Composition pour les illustrateurs : mettre en scène des idées avec structure et style

1. Bande-annonce: Cette classe s'appelle Composition pour les illustrateurs. Il s'agit de savoir comment organiser les éléments de notre œuvre d'art, pour qu'elle soit belle, qu'elle raconte la bonne histoire et que tout semble bien s'intégrer sur la page. existe actuellement aucun cours qui enseigne directement la composition aux illustrateurs la même manière que j'illustre, c' est-à-dire dans un style graphique plus plat plutôt que dans un style plus tridimensionnel ou réaliste J'ai créé ce cours pour vous aider à comprendre les règles de composition et, surtout, pour vous en faciliter l'utilisation. Ce cours s'adresse à tous ceux qui veulent enfin comprendre ce qu' est la composition et comment elle fonctionne Je m'appelle M. Tom Rose. Je suis une illustratrice primée et l'une des meilleures enseignantes de Skillshare Si vous voulez devenir plus confiant et plus magistral dans vos compositions, j'ai créé ce cours pour vous J'espère que vous me rejoindrez sur Skillshare. Je te verrai en classe. 2. À propos du cours et du projet: Ce cours porte sur la composition à des fins d'illustration. Si vous êtes illustrateur et souhaitez en savoir plus sur la composition, ce cours est fait pour vous. Ce cours est basé sur ma propre approche de l'illustration. Ce qui est plus plat et graphique et moins réaliste ou tridimensionnel. J'ai besoin de ce cours parce que j'ai toujours trouvé l'enseignement traditionnel de la composition irrésistible. Et une grande partie est basée sur une approche plus photographique ou réaliste. Mon objectif pour ce cours est de rendre la composition aussi facile à apprendre que possible et de commencer à utiliser ce que vous apprenez le plus rapidement possible. En suivant ce cours, vous apprendrez comment fonctionne la composition pour les illustrateurs, en particulier ceux qui travaillent de manière graphique plus stylisée. Quels sont les principes les plus importants à apprendre et comment ils peuvent ou ne peuvent pas vous aider à améliorer votre art. Vous apprendrez également deux grilles simples pour donner plus de structure à vos compositions Bien entendu, vous pourrez réunir le tout dans le projet final, une série de six timbres illustrés selon le pays et le thème de votre choix. En termes d'exigences, vous pourrez suivre ce cours si vous êtes un illustrateur débutant ou débutant, si vous avez une certaine expérience de l' illustration d'une manière ou d'une autre et si vous maîtrisez les outils vous aidera certainement. Même si vous avez plus d'expérience, vous pourriez apprendre beaucoup de choses dans ce cours si vous avez tendance à travailler dans un style plus réaliste. Bien entendu, tout le monde est le bienvenu. Que vous n'ayez aucune expérience ou que vous ayez de très nombreuses années. Je crois que tu vas apprendre beaucoup de choses dans ce cours. Quoi qu'il arrive. Il ne s'agit pas d'un cours technique. Je ne vais pas vous enseigner toutes les étapes de mon processus d'illustration dans le cadre du projet. Il s'agit en fait des principes eux-mêmes et de la manière de les appliquer. Toutefois, si vous êtes curieux de connaître mes outils et techniques de traitement, je les partagerai dans un didacticiel rapide pour vous montrer les pinceaux et les techniques de base que j'utilise dans Photoshop. Dans le projet de classe, le cours est divisé en deux parties, l'introduction et le projet. Dans le manuel, vous allez apprendre la composition d'une manière plus théorique dans une série de leçons à la fin de chaque leçon J'ai inclus de courts exercices appelés Try this. Elles sont totalement facultatives, mais elles vous permettent d'approfondir un peu chaque sujet avant de passer au suivant. Ensuite, bien sûr, dans le projet vous pourrez mettre en pratique tout ce que vous avez appris dans les leçons. Je pense que tu vas t'amuser beaucoup avec celui-ci maintenant. Ne vous méprenez pas, ce n' est pas parce que ce sont de petits timbres qu'il s'agit d'un petit projet. Votre tâche consiste à créer six types de compositions différents. Celui-ci va donc vous pousser à bout, mais si vous persévérez, vous serez récompensé par une belle série d' illustrations à partager sur la page des projets de classe. Et bien sûr, quel que soit l'endroit où vous partagez sur les réseaux sociaux. Assurez-vous d'utiliser la composition du hashtag pour les illustrateurs lorsque vous le faites 3. Qu'est-ce que la composition ?: En termes simples, la composition consiste à assembler un tas de choses différentes pour créer quelque chose de nouveau. Une chaise, par exemple, est une composition composée de différentes pièces de bois et de métal. Un sandwich est une composition composée de deux morceaux de pain et d'une sorte d' ingrédients entre eux qui ne sont pas du pain. L'idée unique du sandwich apparaît comme par magie une fois que les multiples ingrédients enfin réunis Pour les illustrateurs, la composition signifie créer une illustration, une image composée de différentes marques, symboles et idées. Nous avons réuni tous ces éléments pour créer une image qui raconte une histoire, qui transmet un message, qui nous fait ressentir quelque chose Une image singulière émerge de toutes ces parties distinctes, et c'est la composition. Le plus difficile pour beaucoup d'entre nous est de savoir comment créer de meilleures compositions dans notre art. Nous avons tous l'impression qu'une composition fonctionne ou non. Mais quand il s'agit de faire exprès une composition par nos soins, ce n'est pas toujours aussi simple. Dans l'histoire de l'art, EH Gombrich écrit cette petite anecdote et quiconque a essayé arranger un bouquet de fleurs a éprouvé cette étrange sensation d' équilibre entre les formes Sans être en mesure de dire exactement quel type d'harmonie il cherche à atteindre, nous pensons simplement qu'une tache rouge ici peut faire toute la différence. Ou bien ce bleu va bien tout seul, mais il ne va pas avec les autres. Et puis tout à coup, une petite tige de feuilles vertes peut sembler le faire venir, n'est-ce pas ? N'y touchez plus, nous nous exclamons. Maintenant c'est parfait. C'est exactement ce que beaucoup d' entre nous pensent de la composition. C'est quelque chose sur lequel nous devons juste travailler jusqu'à ce que nous nous sentions bien. Mais si c'était le cas, je ne peux rien t'apprendre et il serait inutile que tu suives ce cours. Bien sûr, il existe des tonnes d'enseignements sur les principes de composition. Mais le gros problème, c'est qu'il existe tellement de principes vagues qu'il est difficile de les réunir de manière à les rendre faciles à comprendre et à utiliser. Cela a certainement été mon combat. J'examine tous les différents principes, tels que l'équilibre, l'unité et l' harmonie, et beaucoup d' entre eux semblent tellement abstraits. Par exemple, à quoi ressemble l'unité ? Je peux voir comment certains principes fonctionnent lorsqu'on me les indique, mais ils ne me guident pas dans la prise de décisions dans le cadre de mon processus de création. Maintenant, dans la citation de Gombrich que je viens de vous lire, il y a une idée de ce que nous devons faire pour résoudre ce problème Il décrit cette expérience où il ne savait pas exactement ce qu'il essayait de réaliser. Achieve est le maître mot ici. C'est une excellente question. Qu' est-ce qu'il essaie de réaliser ? C'est la plus grande question que nous puissions poser. Quand il s'agit d' élaborer nos propres compositions. Nous savons que la composition existe et nous savons ce que cela signifie. Vous en savez peut-être déjà beaucoup sur la théorie de la composition, mais vous êtes-vous déjà posé la question suivante : quel est votre objectif ? Cette question m'a guidé à travers de nombreuses illustrations au fil des ans. Et cela m'a même guidé dans l'organisation ou la composition de ce cours pour vous Ce que vous essayez de réaliser dans votre art déterminera chacune de vos décisions au fur et à mesure que vous les prendrez. Si j'ai un mot préféré, il est probablement spécifique. Lorsque vous essayez de résoudre un problème, vous devez toujours être précis sur les détails. Sinon, vous ne pouvez que vous balader dans un sens vague. Et dans ce cours, nous allons être très précis sur ce qu'est la composition, pas dans un sens universel. Mais pour les illustrateurs comme nous qui suivent ce cours et qui travaillent probablement manière plus graphique ou stylisée , j'ai dû tout baser sur ma façon travailler à ma manière C'est le seul moyen pour moi de trouver comment t'enseigner ce que je sais dans ce cours. Voici comment nous allons comprendre la composition. La composition est déduite. Il s'agit de choisir les éléments à inclure et leur emplacement dans une illustration. C'est aussi un nom, c'est le résultat de cet acte de composition La composition en est l'illustration finale. Une autre façon de comprendre la composition est qu'elle est spécifique de différentes manières. Tout d'abord, la composition est spécifique à ce que vous êtes en tant qu'artiste. façon dont vous aborderez la composition dépendra vraiment de votre style, ce qui vous intéresse et de votre propre idée de ce qui devrait aller et où. Quelle approche particulière peut sembler bonne dans un style peut ne pas être belle dans un autre. Dans ce cours, nous allons nous concentrer spécifiquement sur un style d'illustration plus graphique, que nous apprendrons dans la prochaine leçon. Une autre spécificité de la composition réside dans le contexte. Ce qui peut fonctionner dans un projet d' illustration peut ne pas fonctionner dans un autre. Ce qui peut sembler beau dans un livre peut ne pas être sur une peinture murale ou sur un timbre-poste. Dans le projet de classe, nous allons nous concentrer sur un type spécifique de projet d' illustration, un ensemble de timbres-poste. Cela nous donne des objectifs spécifiques que nous devrions viser dans nos compositions. Et cela orientera toutes les autres décisions qui s'y rattachent. La troisième spécificité de la composition est liée à l'histoire, l'idée, au message ou au sentiment que vous souhaitez évoquer En gros, quel est le message ou le sentiment de l'illustration ? Le fait de placer quelque chose en haut ou en bas de votre page dépend vraiment de ce que vous voulez dire par le mettre là. Dans ce cours, nous nous concentrerons sur la façon dont nous utilisons techniques de composition pour raconter histoires et communiquer Dans le projet de classe, vous réfléchirez à la manière de raconter votre propre histoire de six manières différentes. Chacun d'entre eux va nécessiter une stratégie de composition différente Qu'est-ce que la composition ? Ce sont toutes ces choses. Raconter des histoires, créer des images spécialement conçues. C'est aussi une expression unique de votre intuition, de votre sens de ce à quoi les choses devraient ressembler alors que ces choses ne sont pas faciles. Et en tant que pasteur dans cette classe, vous apprendrez à vous en rapprocher le plus possible en sachant plus précisément ce que vous essayez d'accomplir. 4. Ne pas rivaliser avec votre appareil photo: L'un des points faibles que j'ai entendus de la part d'autres illustrateurs est qu'il est difficile d'illustrer sans utiliser de photos de référence L'un des objectifs de ma vie a été d'éliminer le besoin d'utiliser des photos de référence et de tirer davantage parti de mon imagination. Je veux dessiner moins à partir de photos partir de ce qui se trouve dans ma tête ou dans mon cœur. Maintenant que je suis devenue très à l'aise avec le dessin , mon sale petit secret est que je dois toujours utiliser des images de référence tout le temps. La différence, c'est que je n'utilise pas directement les photos. Je les utilise davantage pour apprendre à quoi ressemblent les choses que j'essaie de dessiner afin de pouvoir les dessiner avec plus de confiance , à ma manière et avec le cœur Maintenant, parfois j'utilise juste une image comme référence, et parfois j'en utilise tout un tas et ce qui en ressort est une sorte de mélange de toutes mes références. Vous savez, il y a un travail que j'ai dû faire une fois où j'ai dû illustrer un confortable appartement français. Et je ne savais pas vraiment à quoi cela ressemblait, ne pas être française ou vivre dans un appartement. Mais je suis allée chercher un tas de photos différentes de ce sujet et je les ai mélangées dans le concept final que j'ai présenté au client et qui est finalement devenu l'illustration. Ce que je ne veux pas faire, c'est simplement trouver une scène et la dessiner directement, même si je la dessine dans mon style. Il serait donc presque plagiaire d'aller chercher une photo d'un appartement français et de la dessiner exactement telle que je l'ai vue En tant qu'illustrateurs, on nous demande généralement d'exprimer une idée unique ou de raconter une histoire unique, toujours à notre manière Plutôt que de simplement imiter ce que nous voyons sur une photo, nous devons ajouter de la valeur à ce que nous illustrons L'un des défis que je me pose est savoir comment créer une image à l'aide d'une illustration qui ne serait pas possible sur une simple photo. Quelle est la manière unique dont je peux représenter cette idée ou cette histoire en tant qu'illustratrice ? Un autre problème que j' entends de la part des illustrateurs c'est qu'ils aiment l'apparence de leurs croquis, mais lorsqu'ils essaient d'en faire une illustration, les choses semblent mal tourner les choses semblent mal tourner Bien que cela puisse être lié à leurs compétences ou à leur niveau d' expérience, c'est aussi une question de composition. C'est quelque chose que nous rencontrons particulièrement lorsque nous essayons de représenter la perspective et la tridimensionnalité l'aide d'un style d'illustration plat Ce qui fonctionne avec une esquisse soigneusement dessinée, avec des ombres subtiles et des lignes esquissées lâches, ne se traduit tout simplement pas lorsque vous essayez d'utiliser des formes plates et des couleurs unies dans l'illustration finale Ce que j'aurais aimé savoir il y a longtemps, c'est que non seulement certains styles d'illustration sont plus réalistes et d'autres plus graphiques, mais qu'il existe une différence fondamentale dans la façon dont ils peuvent être créés. Ils sont calqués sur deux paradigmes différents. L'un est graphique et l' autre est plus photographique. Bien qu'un style graphique d' illustration semble plus facile à réaliser, il ne fonctionne que si nous comprenons comment il fonctionne. Il est plus naturel pour la plupart d'entre nous de dessiner les choses telles qu'elles sont dans la réalité. C'est pourquoi il est difficile de sortir de cette situation et illustrer de manière plus abstraite et stylisée. Examinons maintenant types ou paradigmes de compositions photographiques et graphiques pour voir à quoi ils ressemblent et quelles sont les différences Commençons par la composition photographique. Lorsque les illustrations sont plus réalistes et tridimensionnelles, on peut dire qu'elles suivent les paradigmes photographiques en matière d'illustration Dans ce paradigme, nous pensons en termes de cadrage, d'éclairage de prise de vue, d' angles de caméra et de profondeur de champ Ici, les illustrations ressemblent davantage petites fenêtres ouvertes sur un monde au-delà. Maintenant, dire qu'une illustration est photographique, cela ne signifie pas qu'elle doit avoir aspect réaliste ou même une photo comme même une bande dessinée ou un roman graphique peuvent être très stylisés Utilisez également la composition photographique en utilisant certains angles de caméra ou montrez des scènes de près ou en reculant comme si un appareil photo se rapprochait ou s'éloignait du sujet dans l'espace physique. Maintenant, la composition de style photographique peut être très appropriée dans certains contextes, comme les images narratives, comme on peut le voir dans de nombreux livres pour enfants ou romans graphiques par exemple. Regardons maintenant la composition graphique. Nous avons ici des illustrations plates et symboliques, et nous pouvons dire qu'elles suivent un paradigme graphique. Photographier signifie écrire. Avec la lumière, graphisme signifie vraiment écrire. Dans ce sens, les illustrateurs écrivent avec des symboles, des formes et d'autres types d'éléments visuels, suivant ainsi un paradigme plus graphique ou même de conception graphique Avec le recul, j'aurais pu appeler cette composition pictographique Comme nous écrivons avec des images, avec une composition graphique, nous pensons peut-être davantage à la mise en page qu'aux scènes Même lorsque nous illustrons des scènes ici, nous ne pensons pas au cadrage d' une prise de vue comme s'il y avait cette scène entière au-delà de l'endroit où nous nous trouvions lorsque nous avons pris notre photo Nous concevons une nouvelle image, nous ne la trouvons pas dans le viseur En composition graphique, nous travaillons de manière plus stylisée et plus plate pour styliser des moyens de représenter quelque chose d'une manière moins réaliste Et cela peut même être une formule. Nous pouvons représenter les différents objets, personnages et symboles d'une manière plus symbolique et simplifiée. Aujourd'hui, même si l'approche graphique illustration est plus contemporaine, on retrouve la composition graphique dans l'art pré, moderne et même ancien, comme dans l' iconographie byzantine, comme dans l' iconographie byzantine arts décoratifs sur la poterie grecque et, bien sûr, les hiéroglyphes égyptiens En matière de composition graphique, nous ne créons pas de petites fenêtres donnant sur d'autres mondes, mais nous combinons des éléments d'une page, y compris la page elle-même, comme la surface de la page, pour créer un nouvel objet. De cette façon, la page ou surface fait partie de l'image elle-même, non quelque chose sur lequel nous plaçons simplement l'image. Dans de nombreux cas, le contexte de l'illustration et l'illustration elle-même sont difficiles à distinguer. L'illustration de style graphique commercial entretient une relation très confortable avec les surfaces sur lesquelles elle est appliquée. Ce sont souvent des produits en eux-mêmes. Il est difficile de séparer l' illustration de la surface. Les timbres que nous allons créer dans ce projet de classe. Un bel exemple de cette relation entre contexte et illustration. Bien que les illustrations figurent sur les timbres, il est difficile de différencier le tampon de l'œuvre d'art. Ils travaillent ensemble pour créer un nouvel objet que nous appelons stamp. Maintenant, ma dichotomie entre les types de composition graphique et photographique vise à faire ressortir un point Il existe deux paradigmes qui sont très différents l'un de l'autre lorsque nous essayons de créer une image En comprenant les différences, nous pouvons plus facilement savoir quels paradigmes conviennent le mieux notre propre style et à d'autres facteurs liés au travail donné Parfois, nous devons être un peu plus photographiques et parfois nous devons être plus graphiques. Bien entendu, il y aura toujours des chevauchements. Chacun d'entre nous possède une gamme styles et de techniques que nous utilisons. Ensuite, nous constaterons également que certains emplois nécessiteront davantage une approche ou une autre. Au fur et à mesure que nous évoluons en tant qu'artistes, nous commençons à comprendre à quoi notre mélange particulier de graphisme et de photographie, ressemble notre mélange particulier de graphisme et de photographie, ou de stylisation et de réalisme Maintenant que nous sommes arrivés à la fin de cette leçon, voici quelque chose à essayer. Recherchez deux ou trois paires d'illustrations. Chaque paire doit aborder un sujet ou un thème commun, mais une image doit être plus photographique et l' autre plus graphique. Par exemple, vous pouvez rechercher une illustration d'un élément paysager ou d'un bâtiment populaire tel qu' Al Capitan ou l' Empire State Building En faisant cet exercice, vous aurez une meilleure idée des différences entre la composition graphique et la composition photographique. Vous pourriez même commencer à réfléchir à la manière dont vous voudriez illustrer ces sujets à votre manière. Amusez-vous bien en l'essayant, et si c'est le cas, n'hésitez pas à le partager sur la page des projets de classe. Je te verrai dans la prochaine leçon. 5. Les principes d'aspiration: L'un des grands problèmes de la théorie de la composition traditionnelle est que certains principes sont totalement inapplicables. bons que soient les principes tels que l'unité, l'harmonie et l'équilibre sont si abstraits qu'ils ne nous donnent aucune idée de ce qu'il faut faire pour que ces choses Par exemple, comment faites-vous l'unité ? En même temps, je pense que nous pouvons tous comprendre que nous voulons que notre travail plus uni, harmonieux et équilibré. C'est peut-être votre quête pour atteindre ces objectifs dans votre travail qui vous a amené à suivre un tel cours de composition. Ma solution consiste à recadrer ces principes moins applicables. En tant que principes ambitieux. Nos compositions ont des objectifs, mais nous ne pouvons pas vraiment les atteindre directement. C'est ce que sont les principes réalisables, que nous aborderons dans la prochaine leçon, car principes ambitieux sont des idéaux et non des Ils sont comme une étoile polaire qui peut nous faire avancer, mais nous ne pourrons jamais vraiment les atteindre car il n'existe aucune expression unique ultime de ces choses. Mais je pense toujours qu'il vaut la peine de décrire à quoi ils peuvent ressembler ou ce qu'ils sont en tant qu'objectifs ambitieux Commençons donc par l'unité. En termes artistiques, l'unité signifie que tous les éléments d'une image fonctionnent parfaitement ensemble. Ils forment un tout cohérent. L'une des manières de penser à l'unité est une chose. Lorsqu'une illustration est unie, elle ne fait qu'une chose et elle parle d'une seule chose. Nous voyons une illustration comme une image ou une idée singulière plutôt que comme un ensemble de petits éléments. Lorsque nous, les humains, sommes unis dans quelque chose en tant que groupe, cela signifie que nous sommes d'accord sur certains principes et que nous pouvons donc travailler ensemble vers un objectif commun. De même, nous avons l'impression qu' une illustration est unifiée lorsque nous voyons l'image dans son ensemble. Avant tout détail particulier qu'il contient. Rien ne semble déplacé. n'y a aucun élément qui soit un peu malhonnête lorsqu'il s'agit de faire son propre travail. Tout fonctionne ensemble. Si vous avez déjà eu l'impression qu'une de vos illustrations n'est pas une mince affaire, comme si vous pouviez voir tous ces petits éléments qui vous distrayaient Et vous ne voyez pas tout ensemble ou vous avez l'impression que cela manque de cohésion, vous éprouvez probablement un manque d'unité. Le défi posé par le principe de l'unité réside dans son imprécision. La question que je me pose est l'unité de ce qui est uni. Tout comme nous, les humains, avons besoin principes et d'objectifs communs pour être unis et d'illustrations, les éléments doivent être organisés en fonction d'un objectif unique. Il est plus difficile de parvenir directement à l'unité dans votre art. Il s'agit plutôt de comprendre l'objectif fondamental de l'illustration et d'atteindre cet objectif. Au contraire, plus nous comprendrons précisément ce que nous essayons créer et ce que nous essayons d'y dire, plus nous comprendrons clairement le type d'unité que nous essayons de réaliser en premier lieu. Cela nous ramène au concept d'un brief de projet dans lequel nous définissons les objectifs et les intentions de toute illustration que nous sommes censés réaliser. Bien entendu, vous aurez l'occasion de voir comment cela fonctionne dans le projet de classe. Nous n'appelons pas cela un brief, nous l'appelons simplement la configuration ou la déclaration de projet, mais c'est pareil. Maintenant, pour moi, l'unité et l' illustration consistent à ce que tout s'intègre parfaitement et qu'on se sente chez soi sur la page. Pour les illustrateurs, en particulier ceux qui travaillent dans un style graphique, l'unité passe souvent par la simplicité et la retenue Chaque élément, couleur, image ou idée supplémentaire que vous essayez d'intégrer à la composition peut menacer son sentiment général d'unité Pour les illustrateurs graphiques, la clé de l'unité est d'avoir un objectif précis pour l'œuvre, travailler dans un style plus restreint et utiliser le moins d'éléments possible Bien que cela puisse sembler limitatif, c'est en fait un objectif que chaque artiste devrait avoir pour chaque œuvre d'art qu' il crée. Peu importe la complexité du style ou des détails, nous devons toujours viser un élément primordial au-dessus de tous les autres dans chaque œuvre d'art que nous créons Passons maintenant à l'harmonie. Harmony sonne bien, n'est-ce pas ? Mais qu'est-ce que cela signifie ? L'harmonie est une sorte d'unité, mais elle est surtout liée à la couleur. Cela peut également être lié à la façon dont certaines formes ou qualités subtiles fonctionnent ensemble ou non. C'est à quel point des choses distinctes semblent bien fonctionner ensemble. Certaines combinaisons fonctionnent, d'autres non. En musique, nous entendons par harmonie deux notes ou plus qui sonnent bien ensemble sous la forme d'un accord Les notes peuvent être en harmonie ou en dissonance. Nous ne savons pas pourquoi certaines notes semblent harmonieuses, mais nous sommes généralement d'accord sur le fait qu'elles détectent ou non l'harmonie, en particulier dans nos couleurs. C'est à peu près pareil. Nous le percevons, mais nous ne le comprenons pas de la même manière que la réalisation de l'unité dans son ensemble. Pour atteindre l'harmonie, il est essentiel d'avoir moins de couleurs ou différents types d'éléments qui doivent fonctionner ensemble. Un autre moyen essentiel d' atteindre une plus grande harmonie consiste à développer votre compréhension de la théorie des couleurs. Pour en savoir plus sur mes réflexions à ce sujet, vous pouvez consulter mon cours, The One Palette Illustrator. Je pense qu'il y a beaucoup de points communs entre les arts visuels et la musique. Plus une chanson est complexe, plus il est difficile de faire en sorte que toutes les notes s'harmonisent de la même manière Plus la palette de couleurs et les différents éléments d' une illustration sont complexes , plus il est difficile de les harmoniser. Enfin, considérons l'équilibre comme un objectif ambitieux. Nous voulons tous avoir des compositions plus équilibrées, non ? Je pense que nous pouvons tous dire par expérience qu' une composition équilibrée nous donne un sentiment d'équilibre. Si une composition est déséquilibrée, nous nous sentons déséquilibrés. Alors, qu'est-ce que cela signifie d'atteindre l'équilibre ? Eh bien, c'est facile de le réaliser dans une composition symétrique. Mais c'est plus difficile lorsque nous essayons de faire quelque chose de plus asymétrique Un conseil typique, si vous essayez de ne pas être symétrique, est d'imaginer les différents éléments la page comme des poids sur une balance. L'échelle est la suivante, équilibrée uniformément sur toute la page. Et puis quoi que vous fassiez d'un côté, peut-être que vous fassiez quelque chose de plus important de l'autre. S'il s'agit de petites choses, alors toutes ces petites choses doivent avoir le même poids que les grandes choses. Et puis l'échelle de notre imagination s'égalise. Maintenant, je pense que l'équilibre est beaucoup plus facile à comprendre que l'unité ou l'harmonie. Mais c'est également difficile à réaliser car il n'existe aucun moyen physique de mesurer exactement l'équilibre de la composition. C'est très subjectif. C'est vraiment l'un de ces principes perfectionnistes que nous devons ressentir avec notre propre sens de l'équilibre Certains d'entre nous seront plus l'aise lorsque les choses sont plus précaires sur une image, tandis que d'autres ne supportent tout simplement pas la tension. Et nous avons besoin de tout pour sentir bien ancrés et très équilibrés. Bien entendu, nous ne voulons pas trop privilégier l'un ou l'autre. Nous ne voulons pas être trop déséquilibrés ou chaotiques, et nous ne voulons pas être super ennuyeux, super équilibrés et super symétriques tout le temps L'illustration est toujours une question d'équilibre. Il s'agit d'établir un équilibre entre les éléments avec lesquels nous devons travailler sur la page façon dont ces éléments sont liés au message et à l' objectif général de l'œuvre d'art. Maintenant que nous sommes arrivés à la fin de cette leçon, voici quelque chose à essayer. Trouvez un ou deux exemples de vos propres illustrations décrivant vos propres mots, que vous pensiez que la composition fonctionne ou non. Et pourquoi ne pas vous soucier d'utiliser termes artistiques appropriés, car nous ne les avons pas encore appris dans ce cours. Mais après avoir suivi ce cours, relisez les observations que vous avez tirées de cet exercice. Maintenant, essayez de décrire vos observations en utilisant votre nouveau vocabulaire et votre nouvelle compréhension. De cette façon, vous verrez le chemin que vous avez parcouru dans votre compréhension du fonctionnement de la composition. Cet exercice est comme une capsule temporelle. Vous allez donc évaluer votre propre art avec vos propres mots dès maintenant. Ensuite, vous verrez comment vous pensez de ces mêmes choses. Une fois que vous en saurez plus sur la composition, profitez-en pour essayer. Et encore une fois, n'hésitez pas à partager sur la page des projets de classe. Sinon, nous vous verrons dans la prochaine leçon. 6. Les principes exploitables (version corrigée): Alors que les principes ambitieux sont des objectifs plus abstraits que nous devrions tous viser dans notre travail Les principes applicables sont beaucoup plus pratiques. Bien qu'il existe des dizaines et des dizaines de principes, je n' en ai choisi que dix pour la façon dont ils se rapportent spécifiquement à une approche plus graphique de la composition. Vous pouvez les considérer comme un kit de démarrage pour apprendre la composition. L'un des plus gros problèmes de la théorie de la composition est qu' elle contient trop d' Et il est difficile de tout utiliser lorsque vous êtes au travail. Si vous pouvez garder à l'esprit les principes que vous allez apprendre ici pour un projet donné, en particulier dans le projet de classe, je pense que vous les trouverez largement suffisants. Le premier principe est celui de la hiérarchie. Dans l'illustration, la hiérarchie est la disposition des éléments sur la page en fonction de leur importance. Au sommet de cette hiérarchie se trouve l'objectif principal. Il s'agit de l' aspect le plus important de votre image, suivi des autres éléments par ordre décroissant d'importance Cette structure crée un sentiment d'ordre et indique aux spectateurs ce qu'il faut remarquer en premier et comment naviguer dans la composition. Sans hiérarchie claire, une illustration peut devenir confuse ou accablante, ou elle peut simplement paraître plate. L'essence d'une illustration doit s'articuler autour d'une histoire, d'un thème ou d'une idée singulier Nous en avons parlé dans notre leçon sur l'unité. Tous les éléments de l'image doivent contribuer à ce message central. hiérarchie aide à mettre en valeur le sujet principal, les éléments de soutien, à améliorer le message principal. Dans les illustrations plus simples avec un seul objet, la hiérarchie est naturellement très simple. C'est juste une chose, il n'y a peut-être même pas de hiérarchie. Cependant, dans une œuvre plus complexe telle qu'un montage, et nous parlerons de ce que sont les montages, lorsque nous parlons des six types de compositions, il est essentiel d' établir une hiérarchie claire afin d'éviter l' encombrement et L'une des questions que nous pouvons nous poser dans nos illustrations est la suivante : qu'est-ce qui est le plus important ? S'agit-il de l'image globale d'un élément ou d'un moment spécifique de celle-ci ? Par exemple, les illustrations représentant des foules, similaires à celles d'un livre de Wars Waldo, utilisent souvent une hiérarchie plate où aucun élément ne doit se démarquer En ce sens, toutes les images n' exigent pas une hiérarchie forte. Dans mon travail personnel, je me concentre généralement sur un élément dominant soutenu par trois ou quatre niveaux moins importants. éléments situés plus haut dans la hiérarchie sont détaillés et plus grands, tandis que ceux situés plus bas dans la hiérarchie sont moins détaillés. Cette approche est particulièrement évidente dans mes cartes illustrées où la hiérarchie commence par le titre suivi des icônes principales et secondaires Et ils sont tous intégrés dans un réseau de routes ou de symboles géographiques. Vous pouvez voir un ordre des informations. Cela vous guide à travers la carte. Et même s' il se passe beaucoup de choses, tout tient bon et semble ordonné. Je crois fermement que la hiérarchie est le principe le plus important. En illustration, son application efficace peut améliorer considérablement la composition et la narration de votre œuvre Le principe suivant est celui de la simplicité. Celui-ci provient d'un ensemble de principes appelé théorie de Gitald, qui tente d'expliquer comment nous percevons et comprenons le monde complexe qui nous entoure Gitauld est un sujet très intéressant que j'aimerais aborder dans un cours séparé Mais je vole la simplicité à la théorie de la Gestalt parce que je pense que c'est un principe tellement utile La loi de simplicité stipule que nous avons tendance à interpréter les choses de la manière la plus simple possible. Notre esprit va faire tout ce qui est en son pouvoir pour simplifier les choses afin que nous puissions dire « oui, j'ai compris Ensuite, nous pouvons passer à l'étape suivante. Lorsque nous sommes à l'extérieur et que nous voyons tout un tas d' arbres au même endroit, nous appelons cela une forêt. Et lorsque nous faisons cela, nous simplifions toutes ces nombreuses choses individuelles forme la plus simple que nous connaissions Dans ce cas, le moyen le plus simple de comprendre ce que nous voyons est de le considérer comme un groupe plutôt que comme des arbres individuels. Nous voyons le groupe et l' appelons forêt. Vous avez probablement entendu le dicton selon lequel le tout est supérieur à la somme de ses parties. C'est une déclaration d'un gestaltiste qui parle de la façon dont un groupe de choses devient soudainement une chose totalement nouvelle Il est intéressant de noter que parfois, la façon la plus simple de voir un groupe de choses est de les voir par leurs parties individuelles. En gros, ce qui est le plus facile à percevoir pour nous sur le moment, c'est ce que nous allons voir. Par exemple, regarder une image de trois formes distinctes regroupées étroitement ou même superposées. Vous les percevrez probablement comme des formes individuelles plutôt que comme un seul blob combiné Cela se produit parce que notre esprit est plus habitué à reconnaître les formes familières, séparées ou plus simples que les formes abstraites. Ils le font lorsqu' ils sont combinés. Ce principe de simplicité est un outil de composition précieux, notamment pour déterminer si nos images sont clairement compréhensibles Si une illustration est trop complexe ou alambiquée, elle risque d'être mal comprise ou La complexité peut être décourageante. Et s'il faut trop d'efforts pour comprendre ce qu' est une image ou ce qu'elle signifie, les gens sont susceptibles de passer à autre chose plutôt que d'interagir avec elle. Dans mon propre travail, j' applique fréquemment ce principe, en particulier lorsque je représente des objets spécifiques. Mon objectif est de toujours trouver un équilibre entre rendre ces objets reconnaissables et leur insuffler un élément d'intrigue Essentiellement, je veux que mes représentations soient faciles à comprendre tout en étant visuellement convaincantes. Lorsque vous appliquez le principe de simplicité à votre travail, considérez comment les différentes formes et la façon dont elles s' assemblent sont aussi lisibles par les autres que vous le souhaitez. Vous pouvez vous demander si d'autres personnes reconnaîtront ce symbole ou le verront clairement tout de suite. Optez pour des compositions qui trouvent un équilibre entre le fait d'être familières et lisibles de cette manière. Et c'est intéressant parce que nous devons parfois ajouter un peu de bruit à une image , un peu de chaos ou un manque de clarté pour la rendre intéressante, nous voulons simplement trouver un équilibre selon lequel ce que nous voulons que le spectateur voit soit réellement vu. Le troisième principe est celui de l'échelle et de la proportion. Maintenant, l'échelle des proportions est différente, mais elles sont également très liées. Je les traite comme un ensemble. Dans la composition, l'échelle fait référence à la taille perçue d'un élément. On peut dire qu'un objet ou une figure est grand ou petit par rapport à autre chose. Lorsque nous pensons à un train miniature, par exemple, nous comprenons qu'il s'agit d'une version plus petite du train réel, mais qu'il a les mêmes proportions pour le reste. Lorsque nous réalisons un dessin à l'échelle, comme si vous travailliez dans le domaine de l'architecture, toutes les tailles sont mêmes proportions que dans la construction finale. Maintenant, nous avons tendance à travailler avec l'échelle sans vraiment avoir besoin d'y penser. C'est un principe tellement simple. Les objets les plus proches ont tendance à paraître plus grands, que ceux qui sont éloignés sont plus petits. Mais nous pouvons utiliser l'échelle plus intentionnellement pour montrer qu'une chose est plus importante que l'autre. Comme nous le faisons lorsque nous créons différents niveaux de hiérarchie, généralement au niveau supérieur de la hiérarchie, ces éléments sont plus grands que tous les autres ci-dessous. Nous pouvons également utiliser l'échelle pour créer des contrastes dans notre travail. un élément dominant est grand, par exemple, par rapport à tous les autres, plus il aura l'air dominant et plus la composition globale sera dynamique. La proportion, quant à elle, fait référence à la relation entre les éléments quelle que soit leur taille. Eh bien, une maquette réduite d' un train peut être plus ou moins grande. Ses proportions sont les mêmes quoi qu'il arrive. Mais d'un autre côté, pensez à un petit train pour enfant. Il n'est probablement pas conçu manière proportionnée à un train réel Ça va être un peu déformé et disproportionné pour être plus ludique et fantaisiste proportionnalité ne dépend pas seulement la taille ou de la taille d'un objet, mais aussi d'autres facteurs tels que la taille, la maigreur, le trapu Ce sont toutes des qualités proportionnelles. Ainsi, lorsqu'il s' agit d'un style graphique d'illustration, nous pouvons jouer librement avec les proportions de ce que nous dessinons et la façon dont un artiste utilise les proportions peut être une caractéristique déterminante de son style. Dans mon propre travail, je joue librement avec les proportions de mes figures pour créer des gestes inattendus ou pour exagérer un geste ou la position de la personne Je pourrais faire en sorte que leur main soit plus grande que leur corps entier, par exemple. Maintenant, tout dépend vraiment de l'objectif de l'œuvre d'art. Parfois, je choisis d'être plus proportionné et parfois je choisis d'être plus disproportionné dans ce que je dessine dans vos compositions. Vous pouvez utiliser votre compréhension des proportions et distorsion pour agrandir certains éléments à dessein, même si ce n'est pas ainsi qu'ils apparaissent sous un jour réel. Vous pouvez déformer les proportions pour mettre l'accent ou même pour combler un espace vide dans la composition, si c'est ce que vous devez faire Vous pouvez également jouer avec les proportions pour rendre quelque chose de plus drôle, par exemple avec une caricature Jouer avec les proportions est un excellent moyen de transformer une scène ou un personnage ordinaire en quelque chose de plus extraordinaire. En résumé, ici, l'échelle et les proportions sont des éléments clés de la composition. échelle se concentre davantage sur la taille des éléments individuels, tandis que la proportion traite la taille ou de la relation entre les tailles des éléments au sein d'un élément. Le principe suivant est celui de la répétition. Et similitude. La répétition est un autre principe très utile car il est facile de savoir quand on l'utilise. La répétition peut apporter immédiatement un sentiment d'unité et d'harmonie à une composition. Il peut également lui donner une sensation de mouvement ou d'équilibre selon la façon dont il est utilisé. La répétition est étroitement liée au principe de similitude de la Gestalt, lequel nous avons tendance à associer des éléments visuellement similaires Nous avons vu des oiseaux à plumes et nous les voyons comme un troupeau. manière générale, à moins qu'il n' y ait qu' un seul élément, une composition aura besoin quelques répétitions pour obtenir un sens de l'ordre. S'il y a de nombreux éléments qui ne se répètent pas entre eux, ce serait un chaos total. En règle générale, si vous faites quelque chose à un endroit, vous devriez probablement l' utiliser ailleurs. Vous pouvez répéter un élément tel qu'un symbole ou une marque, ou vous pouvez répéter une couleur, un motif, une texture ou toute autre qualité visuelle. La répétition est la façon dont nous obtenons le flux de motifs , le mouvement, et même l'harmonie dans notre travail. Nous utilisons également la répétition pour définir la hiérarchie en répétant une certaine qualité de la même manière sur tous les éléments du même niveau. répéter ces mêmes qualités ailleurs nous indique que des groupes similaires sont liés d'une manière ou d'une autre. Le contraire de la répétition est la variation. Nous voulons généralement atteindre un équilibre entre répétition et variation, mais le montant exact dépend toujours de la situation. L'un des moyens d'atteindre cet équilibre est de répéter un élément, exemple selon un schéma quelconque. Vous pouvez les rendre tous relativement similaires, mais il suffit de les redessiner à chaque fois. Vous pouvez également varier légèrement la forme afin les identifier tous comme étant le même type de forme ou d'élément. Mais vous voyez également qu'ils ne sont pas simplement copiés et collés. En ce sens, vous obtenez un bon équilibre de tension entre répétition et variation. Dans un style graphique d'illustration, où nous nous limitons à une poignée d'éléments différents, nous misons plutôt sur la répétition. Travailler avec un style limité nécessite un équilibre très créatif entre répétition et variation. façon dont nous l'utilisons fait partie intégrante de nos idées, nos concepts et, bien sûr, de nos compositions. Ensuite, il y a le regroupement et la proximité. Nous pouvons utiliser le regroupement pour organiser certains éléments de la page en les rapprochant les uns des autres. Les mêmes éléments d'une page peuvent sembler chaotiques ou ordonnés selon la façon dont ils sont regroupés. S'ils flottent tous régulièrement sur la page, il se peut que nous ne voyions aucune relation particulière avec eux et ne sachions donc pas où chercher ni quoi tirer de ce que nous voyons autre côté, s'ils sont organisés en groupes, nous commencerons à ressentir un sentiment d'ordre, ce qui nous permettra de percevoir moins de choses sur la page C'est la loi de la simplicité au travail. Par exemple, il se peut que nous n' ayons à compter que cinq groupes d'éléments, plutôt que des centaines ou des milliers d'éléments contenus dans ces groupes. regroupement est lié au principe de proximité de Gestel, lequel nous avons tendance à percevoir les éléments les plus proches les uns des autres comme étant liés Tout cela pour dire que lorsque les choses sont proches les unes des autres, nous les voyons en tant que groupe. Le regroupement peut aider à associer des éléments, mais il peut également créer des espaces autour de ces éléments qui permettent à l'œil de se déplacer ou de circuler autour de l'image. Quand je pense au regroupement, je pense façon d'organiser les choses sur une étagère. Si vous avez différents livres et bibelots à exposer sur votre étagère Si vous les espacez tous uniformément sans les regrouper en petits groupes, je pense que ce serait chaotique, cela aurait juste l'air bizarre. Nous pouvons plutôt faire appel Martha Stewart qui sommeille pour regrouper nos affaires sur l'étagère de différentes manières, peut-être par thème de couleur Nous pouvons également faire des arrangements intéressants en combinant un mélange de livres et d'objets. Dans cet exemple, chaque groupe devient un petit moment sur l'étagère proverbiale. Le principe à l'œuvre ici est le regroupement. Nous pouvons raconter des histoires plus intéressantes en groupant certains objets sur la page. Et nous pouvons créer des moments visuels entre lesquels l'œil peut se déplacer plutôt que de rester coincé sur une masse plus plate de choses accrochées au mur. Regardons maintenant le cadrage. cadrage est une technique qui permet de mettre en valeur une partie d' une illustration Bien que l'idée d'un cadre puisse évoquer une bordure qui entoure une image entière ou une page entière, il s'agit plutôt d' attirer l'attention sur un moment de l'image. Le cadrage peut être très direct ou plus indirect. Nous pouvons littéralement encadrer quelque chose dans une fenêtre ou une porte, ou même dans un cadre réel. Nous pouvons également définir quelque chose de manière plus subtile, par exemple en plaçant un point d' intérêt dans la clairière entre deux arbres. Nous pouvons utiliser le cadrage pour créer un point focal dans une image ou pour compartimenter différentes zones D'une image qui doit être visionnée séparément. Nous pouvons également l'utiliser pour situer le spectateur ou raconter une certaine histoire Par exemple, le fait d'encadrer quelqu'un dans une fenêtre peut nous donner l'impression qu'il est à l'intérieur et que nous sommes à l'extérieur Le regarder donne une impression d'intrigue à l'image. On se demande ce qui se passe dans cette pièce par la fenêtre. En se référant aux principes de regroupement et de proximité, un groupe d'éléments peut être lié sans qu'il soit nécessaire de les encadrer. Mais vous pouvez également considérer l' espace qui les entoure comme un cadre. Mais en encadrant certains éléments exprès ou plus directement, ils sont contraints de former un groupe Cette relation entre ce groupe spécifique d'objets est rendue très explicite. Chaque zone encadrée d'une illustration ressemble à une petite composition. Dans une image plus grande, vous pouvez créer une impression de cohérence en répétant ce cadrage sur l' ensemble de votre image Le principe suivant est l'alignement. L'alignement est un excellent moyen de se faire une idée de la structure de la page lorsque certains éléments correspondent sur un axe invisible ou sur un tracé. On peut dire qu'ils alignés lorsque les choses sont éloignées les unes des autres, mais ils sont alignés, l'alignement établit une relation entre ces éléments. Et cela apporte également un sentiment d'unité dans la composition globale lorsque les choses sont alignées et rapprochées. autre côté, en particulier lorsqu'il est associé à la répétition, l'alignement peut créer une sensation de mouvement et de fluidité, amenant l'œil sur la même trajectoire lorsque les éléments sont trop alignés, exemple s'il y a trop de choses dans les alignements et vous pouvez vraiment avoir l'impression d'une grille Cela va vraiment commencer à paraître rigide si les éléments ne sont pas du tout alignés. autre côté, la composition peut sembler fondre ou donner l'impression de flotter, comme c'est le cas actuellement Chacun de ces scénarios peut être correct en fonction de ce que vous essayez de faire dans l'image. Parfois, vous voulez vraiment une structure quadrillée et parfois vous ne voulez pas du tout avoir la moindre idée d'une grille L'alignement peut être très souple en fonction des éléments simplement alignés, soit de manière horizontale, soit de manière verticale Ou nous pouvons le faire de manière plus forcée en ayant une sorte de grille. Et puis nous avons tous ces différents intervalles réguliers auxquels les choses peuvent s'aligner. Et nous y reviendrons plus en détail dans la leçon sur les principes structurels. Ensuite, le principe suivant est celui de la figure et du sol, également appelé espace positif et négatif. La figure et le sol décrivent la relation entre ce que nous percevons comme un sujet ou une figure et l' espace ou l'arrière-plan environnants. Selon le principe de la figure et du fond nous avons tendance à percevoir les éléments soit comme le sujet principal soit comme faisant partie de l'arrière-plan. Lorsqu'il existe une ambiguïté entre la figure et le fond, nous pouvons être momentanément confus ou L'exemple classique de cet effet est l'illusion d'optique de deux visages de profil, qui peuvent être interprétés comme un vase ou comme un bain d'oiseaux. Selon votre point de vue, nous pouvons utiliser notre compréhension des figures et des motifs pour évaluer si notre sujet se démarque de l'arrière-plan, si telle est notre intention. Cela est plus facile à faire dans une composition plus simple et plus graphique où il n'y a peut-être qu' un arrière-plan uni. Mais c'est beaucoup plus compliqué lorsque nous avons une composition complexe avec un premier plan et un arrière-plan et que des éléments et des couleurs se chevauchent et se tous dans la même zone Nous pouvons utiliser un chiffre et un terrain pour nous aider à nous demander si le chiffre et le terrain sont suffisamment clairs. Si ce n'est pas le cas, nous pouvons utiliser le contraste et l'échelle pour différencier davantage notre silhouette de l'arrière-plan. Maintenant, nous verrons généralement des objets plus sombres et plus grands sous forme de silhouette et des objets plus petits et plus clairs sous forme de sol. Nous pouvons jouer avec cette relation pour créer de l' ambiguïté, de l'intention à dessein Et parfois, c'est quelque chose nous voulons voir dans une image pour une raison ou une autre. Par exemple, certains illustrateurs comme Noma Bar ou Malaka Fab sont très attachés à cette relation entre la figure cette relation entre Et ils sont très habiles à les mélanger pour avoir une signification puis une autre en fonction de la façon dont vous regardez l'image illustrateurs encore plus figuratifs comme Miroslav Shashek utiliseront cette relation entre la figure et le sol de manière ludique pour créer des effets très Maintenant, les exemples classiques de figures et fond présentent généralement des images en noir et blanc éclatantes. Tout est très net. Mais la relation entre la figure et le sol n'est pas toujours aussi simple. Comme nous l'avons déjà vu dans des scènes plus complexes, figure et le fond sont simplement plus subtils et nous devons trouver des moyens faire ressortir le personnage de l'arrière-plan sans se fondre dans Le principe suivant est celui de la fermeture. Le principe de fermeture indique que nous avons tendance à percevoir les objets comme complets, même s'ils ne le sont pas. Lorsque vous percevez une forme, elle peut être suggérée mais pas réellement là. C'est la loi de fermeture au travail. Il suffit de regarder de nombreux logos bien connus et vous verrez la fermeture en jeu. Le cercle intérieur implicite du logo Starbucks ou le corps de paon qui ne figure pas réellement dans le logo NBC en sont Et il en va de même pour la forme sphérique que nous percevons. En assemblant les quatre formes distinctes du logo Xbox, nous pouvons utiliser ce principe pour créer une image dynamique qui se complète non pas sur la page mais dans l' esprit du spectateur L'utilisation de la fermeture de manière très ciblée est un moyen essentiel d' obtenir un aspect graphique dans votre illustration En omettant simplement une partie et en laissant l'espace blanc derrière suggérer une présence ou une idée, vous pouvez créer une image puissante et captivante Maintenant, la fermeture est un peu un oxymore. En fait, cela fonctionne mieux lorsque quelque chose est laissé ouvert ou ouvert, et qu'il n'est pas complètement fermé du tout À mon avis, le fait de fermer complètement une forme, exemple avec un contour épais, par exemple avec un contour épais, peut signifier qu'elle est coupée du reste de l'image. Il le ferme de l'alimentation en air du reste de la composition. L'utilisation habile de la fermeture dans notre travail peut créer un lien puissant entre l'image et la surface, ce qui renforce le sentiment d'unité Et bien entendu, cela créera également un lien plus fort entre l'image et le spectateur. Le principe suivant est le mouvement et le flux. Il s'agit d'une autre paire de principes, mais ils signifient tous deux à peu près la même chose Le flux est ma façon de décrire la façon dont l'œil se déplace. En illustration, c'est le même principe que ce que l' on appelle plus traditionnellement le mouvement. Je préfère le flow parce qu'il s'agit davantage de la façon dont le regard passe autour d'une composition que de suggérer un mouvement réel. Comme des oiseaux en vol ou une voiture qui roule vite sur une route. flux dans une image peut être intentionnel ou accidentel dans la mesure du possible. Nous devons contrôler la façon dont le regard se déplace dans nos compositions. Cela peut être fait très brutalement, par exemple en ajoutant des dessins animés tels que des lignes de mouvement ou des flèches On peut aussi le faire de manière plus subtile en laissant les gestes et la direction de certaines lignes nous transporter sans nous en rendre compte au début Le mouvement peut également être suggéré par les effets qu'un objet laisse dans son sillage. S'il y a un objet en mouvement dans notre illustration et qu'il en laisse une trace, cela donnera bien sûr une impression de mouvement à notre image. Et nous pouvons utiliser la ligne créée par cet objet en mouvement pour nous mener ailleurs dans l'image. Et cela crée davantage un flux visuel. Ce que j'appelle le flux est lié à d'autres principes tels la loi de continuité de la Gestalt qui dit que les objets situés sur le même chemin semblent liés Et le principe des lignes directrices, où certains éléments amènent plus subtilement notre regard vers le sujet principal Dans vos compositions, vous pouvez utiliser le flux pour que le regard se déplace sur la page comme vous le souhaitez. Gardez à l'esprit que plus de mouvement ou de flux dans une image la rendra plus dynamique et moins la rendra plus statique. L'une ou l'autre de ces options pourrait être plus appropriée pour l'objectif que vous vous êtes fixé. L'illustration d'une tempête que vous voyez la nuit va se bousculer. Les vues sont plus qu'une vue calme au lever du Vous pouvez être le juge de l' un de ces types de sentiments dont vous avez besoin quel que soit le contexte dans lequel vous travaillez. Et une image peut aller dans n'importe quelle direction ou suivre n'importe quel chemin. Il peut être horizontal, vertical, diagonal, circulaire, en zigzaggi ou de toute autre flux peut être dans une seule direction ou dans plusieurs directions à la fois. Il n'existe pas de forme adaptée au flux dans une composition. Essayez simplement de ne pas renvoyer le visiteur hors de la page avant qu'il n'ait tout vu. Dans mon travail, j'utilise les lignes directrices, l'alignement, la hiérarchie et même les gestes. Et là où les yeux regardent dans mes personnages pour guider le spectateur vers le sujet principal ou autour de l'image. Cela résume donc nos principes réalisables. Maintenant c'est ton tour. Voici quelques devoirs. Participez à une chasse au trésor compositionnelle . Voyez si vous pouvez trouver des exemples de chacun des principes applicables dans les illustrations que vous trouverez en ligne En les recherchant activement dans les domaines de l'art et de l'illustration, vous commencerez à en apprendre davantage sur la façon dont ils fonctionnent pour raconter différentes histoires et dans différents contextes. Vous aurez également une meilleure idée de la façon dont ils pourraient fonctionner pour vous. Profitez bien de l'essayer, et une fois que vous aurez terminé, n'hésitez pas à le publier sur la page des projets de classe. Ensuite, nous vous verrons dans la prochaine leçon. 7. Les principes structurels: Examinons maintenant ce que j'appelle les principes structurels. Alors que les principes applicables concernent en grande partie la disposition et l'ordre des éléments individuels, les principes structurels concernent la manière dont ces éléments se tiennent ensemble pour former un tout unifié Lorsque vous examinez l'espace extra-atmosphérique, ce qui maintient toutes les étoiles, les planètes et les galaxies là où elles se trouvent, les astronomes pensent en fait qu'il existe ce que l' on appelle la matière noire. C'est le ciment qui unit toutes ces galaxies. La force invisible qui unit une composition ressemble beaucoup à la matière noire. Nous savons ce qu'il y a là même si nous ne pouvons pas le voir, et nous pouvons certainement sentir quand il n'y est pas. Les scientifiques peuvent affirmer que la matière noire existe probablement, même s'ils ne peuvent pas la mesurer directement. Nous pouvons voir les preuves, d'ailleurs, que les choses se maintiennent. Notre système solaire tient bon grâce à la matière noire. De la même manière, les artistes peuvent dire qu'il existe une colle invisible qui unit nos compositions, leur conférant un sentiment d'unité insaisissable Dans notre travail, nous avons tous envie de savoir quelle est cette colle compositionnelle, Et pour structurer notre composition, nous nous appuyons sur des grilles. Les grilles sont un excellent moyen de donner une impression de structure à la page là où nous ne la trouverions peut-être pas autrement Bien qu'il existe des milliers de grilles et d'autres manières possibles de structurer nos compositions Dans cette leçon, nous n'en examinerons que trois. Nous allons créer deux grilles la règle des tiers et les armatures harmoniques Ensuite, nous examinerons ce que j' appelle des compositions autostructurées. Examinons d'abord la règle des tiers. La règle des tiers est comme une grille avec des instructions sur la façon d'utiliser cette grille. Il nous indique où placer notre sujet dans une image pour en faire l'image la plus intéressante. Cela nous donne également des indications sur la façon structurer la page en termes de proportions, comme la partie de la page remplir avec un chiffre par rapport au sol. En tant que grille, c'est assez simple. n'y a que deux lignes horizontales et deux lignes verticales qui divisent la page en trois rangées et trois colonnes, soit neuf carrés égaux. En termes de placement, l'idée générale est de placer le sujet au tiers gauche ou droit de la composition, ou à l'une des intersections de ces lignes Maintenant, en termes de proportion, la règle des tiers suggère que le rapport entre le chiffre et le sol devrait être de 13 pour 23. Soit une partie figurine et deux parties moulées, soit l'inverse. Pour les paysages et autres scènes, la règle des tiers suggère de placer la ligne d'horizon le long de l'une ou l'autre des lignes horizontales. Vous allez donner 23 ou un tiers de l'image au ciel, selon l'endroit où vous placez cette ligne. En général, nous plaçons la ligne d'horizon le long du tiers inférieur. Maintenant, cette règle empirique est excellente en raison de sa simplicité, et elle a vraiment fait ses preuves. De nombreux experts affirment que la règle des tiers fonctionne, et je pense que nous devons les croire. Lorsque nous n'avons pas un sens aigu de la composition, nous pouvons être sûrs que la règle des tiers fonctionne dans la plupart des situations. Cela ne veut pas dire que nous ne devrions pas penser par nous-mêmes ici également. Parfois, il suffit de centrer notre sujet et de l'agrandir dans le cadre. Il suffit de demander à Wes Anderson qui a basé toute sa carrière sur ce point. Regardons maintenant les armatures harmoniques. Une armature harmonique est une grille géométrique de lignes. Non seulement en ligne droite de haut en bas et d'un côté à l'autre, mais également en diagonale. De cette façon, les armatures harmoniques nous offrent un système de grille plus flexible Cela nous donne plus d'options pour structurer nos compositions de manière plus dynamique. Une armature harmonique intègre la grille de la règle des tiers, mais c'est comme la règle des tiers sur les stéroïdes car elle vous offre tellement plus d'options avec tous ces angles supplémentaires Personnellement, je n'ai jamais entendu parler d'armatures harmoniques jusqu'à très récemment En fait, pas avant d'avoir fait des recherches pour ce cours. Je connais la science qui sous-tend les armatures harmoniques, mais cela semble vraiment bien fonctionner pour moi J'aime le fait que cela me donne la grille trois par trois ainsi que tous ces espaces et intersections intéressants pour aligner les choses un peu plus en diagonale Je trouve également très intéressant de placer des grilles d' armatures harmoniques sur des œuvres d'art existantes, comme celles d'autres artistes, pour voir à quel point ils utilisent intentionnellement de telles règles dans leurs compositions Par exemple, lorsque je l'ai placé au-dessus des œuvres de Miroslav Sasek ou Paul Rand, j'ai immédiatement trouvé une Entre cette grille et leurs compositions, je pense qu'ils doivent être très intentionnels lorsqu'ils utilisent ce type de grille en particulier. Maintenant, la question est de savoir si c'est vrai ? Utilisent-ils vraiment exprès des armatures harmoniques ? Ou est-ce une coïncidence ? Les armatures harmoniques sont-elles suffisamment flexibles pour capter tout cela comme un horoscope ? Ils semblent s'appliquer quelle que soit la situation. Quoi qu'il en soit, j'ai commencé à les utiliser dans mon propre travail, à titre expérimental, mais aussi pour aider à créer une structure plus complexe et invisible dans mes compositions. Il y a maintenant le risque que vous utilisiez trop cette grille et vos illustrations en soient tellement influencées que cela deviendrait évident. Ce qui aurait dû être une source invisible d'unité dans votre art pourrait, selon les termes du designer Al Robert, ressembler davantage à une veste de ville La dernière source de structure dont je vais parler est donc structure dont je vais parler ce que j'appelle la composition autostructurée. Lorsque nous structurons nos compositions, nous pouvons donner l' impression que tout se tient artificiellement, comme nous l'avons fait avec les grilles Nous pouvons également trouver quelque chose dans le contenu que nous utilisons réellement dans l'illustration comme structure de l'illustration. C'est ce que j' appellerais une structure intrinsèque ou une structure propre, où peu ou pas d'aide est nécessaire pour vraiment aider l' illustration à tenir le coup. Donc, un exemple de ce dont je parle ici est peut-être un immeuble d'appartements avec de nombreuses fenêtres, où dans chacune d'entre elles nous voyons une scène différente. Et nous avons cet immeuble comme objet dominant de la scène. Nous avons donc simplement cette grille naturelle de fenêtres autour de laquelle nous pouvons structurer notre illustration ou notre histoire. Un autre exemple de structure personnelle se trouve dans une illustration figurative, où la figure domine simplement la composition et fournit donc toute la structure dont nous avons besoin L'illustration tient simplement à la façon dont le corps ou le personnage remplit l'espace. Une illustration peut également être considérée comme autostructurée si elle est très simple, s'il y a juste un objet très grand, ou s'il s'agit d'un objet dominant et tous les autres gravitent autour de lui, un peu comme des lunes autour d'une planète C'est un exemple d' une structure de soi plus organique. Une carte illustrée est également une composition autostructurée, car les routes ou autres caractéristiques géographiques situées dans la couche inférieure fournissent une structure aux icônes et aux lettres illustrées et à tout ce qui se trouve en haut Même lors de la mise en page d'une illustration avec lettres ou des caractères tels qu'une couverture de livre, il n'est pas toujours nécessaire d'imposer une grille Il peut suffire que l'illustration elle-même domine la page et qu'elle l'équilibre avec un titre beaucoup plus petit et par ligne. Ce sont donc vos trois principes de structure. Nous avons la règle des tiers, des armatures harmoniques, puis nous nous sommes simplement auto-structurés Maintenant que nous sommes arrivés à la fin de cette leçon, voici quelque chose que vous pouvez essayer vous-même. Rassemblez cinq à dix illustrations que vous aimez sur Internet et analysez ensuite la structure de la composition, en utilisant la règle des tiers, quatre grilles d'armatures harmoniques que j'ai fournies en téléchargement Découvrez combien d' illustrations sont conformes à l'une de ces grilles. Qu'est-ce que tu as trouvé ? La plupart des compositions étaient-elles alignées sur l'une ou l'autre de ces grilles ou étaient-elles plus aléatoires ? Amusez-vous bien en essayant ça. Et encore une fois, si vous le souhaitez, vous pouvez partager ce que vous trouverez dans cet exercice sur la page des projets de classe. Quand tu seras prêt, je te verrai dans la leçon finale. 8. Six types de composition pour les illustrateurs: À mesure que nous approchons du projet final, je souhaite vous présenter six types de composition courants comme vous le verrez dans le projet. Ils peuvent être très utiles comme points de départ pour essayer de comprendre nos idées et, bien sûr, nos compositions. Si vous recherchez des types de composition ou des exemples de composition en ligne, vous trouverez de nombreux exemples de petits dessins miniatures avec différentes formes, symboles Certains d'entre eux ont la forme de cercles ou de triangles, ou leur forme de lettre comme un S, des courbes ou des zigzags Vous pouvez également trouver de petits dessins miniatures représentant de petites scènes telles que bateaux dans un port ou un paysage de collines Je pense qu'ils sont destinés à donner aux artistes des points de départ compositionnels Mais comme elles sont nombreuses et qu'elles sont généralement présentées sans aucun contexte, je ne les ai jamais trouvées très utiles pour moi. Ils semblent mettre la charrue avant les bœufs, car ils proposent une solution avant que nous ayons bien compris le problème que nous essayons de résoudre avec nos illustrations Le risque est que nous essayions de conformer nos idées à l'un de ces exemples préfabriqués plutôt que de trouver la meilleure solution pour notre situation particulière Cela étant dit, les types de compositions que nous allons examiner dans un instant ressemblent à ces exemples préfabriqués Ils proposent une solution avant que nous ayons compris le problème. Mais je pense qu'ils sont plus utiles parce qu'ils sont spécifiques à l'illustration. Et ils sont spécifiques à l'illustration d'idées et d'histoires d'une manière particulière Ils ne nous disent pas exactement comment nos compositions doivent être arrangées ni même à quoi doit ressembler notre style, mais ils nous donnent une structure sur laquelle travailler. La comparaison la plus proche à laquelle je puisse penser concerne la musique, où nous avons des modèles bien connus , comme deux couplets, puis un refrain , puis deux autres couplets, puis répéter le refrain à nouveau, et peut-être un bridge, puis revenir au refrain Ce genre de choses. Vous pouvez raconter des millions d'histoires uniques dans tous les styles de musique en utilisant la même structure de base. Un autre exemple plus simple serait le haïku ou le limerick. En tant que structures poétiques, sont des structures bien connues auxquelles vous pouvez adapter vos mots Vous pouvez avoir toutes sortes d' idées et vous exprimer ou raconter des histoires dans ces poèmes dans les limites qu'ils vous imposent. C'est ainsi que les six types de composition peuvent vous aider à trouver de meilleures idées et compositions dans votre art. Regardons-les maintenant. Le premier type de composition est l'objet unique. L'objet unique est exactement ce à quoi il ressemble. Il s'agit d'une illustration d'un seul objet sur la page. C'est l' illustration la plus simple car il n'y a pas de concept profond et le problème de composition est très n'y a qu'une seule chose dans la composition globale, c'est la seule chose sur la page. Il sera probablement centré et nous allons nous concentrer sur la forme générale et les détails de l' objet lui-même. Le défi de l'objet unique est de le représenter d'une manière à la fois reconnaissable et intéressante pour cette classe. Une partie de la solution consiste à choisir un objet qui peut facilement être représenté dans un style plus plat Et aussi pour choisir l'angle ou le côté le plus reconnaissable ou le plus intéressant. un certain angle, quelque chose peut ne pas sembler aussi clair ou reconnaissable que vu d' un autre objet. Les illustrations sont souvent utilisées comme illustrations ponctuelles dans des contextes éditoriaux ou de publication. Si un objet a signification ou une signification particulière pour une sous-culture donnée, il peut également être utilisé comme motif de t-shirt, sur des cartes de vœux ou même sur des tatouages Un seul objet peut être plus simple ou plus expressif. Il peut être plus proportionnel et littéral, ou il peut être plus stylisé Regardons maintenant la nature morte. Une nature morte est un dessin, peinture ou une photographie un arrangement d'objets inanimés dans espace physique aussi ennuyeux qu' un bol de fruits ou un arrangement de cuisine Quoi qu'il en soit, les gens ne semblent pas en avoir assez des natures mortes. Pour les illustrateurs, la nature morte représente une façon possible de raconter une histoire Bien que nous ayons tendance à considérer les natures mortes comme des études ou comme quelque chose qu' un artiste fait pour la pratique, une nature morte peut contenir un grand nombre d'informations qui prendront des significations spécifiques en fonction du contexte. Cela pourrait même suggérer quelque chose sur les artistes eux-mêmes en tant qu'indirect. Autoportrait Cela peut également suggérer une audition souhaitable ou une combinaison d'objets connexes, tels que des aliments qui vont bien ensemble. Désormais, les défis liés à la création de natures mortes incluent ce qu'il faut inclure dans l'arrangement et comment disposer les objets auxquels vous faites référence de manière agréable Quels objets raconteront le mieux l'histoire que vous voulez raconter et quelle est la meilleure façon de les représenter . En tant que décor Dans une sorte d'espace, une nature morte peut être dessinée à partir d'un arrangement physique réel de choses. Par exemple, vous pouvez mettre une banane, une pomme et des raisins dans un bol et commencer à dessiner ou à illustrer cela. Ou vous pouvez simplement illustrer un ensemble d' objets comme s'il s'agissait d'une nature morte issue de votre imagination. Pour les illustrateurs graphiques, le défi sera de savoir comment présenter ou représenter une nature morte sans être trop dimensionnelle Comme pour un objet simple, une nature morte peut être très simple ou plus expressive. Il permet de présenter les objets plus ou moins tels qu'ils sont, mais avec un peu de style. Il peut également s'agir d'une étude beaucoup plus abstraite de la couleur, de la forme et de l'espace. Regardons maintenant le plat. Une pose à plat est une illustration d'un groupe d' objets disposés à plat soigneusement espacés Un plan plat ressemble beaucoup à une nature morte, mais au lieu de représenter l'arrangement de manière plus organique ou superposée, les objets sont représentés dans leur intégralité sans aucune superposition et souvent sans égard à Par exemple, dans un dessin de fournitures artistiques, un crayon peut occuper toute la hauteur de la page. Alors qu'un carnet de croquis, qui est dans la vraie vie, plus grand que le crayon, peut n'en occuper qu'un quart, comme une nature morte. Un plat est un excellent moyen de raconter une histoire de manière indirecte. C'est pourquoi j'appelle parfois «   flat lays objects stories » des histoires. Ils sont également parfaits pour montrer l'idée de quelque chose de manière thématique. Si l'illustration concerne une soirée entre filles, vous pouvez réfléchir aux objets les plus emblématiques de l'idée, tels que le vin, le trajet Uber et peut-être le karaoké Je ne sais pas pourquoi j'ai choisi cet exemple, puisque je n'ai jamais été invitée à une soirée entre filles. Les couches plates sont une excellente option pour les livres pour enfants simples tels que les abécédaires ou les affiches, ou même comme base pour un motif illustratif pour des emballages cadeaux ou des textiles Bien que le flat lay soit généralement un arrangement de simples objets inanimés, il peut également s'agir d'un arrangement de personnages, créatures ou même de scènes miniatures L'essentiel est que tous les objets de l'appartement disposés ensemble racontent une histoire ou suggèrent un thème. Les couches plates peuvent être très rigides et former un quadrillage lorsque tout est disposé perpendiculairement. Ou ils peuvent flotter plus librement comme s'ils étaient suspendus dans de la gelée Le prochain type de composition que nous examinerons est la figure. La figure humaine est de loin le sujet le plus courant dans l'art et l'illustration, ce qui est logique car nous sommes des personnes et nous aimons dessiner des gens et nous aimons voir des personnes dans des dessins. Lorsqu'une illustration est principalement basée sur la figure humaine, nous l'appelons figurative. L'élément clé de l'illustration figurative est, bien entendu, l'accent mis sur un être humain, généralement un être humain, soit dans son intégralité, de la tête aux pieds, soit en partie, peut-être de la poitrine vers le haut L'illustration figurative peut porter plus directement sur la personne sur la photo, comme dans le cas d'un portrait Ou la personne peut être là en tant que dispositif plus symbolique et métaphorique. La personne peut être très active dans la scène ou elle peut être au repos à ne rien faire d'autre que de vous regarder. L'illustration figurative peut être simple et directe ou peut être expressive et hautement stylisée en tant que structure narrative Une figure peut concerner une personne en particulier, qu'elle soit réelle ou fictive. autre côté, il peut s'agir davantage de ce que fait la personne ou de ce avec quoi elle interagit. Dans ce cas, la figurine n' est qu'un support ou simplement un moyen d' attirer votre attention sur autre chose dans l'image. Une figure peut également être mieux intégrée à l'illustration, fournissant la structure complète et en devenant même une grille sur laquelle d'autres idées sont superposées le plus grand défi Je pense que le plus grand défi de l' illustration figurative est que de nombreux illustrateurs ont simplement du mal à dessiner C'est pourquoi, lorsque j'ai commencé à illustrer, j'ai évité à tout prix l' illustration figurative Je ne savais tout simplement pas comment je dessinais les gens ou je n'avais pas de méthode cohérente pour le faire. Mais à un moment donné, j' ai fait une percée. Je n'avais pas vraiment besoin de dessiner les gens de manière proportionnelle. Je m'en suis rendu compte. C'était mon choix à l'époque. Même si mon style était très graphique stylisé et irréaliste, chaque fois que j'essayais d' inclure des personnes dans mon travail, je revenais inconsciemment à je revenais inconsciemment Dès que j'ai commencé à jouer avec les proportions de la figure, à les plier et à les étirer , comme je le voulais, mon travail est soudainement devenu beaucoup plus figuratif et beaucoup plus expressif C'est peu de temps après que j'ai publié odd bodies ici sur skill share, qui reste aujourd'hui l'un de mes cours d' illustration les plus populaires. Le prochain type de composition que nous allons examiner est donc la scène. Il s'agit d'un autre type d'illustration populaire. C'est l'illustration d'un lieu ou d'un espace. Une scène peut être à l'extérieur ou à l'intérieur, et elle peut contenir des personnes ou des personnages, ou ne pas en contenir. Une scène sans personnages ni objet central serait un paysage ou un paysage urbain, ou peut-être un intérieur s'il s'agit d'un intérieur Dans ce cas, c'est la scène qui est le sujet. Le défi pour les illustrateurs travaillant dans un style graphique est de savoir comment représenter une sensation d'espace même lorsqu'ils travaillent à plat Comment gérer les éléments qui se chevauchent avec une palette de couleurs très limitée, peu ou pas de perspective, ou avec des ombres ? Nous devons maintenant sortir de notre état d' esprit photographique naturel, plutôt que de penser en termes d'angles de caméra, de perspectives et de voir les choses comme proches ou éloignées d'un appareil photo. Nous voulons réfléchir davantage à la manière de raconter une histoire dans une mise en page plate. Comment pouvons-nous représenter les choses de manière à optimiser la forme de l'espace ou de la page dans laquelle nous travaillons ? C'est là que nous pourrions avoir du mal à résister à la tentation de rivaliser avec nos appareils photo. Comment créer une représentation plus graphique de cette scène ? La première question pour une scène est quelle histoire essayez-vous de raconter ? De quoi parle cette illustration ? Que se passe-t-il sur la photo ? Ou que dites-vous à propos de cette scène ? Qu'est-ce que cela signifie ? Bien que l'histoire soit importante pour nos scènes en tant qu'illustrateurs graphiques, ce n'est pas tant l' intérêt de votre sujet façon dont vous le représentez C'est ça qui est intéressant. C'est là que nos décisions concernant l'échelle, proportions, l'utilisation de la figure et du sol, et la façon dont nous contournons intelligemment les contraintes stylistiques commencent à prendre tout leur sens D'accord, le sixième type de composition est donc le montage. Un montage est un assemblage de différentes images, marques, symboles et autres éléments réunis autour d'une idée ou d'un thème unique. En illustration, le montage est une approche très courante, en particulier lorsqu'il peut être difficile d'exprimer une idée en un seul symbole ou scène. C'est peut-être plus conventionnel. Un montage est souvent suffisamment précis pour se rapporter à une idée générale ou à un thème sans être trop précis quant au message. Cela ne veut pas dire que les montages ne peuvent pas être profondément émouvants ou significatifs, mais comme ils sont un peu plus ouverts à l'interprétation, il est plus difficile de se tromper en tant que structure narrative montages sont parfaits pour une association libre lorsque vous n' avez pas besoin que le spectateur arrive à une conclusion particulière, peut-être qu'il s'agit simplement d' une ambiance ou d'une sensation Le défi des montages est de trouver ses limites. Il est possible d'ajouter trop d'idées ou éléments dans la composition de cette façon. C'est un peu comme le flat lay, où vous devez choisir la bonne quantité de symboles ou d'objets à inclure pour raconter l'histoire. Lorsque vous réalisez un montage, je vous recommande d'ajouter le minimum d'éléments séparés nécessaires pour raconter votre histoire et de vous concentrer sur la manière les composer de manière inattendue. Peut-être que certains objets sont anormalement grands ou que tout s'emboîte comme les pièces d'un puzzle Dans mes précédents travaux d'illustration, bon nombre de mes concepts adoptaient une approche de montage. Cela s'explique en partie par le fait que c'était une façon plus simple de représenter un thème, mais aussi parce que mon style particulier était simplement meilleur pour raconter des histoires cette façon plutôt que d' inclure directement des éléments tels que la figure humaine. Il existe vraiment de nombreuses manières différentes réaliser un montage, à condition de s' en tenir à la formule qui consiste à combiner plusieurs symboles ou éléments dans une même composition autour d'une idée ou d'un thème commun. Les montages peuvent être en pleine page et s' étendre au-delà de tout ou partie des bords de votre page Il peut également s'agir d'un groupe d'éléments flottant dans l'espace de la page elle-même ou sur un arrière-plan uni. Maintenant, l'échelle est beaucoup plus courante, et pour ce cours, je vous la recommande comme point de départ. OK, voici encore une chose à essayer avant de passer au projet. Essayez de trouver des exemples d' illustrations pour chacun des six types de composition. Recherchez spécifiquement des exemples plus graphiques et plats. Cet exercice vous aidera, bien entendu, à voir comment ces six types de compositions sont vraiment omniprésents si vous regardez bien. Et ils vous inspireront également pour le projet final. Comme toujours, une fois que vous aurez fini d'essayer, partagez ce que vous trouverez sur la page des projets de classe , puis je vous verrai dans le projet. 9. Introduction et installation de projet: À ce stade, nous avons passé en revue toutes les bases de la composition et il est maintenant temps de tout mettre en œuvre. Dans le projet de classe d'aujourd'hui, vous allez créer un ensemble de six timbres-poste illustrés en fonction du pays et du thème de votre choix. Non seulement les timbres sont très amusants à illustrer, mais ils constituent également un excellent moyen de pratiquer la composition. Parce qu'ils sont si petits, ils nous aideront à rester concentrés sur la composition globale plutôt que de nous enliser dans de petits détails Un autre avantage des timbres est qu'ils sont souvent vendus en ensembles. Nous allons donc avoir l'occasion de créer un ensemble de six illustrations différentes, chacune basée sur les six types de composition que nous avons appris dans la leçon précédente. C'est un excellent moyen de voir comment les différents principes de composition fonctionnent dans diverses situations. Comme vous le verrez dans ma démo, ce qui semble fonctionner dans un type de composition, pas moi dans un autre. Tout aussi important. Vous verrez comment chacun des différents types de composition vous permet de raconter une histoire différemment. Dans ma démo, j'ai pu utiliser chaque type de composition pour inspirer une idée différente pour chacune de mes illustrations. Attention, nous avons beaucoup de choses à aborder dans les prochaines vidéos, mais je ferai de mon mieux pour vous guider à chaque étape du processus. La première chose à faire est donc de créer notre plan de projet. C'est ici que nous déclarons notre pays et notre thème, puis nous réfléchissons à des idées pour nos six timbres Faisons notre plan dès maintenant, puis nous examinerons plus tard le processus d'illustration proprement dit. Pour établir le plan de votre projet, il vous suffit d'une feuille de papier ou de l'équivalent numérique. J'ai fait le mien dans Procreate avec un simple pinceau en haut de page Rédiger mon plan de projet Ensuite, notez votre pays. Bien sûr, j'ai choisi le pays. J'habite au Canada. Je vous recommande de choisir votre propre pays car c'est plus personnel de cette façon. Mais tu peux choisir le pays que tu souhaites ensuite. Choisissez un thème. Il peut s'agir d'un passe-temps ou d'un sujet favori, ou d'une fête comme Noël ou Halloween. Au départ, je voulais choisir l'espace comme thème, mais comme j'ai créé ce cours en novembre, j'ai commencé à penser à l'hiver. J'ai pensé que ce serait amusant d'essayer de créer une série de timbres à partir de mes souvenirs d'enfant en hiver et d'avoir grandi dans une petite ville dans les années 1980. Mon thème est donc l'hiver dans mon enfance. Maintenant, juste parce qu'il s'agit d'un timbre pour un pays entier, c'est amusant de penser à la façon dont je pourrais rendre ces timbres vraiment personnels et autobiographiques J'en sais déjà beaucoup sur ma propre vie et cela me permettra de trouver plus facilement mes idées plus tard. Ensuite, notez les six types de composition l'objet unique, la nature morte, le plan plat, la figure, la scène et le montage. Laissez un peu d'espace entre eux afin d'avoir de la place pour écrire des notes de brainstorming entre Pour chacun de ces types de composition, vous pouvez commencer à réfléchir à ce que vous souhaitez illustrer. Lorsque j'ai effectué cette étape, j'ai simplement créé une nouvelle couche, je suis passée dans une nouvelle couleur dans Procreate et j'ai commencé à réfléchir directement dans le plan du Comme vous pouvez le voir, j'ai écrit mon brainstorming ici même dans mon plan de projet en bleu Une fois que j'ai noté toutes mes idées pour les six types de composition différents, qui deviendront mes six illustrations de timbres différents, je les ai passées en six illustrations de timbres différents, revue pour faire mes sélections finales. J'ai encerclé ce qui me semblait le plus marquant pour chacun d'entre eux. Bien entendu, nous voudrons tous savoir dans quelle taille et quel rapport hauteur/largeur nous travaillons. Si vous pouvez l'adapter à votre page aux dimensions que vous souhaitez utiliser. Une fois votre plan terminé, vous pouvez l'enregistrer au format Jpeg et le partager sur la page des projets de classe. Je vais simplement envoyer ce J peg mon Mac, puis le publier sur la page Skill Share Projects via mon navigateur de bureau. 10. Processus de projet (aperçu): Maintenant que vous avez créé votre plan de projet, il est temps de commencer le processus d'illustration. Dans cette leçon, je vais partager avec vous les cinq étapes que je dois suivre chaque fois que je crée une illustration. Voici un aperçu de haut niveau la façon dont j'ai traversé chaque étape. Je parlerai plus en détail de mes décisions de composition réelles pour chaque composition, type ou tampon dans des vidéos distinctes au fur et à mesure. Passons rapidement en revue ces étapes pour commencer, Passons rapidement en revue ces étapes pour commencer puis nous passerons en revue chacune d'elles plus en détail Ensuite, à la première étape, nous rassemblons des images de référence en fonction du pays et du thème que nous avons choisis. À la deuxième étape, nous démarrons les dessins en mode ou en mode observation. C'est là que nous nous appuyons simplement sur nos références. C'est une façon de télécharger toutes ces informations visuelles dans notre mémoire afin que nous puissions puiser plus librement dans notre imagination. Plus tard, au cours de la troisième étape, nous commençons à trouver des idées dans ce que j'appelle le mode élevé ou des croquis idéationnels Dans cette étape, nous travaillons un peu plus vite et plus rudement. Nous proposons simplement autant d'idées que possible sans être trop critiques. À la quatrième étape, nous sélectionnons et affinons 12, peut-être trois de nos croquis préférés. C'est là que nous élaborons nos compositions plus en détail avec un œil plus critique. Enfin, à la cinquième étape, vous créez votre illustration finale dans votre propre style d'illustration à l'aide vos applications, outils et techniques préférés. Si vous êtes toujours en train de déterminer votre style et les outils que vous utilisez, n'hésitez pas à me suivre dans le didacticiel vidéo de Photoshop. Dans ce cours, je vais vous faire une démonstration rapide pour vous montrer comment je crée mes illustrations à l'aide de Photoshop, y compris les pinceaux et les couleurs que j'utilise. Dans la vidéo du didacticiel de maquette, je vais vous montrer comment utiliser les fichiers de maquette d' estampillage inclus dans ce cours. Si tu le souhaites. N'oubliez pas que le but de ce projet n'est pas d'être parfait mais de mettre en pratique ce que vous avez appris en classe. Si vous rencontrez des difficultés dans le projet, cela signifie que vous posez des questions et que vous essayez, ce qui signifie que vous apprenez quelque chose de nouveau. Très bien, examinons plus en détail la première étape du processus d'illustration. La première étape consiste à rassembler des images de référence liées à votre thème. Avec six illustrations pour lesquelles trouver des références, il peut y avoir beaucoup d' images à suivre. Pour chaque tampon, j'ai donc créé un dossier portant le nom de chaque type de composition. Ensuite, je suis partie à la recherche d'images sujet que j'avais choisi pour chacune d'entre elles. Maintenant, je cherche des images qui ressemblent à la façon dont mes illustrations finales seront composées, si cela a du sens. Je cherche juste des images qui m'aideront à les esquisser plus tard et à me souvenir de certains détails qui leur donneront leur caractère. Pour presque toutes les illustrations, je recherche des images qui montrent le point de vue le plus simple et le plus reconnaissable de mon sujet. Parce que c'est ainsi que je vais probablement vouloir le dessiner dans mon style. En gros, tout ce qui doit être beau dans un style graphique plat est utile si je peux trouver des images de référence qui s'en rapprochent le plus possible. Maintenant, nous ne copions pas les photos, mais si nous utilisons les informations contenues dans les photos, il est bon de disposer d' un ensemble d' informations aussi complet que possible. Mais en même temps, je prends également des images qui montrent d'autres angles je trouverai comment Plus tard, je trouverai comment aplatir les choses selon mon propre style C'est presque tout l' intérêt de ce projet. Souvent, j'ai juste besoin d' images qui me donnent des idées pour certains détails, comme les motifs ou motifs d'une combinaison de neige une pièce des années 1980 ou à quoi ressemblait un bâton de hockey à l'époque ? Je n'en ai pas besoin sous un angle particulier pour savoir à quoi ils ressemblent. Je dirais de passer 30 à 60 minutes chercher des images de référence. Vous pouvez vous limiter à un maximum de 25 images par illustration. Vous pouvez terminer une étape bien plus rapidement ou beaucoup plus lentement que 25 minutes. Cela dépend vraiment de ce que vous recherchez et de la mesure dans laquelle vous souhaitez vous laisser emporter par cette étape. Vraiment, il n'y a pas d'urgence. Profitez bien de la chasse. Et quand tu seras prêt, reviens voir cette vidéo. L'étape suivante consiste à dessiner à partir de nos images de référence. Vous pouvez effectuer cette étape avec un vrai papier et un crayon, ou vous pouvez utiliser un équivalent de dessin numérique J'utilise toujours procréer avec un pinceau à six crayons pour mes dessins et mes croquis Si vous avez suivi mes autres cours, vous savez que nous ne sommes pas ici en train d' esquisser des idées de code, mais que nous passons simplement du temps dessiner ce que nous voyons à partir de l'observation C'est pourquoi j'appelle ces en mode ou en mode observation des dessins. C'est une étape facile et agréable, surtout si vous avez l'habitude de dessiner de toute façon, car cela peut sembler très productif. Et tu peux dessiner, mais tu ne fais pas encore trop travailler tes muscles créatifs. C'est une transition agréable et facile à mesure que nous nous rapprochons de nos idées pour nos compositions plus tard. Si vous n'êtes pas sûr de vos capacités de dessin, ne vous inquiétez pas d' essayer de bien dessiner ici. Le but de cette étape est simplement de télécharger ces informations visuelles dans votre mémoire, à partir desquelles vous pourrez esquisser ultérieurement sans avoir à chauffer les références. Tant que vous examinez de plus près les détails de votre sujet pendant que vous le dessinez ici, c'est tout ce qui compte pour cette étape. J'ai rempli une page et j'ai procréé pour chacun des six dossiers d'images de référence, ou une page pour chacun de mes six types de composition L'un des avantages du dessin d' Omo, c'est que lorsque vous dessinez dans le régulateur de vitesse, vous trouvez quelques idées pour l'illustration finale qui commencent à apparaître. Par exemple, alors que je dessinais images de référence de ma figure, j'ai commencé à voir comment je pourrais utiliser la figure et la forme de l'ange des neiges manière intéressante Je me suis également attardé sur certains détails qui m' intéressaient, comme le badge de la moto de course sur neige GT, comme le badge de la moto de course sur neige GT, que j'adorais quand j'étais petit garçon Et pour être honnête, en tant qu' adulte, je le suis toujours. Les détails que vous avez tendance à vous laisser emporter ici peuvent être des indices sur ce qui vous intéresse le plus et sur ce que vous voudrez peut-être inclure plus tard dans votre concept final. Permettez-vous d'une manière ou d'une autre de vraiment vous immerger dans cette étape. Je n'y avais pas pensé, mais j'ai en fait passé deux heures et demie à dessiner à partir de mes références ici. Lorsque vous aurez terminé, je vous recommande de faire une petite pause afin de faire une petite pause afin de pouvoir passer à l' étape suivante avec un esprit neuf. À la fin de cette étape, n' oubliez pas de partager vos dessins en mode O sur la page des projets de classe. OK, maintenant il est temps de perdre le contrôle de l' équipage et de commencer à trouver des idées. Ce sera une étape plus difficile pour beaucoup d'entre nous, car c'est là que nous devons commencer à réfléchir à la manière de raconter l'histoire ou transmettre l'idée que nous voulons voir dans chaque composition. Il s'agit d'un processus itératif, ce qui signifie que nous devons esquisser des variations pour chaque composition un certain nombre de fois pendant que nous élaborons nos idées et nos compositions C'est maintenant l'étape des croquis, ce qui signifie que vous pouvez être un peu plus libre que lors de l'étape suivante. Vous n'avez pas besoin de trop réfléchir à la composition si elle ne vous vient pas naturellement. Mais réfléchissez davantage à ce qu'il faut inclure dans l'image qui peut le mieux raconter votre histoire. Par exemple, avec un seul objet, il s'agit vraiment de savoir comment le représenter de la manière la plus claire et la plus intéressante L'itération vous aidera à trouver ce que vous recherchez ici Pour vous aider dans cette étape, j'ai inclus un fichier de modèle d'esquisse que vous pouvez charger dans Photoshop ou procréer, ou même imprimer si vous le souhaitez Bien sûr, ils sont au format un par 1,5 sur lequel je travaille moi-même, mais vous pouvez facilement voir comment cela pourrait fonctionner dans n'importe quelle autre taille ou format. Pour commencer, j'ai ouvert le modèle d'esquisse dans procreate, puis pour chaque illustration ou tampon, j'ai créé un nouveau calque Je l'ai étiqueté dans le coin supérieur gauche, puis j'ai commencé à l'itérer. Je commence toujours par être un peu faible et hésitant, mais je m'échauffe après quelques itérations. Dans le modèle, j'ai inclus des vignettes à la fois en haut et en large, afin de fois en haut et en large, pouvoir facilement esquisser des idées dans les deux sens, dans les deux orientations, afin de me donner des options différentes pour options différentes L'une des questions fondamentales que nous nous posons à propos d'une composition est la comment savoir ce que je dois inclure dans l'image ? je vais maintenant parler plus en détail de ce que j'ai pensé prochaines vidéos, je vais maintenant parler plus en détail de ce que j'ai pensé de la composition de chaque tampon. Mais comme j'ai beaucoup préparé la phase de planification et de mise en page, je savais déjà quel sujet j' allais inclure dans chaque illustration de timbre. Je n'ai pas eu à demander comment savoir quoi inclure ici pour chacune d'entre elles. Parce que cela avait déjà été déterminé pour moi par les étapes précédentes du processus. Ce que je fais ici, c'est principalement chercher comment arranger ces différents objets, figures et symboles de la manière qui raconte le mieux l' histoire que je veux. Je tiens également à souligner ici à quel point le fait de travailler à partir d'un type de composition prédéfini me permet presque de prendre des décisions concernant la composition, je n'ai pas du tout à y penser. Par exemple, je sais que pour un seul objet, je dois simplement remplir la zone artistique du tampon avec le GT Snow Racer autant que possible Le format étroit de mon tampon, celui d'un par 1,5, me donne encore plus de difficulté à travailler. Je dois montrer l' objet de manière à remplir cette zone étroite autant que possible. Et il se trouve que la GT vue d'en haut fonctionne parfaitement. Bien entendu, au fur et à mesure que nous progressons dans les différentes illustrations du projet, les compositions deviennent de plus en plus difficiles. Mais chacun des six types de composition contient des indices sur l'arrangement final des éléments qui y sont intégrés. Maintenant, cette étape peut également prendre un certain temps. J'ai encore passé 2,5 heures à travailler sur l'ensemble des itérations ? Eh bien, cela semble long à consacrer à des croquis. N'oubliez pas que nous réalisons ici six illustrations qui ne durent en moyenne 30 minutes par timbre illustré, ce qui, d'après mon expérience, est rapide comme l'éclair Encore une fois, au moment de terminer cette étape, n' oubliez pas de partager vos ébauches sur la page des projets de classe. Maintenant que nous avons parcouru les ébauches, il est temps de trouver nos meilleures idées et de les peaufiner pour les rendre encore meilleures. Je recommande de faire une petite pause entre la dernière étape et celle-ci. Je trouve que je vois toujours mes croquis sous un nouveau jour. Si j'y reviens plus tard dans la journée ou même le lendemain, je vois les choses de manière plus objective et j' apprécie même davantage la plupart des idées le deuxième jour ou plus tard que lorsque je les dessinais ici. Je les jugeais juste en fonction de mon instinct. Quels croquis j'ai juste aimés sans trop y penser. lorsque j'ai regardé ces croquis, lesquels ont vraiment attiré mon attention. Mais à ce moment-là, je me demandais également lesquels racontaient l'histoire de la meilleure façon possible. Lesquelles remplissaient bien l'espace ou fonctionneraient bien dans la mise en page finale du timbre, où nous devons prendre en compte le nom du pays et la valeur du timbre, et surtout, celles qui, selon moi, fonctionneraient bien dans mon style d' illustration graphique le plus plat, comme nous le verrons dans la finale pour la nature morte par exemple, j'ai choisi une composition qui me plaisait Mais il était plus difficile de travailler dans un style graphique plat, car il y avait beaucoup de chevauchements et même une certaine dimensionnalité dans les bottes elles-mêmes J'ai passé plus de temps à essayer de trouver une solution. Et en fin de compte, je ne pense pas être aussi à l'aise ou heureuse de la façon dont j' en suis à l'aise ou heureuse arrivée à celui-ci. Vous savez, si je devais recommencer, je choisirais l'un de mes croquis où les je choisirais l'un de mes croquis où les bottes se chevauchent le moins possible, ou je redessinerais complètement le tout En gardant à l'esprit que mon style fonctionne mieux lorsque les choses ne se chevauchent pas autant Mais pour ce qui est de l'apprentissage de la composition, mon expérience montre qu'une nature morte conventionnelle, dans laquelle nous pensons à la composition, mon expérience montre qu'une nature morte conventionnelle, tous les objets réunis dans un même endroit physique et en les mettant en proportion les uns par rapport aux autres, n'est pas nécessairement le bon objectif pour un style plat, si vous travaillez dans un seul endroit comme moi. Bien entendu, pour ce projet, je voulais simplement continuer à avancer. Une fois que j'ai fait mes sélections, je me suis tournée vers un style de dessin plus raffiné J'ai créé un fichier haute résolution plus volumineux, y ai placé mon croquis et j'ai commencé à le peaufiner avec des lignes plus nettes. À ce stade, je n' essaie pas d'être parfait, mais j'essaie vraiment me pousser dans cette direction. J'utilise le croquis comme guide, mais maintenant je peux commencer à réfléchir davantage en termes de mise en page finale. Comment puis-je faire en sorte que la composition corresponde le mieux possible aux proportions finales du tampon ? Et comment puis-je le faire fonctionner avec les éléments typographiques qui doivent également y figurer ? C'est là que j'ai commencé à utiliser mes grilles. J'utilise l' armature harmonique pour m'aider à placer la composition de manière uniforme J'ai tendance à voir les choses de travers. Et ce n'est que lorsque j'active mes grilles que je peux me quel point mon point de vue naturel est bancal Mais même si ma vue était parfaite, j'aime aussi utiliser la grille pour aligner les choses de manière plus intentionnelle. C'est ce dont nous avons parlé dans la leçon sur les principes de structure. Comme vous pouvez le voir, c'est sur mon parcours que j'ai commencé à faire mes sélections. J'ai commencé à identifier des moyens d'améliorer mes compositions . Au cours de cette étape plus approfondie, j'ai pu réellement apporter ces améliorations. J'ai commencé à peaufiner une série de croquis à la fois. J'affinerais un seul des plans d'un seul objet, puis un seul à partir des plans de nature morte et ainsi de suite j'ai fini de peaufiner ces six croquis, j'étais suffisamment satisfaite pour passer aux illustrations finales si j'en illustrations finales si ressens vraiment l'envie plus tard. J'y retournerai peut-être et j'essaierai peaufiner quelques-unes des autres une autre fois. Encore une fois, à la fin de cette étape, n' oubliez pas de partager vos croquis affinés sur la page des projets de classe. Il s'agit de la dernière étape et peut-être de la plus difficile. C'est là que nous réunissons tout cela dans l'illustration finale. La majeure partie de la composition devrait donc être élaborée d'ici là. Dans les croquis affinés, nous savons ce que nous voulons inclure dans chaque illustration et nous devrions avoir une idée précise de la direction que les choses vont prendre à ce stade. Il s'agit simplement de savoir si tout va réellement fonctionner comme nous l'avions imaginé Une fois que nous avons vraiment commencé à créer cette illustration finale, il existe une relation étroite entre la façon dont nous esquissons et la façon dont nous illustrons dans notre style final. Si nous connaissons bien notre style, le passage de l'esquisse à la version finale devrait être relativement simple si vous n'en êtes pas encore au fait de votre style ou de vos techniques connaître ce fait devrait au moins vous aider en expliquant pourquoi cette étape n'est peut-être pas si facile pour vous En termes de composition, nous travaillerons principalement sur les couleurs, les textures, les nuances et le contraste Et bien sûr, les détails particuliers qui peuvent nous inquiéter, comme le nez, les yeux et les styles de lettrage Vous verrez que même pour moi, le passage de l'esquisse à la version finale n'est pas si simple. Comme je l'ai dit, je commençais à la composition des bottes parce que à la composition des bottes parce que j'essayais de montrer toutes ces choses, toutes les bottes superposées et, pour moi, très tridimensionnelles. J'ai fini par le résoudre quelque peu en aplatissant les bottes et en simplifiant certains détails Mais je ne vois pas la clarté que je rechercherais fin de compte dans ce qui devrait être une composition simple. Si je devais refaire celui-ci, je le referais sous la forme d'un arrangement beaucoup plus plat et direct L'autre pièce sur laquelle j'ai passé beaucoup de temps était la scène dans son ensemble. Je suis content du concept, mais j'ai des sentiments mitigés quant à l'origine de la figurine. Je pense que c'est principalement dans le geste et j'aimerais également résoudre ce problème davantage. Mais bien sûr, ce n' est qu'un détail Nous devons nous rappeler que pour ce cours, nous concentrons davantage sur la composition que sur l'obtention ces petits détails de la composition dans son ensemble. Je suis vraiment content de la façon dont celui-ci s'est déroulé. Tout au long du processus, j'ai utilisé ma grille d'armature harmonique pour donner à chaque illustration plus de structure et d'alignement, et pour m'aider à diviser la page en proportions plus agréables selon la règle des tiers Un autre élément sur lequel nous nous concentrerons ici est le lettrage de notre pays, la valeur, et peut-être même une petite légende pour chaque timbre Vous pouvez choisir une police qui vous convient ou même vous essayer à un lettrage personnalisé pour la mienne Je viens d'utiliser une version de police créée rapidement de mes propres lettrages à la main Enfin, étape rapide mais très satisfaisante, j'ai placé chaque pièce finale dans un fichier de maquette de tampon, qui ajoute les bordures perforées et ajoute un peu de texture papirée à l'œuvre d' J'ai inclus les fichiers de maquette dans les formats Photoshop et Procreate sous forme de téléchargements gratuits. Sur la page des ressources du projet, vous pouvez apprendre à placer votre illustration dans le fichier de maquette et à apporter vos propres personnalisations dans le fichier de maquette Tutoriel de ce cours. Encore une fois, n'oubliez pas de partager vos dernières illustrations de timbres sur la page des projets de classe ainsi que sur les réseaux sociaux en utilisant la composition par hashtag pour les illustrateurs Je suis très impatiente de voir ce que vous allez réaliser 11. Tutoriel Photoshop: Il s'agit d'un didacticiel rapide pour illustrer dans Photoshop avec les mêmes pinceaux et couleurs que ceux que j'utiliserai pour la démonstration du projet Si vous êtes curieux de savoir comment je développe mes œuvres en termes d' outils et de techniques, cette vidéo expliquera à peu près les bases. Je vous encourage à créer vos illustrations à votre manière en utilisant vos propres outils, techniques et style. Mais en même temps, je ne veux pas que le manque d' expérience vous empêche de simplement apprécier le projet. N'hésitez pas à utiliser ce tutoriel et télécharger mes pinceaux et palette de couleurs à utiliser dans votre propre projet. Maintenant, avant de commencer à utiliser les pinceaux Photoshop, vous aurez besoin d'une tablette graphique quelconque. J'utilise mon iPad et crayon Apple comme tablette graphique pour mon Mac. Pour ce faire, j'utilise Astropad Studio. J'ai laissé un lien dans la description du projet afin que vous puissiez en savoir plus sur la façon de procéder. En dehors de cela, vous devrez télécharger le modèle d'art final Photoshop depuis la page du projet de classe. Ainsi que les pinceaux et les fichiers de palette, que j'ai également fournis. J'ai les pinceaux, la palette et les fichiers de modèles artistiques finaux ici chargés dans mon outil de recherche. Commençons simplement par ouvrir le modèle graphique final. Une fois que vous avez ouvert votre fichier, vous pouvez également installer les pinceaux et les échantillons de la même manière Ouvrez simplement ces fichiers à l'aide de Photoshop et ils devraient se charger automatiquement dans votre Photoshop. Les pinceaux apparaîtront dans votre panneau de pinceaux. Vous devriez voir un petit groupe de pinceaux appelés pinceaux de classe de composition. De même, les échantillons apparaîtront dans votre panneau d'échantillons sous la forme d'un petit groupe de couleurs appelé ici palette de classes de composition Si vous ne voyez ni le panneau des pinceaux ni celui des échantillons, allez simplement dans la fenêtre et assurez-vous que les pinceaux sont cochés et que les échantillons sont Et vous devriez probablement les voir quelque part sur le côté droit de votre écran. Si vous me suivez et que vous créez vos tampons dans le même rapport hauteur/largeur de 1,5, utilisez le fichier de modèle artistique final tel que fourni. Les timbres que je dessine sont censés mesurer un par 1,5 pouce au total, y compris les bords perforés et la bordure blanche Cela signifie que la zone artistique elle-même sera légèrement plus petite et ses proportions seront légèrement différentes. Tout ce que vous devez savoir, c'est que si vous utilisez mon modèle artistique final, tout fonctionnera parfaitement. Il suffit d'ouvrir les propriétés de taille de mon image ici pendant une seconde. Dans Photoshop, vous pouvez voir que les dimensions sont d'un peu moins d'un pouce de large dans ce cas, et d'un peu 1,5 pouces de haut. Mais vous remarquerez cependant que la résolution est très élevée, 2 400 pixels par pouce. J'ai surdimensionné l'image ici pour qu'elle soit belle , car elle est plus grande qu'un par 1,5 pouce, ce qui est assez petit. Pour que ces illustrations soient belles lorsqu'elles sont partagées sur la page du projet ou sur les réseaux sociaux, la résolution doit être plus élevée. Maintenant, juste une dernière remarque technique. Si vous utilisez le modèle d'esquisse fourni pour les croquis affinés, ce fichier artistique final est à nouveau deux fois Tant que vous utilisez ce fichier tel qu'il est fourni, il s'intégrera parfaitement dans le fichier de maquette. Et bien sûr, j'ai un tutoriel pour le fichier de maquette dans la vidéo suivante. J'aimerais maintenant vous faire un petit tour d'horizon de ce dossier. Jetons un coup d'œil aux calques dans le panneau des calques. Nous avons ici trois groupes de couches. Il s'agit de petits dossiers contenant des couches. Nous avons d'abord le groupe de couches artistiques, c'est là que vous allez créer votre illustration. Ensuite, nous avons le groupe de couches de grilles. Nous allons les passer en revue dans un instant. Mais troisièmement, nous avons le groupe de couches d'esquisse. C'est ici que vous allez d'abord placer votre croquis. Jetons simplement un coup d'œil au groupe de couches de grilles ici. J'ai inclus ici deux grilles, l'armature harmonique et la grille de la règle des tiers Nous les avons abordés dans la leçon sur les principes structurels, mais je les ai fournis ici juste pour vous faciliter la tâche. J'ai également inclus une zone de sécurité, c'est-à-dire une marge uniforme tout autour du fichier, juste pour garantir que certains éléments restent à une distance de sécurité par rapport aux bords, en particulier le nom de votre pays et la valeur de votre timbre ou tout autre élément typographique que vous voudrez placer près du bord, mais pas jusqu' au bord Vous pouvez maintenant afficher ou masquer n'importe laquelle de ces grilles en cliquant simplement sur la petite icône dans la colonne de gauche, dans le panneau des couches Une autre chose à propos des grilles, c' est que j'ai réglé l'opacité à environ 30 %, ce qui signifie qu'elles sont visibles, mais pas trop gênantes lorsque vous créez votre œuvre Si vous souhaitez modifier l'opacité ici, cliquez simplement sur le petit cadenas pour déverrouiller le groupe de couches Ensuite, vous pouvez modifier l'opacité pour les rendre plus visibles. Ou rendez-les moins visibles comme vous le souhaitez. J'aime avoir un réglage d' environ 30 % selon ce que je fais dans le fichier. J'aime simplement m' assurer qu'il est verrouillé afin ne pas le déplacer accidentellement pendant que je crée l'œuvre d'art. Maintenant, pour commencer à illustrer, nous allons placer l'un des croquis raffinés que nous avons réalisés dans ce fichier Pour ce faire, vous pouvez simplement faire glisser votre fichier d'esquisse du Finder vers le fichier ou vous pouvez utiliser File Place Linked et procéder de cette façon. Maintenant, lorsque j'ai placé l' esquisse dans mon fichier, elle est passée directement au-dessus de toutes les couches. Vous voulez simplement vous assurer que vous avez placé votre esquisse dans le groupe de couches d' esquisse. Si l'esquisse n'est pas dans la bonne orientation telle qu'elle est ici, vous pouvez simplement la faire pivoter de 90 degrés pour qu'elle corresponde, puis la redimensionner à la bonne taille selon vos besoins. Je vais donc utiliser l'outil de transformation en appuyant sur commande, puis en plaçant mon curseur juste dans l' un des coins. Et en maintenant la touche Shift enfoncée, je pourrai la faire pivoter par paliers réguliers jusqu' à ce qu'elle atteigne 90 degrés, dans un sens ou dans l'autre Je vais également le redimensionner à partir du centre pour qu'il corresponde à la taille du fichier. Je maintiens la touche Shift et Option enfoncée pour m'assurer qu'il évolue proportionnellement. Et en maintenant l' option enfoncée spécifiquement, cela signifie que je la redimensionne à partir du centre. Une fois que vous l'avez en place, il vous suffit de double-cliquer dessus pour valider cette modification. Vous remarquerez maintenant que l'esquisse est plus car le groupe de couches est défini sur une opacité de 20 % Là encore, c'est le cas, donc l'esquisse est visible mais pas trop distrayante Pendant que vous créez l'illustration par-dessus, vous pouvez ajuster l'opacité du groupe de couches comme vous le souhaitez Vous pouvez le rendre très intense ou très faible. Tout ce que tu dois faire. J'aime le maintenir à environ 20 % maintenant, avec juste une note de plus avant de passer à autre chose. Vous pouvez voir que mes œuvres ne sont pas dans le bon sens. Tout doit être décalé de 90 degrés dans le sens antihoraire Tout ce que vous avez à faire est de passer à l' image et à la rotation de l'image et de la faire pivoter dans direction souhaitée pour qu'elle soit la direction souhaitée pour qu'elle soit correctement positionnée. C'est peut-être le bon moment pour enregistrer notre fichier afin de ne pas remplacer le modèle Donc je vais juste enregistrer As et appeler ça nature morte, Final Art. Dans mon projet, je n'utilise que quatre pinceaux. Cela m'aide à garder les choses simples et à apporter une cohérence stylistique globale aux illustrations Bien entendu, cela renforce l'unité globale de l'œuvre. J'ai maintenant inclus les pinceaux que j'utilise dans ce cours. Pour votre commodité, si vous avez déjà installé les pinceaux, vous verrez ici un petit dossier de pinceaux appelé pinceaux de classe de composition. Trois d'entre eux sont en fait fournis gratuitement aux utilisateurs de Creative Cloud. Donc, si vous utilisez Photoshop CC, vous y aurez accès depuis le site Web d'Adobe. La seule exception ici est la brosse à grain épais. Celui-ci est de la société Retro Supply. Cela provient de leur ensemble de pinceaux Woodland Wonderland. Ils sont gentiment, laissez-moi vous l' inclure pour ce cours Veuillez envisager d'acheter l'ensemble complet de pinceaux Woodland Wonderland en utilisant le lien fourni sur page du projet de ce cours Je vais maintenant vous montrer comment j'utilise chaque pinceau pour créer mes illustrations finales. Commençons donc par la beauté des pinceaux. Nous voulons nous assurer que nous faisons partie du groupe de couches artistiques et j'ai créé une couche sur laquelle vous pouvez commencer et qui dit « créer une œuvre d'art tamponnée » ici. Commençons par cela. Avant de commencer, je vais peut-être le remplir simplement avec une couleur unie, puis commencer à illustrer mes éléments par-dessus Je vais choisir ce rose comme ça. Il suffit de le remplir à l'aide de l'outil de remplissage. Comme vous pouvez le constater, même si je l'ai rempli d'une couleur unie, je peux toujours voir mon croquis et ces grilles juste assez longtemps sans qu'ils soient distraits par la beauté du pinceau sélectionnée Je veux régler cela sur une taille d'environ 100 pixels. Je vais m'en servir pour définir mes formes plus grandes dans l'illustration ici, je veux choisir une couleur différente. Je vais opter pour le jaune. Je vais simplement commencer par créer un contour autour de l'une de mes plus grandes formes. Une fois que j'ai créé cette forme et que je l'ai fermée, je peux appuyer sur G sur mon clavier pour activer un outil de remplissage de seaux, et je vais simplement remplir cette forme. Maintenant, si vous zoomez de très près, vous verrez qu'il y a une petite ligne de cheveux entre la zone que vous avez remplie et le contour. Tout ce que vous avez à faire pour vous en débarrasser est de le remplir à nouveau, et cette racine de cheveux devrait disparaître. Désormais, chaque fois que vous créez une nouvelle forme ou un nouveau détail, créez une nouvelle couche. De cette façon, tout reste modifiable ultérieurement. Comme vous pouvez le constater, ce n'est pas ce que j'ai fait lorsque j'ai créé cette forme. Je l'ai fait juste en arrière-plan et je ne veux pas que cela se produise. Je vais donc simplement annuler et le faire de la bonne façon. Je vais maintenant cliquer sur un nouveau calque et dessiner cette forme sur son propre calque. Juste le plan d'abord, puis remplissez-le une fois. Remplissez-le deux fois, et ça a l'air bien. Créons maintenant une nouvelle couche et créons l'une de ces bottes. Je vais fabriquer cette botte dans cette couleur bleue. Gros plan la forme trouvée pour Phil. Remplissez-le une fois. Et pour me débarrasser de cette racine de cheveux, je vais la remplir une fois de plus pour ajouter de plus petits détails, vous pouvez utiliser le même pinceau juste en plus petit ici. Je vais peut-être faire en sorte que la taille du pinceau soit de 50 pixels pour ajouter quelques détails sur la botte ici. Passons maintenant à créer une qualité de bord constante dans toutes les formes et tous les détails, y compris les lignes blanches que je viens de créer. Vous pouvez constater qu'à l' heure actuelle, les bords sont flous et inclinés par rapport à la forme de la botte Juste pour les rendre cohérents, je vais appuyer sur mon clavier pour accéder à l'outil de remplissage et les appuyer une fois pour les remplir. Cela rend automatiquement ce bord rugueux et il est cohérent avec le reste de l'illustration Chaque fois que je modifie une forme ou que j'en ajoute une nouvelle pour rétablir cette arête uniforme, je la remplis toujours avec l'outil godet. Encore une fois, cela enlève cet aspect numérique flou. une autre utilisation de la beauté du pinceau lettrage est une autre utilisation de la beauté du pinceau avant de passer à autre chose Je vais juste créer une nouvelle couche ici pendant un moment, juste pour une démonstration rapide. Et je vais faire quelques lettrages, peut-être l'agrandir légèrement J'ai activé ma grille pour que mes lettres soient plus ou moins uniformes, afin de leur donner une belle note afin qu'elles n'aient pas l'air si clairement dessinées au pinceau. J'utilise ma gomme et je range ces extrémités comme ça. Comme pour les autres détails, je peux utiliser l'outil de remplissage, appuyer dessus sur chaque élément distinct, rugueux et cohérent aspect rugueux et cohérent que je recherche Dans ce style particulier, vous pouvez passer en revue et faire un petit ajustement ici et là selon vos besoins. Mais si vous effectuez un zoom arrière et même que vous réduisez légèrement le texte, vous constaterez que tout est plutôt beau. Voici un autre petit conseil secret : si vous créez du texte ou du lettrage à la main, agrandissez-le plus que nécessaire puis rétrécissez-le et placez-le là où vous en avez besoin De cette façon, le lettrage aura un aspect légèrement plus raffiné que si vous le faisiez simplement Dessinez-le à la taille exacte dont vous avez besoin. Regardons maintenant la brosse à grain épais. Je vais créer une nouvelle couche ici pour celle-ci. Je veux vraiment que ce soit grand. Peut-être 400 ou 500 pixels. Donc c'est beau et épais. S'il est trop petit, il ressemblera plus à un pinceau qu'à une texture. Et j'utilise vraiment ce pinceau à grain épais comme texture, pas vraiment comme pinceau. Choisissons ici une couleur plus foncée dans la palette des classes. Et je veux créer de l' ombrage sur cette botte. En ce sens, je veux créer une sorte de texture d' ombrage sur cette botte Dans ce scénario, je veux que la bâche soit fixée uniquement à la botte ou à l'objet situé en dessous, et qu'elle ne dépasse pas les bords, comme c'est le cas ici Pour m'en assurer, je vais apporter cette couche de texture que je viens de créer, juste au-dessus de la botte. Juste au-dessus de la botte. Et puis dans le panneau des couches, je clique avec le bouton droit de la souris. Et il devrait y avoir une option pour créer un masque de découpage. Tant que cette couche est directement au-dessus de l'objet que je veux découper, je vais obtenir ceci. Ce que vous voyez se passer ici, comme vous pouvez le voir dans les détails blancs, c'est que la botte passe également par-dessus le bord. Je vais donc simplement sélectionner cette couche car elle se trouve directement au-dessus d'une autre couche accrochée à cet objet Si je crée un masque de découpage, il se joindra au masque de découpage est amusant pour ce groupe. Ce pinceau vert épais est idéal pour l'ombrage et la texture, mais il est également idéal pour ajouter effets lumineux, comme je l'ai fait avec le faisceau de phares et le halo de lune dans mon illustration de montage Maintenant, je vais juste dessiner une de ces chaussettes pour nous préparer pour la démonstration de Rough Rowdy Brush Dans certains cas, dans le cadre de mon projet, je voulais créer une texture plus sauvage, quelque chose de différent du grain lourd. Pour cela, j'ai utilisé un pinceau appelé Rough Route, qui ressemble presque une encre tachée avec un peu de vert bois dedans. Je vais te montrer ce que je veux dire. Je vais donc simplement sélectionner mon pinceau rugueux et je vais créer cette taille, 400 pixels pour commencer m'assurant de travailler dans une couleur plus foncée Pour cet exemple, je vais créer une nouvelle couche. Je vais juste vous montrer à quoi ressemble ce pinceau. C'est une texture très floue et vieillie qu'elle Pour utiliser celui-ci, je l'utilise plus comme une texture que comme un pinceau même manière que j'utilise le grain épais, mais d'une manière encore moins contrôlée. Ce que je fais, c'est le rendre vraiment grand. Comme je l'ai fait, j'ai créé celui-ci en 450 pixels. Ensuite, je fais quelques échantillons avec lesquels travailler. Je vais juste en faire un échantillon sur une couche séparée. Je vais créer un autre échantillon ailleurs pour que la texture qu'il crée soit différente. Je le rends un peu plus léger, donc ce n'est pas aussi intense et c'est plus subtil, quelque chose comme ça. Avec celui-ci, je pourrais même effacer un peu les bords juste pour leur donner un peu plus d' arête, un bord net. Ensuite, ce que je peux faire avec ceux-ci, c'est simplement les appliquer comme masque de découpage sur un objet en dessous. Je vais simplement apporter la couche avec laquelle je travaille ici et l'appliquer comme masque à clipser sur la chaussette que j'ai fabriquée L'effet que je recherche ici est comme une chaussette sale. Cela ne signifie pas vraiment que la chaussette est foncée ou arrondie foncée ou arrondie, juste comme si elle était Je vais faire de même avec cette texture ici. Je vais l'appliquer comme masque à clipser sur cette chaussette. C' est assez intense. Je devrais peut-être essayer un peu plus léger et jouer un peu avec lui jusqu'à obtenir l'effet que je souhaite. Mais c'est ainsi que j'utilisais ce pinceau dans le projet de classe. Si vous voulez savoir exactement comment je l'utilise dans le projet, je l' ai utilisé dans l' illustration de la scène où j'ai cette allée en train d'être pelletée En copiant et en collant cette texture à des angles et à des échelles légèrement différents, j'ai pu suggérer à quoi ressemble la neige sur une allée lorsqu'elle est raclée à la pelle, où l'on peut voir des restes de neige blanche sur l'asphalte neige blanche sur l' Passons maintenant à la gomme brute, qui n'est qu'une des encres de Kyle Webster que vous pouvez télécharger sur le site Web d'Adobe Je viens de le renommer en Rough Eraser. Je l'utilise comme brosse à effacer pour obtenir un bord plus rugueux que ce que vous pouvez obtenir avec l'un des pinceaux par défaut fournis avec Photoshop Ceux-ci ont tendance à paraître beaucoup plus numériques, et je vais juste vous montrer ce que je veux dire très rapidement. Photoshop vous fournira ces pinceaux généraux sous forme de gommes à effacer. Ils sont doux, ronds et durs, et ils ont juste un aspect vraiment épuré et numérique, ce que je n'aime pas dans mon style le plus désordonné ici Pour utiliser le référent/une gomme que j'ai cliqué pour activer l'outil d'effacement, je vais simplement sélectionner le référent Je vais m'assurer que c'est une taille raisonnable, peut-être 20 pixels, et commencer à effacer partout où j'en ai besoin Disons simplement que je veux changer un peu la botte. Je vais simplement y sélectionner la couche de démarrage et fois mon outil d'effacement activé, je peux simplement commencer à effacer, peut-être en nettoyant certains bords ou peut-être si je voulais créer une forme différente en haut Ma gomme me permet de le faire parce qu' elle est un peu plus rugueuse, elle n'a pas un aspect aussi propre et irrégulier. Maintenant, voici un conseil : si vous effacez votre forme ici, n'importe où sur la forme, mais que vous souhaitez retrouver une qualité de bord constante. Vous pouvez simplement accéder à l' outil de remplissage et vous assurer que la couleur de votre objet est identique à celle de votre palette. Ensuite, appuyez simplement sur cet outil de remplissage , puis tout le bord est rétabli. Cette technique que j' utilise à nouveau pour bien remplir pour obtenir cet avantage est très spécifique à l'utilisation de ces pinceaux. Cela peut ne pas s'appliquer à toutes les situations. Il se peut que vous ne vouliez pas toujours une telle rugosité dans tous les cas. Cela conclut à peu près le didacticiel Photoshop. Ceci n'est qu'un aperçu de mes pinceaux et des techniques que j'utilise dans ce cours. Ce sont tous les pinceaux et techniques que j'utilise, et je les utilise de manière très constante. Et vous pouvez vraiment tirer beaucoup de choses avec un petit peu de cette façon. Encore une fois, si ce n'est pas déjà fait, assurez-vous de l'enregistrer en tant que nouveau fichier et de le nommer correctement lorsque vous aurez terminé. Une fois que vous avez terminé votre illustration et que vous êtes prêt à partager sur la page de la classe ou sur les réseaux sociaux, assurez-vous de masquer la couche de grille ainsi que la couche de croquis. Ensuite, vous pouvez l'enregistrer au format Jpeg pour le partager. 12. Tutoriel de maquette de tampon: Une partie du plaisir de ce projet est de voir votre tampon d'une manière plus réaliste. Pour cette raison, j'ai fourni un fichier de maquette. J'en ai un pour Photoshop et un pour Procreate. Ils fonctionnent un peu différemment dans chacun de ces programmes, j'ai donc dû créer deux types de maquettes différents. Commençons par une seule photo. Vous pouvez télécharger le fichier depuis la page des projets de classe, puis vous pouvez simplement l' ouvrir dans Photoshop. Et une fois que vous l'aurez chargé, vous verrez quelque chose comme ça. Maintenant, pour utiliser ce fichier de maquette, vous devez travailler dans les mêmes dimensions ou dans le même rapport hauteur/largeur que ceux que j'ai utilisés dans la démonstration du cours Et que je fournis dans les modèles artistiques finaux. Pour plus d'informations à ce sujet, vous pouvez utiliser le didacticiel Photoshop de ce cours. Les différentes parties du fichier de maquette sont le fond qui entoure le tampon, puis nous avons cette bordure perforée Et puis, bien sûr, la zone où vous placez votre illustration est assez simple. Il y a ici un tas de couches différentes que vous pouvez voir dans le panneau Lys. Mais en réalité, tout ce que vous avez à faire est d'accéder à cette couche appelée Place Art. Il s'agit d'un objet intelligent, ce qui signifie que vous pouvez cliquer dessus ouvrir un fichier séparé ici. Et c'est là que vous souhaitez placer votre illustration existante. Vous pouvez le faire simplement en saisissant votre fichier d'illustration et faisant glisser dans le canevas comme ceci Vous pouvez également accéder au fichier Place Linked et le trouver dans votre outil de recherche ou votre système de fichiers. Ainsi, une fois que vous l' aurez introduit, vous constaterez peut-être qu'il est dans la mauvaise orientation. Il suffit de le faire pivoter de 90 degrés. Je vais le faire simplement en maintenant la touche Shift enfoncée. Une fois que je l'ai chargé, il était déjà en mode rotation. Vous pouvez voir que ces petits coins sont des petits carrés. Et cela signifie simplement que je peux le transformer avant de le valider dans le fichier. Je vais donc simplement maintenir la touche Shift enfoncée pour pouvoir faire pivoter par incréments réguliers. Ensuite, je vais juste l'agrandir jusqu' à ce qu' il ait exactement la même taille que cette toile ici. Maintenant, pour le redimensionner à partir du centre, je maintiens les touches Option et Shift enfoncées en même temps , en fonction de vos paramètres dans Photoshop Vous devrez peut-être ou non maintenir la touche Maj enfoncée, et une fois que vous l'avez exactement à la bonne taille, vous pouvez simplement double-cliquer dessus. Et voilà. Il ne vous reste plus qu'à enregistrer. Je vais appuyer sur la commande S pour enregistrer puis fermer ce fichier. Comme vous pouvez le voir, mes œuvres sont ici dans la maquette. Si vous trouvez vos tampons dans la mauvaise orientation, ne vous inquiétez pas. Tout ce que vous avez à faire est de faire pivoter l'image et de la faire pivoter à 90 degrés dans le sens des aiguilles d'une montre ou dans le sens antihoraire selon vos besoins Nous y voilà. Avant d'aller trop loin, enregistrons-le un nouveau fichier, car nous ne voulons pas remplacer notre fichier de maquette, car nous voulons le garder vide pour les prochaines illustrations Je vais juste l'enregistrer en tant que maquette de figurine, car il s' agit de mon illustration de figurine. Ensuite, je vais appuyer sur Enregistrer. Maintenant, si vous souhaitez modifier la couleur d'arrière-plan, il vous suffit de sélectionner cette couche de couleur d'arrière-plan dans le panneau des couches. Vous pouvez ensuite appuyer sur n'importe quelle couleur dans le panneau de vos échantillons si vous souhaitez changer la couleur de cette façon J'aime cette couleur bleu foncé. Mais je pourrais le rendre un peu plus discret pour que le tampon apparaisse un peu mieux Et je vais frapper, d'accord. Une autre façon de changer la couleur consiste simplement à double-cliquer sur cette couche de couleur d'arrière-plan. Et vous pouvez utiliser le sélecteur de couleur pour changer la couleur à partir de là Je vais juste enregistrer à nouveau le fichier. Et bien sûr, si vous souhaitez le partager sur Instagram ou sur la page des projets de classe, vous devrez l' enregistrer au format JPEG ou PNG. Assurez-vous simplement d'enregistrer sous, puis sélectionnez Jpeg ou PNG et enregistrez votre fichier de maquette De cette façon, pour la maquette de procréation, il suffit de télécharger le fichier depuis la page des projets de classe et de l'ouvrir dans procreate Une fois que vous l'avez dans Procreate, vous pouvez ajouter votre propre illustration à la couche appropriée Il suffit d'aller dans le panneau des couches ici dans Procreate, cette couche se trouve en bas Il est dit de remplacer cette couche par votre œuvre d'art. Dans Procreate, il n'y a pas d'objets intelligents dans lesquels il suffit de couper et coller votre illustration ou de la placer à partir d'un fichier si vous l'avez enregistrée de cette façon Je vais passer à la petite clé ici et ajouter une photo Et j'ai mes estampilles ici sur mes photos. Et je vais juste le faire pivoter pendant qu'il est en mode transformation avec la bordure en forme de cadre ici. Il suffit de le faire pivoter de 45 degrés pour qu'il soit parfaitement centré et qu'il le fasse pivoter dans la maquette comme ça. Lorsque vous avez terminé, vous pouvez simplement appuyer sur cette flèche dans le menu en haut à droite, et votre maquette de tampon s'y trouve. Si l'ensemble du tampon est mal orienté, il vous suffit de le faire pivoter avec vos deux doigts comme ça et il devrait s' enclencher par incréments de 90 degrés comme ça Ça y est, tu as terminé. Encore une fois, en y regardant de plus près, vous pouvez voir cette jolie texture de papier qui se produit automatiquement tant que vous placez votre fichier sous ce groupe de couches de tampon ici Si vous préférez ne pas imprimer cette texture de papier, vous pouvez simplement la masquer ou la désactiver dans le panneau des calques Enfin, si vous souhaitez changer la couleur de votre arrière-plan, je ne veux pas que ce soit ce gris terne. Je vais sélectionner la couche de couleur d'arrière-plan , puis je vais choisir une couleur à l'aide du sélecteur de couleurs ici Peut-être un bleu similaire à celui que j'ai utilisé dans le didacticiel de maquette de Photoshop. Et puis, bien sûr, je vais simplement appuyer sur ce disque dans le coin supérieur droit et le faire glisser jusqu'à ce que toute la zone de bordure soit remplie d'une nouvelle couleur. Et voilà. Maintenant, gardez à l'esprit que l'œuvre d'art que vous placez ici doit s'étendre jusqu'au bord parfait de la zone artistique ici. La façon dont ce fichier fonctionne et se reproduit est qu' il ressemble essentiellement un cadre ou à une fenêtre à travers laquelle apparaît votre fichier d'illustration Vous voulez simplement vous assurer que votre œuvre s'adapte parfaitement à cette zone afin qu'il n'y ait aucun espace dans les bords. Vous devez également vous assurer de ne pas trop recadrer au risque de perdre des objets sur ces bords Et voilà, c'est ainsi que vous créez votre maquette dans Procreate et Photoshop 13. DEMO : l'objet unique: Dans les six prochaines vidéos, je vais expliquer comment j'ai élaboré mes compositions pour chacune des six illustrations de timbres. Nous avons déjà passé en revue toutes les étapes du processus d'illustration, y compris les étapes plus préliminaires de collecte d' images de référence et de dessin en mode. Nous allons maintenant examiner mes décisions en matière de composition, à fois dans les ébauches et dans les esquisses raffinées Et bien sûr, également dans les dernières étapes d'illustration. Nous allons commencer ici par l'objet unique dans la phase d'esquisses. C'est là que je commence à trouver des idées. Ici, j'ai créé une page de vignettes au format d'image dans lequel je prévois de réaliser mes derniers tampons Dans ce cas, il s'agit d'environ une unité dans une dimension et 1,5 unité dans. L'autre La moitié de mes vignettes ici sont au format vertical et l'autre moitié au format horizontal Cela me donnera l' occasion de considérer ces deux mises en page comme une option pour chaque illustration J'ai fourni le même modèle de vignette que j'utilise ici en téléchargement sur la page des projets de classe Pour le seul objet, la tâche était assez simple : adapter le snowracer GT au design. Lorsque je m'assois pour commencer à réfléchir, mes premières itérations ne sont généralement qu'un échauffement mes premières itérations ne sont généralement qu'un échauffement n'y a donc pas beaucoup de créativité dans les deux premiers croquis. Mais au fur et à mesure que je pars, vous pouvez voir que je commence à déterminer les proportions des pièces du traîneau Il y a le siège, le ciel, le volant et le cadre. Je pense également aux détails intérieurs, comme le motif des lignes sur le siège à côté de la deuxième rangée de mes vignettes Je fais preuve d'un peu plus de créativité voir si je peux faire des variations dans l'angle dans lequel je le dessine ou dans le point de vue de l'objet dans le croquis du centre gauche. J'ai également commencé à réfléchir à l'emplacement des éléments typographiques Et cela inclut bien sûr le nom du pays et la valeur du timbre. Comme les choses étaient appropriées, j'ai eu l'idée de pointer un ciel frontal vers un coin, ce qui donne une composition plus dynamique Il y a plus de mouvement dedans. Et le ciel avant pointe votre œil vers le coin supérieur droit d'une manière intéressante. Dans le sketch suivant, j'ai commencé à jouer en ajoutant des badges ou des logos du coureur sur en ajoutant des badges ou des logos du neige, qui sont amusants à illustrer et qui ajoutent une touche de nostalgie Je joue également avec le fait de montrer un peu de perspective. Même si je travaille dans un style plat, cela reste un défi intéressant de voir jusqu'où je peux aller en suggérant une certaine profondeur de cette façon. Vous pouvez me voir essayer quelques autres choses, certaines qui ne fonctionnent pas et d'autres qui fonctionnent. La disposition horizontale m'a fait penser davantage à une vue latérale qu' à une vue aérienne depuis le haut. J'ai également commencé à jouer en ajoutant un câble de remorquage à la pièce pour lui donner plus d'histoire. Maintenant, dans cette phase d' esquisse, j'essaie simplement de passer en revue les idées plus rapidement et de manière moins critique La raison pour laquelle les miniatures sont si petites est que vous ne voulez pas passer trop de temps avec Réfléchissez à la composition générale ici et ne vous laissez pas trop emporter par les détails. Vous pouvez également vous permettre d'avoir de mauvaises idées qui ne mènent absolument nulle part ici. Rien n'est précieux À ce stade, nous allons devenir plus analytiques et plus critiques. À l'étape suivante de ce projet, j'ai fini par remplir une page de vignettes pour chaque illustration, puis je suis passé à la Après avoir fait tous mes croquis pour l'ensemble du set, je les ai revus, recherche de trois de mes meilleures idées à intégrer dans un croquis plus raffiné. Dans procreate, j'ai simplement ajouté un point rouge à mes sélections pour mes illustrations à objet unique J'aime trois de mes croquis verticaux et un de mes croquis horizontaux. C'était le dernier en bas à droite. Maintenant, mes décisions ici étaient basées sur trois questions ou critères principaux. Tout d'abord, qu'est-ce que j'ai juste aimé d'un point de vue instinctif ? Deuxièmement, qu'est-ce qui a rempli l'espace ? Eh bien, troisièmement, qu' est-ce qui raconte une histoire intéressante ou qui a donné lieu à une composition intéressante ou inattendue ? C'est, à un haut niveau, ce que je recherche dans tous ces croquis. En les parcourant, je me suis rendu compte que j'avais oublié d' inclure un petit détail sur la GT, savoir ce petit break pour les pieds. Cela ressemble à un petit grattoir à ressort que vous enfoncez avec votre pied pour ralentir sur les collines Pour moi, je pense que c' est un détail très important de ce produit, de cette motoneige Maintenant, une fois que j'ai fait mes sélections, je les ai peaufinées. Au stade de la mise au point, j'ai défini mon concept global et il est maintenant temps de peaufiner point, j'ai défini mon concept global les détails. Ici, j'ai déposé mon croquis une toile plus grande et j'ai procréé là où je pouvais faire exactement cela C'est à ce moment que je peux commencer à réfléchir plus précisément à la disposition, notamment à la visibilité de ma grille d' armature harmonique J'ai fourni le même modèle de croquis raffiné que celui que j'utilise ici en téléchargement sur la page des projets de classe. Il inclut les deux grilles, l'armature harmonique et la règle des tiers, ainsi qu'une zone de sécurité qui vous donne une marge uniforme sur tout le pourtour afin ne pas placer vos éléments de texte ou d'autres détails trop près des bords pour un seul objet J'ai fini par opter pour l'orientation verticale, et j'aime beaucoup celle avec le ski, tourné d'un seul côté. C'était un équilibre parfait entre une composition lacée très droite est un peu bizarre, c' le ski incliné me fait sourire un peu et en fait, si cette GT pouvait sourire, si cette GT pouvait sourire, est probablement à cela J'ai également apprécié la façon dont le ski vous a vraiment donné l'impression que vous pouviez le piloter avec un vrai volant C'est un détail très important pour un garçon de six ans qui essaie de dominer la colline de l'école. Je n'essaie pas de prêter trop d'attention aux proportions littérales du traîneau, mais je veux m'assurer que le ciel est identique en termes de largeur et de forme arrondie des extrémités du Je pense également aux proportions de l' objet global par rapport à l'image globale. Je veux remplir l'espace uniformément, mais je veux aussi laisser suffisamment d'espace pour respirer dans l'espace qui l'entoure. Je n'ai pas mesuré le rapport entre le chiffre et le sol ici, mais le volume d'espace occupé par l'objet global, y compris les espaces qu'il contient, représente environ les deux tiers de l'espace disponible. Mon objet est assez symétrique en lui-même, il me semble donc très évident de le placer au centre et de m' y pencher. Je m'assure donc que les deux skis latéraux sont la même taille et que le siège est bien centré entre eux. Bien entendu, je cherche également des moyens de favoriser la répétition. Et cela se voit dans les détails des skis et de la selle. Je répète également les angles du cadre. Ainsi, les angles à l'avant du cadre et à l'arrière sont les mêmes. Ils sont parallèles les uns aux autres. Pour le ski avant, qui est incliné, je l'aligne le long d'une des lignes diagonales de la grille d'armature harmonique Et cela indiquera précisément le chiffre cinq dans le coin. Bien entendu, comme vous pouvez le constater, j'inclus maintenant les éléments typographiques, mon pays, la valeur du timbre, et même une petite légende pour ajouter piquant typographique que j'aime apporter à Maintenant, je m'intéresse beaucoup aux détails des freins à pied. Je savais que mécaniquement, ils étaient reliés quelque part sous le volant Mais du point de vue de la composition, cela semblerait trop compliqué et remettrait en cause le principe de simplicité, qui est l'un de nos principes réalisables J'ai donc fini par les fixer au cadre d'une manière qui n'est ni correcte ni correcte sur le plan technique, mais sur le plan de la composition, cela semble simplement plus simple et, à mon avis, c'est une meilleure J'ai eu du mal à me sentir bien. C'était le motif en X où le cadre relié aux deux skis latéraux situés près du volant. J'ai toujours eu l'impression d'être vraiment déséquilibré. Pour moi, il y avait une concentration de détails dans un seul endroit, juste à l'avant, là où le cadre est relié au ciel. Là encore, cela a remis en cause la loi de la simplicité et créé un sentiment de déséquilibre. Je n'ai donc pas fini par résoudre ce détail particulier à ce stade, mais je savais que je pourrais m' en occuper plus tard. Au stade artistique final, encore une fois, je suis passé par l'étape de raffinement de l'ensemble des illustrations. Une fois que je les ai toutes mises en place, j'étais prête à commencer les illustrations finales. J'ai commencé par celui-ci, l'objet unique, et c'est ce que nous allons aborder maintenant. Pour les illustrations finales, j'ai travaillé dans un fichier de résolution encore plus élevée, incluait également les mêmes options de grille que le modèle d'esquisse affiné. J'en ai parlé en détail dans le didacticiel Photoshop, notamment comment déposer l'esquisse dans le fichier et comment activer et désactiver les grilles. J'ai fourni le même modèle artistique final, que ces grilles peuvent être téléchargées sur la page des projets de classe Dans mon processus, je trouve que la plupart des problèmes de composition résolus dans l' esquisse affinée. Au stade final, mes décisions portent davantage sur des questions de style, en particulier de couleur et Mais comme vous le verrez dans certaines de mes œuvres à ce stade, comme la nature morte, la dernière étape peut remettre en question certaines décisions que j'ai trouvées infaillibles dans les croquis de cette illustration point de vue de la composition, je suis en train de déterminer la relation entre la figure et Je veux que mon GT Snow Racer ressorte bien la couleur vive que j'ai choisie pour l'arrière-plan Pendant ce temps, la couleur de fond rouge apparaîtra et la couleur foncée aux tons bleus que j' utilise ici disparaîtra C'est parce que les couleurs froides comme bleu disparaissent et que les couleurs chaudes comme le rouge apparaissent. La couleur foncée que j'utilise ici a une valeur plus forte, il y a donc un contraste suffisamment fort pour établir cette relation entre la figure et le fond. Je recherche également des opportunités d'utiliser la couleur du papier blanc de manière graphique. En rendant le tube blanc ainsi que le type en haut, je crée une relation plus dynamique entre la figure et le sol Vous verrez beaucoup de répétitions à l'œuvre dans les détails du ski et du siège. Une façon de le faire est d'utiliser la même largeur de ligne pour ces détails. J'ai maintenant ajouté quelques variations à ces éléments en les rendant horizontaux et d'autres verticaux. Et bien sûr, il y a une légère variation dans la qualité de chaque ligne répétée. Je ne me suis pas contenté de les couper et de tous les coller. Ils sont tous dessinés séparément, juste pour s'assurer qu'il y a une légère variation entre eux. La partie principale de ce cadre est d'une largeur uniforme, puis seules les plus petites pièces de raccordement situées près du volant ont une largeur plus fine, mais elles sont toutes cohérentes les unes avec les autres. J'ai également répété les petits rivets du cadre le long des skis Je voulais inclure le jaune dans cette pièce, mais j'avais du mal à l' utiliser d'une manière équilibrée. Le jaune est une couleur si visible qu'il attire vraiment votre attention Finalement, je l' ai utilisé comme touche de couleur sur l'insigne au centre du volant, puis sur le câble de remorquage qui part du côté de la page pour y revenir par le bord inférieur. Voilà le principe de la fermeture au travail. Vous avez l'impression que la corde sort de la page et qu'elle continue à vue jusqu'à ce qu'elle réapparaisse dans le cadre ailleurs. Bien entendu, cette courbe jaune n'existe qu'en haut à droite, puis il y a une petite ligne sur le bord inférieur et on a l' impression qu'il s'agit d' une ligne continue qui sort de la page pour y revenir Tout cela est dans votre esprit en termes de hiérarchie. Nous n'avons qu'un seul objet, il n'y a donc pas grand-chose à considérer ici dans l'illustration elle-même. Cependant, en tant que mise en page typographique, le tampon a une relation hiérarchique prendre en compte celle des éléments typographiques à la fois avec l'image et avec la mise en page du tampon Je voulais m'assurer que le lettrage correspondant au pays en valeur était identique en termes de style et de taille Comme vous le verrez dans le set, j'ai choisi de toujours placer le pays en valeur de timbre sur le même bord et de ne jamais avoir sur le même bord et un coin de chat l'un de l'autre Cela signifie que je ne mets jamais le pays dans un coin puis la valeur du timbre dans le coin directement opposé S'ils se trouvaient dans des coins opposés comme ça, cause de la loi de similitude, je les associerais comme étant apparentés, mais mon esprit sauterait d'avant en arrière dans la composition, essayant de les concilier en une seule chose. Cela perturberait le déroulement de l'illustration globale. Avec les légendes, j'ai décidé de les placer dans une taille beaucoup plus petite Et ici, il était logique de l'aligner sur le bord gauche du lettrage «   Canada » en haut J'ai utilisé le Safe Area Guide dans ma grosse maison pour m'assurer que tous ces éléments typographiques avaient un espace uniforme à partir des bords 14. DÉMO : la nature morte: Dans cette vidéo, je vais expliquer comment j'ai créé l'illustration de la nature morte, comme je l'ai fait pour l'objet unique. J'ai parcouru quelques vignettes pour celui-ci. Pour ce qui est de la nature morte, je veux réfléchir à ce à quoi ressembleraient les objets que j'ai choisis ensemble dans l'espace physique. Mais je veux aussi réfléchir à l'histoire qu'ils racontent. Si j'ai choisi les bottes Matt comme mode de vie, c'est parce qu'elles sont restées gravées dans ma mémoire. Je me souviens juste qu'il y avait toujours toutes ces bottes devant notre porte d'entrée dans une famille de six personnes. Au final, il y a beaucoup de chaussures à manipuler. Je tenais particulièrement à souligner l'idée de mes bottes de lune de style Napoleon Dynamite Et si possible, le fait que les doublures semblent toujours ressortir en même temps que mon pied lorsque je les ai retirées. Je voulais également les montrer aux côtés de bottes pour adultes, ce qui leur donnerait plus de contexte et une impression d'échelle. Elles ressembleront davantage à de petites bottes pour enfants qu'à des bottes plus grandes pour adultes. Je me souviens également des tapis en caoutchouc brun que nous utilisions et de la façon dont la chair sale de nos bottes fondait et s'y accumulait. J'ai exploré des manières d'utiliser le tapis comme dispositif unificateur. Non seulement un tapis de chaussures regroupe littéralement toutes les bottes physiques, mais il constitue également un excellent outil d'encadrement pour la composition un des défis pour moi ici était de représenter des objets dans l'espace physique en utilisant la disposition et la dimensionnalité, tout en utilisant mon style graphique d'illustration plus plat Normalement, ma façon de gérer ce type de narration consiste à représenter chaque objet séparément et de manière plus plate Mais comme je vais le faire dans l'illustration à plat , j'ai dû me lancer le défi d'être un peu plus photographique dans mon approche. Dans cet article, j'ai rempli ma page de vignettes essayant des compositions horizontales et verticales, puis je suis passé à l'étape suivante Tout comme la dernière fois que j'ai essayé trouver mes meilleures idées, ou qui avait donné juste au moment où j'ai senti ce qui remplissait bien l'espace, me suis encore une fois demandé ce que j'avais aimé, juste au moment où j'ai senti ce qui remplissait bien l'espace, et qu'est-ce qui racontait une histoire intéressante lieu à une composition intéressante ou inattendue J'ai choisi ma première version parce que j' ai aimé le format vertical, ce qui était inattendu pour un tapis à chaussures qui, comme les bottes, ressemble davantage à bottes, ressemble davantage quelque chose que l'on pourrait représenter horizontalement J'ai également apprécié le fait que le tapis lui-même ne remplissait qu'environ la moitié du cadre et laissait ensuite beaucoup plus d' espace en arrière-plan en haut. J'ai également apprécié la relative simplicité de celui-ci, moins dans le format d'esquisse. savoir si cela fonctionnera dans mon style et ma palette de couleurs très restreints , c'est une toute autre affaire J'aime aussi les quelques croquis horizontaux, m'ont permis d' inclure d'autres objets narratifs , comme des doublures sortant de bottes ou peut-être des chaussettes et des mitaines mouillées Vous verrez sur certaines de ces vignettes que j'ai inclus le sol dans les orifices d'aération. J'ai aimé la façon dont ils racontaient l'histoire, j'ai aussi trouvé qu'ils s'éloignaient trop de l'idée d'une nature morte et qu'ils ressemblaient plutôt à de petites scènes recadrées, car ils incluaient plus de contexte de fond pour les croquis raffinés J'ai choisi l'un des concepts horizontaux J'aime bien celui-ci parce qu'il contenait des bottes de lune et d' autres types d' objets comme des chaussettes et des mitaines Et pas seulement les bottes. Lorsque je l'ai immédiatement placé dans mon modèle de croquis raffiné , j'ai su que je devais le retourner pour intégrer les éléments typographiques L'une des contraintes que je me suis fixées est que je veux toujours le mot Canada soit lu avant la valeur du timbre. Le nom du pays devait aller là où se trouvait la botte la plus haute dans mon croquis ici J'ai donc simplement retourné le croquis, et cela a résolu mon problème Ensuite, j'ai décidé de montrer une plus grande partie de l'arrière-plan en réduisant le tapis, afin qu'il n'occupe que les deux tiers de l'espace. J'ai placé le bord arrière du tapis le long de la ligne horizontale supérieure, en utilisant la grille de la règle des tiers. J'ai passé beaucoup de temps à essayer de trouver comment représenter ces bottes en trois dimensions, ce qui, comme nous le savons, n'est pas un point fort de mon style plat. J'ai également passé un certain temps ici à me demander ce qu'il fallait inclure pour les bottes S'agit-il d'une seule botte, ou d'une botte et d'une doublure ? Ou deux bottes ? Et pas de doublure. Et quels seraient les détails de ces bottes ? Je me suis finalement retrouvée avec les deux bottes de lune hautes sur le tapis du côté droit. Puis les mitaines et les chaussettes sont tombées sur le côté droit J'aime la façon dont les mitaines et les chaussettes ont percé le cadre du tapis pour unifier la relation entre le sujet et la zone d' arrière-plan En laissant les chaussettes ou contenu du dispositif d' encadrement du tapis se répercuter dans la zone de couleur d' arrière-plan, cela a permis d'unifier la composition globale, plutôt que de garder les objets dans leurs propres Maintenant, en étant indécis, je me suis donné ce que l' écrivain Barry Schwartz appelle le paradoxe du choix En créant quelques possibilités différentes au cours de cette étape, mais aucune n'étant vraiment différente de manière significative dans l'ensemble. J'aurais du mal à me sentir satisfait ce que j'ai fini par choisir. Il s'avère que lorsque je suis arrivé à l'étape finale, j'ai tout abandonné et j'ai opté pour la première itération, la version verticale Avec celle-ci, j'ai donc continué à me demander, encore une fois, mon plus grand défi étant de savoir comment représenter ces bottes superposées avec un certain sens de la dimensionnalité, mais dans mon style plat et Avec le recul, je pense que j'ai commencé fort, mais j'ai commencé à trop réfléchir Tout allait bien quand j'avais les bottes toutes plates sans montrer le haut ou la partie ouverte des bottes. Maintenant, dans un souci de simplicité, j'essayais de trouver comment montrer ces bottes de la manière la plus claire possible Vous pouvez donc les voir comme des bottes individuelles plutôt que comme des touffes de différentes formes étranges J'ai essayé différentes stratégies ici, notamment en ajoutant des bâches explorant une façon plus tridimensionnelle de représenter les bottes et en essayant toutes sortes de détails Maintenant, la partie la plus importante de cette composition est l'utilisation des bottes Wellington, qui sont très emblématiques et simples, les gens les reconnaissent et reconnaissent à quel point elles étaient l'élément le plus dominant. C'était un point fort de cette illustration. Le tapis jaune utilisé comme dispositif d' encadrement est également résistant et j'aime les proportions où il occupe à peu près les deux tiers inférieurs de l'espace total et laisse les trois premiers uniquement à la couleur de fond J'ai aimé intégrer la texture croisée des bandes de roulement mates Il s'agit d'une utilisation de la répétition et j'ai découpé ce motif pour laisser transparaître le fond rose. Il s'agit d'une utilisation de la figure et du sol ainsi que de la fermeture, car les formes de diamant distinctes qui restent restent réunies pour former un seul objet. Maintenant que je regarde les choses, ce qui ne fonctionnait pas avec les bottes plus tridimensionnelles les parties blanches du haut. Dans la partie supérieure des bottes, elles créaient trop de points chauds pour attirer l'œil , car aucune autre zone ne présentait un blanc aussi éclatant dans la composition Encore une fois, j'ai trop réfléchi et je n'arrêtais pas revenir sur ce que je pensais décisions plus fermes plus tôt Bien que de nombreuses choses s'améliorent avec raffinement et la réflexion, nos premières itérations seront souvent les plus simples, et c'est souvent exactement la bonne décision En fin de compte, je suis arrivé à quelque chose de utilisable. Je suis revenue au style plus plat des bottes, avec un sens plus prononcé de la répétition dans les lignes horizontales supérieures de chaque botte, chacune faisant écho à l' Mais d'une manière unique, j'ai essayé différentes variantes du motif en forme de grille en losange sur le Shumap, mais je suis revenu au motif rose, et j'ai apprécié le fait que cela créait un arrière-plan moins gênant pour les bottes et donc un contraste plus fort entre la silhouette et silhouette Dans ce cas, la figure des bottes sur le fond du mat, j'ai fini par choisir le blanc pour les éléments typographiques Et cela a apporté une plus grande unité en faisant écho aux détails blancs des bottes, qui auraient autrement été isolés à la seule zone où se trouvaient les bottes pour enfants Et le fait que la chaussette ait apporté du blanc à d'autres endroits n'a fait qu'apporter plus d'équilibre à la composition Maintenant, l'un des éléments auxquels vous ne vous attendez peut-être pas dans vos compositions est l'endroit où placer votre signature. J'ai entendu parler d'au moins un artiste qui a décidé de ne pas apposer sa signature ses illustrations pour cette raison. Maintenant, pour moi, il a toujours été important d'inclure ma signature, non seulement pour y apposer mon identité, mais aussi pour y ajouter un peu d'intérêt visuel De plus, je ne vais pas mentir, c'est très inspiré par mon designer et illustrateur préféré, Paul Rand, parmi tant d'autres de son époque, qui laissaient toujours leur signature dans l'œuvre finale. 15. DÉMO : plat: Voyons maintenant comment j'ai élaboré la composition de l'illustration à plat. En jetant un coup d'œil à tous mes croquis pour celui-ci, je suis en train de répondre à deux questions principales. Quelle collection d'objets puis-je utiliser pour raconter mon histoire ? Et quelle est la meilleure façon de les disposer toutes dans l'espace ? Bien entendu, mon histoire ici est celle de jouer au hockey dans mon jardin ou, plus généralement, de l'idée d' avoir une patinoire dans notre propre jardin. Quand il faisait assez froid, mon père inondait une partie de la cour à l' aide du tuyau d'arrosage, et très vite il y avait de la glace incrustée Un plat est une façon de raconter une histoire d'une manière plus énigmatique, comme dans un bus Plutôt que de montrer ce qui se passe, vous pouvez montrer les objets qui le suggèrent. C'est ce qui fait des histoires d'objets de ce genre. Dans un plat, les objets intéressants flottent d'eux-mêmes, avec un espace uniforme tout autour d'eux. Les objets peuvent tous être de la même taille ou vous pouvez faire varier l'échelle. Contrairement à une nature morte ou à une scène où nous pourrions être plus enclins à montrer des objets à une échelle plus réaliste. Ici, nous pouvons faire des objets petits dans la vie réelle l' élément le plus important de la composition. Si nous le voulons, quelques essais peuvent être nécessaires pour trouver le bon arrangement, et c'est ce que je fais ici. J'ai fini par choisir les 31 encerclés ici dans mes vignettes. J'aime celui du centre pour sa simplicité. Il y avait également une hiérarchie dynamique, le filet étant l'élément dominant et tout le reste oscillant dans une taille beaucoup plus petite du point de vue de la gravité Dans celui-ci, j'ai beaucoup aimé le fait que le seul indice indiquant qu' il s'agit d'une patinoire extérieure était l'arbre. Juste après se trouvait le croquis du haut, où la composition était plus uniforme, chaque objet occupant à peu près le même espace. Maintenant, j'ai fini par trouver celui du bas un peu trop petit, ce qui signifie qu'il ne semblait pas y avoir seul objet qui le maintenait ensemble Et je pense qu'entre la pelle, les deux bâtons de hockey et le filet vus de côté, aucun objet n'était vraiment présent sur la page Maintenant, dans mon croquis raffiné, j'ai décidé de choisir celui du haut, car il contenait un bon mélange d' objets et racontait bien l'histoire. La composition était belle et équilibrée. Et il y avait une variété de formes différentes qui s' emboîtaient bien Des objets tels que le tuyau et le bâton de hockey créaient un flux agréable qui dirigeait l'œil vers le haut du tuyau, au-dessus de l'arbre, puis revenait au milieu Dès le bout du bâton de hockey, j'ai passé beaucoup de temps à déterminer le détail du tuyau d'arrosage combien il fallait enrouler et quel tuyau devait être plus droit J'ai fini par utiliser plus de serpentin en bas et plus droit en haut pour suggérer à quoi pourrait ressembler un vrai tuyau lorsqu'il est utilisé. Maintenant, bien sûr, je me suis remis en question pendant quelques minutes et j'ai placé le bâton de hockey à l' endroit où se trouvait le tuyau Au lieu de cela. Plus tard, je me suis retrouvé une situation où je n'avais pas besoin de montrer autant de tuyaux. Peut-être que le bout et la buse de rechange suffiraient. Mais il restait un espace gênant. J'ai donc ajouté un manche de pelle avec juste le bâton et le petit manche en plastique sur le dessus pour un peu plus de piquant J'ai aussi ajouté des flocons de neige. Les répéter dans certains espaces apporterait plus d'unité et éliminerait certains de ces espaces non résolus Quand j'en suis arrivée à la dernière maquette de celui-ci, j'ai réalisé que je voulais un plus grand nombre de mes timbres au format horizontal. Jusqu'à présent, les bottes et la GT étaient toutes deux verticales J'ai donc fini par pivoter et suivi le croquis avec le filet de hockey Bien sûr, il faut d'abord l'affiner. Avant de passer à ce stade pour celui-ci, je voulais ajouter un élément supplémentaire pour renforcer l'élément de la cour arrière. Et c'est ce que vous voyez se passer avec la petite maison dans le coin supérieur droit. J'aime beaucoup les jeux plats. Surtout lorsque je dois ajouter de petits détails graphiques comme l'écusson de la LNH sur la rondelle de hockey, le logo sur le bâton et le lettrage sur le chapeau Donc, en termes de hiérarchie , le réseau domine la zone de couverture. J'aime cet élément parce qu' il est très aéré et qu'il permet de jouer beaucoup entre la silhouette et le sol. Le cadre rouge et le filet blanc sont également des couleurs très contrastées sur ce fond bleu profond. En termes de simplicité, je n'ai choisi que quelques objets à présenter ici et fait de mon mieux pour les représenter le plus simplement possible. La maison ressemble beaucoup à un logo et ne ressemble pas du tout à ce à quoi ressemblait la maison de mon enfance. L'arbre est également très simplifié. Maintenant, j'ai remarqué qu'il y avait un déséquilibre des couleurs. Il y avait beaucoup de blanc le long du tiers droit, et il n'y avait du vert que sur le chapeau et le tuyau. J'ai équilibré la répartition du blanc en ajoutant une texture bleue granuleuse au bâton de hockey Et j'ai introduit une autre zone verte en plaçant un petit arbre à feuilles persistantes près de la maison J'ai parsemé un peu plus de blanc avec des flocons de neige, ce qui a également aidé à maintenir les objets ensemble et à combler les espaces non résolus Maintenant, pouvez-vous voir la fin du travail dans le bâton de hockey ? Les rayures bleues et la texture sale en fait réduit la forme du bâton de hockey Le bâton est divisé en segments, mais vous pouvez toujours voir le tout. À titre d'objet continu pour les éléments typographiques, j'ai pensé que le Canada se situerait bien sur le bord supérieur. Je voulais que la ligne de base du lettrage déplace l'œil vers l'intérieur Je l'ai donc placé à l'intérieur de l' illustration plutôt que le long du bord extérieur de la zone artistique. Alors pourquoi n'ai-je pas simplement établi les mêmes valeurs de référence pour le nom du pays et la valeur du timbre Eh bien, c'est parce que cela perturberait l'orientation du tampon. Si je les avais sur la même ligne de base, je voudrais faire pivoter le tampon pour qu'il soit droit. Mais quand je l'ai fait, le reste de l'illustration ne serait pas dans le bon sens. Et puis il y aurait ce va-et-vient constant dans mon esprit pour savoir quelle est la bonne voie. En plaçant les cinq à la verticale dans la composition finale, ainsi que la légende de l'autre côté, nous avons une idée précise de la bonne solution. En attendant, le nom du pays peut s'intégrer dans la composition comme je le souhaite. 16. DÉMO : la figure: Passons maintenant en revue mon processus de réflexion pour la figure. Pour mes collerettes, j'ai commencé par la solution la plus évidente, un enfant fabriquant des anges de neige en orientation verticale J'ai itéré différentes combinaisons de positions des membres Dois-je faire en sorte que les membres soient tous écartés ou doivent-ils être plus rapprochés du corps Dans un cas, j'ai pris un peu plus de photos et j'ai montré un enfant se levant et essayant de regarder derrière lui pour voir l'ange qu'il venait de créer. J'ai également essayé quelques variantes qui me rappelaient l'homme de Vitruve de Léonard de Vinci Ici, je pensais à la possibilité de montrer un petit lapsus, essayant de montrer une sensation de mouvement dans une seule image fixe Quand je suis arrivée aux miniatures horizontales, j'ai immédiatement dû sortir des sentiers battus, même si ce sont des cases littérales dans lesquelles je pense même si ce sont des cases littérales dans lesquelles je J'ai tellement l'habitude de penser à un ange des neiges en position verticale, que puis-je faire d'autre ici ? J'ai essayé une variante avec deux personnages représentant peut-être le même enfant dans deux positions différentes. Comme si l'un avait tous les membres sortis, puis tous les membres ensemble, près du corps, dans une boîte. J'ai été distrait et j'ai dessiné un enfant qui descendait une colline en luge, ce qui était totalement ce qui était Et j'y ai rapidement renoncé. J'ai essayé quelques idées avec des empreintes menant ou s'éloignant de la forme d'un ange des neiges Et l'un d'eux avait juste l'ange des neiges et pied de la figurine alors qu'ils s'éloignaient. Enfin, j'ai essayé de remplir tout l'espace horizontal avec le petit ange des neiges, mais d'une manière moins attendue et plus courte. J'ai fini par trouver certaines d'entre elles comme possibilités intéressantes de perfectionnement. J'ai beaucoup aimé la façon dont celui en haut à gauche présentait un contraste dans le mouvement. Nous avions la forme d'un ange des neiges étalée sur tout le chemin, peu vers le haut et vers l'extérieur. Et puis les personnages, les bras et les jambes étaient baissés et rapprochés. Cela a créé une forte sensation de mouvement. L'esquisse est très dynamique, même si elle est centrée et très singulière. J'ai également été très attirée par les concepts vitruviens que j'ai esquissés, mais seulement par une curiosité théorique pour la pièce horizontale J'ai donc mis un petit point d' interrogation dessus. ce cas, les ébauches étaient faciles et amusantes à réaliser, mais l'exécution finale allait être beaucoup plus difficile. J'ai fini par essayer de développer la pièce avec un mouvement contrastant entre la forme de l'ange et les membres de la figure. L'astuce pour moi était de montrer la neige et de faire la différence entre la neige intacte et la zone enfoncée de l'ange des neiges C'est quelque chose que je ne pourrais pas comprendre avec un simple crayon. Il faudrait que je m'y penche davantage dans le style final. En voyant ce que je pouvais faire avec mes pinceaux, je me suis également rendu compte que les proportions de mon grand format n'étaient pas exactement adaptées à cette figurine. À moins que j'aie vraiment déformé les proportions. Il a fini par y avoir beaucoup d' espace négatif au-dessus et en dessous de la figurine dans la mise en page, ce que j'ai trouvé trop important. Dans un sens, cela a éclipsé la silhouette, qui joue un rôle dans l'expérience d'un petit enfant dans l'immensité du monde enneigé extérieur Mais j'ai aussi eu l'impression que j'aurais pu faire en prenant une photo, j'aurais pu prendre une photo de ce type de composition. Je me suis dit que je devrais être capable de faire davantage en tant qu'illustrateur en sortant de cette approche plus littérale Cela étant dit, j'ai essayé d'être décisif et je me retrouvée ici et je me suis dit que cela pouvait toujours être charmant. Une fois illustré dans mon style final. Maintenant, comme dans la version plate, j'ai changé d'avis alors que je me dirigeais vers la finale pour la figurine J'ai décidé d'essayer une autre mise en page horizontale, et j'ai pensé que je devais mettre ce concept côte à côte. J'essaie, j'ai élaboré ce sketch de manière plus raffinée, puis qualifiée pour la finale avec plus de confiance. J'aime le fait que ce concept soit plus unique par rapport à l'idée d'une figurine d'ange des neiges. J'aime la façon dont il résout de manière créative le problème de savoir comment remplir davantage la zone du tampon Les proportions de la zone artistique à large orientation sont parfaites pour deux anges des neiges, alors qu'un seul ange des neiges ne convient pas parfaitement à l'une ou l'autre des situations, ce soit à l'horizontale ou à la verticale. Cela montre les deux figures au même niveau hiérarchique. L'histoire est celle de ces deux personnages réunis. J'aime beaucoup la simplicité des formes d' anges des neiges blanches et j'ai décidé que les environs n'avaient pas besoin d' être blancs, comme de la neige littérale Les formes d'anges blancs , combinées à l' équipement d'hiver que portent les personnages et à leurs gestes, suffiraient à suggérer des anges des neiges sans être aussi réalistes ou littérales à ce sujet Dans les deux figures, nous avons des répétitions et des variations. Tous deux sont des enfants, ils ont tous deux la forme d'un ange des neiges et ils portent tous deux un équipement d'hiver. Mais chacun est également unique, comme prévu. J'ai passé beaucoup de temps à essayer de trouver comment créer un effet de neige ici avec les formes des anges et comment ajouter un peu de texture ici pour que cela ressemble vraiment à de la neige. J'ai essayé toutes sortes de pinceaux différents, même certains à l'extérieur. l'ensemble limité que j'ai choisi d'utiliser pour ce projet, je recherchais une texture qui suggère le mouvement d'une manière dynamique et surprenante, mais qui soit également stylistiquement alignée sur le reste de mon ensemble Aucune solution que j'ai pu trouver ici n'a vraiment fait cela pour moi. J'ai donc pivoté Plutôt que d' essayer de représenter le mouvement, j'utiliserais simplement le pinceau vert épais pour suggérer un ombrage à l' intérieur de l'ange Au lieu de cela, je suis sûr qu'avec plus de tracas, j'aurais pu trouver une solution élégante à la motion Mais pour l'instant, je devais simplement continuer à avancer et ma solution finale s'est révélée plutôt bonne. Maintenant, en ce qui concerne les chiffres, les visages sont un détail auquel vous ne manquerez pas de vous accrocher. Comment montrer un visage qui correspond au style du reste de la figurine ? Comment montrer un visage qui ne détourne pas toute l'attention du reste, qui vous détourne pas toute l'attention du fait le regarder droit dans les yeux et vous faire remarquer que ce visage est trop visible alors que ce visage ressemble à tout le reste de l'illustration plan hiérarchique, Sur le plan hiérarchique, les visages de ces personnages sont très secondaires par rapport à l'ensemble des gestes et aux anges Les visages sont importants à inclure pour donner un peu de personnalité Ils n'ont donc pas l'air trop anonymes ou sérieux, mais ils ne sont pas la caractéristique principale. J'ai donc choisi d'opter pour yeux fermés de style smiley et des détails très minimes au niveau du nez et de la bouche Je l'ai compris rapidement avec le profil intérieur du garçon, j'ai pu montrer un peu de joie sur le visage avec un minimum de marques. Et je trouve que le nez rose est une bonne touche pour cette petite histoire illustrée Après beaucoup de tracas avec la fille Space qui devait d'abord regarder droit vers le haut. J'ai demandé pourquoi réinventer la roue. J'ai juste mis sa tête de profil également et j'ai arrêté. Maintenant, j'ai une question pour toi. Pensez au regroupement et à la proximité. La façon dont je fais en sorte que ces deux personnages touchent et se chevauchent quelque peu À quoi aurait ressemblé la pièce si je les avais complètement séparées pour que le bout des ailes des anges ne se touche pas Avec cette illustration, ayez le même sentiment d'unité. L'histoire serait-elle différente ? De quelle manière ? Vous pouvez nous dire ce que vous pensez sur la page de discussion de la classe. 17. DÉMO : la scène: Regardons maintenant l'illustration de la scène. Au fur et à mesure que nous abordons les illustrations de scène et de montage, nous sommes confrontés à des problèmes de composition de plus en plus complexes Bien sûr, pour commencer par mes rudiments, j'essaie juste de comprendre quelle est ma scène globale j'ai déjà passé un certain temps brainstorming initial, j'ai déjà passé un certain temps à réfléchir à l'histoire que je voulais raconter Je suis tombé sur le souvenir d' avoir pelleté l'allée. Il y avait quelques éléments clés que je voulais inclure ici, la maison dans laquelle j'ai grandi et le break familial, et le break familial, qui était un Plymouth Reliant bleu Et bien sûr, je me suis dit que je devais montrer quelqu'un en train de pelleter l'allée J'ai passé du temps à chercher des images pour dessiner pendant que je dessinais les vieux fossés, puis j'ai fait de mon mieux pour créer une scène à partir de ce dont je me souvenais lorsque j'ai fait ces ébauches ici. C'était vraiment intéressant de penser en grand et en grand format, l'approche la plus évidente serait de créer une vue du paysage, montrant la cour de la maison et allée vues de la route, tout en reprenant certains de mes grands formats J'ai trouvé des manières intéressantes de montrer cette scène de manière moins attendue. Le format long semblait être un endroit naturel pour montrer la longue allée en se concentrant uniquement sur cette partie de notre propriété plutôt que sur l'ensemble. Le choix de la partie d'une scène à inclure fait toujours partie de cette étape et nous ne pensons pas aux détails, mais à la quantité suffisante de la scène globale nécessaire pour raconter notre histoire. Lorsque j'ai rempli ma page de vignettes pour cela, 13 idées m'ont marqué Il y en avait un de grand format avec l'arbre devant comme objet dominant, ce qui me permettait de cadrer et de souligner d' autres moments plus petits de la scène d'une manière intéressante. Et puis il y en a eu deux en grand format, l'une avec ma maison en arrière-plan et moi assise sur le banc de neige laissé par le chasse-neige Et c'est moi au bout de notre allée, juste au premier plan Et une autre était une scène plus classique où plus d'activité sur la propriété à côté de moi la pelouse, sous l'arbre y avait plus d'activité sur la propriété : deux personnages pelletaient, puis je dessinais un ange des neiges sur la pelouse, sous l'arbre, avec ma petite pelle J'ai aimé la façon dont cela a créé une petite référence, ou un rappel à l'illustration de l' ange des neiges. J'ai également envisagé de montrer deux allées voisines avec un arbre au milieu , puis une silhouette sur une allée aider le Mais dans l'ensemble, le concept était trop complexe pour une si petite scène, alors je n'ai pas accepté. Maintenant, parmi tous les croquis raffinés, ai passé le plus de temps à peaufiner ma scène. Et c'est assez naturel étant donné qu'il y a juste plus de détails ici. En fin de compte, j'ai été intriguée par le dessin plus grand avec l' arbre dominant à l'avant, alors j'ai commencé à peaufiner celui-ci. Tout d'abord, je l'ai intégré mon modèle de croquis raffiné et j'ai d'abord dessiné la forme de l' arbre. Puis j'ai commencé à ajouter la figurine, en pelletant l'allée pour avoir une idée de la façon dont je traiterais l'échelle de l'arbre par rapport à la figurine Il était possible que la figurine paraisse très petite d' une manière distrayante Comme si cela semblait tout simplement disproportionné et pas d'une manière intentionnelle. Lorsque j'ai commencé à dessiner la maison plus en détail, j'ai eu l'impression d'être devenue trop littérale ou, comme nous le savons maintenant, trop rivaliser avec mon appareil photo J'ai passé beaucoup de temps dessiner et à redessiner la scène, l'arbre, le personnage, la maison, l'allée, jusqu'à ce que quelque chose me paraisse juste arbre, le personnage, la maison, l'allée, jusqu'à ce que quelque chose me J'utilise la roue des tiers pour placer l'axe principal du tronc d'arbre, le long de la ligne verticale droite. J'utilise l' armature harmonique pour placer la figure à l'une des principales intersections de tous ces En bas, dans le coin inférieur gauche. J'encadre la figurine dans la zone déblayée, dans l' allée, où elle allée, où Je pense également à la façon dont les branches de l'arbre pointent vers le bas vers le personnage et à la façon dont le personnage revient dans la scène pour créer un flux visuel circulaire. Même si nous n'en sommes encore qu'à l'esquisse, je commence également à réfléchir à la manière d'ajouter de la neige blanche sur l'arbre noir et de jouer avec le sol et la fermeture de la figurine. Parce que cette pièce devait probablement être principalement blanche pour donner l' impression de neige fraîchement tombée. Je savais qu'il serait possible de jouer avec les zones claires et sombres de cette façon. Au fur et à mesure, j'ai revu un peu de perspective en réduisant l'ouverture du garage et dirigeant le côté gauche de l'allée vers celle-ci Vous pouvez voir comment j'ai utilisé la grille d'armature harmonique comme guide pour ce nouveau bord de l'allée Mais comme j'ai fait ce changement, j'ai soudainement dû ajouter la maison du voisin de ce côté également. Dans certaines pièces, dans cette série d'illustrations, j'ai opté pour une représentation plus universelle et moins spécifique des objets. Par exemple, la maison dans l'appartement était très symbolique et ne correspondait pas du tout à ma propre expérience. Mais le style de maison présenté dans cette illustration, ou du moins dans le croquis, est très proche de ce à quoi ressemblait la maison de mon enfance. J'imagine donc que cela doit vous donner une impression plus obscure en regardant cela . Puisque toutes les maisons ne ressemblent pas exactement à ça. C'est très spécifique à mon expérience personnelle. Cela crée donc beaucoup de sentiments qui ne transparaissent pas toujours dans mon travail. Je ne m'attends pas toujours à trouver ou à apporter des sentiments aussi nostalgiques à mon travail commercial, par exemple À ce stade, j'ai défini la plupart des détails de l'esquisse. J'y retourne encore une fois pour voir comment je peux simplifier et abstraire davantage la scène et la faire fonctionner dans mon style le plus flatteur Tout le reste, je peux le résoudre dans l'illustration finale. Je dois dire que même si j'ai élaboré une version affinée de l'un de mes concepts de grand format, j'ai finalement opté pour celui-ci. Dans l'ensemble. J'ai passé plus d'une heure à peaufiner mon croquis de scène pour l'illustration de ma scène finale Vous pouvez voir que mon croquis est en fait un peu différent. J'ai fini par le redessiner pour que la figurine soit plus grande au bout de l'allée Cette échelle me semblait plus crédible étant donné sa position entre l'arbre au premier plan et la maison à l'arrière-plan Pour être honnête, je pense que l'échelle de l'esquisse précédente était plus intéressante et donnait une image plus dynamique. Dans celui-ci, je trouve que la scène est devenue un peu plus plate, peut-être parce que l'arbre semble également beaucoup plus petit maintenant Alors que ma hiérarchie initiale était plus prononcée dans celui-ci, il est difficile de dire exactement quel est l' élément le plus dominant du tableau. Cela dit, je pense que nous avons une illustration de scène utile et j'ai fini par réduire légèrement la taille de la figure, puis une fois que j'ai dessiné cet arbre dans sa forme finale plus foncée, il a retrouvé sa domination incontestable J'avais mes raisons réduire sa présence générale en bas, afin de pouvoir adapter les éléments typographiques qui ont fini par devoir être placés là à cause de tout ce qui se passait le long des trois autres bords Au cours de la phase finale d' illustration, j'ai eu l'idée de placer une figurine sur la fenêtre de la maison donnant sur la figurine à pelleter. Elle est à l'intérieur avec une bonne tasse de café chaud tandis que l'homme à l' extérieur travaille dans le froid Cela crée un contraste conceptuel entre intérieur et extérieur, entre travail et détente. Il y a une certaine similitude ici, le rouge de son pull faisant écho au rouge de la pelle et à la veste à carreaux de la de la Il s'agit de l'utilisation de la similitude ou de la répétition en termes de cadrage La fenêtre et les branches de l'arbre encadrent la femme à la fenêtre. Et ils y créent ce petit moment. Le break bleu qui sort tout juste du garage sombre et est placé au centre vertical de l'image donne une raison d'être à la figurine à pelleter Il doit conduire quelque part, mais il ne peut pas tant que l'allée n'est dégagée là où il va réellement, nous ne le savons pas Et cela fait partie du mystère de l'histoire. La voiture est également encadrée dans les branches de l'arbre ainsi que dans l'ouverture du garage. En décrivant mon processus de réflexion ici, vous pouvez voir que la scène présente certaines complexités auxquelles je n'ai pas eu à penser dans la plupart des autres illustrations Particulièrement cette relation entre les différents objets dans un espace imaginaire. Comment est-ce que je représente cette scène d'une manière graphique propre à l'illustration, plutôt que d'utiliser une approche photographique plus directe ? En même temps, je me demande comment cela fonctionne en tant que petit tampon ? Finalement, j'ai décidé de changer complètement la figure, en optant simplement pour une autre variante que j'avais dans l'un de mes croquis. Celui-ci avait un geste aux proportions qui me convenaient mieux. Et comme nous allons remarquer la figurine presque avant de remarquer quoi que ce soit d'autre, même si elle est très petite dans la composition, je pense vraiment qu'elle nécessitait une attention particulière aux détails. Maintenant, pour ce qui est de l'intrigue, alors que j'ai écrit cette analyse dont je parle en ce moment, environ une semaine après avoir réalisé ces illustrations, il y avait encore quelque chose qui me tracassait et je devais y remédier Il s'est produit un embouteillage visuel où les éléments typographiques situés au bas de l'arbre ont tous attiré les yeux vers le coin inférieur droit, sans nulle part ailleurs. Pour dire le genre, j'ai dû prendre des mesures extrêmes. J'ai retiré la plupart des éléments en arrière-plan, j'ai agrandi la figure et j'ai recouvert le tiers inférieur de l'image de blanc ou de neige. L'histoire ici est désormais plus simple, et je la trouve encore plus drôle. D'une manière ou d'une autre, en supprimant plus de la moitié des détails, j'ai obtenu une déclaration beaucoup plus puissante qui, selon moi , fonctionnerait bien mieux comme tampon. Vous pouvez donc voir ici la règle des tiers à l'œuvre avec un tiers inférieur entièrement blanc à l' exception des éléments de lettrage Et les deux tiers supérieurs sont beaucoup plus sombres, et c'est là que se trouvent également tous les détails. Maintenant, je suis restée fidèle à mon idée initiale en utilisant cet arbre comme principal dispositif de cadrage et de fluidité L'arbre est donc un peu à l'avant et au centre, mais pas autant qu'il l'était à l'origine. 18. DÉMO : le montage: Bon, nous en sommes maintenant à l'illustration finale, le montage de celle-ci. Mon concept était l'hiver suburbain. Cela fait partie intégrante de mes souvenirs d'enfant en hiver. L'idée de l'hiver suburbain est très sujette à interprétation. ce n'est pas du béton comme des bottes sur Ici, ce n'est pas du béton comme des bottes sur un Mad ou un hockey de jardin J'essaie simplement d'assembler divers symboles ou objets qui, ensemble, suggèrent mon idée. Par expérience, lors de mon brainstorming, j'ai noté des choses comme la nuit, le vide, les lampadaires, l' ennui et le silence Dans mes photos de référence et mes dessins d' omo pour celui-ci, rien ne m'a vraiment trop inspiré, pour être honnête. Mais je savais qu'après avoir parcouru l'ensemble des illustrations avant celle-ci, j'aurais beaucoup de contenu sur lequel m'appuyer Au moment où il s'agirait d'un montage, cadre d'un set, l'une des options consiste simplement à utiliser différents éléments des autres illustrations et à les assembler C'est donc l'une des directions que j' ai prises dans mes croquis. J'ai plusieurs groupes d'éléments, presque comme dans une illustration à plat, mais au lieu de flotter séparément, ils se chevauchent d'une manière ou d'une autre Une autre direction que j'ai prise a été de créer une scène abstraite en utilisant un motif de bandes horizontales pour les routes, puis en répétant divers motifs de maisons pour créer un autre type de motif par-dessus. Parmi mes itérations, j'ai choisi une variation de scène abstraite et deux autres montages tentaculaires avec décontextualisés Au final, j'ai opté pour le montage basé sur des scènes verticales. Je l'ai aimé parce que c' était l'histoire la plus marquante, car c'était clairement une sorte de ville en hiver, la nuit, et elle avait une grande lune centrale pour aider à maintenir l'unité de toutes les choses. La lune était un bel instrument unificateur. Comme d'habitude, j'ai intégré mon croquis dans le modèle d'esquisse affiné, et avec ma grille et mon croquis visibles, je suis passé à mes améliorations Pour commencer, j'ai dessiné mon objet dominant, la lune, puis j'ai dessiné mon plus grand arbre. À partir de là, je me suis attaché clarifier mon schéma de maisons abstraites Décider des détails que j'inclurais dans chacun, en termes de fenêtres, de portes et de cheminées Je voulais répéter autant que possible les proportions, les nombres et les tailles de toutes ces choses. Les petits détails que je n' arrivais pas à régler au premier coup d'œil ont commencé à prendre plus d'importance, notamment les arbres et les lampadaires des maisons, la voiture et de la patinoire. J'avais également besoin de dessiner en arrière-plan les arbres ou les bâtiments de la ville au loin. Les arbres et les lumières ont ajouté encore plus de répétition et de motif à la composition. Et au final, les lampadaires faisaient écho à la lune, apportant de plus petits moments de blanc ou de lumière dans la partie inférieure de la composition. J'ai essayé de diviser la scène en deux moitiés. La lune et l'arbre au-dessus et le quartier en dessous. Je m' éloignais de la règle des tiers et j'avais plutôt 50 ou 50 ans selon les proportions de la page. En tant qu'élément narratif, la voiture ajoute la seule suggestion d' une présence humaine et donne une impression de mouvement à l'image, qui est par ailleurs très immobile et endormie La patinoire vide me permettrait d'ajouter juste une petite touche de rouge dans le cadre du filet. Et cela donnerait également à l'image une sensation de calme et de solitude à cause de l'absence d'enfants qui patinent dessus. Pour la dernière fois, j'ai placé mon croquis dans un modèle artistique final et j'ai commencé avec l'illustration finale. J'ai commencé par l'arbre , puis je suis passé aux maisons. Je voulais qu'il y ait de la variété dans la répétition. Ainsi, même si j'ai coupé et collé de nombreux éléments, j'ai également dessiné de nombreux éléments répétitifs séparément à la main. En ce qui concerne les éléments blancs, comme les toits, j'ai dû remplir l' arrière-plan pour pouvoir vraiment les voir. J'ai donc commencé avec cette couleur bleu roi, mais finalement je passe à quelque chose d'encore plus foncé. Pour les maisons simples, qui sont en quelque sorte en trois D, parce qu'elles présentent trois côtés, mais de manière plate, j' essaie d'utiliser une logique cohérente ici. Chaque aspect similaire de la maison chaque face ou chaque côté prend la même couleur. Pour tous les toits, les aspects orientés vers la lune seront blancs. Le toit orienté vers l' extérieur prend une couleur foncée. Il en va de même pour les façades et les côtés. J'ai essayé d'appliquer une logique cohérente ici. Il se trouve que les toits orientés vers la lune semblent réfléchir la lumière ou qu'ils peuvent être recouverts de neige. Ces deux interprétations fonctionnent. Pareil pour les fenêtres et les portes. Je répète simplement la même logique de couleur sur l'ensemble du groupe de maisons. Toutes les maisons ont une directionnalité. Ils pointent tous vers le ciel. va de même pour les petites lucarnes triangulaires sur les toits Cela crée une unité entre les maisons situées au sol et la lune et le ciel au-dessus. Les fenêtres circulaires des maisons offrent un peu de répit par rapport aux formes carrées et angulaires et font également écho à la forme de la lune, créant ainsi encore plus d' unité Les cheminées semblent également atteindre le ciel, et la fumée que je dessinerai plus tard renforcera encore cet effet Lorsque j'ai ajouté la lune, j'ai pris soin de la rendre symétrique et aussi parfaite que le cercle que j'ai pu dessiner de ma main libre. J'ai utilisé l'outil Symmetry Photoshop juste pour m' aider dans cette démarche. J'ai donc utilisé mon pinceau vert épais pour ajouter de la lueur autour de la lune, ce qui ajoute vraiment à l'ambiance. J'ai joué avec quelques tailles différentes pour obtenir la bonne quantité de gros morceaux. Je ne veux pas qu'il soit trop gros et je ne veux pas qu'il soit trop fin. Maintenant, pour ce qui est satisfaisant, une fois que j'ai fait en sorte que l'arrière-plan soit de la même couleur foncée que l' arbre et certaines parties des maisons, la magie de la silhouette et de l'enclos au sol est soudainement entrée en jeu. En attendant, j'avais encore besoin de voir le croquis que j' illustrais J'ai donc réduit temporairement cette couche d'arrière-plan à environ 50 % Pour faire ressortir les éléments typographiques. Le design des tampons, par ailleurs discret, je les ai mis en jaune, même s'ils auraient été tout aussi beaux en blanc si j'avais voulu m' en tenir à une palette de quatre couleurs plus stricte ici Lorsque j'ai terminé cette pièce, j'ai dû trouver comment superposer les lampadaires et les arbres par-dessus le reste de la composition afin qu' il y ait une séparation suffisante entre la figure et le sol dans ce sens Il s'agit toujours d'un équilibre entre clarté et simplicité. Quel est le moyen le plus simple de faire apparaître les lumières par-dessus d'autres zones blanches, comme les façades de certaines maisons ? En jetant un dernier coup d'œil à la composition avant de terminer, je me suis rendu compte que la fumée au-dessus de la cheminée était liée à la lune. J'ai eu besoin de l'atténuer un peu pour créer une séparation. La fumée était bien trop épaisse, alors je l'ai réduite à un léger soupçon, juste assez pour capter la lumière de la lune vers la fin Je me suis rendu compte que les maisons menaient en quelque sorte le regard vers le coin inférieur droit. Ce n'est pas une bonne chose, alors j'ai travaillé un peu pour déplacer les arbres et aider à ramener le regard sur l'image du mieux que j'ai pu. 19. Mettre tout en œuvre: Nous avons terminé, nos illustrations. J'ai juste une étape supplémentaire que j'aimerais vous expliquer, à savoir celle où je considère tous les timbres comme un ensemble. Et cela me donne juste l'occasion de voir s' ils s' harmonisent bien, stylistiquement parlant Et cela nous donne l'occasion d'apporter des modifications. Si nous voulons le faire , je vais les rassembler dans une seule image et un seul fichier Photoshop. Et organisez-les bien pour que je puisse les partager sous forme d'ensemble sur la page Projets et, bien sûr, sur Instagram, j'ai Adobe Bridge Open. Il s'agit d'un navigateur de fichiers visuel fourni avec Adobe Creative Cloud. Et c'est un bel endroit pour voir toutes mes dernières illustrations. À un seul endroit, je vais simplement zoomer sur toutes ces images, aussi grandes que possible, afin de pouvoir les voir toutes belles et grandes. Chaque fois que vous travaillez sur une série d'illustrations, il est préférable de les considérer toutes comme un ensemble , afin de vous assurer qu'elles sont cohérentes sur le plan stylistique et qu'il n'y a rien de trop marquant dans l'une ou l'autre qui ne la rend pas à sa place Maintenant, attention, cette série de timbres est volontairement modifiée car nous avons une approche très différente de la composition. Dans chacune d'entre elles, il y aura un peu d' incohérence en ce sens, mais d'un point de vue stylistique, vous devez vous assurer que tout tient Et vous utilisez la même approche illustrative dans chacune Pour commencer, dans la mesure du possible, nous utilisons des arrière-plans solides pour chacun d'entre eux. L'exception étant la scène, car une scène présente simplement une situation de premier plan et d'arrière-plan plus complexe situation de premier plan et d'arrière-plan Et comme vous l'avez vu au cours de mon processus, j'avais un parcours encore plus complexe que celui où je me suis retrouvé avec celui-ci ici. Une chose que j'ai essayé de faire est de m'assurer que le fond de chaque tampon avait également sa propre couleur unique, juste pour améliorer encore individualité de chaque tampon, si cela a du sens Une autre chose que je voulais faire est de m'assurer que je n' utilise que trois ou quatre couleurs maximum par tampon afin qu'ils ne soient pas trop occupés. Et je pense que je m'en suis tenu à cela pour l'essentiel. Je crois que celui-ci avec les bottes, j'ai ajouté une couleur supplémentaire. Nous avons le bleu foncé, le jaune, le rose, le vert et le rouge. Ça fait cinq couleurs. Je pense que pour tout le reste, je me suis plus ou moins limité à quatre couleurs, au maximum. Maintenant, une chose que j'ai remarquée dans la police, c'est que le C est un peu plus petit, proportionnel aux autres lettres. Et c'est juste parce que c'est une police pourrie. Je l'ai fait à partir de mes lettres manuscrites, et si j'étais très pointilleuse, je le réparerais Ce que j'aimerais faire maintenant, c'est mettre chacun d'entre eux dans une maquette de timbre. Ensuite, rassemblez tous ces faux timbres au même endroit pour que je puisse les partager en un ensemble J'ai donc le fichier de maquette de tampon fourni au cours. Vous pouvez le télécharger depuis la page des projets. Et j'ai un tutoriel complet dans ce cours sur la façon de procéder. La seule chose que je n'ai pas abordée dans le didacticiel de maquette est cette étape supplémentaire que nous devons faire, et vous verrez pourquoi dans un instant. Je veux réellement désactiver la couleur d'arrière-plan afin qu'il n'y ait aucun arrière-plan. Ensuite, je voudrais simplement supprimer l'effet d'ombre à goutte que j'ai créé là-dedans. Je vais maintenant parler de maquette de timbre, de nature morte. Je vais l'apporter avec tous les autres fichiers de timbres simulés en tant que set J'ai créé un nouveau fichier dans Photoshop. Il fait 3 000 x 3 000 pixels, et c'est un format carré parce que j'ai l'intention de le partager sur Instagram. J'ai ensuite placé toutes les maquettes de fichiers de timbres ici, l'exception de la nature morte. Je vais juste y aller et le faire maintenant. Maintenant, l'un des avantages de la maquette de tampon que j'ai faite ici, c'est qu'elle parfaitement proportionnée pour que vous puissiez les aligner. Je vais juste m'assurer que la capture d'écran est activée dans Photoshot. Je vais te montrer ce que je veux dire. Si vous les rapprochez l'un de l'autre, ils s'enclenchent magnétiquement C'est pourquoi j'ai activé Snap. Ce n'est qu'une façon de mettre en valeur vos timbres illustrés, c'est de les montrer tous attachés ensemble comme ça Maintenant que mes timbres ont fonctionné, il n'y a aucun moyen d'obtenir une grille parfaite de tous mes timbres. J'ai juste besoin de concevoir un autre tampon ici pour créer un joli petit ensemble rectangulaire. Donc, ce que je vais faire à la place, c'est simplement les arranger de manière plus souple et c'est ainsi que je vais procéder. Je vais désactiver les photos, je vais juste utiliser mon œil pour bien les arranger Maintenant, cela pourrait prendre un peu de temps pour bien faire les Nous pouvons utiliser certains des principes de composition ici, ne serait-ce que pour voir si cet arrangement est beau. Tout le monde aura une idée un peu différente de ce à quoi ressemble le beau ici. Ce que je veux, c'est quelque chose où ils soient espacés, même s'ils ne semblent pas trop rigides, je ne veux pas qu'ils s' alignent trop sur une grille Je ne veux pas qu'ils s' assemblent, quoi que ce soit de ce genre. Je les trouve beaux s' ils sont disposés un peu plus librement comme ça. Et je cherche juste un espace entre les deux, pour que le regard puisse circuler. Je laisse plus d'espace sur les bords qu'à l'intérieur de l'ensemble, ce qui garantit qu'ils apparaissent bien en tant que groupe. Il s'agit d'un regroupement. Je ne veux pas que ces deux tampons verticaux soient trop alignés, car s'ils le font, vous commencerez à les considérer comme plus liés que ceux-ci. C'est également une bonne occasion de voir quelles couleurs ressortent le plus. Ce rouge ressort donc beaucoup. Et peut-être que je peux équilibrer un peu le décor en le déplaçant ailleurs, ou peut-être même en le plaçant au milieu, puisque votre œil se tourne immédiatement vers lui. Quoi qu'il en soit, ça me semble plutôt bon. Maintenant, j'ai tout sur un fond bleu foncé , ce qui est joli. Il se peut que je veuille simplement le remplacer par autre chose. Essayons le jaune. Je trouve que ça a l'air vraiment joyeux. Ça me fait plaisir parce que c'est exactement le même jaune que celui que j'ai utilisé dans le set Il se coordonne vraiment bien. Maintenant, si je voulais désactiver l'ombre portée dans le fichier de maquette lui-même, c'est parce désactiver l'ombre portée dans le fichier de maquette que je souhaite appliquer une ombre portée cohérente à tous ces éléments en tant qu'ensemble J'ai regroupé toutes mes maquettes de tampons dans un seul groupe de couches , puis je peux appliquer un effet d'ombre portée à l' ensemble de ce groupe. Je veux que ce soit un effet d' ombre légèrement plus plat Je vais faire une distance d'environ dix et peut-être une taille de cinq. Ensuite, pour l'arrière-plan, je vais voir à quoi cela ressemble d'avoir une plus grande partie de la texture du papier qui se retrouve également sur les timbres. Je pense que cela contribuera à créer une image plus agréable et plus unifiée à partager Voici comment je vais m'y prendre. Je vais sélectionner la couleur de fond, c'est le fond jaune. Et je veux y créer un masque de couche. Ensuite, une fois le carré ou la miniature du masque de couche sélectionné ici, je vais appuyer sur la commande Y qui masque efficacement tout l'arrière-plan que rien de tout cela n'apparaît Et nous allons utiliser ce pinceau de société Retrosupply pour apporter cette texture au papier J'utilise le pinceau 100 % humide Hizo inclus dans le set de pinceaux hizo graph de la société Retrosupply Je vais sélectionner ce pinceau dans mon panneau de pinceaux. Je dois m'assurer que le mode de fusion de ce pinceau est réglé sur normal Sinon, ça ne marchera pas. Il est assez petit pour remplir tout cet espace. Je vais juste le lancer très fort. C'est un peu trop gros. Je vais juste commencer à peindre avec cette texture à l'aide de mon stylet en faisant attention de ne pas soulever le crayon pendant que je fais cela Sinon, je vais doubler la texture. Je vais te montrer ce que je veux dire. Ça commence à doubler, on ne peut pas vraiment le dire parce que c'est une couleur tellement claire de toute façon. Mais vous ne voulez pas que cela se produise, je le ferai, sans soulever mon pinceau avec toute cette texture. Et je trouve que ça a l'air plutôt bien. Nous comparons cette texture à l'absence de texture. Aucune texture n'est très plate. Cela fonctionne, mais je l'aime un peu plus. Maintenant, une chose que j' aimerais faire est rendre cette texture un peu plus prononcée avec le masque Blair que nous avons créé pour cette couleur de fond. Il suffit de le sélectionner. Et je vais appuyer sur la commande L. Cela ouvre l'outil de réglage des niveaux. En plaçant ces curseurs vers le milieu, nous obtenons un effet beaucoup plus prononcé Il ne faut pas que ce soit trop fou et que cela détourne l'attention des tampons eux-mêmes, mais je veux qu'il y ait une texture visible dedans et que couleur soit un peu plus intense Je pense que cela fonctionne. C'est juste assez subtil pour que vous le remarquiez à peine, mais là, avec la texture et sans, cela lui donne simplement une texture papyracée subtile Maintenant, vous pouvez effectuer derniers ajustements dont vous avez besoin. Je vais juste l'enregistrer comme maquette de jeu de timbres. Je vais l'enregistrer sous forme piquet et le partager le dossier des projets de classe et, bien sûr, sur Instagram. 20. Terminologie et prochaines étapes: C'est bon, tu l'as fait. Merci d'avoir choisi la composition pour les illustrateurs. En suivant ce cours et en réalisant le projet, vous avez appris ce qu'est la composition et comment elle fonctionne spécifiquement dans un style graphique plat. Vous avez découvert les principes ambitieux, qui ne sont pas vraiment faciles à visualiser, mais ce sont des idéaux importants à atteindre dans votre travail Vous avez découvert dix principes pratiques faciles à comprendre et à utiliser immédiatement. Vous avez appris les principes structuraux, notamment la règle des tiers et les armatures harmoniques, et bien sûr, les compositions autostructurées Enfin, juste avant de vous lancer dans le projet final, vous avez appris six types de compositions qui vous offrent différentes manières de raconter des histoires et d' organiser des idées sur la page. Bien entendu, nous avons mis tous ces principes en pratique en utilisant les six types de composition pour raconter nos propres histoires dans nos six timbres illustrés. Je sais que c'était un cours difficile, mais je suis fier que tu l'aies réussi. Je dois vous dire qu'il m' a fallu beaucoup de temps pour comprendre ce cours , mais en le préparant, j'ai vraiment appris une tonne de leur composition. Et rien qu'en l'enseignant , j'ai l'impression de m'en servir beaucoup mieux moi-même. Tout cela pour dire que l'apprentissage des principes du design pour ce cours que j'ai dû vous enseigner a changé la donne pour moi. Et j'espère que ce que tu as appris dans ce cours changera la donne pour toi. La chose la plus importante que j'ai apprise, que j'espère que vous pourrez retenir de ce cours, c'est que l'on ne peut s'améliorer en composition qu'en passant beaucoup de temps à étudier expérimenter ou à utiliser les différents principes de l'art et du design Et pas seulement ceux que j'enseigne dans ce cours, mais aussi tous ceux que vous pourrez découvrir en dehors de ce cours. Je vous encourage à garder les yeux ouverts sur la façon dont la composition fonctionne dans l'art que vous voyez désormais dans le monde entier. Et j'espère que grâce à ce cours, vous pourrez apprécier tout cela à un niveau plus profond. C'est bon, c'est ça. N'oubliez pas de partager vos exercices et vos projets sur la page des projets de classe et partager votre travail sur les réseaux sociaux en utilisant la composition par hashtag pour les illustrateurs Merci encore d' avoir suivi mon cours. J'ai hâte de voir ce que vous allez apporter à votre projet. Je te verrai au prochain cours. 21. Aller plus loin avec une session en tête-à-tête: Hé, juste une dernière chose. Si vous avez apprécié ce cours et que vous souhaitez passer au niveau supérieur de votre parcours créatif. J'ai le plaisir de vous annoncer que je propose des séances de coaching individuelles en collaboration avec Skillshare Il s'agit d' appels vidéo directs d'une heure avec moi où vous pouvez obtenir un soutien personnel plus personnalisé dans les domaines dont vous avez le plus besoin, y compris des critiques de portfolio et des critiques d'illustrations, conseils sectoriels et professionnels, des didacticiels personnalisés et, bien sûr, soutien personnel direct avec n'importe lequel de mes cours, y compris celui-ci, sessions coûtent 130$ ou 105$ si vous êtes pouvez obtenir un soutien personnel plus personnalisé dans les domaines dont vous avez le plus besoin, y compris des critiques de portfolio et des critiques d'illustrations, des conseils sectoriels et professionnels, des didacticiels personnalisés et, bien sûr, un soutien personnel direct avec n'importe lequel de mes cours, y compris celui-ci, les sessions coûtent 130$ ou 105$ si vous êtes un Patrin supporter et seulement 80$ si vous êtes étudiant dans un collège ou une université éligible Maintenant que je sais qu'il ne s'agit pas d'un petit investissement, j'aimerais vous donner une idée de la valeur que j' apporte à ceux qui donnent une chance à ces séances individuelles. La première chose que mes clients disent à propos leurs séances, c'est que je suis prête, je vous accorde toute mon attention et que mes questions et idées sont très personnalisées en fonction de votre situation unique. Dans une critique, écrit Daniel S., Tom s'est très bien préparé pour notre session. Il a posé de très bonnes questions, il était très curieux et j'ai trouvé que c'était une séance très personnalisée. Bien entendu, à la fin de votre session, je travaille avec vous pour créer les prochaines étapes concrètes et réalisables à suivre lors de votre voyage pour réserver votre session Trouvez le lien de réservation sur ma page de profil Skillshare ou rendez-vous sur Tom Frost.com Slash Coaching Je n'ouvre que huit postes de coach par mois, alors ne tardez pas à réserver le vôtre dès aujourd'hui. J'ai hâte de vous rencontrer bientôt.