouvez le constater, cela n'a pas fonctionné. À ce stade, nous devons voir toutes les couches séparées sous la couche principale, mais nous ne les voyons pas pour le moment. Les designs que vous téléchargez sur Internet peuvent parfois être délicats. Par exemple, après avoir séparé les couches, il semble qu'elles soient regroupées au sein d'un autre groupe. Dans ce cas, nous devons à nouveau dissocier le dessin et ensuite seulement libérer les couches Génial. Nous voyons maintenant toutes les couches séparées. Je vais les sortir du premier groupe, supprimer le calque vide, puis les retirer du second groupe et le supprimer également. Maintenant, je peux vérifier que chaque nuage se trouve sur une couche séparée. Je vous montre ce processus pour souligner que les actifs que nous téléchargeons sur Internet nécessitent parfois une vérification du décès et des ajustements. Examinez toujours le dossier et préparez-le en fonction de vos besoins. Nous sommes maintenant prêts à passer à After Effects, mais avant cela, nous devons enregistrer les fichiers sur lesquels nous avons travaillé. C'est bon. Il est maintenant temps de saisir la souris et de passer à l'action. Avant d'importer la scène suivante, organisons un peu le projet. Comme vous pouvez le constater, le panneau de projet commence à devenir désordonné. Créons d'abord un nouveau dossier appelé assets et faisons-y glisser tous les dossiers contenant les calques Illustrator. Ensuite, créons un autre dossier appelé precomps et y déplaçons toutes les précompositions que nous avons créées Nous pouvons laisser les compositions de scène à l'extérieur pour le moment, car nous voulons y accéder rapidement lors de la création du projet Pour l'instant, sélectionnez le reste des précompositions que nous avons ici et faites-les glisser dans le dossier des précompositions Importons maintenant les prochains modèles pertinents dans le projet. Nous allons ajouter les scènes huit, neuf et dix. C'est suffisant pour le moment, car ces scènes doivent fonctionner ensemble. C'est bon. Maintenant qu' ils travaillent ensemble, nous allons créer une nouvelle grande composition pour l'animation de transition vers le haut Appuyez sur Ctrl N ou Commande N sur Mac pour créer une nouvelle composition. Cette fois, nous allons régler le mouvement panoramique pour qu'il augmente. Tout d'abord, rétablissez la largeur par défaut, nommez cette scène de composition trois Multiplions maintenant la hauteur par trois afin obtenir suffisamment d'espace pour placer les trois scènes verticalement. Génial Nous avons maintenant une nouvelle composition. Maintenant, encore une fois, je vais vous montrer ma méthode pour créer ces grandes scènes qui incluent trois petites scènes différentes, comme dans notre cas. Je veux que vous vous habituiez à créer des scènes à partir de zéro et avec After Effects. abord, nous devons créer des guides pour indiquer le début et la fin de chaque scène. Pour cela, nous allons utiliser l'outil rectangle. Assurez-vous maintenant de définir la couleur du trait sur le noir et pour la couleur de remplissage, vous pouvez la définir sur le gris. Maintenant que la chronologie est sélectionnée, double-cliquez sur l' outil rectangle pour créer une couche de forme. Ouvrons ensuite les propriétés de la forme et décochons la proportion contrainte pour la taille afin de définir uniquement la hauteur à 1080 Nous pouvons vérifier à nouveau la proportion contrainte. Ensuite, alignons cette forme sur le bouton de la composition. Nous allons maintenant dupliquer cette couche et la placer au centre de la composition. Nous pouvons utiliser l' outil de capture pour cela. Enfin, dupliquons-le une fois de plus pour la partie supérieure. C'est bon. Nous avons maintenant des guides indiquant où se situera chaque scène. Ils nous aideront à organiser les objets sur la scène. Verrouillez les guides et commencez à créer la première partie de la scène. Ouvrons le dessin de la scène huit. Copions maintenant les principaux éléments de la scène. Dans ce cas, il s'agit des couches de caractères et des couches d'icônes. Commençons par copier toutes les couches liées au personnage. Revenons maintenant à la scène principale et collons les couches ici. Positionnez-les dans la partie inférieure de la composition. Vous pouvez désactiver le snapping si nécessaire. Mettons-les au bon endroit. Revenez ensuite à la conception et copiez les couches du panneau d'interface utilisateur. Mettons-les quelque part par ici. Si vous zoomez, vous remarquerez peut-être que l'ordre des couches est perturbé pendant le processus de copie Ajustez l' ordre du panneau de l'interface utilisateur et des couches de personnages. Je vais vous expliquer pourquoi cela se produit et comment l'éviter dans un instant. Pour l'instant, discutons d'un point important, répond à la question courante des débutants sur la façon dont nous pouvons savoir quand précomposer des couches et où ne pas le faire Cette scène est un parfait exemple pour répondre à cette question. Lorsque vous souhaitez créer des micro-animations impliquant des couches spécifiques, vous devez précomposer ces couches Cela facilite le travail sur l'animation, comme nous l'avons fait avec l'animation du titre principal dans la leçon précédente. Dans cette scène, je veux animer l'indicateur de temps, qui fait partie du panneau de l'interface utilisateur Par conséquent, je vais précomposer les couches associées et nommer le panneau d'interface utilisateur de précomposition car il y en aura un autre dans la Entrez maintenant la nouvelle précomposition et ajustons sa taille. La précomposition a actuellement les mêmes dimensions que celle à partir de laquelle les couches seront Pour résoudre ce problème, utilisez l'outil de région d'intérêt pour sélectionner la zone dont vous avez besoin, puis passez à la composition et sélectionnez Recadrer la composition dans la région d'intérêt Maintenant, pour aligner ces deux couches au centre, associons d'abord la couche d'indicateur de temps à la couche principale de l'interface utilisateur, puis sélectionnons le panneau principal de l'interface utilisateur et alignons-le au centre de la composition. Enfin, appuyons sur Ctrl K pour ajuster la taille de la composition. Nous n'avons pas à le faire. J'adore arrondir les dimensions pour un projet plus organisé. Cette configuration facilite grandement l'animation du panneau de l'interface utilisateur. Lorsque vous revenez à la composition principale, vous remarquerez que le panneau de l'interface utilisateur se trouve à un endroit différent car la taille de la précomposition a été ajustée Il suffit de le repositionner. Répétez ensuite ce processus pour les couches de caractères. Nous allons d'abord précomposer les couches pertinentes. On peut appeler cela un personnage masculin. Ensuite, entrons dans la précomposition et ajustons ses dimensions. Lorsque vous ajustez la taille de la composition, laissez de l'espace supplémentaire en haut, car le personnage lancera le panneau d'interface utilisateur qu'il tient Ajustons les dimensions de la composition, puis saisissons les paramètres de composition pour arrondir les valeurs des Nous pouvons laisser la hauteur telle qu'elle est. Génial Revenons maintenant à la scène principale et ajustons la position du personnage PreComp Il est maintenant temps d'ajouter les couches de nuages. Comme indiqué précédemment, je préfère les importer à partir du fichier Illustrator distinct que nous avons préparé, aller dans le dossier AI et faire glisser le fichier Cloud dans le projet. Importez-le sous forme de composition avec des tailles de couche. Une fois importé, choisissons maintenant un grand design de cloud à ajouter en dessous du personnage. Je vais choisir celui-ci, le faire glisser dans la composition et le redimensionner selon mes besoins. Essayons 500. C'est trop gros. Faisons en sorte que ce soit 400. C'est mieux Ne vous inquiétez pas de la faible qualité. Plus tard, nous utiliserons la fonction de transformation réduite sur tous les calques d'Illustrator la scène pour obtenir une qualité optimale. Pour l'instant, passons à la partie suivante et commençons à préparer la scène suivante. Passons à la scène neuf, et comme nous l'avons fait précédemment, nous copierons les couches pertinentes. Mais avant cela, j'ai remarqué que je n'avais pas nommé les couches du personnage dans Illustrator. Vous avez déjà les fichiers finaux, donc tout va bien de votre côté. Pour l'instant, il suffit de regarder et d'écouter, car cette situation peut arriver à n'importe lequel d'entre nous au cours d'un projet. Il est important de comprendre comment y faire face. Tout d'abord, vous pouvez renommer les calques et After Effects Mais que se passe-t-il si je souhaite renommer les couches du fichier d'origine pour que tout reste organisé au cas où je devrais partager ce projet avec quelqu'un d'autre ou envoyer le fichier de projet avec tous les actifs et conceptions à un client ? Dans ce cas, je préfère ajuster les noms dans le fichier d'origine. Renommera toutes les couches liées à la femme, puis appuiera sur Controls pour enregistrer le fichier Maintenant, lorsque je reviens à After Effects, il ne reconnaît pas les calques car le fichier a été mis à jour et les noms des calques sont différents, ce qu'After Effects ne reconnaît pas. Cela nous montrera les fichiers manquants. Dans de tels cas, lorsque nous n'avons pas encore commencé à animer les couches et que nous trouvons le problème au début, comme c'est le cas actuellement, nous pouvons simplement supprimer la composition et le dossier de ce design, puis le réimporter Plus tard, nous apprendrons comment résoudre le même problème lorsque nous aurons déjà animé les couches. Pour l'instant, retournons au travail et continuons à configurer la scène. Vous souvenez-vous quand nous avons copié et collé les couches plus tôt et que l'ordre des couches n'était pas correct Ensuite, nous avons dû ajuster l'ordre des couches. Voyons maintenant pourquoi cela se produit. C'est très simple. Après les effets, l'ordre de sélection joue un rôle important. La première couche que vous sélectionnez apparaît en haut une fois collée. Je veux que la couche d'indicateur de temps soit la première de la pile de couches Je dois d'abord la sélectionner lorsque je suis sur le point de copier les deux couches. Cela signifie que nous devons commencer par sélectionner cette couche, puis la seconde, et ainsi de suite. Lorsque nous les collons dans la scène principale, l'ordre des couches sera correct. Il en va de même pour les couches de la femme. Si nous voulons préserver leur ordre, nous devons commencer à les sélectionner depuis la couche supérieure et travailler vers le bas Lorsque vous les collez, les couches conserveront alors le bon ordre Ainsi, lorsque vous copiez des couches, faites attention à l'ordre de sélection. C'est bon. Nous avons maintenant un tas de couches dans la scène, et nous savons que nous devons créer des micro-animations pour elles. Cela dit, voici une question. Que devons-nous faire à ce stade ? Dans ce cas, nous devons précomposer les couches. Commençons par précomposer les couches de la femme. Précomposons maintenant les couches du panneau de l'interface utilisateur. Appelons ce panneau d' interface utilisateur de précomposition deux. Génial Ensuite, entrons dans la composition de l'interface utilisateur et ajustons la taille de la composition comme nous l'avons fait précédemment abord, je vais relier la première couche à la seconde afin de pouvoir les aligner toutes les deux au centre en même temps. Ensuite, je vais vérifier les dimensions de la première composition des panneaux de l'interface utilisateur et définir les mêmes dimensions pour celle-ci Génial. Ensuite, je vais vérifier les dimensions de la composition du premier personnage et définir les mêmes dimensions pour la composition féminine C'est pourquoi j'aime arrondir les valeurs de la dimension. De cette façon, il est plus facile de se souvenir des chiffres. C'est bon. Passons maintenant à la précomposition féminine et ajustons les dimensions de cette composition Déplaçons maintenant les couches au bon endroit. Pour terminer, introduisons un joli nuage dans la scène. Je pense que celui-ci va fonctionner. Maintenant, redimensionnons-le. Je pense que 600 conviendront. Génial. Sauvegardons le projet avant de passer à la partie suivante où nous voyons l'ordinateur portable et la scène suivante à l'écran. Pour rendre les choses plus intéressantes, j'ai décidé de ne pas utiliser l' ordinateur portable dès le design. Je vais plutôt en créer un de toutes pièces en trois D, utilisant le moteur de rendu Cinema Four D intégré à After Effects. rendu Cinema Four D nous permet d' extruder des couches de forme et de leur ajouter une véritable profondeur en trois D. Nous ajoutons cette fonctionnalité lors de l'installation d'After Effects. Cela peut être plus intéressant si nous animons l'ouverture de l' ordinateur portable. Je veux vous apprendre à combiner une scène complexe avec à la fois des couches 3D ordinaires et des couches de rendu cinéma en quatre D. Mais pour l'instant, je ne veux pas changer le moteur de rendu et scène principale, car le moteur de rendu Cinema Four D peut être exigeant sur ordinateur, en particulier pour les compositions en Créons une nouvelle composition pour l'ordinateur portable. Nous allons convertir le rendu de cette pré-composition en un moteur de rendu cinéma en quatre dimensions pour créer un ordinateur portable en trois D. Tu comprendras bientôt ce que je veux dire. Faisons de cette composition une composition Full HD pour le moment et appuyons sur OK. Passons maintenant à l'ordinateur portable dès le design pour l'utiliser comme référence. Et avant de commencer à créer l'ordinateur portable, alignons-le au centre, désactivons l' arrière-plan transparent et verrouillons cette couche. Commençons maintenant à créer l'ordinateur portable. Sélectionnez d'abord l'outil rectangle pour créer une forme pour la partie supérieure de l'ordinateur portable. Désactivez le trait et ouvrez le calque pour ajuster les dimensions de la forme. Décochez les proportions limitées et arrondissons les chiffres ici. Arrondissons maintenant les angles de cette forme. Nous pouvons le mettre à 20. Génial. Maintenant, déplacez-le sur le côté et changez la couleur en bleu clair comme dans le dessin. Il suffit de goûter à cette couleur. Ramenez la forme au centre. Avant de passer à autre chose, je tiens à souligner quelque chose d'important. Notez que je déplace la forme à l'intérieur du calque et non le calque lui-même. Le point d'ancrage est alors décentré. Dans ce cas, utilisez l'outil de point d'ancrage, maintenez la touche Ctrl ou Commande enfoncée, puis double-cliquez dessus pour centrer le point d'ancrage. Continuons à concevoir la partie supérieure. Ensuite, nous devons créer l'écran. Pour cela, dupliquez la forme dans cette couche. Vous pouvez le faire à partir d'ici ou passer à l'ancienne et le faire à partir de la couche. Ouvrez donc la couche et son contenu pour sélectionner le rectangle que nous avons ici. Une fois sélectionné, appuyez sur Ctrl ou Commande D pour le dupliquer. Ouvrez les propriétés de taille de la forme d'actualité et réduisez-la. Nous pouvons sélectionner la scène dans le panneau du projet pour voir à quoi elle doit ressembler, ou nous pouvons utiliser la couche d' ordinateur portable que nous avons dans la scène comme référence et pour échantillonner les bonnes couleurs. Maintenant, revenez à la nouvelle forme. Une fois sélectionné, colorons-le en blanc et ajoutons un trait noir. Réglons la largeur du trait à dix. Je vois maintenant que nous devons ajuster un peu les dimensions de cette forme car elles risquent de ne pas correspondre parfaitement à la première forme. Nous pouvons décocher les proportions contraintes et ajuster chaque axe individuellement Redimensionnez légèrement la largeur et réduisez la hauteur. Ça a l'air mieux. Maintenant, ajustez également les coins. Enfin, affinez un peu plus les dimensions. Parfait C'est bon. Créons maintenant la deuxième partie de l'ordinateur portable. Pour cela, nous pouvons dupliquer cette couche. Éteignons-le pour le moment. Ensuite, ouvrons la deuxième forme et utilisons le petit rectangle que nous avons ici pour la transformer en pavé tactile de l' ordinateur portable. Tout d'abord, désactivez le trait. Maintenant, échantillonnez la bonne couleur. Ouvrez ensuite la première forme et changez sa couleur en bleu plus clair. Génial. Revenez maintenant à la deuxième forme et ajustez ses dimensions. Assurez-vous de décocher les proportions limitées et essayons de régler la largeur sur 200, la hauteur sur 150 ou 120 Ça a l'air bien. Déplacez-le vers le bas et commençons à créer le clavier. Pour créer le clavier, nous devons créer une autre forme à l'intérieur de cette couche, assurez-vous que la couche est sélectionnée. Créez maintenant un carré symétrique à l'intérieur de la couche en maintenant la touche Shift enfoncée pendant que vous le dessinez. Ouvrons maintenant le nouveau rectangle et ajustons ses dimensions. Nous pouvons le mettre à 35. Maintenant, arrondissons ses coins pour les adapter au design. Je pense que nous pouvons le mettre à dix. Changez ensuite la couleur en bleu plus foncé par rapport à la référence. Maintenant, nous allons apprendre à créer plusieurs copies sans les dupliquer manuellement Assurez-vous d'abord que cette forme est sélectionnée, puis cliquez sur AD et choisissez l'effet répéteur Maintenant, ajustons les paramètres de cet effet. Faisons dix copies. Ouvrez ensuite les propriétés de transformation de cet effet et ajustez la position. Dans notre cas, nous pouvons le fixer à 46. Génial Avant de poursuivre, nous pouvons fermer les propriétés de cette forme. Maintenant, dupliquez cette forme de rectangle avec l'effet appliqué et déplacez-la vers le bas. Pour ce faire, utilisez l' outil de sélection. Une fois en place, appuyez sur Ctrl ou Commande D pour dupliquer à nouveau , puis placez-le sous la deuxième ligne. Enfin, recommençons ce processus une fois de plus. Il est important pour moi de vous montrer ce processus afin de vous aider à comprendre comment utiliser l'outil Shape Layer. Les couches de formes sont l'un des sujets les plus sous-estimés After Effects pour débutants, mais j'espère que ce processus vous aidera à prendre conscience de leur utilité Convertissons-le maintenant en forme de trois D. Tout d'abord, réduisez la taille de la couche de référence et déplacez-la sur le côté pour éviter que des objets ne nous gênent pendant que nous travaillons. Maintenant, rallumez la partie supérieure et déplacez la partie inférieure vers le bas. Utilisez la fonction de capture pour saisir la couche depuis la zone supérieure afin qu'elle s'accroche à la partie supérieure Génial. Ensuite, placez le point d'ancrage de la partie supérieure au bas de la couche. Amenez ensuite le point d'ancrage de la partie inférieure vers la zone supérieure. Convertissez maintenant les couches en trois couches Dlayers. Ainsi, lorsque nous faisons pivoter l'axe X des couches, celles-ci pivotent de manière à simuler l' ouverture et la fermeture de l'ordinateur portable Nous pouvons régler l'axe de rotation X de la partie inférieure de l' ordinateur portable sur -80 pour le moment Il en va de même pour la partie supérieure. Mais pour l'instant, laissons l'axe X de celui-ci à zéro degré. Génial Passons maintenant au moteur de rendu Cinema Four D. Patientez quelques secondes pour la mise à jour. Si vous ne voyez pas le petit menu du moteur de rendu, vous pouvez également accéder aux paramètres de composition, au moteur de rendu tridimensionnel et le modifier à rendu tridimensionnel et le modifier Si cette option n'apparaît pas, c'est probablement parce que vous n'avez pas coché la case correspondant aux fonctions de Cinema Four D lors de l'installation d'After Effects. Dans ce cas, enregistrez le projet, quittez After Effects, désinstallez-le et réinstallez-le, en veillant à inclure les fonctions Cinema Four D. Maintenant, lorsque nous ouvrons la couche, nous verrons des options de géométrie dans lesquelles nous pouvons définir la profondeur d'extrusion. Changeons la vue pour voir à quoi elle ressemble. Comme vous pouvez le constater, il s'agit désormais d'un véritable objet en trois D. Réglons la profondeur à, disons, 30. Ensuite, faisons de même pour la deuxième partie. À bien y réfléchir, 30, c'est trop. Réglons-le sur 20 et modifions-le également pour la première couche. Notez que plus vous ajoutez de profondeur, plus il sera difficile pour votre ordinateur prévisualiser et de rendre la scène. Revenons maintenant à la vue normale et continuons à concevoir l'ordinateur portable. Comme vous pouvez le constater, certaines l'ordinateur portable présentent des couleurs légèrement plus foncées zones de la conception de l'ordinateur portable présentent des couleurs légèrement plus foncées. Apprenons comment faire, en commençant par la partie inférieure. Ouvrez le contenu de cette couche et sélectionnez la forme à laquelle vous souhaitez ajouter une couleur supplémentaire. Dans notre cas, il s'agit du premier rectangle. Lorsque cette forme est sélectionnée, allez dans Ajouter, puis sur le côté et cliquez sur la couleur. Échantillonnez la couleur du dessin. Passez maintenant à la partie supérieure de l'ordinateur portable et colorez également ses côtés. Nous allons sélectionner cette couche, appuyer sur R et maintenant la faire pivoter pour voir les côtés de cette forme. Ensuite, n'oubliez pas de sélectionner le rectangle que vous souhaitez ajuster dans le contenu de cette forme et d' ajouter ensuite une couleur latérale. Si vous ne sélectionnez pas le rectangle, cela ne fonctionnera pas. Cette fois, je vais choisir une couleur plus claire. Avec cela, nous avons terminé la conception de l'ordinateur portable. Vous pouvez maintenant supprimer la couche de référence, tout revenir à la normale et passer à autre chose. Ramenons la rotation de la partie supérieure de l'ordinateur portable à zéro. La prochaine chose à faire est d'ajuster la taille de la composition car nous n'avons pas besoin de toutes ces zones vides autour de l'ordinateur portable Assurez-vous de cocher la case d'aperçu pour voir ce que vous faites. Nous pouvons régler la largeur à 800 et la hauteur à 750. Ça a l'air assez bon. Nous avons maintenant une précomposition avec un rendu cinéma pour D et nous pouvons passer à notre scène principale et y intégrer cette précomposition Placez-le ici pour le moment et organisons notre projet avant de passer à autre chose, commençant par fermer toutes les précompositions ouvertes que nous avons Gardez la scène deux et la composition principale ouvertes. Ensuite, taguons notre nouvelle scène en bleu afin que toutes les scènes principales aient la même couleur. Transférons ensuite toutes les précompositions nouvellement créées dans le dossier des précompositions des précompositions Nous pouvons également déplacer ces précompositions, y compris la précomposition des personnages principaux. Enfin, déplaçons les dossiers des calques d' Illustrator vers le dossier des ressources. N'oublions pas non plus le dossier clouds. C'est bon. Nous sommes maintenant prêts à animer la scène. Comme nous utilisons After Effects depuis longtemps, il est conseillé de purger le logiciel pour tout nettoyer dans le back-end, afin d' éviter les erreurs lors l'animation de cette scène complexe. Et maintenant, avant de passer à l'animation, ajoutons les titres de chacune des scènes. Pour ce faire, nous pouvons les copier à partir du design principal. Réduisez la taille de la police et ajustez l'interligne selon vos besoins. Maintenant, pour que la chronologie reste organisée, plaçons ce titre à côté des couches de la scène. Dupliquez ensuite le calque de texte et déplacez-le vers le haut. Mettons-le également à la bonne position dans la scène. Nous pouvons le placer au-dessus du deuxième panneau d'interface utilisateur avant la composition. Une fois cela fait, revenons au design pour copier le second titre. N'oubliez pas d'ajuster la taille de la police et l'interligne. Génial. Il nous reste maintenant une dernière chose à faire avant de commencer l'animation intégrer le reste des nuages dans la scène et convertir toutes les couches en trois couches en 3D, car nous voulons créer une animation accrocheuse avec un bel effet de parallaxe Commençons par convertir les couches que nous avons ici en trois couches D. Cliquez ici si vous ne voyez pas l'icône en trois D. Maintenant, avant d' ajouter le reste des nuages, créons une nouvelle caméra dans la scène. Lorsque vous travaillez avec une scène 3D, il est préférable de créer une caméra de 35 millimètres, même si nous ne voulons pas l'animer Cela facilite l'étalement des trois couches D puisque nous savons exactement où se trouve la caméra. Ouvrons maintenant le dossier des nuages et commençons à les disperser dans la scène Tout d'abord, introduisez celui-ci et placez-le à côté des premières couches de scène. Trouvons-lui maintenant une bonne place dans la scène. Nous pouvons désactiver le snapping pour déplacer les couches librement. Maintenant, ouvrez l'échelle de cette couche, redimensionnez-la à 400, réduisez-la et positionnons-la quelque part par ici pour le moment. Génial. Maintenant, avant de passer au cloud suivant, entraînons-nous à travailler de manière plus efficace. Convertissez d'abord ce nuage en une couche tridimensionnelle. Dupliquez ensuite cette couche et déplacez-la vers la position souhaitée. Lorsque cette couche est sélectionnée, maintenez la touche Alt ou Option enfoncée et faites glisser le nuage suivant pour le remplacer. Cela évite d'introduire manuellement le deuxième nuage, ajuster son échelle et le convertir en une couche tridimensionnelle. Utilisons maintenant cette technique et continuons à arranger le reste des nuages de la scène. Pour l'instant, répartissez les nuages sur la scène comme vous le souhaitez. Bientôt, nous vérifierons le design pour ajuster leur emplacement. Accélérez ce processus dès maintenant. Très bien, je pense que ça a l'air bien pour le moment. Ensuite, organisons notre chronologie car nous avons beaucoup de couches ici. Commencez par étiqueter tous les nuages en violet. Maintenant, sélectionnons toutes les couches appartenant à la première scène, y compris la précomposition du personnage, et étiquetons-les d'une couleur différente . Disons vert. Ensuite, sélectionnez les couches de la deuxième scène et étiquez-les en orange. De cette façon, nous pouvons facilement différencier les couches de chaque scène. Maintenant, comme nous avons affaire à trois couches en D, l'ordre des couches n'affecte pas la scène. Déplaçons tous les nuages au-dessus des autres couches, les séparant de la couche de scène. De cette façon, il nous sera plus facile de les répartir dans l'espace tridimensionnel. Génial. Passons maintenant à la vue de dessus et commençons à ajuster la position des nuages pour créer une belle profondeur dans la scène. ne me reste plus qu'à rapprocher ou éloigner les nuages de la caméra pour donner à la scène un aspect intéressant. De plus, plus les couches sont étalées, meilleur sera l'effet de parallaxe lorsque nous créerons le mouvement panoramique Si vous ne savez pas où les déplacer, sélectionnez la précomposition du dessin pour voir à quoi il est censé ressembler Je pense que nous devons ajouter un autre cloud ici. Dupliquons celui-ci, déplaçons-le vers le bas et remplaçons-le par un autre cloud. Ça a l'air bien. Continuons maintenant à distribuer les couches dans un espace tridimensionnel. Je vais accélérer ce processus maintenant. Comme vous pouvez le constater, j'utilise les deux vues pour cette tâche. Lorsque je souhaite rapprocher ou éloigner la couche de la caméra, j'utilise la vue de dessus. Pour déplacer les couches vers le haut, le bas ou d'un côté à l'autre, j'utilise la vue de caméra active. Nous pouvons également ajuster la position des autres couches de la scène. C'est bon. Nous avons ainsi terminé de configurer cette grande scène, qui comprend trois scènes. Nous sommes maintenant prêts à commencer à l'animer. C'est ce que nous ferons dans la prochaine leçon, alors à bientôt. 7. Animer une transition 3D avec panoramique ascendante: Bonjour, nous allons commencer cette leçon en nous concentrant sur l' animation de cette scène Nous allons d'abord animer les principaux éléments, puis nous animerons quelques micro-animations qui doivent se produire ici Tout d'abord, rappelons-nous comment s'est terminée la scène précédente. Je vois que nous prévoyons de créer une autre allumette où la petite sphère remonte vers le haut. Cela signifie que cette sphère doit entrer dans notre nouvelle scène. Copions donc cette couche et collons-la dans notre nouvelle scène. Vous pouvez sélectionner la caméra pour la coller au-dessus de cette couche. Abaissons cette couche. Mais avant cela, supprimez les images-clés qui s'y trouvent. Appuyez sur vous et cliquez sur les chronomètres de la position et sur les propriétés de l'échelle Nous pouvons retourner au travail avec One View. Réfléchissons maintenant à un moyen d' animer cette sphère. Je veux que cette sphère entre dans la scène par le bas et remonte tout en faisant une pause à côté des titres C'est-à-dire que je veux créer un mouvement panoramique, mais cette fois, un mouvement panoramique vers le haut. C'est bon. Faisons en sorte que cette sphère entre en scène et qu'elle soit placée à côté du titre. Amenons-le ici, hors de la scène, alignons-le au centre, vérifions-nous que nous sommes au début de la chronologie et créons maintenant la première image-clé pour la propriété position Nous pouvons zoomer sur la chronologie pour voir les horodatages en secondes afin de créer l' animation plus confortablement Avançons maintenant d'une seconde et plaçons la sphère à côté du titre. Dans ces situations, comme je l'ai déjà mentionné, nous devons laisser le temps au spectateur de lire le texte. Par conséquent, nous allons faire en sorte que la sphère reste à ce point pendant environ 2 secondes, passer à la troisième seconde et cliquer sur le chronomètre pour créer une image-clé avec la valeur actuelle C'est bon. Maintenant, je veux que la sphère passe lentement à la position suivante. Avancons de 2 secondes dans temps et amenons la sphère au deuxième titre. Faisons en sorte que cette sphère reste ici pendant 2 secondes , puis avançons à nouveau de 2 secondes pour l'amener à la troisième scène. Nous pouvons utiliser l'outil d'alignement pour le placer au centre à cet endroit. Génial. La prochaine chose que nous devons faire maintenant est d'améliorer la trajectoire de la position des sphères car elle est trop droite pour le moment. Pour cela, nous pouvons utiliser l'outil de conversion de vertex. Appuyez donc longuement sur l'outil Stylo et sélectionnez l'outil de conversion de sommets Cliquez maintenant une fois sur ce point, puis appuyez sur V pour revenir à l'outil de sélection et commencer à ajuster les poignées de ce point. Faites glisser la poignée créée par l'outil Vertex vers la gauche pour arrondir légèrement le tracé C'est bon. Maintenant, ajustons également la première image-clé et faisons monter la sphère au début Je trouve que ça a l'air sympa, et nous pouvons passer à la partie suivante. Cliquons sur cette image-clé et abaissons la poignée. Ça a l'air bien pour le moment. Voyons la dernière partie. Je ne pense pas que nous ayons besoin d' ajuster quoi que ce soit pour la dernière partie. Passons à l'amélioration du mouvement. Pour cela, commençons par convertir toutes les images-clés en Easy Ease Passons maintenant à l'éditeur de graphiques de vitesse et commençons à ajuster les poignées. Faisons en sorte que cette sphère entre en scène très rapidement dès le début, afin que notre transition Match Cut fonctionne parfaitement. Ça a l'air bien. Maintenant, faisons en sorte que cette sphère passe lentement au deuxième titre, puis gagnons en vitesse et ralentissons à nouveau avant qu'elle n'atteigne le titre. Voyons à quoi cela ressemble avant de passer à la dernière partie. Ça a l'air super. Faisons de même pour la dernière partie. Voyons à quoi tout ressemble. Génial. Maintenant, après avoir terminé l'animation de l'élément principal de cette scène, nous pouvons passer à la création de l' animation de transition panoramique dans la composition principale Pourquoi est-ce l'élément principal de la scène, demandez-vous ? C'est parce que l' animation de la sphère détermine où nous allons passer d'une scène à l'autre. Revenons à notre composition principale et ajoutons la nouvelle scène que nous venons de créer, en la faisant fonctionner avec la précédente en créant une transition match cut Tout d'abord, recadrons cette composition là où elle se termine. Pour cela, nous pouvons le saisir et voir où se trouve la dernière image-clé Restons ici et pressons pour raccourcir la zone de travail jusqu'à ce point. Maintenant, cliquez avec le bouton droit de la souris et recadrez la composition. Revenons à la composition principale. Zoomons un peu sur la chronologie et voyons où se situe le moment exact où la sphère est hors de la scène. Je vois que c'est ce qui se passe quelque part par ici. Recadrons cette composition jusqu'à ce point. Passons maintenant à notre nouvelle scène. Ensuite, positionnez-le de manière à ce que nous puissions voir la première scène à l'intérieur. C'est-à-dire, commencez la précomposition par le bas, puisque c'est le début de la scène, et commencez cette composition au point où la sphère est sur le point d' entrer dans la scène quelque part Recadrons cette composition depuis le début et déplaçons-la juste après la scène précédente Ce faisant, nous avons créé une coupe parfaitement assortie. Le mouvement de cette sphère passe en douceur d'une scène à l'autre. Génial. Nous sommes maintenant prêts à créer la transition vers le haut Comme je l'ai mentionné plus tôt, l'animation de la sphère qui décidera où la transition doit avoir lieu. Passons d'abord au début de cette scène, et maintenant créons l' image-clé de première position pour cette composition Passons ensuite à la scène et arrêtons-nous au moment où la sphère arrive au premier titre. Si nous ne savons pas où il se trouve, appuyez sur la couche de sphères pour voir ses images-clés Nous pouvons maintenant suivre les images-clés ici pour nous aider à créer les images-clés panoramiques dans la composition À ce stade, nous pouvons déplacer légèrement la scène vers le haut pour créer une animation panoramique douce Voyons ce que nous avons. Ça a l'air sympa pour le moment. Ensuite, revenons dans la scène et arrêtons-nous au point où la sphère est toujours debout. Revenons à la composition principale. Déplaçons maintenant la composition un peu plus vers le bas pour continuer le mouvement doux Nous ne voulons pas que la scène soit statique lorsque la sphère ne bouge pas. Ce sera plus beau s' il y a un peu de mouvement dans cette situation pour éviter une pause ennuyeuse. Très bien, nous savons maintenant qu'après la pause, la sphère arrivera à sa position suivante au bout de 2 secondes. Par conséquent, nous pouvons changer le nombre ici à 31, ce qui placera l'indicateur de temps exactement 2 secondes en avant. Maintenant, déplaçons la composition quelque part par ici. Ensuite, bougeons encore 2 secondes et créons une légère animation ascendante pendant le moment de pause en déplaçant la composition vers le bas. Ensuite, après 2 secondes, déplaçons la composition plus bas pour arriver à la scène finale où nous voyons l'ordinateur portable Notez que si vous souhaitez utiliser l'outil d'alignement pour aligner cette composition sur la zone supérieure, cela ne fonctionnera pas car elle contient des images-clés Par conséquent, assurez-vous manuellement que la composition est parfaitement alignée C'est là que les guides que nous avons créés sont utiles. Nous pouvons maintenant commencer à ajuster le mouvement de notre animation panoramique Convertissons d'abord les images-clés pour les simplifier, puis entrons dans l'éditeur de graphes pour ajuster le mouvement Pour la première image-clé, nous pouvons l'associer au mouvement de la sphère C'est bon. Faisons maintenant correspondre les parties de transition lorsque la composition passe une scène à l' autre, à peu près la même manière que nous l'avons fait pour la sphère Lancez le mouvement lentement, accélérez et ralentissez vers la fin. Faisons de même pour la dernière partie. Et maintenant, voyons à quoi cela ressemble. Génial. Je trouve que c'est sympa, et maintenant nous pouvons ajuster les pauses étranges que nous avons créées après avoir allégé les images-clés Pour résoudre ce problème, nous pouvons sélectionner ces images-clés et double-cliquer dessus pour les rendre continues. Cela nous permettra de saisir ces images-clés et de les déplacer légèrement vers le haut afin que leur vitesse ne soit pas nulle Maintenant, après l'arrivée de la sphère, le mouvement panoramique supérieur se poursuivra Faisons de même pour le reste des moments de pause. Je vais accélérer un peu ce processus. Voyons ce que nous avons. Très bien, tout semble parfait. Maintenant, après avoir créé l'animation de l'élément principal cette composition, puis créé les transitions, nous pouvons enfin créer belles micro-animations à l'intérieur de la scène Nous n'allons pas créer quelque chose de complexe. Ce n'est pas le but du cours. Je veux simplement vous montrer le processus de création de projets complexes avec des scènes contenant quelques séquences animées. C'est bon. La première micro-animation que nous allons créer est celle qui se trouve dans le premier panneau de l'interface utilisateur lorsque la sphère arrive ici. À ce stade, entrons dans le premier panneau de précomposition de l' interface utilisateur et animons l' indicateur de temps que nous voyons Vous pouvez créer la première image-clé ici. Déplaçons la couche pour qu' elle commence à partir de cette zone. Avançons maintenant d'une seconde et déplaçons-le vers la droite. Enfin, ajustons la vélocité et voyons à quoi cela ressemble. Revenons à la scène principale et voyons quoi cela ressemble avec le reste des éléments de la scène. Je pense que c'est trop rapide. Faisons en sorte que cela dure 2 secondes au lieu d'une. tenant là, déplacez la dernière image-clé jusqu'à ce point dans le temps. Ça a l'air super. Maintenant, à partir de ce moment précis, créons une micro-animation pour le personnage. animation de personnages n'est pas le sujet principal de ce cours, mais je voudrais vous apprendre quelques astuces pour animer des personnages et créer des effets secondaires, en particulier sans les truquer personnages et créer des effets secondaires, à l'aide de plugins de rigging Placez-vous donc à la deuxième place et entrez le personnage avant la composition. Maintenant, avant de commencer à animer les couches, lorsque je travaille avec des personnages, je réduis l'opacité des couches à Il est ainsi plus facile de voir clairement où les pièces sont connectées. besoin de savoir quand les pièces sont connectées car je dois déplacer les points d'ancrage des couches que je vais animer. Comme dans cette couche, sélectionnons l'outil de point d'ancrage et déplaçons-le au centre de la zone où les deux couches sont connectées. Si vous le déplacez au mauvais endroit, le mouvement aura l'air étrange. Mais quand il est au centre, il fonctionnera bien. Placez-le ici et vérifiez la rotation. Ça a l'air bien. Ensuite, nous pouvons associer la couche du doigt à la couche de la main, afin qu'elle se déplace avec elle. Ça a l'air génial. Maintenant, nous pouvons également associer l' icône de l'interface utilisateur à la main. De cette façon, toutes les couches pertinentes se déplaceront ensemble. À partir de maintenant, créons une jolie animation de rotation pour la main afin de donner l' impression qu'elle lance l'icône. Créons d'abord la première image-clé dont la rotation est réglée sur -30 Maintenant, avançons d'une seconde et tournons la main, mettons-la à zéro. Enfin, avancez d'une seconde et copiez la première image-clé pour que la main revienne à sa position initiale Comme pour tous les types d'animations, nous créons d'abord le mouvement initial, puis nous l'améliorons. Maintenant que nous avons le mouvement de base, rendons-le un peu plus intéressant en faisant descendre la main avant de la lever. Ensuite, nous pouvons faire descendre la main juste avant d'atteindre sa position finale. Cette technique est l'un des 12 principes de l' animation appelée action de suivi et de superposition, qui rend le mouvement des éléments plus naturel et moins robotique À partir de maintenant, nous devons faire voler l' icône dans les airs. Nous allons créer l'image-clé de première position ici, puis passer à la marque de 1 seconde et faire apparaître l'icône Enfin, copiez la première image-clé pour qu'elle revienne à sa position initiale En vérifiant l'animation, je constate que l'icône commence à apparaître trop tôt. Pour résoudre ce problème, déplaçons la première image-clé de cinq images vers l'avant afin que l' animation commence plus tard Faisons de même pour l'animation d'atterrissage. Faisons en sorte que l'atterrissage ait lieu plus tôt. Maintenant, les couches d'icônes commencent à s'afficher au bon moment. Génial. Nous pouvons maintenant créer une belle rotation pendant l'animation de vol. Appuyez sur R, créez la première image-clé, puis passez à l'image-clé d'atterrissage et faites en sorte que l'icône effectue une rotation complète . Ça a l'air sympa. Génial. Nous pouvons maintenant ramener l'opacité normale et commencer à améliorer l' animation que nous venons de créer Commençons par l' élément animé principal de cette animation, qui est la main, car la main est la couche à laquelle les autres couches sont apparentées Convertissons d'abord toutes les images-clés en Es faciles. Passons maintenant à 85 % de vélocité et voyons à quoi cela ressemble. Je vais vérifier l'animation deux fois pour m'en assurer. Je trouve que ça a l'air génial. Maintenant, simplifions-nous le reste des images clés. Ça a l'air bien. Mais je pense que nous pouvons faire en sorte que l'icône reste un peu plus longtemps en l'air en ajustant les poignées de cette manière, ce qui ralentira la couche lorsqu'elle atteint la position supérieure. Regardons-le encore une fois. Tout ça a l'air super. Passons maintenant à la scène principale et passons à l'étape suivante, qui consiste à animer toutes les micro-animations de la scène suivante à partir du moment où la sphère arrive au deuxième titre Mais avant cela, regardons l'animation que nous avons créée pour cette scène pour voir si le moment de notre micro-animation est correct. Ça a l'air génial. Nous pouvons maintenant passer à la partie suivante. Nous devons donc d'abord nous situer au moment où nous voulons que la micro-animation commence. Dans notre cas, c'est lorsque la sphère s'arrête au deuxième numéro cinq, et comme pour la partie précédente. Commençons par animer le panneau de l'interface utilisateur. Créez la première image-clé à ce stade. Commençons l'animation de cette couche par le côté gauche. Avançons ensuite de 2 secondes. C'est à la huitième seconde et déplacez l' indicateur de temps vers la droite. Ajustons l'assouplissement et voyons à quoi cela ressemble. Génial. Nous pouvons maintenant animer le personnage féminin exactement comme nous avons animé le personnage masculin Entrez donc dans la précomposition et commencez maintenant par diminuer l' opacité de toutes les couches Ensuite, ajustez le point d'ancrage de la couche principale que nous allons animer et commencez à créer l'animation de rotation exactement comme nous l'avons fait pour le premier personnage Mais avant l'animation, n'oubliez pas de placer le doigt et les couches d'icônes sur la main. C'est bon. Maintenant, cette fois, nous pouvons régler la première image clé de rotation à une valeur de 20 degrés. Nous pouvons zoomer sur la chronologie pour voir les horodatages en secondes Créons la première image-clé. Passez maintenant à la huitième et créez la même image-clé. Puis, au milieu de ces images-clés, réglez la rotation de la main sur zéro Améliorons maintenant l'animation en faisant baisser légèrement la main avant de remonter, puis en redescendant avant de revenir à sa position initiale. Comme nous l'avons fait pour le personnage principal dans la partie précédente. Maintenant, à partir de ce moment, nous pouvons faire voler l'icône dans les airs. Passons ensuite à 6 secondes et 15 images et remontons la couche. Enfin, passons à 7 secondes et copions la première image-clé ici Faisons-le également pivoter pendant l'animation de vol. Tout semble aller bien pour le moment. Sélectionnons maintenant toutes les couches, ramenons l'opacité à 100 et voyons à quoi cela ressemble Je pense que l'icône tourne sur le mauvais axe. Remplaçons son dernier cadre clé de rotation en moins un afin qu'il pivote vers la gauche Ajustons maintenant les images-clés et vérifions ce que nous avons. Améliorons d'abord l' animation de la main. Entrez dans le panneau de vélocité et réglez-le sur 85 %. Ensuite, améliorons l'animation de l'icône. Comme nous l'avons fait la fois précédente, ralentissons tout en planant dans les airs Pour une raison ou une autre, l' animation semble très lente. Je pense que je n'ai pas fait correspondre correctement le moment et la durée de cette séquence animée. Revenons à la composition du premier personnage et voyons quelle est la durée de l'animation. Concentrons-nous sur le timing de l'animation manuelle. Cette animation dure cinq images et après cinq images, l'icône commence à voler. Voyons ce que nous avons fait dans la composition des personnages féminins. Je vois maintenant que nous devons raccourcir toutes les animations de cinq images. Tout d'abord, ramenons les images-clés de la main de quelques images en arrière Ensuite, faites démarrer les images-clés de l' icône entre 5 secondes et 20 images Utilisez ensuite les deux dernières images-clés de la main pour démarrer à 7 secondes. Voyons à quoi ça ressemble. Je pense que nous pouvons déplacer le cadre central de la main ici. Je voulais vous montrer que parfois, au cours du processus, nous pouvons faire des erreurs et ne pas correspondre parfaitement aux animations. C'est pourquoi il est si important de prendre le temps de vérifier chaque animation plusieurs fois avant de passer à autre chose. Même après avoir ajusté le timing du personnage féminin, l'animation ne dure toujours pas exactement comme l'animation du personnage masculin. animation du personnage masculin dure exactement 2 secondes tandis que l'animation du personnage féminin dure 2 secondes et dix images. Ce n'est pas grave pour moi, car le deuxième titre est un peu plus long et c'est bien de laisser au spectateur dix images supplémentaires pour le lire. Cela dit, nous allons maintenant améliorer l'apparence de la scène avec un effet de profondeur de champ rafraîchissant en utilisant notre caméra dans la scène. Puisque nous voulons que la sphère interagisse avec la profondeur de champ de notre caméra, convertissons la couche sphérique couche tridimensionnelle ainsi que le reste des couches de cette scène. De cette façon, la caméra interagira avec toutes les couches que nous avons ici. Et nous serons en mesure de créer un look intéressant pour la scène. Ouvrons d'abord les options de la caméra , puis activons la profondeur de champ ici. Maintenant, ouvrons la vue de dessus et ajustons la distance de mise au point. Puisque nous plaçons les couches les plus importantes à cette position, nous devons ramener la distance focale ici. Nous pouvons ajuster la valeur manuellement. Jouons maintenant avec l'ouverture et le niveau de flou pour obtenir un bel effet de profondeur dans la scène Je trouve cela très beau, mais je pense que nous devons ajuster la position de certains nuages pour obtenir une composition plus équilibrée. Si vous souhaitez en savoir plus sur la création de meilleures compositions et designs et comprendre les domaines dans lesquels votre composition doit être ajustée, je vous recommande vivement de consulter mon livre électronique, Motion by Design. Dans ce livre, vous apprendrez conception essentiels et les principes fondamentaux de la conception graphique, qui vous permettront de créer des scènes plus attrayantes et de haute qualité dans vos projets d'animation. C'est essentiellement tout ce que j'ai appris en quatre ans d'université tout en obtenant mon baccalauréat en communication visuelle, condensé en sept chapitres très faciles à comprendre. Les connaissances vous aideront à vous démarquer des autres motion designers Donnez-leur une chance si vous envisagez sérieusement votre carrière. Revenons à la leçon. Je vais maintenant accélérer ce processus. Tout ce que je fais ici, c'est déplacer la position des nuages pour créer une composition plus équilibrée. OK. Passons maintenant à la composition principale et voyons à quoi tout ressemble. Je pense que nous devrions faire un petit zoom arrière car pour le moment, les scènes sont trop rapprochées et tout semble trop grand. Revenons à la scène. Puisque nous avons une caméra ici, il sera très facile de tout faire paraître un peu plus petit en la déplaçant légèrement vers l' arrière, et nous le ferons en ajustant l'axe Z. Ajustez l'aperçu de votre caméra active pour l'adapter au panneau de prévisualisation afin que vous puissiez voir la scène dans son intégralité. Sélectionnons la vue de dessus et faisons de même. Maintenant, reculons légèrement la caméra. Ça suffit. Ensuite, n' oubliez pas d'ajuster la distance de mise au point en conséquence C'est bon. Je pense que ça a l'air mieux maintenant. Vérifions-le également dans la composition principale. Je pense que tout semble parfait et que nous sommes prêts à passer à autre chose. Passons à la scène sur laquelle nous avons travaillé et supprimons maintenant les couches de guidage que nous avons créées au début, car nous n'avons plus besoin de ces guides plutôt créer un nouveau solide à utiliser comme arrière-plan pour l'ensemble de la scène. Comme vous pouvez le voir dans le dessin, il y a une couleur pour l'arrière-plan de ces trois parties. Cliquons ici avec le bouton droit de la souris, passons à Nouveau et sélectionnons solide. Échantillonnons la couleur bleue du dessin. Nous pouvons le renommer en BG Sky. Ensuite, assurez-vous qu'il s'agit de la taille de la composition et cliquez sur OK. Mettons-le maintenant en dessous de toutes les couches. Nous sommes maintenant prêts à passer à autre chose. Fermons toutes les précompositions que nous avons ici et revenons à la composition principale pour voir quelle devrait être la prochaine étape Je pense qu'à ce stade, nous pouvons créer quelque chose de plus intéressant au lieu de simplement présenter le titre. Par exemple, nous pouvons ajouter des étincelles. Passons à la deuxième scène et utilisons les étincelles que nous avons créées pour le premier titre de cette Passons à la première précomposition du titre principal Copiez maintenant l'étincelle que nous avons Mais avant cela, profitons de cette opportunité. Appuyons sur vous pour voir où se termine l'animation sur ces couches et recadrons la couche en conséquence. Maintenant, copions-les. Revenez maintenant à la scène principale puis entrez dans la scène de la boîte. Maintenant, faites défiler le panneau Calques vers le bas, sélectionnez le titre et collez-le ici. Enfin, faisons un zoom arrière sur la chronologie pour trouver les couches d'étincelles et ajustons la chronologie des étincelles lorsque nous verrons le titre final ici Nous pouvons commencer leur animation aux alentours de la 17e seconde. Vérifie le timing. Déplaçons-les pour commencer à partir des 17 et 20 secondes images. Et maintenant, n' oublions pas d'ajuster la position des étincelles en fonction de l' emplacement du titre Je vais placer le gros quelque part par ici, puis le petit en-dessous de la fin de la lettre. Voyons ce que nous avons. Bien, revenons maintenant à la composition principale pour la voir avec le reste des scènes Tout semble beau et nous sommes prêts à terminer animation de la troisième scène en créant le Zoom en transition vers l'ordinateur portable, passer à la scène suivante Pour ce faire, nous allons ajouter le design de la scène suivante composition de l'ordinateur portable et utiliser la caméra que nous avons dans cette scène pour créer l'animation Zoom in Au cours de cette transition complexe, nous allons rencontrer de nombreux problèmes, alors préparez-vous à apprendre quelques astuces géniales. Pour commencer, nous devons d'abord préparer le fichier de conception et Illustrator. Vous n'avez rien à faire puisque vous disposez déjà du fichier de conception finalisé. Il suffit de regarder et d'écouter. Ouvrez le dessin de cette scène et commencez par le dissocier afin que je puisse séparer les couches Ensuite, je les sortirai de la couche groupée et je les supprimerai. Maintenant que je prévois déjà d'utiliser la petite sphère à l'intérieur de la clé pour l'utiliser comme objet de transition pour la scène suivante, cette sphère passera ensuite à l' arrière-plan de la scène. C'est pourquoi je vais m' assurer de séparer cette couche de la clé afin de pouvoir l'animer séparément. Je vais maintenant étiqueter les couches importantes et enregistrer ce dessin avant de l'importer dans After Effects. Maintenant c'est à ton tour de retourner au travail. Intéressons la onzième scène à notre projet. Dans ce cas, nous ne créerons pas cette scène à partir de zéro et d'After Effects. Nous utiliserons la précomposition de conception que nous avons déjà ici. Commençons par entrer dans la composition de l'ordinateur portable et introduisons cette précomposition Nous devons maintenant convertir cette couche en une couche tridimensionnelle afin qu'elle interagisse avec le reste des éléments Maintenant, ajustons la taille de la maquette et plaçons-la au centre de l'écran de l'ordinateur portable Pour adapter la précomposition, exactement dans l'ordinateur portable, nous pouvons régler la taille Zoomons et vérifions-nous qu'il est aligné au centre de l'ordinateur portable. Génial. Pour rendre les choses plus intéressantes, je souhaite créer une animation d'ouverture pour l'ordinateur portable. abord, nous devons trouver le moment où cela doit se produire. Nous pouvons partir du point où la sphère est sur le point de se déplacer. Nous pouvons ouvrir les cadres clés de la sphère et voir où cela se passe. La sphère commence à se déplacer vers l'ordinateur portable à partir de la septième seconde. Placez l'indicateur de temps ici et entrez dans la composition de l'ordinateur portable. Nous pouvons désactiver cette précomposition pour le moment. Maintenant, ouvrons les propriétés de rotation des deux couches et utilisons la rotation de l'axe X pour créer l'animation d'ouverture. À ce stade, définissez la valeur sur -90 pour la partie inférieure et sur 90 pour la partie supérieure Avançons maintenant d'une seconde et mettons la valeur à zéro pour la partie supérieure. Pour la partie inférieure, nous pouvons la régler à -80. Ajustons maintenant la vélocité et voyons ce que nous avons. Je reviens toujours à la composition principale pour voir à quoi elle ressemble dans sa forme finalisée Comme vous pouvez le constater, l'ordinateur portable est déjà ouvert avant l'arrivée de la sphère. Cela signifie que nous devons retarder légèrement l'animation. Commençons l'animation quelque part par ici. Entrez dans la précomposition de l'ordinateur portable et déplacez les images-clés jusqu'à ce point Revenons à la composition principale et vérifions-la une fois de plus. Ça a l'air mieux. Maintenant, réactivons la précomposition de scène 11 Nous devons maintenant faire bouger la précomposition avec la partie supérieure de l'ordinateur portable bouger la précomposition avec la partie supérieure de l' Pour cela, alors que l' ordinateur portable est déjà ouvert, associons cette composition à la première couche de forme, qui est la partie supérieure de l'ordinateur portable Génial. Maintenant, il est attaché à l'écran de l'ordinateur portable et tout semble bien pour le moment. Ensuite, nous pouvons passer à autre chose et commencer à créer le zoom et l'animation. Pour savoir jusqu'où zoomer et avec l'appareil photo, nous devons connaître les dimensions de cette précomposition Tu comprendras bientôt pourquoi. Pour l'instant, entrons dans cette précomposition et ajoutons l' effet de remplissage à l'arrière-plan Notre objectif est de changer la couleur de l'arrière-plan pour le rendre visible sur l'écran blanc de l'ordinateur portable. De cette façon, nous pouvons clairement voir les limites de la scène. C'est bon. Revenons à notre scène principale et commençons à créer le zoom et l'animation. abord, nous devons trouver le moment où commencer à zoomer Je pense que nous pouvons commencer juste après l' arrivée de la sphère dans cette scène. Ouvrez la propriété position de la caméra et créez la première image-clé à ce stade Avancez maintenant de 2 secondes et commencez à ajuster les valeurs de position. Mais avant cela, assurez-vous de voir le haut de la scène. De cette façon, nous saurons quand arrêter de zoomer avec l'appareil photo Maintenant, nous devons rapprocher l'appareil photo de l'écran de l'ordinateur portable jusqu'à ce que la précomposition des touches recouvre tout le cadre Pour cela, assurez-vous également de déplacer la caméra vers le bas et vers le haut. La profondeur de champ interfère actuellement, alors accédez aux options de la caméra et désactivez-la pour le moment Génial. Continuons de régler la position de la caméra. Je vois que nous avons déjà atteint le bord supérieur de la scène. C'est pourquoi nous avons coloré le fond en gris. Ce faisant, nous savons maintenant que nous pouvons arrêter de zoomer avec l'appareil photo Voyons à quoi cela ressemble dans la composition principale. Nous pouvons toujours voir une zone vide ici. Cela signifie que nous devons baisser la caméra et zoomer un peu plus. Voyons maintenant à quoi cela ressemble dans la composition principale. Je pense que ça a l'air mieux maintenant. Activons la grille d'action ici pour voir si la scène est alignée au centre. Ça a l'air super. Nous pouvons maintenant revenir à la scène et améliorer les images clés que nous venons de créer pour la caméra. Avant de passer à autre chose, je tiens à souligner une petite erreur que nous avons commise ici. Laisse-moi t'expliquer. Lorsque nous sommes entrés dans la scène pour régler le zoom de l'appareil photo après l'avoir vérifié dans la composition principale, je ne me suis pas tenu exactement devant la deuxième image-clé de l' appareil photo pendant le Cela signifie que nous avons créé une nouvelle image-clé pour la position ajustée de la caméra au lieu de remplacer l'ancienne C'est pourquoi nous voyons une autre image-clé ici. Cette image-clé représente la position ajustée de la caméra, mais elle n'est pas au bon moment. Par conséquent, nous allons nous tenir à la deuxième image-clé , la supprimer et déplacer la nouvelle dans la bonne position C'est l'une des erreurs les plus courantes commises par les motion designers débutants. vous ai montré cette erreur. N'oubliez donc pas de vous Je vous ai montré cette erreur. N'oubliez donc pas de vous tenir debout devant l'image-clé avant de régler sa valeur. C'est bon. Réglons maintenant l'atténuation des mouvements de la caméra pour la rendre moins robotique et voyons à quoi cela ressemble. Ça a l'air très bon. Maintenant, vérifions-le également dans la composition principale. C'est bon. Ça a l'air génial. Revenons maintenant à la scène et continuons à l'animer Nous pouvons maintenant rétablir la profondeur de champ de la caméra. Maintenant, comme nous n'avons pas besoin flou pour la scène lorsque nous entrons dans la nouvelle scène, nous allons animer le niveau de flou Créons la première image-clé pour le flou à neuf secondes, puis au bout d'une seconde, réglons le niveau de flou Simplifiez facilement les images-clés et voyons à quoi cela ressemble. Je pense que cette animation arrive trop tôt, alors avançons-la d'une seconde pour commencer à la dixième seconde. Voyons à quoi ça ressemble. Je pense que nous pouvons commencer à 15 images plus tôt. OK, je pense que ça va mieux maintenant et que nous pouvons passer à l'étape suivante. Cette fois, nous allons apprendre comment obtenir résolution de la plus haute qualité pour un projet lorsqu'il s'agit d'une scène aussi complexe. Même si nous réglons la qualité de l' aperçu sur maximale, il se peut que la scène ne soit toujours pas nette. Voyons d'abord ce que nous pouvons faire pour améliorer l'apparence de la scène impliquant la touche. La première chose à comprendre est que l'activation de la fonction de réduction des transformations ne fonctionnera pas dans ce cas car elle perturbera les éléments contenus dans la précomposition créée avec le moteur de rendu Cinema for D. Donc, ne pensez pas que c'est à cause du flou de l'appareil photo. Il n'y a pas de flou pour le moment. Dans ces situations, nous devons activer la fonction de réduction des transformations, mais pas pendant la période pendant laquelle l'ordinateur portable est affiché. Placez-vous au moment où l'animation de la caméra est sur le point de se terminer. Sélectionnez ensuite la précomposition pour ordinateur portable et appuyez sur Control Shift D pour diviser cette précomposition à ce moment-là. Maintenant, nous allons réduire uniquement la deuxième composition. De plus, pour masquer les parties floues, nous pouvons augmenter le flou à fin de l'animation de la caméra Pour cela, déplaçons d'abord l'animation de flou pour terminer avec l'animation de caméra À ce stade, réglez le flou sur 20. Ensuite, pour créer une animation de flou plus fluide, restons là et réglons le flou Ce faisant, nous avons créé une transition fluide et invisible entre la composition non effondrée et celle qui s'est effondrée Très bien, je trouve que ça a l'air génial et nous pouvons maintenant passer à la création de la transition pour la scène suivante. N'oubliez pas que vous devez laisser suffisamment de temps au spectateur pour lire le texte. Pour vérifier cela, lisez vous-même le texte et voyez combien de temps cela vous prendra. Je pense que nous pouvons commencer la transition à partir de la 13e place. Passons maintenant à la composition de l'ordinateur portable , puis à la scène avant la composition Maintenant, pour créer la transition, placez la sphère au-dessus de toutes les couches et créez une animation de mise à l'échelle pour la sphère. À ce stade, créez la première image-clé. Avancez ensuite de 2 secondes et redimensionnez la sphère jusqu'à ce qu'elle couvre tout le cadre. Maintenant, réduisez cette couche pour la rendre nette, puis ajustez les images clés. Réglons la vélocité à 85 % et voyons à quoi cela ressemble. Ça a l'air super. Pour terminer cette scène, réduisons le reste des couches d'Illustrator que nous avons ici pour une meilleure qualité. Enfin, désactivons l'effet de remplissage que nous avons dans la couche d'arrière-plan. N'oubliez pas de réduire également cette couche. Revenons à la scène principale et voyons à quoi cela ressemble. Très bien, je trouve que ça a l'air génial. Créons maintenant une jolie animation de texte dans cette scène pour la rendre un peu plus intéressante. Comme nous ne pouvons pas faire quelque chose créatif avec le calque Illustrator, copions le texte du dessin et créons un nouveau calque de texte dans After Effects avec ce texte. Alignez-le sur la composition et placez-le dans la bonne position. Nous pouvons maintenant supprimer l'ancienne couche. Je vais maintenant vous montrer comment créer une animation de texte cool et ondulée à l'aide d'animateurs de texte Je ne vais pas l'expliquer en profondeur, car je aborde dans mon cours, mon texte et mon mouvement. Si vous souhaitez en savoir plus sur animation de texte et After Effects, allez y jeter un œil. C'est bon. Nous allons d'abord créer un animateur pour la propriété position Réglez la position sur -80 pour que le texte se déplace vers le haut. Ouvrez ensuite le sélecteur de plage et le menu avancé. Si nous déplaçons le décalage, vous verrez que le texte anime tous les caractères, ce qui n' est pas ce que je veux Je veux que l'animateur anime chaque mot Je vais donc sélectionner des mots dans le menu basé sur C'est mieux. Ensuite, je vais m'assurer que l'animation commence à partir du premier mot du texte, en animant de gauche à droite Pour cela, nous devons modifier la forme de l'animateur. Essayons de monter en puissance. Maintenant, quand je passe de -100 à 100 dans le décalage, le texte commence à descendre et ce n'est pas ce dont j'ai besoin Je veux que ça aille du bas vers le haut. Modifions la forme pour la réduire et vérifions-la à nouveau. Oui, c'est bien mieux. Nous pouvons maintenant commencer à créer l'animation. Commençons l' animation à la seconde 11. Créez la première image-clé pour la propriété offset et définissez-la sur -100 Avancez d'une seconde et remplacez-le par 100. Ajustez ensuite l'assouplissement de cette animation. Réglez la hauteur du E sur 20 et le E sur le bas sur 80. Voyons ce que nous avons. Génial. Maintenant, le texte se déplace vers le haut dans un mouvement ondulé. Ensuite, dupliquez l 8. Transition zoom arrière complexe dans un espace 3D: Bonjour, et bon retour. Avant de commencer à travailler sur la scène suivante, je voudrais vous montrer un problème potentiel que vous pourriez rencontrer et comment le résoudre. Pour l'instant, vous n' avez rien à faire, il suffit de regarder et d'écouter. Au cours du projet, après avoir déjà importé les dessins dans After Effects, j'ai remarqué que l'une des couches ces dessins devait être corrigée. Cependant, comme vous pouvez le comprendre, j'avais déjà animé cette couche dans After Effects. C'est ici. Voyons ce qui se passe lorsque je change le nom de cette couche et comment nous pouvons résoudre les problèmes qui pourraient survenir au cours de ce processus. Je vais d'abord corriger le nom dans Illustrator et enregistrer le fichier. Maintenant, quand je reviens à After Effects, cela montre que le fichier est manquant. Cela se produit parce que les noms ne correspondent plus. Dans de telles situations, nous devons rechercher le fichier manquant dans le panneau du projet. Double-cliquez sur le fichier manquant, puis sélectionnez le dessin auquel appartient la couche. Dans ce cas, cela fait partie du design de la scène 8. Je vais le sélectionner et m' assurer de décocher cette case. Ainsi, After Effects détectera automatiquement les couches spécifiques au lieu d'importer à nouveau l' intégralité du fichier. Génial. Tout semble désormais correct et nous sommes prêts à explorer la scène suivante dans Illustrator avant de l'importer dans After Effects. Je tiens à vous rappeler que vous n'avez toujours rien à faire car vous disposez déjà des fichiers de conception finalisés. Observez simplement ce que je suis en train de faire et bientôt nous les importerons ensemble dans After Effects. Très bien, les prochaines scènes fonctionneront sur nos scènes 12 et 13. Puisque nous allons créer une transition entre ces deux scènes, je vais également ouvrir la scène 14. Laissez-moi maintenant préparer la scène avant l'animation, commençant par la scène 12. Nous allons créer cette scène à partir de zéro et avec After Effects car nous avons déjà préparé une zone de texte précomposée Nous pouvons simplement le dupliquer et mettre à jour les informations qu'il contient. C'est exactement ce que nous allons faire pour créer cette scène. Cependant, je vais quand même séparer les calques et Illustrator au cas où. Le plus important est de ne pas oublier de sauvegarder le fichier après avoir effectué des modifications. Passons à la scène suivante. Pour celui-ci, je veux utiliser les couches telles qu'elles sont. Nous ne le créerons pas à partir de zéro et d'After Effects Je vais donc m'assurer de les séparer et accorder une attention particulière à ce design. Tout d'abord, je vais vérifier que chaque élément est séparé. En cliquant sur chaque objet, je regarde le panneau des couches pour vérifier qu'il est séparé. Ensuite, je déplacerai légèrement les couches du podium vers le haut pour m'assurer qu'elles sont importées sans être recadrées Une fois que tout sera prêt, je sauvegarderai le projet et je passerai à la scène suivante. Pour la scène suivante, je vais également séparer les couches, car je vais certainement les utiliser dans After Effects. Après avoir vérifié que chaque élément est séparé, je vais enregistrer le projet et préparer importation des trois scènes dans After Effects. Maintenant c'est à ton tour de me rejoindre. Importons ensemble ces trois modèles dans notre projet. Apportez donc la scène 12, la scène 13 et la scène 14. Comme toujours, la première étape consiste à configurer les scènes. Commençons par créer la première scène de la séquence animée qui implique ces trois scènes. Comme je l'ai mentionné plus tôt, nous allons créer cette scène à partir de zéro. Commençons par créer une nouvelle composition. Nous appellerons cette composition scène 4. Assurez-vous qu'il est en résolution Full HD et qu'il n'est pas réglé sur le moteur de rendu cinéma en quatre D. C'est bon. Commençons par cette scène. Créons d'abord un nouveau solide pour l'arrière-plan. Nous pouvons échantillonner la couleur à partir du design pré-comp. Ensuite, localisez les précompositions de la zone de texte et dupliquez la dernière pour l' utiliser pour notre Entrez la précomposition de la zone de texte dupliquée et mettez à jour le texte. Vous pouvez copier le texte directement depuis le dessin. Retournons dans Illustrator et copions le texte. Revenons à After Effects, collons le texte et ajustons la taille de police à 50. Je vais également réinitialiser le fil. Revenons maintenant à l'outil de sélection et intégrons la nouvelle zone de texte dans la scène principale. On peut le placer quelque part par ici. Maintenant, dupliquons la dernière précomposition de zone de texte dans le panneau Projet pour créer la prochaine zone de texte dont nous avons besoin pour Entrez ensuite la nouvelle précomposition de zone de texte et remplacez le texte en utilisant le design d' Copiez ce texte, puis retournez dans After Effects et collez-le ici. Avant de passer à la suivante, ajustons les dimensions de la précomposition pour qu'elles s'adaptent correctement à la zone de texte. Pour ce faire, appuyez sur Ctrl ou Commande K et réglez la largeur en fonction de la zone de texte. Assurez-vous que l' option d'aperçu est cochée afin de voir les réglages en temps réel. Une largeur de 840 devrait bien fonctionner. C'est bon. Maintenant, introduisons la nouvelle zone de texte dans la scène et passons à la création des autres zones de texte dont nous avons besoin. Nous pouvons dupliquer deux fois la dernière zone de texte , puis sélectionner les deux nouvelles et les ouvrir simultanément. Commençons par celui-ci. Accédez à Illustrator, copiez le texte suivant, puis collez-le dans After Effects. Comme vous pouvez le voir, nous devons ajuster la taille de la police, alors fixons-la à 50, puis entrons dans les paramètres de composition pour ajuster la largeur Cette fois, nous pouvons le régler à 900. OK. Passons maintenant à la dernière pré-composition de la zone de texte et ajustons également les informations ici Je vais réinitialiser le fil ici et faire de même pour le précédent parce que je pense que j'ai oublié de le faire. Génial. Revenons maintenant à la scène principale et introduisons les nouvelles zones de texte ici. Ne vous inquiétez pas de la position des couches pour le moment, car nous les ajusterons dans une minute lors de leur conversion en trois couches D. C'est bon. Maintenant, une fois que toutes les zones de texte sont créées, fermez les précompositions et passons à l' animation de Commencez par verrouiller la couche d'arrière-plan. Convertissez ensuite toutes les zones de texte en trois couches D. Ensuite, créez une caméra en vous assurant que la profondeur de champ est désactivée moment pour accélérer les performances d' After Effects, sélectionnez la caméra et appuyez deux fois dessus. Dans mon cas, elle est déjà désactivée. Nous l'activerons ultérieurement une fois que nous aurons fini d'animer la scène. Maintenant, ajoutons un autre aperçu de la vue, puis sélectionnons-le et veillons à ce qu'il soit réglé sur la vue du haut. Commençons ensuite à positionner les couches dans l'espace en trois D, en veillant à ce qu'elles soient toutes régulièrement espacées. Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire. Commençons par la zone de texte 4. Déplacez-le vers l'appareil photo. Nous pouvons appuyer sur P sur cette couche pour afficher les propriétés de position et maintenant nous pouvons ajuster l'axe Z, régler sa position sur l'axe Z Maintenant, laissez la zone de texte 5 dans sa position actuelle à zéro sur l'axe X. Ensuite, déplacez la zone de texte 7 vers l'arrière à 500 sur l'axe Z. Enfin, déplacez la dernière zone de texte plus en arrière et réglez son axe sur 1 000 Désormais, toutes les zones de texte sont régulièrement espacées. C'est-à-dire que chacun d'eux est exactement à 500 pixels l'un de l'autre. Ensuite, nous allons animer la caméra pour créer un mouvement vers l'arrière Mais avant d'animer la caméra, utilisons la vue active de la caméra pour ajuster les axes X et Y des couches et de la scène Notre objectif est de nous assurer qu'ils restent dans les limites du cadre lorsque nous créons le mouvement de la caméra arrière. Tout ça a l'air bien. Nous pouvons maintenant commencer à animer la caméra. Commencez par positionner la caméra à 750 sur l'axe Z. Définissez une image-clé ici. Zoomons ensuite sur la chronologie et passons à environ huit secondes. À ce stade, déplacez la caméra vers l'arrière jusqu'à l'endroit où nous avons suffisamment d'espace pour passer à la deuxième scène qui suit celle-ci. Je pense que nous pouvons régler l'axe Z à -2,400. Prévisualisons l' animation pour nous assurer de disposer de suffisamment de temps pour lire toutes les zones de texte. Pendant que la caméra bouge, lisez les titres pour que les spectateurs aient suffisamment de temps pour les lire. Dans les scènes contenant du texte, c'est ainsi que nous pouvons déterminer si nous sommes prêts à passer à la scène suivante. Je pense que nous avons assez de temps. Maintenant, avant de passer à autre chose, ajustons la position de toutes les couches qui sortent du cadre. Ça a l'air mieux. Ensuite, parcourez la chronologie d'avant en arrière pour voir s'il y a d'autres couches à ajuster Je pense que nous pouvons légèrement baisser celui-ci et le déplacer un peu vers la droite. Ça a l'air génial. Il est maintenant temps d'intégrer la scène suivante à notre composition. Insérez la précomposition de la scène 13 dans la composition de la scène principale, convertissez-la en couche tridimensionnelle et placez-la quelque part par ici Entrez la précomposition et supprimez la couche d'arrière-plan. Supprimez également la couche de titre, car nous en créerons une nouvelle ultérieurement. Il est préférable de créer des couches de texte et des After Effects, car cela permet de les mettre à jour plus facilement si le client demande des modifications. Maintenant, sélectionnez les couches du podium et alignez-les au bas de la composition. Assurez-vous de modifier le paramètre d'alignement en fonction de la composition , puis cliquez ici. Génial Revenons maintenant à la scène principale et continuons à créer cette séquence animée. d'abord, trouvons le meilleur emplacement pour cette scène. Je pense que quelque part par ici devrait fonctionner. Maintenant, sélectionnez l'appareil photo, avancez de 2 secondes par rapport à la dernière image-clé et déplacez l'appareil photo vers l'arrière Nous pouvons régler l'axe Z à -3 300 pour le moment. Ensuite, créons une introduction pour la scène du podium. Passez à la huitième seconde et placez la précomposition ici pour qu'elle ne soit pas visible Ouvrez maintenant la propriété position et créez une image-clé avec la valeur actuelle Déplacez-vous ensuite jusqu'au point où la caméra termine son mouvement et positionnez la précomposition ici. Pour assurer une transition fluide vers la scène suivante, assurez-vous que le podium couvre l'intégralité de la composition située en bas. Pour ce faire, passez à l'image-clé finale du mouvement de la caméra et rapprochez un peu la caméra Il sera plus facile d'animer la caméra passe à la scène suivante avec le fond bleu Maintenant, avancez de 2 secondes et réglez légèrement la caméra vers l'arrière pour créer une légère animation de zoom arrière pendant cette scène. Encore une fois, assurez-vous que le podium bleu couvre entièrement la largeur du bas. Si cela n'a pas encore de sens, ce sera bientôt le cas. Pour l'instant, ajoutons le titre qui accompagnera la scène du podium. Cette fois, créons la couche de texte pour la scène du podium directement dans la scène principale et non dans la pré-composition du podium De cette façon, l'ensemble de la séquence paraîtra un peu plus intéressant car nous obtiendrons un bel effet de parallaxe dans le résultat final Convertissons maintenant le texte en couche tridimensionnelle et positionnons-le devant du podium. Quelque part par ici, appuyons sur le point-virgule pour ouvrir la grille De cette façon, nous pouvons voir si la couche est alignée au centre de la composition. Comme vous pouvez le constater, cette approche donne à la scène un aspect beaucoup plus dynamique. heure actuelle, placez le texte sous la caméra dans le panneau des couches et appuyez sur P sur la caméra pour ouvrir la position. Ensuite, avancez de 2 secondes et déplacez la caméra vers le bas jusqu'à ce que le podium bleu ne soit plus visible. Comme vous pouvez le constater, les zones de texte sont toujours visibles. Créons-leur une animation d' outtro simple. Commencez au bout de huit secondes lorsque l'appareil photo entre dans la nouvelle scène et appuyez sur T pour ouvrir la propriété d'opacité Créez la première image-clé avec une opacité définie sur 100 %. Avancez d'une seconde et réduisez l'opacité à zéro. Appliquez une touche facile à ces images-clés et vérifiez à quoi elles ressemblent J'ai également accidentellement animé l' opacité de la scène du podium Je vais donc supprimer ces images-clés Maintenant, pour rendre l' animation d'outtro plus intéressante, ajoutons un délai entre les zones de texte qui disparaissent Commencez par faire disparaître la première zone de texte visible dans la scène au bout de sept secondes. Maintenant, déplacez cinq cadres vers l'avant et faites disparaître la zone de texte suivante. Nous allons laisser la troisième zone de texte telle quelle et déplacer la dernière cinq images plus loin avant de la décolorer. Voyons à quoi ça ressemble. Très bien, je trouve que ça a l'air bien. Passons en revue toutes les animations que nous avons créées pour cette scène jusqu'à présent. Je pense que nous avons besoin d'un peu plus de temps avant de passer à la scène avec le podium, car nous avons besoin de plus de temps pour lire le titre ici. Pour résoudre ce problème, avançons les deux dernières images-clés de la caméra d'une seconde Vérifiez ensuite à nouveau et lisez le titre pour vous assurer que vous disposez de suffisamment de temps. Ça a l'air mieux. Maintenant, ajustons l'assouplissement des images-clés, commençant par celles-ci. Convertissez-les facilement et ouvrez l'éditeur de graphiques pour modifier les poignées. C'est mieux, mais je n' aime pas cette pause. Sélectionnons ces images-clés, maintenons et double-cliquons dessus pour activer la case à cocher continue Maintenant, déplacez-les ici. Ensuite, ramenez également la première image-clé ici pour rendre le mouvement plus constant en termes de vitesse Amenez-le au même niveau de vitesse que l'image-clé suivante. Voyons ce que nous avons. Ça a l'air bien. Supprimons la pause dans cette partie. Quittons maintenant l'éditeur de graphes, puis appliquons facilement la simplicité aux deux dernières images-clés Revenez ensuite au graphique et ajustez le mouvement pour le rendre un peu plus intéressant. Voyons à quoi ça ressemble. Ensuite, ajustez le chronométrage pour vous assurer qu'il n'y ait pas de pause ici non plus Voyons à quoi ça ressemble. Je vois donc que le mouvement semble un peu étrange. Cela s'est produit parce qu'après avoir ajusté les images clés, nous avons eu un moment où la vitesse du mouvement est nulle. Dans de tels cas, nous devons toujours ajuster l'assouplissement en ajustant la vitesse du mouvement et en vérifiant constamment son apparence Je vous montre ce processus pour souligner que création de mouvements fluides et agréables prend souvent du temps N'ayez donc pas peur d'expérimenter avec vos images-clés. C'est le meilleur moyen d'apprendre à contrôler efficacement les mouvements. C'est bon. Je trouve que cette animation semble super fluide maintenant. Passons à l'ajustement de l'animation pour l' introduction de la scène suivante Appliquons d'abord Easy Ease à ces images-clés et ajustons la vélocité Dans l'éditeur de graphes, cela devrait ressembler à ceci. Génial Maintenant, je vais déplacer cette image-clé légèrement vers la droite pour mieux l'aligner sur l' introduction des scènes Il semble que la scène entre trop vite. Déplaçons la première image-clé d'une seconde en arrière et voyons à quoi elle ressemble Mon objectif est de créer un effet de ralenti subtil. Nous pouvons également essayer de déplacer la première image-clé de l'appareil photo d'une seconde vers l'arrière pour voir l'effet Je pense que ça a l'air beaucoup mieux maintenant. Mais je pense que l'entrée sur le podium peut maintenant commencer un peu plus tôt. Déplaçons les deux dernières images-clés de la caméra 2 secondes plus tôt pour commencer à partir de la onzième seconde et voir à quoi cela ressemble Génial Ça a l'air super cool. Maintenant, créons une belle animation d' introduction pour le texte. Nous utiliserons les animateurs de texte pour cela, mais cette fois, nous allons créer une animation en trois dimensions Pour ce faire, activez d'abord fonctionnalité 3D pour la couche de texte. Créez ensuite un animateur à l'aide de la propriété position. Grâce à l'activation de la fonctionnalité des trois D, nous avons désormais un axe X et les commandes de position Faisons entrer le texte à partir de cette position. Définissez la valeur de l'axe X sur -330. Modifiez ensuite la forme pour l'accélérer et configurez l'animation pour qu'elle se produise par mot. Créons maintenant une animation 3D fluide pour l'introduction du texte Réglez le décalage sur zéro pour le moment car je souhaite ajouter des propriétés supplémentaires pour cet animateur Sélectionnez-le et ajoutons maintenant du flou à cet animateur. Réglons le flou sur 30. Ajoutez ensuite la propriété d'opacité et mettez-la à zéro. Désormais, lorsque le décalage est de -100, le texte hérite toutes les propriétés définies dans le sélecteur de plage Lorsque le décalage est de 100, le texte revient à son état initial. Amenons le décalage à -100 et passons maintenant aux huit et 15 secondes images pour démarrer l'animation à partir de ce moment Créez une image-clé avec le décalage défini sur -100. Avancez de 2 secondes à 10 secondes et 15 images et réglez le décalage sur 100. Ajustez l'assouplissement et voyez à quoi il ressemble. Je trouve que ça a l'air génial. Nous pouvons maintenant passer à l' insertion de la scène suivante, qui apparaîtra une fois que la caméra sera descendue. abord, rendez-vous au moment où la caméra termine son animation. Nous voulons trouver le bon moment pour commencer la scène suivante. Pour nous faciliter la vie, nous pouvons trouver le moment idéal en sélectionnant l'appareil photo et en appuyant sur vous pour faire apparaître les images clés. Cela nous indiquera le moment où nous pouvons commencer la scène suivante. Intéressons la scène suivante à la chronologie. Convertissez maintenant le calque en un calque tridimensionnel et utilisez la vue du dessus pour le positionner correctement. Pour que la transition entre le podium bleu et le fond bleu de cette scène fonctionne parfaitement, ouvrez la propriété position de la précomposition du podium, copiez sa valeur d'axe X et collez-la dans la nouvelle scène De cette façon, les deux se trouvent à la même distance de la caméra. Utilisez ensuite l'axe Y pour déplacer la nouvelle scène vers le bas. Positionnez-le ici. Voyons à quoi cela ressemble avec le mouvement de la caméra. Je pense que la transition fonctionne très bien. Maintenant, avancez d'une seconde et ajoutez un léger mouvement de zoom arrière. Veillez à ne pas trop reculer l' appareil photo. Voyons à quoi ça ressemble. Cela semble trop rapide pour le moment. Avancons cette image-clé d' une seconde. C'est mieux Cependant, il y a ici une pause désagréable. Sélectionnons cette image-clé et utilisons l'éditeur de graphes pour la lisser. Je pense que cela semble beaucoup mieux maintenant, mais je ne veux pas que la motion s'atténue à la fin. Pour résoudre ce problème, je vais maintenir la touche Ctrl ou Commande enfoncée et cliquer une fois sur cette image-clé pour reconvertir en image-clé linéaire Cela devrait fixer la vitesse à ce stade et rendre le mouvement continu. Ça a l'air bien mieux maintenant. C'est bon. Maintenant, je veux vous montrer une astuce intéressante pour créer un effet de parallaxe pendant la transition Nous avons ces superbes icônes dans la précomposition. Pour les faire interagir avec la caméra et la scène principale, nous pouvons entrer dans la précomposition et effectuer quelques ajustements Tout d'abord, ajustez la vue du panneau afin que nous puissions voir toutes les couches. Convertissez ensuite toutes les couches en trois couches D. Passez à la vue de dessus et commencez à répartir les couches le long de l' axe X dans un espace en trois D. Ce que nous apprenons ici, c'est qu'il n'est pas nécessaire de déplacer toutes ces couches individuellement dans la scène principale. Au lieu de cela, nous pouvons les conserver dans une précomposition séparée, ajuster le design selon les besoins, tout en les faisant interagir avec notre scène principale Vous verrez comment cela fonctionne sous peu. Pour l'instant, continuons à ajuster la position de ces couches. Je vais accélérer ce processus maintenant. Je vais laisser la couche de titre dans sa position actuelle afin qu'elle reste au centre de l'espace en trois D. De plus, nous pourrions créer une caméra à l'intérieur de la précomposition et affiner davantage la scène, mais il n'est pas nécessaire d'ajouter une caméra ici à l'intérieur de la précomposition et affiner davantage la scène, mais il n'est pas nécessaire d'ajouter une caméra ici. Laisse-moi te montrer pourquoi. Si nous revenons à la scène principale, nous verrons que même si les couches se trouvent à des distances différentes, elles n'interagissent pas avec la caméra dans la scène principale. Il n'y a aucun effet de parallaxe. Pour résoudre ce problème, il suffit de réduire la couche de précomposition. Une fois réduite, l'animation produira un bel effet de parallaxe, ce qui signifie que les couches situées à l'intérieur de la précomposition interagissent désormais avec la caméra de la scène principale Nous pouvons même supprimer ou désactiver la caméra à l'intérieur de la précomposition sans affecter cette configuration Supprimons la caméra précomposée et agrandissons la couche d'arrière-plan à l' intérieur de la scène Réglez l'échelle sur 135, puis vérifiez à quoi elle ressemble dans la scène principale. Maintenant, lorsque nous examinons la scène, nous pouvons constater qu'il y a un petit problème causé par l'interaction entre la caméra de cette scène et la scène de pré-composition des icônes Comme vous pouvez le constater, l' arrière-plan est trop grand et certaines icônes dépassent les limites de la scène. Je préférerais avoir toutes les icônes dans le cadre. Cela signifie que nous devons apporter quelques modifications l'intérieur de la scène des icônes. Ce serait génial si nous pouvions voir les modifications que nous apportons à la scène des icônes reflétées en temps réel dans la scène principale. Pour voir les modifications que nous apportons dans la précomposition directement dans la scène principale, verrouillez le panneau d' affichage des scènes principales à partir d'ici Entrez ensuite dans la précomposition et faites glisser son panneau d'affichage sur le côté De cette façon, nous pouvons voir les deux vues simultanément lorsque nous effectuons des ajustements. Commençons par la couche d'arrière-plan. Redimensionnons l' arrière-plan à 130 et réduisons cette couche pour conserver qualité optimale après le redimensionnement. Réduisons ici tous les calques d' Illustrator pour une meilleure qualité. Ensuite, ajustez la position des icônes tout en observant la scène principale pour vous assurer que tout est beau. Pendant que je déplace les couches à l'intérieur la précomposition et que je regarde à quoi cela ressemble dans la scène principale, mon objectif est de créer une composition équilibrée laquelle toutes les icônes trouvent dans les limites de la scène Je vais accélérer ce processus maintenant. Avant de poursuivre, revenez toujours en arrière et en avant dans la chronologie pour vous assurer que les modifications que vous avez apportées apparaissent correctement tout au long de l'animation. Je pense que ça a l'air beaucoup mieux maintenant. Fermons le panneau de précomposition et revenons à la scène principale pour voir à quoi ressemble le tout Génial Tout a l'air parfait. Nous pouvons donc maintenant déplacer cette scène dans la composition principale. Avant cela, marquons-le en bleu pour qu'il corresponde au reste des scènes principales. Passez maintenant à la composition principale, étendez la chronologie et insérez cette scène Trouvez le bon moment pour commencer cette scène. Par exemple, lorsque la sphère de la scène précédente s'ouvre, c'est un bon point de départ. Placez-y la nouvelle scène et vérifions-en à quoi elle ressemble. Baissons la qualité pour accélérer le temps de rendu de l' aperçu. Il semble qu'il y ait trop d'espace vide avant que les zones de texte n'apparaissent. Nous pouvons résoudre ce problème de synchronisation à l'aide de quelques techniques. Recadrons la com depuis le début jusqu' au moment exact où la première zone de texte entre en scène. Nous pouvons maintenant faire démarrer la nouvelle scène encore plus tôt, juste au moment où la sphère est sur le point de recouvrir le cadre. Cependant, comme il y a une couche d'arrière-plan dans la nouvelle scène, nous ne pouvons pas voir l'animation de la sphère. Dans ce cas, nous pouvons entrer dans la nouvelle scène et ajuster l'heure de début de la couche d' arrière-plan. Réglons-le pour qu'il commence à partir de la dixième image. Voyons un aperçu de ce à quoi cela ressemble. Ce n'est pas tout à fait correct. Revenons à la scène et revenons à l' heure de départ , peut-être à partir d'ici. Vérifions-le à nouveau. Je pense que nous pouvons commencer la couche d'arrière-plan à ce stade, alignons la couche sur l'indicateur de temps. Revenons maintenant à la composition principale et recadrons la fin de la scène précédente pour qu'elle corresponde exactement à ce moment Comme la couleur de la sphère correspond à la couleur d' arrière-plan de la nouvelle scène, nous obtenons une transition fluide et fluide. Il s'agit d'une autre astuce simple pour créer des transitions intéressantes dans votre projet. Continuons à regarder l'animation pour vérifier s'il y a des problèmes. Pour mieux voir les choses, redimensionnons le panneau d'aperçu et configurons l'aperçu en conséquence. Continuons maintenant à regarder l'animation pour détecter d' éventuels problèmes. J'ai remarqué quelque chose. Alors que nous nous apprêtons à monter sur le podium, nous pouvons encore voir le fond bleu de la scène avec les icônes. Passons à la précomposition pour comprendre pourquoi. C'est le fond bleu de la scène 14. Notre objectif est désormais de rendre cette précomposition visible uniquement au bon moment Cela signifie que nous devons maintenant trouver le moment où cette scène doit commencer à être visible. Comme cette scène n'a pas encore besoin d'être visible, nous allons ouvrir le champ de la caméra pour déterminer le point de départ de la transition vers cette scène. Recadrons la précomposition pour commencer à partir de là. Génial Maintenant, le fond bleu a disparu. Profitons ensuite de cette opportunité pour recadrer les précompositions de la zone de texte lorsqu'ils ont déjà terminé leur animation Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire. Le dernier se termine ici, nous pouvons donc tous les recadrer jusqu'à présent. Génial. Profitons maintenant de l' occasion pour étiqueter ces précompositions avec différentes couleurs afin d'organiser la chronologie Regardons à nouveau l'animation. Je viens de remarquer que le fond bleu est toujours visible car la caméra peut voir sa couche. Prêtez attention à cette zone. Ouvrons les images clés de l' appareil photo, et maintenant nous devons faire en sorte que le fond bleu de la scène suivante ne soit pas visible pendant d'autres images avant que la transition ne se produise. Dans ce cas, nous pouvons à nouveau travailler avec deux panneaux pour résoudre les problèmes. Verrouillez ce panneau, ouvrez la scène des icônes. Désactivons la vue de dessus. Et maintenant, faites glisser ce panneau vers la droite. Redimensionnons légèrement la couche et voyons si cela résout le problème. Tout d'abord, trouvons le moment où le problème survient. Une fois identifiée, sélectionnez la couche d'arrière-plan et appuyez sur S pour afficher sa propriété d'échelle. Ajustez maintenant la valeur de l'échelle jusqu'à ce que le problème soit résolu. Dans notre cas, nous pouvons le régler sur 125 pour résoudre le problème. Ça a l'air mieux maintenant. Mais lorsque nous vérifions l'animation de la scène principale, le problème persiste car la caméra capture toujours la couche. Dans ce cas, nous allons utiliser une solution simple mais efficace ajuster les images-clés de l'appareil photo Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire. Passez à l'image-clé lorsque nous sommes sur le point de passer à la scène suivante Assurez-vous de vous tenir debout sur l'image-clé, puis déplacez légèrement l'appareil photo vers l'avant Cela positionnera le podium de manière à couvrir la zone problématique. C'est bon. Maintenant, tout semble aller pour le mieux. Cependant, comme nous avons déjà redimensionné le fond bleu, nous devons le remettre à 130 dans la précomposition pour maintenir la cohérence Comme vous pouvez le constater, à ce stade, l'arrière-plan semble trop petit car l'appareil photo recule à ce stade. Entrez la précomposition des icônes et redimensionnons l'arrière-plan. Réglons-le sur 130 et voyons à quoi cela ressemble dans la scène principale. Ça a l'air génial. Finalisons la scène en ajustant les icônes à l'intérieur la précomposition pour une composition plus équilibrée Après avoir apporté des modifications, vérifiez toujours la scène pour vous assurer que tout fonctionne correctement. Ça a l'air super. Nous pouvons également affiner légèrement le mouvement de la caméra car il n'est pas assez fluide. Très bien, ça suffit avec les touches finales. Passons à l'étape suivante. Je pense que la prochaine étape devrait être d'ajouter un bel effet de profondeur de champ à la scène pour rendre plus attrayante visuellement. Mais avant cela, laissez-moi régler la position de la caméra ici, car je peux toujours voir le fond bleu. Entrez dans la scène, sélectionnez l'appareil photo, appuyez sur vous, placez-vous sur l'image-clé et réglez la position C'est bon. Maintenant, tout semble parfait. Nous sommes prêts à améliorer l'apparence de la scène en ajoutant un magnifique effet de profondeur de champ. Commençons par le début de la scène où toutes les zones de texte sont visibles. Maintenant, appuyez deux fois sur la touche A pour ouvrir les options de l'appareil photo. Activez la profondeur de champ et ouvrons la vue de dessus pour ajuster la distance focale au bon endroit. Je pense que nous pouvons aligner la mise au point sur la position de la caméra. Comme la caméra est en mouvement, chaque zone de texte obtiendra son moment et se concentrera pendant le mouvement. Maintenant, augmentons l'ouverture à 150 et voyons à quoi cela ressemble. En ce qui concerne la profondeur de champ actuelle, je pense que nous devrions l' augmenter un peu plus. Essayons 200 pour l'ouverture et réglons le niveau de flou sur 200 Ça a l'air mieux. Maintenant, je veux supprimer le flou lorsque du podium entre en scène, car je veux que toute la scène soit nette À ce stade, créons une image-clé pour le niveau de flou Puis, une seconde plus tard, réglez le niveau de flou sur zéro Appliquez Easy Ease à ces images-clés et prévisualisez le résultat C'est bon. Je trouve que ça a l'air sympa. Revenons à la composition principale et passons en revue toutes les animations que nous avons créées jusqu' à présent Avant de prévisualiser l'animation, nous pouvons nous placer à la fin de l'animation de la scène d'icônes et appuyer dessus pour raccourcir la zone de flux de travail. Cela permettra à After Effects de prévisualiser le projet plus facilement . Comme vous pouvez le constater, After Effects a du mal à prévisualiser la scène d'un ordinateur portable de manière fluide car nous y utilisons le moteur de rendu cinéma en quatre Pour faciliter le processus de prévisualisation, entrons dans la scène et localisons le moment où l'ordinateur portable n' est plus visible. Dans notre cas, cela se produit quelque part après l'animation Zoom. Comme l'ordinateur portable n'est plus visible, nous pouvons entrer dans la précomposition de l'ordinateur portable et recadrer les trois couches D pour que l' ordinateur portable se termine à ce stade Ainsi, After Effects n'a pas besoin de rendre ces couches inutilement, améliore les performances de prévisualisation Continuons à regarder l'animation. À ce stade, je remarque qu'il y a trop d'ouverture dans la profondeur de champ. Entrons dans cette scène tout en regardant les zones de texte Essayons d'ajuster les valeurs de profondeur de champ pour obtenir un meilleur aperçu. Par exemple, nous pouvons régler l'ouverture à 100. Ça a l'air bien mieux. Maintenant, je souhaite modifier l' ordre des zones de texte. Je veux le faire afin que nous puissions nous entraîner modifier les précompositions contenant un texte différent à l'intérieur chacune d'elles, car il s'agit d'une action courante que le client peut nous demander pendant le projet Commençons. Sélectionnez d'abord la précomposition pour la première zone de texte visible dans la scène Accédez ensuite au panneau du projet et ouvrez le dossier des précompositions. Je veux que ce texte spécifique apparaisse en premier. Lorsque la zone de texte 4 est sélectionnée, maintenez la touche Alt ou option enfoncée et faites glisser la zone de texte 5 dessus pour la remplacer. De même, remplacez la zone de texte six par la zone de texte quatre. Je vous montre ce processus, car parfois un client vous demandera de modifier l'ordre des titres dans votre projet. Par exemple, dans ce cas, je voulais que le titre des vidéos explicatives apparaisse en premier dans la scène J'ai donc décidé de réorganiser les Maintenant, faisons-le une fois de plus avec la dernière zone de texte de la scène. Nous pouvons maintenant ajuster la position des précompositions dans la scène Il suffit donc de reculer et d'avancer pour vérifier où déplacer les précompositions problématiques Après avoir vérifié que tout va bien, nous pouvons conclure cette leçon. Dans la leçon suivante, nous allons continuer à animer le reste de la scène et à explorer des manières encore plus créatives de concevoir des transitions captivantes Alors, on se voit dans le prochain. 9. Utilisation des objets intelligents pour les transitions de scène: Bonjour. Dans cette leçon, nous allons créer une transition entre cette scène et celle avec le fond coloré à l' aide de la couche de texte, join. Nous masquerons la scène précédente avec ce mot révéler la scène suivante en dessous. Cela semble impossible. Laissez-moi vous montrer à quel point c'est facile. Pour l'instant, comme vous le savez déjà, vous avez les fichiers de conception finalisés. N'essayez pas de suivre car je vais vous montrer comment j'ai préparé ces scènes avant de les importer dans After Effects. C'est bon. Je vais également ouvrir la scène 16 car nous allons créer une autre transition vers cette scène. Je vais également ouvrir la scène 17, juste pour la préparer pour la prochaine leçon. Notez que cela fait partie de mon flux de travail. Je travaille toujours sur trois ou quatre scènes à la fois, rien de plus. Je vous recommande vivement d'adopter la même approche lorsque travaillez sur des projets comportant de nombreuses scènes. C'est bon. Dans cette scène, je vais m' assurer de séparer toutes les couches, notamment parce que j'ai besoin de séparer ces deux diamants. Je ne veux pas les créer à partir de zéro et avec After Effects. Ensuite, je nommerai les couches de diamant. Enfin, je vais les faire pivoter à zéro degré, animer leur rotation et After Effects sera plus pratique Une fois cela fait, je vais enregistrer le fichier et passer au suivant. Je vais également séparer les couches de cette scène et faire de même pour le prochain design. Permettez-moi d'accélérer les choses pour le moment. Maintenant que je prévois de créer une jolie animation de texte avec les lettres de cette séquence animée, je vais revenir à la conception de scène précédente et maintenant je vais m'assurer séparer chaque lettre du groupe. Ensuite, je nommerai les couches en fonction de chaque lettre. Je vais accélérer ce processus maintenant. Génial. Je peux enregistrer le projet maintenant. Pour la scène suivante, je ne séparerai pas les lettres car je les ai déjà séparées dans la scène précédente. Je vais juste m'assurer de sauvegarder le fichier. Génial. Maintenant, reprenons le travail ensemble. Avant d'importer les fichiers, faisons glisser les dossiers de fichiers de conception précédents vers le dossier des actifs. Ensuite, nous allons importer les trois scènes suivantes. Apportez donc les scènes 15, 16 et 17. Génial. Déplaçons également ces dossiers vers le dossier des actifs avant de continuer. C'est bon. Nous allons commencer par créer la transition pour la scène 15. Pour ce faire, élargissons notre chronologie et trouvons un bon point de départ pour la transition , aux alentours de 55 ou 56 secondes. Cela permet de disposer de suffisamment de temps pour lire le texte ici. Passons maintenant à la scène suivante et apprenons à utiliser la couche de texte conjointe comme masque pour notre transition. Tout d'abord, nous devons créer la couche de texte et la coller dans la composition principale. Au-dessus de la scène que nous voulons masquer. Dans ce cas, il s'agit de la scène quatre. Prenons l'outil de texte et créons le texte. Pour faciliter les choses, définissez la taille du texte sur une valeur élevée. 500 devrait bien fonctionner. ensuite le curseur sur l'outil de point d'ancrage, maintenez la touche Ctrl ou Commande enfoncée, puis double-cliquez dessus pour centrer le point d'ancrage de la couche Assurez-vous ensuite que le texte est centré dans le panneau des paragraphes et aligné au centre de la composition. Maintenant, pour utiliser ce texte comme couche de masque, nous allons utiliser la fonction Track Matt. Réglez la quatrième scène pour utiliser la couche de texte comme alpha mat. Nous allons maintenant voir la scène uniquement à l'intérieur de la forme du texte. À l'aide de cette configuration, nous pouvons redimensionner la couche de texte et créer des transitions intéressantes avec celle-ci. L'étape suivante consiste à positionner cette couche de texte manière à ce qu'elle commence au moment où la scène commence, non à l'endroit où la transition se produit. Placez-le au début de la scène comme ceci. Cela garantit que la scène est visible dès le début. Comme la fonction Alpha limite la scène à la forme du texte, nous devons la positionner en conséquence. C'est bon. Il existe maintenant deux options pour créer la transition. L'idée est de redimensionner le texte de manière à ce qu'il couvre l'ensemble du cadre. Regardons la première méthode. Je ne veux pas que tu fasses ça avec moi. Nous n'utiliserons pas cette méthode. Nous allons plutôt opter pour la deuxième méthode. Je montre juste la première méthode pour que vous sachiez qu'elle existe. Pour la première méthode, je vais commencer par créer les images-clés initiales pour les propriétés d'échelle et de position quelque part au milieu de l'animation Puis remontez dans le temps. Disons environ 4 secondes et ajustons les propriétés jusqu'à ce que le texte couvre tout le cadre. Redimensionnez-le et déplacez-le de manière à ce que la lettre I soit au centre lorsque cette animation démarre. Maintenant, si je désactive la couche Alpha, qui est notre texte, la transition peut fonctionner. Pour que cela fonctionne, nous devons continuer à ajuster l'échelle et la position jusqu'à ce que la lettre I couvre l'ensemble du cadre, ce qui peut prendre beaucoup de temps et être gênant car nous contrôlons deux propriétés. Je pense que tu as compris l'idée. Maintenant, je veux vous montrer la deuxième méthode par laquelle vous pouvez le faire en contrôlant une seule propriété. Laissez-moi tout ramener à la normale et vous pourrez prendre la souris et le faire avec moi. Pour la deuxième méthode, nous allons d'abord convertir la couche en une couche tridimensionnelle. Au lieu de le redimensionner, nous allons utiliser la propriété position sur l'axe Z pour ajuster la taille du texte De cette façon, nous rapprochons le texte de la vue par défaut de la caméra. Il ne nous reste plus qu'à nous assurer que la lettre I couvre l'ensemble du cadre. Ensuite, créons la première image-clé. Ensuite, avancez d'environ 2 secondes et ajustez la position pour qu'elle corresponde au dessin original. Mais pour l'instant, nous ne savons pas exactement où placer le texte, nous devons donc voir le design original pour le savoir avec certitude. Pour ce faire, introduisez la couche de dessin, réduisez son opacité et verrouillez la couche De cette façon, nous pouvons voir clairement où doit se trouver le texte. Continuons à ajuster la position. Nous y sommes presque. Je vais maintenant zoomer pour ajuster la position au plus près du dessin. Génial. Nous verrons bientôt par où commencer cette animation. Mais pour l'instant, nous pouvons déverrouiller la couche de référence et la supprimer. Maintenant, lorsque nous désactivons la visibilité de la couche de texte, l'alpha mat s'active et nous verrons la transition créée. Il ne reste plus qu'à affiner le timing. Vérifions l'animation et lisons le texte pour vérifier quand nous aurons fini de le lire. Cela nous indiquera le moment idéal pour amorcer la transition. Déplaçons les images-clés pour commencer à 54 secondes. Maintenant, placez la dernière image-clé à la seconde 56, sorte que la transition dure 2 secondes. Enfin, ajustez l'assouplissement et voyez à quoi il ressemble. Je pense que nous pouvons le raccourcir d'environ 1 seconde car cela semble trop lent. Je pense que c'est mieux. Activons également le flou pour ce calque et voyons à quoi il ressemble Je pense que c'est bien mieux avec le flou cinétique. Bien, nous devons maintenant changer la couleur de ce texte blanc car ce texte doit apparaître en blanc pour la scène à laquelle il appartient. Comme il s'agit d'un masque de la scène ci-dessous, nous ne pouvons pas modifier directement la couleur de la couche de texte. Nous devons plutôt entrer dans la scène du masque et créer une nouvelle couche solide blanche. Nous allons utiliser cette couche pour colorer le texte. Dans une seconde, tu comprendras ce que je veux dire. Placez ce solide au-dessus toutes les autres couches et recommencez à partir de la deuxième 14 pour le moment. Créons une animation d' introduction simple à aide de la propriété d' opacité C'est ce qui fera apparaître le texte en blanc lorsque nous le vérifierons dans la composition principale. Revenons maintenant à la composition principale et voyons à quoi elle ressemble Je veux que le texte apparaisse en blanc à ce stade. Entrons donc dans la précomposition et déplaçons le solide pour que sa dernière image-clé se trouve à ce moment Très bien, je pense que ça devrait fonctionner. Revenons à la composition principale et vérifions-la à nouveau. Ça a l'air génial. Nous pouvons maintenant passer à l'étape suivante. C'est le bon moment pour insérer la scène suivante. Faisons glisser la scène 15 dans notre chronologie. Nous devons nous assurer qu'il commence avant que la transition ne se produise, afin de ne pas avoir de zone vide lorsque le texte masque la scène précédente. Cela signifie que nous devons commencer cette scène quelques images avant le moment où le texte commence à reculer. Mettons-le à 53 secondes et 15 images. Génial. Mais maintenant, nous avons un petit problème. Nous voyons le mot « joindre » deux fois. Voyons ce qu'il faut faire dans de telles situations. Pour résoudre ce problème, recadrez la couche de masque jusqu'à la fin de son animation. Ensuite, à ce point précis, nous allons commencer la couche de texte proprement dite à l'intérieur de la scène. Assurez-vous d'être au bon moment, puis entrez dans la scène et lancez la couche de texte à partir d'ici. Ce faisant, nous verrons la couche de masque pour la transition dans la composition principale, suivie de la couche de texte réelle à l'intérieur de la scène C'est une bonne astuce pour créer des transitions basées sur du texte. De plus, si vous souhaitez utiliser le calque de texte au lieu du calque Illustrator à l'intérieur de la précomposition, étendez le calque de masque et divisez-le à l'endroit où l'animation À ce stade, appuyez sur Control Shift D pour scinder la couche. Sélectionnez maintenant la deuxième pièce et appuyez sur Ctrl X pour la couper à partir d'ici. Entrez ensuite dans la scène et collez cette couche ici. Ensuite, appuyez sur la touche du crochet gauche pour amener la couche à ce point dans le temps et activez cette couche. Ensuite, supprimez les première et deuxième images-clés pour qu'elles correspondent à la position du texte exactement comme dans la composition principale Enfin, nous pouvons désactiver la couche Illustrator et revenir à la composition principale pour vérifier si tout va bien Si vous vous demandez pourquoi j'ai fait ce processus, c'est parce que je préfère avoir une couche de texte modifiable dans la scène au cas où le client me demanderait de changer ce mot ultérieurement Nous pouvons maintenant revenir à la scène et supprimer la couche Illustrator à partir d'ici. Avant de poursuivre, désactivons également le flou cinétique, car nous n'en avons pas besoin ici car le texte ne bouge pas Génial. Nous pouvons maintenant passer à autre chose et créer les étincelles dont nous avons besoin pour cette scène Dans ce cas, nous les avons déjà dans la deuxième scène. Nous avons créé de belles étincelles pour le titre principal de cette scène, que nous pouvons retrouver dans la première partie de cette longue Entrez le titre principal pre-Cump et copions maintenant les deux couches façonnées que nous avons ici Revenons maintenant à la scène sur laquelle nous travaillons et collons-les ici. Placez-les maintenant dans la bonne position, la plus grande que nous pouvons placer ici. Maintenant, pour le petit, nous pouvons suivre le dessin et le placer dans cette zone. Ensuite, supprimez les fichiers Illustrator. Ça a l'air génial. Je vais juste les réorganiser parce que je préfère la séquence de cette façon C'est bon. Animons maintenant les diamants Je souhaite créer une animation au ralenti pour eux pendant cette scène. Avant de commencer, dupliquons l'un des diamants pour l'utiliser ultérieurement pour une autre transition. Nous pouvons le désactiver pour le moment. Revenons à l'animation en forme de losange au ralenti. C'est super simple. Ouvrez d'abord la propriété de rotation des deux diamants et ajustez leurs angles. Ensuite, allez au début de la chronologie et ouvrez la propriété de position pour les deux couches. Créez la première image-clé, puis passez aux six autres et ajustez légèrement leur position vers le haut Pour la première image clé, déplacez-les un peu plus vers le bas pour accentuer le mouvement. Voyons à quoi ça ressemble. Ça a l'air génial. Ajoutons maintenant une subtile animation de rotation pour les deux diamants. Pour le petit losange sur le côté gauche, nous pouvons régler la rotation à -20 et créer un image-clé. Maintenant, pour le plus grand sur le côté droit, réglez la rotation sur 20. Sélectionnez les deux couches et appuyez sur vous pour afficher les images-clés de position Passons maintenant à la fin de l'animation de position et faisons pivoter les deux. Réglez la rotation sur 40. Pour le plus petit, réglez-le sur -40. Voyons ce que nous avons. Ça a l'air sympa. Créons ensuite une animation contextuelle pour le titre principal à l'aide de la propriété scale. Pour l'instant, décidons de démarrer cette animation à 1 seconde et 15 images. Créez d'abord l' image-clé initiale de l'échelle avec sa valeur actuelle Ensuite, avancez d'une seconde et créez une autre image-clé avec la même valeur Puis, au milieu de cette animation, redimensionnez la couche deux. Disons 120. Enfin, ajustez l'assouplissement et vérifiez à quoi il ressemble. C'est génial, mais je pense que les étincelles devraient commencer après l'animation contextuelle Déplaçons-les pour qu'ils recommencent par la suite. Apprenons maintenant à créer un arrière-plan dégradé animé super cool. Il existe de nombreuses façons de le faire, mais je vais vous montrer la meilleure méthode que je connaisse. Pour garder les choses organisées, précomposons cette couche car nous allons ajouter des couches supplémentaires pour créer l'arrière-plan dégradé animé partir de zéro et après effets Assurez-vous de cocher cette case. La méthode la plus simple consiste à créer quelques sphères à l'aide d'une couche de forme. Assurez-vous qu'aucune couche n'est sélectionnée, puis créez une sphère de taille moyenne dans la scène. Réglez la taille à 800 pour que nous soyons tous sur la même voie. Placez-le ici pour le moment et changeons sa couleur pour celle-ci. Maintenant, déplacez cette sphère vers cette position. Notez que si vous déplacez cette sphère sans la sélectionner au préalable dans le panneau des calques, vous risquez de déplacer accidentellement la forme à l'intérieur du calque au lieu de déplacer le calque lui-même. Cela provoque le décentrage du point d'ancrage. Dans ce cas, il vous suffit de survoler l'outil de point d'ancrage, maintenir la touche Ctrl enfoncée et de double-cliquer dessus pour centrer le point d'ancrage de la couche Ensuite, dupliquez la sphère et changez sa couleur pour celle-ci. Continuez à dupliquer et à modifier les couleurs jusqu'à ce que toutes les couleurs Disposez maintenant les sphères à proximité des couleurs correspondantes dans le dessin. Pour le faire ressembler à un dégradé, créez un nouveau calque de réglage au-dessus tous les calques et ajoutez-y l'effet de flou Fast Box Changons le nom de cette couche de réglage en flou et définissons maintenant le rayon de flou sur 80. Nous y sommes presque. Maintenant, nous devons éviter les zones vides dans la composition. Pour ce faire, nous pouvons redimensionner les sphères, les sélectionner toutes et régler l'échelle à 150 Vous pouvez réorganiser les sphères si vous souhaitez obtenir un résultat légèrement différent Dans mon cas, je suis content de la commande actuelle, mais je pense qu'il faut fixer l' échelle à 130 au lieu de 150. Ensuite, créez une couche solide blanche car lorsque nous déplaçons les sphères, il peut y avoir des zones vides et le solide blanc aidera à mieux les mélanger. Avant d'animer cette sphère, réduisons la taille de la sphère orange et améliorons le mélange des sphères en sélectionnant le calque de réglage et en redimensionnant le rayon de flou à 120 Bien, maintenant nous devons déplacer les sphères de manière aléatoire. Pour ce faire, ouvrez la propriété position d' une sphère et utilisez une expression simple. Pour cela, maintenez la touche Altar Option enfoncée sur Mac et cliquez sur le chronomètre Ca à côté de la propriété de position Tapez wiggle, puis sélectionnez-le dans la liste. Entre parenthèses, nous sommes un, 50. Cliquez en dehors de la zone de texte de l'expression voir à quoi elle ressemble. Il bouge trop peu. Augmentons le deuxième chiffre à quelque chose de plus élevé, par exemple 550, et vérifions-le une fois de plus. C'est trop. Fixons-le à 500 et réduisons le premier chiffre à 0,5. Voyons à quoi ça ressemble maintenant. Ça a l'air mieux. Maintenant, cliquez avec le bouton droit sur la propriété et sélectionnez Copier l'expression uniquement. Sélectionnez ensuite les autres sphères et appuyez sur Ctrl V pour coller l'expression. Passons au début de la chronologie et voyons à quoi tout cela ressemble. Ça a l'air génial. Essayons de désactiver le calque blanc et d'activer l'arrière-plan d'origine pour voir à quoi il ressemble. Je pense que c'est mieux comme ça. Nous pouvons également ajuster le rayon de flou pour agrandir les zones de dégradé Pour ce faire, il suffit d' augmenter le rayon de flou que nous avons dans l'effet de flou Fast Box que nous avons sur la couche de réglage Dans mon cas, je vais le laisser à 120. C'est bon. Revenons à la scène, réduisons la précomposition et voyons à quoi elle ressemble par rapport aux autres couches Je trouve que ça a l'air très cool, mais c'est un peu trop rapide. Dans ce cas, n'entrez pas la précomposition pour ajuster l'expression Utilisez plutôt la fonction d' étirement temporel. Si vous ne le voyez pas, cliquez ici avec le bouton droit de la souris, accédez aux colonnes et sélectionnez Étirer. Cliquez dessus et remplacez la valeur 200 pour ralentir la précomposition De cette façon, l'animation de cette com sera deux fois plus lente, ce qui est beaucoup mieux à mon avis. Génial. Maintenant, avant de passer à autre chose, réduisons les couches Illustrator de cette scène. C'est bon. Il est maintenant temps d' utiliser la couche de diamant que nous avons dupliquée précédemment pour créer une autre transition cool mais super simple pour la scène suivante Nous allons utiliser cette couche comme objet pour masquer la scène actuelle. Alors que le diamant recouvre tout le cadre, nous allons passer à la scène suivante. Simple mais super utile. Voyons comment procéder. Tout d'abord, nous devons couper cette couche à partir d'ici et la coller dans la composition principale. Regardons cette animation à quelques reprises pour déterminer le meilleur moment pour commencer la transition. Je pense que nous pouvons laisser cette scène se dérouler pendant environ 3 secondes, puis introduire le gros diamant. Mais avant cela, ajoutons une légère animation Zoom in à la scène actuelle, car elle semble trop statique pour le moment. Restez ici, créez une image-clé à échelle, puis passez à la seconde 59 Pourquoi exactement à ce point ? Aucune raison particulière. Je veux juste créer une animation Zoom in lente. Réduisez la précomposition à 105. Voyons à quoi ça ressemble. Ah ah ça a l'air super. D'ailleurs, nous n'avons pas commencé la mise à l'échelle dès le début de la précomposition, car cela entraînerait un changement de taille du texte de jointure à un moment donné, ce qui n' est pas ce que nous Assurez-vous de démarrer le zoom et l'animation uniquement lorsque le texte de jointure n'est plus visible. Génial. Donc, une fois que nous avons terminé l'animation à l'échelle, nous pouvons réduire cette précomposition pour obtenir la meilleure qualité possible. C'est bon. Maintenant, collons le diamant que nous avons taillé dans la scène précédente et utilisons-le pour créer la transition pour la scène suivante. Appuyez sur Ctrl ou Commande V pour coller le losange. Génial. Nous devons maintenant trouver le bon moment pour commencer à animer la transition Je pense que nous pouvons commencer cette transition dès la première minute pour le moment. Maintenant, nous allons placer cette couche au centre de la composition et commencer à créer la transition abord, nous devons l'agrandir jusqu' à ce qu'il couvre presque tout le cadre. Génial. Maintenant que nous avons redimensionné cette couche, nous avons perdu sa qualité Pour résoudre ce problème, réduisons cette couche. Génial. Avant de passer à autre chose, raccourcissons la quatrième scène car il ne se passe rien pour le moment. Nous pouvons recadrer cette précomposition pour qu'elle se termine à 55 ou 56 secondes, entrer dans la scène 4 et la recadrer au bout de 16 secondes. Parfait. Nous pouvons maintenant le recadrer ici car il n'est plus visible pour le moment. Décidons maintenant du meilleur moment pour passer à la scène suivante. Je pense que nous pouvons commencer à la 57e place, d'abord, apporter le gros diamant ici. À ce stade, nous pouvons désactiver le réseau afin de mieux voir ce que nous faisons. Ensuite, agrandissez encore le diamant, réglez l'échelle à environ 1 000. L'idée est de le dimensionner suffisamment pour que le diamant recouvre entièrement les parties supérieure et inférieure du cadre. Essayons de créer la transition lorsque l'échelle est à 800. Pour commencer, déplacez la couche vers la gauche en dehors du cadre, puis ouvrez la propriété position. Créez la première image-clé ici. Ensuite, avancez de 2 secondes et déplacez le diamant de l'autre côté du cadre. Maintenant, au milieu de l'animation, assurez-vous que le losange recouvre entièrement le cadre. Ouvrez la propriété scale, créez la première image clé et déplacez-la au début de la couche. À ce point médian, réglez l'échelle sur une valeur supérieure tout en ajustant la position pour vous assurer qu'elle couvre le cadre Enfin, passez à la fin de l'animation et ramenez l'échelle à sa valeur d'origine depuis le début. Nous pouvons copier et coller la première image-clé ici. Nous pouvons également ajouter une rotation douce au diamant pour le rendre plus intéressant. Au milieu de l'animation, créez la première image-clé avec la valeur de rotation actuelle Ensuite, au début de l'animation, réglez-la sur -45 et à la fin, réglez-la sur 45 Maintenant, nous devons nous assurer que le losange couvre toujours l'ensemble du cadre après avoir ajouté l'animation de rotation. Posez du sable au milieu de cette animation et assurez-vous que le diamant recouvre toujours l'ensemble du cadre. Ça a l'air bien. Ajustons les images-clés pour rendre le mouvement plus dynamique Supprimons la pause que nous voyons ici avant de passer à l'éditeur de graphes pour résoudre ce problème Essayons d'abord de convertir les images-clés du milieu en images-clés normales pour voir si cela peut aider Sélectionnez les images-clés du milieu, maintenez la touche Ctrl ou Commande enfoncée, puis cliquez dessus pour les convertir en images-clés ordinaires Cela semble mieux, mais nous pouvons encore l' améliorer en utilisant l'éditeur de graphes. Ajustons les images-clés de chaque propriété pour améliorer le mouvement Tout d'abord, sélectionnez les images-clés en position centrale et rendez-les continues afin de pouvoir ajuster les poignées en douceur Voyons à quoi ça ressemble. Maintenant, le mouvement de la position semble beaucoup plus fluide. Ensuite, affinons les images-clés de mise à l'échelle. Déplacez les poignées sur les côtés et voyez à quoi cela ressemble. Ça a l'air sympa, et je pense que nous n'avons pas besoin d'ajuster la rotation des images clés, car nous avons déjà un mouvement agréable et fluide. Nous pouvons maintenant passer à l'étape suivante, qui consiste à découper la dernière scène sur laquelle nous avons travaillé L'animation se termine autour de cette zone. Laissons donc quelques secondes de mémoire tampon pour des raisons de sécurité et réduisons la composition à cinq secondes Revenons à la composition principale. Recadrons cette scène jusqu'à ce que le diamant recouvre entièrement le cadre , puis insérons la scène suivante. Dans notre cas, il s'agit du design de la scène 16. Maintenant, appuyons sur la couche de diamant et recadrons-la jusqu'à la fin de son animation. Nous avons maintenant une belle transition entre les scènes 15 et 16 , une autre idée que vous pouvez utiliser dans vos projets. Avant de terminer cette leçon et de passer à la dernière leçon, examinons la couche de diamant ici afin qu'elle reste groupée avec les deux scènes pour lesquelles elle a été utilisée. Après avoir revu l'animation une fois de plus, organisons le panneau de projet pour préparer la prochaine leçon. Tout d'abord, nous pouvons faire glisser la précomposition d'arrière-plan animée vers le dossier des précompositions Maintenant que nous utilisons la précomposition de conception de la scène 15 comme scène principale de notre projet, renommons Cela s' appellera désormais scène 5. Ensuite, colorions-le en bleu. Colorie-le en bleu ici aussi. Génial. Dans la leçon suivante, nous allons animer les scènes restantes du projet Mais avant de passer à l' animation de la scène suivante, profitons-en pour enregistrer tout ce que nous avons fait jusqu'à présent et purgeons le projet pour le nettoyer du cache De cette façon, nous pouvons recommencer la leçon suivante à zéro. Génial. Cela fait, je vous recommande vivement de faire une pause de dix minutes maintenant afin de pouvoir commencer la prochaine leçon en pleine forme. 10. La transition qui change l'humeur: Bon retour. Nous allons commencer cette leçon en créant une transition unique basée sur le changement de texte, ainsi que sur l'environnement et l'ambiance générale de la scène, passer d'une ambiance sombre à une ambiance plus claire Au cours de ce processus, nous nous entraînerons également à maîtriser les images-clés en créant une animation de balle rebondissante super cool. Commençons. Passons d'abord à la scène suivante avant la composition. Comme toujours, nous allons commencer par le préparer pour l'animation. Commençons par créer la zone de texte. Pour ce faire, recherchez les zones de texte du projet, dupliquez la dernière, insérez-la dans la scène, saisissez-la et modifiez le texte. Appuyez sur la touche Ctrl ou Command Enter pour quitter l'outil de texte. Enfin, revenez à la scène et positionnez la zone de texte au bon endroit. Une fois qu'elle est placée, vous pouvez supprimer cette couche de la scène. Maintenant que nous avons créé la zone de texte, nous pouvons commencer à définir les images-clés initiales pour l' animation rebondissante de la sphère Appelons cela la balle dans cette leçon. Pour ce faire, nous allons utiliser la propriété position. À ce stade, nous ne nous inquiétons pas de la durée de l'animation. Pour l'instant, nous allons créer des images-clés à intervalles d'une seconde et les ajuster ultérieurement. Passons au début de la chronologie et positionnons la balle en dehors de la scène manière à ce qu'elle entre par la zone supérieure. Créez la première image-clé ici. Avancez ensuite d'une seconde et placez le ballon dans la zone de texte. Zoomez et si nécessaire pour une meilleure précision, ajustez légèrement la position si nécessaire. Ensuite, avancez d'une seconde et placez le ballon dans cette zone. Effectuez un zoom arrière et positionnez-le approximativement là où il doit être. Continuez en avançant à nouveau d'une seconde et placez le ballon au-dessus de la lettre I. Le but est que le ballon rebondisse d'abord sur le I, puis sur le M, pour rebondisse d'abord sur le I, puis sur le M, finalement atterrir à côté de la lettre P. Avancez seconde et soulevez le ballon pour créer un rebond Avancez ensuite d'une seconde et positionnez-le au-dessus du M. Faisons un zoom arrière sur la chronologie, puis avançons d'une seconde de plus pour créer un autre rebond Enfin, une seconde de vers l'avant pour faire atterrir le ballon à côté P. Faisons un zoom arrière pour voir à quoi il ressemble. À ce stade, il est clair que l'animation n'a pas encore l' air soignée. Cela fait partie du processus. Nous commençons par une première animation et nous l' affinons au fil du temps. Très bien, maintenant, sélectionnez toutes les images-clés et convertissez-les en images faciles. Entrez ensuite dans l'éditeur de graphes pour ajuster la vélocité des images-clés. L'objectif est de faire en sorte que le ballon bouge rapidement lorsqu'il atterrit et rebondit, créant un mouvement réaliste Maintenant, une fois que le ballon touche le sol, il doit rebondir très vite Nous pouvons augmenter la vitesse au point de rebond pour lui donner un aspect plus naturel Voyons ce que nous avons. Pour améliorer le mouvement, nous pouvons courber les points de trajectoire où la balle est en l'air. Nous pouvons utiliser l'outil de conversion de vertex pour cela. Sélectionnez la couche, cliquez sur chaque point pour le convertir, puis nous ajusterons les poignées. Pour l'instant, concentrez-vous sur la courbure de tous les points. C'est bon. Nous pouvons maintenant appuyer sur V pour revenir à l'outil de sélection et commencer à ajuster les poignées pour arrondir la trajectoire de mouvement. Déplacez les poignées de chaque point pour le rendre lisse et arrondi. Voyons à quoi ça ressemble. Nous aborderons bientôt les moments de pause. Mais pour l'instant, finissons de créer le mouvement de rebond. Entrez dans l'éditeur de graphes et continuez à ajuster les images-clés, comme nous l'avons fait pour le premier rebond Cela signifie que nous devons faire tomber la balle très rapidement lorsqu'elle est sur le point de toucher la lettre I. Et ensuite nous devons le faire rebondir rapidement lorsqu'il est sur le point de passer à la lettre suivante Répétons ce processus pour le point de rebond suivant. Enfin, faisons tomber la balle rapidement à la fin de son animation. Génial. Nous sommes maintenant prêts à fixer les moments de pause pendant lesquels la balle plane dans les airs Pour ce faire, sélectionnez les images-clés problématiques, double-cliquez dessus et cochez la case continue Ajustez ensuite légèrement le mouvement vers le haut pour que la vitesse ne tombe pas à zéro. Répétez ce processus pour tous les moments où la balle plane en l'air Ça a l'air super. Cependant, comme vous pouvez le constater, l'animation est trop lente. Elle dure actuellement 7 secondes. Voyons à quoi ça ressemble au bout de 3 secondes. Pour accélérer l'animation tout en maintenant l' espacement entre les images-clés, sélectionnez toutes les images-clés, maintenez la touche Alt ou Option enfoncée, puis faites glisser la dernière image-clé vers la l'indicateur temporel Regardez l'animation plusieurs fois pour voir si c'est le bon moment. Faisons un zoom arrière et regardons-le encore une fois. Je trouve que c'est très beau, nous pouvons donc passer à la création de l'animation des lettres tombantes. Nous allons commencer par animer la lettre I à partir du moment où la balle la touche Positionnez l' indicateur de chronologie à ce moment, puis sélectionnez la lettre et appuyez sur P pour afficher la propriété de position. Créez la première image-clé ici. Ensuite, avancez dans la chronologie. Passons aux deux secondes et déplaçons la lettre vers le bas jusqu'à ce qu'elle sorte du cadre. Maintenant, répétez les mêmes étapes au moment où la balle touche la lettre M. Sélectionnez cette option et appuyez sur P. Créez une image-clé, puis avancez de 2 secondes et faites-la sortir du cadre vers le bas C'est bon. Convertissons les images-clés en E simples et voyons à quoi cela ressemble Je trouve que c'est très beau, mais nous pouvons encore améliorer le mouvement. Laissez-moi vous montrer comment faire. Pour rendre l'animation plus naturelle, entrons dans l'éditeur de graphes et ajustons la courbe de mouvement pour que les lettres commencent à se déplacer lentement et s' accélèrent vers la fin. Ça a l'air bien mieux maintenant. Nous pouvons encore améliorer l'animation en ajoutant une certaine rotation aux couches pendant l'animation de position. Commençons par la première lettre. Créez la première image clé de rotation, déplacez-vous jusqu'à la fin de l' animation et faites pivoter la couche, disons de 50 degrés. Maintenant, convertissez les images-clés pour faciliter la tâche et prévisualisez l'animation Je pense qu'il pivote un peu trop, alors ajustons le cadre clé de rotation final à 40 degrés. Faisons de même pour la deuxième lettre. Voyons à quoi ça ressemble. Ça a l'air génial. Enfin, nous sommes prêts à créer une animation rebondissante pour les lettres restantes afin d'ajouter un mouvement percutant lorsque la balle touche le sol Cela aidera également à attirer l'attention des spectateurs sur le nouveau mot formé après la chute des deux lettres. Tout d'abord, taguons les deux lettres que nous avons déjà animées d' une couleur différente pour une meilleure organisation. Nous pouvons verrouiller la couche d'arrière-plan. Maintenant, prends toutes les autres lettres. Assurez-vous d'être au bon moment dans la chronologie, ouvrez la propriété position et créez la première image-clé ici Ensuite, avancez d'une seconde et créez une autre image-clé avec la même valeur Passez maintenant au milieu de l'animation et déplacez toutes les lettres vers le haut tout en maintenant la touche Shift enfoncée pour les maintenir alignées. Avant de poursuivre, plaçons la zone de texte dessous de toutes les lettres pour qu'elle apparaisse derrière elles. Améliorons maintenant l'animation. Notre objectif est de créer une animation rebondissante lorsque le ballon touche le sol. Pour cela, réduisons d'abord facilement les images-clés et, dans l'éditeur de graphiques, ajustons facilement les images-clés et, dans l'éditeur de graphiques, la courbe pour que les lettres se déplacent rapidement vers le haut, planent brièvement dans les airs puis atterrissent Voyons à quoi ça ressemble. Je pense que c'est un peu trop lent. Placez-vous au milieu de cette animation, puis sélectionnons toutes les couches et, tout en maintenant la touche Alt ou Option enfoncée, faites-les glisser vers la position des indicateurs de temps. C'est bien mieux. Faisons maintenant sauter les lettres les unes après les autres en créant un délai dans l'animation. Laissez la lettre P en place car nous voulons qu'elle commence à rebondir en premier Pour les autres lettres, sélectionnez-les et déplacez-les d' un cadre vers l'avant en maintenant la touche Alt ou Option enfoncée et en appuyant sur la flèche droite. Répétez cette opération pour chaque lettre. Regardons l'animation plusieurs fois pour voir si cela vous convient. Ça a l'air génial. Changons ensuite leurs couleurs pendant animation rebondissante à l' aide de l'effet de remplissage Pour ce faire, cherchons d'abord l'effet de remplissage dans le menu des effets et des préréglages Faisons maintenant glisser l'effet sur la première lettre. Maintenant, désactivons-le pendant une seconde pour retrouver la couleur rouge d'origine de la lettre. Puis rallumez-le. Appuyons maintenant sur vous pour trouver le moment où la lettre commence à rebondir. À ce stade, nous créons la première image-clé avec la couleur actuelle Passez ensuite à la fin de l'animation et changez la couleur en blanc, en fonction du design de la précomposition Revenons donc à l'effet et changeons la couleur en blanc. Convertissez les images clés pour en faciliter la tâche et avant de passer à autre chose, purgeons le projet. After Effects peut parfois ralentir, c'est donc une bonne habitude de purger le projet toutes les quelques minutes pour garantir des performances optimales. Bon, revenons aux affaires. Maintenant, copiez l'effet de remplissage de la première couche, sélectionnez le reste des lettres. Appuyez sur vous pour faire apparaître toutes les images-clés et coller l'effet dessus. Maintenant, appuyons une fois de plus sur vous pour voir nos nouvelles images-clés Ajustez ensuite les images-clés de l'effet de remplissage pour chaque couche en fonction de son animation de position Il suffit de sélectionner les images-clés à effet de remplissage et de les aligner sur les images-clés de position Faisons-le pour le reste des couches. Une fois cela fait, voyons à quoi cela ressemble. Ça a l'air génial. Fermons maintenant toutes les couches et examinons l' ensemble de l'animation que nous avons créée jusqu'à présent dans cette scène. Ça a l'air très cool, mais je trouve que le ballon part trop vers la gauche après son premier rebond Pour résoudre ce problème, nous pouvons faire glisser ce point vers la droite. Je trouve que c'est beaucoup mieux comme ça. Créons maintenant une animation Outro pour la zone de texte, à partir du moment où la balle touche le sol Nous allons utiliser la propriété scale pour cela. Créez la première image-clé à ce stade, puis déplacez-la d'une seconde et réglez la valeur sur zéro Maintenant, allongeons facilement les images-clés et réduisons rapidement la taille de la zone de texte au début de l'animation en déplaçant cette poignée vers la gauche Enfin, pour terminer cette scène, créons une animation outtro pour le fond bleu, afin de faire passer l'ambiance de la scène du sombre au Nous pouvons utiliser l' outil de mise en forme pour cela. Assurez-vous qu'aucune couche n'est sélectionnée, puis sélectionnez l'outil ellipse, changez la couleur en bleu et créez une grande sphère Réglez la taille sur 1 500 pour vous assurer que nous sommes tous sur la même longueur d'onde. Alignez la sphère au centre de la composition et positionnez-la de manière à ce qu'elle commence au bout de trois secondes. Placez cette couche en dessous toutes les autres couches, mais au-dessus du fond sombre. Utilisez maintenant la propriété scale pour créer une animation d'introduction pour cet arrière-plan Avancons maintenant d'une seconde et redimensionnons la forme jusqu'à ce qu'elle couvre l'ensemble du cadre. Réglons-le sur 155. Enfin, faisons en sorte que cette forme entre rapidement dans la scène au début de son animation. Prévisualisons-le. Bien, le moment semble parfait. Réglons l' aperçu de manière à ce que nous puissions le visionner une fois de plus dans un aperçu plus grand. Très bien, je pense que tout va bien dans cette scène en termes d'animation. Revenons maintenant à la composition principale pour voir à quoi cela ressemble par rapport à la scène précédente, où nous avons utilisé le gros diamant comme objet de transition Comme vous pouvez le constater, le ballon commence à tomber trop tôt. Cela signifie que nous devons retarder toutes les animations de cette scène afin que l'animation commence lorsque le gros losange passe le centre de l'image. Commençons l'animation ici à partir de l'image 15. Pour ce faire, assurez-vous qu'aucune couche n'est sélectionnée. Appuyez sur vous pour afficher toutes les images clés toutes les couches et sélectionner toutes les images clés. Faites-les maintenant glisser ensemble vers le nouveau point de départ. Pendant que nous sommes ici, tapons les lettres en jaune pour une meilleure organisation et réduisons les calques de l' illustrateur pour qu'ils apparaissent nets et nets. Renommons également le calque d'arrière-plan en arrière-plan bleu Maintenant, lorsque nous vérifions l'animation dans la composition principale, tout semble parfait Cependant, j'ai remarqué que la zone de texte interférait avec les autres animations et attirait trop l'attention Corrigeons ce problème en entrant dans la scène et en lançant l'animation extérieure de la zone de texte juste après que la balle ait rebondi dessus pour la première fois au début de la Ça a l'air bien mieux maintenant. Super, revenons à la composition principale et fermons toutes les précompositions ouvertes Colorez ensuite cette scène en bleu et renommez-la en scène six. N'oubliez pas de mettre à jour la balise de couleur ici également. C'est le bon moment pour enregistrer le projet avant de passer à la scène suivante. Dans la scène suivante, nous nous concentrerons principalement sur la création de l'animation d'ouverture. Permettez-moi de vous le montrer dans notre document de conception principal. Avant de commencer, nous allons créer une transition entre la scène actuelle et la suivante. Je vais d'abord ouvrir le design de cette scène afin de la préparer à l'animation. N'oubliez pas que vous n' avez pas besoin de suivre , car vous avez déjà terminé les fichiers. Il suffit de regarder et d'écouter. Comme toujours, je vais commencer par dissocier le dessin et séparer les couches Après m'être assuré que toutes les couches sont correctement séparées, je vais nommer les couches importantes qui seront utilisées dans After Effects. Dans ce cas, ce sont toutes les couches liées au dessin des yeux. Ensuite, j'appuierai sur Ctrl pour enregistrer le projet avant de l'importer dans After Effects. Bien, maintenant c'est à vous de suivre. Importez le dessin dans le projet et placez le dossier des couches d'Illustrator dans le dossier des ressources. Ouvrez ensuite la nouvelle scène pour la préparer à l'animation. Si vous vous demandez pourquoi nous ne créons pas la transition entre la scène précédente celle-ci avant de l'animer, voici pourquoi, dans de tels cas, où je prévois de créer une transition panoramique fluide entre deux scènes, il est préférable de terminer d'abord l' animation des deux Ensuite, nous les combinerons et planifierons correctement la transition. Commençons. Tout d'abord, désactivez les couches de texte et d'arrière-plan afin que nous puissions nous concentrer uniquement sur la couche des yeux. Nous allons maintenant commencer à animer cette séquence en animant la couche oculaire principale Animez la partie principale de l'œil, cliquez avec le bouton droit sur le calque et convertissez-le en calque de forme Une fois cela fait, supprimez le calque d'origine et renommez le nouveau calque de forme de manière appropriée Nous avons maintenant une couche de forme qui nous permet d' animer son tracé Désactivez les couches restantes pour avoir une vision plus claire de ce sur quoi nous travaillons. Ouvrez la couche de forme, naviguez jusqu'au groupe et sélectionnez le tracé de la forme. Vous remarquerez qu'il comporte trop de points , ce qui complique son animation Pour simplifier, nous allons supprimer certains de ces points avant de le faire, activons la grille proportionnelle car elle sera utile lorsque nous commencerons à ajuster le chemin. Simplifiez maintenant cette forme en supprimant quelques points sur son tracé. Veillez à ne pas supprimer les points centraux de la forme. Nous pouvons utiliser l'outil de suppression des vertex pour supprimer les points inutiles en cliquant dessus. Une fois terminé, revenez à l'outil Stylo pour effectuer d'autres réglages, puis utilisez l'outil de sélection pour affiner la forme. Courbez les points centraux en cliquant sur chaque point et en faisant glisser la poignée gauche vers la gauche et la poignée droite vers la droite Répétez également ce processus pour le point inférieur. Maintenant que la forme est prête, nous pouvons commencer à l'animer Comme il s'agit de la forme finale de l'œil, lorsqu'il est complètement ouvert, passez à 1 seconde et créez la première image-clé pour le tracé tel qu'il apparaît actuellement Ensuite, passez au début de la chronologie et ramenez le point supérieur au centre. Ramenez ensuite le point inférieur vers le centre, zoomez et assurez-vous que les points sont parfaitement alignés pour former une ligne droite. Génial. Nous avons maintenant une animation qui ouvre les yeux. Cependant, vous remarquerez que des formes désagréables se forment le long des côtés pendant l'animation. Laissez-moi zoomer une seconde pour que vous puissiez voir de quoi je parle. Je n'aime pas les arêtes pointues que nous voyons ici. Pour résoudre ce problème, ouvrez les paramètres de trait de la forme et ajustez les joints pour les arrondir. Définissez les deux paramètres pour l'arrondir. Maintenant, les bords semblent beaucoup plus lisses. Lorsque l'œil s'ouvre et se ferme, c'est beaucoup mieux comme ça. Maintenant, rétablissons le reste des couches oculaires et veillons à ce qu'elles soient toutes contenues dans la forme principale de l'œil que nous venons d'animer. Pour ce faire, nous allons utiliser la fonction Track Matt, sélectionner toutes les couches oculaires et faire glisser leur fouet Track Matt vers la couche de forme principale Nous utilisons Alpha mat, sorte que la couche de forme est automatiquement masquée. N'oubliez pas de le réactiver. Ça a l'air sympa, mais il y a un petit problème. Nous ne pouvons pas voir le contour de la forme car les couches oculaires sont placées au-dessus de celle-ci. Pour résoudre ce problème, dupliquez le calque de forme, déplacez le doublon au-dessus des couches oculaires et désactivez le remplissage du doublon. Ensuite, pour la couche de forme d'origine en bas, désactivez le trait. Maintenant, la couche supérieure est utilisée pour le contour noir tandis que la couche inférieure est utilisée pour le remplissage blanc. Le trait semble un peu trop épais, alors fixons sa largeur à huit. Génial. Réduisez maintenant les couches d'Illustrator et rendons cette animation un peu plus intéressante en ajoutant une animation d'échelle subtile aux deux couches oculaires. Passez à 1 seconde, sélectionnez ces deux couches et créez une image-clé pour la propriété d'échelle Passez maintenant à un point où vous pouvez voir clairement les couches et agrandissez-les. Sélectionnons maintenant la couche I three et définissons son échelle à 200 pour un look plus intéressant. ensuite glisser les images-clés jusqu'au début de l' animation et prévisualisez-la Je trouve que ça a l'air génial, maintenant affinons l'animation. Désélectionnez toutes les couches, appuyez sur la touche pour afficher toutes les images clés, sélectionnez-les toutes, convertissez-les facilement et accédez à l'éditeur de graphiques Ajustez les courbes pour que l' animation démarre rapidement. Voyons le résultat. Ça a l'air génial. Créons maintenant une animation d'introduction pour le contour des yeux. Nous n'avons pas besoin d'animer le chemin pour cela. Nous pouvons plutôt utiliser l'outil Stylo pour créer une ligne simple qui correspond à la forme du contour. Assurez-vous qu'aucune couche n'est sélectionnée et tracez la ligne. Renommez le nouveau calque en trait, et maintenant, pour l'animer, utilisez l'effet de découpage des tracés Au début de l'animation, définissez la propriété end sur 50 et créez la première image-clé. Définissez ensuite la propriété de démarrage sur 50 et créez une autre image-clé. Avance d'une seconde. Isolons maintenant cette couche pour une meilleure visibilité et fixons la fin à 100 et le début à zéro. Génial. Nous avons maintenant l'animation de la ligne d' ouverture. Affinons-le en arrondissant les extrémités du trait, car les arêtes vives ne sont pas belles à mon avis Ça a l'air bien mieux maintenant. Une fois cela fait, simplifiez facilement les images clés et ajustez l'animation dans l'éditeur de graphiques pour un mouvement plus fluide. Génial. Enfin, découplons cette couche et alignons-la au centre de la composition Chronométrons maintenant cette animation avec l'animation révélatrice. Tout d'abord, marquons les couches oculaires en orange pour que la chronologie reste organisée. Ensuite, déplacez toutes les couches oculaires pour commencer au bout d'une seconde. Comme il n'est pas nécessaire de tracer la couche une fois son animation d'ouverture terminée, recadrez-la pour qu'elle se termine au bout d'une seconde. Ça a l'air super cool. Si vous le souhaitez, vous pouvez déplacer cette couche plus bas dans la pile de couches pour une meilleure organisation. Maintenant que nous avons créé l'animation principale de cette scène, nous pouvons revenir à la composition principale et commencer à créer la transition entre la scène précédente et la scène que nous venons d' animer Je veux que la balle se déplace vers la gauche, atteigne le centre, puis lance l'animation de la ligne d'ouverture. Pour ce faire, nous pouvons soit placer la scène dans la composition principale, soit garder la composition principale propre et intégrer l'iCMP à Tout d'abord, nous devons comprendre où la scène doit commencer. Dans ce cas, c'est à partir de la cinquième seconde, s'arrête l'animation des lettres rebondissantes Ce faisant, il nous sera beaucoup plus facile de créer la transition entre ces deux scènes, autant plus que ces deux scènes partagent la même couleur de fond. Placez-vous au bout de cinq secondes où l'animation précédente se termine et recommencez la scène à partir de ce moment. Déplacez maintenant la composition ICN vers la gauche pour qu'elle sorte initialement du cadre Génial. Nous sommes maintenant prêts à créer la transition. Nous créons maintenant l'illusion que le ballon se déplace vers la gauche. Avant de poursuivre, organisons la chronologie en recadrant les couches qui ne sont plus nécessaires pour le reste de l'animation Par exemple, recadrez les couches des deux premières lettres qui ne sont plus visibles dans le cadre une fois leurs animations terminées. Nous pouvons également recadrer la couche d'arrière-plan sombre au fur et à mesure qu'elle est entièrement recouverte par la sphère bleue une fois son animation terminée, ce qui la rend inutile. Nous allons vérifier s'il existe d' autres couches que nous pouvons recadrer avant de continuer. Question, quelle couche pouvons-nous recadrer maintenant puisqu'elle n'est plus visible dans la scène ? Dans ce cas, nous pouvons recadrer la couche de zone de texte au fur et à mesure qu'elle termine son animation en 1 seconde et 15 images. Je vais maintenant vous montrer une nouvelle astuce pour créer l' illusion d'une transition panoramique vers le côté sans augmenter la largeur de la scène ou combiner les deux scènes en une seule, comme nous l' avons fait plus tôt dans le cours Notre objectif est de créer l' illusion que le ballon se déplace vers la gauche et entre dans la scène Pour ce faire, commencez par créer un nouvel objet nul et nommez-le transition. Commençons l'introduction un peu plus tôt afin de pouvoir la voir pendant l'animation panoramique Placez le sinus à 4 secondes et 15 images pour le moment et assurez-vous que la précomposition est parfaitement alignée sur le côté gauche de la Assurez-vous qu'il est parfaitement aligné. Ensuite, associez la scène e à l'objet nul. Ensuite, associez également les couches restantes qui sont encore visibles depuis la scène précédente encore visibles depuis la scène précédente à la valeur nulle. Dans ce cas, cela inclut toutes les couches de texte restantes. Notez que vous n'avez pas besoin d'être parent du ballon. Maintenant, lorsque nous déplaçons le zéro, nous contrôlerons les deux scènes simultanément. Cela nous permet de créer facilement l'animation panoramique. Cependant, comme les deux scènes partagent le même arrière-plan, nous pouvons optimiser les choses en entrant dans la scène e et en désactivant la couche d'arrière-plan bleu. Comme vous le remarquerez, cela n'affecte pas l'apparence de la scène principale. Commençons par animer l'objet nul. Commencez par définir la position de départ nulle à ce stade. Appuyez sur P pour afficher la propriété de position et créer la première image-clé. Avancez de 1 seconde à 5 secondes et 15 images et déplacez le zéro vers la droite jusqu'à ce que la scène oculaire soit parfaitement alignée avec le centre. Zoomons pour mieux le voir et ajustons la valeur de position manuellement. Ça a l'air bien. Améliorons maintenant l'assouplissement de l'animation à l'aide du panneau de vélocité des images-clés À ce stade, cela peut sembler un peu étrange. Pour que l'illusion fonctionne, nous devons animer le ballon. Avant cela, ajustons le timing de l'animation des scènes. La scène devrait commencer un peu plus tard car nous ne voulons pas que l'animation linéaire commence pendant la transition Il devrait commencer après la fin de la transition. Faisons en sorte que le Snee commence à partir de ce moment cinq et quinze secondes, là où la transition se termine Pour ce faire, entrons dans le I Precomp. À présent, sélectionnez les couches pertinentes et déplacez-les pour qu'elles correspondent au nouveau point de départ. Revenons à la scène principale pour voir à quoi cela ressemble maintenant. Ça a l'air bien mieux maintenant. Une fois que tout est en place, nous pouvons commencer à animer le ballon À partir du point où la transition commence, créez la première image-clé correspondant à la position de la balle Passez ensuite à la fin de la transition, activez la grille d'action et positionnez la balle au centre du cadre. Cela peut vous sembler un peu confus en ce moment, mais supportez-moi et vous comprendrez ce que nous faisons dans une seconde. Bien maintenant, adaptez la vélocité au mouvement du zéro pour garantir alignement fluide des animations. Vous prévisualisez l'animation, vous verrez l'illusion de la balle se déplacer vers la gauche pour passer à la suivante. Maintenant, pour rendre la transition plus intéressante, placons-nous au milieu de la transition, puis ouvrons la propriété scale de la balle et créons une image-clé à ce stade Passez ensuite au début de la transition et créez une autre image-clé avec la même valeur Pour l'image-clé du milieu, réglez l'échelle sur 200 et pour la fin de la transition, réglez-la sur zéro Enfin, atténuons les images-clés et, à l'aide l'éditeur de graphes, ralentissons le mouvement de la balle au milieu de l'animation Cela ajoute une illusion supplémentaire selon laquelle la balle se rapproche de la caméra, créant ainsi une transition panoramique simple mais visuellement attrayante Avec cela, nous sommes prêts à créer la prochaine transition. Mais avant cela, sauvegardons le projet. La prochaine étape sera de créer la transition pour la scène à venir, qui comporte une superbe animation de plongée. Mais avant de l'ajouter au projet, organisons le tout et créons l'animation d'outtro pour la scène actuelle sur laquelle nous venons de travailler Pour commencer, localisons cette pré-composition dans le panneau du projet et changeons le nom en I comp le panneau du projet et changeons le nom en I comp Placez cette précomposition dans le dossier des précompositions pour une meilleure Et maintenant, commençons à travailler sur l'animation outtro de la scène actuelle Pour cela, nous devons d'abord trouver le moment opportun pour démarrer l'animation outtro N'oubliez pas de vous assurer que vous disposez de suffisamment de temps pour lire le texte ici. Dans notre cas, nous pouvons commencer à partir des sept et quinze secondes images. Passons maintenant au I Precomp et créons une animation d'outtro à partir de maintenant. Pour simplifier le processus, inversons l'animation d'introduction Ouvrons donc d'abord les images clés de la couche et déplaçons maintenant 15 images vers l'avant. Copiez maintenant les images-clés de l'animation d'introduction, collez-les à ce stade et inversez-les pour créer l'animation inverse Faites de même pour la couche supérieure, qui est le trait de la forme principale. Je vais copier les images clés, les coller ici et les inverser pour créer l'animation inverse. Voyons à quoi ça ressemble. Je pense que c'est trop lent. Pour résoudre ce problème, passons à la quatrième seconde et faisons glisser les dernières images-clés jusqu'à ce point dans le temps Regardons ça encore une fois. Ça a l'air mieux maintenant. Maintenant, à la fin de l'animation, sélectionnons toutes les couches oculaires et recadrons-les car nous voulons avoir une chronologie nette. Dupliquez ensuite le calque de traits, placez-le au-dessus de tous les calques, puis amenez-le à la fin de l'animation, puis ouvrez ses images-clés pour inverser l'animation À mon avis, c'est trop lent. Ramenons les dernières images clés aux quatre et 20 images suivantes pour accélérer un peu cette animation . Ça a l'air mieux. Revenons maintenant à la scène principale et découpons la chronologie jusqu'à la fin de l'animation de la scène. Dans ce cas, c'est lorsque l'œil se ferme. Mais ne réduisons pas la chronologie à ce point. Donnons-nous une seconde de plus au cas où nous aurions besoin d'ajuster le timing de l'animation dans la scène à l'avenir. Génial. Nous sommes donc prêts à commencer à créer la scène suivante et la prochaine transition. Cette fois, nous allons apprendre à créer une animation de plongée en tunnel super cool en utilisant des techniques simples. Mais avant cela, comme d'habitude, nous allons vérifier le fichier de conception pour le préparer à l'animation. Vous n'avez pas besoin de le faire, alors surveillez pour le moment. Honnêtement, nous n'utiliserons pas les couches d'Illustrator pour créer cette scène. Nous allons le créer à partir de zéro et avec After Effects. Si vous vous demandez pourquoi nous n' utilisons pas les calques originaux d'Illustrator, c'est parce que chaque calque a une taille différente, ce qui peut rendre les coins arrondis irréguliers après le redimensionnement. De plus, je souhaite vous montrer comment créer des scènes simples comme celle-ci directement et après effets pour gagner du temps, plutôt que de vous fier à Illustrator ou Photoshop pour tout. Maintenant, revenons au travail ensemble et importons le fichier de conception dans notre projet. Nous utiliserons cette précomposition comme référence pour colorer la scène que nous allons créer à partir de zéro Nous allons d'abord créer une nouvelle composition. Appuyez sur Ctrl ou Commande N, nommez-la scène sept. Assurez-vous qu'il s'agit d'une composition Full HD et cliquez sur OK. Fermons toutes les précompositions ouvertes pour garder notre espace de travail propre et sélectionnons la précomposition de conception Cette scène de plongée est très simple à recréer. Pour commencer, sélectionnez l'outil rectangle, assurez-vous que le trait est désactivé et définissez la couleur de remplissage sur blanc pour le moment. Double-cliquez ensuite sur l'outil rectangle pour créer un rectangle correspondant à la taille de la composition. Pour lui donner un aspect raffiné, réglez la rondeur des coins à 90, comme vous pouvez le trouver dans les propriétés du rectangle de la couche façonnée Ensuite, remplacez la couleur du rectangle par le bleu foncé du dessin. Une fois cela fait, dupliquez le calque et mettez à jour sa couleur pour qu'elle corresponde à la forme suivante du dessin. Assurez-vous de choisir la bonne couleur. Continuons maintenant à dupliquer la forme et à colorier le nouveau duplicata en fonction du design Nous avons besoin de six formes au total. C'est bon. Nous sommes maintenant prêts à commencer à animer. Commencez par sélectionner toutes les couches et passez au début de la chronologie. Zoomons sur la chronologie pour voir les horodatages en secondes Ouvrez maintenant la propriété d'échelle en appuyant sur S, réglez l'échelle à zéro pour toutes les couches et créez une image-clé Avancez jusqu'à la limite d'une seconde et redimensionnez les formes de manière à ce qu'elles dépassent légèrement la taille de la composition. 110 % devraient bien fonctionner. Une fois les images-clés définies, sélectionnez-les toutes et ajustez leur vélocité à 85 % dans le panneau de vélocité des images-clés C'est trop rapide. Ramenons les dernières images-clés à la deuxième pour ralentir un peu Cela semble mieux maintenant pour créer l'illusion d'une animation de plongée, nous devons passer d'une couche à l'autre. Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire. Passons d'abord au cadre numéro dix. Zoomons sur la chronologie et laissons maintenant la première couche façonnée en place tout en sélectionnant le reste et en les décalant de dix images vers l'avant, une par une. Une fois terminé, vérifions ce que nous avons. À mon avis, c'est trop lent et cela se produit parce que le délai est de dix images. Faisons en sorte que le délai soit de cinq images au lieu de dix et voyons à quoi il ressemblera. Ce réglage crée un bien meilleur débit. Maintenant, la scène est bien meilleure et pour prolonger la plongée, nous devons répéter l' animation complète une fois de plus. Pour ce faire, sélectionnez toutes les couches et dupliquez-les à l'aide de la commande D ou de la commande D, placez les nouvelles couches au-dessus des couches d'origine et étiquetez-les avec une couleur différente pour une meilleure organisation. Démarrez la deuxième séquence cinq images après la précédente pour créer une suite fluide. Voyons un aperçu de ce à quoi cela ressemble. Je pense que c'est génial et nous sommes prêts à terminer l'animation de plongée. Pour terminer, nous allons utiliser la dernière couche comme masque pour l'ensemble de la scène. Pour cela, nous allons appliquer le mode de fusion alpha de la silhouette à la couche Ce paramètre transformera le calque en alpha mat pour tous les calques situés en dessous, créant ainsi l'effet d'une ouverture pour la scène suivante. Précomposons maintenant toutes ces couches et nommons la composition du tunnel de précomposition. Assurez-vous que les deux options sont sélectionnées avant de cliquer sur OK. Génial. Avant de poursuivre, repérez cette scène dans le panneau du projet et étiquez-la en bleu pour des raisons de cohérence. Retournez ensuite à la composition principale et insérez cette scène dans la chronologie À ce stade, nous devons déterminer le meilleur moment pour démarrer la nouvelle scène. Je veux que ça commence juste après la fermeture de la ligne de la scène précédente. Dans ce cas, je fais simplement des allers-retours dans la chronologie tout en regardant l'animation pour comprendre quel peut être le meilleur moment pour démarrer la scène. Peut-être ici. Mettons-le à 7 secondes pour le moment et voyons à quoi il ressemble. C'est génial. Mais si nous activons l' arrière-plan transparent dans l'aperçu, nous remarquerons des zones vides. Cela se produit parce que la scène précédente se termine trop tôt. Pour résoudre ce problème, entrez dans la scène précédente, appuyez sur Ctrl K et ajoutez quelques secondes à la chronologie. Ensuite, effectuez un zoom arrière, agrandissez les couches, et surtout étendez la couche de fond bleu. ce problème résolu, nous pouvons recadrer la composition du tunnel une fois qu'elle couvre complètement le cadre en 1 minute, 8 secondes et 20 images Une fois que la transition vers la scène du tunnel fonctionne correctement, nous pouvons revenir en arrière et terminer l'animation ici. À ce stade, nous allons créer une animation volante pour la sphère grise qui dirige l'ensemble du projet. Cela renforcera l' illusion de plonger dans la scène du tunnel. Commençons. Nous allons d'abord créer la sphère. Utilisez l' outil ellipse et assurez-vous qu' 11. Peaufiner votre projet avant rendu: Bonjour, et bon retour. Avant de procéder au rendu du projet final, il est important de s' assurer que toutes les couches et précompositions sont présentées dans la plus haute qualité Pour y parvenir, nous devons réduire les précompositions du projet J'aime aussi retrouver les couches que je n'ai pas utilisées dans la précomposition et les supprimer Cela permet de garder le projet propre et bien organisé. C'est ce sur quoi nous allons nous concentrer dans cette leçon. Nous veillerons à ce que chaque précomposition soit de la meilleure qualité possible et supprimerons les couches inutiles du projet Maintenant, après avoir réduit la scène, nous devons toujours vérifier si cela a affecté l'animation ou l' apparence visuelle de la scène Cela est dû au fait que le regroupement des précompositions peut parfois s' avérer délicat, en particulier lorsqu'il s'agit de scènes complexes impliquant différents types de couches et de Pour l'instant, commençons par la scène 6. Nous allons le réduire et vérifier le résultat. Tout a l'air bien. Passons maintenant à cette scène et voyons s'il existe des couches ou des précompositions que nous pouvons réduire pour améliorer la qualité Nous pouvons réduire la précomposition électronique. Entrons-y et voyons s'il n'y a rien d'autre à découvrir. À l'intérieur, nous pouvons réduire le calque de texte d' Illustrator. Pour l'arrière-plan, nous n'en avons pas besoin, nous pouvons donc le supprimer d'ici. Nous pouvons quitter cette maquette et y jeter un dernier coup d'œil. Ça a l'air bien. Revenons à la composition principale. Pour la couche diamantée, vous pouvez activer le flou cinétique si vous souhaitez ajouter un léger effet de flou pendant l'animation Voyons à quoi ça ressemble. Personnellement, je le préfère sans le flou cinétique. C'est bon. Passons à autre chose. La scène 5 s'est déjà effondrée. Réduisons la quatrième scène et observons les résultats. Comme vous pouvez le constater, la réduction de la scène 4 modifie les dimensions des éléments qu'elle contient Cela se produit parce que lorsque nous réduisons la précomposition, les couches qu'elle contient interagissent avec la composition actuelle, qui est la Dans la composition principale, nous n'avons pas caméra comme celle de la scène 4 Par conséquent, les couches apparaissent comme si elles avaient été placées directement dans la composition principale sans caméra Découvrons-le et voyons ce que nous pouvons faire pour conserver la meilleure qualité de cette scène Tout d'abord, réduisons la scène du podium ici. Comme vous pouvez le constater, l' image change légèrement. Cela est dû à la même raison que j'ai expliquée plus tôt. Cependant, dans ce cas, les couches à l'intérieur ne sont pas équipées d'une caméra. Une fois la précomposition réduite, les deux retardateurs situés à l'intérieur se comportent comme s'ils étaient à l'extérieur interagissent avec la caméra dans cette scène Pour que les couches de la scène du podium interagissent correctement avec notre caméra, nous devons les réduire. L'effondrement à lui seul ne résoudra pas complètement le problème. Bien que nous assistions à une amélioration de la qualité, les couches n'interagiront toujours pas avec la caméra comme elles le devraient. Pour résoudre ce problème, l'étape la plus importante consiste à convertir les couches intérieures en trois couches. Ce faisant, ils interagiront parfaitement avec la caméra, même après avoir réduit le prémontage Cela peut sembler confus en ce moment, mais ne vous inquiétez pas. Nous allons pratiquer cela dans d'autres scènes et vous vous y habituerez très bientôt. Si vous vous en souvenez, nous avons déjà pratiqué ce processus dans les leçons précédentes. Laisse-moi t'expliquer. C' est exactement ce que nous avons fait plus tôt avec le precomp contenant les icônes Nous avons converti les icônes ici trois couches D afin qu'elles puissent interagir avec la caméra en dehors de cette précomposition, car nous voulions créer un effet de parallaxe intéressant Essayons maintenant de réduire l' une des zones de texte ici. En cas de réduction, les couches à l'intérieur agissent comme si elles faisaient partie de la composition actuelle Comme je l'ai déjà expliqué, cette composition possède une caméra, mais dans la précomposition de la zone de texte, les couches sont deux D. Par conséquent, elles n'interagissent pas avec la caméra ici, car les caméras ne peuvent pas interagir avec deux Cependant, si nous entrons dans la précomposition et que nous convertissons les couches en trois D, la caméra de cette scène interagira avec elles comme si elles se trouvaient directement dans cette Dans ce cas, le regroupement ne modifie pas de manière significative la qualité des zones de texte, je préfère donc ne pas les réduire. Cependant, il s'agissait d'un exemple simple pour expliquer le concept du fonctionnement de l'effondrement Bien, fermons toutes les précompositions que nous avons ouvertes ici et revenons à la composition principale Nous avons maintenant optimisé cette scène pour obtenir la meilleure qualité possible et il n'est plus nécessaire de la réduire davantage. Cela compliquerait le projet puisque la caméra de la scène quatre n' existe pas dans la composition principale Après la réduction, la caméra située à l'intérieur de la scène est désactivée et les couches se comportent comme si elles faisaient partie de la composition principale Mais comme nous avons déjà atteint la meilleure qualité de la scène, nous n'allons pas la réduire davantage. Passons à la scène trois, qui est la plus complexe du projet. Voyons quelles précompositions ou couches nous pouvons réduire. Nous avons ici la précomposition de l'ordinateur portable, mais nous l'avons déjà traitée lors de l'animation Nous savons que nous ne pouvons pas réduire la première partie de la précomposition, car les couches situées à l'intérieur commenceraient immédiatement à interagir avec la caméra, ce qui provoquerait des problèmes visuels La deuxième partie est déjà effondrée, donc ça nous convient. Ensuite, nous avons la précomposition du personnage féminin. Si je zoome, vous pouvez voir qu'il semble légèrement pixelisé. Cependant, si je le réduis maintenant, il n'y aura aucun changement notable. Cela est dû au fait que les couches Illustrator à l'intérieur de la précomposition ne sont pas réduites Nous pouvons donc entrer dans la précomposition et réduire les couches maintenant. Comme nous voulons que ces couches interagissent avec la caméra et la scène, nous les convertirons également en trois couches D. Maintenant, si nous zoomons et réduisons la précomposition, la qualité s' améliorera légèrement Passons à autre chose et faisons de même avec la précomposition du panneau d'interface utilisateur de la scène Réduisez-le, entrez dans la précomposition, réduisez les couches et convertissez-les en trois couches D. Passons maintenant à autre chose et répétons le processus pour le deuxième panneau d'interface utilisateur. Passons à la zone de la première partie de cette grande scène pour voir l'interface utilisateur et les précompositions des personnages principaux Commençons par la précomposition de l'interface utilisateur. Mais cette fois, convertissons d'abord les couches en trois D, puis réduisons-les. Comme vous pouvez le constater, les couches ont changé de position. Cela peut parfois se produire en raison de différences dans la façon dont les éléments ont été précomposés dans leur composition d'origine, puis recadrés ou ajustés lorsque les dimensions de la précomposition Quoi qu'il en soit, ce n'est pas du tout un problème. Il suffit de les recentrer à nouveau. Notez que l'outil d'alignement ne fonctionnera pas ici puisque les couches sont désormais au nombre de trois D. Pour résoudre ce problème, saisissez la couche principale et déplacez-la vers le centre. La deuxième couche suivra car elle est apparentée à la couche principale Vous pouvez appuyer sur la touche entre guillemets pour activer la grille d'action, qui permet d'identifier le centre de la composition et aligner la couche principale en conséquence. Revenons à la scène principale. Maintenant, lorsque nous réduisons cette précomposition, elle peut prendre une position étrange Cela se produit pour la même raison que j'ai expliquée plus tôt. Pour y remédier, nous devons d'abord centrer le point d'ancrage de cette précomposition. Passons le curseur sur l'outil de point d'ancrage, maintenons la touche Ctrl ou Commande enfoncée et double-cliquons dessus Revenez ensuite à l'outil de sélection et déplacez le précomposé dans la bonne position Génial. Passons maintenant à la précomposition du personnage principal Ajustons l'aperçu pour que nous puissions le voir. Maintenant, réduisons-le d'abord. Entrez ensuite dans la précomposition, réduisez les couches et convertissez-les en trois couches D. Lorsque nous faisons cela, vous remarquerez que les couches ont changé de position. Cependant, ce scénario est plus complexe car nous avons ici de nombreuses couches animées. Je ne veux pas les déplacer manuellement car cela pourrait interférer avec l'animation. Pour résoudre ce problème, nous pouvons créer un nouvel objet nul. Positionnez-le près de la couche du corps du personnage principal et convertissez-le en couche tridimensionnelle. Associez ensuite les couches animées à cet objet nul. Veillez à ne pas associer les couches déjà parentes aux couches que nous venons de lier à la valeur nulle Désormais, lorsque nous déplaçons l'objet nul, il contrôle l' ensemble de la séquence animée. Si l'objet nul prend une position étrange, ne vous inquiétez pas. Il suffit de l'ajuster pour que le personnage soit correctement placé. Une fois que tout semble correct, nous pouvons supprimer l'objet nul et vérifier que tout est en ordre. Génial. Revenons maintenant à la composition principale, centrons le point d'ancrage et positionnons correctement cette précomposition Nous avons maintenant tous les éléments de la plus haute qualité. Ensuite, je souhaite recadrer les couches qui ne sont plus visibles dans le cadre une fois que la caméra a dépassé les zones où se trouvent les personnages. Je pense que c'est quelque part par ici. Comme vous pouvez le constater, à l' heure actuelle, les couches situées sous la scène de l'ordinateur portable ne sont plus visibles. Par conséquent, nous pouvons recadrer toutes ces couches à ce stade pour être sûrs, nous pouvons ouvrir les images-clés de l'appareil photo pour voir le moment où nous sommes sur le point de zoomer sur l'ordinateur portable Comme vous pouvez le constater, cela se produit en ce moment. Nous devons maintenant revenir à la composition principale et assurer qu'à ce moment précis, les couches situées sous l'ordinateur ne soient plus visibles Génial. Nous savons maintenant que nous pouvons recadrer les couches non pertinentes jusqu'à présent. Nous pouvons commencer par recadrer l'interface utilisateur et le personnage principal dès la première partie de la scène, ainsi que le nuage sur lequel se trouve le personnage et la couche de texte Nous pouvons faire de même dans la deuxième partie avec le personnage féminin. Ce faisant, nous simplifierons un peu le processus de rendu d' After Effects ultérieurement. C'est bon. Revenons à la composition principale. Maintenant, comme dans la scène précédente où les trois couches D qu'elles contenaient étaient déjà gérées en réduisant les couches et les précompositions pertinentes, nous n'avons pas besoin de réduire la scène principale Le réduire compliquerait l'apparence car il n'y a pas de caméra dans la composition principale Par conséquent, nous n'allons pas réduire la scène principale ici dans la composition principale. Génial. Nous avons presque terminé. Passons à la scène deux. Entrons dans cette scène et voyons s'il y a des ajustements à apporter à l'intérieur. Dans cette scène, toutes les précompositions sont déjà réduites. La seule précomposition qui n'est pas réduite est la précomposition à trois cases D. Si nous la réduisons, les trois couches en D contenues dans cette précomposition interagiront automatiquement avec les dimensions de cette scène, qui provoquera une distorsion et une apparence étrange Par conséquent, nous n'allons pas l'effondrer. Cependant, nous pouvons entrer dans la précomposition pour vérifier s' il existe des couches Illustrator à réduire En regardant à l'intérieur, je vois qu' aucune couche n'a besoin d'être effondrée Quittons cette précomposition et fermons la scène deux pour revenir à la composition principale Ici, nous pouvons réduire la scène principale car il n'y a aucune combinaison de trois éléments en D à l'intérieur qui affecterait l'apparence de la scène après l'avoir réduite Pour être honnête, parfois je ne me souviens pas ou je ne sais pas toujours si effondrement peut altérer l'apparence de la scène C'est pourquoi je vérifie toujours l'apparence, entre dans les scènes et les précompositions et essaie de déterminer la cause des problèmes, qu' il s'agisse d'une précomposition ou une couche qui n'a pas besoin d'être réduite Ne vous inquiétez pas si vous vous sentez un peu confus. N'oubliez pas de suivre ce processus avant d'effectuer le rendu et adapter vos couches et paramètres selon besoins tout en vérifiant soigneusement le tout. Par exemple, après avoir réduit la scène, nous remarquons que toutes les couches apparaissent nettes et propres Toutefois, cela crée un petit creux dans les zones où les couches d' arrière-plan se connectent. Pour résoudre ce problème, nous pouvons entrer à nouveau dans cette composition et mélanger les couches en créant une nouvelle couche solide de la même couleur que l'arrière-plan Nous pouvons appeler cette couche solide BG big. Assurez-vous que la couche solide correspond la taille de la composition et placez-la en dessous de toutes les autres couches Cela permettra de résoudre le problème et d'éliminer les espaces vides de la scène. Vous pouvez maintenant revenir à la composition principale et voir que nous n'avons pas le problème pour le moment Finissons-en avec la première scène. Si nous le réduisons, son apparence changera car il y a une caméra à l'intérieur de cette composition, alors que la composition principale n'en a pas Les trois couches D de la composition s'adaptent automatiquement aux données de la composition principale, qui n'a pas la caméra de la Cependant, nous n'avons pas à nous inquiéter de la réduction de cette scène , car elle a été créée uniquement à l'aide de couches de forme, et les couches de forme sont toujours affichées avec une qualité optimale Cela étant fait, organisons notre panneau de projet avant le rendu. Nous pouvons faire glisser la précomposition du tunnel dans le dossier de précomposition. Nous pouvons également déplacer ce dossier vers le dossier Assets. Déplaçons également cette précomposition dans le dossier PreComps. Passons maintenant en revue l'ensemble de l' animation avant le rendu. Il est essentiel pour les motion designers de regarder leurs animations à quelques reprises et de faire des effets secondaires avant le rendu. Cela permet de détecter les problèmes qui peuvent être résolus maintenant au lieu de les trouver plus tard après le rendu. Regardons donc l'animation patiemment et concentrons-nous pour voir s'il nous manque quelque chose C'est bon. Lors de l'aperçu, j'ai donc remarqué que j'avais oublié d' ajouter une couche de texte à cette scène. Passons au fichier de conception et copions le texte. Ensuite, nous allons entrer dans la composition de la scène et coller le texte. Créons d'abord une nouvelle couche de texte et collons le texte. Maintenant, alignons-le au centre de la composition. Changons d'outil de sélection et positionnons la couche de texte au-dessus de toutes les autres couches afin au-dessus de toutes les autres couches afin de pouvoir la voir pendant l'animation du tunnel. Créons maintenant une animation de position pour ce texte volant vers la caméra. Cela améliorera l'illusion de l'animation de plongée. Commencez par convertir le calque de texte en un calque tridimensionnel. Ensuite, centrez le point d'ancrage. Ensuite, créez une animation de position depuis le début de la scène. Disons qu'au début, le texte sera positionné quelque part par ici. Ensuite, lorsque le tunnel se terminera, vers la troisième seconde, nous rapprocherons la couche de texte de la caméra. Voyons un aperçu de ce à quoi cela ressemble. Je pense que nous n'avons pas assez de temps pour lire le texte, alors ajustons sa position initiale pour le placer un peu plus loin de l'appareil photo. Nous pouvons également l'abaisser un peu. Regardons-le encore une fois. Ça a l'air sympa. De plus, créons une animation d'opacité pour donner au texte une introduction fluide Très bien, je pense que tout va bien. Revenons maintenant à la composition principale et voyons à quoi ressemble cette scène par rapport à la précédente Il semble que le texte soit saisi trop tôt, car il n'y a pas assez de temps pour lire le texte précédent. Retardons la saisie du texte à ce stade. Entrez dans la scène et ajustez les images-clés d'opacité en les faisant glisser ici Voyons à quoi ça ressemble maintenant. Le plus important avec les animations de texte et les projets animés est de s'assurer que le spectateur dispose de suffisamment de temps pour lire le texte. C'est pourquoi il est essentiel de regarder ces moments plusieurs fois et vérifier s'il reste suffisamment de temps pour lire confortablement le texte animé. Notre cas, je pense que nous sommes bons. Mais avant de poursuivre, essayons de voir à quoi ressemblera ce texte volant si nous activons le flou cinétique correspondant C'est quelque chose que j'aime tester lorsque j'ai gros objets ou des couches qui volent rapidement dans la scène. Je trouve que le flou cinétique est beaucoup plus esthétique, ce qui nous permet de quitter la scène et de continuer à revoir le reste du projet avant le rendu Maintenant, je remarque que j'ai mal orthographié le nom du site Web. C'est quelque chose qui peut se produire facilement, est pourquoi il est essentiel de vérifier minutieusement l'ensemble du projet avant rendre et de l'envoyer au client. Donc, si vous avez mal orthographié le texte comme je l'ai fait, corrigeons ce problème très rapidement. Génial. Nous pouvons maintenant fermer ces précompositions et continuer à vérifier le projet Bon, maintenant, j'ai l'impression que le texte de la dernière scène passe trop vite, laisse trop peu de temps pour le lire. Voyons comment prolonger la durée de cette scène. C'est une excellente occasion de montrer comment gérer les changements dans des compositions complexes comportant de nombreuses couches et précompositions influant sur le timing des autres Actuellement, le texte est visible pendant moins de 2 secondes et se termine à la troisième seconde. Pour donner plus de temps au spectateur, nous devons étendre l'animation du tunnel. Passons à la précomposition du tunnel et commençons par rétablir le mode de fusion de la dernière couche sur normal pour annuler l' effet de masquage Sélectionnez ensuite les six dernières couches du tunnel et dupliquez-les. Déplacez ces couches dupliquées haut et déplacez-les vers la droite Elles commencent cinq images après la dernière forme Zoomez et assurez-vous qu'il y a un décalage de cinq images entre les deux. Étiquetons-les d' une couleur différente pour que les choses restent organisées. Ce faisant, nous avons ajouté quelques secondes supplémentaires à l'animation de plongée. Réglez maintenant le mode de fusion de la dernière couche sur Silhouette Alpha, afin que la scène disparaisse à la fin de l'animation du tunnel Grâce à ce réglage, l'animation de plongée dans le tunnel dure désormais plus longtemps. Cela signifie que nous devons également ajuster l'animation de la sphère en fonction du nouveau timing, aller jusqu'à la fin de l'animation du tunnel, sélectionner toutes les images-clés de la sphère et faire glisser les dernières tout en maintenant la touche ou option Maintenant que le tunnel s'ouvre quelques secondes après l'animation originale, nous devrons retarder la composition finale en conséquence Commençons à partir de maintenant. Avant de poursuivre, voyons ce que nous avons obtenu jusqu'à présent. Après avoir vérifié que le chronométrage fonctionne, nous pouvons étendre l'animation du texte pour qu'il vole un peu plus longtemps. Par exemple, nous pouvons déplacer la dernière image-clé jusqu'à ce point dans le temps pour prolonger la durée de vie de la mouche Voyons à quoi ça ressemble. Je trouve que c'est beau, mais ça ne fera pas de mal de le faire durer un peu plus longtemps. Mettons-le au bout de quatre secondes, et vérifions-le une fois de plus assurer que tout se passe bien. Je trouve que c'est beau, mais il y a quelque chose qui me dérange, le manque de contraste au moment où le tunnel s'ouvre et passe à la composition finale Pour ajouter plus de contraste et de profondeur à cette transition, nous pouvons créer une nouvelle couche solide noire. Vous comprendrez bientôt pourquoi nous procédons ainsi et comment cela nous aidera à résoudre le problème du manque de contraste. Placez-le au-dessus de la composition finale et commençons la couche au même endroit que la composition finale Maintenant, si nous réduisons l'opacité, nous aurons l'illusion d'une belle ombre Cela créera un contraste entre l'animation du tunnel et la dernière scène. Nous pouvons maintenant définir l'opacité. Disons à 80 et à ce moment, avant que le tunnel ne soit sur le point de se terminer, créez la première image-clé Ensuite, lorsque le tunnel s'ouvre complètement, ramenez l'opacité à 0 % Appliquez EZ Es aux images-clés pour faciliter la transition et voir à quoi elle ressemble Je pense que cela rend la transition bien meilleure. Nous pouvons maintenant recadrer cette couche jusqu'à la fin de son animation. C'est une petite astuce que j'utilise lorsque des transitions ouvrent des tunnels dans mes projets. C'est super facile à créer et ça a l'air très naturel. C'est bon. Je pense que nous avons résolu tous les problèmes ici. Revenons donc à la composition principale et revoyons l' animation dans son intégralité Mais avant cela, n'oubliez pas de sauvegarder le projet pour sécuriser les modifications que nous avons apportées. Passons maintenant en revue l'animation. Après avoir tout vérifié, tout semble bon, nous sommes donc prêts à effectuer le rendu du projet. Cependant, comme vous le savez déjà, je suis un peu un maniaque de l'organisation lorsqu'il s'agit de panels de projets, alors organisons-les encore davantage Tout d'abord, débarrassons le projet de tous les actifs inutilisés. Vous pouvez effectuer cette étape après le rendu ou une fois que le client a approuvé l'animation. Dans notre cas, nous allons le faire tout de suite. Pour éliminer les actifs inutilisés du projet, localisez d' abord la composition qui inclut l'ensemble du projet Dans notre cas, il s'agit de la composition Master. Une fois la composition principale sélectionnée, accédez à Modifier les dépendances et cliquez sur Réduire le projet After Effects va désormais supprimer toutes les ressources inutilisées du projet. Comment sait-il quels actifs sont utilisés ? Cette fonction supprime les actifs qui ne sont pas utilisés dans la composition sélectionnée. Puisque la composition sélectionnée est la composition principale et qu'elle contient tous les éléments pertinents, nous savons qu'il est possible de supprimer en toute sécurité tout ce qui n'y est pas inclus Génial. Nous pouvons maintenant organiser davantage le panneau de projet. Commencez par placer les trois précompositions dans le dossier des précompositions Ouvrez ensuite ce dossier et organisez son contenu. Sélectionnez le dossier et créez-y un nouveau sous-dossier appelé Titles Faites glisser toutes les couches de zone de texte et les compositions de titres dans ce dossier Génial. C'est à cela que doit ressembler votre panneau de projet. Nous pouvons laisser les compositions de la scène principale à l'extérieur pour un accès rapide si nécessaire. Avant le rendu, nous pouvons purger le projet une dernière fois pour nous assurer qu'il est parfaitement propre. Génial. Maintenant, une dernière chose. Cette fois, c'est vraiment la dernière chose que je voulais vous montrer avant que nous fassions le rendu du projet. Maintenant, laissez-moi vous montrer ce qu'il faut faire si le client demande le fichier du projet ou si vous devez l'envoyer à quelqu'un d'autre pour qu'il y travaille. Dans de tels cas, nous devons collecter le projet. Pour ce faire, accédez à Dépendances de fichiers, collectez des fichiers. Cliquez sur Enregistrer pour faire apparaître un petit panneau. Ici, assurez-vous que les fichiers source de collecte sont définis sur tous, puis cliquez sur Collecter. Enregistrez-le dans le dossier AE du projet. Modifiez le nom si nécessaire, puis cliquez sur Enregistrer. Vous allez maintenant avoir un nouveau dossier contenant tout ce qui est utilisé dans le projet. Retournez dans le dossier AE, et c'est le dossier que vous pouvez compresser et envoyer à la personne concernée. Après avoir décompressé, ils recevront un dossier contenant tous les fichiers utilisés dans le projet, garantissant ainsi qu'aucune erreur de fichier ne manque lorsqu'ils ouvriront le fichier de projet After Effects Nous sommes maintenant prêts à effectuer le rendu du projet. L'une des choses que j'aime faire pour obtenir la plus haute définition est de régler la profondeur de couleur à 16. Ce paramètre améliore considérablement la qualité des couleurs. Évitez d'utiliser le 32 bits, car cela augmente les temps de rendu et, surtout, cela modifie l'apparence des effets tels que le style des calques, les reflets, les ombres, etc. Réglons-le sur 16 bits et appuyons sur OK. Ensuite, assurez-vous que la composition principale est sélectionnée afin qu'After Effects sache quelle composition afficher Passez ensuite à la composition, ajoutez au rendu Q. Vous pouvez également le rendre à l'aide d'un encodeur multimédia Mais honnêtement, il n'y a aucune différence si vous effectuez le rendu d'un seul fichier MP4 de haute qualité. Comme celui-ci, cela s'appelle le format H 0,2 64 40 mégabits par seconde. Sélectionnez ensuite l'emplacement pour enregistrer le rendu. Créez un nouveau dossier dans le dossier principal du projet et nommez-le par exemple samples ou finals. Entrons maintenant dans ce dossier. Renommez le fichier pour qu'il corresponde au nom du projet et ajoutez soulignement v01 à la fin pour indiquer qu'il s'agit de la première version du rendu Cela permet de garder une trace, en particulier si des ajustements sont nécessaires après révisions du client. C'est bon. Cliquez maintenant sur le bouton de rendu et attendez que le processus soit terminé. Une fois le rendu terminé, accédez au module de sortie et cliquez sur le lien pour ouvrir le dossier dans lequel le fichier a été enregistré. Et c'est tout. Nous avons terminé le cours. Vous pouvez désormais fermer le projet, quitter Illustrator et organiser votre espace de travail. Avant de terminer, faites une courte pause et, lorsque vous serez prête, revenez terminer le devoir que je vous ai préparé. Merci d'avoir regardé et je vous verrai dans le prochain. 12. Tâche à la maison: Bonjour, et bravo pour avoir terminé le cours. Il est maintenant temps de vous tester et de voir ce que vous avez appris. J'ai conçu trois petits projets différents, chacun structuré en quatre scènes. J'ai déjà enregistré chaque scène pour chaque projet dans un fichier Illustrator distinct, et dans chaque fichier, les couches sont préséparées et prêtes à être animées. chaque projet, vous verrez une vidéo présentant la transition que je souhaite que vous créiez Les scénographies sont très simples et c'est parce que je veux que vous vous concentriez sur les animations de transition. Vous pouvez commencer à animer immédiatement, mais si vous ne vous sentez pas suffisamment à l' aise, vous pouvez découvrir comment j'ai créé la transition dans le fichier de projet After Effects, qui est disponible pour chaque tâche personnelle Cela vous donnera l' occasion d'explorer et comprendre mon approche pour créer les transitions. Ne vous attendez pas à créer une transition de haute qualité dès le premier essai. Même lorsque j'ai créé ces transitions, il m'a fallu quelques heures pour comprendre les choses et modifier de nombreuses images-clés jusqu'à obtenir les résultats souhaités Cela dit, je vous souhaite bonne chance et j'ai hâte de voir ce que vous allez proposer. Amusez-vous bien et achetez pour le moment. 13. Outro: Salut, c'est encore moi. Je tiens simplement à remercier encore une fois tous ceux qui ont regardé le cours et m'ont fait confiance pour vous aider à apprendre After Effects. J'espère que vous avez non seulement acquis de nouvelles compétences, mais que vous avez également renforcé votre confiance créative en cours de route J'adorerais voir ce que tu as créé. Donc, si vous avez envie de partager, publiez vos animations ou votre tâche personnelle sur les réseaux sociaux. Cela dit, je vous souhaite bonne chance. Et si vous avez des questions, n'hésitez pas à les poser. Je ferai de mon mieux pour t'aider. Au revoir pour le moment, je te verrai dans le prochain.