Logic Pro pour iPad - Production musicale dans Logic Pro

1. Bienvenue dans ce cours: Bonjour et bienvenue dans ce cours sur Logic Pro pour iPad. Ce cours vous apprendra l'essentiel et plus encore sur la façon de créer de la musique dans cette application. Donc, si vous êtes un utilisateur d'iPad et que vous souhaitez apprendre à créer de la musique, ils vous recommandent de suivre ce cours. Ce cours est parfait pour vous si vous commencez à utiliser Logic Pro, ou même si vous avez déjà utilisé la version Mac du logiciel et que vous souhaitez apprendre à créer de la musique sur votre iPad. Alors laissez-moi vous dire rapidement ce que vous allez apprendre dans ce cours avec moi. Nous allons commencer par voir comment créer un nouveau projet puis nous allons explorer les boucles Apple et patchs que vous pouvez utiliser dans vos chansons. Ensuite, nous verrons comment enregistrer et éditer du MIDI, ainsi comment utiliser les surfaces de jeu et les instruments virtuels. Ensuite, nous examinerons l'enregistrement audio et certaines techniques de montage audio essentielles telles que Coming. Ensuite, nous verrons comment composer de la musique avec des boucles en direct et comment utiliser un séquenceur pas à pas pour programmer des battements de batterie Nous examinerons ensuite des modifications plus avancées, notamment la vélocité d'édition, la quantification et l'automatisation Ensuite, nous examinerons traitement et le regroupement des effets, notamment l'égalisation, la compression, la réverbération, le retard et Ensuite, nous examinerons le mastering et l'exportation afin que vous puissiez partager vos chansons et les faire sortir du monde entier Alors rejoignez-moi dans ce cours. Si vous souhaitez apprendre à utiliser Logic Pro pour iPad dès aujourd'hui. 2. Téléchargement et installation de Logic Pro pour iPad: Commençons par vérifier que Logic P pour iPad est correctement installé sur votre iPad. Si ce n'est pas déjà fait, rendez-vous sur l'App Store et téléchargez l'application. Vous devrez vérifier ici si votre iPad est capable d'exécuter cette application. Mais une fois que vous avez installé l'application, ouvrez-la et examinons le processus de configuration. Lorsque vous ouvrez Logic Pro pour iPad pour la première fois, nous vous demanderons de télécharger trois packs Studio essentiels. Le pack Studio Instrument Essentials, le pack Electronic Essentials et le pack Hip Hop Essentials. Chaque pack contient plus de 250 boucles Apple, plus de 450 patchs instrumentaux et audio, plus de 80 plugins et plus de 50 échantillons. Au total, ils occupent environ 2 gigaoctets de stockage sur votre iPad, mais nous vous recommandons de les télécharger pour tirer pleinement parti de Logic Pro pour 3. Arperçu de l'interface: Vue d'ensemble de l'interface. Maintenant que Logic Pro pour iPad est installé, familiarisons-nous avec l'interface. La fenêtre d'arrangement est votre toile musicale. C'est là que votre projet prend vie. Pensez-y comme une chronologie dans laquelle vous pouvez arranger et organiser vos idées musicales. Ici, vous pouvez voir le tracé de vos pistes et la région qui s'y trouve. Vous passerez ici beaucoup de temps à façonner votre chanson en glissant et en déposant différents éléments La lecture indique la position de lecture actuelle dans la chronologie ou la fenêtre d' arrangement. Elle apparaît sous la forme d'une ligne verticale qui se déplace horizontalement sur la chronologie au fur et à mesure de la lecture d'un projet. La tête de lecture fournit un point de référence pour naviguer dans le projet, permettant aux utilisateurs de localiser des parties spécifiques de la composition, de modifier des régions, d'ajouter des éléments musicaux et de suivre la progression de la lecture en temps réel Vous pouvez accéder aux différentes sections de la fenêtre d'arrangement en appuyant, enfoncée et en faisant glisser le pointeur sur un espace vide Pour zoomer ou dézoomer, pincez l'écran de votre doigt sur le pouce et rapprochez-les de plus en plus. Une piste fait référence à un conteneur contenant des données audio ou multimédia, représentant un canal audio unique ou un instrument multimédia. Nous examinerons cela en détail plus tard. Les pistes sont organisées au sein du projet pour gérer et manipuler les différents éléments d'une composition. Vous pouvez voir les pistes répertoriées sur le côté gauche de la fenêtre d' arrangement. Vous pouvez les réorganiser en appuyant sur les pistes, en les maintenant enfoncées et en les faisant glisser vers le haut ou vers le bas. Une région fait référence à une partie spécifique des données audio ou MIDI d'une piste. Les régions peuvent être modifiées, déplacées, dupliquées ou supprimées indépendamment de la piste à laquelle elles appartiennent, ce qui permet de manipuler et d' arranger avec précision les éléments musicaux d'un projet Une alternative à la fenêtre d' arrangement est la fenêtre Live Loops , accessible depuis le coin supérieur gauche de la fenêtre d' arrangement. Cet espace créatif vous permet de visualiser l'interaction entre les sections de votre morceau de manière plus circulaire. Nous aborderons la section Live Loop plus loin dans ce cours. Pour revenir à la fenêtre d' arrangement, vous devez appuyer sur l'icône avec trois lignes brisées juste à droite du bouton Live Loops. La zone de transport est située en haut de la fenêtre d'arrangement. Il s'agit de votre centre de contrôle pour la lecture et l'enregistrement. C'est comme les boutons de lecture, de pause et d'enregistrement d'un lecteur de musique beaucoup plus puissant. Appuyez sur Play pour écouter, pause pour arrêter et sur Enregistrer pour capturer vos idées musicales. Nous pouvons donc appuyer ici pour jouer et faire une pause, et nous pouvons appuyer sur ce bouton pour enregistrer. Cela fera boucler tout ce qui se trouve dans la zone du cycle jaune. Cependant, nous pouvons désactiver la zone cyclable en appuyant sur le bouton de région cyclable dans le transport, et maintenant cela ne bouclera plus. Bien, concentrons-nous maintenant sur la vue de la piste , située au milieu , en bas de l'écran. Chaque piste de votre projet possède son propre espace ici. C'est comme avoir une scène séparée pour chaque instrument ou son. Vous pouvez voir et modifier les détails de vos pistes dans la vue des pistes. Remarquez comment les commandes de la vue des pistes changent lorsque je sélectionne une autre piste. Cela reflète la façon dont les différentes pistes peuvent générer des sons différemment. En conjonction avec la vue des pistes, une bande de canal unique est située en bas à droite de la partie gauche de la fonction la plus utilisée. Vous pouvez régler ici les fonctions de volume, de panoramique, de solo et de sourdine de la piste sélectionnée Réglons maintenant le volume et panoramique par défaut en appuyant deux fois Fermons maintenant la vue des pistes en appuyant à nouveau sur le bouton d'affichage des pistes et continuons à regarder l'interface. Ensuite, nous avons le mélangeur situé en bas à droite de la partie centrale des fenêtres. C'est la salle de contrôle de votre ingénieur du son. C'est là que vous équilibrez le volume de chaque instrument, ajoutez des effets et que vous donnez à votre chanson une touche professionnelle. Chaque piste possède sa propre bande de chaîne dans le mixeur, et ici vous pouvez affiner son de tous les sons. Nous allons maintenant cliquer et faire glisser le pointeur vers le bas pour masquer le mixeur et continuer à regarder cette interface. Une autre fenêtre dans laquelle vous passerez beaucoup de temps est le piano roll. Vous pouvez y accéder à l'aide d'un petit crayon situé à gauche de la partie centrale des fenêtres. Vous devez sélectionner une région intermédiaire avant d'ouvrir cette fenêtre. Le rôle de piano dans Logic Pro pour iPad est un outil puissant utilisé pour modifier et affiner les données MIDI, qui représentent les notes de musique et leurs attributs. Il fournit une représentation visuelle d' une partition musicale sous forme de grille chaque ligne correspondant à une tonalité différente et chaque colonne représentant un moment précis dans le temps. Vous pouvez ajouter des notes, modifier la hauteur et la durée des notes, modifier la vélocité des notes et bien d'autres choses qui seront abordées plus loin dans ce cours. Encore une fois, faisons-le glisser vers le bas pour le masquer. Passons maintenant à l'inspecteur en appuyant sur l'œil dans la partie gauche des fenêtres en bas de l'écran. Et vous pouvez voir les paramètres de l'inspecteur changer lorsque je sélectionne la région midi. L'inspecteur est utilisé pour affiner et paramètres individuels des pistes et des régions. Mais pour l'instant, fermons l'inspecteur en appuyant sur le petit bouton en forme d'œil en bas à gauche de l'écran. Encore une fois, sélectionnons la région audio en appuyant dessus. En haut de la fenêtre d' arrangement se trouvent quatre outils clés pour naviguer dans l'arrangement de votre musique Par défaut, l' outil de découpe sera sélectionné. Permettez-moi de zoomer un peu pour que nous puissions mieux voir la région. N'oubliez pas que nous pouvons zoomer en les pinçant avec votre doigt et votre pouce et en les éloignant davantage. Pour découper une zone, appuyez longuement sur des extrémités de la zone jusqu'à ce que les poignées de découpe apparaissent. Faites glisser les poignées de découpage vers l'intérieur ou vers l'extérieur pour ajuster les points de départ et de fin d'une région, supprimant les parties indésirables des données audio ou MIDI Passons maintenant à l' outil suivant, qui est un outil en boucle. Sélectionnons-le donc. Pour boucler une région, appuyez sur le centre de la région et remarquez que les poignées de boucle apparaissent. Faites glisser les poignées de boucle vers l'extérieur pour étendre la région et créer une section de boucle Cela permet à la région de se répéter en continu pendant la lecture. La longueur de la boucle sera égale la longueur totale de la région que vous avez sélectionnée, y compris les espaces vides de la région. Pour diviser une région, sélectionnez l'outil de division, puis touchez l'endroit où vous souhaitez diviser une région. Vous verrez une icône en forme de ciseaux apparaître dans la région que vous avez sélectionnée. Faites-le glisser vers le bas pour couper et diviser votre région à l'endroit souhaité. Regardons maintenant l'outil d'étirement. Pour étirer ou compresser une région, touchez le milieu de la région, puis sélectionnez la région d'étirement. Faites glisser la poignée d'étirement pour étirer la région, augmenter sa longueur et ralentir la vitesse de lecture. Inversement, faites glisser la zone d'étirement vers l'intérieur pour la compresser, réduire sa longueur et accélérer la vitesse de lecture Mais pour l'instant, ramenons-le là où il était. Ces fonctions permettent de modifier et d' agencer avec précision les régions audio ou MIDI dans la fenêtre d'arrangement, facilitant ainsi l'exploration corrective et la personnalisation de vos compositions musicales dans Logic Pro pour iPad. Bien, dans cette leçon, nous avons abordé les aspects fondamentaux de la en main de Logic Pro sur votre iPad. Qu'il s'agisse de l'installation et de la configuration l' exploration des principaux composants de l'interface, vous êtes désormais équipé pour naviguer dans l'application en toute confiance. Dans la leçon suivante, nous aborderons le monde passionnant de la création d'un nouveau projet Merci de votre attention , je vous y verrai. 4. Créer un nouveau projet: Bienvenue dans la leçon gratuite de notre cours Logic Pro pour iPad, où nous aborderons le processus passionnant du démarrage d'un nouveau projet. Cette leçon couvre tout, de la configuration de votre projet au choix des bons types de pistes. Commençons donc. Commençons par créer un nouveau canevas musical. Ouvrons Logic Pro sur votre iPad. Et si vous n'êtes pas invité à démarrer un nouveau projet, cliquez sur le symbole plus ou appuyez sur Nouveau projet pour créer un nouvel espace de création. Passons maintenant aux deux principaux types de pistes de Logic Pro, à savoir principaux types de pistes de Logic Pro, à les pistes audio et les pistes MIDI. Les pistes audio de Logic Pro sont utilisées pour enregistrer et traiter des sons du monde réel tels que des voix ou des instruments Ils capturent et reproduisent les formes d'ondes audio. Dans Logic Pro pour iPad, vous pouvez notamment enregistrer votre voix à l'aide du micro intégré à l'iPad ou connecter des appareils externes tels une interface audio à l'iPad pour enregistrer instruments tels qu'une guitare électrique ou une basse électrique Nous en parlerons plus en détail plus tard dans le cours. Les pistes MIDI concernent des instruments plutôt que du son réel. Ils contrôlent des instruments virtuels ou des instruments logiciels. Au lieu d'enregistrer du son, les pistes MD enregistrent des données concernant les notes jouées, leur durée et d'autres attributs musicaux. Cela permet une édition et une manipulation flexibles de la performance, ce qui en fait un excellent choix pour la musique électronique ou l'utilisation d'instruments virtuels. Essentiellement, les pistes audio gèrent le son enregistré, tandis que les pistes médicales gèrent les instructions musicales pour les instruments virtuels. OK, donc cliquons sur l' endroit où il est écrit audio ici, pour créer une nouvelle piste audio. Et créons également une autre piste en appuyant sur le bouton plus ici, et cette fois, choisissons une piste MD. Faisons simplement glisser ce clavier de piano hors de l'écran en le touchant et en le faisant glisser vers le bas. Créons également un peu plus espace à l'écran en fermant la fenêtre du navigateur en appuyant sur l'icône de ce dossier en bas à gauche. OK, alors maintenant, regardons le réglage du tempo et de la signature temporelle. OK. Avant de nous lancer, il est essentiel de choisir les bons paramètres pour votre projet. Pensez à cela comme à préparer le terrain pour votre musique. tempo fait référence à la vitesse ou au rythme de votre musique, mesuré en battements par minute ou en BPM Il définit le rythme général et l'énergie de votre composition, et nous pouvons sélectionner le tempo ou battements par minute du projet en cliquant sur ce chiffre dans la fenêtre de transport haut de la fenêtre d' arrangement. Un BPM élevé signifie un tempo plus rapide, tandis qu'un BPM faible indique un rythme plus lent La signature temporelle définit le nombre de battements d' une mesure et le type de note recevant un battement. Par exemple, dans un quatre temps, mesure comporte quatre temps, et un quart de note correspond à un battement. Et nous pouvons ajuster la signature horaire en appuyant sur ces chiffres ici à côté du tempo ou du BPM dans une fenêtre de transport Ces choix ont un impact significatif sur votre parcours créatif en déterminant l'ambiance et la structure de votre composition. Un tempo plus rapide peut convenir à des drames énergiques, ou un rythme lent peut améliorer la ballade La signature temporelle modifie la sensation rythmique. L'attention portée dès le début au tempo et signature temporelle constitue une base cohérente pour votre projet, guidant les choix créatifs que vous faites tout en donnant vie à vos idées musicales. Ces deux options peuvent être modifiées dans la fenêtre de transport haut de la fenêtre d' arrangement. Le navigateur est accessible à l'aide du bouton le plus à gauche situé en bas à l'extrême gauche de l'écran. C'est votre centre de création, offrant un accès rapide à une variété d'éléments musicaux. Les boucles Apple Loops sont des fichiers audio et MIDI préfabriqués libres couvrant différents genres Ils sont parfaits pour une inspiration instantanée. Il vous suffit de les glisser-déposer sur votre projet pour ajouter des boucles, des rythmes ou des mélodies Lorsque vous utilisez des boucles Apple, vous devez faire glisser les boucles médianes, qui sont en vert, vers une piste midi et les boucles audio, qui sont en bleu, vers une piste audio. Pour cet exemple, faisons glisser le pointeur sur la première boucle audio, qui est une boucle de batterie appelée 60 shuffle drum set Les boucles dont le tempo est différent de celui de votre projet changeront automatiquement de tempo pour s'adapter à la grille. Cependant, lors de l' ajout de boucles audio, cette fenêtre contextuelle peut apparaître, indiquant que le fichier audio ajouté contient des informations sur le tempo. Voulez-vous l'importer dans ce projet ? Appuyez sur « Ne pas importer ». Si vous ne souhaitez pas modifier le tempo du projet et que vous souhaitez déformer la boucle audio pour qu'elle corresponde au tempo de votre projet Vous pouvez également appuyer sur Importer pour modifier le tempo de vos projets afin qu'il corresponde au tempo ou au BPM auquel la boucle audio a été enregistrée Pour cet exemple, cependant, je ne souhaite pas modifier le rythme du projet. Appuyez donc sur, n'importez pas. Trouvons maintenant une autre boucle. Cette fois, je vais effectuer une recherche dans la barre de recherche en boucle ou dans la barre de recherche en haut de la fenêtre Appleop Cherchons une boucle de base, je vais donc taper base. Nous pouvons également appuyer sur ces filtres pour filtrer la recherche. Pour cela, je veux trouver une solution intermédiaire. Dans le filtre, choisissons donc la boucle Middy pour le type de boucle Il existe également des filtres que nous pouvons choisir, tels que l'instrument, le gra et les descripteurs Mais pour l'instant, je vais appuyer sur OK en haut à droite pour accéder à la fenêtre de tous les filtres, et vous pouvez voir que nous l'avons filtrée uniquement pour les boucles de base intermédiaires de la recherche Choisissons celui-ci appelé dog Toth base free, et faisons-le glisser vers le morceau Middy Si vous me suivez et que vous n'avez pas exactement cette boucle, je vous recommande de choisir une autre boucle intermédiaire de base. Faisons maintenant un petit zoom arrière, ce que nous pouvons faire en les pinçant avec notre doigt et notre pouce et en les éloignant davantage. Appuyons maintenant sur le bouton de lecture dans la fenêtre de transport et écoutons à nouveau le son et le milieu de la boucle. OK, voici comment faire glisser le pointeur sur les boucles Apple. Ce sont des boucles libres de droits, que vous pouvez utiliser dans votre chanson, ou vous pouvez les utiliser comme point de départ pour votre musique ou même comme source d'inspiration pour certaines parties musicales Parlons rapidement patchs audio auxquels nous pouvons accéder dans le navigateur. Nous pouvons revenir à la page d'accueil du navigateur en appuyant sur cette flèche de retour en haut à gauche de la page des boucles. patchs audio , quant à eux, sont des paramètres et des effets audio prédéfinis. Vous pouvez parcourir une collection de patchs audio et les appliquer à vos pistes audio. Cela vous permet d' expérimenter différentes textures sonores et d'améliorer votre projet. Parlons maintenant de la sauvegarde de votre projet. Cela se produit automatiquement lorsque vous quittez l'application. Il l'enregistre dans votre cloud. Cependant, vous souhaiterez peut-être enregistrer votre projet sur votre stockage local en tant que sauvegarde ou, si vous n'avez pas de connexion Internet pour récupérer des données depuis iCloud. Pour ce faire, appuyez sur la flèche bleue en haut à gauche de votre projet. Appuyez et maintenez votre doigt sur votre projet, sélectionnez Déplacer et naviguez jusqu'au dossier dans lequel vous souhaitez enregistrer votre projet. En haut à droite de la fenêtre, sélectionnez Copier. Vous avez maintenant une version du projet, enregistrez-la à l'emplacement de votre choix. D'accord, voici les bases du navigateur, et c'est ainsi que vous pouvez démarrer un nouveau projet dans Logic Pro pour iPad. agisse de choisir les paramètres du projet ou de comprendre les différents types de pistes, vous êtes désormais prêt à laisser libre cours à votre créativité Dans la leçon suivante, nous aborderons le monde de l'enregistrement et du montage audio Alors merci de votre attention et je vous y verrai. 5. Les bases du MIDI: Bienvenue à la quatrième leçon de notre cours Logic Pro pour iPad, dans laquelle nous aborderons le monde passionnant du Midi L'interface numérique pour instruments de musique ou est un outil puissant pour créer et façonner des idées musicales. Explorons donc maintenant les principaux aspects. MIDI est le langage qui permet aux instruments de musique électroniques, y compris les instruments virtuels Logic Pro, de communiquer entre eux. Il s'agit de messages qui transmettent des informations sur les notes, la dynamique et d'autres éléments musicaux. Le MIDI est l'épine dorsale de la production de musique électronique. Création et modification de régions MIDI dans la fenêtre d'arrangement. Pour modifier une région intermédiaire, appuyez dessus pour la sélectionner Une fois sélectionnée, vous pouvez déplacer toute la région en la faisant glisser vers gauche ou la droite sur la chronologie Ajustez la durée de la région Middy en faisant glisser ses bords Cela modifie la longueur de la phrase musicale. L'outil de découpage doit cependant être sélectionné pour que cela fonctionne. Nous pouvons également afficher l'éditeur médical pour une édition de notes plus détaillée. Nous pouvons le faire en appuyant deux fois sur la région multimédia, puis en allant sur Modifier et afficher un éditeur Nous allons cependant examiner cela plus en profondeur dans un moment. Et nous pouvons faire glisser le piano roll vers le haut ou vers le bas pour en voir une plus ou moins grande partie à l'écran. Pour l'instant, faisons-le glisser jusqu'en bas pour masquer le rouleau de piano, et examinons maintenant le fonctionnement en boucle Le bouclage vous permet de répéter une zone spécifique de la piste Vous pouvez le faire en utilisant l'outil de boucle et faisant glisser le pointeur jusqu'où vous souhaitez que la région soit bouclée Pour utiliser une fonction copier-coller, appuyez deux fois sur une région, puis sur Copier. Appuyez ensuite sur un espace vide et sélectionnez Coller dans la tête de lecture. L'outil de duplication se trouve juste à droite de l'outil de copie. Cela vous permet de dupliquer des régions en les touchant et en les faisant glisser Vous pouvez donc utiliser ces outils pour accélérer le flux de travail lors de l'organisation de vos régions. Flux de travail du piano roll. Pour saisir le piano roll, appuyez deux fois sur une région midi dans la fenêtre d'arrangement, Modifier et sélectionnez Afficher dans l'éditeur. Vous pouvez également appuyer sur le crayon en bas de la fenêtre d' arrangement. Cela ouvre une grille dans laquelle vous pouvez visualiser et modifier des notes MIDI individuelles. La grille du piano représente le temps horizontalement et la hauteur verticale. Chaque point de la grille est un emplacement potentiel pour une note Mdy. Le rôle du piano permet de contrôler avec précision les paramètres des notes. Appuyez sur une note pour la sélectionner, puis manipulez les propriétés. Cependant, nous examinerons le rôle du piano plus en détail plus loin dans ce cours. Instrument virtuel au cœur de la production MD, vous permettant de jouer une vaste gamme de sons à l'aide de votre iPad. Après avoir sélectionné une piste MD, vous pouvez sélectionner votre instrument virtuel un navigateur sous les correctifs pour instruments. Utilisez le filtre pour affiner vos choix ou vous aider à explorer de nouveaux sons. OK, revenons donc à la fenêtre principale du navigateur en appuyant sur cette flèche de retour ici. Il y a donc beaucoup de sons et de correctifs différents à notre disposition dans le navigateur. Mais maintenant, fermons le navigateur en appuyant sur le bouton du navigateur en bas à gauche et continuons à regarder les instruments logiciels. Vous pouvez modifier les paramètres de votre instrument logiciel à partir de la table de mixage ou de la vue des pistes. Par exemple, nous pouvons sélectionner cet instrument drum snp dans la table de mixage , puis sélectionner Afficher les détails pour voir les différents paramètres de cet instrument Faisons maintenant glisser le mixeur pour avoir plus d'espace et voir les paramètres du synthé à batterie Les paramètres indiqués ici dépendent de l' instrument logiciel que vous avez choisi. Par exemple, si nous choisissons un son électronique, nous obtenons des options telles que la tonalité et la saturation. Encore une fois, faisons-le glisser vers le bas , pour éviter tout problème, et examinons un autre exemple. Maintenant, sélectionnons l' autre piste MIDI, qui est un son de piano électrique. Nous vous proposerons des options que vous vous attendez à voir sur un piano électrique, comme EQ et Drive 6. Surfaces de jeu: Surfaces de jeu. Les surfaces de jeu Logic Pro pour iPad ajoutent un aspect intéressant au contrôle MIDI. Les surfaces de jeu sont des interfaces qui sont de véritables instruments qui peuvent être joués à temps. Pour utiliser la surface de jeu, cliquez sur l'icône du clavier en bas à droite de la fenêtre d' arrangement, et faites-la glisser vers le haut pour gagner de la place Vous pouvez voir que nous avons deux rangées de claviers lorsque nous la faisons glisser vers le haut L'instrument utilisera par défaut celui qui convient le mieux à l'instrument virtuel choisi. Mais vous pouvez changer cela en appuyant sur le menu déroulant du clavier sur le côté gauche de la fenêtre de la surface de jeu. Vous pouvez voir ici que nous avons le choix entre différentes surfaces de jeu, telles que des pads de batterie, une frette de guitare, accords et des bandes de guitare Mais revenons au clavier du piano et examinons d' autres commandes en appuyant sur le bouton de commande latéral. La plage de vélocité détermine la plage de vitesses attribuée aux manettes ou aux touches de votre surface de jeu C'est essentiellement la différence entre la note la plus forte et la plus faible que la surface Appuyez plus fort sur l'écran pour augmenter la vélocité. Il y aura cependant plus d'informations sur le contrôle de la vitesse plus tard dans ce cours. Pour l'instant, fermons les commandes sy en appuyant à nouveau sur le bouton des commandes sy. Lorsque la surface du piano est sélectionnée, le bouton de défilement vous permet faire défiler le clavier horizontalement , ce qui vous permet de jouer des notes plus hautes ou plus basses Le bouton de lecture bloque la position et les paramètres de la surface de jeu, vous permettant de jouer librement Passons maintenant à une autre surface de jeu en appuyant sur le bouton de la surface de jeu. La fonction d'édition peut être utilisée sur les surfaces de la frette, de la bande de guitare et de la bande centrale, et vous permet de modifier la façon dont l'instrument est configuré. Appuyons donc maintenant sur le bouton d' édition. Par exemple, les cordes du manche peuvent être réajustées sur différentes tonalités et vous pouvez modifier la corvée que joue le strip Vous pouvez ensuite enregistrer en temps réel depuis la surface de jeu en vous assurant d' abord que la bonne piste sur laquelle vous souhaitez enregistrer est sélectionnée et en appuyant sur le bouton rouge dans le transport. Il convient de noter que le fait d'avoir le métronome allumé vous aidera à rester dans Le métronome est situé à droite du transport. Les chiffres situés à côté du bouton du métronome indiquent qu' un comptage de quatre battements est généralement activé avant le début de l'enregistrement Faisons maintenant glisser la surface de contrôle vers le haut puis appuyons sur Enregistrer et enregistrer quelque chose. Et rejouons-le maintenant en appuyant sur le bouton de lecture pour entendre ce que nous avons enregistré. J'ai également désactivé la lecture des dessins du métronome en appuyant à nouveau sur le bouton du métronome, afin qu'il ne s'allume pas car le son du métronome peut être un peu grincé à tout un peu grincé à métronome Bien, dans cette leçon, nous avons abordé les éléments essentiels de MD dans Logic Pro pour iPad. agisse de créer et de modifier des régions midi ou des surfaces de jeux aquatiques créatives, vous disposez désormais des outils nécessaires pour insuffler expression créative à vos projets Dans notre prochaine leçon, nous aborderons l'enregistrement et le montage audio. ici là, continuez à expérimenter et profitez des possibilités créatives de MD dans Logic Pro pour iPad 7. Enregistrement et montage audio: Bienvenue à la prochaine leçon de notre cours Logic Pro pour iPad, où nous aborderons les aspects essentiels de l'enregistrement et du montage audio. Cette leçon couvre tout de la capture de votre audio à la maîtrise des outils de montage à votre disposition. Alors plongeons-nous dans le vif du sujet. Ajoutons donc maintenant une nouvelle piste audio, ce que nous pouvons faire en appuyant sur le bouton plus sur la gauche. Maintenant, choisissons une nouvelle piste audio dans ce menu contextuel. Fermons maintenant le navigateur en appuyant sur le bouton du navigateur en bas à gauche. Maintenant, renommons cette piste audio. Nous pouvons le faire en appuyant sur l'icône de la piste et en sélectionnant Renommer Je vais donner à ce morceau un nom de guitare , puis appuyer sur Entrée. OK. Parlons maintenant de la configuration pour enregistrer sur cette piste audio. Pour commencer à enregistrer une piste audio, sélectionnez une piste audio vide et appuyez sur le bouton d'enregistrement rouge dans une barre de transport. Logic Pro enregistre désormais le son via le microphone intégré de votre iPad. Appuyons maintenant sur Enregistrer et enregistrer en quelques accords sur une guitare acoustique OK, donc ça n' a pas été joué parfaitement, mais nous allons bientôt enregistrer une autre prise, et je vais vous montrer comment choisir les meilleures prises. Examinons maintenant les outils de division et d'assemblage. Dans Logic Pro pour iPad, outils de division et de jonction sont essentiels pour affiner vos régions audio et créer un arrangement fluide Explorons maintenant ces outils dans un bref aperçu. Bien, examinons maintenant un outil de partage, auquel nous pouvons accéder en appuyant sur ce bouton ici. L'outil de division nous permet donc de diviser les régions audio en sections distinctes, offrant ainsi flexibilité et édition. Vous pouvez voir que lorsque je touche l'outil de division, l'icône en forme de ciseaux apparaît et nous pouvons faire glisser le pointeur vers le bas sur la région pour la diviser Nous pouvons maintenant appuyer sur la région audio divisée et la faire glisser vers un autre emplacement si nous le souhaitons. Voyons maintenant certaines des utilisations de l'outil de division. Nous pouvons donc maintenant isoler une partie spécifique de l'enregistrement pour un traitement ultérieur. Avec l'outil de division, nous pouvons découper toutes les sections indésirables d'une région audio, et nous pouvons également créer de l'espace entre deux régions audio pour des arrangements plus précis. La fonction de jointure fusionne facilement les régions audio adjacentes en une seule région continue, garantissant ainsi une transition fluide entre elles. Pour joindre deux régions audio, appuyez longuement sur une région audio tout en enregistrant une autre Cela sélectionnera les deux régions. Appuyez ensuite sur l'une des régions sélectionnées pour ouvrir le menu et accédez à Bounce and join, puis rejoignez Les utilisations de l' outil conjoint incluent la combinaison plusieurs prises ou sections en une seule performance cohérente, créant ainsi un flux audio continu sans espaces audibles entre les régions Parlons maintenant de la compilation. L'abréviation de compilation vous permet de rassembler les meilleures performances à partir de plusieurs prises pour créer des performances homogènes Dans la version iPad de Logic Pro, ce verset nécessite la création d'un dossier de prises dans une région audio. Vous pouvez le faire en enregistrant sur une région audio déjà existante. Alors laissez-moi vous montrer comment procéder maintenant. Alors enregistrons à nouveau la partie de guitare. Cette fois, par rapport à l'enregistrement audio que nous avons enregistré précédemment. Sélectionnez ensuite la région et accédez aux prises et aux dossiers. Vous pouvez donc voir ici les deux prises de guitare que nous avons enregistrées. Nous allons maintenant sélectionner l'état 1. Cependant, pour cet exemple, sélectionnons la deuxième étape, car je pense que celle-ci fonctionnera mieux que la première. Sélectionnons donc à nouveau la région sélectionnons quelques dossiers et choisissons Take Two. Pour cumuler plusieurs prises en même temps, utilisez l'outil de fractionnement pour définir une section de la prise que vous souhaitez. Ainsi, par exemple, faisons un split après le deuxième accord Les troisième et quatrième accords de Take One. La première partie de l' enregistrement est la prise 2, et la deuxième partie est la prise 1. Déplaçons donc la règle de la tête de jeu après avoir joué l'accord deux Et maintenant, utilisons l'outil de division pour diviser ici. Tapons maintenant sur la deuxième région audio divisée prenons quelques dossiers et choisissons-en un. Répétez ce processus jusqu'à ce que vous ayez une idée complète de votre performance Rejouons-le maintenant en appuyant sur le bouton de lecture pour entendre notre composition. Pour accélérer le flux de travail et l'adaptation, vous pouvez déplacer ce projet vers Mac et utiliser Logic Pro pour Mac pour créer des compositions. Cela permet de faire face rapidement au balayage, ce qui est un moyen plus efficace de cumuler des prises. Vous pouvez également importer du son dans Logic Pro pour iPad, ce qui vous permet d'intégrer des fichiers audio existants dans votre projet. Alors laissez-moi vous montrer comment procéder maintenant. ce faire, vous pouvez simplement glisser-déposer un fichier audio sur une piste audio dans Logic Pro. abord, les fichiers doivent être ouverts sur votre iPad, ainsi que sur Logic Pro. Appuyez ensuite deux fois sur le bouton d'accueil et faites glisser Logic P vers l'onglet Fichiers. Cela divisera l'écran, ce qui vous permettra de faire glisser des fichiers audio de l'onglet Fichiers vers votre projet Logic Pro. Logic Pro pour iPad prend en charge les types de fichiers MP Freeze, Waves et AIFF Faisons simplement glisser l'écran de Logic Pro vers le haut pour ne voir que cela. OK, passons au solaire cette piste et maintenant appuyons sur Play pour que nous puissions réentendre ce fichier audio importé. Bâtiment. OK, maintenant découpons ce morceau en solo, et parlons maintenant de quelques astuces pour enregistrer du son Utilisez des écouteurs pour réduire le saignement. Le port d'un casque pendant l'enregistrement minimiser les fuites de son dans le microphone Connectez-vous à une interface audio pour des enregistrements de meilleure qualité. périphériques externes utilisés pour connecter des entrées audio, tels que des microphones ou des câbles d'instruments, à des appareils numériques sont appelés interfaces audio. Cela ouvre une gamme d' options d'enregistrement, notamment divers microphones, guitares, basses, pianos électriques et symboles matériels Et voilà, vous pouvez enregistrer et modifier du son dans Logic Pro pour iPad. agisse de capturer la prise parfaite utiliser des outils de montage avancés, vous disposez des compétences nécessaires pour améliorer votre production audio Dans notre prochaine leçon, nous explorerons les enregistrements MD et les techniques avancées pour donner vie à vos idées musicales. Alors merci d'avoir regardé et je vous verrai dans le prochain. 8. Utiliser la fenêtre Boucles en direct: Bienvenue à cette prochaine leçon. Dans cette leçon, nous allons nous plonger dans le monde passionnant de la fenêtre et des séquences Live Loops. Cette fonctionnalité propose une approche dynamique de la création musicale basée sur une grille, offrant un moyen visuellement intuitif de créer et d'interpréter vos compositions. Vous pouvez accéder à la fenêtre Live Loops en appuyant sur l'icône en forme de grille en haut à gauche de la fenêtre d'arrangement. La fenêtre Live Loops propose une interface basée sur une grille dans laquelle vous pouvez déclencher et organiser des idées musicales. Les cellules sont l' espace carré dans lequel vous verrez généralement des régions dans la fenêtre de disposition. Ils représentent des éléments musicaux individuels tels que des boucles audio, des one-shots ou des patterns MIDI. Les sens sont les colonnes de cellules représentées par les chiffres au bas de la fenêtre Live Loops. Ils regroupent plusieurs cellules pour former une composition structurée. Live Loop prend en charge le MIDI, ce qui vous permet de déclencher des instruments virtuels et des instruments logiciels. Les cellules audio vous permettent d' enregistrer en audio ou de déclencher extraits, des boucles ou des échantillons audio préenregistrés Avant de commencer par des boucles dynamiques, créez un cycle à l'aide de la barre jaune située sur la règle en haut de la fenêtre d'arrangement. Revenons à la fenêtre d' arrangement en appuyant sur l' icône d'arrangement en haut à gauche. Le cycle empêchera la tête de lecture de s'éloigner de votre arrangement ou vous empêchera de passer du temps dans des boucles en direct Et nous pouvons activer et désactiver le cycle avec le bouton de cycle situé en haut. Revenons à la fenêtre Live Loops en appuyant sur l'icône en haut à gauche. Dans les boucles en direct, divers outils sont activés pour améliorer votre flux de travail créatif et contrôler la lecture et l'arrangement des éléments musicaux. Explorons les principaux outils et leurs fonctions. L'outil de déclenchement est essentiel pour lancer des cellules lors de la lecture d'un dessin en temps réel. Lorsque cette option est sélectionnée, le fait de toucher la cellule ou la scène déclenche la lecture de l'élément musical attribué à cette cellule ou à cette scène. L'outil clé est utile pour préparer les cellules à jouer lors de la transition de scène suivante sans les déclencher immédiatement. Cela est utile pour des transitions illimitées entre différents éléments musicaux L'outil d'enregistrement vous permet d' enregistrer vos performances en temps réel. Mais plus d'informations à ce sujet dans un instant. L'outil d'édition donne accès à des options d'édition supplémentaires dans la grille Live Loops. Il vous permet de sélectionner et de déplacer des cellules ou des scènes. Par exemple, déplaçons cette cellule ici. Dans Live Loops, le démarrage quantique, situé en haut à droite de la fenêtre, fait référence au processus d'ajustement automatique du point de départ des cellules par rapport aux points de la grille musicale les plus proches Dessiner et lire s' il est réglé sur 1 barre, il faudra autant de temps pour que la cellule ou la scène soit jouée après avoir appuyé sur le déclencheur. Si j'augmente le quanti start à 4 barres, vous remarquerez que les cellules ne rejoueront qu'après 4 barres Cela vous permet de planifier les modifications de votre arrangement, ce qui vous donne une plus grande liberté de création lorsque qui vous donne une plus grande liberté de création utilisez Logic Pro pour iPad. L'enregistrement en boucle en direct est un processus assez simple. Et laissez-moi vous montrer comment procéder maintenant. Assignez un instrument à la piste midi sélectionnée comme vous le feriez dans la fenêtre d'arrangement. Si vous souhaitez enregistrer sur une piste MIDI. Nous pouvons créer une nouvelle piste en appuyant sur le bouton plus en haut à gauche. Choisissons une piste d' instrument My software. Maintenant, choisissons un son de batterie prédéfini et déplaçons-le sur le nouveau morceau. Assurez-vous que votre iPad est configuré pour l'enregistrement et que le métronome est activé si nécessaire Et nous pouvons activer et désactiver le métronome en appuyant sur cette icône ici. Ajustez le tempo et tout autre réglage comme vous le souhaitez dans le transport. Sélectionnez l'outil d'enregistrement dans la barre d'outils Live Loops. Cet outil ressemble à un cercle rouge et est utilisé pour lancer l'enregistrement. Si vous souhaitez un comptage avant le début de l'enregistrement, activez la fonction de comptage dans les paramètres de transport , en cliquant sur le bouton ci-dessus. Appuyez sur la cellule pour démarrer l'enregistrement. Jouez votre instrument multimédia ou saisissez des notes l'aide d'un contrôleur MIDI externe s'il est connecté Ouvrons maintenant la surface de jeu. Comme nous avons sélectionné l' instrument à batterie, nous pouvons voir qu'il montre une batterie et des instruments de percussion différents . S'il est enregistré sur une cellule audio, jouez dans le microphone, le microphone ou l' instrument de l'iPad connecté à une interface audio connectée à votre iPad Lorsque vous avez terminé l'enregistrement, appuyez sur le bouton d'arrêt. OK, enregistrons quelque chose maintenant en appuyant sur Enregistrer sur la cellule. Cela nous donnera un compte d'une barre, puis nous enregistrerons dans une partie de batterie en appuyant sur ces batteries de surface de jeu sur l'iPad. OK, donc écoutons ce que nous venons d'enregistrer. Votre performance enregistrée au milieu de la journée sera désormais enregistrée dans la cellule sélectionnée Notez que la longueur de la cellule sur laquelle vous enregistrez correspond par défaut à la longueur du premier enregistrement enregistré par cette cellule , l'enregistrement sur la même cellule Encore une fois, l'enregistrement sur la même cellule est limité à la même durée. Cette longueur peut être modifiée ultérieurement dans le piano roll de My cells et dans l' éditeur de fichiers pour les cellules audio. Ouvrez simplement l'éditeur à l'aide de l'outil crayon en bas de la fenêtre et faites glisser la longueur de la cellule depuis le coin supérieur droit de la règle. Une autre façon d'utiliser les boucles dynamiques consiste à importer des boucles depuis le navigateur. Ouvrons donc le navigateur avec le bouton du navigateur en bas à gauche. Dans la fenêtre Live Loops, recherchez une section de boucle dans le navigateur. C'est ici que vous pouvez parcourir et sélectionner les boucles à intégrer dans votre projet. Avant d'importer la boucle, vous pouvez la prévisualiser en appuyant sur l'icône de gauche de la boucle. Cela vous permet d' auditionner la boucle et de décider si elle correspond à votre composition. Pour cet exemple, auditionnons quelques boucles de guitare. Nous allons donc sélectionner la guitare ici dans un navigateur en boucle. Rejouons-le, puis auditionnons ces boucles de guitare avec la boucle de batterie et de basse que vous avez ajoutée. OK, je pense que celui-ci intitulé Silver Sky Guitar Picking sonne plutôt bien. Utilisons donc celui-ci. Nous pouvons utiliser cette boucle dans notre projet en la touchant et en la faisant glisser sur une cellule vide Les boucles intermédiaires doivent être glissées sur une piste MIDI, et les boucles audio doivent être glissées sur une piste audio Vous pouvez modifier les notes et les performances des boucles centrales en vert, mais pas les boucles audio en bleu. Ouvrons la fenêtre de l'éditeur en appuyant sur l' icône en forme de crayon en bas. Vous pouvez ajuster la longueur de la cellule en saisissant le coin supérieur droit de la règle et en la faisant glisser jusqu'à longueur souhaitée depuis la fenêtre de l'éditeur Fermons la fenêtre de l'éditeur en appuyant à nouveau sur cette icône en forme de crayon . Un éventail de scènes Les scènes sont un groupe de cellules organisées en ligne dans la grille des boucles dynamiques. Chaque colonne représente une scène différente, et les cellules de cette colonne correspondent à divers éléments musicaux tels que des boucles, des one-shots ou des modèles multimédias. Pour créer une scène, Dragon dépose des cellules dans les cellules adjacentes de la même colonne. Ces cellules peuvent représenter différents éléments musicaux que vous souhaitez déclencher simultanément. Les scènes peuvent être déclenchées en temps réel lors des performances de dessin. Appuyez sur une scène pour lancer simultanément toutes les cellules de cette colonne, créant ainsi une section musicale cohérente et coordonnée Laissez-moi vous montrer comment procéder maintenant. Nous devons donc appuyer sur ce bouton ici pour lancer cette scène. Les scènes offrent un moyen flexible d'organiser votre composition de manière dynamique. Vous pouvez déclencher différentes scènes à différents moments de votre arrangement, ce qui permet des changements spontanés et des improvisations. Vous pouvez personnaliser les scènes en ajoutant ou en supprimant des cellules, en ajustant leur contenu ou en réorganisant leur ordre Cette flexibilité permet de personnaliser à la volée les performances en direct. Déplaçons donc simplement certaines de ces cellules et rejouons ces deux scènes. De plus, la lecture du dessin déclenchera certaines cellules individuelles à des moments différents. Alors laissez-moi vous montrer ceci maintenant, et commençons par déclencher la première scène. OK. Le transfert de cellules et de scènes en boucle dynamique vers la fenêtre d'arrangement vous permet d' intégrer vos compositions basées sur des boucles dans la chronologie traditionnelle. Choisissez si vous souhaitez transférer l'intégralité de la grille Live Loop ou des sections spécifiques. Vous pouvez le faire en sélectionnant d'abord l' outil d'édition, puis appuyant longuement sur la cellule, puis en appuyant sur les autres cellules pour les sélectionner également. Une fois les cellules sélectionnées, utilisez la fonction de copie. Cela peut généralement être fait en appuyant longuement sur les cellules sélectionnées et choisissant l' option de copie dans le menu. Vous pouvez également appuyer sur le bouton de copie en haut de la fenêtre. Quittez la fenêtre Live Loops et passez à la fenêtre principale de Logic Pro iPad. Vous pouvez le faire en appuyant sur l'icône d'arrangement généralement située dans le coin supérieur gauche. la fenêtre principale, trouvez l'endroit où vous souhaitez rythmer la disposition des boucles en direct. Appuyez et maintenez à l'endroit souhaité, puis choisissez l' option de rythme dans le menu. Une autre option consiste à sélectionner les régions que vous souhaitez déplacer et à appuyer sur Copier les scènes dans la tête de lecture Cela copiera et collera ces cellules où que vous soyez dans la fenêtre d'arrangement. Après le collage, vous devrez peut-être ajuster la disposition dans la fenêtre principale Faites glisser et déposez les cellules collées pour les aligner sur les pistes ou sections existantes de votre projet Une fois que l'arrangement en boucle en direct est dans la fenêtre principale, utilisez outils d'édition standard pour peaufiner votre composition. Sur le côté gauche de la fenêtre d'arrangement et sur le côté droit de la fenêtre Live Loops deux flèches orientées horizontalement sur les côtés opposés. La flèche surlignée indique si la fenêtre Live Loops sur la gauche ou la fenêtre d'arrangement sur la droite est active. Cela vous permet de travailler de manière fluide entre les deux fenêtres. Bien, maintenant, rejouons notre arrangement actuel depuis la fenêtre d'arrangement. OK, voici donc un aperçu de la fenêtre Live Loops. Ensuite, nous allons examiner les séquences et l'éditeur d'étapes , que nous verrons dans la prochaine vidéo. Alors merci d'avoir regardé et je vous y verrai. 9. Séquenceurs et l’éditeur de pas: Les séquences et l'éditeur d'étapes. Les séquences peuvent être utilisées pour arranger les rythmes d'un instrument. Dans le passé, des séquences matérielles étaient utilisées pour programmer la batterie, la basse, les symps et d'autres instruments De nos jours, cependant, il est très rapide et facile de programmer ces séquences dans une station de travail audio numérique, telle que Logic Pro. Pour accéder au séquenceur Logic Pro appelé séquenceur pas à pas, créez une région de motif au lieu d' une région midi à partir de la fenêtre d'arrangement ou de la fenêtre Live Loops Alors faisons-le maintenant. Créons une nouvelle piste en appuyant sur le bouton plus en haut à gauche, puis choisissons une piste de pattern. Pour créer un nouveau pattern ou une nouvelle piste MIDI, nous allons ouvrir la fenêtre des patchs d'instrument dans le navigateur. Choisissons ce patch d'instrument appelé ici Gogo funk Déplaçons-le maintenant vers l'en-tête du morceau, et cela remplacera un instrument classique de luxe par la batterie Gogo funk Solarisons cet instrument, et maintenant ajoutons une boucle vide pour que nous puissions taper notre propre modèle. Nous pouvons le faire en appuyant longuement sur un espace vide dans l' arrangement, puis en sélectionnant la région Créer un motif. Appuyez ensuite sur la zone du motif. Appuyez sur Modifier et sélectionnez Afficher l'éditeur ou ouvrez simplement la fenêtre de l'éditeur en bas de la fenêtre. Maintenant, le séquenceur est ouvert. Jetons un coup d'œil à certains des outils du séquenceur. La longueur sur la droite indique le nombre de pas effectués par le séquenceur. Les étapes sont une unité utilisée dans les séquences qui divisent le modèle en mesures égales. Habituellement, sa valeur rythmique est une 16e note. Vous pouvez ajouter des éléments musicaux tels que des notes, des accords ou des coups de batterie Utilisez la grille pour aligner les éléments sur les battements ou les barres souhaités. Tapons donc quelques étapes maintenant. Horizontalement, nous avons les marches. Et verticalement, pour cet instrument, nous avons les différents instruments. va de même pour les coups de pied, les pièges applaudissements et les chapeaux hauts, par exemple Différents instruments peuvent avoir des notes à la verticale, mais pour ce kit de batterie, nous avons des batteries. Je viens d'ajouter un simple schéma de coups de pied et de caisse claire, et écoutons-le maintenant séquenceurs peuvent être utilisés pour n'importe quel instrument connecté à Logic Pro, mais ils sont traditionnellement utilisés pour Examinons maintenant quelques-unes de ces fonctions pour le séquenceur pas à pas, commençant par la fonction ti Nous pouvons accéder à la fonction ti en appuyant sur ce bouton ici. Ainsi, lorsque nous appuyons sur une étape maintenant, cela lie les étapes ensemble plutôt que ajouter ou de supprimer des étapes comme nous le faisions auparavant. La fonction ti permet de prolonger la durée d'une note au-delà d'une seule étape. Pour les instruments sans sustain, comme les batteries, cela n'aura que peu d'impact, si ce n'est de rendre votre interface plus simple à regarder. Pour les instruments soutenus tels que la base, cela vous permet de maintenir les notes. Ajoutons maintenant une piste de base et séquençons un motif afin de pouvoir démontrer correctement la fonction d'égalité. Créons donc une nouvelle piste en appuyant sur le bouton plus. Choisissons à nouveau un instrument logiciel de modélisation. Ensuite, dans le navigateur, retirons le tag drum et ajoutons le tag de base. Ajoutons maintenant cet instrument de base à huit poids à l' en-tête de piste du nouvel instrument pour remplacer l'instrument. Bien, nous allons maintenant créer une nouvelle région de motif. Pour ce faire, appuyez et maintenez sur l'arrangement de ce morceau et sélectionnez Créer une région de motifs. Appuyons maintenant sur cette région et passons à l' édition en affichant l'éditeur. Faisons maintenant glisser l'éditeur vers le haut, afin d'avoir un peu plus d'espace. Vous remarquerez maintenant que verticalement, nous n'avons pas les différents instruments. Nous avons les différentes photos des notes pour la base. Restons simples, cependant, et je vais taper une note toutes les quatre étapes sur la note C gratuitement. OK, écoutons-le en retour. Passons maintenant à la fonction d' attache et relions ces notes en les touchant et en les faisant glisser OK, écoutons-le en retour et vous devriez pouvoir entendre que les premières notes sont liées et maintenues. Examinons maintenant l'outil de répétition. L'outil de répétition vous permet d'augmenter le nombre de fois qu'un motif est joué lorsqu'une note est déclenchée. Cela vous permet d' intégrer des rôles et des groove intéressants dans votre séquence. Jetons donc un coup d'œil à cela sur le motif du tambour. Fermons maintenant l'éditeur de motifs de base en appuyant sur l'icône en forme de crayon. Et maintenant, jouons la batterie en solo. Sélectionnons maintenant la région du motif du tambour et ouvrons l'éditeur de motifs en appuyant sur l'icône en forme de crayon. Appuyons maintenant sur l'outil de répétition ici. Et faisons glisser le piège pour qu'il soit joué trois fois au lieu d'une OK, revenons-y maintenant. Bien, voyons maintenant l'outil Loop. L'outil de boucle vous permet de modifier le nombre d'étapes répétées pour différentes pistes indépendamment les unes des autres. Pour cet exemple, répétons le chapeau haut toutes les huit étapes. Et le coup de pied et le piège se répètent tous les 16 pas. Changeons la boucle ici, et maintenant saisissons un schéma haut. Pour cet exemple, je vais juste jouer à chaque étape. Mais si vous suivez le chemin, n' hésitez pas à créer votre propre modèle. Cela vous permet d'intégrer des rythmes plus complexes dans votre séquence. Pour les débutants, nous recommandons de conserver le même temps de boucle pour toutes les pistes, car polyrythmes sont un aspect complexe de la musique qui peut sembler compliqué s'il n'est pas exécuté correctement Jetons maintenant un coup d'œil à l'outil Chance. L'outil Chance vous permet de modifier le pourcentage de chance que l'échantillon se déclenche une fois le séquenceur a joué la note Cela ajoute un élément aléatoire à la séquence, ce qui peut être intéressant pour quelque chose comme Sys Pour cet exemple, nous allons cependant modifier les chances d'obtenir le motif du chapeau haut. D'ailleurs, 100 % signifie qu'il jouera à chaque fois et 0 % signifie qu'il ne jouera pas du tout. Donc, 25 % signifie qu'il y a 25 % de chances que la note soit jouée. Et 44 % signifient qu'il y a 44 % de chances que la note soit jouée. OK, écoutons-le en retour. Vous pouvez donc entendre qu'en utilisant l' outil de hasard et en réduisant les chances, nous ajoutons une certaine randomisation à la pièce Remettons les chances à 100 % pour que les notes soient jouées à chaque fois. Examinons maintenant l'outil de décalage. L'outil de décalage ajuste le timing légèrement avant ou après le déclenchement de la note par le séquenceur Sélectionnons le décalage et appliquons-le à la caisse claire. Cela passe de 0 %, donc aucun décalage jusqu'à 50 %. Cela descend également à -50 %, donc la note sera jouée un peu plus tôt Cela vous permet de manipuler davantage vos rythmes et constitue un outil utile pour créer des grooves paresseux en produisant certaines notes un peu plus tard que le grain. La partie claire devrait être jouée un peu plus tard et devrait nous donner une impression plus décontractée et paresseuse pour la partie de batterie Réécoutons-le maintenant et ajustons le montant du décalage pour la caisse claire OK. OK, voici donc quelques-unes des différentes fonctions de note du séquenceur pas à pas à notre disposition Voyons maintenant comment nous pouvons organiser nos modèles. Dans la fenêtre d'arrangement, vous pouvez dupliquer le motif pour créer des répétitions. Nous devrons sélectionner l'icône de copie ici pour dupliquer le motif ou la région. Chaque instance de la région du motif partage le même modèle sous-jacent, ce qui facilite le maintien de la cohérence. Vous pouvez modifier les différentes zones du motif pour les faire varier. Vous pouvez également copier et coller des zones de motif dans des cellules en boucle dynamique pour déclencher et les organiser à partir de là. Nous pouvons donc le faire en passant à la vue du modèle, puis en appuyant longuement sur une cellule et en appuyant sur Coller. agisse de comprendre l'interface s'agisse de comprendre l'interface ou de travailler avec le son médian, vous disposez désormais des outils nécessaires pour créer des compositions dynamiques basées sur des grilles. Dans notre prochaine leçon, nous allons explorer les techniques avancées d'édition et d'automatisation. 10. Montage avancé et vélocité: Bienvenue dans cette section suivante. Dans cette section, nous allons nous plonger dans le monde de l'édition et de l'automatisation avancées. Commençons donc. Bon, j'ai créé ce nouveau projet, et sélectionnons cette région midi épique pour piano pop, qui ne contient actuellement aucune note midi. Nous pouvons ouvrir l' éditeur multimédia en sélectionnant une piste MIDI et en appuyant sur l'icône en forme de crayon en bas. Bien, jetons maintenant un coup d'œil aux outils en haut de l'éditeur multimédia Dans le rôle du piano, l'outil pinceau peut être utilisé pour dessiner des données MIDI en continu. Vous pouvez l'utiliser pour dessiner plusieurs notes de même longueur réglées selon la valeur instantanée située haut à droite de la fenêtre des rôles de piano. Parlons maintenant de la vélocité. La vitesse dans la production musicale fait référence à l'intensité et à la note jouée vitesse ajoute de l'expression aux performances en influençant le volume, tombra et le caractère des notes individuelles, ce qui en fait un élément crucial pour obtenir performances sonores et émotionnelles réelles sur des instruments électroniques et samplés Vous pouvez modifier la vélocité d'une note en temps réel depuis une surface de jeu en appuyant plus fort sur les notes pour obtenir une vélocité plus élevée, comme sur un véritable instrument. Vous pouvez également modifier la vélocité des notes midi une fois qu'elles ont été enregistrées ou programmées. Permettez-moi de vous montrer rapidement comment procéder. Ouvrons l'éditeur de cette région de piano MD, qui contient quelques notes midi. Ajustons maintenant la vélocité de ces notes midi. Appuyez sur une note et maintenez-la. Maintenez ensuite la première note enfoncée, puis appuyez sur les autres notes que vous souhaitez sélectionner. Vous pouvez également appuyer longuement sur un espace vide, puis faire glisser pour créer une zone qui sélectionnera toutes les notes qu'il contient. Enfin, vous pouvez tout sélectionner en appuyant sur un espace vide puis en appuyant sur Tout sélectionner. Une fois les notes sélectionnées, trouvez l'outil de vélocité en haut de la fenêtre du piano roll. Cela vous permet de visualiser et de régler la vélocité de chaque note du rouleau de piano. Lorsque vous faites glisser le pointeur verticalement sur des notes individuelles, vous entendrez les notes se répéter à la vélocité ajustée pour vous aider à évaluer le niveau sonore de la note. Zoomons pour y voir un peu plus clair. Nous pouvons faire glisser la vélocité des notes vers le haut pour augmenter la vélocité et nous pouvons faire glisser la vélocité vers le bas pour diminuer la vélocité. Avec une vélocité plus élevée, on dirait que la note a été jouée plus fort et avec une vélocité plus faible, on dirait qu'une note a été jouée plus doucement. OK, faisons un zoom arrière, et maintenant sélectionnons l'accord et ajustons la vélocité de cet accord. Mais écoutons d'abord à quoi cela ressemble. OK, zoomons et augmentons la vélocité en faisant glisser le pointeur vers le haut. Maintenant, quand je rejoue cet accord, cela devrait donner l'impression que cet accord a été joué plus fort qu'avant OK, laissez-moi vous montrer comment ajuster une vélocité pour un modèle. Les motifs sont le plus souvent utilisés pour la batterie, mais ils peuvent également être utilisés pour d'autres instruments. Ajustons maintenant la vélocité pour ce modèle de batterie. Maintenant, découvrons en solo ce morceau de piano pop épique. Passons au morceau Ogg Funk en solo et sélectionnons la région du pattern Ouvrons maintenant l'éditeur de modèles en appuyant sur ce bouton ici et en faisant glisser l'éditeur de modèles vers le haut pour voir le reste des tambours. Maintenant, dans l'éditeur de modèles, assurez-vous de sélectionner la valeur de vélocité ici. De cette façon, nous pouvons ajuster la vélocité des pas dans un séquenceur d'étapes Cela fournira une vue des notes individuelles similaire à celle du rôle de piano, où vous pouvez ajuster la vélocité de chaque pas. Réécoutons-le d'abord, mais avant d'ajuster la vélocité. OK, ajustons donc la vélocité pour le chapeau haut. Rendons certaines d'entre elles plus silencieuses, afin que certaines chansons du chapeau haut de gamme aient l' air d'être jouées plus doucement Zoomons un peu pour y voir un peu plus clair. OK, réécoutons-le maintenant. Nous pouvons donc créer une sensation plus humaine lorsque nous ajustons la vitesse. Lorsqu'un humain joue d'un instrument, chaque note frappée aura une vélocité différente, par rapport à un ordinateur sur lequel vous pouvez la programmer, sorte que les notes ont la même vélocité. Donc, pour un son de style plus humain, même dans la musique électronique, je recommande d' ajuster certaines vitesses si vous avez programmé les notes Si vous avez joué dans les notes, il y aura une gamme de vitesses qui peuvent aider à rendre votre musique moins robotique ou rigide Pour une modification plus large, ouvrez d'abord l'inspecteur depuis la fenêtre d'arrangement. En ajustant le paramètre de vélocité dans l'inspecteur, vous pouvez modifier simultanément la vélocité de toutes les notes de la région ou de la région sélectionnée. Nous pouvons donc faire glisser le pointeur vers le haut ou vers le bas pour augmenter ou diminuer le pourcentage de vélocité de toutes les notes midi de la région. Nous pouvons le faire avec la vélocité ici dans l'inspecteur. Nous pouvons également saisir le numéro si vous appuyez sur la vélocité ici. En maîtrisant le contrôle de la vélocité dans Logic Pro pour iPad, vous pouvez donner vie à vos performances médicales en créant une musique expressive et dynamique empreinte de réalisme et d' OK, donc c'est de la vélocité. Passons maintenant à la quantification. 11. Quantification: OK, passons maintenant à la batterie en solo et parlons de quantification quantification du MIDI dans le rôle de piano de Logic Pro pour iPad est un processus important pour aligner les notes de musique sur une grille spécifique, améliorant ainsi le timing et le rythme de vos performances Voici un guide étape par étape. Sélectionnez les notes que vous souhaitez quantifier à l' aide de l'une des méthodes décrites précédemment Pour cet exemple, je vais sélectionner toutes les notes MIDI. Une fois les notes sélectionnées, ouvrez l'inspecteur avec l'icône en bas à gauche de l'écran et recherchez la quantification du temps en haut Dans le menu quantifié, vous trouverez différents paramètres tels que la valeur de la note, et vous pouvez également trouver le réglage de la force ici La valeur des notes détermine le degré de capture de vos notes Par exemple, si vous sélectionnez un quart de note, chaque note sera rattachée au quart de note le plus proche de la grille Pour cet exemple, changeons cela en une 16e note car les chapeaux hauts jouaient ces valeurs de note. OK, ça semble plus approprié maintenant. Le paramètre de force contrôle le degré de quantification des notes. Pour cet exemple, modifions-le à 50 % pour voir la différence. Nous pouvons donc conserver une partie de l'impression naturelle du rôle joué, tout en le quantifiant un peu pour le garder plus dans le temps Cela peut aider à donner à votre pièce une sensation plus naturelle, tout en la maintenant dans le temps. Écoutons-le maintenant et vérifions-nous que les notes midi n'ont pas été associées aux mauvaises notes sur la grille Plus les performances sont proches des performances d'origine, moins il est probable que la quantification comporte des erreurs Toute musique repose sur un spectre de timing parfait, serré dans la grille d'un côté et fluide expressif de l'autre. gras comme le hip hop, la pop et la musique électronique sont généralement plus proches du timing parfait. Alors que les gaz comme le jazz, le blues et le rock classique se situent plus près de l'autre côté du spectre. Lorsque vous créez votre musique, sachez que vous pouvez opérer dans le spectre. La fonction d'intensité est une façon d'utiliser la quantification manière à déterminer la distance que vous souhaitez atteindre sur le spectre La quantification du son suit un processus similaire pour les régions audio et pour les régions MD. Alors laissez-moi vous montrer comment procéder maintenant. Avant cela, fermons l'inspecteur à l'aide du bouton oculaire, retirons le soleil des parties du tambour, puis installons le solaire sur la piste audio Cette région audio contient des enregistrements de claquements. Nous allons donc les quantifier. Sélectionnez la région que vous souhaitez quantifier, ouvrez l'inspecteur, faites défiler la page vers le bas pour quantifier, modifiez la valeur de quantification et l' Contrairement à la quantification du MIDI ou quantification du son et de la logique sur Mac, il n'est pas possible de modifier davantage le timing d'une piste audio sur la version iPad Il est donc encore plus important d'obtenir des performances aussi proches que possible des bons moments avant de les quantifier Moins vos performances sont serrées, plus l'iPad risque de commettre une erreur de quantification, une erreur qui ne peut pas être ajustée en termes de son 12. Swing: Utiliser les outils de chronométrage de manière créative. Balançoire. Le paramètre swing ajuste le rythme des notes décalées par rapport à la grille L'augmentation de la valeur du swing crée une sensation de shuffle ou de swing en retardant légèrement les notes décalées, tandis que la diminution de la valeur du swing L'utilisation de la fonction swing lors quantification ajoute du groove et du swing à votre musique, conférant ainsi une sensation naturelle et humaine permettant de quantifier les rythmes de manière rigide Je vais ajouter du swing au motif de chapeau haut de cette rainure, tout en maintenant le coup de pied et la caisse claire sur la grille pour que vous puissiez entendre l'effet de swing Tout d'abord, je vais jouer le rythme des chapeaux hauts légèrement désuets. Remarquez à quel point un swing extrême peut faire perdre du temps aux tambours. Un T subtil est souvent la clé lorsque vous utilisez les outils de chronométrage de manière créative. Ouvrons l'éditeur MIDI, puis ouvrons l'inspecteur. Et maintenant, quantifions cette partie du chapeau haut à un 16e coup A. D'accord. D'accord Passons maintenant à un huitième de swing F. Cette fois, cela fera osciller les notes et les quantifiera à la division d'un huitième de pied la plus proche Augmentons maintenant la valeur du swing dans l'inspecteur, et vous devriez être en mesure d'entendre la différence. Pour l'instant, changeons le réglage quantifié à une note 16, et ramenons le montant du swing à 0 % Testez différentes valeurs de swing pour trouver le groove qui convient le mieux à votre musique. valeurs de swing subtiles ajoutent un swing doux au rythme, tandis que des valeurs de swing plus prononcées créent une sensation de shuffle plus prononcée Essayez de combiner le swing avec d'autres techniques créatives telles que le réglage de la vélocité, l'automatisation et le traitement des effets. Ces éléments supplémentaires peuvent encore améliorer la sensation rythmique et la profondeur de votre musique Tenez compte du contexte musical lorsque vous postulez en swing. dramas et des styles différents peuvent bénéficier de différents degrés de swing Adaptez donc votre approche aux besoins spécifiques de votre projet. 13. La fonction de retard: Retard. Une autre façon créative de régler le rythme de la musique consiste à utiliser la fonction de temporisation de l'inspecteur. Cela diffère de l'utilisation d'un connecteur différé, qui répétera le signal pour qu'il soit pris en compte. La fonction de retard de l'inspecteur retarde les régions de quelques millisecondes Cela s'éloigne de la grille et peut rendre certaines parties de votre morceau plus humaines Pour utiliser l'outil de temporisation de l'inspecteur, sélectionnez d' abord la région dans la fenêtre de disposition. Donc, pour cet exemple, sélectionnons la région midi correspondante. Ouvrez ensuite l'inspecteur et recherchez la section de retard, qui se trouve dans la section générale. En réduisant ce nombre, vous permettez à la région de jouer plus tôt que sur la grille, qui donne un sentiment d'urgence. Vous pouvez le faire pour les régions de motifs, les régions multimédia et les régions audio. Pour les régions du motif, vous pouvez également ajuster le décalage de étapes spécifiques de la boucle en accédant à l' outil de décalage et en faisant glisser une étape vers le haut pour la réaliser plus tard et vers le bas pour la réaliser plus tôt C'est un moyen fantastique de créer des boucles intéressantes. Alors faisons-le maintenant pour alors. Mais pour l'instant, rétablissons les paramètres de délai à zéro par défaut. Ensuite, nous allons nous intéresser à l'automatisation, qui sera abordée dans la prochaine vidéo. Alors merci de votre attention , je vous y verrai. 14. Automatisation: L'automatisation de Logic Pro pour iPad est un puissant moyen d'ajouter de la dynamique, des effets spatiaux et de la profondeur à votre musique. L'automatisation vous permet de contrôler le volume et l'intensité de pistes ou de paramètres individuels au fil du temps. En ajustant les courbes d'automatisation, vous pouvez créer des changements dynamiques et des effets de variation du volume mettre l'accent sur certaines sections de votre musique et ajouter un impact émotionnel Dans la fenêtre d'automatisation et le piano roll, accédez aux voies d'automatisation pour chaque piste en appuyant le bouton d'automatisation situé en haut à gauche de leurs fenêtres respectives. Une fois sélectionnée, vous pouvez dessiner des courbes d'automatisation directement sur la forme d'onde de la piste ou sur les données MIDI Nous pouvons donc appuyer pour ajouter des nœuds d'automatisation, et nous pouvons faire glisser les nœuds ou les tirer vers le bas avec notre doigt. Cela permet un contrôle précis du volume, de la ventilation et d'autres paramètres Nous pouvons sélectionner ce que nous voulons automatiser avec ce menu déroulant ici. Utilisez l'automatisation pour créer des factures et des fondus dynamiques, en accent sur les moments climatiques ou une section à une autre avec une intensité variable Rejouons-le maintenant pour que vous puissiez entendre la phase de volume que j'ai créée grâce à l'automatisation. OK. Automatisez des paramètres tels que le délai de réverbération et positionnement spatial pour ajouter profondeur et du mouvement à votre mix Par exemple, nous pouvons automatiser l'envoi de réverbération pour cette piste en appuyant sur le menu déroulant d'automatisation, puis en passant à la réverbération principale de Sen one Nous aborderons les envois et réverbération plus loin dans ce cours Nous pouvons également automatiser l'envoi, qui par défaut est différé. Encore une fois, nous examinerons cela en détail ultérieurement. Testez le panoramique ou l'automatisation pour créer une imagerie stéréo immersive Nous pouvons donc automatiser le panoramique, déplacer le signal plus à gauche ou à droite du champ stéréo, ou le placer au centre. Nous pouvons le faire en appuyant sur le menu déroulant d'automatisation , puis en allant sur principal, panoramique et absolu Cependant, nous aborderons le planning plus tard. L'automatisation des effets introduira des textures et des mouvements évolutifs dans votre musique Cela donne de l'intérêt et de la dimension à vos compositions. Nous verrons cependant comment automatiser les effets plus loin dans ce cours Pour l'instant, cependant, choisissons le volume pour l'automatisation, et parlons maintenant des modes d'automatisation. Les modes d'automatisation vous permettent écrire automatiquement en temps réel, offrant ainsi une expression plus humaine à votre musique. Le mode d'automatisation peut être modifié pour chaque piste lorsque la fenêtre d'automatisation est ouverte. Vous le trouverez sur la gauche, à l' endroit où se trouve le titre de chaque titre. Par défaut, ce mode sera activé en mode de lecture automatique. Ce mode est idéal pour affiner les courbes d'automatisation existantes et dessiner manuellement l'automatisation. Voyons maintenant un autre de ces modes d' automatisation. Le mode tactile permet d'enregistrer en temps réel les modifications d' automatisation tout en ajustant les paramètres à l'aide de gestes tactiles. Ce mode permet de contrôler de manière dynamique et expressive la lecture des dessins par commande automatique. Alors laissez-moi vous montrer ceci maintenant. Je vais donc le rejouer , et je vais régler le vin fader faisant glisser mon doigt de haut en bas, et vous devriez le voir enregistrer les données d'automatisation OK, alors pinçons simplement verticalement pour zoomer et voir ce que nous avons enregistré. Passons maintenant au prochain mode d'enregistrement automatique. Mode verrouillage, similaire au mode tactile, mais le mode automatique lit ce qui se trouve déjà sur la piste après avoir relâché la commande Ce mode est utile pour ajuster les paramètres à long terme sans avoir à maintenir un contrôle continu. En utilisant l'automatisation dans Logic P pour iPad, vous pouvez sculpter la dynamique, caractéristiques spatiales et le mouvement général de votre musique avec précision et créativité L'expérimentation et la pratique vous aideront à maîtriser cet outil essentiel et à atteindre nouveaux niveaux d'expressivité dans vos compositions Nous avons exploré l'éventail des techniques avancées d'édition et d' arrangement. La pratique et l'expérimentation affineront encore vos compétences. Plongons donc dans vos projets et élevons votre musique vers de nouveaux sommets C'est donc la fin de cette leçon. Merci d'avoir regardé, je vous verrai dans le prochain. 15. Le mixeur, les Aux, et les envois: Bienvenue à cette prochaine leçon. Dans cette leçon, nous allons explorer traitement et le regroupement des effets, techniques essentielles pour ajouter de la profondeur, de la dimension et la cohésion à vos mélangeurs. Alors plongeons-nous dans le vif du sujet. Le mixeur. Le mixeur est un hub central permettant de contrôler et de traiter le son dans Logic Pro. Il fournit une représentation visuelle de toutes les pistes de votre projet, vous permettant de régler le volume, vous permettant de régler le volume, panoramique et d'appliquer des effets à des pistes individuelles ou à des groupes. Vous pouvez accéder au mixeur en appuyant sur l'icône de droite dans la partie centrale des fenêtres en bas de page. Parlons maintenant des commandes de piste. Les commandes de piste sont situées au bas de chaque bandeau. Ces commandes incluent le mode solo, le mode muet et l'activation de l'enregistrement Le bouton solo coupe tous les canaux sauf ceux que vous avez écoutés tous les canaux sauf ceux que vous avez écoutés en solo, ce qui vous permet d' isoler des pistes spécifiques Le bouton de sourdine empêche la lecture d'un morceau. routage dans le mixeur de Logic Pro fait référence au nombre de signaux audio dirigés entre les pistes et les bus au sein de votre projet. Chaque piste de votre projet possède options de routage d'entrée et de sortie qui déterminent d'où provient son signal audio et où il est envoyé Faisons défiler le mixeur haut pour en voir la partie supérieure. Pour les débutants, comprendre le routage implique de comprendre quelques concepts clés Et parlons-en maintenant. Routage des entrées. Cela détermine l' origine du signal audio d' une piste Par défaut, les entrées de piste audio sont enracinées à partir du microphone de votre iPad et les entrées de piste MIDI sont vos instruments virtuels Je vais donc cliquer sur Afficher les détails maintenant pour que vous puissiez voir les détails du concepteur de la batterie, qui est l'instrument sur la piste midi ici. Vous pouvez également acheminer l'entrée des voies auxiliaires vers les bus de votre projet. Une piste auxiliaire est une piste qui ne contient aucune donnée réelle, comme une piste audio ou midi. Ils sont utilisés pour envoyer des signaux, manipuler le son et émettre les signaux de processus Cela est utile pour ajouter des effets tels que la réverbération, le delay ou le chorus à plusieurs pistes simultanément Il vous permet également de déterminer la quantité du signal d'origine que vous souhaitez obtenir et l'ampleur de l'effet, ainsi que d'acheminer plusieurs pistes vers le même auxiliaire. L'entrée de la voie auxiliaire doit également être envoyée au bus 1. Parlons maintenant du routage de sortie. Cela indique si signal audio d'une piste est envoyé à. Par défaut, les pistes sont acheminées vers la sortie principale pour être lues. Cependant, vous pouvez également les acheminer vers des pistes auxiliaires, via des bus pour un traitement ultérieur ou pour créer des sous-mixages. Par exemple, vous pouvez acheminer plusieurs pistes de batterie vers un seul bus pour un traitement collectif. Laissez-moi vous montrer comment procéder maintenant. Remplaçons donc la sortie du haut chapeau en bus et choisissons un nouveau bus. Renommons maintenant ce drumc. Faisons-le également pour le piège. Nous allons donc changer cette sortie ici en bus free. Et faisons-le aussi pour le coup de pied. Maintenant, toutes les batteries seront placées sur la même piste de brousse. Nous pouvons donc ajouter des effets tels que la compression à cette piste de brousse, et tous les effets seront appliqués aux pistes envoyées à ce bus. Passons maintenant à Solo Bus Free , rebaptisé batteries, et écoutons-le en retour. Comprendre le routage et la logique P est essentiel pour organiser votre projet, appliquer des effets et des traitements, et atteindre l'équilibre mixte souhaité. expérimentation de différentes configurations de routage vous aidera à mieux comprendre comment les signaux audio circulent dans vos projets et comment obtenir les résultats sonores que vous recherchez La section d'insertion de votre table de mixage vous permet d'ajouter des effets audio et des plugins directement sur des pistes individuelles. Chaque emplacement d'insertion fournit un espace dédié pour insérer et gérer des effets tels que l'égalisation, compression, la distorsion, etc. Cette section permet un contrôle précis de la chaîne de traitement du signal pour chaque piste, vous permet de sculpter le son et d' améliorer le mixage en fonction de votre vision créative Ces inserts affectent l' ensemble du signal de la piste. La section de détection de votre table de mixage vous permet d'envoyer une partie du signal audio de votre piste vers une piste auxiliaire. Le fait d'activer la réverbération en tant qu' insert appliquera de la réverbération à l'ensemble du signal, rendant flou et perdant en clarté Passons simplement à la partie de piano en solo et ajoutons un effet de réverbération à ce morceau Nous pouvons donc appuyer sur les effets audio. Ici, j'ai le verbe Chroma dans l'onglet récent. Nous pouvons également trouver cet effet en faisant défiler bas jusqu'à la réverbération et en trouvant le verbe Chroma Il existe d'autres effets de réverbération dans Logic Pro pour iPad, que je recommande de consulter. Mais pour cet exemple, utilisons le verbe Chroma. Bon, voyons maintenant à quoi ressemble la partie de piano avec un effet de réverbération Cela semble donc plutôt louche, alors que l'envoi de la piste à un as via un bus vous permet de déterminer quantité de réverbération appliquée au signal Vous pouvez donc voir que nous pouvons également ajouter des effets aux pistes envoyées, comme dans le cas des pistes classiques dans Logic Pro. Supprimons maintenant l'effet de réverbération que nous avions précédemment ajouté au piano Nous pouvons le faire en appuyant sur l'effet puis en le sélectionnant. Chaque envoi possède son propre contrôle de niveau, qui vous permet de régler la quantité de signal envoyé à la piste de destination, ce qui vous permet de contrôler l'intensité de l'effet appliqué à votre musique. Et nous pouvons ajuster le montant avec ce cadran dans la zone de détection. Vous pouvez également envoyer plusieurs pistes au même auxiliaire en utilisant le même bus à chaque envoi. Cela signifie que vous pouvez envoyer tous vos instruments à la même réverbération, au lieu d'avoir plusieurs instances ou réverbérations sur chaque piste Cela peut être utile pour que nous puissions utiliser les mêmes paramètres de réverbération pour le son du mixage soit plus cohérent Cela permettra également d'économiser de la puissance du processeur afin que le projet ne soit pas confronté à trop d'effets, comme le ferait un simple effet au lieu de plusieurs. Donc, rejouons-le maintenant et ajustons ce signal. Je vais également ajouter une réverbération à la partie guitare et régler cette lecture du dessin de commande. Laissez-moi vous montrer maintenant. L'ordre de routage détermine la séquence dans laquelle les signaux audio sont traités. Vous pouvez ajuster l'ordre de routage pour contrôler le flux audio dans une bande de canal, veillant à ce que les effets soient appliqués dans l'ordre souhaité. Par exemple, vous souhaiterez peut-être acheminer une piste pour un E Q afin de supprimer certaines fréquences indésirables avant d'appliquer une distorsion afin de vous assurer que la distorsion n'est pas appliquée à des sons indésirables. Ajoutons donc l'effet audio du canal Q et l'effet de distorsion 2 à ces parties de piano. Cependant, pour l'instant, contournons simplement ces effets, afin qu'ils ne soient pas appliqués lorsque nous rejouons ce jeu. Vous pouvez faire preuve de créativité dans votre ordre de routage, mais la bonne règle de base est de résoudre les problèmes liés au signal avant de les améliorer. Parlons maintenant du niveau de sortie. Situé à l'extrême droite du mixeur. Le fader du canal de sortie stéréo contrôle le niveau de sortie global de votre projet C'est là que vous réglez le volume final avant l'exportation ou la lecture. Vous pouvez également ajouter des effets à ce canal en les appliquant à tous les éléments de votre projet. Évitez d'en abuser, car les aspects intéressants de votre musique proviennent généralement des différences entre les pistes plutôt que des effets sur l'ensemble de la piste elle-même. Pour cet exemple, ajoutons un effet de distorsion sur la sortie stéréo, et vous devriez être en mesure d' entendre qu'il ne sonne pas vraiment bien lorsqu'il est appliqué à l'ensemble du mixage. Je vais donc le rejouer maintenant et régler les commandes d'entraînement et de pré-gain sur cet effet de distorsion. Supprimons maintenant cet effet de distorsion dû à la sortie stéréo, car, comme je l'ai déjà dit, il ne semble pas tout à fait approprié lorsqu'il est appliqué à l'ensemble du mix OK, donc cet envoi de cette vidéo, où nous avons examiné le mixeur, l'uc et les envois. J'espère que cette vidéo vous sera utile et je vous verrai dans la prochaine. 16. FX et plug-ins - Égalisation ou égalisation: Parlons maintenant des effets et des plug-ins. Les effets et les plug-ins sont de puissants outils permettant de modifier les caractéristiques sonores de vos pistes audio. Examinons maintenant certains effets en détail. Activons donc le canal E Q en appuyant sur l'effet Bypass Channel EQ et en sélectionnant Activer Examinons maintenant le Channel EQ en détail, et nous pouvons le faire en appuyant sur Channel EQFect, puis en sélectionnant les détails de l'émission L'égalisation ou EQ est un outil de traitement audio fondamental utilisé pour ajuster l'équilibre des fréquences au sein d'un E Q vous permet d'augmenter ou de réduire des plages de fréquences spécifiques, en façonnant les caractéristiques tonales des pistes individuelles ou le mixage global E Q divise le spectre audible en bandes de fréquences, allant des basses fréquences aux aigus ou aux hautes fréquences Chaque bande représente une plage de fréquences spécifique , telle que la base, 20 hertz à 250 hertz, la gamme moyenne, 250 hertz à 4 kilohertz, et les aigus, de 4 kilohertz à 20 kilohertz Ces chiffres sont des zones approximatives du spectre de fréquences. Ce ne sont pas des règles strictes. Le Q and Logic Pro possède trois commandes principales, que nous allons examiner maintenant. Encore une fois, cela permet d'ajuster le niveau de la bande de fréquences sélective, ce qui vous permet d'augmenter ou de réduire le volume des fréquences dans cette plage Fréquence. Cela définit la fréquence centrale de la bande sélectionnée, déterminant quelles fréquences sont affectées par le réglage Q, Q ou bande passante. Cela permet de contrôler la largeur de la bande de fréquence affectée par le réglage Q. Une valeur Hi Q réduit la bande passante. Concentrez-vous sur l'effet Q sur une gamme de fréquences plus petite. Remontrons simplement le mixeur en appuyant sur le bouton du mixeur. OK, alors parlons maintenant de quelques techniques Q courantes. Équilibrage des fréquences. Q est couramment utilisé pour équilibrer le spectre de fréquences de pistes individuelles ou le mixage global. Par exemple, augmenter les fréquences de base d'une batterie peut ajouter du poids et de l'impact, tandis que réduire les basses fréquences d' une piste vocale peut réduire les sautes d' humeur et améliorer Bon, maintenant, ajoutons un plug Q au kickdrum et montrons les détails de cet effet. Alors jouons ce sac et augmentons les fréquences de base de cet égaliseur OK, maintenant montrons à nouveau le mixeur et fermons la fenêtre des détails Q appuyant sur le x dans le coin de cette fenêtre. Sculpture par fréquence Q peut être utilisé pour créer de l' espace pour différents instruments dans le mixage Par exemple, la réduction des fréquences moyennes d' une piste de guitare peut permettre aux voix ou à d'autres instruments de se démarquer. OK, maintenant nous allons jouer en solo avec les pistes de guitare et de piano, puis montrons les détails de l' égaliseur pour cette piste de guitare Découvrons maintenant certaines fréquences de la guitare afin que la partie de piano se démarque, car ces instruments partagent plusieurs des mêmes Une sculpture sonore. Q peut être utilisé de manière créative pour façonner le caractère et la texture des sons Testez des réglages Q extrêmes, tels que l'augmentation ou la réduction de plages de fréquences spécifiques pour créer des textures et des effets sonores uniques. Faisons-le maintenant pour la partie piano. Dissolons la piste de guitare pour ne pouvoir entendre que la piste de piano et montrons la piste de piano et montrons la vue détaillée de ce Q. L'effet téléphone est souvent utilisé sur les voix, par exemple, et on utilise Q pour supprimer les hautes et basses fréquences tout en amplifiant les médiums. OK, donc c'est EQ. Passons maintenant à la compression. OK. 17. Compression: Compression. La compression est un outil de traitement audio dynamique utilisé pour contrôler la plage dynamique des signaux audio. Il réduit le volume des parties les plus fortes du signal tout en préservant les parties les plus faibles, ce qui permet d'obtenir un son plus cohérent et plus équilibré Examinons maintenant les commandes de compression. Ajoutons donc l' effet compresseur à la caisse claire. Cliquons donc sur Ajouter un effet audio, puis sur Dynamics. Et maintenant, choisissons le compresseur. Examinons maintenant la vue détaillée du compresseur en sélectionnant cet effet et en appuyant sur Afficher les détails. Seuil. Cela détermine le niveau auquel la compression commence à agir. Tout signal dépassant le seuil sera compressé. Ratio. Cela définit le niveau de compression appliqué au signal. Par exemple, un rapport de quatre pour un signifie que pour chaque tranche de quatre dB dépassant le seuil, le signal de sortie ne sera augmenté que d'un dB. Attaque. Cela permet de contrôler la rapidité compression est appliquée lorsque le signal dépasse le seuil. Un temps d'attaque rapide réduit le transitoire initial du son, tandis qu'un temps d'attaque plus lent préserve une plus grande partie du transitoire Libérer. Cela détermine la rapidité avec laquelle la compression s'arrête une fois que le signal tombe en dessous du seuil. Un temps de relâchement plus court un compresseur sonore plus réactif et agressif, permet d'obtenir un compresseur sonore plus réactif et agressif, tandis qu'un temps de relâchement lent produit un effet de compression plus fluide et plus transparent Jeu de maquillage. Cela compense la réduction globale du jeu causée par la compression, ce qui vous permet d' augmenter le niveau du signal compressé pour qu'il corresponde au niveau d'origine Techniques de compression courantes. Contrôle dynamique. La compression est couramment utilisée pour contrôler la plage dynamique des signaux audio, en réduisant le niveau des pics forts, tout en augmentant le niveau des passages les plus faibles Cela permet d'égaliser le volume global d' un morceau ou d'un mixage, rendant ainsi plus équilibré et plus raffiné. OK, maintenant rejouons-y et dans le compteur de réduction de jeu, vous devriez pouvoir voir la compression appliquée. Rejouons-le et activons à nouveau l'effet compresseur, ce qui signifie que nous le rejouons, puis que nous contournons l'effet et le réactivons pour voir la différence. Passons à la vue détaillée du compresseur et parlons de la mise en forme transitoire. Réactivons également l' effet. forme transitoire. En ajustant les temps d'attaque et de relâchement, la compression peut être utilisée pour façonner le caractère éphémère d'un son, comme l'attaque initiale d' un coup de batterie ou le pincement d'une corde de guitare Un temps d'attaque plus rapide peut nuire à la fugacité, tandis qu'un temps de relâchement plus lent peut améliorer le maintien et la présence Rejouons-le maintenant et ajustons le temps d'attaque pour voir si vous pouvez entendre la différence. Colle ou cohésion. La compression peut être utilisée pour assembler plusieurs pistes ou éléments au sein d'un mixage, créer un son cohérent et unifié En appliquant une compression subtile à pistes individuelles ou à des groupes de pistes, vous pouvez les mélanger et leur donner l'impression qu'elles appartiennent au même espace sonore. Par exemple, compresser un bus avec deux signaux qui lui sont envoyés. Voyons maintenant la vue détaillée de ce tambour, et nous compressons ici tous les tambours avec cet effet de compresseur unique. Laissez-moi vous montrer maintenant. OK. La compression peut être utilisée pour ajouter du caractère et de la texture aux signaux audio de manière créative et de la texture aux signaux audio de Testez des réglages de compression extrêmes tels que des ratios élevés et des attaque courts, pour créer des effets de respiration ou de pompage susceptibles ajouter de l'excitation et de l'énergie à votre musique. Remontrons donc la vue détaillée du compresseur pour cette piste Drum AUX, et je vais écouter et ajuster certains paramètres, notamment le ratio et le seuil. Je vais également sélectionner un autre de ces modèles de type de compresseur, qui peut vous donner une saveur ou une couleur différente à votre compression. Je ne vais pas les expliquer maintenant, mais je vous recommande de les tester vous-même et d'être attentif aux différences. OK, c'est donc l'effet compresseur dans la vidéo suivante, nous allons regarder la réverbération 18. Réverbe: Réverbération. Il s'agit d'un effet audio crucial utilisé pour simuler la réverbération naturelle des espaces acoustiques Il ajoute de la profondeur, de la dimension et du réalisme aux enregistrements audio en imitant les reflets et le déclin des sims dans différents environnements réverbération est créée par la réflexion des ondes sonores sur les surfaces et l'espace acoustique, tels que les murs, les sols et les plafonds Ces reflets se sont combinés au son original pour créer un schéma complexe d' échos et de réverbérations Dans la production audio numérique, la réverbération est générée à l'aide d'algorithmes qui simulent le comportement des espaces acoustiques Ces algorithmes modélisent des paramètres tels que le son de la pièce, sa forme et le matériau de surface pour recréer les caractéristiques de réverbération souhaitées. Voyons maintenant les détails de l' effet de réverbération chromoverbale ajouté au bus 1 et expliquons les paramètres essentiels de la réverbération et son bus 1 et expliquons fonctionnement Paramètres de réverbération. Les différents connecteurs de réverbération peuvent avoir des paramètres légèrement différents Voici quelques exemples généraux que vous devriez vous attendre à voir dans la plupart des plug-ins de réverbération. Taille de la chambre. Cela détermine la taille perçue de l'espace virtuel dans lequel la réverbération se produit grandes dimensions des pièces entraînent des dégradation plus longs et une réverbération plus spacieuse Rejouons-le maintenant et je vais ajuster le cadran des tailles, et cela imitera des pièces de différentes tailles Temps de décadence. Cela permet de contrôler la durée de la réverbération ou temps nécessaire pour que la réverbération disparaisse après l' arrêt de la source sonore temps de décroissance plus longs créent une sensation d'espace plus prononcée, tandis que des temps de décroissance plus courts produisent une réverbération plus courte et plus contrôlée Rejouons-le maintenant et je vais régler un cadran chronologique de décadence. Premières réflexions. Ils simulent les réflexions initiales du son sur les surfaces voisines de l'espace acoustique. Le réglage du paramètre de réflexion précoce peut améliorer le réalisme et la profondeur de l'effet de réverbération Donc, rejouons-le maintenant et je vais ajuster le style des premiers mix tardifs. Donc, avec ce contrôle, nous pouvons mélanger les reflets précoces et tardifs. Laisse-moi te montrer maintenant. Pré-délai. Il s'agit l'intervalle de temps entre le son d'origine et le début de la réverbération, permettant au signal sec d'être entendu avant le début de la réverbération, ce qui peut contribuer à préserver la clarté et l'articulation Rejouons-le maintenant et je vais régler le cadran de prétemporisation. Amortissement. Cela imite l'absorption des hautes fréquences par les surfaces de l'espace acoustique L'augmentation de l'amortissement réduit la luminosité de la réverbération, tandis que la diminution de l'amortissement ajoute D'accord, ce sont donc les commandes essentielles pour l'effet de réverbération Comme je l'ai dit, certains plug-ins de réverbération peuvent avoir un aspect différent, mais ils devraient tous avoir les mêmes commandes essentielles ou du moins la plupart de celles abordées dans cette vidéo Bon, voyons maintenant quelques utilisations créatives de la réverbération réverbération peut être utilisée pour ajouter de la profondeur et de l'ambiance aux enregistrements audio, plaçant les sons dans un environnement acoustique virtuel En ajustant des paramètres tels que la taille de la pièce et le temps de décadence, vous pouvez adapter l'effet de réverbération à l'ambiance et à l'atmosphère de votre musique réverbération peut également améliorer la perception de la profondeur et de la dimension spatiales d'un mixage, rendant ainsi plus immersif et réaliste Donc, rejouons-le à nouveau et dessinons en lecture. Je vais ajuster le temps de décadence de la réverbération. Je vais également montrer à nouveau le mixeur, dessiner en cours de lecture et envoyer une plus grande de la partie de piano à la réverbération avec le Sendal En plaçant les instruments et les voix dans différents espaces virtuels, vous pouvez créer une sensation de profondeur et de séparation qui ajoute de la clarté et de la définition à votre mix Voyons maintenant les détails de cet effet chromoverbe en appuyant sur cet effet et en sélectionnant Afficher les détails réverbération peut être utilisée pour évoquer émotions et créer des effets dramatiques dans En utilisant de longs temps de décadence et des récits de réverbération luxuriants, vous pouvez créer une impression de grandeur et de majesté. Des temps de décadence plus courts et des réverbérations plus fortes peuvent ajouter tension et de l'excitation à Rejouons-le maintenant et ajustons le temps de décadence pour que vous puissiez entendre la différence. verbe Re peut également être utilisé de manière créative pour créer des effets spéciaux et des textures uniques dans la musique Testez des paramètres de réverbération extrêmes, tels qu'un temps de pré-retard élevé ou des formes de pièce inhabituelles, pour créer des sons surréalistes et mondains susceptibles d' intriguer et d'intéresser vos productions OK, c'est donc la fin de cette vidéo. Merci d'avoir regardé, je verrai dans le prochain. 19. Décalage: Retard. Le delay est un effet audio qui produit des répétitions distinctes du son d'origine, créant des échos et des motifs rythmiques Il fonctionne en capturant le signal d'entrée, en le retardant d' un certain temps, puis en le réinjectant dans le mixage Voici une explication détaillée du délai et de ses utilisations créatives. Avant cela, chauffons la partie guitare en solaire et ajoutons un effet de retard à cette piste dans le mixeur. Appuyons donc sur le bouton plus dans la zone de l'emplacement des effets, choisissons le délai, puis choisissons le délai de bande. Il existe d'autres effets de retard que nous pouvons choisir ici, mais pour cet exemple, choisissons le délai de bande. Je recommande également de vérifier les autres délais à un moment donné. Appuyons maintenant sur cet effet, puis sur Afficher les détails. Temps de retard. Cela détermine l'intervalle de temps entre chaque répétition du signal retardé. courts délais produisent des échos rythmiques rapides, tandis que les temps de décadence plus longs créent des effets d'ambiance spacieux Laissez-moi vous montrer ceci maintenant. Je vais donc le rejouer , puis je modifierai le temps de retard pour que vous puissiez entendre la différence. Je vais également augmenter le délai humide, dont nous parlerons très bientôt. Revenons maintenant à une 16e note et examinons les commentaires. Cela permet de contrôler le nombre de répétitions ou échos générés par l'effet de retard L'augmentation du feedback crée davantage de répétitions, ce qui se traduit par un effet de retard plus dense et plus prononcé Alors, rejouons-le et je vais régler le cadran de feedback. Mélange sec et humide. Cela permet d'ajuster l'équilibre entre le signal sec d'origine et le signal humide retardé Un mélange humide élevé accentue l'effet de retard tandis qu'un mélange faible en humidité conserve plus grande partie du signal d'origine. Donc, rejouons-le et je vais régler le contrôle sur sol mouillé. Certains effets de retard proposent des options de filtrage pour définir la tonalité du signal différé. Les filtres passe-haut et passe-bas peuvent être utilisés pour éliminer les fréquences indésirables ou ajouter la chaleur et de la texture à l'effet de retard. Cet effet de retard sur bande produit donc ces filtres élevés et localisés. Rejouons-le et ajustons-les pour voir la différence. Techniques de temporisation courantes. délai peut être utilisé pour améliorer l'imagerie spatiale des enregistrements audio, donner une impression de profondeur et de dimension au mixage. delay peut être utilisé pour créer des motifs rythmiques, des rythmes syncopés et En synchronisant le délai avec le tempo du morceau, vous pouvez créer des échos rythmiques qui complètent le groove et ajoutent de l' intérêt à la Et nous pouvons synchroniser le temps de retard avec le tempo du projet en activant ce bouton ici. delay peut être utilisé pour créer des textures ambiantes et des paysages sonores luxuriants dans En superposant plusieurs signaux de retard avec différents temps de retard et paramètres de feedbat, vous pouvez créer des textures évolutives complexes qui ajoutent de la profondeur et de l'atmosphère à vos compositions délai peut également être utilisé de manière créative pour ajouter de l' intérêt aux personnages dans les enregistrements audio Testez des réglages de delay non conventionnels tels que les temps de retard extrêmes, les réglages FB et les effets de modulation pour créer des sons uniques et inattendus qui ajoutent intrigue et enthousiasme à votre musique OK, maintenant contournons le délai de connexion et c'est la fin de cette vidéo Dans la vidéo suivante, nous allons examiner certains effets de modulation courants. Alors merci de votre attention et je vous y verrai. 20. Effets de modulation essentiels - Un bref aperçu: Modulation. La modulation englobe des effets tels que le chorus, le trémolo et le phaser, chacun offrant des transformations sonores distinctes en modifiant les signaux audio Passons à la partie de piano en solo et examinons quelques effets de modulation en commençant par Chorus Appuyons donc sur le bouton plus dans la zone de l'emplacement des effets, passons à la modulation et sélectionnons le chorus Chorus duplique le signal d'entrée, modifiant légèrement la tonalité et le timing du doublon, puis le mélange avec l'original Ce processus crée un son plus épais et plus riche, semblable à celui de plusieurs interprètes jouant ou chantant ensemble. Chorus est idéal pour ajouter de la profondeur du warp aux voix, aux guitares En ajoutant des paramètres tels que la vitesse et l'intensité, vous pouvez obtenir des effets d' épaississement subtils ou des qualités de changement de sélection plus extrêmes OK, donc écoutons-le en retour avec un effet de refrain. En cours de lecture, je vais augmenter le curseur mixte pour que nous puissions entendre l'effet plus clairement, et je vais également régler le cadran d' intensité et de fréquence C'est donc l'effet chorus. Voyons maintenant le prochain effet de modulation, qui est le trémolo. Remplaçons l'effet chorus par un effet trémolo, et nous pouvons le faire en appuyant sur l'effet chorus, puis en remplaçant Modulation, puis en Encore une fois, montrons les détails de l'effet. trémolo module le volume du signal audio à un rythme régulier, ce qui entraîne des fluctuations rythmiques Il produit un effet de pulsation qui ajoute du mouvement et de la dynamique au Permettez-moi donc de le rejouer maintenant et j'ajuste la fréquence, la profondeur et les commandes de lissage, afin que nous puissions entendre la différence Le trémolo peut injecter de l'énergie et du rythme dans des instruments tels que les guitares, les claviers Il est souvent utilisé pour créer une ambiance vintage ou pour ajouter une texture palpitante aux pads Simpson, améliorant ainsi le groove et l' atmosphère d' Remplaçons-le maintenant par le prochain effet de modulation que nous allons examiner, à savoir le phaser. Phaser divise le signal audio en plusieurs copies déphasées, modulant ainsi la relation de phase créant un effet de gonflement Cette manipulation des relations de phase génère des pics et des creux dans le spectre des fréquences Encore une fois, rejouons-le et ajustons certains de ces paramètres pour que vous puissiez entendre la différence. Phaser est polyvalent et profond pour les mouvements de guitare, de Simpson ou de batterie Le phaser peut aller d'une coloration subtile à des textures tourbillonnantes spectaculaires, en fonction des réglages des paramètres et des contextes musicaux Techniques de modulation créatives. Essayez d'automatiser les paramètres des effets de modulation au fil du temps pour créer des textures et des transitions évolutives Les ajustements dynamiques de profondeur, cadence et de feedback peuvent donner lieu voyages sonores fascinants au sein de vos compositions Combinez plusieurs effets de modulation pour créer des paysages sonores complexes. Par exemple, le mélange de chorus et de trémolo peut produire des textures pulsantes chatoyantes, tandis que le phaser associé au trémolo peut créer des atmosphères rythmiques tourbillonnantes tandis que le phaser associé . D'accord, voici donc un bref aperçu de certains effets de modulation essentiels. Je vais juste contourner l'effet phaser avant de passer à la distorsion, qui sera abordée dans la prochaine vidéo Alors merci de votre attention et je vous y verrai. 21. Distortion: Distorsion. qui modifie intentionnellement la forme d'onde d'un signal audio introduisant des harmoniques et une saturation pour créer un son granuleux, La distorsion est un effet audio qui modifie intentionnellement la forme d'onde d'un signal audio en introduisant des harmoniques et une saturation pour créer un son granuleux, audacieux ou agressif. Il est généralement associé aux amplificateurs de guitare poussés à leurs limites, mais il est également largement utilisé dans la musique électronique pour ajouter du caractère et de la texture à diverses sources sonores Voici une explication détaillée de la distorsion et de ses applications créatives. distorsion fonctionne en amplifiant le signal audio au-delà du niveau prévu, ce qui entraîne un écrêtage ou une distorsion de la forme d'onde. Ce découpage introduit un contenu harmonique, ce qui donne un son plus complexe et saturé Il existe différents types de distorsion, notamment l'overdrive, le fuzz et la saturation, chacun produisant des caractéristiques sonores uniques overdrive produit une distorsion douce et chaude en découpant doucement la forme d'onde, tandis que l' effet de distorsion crée un son plus extrême en coupant fortement Donc, pour cet exemple, ajoutons un effet audio overdrive à la piste de guitare Remplaçons donc un effet de retard de bande par un effet overdrive, et nous pouvons le faire en appuyant sur le plugin d'effet, puis en remplaçant la distorsion, puis en overdrive Rejouons-le et je vais régler le lecteur et le contrôle de tonalité pour que vous puissiez entendre la différence. Remplaçons-le maintenant par l'effet de distorsion deux. Revenons sur ce point et je vais régler ces commandes ici, donc les commandes de pré-gain, d'entraînement et de tonalité. La distorsion peut être utilisée pour ajouter du caractère et de la personnalité aux enregistrements audio, qu'ils se démarquent du mix. Il est particulièrement efficace sur des instruments tels que les guitares, les basses et les synthés, où il peut ajouter du cran, du tranchant et du mordant au Écoutons maintenant la partie de guitare dans le mixage avec ces effets de distorsion appliqués, et je vais ajuster à nouveau ces commandes, en dessinant la lecture. La distorsion peut être utilisée pour améliorer la dynamique et la puissance des signaux audio. En transformant certains éléments d'un mixage en distorsion, vous pouvez les faire passer plus efficacement dans le mixage, ajoutant ainsi de l'énergie et de l'intensité au son global. Je vais juste éviter la distorsion de la guitare et ajoutons maintenant une distorsion à la caisse claire Rejouons-le maintenant et ajustons certaines de ces commandes de distorsion. La distorsion peut être utilisée pour créer des effets textuels intéressants dans la production musicale En appliquant une distorsion à sources sonores non conventionnelles ou en utilisant des réglages extrêmes, vous pouvez créer des textures uniques et expérimentales qui apportent profondeur et dimension à vos compositions distorsion peut être utilisée pour façonner la tumbra et le ton des signaux audio, ce qui vous permet de sculpter le son en fonction de l' ambiance et du style de En ajustant les paramètres, vous pouvez adapter l'effet de distorsion pour obtenir les caractéristiques sonores souhaitées. Essayez de superposer plusieurs instances de distorsion pour créer des sons complexes et dynamiques En mélangeant différents types de distorsion ou en empilant des effets de distorsion, vous pouvez obtenir des sons riches et texturés avec Utilisez l'automatisation pour moduler les paramètres de distorsion au fil du temps, en créant des textures dynamiques et évolutives dans votre musique Par exemple, l'automatisation de la quantité de distorsion appliquée à un signal de guitare peut ajouter l'excitation et de l'intensité à la performance Essayez des techniques de traitement parallèle pour mélanger la distorsion et les signaux clairs, en combinant la clarté et la définition du signal d'origine avec la richesse et la saturation de la distorsion. Cela peut aider à maintenir la clarté et l'équilibre, nous ajoutons de la profondeur et du caractère au son. Cela peut être réalisé en utilisant des envois et insérant un plugin de distorsion sur la piste auxiliaire Vous pouvez alors contrôler le signal déformé et le signal d'origine indépendamment. Alors laissez-moi vous montrer comment configurer cela maintenant. Pour cet exemple, configurons cela pour le piano, mais supprimons d'abord la distorsion de la piste SNS OK, ajoutons donc un nouveau bus à la partie piano. Appuyons donc sur le bouton plus dans la section bus, et choisissons un nouveau bus. Maintenant, cette piste auxiliaire est apparue, et c'est là que nous enverrons le bus gratuitement. Maintenant, faisons glisser l'effet de distorsion de la guitare vers cette piste en C One. Maintenant, activons-le et rejouons-le. Pendant la lecture, je vais régler la numérotation sans bus sur la partie piano, afin mélanger le signal non déformé avec le signal déformé et d'augmenter la numérotation sans bus. Laissez-moi vous montrer maintenant. En ce qui concerne le traitement des effets, il est important de comprendre que la façon dont le son est créé n'est pas aussi importante que le son. Alors expérimentez et soyez créatifs. OK, c'est donc la fin de cette vidéo. Ensuite, nous allons examiner le regroupement. 22. Regroupement: Regroupement. Le regroupement vous permet d'organiser et de gérer plusieurs pistes ensemble, rationaliser votre flux de travail et faciliter le contrôle créatif sur les éléments connexes Nous allons parler de la somme des piles, des piles de dossiers, du traitement de groupe et Suivez les piles. Les piles de sommation acheminent les sorties de plusieurs pistes vers une seule piste unifiée Ceci est utile pour regrouper des instruments ou des sections connexes tels que la batterie ou les chœurs. Pour créer une pile de sommation, sélectionnez la piste que vous souhaitez inclure, puis choisissez Créer une pile dans le menu Donc, pour cet exemple, sélectionnons les différentes pistes de batterie pour le kick snare et les high hats, et créons une pile pour celles-ci Vous pouvez régler le volume, le mode panoramique et le mode muet de l'ensemble de la pile comme s' il s'agissait d'une seule piste somme des piles vous permet également d'appliquer des effets et des traitements à plusieurs pistes simultanément Cela est utile pour ajouter de la cohésion à des éléments connexes ou pour appliquer des effets globaux à une section de votre projet. Pour appliquer le traitement de groupe, insérez des effets sur la pile de sommation elle-même, affectant toutes les pistes du groupe Donc, pour cette somme, ajoutons un effet d'overdrive. Rejouons-le maintenant et je vais ajuster le réglage du drive en fonction de l'effet overdrive, et vous pourrez entendre que cela affecte toutes les batteries, donc le kick, le snare et les chapeaux hauts OK. Aplatissons maintenant cette pile de pistes pour la supprimer Nous pouvons le faire en appuyant longuement sur la pile de rails et en sélectionnant la pile aplatie. Examinons maintenant les piles de dossiers. Les piles de dossiers organisent les pistes manière hiérarchique au sein d'une structure de dossiers. Cela est utile pour gérer des arrangements ou des sections complexes de votre projet. Pour créer une pile de dossiers, sélectionnez les pistes que vous souhaitez inclure, puis choisissez Créer une pile de dossiers dans le menu. Vous pouvez réduire ou agrandir la pile de dossiers pour simplifier votre espace de travail. La pile de dossiers vous permet uniquement de contrôler le volume de toutes les pistes du groupe, mais ne redirige pas les sorties de ces pistes Vous ne pouvez pas ajouter d'effets ou d' inserts à une pile de dossiers. édition de groupe vous permet d' apporter des modifications collectives à plusieurs pistes à la fois. Cela inclut le volume, le panoramique et d'autres paramètres. Par exemple, vous pouvez régler le volume de toutes les pistes de batterie de la pile simultanément en ajustant le curseur de volume des pistes de groupe. Cela accélère le processus d'édition et garantit la cohérence entre les éléments connexes. Vous pouvez ajouter des pistes à un groupe en accédant à l'onglet Groupes du mixeur et en assignant toutes les pistes pertinentes au même groupe Donc, pour cet exemple, renommons cette batterie. Le regroupement vous aide à maintenir un projet ordonné et organisé, en particulier dans le cas d'arrangements complexes comportant de nombreuses pistes Il rationalise votre flux de travail en vous permettant de contrôler plusieurs pistes collectivement, réduisant ainsi le besoin de réglages répétitifs Le traitement de groupe garantit également que les éléments connexes partagent des effets et des traitements communs, améliorant ainsi la cohésion et l'unité de votre mix. Quelques utilisations pratiques du regroupement incluent les tambours. Vous pouvez regrouper des pistes de batterie individuelles dans une pile de sommation pour un traitement et un montage cohérents Un autre exemple pourrait être d'organiser chœurs dans une pile de sommation pour en faciliter la gestion et OK, c'est donc la fin de cette section. Dans cette section, nous avons appris à exploiter la puissance du traitement et du regroupement des effets pour faire passer vos mixages au niveau supérieur Continuez à explorer et à expérimenter et restez à l'affût de la prochaine leçon Alors merci de votre attention , je vous y verrai. 23. Maîtriser avec AI Master Assistant: Bienvenue à cette prochaine leçon. Dans cette leçon, nous allons explorer mastering et l' exportation de votre morceau Passons à la maîtrise et aux bases, en utilisant l'assistant principal et en exportant votre premier projet. mastering est l' étape finale de la production musicale, axée sur l'optimisation de la qualité sonore globale et la préparation du morceau pour la distribution Les tâches principales incluent l'augmentation du volume de la piste, l' application de l'égalisation et de la compression, amélioration de l'image stéréo et l'ajout de touches finales pour garantir que le mixage soit bien traduit sur les différents systèmes de lecture La maîtrise selon des normes élevées est un processus très approfondi, que nous n'allons pas aborder en détail dans ce cours Logic Pro pour iPad propose l'assistant principal, qui peut vous aider à adapter rapidement votre titre à une norme pour une distribution rapide. Bien qu'il ne soit pas parfait , l'utilisation assistée de l'IA est un outil fantastique et relativement nouveau dans le monde de la production musicale. Pour utiliser l'assistant principal, il suffit d'aller sur le canal de sortie stéréo de votre console de mixage et de cliquer sur l'endroit où il est écrit Mastering dans la zone des effets, ce qui activera l'assistant principal Logic Pro analysera ensuite votre mix et proposera des réglages en fonction de cette analyse. Maintenant, ouvrons et visualisons l'assistant principal en cliquant sur le plug-in et en sélectionnant Afficher les détails. Une fois activé, l'assistant principal analyse le matériel audio de votre projet, notamment son contenu fréquentiel, dynamique et son équilibre spectral global. Sur la base de l'analyse, l'assistant principal suggère des ajustements à divers paramètres tels que l'égalisation, la compression et la limitation Ces réglages sont conçus pour optimiser le son afin d'obtenir un son professionnel équilibré. Une fois les suggestions initiales faites, vous avez la possibilité de personnaliser et d' affiner les paramètres en fonction de leurs préférences. Cela permet une flexibilité et un contrôle du processus de mastering, garantissant ainsi que le résultat final correspond à la vision artistique souhaitée. OK, alors rejouons-le maintenant, dessinons et rejouons Je vais contourner le plug-in Master Assistant, donc vous devriez être en mesure de faire la différence lorsque le plugin est activé et contourné Voyons maintenant certaines des façons dont vous pouvez tweeter le maître une fois que l' assistant principal lui a fait part de ses suggestions initiales. Pour modifier en profondeur le caractère et le ton de votre morceau, rendez-vous dans la section des personnages en haut à gauche de la fenêtre. Il existe quatre options : clean, valve, punch et transparent. Propre et transparent sont assez similaires. Ils visent à préserver le son de votre mix, tout en augmentant le volume et apportant de la clarté à votre master Valve donne un ton plus vintage à votre maître, en réduisant le haut de gamme et en ajoutant de la chaleur. Punch se concentre sur l'amélioration des passagères de votre master, ce qui permettra à la batterie de perforer davantage sur le morceau La section EQ de l'assistant principal suggère des améliorations et des coupes de l'ensemble de votre piste sur le spectre de fréquences en fonction de l'analyse Vous pouvez ajouter ou réduire l'ampleur de ces augmentations et coupes sur votre master en déplaçant le curseur sur la gauche vers le haut ou vers le bas. En appuyant sur l' onglet E Q personnalisé en bas à gauche, vous pouvez également ajouter une étagère basse, une étagère haute et un égaliseur de bande pour personnaliser davantage le master Il convient de noter que ces modifications sont très générales et doivent être utilisées pour façonner le ton de votre master plutôt que pour le peaufiner. La section dynamique de l'assistant principal affine l'émetteur. Les limiteurs fonctionnent de la même manière que les compresseurs et sont utilisés par les ingénieurs de maîtrise pour augmenter le Dans Logic Pro pour iPad, le style d'intensité sonore permet d'obtenir un son principal ou un son plus silencieux N'oubliez pas qu'un volume plus élevé réduit la plage dynamique de votre piste, qui fait la différence entre la partie la plus bruyante et la partie la plus silencieuse La section de propagation détermine la largeur de votre master. augmentez la largeur, les informations situées sur les côtés gauche et droit de votre piste seront repoussées les informations situées sur les côtés gauche et droit de vers la gauche et la droite. La réduction de ce cadran permet de réduire le champ principal Le bouton de contournement active et désactive l'assistant principal, sorte que vous ne pouvez pas observer les modifications que vous apportez. Le bouton de compensation du volume équilibrer les entrées et sorties de l'assistant principal, ce qui vous permet de comparer facilement les effets de l'assistant principal sans augmenter considérablement le volume car cela peut rendre la comparaison plus difficile Dans l'ensemble, l'assistant principal de Logic P rationalise le processus de mastering en fournissant des suggestions intelligentes et des options personnalisables, permettant aux utilisateurs d'obtenir facilement résultats de qualité professionnelle OK, c'est donc l'essentiel du mastering avec l'assistance d'un maître Nous allons maintenant nous intéresser à l'exportation, que nous aborderons dans la prochaine vidéo. Alors merci d'avoir regardé, et je vous y verrai. 24. Exporter: Exportez dans votre projet. Une fois que vous êtes satisfait du mastering de votre morceau, il est temps d'exporter votre projet final pour le distribuer Dans Logic Pro, accédez au menu Fichier en haut à gauche de l' écran et sélectionnez Exporter. Choisissez votre type de fichier, décompressé ou compressé, et définissez une destination pour le fichier exporté Sélectionnez le type de fichier en fonction ce que vous comptez faire avec le fichier exporté. fichiers audio non compressés stockent les données audio sans aucune forme de compression de données, préservant ainsi la qualité audio d'origine Parmi les formats audio non compressés, on peut citer les formats WAV et fichiers audio non compressés conservent une haute fidélité et sont couramment utilisés dans les domaines de la production audio professionnelle, mastering et de l'archivage Ils ont des tailles de fichier plus importantes que les formats compressés en raison l'absence d' algorithmes de compression. Les fichiers audio compressés réduisent la taille des fichiers en supprimant les données audio redondantes ou inutiles tout en essayant de maintenir une qualité audio acceptable Les formats audio compressés incluent MPA, AAC et MP3 Les fichiers audio compressés conviennent au streaming, à la distribution et à la lecture sur divers appareils en raison de leur petite taille de fichier. Cependant, les fichiers audio compressés peuvent introduire des artefacts tels que la perte de détails audio et la réduction de la plage dynamique. En résumé, les fichiers audio non compressés garantissent une qualité audio irréprochable, mais des fichiers de plus grande taille, mais des fichiers de plus grande taille, tandis que les fichiers audio compressés sacrifient une partie de la qualité au profit de fichiers de taille réduite Le choix entre les deux dépend de facteurs tels que l'utilisation prévue, l'espace de stockage disponible et la qualité audio souhaitée. Vous pouvez ensuite choisir d'exporter l'intégralité de la piste ou une partie sélectionnée de votre projet. Les numéros de début et de fin faisaient référence à la façon dont les codes temporels et les barres de mesure de votre projet et leurs subdivisions Si vous souhaitez exporter les différentes pistes de votre projet, vous pouvez également cocher cette case. Vous pouvez le faire si vous souhaitez envoyer vos tiges pour un traitement ultérieur ou à un ingénieur de mixage, par exemple. Toutefois, vous ne pouvez le faire qu' avec des types de fichiers non compressés, et non avec des types de fichiers compressés Nous avons également le type de fichier middy, qui sert uniquement à exporter toutes les pistes intermédiaires sous forme de fichier intermédiaire Dans cet exemple, nous allons toutefois exporter sous forme de fichier non compressé Appuyez maintenant sur Partager, qui se trouve en haut à droite de la fenêtre. Votre piste sera ensuite exportée et vous aurez la possibilité de l' envoyer quelque part ou de l' enregistrer dans les fichiers de votre iPad. Le mastering et l'exportation de vos morceaux sont des étapes cruciales du processus de production musicale En maîtrisant les bases, en utilisant des outils tels que Master Assistant et en exportant correctement votre projet final, vous pouvez vous assurer que votre musique sonne le mieux possible et elle atteint votre public avec la meilleure qualité possible OK, nous en sommes maintenant à la fin de cette vidéo. Merci d'avoir regardé, je vous verrai dans le prochain. 25. Introduction aux sections de joueur de session: Bien, jetons maintenant un coup d'œil aux joueurs de session , que nous allons aborder dans les prochaines sections. Donc, si vous créez une nouvelle piste en appuyant sur ce bouton ici, vous pouvez voir ici que nous pouvons ajouter un lecteur de session Nous pouvons donc choisir un batteur, bassiste ou un claviériste de session Dans les prochaines sections, je vais donc vous montrer en détail comment vous pouvez utiliser ces différents joueurs de session et les personnaliser également. Nous examinerons également l'utilisation de la piste d'accords, qui vous permet de créer, de modifier et d'arranger des accords directement sur la piste d'accords Je pense donc que les joueurs de session peuvent être très utiles pour vous aider à générer des idées, mais je pense que c'est une bonne idée les personnaliser afin de pouvoir vous approprier parties et les modifier si vous le souhaitez OK, c'est donc ce que nous allons aborder dans les prochaines sections. Commençons par examiner les bases du lecteur de session Drummer, que nous aborderons dans la prochaine vidéo 26. Styles de jeu de batterie: Bien, voyons maintenant les bases du lecteur de session de batteur, commençant par les styles de jeu Créons donc un nouvel instrument, sélectionnons le joueur de session Drummer ici et cliquons dessus ici pour créer un nouvel instrument Maintenant, l' éditeur de session est ouvert ici, et nous pouvons ouvrir et fermer l'éditeur en appuyant sur ce bouton ici. Bien, dans les prochaines vidéos, je vais vous donner un bref aperçu du joueur de session Drummer avant de nous plonger dans toutes les commandes Donc, tout d'abord, ici sur la gauche, nous pouvons choisir notre style de batteur, et nous pouvons en voir plus en appuyant dessus ici Nous avons donc ces différents styles dans les domaines du dramas rock, auteur-compositeur, de l'alternatif et du R&B. Mais revenons au premier, qui est Il suffit donc d'appuyer dessus pour le fermer et d'appuyer sur le bouton de lecture ici pour l'entendre en retour. Ensuite, appuyez sur le bouton d'arrêt ici pour arrêter la lecture. Écoutons maintenant certains des autres styles. Appuyons donc à nouveau sur l'icône de style et choisissons-en une autre. Essayons le punk rock. D'ailleurs, lorsque vous cliquez sur d'autres styles, cette fenêtre contextuelle peut apparaître, ce qui signifie que vous devez télécharger des packs de sable supplémentaires pour utiliser ce style. Vous pouvez donc voir ici qu'il est indiqué que ce lecteur de session utilise un instrument qui n'est pas installé sur votre appareil. Voulez-vous télécharger le pack de sons contenant l'instrument manquant ? Donc, pour cet exemple, je vais télécharger le pack de sons, et vous pouvez voir ici qu'il est en train de télécharger le pack de sons. Donc, si votre iPad dispose de suffisamment d'espace, je vous recommande de télécharger les soundbacks Ce pack de sons a été téléchargé, et écoutons ce style punk rock. Nous allons donc appuyer dessus pour fermer cette fenêtre contextuelle et reproduire ce style punk rock. Vous pouvez donc entendre instantanément qu'il s'agit d'un style de batterie différent. Jetons maintenant un coup d' œil à la batterie. Nous pouvons le faire en cliquant sur le bouton du mixeur en bas, puis en faisant défiler la piste vers le haut et en trouvant l'instrument ici, c'est-à-dire le concepteur de kits de batterie Donc, si nous appuyons dessus pour ouvrir cet instrument, vous pouvez voir qu'il s'agit du kit East Bay. Nous pouvons cependant appuyer dessus ici pour choisir un autre préréglage. Ce sont donc des préréglages de kits de batterie différents. Choisissons donc celui-ci appelé Manchester Kit. Rejouons-le maintenant, et ce devrait être le même battement de batterie, mais nous serons dans une autre batterie, nous donnera un son différent Dessinez et jouez là-bas, j'ai sélectionné une autre batterie, le kit Liverpol, pour que vous puissiez entendre Fermons maintenant le mixeur en appuyant sur ce bouton, et fermons également le navigateur en appuyant sur ce bouton en bas à gauche. Fermons également le concepteur de la batterie en appuyant sur le bouton de connexion situé au milieu, et ouvrons à nouveau l'éditeur pour voir le concepteur de la batterie. Appuyons à nouveau sur cette icône en forme de tambour. Et si vous ne voulez pas que l'instrument de batterie change lorsque vous passez d'un style de jeu à un autre, assurez-vous de décocher la case Modifier le correctif Donc, remarquez que si je décoche cette case et que je passe au style de jeu de rock psychédélique et que je le rejoue , vais utiliser le même kit liverpol que nous avons Mais si nous activons Change Patch et que nous choisissons un autre style de jeu, disons Funky Songwriter et rejouons-le Vous remarquerez qu'il utilisera une autre batterie. Pour l'instant, je vais le laisser activé. Comme je voulais modifier le patch de batterie en fonction des différents styles, Logic fait du bon travail en sélectionnant le bon type de son de batterie pour les différents styles de jeu. OK, écoutons quelques autres styles de jeu. Essayons le pinceau Roots. OK, essayons-en un autre. Essayons l'indie pop. OK, essayons ça. Prochaine étape, Garage Rock. Et essayons ça depuis le début. Essayons un autre style. Essayons l'un de ces styles de R&B. Essayons le R&B moderne. Et encore une fois, rejouons-le depuis le début Je vous recommande donc de tester vous-même tous ces différents styles de jeu. Mais il n'y en a que quelques-uns pour que vous puissiez faire la différence. Examinons ensuite les curseurs de complexité et d' intensité ci-dessous ainsi que le bouton Réexécuter, que nous verrons dans la vidéo suivante Alors merci d'avoir regardé, et je vous y verrai. 27. Complexité, intensité et bouton Répéter: Bien, examinons maintenant le bouton de complexité, d' intensité et de réexécution. Donc, pour cet exemple, revenons au style de batteur, et je vais choisir le premier style appelé pop rock Parlons maintenant des curseurs de complexité et d'intensité ici Ainsi, lorsque nous tirons le curseur de complexité vers le haut, nous aurons un modèle beaucoup plus complexe Et lorsque nous abaisserons le curseur de complexité, nous aurons un modèle plus simple Vous verrez également la mise à jour de la région lorsque nous ajusterons également le curseur OK, je vais y rejouer maintenant et ajuster le curseur de complexité pour que vous puissiez faire la différence Je vais également mettre en boucle ces 8 barres. Je vais donc appuyer ici sur la plage de cycles et la faire glisser sur 8 barres. OK, rejouons-le. Vous auriez donc dû entendre que lorsque j' augmente le curseur de complexité, nous avons un modèle plus complexe Et lorsque je réduis le curseur de complexité, nous obtenons un modèle plus simple Parlons maintenant du curseur d'intensité. Voici donc la dynamique de votre rythme de batterie. Si nous le tirons vers le haut, la pièce sera plus forte, et si nous la tirons vers le bas, elle sera plus douce Cela ne fait pas que baisser le volume du jeu. Si vous tirez le curseur d' intensité vers le haut ou vers le bas différents échantillons de batterie sont joués plus ou moins fort OK, rejouons-le et ajustons ce curseur. Vous pouvez également entendre que lorsque nous abaissons ce curseur, il ne jouait pas le piège Il jouait le Rim Shot. C'est donc là que le batteur frappe le bâton sur le bord de la caisse claire Un rim shot est souvent utilisé pour des styles de batterie plus doux. Il peut donc déclencher différents samples de batterie lorsque nous ajustons le curseur d' intensité Regardons maintenant le bouton Réexécuter ici. Cela nous permet de modifier les performances du lecteur de session sans modifier les paramètres. Supposons donc que vous souhaitiez modifier légèrement le modèle, vous pouvez le faire ici. Vous pouvez donc voir que lorsque nous appuyons sur ce bouton, le schéma change. Appuyons à nouveau sur le bouton Perform. Et vous pouvez voir ici que le remplissage a changé. Tapons simplement sur une région cyclable ici pour désactiver et rejouons-la depuis la barre 4. OK, donc c'est la complexité, l'intensité et le bouton Rejouer. Je vous recommande donc de parcourir ces différents styles de batterie et ajuster ces curseurs pour faire la différence vous-même. Bien, nous allons maintenant examiner la création d' une autre région pour les joueurs de session et la sélection de la batterie. Merci de votre attention , je vous y verrai. 28. Créer une nouvelle région de joueur de session et une nouvelle sélection de batterie: Voyons maintenant comment créer une nouvelle région pour les joueurs de session et sélectionner la batterie. Comme dans n'importe quelle région, nous pouvons le faire en boucle en cliquant sur l'icône de boucle ici. Ensuite, nous pouvons appuyer et faire glisser le pointeur vers la droite, et cela fera tourner la région en boucle. Comme vous pouvez le voir ici, j'ai fait une boucle de 8 barres supplémentaires. Cependant, je vais le remettre à 8 barres en appuyant et en faisant glisser le pointeur vers la gauche Nous pouvons également découper notre région en accédant à l' outil de découpe situé ici. Nous pouvons maintenant appuyer et faire glisser le pointeur vers la gauche pour le découper. Nous pouvons également appuyer et faire glisser le pointeur vers la droite, et la logique étendra cette zone réservée aux joueurs de session, et vous pourrez voir le schéma se poursuivre. Cependant, ramenons-le à 8 barres de long. En fait, j'aime créer une nouvelle région pour une nouvelle section de la chanson, par exemple un couplet ou un refrain De cette façon, nous pouvons facilement changer certaines pièces. Par exemple, vous souhaiterez peut-être passer à un autre instrument de batterie dans l'autre section ou avoir moins ou plus d'instruments de batterie ou plus ou moins de complexité ou d'intensité. Par exemple, si vous passez du couplet au refrain, vous souhaiterez peut-être que le refrain soit plus intense que le couplet Je vais maintenant vous montrer comment créer une nouvelle région. Vous devez donc appuyer sur un espace vide dans l' arrangement, puis descendre pour créer une région de session pour joueurs. Cela créera donc une autre région. Nous pouvons également copier notre région en appuyant deux fois dessus, en cliquant sur Copier, puis en déplaçant règle de la tête de lecture à l' endroit où vous souhaitez la coller Pour cet exemple, déplacons-le vers la barre 17 et tapons-deux fois dessus, puis laissez-le coller une tête de lecture Vous pouvez donc voir ici avec le passé, et nous avons maintenant trois régions. Cependant, je vais simplement supprimer cette troisième région, et nous pouvons le faire en appuyant deux fois sur la région et en procédant à la suppression. OK, nous avons maintenant deux régions, et changeons maintenant les parties entre ces deux modèles. Nous allons donc sélectionner la première région ici. Et vous pouvez voir ici que nous pouvons choisir nos différents instruments de batterie. Rejouons-le, et je vais trouver entre ces différents instruments pour que vous puissiez entendre la différence. Je vais également appuyer ici pour activer la zone cyclable Nous allons donc faire tourner ces 8 barres en boucle. OK, donc je vais le rejouer , puis allumer et éteindre ces différents instruments de batterie pour que vous puissiez entendre la différence. Nous avons donc un chapeau haut, un manège, tom drum, un snare et un kick Supposons que vous vouliez avoir une section d'un tom drum, vous pouvez la sélectionner ici. Et si vous souhaitez avoir une autre section avec un manège ou un chapeau haut, vous pouvez également sélectionner l'une d'entre elles. Vous ne pouvez toutefois pas sélectionner les deux. Vous ne pouvez choisir que l'une d'entre elles. Mais pour le coup de pied et le piège, vous pouvez sélectionner l'une ou l'autre, aucune d'entre elles ou les deux Disons que pour cet exemple, nous avons le couplet avec les Toms, puis nous avons les chapeaux hauts pour le chœur Supposons donc que la deuxième section soit le refrain. Nous pouvons sélectionner les chapeaux ici, et augmenter également l' intensité, car la plupart du temps, le refrain sera un peu plus fort et plus intense que le couplet OK, rejouons-le maintenant de la première région à la deuxième, et vous devriez pouvoir entendre la différence. D'accord, voici comment créer une nouvelle région et une nouvelle sélection de batterie. Ensuite, nous allons examiner les motifs de batterie, que nous verrons dans la prochaine vidéo. 29. Mouvements à la batterie: Bon, regardons maintenant les patterns de batterie ici. Commençons par un coup de pied et un piège. Si nous appuyons sur ce modèle ici, vous pouvez voir qu'il nous donne d'autres modèles que nous pouvons choisir. Passons en revue certaines d'entre elles maintenant et écoutons-les. Avant de rejouer, je vais juste appuyer ici pour que nous puissions faire une boucle dans cette région. OK, rejouons-le maintenant et écoutons certains de ces différents modèles de coups de pied et de caisse claire Je ne les ai pas tous passés en revue, mais j'espère que vous avez entendu la différence entre ces modèles. Si nous faisons défiler la page vers le bas, vous pouvez voir que nous avons cette obsection rythmique suivante Cela nous permet de suivre le rythme d' un autre instrument. Cependant, nous y reviendrons plus tard lorsque nous ajouterons un autre instrument à la chanson. Rejouons-le maintenant et écoutons les différents motifs du tambour Ride and Tom à chapeau haut de gamme. OK, faisons-le maintenant. Choisissons le trajet. J'avais le choix entre quatre modèles différents pour le chapeau haut et le manège et trois modèles différents pour le tambour Tom. Vous avez peut-être également remarqué que deux des modèles de conduite étaient plutôt des modèles de collision Ils jouent donc davantage le symbole de l'accident . Ils jouent donc davantage le symbole de l'accident que le symbole du trajet. revenons à Mais revenons à la casquette haute pour le moment. Nous pouvons également choisir un modèle manuel pour le kick and snare Laissez-moi vous montrer comment procéder maintenant. Nous devons donc passer à l'onglet manuel ci-dessus, et maintenant nous pouvons saisir notre propre schéma pour le coup de pied et le piège Nous pouvons donc appuyer pour ajouter et appuyer à nouveau pour supprimer. Commençons par quelque chose de simple : le kick sur les battements un et trois et la caisse claire sur les battements deux et quatre Et vous pouvez voir cette mise à jour dans la région ci-dessus. Revenons-y maintenant. Donc, chacune de ces quatre notes est une barre, et chacune d'elles est une 16e note. Ajoutons maintenant quelques notes 16 supplémentaires pour rendre les choses un peu plus complexes. OK, écoutons-le en retour. Dessinez et écoutez également. Je vais ajuster ce schéma. Nous pouvons également appuyer sur ces points libres ici et copier le modèle ou le réinitialiser si vous le souhaitez. Nous pouvons également ajuster la longueur du motif, il n'est donc pas nécessaire que ce soit une seule barre. Il peut s'agir de 2 barres, 3 barres, 4 barres, ou nous pouvons choisir un nombre défini d'étapes. Par exemple, si je sélectionne 2 barres, vous pouvez voir que nous avons cette autre zone ici pour la deuxième barre. Cependant, revenons à 1 barre. Donc, si nous revenons à l'onglet principal, il est indiqué un schéma manuel pour le kick and snare Cependant, nous pouvons toujours appuyer ici et revenir à l'un de ces préréglages si vous le souhaitez Vous remarquerez également dans les préréglages que certains de ces points sont plus foncés et d' autres plus clairs. Les points de ton les plus clairs auront une vélocité plus faible, tandis les points de ton les plus foncés auront une vélocité plus forte. Vous pouvez également constater que certains de ces modèles sont plus complexes que d'autres. Pour cet exemple, je vais simplement revenir à l'un de ces préréglages. Choisissons le préréglage numéro deux. Vous remarquerez cependant que nous ne pouvons pas choisir un modèle manuel pour le tour des chapeaux hauts ou pour les Toms Mais plus tard, je vais vous montrer comment convertir cela en une région midi dans laquelle nous pouvons modifier toutes les notes midi et les coups de batterie. OK, ce sont donc les modèles de batterie. Dans la prochaine vidéo, nous allons continuer à regarder ce lecteur de session de batteur 30. Remplir et balancer: OK, alors jetons un coup d'œil à la zone de remplissage et de pivotement ici. Regardons d'abord le numéro du montant total ici. Nous pouvons ainsi ajuster le nombre de remplissages que vous souhaitez entendre dans votre schéma. Lorsque nous déplaçons le cadran vers la droite, nous entendons davantage de remplissages, et lorsque nous le déplaçons vers la gauche, nous entendons moins de remplissages. Laissez-moi vous montrer maintenant. Nous pouvons également ajuster la complexité des remplissages à l'aide de ce cadran, afin que la complexité détermine le nombre de notes contenues dans les remplissages et la rapidité avec laquelle les remplissages sont joués. Nous pouvons donc simplifier un peu les remplissages en déplaçant ce cadran vers la gauche, et nous pouvons rendre les remplissages plus complexes en déplaçant ce cadran vers la droite. Rejouons-le et je vais ajuster cadrans de quantité de remplissage et de complexité C'était un peu trop quand nous avons dû les remplir sur Max, alors je les ai recomposés. Vous remarquerez également ici que nous avons ce paramètre de verrouillage. Avec cela, nous pouvons verrouiller les commandes de remplissage et de balancement ici. Donc, si vous êtes satisfait de ces paramètres, vous pouvez les verrouiller afin de ne pas les modifier accidentellement. Nous pouvons également verrouiller les paramètres, afin qu'il les conserve lorsque nous passons à un style de jeu différent. Ils sont donc verrouillés, nous ne pouvons pas les ajuster. Cela peut donc être utile si vous souhaitez changer de style de jeu, mais vous ne souhaitez pas modifier ces paramètres ici. Cependant, pour cela, je vais juste les déverrouiller. OK, ce sont donc les paramètres de remplissage. Regardons maintenant les réglages du swing. Avec cette commande, nous pouvons ajouter un swing de huitième note à notre part. Si nous tapons ici, cela passera à la 16e note. Nous pouvons donc ajouter du swing à la 16e note. revenons à la huitième note, Mais revenons à la huitième note, car ce sera un peu plus évident. Je vais donc le rejouer maintenant et je vais ajuster les réglages du swing et aussi passer du swing de la huitième note à celui de la 16e note pour que vous puissiez entendre la différence. Donc, si vous créez du jazz ou de la musique Blue Star, vous voudrez peut-être ajouter du swing, ou simplement ajouter du swing à votre partie de batterie. Encore une fois, nous pouvons appuyer sur cette icône ici et bloquer le montant du swing si nous le souhaitons. Mais pour l'instant, je ne veux pas de swing, donc je vais tourner le style complètement vers la gauche à 50 %. OK, donc c'est le fill and swing. Ensuite, nous allons examiner l'onglet Détails, que nous verrons dans la vidéo suivante. 31. Détails - 1ère partie: OK, alors regardons maintenant l'onglet des détails. Nous pouvons y accéder en appuyant sur les détails ici. Cette zone possède des notes, une sensation, une dynamique, une humanisation et un tempo fantômes sensation, une dynamique, une humanisation et un tempo Dans cette première partie de cette vidéo, nous examinerons les notes fantômes et les menus contextuels pour la caisse claire, les percussions et le chapeau haut Bien, parlons d'abord de Ghost Notes. Ce sont donc des notes très douces et subtiles qui sont jouées à la caisse claire Ces notes sont si douces qu'elles sont presque fantomatiques, c'est pourquoi on les appelle notes fantômes Réduisons donc ce chiffre à 0 %, et écoutons le groove maintenant, sans notes fantômes. Ajoutons maintenant quelques notes fantômes et augmentons ce chiffre à 100 %. Vous pouvez voir ici la mise à jour du schéma, et vous devriez être en mesure d'entendre d' autres coups de caisse claire plus doux Rejouons-le maintenant. Vous pouvez donc y entendre que les notes fantômes ajoutent de la texture, la dynamique et du groove à la batterie. Baissons simplement cette option, mais laissons quelques notes fantômes. D'accord, examinons maintenant ces options déroulantes ici. Voyons d'abord les options pour le piège. Cela nous permet de choisir le type de piège que nous voulons obtenir pour notre performance Vous pouvez laisser cette option activée automatiquement, mais examinons ces autres options, qui vous permettent de choisir une cible précise pour la performance Le centre frappera le piège au centre du tambour. Cela nous donnera un coup clair au son standard. Sélectionnons-le et répondons avec nous. Ensuite, nous avons Rim Shot. C'est là que le batteur frappe le bâton sur le bord de la caisse claire. Dans cet exemple, vous pouvez entendre qu' il semble heurter le rebord et le collet en même temps Ensuite, nous avons le stick latéral, qui est un robinet sur jante. Ensuite, nous avons Tom, qui remplacera la caisse claire par le tam-drum Mais maintenant, je vais laisser ça automatique. Mais si vous pensez à un type de piège précis , vous devriez peut-être essayer de le contourner ici pour en vous devriez peut-être essayer de le contourner ici pour en trouver un qui se rapproche le plus de ce que vous avez en tête Bon, voyons maintenant options de percussion ici. Cela nous permet d'ajouter des percussions à notre performance. Nous avons des tambourins, des shakers et des claps, et nous avons également différents modèles pour ceux-ci Rejouons-le et je passerai entre ces différents instruments et patterns pour que vous puissiez entendre la différence. Si vous souhaitez ajouter des percussions à votre batterie, vous pouvez le faire ici. Mais pour l'instant, remettons cela à tard et examinons les options les plus populaires ici. Ainsi, nous pouvons choisir différentes manières de jouer les aigus heure actuelle, il est à moitié fermé, mais changeons-le en grand ouvert afin que vous puissiez clairement entendre la différence. Passons à présent à ce paramètre à fermé. Rejouons-le à nouveau, et je changerai entre mi-fermé, mi-ouvert, ouvert et automatique. Donc, si vous imaginez que vous jouez de la batterie, l'intensité sonore sera différente selon la façon dont vous appuyez sur la pédale. Vous pouvez donc fermer complètement le haut pour l'ouvrir en grand. Mais pour l'instant, laissons cela automatique. Si nous revenons au réglage principal, cela changera réellement. Donc, si nous vendons ce manège et que nous revenons aux détails, vous remarquerez que différents types de symboles ont été ajoutés. Nous pouvons donc choisir un symbole de manège. Ensuite, nous pouvons choisir Ride Bell, qui touche une plus grande partie du centre du symbole du manège, la zone de la cloche. Ensuite, nous pouvons choisir Ride Crash, c'est là qu'ils frappent le symbole du ride beaucoup plus fort. Ensuite, nous pouvons choisir CASH one, qui est un symbole de collision plutôt que le symbole de trajet. Et nous pouvons choisir CASH two. Ces symboles de crash nous donneront donc bien plus qu'un son agressif. Mais pour l'instant, remettons cela en mode automatique. Revenons maintenant à l' onglet principal et choisissons le tambour Tom. Vous remarquerez encore une fois dans l'onglet détails que cela a changé. Donc, pour le moment, c'est automatique, et voyons à quoi cela ressemble. Remplaçons cela par Tom Lowe pour que vous jouiez le faible Tom Essayons avec Tom Mid, qui sonnera mieux que Tom Lowe Et essayons avec Tom High, qui aura une tonalité encore plus élevée. De toute évidence, les Tom les plus bas sont plus bas et les Tom les plus hauts sont plus élevés Revenons-en à l'automatique, puis revenons à l'onglet principal pour le remplacer par des chapeaux hauts. OK, c'est donc la fin de cette vidéo. Ensuite, nous allons continuer à examiner l'onglet des détails où nous allons examiner la sensation, la dynamique, le regard humain et le tempo. 32. Détails - Partie 2: Bien, continuons à regarder l' onglet des détails du batteur du joueur de session Jetons donc maintenant un coup d' œil à la section ici. Parlons d'abord de la sensation. Donc, si nous déplaçons le cadran vers la droite, cela fera avancer le champ, et nous pouvons voir le motif bouger légèrement lorsque nous déplaçons ce cadran. Cela peut donc être difficile à entendre. Mais si je le rejoue avec un métronome, vous remarquerez peut-être que les notes se précipitent Allumons donc le métronome et rejouons-le. Si nous déplaçons ce cadran vers la gauche, il le ramènera vers l'arrière, et il semblerait que les notes soient un peu différées. s'agit donc simplement d'une méthode pour contrôler dans quelle mesure vous souhaitez que le groove de la batterie soit en avance ou en retard par rapport au rythme. Il peut être assez difficile d'entendre la différence lorsque nous n'avons que la batterie, mais lorsque nous avons plusieurs instruments, cela devrait être plus facile à entendre. Ajoutons donc simplement une partie de basse pour que nous puissions l'entendre un peu plus clairement. Nous examinerons le bassiste de session un peu plus loin dans la section suivante, mais pour l'instant, je vais simplement faire glisser le curseur sur une boucle de basse. Passons donc au navigateur ici. Appuyons ici sur le bouton SAC et sélectionnons la boucle. Trouve une boucle de basse, et choisissons-en une. OK, je vais choisir celui-ci appelé Frenzy Hard Sennth Si vous suivez le chemin et que vous n'avez pas exactement cette boucle, choisissez-en une autre, mais je vous recommande d'en choisir une avec un peu de mouvement. Maintenant, tapotons-le et faisons-le glisser sous le batteur. Passons simplement à l'outil de boucle ici et je vais le mettre en boucle, qu'il ait la même longueur que la batterie. Bien, revenons à l'outil Trim et sélectionnons à nouveau la région du tambour Et fermons également ce navigateur pour avoir un peu plus d'espace. Rejouons-le maintenant et je vais ajuster ce cadran de champ. Donc, en gros, si nous déplaçons ce cadran vers la droite, il poussera le remplissage vers l'avant, et si nous nous déplaçons vers la gauche, il retirera le remplissage vers l'arrière. Mais pour l'instant, désactivons cette boucle de base. Dans le heavy rock et les styles similaires, vous voudrez peut-être que les transients sortent un peu plus loin que la basse et la guitare, et vous voudrez peut-être déplacer le terrain pour pousser Pour quelque chose de plus décontracté, vous pouvez déplacer le champ pour tirer. Je vais juste appuyer deux fois sur le cadran pour rétablir la valeur par défaut de 0 %. Bon, parlons maintenant du contrôle dynamique sur la droite ici. Cela va de 0 % à 200 %. Donc, si nous déplaçons ce cadran vers la droite, il y aura plus de variations dynamiques et de variations de vélocité dans les différentes batteries, y compris les notes fantômes. Mais pour l'instant, éteignons simplement le métronome et rejouons-le Si nous le retirons, il y aura moins de dynamique et les vitesses auront moins Les coups de caisse claire sonneront donc très similaires, et les coups de pied seront très similaires, tout comme les autres instruments de batterie de ce modèle Revenons maintenant à cette question avec ce refus. Donc, si vous souhaitez une variation plus dynamique des performances, je vous recommande d' augmenter ce cadran. Mais si vous voulez que le son soit plus uniforme, vous pouvez le diminuer. Cela dépend donc de ce que vous voulez pour votre chanson. Si vous voulez que quelque chose sonne comme un ordinateur joue de la batterie, vous pouvez le réduire. Mais si vous voulez que cela sonne un peu comme si un humain jouait avec des variations dynamiques, vous pouvez augmenter ce résultat. Mais pour l'instant, appuyons deux fois dessus et revenons à la valeur par défaut de 100 %. Cela m'amène au contrôle suivant, qui est l'humanisation. Cela affectera donc le timing de la partie batterie. Si nous le mettons à 0 %, il fonctionnera parfaitement à temps. Et si nous l'augmentons, cela déplacera certaines notes, de sorte qu'elles seront légèrement décalées. Et vous pouvez également voir cette mise à jour dans la région. C'est parce qu'une vraie personne jouant de la batterie ne peut pas les jouer parfaitement à temps, et elles ne le seront pas. Cependant, sur un ordinateur, nous pouvons faire en sorte que le rythme de la batterie soit parfait si vous le souhaitez. Encore une fois, cela dépend si vous voulez que cela sonne comme si une personne joue de la batterie ou si vous voulez que cela sonne programmé par ordinateur. Vous pouvez donc augmenter ce cadran si vous voulez qu'il sonne plus humain. Désactivons à nouveau cette boucle de basse, rejouons-la et ajustons-la pour humaniser le contrôle et faire la différence . Mmm, hum. Ce n'est donc pas hors délai, mais si vous ajoutez un peu d' humanisation à la pièce, cela la rend un peu moins robotique Les différences auditives peuvent cependant être assez subtiles, je vous recommande donc de les tester vous-même. Maintenant, cependant, appuyons deux fois dessus et rétablissons la valeur par défaut de 20 %. Bon, regardons maintenant cette liste déroulante de tempo ici. Par défaut, ce sera en standard. peut être utile de remplacer ce paramètre par rapport au standard si vous avez enregistré le morceau au double ou à la moitié du tempo, car un batteur suivra le tempo du projet Pour le moment, cela n'est pas utile pour cette chanson. Mais, par exemple, si vous avez enregistré une chanson à 170 BPM et que le groove est en fait de 85 BPM, vous pouvez sélectionner Inversement, si votre groove est réellement de 170 BPM, nous avons enregistré à 85 BPM, vous pouvez sélectionner le double temps De plus, s' il s'agit du mode automatique, le joueur de session jouera en mode double ou à mi-temps si le tempo du projet est très différent du tempo par défaut du style Cependant, pour cela, laissons cela en standard. OK, c'est donc la fin de cette vidéo où nous avons examiné la section ici. Ces paramètres peuvent donc vous aider à suivre votre rythme, à ajouter des variations dynamiques et à les humaniser si nécessaire Et nous avons également examiné ce réglage du tempo. Merci donc de votre attention, et je vous verrai dans le prochain, où nous verrons comment convertir notre modèle en région midi et ajuster le motif en tant que région midi. 33. Convertir en MIDI et modifier des notes MIDI: Bien, voyons maintenant comment convertir la notre lecteur de session en région midi. Si nous le faisons, nous pouvons personnaliser et modifier notre pièce. Mais avant cela, je vais dupliquer la piste en la sélectionnant et appuyant sur le bouton de duplication ici. Je vais ensuite appuyer deux fois sur la région de notre session de joueur et passer à copier. Maintenant, je vais déplacer la tête de jeu pour qu' elle soit à la barre 9 Ensuite, je vais coller la barre 9 sur notre nouveau morceau. Touchons donc deux fois ici et sélectionnons Rythme à la tête de lecture. J'ai maintenant une copie de ce lecteur de session au cas où je voudrais revenir à la région du lecteur de session, car nous pouvons convertir un lecteur de session en région midi, mais nous ne pouvons pas convertir une région midi en région de lecteur de session. OK, donc je vais désactiver ce nouveau morceau car nous n'avons pas besoin de l'entendre Nous pouvons donc le faire en appuyant sur le bouton. OK, convertissons maintenant la région du lecteur de session en région midi. Pour ce faire, appuyez deux fois sur la région que vous souhaitez convertir, puis nous pouvons appuyer sur Convertir ici, puis sélectionner Convertir en région MIDI. Nous pouvons maintenant voir ici dans l'éditeur MDI que les tambours ont été convertis en informations MDI Nous avons le clavier du piano sur la gauche, et nous pouvons cliquer sur ces notes de piano pour entendre les différents coups de batterie. Tapons maintenant avec deux doigts et faisons glisser le pointeur pour zoomer, et faisons-le également verticalement. Nous pouvons également appuyer sur des mini-notes individuelles pour lancer la batterie. Nous pouvons également vendre le bouton de vélocité ici, et nous pouvons appuyer et faire glisser le pointeur vers le haut ou vers le bas pour ajuster la vélocité de chaque note. Touchons maintenant avec deux doigts et faisons glisser le pointeur pour effectuer un nouveau zoom arrière. Faisons-le horizontalement et verticalement. Réécoutons cette boucle une fois de plus. Avant cela, je vais simplement désactiver la boucle de basse que nous avons ajoutée précédemment OK, rejouons-le maintenant pour que nous puissions juste entendre la batterie. OK, je vais juste zoomer à nouveau. Et ajustons simplement ce schéma maintenant. Nous avons donc le kickdrum sur C one, et passons simplement à l'outil crayon, dessinons-le et supprimons certains modèles de coups de pied. Nous pouvons appuyer pour dessiner et appuyer nouveau sur la note pour la supprimer. Faisons-le également pour la partie piège. Donc, cette Ente est un piège. Encore une fois, nous pouvons appuyer sur la note pour la supprimer . Et touchez pour en ajouter un. OK, écoutons-le maintenant. OK, super. Modifions-le encore plus. Ajoutons quelques chapeaux hauts. Voici donc les chapeaux hauts. Et enlevons-en également quelques-uns. Ajoutons la partie instantanée ici. Ajoutons une batterie ici, et retirons celle-ci. OK, écoutons-le maintenant. OK, super. Je vais juste ajouter quelques chapeaux hauts supplémentaires, donc c'est un peu évident. Nous pouvons donc y voir, nous ne pouvons pas y ajouter de note. Mais en zoomant maintenant, nous pouvons voir ces lignes, et nous pouvons ajouter une note plus facilement OK, écoutons-le maintenant. Veillez simplement à ne pas ajouter accidentellement des notes lorsque vous avez sélectionné l'outil crayon avez sélectionné l'outil crayon. Je vais donc simplement annuler les deux notes qui y ont été ajoutées. Revenons à l' outil Trim et effectuons un nouveau zoom arrière. Vous pouvez voir qu'il y a ici encore plus d'informations MIDI que nous pouvons ajuster. Voici le symbole du crash, Toms, chapeau haut ouvert. Encore une fois, nous pouvons intervenir et les ajuster si vous le souhaitez. OK, ajustons maintenant d'autres vitesses. Je vais donc juste pincer ici pour zoomer. Trouvons les pièges, celui-ci ici. Et pour cet exemple, je vais ajouter quelques pièges ici. Revenons donc à l'outil crayon et tapotons ici pour ajouter des pièges Je vais maintenant passer à l'outil de vélocité et passer à cette augmentation de vélocité. Puis redescendez en vitesse. Cela devrait donc sembler silencieux, devenir plus fort, puis redevenir plus silencieux OK, écoutons-le en retour. Faisons une boucle à partir de la barre 12 pour que nous puissions simplement entendre ceci. OK, super. Pour cela, cependant, je veux qu'il augmente progressivement. OK, quelque chose comme ça. Et puis à la barre 13, je veux ajouter un symbole de crash. C'est donc celui-ci ici. Ajoutons donc ceci ici. Je vais donc revenir à l' outil Pencil et appuyer sur la barre 13. L'escargot s'accumulera donc progressivement, puis nous aurons ce symbole d'accident Écoutons-le maintenant. OK, n'oubliez pas que nous pouvons toujours appuyer sur ce bouton Annuler ici pour annuler les modifications. Je vais donc appuyer dessus plusieurs fois pour annuler ce que nous venons de faire. Nous pouvons également ajouter d'autres instruments de batterie, pas seulement ceux que nous voyons ici dans l'éditeur midi. N'oubliez pas que nous pouvons appuyer sur les notes présentes dans le clavier du piano pour prévisualiser les différents sons de batterie. Ajoutons donc ce tambour Tom ici. Assurons-nous donc d'avoir sélectionné le crayon ici et tapons quelques notes supplémentaires. Je vais juste zoomer. Et ajoutons quelques notes ici sur Br ten. C'est donc une note ici. Ajoutons-en un certain nombre, donc c'est évident, et nous allons également appuyer sur la vélocité ici et ajuster certaines de ces vitesses Faisons maintenant glisser la zone du cycle vers la barre dix, pour qu'elle apparaisse immédiatement. OK, revenons maintenant à la case départ. Et, bien entendu, nous pouvons continuer à ajouter d'autres de ces notes si vous le souhaitez. Encore une fois, appuyons sur l'icône en forme de crayon ici et ajoutons-en quelques autres. Et encore une fois, revenons à l'outil de vélocité pour ajuster certaines de ces vitesses Si la vélocité sonne toujours de la même manière, cela semblera un peu robotique, et nous pouvons le rendre un peu plus intéressant avec quelques variations de vélocité. OK, réécoutons-le encore une fois. Barres 10 et 11. Et encore une fois, nous pouvons appuyer sur ceux-ci pour les supprimer, ou nous pouvons annuler nos modifications en appuyant sur le bouton Annuler. Nous pouvons donc apporter beaucoup plus à ce modèle, mais il s'agit simplement d'un moyen rapide de personnaliser votre schéma de batterie dans l'éditeur immédiat OK, ce sont donc tous les réglages pour le batteur acoustique Ensuite, nous allons examiner le lecteur de session Electronic Drummer Merci de votre attention , je vous y verrai. 34. Batterie électronique: Bon, regardons maintenant le lecteur de session Electronic Drummer Les réglages de ce batteur sont très similaires à ceux du batteur acoustique que nous avons examiné précédemment, mais je vais explorer quelques différences dans cette vidéo OK, alors désactivons la piste de batterie sur laquelle nous travaillions précédemment, et ajoutons maintenant une nouvelle piste en appuyant sur le bouton Astrak Maintenant, dans le lecteur de session, sélectionnons le batteur. Et appuyez sur « Où se trouve le lecteur de session » pour ajouter cette piste. Vous pouvez donc voir ici que nous avons ajouté un nouveau joueur de session de batterie. Je vais juste faire glisser la région du cercle pour qu'elle boucle les 9 premières barres. OK, maintenant on peut passer à Acoustic Drummer. Et maintenant, passons à taper et tapons sur Where it Says Acoustic Drumer. Vous pouvez voir ici que nous avons cette liste déroulante qui comprend un batteur acoustique, un batteur électronique, un percussionniste, un bassiste bassiste Nous parlerons du percussionniste dans la vidéo suivante. Mais pour l'instant, choisissons un batteur électronique. Vous pouvez voir ici que nous avons ces différents styles pour l'électronique, le hip hop et l'alternatif. Pour cet exemple, choisissons Synthpop. Lorsque vous choisissez certains de ces styles, une fenêtre contextuelle comme celle-ci peut s'afficher pour vous demander de télécharger un certain pack de sons. Donc, pour cet exemple, je vais télécharger le pack de sons. Et on peut le voir se télécharger ici. OK, maintenant c'est téléchargé. Appuyons maintenant dessus et rejouons-le pour entendre le batteur électronique de Synthpop Bon, écoutons maintenant d'autres batteurs électroniques. Essayons le hip hop moderne. Essayons-en un autre. Essayons Tech House. Essayons-en un autre. Essayons Modern House. Je ne vais pas passer en revue tous ces différents styles maintenant, mais je vous recommande de les parcourir vous-même afin que vous puissiez entendre les différents styles et sons. OK, écoutons Modern House. Écoutons-le maintenant avec la partie basse que nous avons ajoutée précédemment. Il suffit donc de le toucher et de le faire glisser, de le désactiver et d'entendre la basse avec le batteur électronique. Mm. OK, donc tout de suite, je pense que ça sonne plutôt bien. Cependant, pour l'instant, désactivons la piste spatiale et revenons au batteur électronique Tapons donc sur cette région ici, et examinons certains de ces paramètres. Nous avons donc les curseurs de complexité et d'intensité. Ils font la même chose que le batteur acoustique. Ainsi, avec le curseur de complexité, nous pouvons rendre le motif plus complexe ou plus simple, et le curseur d'intensité affecte la dynamique de la partie batterie Donc, si nous faisons glisser le curseur vers le haut, la partie sera plus forte, et si nous faisons glisser le curseur vers le bas, la partie sera Je vais juste le rejouer maintenant et ajuster ces deux curseurs pour que vous puissiez entendre la différence OK, alors nous avons la zone des motifs ici, qui est très similaire à la zone des motifs des batteurs acoustiques Nous avons donc ici des modèles prédéterminés pour le coup de pied, le museau et le clap Nous pouvons également les activer et les désactiver en appuyant dessus. Ci-dessus, nous avons des chapeaux hauts, des shakers et des manèges, et nous avons d'autres percussions ci-dessus Vous remarquerez que les percussions peuvent changer entre ces différents styles. ne reste plus qu'à choisir un autre style pour le batteur électronique Choisissons les années 80 modernes. Et vous remarquerez que les percussions ont changé. Nous avons donc encore des coups de pied maintenant et des applaudissements, mais maintenant nous avons un chapeau haut, un shaker, des Toms et des Encore une fois, nous pouvons appuyer ici pour choisir le modèle différent. Rejouons-le, et je choisirai différents modèles, activerai et désactiverai différents instruments afin que nous puissions entendre la différence. Revenons maintenant au schéma des coups de pied et applaudissons Vous remarquez ici que nous avons la section qui dit de suivre Rhythm of. Nous n'en avons donc pas pour les patterns pour le high h et les percussions, le kick and snare ou pour le batteur électronique, kicks now Nous n' avons actuellement aucun accord, mais il suivra les accords si nous en avons, et cela est activé Nous pouvons également suivre la piste. Ici, nous pouvons suivre la batterie individuelle du batteur acoustique, et nous pouvons également suivre la boucle audio de la basse Faisons en sorte qu'il suive la partie basse. Sélectionnons-le et rejouons-le. Désactivons donc la basse, et vous devriez être en mesure d'entendre que les coups de pied et les applaudissements suivent davantage la partie Mais pour l'instant, désactivons la partie basse. Revenons à ce schéma, appuyons sur la piste et partons, comme je ne le veux pas, en suivant quoi que ce soit pour le moment. Nous pouvons également saisir manuellement un schéma pour les coups de pied maintenant et applaudir Nous pouvons le faire en accédant à l'onglet manuel, et chaque case correspond à un battement. Donc, si j'ajoute un kick drum toutes les quatre cases, le coup de pied se jouera à chaque battement ou à chaque quart note. Écoutons-le maintenant. Juste pour cet exemple, applaudissons chacun de ces carrés Ce sont donc des notes 16, donc il y aura quatre claps à chaque battement Disons-le maintenant. Nous pouvons également appuyer à nouveau sur ces carrés jaunes pour les supprimer. OK, saisissons maintenant le rythme. Faisons donc clap and snare play au battement deux et au battement Ajoutons quelques coups de pied entre les deux. Ajoutons également un applaudissement ici . OK, reprenons-le. Lecture de dessins. Nous pouvons également appuyer pour ajouter et supprimer des étapes ici. Et nous pouvons taper sur la longueur ici, il ne s'agit donc pas d'une simple barre. Nous pouvons l'allonger ou le raccourcir si vous le souhaitez. Vous pouvez donc voir que lorsque je sélectionne 2 barres, nous avons également cette autre barre ici. Cependant, pour cet exemple, je vais utiliser davantage de préréglages. Revenons donc à l'onglet principal appuyons sur l'endroit où il est indiqué « modèle manuel » ici et choisissons l'un de ces préréglages Choisissons le premier. Vous pouvez voir ici que cela a changé. Revenons-y. OK. Ensuite, tout comme le batteur de session acoustique, nous avons la quantité et la complexité nécessaires, et nous pouvons également ajouter du swing de 16e ou de huitième note ici avec le cadran oscillant Rejouons-le et relisons le dessin, je vais les ajuster à l'aide ces commandes pour que vous puissiez entendre la différence. Bien, passons maintenant à l' onglet détails et parlons de ces plages de complexité. Ils définissent une fourchette entre les choses les plus complexes et les moins complexes à jouer pour l'instrument à batterie. Comme vous le voyez ici, nous avons un kick, un snare, un clap, un chapeau haut, un shaker, Tom heure actuelle, ils sont gradués car dans l'onglet principal, ils ne sont pas activés. Mais si nous les activons ici, vous pouvez voir qu'ils ne sont plus rétrogradés. Si nous déplaçons cette plage vers le haut, elle sera plus complexe, et si nous la déplaçons vers le bas, elle sera moins complexe. Ou nous pouvons faire glisser le pointeur vers le haut comme ça pour élargir la plage. Ou nous pouvons avoir une plage ici, où ce serait plus simple ou faire glisser haut et une gamme ici, où elle serait plus complexe. Regardons le coup de pied dès le début. Ainsi, lorsque nous le déplaçons vers le bas, vous pouvez voir cette mise à jour dans la région. Rejouons-le, et écoutons simplement le coup de pied. Maintenant, faisons-le glisser vers le haut pour obtenir une gamme plus complexe. Et vous pouvez le voir ici encore, il est mis à jour dans la région. Revenons-y à nouveau. Et encore une fois, nous pouvons changer cela afin d'avoir une gamme plus large. Nous pouvons faire de même pour le piège, donc nous pouvons le faire glisser vers le haut une plage plus complexe ou le faire glisser vers le bas pour obtenir une plage plus simple Nous pouvons donc avoir un large éventail entre le simple et le complexe ou simplement le simple ou le complexe ou quelque part entre les deux. Et il en va de même pour les autres instruments de batterie ici. Cela vous permet donc de personnaliser encore plus votre partie de batterie dans ce jeu de session électrique. Nous avons alors ce curseur de variation de phase. Nous pouvons ainsi ajuster l'ampleur de la variation rythmique sur plusieurs mesures. Donc, si vous voulez que votre schéma soit plus répétitif, vous pouvez le réduire. Mais si vous souhaitez que votre modèle présente plus de variation, vous pouvez augmenter ce curseur de variation de phase D'accord, il y a ensuite la dynamique du terrain, l'humanisation et le tempo, qui sont les mêmes que dans le batteur de session acoustique Je vais maintenant aborder ce sujet brièvement à titre rappel ou au cas où vous auriez manqué la vidéo précédente à ce sujet donc l'impression que nous pouvons faire avancer le terrain si nous déplaçons le Dell vers la droite. Ou si nous déplaçons le cadran vers la gauche, nous pouvons tirer le fichier. Pour le heavy rock et les styles similaires, vous devriez peut-être aller plus loin. Pour quelque chose de plus décontracté, vous pouvez tirer le fichier Ensuite, nous avons le style dynamique, qui nous permet de contrôler la quantité de dynamique de notre batterie. Si nous le déplaçons vers la gauche, il y aura moins de dynamique et moins de variation de vitesse. Et si nous le déplaçons vers la droite, il y aura plus de dynamique et plus de variation de vitesse. Je vais juste le rejouer maintenant et ajuster ce fichier pour que vous puissiez faire la différence Ensuite, il y a l'humanisation, qui affectera le timing de la partie de batterie Si nous le mettons à 0 %, il fonctionnera parfaitement à temps. Et si nous l'augmentons, cela déplacera certaines notes, de sorte qu'elles seront légèrement décalées. Ensuite, nous avons ce contrôle du tempo ici. peut être utile de remplacer ce paramètre par rapport au standard si vous avez enregistré le morceau au double ou à la moitié du tempo, car un batteur suivra le tempo du projet Une autre chose à mentionner pour ce joueur de session Electric Drummer est le bouton Perform Again en bas à gauche Cela nous donnera une variation de la performance de la batterie sans modifier les réglages. Encore une fois, comme le batteur de session acoustique, nous pouvons le convertir en MDI, puis ajuster certaines batteries dans l'éditeur MIDI Nous pouvons le faire en appuyant deux fois sur la région, puis en descendant pour convertir et convertir en région midi. OK, c'est donc le lecteur de session de batteur électronique. Je vais supprimer ce morceau pour le moment, et ensuite nous examinerons le lecteur de session de percussion. Nous pouvons donc supprimer cette piste dans cette région en appuyant sur l'en-tête de la piste et en allant sur Supprimer. Puis appuyez à nouveau sur Supprimer. OK, ensuite, nous allons jeter un œil au lecteur de session de percussion , que nous verrons dans la prochaine vidéo. Alors merci de votre attention , je vous y verrai. 35. Percussionniste: Bon, regardons maintenant le percussionniste de session. Il s'agit d'un joueur de session pour percussions. Cela inclut les shakers, les tambourins, les macas, les claquements de mains, Cela peut être utile en plus du batteur de session, ou vous pouvez l'utiliser avec d'autres boucles, des samples ou des enregistrements de batteries réelles Créons maintenant une nouvelle piste en appuyant sur le bouton Ajouter des pistes ici. Maintenant, sous lecteur de session, choisissons le batteur et tapons sur le lecteur de session ici Maintenant, appuyons sur cette image de batterie ici. Et maintenant, sous type, changeons cela en percussionniste. Choisissons maintenant l'un de ces percussionnistes. Nous avons du latin, de la pop et des auteurs-compositeurs. Commençons par Pop. Alors, tapotons dessus. Lorsque vous faites cela, une fenêtre contextuelle peut apparaître vous demandant de télécharger le soundback Pour cela, je vais télécharger le pack de sons. Nous allons donc le télécharger en appuyant sur Télécharger Soundback. Et nous pouvons le voir en téléchargement ici. Bon, rejouons-le maintenant et écoutons à quoi ressemble ce percussionniste pop Tout comme le batteur acoustique et le batteur électronique, nous avons les curseurs de complexité et d'intensité ci-dessous Nous pouvons rendre le motif plus simple ou plus complexe avec le curseur de complexité et nous pouvons ajuster la dynamique du motif avec le curseur d'intensité, afin de le rendre plus fort ou plus Je vais juste le rejouer et ajuster ces curseurs pour que vous puissiez entendre la différence Encore une fois, comme le batteur acoustique et le batteur électronique, nous avons ici les commandes relatives à la quantité de remplissage, à la complexité du remplissage et au swing Nous pouvons choisir un swing de 16e note ou un swing de huitième note en appuyant sur ce bouton ici. Rejouons-le et ajustons ces cadrans et ces commandes pour que vous puissiez entendre la différence Ensuite, nous avons ici les différents instruments de percussion que nous pouvons activer ou désactiver, et nous pouvons les activer et les désactiver en appuyant dessus, et nous avons ici les modèles que nous pouvons choisir pour eux. Les instruments de percussion et les modèles changent réellement lorsque nous choisissons un autre type de percussionniste Nous pouvons donc voir ces changements lorsque nous alternons entre pop, auteur-compositeur et percussions latines Passons donc simplement au latin, vous pouvez voir ici que les percussions sont modifiées. Passons maintenant à songwriter. Et ça a encore changé. Laissons cela à l'auteur-compositeur, et je choisirai différents instruments de percussion et motifs de lecture, afin que vous puissiez entendre la différence Je vais commencer avec aucun d'entre eux , puis j'en ajouterai progressivement un afin que vous puissiez utiliser un autre instrument de percussion lorsqu'il est ajouté. Nous ne pouvons donc pas laisser le schéma de percussion suivre un autre schéma, comme celui du batteur acoustique ou électronique de session Vous remarquerez également qu' il n'y a pas d'onglet manuel, nous ne pouvons donc pas saisir manuellement un schéma à suivre par le percussionniste Nous avons cependant cet onglet de détails, et nous allons y jeter un coup d'œil. C'est en fait la même chose qu'un batteur électronique, et je vais en parler brièvement maintenant Nous avons donc ces différentes plages de complexité pour les différents instruments de percussion. Nous pouvons donc avoir une large plage entre simple et complexe, et nous pouvons faire glisser la plage vers le bas pour la rendre plus simple ou la faire glisser vers le haut pour la rendre plus complexe, ou nous pouvons avoir une plage large ou une plage plus petite. Ensuite, il y a le curseur de variation de phase. Donc, si vous voulez que votre schéma soit répétitif, faites-le glisser vers le bas. Et si vous souhaitez plus de variation dans le motif, faites-le glisser vers le haut. Ensuite, nous avons la sensation qui vous permet de tirer ou de pousser la sensation. Ensuite, nous avons le style dynamique. Nous pouvons le déplacer vers la gauche pour une variation moins dynamique, et nous pouvons le déplacer vers la droite pour une variation plus dynamique. Ensuite, nous avons le contrôle humanisé. Nous pouvons le déplacer vers la droite pour ajouter imperfections rythmiques comme le ferait un humain, ou nous pouvons le déplacer vers la gauche pour un timing parfait, mais cela peut sembler plus robotique Ensuite, nous avons ce réglage de tempo, que vous pouvez utiliser si vous avez enregistré la chanson en double ou en demi-tempo. En fait, désactivons le batteur acoustique de session que nous avons examiné précédemment Et écoutons maintenant le percussionniste, avec le batteur. Cela pourrait donc être utile en plus du batteur de session. Mais comme je l'ai dit, vous pouvez également l'utiliser avec d'autres boucles, des samples ou des enregistrements de vraies batteries. Encore une fois, nous pouvons le convertir en MIDI en appuyant deux fois sur la région et en descendant pour convertir et convertir en région Midi. Maintenant, dans l'éditeur MIDI, nous pouvons modifier manuellement certaines notes midi si vous le souhaitez. Cependant, je vais juste appuyer plusieurs fois sur le bouton Annuler ici. Revenons donc au percussionniste de session, j'ai dit que je ne voulais pas éditer ce midi Comme vous auriez dû le voir, le batteur acoustique de session, le batteur électronique et le percussionniste sont tous très batteur électronique et le percussionniste J'espère que vous pourrez maintenant utiliser tous ces outils pour créer rapidement des groove de batterie et des parties de percussion pour vos chansons. Mais pour l'instant, désactivons le percussionniste en appuyant sur le OK, c'est donc la fin de cette vidéo. Dans la vidéo suivante, nous allons regarder le bassiste de session. Alors merci de votre attention , je vous y verrai. 36. Bassiste de session - 1ère partie : styles de tablature principale et de basse: Bien, jetons maintenant un coup d' œil au lecteur de base de session. Créons donc une nouvelle piste en appuyant sur le bouton « Nouvelles pistes » ici. Maintenant, sous Lecteur de session, appuyons sur cette liste déroulante et choisissons le joueur de base. Appuyons maintenant sur ce bouton, et cela ouvrira notre lecteur de session de base. Vous pouvez donc voir ici que nous avons trois onglets différents, Min, détails et manuel. Pour l'instant, regardons Main. Nous pouvons également cliquer sur cette icône de base ici pour choisir un autre style de jeu. Nous avons ici huit styles de jeu différents dans quatre genres différents : rock, auteur-compositeur, alternatif et R&B . Cliquez sur le premier, qui est le pop Encore une fois, il se peut que nous devions télécharger un pack de sons pour utiliser ces lecteurs de session. Pour cela, je vais cliquer sur Télécharger SoundBac, nous pouvons le voir en cours de téléchargement ici OK, rejouons-le maintenant pour entendre à quoi cela ressemble. lecture, je vais régler la piste de basse en appuyant sur le bouton S situé dans l'en-tête de la piste ici. OK, répondons maintenant. Et donc le bassiste de session utilise l'instrument de base du studio. Nous pouvons donc y accéder en appuyant sur le mixeur ici. Et vous pouvez voir ici qu'il est écrit Studio base. Appuyons donc dessus maintenant. Appuyons à nouveau sur l'icône du mixeur pour avoir un peu plus d'espace. Donc, actuellement, il est joué sur ce préréglage classique. Nous pouvons appuyer sur cette liste déroulante ici et choisir un autre instrument de basse. Ils imitent des bases populaires. Par exemple, le classique consiste imiter une basse Fender Precision Then 60s imite ce qui semble être une base de Hoffner, comme Paul McCartney des Beatles a joué. Écoutons-le en retour. Regardons maintenant les autres bases. Rock imite une base Rickenbacker. Écoutons-le en retour. Ensuite, il y a session, qui semble imiter une base de jazz Fender Ensuite, il y a le look moderne comme s'il s'agissait d'une base Ernie Ball Sting Ray Ensuite, il y a American Upright, qui imite une base verticale Vous pouvez entendre qu' ils ont tous des tonalités et des sons très différents et je vous recommande de les tester vous-même sur des bases de référence différentes pour voir la différence Mais pour l'instant, revenons à l'instrument de basse classique et continuons à regarder le bassiste de session. Appuyons donc sur l'icône de l' éditeur ici pour faire apparaître le lecteur de session. Et fermons le bassiste de session en appuyant sur le bouton du plugin. Appuyons maintenant sur le bouton du bassiste de session pour choisir un autre style de jeu de basse. Si nous choisissons un style différent, cela changera d'instrument de basse moins que nous ne décochions la case Changer de patch ici, ce qui ne changera pas l'instrument de basse Supposons, par exemple, que vous aimez vraiment le son d'un instrument de basse classique. Vous pouvez décocher Changer de patch , puis entendre les différents styles avec cet instrument Mais pour l'instant, je vais vérifier, car Logic Pro sélectionne très bien le type de sonorité et d' instrument de basse adapté aux différents styles de jeu. OK, rejouons-le à nouveau, et je passerai d'un style de jeu à l'autre pour que vous puissiez entendre la différence. Puis le Mm hmm. Comme vous pouvez l'entendre, les styles de jeu sont très différents. J'aime vraiment le son du style de jeu pop rock, alors choisissons celui-ci. Vous remarquerez que la sortie du bassiste de session est très similaire à celle du batteur de session Nous avons donc ici la complexité, l'intensité, les commandes des motifs, le remplissage, swing et la complexité du remplissage, qui font la même chose que le batteur de session, que j'ai abordé à plusieurs reprises dans les dernières vidéos Je ne les aborderai donc pas à nouveau, mais je vais simplement les rejouer et ajuster quelques-unes de ces commandes pour que vous puissiez entendre la différence Et, euh, euh , d' accord, regardons maintenant ces commandes ici dans l'onglet principal. Tout d'abord, nous avons la mélodie. Si nous appuyons dessus, cela nous donnera quelques options. Parlons d'abord de root uniquement. La racine est donc la note fondamentale de l'accord. Par exemple, la note fondamentale d'un accord en do majeur est C. Donc, si vous voulez une mélodie plus simple, vous pouvez choisir uniquement la racine Mais si vous voulez une mélodie plus complexe, vous pouvez en essayer une autre. Si nous choisissons quelques notes, cela ajoutera d'autres notes à la mélodie Et si nous choisissons plus de notes, cela ajoutera d'autres notes supplémentaires à la mélodie Ce réglage peut toutefois changer lorsque nous choisissons un style de bassiste différent. Par exemple, si nous passons à l'auteur de chansons pop, vous pouvez voir qu'il est désormais écrit root uniquement, certaines notes, plus de notes et la plupart des notes. Vous pouvez également choisir le nombre d'octaves que vous souhaitez avec cette commande ici Vous pouvez rester dans une octave en n'en sélectionnant aucune, ou vous pouvez rester dans une octave en en sélectionnant un peu, ou vous pouvez en sélectionner plus, et vous entendrez un dessin d'une octave plus important OK, rejouons-le maintenant et je vais passer de l'un à l'autre de ces trois paramètres. OK, laissons cela . Et maintenant, examinons ce contrôle de congélation afin que nous puissions avoir des notes de staccato plus courtes ou plus longues en choisissant des notes Ou nous pouvons avoir des notes de longueur moyenne, ce que nous avions auparavant, ou nous pouvons avoir phrases plus longues ou des notes plus longues en choisissant des notes longues. Vous pouvez également consulter cette mise à jour dans la région. Mais pour l'instant, revenons à Medium. Nous pouvons également demander au bassiste de session de suivre un autre instrument. Nous pouvons le faire en appuyant sur le bouton des modèles ici. Et ici, à côté des morceaux, nous pouvons choisir notre batterie, pour que la basse suive. Nos batteries sont donc des SoCal, et c'est la première. Appuyons donc à nouveau sur le modèle tapons ici et appuyons sur SoCal Nous pouvons voir notre région mise à jour. Maintenant, rejouons-le pour voir la différence, et la basse devrait suivre davantage la batterie maintenant. C'est une partie très simple, mais elle semble bien fonctionner avec la batterie. Nous pouvons également choisir la note la plus basse. Ainsi, sur la guitare basse électrique à quatre cordes et avec l'accord standard, la note la plus basse sera un mi. Cependant, pour une grande partie de la musique rock et metal , ainsi que pour d'autres genres, vous pouvez utiliser drop D, sorte que la note la plus basse soit un D ou même un do, donc la note la plus basse est un C. Donc si vous avez des guitares sur votre morceau qui sont accordées de cette façon, vous pouvez également changer la note la plus basse pour la basse Cela descend en fait jusqu'à B zéro car une basse à cinq ou six cordes a une corde inférieure, et il s'agit d'un B zéro. Less no play this back avec ces notes plus basses. Donc, quand je l'ai descendu en do un et en B zéro, il jouait une note en do d'Octave Lower Une autre petite chose à mentionner, tout comme pour le batteur de session, nous avons le bouton « rejouer en bas à gauche Si nous appuyons dessus, cela ajoutera une légère variation au motif sans modifier aucun des paramètres. OK, ce sont donc toutes les commandes de l'onglet principal. Dans la vidéo suivante, nous allons examiner les détails et l' onglet manuel de ce lecteur de session de base. Merci de votre attention , je vous y verrai. 37. Bassiste de session - 2e partie : détails et tablature manuelle: Bien, maintenant, continuons à regarder le bassiste de session et examinons les détails et l'onglet manuel. Commençons par un onglet de détails. Parlons d'abord des notes mortes , également appelées notes sourdes ou notes fantômes Nous pouvons utiliser des notes mortes pour ajouter de texture rythmique et du groove à une ligne de base notes mortes permettent à la base de créer des rythmes plus complexes. Ils peuvent ajouter un élément récussif à la pièce et améliorer la Ils peuvent également être utilisés pour diviser l'espace entre les notes et ajouter une touche funky à la ligne de basse Si ce cadran est à 0 %, toutes les notes seront jouées et elles ne seront pas mises en sourdine. Vous remarquerez que lorsque nous augmenterons ce cadran, vous pourrez voir que d'autres notes ont été ajoutées à la région. OK, passons à la partie basse en solo appuyant sur S dans l'en-tête du morceau, rejouons-la et ajustons ce style de notes mortes. Commençons par 0 % , puis j'ajouterai quelques notes mortes en cours de lecture. Dessiner, écouter ou déjouer la partie basse, afin que nous puissions également l'entendre à la batterie Cela dépend de ce que vous voulez pour votre part, mais pour cet exemple, prenons quelques notes mortes. Je vais donc laisser ça à 40 %. Ensuite, nous avons ce cadran à diapositives, qui vous permet d'ajouter plus ou moins de diapositives à votre ligne de basse Si votre pièce comporte de courtes notes en staccato, il se peut que vous ne puissiez pas entendre les diapositives lorsque vous augmentez ce cadran, mais pour les notes maintenues plus longtemps, vous devriez les entendre glisser entre les Encore une fois, rejouons-le et je vais ajuster ce cadran coulissant. Donc, pour notre part, nous pouvons l'entendre glisser haut et descendre ici. Pour cet exemple, j'aime bien entendre les diapositives, mais je vais revenir un peu en arrière pour que ce ne soit pas si extrême. Réécoutons-le maintenant à 65 %. Nous pouvions donc l'entendre glisser vers le haut, mais nous ne pouvions pas vraiment l' entendre glisser vers le bas. Cependant, pour cet exemple, je pense que c'est bien. OK, alors nous avons ces boutons gratuits ici, qui sont les boutons pick-up, Dynamic Mute et Line Root Parlons d'abord des pick-up hits. Si vous l'activez en appuyant dessus, il est plus probable qu'il y ait des clics. Il s'agit donc de sons de clics sourds rythmiques percussifs qui sont créés lorsque le bassiste utilise son doigt ou son pouce pour appuyer sur les micros ou les cordes situés à proximité du Ils peuvent ajouter des éléments percussifs à notre ligne de basse accentuer le groove et rendre les lignes plus rythmées Ils peuvent ajouter plus de nuances rythmiques à la partie basse et sont souvent utilisés dans le jazz, funk et les styles de musique expérimentaux Rejouons-le et activons et désactivons le bouton de saisie pour entendre la différence. Mais pour l'instant, laissons cette option désactivée et examinons le bouton suivant, qui est le mode muet dynamique Si cette option est activée, cela vous permet d'avoir plus de notes sourdes dans votre ligne de base Ensuite, il y a l'option align root. Lorsque cette option est activée, la partie basse joue à intervalles rapprochés, entraînant des changements d'accord Cela évitera donc de grands sauts lorsque l'accord change. D'ailleurs, les intervalles ne sont que le nom musical de la distance entre les notes. Donc, si vous voulez que la pièce soit moins nerveuse et qu'elle soit un peu lissée, vous pouvez envisager de l' activer le moment, nous n' avons qu'un seul accord, donc l'activer ou le désactiver ne fera aucune différence Mais si on ajoute un autre accord, tu devrais être capable de faire la différence Nous examinerons donc le tract d' accords plus tard, mais je vais simplement ajouter un accord à la piste d'accords maintenant afin que nous puissions accéder à la piste accords en appuyant sur le bouton global Tracks situé au-dessus des en-têtes des pistes Vous pouvez donc voir maintenant que nous n'avons qu'un accord de do. Mais à la troisième mesure, ajoutons un autre accord. Et nous pouvons le faire en appuyant sur le bouton plus ici. Comme je l'ai dit, nous examinerons cette question en détail ultérieurement. Mais pour l'instant, ajoutons simplement un accord en fa majeur. Appuyons à nouveau sur la région du joueur de la session de base , puis sur l'onglet Détails. Vous remarquerez maintenant que la région change lorsque je désactive une racine de ligne. Il devrait donc y avoir moins de sauts lors des changements d'accords lorsque cette option est activée Rejouons-le maintenant pour faire la différence. OK, c'est donc là qu'un root de ligne est activé. Désactivons maintenant cela. Donc, si vous voulez que votre partie soit moins nerveuse et qu'elle soit un peu lissée, vous pouvez laisser cette option activée Donc, pour cet exemple, activons-le. OK, alors ici en bas, nous avons des arrêts doubles et un nouveau décalage. Parlons d'abord des arrêts doubles. Les arrêts doubles se produisent lorsque deux notes sont jouées ensemble. Ils peuvent ajouter de la profondeur et de la texture harmoniques à une ligne de base. Avec cette commande, nous pouvons ajuster la probabilité de jouer à des arrêts doubles. Donc, à 0 %, il n'y aura pas d'arrêts doubles, et s'il est à 100 %, il y aura des arrêts doubles tout le temps. Rejouons-le maintenant et ajustons le contrôle des doubles arrêts. Et maintenant, il est à 50 %, et vous devriez avoir entendu dire qu' environ la moitié du temps, il joue deux notes en même temps. Mais pour cela, remettons ce chiffre à 0 %. Au fait, nous pouvons appuyer deux fois dessus ou taper le montant exact que nous voulons ici ou nous pouvons utiliser ces flèches pour atteindre 1 %. Mais pour cela, mettons-le sur 0 %, car je ne veux pas entendre de double arrêt pour cette partie. Examinons maintenant le contrôle du décalage muet. Cela vous permet de choisir quelle mesure vous souhaitez que les notes soient mises en sourdine. Cela va de -100 à plus 100. Nous pouvons donc le désactiver davantage avec des valeurs plus élevées. Vous pouvez donc désactiver la partie car elle peut vous donner un son rythmique percussif. mise en sourdine vous permet également de contrôler le sustain de la note Ainsi, au lieu de laisser chaque note résonner complètement, sourdine vous permet de raccourcir les notes, ce qui peut rendre la partie basse plus expressive et plus dynamique Rejouons-le et je vais ajuster le décalage du mode muet afin que nous puissions faire la différence Mais pour l'instant, remettons le décalage muet à zéro. Encore une fois, nous pouvons appuyer deux fois dessus pour afficher ce contrôle. Je peux donc simplement appuyer sur ce numéro ici, Je peux donc simplement appuyer sur ce numéro appuyer sur zéro et c'est fait. Et maintenant, il est passé à zéro. D'accord, parlons maintenant de l'onglet manuel. Tapons donc dessus. C'est la même chose qu'un onglet manuel pour le batteur de session Nous pouvons donc créer notre propre modèle en en tapant un. Nous pouvons donc appuyer sur l'étape pour créer un motif, et nous pouvons appuyer à nouveau dessus pour supprimer le motif. Chacune de ces notes est une 16e note, toutes les quatre sont un rythme, et ces quatre battements forment une mesure puisque nous sommes dans une signature de quatre ou quatre fois. Nous pouvons modifier la longueur en appuyant sur cette liste déroulante sous Longueur, afin de pouvoir allonger ou raccourcir le motif par rapport à la barre si vous le souhaitez Juste pour cet exemple, laissons cela sur 1 barre et saisissons le modèle. Au fait, nous pouvons modifier la lecture de ce dessin de motifs. Rejouons-le maintenant et je vais modifier la lecture du dessin de motifs. Les ouvertures s'ouvrent. Et maintenant, si nous revenons à l'onglet principal, nous pouvons voir ici qu'il est écrit modèle manuel, et nous pouvons toujours appuyer à nouveau dessus et choisir l'un de ces préréglages de modèle à la place si nous ne voulons pas utiliser le modèle manuel OK, c'est donc le bassiste de session. Encore une fois, comme le batteur de session, nous pouvons le convertir en midi en appuyant deux fois sur la région et en passant à la conversion et à la conversion en région midi Maintenant, dans Media Editor, nous pouvons modifier n'importe laquelle de ces mini-notes si nous le souhaitons. Encore une fois, vous souhaiterez peut-être dupliquer votre piste avant de procéder à la conversion et créer une copie de votre lecteur de session, car vous pouvez convertir une région de lecteur de session en MIDI, mais vous ne pouvez pas convertir le MIDI en région de lecteur de session. Donc, si vous voulez revenir au lecteur de session, vous ne pouvez pas le convertir en MIDI, c'est pourquoi je vous recommande de faire une copie du lecteur de session. Vous pouvez également le désactiver pour ne pas l'entendre. Personnellement, j'aime avoir une sauvegarde jusqu'à ce que j'aie complètement terminé et que je sois contente de mes parties MIDI. Cependant, annulons cette conversion et revenons au bassiste de session en appuyant plusieurs fois sur le bouton Annuler, qui se trouve en haut à droite. OK, c'est donc le bassiste de session. Ensuite, nous examinerons le joueur de clavier de session , puis la piste d'accords Alors merci de votre attention , je vous y verrai. 38. Joueur de session - 1ère partie : styles de jeu: Bon, regardons maintenant le lecteur de session au clavier. Dans les prochaines vidéos, je vais vous montrer les commandes de ce lecteur de session. Ensuite , nous examinerons la piste d'accords afin que vous puissiez ajouter vos propres accords Mais pour l'instant, utilisons simplement cet accord CNF avec lequel nous avons travaillé auparavant OK, alors maintenant, créons un nouvel instrument. Nous pouvons le faire en appuyant sur ce bouton ici. Appuyons maintenant sur la liste déroulante située sous le lecteur de session, et choisissons le clavier. Et maintenant, nous allons appuyer sur ce bouton ici. Dissolons maintenant la piste de basse que nous regardions tout à l' et mettons en solo cette piste pour clavier Vous pouvez donc voir que lorsque nous appuyons sur cette image ici, nous pouvons choisir un style de jeu différent. Nous n'avons pas de genres comme les autres joueurs de session. Écoutons maintenant ces différents styles de jeu. Commençons par le premier librement. Voyons maintenant l'instrument qu'il utilise. Appuyons donc sur le bouton du mixeur ici. Et vous pouvez voir ici que c'est notre morceau solo, utilise un instrument de piano de studio. Appuyons dessus. Appuyons à nouveau sur l'icône du mixeur pour la fermer afin d'avoir un peu plus d'espace. Ce style gratuit utilise donc l'instrument micro Studio Grand One. Et je trouve que cet instrument sonne bien. Voyons maintenant le style de jeu suivant. Regardons à nouveau l'éditeur du lecteur de session en appuyant sur le bouton Éditeur. Appuyons à nouveau sur cette image et essayons le style de jeu suivant. Celui-ci s'appelle Broken Chords. se peut donc que vous obteniez une fenêtre contextuelle comme celle-ci ici qui vous demandera de télécharger un autre soundback Donc, pour cet exemple, je vais le télécharger, et nous pouvons voir la progression du téléchargement ici. OK, donc ce pack a été téléchargé et vous pouvez voir que l'instrument est passé au son vintage du piano droit. Revenons-y. Essayons le style de jeu suivant en appuyant sur cette icône, qui est celle des diagrammes en blocs. Cela utilise également un son de piano droit vintage. OK, revenons-y. Ce style nous donne également une sensation et un son différents. OK, essayons le suivant, qui est un arpège, qui utilise encore une fois les instruments de piano Studio Grand One Mic OK, revenons-y. Nous pouvons également reproduire ces styles sur d'autres sons prédéfinis. Par exemple, nous pourrions le remplacer le grand concert. Disons-le en retour. Nous pouvons également le remplacer par le grand instrument de studio. Vous pouvez voir que cet instrument possède plusieurs micros, et nous pouvons activer et désactiver les différents micros à l'aide des boutons ci-dessous. Avec ces curseurs, nous pouvons régler le niveau pour les différents micros Rejouons-le, et je vais allumer et éteindre ces différents micros et régler les niveaux D'ailleurs, nous n'avons pas seulement besoin de l'entendre en retour sur l'instrument de piano de studio. Nous pouvons choisir un autre instrument si vous le souhaitez. Appuyons donc sur le bouton du navigateur en bas gauche, puis sur les patchs pour instruments. À partir de là, choisissons un autre son d'instrument. Choisissons celle-ci, la valise classique MKour. Vous pouvez donc voir ici qu'il a été remplacé par un piano électrique vintage. Redécouvrons maintenant ce style de jeu avec le piano électrique vintage. Vous pouvez donc entendre qu'il joue le même rôle, mais sur un instrument différent. Fermons simplement le navigateur en appuyant nouveau sur ce bouton pour avoir un peu plus d'espace. Regardons maintenant le style de jeu des joueurs de la dernière session. Tapons donc sur cette icône ici, et choisissons la suivante, appelée simple pad. Cela n'utilise pas réellement le tudopiano. Il utilise la synchronisation rétro avec un son prédéfini sur le pad. Revenons-y. Nous pouvons donc ajuster les commandes de ce synthé, et cela nous donnera un son différent Par exemple, rejouons-le et ajustons le niveau de coupure du filtre pendant la lecture, et vous entendrez en quoi le son est différent. OK, faisons-le maintenant. OK, donc ce sont des styles de jeu différents, et vous devriez pouvoir entendre qu'ils sonnent tous très différemment. Appuyons à nouveau sur cette icône et revenons à l'un de ces styles de jeu précédents. Choisissons les accords cassés. OK, super. Cachons maintenant cet instrument pour avoir un peu plus d'espace, et nous pouvons le faire en appuyant sur le bouton de connexion en bas de page. OK, ce sont donc les différents styles de jeu. Ensuite, examinons les principales commandes que nous verrons dans la vidéo suivante. Merci de votre attention, je vous y verrai. 39. Lecteur de clavier de session - 2e partie : tablature principale: Bien, examinons maintenant les commandes de l'onglet principal du lecteur de session au clavier. Nous avons donc les curseurs de complexité et d'intensité, qui fonctionnent de la même manière que les autres joueurs de session que nous avons examinés auparavant Nous pouvons donc modifier la complexité de la performance à l' aide du curseur Nous pouvons le rendre plus complexe en le faisant glisser vers le haut et le rendre plus simple en le faisant glisser vers le bas. Ensuite, le curseur d'intensité nous permet de régler le volume de la performance, afin de la déplacer vers le haut pour la rendre plus forte ou de la baisser pour la rendre Rejouons-le et je vais ajuster ces deux curseurs pour que vous puissiez entendre la différence Nous pouvons également les rétablir aux paramètres par défaut en appuyant deux fois dessus. OK, jetons maintenant un œil à cette section centrale. Regardons d'abord les modèles, qui sont encore une fois les mêmes que ceux des autres joueurs de session. Nous pouvons donc appuyer ici et choisir un autre modèle. Rejouons-le et sélectionnons-en quelques-unes pour que vous puissiez entendre la différence. D'ailleurs, pour ce style de jeu, certains motifs sonneront de la même manière, seront très similaires. Appuyons à nouveau sur le motif. Et vous remarquerez qu'ici, nous avons ce rythme de section qui suit le même rythme. Et si nous activons ce changement d'accord ici, cela accentuera les changements d'accord Nous pouvons donc le voir légèrement changer ici lorsque nous l'activons et le désactivons. Cela sera plus visible lorsqu'un nouvel accord sera joué Voyez si vous vous souvenez, actuellement, nous avons ces deux accords, C et F. Ensuite, nous avons cet interrupteur qui nous permet de suivre le rythme des accords Lorsque cette option est activée, cela accentuera les changements d'accord Cela sera donc plus visible lorsqu'un nouvel accord sera joué Je laisse généralement cette option activée, afin d'accentuer les changements d'accords Nous pouvons également demander au joueur de session au clavier de suivre une autre piste Nous pouvons donc appuyer sur cette liste déroulante ici et choisir une autre piste à suivre. Par exemple, la batterie ou la basse. Donc, pour cet exemple, faisons-le suivre le joueur de session Drummer Et c'est le premier ici appelé socal. Appuyons donc dessus pour faire défiler la page vers le haut, nous pouvons voir que c'est celui-ci ici. Vous devriez donc y avoir remarqué que la région du lecteur de session clavier a changé. Il suffit d'appuyer à nouveau sur les motifs et de les désactiver pour que vous puissiez voir la différence. Maintenant, choisissons à nouveau socal. Et rejouons-le, et vous devriez pouvoir entendre que le joueur de session au clavier suit le rythme de la batterie. OK, super. Faisons défiler la page vers le haut et découpons les tambours en solo Et maintenant, continuons à regarder le lecteur de session au clavier. Regardons maintenant les paramètres de gauche et de droite ici. Ici, nous pouvons activer et désactiver les mains gauche et droite. Donc, si vous voulez juste entendre l'une de ces mains, vous pouvez désactiver l' autre ou activer les deux. Ensuite, ci-dessous, nous avons ces curseurs pour les mains gauche et droite. Ils vous permettent d' ajuster le positionnement des mains gauche et droite, afin de rapprocher les mains pour une position plus fermée, ou de les éloigner. Éteignons simplement la main droite et vous remarquerez que lorsque le curseur est déplacé vers la gauche, plage est inférieure et nous jouons des notes plus basses Et lorsqu'il sera déplacé vers la droite, il aura une gamme plus élevée, et nous jouerons des notes plus hautes. Donc, si vous voulez plus de notes dans le bas ou dans le bas, vous pouvez le déplacer vers la gauche. Et si vous voulez des notes plus hautes, vous pouvez le déplacer vers la droite. Il en va de même pour la main droite. Alors désactivons le son de la main gauche en tapotant dessus et rétablissons le son de la main droite en appuyant dessus Nous pouvons maintenant appuyer et faire glisser cette icône de la main droite pour ajuster la portée de la main droite. Ainsi, lorsque nous le déplaçons vers la droite, nous obtenons des notes plus hautes, et lorsque nous le déplaçons vers la gauche, nous obtenons des notes plus basses. Rejouons-le et ajustons-le pour que vous puissiez entendre la différence. OK, désactivons simplement le son de la main gauche et ajustons ces commandes pour trouver quelque chose Je pense que ça sonne bien pour cette partie. OK, alors nous avons ces options de voix et de démarrage ci-dessous. Voyons d'abord les options de voix pour la main gauche Donc, par défaut, c' est uniquement sur root. Cela ne fera donc que jouer la note fondamentale de l'accord. Nous pouvons également jouer la racine et l'octave. Et nous pouvons voir des mises à jour ici dans la région. Désactivons simplement la main droite pour l'instant, afin qu'elle soit plus facile à entendre OK, maintenant il devrait jouer une racine et une octave au-dessus. Ensuite, nous avons la racine et la cinquième. Donc, la note fondamentale et la cinquième note de l'accord. Écoutons-le maintenant. Ensuite, nous avons la racine quinte et l'octave. Écoutons-le maintenant. Je choisis généralement soit la racine uniquement, soit la racine et l'octave, mais je recommande de tester cela par vous-même et de choisir celle qui convient le mieux à votre rôle Mais pour l'instant, laissons cela uniquement sur root. Ensuite, ci-dessous, nous pouvons choisir différents styles. Avec cela, nous pouvons choisir différentes complexités pour la main gauche Ces différents styles modifieront le rythme au fil des notes. Ceci est actuellement uniquement maintenu. Cela permettra de jouer des notes longues et soutenues. Ensuite, le simple, qui jouera beaucoup de notes longues, et nous jouerons quelques notes courtes. Encore une fois, désactivons simplement la main droite et rejouons-la. Ensuite, il y a le mode modéré, qui produira un schéma rythmique modéré Ensuite, il y a le complexe, et cela créera un schéma plus complexe ou plus complexe Ensuite, il y a la main droite, qui jouera des accents synchronisés et suivra la main droite. Ensuite, il y a les singes stables, qui joueront des notes de singe droites et stables. Mais pour l'instant, restons simples et remettons les choses au support uniquement. Bien, regardons maintenant les paramètres de voix de la main droite C'est donc un peu différent du voicing de la main gauche, et ici vous pouvez choisir un nombre différent de voicings Cela vous permet donc de sélectionner le nombre de notes pouvant être jouées. Si nous choisissons deux voix, la main droite jouera au maximum deux notes en même temps. Nous avons également un intervalle fixe à deux voix, ce qui signifie que deux notes sont jouées ensemble et que l'espace entre elles reste le même lorsque vous passez à un accord différent. Vous pouvez donc voir ici, à la troisième mesure, que nous sommes passés à un accord différent. Écoutons-le en retour. L'utilisation de ce type de sonorisation peut vous aider à créer une texture minimale et stable dans votre arrangement Nous avons également un ton commun à deux voix où deux notes sont jouées ensemble, mais une note reste la même, tandis que l'autre change pour créer un nouvel accord Cela donne à la musique une sensation de stabilité puisqu' une note reste constante. Écoutons-le maintenant. Nous avons également un ton commun vocal libre, ce qui signifie qu'une note restera la même et que les autres changeront lorsqu'il y aura de nouveaux accords. Écoutons-le maintenant. Nous avons alors un ton commun de voix libre, ce qui signifie que nous avons trois notes, mais au moins une note restera la même tandis que les autres changeront pour créer un nouvel accord. Ensuite, nous avons le plein accord Un accord complet signifie que nous jouons toutes les notes qui le composent. Écoutons-le maintenant. Nous avons également une inversion fixe à quatre accords Cela signifie que vous jouez toutes les notes de l'accord, mais que l' ordre ou l'inversion sont modifiés et restent inchangés pendant que vous jouez Pour la main droite, la note fondamentale n'est peut-être pas la plus basse, mais toutes les notes des accords sont toujours incluses. Écoutons-le maintenant. Nous pouvons également choisir quatre voix ou plus, ce qui peut être utile si vous utilisez des accords étendus, par exemple des accords de septième, neuvième, 11e ou 13e. Disons-le maintenant. Ensuite, nous avons une inversion fixe à quatre voix et plus, ce qui revient à quatre accords, inversion fixe, mais nous pouvons avoir plus de quatre voix D'accord, alors ci-dessous, nous pouvons choisir le mouvement. Cela nous permet de choisir l'amplitude du mouvement pour la main droite. Vous pouvez choisir une gamme plus minimale, qui comportera plus de cordons inversés, ou vous pouvez choisir une gamme plus large, qui comportera des sauts et des sauts plus importants entre les Ou nous pouvons choisir quelque part entre les deux, une petite ou une moyenne gamme. Pour cet exemple, choisissons petit. Il y aura donc un certain mouvement, mais il n'y aura pas trop de sauts ou de sauts importants entre les différents OK, alors nous avons la complexité du remplissage et le swing, qui sont les mêmes que pour les autres joueurs de session. Nous pouvons donc ajouter plus ou moins de remplissages avec un cadran de quantité de remplissage, et nous pouvons choisir le complexe que nous voulons les remplissages avec un cadran de complexité de remplissage. Nous pouvons également ajouter un swing de huitième ou de 16e note avec ce cadran ici. OK, rejouons-le et je vais ajuster la complexité du remplissage et commandes de swing pour que vous puissiez faire la différence. Donc, pour ce style de jeu, remplissez-les et complétez la complexité. N'en fais pas trop. Nous pouvons toujours entendre qu'il y a une légère différence lorsque nous modifions ces commandes. OK, c'est donc l'onglet principal. Ensuite, nous allons examiner les détails de notre onglet manuel, que nous verrons dans la vidéo suivante. Merci de votre attention , je vous y verrai. 40. Lecteur de session - Partie 3 : détails et tablature manuelle: D'accord, l' onglet des détails est donc assez minimal. Nous avons juste ce contrôle des notes de grâce. D'ailleurs, nous n' avons pas d'onglet de détails ou d'onglet manuel pour le style simple du pad plane. Nous n'avons pas non plus de motifs que nous pouvons choisir pour ce style simple. OK, passons à un autre style simple. Cette fois, choisissons Peggiated. Passons aux détails, et parlons maintenant des notes de grâce. notes de grâce au piano sont donc petites notes rapides jouées juste avant la note principale. Ils sont utilisés pour ajouter un peu de décoration à la musique. Je suggère de ne pas utiliser trop de notes de grâce , car trop de notes peuvent faire sonner la musique hors de propos. Mais développons ce style de note de grâce. Et vous pouvez le voir dans la région, ajouter quelques notes supplémentaires. Et écoutons-le maintenant avec les notes de grâce sur 0 %. Vous pouvez donc ajouter des notes de grâce à votre piano ou à votre clavier pour rendre la mélodie plus vivante et plus intéressante grâce à des touches rapides et décoratives Mais comme je l'ai dit, il vaut mieux ne pas en faire trop. Mais pour l'instant, laissons ce paramètre sur 0 %. Et jetons un coup d'œil à l'onglet manuel. C'est comme l'onglet manuel pour les autres joueurs de session. Avec cela, nous pouvons taper notre propre rythme pour que le claviériste le suive. Tapons simplement quelque chose maintenant pour que vous puissiez entendre la différence. Je vais donc le rejouer maintenant et je vais changer le schéma lors de la lecture manuelle du dessin par tapotement. Vous pouvez voir que lorsque nous revenons à l'onglet principal la zone des modèles, il est indiqué modèle manuel, mais nous pouvons également cliquer ici et choisir l'un de ces modèles et utiliser l'un d'entre eux au lieu du modèle manuel si nous le souhaitons. OK, voici donc les détails et l' onglet manuel du lecteur de session au clavier. Ensuite, nous allons examiner la piste d'accords. 41. Piste d'accords - 1ère partie : les bases: Jetons maintenant un coup d'œil à la piste d'accords. Cela vous permet de créer des progressions d'accords que le bassiste de session et le claviériste peuvent Nous pouvons afficher les accords de la piste d'accord en appuyant sur un bouton Global Tracks ici. Vous pouvez donc voir que les mesures un et deux ont cet accord en do, et les mesures trois à neuf ont un accord en fa. Nous pouvons donc modifier ces accords ou en ajouter d'autres si vous Alors changeons simplement l'un de ces accords maintenant. Nous pouvons donc appuyer deux fois sur cet accord F et descendre sur Modifier le cordon pour changer cet Ensuite, cette zone de champ de cordon apparaîtra. Cela nous permet de modifier l'accord, y compris la note fondamentale et le type d'accord. Pour cet exemple, changeons cela en un accord en la mineur. Vous pouvez donc voir ici que nous n'avons pas de boîte à cordes pour ce premier accord C'est parce que c'était l'accord par défaut pour le projet, et nous n'en avons pas ajouté de nouveau Ajoutons-en donc un maintenant. Faisons glisser la règle de la tête de lecture jusqu' au début de la première barre. Et maintenant, appuyons sur le bouton « + » ici. Cela ouvrira le champ des cordes et nous permettra de changer d'accord Donc, pour cet exemple, changeons cela en un accord en ré mineur Remplaçons donc la note racine en D et sélectionnons ici le mineur. Nous avons donc maintenant deux accords différents. Maintenant, le claviériste de session et le bassiste de session vont suivre ces accords. Défilons simplement vers le haut et jouons en solo avec le bassiste de session que nous avons créé précédemment. Maintenant, la partie clavier et la partie basse suivront ces accords. OK, ripostons. Et puis, jusqu'à la neuvième mesure, il continuera à jouer cet accord en la mineur Ajoutons en fait un nouvel accord à la cinquième mesure. Revenons donc à la barre 5 de la tête de jeu . Et d'ailleurs, lorsque vous faites cela, je vous recommande d'activer Snap to Grid. Vous pouvez le faire en appuyant sur la liste déroulante sous Snap et en choisissant Snap to grid. De cette façon, il s'enclenchera sur la barre et non pas quelque part près de la barre. OK, alors revenons à ce bouton plus. Et cette fois, restons sur un accord en do majeur. Et maintenant, à la septième mesure, ajoutons un nouvel accord. Déplaçons donc la règle de la tête de lecture sur la barre 7, puis appuyons à nouveau sur cette icône plus Et cette fois, je veux ajouter un accord en sol majeur. Changons donc la note fondamentale en sol majeur et vérifions-nous qu'elle est en majeur. Bon, nous avons maintenant une progression d'accords de 2615. Donc, dans la tonalité de do majeur, les deux accords sont en ré mineur Le six est un A mineur, l'un est un C et le cinq est un G. D'ailleurs, nous verrons la différence entre un accord majeur mineur et un accord ofer dans les prochaines vidéos OK, alors écoutons-en parler maintenant. Et comme la région du cycle est activée, elle se reproduira. Il est donc vraiment étonnant que le joueur de session au clavier et bassiste suivent ces cordes dans la piste d'accords Nous pouvons également appuyer deux fois sur le cordon puis aller sur Copier pour le copier, puis le coller ailleurs. Par exemple, à la neuvième mesure, nous avons cet accord en la mineur. Je vais donc appuyer deux fois dessus et sélectionner Coller. Et vous pouvez voir ici que c'est plus tard que cet accord. Nous pouvons également boucler cette progression du cordon si nous le souhaitons. Avant cela, je vais simplement modifier cela pour que nous ayons un seul décodeur au lieu de deux. De cette façon, nous pouvons parcourir notre région beaucoup plus facilement. Tapons donc deux fois sur le premier , puis passons à supprimer. Nous pouvons maintenant faire glisser cette piste d' accord vers l'arrière. N'oubliez pas que le premier accord était en ré mineur Nous allons donc appuyer deux fois sur ce premier accord, puis passer à Modifier l' Maintenant, changeons cela en ré mineur. Vous pouvez donc voir ici que nous avons un ré mineur, un A moins un moins, un mineur, ce qui n'est pas la même chose que ce que nous avons ici. Nous allons donc appuyer deux fois sur ces accords ici pour les supprimer. Faisons-le pour le premier et le second ici. Passons maintenant à l'outil de boucle et faisons glisser le pointeur vers la droite pour le boucler. Nous pouvons continuer aussi longtemps que nous le souhaitons. Supposons que la chanson fasse 57 mesures, nous pouvons faire glisser le pointeur jusqu'ici. Activons également les snaps pour qu' ils s'accrochent à la grille. OK, allons-y. Nous avons donc maintenant notre progression d'accords de 2615 qui va jusqu'à la mesure 57. OK, maintenant passons à une nouvelle clé. Ainsi, dans Logic Pro, si vous choisissez une nouvelle touche, nous transposerons les cordons et le faisceau d'accords sur cette nouvelle Donc, dans l'écran ci-dessus où il est écrit en do majeur, tapotons dessus, et changeons cette touche par une autre touche. Tapons donc sur l'endroit où il est écrit C. Et pour cet exemple, changeons-le en ré majeur. Choisissons donc D et assurons-nous que la majeure est sélectionnée. Cette touche comporte donc deux touches, donc tout le fa sera désormais en fa dièse, et tous les C seront en do dièse, et la tonalité s'enracinera autour de ré plutôt que des notes de do. Il utilise donc toujours la progression de base 2615, mais cette fois en ré majeur. OK, revenons-y. Euh, OK, sympa. D'ailleurs, si vous débutez dans le domaine de la théorie musicale et que vous ne savez pas quels accords ou quelles progressions d'accords utiliser, vous pouvez utiliser une progression de base fournie Vous pouvez le faire en appuyant sur les accords pour sélectionner tous les accords, puis en maintenant enfoncé et en appuyant à nouveau pour que cette fenêtre contextuelle puis en maintenant enfoncé et en appuyant apparaisse Nous avons donc ici ces options de progression de base. Tout cela sera donc au cœur du projet, qui est désormais en ré majeur. Essayons donc certains d'entre eux. Essayons le premier, 251. Vous pouvez donc voir que cela a également changé le timing. Nous changeons de cap toutes les barres au lieu de toutes les 2 barres. Revenons-y. Appuyons et maintenons et touchons à nouveau pour faire apparaître cette fenêtre contextuelle. Choisissons la prochaine progression d'accords, qui est 1564. D'ailleurs, lorsque nous avons un chiffre romain majuscule, cela signifie que c'est un accord majeur, et lorsque nous avons un chiffre romain minuscule, cela signifie que c'est OK, écoutons-le maintenant. Et puis ça s'y répète. Cependant, pour cet exemple, changeons de cap toutes les 2 barres plutôt que toutes les barres. Et nous pouvons afficher ces options en appuyant deux fois. Passons maintenant au rythme des demi-accords. Vous pouvez maintenant voir que les accords changeront toutes les 2 mesures. OK, super. Et il existe d' autres progressions de base que vous pouvez également choisir Mais pour cet exemple, laissez-le comme ça. Revenons maintenant au do majeur. Appuyons donc sur cette signature clé ici et passons du ré majeur au do majeur. Et maintenant, nous allons appuyer sur OK. Et il utilise la progression de base de 1564, mais maintenant c'est en do majeur. Disons-le en retour. Et encore une fois, nous pouvons tout changer de cap , si vous le souhaitez. Faisons donc apparaître la fenêtre contextuelle en maintenant la touche enfoncée ou en cliquant avec le bouton droit de la souris ou d'un tapis piège. Passons maintenant au rythme à double accord. Et vous pouvez voir ici le changement de cap à chaque instant. Et puis ils continueront à se répéter. Nous pouvons réellement changer l'un de ces cordons ici, et cela changera également les accords de la boucle Tapons donc deux fois sur cet accord en A mineur , puis passons à Modifier le cordon Et pour cet exemple, changeons-le en ré mineur. Et vous pouvez voir que cela est également mis à jour en boucle. OK, revenons-y encore une fois. OK, super. Je recommande donc de tester les différentes progressions de base et les essayer avec d'autres touches pour voir la différence OK, c'est donc l'essentiel de la piste d'accords. Dans les prochaines vidéos, je vais approfondir les différents types d'appels que vous pouvez choisir. Merci d'avoir regardé, je vous verrai dans le prochain. 42. Piste d'accords - 2e partie : accords majeurs et mineurs: OK, maintenant je vais aborder les différents types d'accords proposés par la piste d'accords, commençant par les accords majeurs et mineurs Donc, si vous débutez dans l' écriture de chansons ou la théorie musicale, je vous recommande de regarder les prochaines vidéos, car j'ai expliqué la théorie des accords Si vous maîtrisez bien le solfège et que vous connaissez déjà les différents types d'accords, je vous recommande de sauter les prochaines vidéos OK, alors commençons. Appuyons donc sur le bouton Global Tracks ici. Et tapons deux fois sur le premier accord, puis passons à Modifier l'accord. Alors maintenant, cette boîte contextuelle en forme de champ de cordon apparaîtra. Vous pouvez donc voir ici que nous pouvons choisir un accord majeur ou mineur comme nous l'avons vu précédemment Expliquons maintenant rapidement les différences entre un accord majeur et un accord mineur Ces accords sont différents dans leur structure et dans l' ambiance qu'ils véhiculent Un accord majeur sonne joyeux et exaltant, un accord mineur sonne triste et plus Un accord majeur possède une note fondamentale plus une troisième majeure, qui se trouve à quatre demi-tons ou demi-pas de la racine, et une quinte parfaite, sept demi-tons ou demi-pas de Appuyons simplement sur le bouton des surfaces de jeu en bas à droite pour faire apparaître le clavier du piano. Fermons maintenant la fenêtre de l'éditeur pour avoir un peu plus d'espace. Je vais donc vous montrer maintenant ces différents accords sur ce clavier de piano Ainsi, un accord en do majeur a pour note fondamentale C. Et puis il a la troisième majeure, qui se trouve à quatre demi-tons au-dessus du do, donc un, deux, trois, quatre, qui est un mi, puis la quinte parfaite, qui se trouve à sept demi-tons au-dessus du do, cinq, six, sept, ce qui est un G. Donc, un accord en do majeur aura les notes C, E et G. Ramenons simplement la boîte contextuelle ce qui est un G. Donc, un accord en do majeur aura les notes C, du champ de cordes Tapons donc deux fois sur leur accord en do et passons à Modifier le cordon, et nous pouvons appuyer sur l'icône du haut-parleur en haut à gauche du champ du cordon pour prévisualiser l'accord. Parlons maintenant d'un accord mineur. Un accord mineur comporte une note fondamentale, puis une troisième mineure, située trois demi-tons au-dessus de la racine, puis une quinte parfaite, puis une quinte parfaite située à sept demi-tons au-dessus de la racine. La note fondamentale d' un accord en do mineur est donc le do, puis trois demi-tons au-dessus. Nous nous donnons ce mi bémol, qui sonne comme un ré dièse, mais c'est un mi bémol car une touche de do moins a un plat, pas un tranchant Et puis nous avons le cinquième, qui est sept demi-tons au-dessus du C. Un, deux, trois, quatre, cinq, six, Cela nous amène à G. Donc, un accord en do mineur comporte une note en do, mi bémol et G. Voyons le minimum dans ce champ d' accords ici Et appuyons sur l'icône d'un haut-parleur en haut à gauche pour l'abréger C'est donc la troisième note qui fait la différence entre une triade majeure et une triade mineure D'ailleurs, une triade signifie un accord de notes libres. Bon, rejouons maintenant notre boucle et passons d'un accord mineur à un accord majeur pour accord mineur à un accord majeur que vous puissiez entendre la différence Vous devriez donc être en mesure de remarquer que l'accord mineur sonne plus triste et plus sombre, et que l'accord majeur sonne plus joyeux et plus édifiant Mais avant cela, je vais juste régler la moitié du rythme des accords Chaque accord a donc une longueur de 2 mesures , ce qui vous permet de toucher le premier accord plus longtemps Appuyons donc sur cet accord, puis appuyons et maintenons sur tous les accords pour faire apparaître cette fenêtre contextuelle Maintenant, sélectionnons le rythme des demi-accords. OK, appuyons à nouveau deux fois sur le premier accord et sélectionnons Modifier l'accord. Maintenant, rejouons-le sur un accord mineur, puis je le rejouerai sur un accord majeur pour que vous puissiez faire la différence Vous auriez donc dû en entendre parler . Le premier cordon semblait assez triste et sombre. Et maintenant, essayons l'accord majeur, où il devrait sonner plus joyeux et plus édifiant OK, c'est donc la différence entre les accords majeurs et mineurs Dans la prochaine vidéo, nous allons continuer à étudier d'autres types d'accords. 43. Piste d'accords - 3e partie : sus, diminué, augmenté, 5+6e: Bien, examinons maintenant d'autres types d' accords, notamment les accords sus, les accords de cinquième, les accords augmentés, diminués et les accords augmentés, diminués et Regardons d'abord les accords sus. Donc, revenons au champ d'accords. Et vous pouvez voir ici que nous avons sus deux et sus quatre accords. Si vous choisissez ce type d'accord, le tiers de l'accord sera remplacé par une autre note Parlons donc d'abord de nous deux. Cela remplacera le tiers de l'accord par le deuxième degré de la gamme ou la deuxième note de la gamme Cela crée un son plus ouvert et irrésolu. Par exemple, une triade en do majeur comporte une note C, E et G. Mais la triade en do majeur contient les notes C, D et G. Comme le D est le deuxième degré de la gamme ou la deuxième note d'un accord en do majeur Sans la troisième note de la triade d'accords, cela donne à l'accord un son irrésolu suspendu Prévisualisons-le également dans le champ des accords appuyant sur l'icône du haut-parleur en haut à gauche de cette fenêtre contextuelle Écoutons également à quoi ressemble le son avec le bassiste de session et le claviériste. OK, alors nous avons un accord de type sus four, qui est un quatrième accord suspendu. Donc, cette fois, le troisième sera remplacé par le quatrième. Donc, pour une triade en do majeur, nous avons les notes C, E et G. Mais les quatre accords en do majeur contiendront les notes C, F et G. Comme le mi sera remplacé par le F. Prévisualisons cela dans le champ des cordes Et revenons à cela avec notre boucle. Les cordes SUS créent de la tension et semblent vouloir se en une corde plus stable, telle qu'un accord majeur ou mineur Bien, regardons maintenant le type d'accord suivant. Ensuite, nous avons un accord à cinq. Ce type d'accord n' a donc que la racine et le cinquième. Il n'inclut pas la troisième note de l'accord. Par exemple, un C cinq ne sera composé que des notes C et G. Elles sont également appelées accords puissants, et avec ces deux notes uniquement, nous ne savons pas si l' accord est majeur ou mineur, car il n'y a pas assez d'informations, car nous avons besoin de la troisième pour le déterminer Ces types d'accords peuvent avoir un son puissant ou neutre . Ils sont souvent utilisés sur des guitares électriques avec distorsion et sont utilisés dans les genres rock et métal Encore une fois, revenons à la boucle du piano et de la basse. Ensuite, nous avons un accord augmenté. Il s'agit d'un type de triade d'accords où la cinquième note est élevée ou augmentée d'un demi-pas ou d'un demi-ton Ce type d'accord peut créer un effet dramatique dans la musique et créer un son tendu et irrésolu, car l'augmentation de la cinquième note crée une sensation d'instabilité Une triade en do majeur comprend donc une note C, E et G. Mais pour un accord en do augmenté, nous élevons la cinquième note d'un demi-ton ou d'un demi-pas, sorte que le sol deviendra un sol Les accords augmentés en do ont donc les notes C, E et sol dièse. Donnons-en un aperçu ici également. L'utilisation d'un accord augmenté sert davantage à ajouter du mouvement et à harmoniser la couleur plutôt que de se limiter à une seule touche Réécoutons-le également sur le bassiste et le claviériste. Passons maintenant à notre prochain type d' accord, qui est un accord diminué. Il s'agit essentiellement d'un accord mineur où la cinquième note correspond à un demi-pas ou à un demi-ton plus bas Nous pouvons voir dans cette boîte en bas que nous avons un cinquième aplati. Si nous sélectionnons l'augmenté, vous pouvez voir que nous avons un cinquième affiné Mais continuons à parler de diminué. Ainsi, un accord diminué crée un son tendu et dissonant irrésolu Ils sont souvent utilisés pour créer des tensions. Donc, pour cet exemple, choisissons un accord en si diminué. allons donc remplacer la note fondamentale par un accord en si bémol diminué que nous utiliserons dans les notes B, D et F. Ainsi un accord en si mineur utilisera les notes B, D et fa Mais n'oubliez pas qu'un accord diminué est un accord mineur avec un flat et un Thef Ce fa dièse deviendra donc un fa Ainsi, un accord en si diminué utilise les notes B, D et F, qui sont dans la tonalité de do majeur Un do majeur n'a ni tranchant ni bémol. Ce ne sont que les notes blanches sur le clavier du piano. Encore une fois, prévisualisons-le ici. Et puis riposte avec un piano et une basse. Bien. Bien, voyons maintenant le type d'accord suivant Pour cet exemple, redéfinissons cela en do majeur. Regardons maintenant un accord à six. Cela ajoutera donc six notes au cordon. Cela fera donc un accord de quatre notes. Ainsi, par exemple, un accord en do majeur comporte une note C, E et sol, mais nous allons également ajouter les six, c' est-à-dire ce A ici Cela peut ajouter de la richesse à un cordon de base. Encore une fois, revenons au champ du cordon. Et puis réponds à ça avec notre boucle. OK, donc la corde S, cinquième corde, augmentée, diminuée, et les six cordes Ensuite, nous allons examiner les septièmes accords, que nous verrons dans la prochaine vidéo Alors merci d'avoir regardé, et je vous y verrai. 44. Piste d'accords - 4e partie : 7e accords: Bon, alors voyons maintenant les septièmes accords. Tapons sur quand c'est un sept, décochons 13 et tapons à nouveau sur sept. Ceci est également connu sous le nom d'accord de septième à dominante do. Il s'agit donc d'une triade majeure de l'addition moins la septième. Il s'agit donc d'une triade majeure avec un tiers mineur au-dessus. Déterminons donc les notes d' un accord de septième en do sept ou do dominant en do majeur Ainsi, une triade en do majeur comportera les notes C, E et G. Ensuite, nous devons ajouter une troisième mineure au-dessus, ce qui nous amènera à notre septième mineure N'oubliez pas que pour trouver un tiers mineur, nous devons compter trois demi-tons ou trois demi-pas Donc, à partir du G, qui est le cinquième, comptons jusqu'à trois. Un, deux, trois. Cela nous amène à B flat. Je vois donc un accord de septième dominant, nous aurons les notes do, mi, sol et si bémol Encore une fois, prévisualisons-le dans le champ des accords. Et encore une fois, écoutons-le avec notre boucle. Un accord de septième dominant est souvent utilisé pour ajouter de la tension et de la couleur et est souvent utilisé dans le jazz et le blues Pour cet exemple, comme nous sommes dans la tonalité de do majeur, choisissons un accord de septième dominant qui correspond à notre tonalité Donc, pour cet exemple, choisissons un accord en sol sept. Trouvons les notes d'un accord en sol sept. Nous avons donc la triade en sol majeur, qui est G, B et D. Et puis souvenez-vous que nous devons compter trois demi-tons à partir du cinquième pour trouver le Donc, un, deux, trois, cela nous amène à ce F. Donc un accord de septième en sol sept ou sol dominant en sol majeur contient les notes G, B, D et F. Et toutes ces notes sont des notes blanches et correspondent à la tonalité de do majeur Encore une fois, prévisualisons ceci. Rejouons-le dans notre boucle. Voyons maintenant un autre type d'accord de septième. Bon, parlons maintenant d'un septième accord majeur. Il s'agit donc d'un accord majeur auquel a été ajoutée une septième majeure. Remplaçons la note racine en C. Et prévisualisons-la d'abord ici. Cela crée donc un son chaud et riche et donne de la profondeur à la progression des accords Trouvons le septième accord en do majeur. N'oubliez donc pas qu'une triade en do majeur utilise une note C, E et G, puis nous devons ajouter une septième majeure en haut Il s'agit donc d'un tiers majeur au-dessus du G. Et pour trouver un tiers majeur, nous devons compter quatre demi-tons ou quatre demi-pas Donc, à partir du sol, un, deux , trois, quatre, cela nous amène à ce B. Donc, un do majeur sept, nous aurons les notes C, E, G et B. Cela correspond également à la tonalité de do majeur, car toutes les notes sont des notes blanches. Réécoutons-le avec la boucle. OK, ce sont donc les sept accords principaux. Regardons maintenant les accords moins septième. Nous allons donc appuyer sur R mineur et sur R sept. Donc, pour cet exemple, cela nous amène à C moins sept. Cependant, gardons cela dans la tonalité de do majeur. Je vais donc changer le nœud racine en D. Ce qui nous donne un accord D moins sept. Réglons ça maintenant. Nous avons donc les notes de ré mineur, qui sont D, F et A, et nous devons maintenant ajouter un moins septième en haut. Nous devons donc compter trois demi-tons ou trois demi-pas à partir du cinquième pour trouver le moins septième Donc, à partir du A, nous devons compter jusqu'à trois. Un, deux, trois, et cela nous amène au C. Donc, avec un accord D moins sept, nous avons les notes D, F, A, C. Prévisualisons-le dans la piste d'accords, et rejouons-le avec notre boucle Un appel d'épargne mineur peut sembler romantique , décontracté et peut sembler assez rêveur Parlons maintenant de l'autre type d'accord de moins sept, à savoir un accord mineur majeur à sept. Il n'y a pas vraiment d'accord mineur ou majeur à sept dans la tonalité de do majeur Donc, pour chacun de ces sept accords mineurs majeurs, il y aura au moins un accord aigu ou un accord bémol Pour cet exemple, travaillons sur sept accords en ré mineur majeur Rappelez-vous donc qu'une triade en ré mineur utilise les notes D, F et A, puis que nous devons ajouter un sept majeur au-dessus Nous devons donc ajouter un tiers majeur à partir du cinquième. N'oubliez donc pas que nous devons compter quatre demi-tons à partir du cinquième. Donc, à partir du A, comptons jusqu'à quatre. Un, deux, trois, quatre. Cela nous amène au do dièse. Donc, pour un accord à sept en ré mineur, nous avons les notes D, F, A et do dièse Ainsi, un accord de sept majeur mineur semble mystérieux, tendu et peut aussi sembler un peu triste Prévisualisons-le sur le champ du cordon. Et rejouons-le avec notre boucle. Il existe donc d'autres types d' accords à sept que nous pouvons également utiliser, mais les plus courants sont les majeurs et les accords de moins de septième Par exemple, nous pouvons avoir un accord de sus 27, donc il peut s'agir d'une septième dominante ou d'une septième majeure Encore une fois, nous pouvons élaborer les notes d'une triade SS two, puis nous pouvons ajouter une septième mineure ou une septième majeure en haut même pour le sus quatre et le cinquième, et nous pouvons également avoir des accords de septième augmentés ou diminués Pour un accord augmenté ou diminué, nous changeons en fait la cinquième note de l'accord Je n'ajouterais donc pas une troisième majeure ou mineure à partir d'une quinte pour obtenir la septième Je vais cependant vous donner un autre schéma rapide pour déterminer la septième, que vous pouvez utiliser pour tous ces accords, mais particulièrement pour les accords augmentés et diminués lorsque nous changeons la cinquième note Donc, pour cet exemple, élaborons un accord de septième en ré augmenté Cela devient donc un peu plus délicat maintenant, résolvons-le résolvons-le Nous avons donc la note fondamentale d'un D. Et souvenez-vous qu' il s'agit d'un accord majeur Nous devons donc compter quatre à partir de la racine pour trouver le troisième Donc un, deux, trois, quatre, cela nous amène à ce fa dièse. Ensuite, pour trouver un accord en ré majeur, il faut compter jusqu'à trois pour trouver le cinquième Un, deux, trois. Ainsi, un accord en ré majeur utilise les notes D, F et A. Cependant, un accord augmenté augmentera la quinte. Donc, au lieu de ce A, nous devons le mettre un demi-ton à un sol dièse. Ainsi, un accord en ré augmenté utilise les notes D, F et A dièse. Trouvons maintenant le septième dominant. Une autre façon de travailler à la septième dominante est donc de compter à rebours deux pas à partir d'une octave au-dessus de la racine Nous avons donc ce ré trois notes, et une octave au-dessus se trouve ce ré quatre notes Maintenant, comptons à rebours de deux demi-tons. Un, deux nous amène au C. Donc, un accord de septième augmenté en ré comportera les notes D, fa dièse, A dièse et C. Revenons-en à un aperçu Revenons à notre boucle. OK. OK. Ce mot a un son très tendu et instable. Il est souvent utilisé pour se transformer en une autre corde ou pour créer une tension dramatique. Ce cordon peut être utilisé pour créer des transitions spectaculaires. Cependant, il est assez rare que vous utilisiez un accord de septième augmenté, mais c'est ainsi que vous pouvez le faire si cela vous intéresse Regardons cela maintenant avec un sept majeur. L'astuce pour obtenir un accord de sept majeur consiste donc à compter à rebours d'un demi-ton ou d'un demi-pas, une octave au-dessus Regardons donc à nouveau ce cordon augmenté en D. N'oubliez pas que les notes étaient en ré, fa dièse et A shop, et nous avons cette octave de Dan ci-dessus Comptons à rebours d'un demi-ton, ce qui nous amène à cette boutique C. Ainsi, un accord à sept majeur augmenté en ré aura les notes D, fa dièse, A dièse et do dièse Encore une fois, il est assez rare que vous utilisiez ce type d'accord. Ce type d'accord a un son intense unique et peut être utilisé pour créer de la tension et du drame dans la musique Ainsi, par exemple, ce type de cordon peut être utilisé pour la tension dans un film ou une émission de télévision. Réécoutons-le avec notre boucle maintenant. Et nous pouvons également trouver un septième accord pour un accord diminué Permettez-moi de vous montrer rapidement comment procéder. Remplaçons la note fondamentale en si bémol, car cet accord sera en fait dans la tonalité de do majeur Un accord diminué est donc essentiellement un accord mineur mais avec une quinte aplatie Trouvons donc un accord en si mineur. Commençons donc par la note fondamentale de B. Ensuite, nous devons compter trois demi-pas ou trois demi-pas pour trouver le tiers mineur Donc un, deux, trois, cela nous amène à un D. Ensuite, nous devons compter quatre demi-tons ou quatre demi-pas pour trouver le cinquième Un, deux, trois, quatre. Ainsi, un accord en si mineur possède les notes B, D et fa dièse. Mais une corde diminuée diminuera ou aplatira le cinquième d'un demi-pas Ce coup de fa deviendra donc un fa . Donc, l' accord en si diminué contient les notes B, D et F. Maintenant, nous allons travailler sur le septième Souvenez-vous de l'astuce que je viens de vous apprendre pour déterminer la septième dominante il faut compter à rebours deux pas ou deux demi-tons à une octave au-dessus Nous avons donc ici la note si deux et au-dessus, nous avons la note si trois. Comptons maintenant deux demi-tons à partir de ce B trois. Donc, un, deux, nous amène à ce A. Donc, l' accord de septième diminué en B comportera les notes B, D, F et A. Vous pouvez voir ici qu'il est écrit sous la forme d'un accord si moins sept, cinq bémol, mais c'est la même chose qu'un accord de sept en si diminué Revenons sur ce point dans notre aperçu. Et rejouons-le avec notre rythme. Donc, cet accord correspond vraiment à cette tonalité. Un accord de septième diminué peut être utilisé pour créer de la tension et du drame Bien, examinons maintenant un autre type d'accord de septième diminué Regardons un accord de septième majeur diminué. Un accord de sept majeur réduit ajoute de la tension et mystère et peut être utilisé pour des effets dramatiques Trouvons ça pour le si majeur diminué sept. Celui-ci ne rentrera pas dans la tonalité de do majeur, mais résolvons-le quand même. L' accord en si diminué utilise donc les notes B, D et F. Et souvenez-vous l'astuce que je vous ai enseignée auparavant pour élaborer un accord majeur à sept, c'est juste un demi-pas ou un demi-ton, une octave Donc, une octave au-dessus de ce si deux nous amène à ce si trois. Et un demi-ton ou un demi-pas dessous nous amène à un A Nous avons donc le B, la racine, le D le troisième, le F le cinquième, et le fa dièse, le sept majeur. Revenons sur ce point dans l'aperçu. Et revenons également à notre rythme. Comme vous pouvez l'entendre sur la piste d'accords, il existe de nombreuses combinaisons différentes que nous pouvons utiliser Comme je l'ai dit, nous pouvons également ajouter un septième au sous-accord et un cinquième accord également Je recommande donc de tester ces différents cordons. N'oubliez pas que vous n' avez pas besoin de les régler sur le clavier du piano si vous ne le souhaitez pas. Vous pouvez simplement prévisualiser ces différents cordons ici pour entendre à quoi ils ressemblent. Par exemple, écoutons à quoi ressemble l'accord SUS 27 Essayons maintenant l'accord Sus Four Major Seven. Essayons l'accord 57. Et l'accord des cinq majeurs. Mais pour l'instant, revenons à un accord de do majeur simple et agréable Encore une fois, il existe de nombreuses combinaisons différentes d'accords de septième Comme je l'ai dit, nous pouvons avoir un septième accord pour les cordons source, cinquième accord augmenté ou diminué Mais j'espère que vous connaissez maintenant la différence et que vous devriez commencer à comprendre différents modèles afin de pouvoir les résoudre. OK, donc dans la vidéo suivante, nous allons examiner quelques accords étendus, y compris les nuits, le 11e et le treizième Merci de votre attention, je vous y verrai. 45. Piste d'accords - 5e partie : 9e accords: Bon, alors voyons maintenant ces accords étendus. Regardons maintenant les neuvièmes accords. Donc, pour cet exemple, sélectionnons un C neuf. Vous pouvez donc voir que lorsque nous avons sélectionné ces neuf accords, il a également ajouté un septième accord dominant Donc, un accord de neuf en ajoute un second en plus. La deuxième note en do majeur est donc un D. Nous allons donc ajouter un Dne par-dessus C'est ce qu'on appelle un neuf parce que c'est neuf notes au-dessus. Alors comptons jusqu'à zéro maintenant. Donc C est un, D est deux, E est trois, F est quatre, G est cinq, A est six, B est sept, puis pour en revenir au C, nous comptons cela comme huit car c' une octave au-dessus, puis D est neuf Trouvons simplement un accord de septième à dominante do , puis nous ajouterons un neuf en haut Commençons donc par le C. Ensuite, souvenez-vous qu'il s'agit d'un accord majeur, nous devons donc compter jusqu'à quatre Cela nous amène à E, puis du troisième au cinquième, nous devons compter jusqu'à trois. Le tridé en do majeur comporte donc une note C, E et G. Donc, pour obtenir une septième dominante, nous devons compter jusqu'à trois à partir de la cinquième, ou nous pouvons compter deux à partir de l'octave ci-dessus Déterminons cela à partir de la cinquième, tout d'abord. Donc le cinquième est un sol, et comptons trois, un, deux, trois pour arriver à ce si bémol. Ou, comme je l'ai dit, nous pouvons compter deux à compter à rebours à partir de la note fondamentale et de l'octave au-dessus Le do trois et l'octave ci-dessus nous amènent donc au do quatre. Maintenant, comptons à rebours deux, un, deux, encore une fois, pour arriver à ce si bémol. Ainsi, un accord de septième à dominante do comporte une note en do, mi, sol et si bémol Et dans la gamme de do majeur, la deuxième note, une, deux, est ce D. Ajoutons donc cette octave ci-dessus Donc, pour cet exemple, D quatre. Alors maintenant, déterminons un C neuf. C'est donc un accord de septième à dominante do, avec un neuvième. Nous avons donc C, E, G, B, D. Revenons simplement au champ du cordon et prévisualisons-le ici. Rejouons-le maintenant avec un clavier et des bassistes. Un accord à neuf comme celui-ci ajoute de la couleur et de la tension, et il peut être idéal pour le jazz, le blues et le funk Voyons maintenant un autre type d'accord à neuf. Nous pouvons donc en faire un neuf majeur. Nous avons donc un sept en do majeur avec un neuvième en haut. Rappelez-vous donc que la triade en do majeur comprend les notes C, E et G. Ensuite, nous devons compter jusqu'à quatre à partir de la cinquième, ou nous pouvons compter un à partir de la note fondamentale et de l'octave ci-dessus Comptons jusqu'à quatre à partir du cinquième. Le cinquième est donc ce G. Un, deux, trois, quatre nous amène à ce B. Ici, nous avons la note de do et jouons cette octave ci-dessus Et une note ci-dessous, encore une fois, se trouve ce B. Donc, un accord à sept en do majeur contient les notes C, E, G, B. Ensuite, nous devons ajouter la neuvième en haut Donc, dans la gamme de do majeur, la deuxième note est un ré, un, deux. Et jouons cette octave ci-dessus. Donc, un 79 en do majeur comporte des notes C, E, G, B, D. Encore une fois, voyons un aperçu de cela dans le champ du cordon. Et rejouons-le avec notre morceau. Un accord majeur de 79 est doux et chaud et peut être idéal pour le jazz et la musique pop Voyons maintenant comment créer un neuvième accord mineur. Passons donc à un mineur et sélectionnons neuf. Et vous pouvez voir que par défaut, il s'agit de sélectionner sept, ce qui dans ce cas est un moins sept. Pour cet exemple, changeons cela en D moins sept, car cela figurera dans la tonalité de do majeur, ce qui pourrait être un peu plus facile à comprendre. OK, alors commençons par trouver un accord en ré mineur La note fondamentale est donc D. Et n'oubliez pas que nous devons compter jusqu'à trois à partir de la racine pour trouver le tiers mineur. Donc un, deux, trois nous amènent à ce F, puis nous devons compter jusqu'à quatre partir du tiers mineur pour trouver le cinquième. Donc un, deux, trois, quatre. Un accord en ré mineur comporte donc des notes D, F et A. Maintenant, ajoutons la septième moins Rappelez-vous donc qu'à partir du cinquième, nous devons compter trois demi-pas ou trois demi-tons. Donc le cinquième est celui-ci A. Comptons jusqu'à trois, un, deux, trois. Cela nous amène au do. Ou nous pouvons compter à rebours deux demi-tons ou demi-pas partir de la note fondamentale et de l'octave ci-dessus La note fondamentale est donc ce ré trois, et l'octave ci-dessus est ce ré quatre Comptons donc à rebours deux demi-pas ou deux demi-tons. Donc, un, deux nous amène également à ce C. Ainsi, un accord en ré moins sept possède les nœuds D, F, A et C. Et maintenant, dans la gamme de ré mineur, la deuxième note est ce E. Nous devons donc ajouter un neuf, c' est-à-dire le mi et l'octave ci-dessus Donc, un appelé D moins neuf aura les notes D, F, A, C et E. Encore une fois, prévisualisons-le dans le champ de cordes et rejouons-le avec notre morceau. Un neuvième accord mineur produit un son émotionnel doux, idéal pour créer de la profondeur et de l'atmosphère. D'accord, jetons maintenant un coup d'œil à un mineur majeur 79. Nous n'avons donc pas vraiment d'accord mineur à sept cordes correspondant à la tonalité de do majeur Mais trouvons quand même cet accord en ré mineur majeur 79, même s'il n'est pas dans la tonalité de do majeur Donc, en ré mineur, il y a le ré, le fa et le A. Et maintenant, déterminons les sept majeurs. Nous devons donc compter un tiers majeur à partir du cinquième. Nous devons donc compter quatre demi-tons ou quatre demi-pas. Donc le cinquième est ce A. Alors comptons jusqu'à quatre. Un, deux, trois, quatre, nous amène au do dièse, ou nous pouvons compter à rebours d'un pas ou d'un demi-pas, une octave au-dessus de la note fondamentale La racine est donc ce D trois. Une octave au-dessus se trouve ce ré quatre, et un demi-pas ou un demi-ton nous amène également au do dièse Ainsi, un accord à sept en ré mineur majeur possède les nœuds D, F, A et do dièse Et n'oubliez pas que le neuf est ce E. Alors jouons tous ensemble. Donc, un accord en ré mineur majeur 79 a le nez en ré mineur, F, A, do dièse et E. Encore une fois, prévisualisons-le dans le champ des cordes Rejouons-le avec notre morceau. Ce type d'accord semble donc tendu et envoûtant, et il est parfait pour ajouter du Vous pouvez donc voir ici que nous pouvons également affiner ou aplatir la neuvième note, si vous L'accentuation ou l'aplatissement de la neuvième note peut créer la tension et de la couleur et modifier son impact émotionnel Revenons en fait à un sept en do majeur. Remplaçons donc la note fondamentale en do majeur. Tout simplement parce qu'avec un sept en do majeur, toutes les notes sont en , et commençons par affiner la neuvième Rappelez-vous donc que les notes du numéro sept en do majeur sont les suivantes : do, E, sol, B, et qu'une neuvième est ce D. Donc, si nous voulons affiner un neuf, nous jouerons plutôt ce ré dièse Ainsi, les notes du septième en do majeur, aiguisé en neuvième, seront en do, mi, sol, si et ré dièse Ce type d'accord sonne vif et tendu. Un neuvième aiguisé peut ajouter de la tension et dissonance et peut ajouter une saveur et une couleur bleutées. Cela peut parfois être utilisé dans séries dramatiques telles que le jazz, le blues et le rock Prévisualisons-le à nouveau dans le champ d'accord. Et rejouons-le avec notre boucle. D. Et voyons comment aplatir le neuvième N'oubliez pas que le numéro 7 en do majeur contient les notes C, E, G et B. Et cette fois, nous allons aplatir la neuvième Cela va donc nous amener à une déflation. Vous pouvez donc voir ici que nous sommes en train d'aplatir et d' affiner Mais pour l'instant, regardons simplement l'aplatissement du neuvième. Décochons donc la case Sharpen Nine. OK, donc les notes du septième en do majeur sont C, E, G, B. Et maintenant, aplatissons la neuvième, ce qui nous amène à ce déflat Ce type d'accord sonne donc brillant et envoûtant avec un soupçon de tension sombre Un couteau plat ajoute également de la tension et de la dissonance et peut être utilisé pour créer pièces dramatiques. Il est souvent utilisé pour améliorer les accords de septième dominants dans des séries musicales telles que le jazz, le classique et accords de septième dominants dans des séries musicales telles que le jazz, et de la dissonance et peut être utilisé pour créer des pièces dramatiques. Il est souvent utilisé pour améliorer les accords de septième dominants dans des séries musicales telles que le jazz, le classique et le flamenco. Prévisualisons ceci. Et allons-y avec notre boucle. Nous pouvons également choisir d'avoir un neuvième aplati et aiguisé dans le Cela ajoutera beaucoup de distance et tension et peut également ajouter de la couleur au cordon. Il est peut-être très rare que vous utilisiez ce type de cordon, mais il suffit de trouver une solution. Rappelez-vous donc que la corde à sept cordes en do majeur comporte une note C, E, G, B, puis nous avons la neuvième aplatie, qui est le ré bémol, et la neuvième, plus nette, qui est le ré dièse Comme je l'ai dit, c'est très dissonant et tendu . Prévisualisons ceci. Et reprenez-nous notre boucle. Et, bien sûr, nous pouvons faire de même pour les accords mineurs. Cela ne nous permet pas d'aiguiser un couteau, mais nous pouvons toujours ajouter un couteau ou l'aplatir Avec un sus deux, nous ne pouvons pas ajouter de couteau car un sus deux jouera déjà la deuxième note car nous remplaçons la troisième par la deuxième. Mais avec un accord sus four, on peut ajouter un couteau ou un couteau à aplatir et aussi avec une cinquième corde un couteau à aplatir et aussi avec une cinquième Et avec les accords augmentés et diminués, nous pouvons également ajouter des couteaux Je ne vais donc pas passer en revue tout cela, car cela peut prendre un certain temps. Mais je recommande de les tester vous-même. Et si vous ne voulez pas les régler sur le clavier, vous pouvez toujours appuyer sur ceux que vous voulez et les prévisualiser ici pour voir si vous aimez le son. Il existe donc de nombreuses combinaisons différentes que vous pouvez choisir. OK, donc ce sont les neuvièmes accords. la vidéo suivante, nous allons regarder les onzièmes accords, puis les accords 13e Alors merci d'avoir regardé, et je vous y verrai. 46. Piste d'accords - 6e partie : 11e accords: Donc, pour le prochain exemple, calculons le do majeur 11 car toutes les notes seront en do majeur. Assurons-nous donc de la note fondamentale en C. Changons-la en accord majeur, puis tapons sur 11 Vous pouvez voir ici que nous avons également un sept et un neuf. Cet accord aura donc la racine, la troisième, la cinquième, la septième, la neuvième et la 11e. La onzième est donc une octave plus la quatrième note. Faisons le compte à rebours maintenant. Donc, en do majeur, la quatrième note sera un F. Nous avons donc C, qui est un, D, qui est deux, E, qui est trois, et F, qui est quatre. Les quatre degrés d'échelle et octave ci-dessus seront donc ce F. Nous avons donc C, E, G, B, D, et le 11e, qui est ce F. Encore une fois, prévisualisons cela dans le champ du cordon Et écoutez-le avec notre boucle. Essayons un autre type de 11e accord. Essayons maintenant un accord en sol 11. Donc, cette fois, nous allons avoir une septième place dominante plutôt que la septième majeure. Ainsi, un accord de septième en sol dominant s'inscrit dans la tonalité de do majeur. OK, réglons ça. Faisons simplement défiler la page ici. Donc, tout d'abord, nous avons la triade en sol majeur, qui est le sol, le B et le D. Ensuite, nous devons ajouter le fa, qui est une septième dominante ou une septième mineure Nous devons donc compter les trois premiers, un, deux, trois, pour le trouver. Cela nous amène à ce F. Ensuite, nous devons trouver le neuvième. Donc, le deuxième degré d'échelle en sol majeur , un, deux, nous amène à ce A. Donc, un sol neuf, nous aurons les notes G , B, D, F et A. Bien, passons maintenant au 11e. Le quatrième degré de l'échelle sera donc un C, donc un, deux, trois, quatre. Nous devons donc ajouter ce C en haut. Donc, un accord G 11, nous avons les notes G, B, D, F, A et C. Et vous pouvez voir ici qu'il est également écrit sous la forme g79 C'est donc un accord G Seven, plus une 911. Donnons-en un aperçu ici. Et vous pouvez entendre qu'il a été joué une octave plus bas que ce que je viens de trouver. Écoutons-le maintenant avec notre morceau. Cet accord sonne donc riche et doux avec un soupçon de tension Nous pouvons également sélectionner le 11 et discuter du sept et du neuf, si vous le souhaitez. Donc, de cette façon, il y aura une triade en sol majeur plus les 11. Descendons simplement en octave Passons de la lecture au défilement, et faisons défiler la page jusqu' à une octave plus bas OK, remettons ça en marche. Et maintenant, nous allons trouver un G additionné de 11. Nous avons donc une triade en sol majeur. Et maintenant, nous devons ajouter le 11, qui est le quatrième degré de l'échelle. Donc un, deux, trois, quatre. C'est donc un sol majeur, ajoutez un C. Et encore une fois, nous pouvons le prévisualiser et revenir à notre morceau. Ce type d'accord sonne donc ouvert et légèrement tendu. Et nous pouvons également choisir de nombreuses combinaisons différentes . Par exemple, nous pouvons simplement avoir le neuf ou simplement le sept. Et nous pouvons également affiner le 11 si vous le souhaitez. Et bien sûr, nous pouvons également le faire avec des accords mineurs. Nous pouvons donc choisir un 11, et nous pouvons l'affiner si vous le souhaitez Cependant, avec un accord sus quatre, nous ne pouvons pas ajouter un 11e car un accord sus quatre change la troisième note en quatrième Nous jouons donc déjà une quatrième note Et n'oubliez pas que la 11e est la quatrième note , mais une octave au-dessus Et avec le cinquième accord, nous pouvons en ajouter 11, et nous avons également des accords augmentés et diminués, mais avec un accord diminué, nous ne pouvons pas aiguiser Il y a donc de nombreuses possibilités différentes ici, et je ne vais pas les passer toutes en revue, mais c'est ainsi que vous pouvez trouver un onzième accord OK, c'est donc la fin de cette vidéo. Dans la vidéo suivante, nous allons regarder les accords du 13e, merci de regarder, et je vais voir. 47. Piste d'accords - 7e partie : 13e accords: OK, alors regardons maintenant les accords du 13e. Ces accords ont donc la racine, la troisième, la cinquième, la septième, la neuvième, la 11e et la 13e, ou la sixième note une octave Ces types d'accords peuvent ajouter profondeur et de la richesse à une harmonie Ils peuvent être utiles pour les genres qui explorent l'harmonie étendue, tels que le jazz ou la fusion. Pour cet exemple, calculons le do majeur 13. Changons donc la note fondamentale en do, à un accord majeur, puis tapons sur 13 Donc, pour cet exemple, je veux remplacer le sept par un sept majeur, et je veux également ajouter le 11e pour obtenir un accord complet du 13e OK, alors réglons ça maintenant. Donc, tout d'abord, nous avons la triade en do majeur, qui utilise les notes C, E, G. Ensuite, nous avons le sept majeur, qui est le B, puis nous avons le neuf, qui est le D, puis nous avons le 11, qui est le F, puis nous avons le 13, qui est le A. C'est un gros mot, et il est assez difficile de jouer sur iPad Souvenez-vous donc que le 13e est un six octave au-dessus. Et en do majeur, le six est A. Donc C, qui est un, D, qui est deux, E, qui est trois, F, qui est quatre, G, qui est cinq, et A, qui est six. OK, prévisualisons-le maintenant dans la piste d'accords. Et écoutons-le en retour avec notre boucle. Essayons maintenant avec un autre 13e accord qui tient dans la tonalité de do majeur Alors maintenant, nous allons travailler sur le G 13. Remplaçons la note fondamentale en sol majeur, et nous allons passer d'un sept majeur à un septième dominant. Et encore une fois, assurons-nous d'avoir sélectionné les neuvième, 11e et 13e. Parce que si nous choisissons une septième majeure, ne rentrera pas dans la tonalité de do majeur. Restons simples pour le moment et restons en do majeur. Revenons donc à un sept, donc nous allons jouer un septième dominant. OK, réglons ça. Avant cela, préparons simplement la sixième note afin de savoir quelle sera notre 13e note. Comme la 13e note correspond aux six octaves ci-dessus. Donc G est un, A est deux, B est trois, C est quatre, D est cinq et E est six. Notre 13e note sera donc cette note une octave au-dessus, soit ce mi quatre notes OK, trouvons maintenant cet accord en sol 13 ou en sol sept, nous avons ajouté neuf, 11 et 13 Commençons donc par une triade en sol majeur, qui utilise les notes G, B et D, puis nous avons la septième dominante en haut, qui est le F, puis nous avons le neuf, qui est le A, puis nous avons le 11, qui est le C, et enfin nous avons le 13, qui est le E. Encore une fois, c'est un fil assez difficile à jouer sur iPad Prévisualisons-le dans la piste d'accords. Et écoutons-le avec notre boucle. Nous pouvons donc obtenir des noyaux assez complexes si vous le souhaitez. Il existe d'autres types de 13e cordons que nous pouvons également ajouter. Au fait, nous n'en avons pas besoin pour les 11 et 9. Nous pouvons juste l'avoir avec le 7 et le 13. Nous pouvons également avoir des accords mineurs du 13e. Encore une fois, nous pouvons dire que c'était la 11e et avec environ la neuvième. Nous pouvons également en ajouter un 13e pour les cordons USB. Et encore une fois, pour la note augmentée, où nous pouvons ajouter la 11e note si vous le souhaitez, et nous pouvons également ajouter la 13e note pour la note diminuée. Encore une fois, je vous recommande de passer par ici et les prévisualiser afin que vous puissiez voir la différence OK, c'est donc le 13e accord, et comme je l'ai dit, il peut ajouter profondeur et de la richesse à notre harmonie Merci donc d' avoir regardé cette vidéo. Ensuite, nous allons examiner les autres réglages de sa bande d'accords, que nous verrons dans la prochaine vidéo 48. Piste d'accords - 8e partie : autres caractéristiques: Bien, examinons maintenant certains des autres paramètres de cette boîte contextuelle remplie de câbles. Tout d'abord, à côté de l'accord ici, nous pouvons taper l'accord exact que nous voulons Donc, pour cet exemple, tapons D. Et maintenant, nous allons jouer un accord en ré majeur Cependant, si nous changeons cela en DM, il s'agira désormais d'un accord en ré mineur Et si nous changeons cela en DM sept, cela jouera un accord D moins sept Et prenons juste un autre exemple. Tapons C neuf. Et vous pouvez voir maintenant qu'il joue un accord en do neuf ou un septième accord en do dominant avec un neuvième accord. Nous pouvons donc taper exactement l' accord que nous voulons ici, ou nous pouvons simplement enregistrer le type d'accord que nous voulons ici. Bon, regardons maintenant la note de base de Wet Say. Cela nous permet de modifier la note de base de l'accord. Si nous choisissons une note de base différente de celle de l'accord, cela peut ajouter de la variété harmonique et de la tension et peut mettre l'accent sur un mouvement de base spécifique dans la progression Pour le moment, nous avons un accord en do majeur, mais changeons la note de base en D. Donnons-en un aperçu maintenant Écoutons-le également avec notre groove. Ces types d' accords sont appelés slash ou accords composés. Donc, pour cet enregistrement en do, la première lettre C est l'accord et la deuxième lettre est la note de base Mais pour cet exemple, redéfinissons ce paramètre en none. allons donc revenir à un accord en do majeur, où la note de base sera un do. Bien, voyons maintenant la gamme ci-dessous Avec cela, nous pouvons choisir une certaine échelle ou un certain mode avec la liste déroulante des échelles. Une gamme est donc une séquence de notes. Nous pouvons donc choisir ici différentes échelles qui pourraient vous aider à trouver de nouvelles idées et sortir de modèles familiers. Certaines de ces différentes gammes peuvent donner une saveur différente à la musique, je recommande donc de les tester. Une échelle majeure est donc ionienne, mais nous avons toutes ces autres échelles que nous pouvons également choisir Ces gammes changeront également en fonction du type d' accord que vous avez sélectionné Par exemple, si nous changeons cela pour un accord augmenté, vous pouvez voir ici que nous avons moins de gammes disponibles et différentes D'ailleurs, il ne s'agit que d'une échelle pour les instruments des joueurs de session. Cela ne changera pas l'échelle des instruments qui ne sont pas des joueurs de session. Donc, si vous changez d'échelle, assurez-vous que les instruments non utilisés par les joueurs de session suivent également cette gamme. OK, voici donc toutes les autres fonctionnalités de cette boîte à cordes. J'espère donc que vous comprenez maintenant comment utiliser la piste d'accords dans Logic Pro pour iPad Merci beaucoup d'avoir regardé cette section, et je vous verrai dans la prochaine. 49. Optimiser votre flux de travail: Bienvenue dans cette prochaine leçon du cours, où nous nous concentrerons sur l'optimisation votre flux de travail pour une production musicale efficace. Examinons les gestes tactiles ou les raccourcis pour l'iPad et quelques conseils sur l'ordre dans lequel effectuer le processus de production. Gestes tactiles ou raccourcis. Les gestes tactiles fonctionnent comme les raccourcis clavier sur Mac. Ils constituent un excellent moyen d' améliorer votre flux de travail. Certains gestes tactiles courants incluent le fait de toucher, de balayer, de pincer et de faire glisser pour effectuer des actions telles que la sélection, le zoom, le défilement Je ne vais pas passer en revue tous ces gestes tactiles pour le moment afin de ces gestes tactiles pour le moment afin rester concis Ils ne sont peut-être pas essentiels pour tout le monde, mais cette vidéo est accompagnée d'un PDF expliquant certains des gestes tactiles les plus courants. Je vous recommande donc de le télécharger et de le vérifier si vous souhaitez en savoir plus sur ces gestes tactiles courants. Cependant, vous pouvez utiliser pleinement Logic Pro pour iPad en utilisant uniquement vos doigts sur l'écran. Vous pouvez ajouter sur votre iPad des périphériques d'entrée externes qui fonctionnent même manière que les gestes ou étendre leurs fonctionnalités et accroître leur précision. Un trackpad utilise les mêmes gestes que sur votre écran tactile. Vous pouvez utiliser un crayon Apple pour les mouvements d'un seul doigt, ce qui permet des opérations de tapotement et de glissement plus précises. Cela est particulièrement utile pour dessiner dans l'automatisation et les régions. Vous pouvez également l'utiliser comme périphérique de saisie de texte avec écriture manuscrite pour nommer des pistes ou des régions dans l'inspecteur Un contrôleur MIDI externe, tel qu'un clavier MD peut être utilisé pour enregistrer des régions multimédia ou pour écrire des automatismes. Un clavier d'ordinateur externe peut être utilisé pour des raccourcis similaires à ceux que vous trouverez dans Logic Pro pour Mac. OK, c'est donc la fin de cette vidéo. Ensuite, nous parlerons de l'ordre du flux de travail. 50. Assistance sur l'ordre des flux de travail: Conseils sur l'ordre du flux de travail. Au début d'un morceau de musique, il peut être difficile de faire avancer les choses. Vous vous sentez peut-être dépassé par les possibilités qu'offre la création musicale ou vous avez du mal à structurer efficacement votre flux de travail. Ne t'inquiète pas. Cela arrive à tout le monde. Nous avons découvert que les processus suivants peuvent vous aider à améliorer votre efficacité et à faire avancer les choses. Rédaction et arrangement. Commencez par esquisser vos idées musicales et organisez-les dans une structure cohérente. Utilisez la vue d'arrangement pour organiser vos pistes et vos sections, en jetant les bases de votre composition. Ne vous souciez pas trop des décisions que vous prenez à ce stade, écrivez librement et essayez de prendre du recul par rapport à votre musique pour avoir une vue d'ensemble du morceau. Ton, tombra et regard. Une fois que votre arrangement est en place, concentrez-vous sur le façonnage du ton et de la tombra de vos sons Testez différents instruments, patchs et techniques de laquage pour créer de la profondeur et de la texture dans votre mix C'est l'occasion pour vous de réfléchir à l'instrumentation, à des techniques musicales plus complexes, et de manière générale d'épaissir votre morceau. Traitement des effets. Après avoir défini votre palette sonore, plongez dans le traitement des effets pour ajouter de la profondeur, de la dimension et du caractère à votre mix Testez des effets tels que la réverbération, le retard, la compression et la modulation pour améliorer les qualités sonores de votre morceau et faire preuve de créativité Automatisation. Utilisez l'automatisation pour ajouter du mouvement, la dynamique et de l'expression à votre musique. Automatisez les paramètres tels que le volume, le panoramique, l'E Q et les effets pour créer des changements et des transitions dynamiques tout au long de votre mixage Maîtriser et exporter. Une fois que votre morceau est peaufiné et prêt à être diffusé, finalisez votre projet en utilisant l'assistant principal et en l' exportant dans le format souhaité. En suivant cet ordre de flux de travail, vous pouvez rationaliser votre processus de production musicale dans Logic Pro pour iPad, tout en optimisant l'efficacité et la créativité. Testez des gestes tactiles et des raccourcis pour améliorer encore votre flux de travail et exploiter tout le potentiel de vos idées musicales. 51. Faire progresser votre boîte à outils de production musicale: Améliorez vos kits d'outils de production musicale. Il existe de nombreuses façons d'améliorer vos boîtes à outils de production musicale Examinons quelques ressources précieuses, interfaces matérielles et tirons parti de Logic Proferac pour améliorer vos capacités de production musicale Notez que l'abonnement à Logic Per iPad est largement suffisant pour vous lancer dans votre aventure musicale. Ce dont nous allons parler, c'est du contenu qui peut être téléchargé pour améliorer et explorer de nouveaux contenus pour la création musicale , à la fois en termes de logiciels et de matériel. Découvrez une variété de packs téléchargeables dans Logic Per iPad en accédant au navigateur et en sélectionnant la bibliothèque de sons sous Obtenir plus de sons. Chaque pack contient des boucles uniques, des samples, des patchs d' instruments, des kits de conception de boîtes à rythmes, etc. Les packs peuvent être conçus pour des instruments spécifiques tels que les synps, les rythmes et les packs de claviers Ils peuvent également être adaptés au son d'un producteur ou d'un artiste spécifique. Certains packs sont adaptés aux DMRA de manière plus générale. Vous pouvez prévisualiser les packs avant de les télécharger. Une chose à garder à l'esprit lorsque vous téléchargez packs est le nombre d'histoires qu'ils contiennent sur votre iPad. La taille de chaque pack est affichée au bas de la fenêtre de chaque pack. Vous pouvez également envisager investir dans une interface audio externe compatible avec votre iPad afin d'étendre vos entrées et sorties à des fins d'enregistrement et de surveillance. Les interfaces audio offrent des préamplis micro, des entrées instrument et des sorties casque supplémentaires , ce qui permet une plus grande flexibilité et polyvalence dans votre configuration d'enregistrement Optez pour des interfaces dotées convertisseurs de haute qualité, d'une surveillance à faible latence et d' une compatibilité avec les appareils IOS pour garantir une intégration parfaite avec Logic Pro pour iPad. Permettez-moi de vous présenter rapidement Logic P pour Mac, et je vais vous présenter brièvement certaines de ses fonctionnalités les plus avancées que Logic Pro iPad n'offre pas. Vous pouvez également utiliser Logic Pro pour Mac pour accéder à fonctionnalités d'édition avancées dans un flux de travail différent de celui de la version iPad. Des fonctionnalités telles que Flex Pitch, Flex Time et l'automatisation avancée offrent un contrôle avancé de l'édition audio et MIDI, permettant une correction précise de la hauteur, une manipulation du temps et des effets créatifs. Logic Proper MAC peut gérer puissance de traitement supérieure et un plus grand nombre de pistes par rapport à la version iPad, ce qui le rend idéal pour les productions complexes ainsi que pour mixage et le mastering de niveau professionnel transition entre Logic Proper iPad et Logic ProferMac permet une collaboration fluide et une flexibilité du flux de travail, vous permettant ainsi de mener à bien des projets de toute envergure en toute Revenons maintenant à Logic P pour iPad. En explorant les packs d'échantillons, en investissant dans des interfaces matérielles et en tirant parti de Logic Pro pour Mac, vous pouvez améliorer votre kit d'outils de production musicale et faire passer vos productions au niveau supérieur. Que vous créiez des rythmes sur votre iPad ou que vous vous intéressiez au montage et au mixage sur votre Mac, les possibilités de créativité et d'expression sont infinies Continuez donc à expérimenter, à apprendre et à perfectionner vos compétences tout en poursuivant votre voyage musical Au terme de ce cours de Logic P pour iPad, j'espère que vous aurez acquis des connaissances et des compétences viables qui vous permettront de libérer votre créativité et d'améliorer vos capacités de production musicale agisse de naviguer dans l'interface ou de maîtriser vos morceaux, ce cours vous a fourni les connaissances et outils nécessaires pour donner vie à vos visions musicales N'oubliez pas que le voyage ne s'arrête pas là, continuez à explorer, à expérimenter et à repousser les limites de votre créativité Continuez à faire de la musique et votre passion pour l'expression par le son s'épanouisse dans le monde en constante évolution de la production musicale. 52. ChromaGlow Partie 1 - Une introduction à la saturation: Bonjour, et bienvenue dans cette section, où je vais explorer Chromo Globe Il s'agit d'un module de saturation et de distorsion, et cet effet est basé sur les unités matérielles. La saturation peut donc être idéale pour ajouter de la saturation ou de la distorsion à différents instruments ou voix. Vous pouvez même l' utiliser pour le mastering, où vous l'appliquez à votre bus principal Cela peut donner un peu plus de style ou de cran à vos chansons et ajouter du caractère à votre musique Avant de commencer à examiner cet effet, parlons de ce qu'est la saturation. La saturation est un type de distorsion, et c'est vraiment ce qui rend matériel analogique agréable. Nous pouvons également l'émuler avec des plugins numériques comme chromoglo La saturation peut donner de la chaleur analogique à votre musique et l'embellir en ajoutant des fréquences harmoniques Voyons maintenant ce que signifie l'ajout de fréquences harmoniques. La meilleure façon d'expliquer cela est d'utiliser un oscillateur de test. Dans Logic Pro, nous pouvons l' ajouter en accédant à l'emplacement des effets, puis en allant dans les utilitaires et en testant l'oscillateur Nous pouvons l'ajouter à un MD ou piste audio. Cela ne fera aucune différence. Ajoutons maintenant un oscillateur de test dans Logic P pour iPad. Ajoutons un nouvel instrument avec ce bouton plus ici. Maintenant, appuyons sur les trois points situés à côté de l'instrument logiciel MD, où il est écrit « Patch Slash Instrument Nous allons changer le correctif par défaut pour tester scitor. Nous pouvons donc le faire en passant à l'utilitaire, puis en choisissant l' oscillateur de test. Puis appuyez sur Créer. Désactivons-le pour le moment car le son peut devenir un peu gênant. Assurons-nous également que c' est réglé sur une onde sinusoïdale, et réduisons la fréquence à 250 hertz Maintenant, on l'active, vous êtes là, c'est un peu moins embêtant. Désactivez-le pour le moment. Ne fermons pas vraiment le navigateur, ni la surface de jeu, car cela occupe beaucoup d'espace inutile. OK, ajoutons maintenant un égaliseur de canal. Passons au mixeur, puis changez-le en mode configuration ici. Maintenant, dans l'instrument oscillateur de test, ajoutons un égaliseur, et nous pouvons faire en cliquant sur AudioFX Passons à EQ, et maintenant passons à Channel EQ. Maintenant, tapotons dessus et allons afficher les détails. Maintenant, en allumant l'oscillateur de test, vous pouvez voir qu'il nous donnera une fréquence à 250 hertz Appuyons sur Tester l'oscilateur ici, puis sur Activer. Appuyons à nouveau dessus et appuyons sur Bypass, pour que nous ne puissions plus l'entendre. OK, maintenant nous allons ajouter le connecteur chromoglo et nous allons l'avoir avant le canal Il suffit de faire défiler la table de mixage vers le bas et appuyer sur ce bouton plus pour ajouter un nouveau connecteur. Nous pouvons donc trouver l'effet chromoglo en passant à la distorsion, puis au Cependant, comme je l'ai dit, je souhaite l'avoir avant la chaîne EQ Il suffit donc de le toucher et de le faire glisser vers le bas. Maintenant, l'oscillateur de test passera à l'effet chromoglo, puis nous pourrons voir à quoi ressembleront les fréquences dans l' égaliseur du canal Allumons à nouveau l' oscillateur de test. Et montrons les détails de l' égaliseur de canal. À l'heure actuelle, ça a l'air pareil. Mais augmentons réellement le cadran de commande grâce à l'effet chromoglo. Maintenant, vous pouvez voir que si nous revenons à l'E Q, il y a plus de fréquences. L' effet de saturation du chromoglo crée donc harmoniques à partir de cette seule fréquence produite par l' C'est pourquoi l'ajout de saturation rend le son plein et plus riche en ajoutant plus de fréquences Tapons maintenant sur chromogloe et passons à afficher De plus, dans Chromoglo, nous avons différents modèles de saturation. Elles augmenteront certaines harmoniques plus que d'autres. Choisissons donc rapidement un autre modèle. Nous pouvons le faire en cliquant sur le menu déroulant ici. Et pour cet exemple, choisissons le magnétique. Maintenant, je vais le rejouer et ouvrir le canal EQ, puis passer d'un modèle à l'autre pour ce et ouvrir le canal EQ puis passer d'un modèle à l'autre pour l'effet chromoglo, afin que vous puissiez voir que les différents modèles démarrent certaines harmoniques plutôt que d'autres. Alors faisons-le maintenant. OK, alors désactivons l'oscillateur de test maintenant. OK, donc je voulais juste le démontrer avec un oscillateur de test, afin que nous puissions clairement voir la différence Cependant, nous n'allons plus utiliser l'oscillateur de test Supprimons donc cette piste Nous pouvons donc le faire en appuyant sur la piste ici, puis en cliquant sur Supprimer. Cela indique que vous allez supprimer les objets assignés aux pistes dans les pistes. Mais nous allons quand même procéder à la suppression car nous n' allons pas l'utiliser. Fermons maintenant une table de mixage en appuyant sur ce bouton, et appuyons également sur le bouton de branchement ici, car nous n'avons pas besoin de l'afficher maintenant Supprimons également cette piste ici dans la zone des pistes, en appuyant dessus, puis en allant sur Supprimer. OK, je voulais juste organiser notre projet avant de continuer. Continuons maintenant à parler de saturation. Vous pouvez donc ajouter de la saturation à tout élément du mixage qui doit avoir un son un peu plus épais. Il peut souvent être utilisé à la basse, pianos électriques, à la batterie ou même au chant, par exemple Mais n'oubliez pas que cela n'est pas nécessaire sur chaque morceau du mix. Il est également intéressant d'ajouter de la saturation au canal principal, ce qui peut donner un peu de chaleur à votre chanson et la rendre un peu plus épaisse. L'ajout de saturation peut donc aider les pistes ou les instruments à mieux comprendre le mixage et peut donner de la plénitude et de l'attitude à certaines parties grâce mieux comprendre le mixage et peut donner de la plénitude et aux harmoniques qu'il Mais n'oubliez pas de ne pas exagérer cet effet et de le garder subtil D'accord, c'est ce qu'est la saturation. Dans la vidéo suivante, nous allons explorer certains préréglages et chromogloe Alors merci de votre attention , je vous y verrai. 53. ChromaGlow Partie 2 - Explorons quelques presets: Bonjour, et bienvenue dans cette vidéo, où nous examinons quelques préréglages de l'effet chromoglo, afin que vous puissiez rapidement entendre de quoi cet effet est OK, donc pour ce qui est de la saturation, vous voulez vraiment que ce soit subtil. Mais dans cette vidéo, je vais utiliser des exemples extrêmes afin que nous puissions clairement entendre cet effet en action. Nous avons donc ici des boucles, clés, une base électrique et des tambours. Appliquons d'abord chromoglo à la piste du clavier Passons donc au mixeur. Et maintenant, cliquons sur l'emplacement des effets audio ici. Et maintenant, passons à Distort. Et ici, nous pouvons ajouter du chromoglo. Tapons maintenant sur cet effet, et passons à afficher les détails. Maintenant, cachons le mixeur, afin d'avoir un peu plus d'espace et de voir toutes les commandes de cet effet chroma glow Nous allons explorer toutes les commandes et tous les paramètres de l'effet Chroma Glow dans les prochaines vidéos Mais pour l'instant, voyons à quoi cela ressemble avec certains préréglages. Nous pouvons accéder aux préréglages en cliquant sur le préréglage ici, et cela affichera les différentes catégories de préréglages Écoutons juste ce beat que j'ai créé. J'ai donc créé ce petit rythme en utilisant des boucles médianes, puis en ajustant légèrement le média. Alors rejouons-le maintenant. Vous pouvez également appliquer ce que j'enseigne dans cette section à vos propres instruments ou audio. Ou si vous le souhaitez, vous pouvez télécharger ce projet Logic Pro et utiliser les parties exactes que j'utilise ici. Ce projet est joint en tant que ressource téléchargeable. Comme je l'ai dit ici, j'ai les touches, basse électrique et la batterie. Ici, les tambours sont séparés en deux catégories : kick, clap et hats, ce qui nous permet de régler les niveaux et les effets séparément. Une pile de pistes est également créée pour les batteries, qui est une pile de sommation Cela me permet d'ajouter des effets à ce bus, qui appliquera ensuite les effets à toutes les batteries envoyées au Je vais juste vous montrer rapidement comment configurer un track stack maintenant. Il suffit donc de cliquer avec le bouton droit de la souris ou d' appuyer longuement sur cette piste, puis de passer à aplatir la pile Je vais aussi passer à High Chromo Glope maintenant, afin que nous puissions voir les choses un peu plus clairement Appuyons maintenant sur le bouton de sélection multiple et faisons glisser le pointeur sur les différentes parties de la batterie. Nous pouvons maintenant cliquer avec le bouton droit de la souris ou appuyer longuement sur la piste et créer une pile de sommation Cela crée donc une pile de sommation dans le pad P logique. Encore une fois, si j'appuie sur cette petite flèche, nous pouvons voir nos différentes parties de batterie. Pour l'instant, jetons un œil à la partie clavier. Bien, revenons aux préréglages pour l' effet chromogénique. Ouvrons le mixeur. Appuyons sur cet effet ici et allons afficher les détails. Et maintenant, cachons le mixeur pour que nous puissions voir tous ces effets. N'oubliez pas que c'est une question de clés. Donc pour cette partie, j'utilise le piano électrique vintage. En fait, j'utilise juste le son par défaut. Rejouons-le, et je vais dessiner et écouter en solo. Hein ? Jetons un coup d'œil à certains de ces préréglages. Pour cela, passons aux préréglages des touches. Maintenant, écoutons-le, et je vais passer en revue certains de ces différents préréglages Vous pouvez donc l'entendre lorsque ce préréglage de distorsion précise est activé, le lecteur est allumé à 100 % et que le signal est vraiment déformé Réduisons la conduite à environ 50 %, qu'elle soit extrême et plus adaptée à cette partie. Rejouons-le maintenant, et je vais passer à A B ce plug in, donc je vais le rejouer, puis allumer et éteindre le plug pour faire la différence. Ce préréglage est très intéressant, et il ajoute un peu de saleté aux pièces. Cependant, écoutons maintenant quelques préréglages supplémentaires. Ce préréglage d'énergie moyenne est sympa, essayons-en un autre. Essayons celui-ci appelé slow and warm. Avec ce préréglage, nous augmentons une grande partie de la base. C'est parce que ce filtre de localisation est activé, et que nous avons ici une certaine résonance, qui est utilisée pour accentuer fréquences autour du point de coupure du filtre Je vais donc y rejouer et désactiver ce filtre, et vous remarquerez que le boost de base a disparu. Remettons ça en place. L'augmentation de la résonance est donc assez bonne, mais c'est un peu trop. Réduisons donc la résonance à deux et répondons. OK, je pense que c' est plus approprié, mais écoutons-le maintenant dans le mix. Je pense que ce précepte fonctionne bien pour cette partie, si la résonance est un peu plus faible Rejouons-le à nouveau et activons et désactivons l'effet de lueur chromique, dessinons et rejouons pour faire la différence l'effet étant activé et contourné OK, ça me semble sympa, améliore le son et ajoute un peu de saleté aux pièces Cependant, cette partie de ce préréglage est beaucoup plus forte. Souvent, quelque chose peut sonner mieux simplement parce qu'il est plus fort, ce qui peut parfois mener à de mauvaises décisions de mixage, car nous pouvons choisir quelque chose parce que c'est plus fort plutôt que parce que le son est meilleur au lieu d' améliorer le Je vais donc baisser le niveau à environ -5,5 dB. Maintenant, le niveau doit être à peu près le même avec l'effet activé ou désactivé. Et écoutons-le en retour. D'accord, vous pouvez entendre que le niveau est à peu près le même lorsque l'effet chromoglo est activé ou désactivé Bien, ajoutons maintenant l'effet chromoglo à la partie de base et examinons quelques préréglages de base Revenons donc au mixeur, et fermons simplement le bouton de branchement ici, afin que nous puissions en voir plus sur le mixeur Maintenant, sur la piste de base, ajoutons l'effet chromoglo. Appuyons donc sur ce bouton plus ici et souvenons-nous que nous pouvons ajouter du chromogloe en allant Déformer ou que nous pouvons voir c'est dans la zone récente. Sélectionnons-le donc ici. Appuyons sur cet effet, puis sélectionnons Afficher les détails. Refermons maintenant le mixeur pour avoir un peu plus d'espace. OK, nous avons maintenant ajouté cet effet à la partie de base électrique. Voyons maintenant certains des préréglages pour cette pièce de base Si vous ne voyez pas les préréglages sur la gauche, appuyez simplement sur le préréglage ici Nous avons une catégorie de base électrique appelée base électrique. Utilisons-le. OK, rejouons-le et sélectionnons-en quelques-unes. Certains d'entre eux sont vraiment jolis, et ils sont assez subtils, mais j'aime bien celui-ci appelé rétro. N'oubliez pas que nous ne voulons pas exagérer avec un effet de saturation, donc l'effet subtil est bon OK, ajoutons maintenant un effet chromoglo sur le bus de batterie Cela affectera donc à la fois le coup de pied, le piège et les chapeaux Fermons le connecteur et ouvrons le mixeur, et nous avons le bus de batterie ici. Dans le mixeur, ajoutons l'effet chromoglo. Appuyez sur ce bouton plus ici où il est indiqué effets audio, puis sélectionnez Chromoglo sur récent Et appuyez dessus, puis allez afficher les détails. Encore une fois, cachons le mixeur pour que nous puissions voir ces commandes. Faisons défiler la page vers le bas pour voir la piste de batterie. Et dans la zone des préréglages ici, passons à la batterie, et vous pouvez voir que nous avons plusieurs préréglages de batterie différents Je ne vais pas les passer en revue toutes, mais écoutons-en quelques-unes maintenant. Celui-ci appelé ici 1920 fade est très intéressant. Ici, nous filtrons ou supprimons certaines des basses et hautes fréquences. Si nous cliquons et glissons vers le haut ici, vous pouvez voir que nous avons également un filtre haut de gamme. Nous pouvons donc désactiver ces filtres ici avec ces boutons pour voir la différence. Alors dessinez et écoutez, je vais activer et désactiver les filtres low cut et high cut, afin que vous puissiez entendre la différence. OK, essayons d' autres préréglages. Essayons le suivant appelé Add Energy. Oh, dessinez et écoutez, j'ai réglé le cadran pour entendre la différence. Donc, lorsque vous ajoutez des effets, en particulier des effets plus subtils tels que la saturation, je pense que c'est une bonne idée de commencer par des réglages plus extrêmes afin que vous puissiez clairement entendre l'effet , puis de le ramener à quelque chose de plus approprié. Donc, lorsque le moteur de ce préréglage était à 100 %, je pense que c'était un peu trop. Je l'ai donc ramené à 66 %, ce qui me semblait plus approprié. OK, essayons un autre préréglage. Choisissons celui-ci appelé base bumper. Waouh. Le pare-chocs de base renforce vraiment le kick drum Nous pouvons réduire cela en diminuant la résonance ici. Je l'ai donc réduit à deux et, pour revenir en arrière, j'ai allumé et éteint le plug-in pour faire la différence. Cela semble un peu faible avec l'effet. Réduisons donc le niveau à environ moins un d, puis rejouons-le et activons et désactivons l'effet pour voir s'il se situe à peu près au même niveau. OK, je pense que ce préréglage sonne plutôt bien maintenant. Je ne vais pas passer en revue tous ces sons prédéfinis car il y en a tellement, mais je vous recommande de les lire vous-même pour faire la différence. Bien, ajoutons maintenant le chromoglobe au bus principal. Fermons donc le bouchon et ouvrons le mixeur. Nous avons l' assistant de mastering sur la sortie stéréo, mais j'en parle dans une autre vidéo de ce cours Vous pouvez également ajouter de la saturation à votre master final, ce qui peut également sonner bien. Jetons donc un coup d'œil à quelques préréglages pour cela. Ajoutons donc un effet au canal principal en appuyant sur ce bouton plus ici. Et encore une fois, passons au chromoglo. Appuyons maintenant sur ce plug-in et allons afficher les détails. Et encore une fois, cachons le mixeur. Nous avons la catégorie Master bus, alors tapotons dessus. subtilité est vraiment la clé de la maîtrise, mais je vais utiliser des réglages plus extrêmes en augmentant le cadran de commande, afin que vous puissiez les entendre un peu plus clairement, puis je ramènerai le montant du drive à quelque chose OK, écoutons-le maintenant. OK, ce préréglage a vraiment trop d'impact pour être maîtrisé Mais encore une fois, nous pouvons diminuer la résonance pour réduire la bosse de base OK, écoutons-en encore quelques unes. Essayons celui-ci appelé Club Track. Celui-ci est sympa, il augmente les hauts et les bas et ajoute un peu plus de cran Essayons-en un autre. Choisissons celui-ci appelé Energize. Oh. OK, je pense que celui-ci est plutôt bon. Je réduis la lecture des dessins à 40 %, donc c'est un peu plus subtil, mais cela semblait tout de même donner de la chaleur analogique au morceau. J'ai également activé et désactivé la lecture des dessins par plug-in, afin que nous puissions y accéder sans chrome. Mais pour l'instant, activons cette prise pour le bus principal et cachons la prise en appuyant sur le bouton de connexion, et cachons également les pg pets en et cachons également les pg pets appuyant sur le bouton du navigateur sur la gauche ici. OK, j'espère que vous pouvez maintenant entendre ce que fait l' effet chromoglo et en quoi il peut être utile lorsqu'il est ajouté à du son, y compris aux instruments et au bus principal Commencer par un préréglage est donc une bonne chose, mais vous aurez souvent besoin de tweeter les sons prédéfinis Et dans les prochaines vidéos, je vais vous montrer à quoi servent les différents paramètres l'effet chromaglo Merci donc de regarder cette vidéo. J'espère que vous le trouverez utile, et je verrai le suivant. 54. ChromaGlow Partie 3 - Volant, modèle et style: OK, maintenant que nous avons examiné certains sons prédéfinis, examinons quelques commandes sur chromoglo Je vais vous le démontrer sur le plan des clés. Ouvrons donc le mixeur, trouvons les touches, tapons sur chromoglo, puis sur Afficher les détails Puis cachez le mixeur pour avoir un peu plus d'espace. Dans cette vidéo, nous allons donc examiner le moteur, le modèle et le style. Nous avons déjà examiné Drive, mais je vais y revenir au cas où vous auriez manqué la dernière vidéo. Le cadran de commande nous permet donc de régler le niveau de saturation. Cela va de 0 %, donc l'effet nerveux s'applique jusqu'à 100 %. Avant de rejouer quoi que ce soit, je vais simplement désactiver les filtres low cut et high cut ici. Nous les examinerons en détail dans les prochaines vidéos, mais je veux que nous entendions le son clairement et que nous ne filtrions pas ces fréquences. Il suffit de vendre les touches , de dessiner et de lire Je vais régler cette molette pour que vous puissiez entendre la différence. Vous pouvez également appliquer l'effet de saturation à d'autres instruments tels que le chant ou la guitare électrique OK, et maintenant jetons un coup d'œil aux différents modèles ici. Chromogloe a été modélisé à partir de différentes unités matérielles, et nous pouvons voir ces différents modèles en appuyant ici pour voir cette liste déroulante Parlons maintenant brièvement de ces différents modèles. Je recommande de les tester vous-même, mais je vais maintenant passer rapidement en revue les différences. Tout d'abord, nous avons un tube rétro. C'est bon pour l'ambiance vintage et imite un tube à vide à un étage C'est également le modèle que nous avons listé précédemment. Ensuite, nous avons un tube moderne. Cela entraîne une distorsion plus lorsque vous utilisez des réglages de gain plus élevés. Ce modèle vous apportera également plus de richesse harmonique qu'un tube rétro. Revenons à Fit the difference. Ensuite, nous avons le modèle magnétique. Cela émule les qualités de saturation d'un magnétophone analogique Ceci sous forme d'harmoniques peut vous donner un son légèrement compressé et chaud Ce modèle peut donc être utile pour obtenir une sensation analogique. Écoutons-le en retour. Oh, alors il y a Squeeze. Cela émule la saturation que vous pouvez obtenir en appuyant sur un compresseur Cela peut créer une distorsion harmonique, ajouter de la couleur à la tonalité et apporter de la chaleur. Laisse-moi te montrer maintenant. Ensuite, il y a le préampli analogique, qui émule un préampli à semi-conducteurs Cela peut donner à votre son son comme s'il avait été enregistré avec un préampli analogique et donner à votre son un son percutant et une qualité de pointe Revenons-y. Je vous recommande donc de tester ces différents modèles et choisir celui qui vous convient le mieux. Mais pour l'instant, revenons à Retro Tube. Nous avons également deux styles différents à choisir pour chaque modèle. Ainsi, le tube rétro, le tube moderne, le préampli magnétique et le préampli analogique ont le choix entre les deux mêmes styles Et elles sont propres et colorées. Le style coloré aura un son plus coloré car il introduit une saturation harmonique plus importante. Donc, dans ce style, on entend un peu plus l'effet de saturation que le style épuré. Donc, si vous souhaitez un effet de saturation plus important, vous pouvez sélectionner un style coloré. Pour le modèle Squeeze, nous avons différents styles, savoir la presse douce et la presse dure. pression douce nous donnera une compression plus douce ou plus naturelle. Et une pression forte nous donnera une compression plus percutante avec plus de distorsion Rejouons-le maintenant, et je vais passer de l'un à l'autre. Mais encore une fois, revenons à Retro Tube. OK, donc c'est le dynamisme, le modèle et le style. Ensuite, nous continuons à examiner cet effet. Nous examinerons le bypass, le level et le mix. Alors merci de votre attention , je vous y verrai. 55. ChromaGlow Partie 4 - Bypass, niveau et mixage: Bon, maintenant regardons le bypass, le level et le mix. C'est cette zone sur la droite. Jetons d'abord un coup d'œil au bypass ci-dessous. Nous pouvons l'activer et le désactiver avec ce bouton ici. Lorsque cette option est activée, les fréquences inférieures à ce nombre ne seront pas saturées. heure actuelle, il n' appliquera pas de saturation aux fréquences inférieures à 510 hertz. Rejouons-le, dessinons et rejouons Je vais activer et désactiver le contournement ci-dessous, afin que nous puissions faire la différence. On pouvait donc y entendre que nous étions saturés dans les basses fréquences lorsque cela était désactivé, et que lorsque cela était activé, nous n'étions pas saturés dans les basses Maintenant, augmentons ce chiffre à 700 hertz, et maintenant cela n'appliquera plus l'effet chromol à tout ce qui est inférieur à ce chiffre Augmentons-le encore plus. C'est donc plus évident. Portons-le à 1 200 hertz. Augmentons-le encore à 3 000 hertz. Jusqu'à 10 000 hertz, mais nous n'arrivons plus à obtenir l'effet chromo glow Et lorsque nous le faisons glisser vers le bas, nous pouvons appuyer sur saturer les basses fréquences Appuyons simplement dessus pour faire apparaître ce grand cadran et le remettre à 510 hertz. Nous pouvons donc affecter une plus grande partie de l'extrémité supérieure et de la partie inférieure, car vous souhaiterez peut-être ajouter distorsion ou de la saturation uniquement à l'extrémité supérieure et moins aux valeurs moyennes et basses. Donc, vous pouvez ajouter de la saturation, mais juste au haut de gamme. Cela peut être intéressant pour certains instruments tels que le chant ou même pour le mastering Cependant, pour ce son de piano électrique, j'aime qu'il sature les basses fréquences, donc je vais le désactiver Examinons maintenant le bypass ci-dessous pour le bus principal. Revenons au mixeur, et pour la stéréo, activons le chromogloe Appuyons dessus, puis allumons-le. Maintenant, appuyons à nouveau dessus et appuyons sur Afficher les détails. Encore une fois, cachons le mixeur pour avoir un peu plus d'espace. Vous remarquerez ici que le contournement ci-dessous est activé, et nous l' avons en fait activé pour tous les préréglages de mastering Donc, si nous appuyons sur le bouton du navigateur ici, nous pouvons revenir au menu prédéfini. Appuyons sur Master Bus, sélectionnons-en quelques-uns et vous remarquerez qu'ils ont tous activé le bypass ci-dessous. Je maîtrise donc la plupart du temps que vous ne voudrez pas saturer les basses fréquences, juste les plus hautes Cependant, rejouons-le et examinons quelques-uns des préréglages pour activer et désactiver le contournement ci-dessous, afin que vous puissiez faire la différence Mais avant de le faire, assurons-nous de suivre la piste clé. J'utilise ici des exemples assez extrêmes , juste pour que nous puissions voir la différence. Mais par exemple, sur la piste du club prédéfinie ici, lorsque nous désactivons le bypass ci-dessous, vous pouvez vraiment l'entendre saturer un kickdrum Il y avait trop de saturation dans le bas de gamme à cet égard. Rejouons à nouveau et activons le contournement ci-dessous. J'utilise ici des exemples assez extrêmes. Mais j'espère que vous pouvez entendre la différence. Cela semble donc mieux ou plus approprié pour le mastering avec cette option activée OK, désactivons simplement l'effet chromogl pour ce bus principal, et démontrons le réglage suivant sur la piste de base Fermons donc le mixeur et la commande de blogging, puis glissons la piste de base ici. Voyons maintenant les détails de l' effet romolo sur la piste de base Appuyons dessus pour afficher les détails. Fermons maintenant le mixeur. Et fermons également le navigateur ici, afin d'avoir un peu plus d'espace. Au fait, ici, il n'affichera qu'une seule piste, et il n'affichera que la piste que vous avez sélectionnée. C'est pourquoi j'ai fermé le mixeur et sélectionné la base. Bien, parlons maintenant du niveau d'entrée et de sortie de niveau. Ces commandes nous permettent d' ajuster les niveaux d'entrée et de sortie. fois le niveau contrôlé, nous pouvons définir la quantité de son entrant dans l'effet. Nous pouvons donc obtenir plus de distorsion en augmentant le niveau d'entrée. Donc, si vous voulez un effet vraiment déformé , vous pouvez l'augmenter. Alors ralentissons la base, rejouons-la et je vais ajuster un niveau pour le contrôler. Ensuite, nous pouvons ajuster le niveau de gain avec une sortie de niveau. Donc, dans ce cas, vous pouvez compenser l'augmentation du gain en diminuant le niveau. Comme je l'ai déjà dit, vous voulez vraiment que vos plug-ins soient au même niveau qu'ils activés et désactivés, car cela vous aide à prendre des décisions en matière de mixage. Comme souvent, les choses peuvent sonner mieux si elles sont plus bruyantes. Nous voulons donc vraiment que ce soit le même niveau avec un effet chromoglo activé et désactivé OK, rejouons-le maintenant, ajustons le niveau et essayons de retrouver le même niveau lorsque les effets sont activés et désactivés. OK, à peu près ça. Bien, discutons maintenant de ce contrôle de mixage. heure actuelle, il est activé à 100 %, nous ne pouvons donc pas atteindre le signal avant lui appliquer l' effet de saturation. Nous ne pouvons donc entendre que le signal humide. Nous pouvons ajouter une partie du signal sec, qui est le signal audio, avant d'appliquer l'effet en diminuant la quantité d'humidité. Donc, si nous réduisons le mix à 50 %, nous pouvons atteindre le signal sans appliquer l'effet et appliquer le signal avec l'effet chromoglo Rejouons-le et je vais ajuster le signal de mixage, afin que nous puissions faire la différence. Donc mélanger un signal humide avec un signal sec comme celui-ci peut nous donner un son ou un caractère différent C'est donc un peu comme une compression parallèle. C'est là que vous compressez fortement le signal , puis que vous mélangez une partie du signal avec le signal sec. Nous pouvons faire le même genre de chose ici si nous le souhaitons. C'est donc là que nous pouvons mélanger une partie du signal fort indiqué avec le signal. OK, donc c'est le niveau de contournement et. Ensuite, nous allons regarder Loca et faire ici. Alors merci de votre attention , je vous y verrai. 56. ChromaGlow Partie 5 - Coupe haute et coupe basse: Bon, alors jetons un coup d'œil aux zones locales et aux randonneurs ici. Démontrons cela sur le piano électrique. Comme sur la partie de base, il n'y a pas trop d'informations sur les hautes fréquences, il vaut donc mieux les afficher sur le piano électrique. Fermons donc le bouton de branchement, sélectionnons les touches, puis ouvrons le mixeur Et puis montrez les détails de cet effet chromoglo sur la partie clé Maintenant, cachons à nouveau le mixeur. Et nous pouvons voir la trace des clés ici. Et maintenant, parlons du filtre loca and cut. Cela filtrera le signal humide ou le signal avec l'effet chromoglo appliqué Donc, pour cet exemple, assurons-nous que le mixage est activé à 100 %, afin de ne pouvoir entendre que le signal humide. Examinons d'abord le filtre local. Activons-le avec ce bouton ici. Désormais, tout ce qui est inférieur à cette fréquence de filtre sera coupé ou filtré. Rejouons-le et ajustons la fréquence de coupure du filtre pour que nous puissions entendre OK, passons maintenant à l'énergie solaire et rejouons-la. Dessinez et écoutez, je vais régler fréquence de coupure de ce filtre Vous pouvez donc entendre que lorsque j' augmente la fréquence du filtre, nous supprimons les basses fréquences. Vous pouvez donc entendre que lorsque j'augmente la fréquence de coupure du filtre, nous entendons moins les basses Comme je l'ai déjà mentionné, cela ne fonctionne qu' avec le signal humide. Donc, si j'intègre une partie du signal sec, vous remarquerez qu'il ne le filtre pas. Encore une fois, remettons le mixage à 100 %, afin que nous n'entendions que le signal humide. Nous avons également un contrôle de pente ici, qui nous permet de sélectionner la pente du filtre Le filtre aura donc une pente plus graduelle si vous choisissez quelque chose comme 60 par octive, ou si nous choisissons quelque chose comme 48 dB par octive, pente sera beaucoup plus raide et nous donnera Donc, si c'est le cas, nous pouvons ajuster la forme de la pente du filtre, ce qui donnera différents effets de filtre et sons. Laisse-moi te montrer maintenant. Oh, alors nous avons le contrôle de résonance. Cela augmentera ou accentuera les fréquences autour de la fréquence de coupure du filtre Démontrons ce contrôle de résonance sur la base électrique. Fermons donc la prise, sélectionnons et inclinons la base électrique, puis ouvrons le mixeur et montrons les détails de l' effet chromoglo de la base électrique Fermons maintenant le mixeur. Maintenant, rejouons-le et je vais régler une coupure de fréquence du filtre le tirage et la lecture de la résonance Ils pouvaient donc entendre un sursaut autour de la coupure de fréquence du filtre. J'utilisais des réglages assez extrêmes là-bas, donc vous pouviez l' entendre clairement. Normalement , je n'aurais pas une résonance aussi élevée car cela semble assez extrême. Mais j'espère que vous pouvez entendre le coup de pouce. Rejouons-le maintenant, et je vais activer et désactiver le filtre Loca pour que vous puissiez entendre la différence. peut donc être utile d'ajouter de la résonance pour augmenter les fréquences autour de la coupure du filtre. De plus, j'utiliserais la résonance avec parcimonie sur le bus principal. Comme je l'ai remarqué lors du mastering, cela doit être subtil, mais vous pouvez ajouter un peu plus de résonance sur des pistes individuelles si vous le souhaitez OK, alors nous avons le high cut. Démontrons cela sur le bus de batterie, car il sera plus facile d'entendre la différence, car partie la plus haute contient plus de hautes fréquences la partie inférieure. Alors encore une fois, fermons. Fermez les tambours, vendez, ouvrez le mixeur. Affichez les détails du chroma glo et fermez à nouveau un mixeur Encore une fois, assurons-nous que le mixeur est à 100 %, afin que nous puissions clairement l'entendre. Je vais maintenant le rejouer et ajuster pente, la fréquence et la résonance du filtre. Non Cela semble plutôt cool lorsque vous avez un réglage de résonance élevé et que vous balayez la fréquence du filtre Rejouons-le à nouveau et je vais ajuster les réglages pour la coupe basse, et j'essaierai de faire en sorte que le coup de pied soit vraiment visible dans le mix avec le contrôle de résonance. C'est assez extrême, mais vous pouvez vraiment entendre le coup de pied se faire remarquer. Retirons-le un peu en arrière. Diminérons la résonance lors de la coupure haute. OK, comme vous avez pu l'entendre, nous avons donné à la batterie un caractère sonore très différent, en utilisant le filtre locut et high cut, ajustant la résonance et le contrôle du filtre D'accord, comme vous avez pu l'entendre, nous avons donné à la batterie un caractère et un son très différents grâce à ces filtres. Une autre chose à mentionner concerne ces pré-contrôles et post-contrôles. Avec ceux-ci, nous pouvons appliquer le filtre avant ou après l'effet de saturation. Pre signifie donc que le filtre sera appliqué avant l'effet de saturation. Et Post signifie que le filtre sera appliqué après l'effet de saturation. Ainsi, le fait de l'avoir en pré ou en post peut donner aux filtres un son différent. Et voici le filtre local et le filtre igut. Cependant, après avoir testé le gazon, le son est très similaire les filtres sont en pré-ou en post sur ce bus de batterie, mais le son est assez différent sur la piste des touches Alors laissez-moi vous montrer la piste des clés maintenant. Fermons le bouchon. Vendons les tambours. Sélectionnez les touches, le suivre et le solaire. Ensuite, ouvrez le mixeur, puis affichez les détails de l' effet Roglo sur la piste des touches Dessinez et rejouez, je vais passer du filtre de la prépublication à la publication, afin que vous puissiez entendre la différence. Je vais également activer le filtre haut débit et le faire passer du préau post, pour que vous puissiez l'entendre Vous pouvez donc y entendre. J'ai donné un signe très différent lorsque nous sommes passés du pré-au post. OK, donc ce sont les filtres, et ce sont toutes les commandes de l'effet Rolo Croglo peut ajouter un peu d'énergie et de cran à votre audio, et je vous recommande de le tester vous-même J'espère donc que cette vidéo vous sera utile, et je vous verrai dans la prochaine. 57. Merci et Bye + Projet de cours: OK, nous sommes maintenant à la fin de ce cours. J'espère que vous le trouverez utile, et j'espère que vous êtes maintenant plus à l'aise avec Logic Profit Pad. Pour votre projet de classe, je souhaite donc utiliser les compétences et les techniques qu'ils ont apprises dans ce cours et les appliquer à la création de votre propre chanson dans Logic Pro Pad. La chanson n'a pas besoin d'être longue ou complexe. Il suffit que ce soit quelques mesures avec quelques instruments. Une fois que vous avez créé votre chanson, pourriez-vous s'il vous plaît prendre une capture d'écran de la zone des pistes, puis écrire un court paragraphe sur la façon dont vous avez créé la chanson et le publier en tant que projet de classe. OK, alors merci beaucoup d'avoir regardé et j'espère voir le prochain cours.