L'illustrateur à palette unique : Découvrez comment la couleur fonctionne dans votre art

1. Bande-annonce du cours: Si vous êtes illustrateur et que vous avez déjà senti que vous ne pouvez pas obtenir vos couleurs correctes, cette classe est faite pour vous. Je m'appelle Tom Frost. Je suis un illustrateur primé et un enseignant de premier plan ici sur Skillshare, où j'ai aidé des dizaines de milliers d'étudiants à débloquer le monde de l'art commercial et de la créativité. Je me souviens d'une époque où il semblait que je ne pouvais pas faire le droit là où il s'agissait de couleurs. ai toujours eu l'impression que je prenais la mauvaise décision ou que mes choix étaient tout simplement aléatoires. Même en tant que diplômé de l'école d'art après des années d'apprentissage de la théorie des couleurs, ça m'aide à parler de la couleur, rien ne semblait me rendre meilleur pour travailler avec elle. Mais au fil du temps, j'ai remarqué quelque chose. J' utilisais les mêmes types de couleurs dans mon travail et ces mêmes teintes apparaîtraient à plusieurs reprises. J' ai donc compris pourquoi ne pas simplement les formaliser en une seule palette et les utiliser plus exprès. Joignez-vous à moi pour vous montrer ce que signifie être un illustrateur à une seule palette et comment il est beaucoup plus puissant que vous ne le pensez. Comme d'habitude, nous allons passer en revue quelques idées clés et la théorie dans l'amorce , puis faire de la découverte de soi et de la création de palettes personnelles dans les exercices. Comme d'habitude, nous allons tout mettre dans un projet final juteux. Voulez-vous découvrir comment utiliser la couleur à votre manière unique ? Une excellente façon de commencer est d'être un illustrateur à une seule palette. A partir de là, les possibilités sont limitées et Dieu merci. Ce n'est qu'en fixant intentionnellement et en respectant les limites que nous pouvons être nos plus créatifs. Voyons ce que signifie être un illustrateur à une seule palette. Je te verrai en classe. 2. À propos de ce cours: Cette classe est divisée en trois parties principales : l'amorce, les exercices, et bien sûr, le projet final. L' apprêt est divisé en deux parties plus petites où nous allons abord examiner ce que signifie être un illustrateur à palette unique et comment cela nous rend plus forts en utilisant la couleur dans notre travail , puis nous allons passer par quelques concepts clés en théorie des couleurs juste pour nous mettre tous sur la même page avec les bases avant de passer dans le reste de la classe. Comme toujours, l'amorce consiste à vous donner les moyens de comprendre afin que vous sachiez, non seulement comment nous allons faire les choses dans cette classe, mais pourquoi. Ce sont des principes que vous pouvez prendre avec vous dans tout votre travail qui va de l'avant. Les exercices sont là où nous commencerons à mettre en œuvre tous les concepts dont nous parlons. Nous allons commencer par chercher des indices ce que nos propres couleurs sentent en réfléchissant sur notre propre travail. Nous examinerons également certains des travaux de nos héros d'illustration pour trouver des indices sur la couleur qui pourrait ressembler à notre propre travail. Sur cette base de découverte, nous allons construire nos propres palettes de couleurs limitées à utiliser dans le projet et peut-être même au-delà. Le projet est toujours là où nous arrivons à mettre à l'épreuve toute la théorie de l'amorce et toutes les découvertes des exercices. En utilisant la palette que nous avons créée dans les exercices, nous allons créer deux illustrations : une simple série de spots utilisant une palette stricte et une scène plus complexe, incluant quelques personnes et certains des objets que nous avons illustrés dans le premier ensemble utilisant une version plus variée de notre palette. Bien sûr, je vais partager comment je pense à la couleur en travaillant à travers mes propres illustrations dans les démos. En termes d'expérience, cette classe s'adresse à tous ceux qui ont déjà eu du mal à choisir et à utiliser la couleur dans leur illustration. Si vous avez déjà voulu devenir plus confiant dans la façon dont vous utilisez la couleur, ou si vous vous êtes demandé comment devenir plus cohérent dans la façon dont la couleur fonctionne dans l'ensemble de votre travail, cette classe est faite pour vous. Que vous ayez illustré depuis des décennies ou que vous commenciez tout juste, il y aura des tas d'informations que vous pourrez avec vous dans votre processus. Bien que cette classe ne soit pas une classe de théorie en couleur, je vais passer en revue les bases mêmes et montrer comment elles se rapportent aux questions plus profondes sur la couleur et le style dans votre propre travail. En termes de compétences et de techniques, ce cours se concentre sur l'utilisation de la couleur d'une manière très spécifique, à savoir, travailler avec des palettes très limitées à l'aide outils d'illustration numériques et travailler de manière plus plate et plus stylisée. Comme le nom de cette classe l'indique, il s'agit de choisir une seule palette de couleurs, et oui, j'essaie littéralement de vous vendre sur l'utilisation d'une palette dominante dans tout votre travail. En termes d'équipement, bien sûr, une certaine expérience dans les outils d'illustration numérique tels que Photoshop, Illustrator ou Procreate est assez essentielle. J' utilise Procreate pour l'esquisse et Photoshop pour mes illustrations finales, mais vous pouvez utiliser tous les outils numériques avec lesquels vous vous sentez le plus à l'aise, ce soit sur l'iPad ou sur l'ordinateur. En termes de temps, les exercices peuvent prendre de 30 minutes à une journée entière ou plus. Les deux illustrations du projet peuvent prendre n'importe où d'une heure chacune à aussi longtemps que vous le souhaitez. Dans mes cours, j'encourage à prendre votre temps et à réfléchir à vos décisions autant que vous en avez besoin. Comme c'est tous les indices de découverte de votre propre style et de la façon dont vous utilisez la couleur, vous pouvez vous retrouver dans le trou du lapin et vous y perdre plus longtemps que prévu. prenant ce cours, vous apprendrez le pouvoir de travailler avec une palette limitée, fois dans des projets individuels et dans l'ensemble de votre travail. Vous obtiendrez des informations plus approfondies sur les types de couleurs qui vous attirent le plus et sur la façon dont vous pouvez les incorporer davantage dans votre propre travail. Vous découvrirez comment la couleur et le style fonctionnent ensemble et comment utiliser couleurs plus cohérentes peut vous donner le pouvoir dans votre travail personnel et professionnel. Juste une dernière note. La couleur, comme le style, est quelque chose que nous devrions viser à être plus cohérent avec, mais c'est aussi quelque chose qui devrait évoluer avec nous. S' engager dans une palette de couleurs n'est pas un mariage forcé ou une peine de prison, c'est une relation entre ce que vous savez de vous-même en ce moment. Si l'idée de s'engager sur une seule palette vous excite et vous effraie, vous êtes au bon endroit. n'y a pas de meilleure façon de régler ça qu'ici dans cette classe. 3. Qu'est-ce qu'un illustrateur à palette unique ?: Avec toutes les classes de théorie des couleurs là-bas et tous les outils disponibles pour faire des palettes harmonieuses, vous penseriez que l'utilisation de la couleur aujourd'hui serait un jeu de hasard. La réalité est que vous pourriez connaître des tonnes sur la théorie des couleurs, et comprendre les significations derrière toutes les couleurs, et toujours pas vraiment savoir comment l'utiliser à votre manière, dans votre art. La couleur s'avère être beaucoup comme le style où nous voulons être en mesure de l'utiliser d'une manière unique. En fait, la couleur et le style sont très liés et l'un informe l'autre, peut-être plus que vous pourriez vous attendre. Dans mon cours de style, je parle de la façon dont votre style d'illustration est basé sur vos capacités et vos compétences. Vos capacités sont les choses dans lesquelles vous êtes doués, que ce soit par nature ou par l'acquisition de compétences et d'expertise. Vos penchants sont des choses qui vous attirent naturellement. Ce sont les choses que vous aimez simplement. Trouver votre style vient de travailler là où ces deux choses, vos capacités et vos habiletés se chevauchent, puis de les développer intentionnellement. Bien que vous n'ayez qu'un contrôle limité sur ce que vous êtes doué et ce que vous aimez, votre identité en tant qu'illustrateur, votre style, est en grande partie un choix. Vous choisissez de vous engager dans une expression de style au détriment de toutes les autres expressions possibles. En prenant cet engagement, quels que soient les sacrifices que vous faites, vous gagnez quelque chose d'énorme , l'occasion de maîtriser une chose, devenir le meilleur possible. De ce lieu de force, vous pouvez toujours grandir et évoluer comme vous le souhaitez. Tout comme le style est un choix, une découverte de certaines choses que vous aimez et que vous êtes bon à, puis un engagement à les développer et à les utiliser dans votre travail, couleur est aussi un choix. Nous devons choisir certaines couleurs et certaines façons d' utiliser les couleurs au détriment de toutes les autres possibilités. C' est le point de départ de toute l'idée d'être un illustrateur à une seule palette. Être un illustrateur à une seule palette signifie d'abord savoir quelles couleurs nous avons tendance à être attirées et apprendre à tirer parti de ce goût subjectif ou sens des couleurs exprès avec confiance dans notre art. Cela nécessite à la fois une réflexion personnelle et même un peu d'autocritique. Il nécessite également des compétences dans l'utilisation de nos outils et compréhension du fonctionnement de la couleur selon la théorie des couleurs de base. Qu' est-ce qu'un illustrateur à une palette ? Un illustrateur à une palette utilise un jeu limité de couleurs dans la plupart de ses œuvres. Par conséquent, le travail d'un Illustrator à granulés est plus cohérent. Qu' ils travaillent dans un style strict ou mélangent un peu, leur sélection et l'utilisation de la couleur le lie complètement plus harmonieusement. Un illustrateur à une palette sait toujours quelles couleurs il utilisera même au début d'un travail. Même lorsque nous avons des couleurs à utiliser par nos clients, nous avons tellement de pratique à utiliser une palette de couleurs limitée à notre manière qu'il est facile d'appliquer nos techniques avec leurs couleurs. Plutôt que de nous limiter de manière créative, l'utilisation d'un seul ensemble de couleurs dans notre travail nous donne le genre de contraintes dont nous avons besoin pour être vraiment créatif. Un illustrateur à une palette prouve à maintes reprises que la créativité ne vient pas de la liberté des limites, mais de la résolution de problèmes en eux. En tant qu'illustrateurs à une palette, notre objectif principal est d' utiliser la couleur de manière cohérente et confiante. Bien que nous puissions avoir besoin d'utiliser d'autres couleurs de temps en temps, et bien que parfois la couleur devra définir l'ambiance ou représenter certaines idées, pour la plupart, fonctions de couleur pour attirer les yeux et pour équilibrer notre tout en étant cohérent dans notre style global. L' objectif avec l'utilisation d'une seule palette est la confiance, la cohérence et l'efficacité, pas la flexibilité et certainement pas imiter la réalité. Il s'agit plutôt d'avoir une identité visuelle cohérente. Avec ce chat hors du sac, nous allons maintenant examiner quelques objections possibles à l'approche d'une palette et voir ce que le fait d'être un illustrateur d'une palette ne signifie pas. 4. Idées fausses possibles (Est-ce que c'est la seule chose que je peux faire ?): Je l'ai compris. Être un Illustrator à une palette semble un peu trop proche d'être un poney à un tour. Mais je ne pense vraiment pas que ce soit le cas. Comme je l'ai déjà dit, il s'agit de déterminer où vos forces et vos goûts se chevauchent, et de s'engager à les développer avec une plus grande attention. C' est ainsi que vous développez une voix en tant qu'illustrateur. Mais encore une fois, je comprends. Il y a une fine ligne entre être discipliné et décisif d'une part, et être inflexible et stagnant de l'autre. Voici six idées fausses possibles et valables sur ce que signifie être un Illustrator à une seule palette, et quelques éclaircissements qui, je l'espère, apaiseront toutes les préoccupations que vous pourriez avoir. La première idée fausse est qu'en tant qu'Illustrator à une seule palette, vous ne pouvez jamais utiliser d'autres couleurs. Ce n'est tout simplement pas vrai. Tout comme les personnes qui travaillent dans un style limité et décisif dans leur travail commercial peuvent le mélanger de temps en temps, vous pouvez varier votre palette de couleurs limitée quand vous le souhaitez. La principale chose à retenir ici, est que vous devriez viser la cohérence globale de vos heures supplémentaires de travail, autant plus que vous le présentez à votre public, fois sur les réseaux sociaux et sur votre portfolio. Commencer tout votre travail à partir d'une seule palette, est un point de départ qui peut mener n'importe où. Même si vous vous retrouvez avec des couleurs très différentes dans certains projets, chaque fois que vous êtes coincé, vous pouvez toujours vous tourner vers votre fidèle vieil ami, votre palette incontournable. La deuxième idée fausse est que si vous n'utilisez que quelques couleurs tout le temps, cela signifie que vous ne savez pas comment bien utiliser la couleur. C' est l'erreur du poney à un tour. Comme nous le savons maintenant, utiliser quelques couleurs, c'est savoir ce que nous aimons et ce qui nous inspire à savoir comment intégrer cette compréhension dans notre propre travail exprès. Ce n'est pas que nous ne savons pas bien utiliser la couleur, mais que nous nous connaissons bien. Si nous avons bien fait nos devoirs, n' est pas seulement que nous avons pris palette de couleurs de quelqu'un d'autre et décidé de l'utiliser pour toujours. Nos palettes incontournables viennent de nous connaître, de comprendre quelles couleurs fonctionnent le mieux pour nous et notre style la plupart du temps. Lorsque nous utilisons nos palettes maintes et maintes fois, nous devenons de mieux en mieux à les utiliser et résoudre des problèmes visuels dans nos contraintes. La troisième idée fausse est qu'en utilisant une seule palette limitée, vous êtes ignorant de la théorie des couleurs. Si vous utilisez votre propre palette correctement, vous travaillez en fait selon les meilleures pratiques de la théorie des couleurs. Comme nous le verrons plus loin dans cette classe, notre palette de référence sera construite en utilisant les principes de la théorie des couleurs. De toutes les façons, nous allons utiliser nos couleurs dans le projet sont à nouveau, fermement enracinées dans une compréhension de la théorie des couleurs. La quatrième idée fausse est qu'en étant stricte à propos de vos couleurs, vous êtes injuste envers celle de votre client. Les clients payants méritent de leur montrer différentes options pour les couleurs, n'est-ce pas ? Je dirais peut-être, mais seulement si c'est un service que vous offrez. Lorsque vous pensez à votre style en tant que marque, ce qu'il est très certainement, marques ont toujours des palettes de couleurs strictes. C' est en utilisant ces couleurs de manière cohérente, que la marque est renforcée. Tout comme nous, illustrateurs, devons souvent travailler avec les couleurs strictes des marques avec lesquelles nous travaillons, nous pouvons aussi appliquer nos propres couleurs de marque. Maintenant, bien sûr, si nous devons travailler avec d'autres couleurs, nous devrions certainement le faire. qui est étonnant, c'est qu'à mesure que nous devenons meilleurs à travailler avec nos propres palettes de couleurs à notre manière, nous pouvons transposer de nos palettes à celles de nos clients, avec un minimum d'effort. cours de route parce que nous utilisons les mêmes techniques, tout art que nous fabriquons avec nos palettes à l'extérieur de nos palettes, aura un sentiment similaire à lui. Il est important de noter ici qu'une clé pour une utilisation cohérente des couleurs est d'avoir un style et une technique cohérents. Si vous les changez d'un projet à l'autre, se peut qu'il soit difficile d'utiliser la couleur, la même manière, à chaque fois. La cinquième idée fausse est qu'en adhérant à une palette stricte, vous limitez votre propre croissance en tant qu'artiste. Cela peut être vrai si, en fait, vous choisissez simplement une palette tôt dans votre développement, et ne jamais essayer autre chose. Mais regardez de plus près comment une palette est faite. Il ne vient pas de la paresse ou du manque de croissance, mais en faisant constamment attention à la façon dont vous évoluez et en cours de route, quelles choses restent constantes. Identifier nos constantes n'est pas le signe d'un manque de croissance, mais un signe de maturité et d'expérience. Bien sûr, si vous choisissez d'essayer de nouvelles couleurs et différents styles et techniques en dehors de votre travail principal, c'est à vous de décider. En tant qu'artistes, bien sûr, nous devrions toujours expérimenter et jouer avec de nouvelles idées, que ce soit dans notre carnet de croquis ou dans un projet parallèle. Avoir défini des couleurs ou un style défini comme votre principale chose face au public ne signifie pas que c'est votre seule chose. Enfin, la sixième idée fausse est qu'en adhérant à une palette stricte, vous n'aurez pas assez de couleurs pour représenter tout ce que vous devez représenter dans une illustration donnée. D' une certaine façon, c'est vrai. Vous n'avez peut-être pas d'orange dans votre palette de choix, ce qui rendrait difficile de représenter une orange, le fruit, dans une couleur réaliste. Si vous n'avez pas de jaune dans votre palette, vous devrez choisir autre chose pour un autobus scolaire ou une banane. Mais c'est l'un des aspects les plus beaux et créatifs de la palette de couleurs limitée. Vous travaillez avec ce que vous avez et les résultats sont souvent surprenants. Un étudiant m'a demandé un jour comment ils pouvaient utiliser la couleur d' une manière plus fantaisiste où le ciel n'a pas à être bleu et les feuilles n'ont pas à être vertes. Ce n'est pas comme si les illustrateurs prenaient ces décisions arbitrairement. Nous ne changeons pas seulement les couleurs pour être fantaisistes. Au lieu de cela, nous commençons avec une palette de couleurs limitée, puis travaillons à l'intérieur d'eux. 5. Illustrateurs à palette unique dans la nature: Maintenant que nous savons ce qu'est et n'est pas un illustrateur à palette unique, j'aimerais partager quelques exemples d'illustrateurs qui travaillent dans un ensemble dominant de couleurs. J' aimerais observer en particulier comment leurs choix de couleurs s' intègrent parfaitement à leur style et contribuent à renforcer leur marque d'artistes dans l'espace commercial. Je tiens également à souligner que je choisis le travail de ces artistes qui semblent tous pointer vers un groupe de couleurs de base. Dans de nombreux cas, vous trouverez leur travail qui utilise toutes sortes d'autres palettes, mais les exemples que je partage, pour autant que je sache, autant que je sache, pointent vers leurs combinaisons de couleurs les plus dominantes ou les plus préférées. cours de route, j'utiliserai des termes de couleur que vous ne connaissez peut-être pas encore. S' il vous plaît garder à l'esprit que nous allons couvrir beaucoup d'entre eux dans la section théorie des couleurs plus tard dans la classe. Notre première artiste est Anna Hurley. Anna Hurley, basée à Oakland, travaille dans un style délicieusement simple et ludique. Travaillant sur un support clairement numérique, je vois ici beaucoup de techniques inspirées de l'impression, en particulier son utilisation de formes audacieuses et simples ou de texture subtile ou nulle, bords clairs et délimités, et bien sûr, des palettes simples. Alors qu'elle, comme la plupart des autres artistes que nous examinerons aujourd'hui, travaille dans une variété de palettes, son ensemble de travaux trahit sa préférence pour le cyan, le bleu, le rose, le jaune, le rouge, l'orange et le vert. Elle semble aussi aimer un fond crémeux ou jaune teinté. Sa palette semble s'enraciner dans un ensemble triadique encore plus épuré, jaune profond, rose et bleu cyan, qu'elle combine en utilisant multiply ou un effet de surimpression, que nous examinerons de plus près dans la section théorie des couleurs. Dans son travail, j'observe l'absence presque totale de noir réel. À sa place, un noir efficace est créé par la combinaison la plus sombre possible de toutes les couleurs données dans sa palette. L' artiste suivante est Louise Lockhart. Vivant la vie de l'artiste romantique dans un vieux moulin en Angleterre, l'illustratrice Louise Lockhart, alias The Printed Peanut, a un style clairement inspiré de l'impression et le nom de sa boutique en ligne, The Printed Peanut, soutient mon allégation. Lockhart se dévoile clairement dans toutes les couleurs. La majorité de son travail est enracinée dans une triade de cyan, rose et jaune, qui peut être combinée comme le travail d'Anna Hurley à travers des effets de surimpression pour créer rouge, orange, bleu et vert. Encore une fois, comme Hurley, Louise Lockhart est capable de se passer du noir, combinant plutôt différentes couleurs pour créer le sombre le plus sombre et le plus contrasté. Le travail de Louise est un parfait exemple de la façon dont le style, technique et la couleur jouent tous les uns dans les autres. Son travail est littéralement fait pour des techniques de gravure primitives comme la typographie, et même si ce n'est pas le cas, elle semble jouer dans les mêmes contraintes. C' est ce qui rend son travail si distinctif et cohérent. Notre prochaine artiste est Katie Benn. Sur son site web, Katie Benn, artiste basée à San Francisco, dit qu'elle est inspirée par l'emballage vintage et toutes les choses de couleur. Alors qu'elle travaille à travers divers médias, son style général et son utilisation de la couleur sont toujours simples, avec des clin d'œil à l'art populaire américain, gravure Warholesque et à moi, évoque en quelque sorte un sentiment de signes [inaudibles] de salon de coiffure . Comme d'autres dans le décor, elle travaille avec des formes plates de couleur, avec des bords clairement délimités, sans aucune trace de mélange ou de superposition. Sa palette limitée se retrouve à la fois dans ses tableaux et dans son travail plus numérique, rose, jaune, bleu, rouge et parfois vert, sarcelle et cyan. Des couleurs supplémentaires sont facilement dérivées de combinaisons de ces couleurs, en particulier dans les triades primaires comme le rose, le jaune et le cyan. Qu' il s'agisse de médias numériques ou physiques, style de Katie suggère l'utilisation de pinceaux émoussés, de marqueurs potelés, opaques et parfois de pastels à l'huile. Dans ma recherche d'un illustrateur de palettes à partager avec vous, j'ai été ravi de trouver le travail de l'illustrateur letton Roberts Rurans. Rurans apporte non seulement un fort sens de la couleur à son œuvre, mais tout un langage visuel inspiré par l'iconographie chrétienne byzantine. Ces travaux sont principalement créés à l'aide de supports physiques. Son style montre l'influence d'une illustration vectorielle plus contemporaine dans la forme, la qualité, la retenue dans l'utilisation et la profondeur de la couleur, et le sens de l'abstraction. Rurans décrit son travail comme un mélange entre le moderniste qui est une simplicité visuelle et la technique traditionnelle. Sa palette est assez similaire à celles que nous avons déjà vues ; une triade de teintes adjacentes primaires, y compris les roses et les rouges, les jaunes profonds, et le cyan ou le bleu, et le cyan ou le bleu,qui semblent informer d'autres couleurs comme le vert, et parfois gris-gris acier, bruns rouges et taupes. Un noir de ton bleu semble être construit à partir d'autres couleurs de la palette. Bien que les couleurs soient plates, défauts subtils et des signes de coups de pinceau dépeignent ses techniques de médias physiques. L' artiste suivant est Olimpia Zagnoli. Si tu as suivi mes autres cours, tu sais que je ne peux pas résister à une référence Olimpia Zagnoli. Basée à Milan, Zagnoli travaille dans un style graphique hautement stylisé qui, selon elle, est inspiré par le designer et illustrateur Paul Rand du milieu du siècle. Elle hoche définitivement la tête à ses formes abstraites et préférence presque exclusive pour les teintes primaires et secondaires, mais , bien sûr, elle apporte sa propre vision de ces choses. carrière impressionnante d'Olimpia Zagnoli, elle est parvenue à rester incroyablement disciplinée tant dans son langage formel que dans l'utilisation de la couleur. Elle prouve que vous n'avez pas besoin de beaucoup de trucs fantaisie pour être un artiste à succès et très recherché. Vous avez juste besoin d'être intelligent, confiant et cohérent. Comme je l'ai dit, elle gravite presque exclusivement autour des teintes primaires et secondaires, toutes pleines et de haute intensité. Elle utilise rarement l'une de ses couleurs à mi-chemin. Contrairement aux artistes que nous avons vus jusqu'à présent, Olimpia utilise du noir réel dans son travail. Mais je vois aussi des noirs et presque des noirs qui sont plus basés sur des surimpressions de ses couleurs. Ses palettes varient, mais je pense qu'elle est une illustratrice à cœur, possédant des couleurs adjacentes primaires de l'imprimante, magenta , cyan et jaune doré, ainsi que le vert, le bleu et le rouge qui en découle. De là, elle teint en rose et surimprime les bruns et les bourgognons. Aussi, ne négligez pas son utilisation de l'espace blanc ou négatif, ce qui lui aide toujours les couleurs autrement pleines pour respirer et pop. L' artiste suivant est Barbara Dziadosz. Barbara Dziadosz, illustratrice basée à Hambourg, ne fait aucun doute sur la gravure comme une influence dans son travail. Comme elle le dit sur son site Web, son travail est fortement inspiré par l'illustration vintage et la sérigraphie et utilise une palette de couleurs limitée et des formes audacieuses. Vous pouvez voir cette influence de la gravure non seulement dans la façon dont elle utilise et combine ses couleurs comme les encres d'imprimante, mais aussi dans son utilisation de la texture et des formes simples. Comme la plupart des artistes de cet ensemble, elle évite aussi un noir plein, laissant les couleurs combinées pour créer des sombres par elles-mêmes. Une palette de Dziadosz comprend du rose, bleu, du cyan, du magenta et un riche jaune doré. Ceux-ci combinaient des effets de surimpression en superposant des formes, soit complètement, soit simplement sur les bords. Ses couleurs ont une chaleur pour eux, résultant de la présence de teinte crémeuse ou jaune clair. Notre prochaine artiste est Diana Ejaita. Originaire d'Allemagne, artiste berlinoise Diana Ejaita travaille en tant qu'illustratrice et designer textile. Parmi tous les artistes du décor, Ejaita est la plus explicite sur ses tendances à une palette. Elle dit que ce qui distingue ses illustrations est une combinaison de zones contrastées de noir et blanc avec des motifs doux, et de blanc avec des motifs et des textures douces. Elle aurait pu facilement ajouter ça. Elle colle principalement aux couleurs primaires : bleu, rouge et jaune, et parfois vert et rose. Si je suis honnête, je ne peux pas dire avec certitude qu'elle travaille numériquement ou sur des supports physiques ou un peu des deux, mais son travail est clairement éclairé par les légers coups de crayons de couleur. Les zones de couleurs vives texturées sur un fond noir me rappellent des peintures de velours noir. Notre prochaine artiste est Lisa Congdon. Comment as-tu pu ne pas aimer le travail de Lisa Congdon ? Son travail est un mélange stylistique de l' art populaire scandinave et américain étant basé sur la peinture mais inspiré par la gravure. Qu' elle dépeint un animal ou un motif abstrait ou qu'elle vous montre que You Contient Multitudes, ses couleurs sont presque toujours les mêmes : noir, blanc, bleu, rouge, jaune et rose. Elle varie de temps en temps, en jetant un vert, ou peut-être un jaune chaque indice de temps en temps. Comme la plupart des autres artistes de cet ensemble, sa palette simple brille avec un style plat qui donne à chaque couleur une chance d'inonder sa propre forme. Les couleurs peuvent être mélangées sur la palette de peinture, il y a une absence totale de mélange des couleurs sur la toile. Je voudrais enfin me tourner vers le travail de Sonny Ross, dont j'ai également découvert le travail en cherchant pour cette classe. J' adore les compositions animées et ludiques de Ross et, bien sûr, son engagement indéfectible à être un illustrateur à une seule palette. Ross travaille clairement à l'aide d'outils numériques, mais il évoque également des supports physiques comme le crayon de couleur dans les pinceaux gouache dans son travail. Pendant ce temps, il utilise une palette sobre de rose, de jaune et de bleu, qu'il combine en utilisant des effets de surimpression pour créer des rouges, des verts et, bien sûr, des sombres. Lui aussi évite le noir pur pour certains détails et a également tendance à éviter le blanc pur. Dans l'ensemble, le ton crémeux jette une chaleur sur l'ensemble de son travail, que vous pouvez voir le plus clairement sur son site de portefeuille. Tout comme le noir n'a pas toujours besoin d'être noir, blanc n'a pas toujours besoin d'être blanc. Une légère teinte d'une seule couleur appliquée à votre corps de travail peut faire des merveilles pour maintenir le tout ensemble en harmonie. 6. Travailler avec des palettes limitées: Travailler avec une palette limitée et y coller dans la plupart de votre travail semble que cela devrait rendre tout beaucoup plus facile. Bien sûr, éliminer la nécessité de fabriquer de nouvelles palettes à partir de zéro pour chaque projet rend notre travail plus facile, mais cela ne résout pas tous les problèmes. Chaque projet présente ses propres défis, et même les illustrateurs avec le style et la palette de couleurs les plus stricts auront du mal à faire fonctionner les choses à chaque fois. Même si nous savons quelles couleurs nous allons utiliser, il y a toujours un aspect de résolution de problèmes à déterminer comment les couleurs vont jouer dans notre travail. Si nous comprenons comment les palettes sont limitées et ne fonctionnent pas, nous aurons plus de succès à les utiliser dans notre propre travail. Dans cette vidéo, nous examinerons certaines stratégies et pratiques exemplaires pour tirer le meilleur parti de nos palettes limitées. Le premier conseil est de garder votre illustration aussi simple que possible. Plus une illustration est complexe, il devient difficile d'utiliser une palette simple. Cela est particulièrement vrai si une illustration a un sens de la profondeur à elle avec un premier plan et un arrière-plan et des éléments qui se chevauchent et autres. Ce sont des choses que vous pourriez trouver dans une scène. Si vous avez illustré depuis quelque temps, vous avez peut-être remarqué qu'il est plus facile d'illustrer des objets ou des personnages simples sur des fonds blancs ou solides que d'illustrer des scènes plus complexes. Ce défi est un de plus de composition, mais la couleur en est une grande partie. Une fois que vous commencez à ajouter au premier plan, des éléments d'arrière-plan et de nombreux détails entre les deux, l'illustration peut commencer à paraître plate et trop occupée. Il manque un sens de la hiérarchie. n'y a pas un seul domaine de concentration. La solution à ce problème est de travailler avec, et non pas contre nos contraintes. Choisir une palette limitée signifie généralement choisir un style plus simplifié. Ce n'est pas le cas 100 % du temps, mais c'est vrai en règle générale. Dans le projet de classe, nous allons travailler à la fois avec des illustrations plus simples ressemblant à des icônes sur un fond blanc et une scène plus complexe avec un arrière-plan et même quelques personnes. Nous verrons comment il est plus facile d'être strict avec les couleurs de la première illustration et comment nous devons relâcher nos contraintes pour travailler avec la seconde illustration. Pendant tout ce temps, aucune des illustrations n'est folle complexe. Je travaille dans un style simple, pour commencer, et je suis délibérée dans mes compositions pour m' assurer que cela fonctionne avec ma façon d'utiliser des palettes limitées. Lorsque vous travaillez avec des palettes de couleurs au fil du temps, votre quête est de déterminer comment vos couleurs et vos choix stylistiques, y compris vos outils, techniques et compositions fonctionnent en harmonie. Il convient de noter que des illustrations plus complexes peuvent être rendues plus faciles sur les yeux grâce à des palettes plus simples, mais tout mon point est que l'utilisation de palettes plus simples pour compositions plus complexes est plus difficile que pour des compositions plus simples. Mon deuxième conseil est, utilisez des espaces dans vos compositions. Lorsque vous regardez des illustrations qui utilisent des palettes limitées, les compositions sont souvent assez plates. Comme nous venons de le regarder, le style général est relativement simple. Une autre chose que vous remarquerez est que l'espace blanc ou l'espace négatif est souvent un facteur dans un peu. Parce que nous n'avons pas la façon sophistiquée et nuancée d'utiliser la couleur qu' un peintre ou un artiste conceptuel aurait à leur disposition, comme l'éclairage et les effets d'ambiance, nous avons besoin d'autres moyens de construire un sens de hiérarchie dans nos images. La monotonie de nos palettes limitées peut rapidement être interrompue par une utilisation stratégique des espaces en permettant au blanc de la page ou de l'écran de découper dans nos compositions de manière intéressante. Même les artistes dont les styles et les techniques permettent plus de subtilités et de variations couleurs utiliseront l'espace négatif pour créer des effets époustouflants dans leurs compositions. Prenons par exemple Miroslav Sasek, dont les illustrations à l'aquarelle luxuriantes étaient souvent brillamment brisées avec des pulsations de couleur, permettant au poids de la page de laisser apparaître ses sujets. L' astuce suivante est, utilisez les couleurs les plus logiques disponibles. L' un des avantages de travailler avec une palette de couleurs limitée est que votre travail prend automatiquement un sentiment de fantaisie. Cela est particulièrement vrai lorsqu'il s'agit de représenter des objets dans des couleurs improbables. Lorsque vous avez une palette de dos très strié, vous faites simplement avec vos couleurs disponibles. En l'absence de tons charnus, les gens peuvent être violets, en l'absence de rouge, les pommes peuvent être bleues. Lorsque je travaille dans mes palettes limitées, j'utilise habituellement ce que j'appelle la logique des couleurs. Par là je veux dire, compte tenu de la palette avec laquelle je travaille, j'ai juste utilisé la couleur la plus logique à portée de main pour tout ce que j'illustre. Disons juste que je travaille avec une palette bicolore d'orange et de sarcelle, et que j'illustre une pomme. orange est la plus proche de la couleur rouge typique d'une pomme, donc je vais probablement utiliser l'orange. sarcelle est la plus proche de la couleur verte typique d'une feuille de pomme, donc je vais juste utiliser la sarcelle pour ce détail. Qu' en est-il des couleurs de peau et d'autres choses qui ne sont clairement pas sarcelle ou orange dans cet exemple ? C' est là que la partie fantaisiste entre en jeu. Certaines personnes pourraient être orange, d'autres pourraient être sarcelle. Quant aux autres types d'objets, bien sûr, dans ma palette plus typique, j'ai des rouges, des bleus, des jaunes, et presque toutes les couleurs entre les deux. C' est juste que mes couleurs ne sont pas tout à fait pures teintes. Je peux utiliser mon rouge, orange pour la pomme, et vert pour la feuille, et probablement avoir une variété de couleurs disponibles qui auront plus de sens pour les tons de peau. Le fait est que si vous avez couleurs les plus naturelles ou celles qui sont totalement désactivées, vous pouvez les utiliser dans votre art. Vous pouvez suivre la logique des couleurs pour choisir celles qui conviennent le mieux à votre sujet. L' étape suivante est, attention à votre hiérarchie. hiérarchie visuelle est essentiellement la façon dont les éléments sont classés en termes d'importance. Peu importe ce que vous voulez être le plus important dans votre image, cela devrait être le premier dans votre hiérarchie visuelle. Ensuite, tous les autres éléments devraient soutenir plutôt que de rivaliser avec elle. Dans une hiérarchie visuelle équilibrée, l'œil est dessiné à travers la composition de manière ordonnée. Dans un livre ou une page Web, par exemple, hiérarchie est présentée de façon plus linéaire comme le titre étant numéro 1, le titre numéro 2, puis le corps du texte en tant que numéro 3 dans la hiérarchie visuelle. Bien sûr, nous pouvons établir la hiérarchie et non seulement par l'ordre visuel ou l'ordre linéaire, mais par l'échelle des objets dans notre composition, choses les plus grandes seront les plus évidentes, et donc en haut de la hiérarchie. La couleur déterminera également comment l'œil se déplace autour de votre composition. Les trois principaux facteurs dans l'établissement de la hiérarchie en termes de couleur sont la valeur, l'intensité et la température de couleur. La valeur est l'obscurité apparente ou la légèreté d'une couleur. valeur du bleu primaire est plus foncée que le jaune primaire, par exemple. Il est probable que sur un fond blanc, le bleu se démarquera plus que le jaune. L' intensité, d'autre part, est la luminosité et la pureté d'une couleur. Un jaune vraiment intense ou entièrement saturé apparaîtra contre un bleu foncé. La température de couleur est la température d'une couleur qui semble être chaude ou froide. Le rouge est une couleur chaude et le bleu est une couleur fraîche. Les couleurs chaudes ont tendance à apparaître en avant et les couleurs fraîches ont tendance à reculer vers l'arrière. Si vous placez un soleil jaune pur au-dessus du gars d'un cyan pur, le soleil va naturellement apparaître en avant même si les deux couleurs sont à leur pleine intensité et même si le cyan a une valeur plus foncée que le jaune. Lorsque vous essayez de guider l'œil à travers vos illustrations, vous devriez établir une hiérarchie claire de ce qui est le plus important, puis de toutes les autres choses qui devraient le soutenir. Lorsque les choses commencent à paraître trop plates ou trop accablantes, vous rencontrez probablement une rupture de la hiérarchie. Soyez conscient de la façon dont la valeur, l'intensité et la température de couleur aident ou nuisent à votre composition de cette façon. Nous examinerons davantage des choses comme la valeur et l'intensité dans la section théorie des couleurs de la classe. L' astuce suivante est, ajouter de la variété avec l'ombrage et la texture. Une excellente façon de briser le sentiment de monotonie dans des palettes limitées est d'apporter un sens de lumière et d'ombre ou de profondeur en introduisant l'ombrage et la texture. ombrage et la texture sont vraiment des moyens de modifier la valeur de vos couleurs de palais de base sans s'en écarter. Ombrage va bien sûr assombrir les couleurs et la texture en fonction de votre technique va souvent éclaircir les couleurs. Par exemple, j'utilise beaucoup de textures brossées et influencées par l'impression qui permettent à la couleur du papier de s'afficher à travers. Cela aura un effet de foudre. En appliquant de façon stratégique et cohérente l'ombrage et la texture dans votre travail, vous pouvez étirer un peu vos palettes limitées. Le conseil suivant est d'étendre vos palettes avec O-A-Ts. Comme nous le verrons dans le projet de classe, vous pouvez créer des variations presque infinies de votre palette en utilisant l'opacité, la contiguïté et la transparence ou la méthode OAT. L' opacité est la façon dont une couleur est solide ou opaque. En réduisant l'opacité de la couche, vous diminuerez sa valeur et son intensité tout en la rendant plus légère. Cette technique vous permet de créer des teintes de vos couleurs de base, qui sont naturellement harmonieuses avec votre palette. Par exemple, vous pouvez retirer une opacité rouge à 30 pour cent, ce qui donnera un rose clair, qui peut ensuite devenir la base d'une variété de teintes de peau. Nous couvrirons en profondeur les teintes de peau dans les exercices et les projets. Une autre façon dont l'opacité peut rendre vos couleurs plus dynamiques est de permettre aux couleurs en dessous de s'afficher un peu. Cela crée un effet de superposition agréable et subtil. contiguïté est un peu boucheuse, mais voici ce que je veux dire. Adjacent signifie à côté ou à proximité. Lorsque vous étendez votre palette, vous voulez faire attention à ne pas choisir des couleurs totalement différentes, ce qui aurait l'air peu harmonieux avec le reste de votre palette. Mais parfois, dans des situations particulières, vous devrez peut-être assombrir, éclaircir ou modifier une couleur dans votre palette. Dans ce cas, vous pouvez ouvrir votre outil de sélection de couleurs, disponible dans la plupart des applications d'illustration numériques, et pousser légèrement la couleur vers une version plus foncée ou plus claire ou plus ou moins saturée de votre teinte par déplacer la chose cible à partir de sa position actuelle. Vous pouvez même pousser légèrement la teinte de cette façon également. De cette façon, vous choisissez une couleur adjacente ou qui est très proche de celle avec laquelle vous avez commencé et qui vous empêche de sauter trop loin dans un type de couleur totalement différent, qui préserve l'harmonie des couleurs que vous avez établie lors de la création de votre palette. La transparence est l'effet de la transparence de votre couleur. Dans les outils numériques, vous pouvez rendre une couleur transparente en définissant le mode de fusion de l'objet ou du calque à multiplier. Comme nous le verrons lorsque nous parlons de l'espace colorimétrique CMJN, multiplier émule ou simule un effet de surimpression où une encre transparente solide est imprimée au-dessus d'une autre. L' opacité, bien sûr, permet une certaine transparence. Mais si on est vraiment précis, je dirais que quand on réclame l'opacité d'une couleur, c'est translucide. Il permet à un peu de lumière de briller à travers, mais pas tout. La couleur finit par être moins intense et plus faible en valeur en conséquence. La transparence est différente de l'opacité en ce sens que les deux couches sont techniquement opaques. Ce qui signifie que la visibilité de la couche est toujours à 100 %. Ici, la couleur reste la même intensité, en valeur, et en fait, la couleur résultante de la multiplication des deux couleurs est encore plus intense et plus sombre en valeur. Dans ce cours, nous travaillerons principalement avec l'opacité et la transparence à des degrés divers pour construire et utiliser nos palettes. Mais la contiguïté est toujours une belle astuce d'avoir dans notre manche quand nous en avons besoin. Nous verrons si nous aurons une chance de l'utiliser une fois que nous entrerons dans le projet. 7. Bonus : Comment trouver votre sens des couleurs ?: L' une des plus grandes questions sur le travail avec la couleur est de savoir quelles couleurs vous aimez et comment vous pouvez les utiliser dans votre propre travail. C' est une question importante pour tous les artistes et illustrateurs, quelle que soit la simplicité de vos palettes. Vous pouvez tout savoir sur la théorie des couleurs et vous pouvez avoir lu tous les livres sur le sujet et pris toutes les classes et encore vous pourriez être assis devant votre stylet d'écran à la main, en regardant vos échantillons et en vous demandant par où commencer. Je pense qu'il est assez clair que la couleur est subjective. C' est à peu près aussi subjectif que possible quand il s'agit de l'art. La beauté est dans l'œil du spectateur. Quelles couleurs sont belles pour vous ? Dans quelle mesure êtes-vous confiant d'apporter ces couleurs dans votre art ? Je pense que nous sommes souvent coincés en utilisant la couleur parce que nous avons l'impression que nous devons utiliser la couleur d'une certaine manière. C' est comme s'il y avait une façon correcte d'utiliser la couleur. En tant que concepteur en récupération, je sais que dans certains scénarios, c'est vrai. Nous devons souvent utiliser la couleur d'une manière qui répond aux attentes de nos clients, ou qui crée l'ambiance de la bonne façon ou qui parle juste de la bonne façon à notre population choisie selon les groupes de discussion dans les études de marché. Mais en tant qu'illustrateurs, nous pouvons mettre beaucoup de choses de côté. Je veux dire, si vous regardez toujours ce cours, je pense que vous êtes d'accord avec l'idée que la couleur et notre art n'ont pas besoin d'être littéraux ou liés à certaines significations culturellement attribuées, ni d'avoir un attrait de masse parfait. Bien que le rouge puisse signifier de la colère et le noir peut signifier des funérailles souvent dans le contexte plus large de la culture, si nous utilisons ces couleurs de façon cohérente dans notre propre travail d'une certaine manière, elles perdent ces connotations culturelles, la les couleurs perdent ces connotations culturelles, nous commençons à voir ces couleurs comme une langue à part entière. Par exemple, la plupart des textes sont en noir et blanc. On ne pense même pas à ça en termes de couleurs, mais toutes ces lettres sont en noir, et noir signifie mort. Alors tous les documents signifient-ils la mort ? Bien sûr que non. Peut-être que c'est un peu trop simpliste d'une référence. Mais qu'en est-il du travail de Gemma Correl ? Ses bandes dessinées illustrées hilarantes sont rouges, noires et blanches. Ce sont des couleurs très sérieuses. Je veux dire, tu sais qui d'autre aime ces couleurs ? Mon sens est que Gemma est plus intéressée par les carlins et les pyjamas confortables que par la domination mondiale par la règle fasciste. Mon point est que lorsque vous utilisez une palette stricte, quelles que soient les couleurs, quand elles deviennent une partie centrale de votre boîte à outils stylistique, elles prennent un sens qui vous est spécifique beaucoup plus que n'importe quel émotionnel ou symbolique connotation comprise par la culture plus large. Votre travail au fil du temps développe son propre contexte, et c'est dans ce contexte que votre art, vos couleurs et tout sera de plus en plus perçu. Mais je pense que je tourne autour de la question plus profonde. Laisse-moi revenir sur la bonne voie. Je ne peux pas t'apprendre à avoir un sens de la couleur. Je ne peux pas te dire quel est ton sens des couleurs. Je peux vous montrer ce qu'est le mien et vous montrer comment je l'utilise dans mon propre travail. C'est tout ce que je sais. Mais j'ai quelques idées sur la façon dont vous pouvez commencer à trouver votre sens de la couleur. La bonne nouvelle, c'est que nous allons passer une partie de ça ensemble dans les exercices. Je les ai conçus spécifiquement pour cette raison, plus sur ceux plus tard. Pour l'instant, je dirai juste que vous ne pouvez trouver votre sens de la couleur que par auto-observation et en étudiant le travail que vous aimez pour des indices sur la façon de faire fonctionner la couleur. Associé à une compréhension de base de la théorie des couleurs, c'est à peu près aussi fort que vous pouvez l'avoir. Pour certains d'entre nous, nous savons très bien quelles couleurs nous aimons et ne pouvons tout simplement pas les faire fonctionner dans notre art. Pour d'autres, nous n'avons pas eu de couleur préférée depuis la maternelle. Que vous vous inscriviez dans l'un de ces camps ou l'autre, nous trouverons des indices sur la façon dont nous pouvons utiliser la couleur dans notre travail en faisant ce qui suit. Tout d'abord, recherchez des couleurs récurrentes dans votre propre travail. Si vous faites de l'art de toute sorte depuis un moment, faites le point sur vos pièces préférées et cherchez des couleurs qui semblent réapparaître, ce qui vous semble être attiré par le plus. Quelles couleurs tournent le plus ? Utilisez-vous toujours une certaine couleur ou existe-t-il certains types de couleurs que vous utilisez ? Les couleurs que vous choisissez et intégrez à votre art peuvent vous donner des indices sur les couleurs que vous pourriez souhaiter intégrer plus efficacement à votre seule palette. Dans le premier exercice, la couleur est l'auto-inventaire, je vais vous guider à travers le processus de faire cela, ainsi que à travers une série de réflexions guidées pour aider à creuser encore plus profondément. Ensuite, cherchez les couleurs qui vous attirent le plus dans le monde. De quels types de couleurs vous entourez-vous ? Quel genre d'art avez-vous recueilli pour mettre sur vos murs ? Lequel était au moins en partie à cause de la couleur ? Qu' est-ce que tu aimes porter ? De plus, si vous voulez aller sur Pinterest et commencer à chercher des illustrations, œuvres d'art et du design, quelles couleurs seriez-vous le plus attiré ? Est-ce que l'une des couleurs vous excite vraiment et que vos jus coulent ? Lesquels vous inspirent le plus ? Qu' est-ce que vous aimez ces couleurs et comment pouvez-vous canaliser l'inspiration que vous ressentez d'elles dans votre propre travail ? C' est quelque chose dont vous pouvez être conscient en tout temps. Attention, si vous êtes comme moi, ça peut devenir accablant. Vous aimez probablement toutes sortes de choses, parfois très différentes les unes des autres. C' est bon cependant, être conscient de ce que vous aimez est important, mais il ne peut pas seul vous dire quelles couleurs vous devriez utiliser dans votre travail. Plus sur la prochaine. Ensuite, cherchez comment vos héros utilisent la couleur dans leur travail. Je crois que l'une de mes plus grandes idées sur la couleur est que la couleur et le style vont de pair. Ce jumelage va plus loin que vous ne le pensez. Comme nous l'avons déjà parlé de la façon dont les illustrateurs utilisent la couleur est très personnelle pour eux, et comment cela arrive sera toujours en partie, un mystère pour nous. Mais leurs choix dans l'utilisation de la couleur se réfèrent souvent aux contraintes avec lesquelles ils travaillent. Dans leur style choisi, en utilisant leurs outils et techniques spécifiques, les couleurs disponibles et la façon dont elles sont utilisées deviennent assez étroites. Par exemple, illustrateur basé sur la peinture, Carson Ellis a tendance à avoir un fond noir et blanc, ou souvent crème, avec des touches de rouge et d'oranges. Peut-être qu'au lieu de noir, elle utilisera des variations de couleur marine foncée. Bien sûr, elle fait preuve d'un bon sens de la couleur en associant de bon goût des couleurs complémentaires, bleu et l'orange et le rouge. Mais compte tenu de son style inspiré de l'art populaire graphique et des médias analogiques qu'elle utilise, tout est éclairé par des qualités naturelles. Pour moi, la couleur crémeuse de son travail fait référence aux riches tons crémeux du papier aquarelle d'arches. Elle utilise de grandes zones d'espace négatif pour aider ses œuvres d'art simples et stylisées à sortir plus sans que tout se boue ensemble. Elle varie ses couleurs avec des changements d'opacité et de transparence, travaillant avec les qualités que ses supports de peinture lui permettent naturellement. Si vous deviez essayer de réaliser son sens de la couleur en utilisant des médias purement numériques, moins que vous ayez des pinceaux numériques très convaincants et beaucoup d'habileté à les utiliser, vous auriez du mal à obtenir un résultat similaire. Maintenant, dans cette classe, je parle en tant qu'illustrateur numérique, mais ce que je veux dire, c'est que les couleurs peuvent être choisies pour des raisons personnelles ou arbitraires. Mais la façon dont ils apparaissent est vraiment façonnée par le style et les médias que vous choisissez ou choisissez d'émuler dans vos médias numériques. Comment tout cela est-il lié à la recherche de votre sens de la couleur ? Vous pouvez commencer à comprendre non seulement quelles couleurs vous devez choisir, mais combien et comment elles fonctionnent en comprenant le type de style que vous souhaitez obtenir, ainsi que les médias ou outils et techniques avec lesquels vous souhaitez travailler. Dans le deuxième exercice, l'étude sur l'inspiration des couleurs, nous aurons l'occasion de regarder le genre de travail qui nous inspire plus en mettant l'accent sur la façon dont la couleur est utilisée. Le conseil suivant est la pratique, la pratique, la pratique. Bien sûr, nous avons vraiment juste besoin de faire le travail de travailler nos couleurs dans notre art. Vous avez peut-être tout un mur de couleurs que vous aimez, mais vous ne saurez jamais exactement comment ils fonctionneront dans votre art avant de les essayer avec vos mains. Dans le projet de classe, nous allons passer par ce processus de sélection des couleurs et les élaborer dans des illustrations réelles ensemble. Cela pourrait être le tout début de votre voyage de couleur, ou vous pourriez être bien dans ce domaine et juste à la recherche de nouvelles façons de grandir. Qui que ce soit et où que vous soyez dans votre voyage, le projet sera un excellent point de saut pour d'autres explorations par vous-même. En fin de compte, vous ne pouvez pas simplement penser à votre façon de savoir quel est votre sens de la couleur. Vous devez utiliser votre cœur, vos mains, et bien sûr vos yeux. Je me souviens, en tant que graphiste, que je me sentais souvent comme si je devais choisir les bonnes couleurs. C' était comme si j'avais un ange sur l'épaule droite et un diable sur la gauche avec le diable me disant d'utiliser les couleurs que je savais vraiment que j'aimais, puis l'ange me rappelant qu'il ne s'agit pas de ce que j'aime, mais des objectifs de la conception. En tant que concepteur, le conseil de l'ange semblait très sage. Le problème était parfois deux anges ou plus se joignaient, tous me disant des pépites de sagesse sage mais opposées. On pourrait dire : « Oui, il s'agit des objectifs du design, mais vous savez que le client n'aime pas ces couleurs. Donc, vous feriez probablement mieux de rester clair sur ces choses. » Puis un autre ange disait : « Oui, mais gardez aussi à l'esprit que votre patron vous a dit de ne jamais utiliser ces autres couleurs, donc vous devriez aussi rester loin de celles-ci. » Alors oui, un autre ange viendrait dire : « D'après mes recherches de base, les couleurs que vous choisissez sont très populaires pour les jeunes adultes puisqu'ils atteignent 25 ans, puis [inaudibles]. Alors, bien sûr, peut-être qu'un ange punk vient et dit, « Tu sais que ces couleurs ne vont pas marcher dans l'impression, n'est-ce pas ? » Mais pendant ce temps, le diable à ma gauche m'a piqué avec sa fourche et m'a dit : « N'écoutez pas ces quires. Tu sais ce que tu veux, vas-y avec. » Je n'aime pas vraiment les diables, mais je n'aime pas non plus les conseils contradictoires de soi-disant sages. Ce que j'ai réalisé, que le conseil du diable était le plus sage de tous, et en fait, ce n'était pas un diable du tout. Les anges et le diable dans ce cas, nous sommes juste mon propre moi, fragmentés et divisés sur ces voix, sur ces différents conseils ou sagesse opposés. Chacun d'entre eux pourrait avoir raison ou tort, selon le contexte. Ils pourraient tous être des diables ou des anges. Mais la voix que j'étais le plus susceptible de qualifier de diabolique était celle qui m'encourageait à aller avec mon instinct. Quand j'ai commencé à apprendre à écouter mon instinct et à ne pas la voir comme une voix diabolique, c' était le début d'avoir un sens plus fort de la couleur dans mon propre travail. Est-ce que j'ai immédiatement commencé à profiter du succès avec mes couleurs ? Pas exactement. Il a encore fallu du temps pour trouver avec quelles couleurs j'ai travaillé le mieux. Mais enfin, je pourrais faire le choix de laquelle de ces voix à écouter. L' une des choses les plus difficiles à faire dans la créativité professionnelle est de prendre décisions artistiques parce que vous créez non seulement pour vous-même, mais aussi pour vos clients, et bien sûr, pas seulement pour vos clients, mais aussi pour leurs publics aussi. Elles deviennent toutes des voix dans nos têtes, des anges et des démons sur nos épaules, nous donnant une direction conflictuelle. Donc nous sommes coincés à essayer de comprendre lequel d'entre eux écouter ou nous essayons de les embrasser tous avec le même poids. On se fait tirer dans trop de directions différentes. Mais voilà le truc, nous sommes créatifs. Nous sommes ceux qui sont censés mener la vision artistique. Ce n'est pas le client ni le public qui devrait finalement fournir le sens le plus fort de l'orientation lorsque nous réalisons notre art. Je sais que c'est la meilleure et la pire nouvelle à la fois. Nous sommes appelés à diriger la créativité, et le leadership est effrayant parce qu'il nous rend responsables de ce qui se passera ensuite. Mais pour diriger, nous devons apprendre à faire confiance à nos tripes et à savoir ce que nous aimons et ce qui nous attire le plus. C' est notre direction créative, notre sensibilité dans le style, concept en couleur pour lequel nous sommes finalement embauchés. Quand nous devons déterminer quelle voix écouter, nous devons toujours donner la priorité à nos instincts. Le problème, c'est que nous devons nous entraîner et affiner nos instincts. Nous le faisons par l'étude, l'application et la pratique. S' il y a quelque chose que je veux que vous sortiez de cette classe, c'est plus une capacité à faire ces choses avec plus d'intention et de succès. 8. Théorie traditionnelle des couleurs: Comme la théorie des couleurs est une compétence essentielle pour chaque illustrateur, je voulais passer en revue les bases mêmes. Ce n'est en aucun cas une plongée profonde dans le sujet, mais cela va certainement nous amener tous sur la même page afin que nous puissions parler plus précisément de la couleur dans cette classe et dans notre travail. Par théorie traditionnelle des couleurs, je veux dire le système de couleurs que nous avons appris probablement à l'école primaire, avec le rouge, le jaune et le bleu comme couleurs primaires, et l'orange , le violet et le vert comme couleurs secondaires, et ceux entre les deux ceux-ci comme les couleurs tertiaires : rouge-orange, rouge-violet, jaune-orange, jaune-vert, bleu-vert et bleu-violet. Théoriquement parlant, vous pouvez combiner le rouge, le jaune et le bleu, les primaires pour créer toutes ces autres couleurs. Dans la théorie traditionnelle des couleurs, ces 12 couleurs sont disposées en cercle pour former la roue des couleurs. Les trois primaires forment un triangle pointant vers le haut. Ensuite, les trois secondaires forment un triangle qui se chevauche pointant vers le bas comme une étoile à six branches. Ensuite, les tertiaires remplissent les six espaces entre ces points. Souvent, vous verrez également un cercle sombre ou noir au milieu, qui est fait en combinant toutes les couleurs, théoriquement. La roue de couleur est utile non seulement pour montrer comment les couleurs primaires se mélangent et créent des couleurs secondaires, etc., mais aussi pour visualiser certaines relations de couleurs formelles appelées schémas de couleurs ou harmonies. Bien qu'il y ait beaucoup de schémas possibles, je les réduirais à seulement cinq. Monochromatique, analogue, complémentaire, triadique et tétradique. Passons à travers chacun. Les schémas de couleurs monochromatiques utilisent une seule couleur dans diverses teintes et nuances. Une photo sépia à l'ancienne et un dessin au crayon sont des exemples de couleurs monochromatiques. Un schéma de couleurs monochromatiques est considéré comme un schéma de couleurs sans faille, qui signifie que peu importe ce que vous faites, les couleurs seront toujours harmonieuses. Les schémas de couleurs analogues utilisent deux ou plusieurs couleurs consécutives sur la roue de couleur. Par exemple, le rouge, l'orange et le jaune sont analogues parce qu'ils sont assis l'un à côté de l'autre. Parce que le saut d'une teinte à l'autre n'est pas un grand saut dans une palette analogue, les couleurs fonctionnent naturellement bien les unes avec les autres parce qu'elles partagent une propriété similaire, en particulier celle d'être chaudes ou fraîches, ou ils passent progressivement de l'un à l'autre. Les schémas de couleurs complémentaires sont basés sur des couleurs opposées les unes aux autres sur la roue de couleur. Le rouge et le vert sont des couleurs complémentaires, tout comme le violet et l'orange. Les couleurs complémentaires ont généralement des températures de couleur opposées. Le rouge et le vert sont respectivement plus chauds et plus frais. Lorsque deux couleurs complémentaires sont utilisées côte à côte à côte à pleine intensité, l'effet peut en fait être assez choquant, que de nombreux artistes utilisent intentionnellement pour créer des combinaisons de couleurs saisissantes. Lorsqu' ils sont utilisés à des intensités et des valeurs variables, les couleurs complémentaires créent des palettes harmonieuses et équilibrées. couleurs qui sont proches des opposés sur la roue de couleur sont appelées split complémentary. Bien que ceux-ci soient considérés comme des schémas de couleurs distincts, à nos fins, je voudrais les intégrer dans l'ensemble des schémas de couleurs complémentaires. Les schémas de couleurs complémentaires et proches complémentaires sont faciles à utiliser, faciles à aimer, et à cause de cela, ils sont parmi les plus populaires. Les schémas de couleurs triadiques sont basés sur trois couleurs qui forment un triangle sur la roue de couleur. Le schéma de couleurs triadiques le plus essentiel est le rouge, le jaune et le bleu, les trois primaires qui forment un triangle équilatéral sur la roue de couleur. Les trois couleurs qui forment approximativement un triangle peuvent être considérées comme triadiques. Les schémas de couleurs triadiques, en particulier ceux impliquant des couleurs adjacentes primaires ou primaires sont également faciles à utiliser et très populaires dans l'art commercial. Comme nous le verrons dans le projet, une palette simple basée sur ce schéma de couleurs peut s'avérer très polyvalente et harmonieuse. Le schéma de couleurs tétradiques est le dernier arrêt de bus de cette tournée des harmonies de couleurs. Mais il n'y a pas grand-chose à voir. Tetra veut dire quatre pour voir où ça va. Quand il s'agit d'utiliser des palettes limitées simples, une fois que vous avez quatre couleurs source, vous pourriez aussi bien en avoir cinq, six ou 600. Pour moi, les harmonies de couleurs cessent d'être faciles à trouver ou tout ce qui est utile à la plupart des illustrateurs une fois que nous avons passé trois couleurs racine. Pour nos besoins, nous pouvons ignorer les schémas de couleurs tétradiques parce qu'ils ne nous aident pas à limiter nos couleurs comme le font les schémas de couleurs les plus rudimentaires. Maintenant, j'ai déjà parlé de la terminologie des couleurs comme la teinte, la valeur, l'intensité, et des trucs comme ça. Mais ce sont des mots très importants pour décrire la couleur. Parlons d'eux. suit sont ce que je considère comme les termes les plus importants pour décrire la couleur. Teinte, intensité et valeur. teinte, l'intensité et la valeur sont trois mots que vous entendrez beaucoup lorsque vous parlez de couleur. Ils sont considérés comme les trois propriétés d'une couleur donnée. Bien qu'ils soient interdépendants, regardons simplement chaque composant séparément. La teinte est souvent ce que nous entendons quand nous parlons de couleur, mais la teinte est plus spécifique que la couleur. La teinte fait référence à l'une des 12 couleurs sources de la roue de couleur. La teinte peut être considérée comme une couleur à sa forme la plus pure. Une couleur, en revanche, est plus généralement une expression de n'importe quelle teinte ou mélange de teintes dans n'importe quelle nuance, teinte ou tonalité. La valeur fait référence à la légèreté ou à l'obscurité perçue d'une couleur. Sur une échelle de gris pure du noir au blanc, le blanc serait le plus clair en valeur, n' ayant aucune valeur du tout, et le noir serait la valeur la plus sombre ayant une valeur maximale. Les teintes ont des valeurs inhérentes. Par exemple, le jaune pur est intrinsèquement plus léger que le bleu pur. L' intensité fait référence à la pureté d'une teinte. Lorsque vous pressez un spectre rouge pur d'un tube de peinture, on dit qu'il est à sa forme la plus intense. Tout ce que vous faites pour modifier ce rouge pur diminuera son intensité. Il deviendra plus terne lorsque vous y ajoutez d'autres couleurs ou que vous y ajoutez plus de blanc ou que vous le diluez autrement. Dans chaque cas, les particules pigmentaires rouges deviennent littéralement moins concentrées. Une couleur donnée aura une teinte, une valeur et une intensité uniques . Il y a deux derniers termes à définir avant de passer à partir de cette petite amorce sur une théorie traditionnelle des couleurs : les teintes et les teintes. Je pense que nous savons tous ce que cela signifie, mais en théorie des couleurs, ils ont une signification très spécifique. teintes sont le résultat de l'ajout de blanc à une couleur. Plus vous avez tendance à colorier, plus vous y ajoutez de blanc jusqu'à ce qu'il disparaisse finalement en blanc pur. Ceci est déroutant puisque nous utilisons la teinte différemment dans le langage commun. En fait, je l'ai même mal utilisé dans cette classe au sens technique. Par exemple, lorsque vous voulez des vitres teintées sur votre véhicule, vous voulez qu'elles soient plus sombres. Lorsque nous disons que quelqu'un voit la vie à travers des lunettes de rose, nous voulons dire que les lunettes qu'ils regardent ont une couleur pour eux. Nous ne voulons pas dire qu'ils regardent à travers des lunettes qui ont aussi du blanc ajouté à eux, ce serait tout simplement laiteux et bizarre. En utilisant notre nouveau vocabulaire pour décrire ce qui se passe ici, lorsque vous créez une teinte d'une couleur, vous réduisez à la fois son intensité et sa valeur. Les couleurs pastel sont faites en ajoutant du blanc aux teintes source, ce qui rend toutes les teintes pastel. Les nuances sont le résultat de l'ajout de noir à une couleur. Plus vous ombragez une couleur, plus vous y ajoutez de noir jusqu'à ce que vous ne puissiez pas obtenir plus de noir. Le mot a du sens quand vous pensez à l'ombre et à l'ombre et à la façon dont ils sonnent similaires, les ombres assombrissent les choses. Quoi qu'il en soit, maintenant vous savez que techniquement, une nuance est une version plus foncée d'une couleur créée en y ajoutant du noir. Il suffit de ne pas corriger les gens à propos leur utilisation abusive de ce terme ou vous ne serez plus invité à des fêtes. Cela conclut notre brève éducation sur la théorie traditionnelle des couleurs. Ce n'est pas tout ce qu'il y a à savoir, mais c'est tout ce que vous devez savoir pour les besoins de cette classe. approche, nous commencerons à regarder des modèles de couleurs différents qui sont très importants pour les illustrateurs. 9. La différence numérique: Dans la théorie traditionnelle des couleurs, nous passons en revue les principes de base des couleurs que nous connaissons surtout depuis que nous étions très jeunes. Peut-être que vous avez toujours pensé que le rouge, le jaune et le bleu sont les seules couleurs primaires et c'est la fin de l'histoire. Je suis désolé de vous dire que l'histoire ne vous a pas été racontée. Il y a d'autres couleurs primaires et parfois même les couleurs que nous avons toujours pensé comme primaires sont en fait secondaires. Laissez-moi vous expliquer. Ce qui rend la théorie traditionnelle des couleurs traditionnelle, c'est qu'elle est vieille. Ancien ne veut pas dire mal, il est juste basé en grande partie sur des façons plus traditionnelles de créer et de mélanger les couleurs, à savoir avec de la peinture ou du pigment. Le rouge, le jaune et le bleu sont des primaires à base de pigments, et vous pouvez littéralement mélanger ces couleurs de peinture pour créer les secondaires et les tertiaires plus ou moins. Mais je vais deviner et dire que la plupart d' entre nous n'illustrent pas l'utilisation de pigments. Même si nous utilisons de la peinture quelque part le long du chemin, tout se termine en pixels. Je parle d'écrans. Si vous utilisez des outils d'illustration numérique tels que Procreate, Photoshop, vous avez sans doute rencontré le terme RVB. RVB signifie rouge, vert et bleu, qui est le modèle de couleur ou l'espace colorimétrique utilisé par les appareils numériques sortant à l'écran. Dans l'espace colorimétrique RVB, rouge, vert et bleu sont les primaires et secondaires sont totalement contre-intuitifs. Cyan, magenta et jaune. Si vous êtes au courant de l'impression, vous reconnaîtrez ces secondaires comme primaires d'impression, mais nous en parlerons davantage dans la section suivante. Dans le modèle de couleur RYB traditionnel à base de pigments , lorsque vous mélangez deux ou plusieurs couleurs, elles deviennent plus foncées. L' ajout de toutes les couleurs créera efficacement la couleur la plus sombre possible, qui est en théorie noire. Au fur et à mesure que les nouvelles couleurs sont mélangées, la quantité de lumière réfléchie sur la page diminue, c'est pourquoi nous appelons ce modèle soustractif. L' ajout de couleur à la page diminue quantité de lumière de certaines longueurs d'onde rebondit et dans vos yeux. L' espace colorimétrique RVB, revanche, est basé sur la lumière. De nouvelles couleurs sont faites en ajoutant plus de lumière de certaines longueurs d'onde. Par exemple, pour obtenir le cyan, vous ajoutez du bleu et du vert, qui sur un écran sont en fait de minuscules petites lumières qui estompent de éteint ou de noir jusqu'à leur forme la plus pure de rouge, bleu ou vert. En raison de la façon dont la lumière est ajoutée pour créer de nouvelles couleurs, cet espace colorimétrique est appelé additif. Bien que les termes additif et soustractif soient largement insignifiants pour nous en tant qu'illustrateurs, il est utile de savoir un peu comment et pourquoi les couleurs se comportent si différemment sur les écrans que sur le papier. C' est à cause de cette différence entre la couleur additive et la couleur soustractive. S' il y a quelque chose que vous retirez de cela, vous devriez au moins comprendre comment les numéros ou codes RVB fonctionnent et comment ils correspondent aux couleurs que vous utilisez. Pour le démontrer, je vais ouvrir l'outil de sélection de couleurs sur Illustrator juste pour vous montrer ceci. Lorsque je mets toutes mes valeurs RVB à zéro, la couleur résultante est noire. Quand je les mets tous à la valeur la plus élevée, qui se trouve être 255 ou FF au format hexadécimal convivial nerd, je reçois du blanc. Par ailleurs, cette petite boîte ici est l'endroit où vous pouvez taper une valeur RVB au format hexadécimal, ou vous pouvez copier un code RVB résultant pour l'utiliser ailleurs, comme sur la conception d'un site Web. Maintenant regardez ce qui se passe quand je mets juste lire à 255 et les autres à zéro, je reçois la forme la plus pure de rouge disponible sur mon écran. Faire la même chose pour le vert et le bleu tout en définissant les deux autres à zéro me donne chaque couleur dans leur forme la plus pure. Pour obtenir les secondaires, je mets juste deux couleurs à 255 ou FF et laisse l'autre à zéro. C' est en variant ces nombres que les 16,7 millions de couleurs sont possibles dans l'espace colorimétrique RVB. Encore une fois, vous n'avez pas besoin d'être un nerd informatique pour travailler avec les couleurs RVB. Tout cela est juste utile pour rendre ces nombres, codes et curseurs moins aléatoires. Ce que vous devez savoir, c'est comment la roue de couleur change dans la couleur numérique et comment cela change à son tour les relations de couleur ou les schémas que nous avons connus dans le modèle de couleur rouge, jaune, bleu. La roue de couleur en RVB est souvent affichée sous la forme d'un spectre circulaire ou d'un dégradé couleurs allant du jaune à l'orange au rouge au magenta au bleu au cyan et ainsi de suite. Mais pour nos besoins, il peut aussi être organisé d'une manière plus basique avec seulement trois primaires et trois secondaires et si vous voulez des tertiaires aussi bien. Lorsque vous appliquez les cinq jeux de couleurs mentionnés dans la dernière vidéo ici, vous pouvez voir que les couleurs réelles dans ces relations sont différentes. Le vert n'est plus le complément du rouge. Au lieu de cela, c'est cyan. bleu est le compliment direct du jaune au lieu du violet et ainsi de suite. Maintenant, dans la théorie traditionnelle des couleurs, nous avons parlé de la valeur et de l'intensité de la teinte. En couleur numérique, nous parlons plus de saturation et de luminosité des teintes. Ceux-ci sont similaires mais un peu différents, principalement en raison des différences entre les espaces colorimétriques additifs et soustractifs que nous venons de traverser. Pour démontrer ces termes, il est utile d'afficher à nouveau mon outil de sélection de couleurs dans Photoshop. Pendant que nous sommes ici, je vais juste souligner que si vous utilisez l'un des programmes Adobe, vous devriez apprendre à connaître votre chemin autour de cet outil de sélection de couleurs. Particulièrement s'habituer à travailler dans le modèle HSB en utilisant le mode teinte. Vous le faites en cliquant sur le bouton radio à côté de H, juste ici. Cela vous donne un spectre de teintes RVB et un curseur au milieu de la boîte à outils du sélecteur de couleurs. Où que se trouve le curseur, c'est la teinte sélectionnée. Ensuite, dans le grand carré sur la gauche est un dégradé de toutes les teintes et nuances possibles pour cette teinte. La couleur résultante de tous ces curseurs et autres éléments apparaît dans la nouvelle boîte de couleurs. Un petit rectangle juste à droite de la bande de teinte. Au fur et à mesure, je vais vous montrer ce que signifie tout et l'outil de sélection de couleurs, ou du moins les choses qui sont importantes pour nos objectifs, pour ceux qui travaillent avec Procreate. Si vous utilisez classique dans les modes d'outil de couleur de valeur, vous aurez essentiellement la même chose avec laquelle travailler. C' est juste qu'ils sont sur deux menus différents au lieu d'un. teinte reste la même que dans l'espace colorimétrique traditionnel RYB. C' est la source ou la forme la plus pure d'une couleur donnée. Ici, dans le sélecteur de couleur, teinte est exprimée en degrés. Si vous deviez enrouler la bande de spectre de couleurs dans un cercle, la valeur de degré correspond à une position sur ce cercle. Personnellement, je ne pense jamais aux chiffres particuliers pour la saturation de la teinte et la luminosité. C' est très visuel pour moi. Je fais plus attention à la couleur elle-même que je vois à l'écran. La saturation ressemble beaucoup à l'intensité. Plus une couleur est saturée, plus le résultat en teinte deviendra intense et pur. La teinte est exprimée en pourcentage, zéro pour cent étant la saturation la plus faible et 100 pour cent la plus élevée ou la plus intense. Lorsque vous modifiez ce nombre, la cible sur le carré de dégradé de luminosité de saturation va à gauche et à droite avec valeurs de saturation inférieures ou plus foncées vers la gauche et des valeurs plus élevées ou plus claires vers la droite. À zéro pour cent, le résultat est une valeur en noir et blanc uniquement. n'y a pas de couleur. La luminosité est bien sûr, beaucoup comme la valeur. La luminosité décrit bien sûr la lumière ou l'obscurité d'une couleur. Il est également décrit comme un pourcentage était de zéro pour cent étant le moins clair ou le plus sombre, et 100 pour cent étant le plus lumineux ou le plus lumineux. En changeant ce pourcentage, la cible sur le carré de dégradé va de haut en bas, devient plus sombre et plus bas à mesure qu'un nombre diminue et plus lumineux et plus élevé à mesure que le nombre augmente. À zéro pour cent de luminosité, la couleur est réduite au noir. Ce qui est intéressant dans le modèle HSB, c'est qu'il s'agit d'une alternative à la description des couleurs en termes de valeurs RVB. Ce que j'aime dans le modèle HSB, c'est qu'il est plus intuitif lorsque vous travaillez avec la couleur numérique. C' est parce qu'en numérique, je ne pense pas vraiment à mélanger les couleurs primaires et secondaires comme je le ferais avec de la peinture. Les couleurs ne sont pas mélangées. Ils sont juste là disponibles en poinçonnant dans un code. teinte, la saturation et la luminosité sont utiles car elles fournissent une description de la couleur plus intuitive. Une fois que j'ai réglé ma teinte, je peux facilement comprendre ce que signifie la rendre plus ou moins saturée, plus ou moins brillante ou les deux. Pendant que nous sommes là, je veux juste souligner quelques autres choses qui se passent dans le sélecteur de couleurs. Comme je l'ai dit, gardez-le en mode teinte et vous serez bon pour le reste de cette classe et probablement pour la vie. Nous avons déjà vu ce qui se passe lorsque nous ajustons les nombres dans les cases HSB ainsi que dans celles RVB. Il y a quatre modèles représentés ici, HSB, RGB, lab et CMJN. Vous verrez comment un changement de valeur dans l' un de ces modèles correspond à des changements dans tous les autres. Il s'agit de représentations ou de modèles différents utilisés pour représenter la couleur à l'écran. Je dirai juste que je ne sais rien sur le modèle de couleur de laboratoire, donc on peut totalement l'ignorer pour le reste de ta vie. En ce qui concerne le CMJN, nous en parlerons davantage dans la prochaine vidéo. Mais pour l'instant, nous devrions savoir que CMJN est un modèle de couleur basé sur l'impression avec chaque lettre correspondant à l'une des imprimantes primaires, cyan, magenta, jaune et noir. Dans l'impression CMJN ou offset, toutes les couleurs sont créées en contrôlant la quantité de chacune des primaires telle que définie sur le papier. Les pourcentages ici font référence à la quantité de chaque encre nécessaire pour créer une couleur donnée. Alors que nous allons plus en CMJN dans la prochaine vidéo, je tiens à signaler quelque chose que vous verrez de temps en temps lorsque vous utilisez le sélecteur de couleurs, qui est l'avertissement de gamme. Vous pouvez voir une petite marque d'avertissement et une petite nuance à droite de la nouvelle boîte de couleurs. Lorsque vous voyez cela, l'outil couleur vous avertit que la couleur que vous voyez à l'écran ne peut pas être imprimée. C' est parce que le RVB a une gamme ou une gamme de couleurs possibles beaucoup plus large que le CMJN. Il y a des couleurs possibles avec des écrans à base de lumière qui seraient impossibles à représenter à l'encre. Comparer 16.7 millions de couleurs en RGB à seulement 16.000 couleurs possibles en CMJN. Lorsque vous voyez cet avertissement de gamme, il est essentiellement dit que si vous allez imprimer cette image, vous feriez mieux de changer la couleur pour quelque chose de plus convivial CMJN ou quelqu'un d'autre le fera pour vous, et vous pouvez ne pas aimer le résultat. Les couleurs dans l'espace RVB peuvent être électriques et souvent très criardes. En comparaison, les couleurs de l'espace CMJN apparaîtront plus ternes sur votre écran. Vous remarquerez cette différence en particulier dans Procreate. 10. Faire le lien entre le numérique et l'imprimé: Dans cette section, je veux juste passer en revue le fonctionnement de la couleur dans l'impression. En tant qu'illustrateurs, nous travaillons probablement numériquement et une grande partie de notre travail ne vit que dans l'espace numérique, mais bien sûr, une grande partie de notre travail se retrouvera sur papier, que ce soit dans les pages d'un magazine ou d'un livre, sur un paquet ou une affiche. Dans ces cas, la couleur doit être traduite de l'espace numérique vers un espace d'impression basé sur des pigments. Dans l'impression commerciale standard, les quatre encres primaires d'imprimante : cyan, magenta, jaune et noir sont toutes utilisées pour créer toutes les autres couleurs. Comme nous l'avons vu dans la dernière vidéo, dans l'espace RVB, C, M et Y sont en fait les couleurs secondaires. Dans l'impression CMJN, il est retourné à l'envers avec le cyan, le magenta et le jaune maintenant comme primaires, et R, G et B, ou rouge , vert et bleu comme secondaires. Quoi que vous fassiez avec ces informations, s'il y a une similitude entre les espaces RVB et CMJN, ce sont les jeux de couleurs. Les schémas de couleurs complémentaires et triadiques analogues sont à peu près les mêmes dans les deux. La grande différence est la gamme, couleurs sont moins intenses dans l'espace colorimétrique CMJN. Une chose énorme à propos de l'impression CMJN est la façon dont de nouvelles couleurs sont fabriquées à partir de ces quatre encres, à savoir l'utilisation de demi-tons. Lorsque vous regardez de très près tout ce qui a été imprimé, vous verrez probablement qu'il est fabriqué en utilisant de minuscules points de ces quatre primaires. On le verra évidemment dans une vieille bande dessinée ou dans des journaux en couleur. En impression offset, chaque encre est imprimée à partir de sa propre plaque ou séparation. Les quatre plaques descendent au même endroit sur une feuille et traduisent par l'apparition de milliers de couleurs. demi-tons ont été inventés pour résoudre un problème dans l'impression, qui est le suivant. Les plaques pour les encres sont essentiellement de gros timbres psychiques couverts une couleur d'encre, puis posés sur une feuille de papier. Une image peut avoir beaucoup de couleurs différentes dans toutes sortes de variations, mais un tampon ne peut placer l'encre qu'une couleur à la fois, donc pour chaque couleur et variation, vous devez avoir une couleur d'encre séparée sur une plaque séparée. Pour l'art en couleur, cela devient techniquement complexe et très coûteux. Dans l'illustration numérique, vous pouvez facilement réduire l'opacité d'une couleur pour dire 25 %, pas grand-chose, mais vous ne pouvez pas fixer 25 % d'encre cyan avec un tampon, à proprement parler. Mais si vous pouvez placer de l'encre et tout un tas de petits points qui couvrent 25 pour cent d'une zone donnée, alors vous obtenez une teinte efficace de 25 pour cent de cette couleur. Bien que ce n'est pas parfait, c'est la meilleure chose à faire pour mélanger les encres cyan et blanche. Au fil du temps, des gens intelligents ont inventé une façon d'utiliser seulement quatre encres pour créer presque toutes les couleurs perceptibles à nos yeux, faisant de l'impression couleur le processus abordable et omniprésent que nous avons aujourd'hui. Alors que la plupart des impressions utilisent des demi-tons pour créer de nouvelles couleurs, il existe une autre méthode qui a été utilisée par techniques d'impression plus traditionnelles appelées surimpression. Bien sûr, j'ai déjà parlé de surimpression dans cette classe. surimpression est exactement comme à quoi il ressemble quand il est imprimé au-dessus d'un autre. Parce que l'encre a une certaine transparence, une nouvelle couleur plus foncée et plus saturée est créée où deux encres s'impriment l'une sur l'autre. Alors que vous ne pouvez pas obtenir quelque chose comme la gamme de couleurs possible avec les demi-tons, il y a quelque chose de très beau à voir comment deux couleurs sont surimprimées. Lorsque vous illustrez numériquement, surimpressions de ce type peuvent être émulées à l'aide du mode de fusion de couches multicouches. Ce n'est un secret pour personne qu'une grande partie de mon travail a été influencée par techniques de gravure traditionnelles limitées telles que la typographie et la sérigraphie. Ce que j'aime dans ces techniques, c'est les propriétés physiques de l'encre telle qu'elle apparaît sur la page. Mais j'aime aussi comment les palettes limitées sont utilisées de manière créative. Étant donné que chaque encre ajoute de la complexité et des dépenses à une impression, les couleurs doivent être limitées. Parce que les encres ne peuvent descendre que sous forme solide, images doivent être faites à l'aide de blocs de couleur plus solides, ponctuées peut-être d'une ligne sombre fonctionnant ou d'une utilisation intelligente de l'espace négatif. 11. Exercice 1 : Auto-inventaire des couleurs: Les trois exercices suivants sont conçus pour vous aider à trouver des indices sur votre propre sens unique de la couleur. Les types de couleurs que vous aimez, et la façon dont vous voulez les utiliser dans votre travail. Ces exercices sont le lien nécessaire entre la théorie de la dernière section et l'application que nous allons réellement faire dans le projet final. Le premier exercice est appelé un auto-inventaire des couleurs. Un auto-inventaire couleur est une collection de 5-10 pièces préférées de vos propres illustrations ou œuvres d'art, en particulier en termes de couleur. Dans cet exercice, nous allons faire des observations ou notes et nous allons les écrire au-dessus de nos images ou les écrire séparément. Une partie facultative de cet exercice consiste à faire des réflexions plus approfondies sur cet ensemble en réponse à certaines questions que j'ai publiées dans la page Projets et ressources en classe. Le but de cet exercice est d'identifier les couleurs que nous utilisons déjà. Surtout ces couleurs que nous semblons tourner à plusieurs reprises. Ce sera un grand indice pour nos ensembles de couleurs naturelles. Un autre objectif de cet exercice est juste de trouver des liens entre la façon dont nous utilisons la couleur et les outils, techniques et style ou médias que nous utilisons dans notre travail. Le résultat de cet exercice sera un sens plus fort des couleurs que vous aimez et de la façon dont vous les utilisez dans votre art. Nous utiliserons également les résultats de cet exercice dans l'exercice 3, où nous construisons une palette simple. Nous allons utiliser les couleurs que nous observons ou choisissons de cet exercice comme base de notre palette simple plus tard. Je vais juste passer rapidement par les instructions sur la façon de faire votre propre inventaire des couleurs et bien sûr, je vais vous montrer mon propre inventaire des couleurs à titre d'exemple. abord, passez un peu de temps à regarder à travers votre corps de travail, visant à sélectionner 5-10 de vos images préférées, en particulier en termes de couleur. Dans mon exemple que je vais partager avec vous, j'ai limité l'ensemble des images que j'ai mises dans mon décor à mon travail commercial entre 2013 et 2015, ce qui était une époque où j'étais encore un peu partout avec mes couleurs. Je m'approchais de quelque chose de plus cohérent, mais je n'étais pas tout à fait là où je suis aujourd'hui. Une autre raison pour laquelle j'ai choisi cette fenêtre de temps dans le passé, 2013-2015, est simplement parce qu'aujourd'hui, en 2021, quand j'ai enregistré ce cours, j'ai maintenant un sens assez cohérent de la couleur, je l'utilise depuis un moment. Je voulais revenir à une époque où j'étais moins confiante, ce qui, à mon avis, rendrait cet exercice beaucoup plus puissant et peut-être plus pertinent pour beaucoup d'entre vous dans vos propres situations. La prochaine chose que vous voudrez faire est d'organiser vos sélections sur une page afin que vous puissiez les voir toutes en même temps comme un ensemble. La page devrait être d'environ huit pouces sur 10 pouces en orientation verticale. J' utilise les dimensions d'écran par défaut sur mon iPad en utilisant Procreate. Beaucoup d'entre vous trouveront probablement que la chose la plus facile à faire. Une fois que vous avez créé un nouveau fichier ou document, vous pouvez ajouter un titre en haut qui indique Color Self-Inventory, ainsi que votre nom. Maintenant, il est temps de faire quelques observations rapides sur votre ensemble. Si vous le pouvez, écrivez-les quelque part sur la même page que vos images. Vous pouvez utiliser des flèches et des lignes pour appeler des choses spécifiques, et vous pouvez également écrire vos observations sous forme de points. J' ai fait une liste sur la mienne appelée, Ce que j'aime/observe. En option, vous pouvez télécharger les questions d'invitation à partir de la page Projets de classe et ressources, et écrire quelques observations plus approfondies sur votre ensemble. Lorsque vous avez terminé, publiez votre ensemble d'images et vos notes, si elles sont séparées, dans votre projet de classe. Voici mon auto-inventaire des couleurs, et comme je l'ai déjà dit, je voulais juste me concentrer sur le travail de 2013-2015. Encore une fois, c'était juste une époque où mes couleurs étaient encore tout à fait partout. J' ai l'impression d'arriver à un meilleur endroit, mais je n'étais pas encore là. C' est juste une belle fenêtre de temps ou un moment pour moi que faire un exercice comme celui-ci aurait été vraiment utile. J' ai probablement passé deux ou trois heures à aller vraiment fond et à chercher toutes ces images. pris beaucoup de temps en partie parce que je devais trouver des disques durs et des trucs comme ça. Mais aussi a pris beaucoup de temps parce qu'il y avait tellement de travail à choisir. Ce que j'ai fait ici, c'est que je viens de faire un tas de notes et de réflexions sur mon travail, et je viens de l'écrire en haut de la page ici. Si vous trouvez cela trop occupé, vous pouvez simplement taper vos observations sur une page séparée, c'est tout à fait bien. J' aime juste l'immédiateté de cela et puis je peux simplement télécharger ceci dans mon projet de classe assez facilement. Juste regarder à travers cela, passant par mes petites notes griffonnées ici, mes observations et les choses que j'aime sont des choses comme l'impression de textures, beaucoup d'éléments faits à la main et peu de lettrage à la main, beaucoup de ces textures de médias physiques que j'ai placées dans des formes pour lui donner plus d'intérêt visuel et une sensation de texture. Bien sûr, en appelant certaines des couleurs que j'ai utilisées, même si les couleurs sont partout ici, vous pouvez voir que j'ai utilisé beaucoup de rouge. Le rouge est probablement ma couleur la plus dominante, ou le cousin teinté du rouge, le rose. J' ai beaucoup de roses ici. Je dirais que l'une des autres couleurs dominantes est ce jaune doré plus profond. Ils ne sont pas tous comme ce jaune super brillant comme je l'ai dans la ligne ici, ils sont plus profond ton doré pour eux. Vous voyez ça dans cet arrangement ici, et vous les voyez dans ce taureau, même s'il y a d'autres nuances de jaune, sont celles que j'aime, donc je viens de les appeler. Bien sûr, j'ai parlé de rose. J' ai beaucoup de roses pâles dans différents tons, je ne sais pas pourquoi, je suis juste attiré par eux dans mon travail et donc je vais certainement les appeler. Bien sûr, nous avons une sorte et du cyan. Je n'ai pas de vrai blues ici, mais les sarcelles et les cyans apparaissent définitivement. Alors bien sûr, une chose que je pensais être remarquable, même si j'utilise du noir dans certains d'entre eux, je pense qu'avec le temps j'ai commencé à utiliser cette marine profonde comme couleur la plus sombre. Une fois que j'ai commencé à faire ça, j'ai commencé à le faire. C' est une chose à laquelle je suis définitivement passé probablement quand je faisais ce projet ici. C' était un projet que j'ai fait pour une cave à San Antonio. Pour une raison quelconque, je ne me souviens pas si c'était demande d'un client ou si c'était quelque chose que je voulais faire, j'ai utilisé cette marine profonde au lieu du noir et j'ai juste eu l'impression que ça rendait les images un peu plus légères, moins lourd que si vous utilisez un noir complet, et beaucoup plus distinctif et maintenant que je l'utilise tout le temps dans mon travail, je pense que c'est une partie de signature de mon travail. Quoi qu'il en soit, j'ai pris toutes ces observations et je viens de les écrire ici sous forme de points. L' autre chose que j'ai fait, et c'est l'étape suivante, est d'aller et d'utiliser l'outil de sélecteur de couleurs dans n'importe quelle application que vous utilisez. Dans Procreate, je fais juste quelque chose comme ça, où je peux choisir les couleurs spécifiques que j'aime et ensuite j'ai juste dessiné quelques nuances basées sur ces couleurs. Maintenant il y a tout un tas de couleurs qui se passent ici, on doit juste en choisir six. Lorsque vous choisissez vos six couleurs dans cet ensemble, ne vous inquiétez pas de choisir les mauvaises couleurs. Il suffit de trouver les six qui vous attirent le plus et assurez-vous que chaque couleur est distincte. Si vous avez un rouge orangé et un rouge plus carmin, choisissez peut-être l'un d'eux et laissez l'autre partir pour l'instant. Par exemple, dans mon ensemble ici j'ai un rouge beaucoup plus magenta et puis j'ai aussi quelques oranges rouges. Je sais par expérience que j' aime beaucoup plus le rouge orange que le rouge plus magenta, donc c'est le rouge que j'ai choisi. Comme avec les roses, j'ai tout un tas de roses différents, mais j'ai choisi le rose plus pâle parce que je pense que j'aime juste ce rose et plus que les plus foncés ou plus profonds ou encore, plus magenta. Une fois que vous avez terminé votre exercice, assurez-vous de le publier sur la page du projet de classe, et bien sûr, si vous avez écrit vos notes séparément, vous pouvez simplement les ajouter ou même les taper directement dans le projet. C' est tout pour cet exercice. Passons maintenant au deuxième exercice, qui va être des études d'inspiration couleur. 12. Exercice 2 : Étude de l'inspiration des couleurs: Cet exercice s'appelle l'étude Color Inspiration. Dans le premier exercice, nous avons regardé vers l'intérieur notre propre façon d'utiliser la couleur jusqu' présent et nous avons nommé quelques forces et faiblesses clés. Nous avons également commencé à imaginer ce que pourrait ressembler pour nous être plus confiants en utilisant la couleur. Dans ce deuxième exercice, nous allons maintenant regarder vers l'extérieur les choses qui nous inspirent le plus en ce qui concerne la couleur. Une étude d'inspiration couleur est une collection de 5-10 images de l'un de vos illustrateurs préférés. Pour tirer le meilleur parti de cet exercice, je recommande de faire deux ou trois études, chacune mettant en vedette un artiste différent. Bien sûr, tout comme l'exercice 1, nous allons faire des observations ou des notes au-dessus de ces images ou sous forme de points, et bien sûr, comme la dernière fois, vous avez l'occasion de faire quelques réflexions plus approfondies sur le plateau par en suivant certaines des questions que vous trouverez dans la page Projets de classe et ressources. Le but de cet exercice est d'identifier vos principales sources d'inspiration ou vos héros, et spécifiquement de trouver des liens entre leur style et l'utilisation de la couleur. Comment leur utilisation de la couleur et leurs techniques de style ou médias sont-ils liés les uns aux autres ? Un autre but ici est de trouver des liens entre ce qui vous inspire et ce que vous voulez faire vous-même, surtout en termes de couleur et de style. Je pense qu'une chose vraiment importante à faire en apprenant et en développant est d' apprendre des maîtres dans notre propre sphère d'influences. Qui que vous regardiez, qui que vous admirez, quels que soient vos héros d'illustration, vous voulez observer ce qu'ils font et apprendre de cela. Il ne s'agit pas de copier ou d'imiter, mais simplement d'apprendre de leurs choix et de voir comment vous pouvez appliquer cela à votre façon à votre propre travail et à votre propre style. Les résultats de cet exercice sont plus d'indices votre sens de la couleur et sur la façon dont cela se rapporte à votre propre vision artistique. Vous obtenez également un aperçu de la façon dont la couleur et le style influencent les uns les autres. Un autre résultat possible de cet exercice est de trouver une source d'inspiration pour essayer des techniques de couleur que nous n'avons peut-être pas envisagées auparavant. Si vous avez sauté l'exercice 1, alors cet exercice peut également être la base du palais que nous allons construire dans l'exercice 3. Encore une fois, je vais passer rapidement par les instructions ici et ensuite je vais vous montrer mon propre exemple d'études de couleur. Maintenant, la première chose à faire est de nommer 2-3 de vos illustrateurs préférés. Inclure au moins un du passé et un des temps plus récents, si vous le pouvez, et la raison pour laquelle nous faisons cela est juste pour avoir un peu de diversité dans nos influences. Il est toujours bon d'être influencé, non seulement par les gens qui travaillent aujourd'hui, mais aussi par ceux qui ont travaillé à un moment différent auparavant. Probablement les gens que vous êtes les héros d'aujourd'hui ont été influencés par eux-mêmes. Maintenant, pour chaque artiste, procédez comme suit. Encore une fois, pour tirer le meilleur parti de cet exercice, je recommande de faire 2-3 études, chacune mettant en vedette un artiste différent. Recueillir 5-10 images de chaque artiste. Eh bien, bien sûr, il aide à choisir ceux-ci en termes de couleurs que vous aimez, les couleurs qui se passent dans les images par ces artistes, n' est pas totalement nécessaire. C' est bon si vous aimez l'art, mais pas les couleurs. Nous pouvons toujours trouver des indices sur la façon dont ils utilisent couleur indépendamment des couleurs exactes qu'ils utilisent. Maintenant, arrangez les images sur une page comme vous l'avez fait dans l'exercice 1. Vous pouvez ajouter le titre, Color Inspiration Study. Quelque part en haut de votre page, notez le nom de l'artiste et son style ou son média préféré, comme la peinture de collage, illustration vectorielle, ou ce genre de choses. Similaire à l'exercice 1, faites quelques observations rapides sur votre ensemble. Si vous le pouvez, écrivez-les quelque part sur la même page que vos images ou au-dessus, comme vous l'avez fait dans le premier set. Vous pouvez utiliser des flèches et des lignes pour l'appeler des choses spécifiques, et vous pouvez également écrire vos observations sous forme de points. En tant que plongée en profondeur optionnelle ici, vous pouvez également télécharger les questions d'invitation à partir de la page des projets de classe et des ressources et écrire quelques observations plus approfondies sur votre ensemble. Lorsque vous avez terminé vos études d'inspiration de couleur, postez-les avec n'importe quelle écriture que vous avez faite sur le côté de votre projet de classe. Ici, nous regardons ma première étude d'inspiration de couleur. Comme vous pouvez le voir, c'est juste le titre en haut, puis une collection de 5-10 images différentes de l'un de mes artistes préférés. En haut, j' ai énuméré l'artiste et le style ou la technique. Vous pouvez aussi y écrire des médias. Donc le style, la technique, les médias, j'utilise interchangeablement ici, et cela signifie juste, quelles sont les propriétés visuelles physiques ou les qualités de l'œuvre ? Alors bien sûr, j'ai quelques notes juste écrites sur le dessus appelant certaines choses avec des flèches et des trucs comme ça. Puis un peu moins ce que j'aime, observations ici juste sous forme de points. Cet artiste en particulier est Paul Rand et comme vous le savez, Paul Rand est l'un de mes illustrateurs préférés. Il travaillait dans ce que j'appellerais un style influencé par l'impression de collage. Parce que beaucoup d'entre eux sont en fait, je n'appellerais pas ces illustrations pures, sont des affiches ou des couvertures de livres, c'est plus comme un graphisme, donc j'ai juste ajouté ça aussi bien qu'une note. Il utilise beaucoup de collage, plus de découpes où il le fera, juste dans ce cas, il a littéralement découpé un morceau de journal et l'utilise comme partie de l'image. Sinon, ses formes ont juste ce sentiment improvisé pour eux. Comme si tu les découpes avec des ciseaux et les posais, ce qu'il a peut-être fait exactement ça. Une autre chose que j'aime dans son travail ou que j'observe à ce sujet est juste son utilisation des espaces. Whitespace est utilisé comme élément, comme dispositif de composition, et dans certains cas, le blanc est utilisé comme couleur. Ici, dans cette couverture de livre Second Man, blanc est juste comme une découpe ou un espace négatif de cette couleur marron derrière et donc il agit presque comme sa propre couleur. Alors je pense que Paul Rand a brillamment utilisé des espaces pour suggérer le poulet. Il n'a dessiné aucun poulet nulle part. Il a mis quelques formes là et vous le voyez. Ton esprit rassemble cette pièce de puzzle. En termes de couleurs réelles qu'il utilise le travail de Paul Rand, il utilise tout un tas de couleurs différentes. Mais je dirais que ses principales palettes ou palais sont les couleurs primaires et secondaires. C' est à la fois l'utilisation du jaune, du bleu et du rouge, mais aussi du vert, du violet et de l'orange. Vous voyez ces couleurs monter beaucoup. Je pense que Paul Rand aime aussi le rose. Vous voyez beaucoup de rose dans son travail, et c'est probablement pourquoi j'aime ou j'ai été inspiré à utiliser le rose beaucoup dans mon travail. Je ne sais pas avec certitude, mais je vais risquer de deviner que parce que Paul Rand a une telle influence sur moi, il est fort probable que j'ai été inspiré par son utilisation du rose. Maintenant, bien sûr, en termes de style ou de technique, une des choses qu'il fait que je fais beaucoup de aussi et que j'ai beaucoup parlé est le sens des surimpressions, où je vais prendre ces deux couleurs et puis il y a cette couleur plus foncée qui se produit en les combinant. Je trouve que c'est comme une belle façon d'utiliser une palette de couleurs limitée, et c'est bien sûr aussi un indice dans son processus. Comme s'il pensait à la façon dont ces encres s'imprimeront dans le produit fini imprimé pour tout ce qu'il conçoit. Maintenant, passez rapidement à Klas Fahlen. Je crois que c'est un illustrateur suédois. J'adore son travail. Son travail me rappelle beaucoup un autre de mes illustrateurs préférés, [inaudible]. Il a travaillé plus dans les années 1950 et 1960. C' est pourquoi je l'ai inclus ici dans une de mes études sur l'inspiration des couleurs. Encore une fois, en haut, j'ai juste le nom de l'artiste Klas Fahlen et son style ou sa technique, et je dirais qu'il est plus inspiré de la gravure aussi. J' ai aussi mis rétro parce que son travail a un sentiment rétro à elle. En termes d'outils, probablement, il me semble qu'il utilise Photoshop ou peut-être même Procreate. Donc, je viens de mettre le numérique et le vecteur entre parenthèses parce que vous voyez certainement beaucoup de ces alignements durs qui me rappellent le vecteur. Ou même s'il n'utilise pas de vecteur, c'est exactement ce que ça me rappelle. Donc, ce que j'observe dans son travail, c'est l'utilisation de surimpressions, tout comme Paul Rand et tout comme certains des travaux que j'ai montrés dans mon auto-inventaire des couleurs. Vous pouvez voir certaines de ces surimpressions, surtout ce qui se passe ici avec ces sacs à main. Maintenant, une chose que j'aime dans son travail et que j'ai aussi aimé dans le travail de Paul Rand est leur utilisation de l'abstraction. Ce ne sont donc qu'un tas de boîtes imprimées les unes au-dessus des autres. Mais quand vous les voyez accrocher à ces ficelles avec ces femmes ici, vous avez l'impression qu'elles sont des sacs à provisions. n'y a rien de vraiment spécifique leur sujet qui vous dirait que c'est un sac à provisions, sauf pour le contexte et la façon dont il vient de les composer et les organiser dans cette scène particulière. J' aime aussi l'utilisation par Klas Fahlen du travail de ligne délicat. Qu' il utilise du noir réel pour ça ou qu' il utilise le contraire de ce blanc sur des couleurs plus sombres, je pense que c'est une chose cohérente qu'il fait. Maintenant, en termes de couleurs réelles qu'il utilise, je trouve que les palettes de Klas Fahlen sont assez polyvalentes. Mais quand je regarde son ensemble de travail, j'observe qu'il utilise le noir comme ancre, couleur foncée, et il aime l'orange. Il utilise l'orange dans presque toutes ses illustrations d'une manière ou d'une autre. Ici, nous avons les horloges ont une orange pour eux. Certains d'entre eux ne sont que des nuances et des teintes d'oranges, mais c'est certainement une orange. Il a de l'orange ici. Il a l'orange qui se passe même ici, et bien sûr, dans cette scène de cuisine qui est illustrée. En termes de couleurs, je dis qu'il garde définitivement les couleurs du côté simple. Beaucoup d'entre eux sont très monochromatiques. Comme je dirais que cette image ici est assez monochromatique. Il a essentiellement juste orange, et différentes teintes et nuances d'oranges plus noir. Sans doute, il a quelque chose de similaire ici. Si ce n'est pas monochromatique, c'est analogue au moins. Vous avez juste des rouges, des jaunes et des oranges qui jouent ensemble ici. Tout comme [inaudible] que son travail me rappelle, il utilise beaucoup d'espace négatif qui coupe dans la composition et qui aide les couleurs à éclater et à se démarquer. Il le fait dans presque tout son travail, probablement la plus différente de ses images est celle où il a ce gars taille un bonsaï et il y a beaucoup moins d'espace blanc, mais il est toujours là. Tout est encore très aplati, et tout est encore assez aplati et simplifié même quand il y a un arrière-plan, ses arrangements ont tendance à être plus conceptuels et aplatis. Ici, nous avons une femme qui est la figure centrale ici et puis elle est entourée par les éléments de la cuisine, mais elle est encore vraiment plate. Vous avez toujours juste ce fond vierge et tout le reste soutient juste cette idée de cette personne dans la cuisine qui passe un agréable moment à faire de la nourriture délicieuse. Un autre exemple de ses arrangements est qu'il a juste à nouveau ce fond blanc, et que les choses surgissent au-dessus de lui. Il est très minime sur ce qu'il faut inclure dans la scène juste assez pour suggérer ce qui se passe, ne s'enlise pas trop dans les détails. Encore une fois, la scène la plus complète ici est probablement le gars qui coupe le bonsaï, mais aussi les gens qui se tiennent devant cette maison, cette illustration de couverture du magazine Globe. Je pense qu'il est plus logique qu'il ait inclus une expérience dans celle-ci parce que c'est une couverture de magazine. Il a besoin de pop plus et juste regarder plus attrayant comme une pièce de couverture. Il garde toujours les choses simples. Tout est assez solide dans les formes réelles et tout ça. C' est juste qu'il a utilisé un peu plus de couleur partout et même un peu de sens de l'éclairage et de la profondeur. Cependant, je ne trouve pas que ses couleurs soient trop partout. Il utilise vraiment le bleu, noir et l'orange, et il utilisera peut-être une nuance de ce noir surimprimé ou multiplié sur le bleu de cette maison, juste pour créer un sentiment d'ombre, et c'est juste magnifiquement fait. Cela ressemble à une image vraiment riche, mais en même temps, il y a juste une telle simplicité dans la couleur. Il a fait du très bon travail pour gérer ça. J' ajouterai que bien sûr, il a le rose pour les tons de peau. part les tons de peau, il n'a pas vraiment utilisé ces couleurs ailleurs. Il a donc pu suggérer les gens et teint sans avoir à devenir fou de mettre cette couleur ailleurs. Donc, je pense que cela a fonctionné avec succès. Une autre chose à souligner dans ce morceau est juste son utilisation du teint de peau dans celui-ci où il vient juste de sortir par la fenêtre avec un sens du réalisme dans le teint de la peau, et il voulait que ce gars se démarque et éclate contre le vert et il vient de rendre son visage super rouge. Bien sûr, la peau de personne n'est cette couleur, mais cela fonctionne juste pour aider ce personnage vraiment se démarquer avec le vert étant le fond le plus dominant et la couleur environnante. L' utilisation de cette couleur gratuite de rouge contre ce vert aide vraiment à éclater. Ce ne sont que deux exemples d'études d'inspiration des couleurs. Ce sont des artistes qui m'inspirent vraiment et qui m'ont influencé et que j'admire. Les vôtres vont être totalement différents. J' ai tellement appris ce que vous êtes inspirés par ce genre d'exercices. En fait, je découvre des artistes et des illustrateurs dont je n'avais jamais entendu parler auparavant. Assurez-vous donc de poster votre exercice, vos études d'inspiration de couleur sur votre page de projet de classe, et ainsi nous pouvons tous voir ce qui vous inspire. Bien sûr, nous allons sauter dans le prochain exercice qui consiste à construire une palette simple et cela va être le fondement du projet. Allons-y. Je te vois dans la prochaine vidéo. 13. Exercice 3 : Création d'une palette unique: C' est l'exercice 3 où nous allons construire une palette simple. Il s'agit d'un processus étape par étape pour construire une palette simple basée sur les couleurs que nous avons choisies dans notre auto-inventaire des couleurs. Si vous n'avez pas fait l'auto-inventaire des couleurs, vous pouvez utiliser des couleurs que vous choisissez parmi l'une de vos études d'inspiration des couleurs, ou aussi simplement suivre avec les couleurs que j'utilise dans la démo, c'est tout à fait bien aussi. Le but de cet exercice est de trouver une palette unique, simple et polyvalente que nous pouvons utiliser dans le projet de classe. Le résultat de cet exercice sera une palette personnalisée basée sur un schéma de couleurs triadiques. La palette aura une version plus simple avec seulement six couleurs plus un sombre, puis il aura également une version plus étendue avec des teintes et des nuances toutes basées sur cette version plus simple. Pour cet exercice, vous pouvez simplement suivre la démo que je fais à l'écran, et vous pouvez télécharger le fichier avec lequel je vais travailler à partir de la page Projets de classe et ressources. Je vais faire cet exercice dans Photoshop et le fichier avec lequel je vais travailler est un fichier Photoshop. Si vous avez Photoshop, alors génial, mais si vous êtes comme beaucoup en utilisant Procreate, j'ai également inclus des instructions dans la page des projets de classe et des ressources que vous pouvez suivre et construire une palette de la même manière. Maintenant, ces étapes que j'utilise pour créer cette palette sont juste inventées, c'est quelque chose que j'ai conçu pour cette classe afin que nous puissions tous trouver une palette qui a ces six couleurs plus foncées plus la façon dont j'étend ces palettes. Cela nous donne tout simplement quelque chose de similaire à travailler avec pour le projet. Ce n'est en aucun cas destiné à vous donner des couleurs que vous utiliserez pour le reste de votre vie, c'est quelque chose que vous comprenez tous fur et à mesure que vous allez, mais cela vous donnera certainement quelques indices et il vous apprendra vraiment beaucoup comme vous apprendrez à utiliser une palette simple dans le projet. Lorsque vous avez terminé cet exercice, veillez à publier votre palette finalisée sur la page de vos projets. Ce que nous regardons ici, c'est le fichier Photoshop du constructeur de palais. Je suis sur mon Mac, je suis dans Photoshop et le générateur de palette est juste un fichier Photoshop que j'ai placé quelques instructions pour créer une palette simple. qui est vraiment cool dans ce fichier, c'est qu'il est presque automatique. Tout ce que vous avez à faire est de choisir vos couleurs dans votre propre inventaire de couleurs ou partout où vous obtenez vos couleurs et vous les mettez ici dans la première étape. Alors quoi que vous choisissiez ici finit par tomber en cascade dans tout le reste. Je mets juste des couleurs aléatoires ici juste pour te montrer ce que je veux dire. Je vais vous guider à travers ce que j'ai fait dans ces étapes et ce que je recommande, puis je vais aussi évoquer quelques défis qui pourraient surgir en cours de route. Étape 1 pour utiliser l'outil pipette pour choisir vos six couleurs préférées dans votre inventaire de couleurs. Je vais ouvrir mon premier exercice ici et de ce côté, j'ai mes six meilleurs choix que j'ai choisis parmi ces couleurs. Ce que j'ai fait est en fait juste copié et collé ces et les tracer là comme ça. Cependant, vous pouvez obtenir vos couleurs ici, vous voulez le faire d'abord. La prochaine chose à faire est de choisir trois couleurs de votre ensemble pour former une triade primaire approximative. Maintenant, juste pour plus de commodité, j'ai inclus la roue de couleur ici, c'est une roue de couleur traditionnelle avec le rouge, le jaune et le bleu comme vos primaires, puis un triangle ici juste pour montrer comment fonctionne une triade. Un schéma de couleurs triades fait à partir des couleurs qui forment un triangle sur la roue de couleur si rouge, jaune et bleu est un schéma de couleurs triadique, si vous deviez faire pivoter le triangle où ces choses pointent, c'est votre triade de couleurs. Vous pouvez être assez approximatif ici, mes couleurs ne sont pas des couleurs primaires traditionnelles pures, le point ici est de créer quelque chose de proche du rouge, du jaune, bleu ou du rouge, du vert et du bleu si vous utilisez le schéma de couleurs RVB, ou même cyan, magenta et jaune. Quelle que soit la roue de couleur que vous allez par n'importe quel modèle de couleur, ce devrait être une triade de ce modèle de couleur. Pour moi, j'ai choisi ce jaune et j'ai choisi ce rouge et j'ai choisi cette couleur cyan. Ces formes sont fabriquées avec l'outil plume, ce sont essentiellement des formes vectorielles ou des calques vectoriels, et il est vraiment facile de changer les couleurs. Il vous suffit de double-cliquer sur le calque de la couleur que vous souhaitez modifier, puis vous utilisez le sélecteur de couleurs pour modifier cette couleur. Encore une fois, vous choisissez simplement le calque que vous souhaitez modifier, vous devriez voir qui apparaissent dans le panneau des calques ici, vous double-cliquez, utilisez le sélecteur de couleurs, puis vous pouvez apporter ces modifications. Eh bien, comment ce fichier fonctionne n'est pas aussi important que ce qu'il fait, je vais vous montrer juste un coup d'oeil sous le capot ici. Tous les jaunes que j'ai créés ici sont une couche et donc là où j'en change un, ça les change tous, et même avec les rouges. Tous les rouges sont les mêmes couches, quand je change un, je change tout, quand je change tous ces derniers, je change tout. Certains d'entre eux se chevauchent comme le jaune ici, chevauche le rouge ici et il chevauche également un bleu et c'est ainsi que nous finissons obtenir ces couleurs supplémentaires parce que si vous regardez ici dans mon panneau de calques, les couleurs se multiplient les unes sur les autres. Le jaune et le bleu, le bleu se multiplie sur le jaune et le rouge dans ce cas ici. La même chose ici à l'étape 5, quand j'inclue une couleur noire ou foncée et que nous arriverons ici, je saute en avant mais quand on change ça, quoi qu'on change ici finit par être changé partout ailleurs et même avec ce shader qui crée des nuances de ces couleurs, et vous pouvez créer cette nuance, puis il ombrage tout le reste autour d'elle. C' est comme ça que ça marche en regardant sous le capot. Maintenant, je vais revenir à l'étape 2 et ensuite descendre un peu plus dans l'ordre. Vous pouvez voir à l'étape 3, nous créons trois secondaires en multipliant les primaires les unes sur les autres. Ce fichier le fait automatiquement, mais vous pouvez également le faire manuellement dans n'importe quel programme qui vous permet d'avoir des calques séparés comme vous chaque couleur sur son propre calque, et vous pouvez multiplier chacun de ces calques. La prochaine chose que nous faisons à l'étape 4 est de créer des teintes. Si vous vous souvenez de la partie théorie des couleurs de cette classe, une teinte est lorsque vous ajoutez du blanc à une couleur et qu'elle devient plus claire. Maintenant, dans l'espace colorimétrique numérique, vous n'ajoutez pas de blanc à une couleur. Ce n'est pas comme de la peinture que nous ajoutons un glob de blanc à votre rouge, votre bleu et votre jaune, vous devez le faire d'une manière différente. Une façon de le faire est juste de prendre une couleur et de changer ensuite l'opacité jusqu'à un certain pourcentage. J' ai 50 pour cent et 20 pour cent et c'est ce que je fais ici dans ces deux rangées. Je crée une opacité de 50 pour cent de mes six couleurs ici, puis dans la deuxième rangée en dessous, je crée une version d'opacité de 20 pour cent de ces couleurs et cela me donne quelques teintes pour travailler. À l'étape 5, je choisis la couleur la plus foncée que j'ai choisie dans mon auto-inventaire des couleurs. Heureusement pour moi, j'ai quelque chose de sombre à travailler. Il fait très sombre. J' en ai parlé un peu avant, où je préfère vraiment avoir un bleu foncé contre un noir. C' est ce qui se passe ici. Je l'utilise juste. Maintenant, si vous n'avez pas choisi une couleur qui, selon vous, est assez sombre pour travailler avec une sorte de noir efficace, vous pouvez revenir à votre étude d'inspiration des couleurs et chercher une couleur vraiment sombre qui, selon vous, fonctionnera bien. Si vous ne voulez pas vous accrocher trop, ou si vous préférez, vous pouvez également utiliser du noir. Pour revenir à l'étape 5, j'ai aussi une teinte de cette couleur foncée, et j'ai multiplié cette teinte sur mes six couleurs primaires et secondaires de palette simples. Dans cette feuille de travail, ce n'est qu'une étape supplémentaire que vous devez faire. Ce n'est pas totalement automatique. J' ai créé ce noir à partir de mon bleu et puis je dois créer une teinte de ce noir. J' utilise juste le sélecteur de couleurs ici et je choisis ce sombre. Quelle que soit la couleur que je choisis qui devient la couleur d'ombrage. Bien sûr, je veux qu'il soit basé sur ma couleur foncée pour que tout soit aussi harmonieux que possible. Il suffit de regarder l'ensemble du fichier de création de palette dans une seule vue ici, juste en choisissant trois couleurs parmi nos meilleurs choix de notre inventaire de couleurs. Juste en changeant ces couleurs, nous avons créé une palette entière de six couleurs plus un sombre, plus des nuances, plus quelques teintes. Cela se traduit par votre palette simple avec seulement vos six couleurs plus votre sombre, puis votre palette de couleurs étendue, qui a toutes ces variations ici, vos teintes et vos teintes spécifiquement. Ces deux palettes sont tout ce qu'il nous faut pour le projet. Maintenant, je pense qu'on devrait le rendre officiel et créer des échantillons à partir de ceux-ci. Selon votre programme, vous aurez différentes façons de le faire dans Photoshop. J' ai juste ouvert le panneau des échantillons. Je vais l'amener ici pour qu'il soit en vue. Je crée juste deux groupes d'échantillons. Le premier groupe, je vais juste appeler ma seule palette simple. Ensuite, je vais créer un autre groupe de nuancier appelé ma palette étendue. Ensuite, à partir d'ici, je peux simplement cliquer dans ce groupe d'échantillons et commencer à ajouter mes échantillons. Pour créer des nuanciers, j'ai juste besoin d'utiliser mon outil Pipette et de commencer à sélectionner la couleur, puis à ajouter les nuanciers. Vous pouvez les nommer si vous voulez. C'est à vous de décider. Ensuite, je vais dans mon groupe étendu de palette ici et faire la même chose. Maintenant, dans ma palette étendue, il y a quelques couleurs redondantes et je vais juste aller les désherber juste pour qu'ils ne soient pas aussi distrayants quand je travaille sur le projet. J' ai déjà un blanc pour travailler. Cette dernière couleur est un peu redondante. Si vous voulez prendre le temps et trier vos couleurs par teinte, vous pouvez le faire. Je vais juste les laisser tels quels. Pour la plupart, je vais me concentrer sur ma palette simple dans les deux parties du projet. Ensuite, quand j'en ai besoin, je commencerai à utiliser certaines de ces couleurs étendues, en particulier certains de ces roses et bruns. Ceux-ci seront vraiment utiles lorsque vous faites des choses comme les gens et vous avez besoin de couleurs de peau et d'autres choses comme ça. Maintenant, j'ai dit que je montrerais quelques défis possibles que vous pourriez avoir lors de la cueillette des couleurs et de les utiliser vous-même dans ce constructeur de palette. Le défi le plus remarquable, je pense, sera de couleurs qui sont assez distinctes dans vos secondaires. Disons simplement que vous utilisez les primaires pures sur cette roue de couleur ici. Si je choisis un jaune pur, un rouge pur, puis ce bleu pur, vous verrez qu'il crée une palette de couleurs qui n'est pas si grande, surtout parce que les deux couleurs ici sont à peu près identiques. Quand vous avez ce jaune pur et qu'il est au-dessus du rouge pur, cela ne fait vraiment pas beaucoup de différence. Ensuite, je trouve les autres couleurs tout simplement pas vraiment attrayant ou ils sont juste trop intenses et criardes. Ce que je ferais dans ce cas, si je voulais des couleurs qui étaient proches du jaune, rouge et du bleu, comme cela pur, j'essaie de moduler l'une de ces couleurs afin qu'elles ne soient pas si intenses et qui aidera à créer le couleurs. Pour le rouge, je pourrais juste abattre l'intensité de ça ou la saturation un peu, juste un peu. Vous pouvez déjà commencer à voir une couleur distincte émerger entre le jaune et le rouge. Je pourrais même prendre le jaune lui-même et le moduler un peu. Je pourrais moduler la teinte, un peu. Je pourrais aussi moduler la saturation de cela. Maintenant, je commence à avoir quelque chose d'un peu plus distinct. Comme avec ce bleu, je trouve que ce bleu est trop intense. Peut-être que je peux y ajouter un petit quelque chose qui aidera à le distinguer ou l'apporter plus le long des lignes des autres couleurs. Une autre possibilité est de faire ces couleurs primaires d'imprimante, et juste voir comment ceux-ci fonctionnent. Je pense qu'ils vont travailler un peu mieux en fait. Faisons juste 100 pour cent cyan, 100 pour cent magenta, puis 100 pour cent jaune. Ici, vous obtenez quelques couleurs très distinctes et assez attrayant ainsi. Maintenant, je les trouve un peu trop purs à mon goût, mais ça vous montre juste une façon possible de travailler avec ces couleurs. C'est à vous de décider. Vous pouvez teinter ces dos et faire des couleurs plus claires. N' importe quelle combinaison que vous voulez. Bien sûr, c'est juste pour montrer comment utiliser ce générateur de palette d'une manière qui pourrait mieux fonctionner pour vous et pour éviter simplement la situation où vous obtenez ces couleurs qui ne sont pas vraiment si distinctes. Je pense que tant que vous utilisez des couleurs que vous avez choisies à partir de votre propre sens des couleurs, des couleurs que vous connaissez comme vous aimez, couleurs que vous sentez vers lesquelles vous vous tournez encore et encore, vous pouvez utiliser ce générateur de palette pour créer vos palettes et j'espère que vous en tirerez quelque chose qui est à la fois harmonieux et reflète quelque chose lié aux couleurs que vous avez déjà utilisées. Quelque chose lié à votre propre sens de la couleur. Quoi que vous finissiez par choisir comme couleurs de votre palette, assurez-vous de finaliser cela, faites-le légitime en créant des nuanciers et ensuite ceux-ci seront pratiques à utiliser dans le projet final, ce que nous ferons bien sûr ensuite. 14. Aperçu du projet: Ok, il est temps de faire le projet réel. Allons-y. Le projet prend ce que nous avons appris de nous-mêmes dans les exercices et nous donne l'occasion de le tester pour de vrai. Le projet est divisé en deux parties. Dans la première partie, nous allons simplifier quelques illustrations plus simples et nous nous en tenir à notre palette de base, que nous avons créée dans l'exercice 3. Cela nous donnera confiance dans l'utilisation de nos palettes limitées et nous donnera une idée de la façon dont nous pouvons être très créatifs face à des contraintes strictes. Dans la deuxième partie, nous allons créer une illustration plus complexe et voir comment nous pouvons utiliser notre palette stricte d'une manière plus variée et flexible. À la fin du projet, vous aurez deux illustrations globales, notre plus simple et notre plus complexe, que vous pourrez partager sur la page de la classe et, bien sûr, sur vos comptes Instagram ou sur d'autres réseaux sociaux, et peut-être même sur votre portefeuille. Pour garder cette classe efficace, je vais me concentrer sur l'aspect couleur dans mes démos. Dans mes autres classes, y compris Sweet Spots, Drawing Toward Illustration et The Style Class, je montre plus en détail comment je trouve des idées et crée des croquis avant d'entrer dans l'illustration couleur la plus finale. Dans ce cours, pendant que j'aborderai les croquis, je mettrai les projecteurs sur la façon dont je travaille la couleur dans les illustrations finales. Si vous avez besoin de plus d'aide pour atteindre la partie esquisse, je vous recommande de regarder les vidéos 10-12 dans Sweet Spots ou si vous voulez vraiment l'expérience complète, essayez toute ma classe Drawing Toward Illustration. 15. Configuration du projet : Choisissez un thème: La première chose que nous voulons faire est de choisir un thème pour notre projet. Pour faciliter les choses, je vous donne à tous un message dans lequel je pense que nous pouvons tous nous enfoncer les dents, et c'est de la nourriture. La bonne chose à propos de la nourriture, c'est qu'elle nous donne tous quelque chose avec lequel nous pouvons nous rapporter, et elle offre toutes sortes de possibilités en termes d'éléments à illustrer. La nourriture se trouve également être un sujet très coloré, ce qui devrait fournir un beau défi, lors de l'utilisation d'une palette stricte. Ici, nous allons juste passer par le choix de notre thème et le rendre plus personnel et amusant avant de passer à la première illustration. Sur mon iPad ici, je viens d'écrire une petite chose que nous pouvons passer ensemble et c'est juste comme ça que je vous suggère de choisir votre thème pour votre projet. Ici, nous avons thème, puis les temps de nourriture vierges. Dans le vide où il est indiqué activité ou contexte, décomposer une activité ou un contexte de votre choix. La nourriture que nous mangeons, à quoi elle ressemble et comment nous l'apprécions est toujours différente selon le contexte. Un exemple d'activité ou de contexte peut être le vélo ou l'étude. Donc, votre thème de projet devrait être quelque chose comme les périodes de nourriture vélo ou les périodes de nourriture étudier dans ces exemples. Juste en ajoutant un contexte comme celui-ci, vous avez soudainement des aliments et des situations spécifiques qui viennent à l'esprit. Vous pouvez alors imaginer quel genre de nourriture, ustensiles ou d'autres types d'outils et ce genre de choses qui pourraient correspondre au thème ainsi qu'à quel scénario impliquant cette nourriture et cette activité pourrait ressembler. Je vais juste passer en revue comment j'ai fait ça, juste pour te donner un exemple rapide. La première chose que j'ai fait est juste de choisir mon thème. Donc mon thème va être le camping et j'ai choisi le camping parce que, tout d' abord, c'est juste quelque chose que j'aime. 16. Partie 1 du projet : Croquis: Dans cette partie du projet, illustrera quatre à cinq objets simples en arrangement plat sur un fond propre ou solide. C' est un peu comme les outils des cartes postales de commerce que nous avons faites dans mon cours d'illustrations d'encre. Nous n'utiliserons que six couleurs de base plus notre noir ou noir dans nos palettes simples. On ne va pas trop varier de ça. Le but de cette partie du projet est de pratiquer à l'aide d'une palette très simple, en utilisant nos outils et techniques de style choisis. Cela montrera comment il est plus facile d'appliquer une palette simple à des illustrations plus simples. Bien sûr, le résultat de cette partie du projet sera notre première illustration, qui est basée sur notre thème d'activité temps de nourriture, et il aura cinq objets si simples utilisant une palette de couleurs simple. Maintenant, vous pouvez aller à la page des projets de classe et des ressources pour obtenir les spécifications complètes du projet. Mais très rapidement, il va faire huit sur 10 pouces à 300 DPI, et cela peut être en format vertical ou horizontal. En termes d'outils, j'utiliserai Procreate pour l'esquisse et Photoshop pour les illustrations finales et, bien sûr, vous pouvez utiliser tous les outils d'illustration numérique que vous voulez. Une fois que nous avons notre thème et notre liste de cinq objets, nous pouvons, bien sûr, commencer à esquisser le mode. Dans cette vidéo, je vais rapidement vous guider à travers mon propre processus d'esquisse, et je vais juste vous donner un bref aperçu de ma pensée ici. Si vous voulez un regard plus complet et plus profond sur mon processus d'esquisse, assurez-vous de consulter ma classe Dessin vers Illustration. Pour presque tous les projets d'illustration, je commence presque toujours par des recherches d'images. Les images que je trouve vont éclairer mes croquis, lesquels nous allons entrer dans un instant. Je trouve que cette étape aide toujours à faire couler les jus. Je me laisse un peu de temps juste pour me perdre et chercher des images qui peuvent inspirer des idées, et m'informer sur certains détails des sujets réels ou des formes que je vais illustrer. Quand je me suis mis à trouver des images pour ce projet, je suis allé sur Pinterest et j'ai cherché les choses les plus évidentes comme la nourriture de camping, et bien sûr les articles réels de ma liste comme le poêle de camp, la poêle frire et ainsi de suite. Mais j'utilise aussi des termes de recherche qui sont peut-être moins évidents mais qui m'intéressent plus personnellement. Quand je pense au camping, je suis très nostalgique et je pense à l'équipement utilisé par ma famille quand j'ai grandi dans les années 1980 et 1990. L' équipement que mes parents auraient eu à l'époque provenait probablement des années 1960 et 1970. Ce sont les objets dont je suis le plus nostalgique et qui m'inspirent le plus. tourne vers mon ordinateur ici une seconde. Ce sont des images que j'ai tirées de ma recherche d'image pour cela. Comme vous pouvez le voir, il y a beaucoup de choses de camping et beaucoup de choses sont rétro, de l'époque dont je parle. Pour moi, cela construit une belle histoire, et bien sûr me donne quelques choses intéressantes à partir desquelles commencer à tirer dans la prochaine partie de ce processus. Lorsque j'ai fini de collecter des images de référence, je passe à ce que j'appelle l'observation ou l'esquisse en mode O. Dans certains de mes cours, j'ai aussi appelé ce croquis gratuit. C' est là que je dessine juste à partir de mes images de référence sans but sauf pour simplement télécharger des informations visuelles sur mon sujet. Je ne pense pas tellement aux idées à ce stade, vraiment. Il s'agit juste d'entrer plus profondément dans le processus et de garder le jus de fruits coule. Je ne suis pas inquiet à ce stade si mes dessins sont bons ou mauvais, ils commencent juste à dessiner à partir de mes images. Lorsque je fais des esquisses, j'utilise un simple crayon et je procrée, mais l'esquisse peut être faite sur du papier ordinaire ou dans un carnet de croquis aussi. Prenez le temps que vous avez besoin pour cette étape. Je dirais qu'au moins 30 minutes devraient vous suffire. Lorsque vous avez terminé, vous pouvez passer à l'étape suivante. Parfois, il est utile de faire une pause rapide entre ces étapes, suffit de reconstituer votre énergie mentale et de revenir avec un esprit frais. Comme vous pouvez le voir, ce sont mes croquis en mode O. Rien de spécial à leur sujet vraiment. Je mettrais juste une image sur mon écran, regardez-la, dessinez, passez à l'image suivante, dessinez, et ainsi de suite. vraiment rapide, estvraiment rapide, il s'agit juste de mettre quelques informations dans ma tête pour m'inspirer et me donner suffisamment d'informations sur les objets que je dessine. Ceci est particulièrement utile si je ne suis pas familier avec certains des détails de ce à quoi ces objets pourraient ressembler. C' est tout simplement incroyable à quel point vous regardez vraiment quelque chose quand vous le dessinez, par rapport à simplement le regarder dans l'image ou quelque chose en face de vous dans la vraie vie. Chaque fois que je remplis une page, je crée un nouveau calque et commence à dessiner dessus et je le ferai encore et encore jusqu'à ce que j'aie l'impression d'avoir fini. Après avoir terminé mes esquisses en mode O, l'étape suivante consiste à faire ce que j'appelle l'esquisse idéationnelle ou en mode I. C' est là que nous commençons à penser à nos idées et intentions réelles pour l'illustration. Ici, nous nous concentrons sur ce que j'appelle les trois C de l'esquisse, concept, du contenu et de la composition. Mes esquisses idéationnelles commencent un lâche et rugueux, puis au fur et à mesure que je vais, je suis en mesure d'obtenir plus de précision et de détermination sur mes idées. Notre tâche ici est de nous retrouver avec une composition qui nous satisfait, nous utiliserons ensuite pour illustrer. Ici, dans Procreate, vous pouvez voir que je viens de créer quelques miniatures, juste six ici et là, le même rapport d'aspect que mon impression finale sera, soit 8 sur 10. J' ai commencé tout à fait incertain. C' est comme l'étape maladroite de mon processus d'esquisse où je ne sais vraiment pas. Comme je l'ai dit, je n'ai aucune idée préconçue, je commence juste à dessiner, et à partir de là je commence à avoir une idée des objets qui fonctionnent et des pièces qui s'adapteront le mieux et, je passe sur un nouveau calque quand je remplis la page. Ici, vous pouvez voir par ma deuxième page, je commence à avoir assez bon sens de ce que les objets fonctionnent et ce que l'histoire que j'essaie de raconter est. Ensuite, je continue à essayer quelques autres choses juste pour m'assurer que j'ai essayé assez de choses pour avoir la meilleure idée possible. Après une courte pause, je suis retourné pour évaluer et choisir quelques-uns de mes préférés, que j'ai marqués avec un point rouge. On a celui-là avec, on a un poêles de camp, un café, des allumettes, une cafetière. Dans différentes variations avec ces objets, je suis resté avec l'idée du petit déjeuner. Je commençais à graviter autour du thème du petit déjeuner et à obtenir quelques belles compositions qui se passent ici. J' aime toujours que mes croquis soient aussi raffinés que possible avant de passer à mon art final. De cette façon, je peux travailler sur les petits plis qui pourraient me coincer plus tard. Je trouve que si je ne comprends pas les choses maintenant à l'étape du croquis, je finis par devoir les redessiner plus tard de toute façon. Dans ces esquisses plus raffinées, j'ai pris mes trois meilleures sélections que j'ai marquées d'un point rouge et les ai redessinées avec plus de clarté et de raffinement. Voici mes trois sélections finales pour aller dans des croquis raffinés. Ceux-ci que je sentais ou juste mes compositions les plus fortes et compte tenu du temps que j'ai passé sur eux, j'étais assez heureux avec ce que j'avais et il était temps de passer à autre chose. Je viens de mettre mes croquis originaux en bas ici, et mes croquis raffinés en haut, mon rugueux en bas, mon raffiné ou en haut. Comme vous pouvez le voir, je viens d'apporter quelques changements subtils à ce premier, et c'est l'orientation du beurre. J' ai ajouté quelques points de poivre pour plus de détails. J' ai affiné la forme de la poêle et ajouté une allumette. Avec les deux autres, j'ai aussi affiné ceux, mais j'ai trouvé même dans mon raffinement les choses n'étaient pas vraiment claires ou moins gênantes. Encore une fois, je suis allé avec le haut à gauche ici, et j'étais plutôt heureux de passer à autre chose. Vous devriez maintenant avoir au moins un croquis ou une composition qui vous satisfait, que vous aimeriez utiliser pour votre illustration finale. Si vous ne pouvez pas décider, choisissez un et promettez-vous que vous pourrez faire l'un des autres plus tard. L' important est juste d'avoir une composition claire avec laquelle vous pouvez travailler. Dans la vidéo suivante, nous commencerons à faire l'illustration réelle. 17. Projet Partie 1 : Art fini: Maintenant, il est temps de créer notre première illustration finale. Cela signifie que nous utiliserons le style choisi et les médias ou les outils et les techniques pour élaborer les croquis que nous avons développés à l'étape précédente. Maintenant, pour cette première illustration, pour rappel, l'objectif est d'utiliser notre palette plus simple de six couleurs plus une foncée ou noire. Nous voulons être aussi stricts avec nous-mêmes que nous pouvons à propos d'utiliser uniquement ces couleurs et de ne pas utiliser de variations étendues. Le fait que nous utilisions des objets simples comme base de cette illustration aidera certainement à cet égard. Maintenant que je vais dans cette vidéo, je vais vous montrer mon propre processus, qui est bien sûr très spécifique à mon propre style, outils et à mes techniques. Bien sûr, j'utiliserai aussi ma propre palette simple. Mais au fur et à mesure, je vais vous parler de mon processus de réflexion et de décision, qui, je crois, sera utile à tous ceux qui travaillent avec une palette limitée dans leur illustration numérique. Lorsque vous avez terminé par l'illustration, veuillez le poster dans votre projet de classe. Aussi, n'hésitez pas à partager votre travail sur Instagram. J' adore voir votre travail dans la nature, alors s'il vous plaît assurez-vous d'utiliser le #onepaletteillustrator. Puisque je vais illustrer dans Photoshop, j'ai Photoshop ouvert et je vais juste créer un nouveau fichier et ce fichier sera huit par 10 pouces à 300 DPI. Je vais juste créer ça. de suite, je vais juste sauver ça et je vais juste appeler ça des icônes simples, V1. J' ai copié mon croquis de procréer et je vais juste le coller ici dans Photoshop. Maintenant, une chose que j'aime faire avant d'entrer dans le reste du processus, je vais juste vous montrer ce que je fais pour configurer mon fichier, afin que je puisse tracer mon croquis sans que le croquis ne fasse obstacle à mon illustration et sans mon l'illustration bloquant l'esquisse. J' aime mettre mon esquisse dans son propre groupe de calques appelé sketch. De cette façon, chaque fois que j'ajoute ou change d'esquisse, si j'en ai deux, je le mets dans ce dossier et il garde les choses organisées. Ensuite, je crée un groupe de calques au-dessus de celui-ci appelé art. Toutes les illustrations que je crée vont faire partie de ce groupe de calques d'art. Tout ça va le garder séparé du croquis. Maintenant, la vraie puissance de cette configuration ici est quand je fais ça, j'ai mis l'opacité du groupe d'esquisses à environ 20 pour cent. Bien sûr, cela aide le croquis pas vous submerger et je fais l'art. Ensuite, j'ai défini le mode de fusion du groupe de calques d'art pour qu'il se multiplie. Cela garantit que toutes les formes que je crée dans le groupe de calques d'art sont transparentes pour l'esquisse, mais pas pour les autres calques du groupe de calques d'art. Si j'ajoute d'autres choses qui se passent ici dans le groupe de calques d'art, juste d'autres illustrations. Vous pouvez voir si je cache le croquis, les objets eux-mêmes sont opaques les uns aux autres. Ils ne se multiplient pas les uns sur les autres. Mais le groupe de calques global se multiplie sur le groupe de calques d'esquisse, puis ce que j'illustre, je peux voir l'esquisse, et c'est juste une bonne façon de le faire. Je voulais juste vous montrer que travailler avant sauter en mode vitesse et de vous parler tout au long du projet. Maintenant, juste en commençant par l'illustration, je vais commencer par les œufs. J' utilise le pinceau de texture juste pour le remplir avec la couleur unie, mais la texture donne aux objets un peu plus d'un, c'est juste une sensation plus légère pour eux. J' aime juste la texture dans mon travail en général aussi. Faire la même chose ici avec la poêle. Utiliser une petite opportunité ici pour laisser des espaces passer par cet objet. Je fais la même chose avec le contenu de cette poêle à frire. J' ajouterai probablement des œufs là-dedans. Nous utilisons la même brosse texturée que j'utilise pour tout le reste à peu près. Passons à l'emballage de beurre. Je vais juste profiter de cette occasion pour utiliser une autre de mes couleurs, cette fois le bleu cyan, en le remplissant avec le pinceau de texture. Comme vous pouvez le voir, je suis juste de remplir chaque objet plus généralement au début , puis j'entre dans les détails de chaque suivant. Si le bec et moi allons ajouter une bande de graisse là-dedans avec du blanc et puis copier ça, réglez l'opacité à 30 ou 40 pour cent. C' est juste, bien sûr, ajoute un peu plus d'intérêts en détail à cet objet. Passons maintenant à la cuisinière comme le cylindre de dose des camps, le cylindre de propane et l'appareil qui combiné en fait le poêle de camp. Je travaille juste sur certains de ces détails et les couleurs qu'ils seront. Passons aux formes des salières et poivrières. Ici, je me laisse juste couper et coller et changer l'un d'eux juste un peu. Ce n'est pas totalement coupé et collé. Je choisis pour l'instant d'ajouter du vert au poivrier là. Maintenant, je vais utiliser mon encre juste pour créer un travail de ligne. La plupart de mes détails de doublure vont être aussi sombres ou le DV. Ensuite, je multiplie ceux sur quelle que soit la couleur qu'ils sont finis et cela aide à rendre tout plus intégré. Bien sûr, beaucoup de mes illustrations intègrent des lettrages d'une sorte ou d'une autre. Ici, je profite de cette occasion. J' aime mon lettrage séparé et plus grand. Ensuite, je le rétrécit et je le mets à qui il appartiendra plus tard. C' est juste un style de lettrage très simple que j'utilise beaucoup. J' utilise la grille dans Photoshop juste pour faire de toutes mes lettres une taille cohérente. J' aime aussi affiner les lettres autant que possible en effaçant les petits morceaux des extrémités, je pendre passé où se trouvent les lignes de la grille. Ici, pour le paquet d'œufs, le lettrage aide vraiment à créer un visuel plus intéressant. Je pense que le paquet d'œufs avec juste une couleur ou une texture ou quelque chose ne serait pas suffisant. Ajouter le lettrage ici, tant qu'il est théorique et pas trop détaillé, ajoute vraiment quelque chose à l'illustration. Je multiplie cette couleur sur le jaune aussi, et encore une fois, cela apporte juste un peu plus d'harmonie à tout. J' ai décidé ici de changer la couleur du lettrage latéral, comme frais et une douzaine, juste à la couleur sombre à la place. Maintenant, je travaille sur la texture. J' essaie de comprendre quelle brosse fera la meilleure texture pour tous les objets de cette pièce. J' utiliserai la même brosse de texture, la même couleur et la même technique tout au long de mes illustrations. Je décide enfin de ce pinceau, puis je l'ai ramené à 30 pour cent et je le multiplie sur ce qu'il est assis au-dessus. Maintenant, ici, je suis juste en train d'ajuster le lettrage, j'ai senti que c'était trop serré. Ce n'est que le détail finicky mais il ressemble un peu plus à ce que j'avais dans mon croquis, les lettres sont plus espacées, a un sentiment plus gracieux et aussi rétro à elle. Maintenant, j'ajoute le jaune de tout ce qui est dans la poêle à frire, les œufs ici, en utilisant la même brosse à texture, et je passe à ajouter plus de détails ici. Je crée le graphique sur le paquet de beurre en utilisant le jaune d'abord, et maintenant, je suis sur le point de travailler sur le style de lettrage. Je choisis un pinceau pour la lettre. Je vais faire ce lettrage en blanc pour commencer. Encore une fois, utilisez la grille dans Photoshop juste pour rendre mes lettres un peu plus uniformes et mesurées plutôt que de se sentir libre. Une fois que j'ai fini mon lettrage, je l'ai mis en place ici. Je vais en fait le mettre sous le jaune du graphisme emballé au beurre. Ce jaune, le multiplier sur le blanc sera toujours jaune, mais le multiplier sur le cyan ou le bleu crée cette belle couleur verte. C' est juste une façon intéressante de travailler avec les différentes couleurs en utilisant l'opacité et se multiplier dans ce cas. J' aurais pu choisir de faire le mot beurre blanc au-dessus du jaune, mais cela fonctionne aussi, et bien sûr, nous savons que le vert est un mélange du cyan ci-dessous et du jaune au-dessus. Il y a juste une tonne d'harmonie des couleurs qui se passe nativement ici. Je profite de l'occasion pour ajouter quelques éléments de lettrage, toujours juste ajouter un peu plus d'intérêt visuel, garder les choses intéressantes, juste faire un nom de marque. Le beurre de Farmfield, il devrait exister, me semble réel. Ajout d'une partie de la ligne de travail avec mon encre à nouveau, juste pour les plis des extrémités du pack de beurre. Maintenant, je vais utiliser la même texture des oeufs et juste la coller ici dans le paquet de beurre et la mettre à 30 pour cent d'opacité et la multiplier. Je vais le faire à peu près partout où il y a de l'ombrage dans cette illustration. Maintenant, je travaille sur certains graphiques dans les détails de lettrage du cylindre de propane de la cuisinière. J' utilise mon pinceau encreur comme pinceau à lettrage ici. Ensuite, bien sûr, couper avec mon outil gomme juste pour affiner les extrémités et les formes générales de ces lettres, juste pour les faire paraître un peu plus intentionnelles. Je rétrécit ça, jette à la forme du cylindre de propane, commence à ajouter quelques détails. Je vais m'embêter un peu avec ça, et je décide que je veux que ces détails, ce triangle et le lettrage soient blancs. Ça laisse passer un peu d'espace blanc. Je vais trouver comment faire en sorte que cette flamme ait l'air flamboyante. Ce serait un peu plus difficile à cause de la nature d'une flamme, elle est éphémère et n'a jamais une vraie forme et elle est transparente. Qu'est-ce qu'une flamme ? J' utilise juste différentes combinaisons de couleurs pour voir ce qui fonctionne, et je finis avec ce jaune, blanc et bleu, et cela semble bien fonctionner. Maintenant, il est temps d'ajouter les correspondances. Je vais juste copier et coller ceux pour qu'ils soient tous égaux en taille, et pour créer un peu de répétition dans l'image. Ensuite, bien sûr, ajoutez les têtes de match à chacun d'entre eux. Un peu de blanc avec assez de texture pour que le rouge passe à travers, et qui fait en sorte que vous pouvez au moins faire ressortir la rondeur des pointes plutôt que de les regarder totalement coupés et se fondre dans trop avec la page derrière. Ici, je vais juste ajouter plus brûlé à une sensation croustillante de ce bâton d'allumette et ajouter quelques miettes. Ajouter quelques derniers détails à la pièce, juste des morceaux de poivre que je peux disperser et bien sûr, terminer le salière et poivrière. Il y a quelques détails, et allez avec du lettrage comme je l'ai fait ailleurs, faire séparément et plus grand, puis l'ajouter à la forme de l'objet plus tard. Je cherche juste un pinceau approprié pour le salière et poivrière ici. Celui-ci est un peu bizarre quand il est grand, mais quand il se rétrécit, ça a l'air bien. Bien sûr, en ajoutant une partie de cette texture de mon pinceau de texture et en devenant indécis de la couleur. J' essaie juste de trouver comment équilibrer les couleurs dans ce coin supérieur. On dirait qu'il y a beaucoup de rouge en ce moment. Je décide que la bouteille de propane va être verte, mais ces détails en haut, je vais garder comme la marine ou l'obscurité, et je vais juste faire un peu de bruit ici avec la couleur des salières et poivrières. Ajoutez un peu de texture à la bouteille de propane, bien sûr. Ici, je suis juste en train d'assombrir le lettrage, rendant plus intense et contrasté. Je me soucie des couleurs de toutes les polices maintenant pour le lettrage. Deuxième devine, mais ensuite je reviens à mon original. Je fais ça beaucoup. Bien sûr, ajoutez un peu de rouge épicé aux œufs, juste pour ajouter un peu plus de nuance là-bas et apporter un peu plus rouge plus bas et juste répartir quelques-unes des couleurs plus uniformément sur toute l'image. Essayer de garder mes couleurs aussi simples et fidèles à ma palette stricte que possible. Maintenant, quand j'ai fini, j'ajoute ma signature, un peu d' agitation avec la couleur de ça, et je me retrouve dans la marine ou dans l'obscurité. Juste quelques petits détails de finition, et je pense que j'ai fini. 18. Partie 2 du projet : Croquis: Dans la première partie, nous avons illustré des objets simples sans arrière-plan, et nous avons utilisé notre palette la plus simple de six couleurs. Dans la deuxième partie, nous allons illustrer une scène plus complexe. Celle-ci inclura la nourriture et l'activité que nous avons choisie plus tôt, mais aussi certaines personnes interagissant les unes avec les autres et la nourriture et les objets de la scène au premier plan. Bien sûr, comme il s'agit d'une scène, vous voudrez également inclure des éléments d'arrière-plan pour définir la scène. Cette illustration sera plus complexe car nous traiterons de différentes couleurs de peau, ainsi que de créer un sentiment de premier plan et d'arrière-plan. Pour ce faire, nous utiliserons notre palette étendue que nous avons créée dans l'exercice 3. se peut même que nous devions l'étendre et le modifier encore plus au fur et à mesure que nous allons. Le filet soit en gardant les couleurs cohérentes et aussi simple que possible, en utilisant des couleurs étendues seulement au besoin. Maintenant, juste une note, si dessiner des gens à part entière est intimidant pour vous, hésitez pas à illustrer juste la propagation de la nourriture avec peut-être quelques mains venant des bords. C' est une excellente solution de contournement pour ceux qui veulent sauter dans l'illustration mais qui ne sont pas encore confiants sur la façon dont ils attirent les gens. J' ai une classe appelée corps impairs, qui traite de la douleur spécifique pour les gens, dessinant les gens dans leur illustration et je vous encourage à prendre cela à un moment donné et peut-être même revenir à cette partie du projet après avoir pris étrange corps. Le but de cette partie du projet final est de s'entraîner à utiliser les mêmes couleurs d'un projet d'illustration à l'autre, quelle que soit la complexité. Un autre objectif est de démontrer comment une palette peut être étendue sans perdre son sens de cohérence entre les illustrations. Dans notre première illustration, nous avions une palette similaire, et maintenant nous allons avoir une illustration plus complexe avec une palette plus étendue et les deux seront cohérentes car elles sont enracinées dans le même jeu de couleurs. Un autre objectif est de montrer comment répondre à des exigences plus complexes, telles que des tons de peau variables et des compositions complexes sans perdre la sensation de simplicité des couleurs d'une palette plus stricte. Encore une fois, vous pouvez vérifier les faits projets sur la page Projets et Ressources de cette classe, mais nous utiliserons le même format, 8 sur 10 pouces, 300 points par pouce et vous pouvez le faire en format vertical ou horizontal, C' est tout à fait à vous de décider. Encore une fois, j'utiliserai Procreate pour les esquisses et Photoshop pour les illustrations finales. Vous trouverez probablement utile à ce stade de faire plus de recherche d'images, cette fois avec un oeil pour les scénarios de paramètres chez les gens. Pour cette étape, je suis retourné à Pinterest et j'ai cherché des choses comme les gens qui campent, gens de camping rétro, et même des choses comme le pique-nique des années 60. Je voulais juste trouver des gens rassemblés dans un contexte de camping. Encore une fois, parce que je suis nostalgique à propos de l'idée du camping dans les années 1960 et 1970, j'ai besoin de ma recherche plus spécifique à cette époque. concerne mes images que j'ai recueillies à l'étape de Bridge, vous pouvez voir que tout est toujours sur le thème du camping, mais cette collection met davantage l'accent sur les gens qui dînent autour d'une table ou pique-niquent. C' est juste fondamentalement si le premier ensemble d'images de référence pour la première partie de l'illustration, nous sommes plus composés et concentrés spécifiquement sur les objets alimentaires. C' est comme s'éloigner et regarder davantage l'environnement ou le contexte. Je dirais qu'il faut un certain temps pour faire des croquis en mode O de personnes dans vos scènes, surtout si vous pensez que cela aidera à faire couler les jus pour les esquisses idéationnelles. Ici vous pouvez voir mes croquis en mode O. Ils ne sont vraiment pas si étendus. J' ai juste gribouillé sur quelques-unes de mes images et je ne sais pas pourquoi, mais je pense que j'avais déjà fait un tas de croquis en mode O pour la première partie et j'étais vraiment impatient d'entrer dans les croquis réels pour cela. Je verrai dans un instant, j'ai fini par avoir à faire une tonne de croquis en mode I et je pense que cela rattrape à quel point j'étais mal préparé parce que j'ai sauté cette étape. Tout comme la dernière fois, après avoir terminé vos esquisses d'observation, si vous choisissez de les faire avec diligence, l'étape suivante est d'aller dans des esquisses idéationnelles ou en mode I. Dans ces croquis, n'oubliez pas de penser à nouveau trois C : le concept, le contenu et la composition. De quoi s'agit-il de l'illustration ? Quels objets et personnages seront utilisés pour représenter votre concept et comment allez-vous tout organiser dans la composition ? Comme la dernière fois, j'ai mes six spots miniatures dans Procreate, puis j'ai commencé à dessiner, en essayant d'avoir des idées. Comme d'habitude, j'ai commencé tout à fait gênant avec juste mettre en bas ce que j'avais cette idée initiale, peut-être que je pourrais éviter de dessiner des gens pleins en jetant juste leurs mains sortant des bords. Je continuais à penser qu'il y avait peut-être une table de pique-niques et puis je me suis coincé quelques fois et j'ai pensé, eh bien, j'avais ces objets de la première illustration. Je suppose que je devrais les jeter dans la composition d'une manière ou d'une autre. Ici, j'ai essayé de faire ça. Encore une fois, éviter de dessiner des gens pleins dans celui-ci et essayer d'inclure des choses comme le bacon, le café, l'idée d'un poêle de camp, juste essayer quelques autres choses se perdre un peu, ce qui est tout à fait bien. Alors pensant, oh, peut-être qu'il devrait y avoir plus de contextes, plus d'arrière-plan. Peut-être qu'il devrait y avoir une tente et quelqu'un qui coupe du bois ou une hache ou quelque chose en arrière-plan. Juste pour vraiment mettre la scène en termes de site de camping. Je pense que j'ai commencé à devenir plus audacieux et que j'ai juste des gens qui ont la table. J' avais une idée de ce que ressemblait cette relation d'arrière-plan de premier plan et de ce que seraient les objets réels de ma scène. Alors, ouais, je revenais à cette idée et puis je suis retourné à, oh, peut-être que je devrais juste refaire les mains et ensuite peut-être que je devrais vraiment ramener les gens à l'intérieur. Aller et venir, être indécis, c'est normal d'être indécis à une étape comme celle-ci parce que c' est juste toi et ton carnet de croquis. Si vous n'êtes pas encore satisfait, alors il suffit de continuer et vous savez qu'un bon moment pour arrêter est bien sûr, quand vous commencez à répéter vos thèmes encore et encore. Mais vous ne voyez aucun changement énorme en termes de contenu ou de composition. Aussi si vous commencez à vous sentir frustré comme si vous commencez à obtenir de l'énergie négative, alors c'est le bon moment pour l'appeler, faire une pause et y revenir avec un œil plus critique. C' est ce que j'ai fait comme la dernière fois que j'ai commencé à mettre des points rouges sur ceux que je pensais être les plus prometteurs. J' ai aimé celui-ci parce qu'il avait les trois personnes, il avait un bon sens de l'arrière-plan de premier plan sans être totalement détaillé. J' ai juste eu comme une partie de la voiture en arrière-plan et une partie de la tente et j'ai vraiment aimé ce sentiment. J' aime aussi cela comme une possibilité où au lieu d'avoir une personne entière au premier plan, j'ai eu quelqu'un en arrière-plan qui a mis cet élément humain en quelque sorte, mais aussi en se connectant avec les gens au premier plan. Comme la dernière fois, j'ai pris mes meilleurs croquis et les ai placés dans un nouveau document pour les tracer avec plus de clarté et de raffinement. Dans ce cas, j'ai décidé d'affiner juste un qui avait les personnages complets en eux plutôt que seulement les mains. En affinant mes croquis, j'ai rendu mon dessin aussi clair et confiant que possible. Porter une attention particulière aux détails, y compris à quoi ressemblent les personnages, ce qu'ils portent, et surtout comment les choses se chevauchent. Maintenant, juste en regardant rapidement mes croquis raffinés, à gauche, nous avons mon croquis grossier où j'avais les trois personnes au premier plan, puis un peu du camping en arrière-plan juste pour mettre la scène et ensuite j'ai itéré quelques reprises jusqu'à ce que je sois satisfait du niveau de détail. J' ai ajouté plus de détails, l'image est devenue un peu plus complexe ici. Mais bien sûr, je pense maintenant en termes de détails comme ce qui est inclus. J' ai mon poêle de camp, mon bacon, le café, les œufs, le salière et poivrière. L' idée du café. J' ai ajouté quelques arbres en arrière-plan parce que pour moi, quand on campe, il y a des arbres partout. C' est ce que j'ai fini par faire dans le croquis et être vraiment spécifique sur les choses que possible. C' est toujours juste un croquis, il n'y a pas de couleur, il n' y a pas de textures et d'ombrage vraiment. Mais je commence à réfléchir à l'endroit où les choses vont s'adapter et s'asseoir dans la composition finale. Maintenant, vous devriez avoir une composition finale avec laquelle vous êtes heureux d'apporter dans l'illustration finale. Encore une fois, essayez de ne pas rester coincé sur la composition parfaite. Il arrive un moment où vous devez simplement aller de l'avant. Choisissez votre croquis préféré pour la scène complète et allez-y avec. Si vous trouvez à l'étape suivante que vous y entrez qui ne fonctionne pas, vous pouvez toujours revenir en arrière et affiner votre croquis plus. 19. Partie 2 du projet : Art fini: Maintenant, il est temps d'illustrer notre scène complète. Pour celle-ci, nous pouvons utiliser nos palettes plus étendues, ce qui, je pense, sera utile car nous essayons de les appliquer à nos compositions plus complexes. Le but est encore d'être discipliné au sujet de coller dans notre palette ; est juste que nous obtenons un peu plus de teintes et de nuances pour travailler avec. Ce que vous trouverez, espérons-le, c'est que vous n'avez pas besoin de tonnes de couleurs différentes. Vous découvrirez que votre simple palette de six couleurs plus foncées plus quelques teintes et nuances est plus que suffisant pour créer de belles œuvres d'art. En collant à votre palette, l'illustration que vous faites pour celle-ci sera cohérente avec la première illustration. C' est ainsi que vous développez un sens cohérent de la couleur dans tout votre travail en ayant une palette de maison simple, puis en utilisant simplement des variations quand vous en avez besoin. Comme la dernière fois, je vais vous montrer mon propre processus, qui est bien sûr très spécifique à mon propre style, outils et techniques, ainsi qu'à ma propre palette. Mais comme la dernière fois, je vais vous parler à travers certaines de mes réflexions pendant que j'ai suivi mon processus. Encore une fois, lorsque vous avez terminé votre illustration, veuillez la poster dans le projet de classe. Encore une fois, s'il vous plaît partager votre travail sur Instagram en utilisant le hashtag onepaletteillustrator. J' ai hâte de voir ce que vous faites, mais d'ici là, allons dans la démo. Bien sûr, nous allons juste commencer par configurer le fichier de la manière habituelle. Créez ceci à nouveau à 8 x 10 pouces, puis obtenez ce croquis là, mettez tout en place pour illustrer plus. N' oubliez pas d'enregistrer votre fichier au début et tout au long du processus de création de votre art. Je choisis une des personnes pour commencer. Cette personne au premier plan sera un bon point d'entrée pour commencer le processus d'illustration ici. J' aime juste m'assurer que tous mes chemins sont bien avant de commencer à les remplir. Je commencerai tout de suite par choisir une couleur de peau à partir de l'un des tons adjacents ou ressemblant à une peau que j'ai définis dans ma palette. Je vais comprendre quels seront les tons exacts de la peau, fur et à mesure que je vais, je choisis quelque chose et commence avec. Je bloque les choses pour l'instant, mets des vêtements là-dedans, bien sûr. J' ai la couleur des cheveux là-dedans, j'ai utilisé ma couleur la plus foncée et ensuite je multiplie ça sur le teint de la peau. Ce que je cherche, les vêtements et le teint de la peau et les cheveux, je veux juste m'assurer que j'ai assez de contraste entre chacun des éléments. Ici, je travaille sur les détails de travail de ligne entre les doigts et la bouche ici. C' est juste mon shader que j'ai multiplié sur le teint de la personne. Je vais juste ajouter quelques détails dans la chemise. Bien sûr, parce que c'est du camping, une jolie chemise à carreaux en flanelle est en ordre. J' utilise juste un pinceau plus large ici. J' utiliserai ma couleur foncée, mais puis la redimensionner en opacité à 50 pour cent de sorte que lorsque je le chevauche sur d'autres copies de ce même motif, cela crée ce joli effet à carreaux. Bien sûr, je le multiplie aussi, donc j'ai une multiplication et un ajustement d'opacité dans cet élément à carreaux. Pour certains des petits détails ici, juste pour séparer le bras du reste du corps et un peu pli là, je vais utiliser mon encre avec la couleur la plus sombre et ça aide juste à distinguer ces petits détails. C' est juste une belle petite occasion d'ajouter du blanc. A la sorte de la page de venir à travers cette autre illustration blanche solide. J' ajouterai une petite joue rougissante ici. Maintenant, je commence à être plus précis sur la couleur de la peau. Ce que je cherche est quelque chose qui sera un bel équilibre entre un teint sombre, avec quelque chose qui va bien contraster avec les vêtements, et puis aussi, laisser certains de ces détails comme les lignes entre les doigts et le sourire et le fard à joues aussi être visibles. Je cherche exactement ce que sera ce ton. Une fois que j'ai fait cette personne, il est temps de commencer à bloquer la table. Je veux juste m'assurer que la couleur n'est pas trop intense. Que plein sur le jaune est trop et donc je suis allé avec un jaune plus léger. Maintenant, je commence à travailler sur les détails du premier objet de la scène, qui est mon petit poêle de cuisson, mon petit poêle de camp. Pour une raison quelconque, j'ai commencé avec le rouge comme couleur. Je crois que la couleur était verte dans mes objets, mais je vais travailler sur ce détail dans un instant. Comme vous pouvez le voir, ces couleurs plus pleines, intenses, pures de ma simple palette se distinguent vraiment bien contre cette teinte de jaune comme fond. Il suffit d'ajouter certains des détails dont je me souviens de l'objet. Vous pouvez bien sûr, référer à votre illustration précédente pour obtenir l'un de ces détails correctement, ce que je vais faire beaucoup dans cette illustration. Voici où je jette un coup d'oeil à ma première illustration et réalise, oui, que j'ai fait ce cylindre de propane vert, pas rouge. Je vais aussi emprunter quelques éléments de cette illustration précédente juste pour me faire gagner un peu de temps. J' aime redessiner mes éléments frais dans chaque illustration autant que possible plutôt que couper et coller. Mais pour les petits détails comme celui-ci, je me donne un laissez-passer et je me laisse copier et coller et je m'assure également d'avoir la cohérence entre les deux illustrations. J' apporte juste quelques autres éléments que j'avais déjà faits, pourquoi ne pas simplement les réutiliser plutôt que de réinventer la roue. Maintenant, je travaille sur le gars du café, la prochaine personne dans cette illustration. Je commence juste par la tête. Maintenant ce gars, sa peau sera plus de cette teinte jaune, qui est fondamentalement la même couleur que la table de pique-niques ici. En travaillant avec une palette limitée très simple, vous allez trouver différents objets partageant la même couleur, alors que dans la vraie vie, ils seraient probablement des couleurs très différentes. Je ne connais personne de la couleur d'une table de pique-niques, mais vous pouvez le faire avec une palette simple. J' ai trouvé que ses jeans sont juste un peu trop intenses, donc j'ai utilisé une teinte de cette couleur pour ma palette étendue. Maintenant, je passe à ce détail de bras. Faire de sa chemise un brun plus foncé de la palette, puis il porte un gilet, ce qui est si beau, rouge vif. C' est un beau contraste là-bas. Maintenant, je travaille juste sur son bras de fond, le bras juste derrière, venant de derrière la machine à expresso. Maintenant, il est temps d'illustrer la machine à expresso elle-même. Je vais utiliser juste la couleur shader, qui fonctionne bien comme un gris métallique ici. Maintenant, ajouter dans ces détails prend toujours quelques essais, comme comment cette poignée va-t-elle fonctionner et ensuite s' intégrer parfaitement à la ligne de la machine à expresso ? Pour une raison quelconque, je ne suis pas super content de tout ça. Ce que je finis par faire à la place est juste d'utiliser l'outil plume plutôt qu'un pinceau de forme libre. Cela me donne juste un peu plus de contrôle sur cette forme particulière. Là, je crois, je l'ai. Je vais juste ajouter quelques détails à la machine à expresso. Ici, j'utilise juste des lignes blanches au lieu de mon travail de ligne plus sombre, et cela aide juste à garder les choses plus légères. Je pense que si j'utilisais la ligne sombre partout sur la machine à expresso, ça aurait semblé trop lourd. Maintenant, il suffit de jeter un peu d'ombrage avec ce pinceau de texture. Bien sûr, en ajoutant la main du gars qui vient autour pour le tenir. Ce serait probablement trop chaud pour le toucher à mains nues. Mais ce n'est pas une illustration réaliste de toute façon. Ajout de certains détails de travail de ligne de la main. Encore une fois, en utilisant exactement la même teinte ou la même couleur multipliée sur la couleur de la peau que j'ai fait avec le personnage de premier plan. Pour les cheveux, je viens de multiplier le bleu marine ou le noir sur le teint de la peau. Encore une fois, en utilisant la même technique de rougissement que j'ai utilisée dans le caractère de premier plan, c'est la même couleur, la même opacité, la même multiplication. Bien sûr, il prend sur la tonalité du teint de la peau en dessous. J' utilise le même poids que j'ai utilisé pour la cafetière que pour la couleur et la fermeture éclair de la veste. Maintenant, je vais lui donner un joli motif à carreaux jaune parce qu'il ressent aussi les vibrations de flanelle. Voici juste que jaune et je ne suis pas de retour à l'opacité à un certain montant. Alors cela permet à cette couleur plus foncée de sa chemise de passer à travers. Maintenant, bien sûr, il est temps d'ajouter des tasses à café, vous donnant un peu d'ombre. Ensuite, je me permets de copier et de coller ça entre les trois personnes ici. Cela ajoute une belle répétition dans l'image. J' ai aussi réalisé que j'ai oublié d'ajouter une partie du motif à carreaux dans le bras de fond là-bas. Maintenant, je suis juste en train de le reprendre, donc ce n'est pas aussi intense. C' est un peu plus subtil. Ici, j'essaie juste de comprendre la forme de la tête et où la forme des cheveux va atterrir. Cette personne va être un teint de peau plus rosée. Il y aura un col roulé. J' essaye juste certains de ces petits détails de mains. Les mains sont toujours un point de peinture pour moi. J' ai décidé dans ce cas juste de l'éviter pour l'instant. Je ferai la main plus tard. Maintenant, je suis en train de remplir le vert et de trouver qu'il est assez intense. Je vais probablement remonter ça d'une manière ou d'une autre. Je vais utiliser une teinte que j'ai trouvée dans ma palette étendue. Maintenant, j'essaie juste de le multiplier et puis de reprendre l'opacité pour que ce soit toujours une forme de ce vert. Ça prend plus de la nuance du teint de la personne. J' aime mieux ça. J' ai trouvé la teinte de sa chemise ici un peu trop laiteuse. Encore une fois, il suffit d'appliquer ces mêmes propriétés à la manche du bras comme je l'ai fait avec le reste du pull. Maintenant, remplissant les cheveux. Maintenant, la forme des cheveux est délicate car elle doit aller sous le chapeau, sur le visage, sur la couleur, puis derrière l'épaule. Je me fous de ça. Elle va avoir des cheveux bruns, cette couleur marron foncé de la palette. Tous les yeux de mon peuple ici auront la même couleur, ce qui est la marine noire. Encore une fois, ses détails faciaux reçoivent également le même traitement que tout le monde. Pour les hotlines, je pense qu'une ligne sombre est trop lourde, donc j'utilise les mêmes lignes blanches que celles que j'ai utilisées dans la cafetière. Juste ajouter quelques détails, maintenant juste pour séparer les différentes parties de son corps dans la couleur. Maintenant, j'utilise la même encre que celle que j'utilise pour les hotlines et la cafetière. Je les utilise maintenant est un motif dans son pull. Ce modèle aidera, il brise la solidité de sa forme. Cela aide également à la confronter avec la personne de premier plan. Il suffit d'ajouter quelques lignes pour donner un sentiment de différenciation entre ces formes qui se chevauchent. Ensuite, je reprends l'opacité de ce poids aussi environ 50 pour cent. Cela rend juste le motif un peu plus subtil. Bien sûr, en ajoutant les détails de travail de ligne ici comme je l'ai fait partout ailleurs. Vous remarquerez que j'ai multiplié la ligne noire séparant ses bras du reste de son corps. Cela semble un peu plus sombre que le bleu marine qui est partout ailleurs. C' est juste avec cette forme de main. Encore une fois, c'est un gros point de douleur quand on illustre les gens juste comment obtenir que ces mains ne semblent pas trop gênantes. Je suis d'accord avec les doigts de saucisse. Je tiens juste à faire en sorte que les formes comme un intentionnel et pas accidentel. Il suffit de compléter une partie du motif qui manquait dans la manche ou le brassard. Ensuite, bien sûr, ajouter quelques détails finaux du travail de ligne sur la peau là-bas. J' aime aussi ajouter un peu de rougissement, comme ce que j'ai sur les joues sur d'autres parties du corps juste pour ajouter plus de contraste lorsque nécessaire, et juste ajouter d'autres nouveaux aux tons de peau de la personne ainsi. Bien sûr, en ajoutant un peu d'ombrage en utilisant mon remplisseur de texture, tout comme nous l'avons fait avec les taches simples. Ici, je pense un peu au fait que tout ait la même direction de la lumière, mais je ne suis pas super cohérent à ce sujet. Maintenant, il est temps d'ajouter cette assiette de bacon, en ajoutant une belle grande surface de blanc ici pour l'assiette, va vraiment aider à apporter une partie de cette couleur de papier ou cet espace négatif à travers cette troisième partie inférieure autrement solide de l'image où se trouvent la table et tous les objets. Commencer à dessiner dans quelques rashers de bacon sur cette assiette. Pour le bacon, je ne veux pas d'un bord super solide, donc je laisse une partie du bord être un peu plus rugueux. Maintenant, j'ajoute ces bandes de graisse. Ceux-ci aident à séparer ou à différencier les deux morceaux de bacon sur l'assiette. Ensuite, j'utilise une version plus tirée en opacité de cette bande de graisse pour séparer davantage les deux morceaux de bacon et aussi bien sûr donner aux morceaux de bacon plus de caractère. Je vais également utiliser l'ombrage, qui ajoutera à la fois le caractère du bacon et, bien sûr, donnera un peu de contraste entre les deux, puisque l'ombrage apparaît en bas du bacon et non en haut de chaque pièce. De cette façon, il aide les deux pièces à se lever l'une de l'autre. Maintenant, je suis en train de perfectionner certaines de ces formes avec la main et la plaque où elles interagissent. Maintenant, pour ajouter la spatule dans cette partie inférieure gauche de l'image. Encore une fois, c'est une autre occasion d'apporter un peu d'espace négatif ou un peu de rythme blanc, cela aide juste à ouvrir cette partie inférieure vraiment solide de l'illustration. Aide à respirer un peu plus et lui donne plus d'intérêt visuel. Je vais passer quelques instants ici juste à perfectionner la forme parce que ça me semble gênant et hors d'une manière pas si bonne. Je vais juste faire du bruit avec ça un peu jusqu'à ce que je me sens bien à ce sujet avant de passer à autre chose. Ici, je vais me donner un laissez-passer. Laissez-moi simplement copier et coller le sel et le poivre directement à partir de l'illustration des objets. Ce sont des éléments mineurs, donc je n'ai pas besoin de consacrer beaucoup d'attention à eux et de les dessiner à nouveau, réinventer la roue. Bien sûr, j'ai besoin d'ajouter quelques assiettes de nourriture là où sont les buveurs de café de l'autre côté de la table. Je vais juste avoir des œufs et du bacon dans leur assiette, c'est en utilisant des pinceaux texturés et en gardant ça très simple. J' aime comment le rouge du bacon et le motif global juste bacon ici est répété. Vous l'avez au premier plan, puis vous l'avez répété en arrière-plan et il suffit de le copier et de le coller entre les deux plaques. Je peux me faufiler derrière l'œuf sur l'autre assiette. Cela aide juste à ressembler à ce que je ne l'ai pas complètement copié et collé. Ici, je vais juste avec un bord plus solide sur la plaque au premier plan, et en ajoutant un peu plus de détails. Les éléments de premier plan et obtenir des éléments plus détaillés et d'arrière-plan. Apporter certaines de ces allumettes. Tout comme nous l'avions dans l'illustration d'objets simples. Maintenant, je veux apporter un peu de couleur du ciel. Je veux préserver le rythme des blancs dans le milieu. Je vais laisser de cette façon et puis juste ajouter un peu de couleur de ciel à l'arrière, fond en haut de l'image. Ensuite, à partir de là, je passe à apporter la voiture avec le canoë sur le dessus. Ajoutez quelques roues simples. Je pense que juste la ligne blanche comme les cercles assez pour suggérer des enjoliveurs n'a pas besoin d'aller trop en détail là-bas. Maintenant, pour les fenêtres, nous savons que les fenêtres sont claires et que peut-être l'arrière-plan, le ciel ou tout ce qui est derrière elle montrerait à travers tout ce qui se trouve derrière la voiture. Ici, je vais juste le remplir avec mon shader et utiliser multiplier juste pour donner le sens de cet assombrissement qui se produit lorsque vous regardez à travers la fenêtre d'une voiture et il est plus sombre à l'intérieur de la voiture qu'à l'extérieur. Bien sûr, je vais juste ajouter quelques détails subtils, des poignées et un volant. Je n'ai pas besoin de beaucoup pour les éléments de fond. J' aime dessiner mes voitures très simples aussi. Maintenant, je vais ajouter le canoë, apportant une partie de ce beau ton jaune vif, qui se reflète également dans les œufs. Puis j'ai trouvé que la couleur de la voiture était trop intense. Je l'ai ramené à l'une des teintes de ce bleu, que j'avais ma palette étendue. Maintenant, je vais juste ajouter quelques détails dans la galerie de toit. Encore une fois en utilisant mon encreur de ligne, et mon noir. Maintenant, je vais ajouter le petit drapeau que j'avais sur la pointe du canoë. Ce sera un petit drapeau canadien. Je vais le rendre un peu plus grand pour qu'il soit plus facile à voir et à faire et ensuite je peux le réduire à la taille après. Comment il essayer le Canadien que je crois pour moi est super difficile. Je vais faire quelques essais ici, et essayer de ne pas faire ressembler à une feuille de cannabis, qui, pour une raison quelconque, a continué à ressembler à la feuille de marijuana pendant que je dessinais ça. Je pense que je suis trop inquiet avec cela, surtout compte tenu de la petite taille du drapeau va tenir compte. Mais parfois, il est facile de se faire tirer sur un détail et de perdre la perspective de l'ensemble de la situation. Je suis assez heureux. Je l'ai mis en place et je passe à autre chose. Ajoutez un peu d'ombrage au canoë dans la voiture. Maintenant, ici pour l'ombrage, c'est la même texture, la même technique que les éléments de premier plan, mais en fait reverser l'opacité plus, de sorte qu'elle soit encore plus faible que lorsque j'ai appliqué l'ombrage au premier plan. C' est juste parce que n'importe quel objet en arrière-plan aura tendance à reculer en valeur. Cela inclut les couleurs, inclut la saturation même, et bien sûr, il inclut à quel point l'ombrage est sombre. Passons à la tente. Je veux rendre cette tente verte, mais bien sûr ce vert est trop intense pour notre couleur de fond. Pas de jeu de mots. J' utilise une teinte de ce vert, puis j'ajoute un peu d'ombrage juste pour suggérer comment la tente est dimensionnelle. Comment vont ce côté et l'avant ? Maintenant, j'ajoute un arbre. J' ai une certaine façon de créer des arbres, qui mélange le rouge et le vert. J' ai le rouge comme arrière-plan et ensuite je vais avoir le vert. Je vais me multiplier à l'aide de ma brosse texturée et cela donne juste ce tronc d'arbre un joli aspect bouclé organique. Ensuite, j'utilise un masque de couche pour découper certains détails de cette texture de bois. C' est essentiellement le rouge ci-dessous, montrant à travers le vert qui est multiplié ci-dessus. Maintenant, je vais ajouter quelques branches de cet arbre. Ici, je suis d'accord pour utiliser la version plus intense du vert. Je vais faire du bruit avec ça un peu. Je pense que j'abandonne ici et juste le copier et le coller, ce qui peut sembler un peu trop symétrique. Pour moi, dessiner des arbres, c'est simplement suggérer l'arbre plus que capturer sa ressemblance totale. Je vais bien si ces détails sont très symboliques plutôt que littéraux. Je fais ce que je peux pour le faire paraître un peu moins coupé et coller entre les deux côtés. Maintenant, je vais ajouter un arbre en arrière-plan. Les objets en arrière-plan vont généralement être blancs ou sombres dans mes illustrations. Ici, j'essaie juste de trouver le bon pinceau pour cet arbre lointain. Je finis par aller avec la même brosse de texture mais juste à une taille plus petite. Finalement ici. Puis une fois que j'ai compris à quoi ressemble mon coup, je suis heureux de commencer à dessiner l'arbre. Encore une fois, parce qu'il est loin en arrière-plan, il a moins de variation de couleur et beaucoup moins de détails aussi bien. Les choses plus loin n'ont tout simplement pas besoin d'autant de détails. Juste ajouter le Soleil ici et le nuage, maintenant pour rendre le nuage un peu plus moelleux et subtil, je viens de remettre l'opacité. Cela aide le jaune du Soleil à regarder à travers et rend le nuage moelleux et léger. Maintenant, je passe à la souche. La souche dans le milieu ici en utilisant la même technique que j'ai utilisé comme l'arbre derrière le gars de café là pour faire ce brun et pour le garder à l'air organique, puis j'ai utilisé la même couleur que le dessus de table, comme le haut en bois de la souche. Cela permet une certaine communication entre le milieu et le premier plan. Ce même jaune clair se produit dans les deux endroits, ce qui apporte une composition plus unie dans l'ensemble. Maintenant, avec la hache, j'ajoute juste quelques détails dedans, j'essaie de ne pas trop tomber à la mer, mais le métal de la lame, ça va être de la même couleur que la cafetière, la machine à expresso. Maintenant, je ramollit juste le fond de ces souches pour qu'il n'ait pas l'air si pointu. Ensuite, je vais ajouter quelques détails de finition dans la scène, comme cette boîte de bière. Maintenant, cela peut être par-dessus bord pour la taille de cette boîte de bière, mais j'ai décidé d'y inclure des lettres. N' importe quelle occasion de faire du lettrage, je le prends habituellement. Ici, je suis juste d'ajouter quelques fils de type qui tiennent la tente et ensuite quelque chose de similaire qui relie le canot au véhicule. En utilisant cette même qualité de ligne pour ces deux choses, il crée juste un peu plus d'unité autour de l'image. Si j'utilise juste ces lignes juste pour la tente, ils pourraient se sentir ponctuels, mais en les utilisant aussi sur le canoë obtenir un peu plus d'un modèle allant. Je fais juste quelques piquets de tente, ajoute quelques oiseaux dans le ciel, et je vais faire du bruit avec quelques touffes d'herbe ici au milieu du sol. Je ne peux pas oublier ce café. C' est une excellente occasion d'utiliser ce brun foncé et d'utiliser multiplier, puisque le café est un liquide transparent. Je vais ajouter quelques derniers détails d'ombrage tout au long, juste pour apporter un peu plus d'atmosphère à la photo. Bien sûr, si j'ai ajouté de la texture sur un caractère, je devrais l'ajouter sur tous. Je ne suis pas très stricte quant à la direction de la lumière et à l'endroit où se trouve le soleil. Je suis super littéral à ce sujet, j'utilise l'ombrage plus juste comme un moyen de donner un peu de volume et de profondeur à l'image et de permettre à certains éléments de contraste avec d'autres. Enfin, il suffit d'ajouter quelques lignes à la table ou un intérêt visuel accru. Bien sûr, ajouter un peu de rouge épicé aux œufs. Encore une fois, juste un petit détail coloré. C' est très subtil, mais ça ajoute un peu plus d'intérêt à l'image. Ça fait paraître un peu moins plat. Il est temps de revisiter ces branches d'arbres. Maintenant que j'ai compris d'autres parties de l'image, je me sens assez énergique pour aller prêter un peu plus d'attention à ces branches de l'arbre et les rendre un peu plus intéressantes. Je vais juste utiliser ma gomme juste pour façonner ces branches un peu plus. Un autre détail à ajouter ici est juste les noeuds sur l'arbre et les amener également sur la souche de l'arbre. Je crois que j'ai fini. Je vais juste les mettre côte à côte et voir comment les objets simples et la scène complète se comparent les uns avec les autres. Bien sûr, comment ajouter ma signature à ma deuxième illustration. Où mettre cette signature, ça me semble bien. 20. Célébrez !: C' est tout, tout le monde. Nous avons appris ce que cela signifie d'être un illustrateur à palette unique. Nous avons appris comment maîtriser une seule palette peut nous aider à surmonter toutes sortes de luttes dans notre propre travail, y compris savoir quelles couleurs utiliser avec chaque projet, avoir un style plus fort, et même apprendre à utiliser n'importe quelle couleur d'une manière plus décisive et compétente. Laisse-moi te dire, c'était l'un des cours les plus difficiles que j'aie jamais eu à enseigner. Plus difficile même que le style d'enseignement. La couleur est tellement subjective et il semblait y avoir des milliers d'approches différentes à elle. Je sais que vous êtes également différent et que vous trouverez probablement vos propres façons d'utiliser la couleur au fur et à mesure que vous avancerez. C' est mon plus grand espoir, que vous puissiez prendre quelque chose de cette classe et construire dessus à votre manière et dans votre propre travail. Pendant que vous travaillez sur vos exercices et projets, comme toujours, s'il vous plaît partagez-le sur la page du projet de classe. La meilleure façon d'obtenir des commentaires de moi et des autres est de le partager ici avec le reste de la classe. J' adore voir tes projets. Je sais que c'est l'un des projets les plus importants et les plus ambitieux à ce jour, et je vous remercie beaucoup de votre temps et de votre engagement ici. Comme toujours, lorsque vous partagez sur Instagram, assurez-vous d'utiliser le hashtag, un illustrateur de palette. Tu sais, j'adore voir ton travail dans la nature et c'est la meilleure façon pour moi de le découvrir en dehors de Skillshare. Comme toujours, merci beaucoup d'avoir pris la classe. J' ai hâte de voir ce que vous faites pour le projet et j'ai hâte d'en savoir plus sur ce que vous avez appris dans ce cours et comment cela vous a aidé dans votre art.