Livres d’images II : Illustrer une histoire

1. Bande-annonce du cours: Bonjour, je suis Christine Fleming et je suis illustratrice et écrivaine. J' ai obtenu un baccalauréat en graphisme de l'Université d'État de Caroline du Nord. Je suis en train d'illustrer à la fois dans les marchés de la science et de l'éditorial pour enfants, ainsi que d'écrire et d'illustrer mes propres livres de fiction et de non-fiction. Récemment, j'ai travaillé en partenariat avec un scientifique principal Buzz Hoot Roar pour écrire et illustrer un livre d'images scientifique à venir. Je suis également membre actif la Society of Children's Book Writers and Illustrators, SCBWI, et j'ai reçu les honneurs de SCBWI Illustrator of the Mois et du Blog en vedette du SCBWI. Ce cours de Skillshare s'intitule Picture Books II : Illustration Your Story, et est le deuxième d'une série en deux parties sur la façon de créer votre propre livre d'images pour enfants. Dans ce cours, nous explorerons les éléments des illustrations de livres d' images, y compris la composition, la couleur, les espaces blancs, la perspective, le style et la typographie. Avec les bases sur le chemin, je vais vous emmener à travers les tutoriels vidéo de tout mon processus d'illustration d'un livre d'images. Ces vidéos couvriront chacune de mes étapes, y compris la décomposition du manuscrit, le développement du personnage, storyboard, la réalisation d'un minuscule mannequin, les croquis, les dessins finaux et la coloration numérique dans Photoshop. Rien n'a été planifié ou décidé avant de filmer ces vidéos de processus tutoriel donc tout ce que vous voyez est mon processus authentique, à la volée de penser et de créer. De plus, comme pour la dernière classe, il y a une nouvelle couche de contenu verrouillé bonus expliquant le processus étape par étape de création d'un mannequin illustré pour votre livre d'images et comment soumettre ce mannequin aux éditeurs. Ce cours est parfait pour les illustrateurs, les écrivains, les designers et tous ceux qui ont toujours voulu créer leur propre livre d'images. À la fin de ce cours, vous aurez tout ce dont vous avez besoin pour illustrer votre propre livre d'images. 2. Introduction et récapitulatif: Salut les gars. Je suis si contente que vous ayez décidé de prendre ma classe sur l'illustration des livres d'images, et j'espère que vous en apprendrez beaucoup tout au long du cours. Au fur et à mesure que vous regardez les vidéos, veuillez suivre le guide du projet et publier votre travail de processus dans la galerie du projet. Maintenant, commençons. Avant de commencer, je veux m'assurer que vous sachiez que ce cours est le deuxième d'une série sur la fabrication de livres d'images. La première classe Picture Books I, Write Your Story, a quelques informations vitales sur le but, l'histoire et la structure d'un livre d'images que vous devez vraiment connaître pour illustrer un livre d'images. Je ne veux pas trop me répéter pour ceux qui ont déjà suivi les deux cours. Donc, je vous recommande fortement d'arrêter ce cours maintenant et de revenir en arrière et de le regarder. Au moins les trois premières vidéos de Picture Books I, Write Your Story, avant de poursuivre ce cours. Je ne couvrirai pas ces sujets à nouveau dans cette classe. Une introduction aux livres d'images, une brève histoire des livres d'images, une structure et des parties d'un livre d'images. Ok, avec ça hors du chemin, commençons. Cette première vidéo s'appelle, Une introduction et un résumé. Le seul concept que je vais résumer de la classe précédente est ce qu'est exactement un livre d'images. Un livre d'images combine des mots et des images dans un format de livre destiné aux jeunes enfants. Le public cible est les enfants de 2 à 8 ans. Un livre d'images est différent d'un livre illustré, comme un livre de chapitre de moyenne année. Parce que les images d'un livre d'images sont vitales pour l'histoire. Dans un livre illustré. Les illustrations sont des compléments à un texte qui peut se tenir seul. Wild Wood de Colin Meloy et Carson Ellis est un exemple d'un livre illustré. Il est structuré plus comme un livre de chapitre et les illustrations ne sont pas nécessairement sur chaque page et ne sont parfois qu'une petite illustration ponctuelle. Where The Wild Things Are de Maurice Sendak est un exemple d'un livre d'images. Il y a moins de texte et d'illustrations ont aidé à raconter l'histoire en entier au lieu de répéter l'histoire. Ok, donc c'est tout pour le récapitulation. Vraiment, retournez en arrière et regardez les autres vidéos. Cela ne vous prendra que 12 minutes et demie. Avant qu'on ne s'y mêle vraiment, je veux juste te donner un petit discours. Certaines personnes pensent que les écrivains, les illustrateurs et tous les artistes ont un talent inné et qu'ils sont nés avec la capacité de dessiner. À cela, je dis la croyance. Je crois qu'un illustrateur n'est pas né avec le talent du dessin plus que le chirurgien est né avec le talent de découper des corps. Il y a ce genre de mysticisme autour de l'écriture et de l'illustration, et c'est sûr que c'est amusant de penser à des choses comme ça. Mais laissez-moi vous dire tout de suite. Illustrer est un métier. L' écriture est un métier. Faire de l'art est un métier. Cela signifie que la seule façon d'être bon dans ce domaine est de le faire et de le faire encore et encore et encore. Il peut sembler qu'un illustrateur a le talent inné de dessiner. Mais ce n'est pas parce qu'ils viennent de naître avec le gène de dessin. C' est parce qu'ils dessinent depuis des années et ont affiné leur métier au fil du temps. Si c'est votre point de vue sur la vie telle qu'elle est la mienne, alors vous devriez la voir comme une bonne nouvelle parce que c'est ce que cela signifie. N' importe qui peut faire n'importe quoi. Tu peux être écrivain. Vous pouvez être illustrateur. Tu pourrais être pompier. Quoi que vous vouliez être, il vous suffit de vous jeter dans ça et d'entrer complètement dans le métier. Dans lequel tout ce qu'il y a à savoir à ce sujet et à faire, faire faire. Je suppose que ça ressemble à un travail acharné et c'est le cas, mais c'est mieux que de souhaiter que tu sois né avec un ensemble différent de gènes, non ? 3. Éléments d'illustration de livre d'images: Enquête sur les illustrations de livres d'images. Un livre d'images Illustrator doit affiner de nombreuses compétences en plus de pouvoir simplement dessiner ou bien peindre. Ils doivent également posséder ces compétences : utilisation appropriée des couleurs, dessin des mêmes caractères de façon cohérente, dessin des personnages dans une variété de poses, expressions faciales et paramètres, être en mesure de créer des illustrations qui correspondent bien au manuscrit tout en ajoutant un sens supplémentaire et non seulement en répétant des mots, et la connaissance de la taille des livres, des formats, du nombre de pages, de la structure du livre et de l'emplacement des textes. chose la plus importante dans les livres d'images est la façon dont l'histoire écrite et l'histoire illustrée fonctionnent ensemble. Un auteur du livre d'images maître laissera de la place à l'illustrateur pour remplir des blancs et développer l'histoire avec les images. Souvent, certains des livres d'images les plus réussis sont créés par la même personne agissant en tant qu'écrivain et illustrateur. De cette façon, ils sont en mesure de mélanger complètement les deux et de les faire travailler ensemble pour raconter une histoire. Un exemple favori récent de ceci est le livre Beekle de Dan Santat. Regarde cette propagation de Beekle. Les seuls mots sur cette page sont  : « Il a fait l'inimaginable ». Le reste de l'histoire et la propagation est raconté complètement par l'image. Sans l'illustration, nous n'aurions aucune idée de ce que Beekle a fait. Les deux histoires ici travaillent vraiment ensemble pour raconter l'histoire complète. Decalage est une technique qui est la disparité entre le mot et l'image. Le mot indique une chose, mais les images en disent une autre. Un exemple de cela est Cockatoo de Quentin Blake. Dans ce livre, un homme cherche ses oiseaux tout au long de l'histoire. Les mots sur cette propagation disent : « Il a grimpé une échelle et a clignoté sa torche autour du grenier. Ils n'étaient pas là. » Mais regarde derrière ces petites valises. Il y a six cacatoès qui se cachent dans le grenier. La tactique de dire une chose mais d'en montrer une autre peut apporter beaucoup d'intention d'excitation dans le livre. Les enfants aiment être en mesure de choisir les différences pour eux-mêmes et de lire l'histoire vraie à travers les images. Examinons quelques-uns des éléments visuels des livres d'images. Tout d'abord, sa composition. direction de la composition est un aspect important des livres d' images qui n'a pas le même niveau d'importance dans d'autres types d'illustration. Les illustrations d'un livre d'images devraient vous guider à travers le livre de gauche à droite sur chaque page et d'une page à l'autre. Cela peut être fait subtilement en organisant votre composition de cette façon, ou cela peut être fait plus clairement en ayant vos personnages circulant sur la page de gauche à droite, par exemple. Voici un exemple d'une forte composition de l' illustratrice Marla Frazee dans le livre, Seven Silly Sisters. Voyez tous, chaque élément de cette composition vous conduit de gauche à droite et même un peu vers l'endroit où se trouverait au coin de la page. La couleur et l'espace blanc peuvent rapidement communiquer l'émotion et l'humeur de l'histoire. L' espace blanc est également un bon indicateur de l'humeur. Un exemple d'utilisation forte de la couleur est, Le Roi minuscule de Taro Miura. L' ambiance originale amusante de l'histoire est immédiatement transmise au lecteur grâce à son utilisation de couleurs vives et audacieuses. Un exemple d'espace blanc fort est The Red Shoes de Gloria Fowler et illustré par Sun Young Woo. À ce stade de l'histoire, le personnage principal ici connaît le point bas. Ceci est montré à travers l'illustration en la plaçant dans le coin inférieur de la page et en l'entourant d'un espace blanc vide et solitaire. Parce que la combinaison de mots et d'images est l'essence même des livres d'images, topographie est un élément essentiel de leur conception. Le texte peut être typeset traditionnellement dans des strophes comme la poésie, ou il peut être plus abstrait et intégré avec les illustrations qui font partie de l'image elle-même. La façon dont le texte est dactylographié peut communiquer beaucoup sur l'histoire. Un exemple de forte topographie est la Walk to Paris d'Henri de Saul Bass. Comme une note de côté ici, Saul Bass est un graphiste super célèbre, il n'est pas surprenant que son livre ait une topographie spectaculaire. Regardez la propagation de Henri Walk à Paris et comment le texte me ressemble à une petite fumée sortant de la cheminée, mais c'est fait d'une manière subtile et non pas froissée. Il vous fait juste vous sentir confortable et chaleureux en regardant. La perspective choisie d'une illustration communique également l'émotion et l'histoire. Si nous regardons vers le bas un personnage, ils semblent souvent aussi timides, douteux ou effrayés. Si nous regardons un personnage, ils semblent aussi courageux, excités et déterminés. Le recadrage de l'illustration sur un plan rapproché ou l'affichage d'un paysage panoramique ajoute également à l'ambiance de l'histoire. Le livre, Sophie's Fish vu ici par A.E Cannon et illustré par Lee White, est un excellent exemple de forte utilisation de la perspective. Regardez la propagation avec une photo aérienne du personnage principal juste au moment de l' histoire où il accepte de prendre la responsabilité de regarder le poisson de son ami. Ça donne un air d'importance dans un sentiment inquiétant, tu ne crois pas ? Les livres d'images existent dans tous les styles imaginables. L' art peut être plus réaliste et doux, ou abstrait et amusant. Les personnages peuvent être assez représentatifs et simples, ou même caricaturaux et bizarres. Un exemple de forte utilisation du style est The Baby Tree de Sophie Blackall. Cette histoire est d'où viennent les bébés et réponses des livres mêlent réalisme et fantaisie. Chaque propagation a une explication réaliste sur la gauche où vous pouvez voir les dessins et les proportions sont assez réalistes avec le style qui n'est pas trop fou. Eh bien, du côté droit, ce qui est un peu plus enfantin d'une explication imaginative, ils utilisent un style et des proportions plus fous. C' est un excellent exemple de la façon dont le style peut mettre en valeur et refléter l'histoire et aider à raconter l'histoire plus clairement. y a vraiment pas de support préféré dans les livres d'images. Tu peux utiliser ce que tu veux. Les livres d'images ont toujours utilisé crayon, stylo, encre , aquarelle, huile, acrylique, collage, médias numériques, n'importe quoi. Parfois, les livres d'images les plus passionnants utilisent une combinaison de différents supports. Regarde ce livre, Fox Garden. Tout est fait de papier puis photographié sous forme d'illustrations plates, donc tout est à saisir. 4. Décomposer votre manuscrit: J' ai imprimé sur mon manuscrit les trois petits cochons que vous pouvez trouver dans la mission de projet. Une fois que vous l'avez imprimé, lisez l'histoire. Il suffit de lire, ne pensez pas à ce que vous allez illustrer, à des personnages ou à quoi que ce soit du genre. Il suffit de lire l'histoire une fois et d'essayer de vraiment l'observer. Ensuite, lisez à nouveau et mettez en évidence ce que vous pensez être les parties les plus vitales de l'histoire. Je vais le faire maintenant. Maintenant, j'ai mis en évidence mes éléments vitaux. Ensuite, je vais souligner toutes les descriptions de caractères. La première fois que vous lisez l'histoire, ne dessinez ni soulignez quoi que ce soit. Mais la deuxième fois lorsque vous soulignez les descriptions de personnages et les éléments vitaux, si une image vous vient à l'esprit, allez-y et notez la. Si j'ai une image de cette valise et que je veux me souvenir de ce qui est dans ma tête, allez-y et dessinez-la très vite. Ne passez pas beaucoup de temps là-dessus, mais vous pourriez aussi bien le sortir de votre tête. Si vous avez des idées sur les illustrations, vous pouvez les noter aussi. J' ai remarqué ici qu'ils disent beaucoup petit cochon. Peut-être que je veux que ce soit un bébé cochon, et je viens d'avoir une petite description pour me souvenir plus tard. Voyons si on peut décider ce qu'est l'acte 1, acte 2 et l'acte 3. Ça nous aidera à briser l'histoire. Acte on pourrait soit être après la ligne quand rencontre un cochon qui est un imbécile ou je pourrais le mettre derrière la ligne, un cochon qui a construit sa maison de paille. L'un ou l'autre peut travailler. Pour l'instant, je vais le dire après avoir rencontré un cochon qui est un imbécile. Dans cette histoire, l'acte 1 est très court. Ensuite, toute l'action que nous avons à peu près comme acte 2, c'est comment histoire généralement que vous avez un court acte 1, un grand acte 2, et un court acte 3. Je pense que l'acte 3 commencera après et le tuera d'un seul coup. C' est à peu près le point culminant de notre histoire. Maintenant, que nous avons fait ça. Nous pouvons tracer des lignes où nous pensons que nos sauts de page pourraient venir. Ce n'est qu'un exercice pour diviser le texte. Tu en trouveras plus dans un storyboard. Mais il est bon de faire une application aussi, hors de cela avec l'épingle rouge. Vous pourriez ne pas obtenir exactement 32 pages ou spreads survolants que vous prévoyez d'avoir plus tard, mais c'est juste un bon exercice pour transférer les textes par vous-même. Ça me donne 21 pages. Si je le voulais vraiment, je pourrais revenir en arrière et arrondir à 32, mais je vais laisser ça pour l'instant, et je vais me lancer dans l'histoire avec le storyboard. C' est juste bon de le diviser en morceaux maintenant avant de commencer à dessiner. C' est tout pour le manuscrit. 5. Critères de développement de personnages: Éléments de développement de caractère Il y a quelques traits importants qu'un Illustrator doit posséder ou affiner pour pouvoir créer des personnages convaincants. Ils doivent avoir un intérêt pour les personnalités humaines et une capacité à représenter visuellement la personnalité. Vous pouvez aider à affiner ces traits en étudiant d'autres humains aka les gens regardent autant que vous le pouvez et pratiquer à dessiner différentes émotions. Lors d'une conférence à laquelle j'ai assisté récemment, j'ai entendu l'un des meilleurs conseils que j'ai jamais reçus. Lors de cette conférence, chaque participant a présenté une illustration, et notre travail a été projeté sur un écran pendant quelques instants. Un par un, un panel de nos réalisateurs nous a raconté très rapidement leur première impression de la pièce. Une des choses qu'ils répétaient encore et encore, c'est que, par exemple, la fille ressemble juste à une fille au lieu de CETTE fille. Leur point était, qu'est-ce qui rend votre personnage différent du suivant ? Comment est-ce un personnage unique qui nous tient à cœur et pas seulement une autre fille ? Lorsque vous dessinez un personnage, vous ne pouvez pas simplement dessiner un corps et en avoir fini avec. Vous développez une toute petite créature ou une personne avec des bizarreries, des défauts et de la personnalité comme vous et moi. Vous devez montrer leur personnalité à l'extérieur, et essayer de montrer leur vrai caractère par la façon dont ils sont dessinés et quelles sont leurs proportions, ce qu'ils portent, comment ils sourient, comment ils marchent, tout. C' est un grand ordre et un pied dur, mais c'est tellement amusant. J' ai trois critères que je cherche dans un personnage réussi. Le premier que j'appelle des particularités. Ce sont ce qui rend votre personnage unique afin qu'il puisse être identifié à partir d'autres personnages immédiatement. Cela peut être quelque chose d'une coiffure comme une tresse, ou un accessoire particulier comme une chemise rayée rouge. Ces petites particularités et les idiosyncrasies. Les particularités rendent également votre personnage unique afin qu'il puisse être identifié à partir d'autres personnages immédiatement. Cela pourrait être n'importe quoi d'une coiffure comme une tresse, ou un accessoire particulier, comme une chemise rayée rouge. Ces petites particularités peuvent être dans votre visage et évidentes, comme donner à votre personnage des cheveux désordonnés pour montrer qu'ils sont garçon dans la nature et les traits de caractère sauvages. Mais il peut aussi être beaucoup plus subtil. Ce sont souvent ces touches subtiles qui inculquent vraiment la personnalité et du réalisme à vos personnages. Tous ces aspects du développement du personnage dont je parle se retrouvent aussi dans d'autres formes d'art. L' un de mes maîtres de personnages préférés est le légendaire Miyazaki. Prenez le héros du film Spirited Away. Elle est l'un de mes exemples préférés d'idiosyncrasies subtiles dans un personnage. Il y a une scène à Spirited Away où Chihiro est dans la chaufferie d'un bain. Elle met ses chaussures et s'en va. C'est simple. Mais elle ne se contente pas de glisser dans ses chaussures, elle les glisse, fait un pas, puis tape l'orteil sur le sol. À ce moment, avec ce petit mouvement, fait ressembler à une personne si réelle. Ou regardez ces dessins des parents de Chihiro qui mangent. Vous ne pouvez voir que leur dos et tout ce qu'ils font, c'est de s'asseoir, mais vous pouvez immédiatement voir leurs personnalités et leurs idiosyncrasies venir. En ajoutant ces particularités, donnez du réalisme à vos personnages, ce qui est important et que vos lecteurs puissent s'identifier aux personnages. C' est aussi important si votre histoire est une histoire fantastique ou magique, comme Spirited Away, parce que la touche de la réalité la rend beaucoup plus crédible. Rappelez-vous, ne dites pas que votre personnage est timide, ou désordonné, ou de volonté forte, le montre. Mon deuxième critère pour réussir le personnage est les possibilités. Votre personnage devrait avoir de nombreuses possibilités. Cela signifie qu'ils devraient être en mesure de représenter une variété d'émotions, de poses et d'effectuer dans n'importe quelle situation. Une chose que vous pourriez vouloir considérer est vous ne voudrez peut-être pas donner à votre chapeau de personnage qui couvre ses yeux, car cela rendrait sa gamme d'expressions et de possibilités beaucoup plus limitée. Vous devez aussi réaliser que vous allez dessiner ce personnage un bajillion de fois. Dans cette phase de développement de personnages, vous allez les dessiner encore et encore, mais vous devez aussi faire tout le livre. Cela signifie que vous les rejoindrez probablement sur chaque page, donc c'est 32 fois pour le livre final. Ensuite, vous devez compter les nombreuses versions de storyboards, de croquis et de mannequins. Je ne dis pas dessiner un personnage simple juste pour vous faciliter la vie, mais c'est quelque chose à considérer. Peut-être que si votre personnage principal est un dragon, vous pouvez considérer comment vous allez dessiner ses écailles. S' il est possible de dessiner chaque échelle sur son corps, chaque fois que vous le dessinez. Il y a probablement une meilleure façon de représenter visuellement les échelles. Enfin, votre personnage devrait être attrayant. A l'origine, je veux dire sympathique, mais je ne pense pas que ce soit une donnée automatique. Votre personnage pourrait commencer comme un tyran ou un gosse, mais passer par une transformation pour sortir sympathique de l'autre côté. De plus, je ne pense pas qu'un personnage soit sympathique pour être un grand personnage. Votre personnage principal, je suppose, devrait être sympathique, donc les lecteurs se soucient de ce qui lui arrive dans l'histoire. Mais qu'en est-il de Cruella Deville ? Tu n'étais pas censé l'aimer, mais c'est un personnage incroyable. Quoi qu'il en soit, je pense que faire appel est un meilleur mot. Cela signifie que votre personnage doit être réaliste, original et défectueux. Nous avons parlé plus tôt du réalisme avec des particularités. Original devrait être assez évident, mais imparfait ? Vos personnages doivent absolument être viciés. Personne n'est parfait, et personne ne veut lire sur un personnage parfait, ce serait ennuyeux. Je ne sais pas pour toi, mais je ne peux pas me rapporter à quelqu'un qui est parfait. Assurez-vous que votre personnage a des défauts tout comme de vraies personnes. Peut-être qu'elle n'est pas si confiante, peut-être qu'il est maladroit et oublie toujours de nouer des chaussures. Passons à travers quelques composants d'un personnage. D' abord, nous avons les proportions corporelles. Les proportions d'un personnage peuvent communiquer beaucoup à l'arrière sur ce qu'il est. Certaines histoires appellent à certaines proportions. Une histoire plus sérieuse pourrait nécessiter des proportions plus réalistes, tandis qu'une histoire plus décalée, peut utiliser des proportions plus décalées comme de grandes têtes et de grands yeux. Les personnages plus jeunes ont généralement des têtes plus grandes et des yeux plus grands qui sont plus bas sur le visage. Les personnages plus âgés ont généralement des têtes plus petites et des yeux plus petits qui sont plus haut sur le visage. Tout comme avec de vraies personnes, comment nos personnages habillés nous en disent beaucoup sur qui est la personne. Le choix des vêtements comme une forme d'expression pour nous tous. Ce que vous portez dit quelque chose sur qui vous êtes et comment vous vous sentez ce jour-là. Ce n'est pas différent avec vos personnages. Ce que votre personnage porte peut facilement dire au lecteur si votre personnage est un garçon manqué ou fille, enfant salissant ou prim et propre, excentrique ou moyenne. Le visage d'un personnage est souvent le meilleur outil de communication pour représenter l'émotion. Aucune personne ou personnage n'exprime la même émotion de la même manière. Lorsque vous regardez un personnage, pensez à certains de ces aspects. Comment les traits du visage sont-ils disposés, quelle est la taille de leur bouche, où sont les yeux et quelle est leur taille, ce que font leurs sourcils. Parfois, même les cheveux peuvent être utilisés comme une caractéristique faciale comme Chihiro ici dans Spirited Away. Dans un livre d'images, ce n'est généralement pas si impératif dessiner vos personnages complètement anatomiquement corrects, mais vous voulez qu'ils soient reconnaissables et crédibles. Essayez de faire vos poses un peu basées dans la réalité, même si vos proportions de personnages ne le sont pas. Concentrez-vous sur le geste de la pose, au lieu d'obtenir toutes les parties du corps correctes. Exagérer un peu la pose aidera également à apporter plus d'émotion et d'excitation dans le dessin. Les sous-personnages peuvent également ajouter beaucoup d'intérêt visuel à votre histoire, ainsi que d'ajouter un mini-récit secondaire qui est seulement dans les images et pas dans les mots. Ils donnent également à l'enfant un récit spécial qu'il peut suivre seul sans avoir à lire. Par exemple, vous pourriez avoir un petit compagnon de chat à votre personnage principal qui n'est jamais mentionné dans les mots de l'histoire, mais est toujours là dans les images, peut-être reconnaître sa propre habitude ou tout simplement être par le côté principal du personnage. 6. Expérimenter: Plongons dans le processus de développement du personnage. Si je travaille avec ma propre histoire originale, je préfère écrire mon histoire d'abord et l'obtenir aussi parfaite que possible. Bien que beaucoup de fois mon histoire s'inspire d'une illustration que j'ai dessinée précédemment. Pour mon processus, il est important pour moi d'avoir une bonne histoire d'abord, puis les personnages et les visuels viennent après. Mais souvent, une fois que je termine l'histoire et commence à illustrer les changements de ligne de l'histoire aussi, donc c'est un peu d'aller-retour. n'y a pas de bon ou de mauvais processus, tout le monde a les siens et vous devriez expérimenter différents jusqu'à ce que vous trouviez celui qui fonctionne le mieux pour vous. D' autres illustrateurs préfèrent dessiner en premier et d'autres préfèrent écrire en premier. Pour ce cours, je me fonde sur mon propre processus puisque c'est ce que je sais et nous travaillons avec ce manuscrit déjà écrit par Roald Dahl. On va se concentrer sur le dessin d'un personnage. Vous pouvez choisir n'importe quel personnage de cette histoire, vous pouvez choisir le Chaperon Rouge ou le Loup ou l'un des cochons. Je vais choisir le troisième cochon, celui qui se bat à la fin et celui qui finit par appeler le Chaperon rouge. Mon premier conseil est d'utiliser du papier bon marché ou un carnet de croquis bon marché pour vos dessins de personnages. Vous ne voulez pas avoir de pression pour faire un bon dessin. moment, vous vous concentrez juste sur tout sortir de votre tête et juste expérimenter avec différentes choses, juste ce que vous avez dans votre tête de ce à quoi ressemble un cochon. J' ai trouvé que si vous dessinez un carnet de croquis coûteux comme une moleskine, j'ai tendance à me tendre et je m'inquiète tout ce qui est beau parce que je gaspille un papier cher. Ici, j'ai juste une pile de papier informatique que je ne sais pas qu'il a coûté quelques dollars et donc il n'y a pas de pression pour que je fasse une bonne photo, je suis juste en train de dessiner en ce moment. Les premières choses que vous dessinez seront probablement assez ennuyeux. C' est l'idée de tout le monde d'un cochon, ce n'est pas si bon, mais j'ai juste besoin sortir de ma tête parce que c'est ce que je vois en ce moment. Une fois que vous dessinez les choses ennuyeuses, alors que vous continuez à expérimenter, vous allez entrer dans des choses plus intéressantes et originales, mais tout le monde a des idées ennuyeuses pour commencer. Tu vois en ce moment, je me rends compte que je ne sais pas à quoi ressemble un cochon derrière, donc je sais que ça va devoir être quelque chose que je recherche plus tard. Ne vous inquiétez pas pour effacer ou quoi que ce soit, dessinez. Parfois, il est même bon à ce stade de dessiner sans gomme. Vous pouvez commencer à penser à l'émotion ou l'humeur de votre personnage, ce qu'il fait dans l'histoire. Celui-ci ne semble pas avoir aussi peur des autres cochons, il semble avoir un peu plus de volonté de vivre dans son histoire. Vous pouvez commencer à dessiner d'autres choses qui se produisent dans l'histoire. Nous nous sommes trop concentrés sur d'autres objets, je vais devoir laisser ce téléphone tranquille. Mais vous pouvez voir comment ces scènes se jouent avec ce personnage 7. Recherche de références: Les références visuelles sont très importantes dans le développement du personnage, et elles peuvent rendre votre imagination plus réelle. Vous pouvez utiliser des références pour les personnages, les paramètres, les expressions faciales, les poses, les animaux, n'importe quoi. Vous ne voulez pas copier les images, vous voulez simplement les utiliser pour vous aider à comprendre la réalité. Vous devriez essayer de rechercher une photographie objective précise pour vos références. images subjectives comme les illustrations représentent l'interprétation de l'artiste de la réalité, et vous ne voulez pas en dessiner l'interprétation, vous voulez dessiner votre propre interprétation. Pour ce manuscrit, Les Trois Petits Cochons, je vais faire des recherches sur les porcs. Mon personnage est un cochon. Je sais à quoi ressemble un cochon, mais je n'ai pas une bonne idée de la réalité des porcs. J' aime utiliser Pinterest pour organiser toutes mes images pour le développement de personnages. Vous pouvez épingler des images de n'importe où sur Internet, vous n'avez pas besoin de rester sur Pinterest. Mais garder votre personnage et vos images de développement sur Pinterest est un bon moyen de les organiser. Vous pouvez organiser les images dans des tableaux, et vous pouvez également avoir des tableaux secrets pour que d'autres personnes n'aient pas à regarder toutes vos images de porcs. Rappelez-vous, nous cherchons la réalité ici, pas comment les autres ont dessiné des porcs. 8. Peaufiner vos personnages: Maintenant, nous avons fait nos premières expériences de développement de personnages et nous avons nos références visuelles. Nous allons maintenant prendre cette information, combiner et affiner. Donc, tous les éléments de mes croquis originaux que j'ai aimé, je vais continuer à les dessiner et à les expérimenter et je vais abandonner les choses que je trouve bizarres, ce qui est beaucoup de choses. Je vais garder mes références autour de moi pour que je puisse voir à quoi ressemble un vrai cochon et ne pas avoir des oreilles bizarres et des nez bizarres. Une autre chose à laquelle nous voulons penser est l'attitude de notre personnage. Le cochon que je dessine, au lieu de crisser, il essaie de se défendre et il dit au loup qu' il va avoir besoin de beaucoup de bouffées pour faire exploser sa maison. Donc il a un peu de fous à son personnage. Je veux m'assurer que cela se retrouve dans les images parce que ce n'est pas expliqué dans les mots. Donc je pourrais essayer le cochon dans différentes poses où il a l'air un peu spunky. Vous voulez également considérer l'âge de votre personnage. Dans cette histoire, il se réfère aux porcs comme des petits cochons, mais nous ne sommes pas vraiment sûrs de l'âge. Donc je pense que ça peut être ambigu. Ces cochons pourraient être n'importe quelle gamme, mais ils ont l'air jeunes. Vous voulez également piéger les versions extrêmes de votre personnage. Poussez les éléments du personnage aussi loin que vous le pouvez. Par exemple, le nez pourrait être vraiment énorme, ou les oreilles peuvent être vraiment petites, ou le nez pourrait être vraiment petit et les oreilles pourraient être vraiment énormes. En plus de pousser votre personnage à l'extrême, vient expérimenter avec les proportions corporelles. Donner à vos personnages des proportions irréalistes donne à votre histoire un sentiment de fantaisie et de fantaisie. Commencez à expérimenter la façon dont votre personnage se déplacera. Tournez-les dans n'importe quelle pose à laquelle vous pouvez penser. Vous voulez aussi penser au costuming. C' est un cochon, mais il pourrait porter des vêtements. On pourrait lui donner un chapeau. L' histoire ne dit pas si le cochon est mâle ou femelle, donc c'est vraiment à nous de décider. Vous pouvez le rendre ambigu comme ceux que j'ai dessinés jusqu'à présent, ou vous pouvez essayer de le rendre plus évident, quelle que soit la façon dont vous voulez que ce soit. Vous pouvez voir maintenant que je commence à avoir plus de caractère maintenant au lieu de juste un cochon. Donc, plus vous dessinez un personnage, plus vous apprendrez à les connaître et ils vivront vraiment. Une fois que vous arrivez à cette étape, dessinant le personnage encore et encore, cela devient beaucoup plus facile parce que vous commencez à avoir une idée de qui ils sont et où ils veulent que vous alliez. Donc à partir d'ici, continuez à dessiner et nous passerons à notre modèle de personnage de mouton. 9. Feuille de modèle de personnage: Une fois que vous avez suffisamment expérimenté et décidé de la conception finale de votre personnage, prenez ce personnage et créez une feuille de modèle de personnage que vous pourrez utiliser comme référence pour le reste de votre livre. Configurez simplement votre papier avec des lignes pour les proportions corporelles que vous avez déjà décidées, puis dessinez votre personnage de la vue avant, arrière, latérale et trois-quarts. Voici ma feuille de modèle que j'ai faite pour le cochon numéro trois basé sur mes dessins de personnages. Je l'ai d'abord fait au crayon, puis je l'ai décrit au stylo. Donc c'est un peu plus propre et je peux voir tous les petits détails. J' ai eu de l'avant, du côté, de l'arrière, et de la vue des trois quarts. Faire cela vous aide vraiment à analyser les parties de votre personnage et assurez-vous que vous savez, quoi ressemble cochon de l'arrière, quoi ressemblera ses jambes sur le côté. Diverses choses que vous pourriez ne pas penser autrement, mais vous devez savoir pour l'ensemble de votre livre. Plus tard, une fois que vous commencez à travailler sur les illustrations finales, vous pouvez revenir à votre feuille de modèle de personnage et ajouter de la couleur et texture pour une feuille de modèle de caractères plus mise à jour si vous le souhaitez. Passons au storyboard. 10. Éléments du storyboard: Un storyboard est une mise en page de vignettes visuelles de l'ensemble de votre livre. C' est un outil qui vous permet de réfléchir et de planifier la mise en page de votre livre. Storyboards vous permettent de voir comment vous allez commencer à progresser à vous parce que toute une histoire de rupture d'aide pour s'adapter au format, grand rythme et le mouvement, parce que je suis la composition et la conception que les détails, et assurer l'équilibre et le rythme. Avant d'entrer dans la façon de faire votre storyboard, regardons quelques types d'illustrations. Nous avons quatre types que nous allons examiner. En boîte, vignettes, taches et saignements complets. Tout d'abord, regardons les illustrations en boîte. Pour cela, je vais vous montrer où sont les autres choses, par Marie Sivek. Il utilise des illustrations de boîtes tout au long du début de son livre, et une illustration de boîte est une illustration qui a un cadre et ne s'étend pas jusqu'aux bords de la page. Donc, vous avez toujours un espace blanc autour de l'illustration. Une illustration en boîte n'a pas nécessairement à rester tout le chemin dans le cadre. Vous pouvez voir ici que certaines des feuilles commencent à sortir du cadre juste un peu. Un autre exemple d'illustrations de Box est le facteur Jolly Christmas de Janet et Alan Ahlberg. Ici, vous pouvez voir qu'ils utilisent des illustrations de boîte avec le petit cadre autour de l'illustration. Vous pouvez soit avoir un cadre autour ou non. Le prochain type d'illustrations est les vignettes et Beatrix Potter, l'auteur et illustrateur de The Tale of Peter Rabbit, est comme le maître des vignettes. Elle utilise des vignettes dans presque toutes les illustrations. Une vignette est une illustration dont les bords s'estompent en blanc. Ici, vous pouvez voir que ce n'est pas tout à fait une illustration encadrée car il n'y a pas de bord défini autour de l'illustration. Il s'estompe ici, les bords dans l'espace blanc. L' illustration suivante est des illustrations ponctuelles. Les illustrations ponctuelles sont de petites illustrations flottantes libres qui n'ont pas d'arrière-plan. Par exemple, je vais vous montrer l'histoire vraie des Trois Petits Cochons par [inaudible] être illustrée par Lane Smith. Voici un exemple d'illustration ponctuelle. Il est flottant librement, il n'est attaché à rien, il est petit et il n'a pas de fond. Un peu comme une vignette. Le type suivant d'illustration sous forme de bip de flux. Pour cela, je vais vous montrer mon livre préféré de tous les temps, Max Deluxe par le maire Coleman. Elle utilise des illustrations pleines de fonds perdus sur presque toutes les pages. Voici un exemple qui saignent plein, qui est en fait pleine propagation aussi. Cela signifie que l'illustration s'étend jusqu' aux bords des pages et les dépasse, remplissant toute la page ou toute la page. Il pourrait s'agir d'une illustration complète sur toute la propagation comme celle-ci, ou de deux illustrations distinctes. Il s'agit d'un fond perdu complet sur la page et d'un fond perdu complet sur la page. Les illustrations pleines de saignement sont souvent utilisées pour augmenter le drame et sont souvent utilisées dans le point culminant de l'histoire. Enfin, vous n'avez pas à choisir un seul type d'illustration. Vous pouvez et devez le mélanger et les combiner tout au long de votre livre. Un bon exemple de ceci est la locomotive de Brian Floca et cela a effectivement remporté le prix Couple cette année. Il fait un excellent exemple d'utilisation d'une vignette ce serait plein fond perdu sur la page. Un peu sur la vignette de la page. Puis, dans les moments de drame ou comme une excitation accrue, il utilise plus d'un saignement complet. Il fait un très bon travail en les combinant dans la page et le design. Voir cela a beaucoup de drame dans cette image. Alors c'est tout. Ce sont les types d'illustrations et de livres d'images. Rappelez-vous, vous voulez essayer de les acheter et les combiner dans votre storyboard. Il suffit de créer du rythme et du rythme. 11. Configurer votre storyboard: Je travaille généralement à travers six étapes lorsque je storyboard. D' abord, j'ai mis en place mon storyboard. Deuxièmement, je brise l'histoire. Troisièmement, je me concentre sur la composition et le rythme. Quatrièmement, je me concentre sur le mouvement et le rythme. Cinquièmement, j'analyse pour la répétition, et enfin, je crée un minuscule mannequin. Entre ces étapes peuvent être plusieurs versions de storyboard, et après le mannequin, j'ai peut-être besoin de revenir en arrière et de réviser les storyboards plus. Sautons et voyons les en action. J' ai joint mon modèle de storyboard que j'utilise pour planifier mes histoires dans la section d'affectation de projet. Vous pouvez utiliser ce modèle pour votre storyboard ou faire le vôtre si vous le souhaitez. Pour ces comprimés, il existe trois options. Paysage, portrait ou carré. Vous n'avez pas à être complètement sûr de la taille de votre livre final. Vous devriez choisir une taille et travailler avec ça. Mais l'éditeur et le concepteur travailleront avec vous pour finaliser la taille de votre livre s'il est pris en charge. Ce que vous devez savoir, c'est si le livre serait orienté comme paysage ou portrait. Typiquement, mettre vos livres avec beaucoup de vues et de paramètres larges serait dans le paysage, et les livres avec des éléments plus grands comme des gratte-ciel ou des arbres peuvent mieux fonctionner en portrait. C' est à vous de décider et vaut la peine d'expérimenter. Mesures et livres que vous aimez et voyez comment les illustrations s'intègrent dans leurs proportions. Je préfère commencer par le storyboard très petit comme les vignettes sur ce modèle parce que si j'aime trop grand, je finis par passer trop de temps à dessiner des détails. Pour au moins vos premiers storyboards du processus, vous devez vous concentrer sur la mise en page globale et la conception, placement des éléments et la répartition globale, et non sur les détails spécifiques. Je trouve que travailler petit aide à me concentrer. J' ai donc mon modèle de storyboard ici, et toutes les pages sont déjà numérotées, de la première page ici jusqu'à la page 32 ici. La première chose que nous allons faire est de mettre en place la première affaire. Vous vous souviendrez de la dernière classe que les deux à quatre premières pages de votre livre d'images sont réservées à la première page. Cela inclut le titre, noms de l'auteur et de l'illustrateur, peut-être un demi-titre, l'éditeur, le droit d'auteur et la dédicace. Donc, sur votre modèle, laissez les premières pages vides pour l'instant et commencez votre histoire à la page 3 ou à la page 5, selon l'espace dont vous pensez avoir besoin. Vous pouvez toujours la changer dans un storyboard futur une fois que vous commencez à diviser votre histoire. Je pense que pour cette histoire, je vais commencer à la page 5. Alors je dirai que c'est mon demi-titre. Ceci est ma page de titre avec mes informations de copyright juste ici, et puis mon dévouement va probablement aller juste ici. Maintenant, je peux commencer à travailler sur mon histoire à la page 5. 12. Décomposer votre histoire: Passons donc à l'étape 2, brisant l'histoire. Vous devrez probablement dessiner plusieurs storyboards avant obtenir l'histoire pour s'adapter au format de votre livre d'images de la meilleure façon. Sauf si bien sûr, vous avez fait le mannequin des écrivains dans la dernière classe et vous l'avez complètement cloué. Dans cette première étape, vos objectifs pour décider quelle partie de l'histoire va aller sur chaque page, quoi illustrer et quoi ne pas illustrer. instant, vous ne voulez pas vous concentrer sur le dessin belles images et ne vous inquiétez même pas de la composition. Nous sommes juste en train de rompre et d'adapter l'histoire au format et de réorganiser la structure. Personne ne dessinerait le même storyboard pour la même histoire. Tout le monde l'interprétera différemment et choisira différents aspects à mettre en évidence. Lorsque vous réfléchissez à la façon de briser votre histoire comme nous l'avons fait auparavant au manuscrit, considérez les points du drame, actions qui sont vitales à l'histoire, moments émotionnels et les moments qui sont entièrement décrits dans le texte. Donc, vous voulez juste passer en revue et vous pouvez avoir votre manuscrit sur lequel nous avons déjà travaillé plus tôt. Il suffit de passer à travers et d'esquisser le livre entier avec des dessins très rugueux, essayant de ne pas se laisser distraire par les détails. Dans chaque illustration, ce que vous ne dessinez pas est tout aussi important que ce que vous dessinez. Certaines choses sont mieux laissées inaperçues par le lecteur. Par exemple, dans Where the Wild Things Are, la mère de Marx n'est jamais dessinée ou montrée dans le livre, même si elle est une partie très importante de l'histoire. Garder la mère invisible lui permet d'être plus d' un concept qu'un personnage et peut-être de permettre à plus d'enfants de se rapprocher. Rappelez-vous, si l'image peut dire du tout alors aucun mot n'est nécessaire. Donc je vais commencer sur mon premier storyboard. 13. Créer du rythme: Maintenant que vous avez rompu votre histoire, la prochaine étape est de commencer à affiner vos compositions et votre rythme. Considérez votre utilisation du fond perdu, comme ici, vignettes comme ici, et repérez des illustrations comme ici tout au long de votre livre. Les images intelligentes comme les spots et les vignettes ont tendance à suggérer des moments assez longs, tandis que les grandes images ont tendance à être réservées à des moments plus dramatiques. vous dessinez, vous devriez également commencer à considérer où le texte sera placé, et laisser suffisamment de place pour que vous puissiez lire. Vous pouvez voir dans certains endroits que j'ai manqué d'espace et dans ma prochaine version, je vais devoir déplacer les choses un peu pour faire de la place pour le texte. À ce stade, je voudrais juste mettre une ligne pour chaque ligne de texte. n'y a pas besoin d'écrire les lettres et je ne peux probablement pas les écrire si petites de toute façon. Lorsque vous dessinez vos spreads dans le storyboard suivant, il est parfois utile de considérer chaque spread comme une image vidéo que vous voyez à travers l'objectif de l'appareil photo. Devriez-vous regarder vers le bas sur le personnage ? Encouragez-les, gros plan, loin. Les points de vue peuvent communiquer rapidement l'émotion et le drame, et vous voulez pouvoir utiliser une variété de points de vue et de compositions pour créer du rythme à travers votre histoire. N' oubliez pas également d'être conscient de la gouttière sur chaque propagation. Vous ne voulez pas placer des éléments importants dans la gouttière de chaque page car un peu de la page sera aspirée dans la gouttière lorsque le livre est lié. Par exemple, vous ne voudriez pas dessiner le visage de votre personnage juste au-dessus de la gouttière. Dis que c'est un gros plan de mon petit cochon. Si je devais dessiner la tartinade comme ça, son nez serait aspiré dans la gouttière, et une partie sera probablement coupée à peu près à peu près. Même ses yeux pourraient être un peu déformés. Tu ne veux vraiment pas mettre quelque chose de super important sur la gouttière. Mais il est bon de traverser la gouttière avec des images parce que cela peut être très dynamique et conduire votre oeil à travers la page. Une bonne façon de voir et d'affiner votre rythme est de redessiner votre storyboard, avec seulement les grands éléments. Cela vous permet de vous concentrer sur la conception globale et la composition, plutôt que sur les personnages et les détails. Avant de commencer sur le rythme, je vais redessiner tout mon storyboard et me concentrer sur la composition. Je vais regarder les éléments dans la propagation et les redessiner avec juste un peu plus de détails et affiner certaines choses si j'ai besoin de faire plus de place pour le texte, ou pousser quelque chose vers le bas pour que la conception globale de la propagation soit plus agréable. Je vais commencer là-dessus maintenant. Une fois votre composition terminée, pour ce tour, au moins, regardons le rythme de notre storyboard. Une bonne façon de voir et de peaufiner le rythme de votre storyboard est de redessiner votre storyboard avec seulement les grands éléments. Cela vous permet de vous concentrer sur la conception globale et la composition plutôt que sur les personnages dans les détails. Le rythme et le rythme sont souvent déterminés par la taille de vos images. Regardez votre utilisation de vignettes, spots ou d'illustrations de race complète. C' est comme si chaque illustration ou élément est un rythme, et que vous devez les espacer pour qu'ils coulent ensemble dans un rythme. Je vais avoir un autre storyboard et je vais le redessiner avec seulement les grands éléments. Je ne vais pas dessiner son nez et ses yeux. Je vais juste dessiner un cercle ou une forme pour chaque élément. Maintenant, vous pouvez voir les grands éléments de ma composition pour chaque propagation et tout au long du livre. Il est vraiment intéressant de le regarder de cette façon parce que vous pouvez voir comment l'illustration coule, comment le rythme circule. Si vous avez trop de la même forme, trop de races complètes. Je pense que celui-ci a un bon équilibre. Je pourrais essayer de faire quelque chose avec ces deux-là pour qu'ils ne se démarquent pas autant. C' est plus pour la progression des images plus petites à des images plus grandes. Je fais ça ici avec les cochons qui regardent par la fenêtre. La fenêtre de ce cochon est très petite, fenêtre de ce cochon est plus grande et le cochon qui essaie de se défendre est la plus grande fenêtre. Vous pouvez avoir ces rythmes et ces équilibres dans votre composition pour ajouter un sens supplémentaire à votre histoire. En regardant le rythme global, et décidez si vous avez besoin de changer quoi que ce soit et vous pouvez revenir en arrière et réviser votre composition, et votre storyboard global autant que vous en avez besoin. 14. Créer du mouvement: Maintenant que nous avons des compositions fortes et un rythme, nous allons regarder notre storyboard et nous concentrer sur le mouvement l' intérieur des pages et les dessiner de l'ensemble du livre. Voici quelques questions à vous poser lorsque vous analysez votre storyboard. Vos compositions tiennent-elles l'œil à travers la page de gauche à droite ? Est-ce que vos spreads semblent un peu unifiés et coulent ensemble dans leur ensemble ? Vos compositions sont-elles dynamiques ou statiques ? mouvement et le rythme aident l'histoire et les personnages à se sentir vivants, mais ils déplacent également l'histoire et peuvent pousser le lecteur d'une page à l'autre. Vous pouvez utiliser des éléments individuels dans votre composition comme le réglage, météo ou les caractères pour ajouter du mouvement. Par exemple, dans cette scène où le loup descend jusqu'à la deuxième maison. Ce mouvement de lui marchant et le tirage qui coule comme ça crée un mouvement tout au long de la page, et donc il porte votre oeil à travers cette page, mais aussi dans la prochaine propagation. L' utilisation d'éléments comme celui-ci et le fait que vos personnages se déplacent à travers la page créera un mouvement dans la propagation et la rendra plus dynamique. La conception globale de votre propagation peut également ajouter du mouvement, tirant le lecteur de gauche à droite à travers la propagation et à la page suivante. Vous pouvez utiliser des spots et des vignettes pour des mouvements détaillés plus petits comme ici pour accélérer l'histoire, et des illustrations en pleine page comme ici. Ce sont deux pages de fond perdu pour construire l'histoire. Puis plein étalé, plein d'illustrations de saignement comme ici. Pour les pics et l'action. Dans un livre de roman ou de chapitre, l'histoire s'arrête aux sauts de paragraphe, aux virgules et aux points. Dans un livre d'images, l'histoire s'arrête entre les pages et une page, et entre les spreads lors des tours de page. Donc, chacune de vos illustrations doit être assez forte non seulement pour communiquer l'histoire, mais aussi pour inciter le lecteur à tourner la page. mouvement à l'intérieur des écarts de gauche à droite est un moyen d'attirer le lecteur. Le mouvement dans les spreads de gauche à droite, comme voir ici, est une façon d'attirer le lecteur en le dirigeant directement de l'endroit où il commence à lire jusqu'au coin de la page. Une autre façon de créer des tours de pages enfilées est mettre fin aux spreads avec un moment de tension ou d'incertitude. Donc, le lecteur est tenté de tourner la page, par exemple, ici à la page 19, cette propagation se termine la ligne serrée et bouffée et bleu et bleu. Donc, le lecteur est incité à tourner la page parce que nous voulons savoir ce qui s'est passé. Il a soufflé sur la maison ? Il a mangé le cochon ? On ne sait pas. Nous voulons tourner la page pour le savoir. Les gros plans sont souvent utilisés à des moments d'émotion ou d'action élevés, tels que l'exaltation ou la peur. Par exemple, ici, quand le troisième cochon provoque le capot rouge, je zoome sur son visage un peu au lieu de le montrer si loin pour vraiment zoomer sur son émotion de peur. Puis sur la page opposée, contrastant c'est lui très petit, tenant un téléphone qui est évidemment beaucoup trop grand pour lui. Donc montrer cette photo lointaine de lui et les faire très petites montre que c'est son point bas et qu'il a un doute de soi. Je ne l'ai pas fait dans ce storyboard, mais vous pouvez intégrer une sous-intrigue dans votre livre comme une autre façon de créer du mouvement. Vous pouvez déposer des indices visuels à travers l'histoire pour ajouter du sens à l'histoire, et vous pouvez même inscrire un autre récit visuel à exécuter parallèlement au texte. Nous avons parlé des sous-personnages et de la conférence sur le développement des personnages et c'est là que cela entre en jeu. Des indices comme ceux-ci incitent le lecteur à tourner la page et à garder l'histoire en mouvement et à donner à l'enfant une interaction plus profonde avec le livre car il est capable de lire seul un sous-récit qui n'a pas été mentionné dans les mots. 15. Analyser la répétition: Maintenant que notre mouvement fonctionne bien, regardons la répétition dans notre storyboard. Tout comme dans le texte du livre d'images, il devrait y avoir un rythme dans vos illustrations aussi. La répétition de certaines images ou mises en page de conception peut aider à souligner le rythme. similitudes et la répétition donnent au lecteur un sentiment de familiarité. Cela aide le lecteur à suivre et à apprécier l'histoire et rend également les moments où vous rompre de la répétition d'autant plus puissants et passionnants. Une façon d'utiliser la répétition dans mon storyboard est d'avoir les cochons de la fenêtre de leur maison de la même manière. Voici le premier cochon qui regarde sa maison de paille. C' est une illustration pleine page, pleine fond perdu, avec le cochon regardant par la fenêtre ici au centre de la page. Ensuite, avec le deuxième cochon et la maison de brindilles, nous avons la même disposition, mais bien sûr cette maison sera faite de brindilles. Encore une illustration pleine page, pleine fond perdu. Mais sa fenêtre est légèrement plus grande que la dernière fenêtre. Pour créer une répétition, mais aussi un peu de diversité. Ensuite, le troisième cochon dans la maison en briques est la même disposition, pleine page, pleine purge, mais la fenêtre est encore plus grande et vous pouvez voir plus de cochon, sorte que les porcs deviennent progressivement plus courageux jusqu'au troisième cochon. J' utilise aussi la répétition pour avoir le loup couché. Ici, après que le loup a mangé le premier cochon, vous pouvez le voir se coucher, se détendre après avoir mangé le premier cochon. Puis après avoir mangé le deuxième cochon, vous pouvez le voir couché dans une autre position, étiré sur le dos avec les deux cochons voyageant son ventre. Et enfin, après que le Chaperon Rouge ait tué le loup, il s'est étendu comme un de ces tapis de chasse au tigre sur le sol de quelqu'un. Donc, vous avez la répétition du loup couché, ce qui conduit finalement à la résolution. Voici donc quelques questions à vous poser sur la répétition dans votre storyboard. Y a-t-il une bonne quantité de répétitions dans vos compositions ? Y a-t-il trop de ces mêmes types d'illustrations, par exemple, à de nombreuses vignettes ou illustrations pleines de fonds perdus ? Est leur variété dans la façon dont vos personnages sont posés. Votre personnage est-il toujours orienté vers l'avant et jamais de trois quarts de vue ? Y a-t-il une répétition et une variété de points de vue ? Enfin, avez-vous un équilibre entre les images occupées en laboratoire et les petites images tranquilles ?. Parfois, les images qui sont simples avec beaucoup d'espace blanc comme celui-ci où la maison en briques était encore debout peuvent être les plus puissantes. Après avoir analysé la répétition, redessinez votre storyboard si vous constatez qu'il n'y a pas assez ou trop de répétition d'éléments. 16. Créer une petite maquette: Avant de passer aux croquis finaux, j'aimerais faire un tout petit mannequin avec mes miniatures de storyboard pour voir la page tourne et l'impact plus clairement. Parfois, je fais une copie de mon storyboard , coupe les spreads, puis les tape ensemble pour faire un petit livre. Une autre fois, je fais juste un petit livret avec du papier et j' esquisse rapidement des croquis grossiers dans le livret pour donner une idée d'ensemble du livre. Pour ce mannequin, j'ai fait une copie de mon storyboard et je vais juste découper les vignettes très rapidement. Une fois que vous avez tous vos tartinades découpées, prenez le premier avec le demi-titre et une page blanche et mettez-le face vers le bas sur la table. Ce sera comme la couverture de votre petit mannequin. Ensuite, prenez la deuxième propagation et pliez en deux avec le contenu à l'intérieur. Ensuite, prenez cette troisième propagation et faites la même chose, pliez-le avec le contenu à l'intérieur. Maintenant, vous avez ces deux pages vierges qui se réunissent. Vous allez prendre ces deux pages ensemble. Ensuite, continuez avec votre quatrième propagation, en mettant les deux pages blanches ensemble, vous faites essentiellement un bug d'accordéon ici. Je vais juste passer par ça très vite avec toutes les spreads. C' est notre petit mannequin. Nous avons le demi-titre, le droit d'auteur et le titre, la dédicace, et voici notre première page de notre histoire. Le mannequin est vraiment un outil de réflexion et il n'a peut-être pas beaucoup de sens pour les autres, mais quand vous avez été celui qui a fait ces storyboards et esquisses, cela a beaucoup de sens pour vous. voir en format livre montre vraiment quelques-unes des erreurs que vous pourriez avoir commises. Il est préférable de réaliser toutes vos erreurs maintenant plutôt qu' une fois que vous commencez à dessiner vos illustrations finales et vos esquisses finales. Parce qu'alors, il est beaucoup plus difficile de revenir en arrière et de changer la conception et la composition. C' est tout mon petit livre. Si vous avez du mal à travailler avec des storyboards, un très bon exercice est de storyboard un livre d'images existant. Voici un storyboard que j'ai dessiné du livre, A Very Fuddles Christmas, écrit et illustré par Frans Vischer. Je viens de parcourir l'histoire, page par page, et de dessiner les principaux éléments du livre. Ici vous pouvez voir le demi-titre, et je fais le demi-titre, puis la dédicace de rédaction et la page de titre complète. Ensuite, voici la première diffusion avec un fond perdu complet, une illustration pleine page, puis deux illustrations ponctuelles. Vous pouvez voir que j'ai dessiné juste très simplement une illustration pleine page de fond perdu. J' ai même écrit en haut pleine et deux places. D' un coup d'œil, je peux voir l'illustration qu'elle a utilisée tout au long de l'histoire. C' est un très bon exercice qui vous aide à voir clairement comment un illustrateur expérimenté utilise une variété de compositions et de répétitions pour créer du rythme et du rythme tout au long de son livre. C' est une expérience d'apprentissage vraiment géniale et m'a beaucoup appris sur le storyboard. Je vous recommande vraiment de l'essayer. C' est tout pour les storyboards et les mannequins. 17. Configurer vos croquis: Une fois que j'ai imprimé la tarte, je l'enfonce dans ma boîte en direct. Ensuite, j'enregistre une autre page vierge sur le dessus. Ensuite, je trace légèrement le dessin sur la nouvelle feuille de papier, et ici je ne me concentre pas sur le dessin des petits détails. Je veux juste obtenir la composition sur la page aux bons endroits et à la bonne taille. Faisons ça très vite. 18. Peaufiner vos croquis: Maintenant que j'ai mon croquis de composition de base, je vais juste passer à travers et affiner le dessin. Cela peut parfois être un processus long et peut impliquer plusieurs tours de dessin ; commençons donc. Lorsque vous affinez vos esquisses, vous souhaitez également prendre en compte le placement du texte. J' aime écrire les mots réels au lieu de juste des lignes comme dans les vignettes, pour voir comment ils s'intègrent dans l'espace que je leur ai alloué. La texture a une bonne quantité d'espace pour respirer autour d'elle, il est donc facile à trouver et à lire. Traditionnellement, les livres de texte et d'images sont disposés comme un poème dans des strophes comme celui-ci, et dans une police de caractères Serif. Mais des tonnes de livres enfreignent cette norme. Certains utilisent San-Serif, certains conçoivent le texte pour être plus unifié avec l'illustration, certains du texte enveloppent les illustrations, et d'autres utilisent même le type dessiné à la main. Il peut être amusant d'intégrer le texte avec l'illustration et peut certainement faire un livre puissant, mais faites attention de ne pas aller par-dessus bord. L' image devrait se démarquer et être la star de la propagation. Donc, je pense que c'est une assez bonne mise en page de type pour l'instant. Une fois dans Photoshop, je peux taper le texte et le réajuster comme nécessaire. 19. Créer vos dessins finaux: Pour mes derniers dessins, je viens de placer mon croquis raffiné sur une boîte lumineuse, comme nous l'avons fait auparavant, et je vais tracer le dessin sur une nouvelle feuille de papier. Habituellement, mon dessin final est terminé au crayon, mais parfois j'utilise un stylo. Vous pouvez choisir le matériau avec lequel vous préférez travailler. J' avais aussi quelques choses qui ne me plaisaient pas dans mon dernier croquis. Je pensais que ses bras n'étaient peut-être pas les meilleurs ici. Ses bras n'étaient certainement pas les meilleurs ici, ils étaient un peu gênants. Ce loup en général, je n'étais pas vraiment fan. Je ne pensais pas qu'il correspondait au style des cochons. Je suis allé de l'avant sur une autre feuille de papier et j'ai trouvé d'autres options. Je ne vais pas retracer ce loup et à la place je traiterai ce loup que j'ai dessiné avant. Commençons sur notre dessin final. Lorsque vous dessinez vos textures, si vous le faites sur un morceau de papier séparé, c'est aussi une bonne idée de retracer le contour de la page comme vous l'avez fait sur votre dessin au trait, car vous pouvez facilement les aligner dans Photoshop lorsque vous les numérisez. C' est tout mes dessins au trait et textures. 20. Nettoyer dans Photoshop: Une fois que je suis satisfait de mes dessins finaux, je scanne le travail en ligne et les textures au crayon, et je les ouvre dans Photoshop. J' ai placé le fichier de texture sur son propre calque au-dessus du fichier de travail de ligne, et je les ai étiquetés chacun. Ensuite, je vais allumer les deux couches, et activer les textures du crayon se multiplient, sorte qu'il devienne transparent et que je puisse voir les deux couches ensemble. Ensuite, je vais prendre l'outil de pinceau, et colorer tout blanc sur toutes les marques bizarres sur la page que je vois sur chaque calque individuel. Donc maintenant, nous avons nettoyé tout notre travail de ligne. 21. Composition dans Photoshop: Un concepteur choisira la police et la mise en page typographique globale de votre livre, s'il est publié. Mais vous, en tant qu'illustrateur, devez toujours planifier le texte et avoir une place pour qu'il aille. Le texte devrait être quelque peu intégré à la conception, sorte qu'il ne semble pas simplement avoir été giflé au hasard. C' est une bonne idée de ne pas choisir une police folle pour votre livre. Vous êtes vraiment en train de concevoir le texte comme un porte-place pour l'instant. Vous voulez qu'il soit lisible et propre, et ne pas distraire vos photos. Je vais juste taper mon texte et le placer là où j'avais prévu avant sur mes croquis. Je vais utiliser la police de caractères Baskerville. C' est l'une de mes polices préférées et c'est un jeu de polices épurées. Une bonne taille de police, si vous travaillez sur une feuille de papier 8,5 par 11 comme je suis en ce moment, est probablement d'environ 18. n'y a pas de norme, mais ça me semble juste. Maintenant, vous pouvez commencer à jouer avec la mise en page du type et l'adapter sur la page avec le reste de votre composition. Je pense que c'est bon pour l'instant. On peut toujours revenir et le changer plus tard. 22. Coloration numérique dans Photoshop: La couleur est l'un des éléments les plus visibles et les plus influents d'une illustration. Cela peut grandement affecter l'humeur et le ton général de cette propagation et transmettre immédiatement l'émotion de l'histoire. Avant de commencer à expérimenter, considérez si vous voulez que votre livre soit lumineux et coloré, ou silencieux et silencieux. Lequel correspondrait le mieux à l'histoire ? Vous pouvez également les mélanger et utiliser des coups de couleur et des spreads qui emballent le plus d'action pour avoir encore plus d'impact contrairement aux autres spreads. La couleur serait alors chaque propagation aide également à guider l'œil du lecteur. Vous pouvez mettre en évidence votre personnage principal en les faisant se démarquer de l'arrière-plan avec des couleurs complémentaires ou en mettant un peu en sourdine l'arrière-plan. Je préfère travailler avec des palettes de couleurs limitées, choisissant seulement deux ou trois couleurs pour travailler, et les nuances de ces couleurs. Je trouve cette contrainte me fait accorder plus d'attention à façon dont j'utilise les couleurs et me permet de vraiment concentrer l'œil du lecteur. Il est important de planifier votre couleur pour le livre dans son ensemble plutôt qu'une seule diffusion. Vous avez besoin d'une palette qui peut être forte sur chaque propagation dans le livre, pas seulement une propagation. Je vais vous montrer comment je fais en sorte que ma couleur soit stable avec ma palette choisie. Je vais prendre la couche de storyboard et le mettre sur le dessus et le mettre pour multiplier afin que les lignes soient transparentes sur le dessus des couleurs et je vais juste prendre l'outil de pinceau et commencer à peindre les couleurs. C' est mon étude des couleurs de storyboard et cela vous aide à planifier les couleurs tout au long de votre livre en utilisant le format storyboard. Vous pouvez les voir tous ensemble comme un seul livre unifié. Maintenant, je vais passer par un très bref aperçu de mon processus de coloration numérique. Si vous souhaitez un tutoriel plus approfondi mon processus de coloration, vous pouvez vérifier mon autre cours Skillshare, illustration scientifique transmettant des informations avec charme. La dernière unité de cette classe vous emmène à travers étape de mon processus de coloration numérique à travers un screencast, montrant comment je colore, traite le travail de ligne, ajoute des textures et crée une typographie de dessin à la main. Continuons avec cette propagation.