Les natures mortes, c'est tendance ! Art contemporain et traditionnel à la gouache acrylique

1. Introduction à la nature morte à la gouache acrylique: Je pense, eh bien, je veux dire, au moins pour moi, l'idée d'une nature morte utilisée pour évoquer des images de cours d'art du collège et essayer de dessiner bouteilles de vin qui ont toujours l'air tordues et décalées. Bien sûr, la nature morte peut être ça. Mais c'est vraiment une toile comme tout le reste et devient ce que vous en faites. Je m'appelle Dylan Mierzwinski, artiste et illustrateur vivant à Phoenix, en Arizona. Je veux que vous peigniez deux natures mortes avec moi. Un dans une méthode traditionnelle qui nous aide à comprendre les fondamentaux comme la valeur dans le mélange des couleurs, construction d'une peinture par étapes. Puis un autre dans un style contemporain, où nous prenons tous ces fondamentaux et les recoupons avec notre propre expression et nos préférences. Le meilleur des deux mondes. Ensemble, nous allons nous inspirer et parler de matériaux. Je vais vous montrer le lavage acrylique que nous allons utiliser et expliquer pourquoi c'est génial. Nous allons couvrir les fondamentaux de la couleur, et ensuite nous allons travailler sur les deux études de peinture. À la fin de ce cours, vous aurez non seulement deux œuvres d'art achevées, mais j'espère que vous aurez envie de trouver votre prochaine référence et d'obtenir de la peinture parce que c'est vraiment bon de regarder une image et de savoir exactement où vous allez commencer avec votre page blanche. Hey, pendant des jours où vous êtes juste à la recherche de quelque chose de léger, un petit projet pour vous attirer, j'ai aussi fourni une peinture bonus par numéros nature morte. Viens peindre avec moi. Laissez-moi vous montrer pourquoi les natures mortes sont cool et un excellent arrêt le long de votre voyage créatif. 2. Projet de cours et ressources: Dans cette leçon, nous allons couvrir le projet de classe ainsi que les ressources de classe fournies et comment y accéder. Nous allons également discuter d'un projet bonus amusant que j'ai inclus. Pour votre projet de classe, vous allez peindre avec moi pour créer deux peintures de nature morte à partir d'une photo de référence. Le premier sera un rendu traditionnel de la photo de référence, qui nous permettra d'être au courant de l'esquisse, de l'interprétation des valeurs, mélange de couleurs à partir d'une palette limitée et de la construction de la peinture en couches. La deuxième nature morte sera une interprétation contemporaine de notre photo de référence, nous allons prendre les informations cruciales que nous avons apprises en peignant le sujet dans le style traditionnel et l'utiliser pour créer un pièce contemporaine. Même si la peinture n'est pas traditionnellement votre objectif final, en apprenant la méthode traditionnelle, vous disposez d'un moyen fiable d'interpréter les images et de les recréer sur votre page. Cela vous aide également à vraiment connaître votre sujet. Bien que la version contemporaine soit celle que vous aimez le plus, elle s'appuie sur la structure et les fondements du traditionnel pour le ramener à la maison. Je suppose que ce que j'essaie de dire, c'est que j'espère vraiment que vous ferez les deux tableaux avec moi pour vraiment profiter des avantages de ce cours. J' ai fourni quelques ressources de classe pour vous aider dans votre projet. Chaque fois qu'une classe Skillshare mentionne des ressources de classe, ils parlent des pièces jointes qu'ils ont incluses dans cet onglet projet de classe et ressources, sur le côté droit. Si vous êtes sur un appareil mobile, l'application fournira un lien indiquant : « Appuyez ici pour accéder aux détails du projet de classe et aux ressources de classe. » Comme vous pouvez vous y attendre, il vous amène à une page de navigateur avec les ressources prêtes à être consultées. Voici les ressources que j'ai incluses dans cette classe pour vous aider. Tout d'abord, je vous ai fourni deux versions d'une photo de référence, une en couleur, l'autre en niveaux de gris avec la grille transversale pour marquer les points centraux. Ce sera plus impactant pour vous de suivre avec les références que j'utilise, mais si vous voulez choisir autre chose ou que vous cherchez quelque chose à peindre après avoir fini nos bols de cerises, j'ai fourni un lien vers une galerie de autres images de référence que je pense faire vraiment belles peintures. De plus, si vous voulez mettre en place une vraie nature morte et peindre à partir de l'observation, j'ai fourni quelques articles avec des conseils pour la composition et les accessoires, ainsi que des instructions pour faire un plan d'image pour aider à encadrer votre scène. Nous allons couvrir le matériel dans la prochaine leçon, mais il y a aussi une liste détaillée des matériaux inclus dans les ressources de la classe. J' ai lié à certains des produits, où il est logique et pour info, ne sont pas des liens d'affiliation, juste de vieux liens hypertexte qui vous amènent à une page sur Internet. Dans quelques leçons, nous allons discuter de l'inspiration, donc j'ai répertorié les artistes que j'ai mentionnés dans les ressources de la classe pour trouver facilement. Enfin, j'ai inclus un projet bonus amusant sous la forme d'une peinture par numéro de nature morte contemporaine. Les artistes créent pour toutes sortes de raisons, et alors que le projet principal de classe nous aide vraiment à développer nos compétences techniques et stylistiques, je voulais fournir un projet bonus pour les créatifs fatigués, brûlés ou fatigués parmi nous. Ce modèle fournira des zones marquées à peindre avec des couleurs spécifiées, ainsi que des instructions guidées pour vous permettre créer tranquillement une nature morte dans un après-midi paresseux. Le projet peinture par numéro a sa propre leçon vidéo à la fin de la classe. Dans la leçon suivante, nous allons couvrir le matériel. 3. Matériaux: Dans cette leçon, nous allons couvrir tous les matériaux nécessaires et facultatifs pour compléter vos natures mortes, n'oubliez pas qu'une liste détaillée est fournie avec les ressources de la classe comme indiqué dans la dernière leçon. La première est la star du spectacle, Acryla Gouache. Maintenant, Acryla Gouache va avoir sa propre leçon détaillée après ça. Mais fondamentalement, Acryla Gouache est une peinture mate et opaque qui rend les rêves deviennent réalité, Acryla Gouache peut ne pas faire les rêves devenir réalité. Les couleurs nécessaires pour terminer chaque projet cette classe sont répertoriées dans la liste des matériaux des ressources de classe. Si vous possédez déjà une peinture acrylique régulière et que vous voulez sauter, vous serez absolument en mesure de suivre et de créer de belles peintures. La principale raison pour laquelle j'utilise l'Acryla Gouache sur les acryliques ordinaires est en raison de ses qualités illustratives. La planéité de la peinture rend beaucoup plus facile à numériser et à manipuler dans un espace numérique, et j'adore la puissamment pigmentée et opaque de la peinture. Mais comme je l'ai dit, vous êtes les bienvenus pour suivre ce que vous avez. Ensuite, nous avons besoin d'une surface à peindre. Je vais travailler dans mon carnet de croquis, c'est un journal à couverture souple de la série Strathmore 500. Il y a deux raisons pour lesquelles je travaillerai dans mon carnet de croquis par opposition à des feuilles de papier ou de toile séparées. Tout d'abord, il concentre la classe sur les processus et les techniques de peinture eux-mêmes. Deuxièmement, peindre à la caméra tout en essayant de montrer et d'enseigner est très intimidant, et mon carnet de croquis est devenu un endroit très sûr pour me montrer. Cependant, si vous ne voulez pas peindre dans un carnet de croquis, voici quelques options. Si vous voulez travailler sur du papier, une marque économique que j'aime est le papier Aquarelle Canson XL. J' aime acheter des tampons et du ruban adhésif sur ma zone de peinture avec du ruban de peintre ou couper les morceaux à la taille. Si vous êtes à la recherche d'un papier de qualité artistique, je vous recommande d'obtenir un bloc Arches Hot Press aquarelle. Le papier Arches est fabriqué à partir de coton par opposition à la cellulose de Canson, et il est vendu par les artistes du monde entier, le prix reflète cela. La presse chaude fait référence à la douceur du papier, qui est le plus proche de mon carnet de croquis et du papier Canson, bien que vous soyez absolument bienvenu pour utiliser une presse à froid plus texturée. Le bloc de mots signifie que le papier est collé sur le côté de sorte qu'aucun clip ou ruban adhésif n'est nécessaire pour l'empêcher de flamber. Vous pouvez retirer une feuille complète du bloc en faisant glisser un dossier d'os ou pointe de pinceau maigre dans l'ouverture bas et en glissant soigneusement autour du périmètre. Si vous voulez travailler sur des planches de toile ou de bois, allez-y. Je recommande d'en obtenir une déjà apprêtée avec du gesso, essentiellement une peinture blanche spécialisée et affinée qui amorce votre surface de peinture. Je recommande également de commencer petit si c'est votre première fois, pour garder le projet gérable. Ensuite, nous aurons besoin de pinceaux. Je ne veux pas que tu sois trop accroché pour obtenir les brosses exactes que j'ai, mais plus que tu aimes faire les mêmes choses que les miennes. Voilà ce que je veux dire. J' ai trois catégories de pinceaux, pinceaux pour remplir de grandes surfaces d'espace, pinceaux pour redéfinir les formes et ajouter des traits expressifs, et de pinceaux pour les détails. Pour remplir de grandes zones d'espace, j'aime une brosse ronde plus grande ou une brosse plate. Pour affiner les formes et ajouter des traits expressifs, j'adore un pinceau rond de taille moyenne, un pinceau filbert, qui a ces bords arrondis et un pinceau plat. Pour des détails plus fins, j'aime les petits pinceaux ronds ainsi qu'un pinceau à doublure, qui a de longues poils qui contiennent beaucoup de peinture mais distribue uniformément lorsque vous glissez sur la page. Les brosses exactes que j'utilise sont répertoriées dans la liste des matériaux dans les ressources de classe. Maintenant, une autre chose qui m'a pris honnêtement beaucoup de temps à m' accrocher , c'est que les pinceaux et les tailles de pinceaux ne sont pas standard. Une brosse ronde de taille trois dans une marque peut être une taille complètement différente d'une taille trois brosse ronde d'une autre marque. Pour cela, il est utile de prêter attention aux mesures fournies, surtout si vous achetez en ligne. En outre, certaines brosses ont des poignées longues et d'autres ont court, et parfois les tailles de la même marque entre les tailles de poignée peuvent changer. Une poignée longue taille trois ronde peut être plus petite qu'une poignée courte taille trois ronde de la même marque. Pourquoi ? Évidemment, les fabricants de pinceaux jouent un très long jeu en essayant de nous rendre tous fous, et ça marche. Comme c'est de la folie, sachez juste qu'il n'y a pas de bonne ou de meilleure brosse, achetez ce que vous pouvez vous permettre, essayez-le et recalibrez. Une dernière chose à propos des brosses à manche long et à manche court. Avec les pinceaux à long manche, vous pouvez déplacer votre main plus loin vers le haut de la poignée de la brosse, ce qui permet à vos coups de devenir plus lâches et plus expressifs. Alors qu'une poignée courte nécessite une prise plus contrôlée et donc une course plus contrôlée. Pendant et après la peinture, ne laissez pas vos pinceaux assis dans des bocaux d'eau car cela peut les décomposer prématurément. Lorsque vous avez fini de peindre, rincez rapidement vos pinceaux avec de l'eau tiède et du savon doux pour les mains si nécessaire, et séchez l'excès d'eau avec une serviette en papier ou une serviette. Nous aurons alors besoin d'une surface pour mélanger nos peintures. Certains que je recommande sont une vieille assiette ou un plat que vous pouvez entièrement consacrer à des fins artistiques, ou un plateau en émail ou une palette de verre ou même un papier à palette jetable revêtu de plastique, ce qui est certainement le moins respectueux de l'environnement de la meute, donc certainement quelque chose d'important à garder à l'esprit. Nous aurons besoin d'un récipient pour contenir de l'eau, ainsi que d'une serviette en papier ou d'une serviette de peinture dédiée. Vous pouvez regarder les photos de référence sur votre ordinateur ou les imprimer, mais de toute façon, vous voulez les avoir à portée de main. Certains autres outils qui ne sont pas nécessaires mais peuvent étendre vos options sont des crayons de couleur à utiliser sous esquisse, j'aime ces crayons de couleur Prismacolor Col-Erase parce qu'ils sont effaçables, mais je recommande d'utiliser votre propre gomme comme ceux sur les crayons laissent souvent un résidu rose derrière. Vous pouvez utiliser un crayon régulier pour cela, ou même juste un petit pinceau et de la peinture. Mais les crayons de couleur effaçables vous permettent d'esquisser avec la palette de tons ou de couleurs à l'esprit et de ne pas laisser de poussière de graphite aussi évidente quand vous peignez dessus qu'avec un crayon ordinaire. En fin de compte, tout ce que vous choisissez sera couvert à 98 % par d'autres peintures, c'est pourquoi il s'agit d'un matériau optionnel. Vous remarquerez que je fournit la photo de référence en couleur ainsi qu'en niveaux de gris avec des guides. Cela rend beaucoup plus facile de voir les valeurs sous-jacentes dans une pièce, ainsi que rend la composition plus facile à dessiner sur un papier. Si vous avez déjà et utilisez Photoshop, c'est un excellent outil pour être en mesure de désaturer vos images, aka les rendre en noir et blanc ainsi que toute autre manipulation qui peut vous faciliter le travail. Si vous n'avez pas Photoshop, même une application de retouche photo sur votre téléphone est une excellente option pour créer une version en niveaux de gris de votre photo. Quelle que soit l'application que vous utilisez, vous voulez rechercher un curseur de désaturation et le faire glisser tout le chemin vers la gauche pour drainer ce crew out. Heureusement, j'ai déjà pris soin de notre référence de bol de cerisier, mais si vous avez une envie de peindre au-delà de cette classe, ce que j'espère que vous le ferez, cela peut être un moyen vraiment utile de rendre vos photos de référence plus informatives. Si vous prenez juste ce cours pour le plaisir, alors regarder une roue de couleur en ligne sera totalement suffisant. Mais comme j'ai commencé à peindre plus, il a été vraiment utile d'avoir une référence comme celle-ci sous la main, nous allons en parler plus dans la leçon de couleur à venir. Vous voudrez peut-être une règle pour dessiner des lignes directrices sur votre papier, bien que j'ai tendance à le regarder. Vous pouvez également utiliser un flacon pulvérisateur pour garder votre peinture humide sur votre palette tout en travaillant pendant de longues périodes de temps. Un petit couteau à palette, tout en plus utile avec de vraies peintures acryliques peut aider à tester les couleurs afin de ne pas encombrer vos poils de brosse. Ceci est cependant répertorié comme facultatif parce la quantité d'Acryla Gouache qui est pressée à un moment donné n'est généralement pas suffisante pour couteau autour sans la transformer en une fine couche qui sèche rapidement. Mais comme je l'ai dit, il m'a été vraiment utile d'aimer tester les couleurs avec. Si vous cherchez à rendre votre peinture aussi économique que possible, je vous recommande d'acheter ces contenants à couvercle qui vous permettent de retirer de la peinture, fermer le dessus et de la garder fraîche pour la peinture au-delà d'une séance. Enfin, si vous travaillez dans un carnet de croquis comme moi, vous voudrez que des clips de reliure maintiennent les pages vers le bas. Si vous travaillez sur des feuilles de papier séparées ou si vous voulez créer une bordure autour de votre peinture, certains rubans de peintre s'occuperont de vous. Dans la prochaine leçon, nous commencerons à nous inspirer et nous commencerons à mouiller nos appétits de nature morte. 4. Inspiration pour votre nature morte: Dans cette leçon, nous allons parler de ce que la nature morte est et peut être et de certains artistes qui m'inspirent. Eh bien, au moins pour moi, l'idée d'une nature morte utilisée pour évoquer des images de classes d' art du collège et essayer de dessiner bouteilles de vin qui avaient toujours l'air tordu et de côté et sûr, la nature morte peut être cela. Mais c'est vraiment une toile comme tout le reste et devient ce que vous en faites. Dans son essence, la nature morte est la peinture d'objets inanimés, sauf les plantes et les fleurs sont autorisées et acceptées. J' aime les natures mortes maintenant parce qu'elles racontent une histoire en découpant un petit moment de vie qui aurait pu être autrement négligé. Ils n'apportent pas non plus avec eux la submersion de personnages ou de grands paysages. Enfin, ma partie préférée, ils vous supplient d'ajouter votre spin. Vous voulez faire un morceau traditionnel d'une vieille chaise et une tasse de café ? Fais-le. Vous voulez aplatir totalement une scène de fruits classique et la couvrir de formes et de couleurs audacieuses ? Fais-le. C' est un sujet très excitant, instructif et vaste et je pense que c'est une très bonne idée de prendre le temps de regarder ce que d'autres artistes ont créé pour voir ce qui se distingue pour vous. Voici quelques artistes traditionnels et contemporains m'inspirent si vous voulez un point de départ. par les œuvres traditionnelles Commençonspar les œuvres traditionnellespar Charles Ethan Porter, un peintre américain qui a vécu de 1847 à 1923. Il a étudié l'art et a été l'un des premiers afro-américains à exposer à la National Academy of Design de New York. Ses morceaux de fruits sont particulièrement remarquables parce qu'ils étaient atypiques dans leur exclusion de la verrerie, argenterie, de la porcelaine et d'autres articles de table souvent représentés dans la nature morte. Il a laissé la beauté naturelle du sujet être l'étoile. Quand je regarde le travail de Porter, je suis inspiré par le contraste audacieux, les reflets réfléchis, traits subtils et réalistes, et la composition peu encombrante et intrigante. Ensuite, je voudrais parler de Rachel Ruysch, une peintre hollandaise qui a vécu de 1664 à 1750. Ses œuvres ont été appréciées pour leur représentation dimensionnelle, naturelle et précise d'une variété de personnalités florales, toutes rendues dans des couleurs éclatantes sur un fond sombre et sombre. Quand je regarde le travail de Ruysch, je suis inspiré par le drame juxtaposé avec des pétales en apesanteur et une lumière dansante. J' apprécie également ses compositions simples, permettant au bouquet imposant de se tenir haut au centre de la toile. Ensuite, nous allons parler d'Henri Matisse, le peintre français qui a vécu de 1869 à 1954. Bien que la peinture de la nature morte n'est pas tout ce que Matisse est connu pour, il y a certainement quelques-unes de mes œuvres préférées du peintre. J' aime que la nature morte de Matisse dépeint un sujet aplati, souvent animée par une couleur ou un motif inattendu qui leur est appliqué. Je suis sûr que les spécialistes de l'art ne seraient pas d'accord, mais pour moi, les natures mortes de Matisse bordent de l'illustration comble le fossé entre les beaux-arts et une vision, un message ou une histoire ludique. Aujourd'hui, une artiste que j'aime suivre sur Instagram est Heather Ihn Martin. Elle peint des scènes et des objets de tous les jours à la gouache et à l'huile et les transforme en art. Je pense que ce qui m'inspire le plus dans son travail, ce sont les références et les scènes dont elle peint n'ont jamais semblé aussi excitantes ou intéressantes pour moi. Puis elle les peint et ils sont beaux et intéressants. Cela me rappelle que parfois juste rendre n'importe quelle vieille chose ennuyeuse dans notre main est plus que suffisant. Elle est généreuse avec son processus et a un Patreon où elle partage des démos de peinture et des questions et réponses. Trouvez-la @heatherihnart et sur heatherihnart.com. L' étape suivante est Ekaterina Popova, une autre artiste dont j'aime voir le travail sur Instagram. Elle travaille dans les huiles et se concentre beaucoup sur les intérieurs, que je considère comme faisant partie de la catégorie plus large des natures mortes. Son travail est vibrant et audacieux, les coups de pinceau sont confiants et j'aime comment elle crée une ambiance et une ambiance précises avec ses palettes de couleurs. Elle n'est pas seulement une peintre talentueuse et inspirante, mais elle apporte également son soutien dans les cours pour d'autres artistes et propriétaires d'entreprise. Trouvez-la à Katerinaspopova et ekaterinapopova.art. Une autre artiste que je suis est Sarah Ingraham. Ses natures mortes ont cette qualité d'illustration que celle de Matisse, mais sont un peu plus propres et se sentent comme de l'art populaire pour moi. Elle a un talent pour les fleurs et donne vie au rose et au bleu. Vous pouvez la trouver @sarahingraham. Ce n'est que la pointe de l'iceberg avec des créations de nature morte. Mais je pense que cela commence à montrer à quel point cet art peut varier. Alors faites une visite virtuelle d'art et faites tourner vos roues au fur et à mesure que nous avançons avec notre projet. La prochaine leçon que nous allons parler de travailler à partir de photos de référence. 5. Travailler à partir de photos de référence: Dans cette leçon, nous allons couvrir la photo de référence que nous allons utiliser, comment rechercher vos propres références, ce qu'il faut rechercher et comment manipuler vos photos pour aider à peindre. Pour ma démonstration des techniques traditionnelles et contemporaines, nous allons travailler à partir de cette image de bol de cerises de Gaelle Marcel sur Unsplash. Vous êtes absolument bienvenus pour mettre en place une vraie nature morte et peindre à partir de l'observation. J' ai fourni quelques informations utiles dans les ressources de la classe si c'est ce qui vous intéresse. Mais si vous ne faites que commencer, utiliser une image de référence, ou même prendre une photo d'une nature morte que vous avez configurée, supprimez la pression pour tout comprendre en une seule fois assis, ou pour capturer la lumière dans un certain temps. Si cette image ne vous frappe pas, ou si vous cherchez quelque chose à conquérir après avoir fini nos bols à cerises, j'ai mis sur pied une galerie sur Unsplash et lié à elle dans les ressources de la classe. Vous pouvez également aller trouver vos propres images de référence. Mais si vous faites cela, assurez-vous de ne pas simplement aller sur Google ou Pinterest et trouver n'importe quelle ancienne image. Chaque image que vous trouvez en ligne a des droits liés à elle, et vous ne voulez pas voler aux autres. Unsplash est une ressource impressionnante à utiliser parce que toute image que vous y trouverez est libre d'utiliser pour un usage personnel ou professionnel. Lorsque vous regardez des photos de référence, voici quelques éléments à rechercher. Le premier est de commencer simple. Un seul objet ou point focal peut sembler ennuyeux sur une photo, mais quand il s'agit de peindre, surtout en commençant, garder les choses simples permet de garder l'écrasement vers le bas, vous donnant une meilleure idée de travailler sur, l'achèvement et l'apprentissage du projet. Piggyback de la première pointe. La prochaine est de garder les vraies natures mortes de votre référence et d'éviter les figures ou les paysages complexes. Pas pour toujours, juste pour suivre cette classe et démonstration. Mon troisième conseil est de chercher des photos avec une large gamme de valeurs intéressantes ou passionnantes. Si tout est sombre et sombre, ou soufflé et blanc, ou similaire dans le ton, il sera plus difficile de créer une image qui clique ensemble et ramène à la maison la forme et l'atmosphère de votre nature morte. Lorsque vous regardez une image, essayez de déterminer où sont les parties les plus claires, où sont les parties les plus sombres, et si le ton va de l'obscurité à la lumière, votre doré. Enfin, surtout pour notre nature morte contemporaine, cherchez une photo de référence qui vous donne l'occasion de montrer votre personnalité. Cela peut se produire à travers le sujet, comme de jolis cocktails, ou des couvertures confortables, ou des jouets rétro. Mais cela peut aussi se produire à travers des surfaces, des plats, des boîtes, des murs, épines de livre, tous sont des surfaces pour nous d'ajouter notre spin à travers l'impression, et le motif, la couleur, ou les détails. Par exemple, je pense qu'il serait vraiment drôle de créer une représentation plus réaliste d'une scène de livre classique comme une prise traditionnelle, mais toutes les épines ont des titres absurdes différents, comme Cat Astronautes for Dummies, et Les secrets des tacos très efficaces. info, je donne juste ces conseils pour ceux d'entre vous qui doivent sortir du moule et ne veulent pas suivre avec ce que je fais, ce qui est totalement bien, et pour vos aventures au-delà de cette classe. Mais si vous commencez juste, je vous recommande vraiment de rester avec moi et de suivre avec le bol de cerises. La dernière chose que je veux discuter en termes de photos de référence est de les faire fonctionner pour vous. Comme vous le savez, j'ai fourni l'image du bol de cerise en deux versions, une couleur et une échelle de gris avec des marques centrales. Comme vous l'entendrez encore et encore, la valeur est un élément d'information très important à extraire d'une photo. Lorsque vous entraînez vos yeux pour la première fois à voir, il peut être difficile de différencier ces valeurs de leur teinte. Faire l'image échelle de gris supprime les informations déroutantes, sorte que nous pouvons vraiment voir ces valeurs. Les marques centrales, comme vous le verrez, rendront le processus d'esquisse beaucoup moins écrasant. Si vous possédez et utilisez déjà Photoshop, prise de vos références et l'ajout d'une couche de réglage de la saturation de la teinte et de guides peuvent vraiment améliorer le processus de traduction de votre référence à votre page. Si vous n'avez pas Photoshop, l' envoi de la photo sur votre téléphone et l'utilisation d'une application de retouche photo vous permettra de voir la photo en échelle de gris. Mon application de retouche photo préférée est Lightroom, mais un solide gratuit à essayer est Snapseed de Google. Ensuite, nous allons parler de gouache acrylique. 6. Présentation de l'Acryl Gouache: Dans cette leçon, nous allons aborder ce qu'est Acryla gouache, comment l'utiliser et comment la stocker. Holbein Acryla Gouache est un nom de marque spécifique gouache acrylique qui est ce dont nous parlons vraiment ici. C' est une peinture acrylique vibrante, ce qui signifie qu'après séchage, elle ne peut pas être réanimée avec de l'eau, mais contrairement à la peinture acrylique ordinaire, la gouache acrylique est opaque et la texture sèche est plate, mate et un peu veloutée. En tant qu'illustrateur, je l'apprécie vraiment parce que je peux peindre de façon vibrante tout en gardant mon travail plat et mat et totalement scannable. La gouache régulière ressemble davantage à l'aquarelle en ce sens que les couches de peinture sèche peuvent être réanimées une fois qu'elles entrent en contact avec l'eau. Alors que la gouache ordinaire peut être superposée jusqu'à un certain point, gouache acrylique est pratiquement illimitée dans sa superposition. Si vous souhaitez en savoir plus sur la gouache acrylique dans le contexte de la gouache régulière et même de l'aquarelle, je vous recommande de consulter ma classe, Apprendre à connaître votre peinture, que je vous ai liée dans les notes ci-dessous. Un tube de gouache acrylique énumère le nom de la couleur sur le devant, ainsi que quelques informations sur la teinte, valeur et le chroma ou la saturation de la couleur. Ne vous inquiétez pas, ces termes auront plus de sens dans la prochaine leçon. L' arrière du tube fournit également les pigments dans la peinture et évalue l'opacité de la couleur. couleurs avec une cote d'étoiles basses sont moins opaques et un peu plus stries en une seule couche, tandis que les cotes d'étoiles hautes sont très opaques. Pour utiliser de la gouache acrylique, vous voudrez mélanger la peinture avec de l'eau pour créer la consistance désirée. Vous pouvez utiliser l'eau de gouache vers le bas pour créer un look texturé et lavé ou vous pouvez le garder épais et opaque à toutes les étapes entre les deux. Tous les pigments ne sont pas les mêmes, donc certaines couleurs seront naturellement plus collantes que d'autres, mais la superposition sur une couche préalablement sèche peut aider à cela. Si vous allez dans une zone de peinture humide avec plus de peinture, vous pouvez mélanger les couleurs ensemble. C' est ce qu'on appelle humide sur mouillé. Si vous allez sur une zone de peinture sèche avec plus de peinture, vous pouvez créer des couches nettes de lumière et de sombre variables. C' est ce qu'on appelle humide sur sec. Vous aurez une meilleure idée de la gouache acrylique au fur et à mesure des démonstrations. Si vous prévoyez d'utiliser de la peinture acrylique régulière, gardez à l'esprit que la texture et l'effet peuvent ne pas être exactement les mêmes que démontré, mais vous serez toujours en mesure de pratiquer les principes fondamentaux enseignés avec succès. Si vous envisagez d'utiliser une gouache régulière, assurez-vous que vos couches sont très sèches avant de les superposer. Puisque la gouache acrylique durcit tout le chemin, la peinture reste dans le tube jusqu'à ce qu'il soit temps de peindre. Essayez de ne presser que des petits morceaux à la fois pour empêcher de sécher trop rapidement et d'être gaspillé. Si vous mélangez des couleurs personnalisées et que vous allez peindre au-delà d'une session, vous pouvez essayer d'utiliser une palette mouillée ou mettre la peinture dans des boîtes de plomb pour la garder fraîche. J' aime garder mon tube séparé par la température de couleur, dont nous parlerons dans la prochaine leçon, avec les neutres étant dans leur propre section pour trouver facilement. Ensuite, nous allons parler de couleur. 7. Couleur !: Dans cette leçon, nous allons aborder les bases des couleurs, la température des couleurs, les relations entre les couleurs, mélange des couleurs et l'étalonnage des couleurs. Nous allons commencer par parler des couleurs primaires : bleu, rouge et jaune. Maintenant, ce sont des couleurs pures qui ne peuvent être mélangées à d'autres couleurs. Vous pouvez mélanger pratiquement n'importe quelle teinte de couleur de ces trois couleurs. Laissez-moi vous montrer en peignant une roue de couleur. Je commencerai par observer notre magenta rouge ou primaire, jaune et bleu, dans ce cas, bleu outremer. Toute couleur que je reçois en mélangeant deux de ces couleurs est connue comme une couleur secondaire. Mélange rouge et jaune, je deviens orange, mélange rouge et bleu, je deviens violet, et mélange jaune et bleu, je deviens vert. Maintenant, si je mélange une couleur primaire avec une couleur secondaire voisine, comme le rouge et l'orange, j'obtiens une couleur tertiaire. Dans ce cas, rouge, orange, orange et jaune font jaune orange, jaune et vert rend jaune vert, etc que nous nous déplacons autour de la roue de couleur. Ce que nous avons exploré ici est connu sous le nom de teinte, et c'est une partie de ce qui fait la couleur. Quand quelqu'un dit que quelque chose est bleu ou que quelque chose est vert, ils parlent de la teinte de la couleur. valeur est la deuxième partie d'une définition de couleur, et elle fait référence à la légèreté ou à l'obscurité d'une couleur. blanc est la valeur la plus claire, et le noir est la valeur la plus sombre. Des nuances de gris composent l'échelle entre les deux. Travailler avec ma roue de couleur ici, si je mélange une couleur et ajoute du blanc, je suis capable d'alléger la valeur de cette teinte, et cela s'appelle la teinte. Si je mélange une couleur et ajoute du noir, je suis capable de foncer dans la valeur de la teinte, et cela s'appelle l'ombre. Si le simple fait de dire bleu décrit la teinte, dire bleu foncé décrirait la valeur et la teinte. La dernière partie de la définition de la couleur est la saturation, parfois appelée chroma, et fait référence à l'intensité de la couleur. Ici, nous pouvons voir comment notre définition de couleur est beaucoup plus descriptive si nous ramenons notre exemple bleu. Si je dis bleu foncé ou bleu gras foncé, on peut imaginer deux bleus différents dans notre tête. On en parlera plus dans une minute. Mais si je mélange la couleur et ajoute du gris, je suis capable de tonifier la couleur ou de la faire baisser un peu la saturation. Pour égayer la sauvegarde, vous voudriez ajouter plus de pigment pur ou de teinte pour le ramener à la vie. De plus, vous pouvez mélanger une couleur avec son complément ou opposé sur la roue de couleur pour la tonifier ou pour mélanger en neutre. Mais encore une fois, nous allons couvrir ça dans une minute. Un autre descripteur utile pour la couleur est sa température. Cela fonctionne de deux façons. En général, il est admis que les couleurs du jaune au rouge violet sont des couleurs chaudes. L' autre moitié de la roue de couleur, les verts, les bleus et les violets sont des couleurs fraîches. Pensez au soleil jaune chaud par rapport à l'eau bleue fraîche. Nous pouvons également utiliser la température pour comparer deux couleurs similaires. Alors que le vert est techniquement une couleur fraîche, un vert jaune est plus chaud qu'un vert Kelly. Jaune, une couleur chaude peut avoir des jaunes froids et des jaunes chauds. Maintenant que nous parlons de ça, nous pouvons retourner aux primaires que nous avons tirées pour créer notre roue de couleur. Une chose à noter est l'ultramarine est un bleu très chaud. Lorsque les bleus chauds sont mélangés à des jaunes chauds ou froids, ils créent très chaud et parfois un peu désaturé d'un vert, rose olive et vert feuille. Alors que le bleu est certainement une couleur primaire, tous les pigments bleus ne sont pas créés égaux. Si j'apporte du cyan primaire, un bleu plus frais et le mélange avec mon jaune. Le vert, nous obtenons est beaucoup plus gemme tonique, plus frais et crée des teintes beaucoup plus vives de turquoise et vert vif que l'ultramarine ne peut tout à fait conquérir. Si vous voulez vraiment être en mesure de mélanger toutes les couleurs, en particulier votre gamme complète de verts, il sera utile d'avoir à la fois un bleu chaud et un bleu frais. Si je devais seulement en choisir un, je pourrais vraiment devenir bleu cool parce que je pense que vous auriez une meilleure chance de réchauffer un bleu cool que de refroidir un bleu chaud. Vous suivez ? Lorsque nous travaillons sur notre étude traditionnelle, nous allons utiliser une palette minimale de blanc titane, ombre brûlée, d'outremer, de magenta primaire et de jaune primaire. La raison en est que l'outremer est généralement mieux adapté peinture traditionnelle car les verts et les couleurs qu' il mélange ne sont pas trop vives ou intenses. fur et à mesure que vous avancez dans votre parcours de peinture, vous pouvez prendre des références aux couleurs plus vives, auquel cas, il vous sera utile d'avoir cette compréhension si vous préférez mélanger à partir d'une palette limitée. Quand vient le temps de combiner les couleurs pour faire une palette de couleurs, il y a certaines relations de couleurs qui chantent en harmonie ensemble. Celui que vous connaissez peut-être déjà, est monochromatique ou coller à une seule teinte et en faisant varier la saturation et la valeur. Un autre commun est analogue, ce qui signifie utiliser des couleurs qui sont les unes à côté des autres. Les couleurs complémentaires sont celles qui se trouvent en face les unes des autres sur la roue de couleur. Ces palettes sont agréables pour leurs contrastes qu'elles apportent à une pièce. De là, les harmonies deviennent un peu plus complexes. J' ai cette roue de couleur ici et sur le dos il a en fait une référence rapide cool pour créer des palettes avec ces relations. Si je mets le spinner sur une couleur, je peux suivre les flèches pour voir quelles couleurs je peux jumeler avec la teinte principale pour créer une palette cohésive. Mais voici l'un de mes moyens préférés les plus utilisés et pratiques pour utiliser la roue de couleur et ces relations de couleur tout en peignant. Lorsque vous mélangez deux couleurs complémentaires ensemble, vous faites un neutre. Ces couleurs fonctionnent comme un remorqueur de guerre affectant les autres saturation. Par exemple, souvent les verts sortent des tubes tout simplement trop vives et ont vraiment besoin d'être tonifiés. Maintenant, plus tôt, nous avons parlé d'utiliser un mélange de gris pour tonifier une couleur. Mais je veux vous montrer la différence entre mélanger une couleur gouache avec du gris et mélanger cette même couleur avec son complément. Utilisons le vert, comme je le mélange avec un mélange uniforme de noir et blanc ou gris, vous pouvez voir la couleur devient plus opaque et certainement moins saturée. C' est un peu plus terne, mais il est aussi sorti avec presque une filminess à elle. C' est l'effet de la gouache blanche, même dans le cadre d'un mélange de gris ajouté à une couleur. C' est un beau mélange, mais parfois vous voulez apprivoiser la saturation d'une couleur sans la rendre laiteuse. C' est là que les compliments entrent en jeu. À travers la roue de couleur est chaud, rouge audacieux. Je vais ajouter juste une touche de peinture écarlate à ce vert. Si je collais aux primaires, j'aurais besoin d'un peu de jaune et de magenta pour faire un rouge plus chaud pour compenser le vert. Remarquez comment il tonifie immédiatement le vert sans éclaircir la peinture ou la rendre plus opaque. C' est la puissance des compliments et cela aide vraiment à prendre une couleur vers le bas d'un cran et d'une intensité. Je veux maintenant vous montrer le processus pour essayer de mélanger une couleur que vous voyez. Cette nuance de couleur ici montre l'une de mes couleurs préférées de gouache acrylique olive. S' il se trouve que je manque d'olive, je n'aurais pas à craindre parce que ce que je sais sur la théorie des couleurs, je parie que je peux le mélanger. D' abord, nous allons commencer par choisir la teinte la plus évidente, qui dans ce cas est jaune. Si la teinte principale était une couleur secondaire comme l'orange, le vert ou le violet, je mélangerais cela et puis commencerais là. Mais comme cela se trouve être une primaire, je peux presser un peu de jaune sur ma palette et commencer. Je vais observer pendant que je vais pour voir l'évolution des couleurs. Ensuite, nous allons comparer cette couleur à notre référence et voir ce que nous remarquons. La première chose que je vois est la température de couleur. Le jaune que j'ai est beaucoup plus frais que mon olive et je sais que je peux réchauffer cela en ajoutant un peu de magenta. Comme un mélange uniforme des deux ferait de l'orange, je vais aller un peu plus léger sur le magenta juste pour le teinter. Maintenant, quand je compare les couleurs, je peux voir que la couleur est plus chaude mais pas tout à fait juste. Il a l'air trop orange. Que dois-je faire si je veux réduire l'intensité d'une couleur ? Je regarde son compliment, qui est bleu. Je vais ajouter un soupçon de bleu. La teinte commence à avoir l'air vraiment bien, mais maintenant la valeur n'est pas tout à fait correcte. Je vais ajuster cela en ajoutant une touche de blanc et si j'ajoute trop d'une couleur, je peux l'équilibrer en ajoutant les pigments qui manquent. Je suis capable de me rapprocher d'ici. Bien sûr, si la couleur que vous essayez de mélanger est beaucoup plus foncée ou plus claire que la couleur, alors vous devrez apporter ces neutres afin d'obtenir la valeur du mélange correct. Avant d'entrer dans la démo traditionnelle, j'ai deux conseils pour votre gouache. La première consiste à faire des nuances de couleur. Cela peut être aussi simple que de mettre quelques blobs sur un morceau de papier et d'étiqueter les couleurs, mais je recommande de faire des échantillons séparés que vous pouvez mélanger et regrouper ensemble, surtout parce que la couleur du bouchon sur le tube est souvent pas une représentation précise de la couleur réelle de la peinture. J' utilise de grandes feuilles de papier aquarelle Canson XL et j'utilise du ruban adhésif pour créer une grille. Je peins les nuances et les fenêtres, laisse sécher, j'enlève le ruban adhésif et je les découpe. Je fais une note rapide de la couleur sur le dos et je suis prêt à y aller. Vous verrez comment nous les utiliserons dans l'étude contemporaine. Enfin, si vous pensez que vous allez peindre régulièrement dans le futur, et j'espère vraiment que vous le ferez. Je recommande fortement, fortement de faire un tableau de mélange de couleurs. C' est une référence pour vous d'être en mesure de voir rapidement comment toutes vos peintures se mélangent, ce qui leur permet d'aller vraiment loin. Je partage le processus pour en faire une dans ma classe, apprendre à connaître votre peinture spécifiquement dans la leçon 4, elle est liée comme une note sur cette leçon. C' était beaucoup d'informations, mais j'espère que j'ai été en mesure de vous donner connaissances vraiment pratiques sur le mélange des couleurs et des couleurs. Dans la leçon suivante, nous allons passer en revue l'étude traditionnelle. 8. Aperçu de l'étude traditionnelle: Dans cette leçon, nous allons passer en revue le processus de l'étude traditionnelle. Dans notre étude traditionnelle, notre objectif est de recréer notre photo de référence en utilisant l'observation, mélange de couleurs à partir d'une palette limitée et la superposition de peinture. Je l'ai dit plus tôt dans le cours, mais même si la peinture n'est pas traditionnellement votre objectif final, pratique de cette compétence nous aide vraiment à prendre toutes les informations pertinentes d'une photo de référence et à la manier intentionnellement. Voici l'ordre dans lequel nous construirons notre peinture. Tout d'abord, nous choisirons une couleur à utiliser pour couvrir notre page. Cette couleur aide immédiatement à tonifier le blanc vif de la page et nous donne un terrain d'entente pour construire dans des valeurs sombres et claires. Ce sol tonal peut créer une ambiance pour la peinture, et souvent cette couleur sous-jacente brillera dans les morceaux de la pièce finie, ajoutant de la profondeur et de l'intérêt. Une fois le calque d'arrière-plan sèche, nous effectuerons une esquisse de contour à l'aide des repères centraux pour faciliter le processus. Nous utiliserons ensuite l'umber brûlé pour commencer à bloquer des valeurs plus sombres en utilisant notre photo de référence en niveaux de gris pour vous aider. Une fois nos valeurs sombres ajoutées, il est temps d'ajouter les reflets les plus légers avec du blanc titane. Avec l'achèvement de cette étape, notre sous-peinture et le squelette pour la peinture sont prêts. L' étape suivante consiste à commencer à appliquer des blocs de couleur. Nous mélangerons les couleurs de notre palette limitée, en les rapprochant le plus possible de la photo de référence. De là, le nom du jeu est superposer la peinture pour corriger les valeurs et compléter l'image. Nous finirons par utiliser nos petits pinceaux pour ajouter des détails de finition, et nous allons nous mettre à cinq hauts nous-mêmes parce que nous ne savions même pas que nous pouvions peindre de cette façon, mais nous avons tout simplement fait. Dans la prochaine leçon, nous allons sortir la peinture et travailler sur notre étude traditionnelle. 9. T1 : tonalité du fond: D' accord. Nous sommes prêts à entrer dans notre étude traditionnelle. J' ai les deux références imprimées ici. J' ai celui en couleur et j'ai aussi celui en échelle de gris qui a les guides centraux dessus. J' ai ma palette de couleurs limitée ici : blanc titane, ombre brûlée, et ultramarine, jaune primaire et magenta primaire. J' ai un couteau à palette, j'ai mes pinceaux ici. J' ai de l'eau prête à partir, mélange palette, carnet de croquis. Vous pouvez voir qu'il est coupé avec ce clip qui va aider à garder la page en sécurité. Ensuite, j'ai aussi ma roue de couleur, handy-dandy et prêt à aller à la référence au besoin. J' ai mon souverain ici aussi, juste au cas où. Ce qui est cool, c'est que c'est la première étape d'une étude traditionnelle, on ne peut pas le gâcher. Même si vous vous trompez, il peut être corrigé plus tard. Donc c'est sympa. La première étape est la peinture et la sous-peinture. On n'a même pas besoin d'esquisser d'abord. Nous allons littéralement couvrir toute cette feuille de papier en couleur pour commencer par le ton ou l'humeur. Dans ce cas, je vais choisir un neutre parce que le ton écrasant de cette image est la neutralité. On a des taupes, des bruns et des tans ici, puis le fond est gris. Ensuite, bien sûr, nous avons les éclats de jaune et de rouge profond des cerises. Lorsque vous envisagez la sous-peinture, soit vous voulez aller avec la couleur qui est la majorité qui vous parle, soit simplement votre idée artistique de la couleur que vous voulez avoir à travers. Le sous-tableau, comme je l'ai dit, nous pourrions peindre dessus, mais il va vraiment jeter un coup d'oeil à tous ces endroits et ça nous donne un très bon point de départ pour que nous n'essayons pas de créer des valeurs sur blanc. Je vais essayer de mélanger un brun-gris clair. Je vais commencer par le repère le plus proche de ça, qui est mon umber brûlé. Je vais en extraire un peu. Maintenant, je peux déjà voir avec mes yeux que cette couleur va être trop sombre, et donc je vais probablement l'alléger avec un peu de blanc. Je ne m'allège pas toujours avec du blanc. Parfois, je m'allège avec du jaune ou une couleur différente, mais dans ce cas, nous savons que la valeur de cela doit venir beaucoup. Nous allons juste prendre l'un des pinceaux qui est plus grand et idéal pour couvrir une grande quantité de surface. J' aime utiliser ma taille 10 ou la taille 16 ronde. Dans ce cas, je pense que je vais aller vraiment grand. Parfois, quand je suis toujours en train d'obtenir une couleur, de savoir ce que la couleur va être, j'utilise mon couteau à palette juste pour ne pas avoir les poils tous usés. Je vais prendre un peu de brun et le gratter ici. Je peux voir, il fait évidemment très sombre, il est presque proche de la valeur qu'il doit être pour toutes ces zones les plus sombres, donc je vais juste mélanger un peu de blanc et voir quelle couleur on y arrive. Ça a l'air plus sympa. C'est plus près des tons plus chauds du tissu ici. Ce n'est pas aussi cool que le fond ici, mais je pense que ce brun moyen va être un bon début. Si je veux voir ce que c'est de le refroidir avec un peu de bleu, faisons-le un coup, je peux le mélanger. Je ne crois pas que je vais en avoir besoin, mais on ne sait jamais. Ça a peut-être été trop. Il a bien grisé dehors bien que joliment. Vous voyez d'abord que le bleu avait l'air si fort, puis j'ai ajouté un peu de blanc et maintenant nous avons un ton beaucoup plus proche de l'arrière-plan. C' est à moi de décider sur lequel je veux utiliser. Je pense que ce que je vais faire est juste de faire un mélange aqueux de tout ça et de le mettre sur la page. Cette couche va être plus mince parce que nous pouvons toujours construire plus de peinture mais il est difficile de revenir à cette première étape quand il s'agit de la première couche de peinture sur le papier. J' aime que ça soit aqueux. Au cas où je veux m'accrocher à cette texture, j'ai la possibilité de le faire, et si je n'aime pas ça, je peux le passer avec un autre manteau. Vous pouvez voir que mes coups sont un peu sauvages. J' aime vraiment créer un sens du mouvement avec le sous-tableau. Je ne veux pas que ce soit parfait pour les coups de haut en bas. n'y a rien de mal à ça. C' est juste une préférence personnelle de ce que vous aimez et ce que vous voulez. J' utilise de l'eau pour garder la peinture en mouvement à travers la page afin qu'aucun de ces bords ne devienne trop dur avant de pouvoir obtenir de la peinture dessus. Regardons simplement la luminosité du blanc parce que lorsque nous regardons le noir et blanc, vous pouvez voir que les valeurs les plus légères sont tous les points forts des cerises. Ce sont en fait nos points les plus brillants. Tout le reste est de ton moyen et plus sombre que ça. On se donne juste une jambe en teintant le papier pour qu'il ne soit pas aussi brillant. Vous pouvez toujours ajouter ces blancs brillants, mais cela fait beaucoup de poids pour nous. C' est ça. C'est l'étape 1. Disons que vous avez commencé et que vous avez peint une page entière et réalisez que vous vouliez avoir un sous-ton cool et que vous voulez vraiment qu'il soit bleu, vous pouvez juste mélanger une autre couleur, attendre que cela sèche, puis faire un autre manteau. Mais je veux que cela sèche tout le chemin avant d'arriver à l'étape suivante, qui sera l'esquisse sur le dessus. Alors je vais le laisser sécher, faire son truc. 10. T2 : esquisse du contour: Ma première couche, ma sous-peinture, qui apportera un peu de chaleur, puis nous donnera plus de valeur moyenne pour commencer, est totalement sèche, sèche au toucher. S' il était encore humide, autant plus que nous utilisons tellement d'eau pour étaler cela, même si c'était juste un peu humide, quand nous allons faire cette partie suivante, cela pourrait potentiellement saigner ces couleurs. C' est pourquoi nous voulons qu'il sèche tout le chemin. Maintenant, on va aller de l'avant et faire des croquis. Je vais utiliser cette version en noir et blanc qui a la barre centrale. Normalement, quand je croquais, j'utiliserais comme je l'ai parlé dans la vidéo des matériaux, ces crayons de couleur Prismacolor coloriser et je l'utiliserais avec une gomme différente de celle-ci. Mais puisque je les ai répertoriés comme un matériel facultatif, je ne veux pas les utiliser. Je veux vous montrer ce que vous pouvez faire en utilisant la peinture. Il y a plusieurs façons de choisir des couleurs. Parfois. Je vais choisir une couleur de premier plan comme nous l'avons fait pour la sous-peinture. Peut-être même juste en utilisant l'ombre brûlée parce que c'est un ton qui va avec la peinture et il sera principalement couvert. C' est ce dont nous devons nous souvenir. Cette couleur va être la plupart du temps couverte. Mais le mot important est surtout et il y aura quelques endroits sauf si vous êtes diligent et voulez vraiment les peindre dessus. Mais c'est une bonne chose. Il y a quelques endroits où ça pourrait briller. Nous voulons être un peu réfléchis. Je ne veux pas choisir une couleur qui va être absurde avec ça. Je ne voudrais pas choisir peut-être un vert citron très vibrant parce que cette couleur ne signifie rien pour cette image et si elle brille à travers, ça pourrait être plus distrayant. Alors que si j'avais un peu d'ombre brûlée ou même un rouge ou un rose qui brillait à travers elle ajouterait à cela. Cela montrerait simplement le processus de l'artiste. Tout cela dit, je vais juste utiliser mon magenta primaire et un pinceau maigre pour faire mes croquis. La raison pour laquelle j'ai choisi le magenta est juste à cause de la chaleur des cerises et si elle brille à travers, je pense que je vais être d'accord avec un peu de magenta pop-up. Je vais juste mettre un peu sur ma palette. Je ne vais pas prendre mon plus petit pinceau. J' ai ces deux petites brosses rondes. L' un est une taille 2 et l'autre est une taille 6. Mais mon plus petit, c'est juste que ces poils vont manquer de peinture et d'eau si rapidement et ça va être frustrant pour moi et je peux obtenir un bon pourboire avec ce plus gros et il y a un peu plus de kilométrage dedans. Retournez à mon centre une chose et une chose que je veux faire avec un crayon, soit un [inaudible] ou non, ce soit un [inaudible] ou non, vous pouvez simplement le faire avec un crayon régulier, c'est que je veux dessiner où sont ces lignes centrales et je ne veux pas juste comme les dessiner trop fortement parce que alors ceux-ci vont montrer mais je veux au moins savoir. Vous pouvez utiliser une règle si vous voulez, mais si vous n'en avez pas, je vais juste mettre mes doigts de chaque côté et essayer de les déplacer à la même vitesse vers le centre, puis là où ils se rencontrent est mon point central. Ce n'est pas toujours précis, mais c'est assez bon pour moi. Je vais juste traquer les fantômes pour que je puisse trouver où se trouve ce point central et maintenant ça va vraiment m'aider à orienter où se trouve cette peinture. Je vais juste tracer ces lignes légèrement fantômes. Maintenant, avec ma peinture rose et mon pinceau maigre, je vais aller de l'avant et transférer une partie des informations de cette page à celle-ci. Nous allons utiliser ces lignes centrales pour nous aider à déterminer exactement quelle est notre échelle. Je vais commencer par le bol. Je vais regarder le centre et je vais descendre et je vais voir où il franchit ces lignes et je peux voir ça. Voyons voir, c'est à mi-chemin, quartier. C' est comme un huitième de cet espace, j'irai comme un huitième et je ferai une marque. C' est là que le bol va de l'autre côté et on a la deuxième avance. Ensuite, le bol va courber en dessous de cette ligne. Voyez comment le bol commence à courber en dessous. Je sais que je ne vais pas aller trop haut. Ensuite, là où il traverse cette ligne, je peux voir qu'il a dépassé le point médian ici, donc je vais aller un peu plus loin que la moitié, faire une marque là-bas et ça va me donner un bon départ pour comprendre la forme de ce bol. Vous pouvez voir que je suis en liberté, donc je n'essaie pas d'être trop précieux ici. Je n'essaie pas non plus de croquis. Nous voulons vraiment que nos lignes soient minimes ici et ne soient pas déroutantes. Je suis là où ils s'alignent sur cette ligne centrale et j'essaie de déterminer combien plus loin je dois descendre pour cette courbe du bol. [ inaudible] et puis le bol se courbe. Sans avoir à savoir comment les dessiner ou connaître la perspective, nous sommes en mesure d'obtenir l'échelle de ceux-ci assez facilement, ce qui est vraiment agréable. C' est pourquoi j'aime beaucoup cette méthode. Maintenant, les barres transversales, c'est là qu'est une de ces cerises et donc je vais juste mettre ça là-dedans. Je n'ai pas besoin de tout dessiner. C' est tout ce que j'ai besoin d'aide. En descendant le bar central, on a ces cerises au premier plan, et j'ai ce pli dans le tissu qui cache ces cerises. C' est assez proéminent. Je vais mettre ça là-dedans. On dirait que ça monte comme ça. Maintenant, nous pouvons commencer à utiliser tous les points de référence que nous avons au-delà des barres centrales pour nous aider à placer les choses. Par exemple, cette cerise ici, le côté droit passe devant le côté gauche de ce bol, voici le bol. Ça veut dire que le côté droit de cette cerise va atterrir quelque part par ici. C' est ainsi que vous pouvez voir que le dessin est vraiment juste voir et de prêter attention aux informations que vous avez déjà. Cette cerise, je sais que cette courbe ne va pas aller trop loin dans celui-ci et juste de petits points clés que nous pouvons utiliser. L' autre chose est que j'ai ce bord de ce pli dans le tissu et je veux juste obtenir où ça va être. Nous avons ces cerises au premier plan. Si vous remarquez mes esquisses plus longues que ma zone de travail, le rapport d'aspect n'est pas le même. Mais c'est bon parce que j'ai tout cet espace vide ici, qui veut dire que je ne vais pas perdre de détails importants. Même si cet espace est étendu plus loin que le mien, cela ne changera pas l'intégrité de la disposition. Je sais que je vais avoir des cerises ici au premier plan et donc je vais travailler à les ajouter. C' est un bon exemple, j'ai été trop rapide. Voyez comment les fonds de ceux-ci sont presque alignés. Vous pouvez voir sur la photo de référence que celui-ci ici est en fait un peu en haut et c'est une erreur dans mon ce que j'ai vu, je faisais confiance à ce que je sais de l'image au lieu de la regarder. Mais encore une fois cette photo de référence est très pardonnante et donc même des erreurs comme ça sont correctes. Je veux aussi saisir qu'il y a ces deux petites mignonnes en arrière-plan et comme elles sont en arrière-plan, regardez la taille de cette cerise par rapport à celle-ci, voyez comment elle est un peu plus petite. Je veux juste faire attention à cela et ne pas le rendre aussi grand que les autres. Alors il a un ami ici. Je pense que la dernière chose que je veux, c'est qu'il y a un peu plein, voyez-vous le bord de cette serviette en tissu ou de cette nappe ? Alors je veux juste avoir ma ligne d'horizon. Je veux avoir le bord de tout ça. C' est un peu difficile à voir car la profondeur de mise au point sur la photo est floue. C' est très peu profond et donc on peut deviner, mais je ne veux pas qu'il soit parfaitement droit. J' aime le mouvement que ce tissu fournit et donc je vais juste essayer de suivre ces formes que je vois là-bas, dont il semble qu'il trempe vers le bas puis retourne par ici. Ce n'était pas si dur que vous pouvez voir que le croquis n'a pas à être difficile ou intimidant et vous n'avez même pas à « Savoir dessiner » pour le faire. Vous pouvez simplement utiliser les informations que nous obtenons juste à partir des barres transversales centrales et avoir la même chose sur la nôtre pour commencer à transférer les informations sur votre page. 11. T3 : ajout des valeurs sombres: On a fini notre croquis. Le croquis n'a pas complètement séché. Je vois qu'il y a des parties plus épaisses et aqueuses de peinture, mais ça ne va pas m'empêcher pour cette prochaine étape. Ce que nous allons faire ensuite, c'est que nous allons commencer à regarder les valeurs de cette photo et commencer à essayer d'ajouter certaines des zones les plus sombres. La première étape que nous avons faite quand nous avons peint toute cette chose en brun a été d'essayer de tonifier toute la pièce parce qu'elle ne sera pas aussi vibrante que la page. On est arrivé à un juste milieu. C' est encore assez léger, donc je n'appellerais même pas ça un ton médian. C' est un ton moyen léger. Mais au moins nous l'avons un peu atténué, mais maintenant nous voulons vraiment commencer à faire ressortir ces valeurs. Je vais utiliser mon umber brûlé et ma grande brosse ronde. Je pense que pour l'étape principale, j'ai fait ma taille 16 brosse ronde, j'utilise mon légèrement plus petit mais encore grand, ma taille ronde 10 en ce moment. Je vais juste continuer avec l'umber brûlé et commencer à ajouter ces valeurs plus sombres que je vois. Comme je le vois ici. Je ne m'inquiète pas de peindre sur cette cerise parce que si nous regardons juste les valeurs, vous pouvez voir que cette cerise se fond en fait avec cette ombre là-bas. En fait, ça va faire partie de ces valeurs. Il y a de l'ombre et se plie ici, certainement autour de la tasse. Je sais que je n'ai pas aimé entendre ça quand je commençais, mais essayez de faire confiance à vos instincts, essayez de faire confiance à ce que vos yeux voient ici, au lieu de ce que vous pensez savoir sur la scène. Je suis dans cette zone sombre ici, et déjà en ajoutant des valeurs plus sombres, nous sommes capables de commencer à ajouter une dimension. Ici, voir comment cette valeur est plus sombre que le tissu juste à côté, va prendre cette information et la répliquer ici. C' est un changement de valeur assez perceptible sur les bols ici. C' est un bon début, mais ce que je dois ajouter, ce sont ces cerises, les cerises sont en fait le sujet le plus sombre sur le papier. Je vais juste ajouter. Maintenant, nous avons un pas plus sombre de notre ton médian, mais je veux faire un pas encore plus sombre que ça maintenant pour vraiment faire éclater ces cerises. Je peux simplement utiliser une odeur brûlée plus épaisse moins d'eau vers le bas pour le rendre plus sombre seul, qui est normalement ce que je fais indépendamment du schéma de couleurs, soit j'utilise l'ombre brûlée ou l'ombre brûlée et l'ultramarine pour bloquer dans les zones sombres. Mais dans ce cas, puisque ces cerises, nous savons qu'elles ont une teinte rouge pour eux, je vais en fait utiliser une partie de ce magenta que j'ai déjà pressé sur ma palette pour faire un rouge foncé épais pour commencer à bloquer dans ces formes de cerise plus foncées. Je vais être un peu plus prudent avec cela parce que cette valeur plus sombre est vraiment dédiée dans l'image aux cerises et donc je ne veux pas trop la mélanger avec les ombres en ce moment. Je veux voir cette séparation entre eux. Vous pouvez commencer à voir comment nous dissimulons déjà ce dessin rose sur le croquis. Même si c'est comme une grosse cerise massive, j'essaie toujours de découper où je peux en voir des formes claires que ce ne soit pas seulement un gros tas de rouge foncé et brun. Je vais vraiment l'arroser, revenir en arrière et ajouter certains de ces bruns qui nous aident à voir la forme. Une partie de mon magenta s'est mélangée à l'ombre brûlée et c'est bon. Quand vous cuisinez, si vous cuisinez quelque chose dans une poêle, il y a tous ces petits morceaux noirs et bruns au fond de la casserole et ils ont l'air juste gâté. Mais c'est en fait la magie de ce que vous cuisinez, c'est là que toute la saveur est et donc vous voulez tous ces morceaux noirs et bruns. C' est ce que je pense comme la sous-peinture, le croquis et ces petites marques tonales qui faisaient, ce sont tous des petits morceaux de saveur qui vont briller à la fin au fur et à mesure que nous construisons. Vous vous sentez plutôt bien à propos de ces valeurs, je vais ajouter une touche de bleu pour assombrir tout ça un peu. Je veux juste que ces cerises soient beaucoup plus sombres. Avec cela, je pense que nous sommes prêts à passer à l'étape suivante. Je vais laisser ça sécher tout le chemin. Encore une fois, il faut que celui-ci soit complètement sec avant de passer à l'étape suivante. 12. T4 : ajout des couleurs claires: Maintenant que nous avons des tons moyens, nous avons des tons plus foncés, nous voulons y ajouter où se trouvent les plus brillants. Pour cette image où les lumières les plus brillantes sont, sorte que les choses les plus proches du blanc sont ces réflexions vraiment nettes sur les cerises, ce sont les plus brillants. Nous avons aussi une petite réflexion blanche très brillante sur les bols juste ici, et puis il y a une valeur plus légère autour du bord des bols, puis la lumière attrape également certaines de ces parties du tissu. Je vais juste prendre mon blanc de titane pur et je vais le garder assez épais pour ça. Je vais juste passer à travers et tamponner, mettre ces valeurs plus blanches là-dedans. Vous pouvez déjà voir que c'est à quel point les valeurs sont puissantes. Ils ont l'air, au moins pour moi, ça a l'air ennuyeux, comme quoi que ce soit, ce genre de chose. Mais alors, quand vous commencez vraiment à pratiquer et à l'utiliser, vous voyez comme, oh, c' est ce qui rend une image complète, c'est que les valeurs se sentent correctes. C' est vraiment excitant d'entrer ici et d'ajouter ces faits saillants. Comme vous pouvez le voir, l'image commence à cliquer en place, même si nous n'avons pas encore vraiment travaillé sur la couleur. Vous pouvez voir que je ne suis vraiment pas trop préoccupé par la précision ou les beaux coups de pinceau, je veux juste obtenir l'information ici pour que je puisse construire dessus. Il y a juste la brillance minceur qui descend le bord de ce pli qui le sépare de l'arrière-plan. Vous pouvez voir que je suis allé beaucoup, j'ai exagéré ça beaucoup, mais nous allons pouvoir le couvrir, mais je veux au moins m'assurer que j'ai ça là-dedans. Ensuite, il y a un peu de points forts qui vont ici et ceux-ci ne le sont pas, comme vous pouvez le voir, comme cette valeur n'est pas aussi brillante que le blanc le plus brillant mais elle est plus légère. Pour moi, j'essaie juste de me laisser des notes pour que je puisse savoir ce que je construis dans ce tableau. Je crois que c'est tout. Je vais laisser sécher ces faits saillants, et ensuite on passera à la partie suivante. 13. T5 : blocs de couleurs Pt 1: Tout ce que nous avons fait jusqu'à maintenant est ce que je considère comme la sous-peinture. Une partie de cela va briller à travers, mais tout ce que nous venons de faire était de mettre en place une très belle structure pour que nous puissions peindre sur le dessus de pour continuer à rendre notre peinture. Cette étape suivante est que nous allons commencer à ajouter des blocs de couleur. Je vais aller de l'avant et revenir à ma référence de couleur complète ici. Avec la première étape de la couleur est, Je pense à cela plus comme la correction. Nous n'avons pas besoin de le clouer, mais nous voulons au moins le corriger à partir de ce qu'il est ici. Certaines des choses que je vois sont le contexte ici. Je veux que ce soit un peu plus cool qu' ici pour imiter ce que je vois ici avec ce fond plus frais. Je vais vouloir ajouter un ton plus uniforme brun et bronzé pour commencer à remplir cela. Ce ne sera pas aussi léger qu'ici. Les cerises, je veux commencer à les affiner un peu. Je veux ajouter leurs tiges dans et puis, bien sûr, le jaune sur le bol. Commençons par cette zone de fond, que nous avons pu mélanger un peu plus tôt avec notre couteau à palette. Je vais avoir besoin d'un peu plus d'encombrement ici. C' est probablement trop. Comme avant, je vais utiliser mon couteau à palette, juste parce que je ne veux pas avoir un tas de peinture dans les poils pendant que je travaille. Je sais que je vais pouvoir utiliser la peinture rapidement pour l'obtenir sur la page donc ce sera correct si elle est étalée à partir d'être mélangée. Frottez une partie de cette ombre brûlée et du blanc. C' est le mélange que nous avons fait avant pour l'arrière-plan. J' ai cette couleur moka crémeuse. Mais pour le fond, nous en avons besoin pour se rafraîchir un peu. Juste un peu d'ultramarine. Je peux aussi voir que je vais avoir besoin de plus de blanc parce que ma couleur que j'ai mélangée est trop sombre. Transcription du reste de ce blanc là-dedans. Je vais aussi prendre juste ce bleu. Je pense qu'on se rapproche du point de vue de la température, mais il fait beaucoup trop sombre. Vous pouvez voir qu'il est plus sombre que nos sous-tons. Les couteaux à palette fonctionnent vraiment mieux avec de la peinture acrylique complète ou des huiles. Mais c'est agréable et j'aime que vous pouvez voir la couleur se mélanger. Ça a été vraiment bon pour ma propre éducation. Beaucoup plus blanc. Ça a l'air vraiment sympa. Tenez ça. Encore peu chaud, tu vois ça ? Vous n'avez jamais à mélanger les couleurs exactement, si vous voulez être un peintre vraiment traditionnel et réaliste, alors c'est génial. Mais pour cela, nous essayons de nous rapprocher parce que nous essayons comprendre les couleurs qui sont mélangées et comment elles fonctionnent ici. C' est plus proche. C'est encore un peu plus chaud que la photo. Mais j'aime vraiment cette couleur. C'est l'autre chose. Nous essayons de nous rapprocher, mais aussi utiliser votre propre cerveau et votre propre goût pour décider si vous l'aimez. Ce n'est pas bon si vous mélangez une couleur exactement comme elle le montre dans la peinture, mais vous êtes dans la référence, mais vous détestez cette couleur. Alors, quel est le but ? On va aussi obtenir un peu plus de blanc ici. Super. Magnifique. Donc, toujours en utilisant ma taille 10 pinceau seulement parce que je suis en train de remplir cette grande zone de fond. À ce stade, maintenant que nous allons de l'avant de la sous-peinture, je commencerais à tailler jusqu'à une taille 6 ronde ou même utiliser peut-être mon filbert ou mon pinceau plat. Mais cette zone va être assez facile à remplir avec cette grande taille 10. Donc je vais continuer à l'utiliser. Ma peinture est vraiment épaisse maintenant, c'est de la peinture parce que nous utilisions le pinceau de la palette. Je vais aller de l'avant et commencer à introduire de l'eau. Commencez juste à corriger ici. Je veux toujours ce mouvement que j'ai commencé à présenter. Je suis aussi d'accord avec certains de ces tons qui brillent à travers. Si nous regardons l'image, vous pouvez voir que l'arrière-plan est plus clair dans cette zone médiane, puis devient un peu plus sombre sur les côtés. Si je veux s'estomper, je vais mettre de l'eau sur mon pinceau, et tant qu'il est encore mouillé, montez ici et déplacez-le. Maintenant, il se marie plus bien en allant de ce gris sombre, plus sombre et plus frais au sommet plus chaud au milieu. Chaque couche que nous faisons maintenant, nous allons commencer à être un peu plus prudent avec nos pinceaux, essayant d'affiner les formes là où nous le pouvons. Je n'ai pas besoin de définir complètement ces cerises en ce moment, mais pendant que je suis ici, je peux au moins faire attention et commencer ce processus. Comme vous pouvez le voir, nous peignons déjà beaucoup de rose que nous avons apporté avec notre croquis. C' est un bon exemple de la façon dont l'esprit de celui-ci brillera encore, mais pour la plupart, il sera couvert. Si vous voulez qu'il soit complètement couvert comme je le sens, vous pouvez aller peindre tous les endroits où il sort. Si vous utilisez un carnet de croquis comme moi et que vous voulez peindre sous le clip, retirez-le une seconde. Peignez cette zone et remettez-la. Étant donné que c'est une grande zone d'espace qui équilibre notre peinture, je laisse vraiment la texture avoir un moment ici parce que ça ne va pas se passer beaucoup d'autres choses ici. Empreinte de pouce là-bas. C'est bon. Ce que j'aime vraiment dans ce processus et travailler avec ces peintures, c'est que neuf sur 10 est vraiment correct, et vous pouvez corriger toute erreur que vous pensez avoir faite. Il suffit de la superposer et il y a beaucoup d'accidents heureux en cours de route. Je vais quitter l'arrière-plan pour l'instant et je vais commencer pendant que mon umber brûlé est toujours là sur ma palette, je vais commencer à ajouter ça dans le tissu. Cette couleur, juste l'ombre brûlée seule, ce n'est pas assez crémeux. Ne représente pas vraiment ce qui est montré ici, donc ajouté un peu de blanc et cela aidera pour les tons plus clairs. Je vais aller dans ces zones plus légères, à ce stade, je vais cacher ces tiges de cerisier parce qu'on peut les repeindre. Comme il s'agit de gouache, la couleur plus claire pourrait couvrir certaines de ces zones plus sombres. Là où j'ai ces valeurs ici, je vais laisser ces valeurs plus sombres rester. Je ne vais pas peindre dessus. Voyez comment c'est plus léger ici. Je vais obtenir un mélange beaucoup plus aqueux et juste aller légèrement ici parce que je ne veux pas couvrir tout ça, si c'est là que se trouve le point culminant. Je vais juste le gonfler avec de l'eau. Une couleur plus crémeuse montre ici aussi le long de ce bord où je mets ce point culminant. Vous pouvez voir comment je peux utiliser les calques avant pour me guider, comme si c'était utile. Quand je regarde ici et que je vois qu'il y a des tons plus clairs, et puis je regarde ma peinture et vois que j'y mets une bande de blanc, je suis genre, ok, je suis orienté, je suis au bon endroit dans ma peinture. C' est presque comme se laisser des miettes de pain à suivre en chemin. J' ai juste mélangé l'ombre brûlée avec un peu de ce gris résiduel que nous avions du haut. Il est agréable d'utiliser des couleurs qui sont déjà sur votre palais pour aider à tout rassembler. Maintenant, j'ai une couleur vraiment légère, plus fraîche, crémeuse qui va toujours avec le brun, mais ça va m'aider à déterminer certaines de ces taches plus légères. Nous arrivons à utiliser une peinture qui était déjà sur nos pastilles, donc une chose mutuellement bénéfique ici. Je vais voir ces taches plus légères dans cette couleur plus fraîche. Vous êtes les bienvenus pour essayer d'obtenir chaque pli qui se montre ici dans cette serviette. Mais pour moi, je veux juste obtenir le général, je veux une partie de la géométrie de celui-ci soit correcte, certaines des perspectives. Juste en créant ce petit swoosh ici, je suis capable de communiquer ce tissu un peu, et il fait beaucoup plus sombre ici. Je reviendrai ici avec la couleur plus foncée. Je veux laisser juste cette bande de blanc. On va aller et venir avec des lumières et des sombres. On a des lumières ici. Cette zone va être plus sombre et nous avons des zones plus sombres ici, mais je vais les laisser sécher. Je vais aller de l'avant et commencer à travailler sur le bol jaune. Pour mélanger le jaune, on sait évidemment qu'il va y avoir un peu de jaune dedans, donc on va commencer par là. En fait, avant que cette couleur plus claire ne sèche, je veux couvrir cette tige parce que nous allons la peindre à nouveau, mais je ne veux pas qu'elle soit aussi épaisse et je ne veux pas que cette grande ligne rose soit trop distrayant. Nous allons commencer à couper près de cette ligne rose aussi. Vous pouvez voir à quel point ce croquis est couvert. Ce n'est vraiment pas trop difficile à faire. Maintenant, j'en ai fini avec ce plus gros pinceau. J' ai besoin d'être plus petit. 14. T5 : blocs de couleur Pt 2: J' ai ma vraie taille ronde 6 ici. Commençons à nouveau avec le couteau à palette. C' est le jaune que nous commençons et la première chose que je remarque est la température. Ce jaune est beaucoup trop cool pour le jaune et la référence. Je vais aller de l'avant et réchauffer ça avec mon magenta. Nous allons commencer par un petit plongeon, sorte que définitivement réchauffé. Nous nous rapprochons, mais maintenant c'est trop vibrant, c'est une orange très vibrante. C' est là que nous pouvons utiliser la magie de notre roue de couleur. Si ma couleur est trop orange, alors je peux ajouter son compliment pour repousser cette orange. Si je croise, je vois que le compliment est bleu. Je vais juste ajouter une petite touche de bleu et voir ce que ça fait pour nous. J' ai peut-être besoin d'un peu plus de peinture que ce que je mélange ici. Vous pouvez voir que nous avons encore de l'orange, mais il a juste un peu baissé, ce n'est pas aussi vibrant. S' il y a un truc que je peux vous donner, c'est comme quand vous pouvez voir qu'une couleur est mauvaise, si vous pouvez identifier cette couleur, alors vous pouvez ajouter son compliment pour aider à la tonifier. se rapprochant, c'est comme si ça avait besoin d'une autre touche de magenta. La chose cool avec ceux-ci est que si vous vous trompez, si vous pensez qu'il a besoin de plus de magenta et que vous êtes comme, oh, ce n'est pas ce qu'il avait besoin, vous pouvez en ajouter plus d'utilisation et continuer à le corriger. Vous ne ferez pas de boue si vous continuez à la corriger. Je me demande si on a besoin d'un peu de blanc pour l'éclaircir. Tu vois comment je préfère presser la peinture plusieurs fois plutôt que de presser un tas au début et ensuite tout sèche ? Jetons un coup d'oeil à où nous en sommes à cette couleur. Le blanc de titane est vraiment fort, ce qui peut avoir été trop. On se rapproche cependant, ça a l'air bien. Maintenant, je connais au moins la composition de cette couleur. Il est majoritairement jaune, mais il y a à la fois magenta et bleu dedans pour aider à le tonifier et il a un peu de blanc dedans aussi. Je vais aller de l'avant et mélanger le reste de ce jaune et je vais aller de l'avant et mélanger pour de vrai la couleur que je vais utiliser. Encore une fois, ça pourrait être trop vibrant, un peu plus rouge. Ce magenta est si puissant que j'attrape toujours plus de magenta que ce dont j'ai besoin. Encore une fois, si trop de rouge apparaît ici, trop de rouge, d'orange. Nous allons ici, le compliment est vert, que nous savons faire vert, qui est bleu et jaune, donc ça veut dire que j'aurai besoin d'un peu plus bleu et que je dois mettre plus de jaune en elle. C' est vraiment comme ça que ce processus fonctionne, c'est juste avant et en arrière et en utilisant la théorie des couleurs pour comprendre ce que vous devez faire pour mélanger la bonne couleur. Je pense qu'avec un peu de jaune, nous serons assez proches même si ce n'est pas exact. J' ai un jaune chaud et plein qui est un peu tonifié, pas trop vibrant et ça va être génial. Cette couleur plus sombre que je reçois ici que je mélange va en fait être vraiment sympa pour ces tons plus foncés. Je vais le laisser, je vais arrêter d'utiliser mon couteau à palette, et aller de l'avant et essuyez-le et je vais commencer à utiliser ma brosse. Je vais porter un peu de ça ici et juste ajouter blanc pour que je puisse avoir ces deux mélanges. Je vais aller de l'avant et commencer à peindre et je vais peindre juste sur cette valeur plus sombre et vous pouvez voir ce que je veux dire par structure. Voyez comment cette valeur plus sombre brille et nous aide à maintenir la forme même si nous l'avons peint avec ce jaune ? Très cool. Maintenant, je vais dans ma couleur plus foncée que nous avons mélangée, je vais commencer à ajouter ça. Parce que je peux voir qu'il devient plus sombre quand on va de côté par ici. Vous n'avez pas besoin de commencer à vous inquiéter des valeurs tout de suite, nous aurions pu juste peindre de toute cette couleur claire puis entrer dans. Mais si vous remarquez cela pendant que vous peignez et que vous êtes capable de mettre en valeur les valeurs dont vous avez besoin, alors c'est bien. J' ai passé en revue mon point culminant où se trouve ce deuxième bol. Je vais juste utiliser le bord de mon pinceau pour gratter ça pour ne pas oublier qu'il est là. Je pense que tout ça se rapproche trop, je sais que je dois encore arranger ici. Je vais ajouter un peu de blanc à mon mélange gris ici et je vais revenir sur cela parce que je pense que ça va vraiment aider la valeur si cela apparaît un peu plus léger. Encore une fois, je vais faire attention tour de mes cerises et savoir que chaque fois que je vais ici, je peux les affiner un peu plus. J' ai un peu trop de jaune coincé dans mon pinceau. Je ne l'ai pas essuyé assez bien, donc je vois un petit changement de couleur ici que je ne veux pas. Je vais juste ajouter un peu plus de bleu, ce blanc. Ce fond plus léger contre l'endroit où se trouvent ces cerises sombres et foncées va juste les aider à éclater plus, ce que nous voulons. Nous n'avons pas beaucoup de choses à faire dans cette nature morte, les cerises. Ces cerises ludiques sont les stars du spectacle et donc nous voulons vraiment nous assurer qu'elles peuvent être la star. Une façon de le faire est de jouer avec le contraste pour s'assurer qu'ils sont vraiment pointus. J' essayais d'éviter les flaques d'eau et les coups qui semblent trop droites ou trop uniformes. Vous pouvez voir chaque étape briquet que je vais, ça rend ces cerises plus pop. Mon instinct me dit que je suis dangereusement proche d'un territoire surchargé, donc c'est une énorme amélioration par rapport à l'avant. Nous avons, au moins, un bon changement de valeur qui s'est produit, donc ça va aider. Mais je dois passer à d'autres parties pour développer la peinture dans son ensemble. Laisse-moi aller de l'avant et arranger cette zone ici. Nous utilisons de l'ombre brûlé, il donne un peu de rouge. En fait, il fait assez sombre ici. J' essaie de vraiment mélanger les choses sans noir si je peux, mais j'ai juste l'impression que je dois être capable de frapper un peu ces valeurs. J' ai besoin de rendre mon ombre brûlée un peu sombre pour certaines de ces zones et le noir est très puissant. Je n'ai pas besoin de beaucoup, j'ai probablement déjà trop ajouté. Je veux juste frapper certaines de ces zones sombres avec ce mélange plus sombre, je veux faire attention à ne pas ruiner ce point culminant que j'ai créé. C' est à ce moment que les aller-retours dont j'ai parlé commencent. Nous avons travaillé sur les valeurs plus tôt, mais elles n'ont pas été faites. Nous devons aller et venir jusqu'à ce qu'ils se sentent corrects avec la couleur que j'ai ajoutée. Rappelez-vous quand j'ai parlé de morceaux de saveur, ce petit lavage que j'ai fait plus tôt qui avait partie de ce magenta dedans est juste montrer à travers un peu et c'est vraiment agréable, juste ajoute de l'intérêt. Je ne veux pas trop m'inquiéter, on peut affiner l'arrière-plan au fur et à mesure. Je veux vraiment ajouter les premiers morceaux de couleur. Allons-y et travaillons sur les cerises maintenant. La chose principale que je veux faire est juste d'ajouter un peu plus de rouge aux cerises. Faire éclater leur couleur un peu plus. Je vais prendre du magenta et le mélanger avec cette umber brûlée à nouveau. Faisons un rouge cerise très sombre. Tu peux même toucher mon noir depuis qu'il est là. Maintenant, j'ai un mélange de couleurs foncées très puissant et donc je veux être prudent. Cette couche suivante va vraiment les aider à retrouver cette histoire de valeur en place parce que les cerises sont censées être la chose la plus sombre et maintenant leur valeur est boueuse ici avec certains des bruns, donc je veux vraiment aller dans et corrigez leur couleur. Je veux préserver les faits saillants, parce que les réflexions sur les cerises étaient vraiment endroit le plus brillant de ma référence, donc je veux m'en tenir à cela. Je ne veux pas couvrir tout ça parce que nous voulons que cette variété de rouges se manifeste. J' utilise juste cette couleur plus foncée pour bloquer à coup sûr où sont les cerises plus sombres et ensuite nous laisserons passer ce rouge de différentes manières. On peut aussi séparer la masse ici un peu. Nous avons notre première couche de couleur. Nous avons fini par construire des couches comme nous le faisions et corriger, mais au moins à partir de la dernière étape, nous connaissons maintenant comme les couleurs principales avec lesquelles nous travaillons. Nous savons que le bol est jaune, nous savons que ce tissu est neutre, nous savons que les cerises sont rouge foncé, nous savons que le fond est un peu plus frais. Je vais laisser sécher ça et ensuite on va continuer à le faire. 15. T6 : peaufinage: Maintenant, la majorité de ce qui reste est juste aller et venir pour corriger ce qui nous semble mal ou ce qui pourrait être encore amélioré. Ensuite, la dernière étape sera d'ajouter des détails très fins. La meilleure façon d'aborder cela, parce qu'à ce stade la peinture de tout le monde va être un peu différente et va avoir besoin de choses différentes et donc ce que je me suis demandé est, quel est le plus mal à ce sujet ? Quand je regarde de ça à ça, quelle est la chose la plus floue ? Pour moi, ce qui se distingue le plus honnêtement est la légèreté de ce tissu ici et comment cette légèreté est imitée ici et ici. Il a l'air juste un peu plat ici. Je vais voir ce que je peux faire pour réparer ça et le donner vie. Je vais avoir un peu de ce gris que nous avons utilisé pour l'arrière-plan pour mélanger avec un peu d'ombre. Je devrais peut-être commencer à presser un peu plus de peinture. Quand je le mélange avec ce gris, on dirait qu'il a besoin de se rafraîchir un peu, honnêtement. Je vais affiner. Voyez ces zones sombres où cette ombre, je vais l'affiner un peu ici. On dirait un peu gris et un peu trouble ici. Je me demande si je n'ai besoin que d'une touche de jaune. Trop jaune. Que dois-je faire ? Il est trop jaune, j'ai besoin de violet, qui est un peu de bleu et un peu de magenta. Nous revenons à cette couleur moka, mais elle doit être plus légère. Ce qui veut dire qu'on l'a peut-être refroidi un peu maintenant, mais c'est déjà mieux. Je veux juste essayer de définir ça un peu mieux. Déjà ça a beaucoup aidé. A côté de l'autre, voyez-vous à quel point le premier était gris et boueux que j'ai mis vers le bas et comment celui-ci est beaucoup plus agréable ? Je vais aller ici et essayer d'attraper cette lumière et ensuite ça arrive aussi ici. Je vais tracer ça. Je vais mettre en évidence avec cette couleur plus claire aussi parce que c'est plus précis pour l'image que ce blanc vif. Will ombre ici que j'ai manqué. Je vais laisser ça pour l'instant. Ensuite, ce que je vois, c'est le bol. Maintenant, le bol semble trop vibrant et plat. Je veux ce ton plus sombre et je vais venir ici imiter cette ombre. Même juste cela l'a tellement aidé juste de ne pas se sentir comme cette grande forme plate qui se distinguait. Maintenant, ce qui me distingue le plus, ce sont les tiges. Si je regarde de très près, les tiges sont en fait comme un vert jaune. Pendant que j'ai ce jaune mélangé pour le bol, je vais le rendre plus opaque. C' est très aqueux, donc je vais le rendre plus opaque avec juste une touche de blanc et je pense que je peux. J' ai une astuce assez fine sur ma taille 6 ronde. Mais si vous êtes nerveux à ce sujet, vous pouvez utiliser une brosse plus petite. Je vais juste ajouter ces tiges en très bien. Maintenant, la partie ombre de la tasse s'est couverte un peu. Je vais juste utiliser le noir et totalement décimé cette couleur jaune. Le noir est un pigment très puissant. C' est pourquoi, et surtout quand vous commencez comme c'est agréable de pouvoir mélanger des choses sans noir, mais parfois vous en avez besoin. Je vais laisser sécher ces tiges parce qu'on va devoir les revoir pour les rendre plus solides de toute façon. Mais si je le fais maintenant, il y a une chance de les perturber et de les rendre plus épais et je veux qu'ils restent gentils et bien comme ça. Je vais prendre un peu de mon jaune, peu de mon bleu, ce qui, bien sûr, va faire un vert, alors nous pouvons prendre une partie de ce vert en ajoutant le magenta. Ce que je cherche, c'est que je vais mélanger des tons plus foncés qui m'aident à obtenir certaines de ces ombres ici. Encore un peu trop vert, ramène du magenta là-dedans. Il y a une très, très, très fine petite ombre qui sépare ces bols et donc j'ai remarqué ça. Donc c'est un petit détail que je veux entrer plus tard. Je veux m'en souvenir. Ce petit peu de couleur aide les tiges semblent attraper la lumière. Cette tige est en fait beaucoup et cela pourrait même pas être une tige, qui pourrait en fait être juste la chose dans la serviette. C' est beaucoup plus sombre, donc je vais probablement aller sur celui-ci avec une couleur plus foncée. En fait, j'ai une tige que je n'ai pas peinte ici. sort, c'est assez mignon. C' est vraiment satisfaisant d'avoir ces petites tiges minces et fragiles à côté de ces gros traits audacieux. Comme je l'ai dit, maintenant c'est juste un jeu de va-et-vient. Qu'est-ce que mon œil voit ? Qu' est-ce qui n'est pas incorrect ici ? Je crois que j'ai boue ici. Je ne sais pas combien je pourrai sauver ça. Voyons si je peux refaire cette couleur moka. Parce que ça ressemble à un avion plat là-bas et qu'il fait ces cerises. Voyez comment en cela la valeur de ceci est beaucoup plus léger que les cerises. Ici, c'est presque la même chose que les cerises. C' était une erreur. Pour cet exercice, nous essayons de voir, c'est ce que nous faisons. Nous essayons de voir correctement. Même si nous n'aimons pas la dernière pièce, ce qui est plutôt cool. Je suis cool avec ça. Mais même si nous n'aimons pas ça, c'est une façon précieuse d'aider à former vos yeux à savoir ce qu'ils regardent. Cela va beaucoup aider, je pense. Je vais y aller autour de cette cerise puisque c'est la chose qui m'a écarté que la valeur ici était incorrecte. Je pense que cela va beaucoup aider. 16. T7 : détails finaux: Maintenant, la dernière chose que je veux faire pour cette étude traditionnelle, je me sens plutôt bien à ce sujet, mais je veux juste faire quelques détails. Je vais sortir ma petite brosse ronde. C' est une taille 2. Je vais m'entendre avec cette couleur rouge cerise foncée que j'ai faite. Je vais juste regarder pour voir comme s'il y avait cette gamme ici qui aide à séparer la tasse. C' était beaucoup plus grand et plus sombre que celui qui est sur la photo de référence, mais ça fait le travail. Je vais aussi aller de l'avant et ajouter un peu de valeur à ces tiges de cerise. Je vais peindre presque tout le chemin sur celui-ci, parce que celui-ci est dans l'obscurité, cette ombre. Aussi, peut-être avoir ces cerises, regarde à quel point mes cerises sont plus élevées dans mon dessin. Je ne l'ai même pas remarqué. Celui-ci devrait être aligné sur le dessus avec ce bol, et comme même pas ma deuxième cerise est là. Je pense que c'est peut-être une partie du problème que je vois aussi, c' est que ce n'est pas nécessairement une question de valeur, c'est que ces cerises pop la composition. Ça serait plus sympa s'ils étaient ici. Mais c'est bon. Alors que nous retomberons dans l'ombre ici, prenez une petite ligne. Ensuite, nous aussi, une chose qui pourrait aider, voir combien il y a de séparation ici. On ramène cette petite ombre derrière le bol, et je n'ai pas ça ici. Je me demande si aller et exagérer cela le long du bol aidera. Vous êtes invités à continuer d'aller et venir sur votre peinture jusqu'à ce que vous sentiez qu'elle est complète. Je me sens bien avec celle-là. La seule chose est que je pourrais juste ajouter des valeurs plus sombres à ces tiges de cerises, et nous sommes bons. Après que j'ai arrêté d'enregistrer et que j'ai eu un peu d'espace pour ma peinture, je suis retourné en arrière et je l'ai modifié un peu. Vous pouvez voir que j'ai ajouté dans certaines valeurs différentes en arrière-plan avec les cerises après avoir éclairci cette zone qui me dérangeait. Cela a aidé à créer plus de dimension là-bas au lieu de simplement être cette bande noire en arrière-plan. J' ai également ajouté des tons plus clairs à l'avant gauche du tissu. Vous pouvez voir qu'il y a des tons gris là-bas. J' ai aussi ajouté quelques détails aux tiges de cerise et assombri un peu l'ombre sur le bol. 17. Présentation d'une étude contemporaine: Dans cette leçon, nous allons passer en revue le processus de l'étude contemporaine. Dans l'étude contemporaine, notre objectif est de prendre nos morceaux préférés et les plus importants de l'étude traditionnelle et de les transformer en une interprétation expressive et fraîche de notre photo de référence. Nous utiliserons les mêmes éléments et même le même vocabulaire que nous l'avons fait dans l'étude traditionnelle, mais le processus va être un peu différent et le résultat final sera très différent, moins dépendant d'un représentation précise de notre photo de référence, et plus une occasion d'expression de soi. Ce processus entraînera la construction de palettes de couleurs, en utilisant des traits gestuels, et en simplifiant notre référence. Le processus va se passer comme ça, nous allons commencer par esquisser sur la page blanche, puis nous allons couvrir la page en blocs de couleur de coloriage les différentes parties de notre page comme un livre de coloriage. Après ces derniers secs, nous corrigerons tous les blocs qui nécessitent des ajustements de couleur, nous utiliserons ensuite des traits expressifs et gestuels pour ajouter des valeurs sombres, suivis d'ajouter des surlignements, nous terminerons notre pièce en ajoutant détails fins et appliquer des imprimés ou des motifs amusants. Dans la prochaine leçon, nous commencerons notre étude contemporaine. 18. C1 : esquisser le contour: La première étape dans le contemporain est de faire le croquis. Contrairement à la traditionnelle quand nous avons fait un sol en premier, nous allons juste aller dans le croquis, et juste pour garder les choses cohérentes, je vais utiliser ma peinture magenta et un pinceau fin à nouveau. C' est ma taille six ronde, et je veux prendre un crayon pour faire mes marques centrales. C' est le même processus qu'hier. Je vais utiliser ces marques le long des guides pour m'aider à comprendre où je dois placer mon croquis. Hier, j'ai mis les cerises en arrière-plan trop loin, et donc je vais vraiment essayer d'obtenir ça plus précis aujourd'hui. Je peux tenir ma brosse pour voir où le fond touche le bol. Il frappe comme presque juste là où le bol croise cette ligne centrale. Encore une fois, je n'ai pas besoin d'avoir toutes les cerises, mais ça m'aide si je les attire au moins pour que je ne fasse pas seulement un gros blob. Je crois que j'ai mes principaux éléments là-dedans. Je ne vais pas m'inquiéter autant. Quand nous avons esquissé hier, nous avons esquissé plus des plis du tissu, mais le style contemporain va être un peu aplati et simplifié. Je voulais attraper celui-ci parce qu'il interagit avec ces cerises, mais à part ça, je ne vais pas m'inquiéter pour ça. Notre croquis est terminé. 19. C2 : première couche de peinture: Pour la prochaine partie du processus, nous allons faire de la couleur d'un océan à l'autre. J' aime à le penser comme similaire à notre sous-tableau que nous avons fait dans l'étape un de la traditionnelle. Nous voulons juste couvrir la page et couvrir tout le blanc et nous voulons la remplacer par la couleur. Nous voulons commencer à réfléchir à la façon dont nous voulons divvy les couleurs parmi cette peinture. Pour moi, par exemple, je sais que je veux que toutes les cerises soient de la même couleur. Je sais que le bol sera une couleur, le tissu ici sera une couleur séparée, et l'arrière-plan ici sera une quatrième couleur. Avec cela à l'esprit, je vais aller de l'avant et utiliser mes nuances de couleur qui ont toutes mes couleurs ici, et je vais juste commencer à choisir des couleurs. Si vous connaissez déjà une couleur, comme par exemple, je sais que mes cerises, sorte qu'elles se détachent comme des cerises dans cette pièce contemporaine, je veux qu'elles soient rouge vif. Je vais commencer par trouver mon rouge, et ensuite je peux construire la couleur autour de ça. Oui, joli rouge ardent. Mais je vais aussi regarder mes autres parce qu'il n'a pas besoin d'être rouge. Je pourrais aussi faire du rose. Je ne veux pas de fluorescence. Rose. Je pourrais aller au rose pêche avec les cerises, mais je ne pense pas que je le veuille. Je pense que je veux m'en tenir à un rouge plus vrai, mais je ne peux pas m'empêcher de passer à travers et de voir. Je pense que le chaud, soit ce rouge carmin, soit ce rouge écarlate. Je ne pense pas vouloir faire du rose. Je veux rester au rouge pour les cerises pour ça. J' adore un rouge chaud. C'est dur pour moi de transmettre l'écarlate. À partir de là et maintenant, la meilleure façon de décrire ce processus est qu'il n'est pas intuitif, et il est vraiment difficile d'apprendre aux gens à utiliser leur intuition à faire confiance à un sentiment ou à remarquer un sentiment. Mais c'est vraiment ce que je fais ici. Je passe par une couleur à la fois, en m'assurant que je ne veux pas voir tout le, Je veux juste voir la couleur supérieure, et je regarde l'autre couleur pour voir si j'aime comment ils interagissent. C' est ce vert et rouge ne va pas me frapper aujourd'hui. Je vais juste passer à travers, et je vais juste tirer des couleurs qui se démarquent. Je n'ai pas à m'inquiéter à ce stade de s'ils ont travaillé ensemble. Je peux les sortir. C' est juste une façon vraiment amusante de construire des palettes de couleurs et d'essayer de le faire intuitivement. J' aime beaucoup ces trois ensemble. C' est si dur pour moi de passer du jaune. Regardez-les ensemble. N' oubliez pas les neutres, les neutres aident à briser les choses. Cette violette est jolie là-dedans. Si vous vous souvenez, je n'ai besoin que de quatre couleurs, et nous en avons déjà une. Donc je veux trouver trois couleurs qui vont avec ça. Quand on pense aux couleurs de ces articles, ce moment je choisis une seule couleur pour les cerises, une seule écarlate, mais nous allons ajouter des valeurs différentes. Il est important de se rappeler que ce n'est que la palette de base. Nous essayons de penser à la couleur de ton moyen que je veux être présent pour chacun d'entre eux. Je peux toujours construire sur des couleurs plus foncées pour les ombres et des couleurs plus claires pour les reflets. Mais je cherche juste cette palette de base qui va tous fonctionner ensemble. Je connais l'écarlate pour les cerises. Puisque la chose la plus proche des cerises sont le bol juste ici, peut-être que je vais commencer à chercher laquelle de ces couleurs fonctionne le mieux avec le bol. Aimez le rose et le rouge ensemble. Tout ça pourrait être trop dur à côté de ce rouge. Le vert brumeux est si joli, je pense que je le veux pour la couleur de fond. Si je fais fond vert brumeux, cerises roses, bol rose, probablement ce rose plus clair, je pense. Alors maintenant, nous sommes juste à la recherche d'une couleur pour la nappe. J' aime beaucoup ça. J' ai vraiment aimé ça quand je faisais ça pour la première fois. C' est définitivement un prétendant. Le violet ne marche pas vraiment là pour moi. C' est trop sombre. Même pour ces deux-là. Eh bien, j'aime ce genre de neutre jaune. Je ne veux pas du neutre là-dedans, donc c'est entre ces deux-là. Je pense que le point central de celui-ci est les cerises, et donc je vais leur laisser leur moment. Je vais utiliser cette couleur pour la nappe. J' ai trouvé mes couleurs. Si ce processus était trop intimidant pour vous, alors une alternative est, disons que vous commencez, suffit de commencer par une couleur qui vous attire, vous sachiez ce que cela va être ou non. Disons que tu étais vraiment attirée par cette couleur violette, et que tu ne sais pas encore où ça va aller, mais tu sais que c'est ton étoile du Nord. Vous pouvez réellement saisir votre roue de couleur, et vous pouvez aller à l'endroit où est cette couleur. On dirait que c'est une violette. Je peux en fait me souvenir, utiliser ces schémas de couleurs pour essayer de m'aider. Si tu n'étais pas sûr, alors tu pourrais, voyons si je pointe ça droit, alors je peux commencer par une triade et dire, accord, j'ai ce violet clair. Je crois que j'aime ce violet clair avec ce vert clair. Alors pour équilibrer tout ça, j'apporterai cette couleur orange de Sienne foncée. Si votre intuition n'est pas encore là ou si vous ne lui faites pas confiance, ou si vous êtes juste coincé. Allez-y et essayez d'utiliser votre roue de couleurs et essayez d'utiliser les familles de couleurs traditionnelles et les relations pour voir si cela vous aide. On peut voir qu'en fait j'ai un programme complémentaire en cours ici. Le rouge et le vert sont des compliments, et même s'il s'agit d'un vert très pâle, il reste rouge et vert. J' ai un schéma de couleurs gratuit qui se passe ici, surtout parce que ces roses sont juste une nuance de rouge aussi. Il a donc fini par travailler sur les deux fronts. Maintenant, le plaisir que nous arrivons à avoir est en fait de presser ces couleurs, et nous allons juste à la couleur essentiellement dans, il est un livre de coloriage en couleur dans les zones où ces éléments sont. Puisque je fais de plus grandes zones de couleur, je veux certainement un pinceau plus grand que ça. Je vais commencer par la plus grande zone, qui est mon fond vert brumeux. Puisque j'utilise une couleur de tube, je peux vraiment commencer par presser un peu et y ajouter plus si j'en ai besoin. peut être très facile. J' ai même sorti trop de magenta pour le croquis. C' est vraiment facile d'être pressé heureux, puis de gaspiller de la peinture. Mon pinceau rond taille 10. Comme avec la pièce traditionnelle, je veux que ma gouache soit plus aqueuse parce que c'est juste une grande zone vide. Je pense qu'avoir un peu de texture ici va vraiment réussir et être gentil. Puisque c'est de la couleur d'un océan à l'autre, ce qui signifie que nous ne voulons pas que des petites parties blanches se faufilent. Nous allons chevaucher certaines de ces zones esquissées. Je vais aller dans les cerises un peu, descendre ici juste pour que si nous ne couvrons pas complètement avec le rouge, nous n'avons pas de blanc fouillant, nous aurons le fond fouillé. Je peux toujours ajouter plus de peinture et la rendre plus opaque, mais je ne peux jamais revenir à cette première couche pure où c'est juste le papier dans la peinture aqueuse qui interagit. Couleur suivante. Je travaillerai le plus grand à le plus petit serait la couleur chair de la nappe. Je vais faire la même chose et commencer à me couvrir ici. la photo de référence, vous pouvez voir qu'ici la table sort un peu. Même si nous avons tracé cette ligne et que je vais l'appeler plus tard avec quelques valeurs. Je vais juste la peindre de la même couleur que la nappe parce que personnellement, j'ai vraiment la couleur de la lumière bloquant et en gardant mes couleurs aussi minimes que possible. Je ne pense pas que ça ajouterait beaucoup à la peinture d'avoir cette bande de couleur aléatoire ici étant autre chose. Je vais laisser ça sécher un peu, puis je vais retourner et essayer couvrir un peu ces lignes plus audacieuses. Fais les cerises ensuite. J' utilise une couleur très claire maintenant, pêche pâle, et donc je vais la garder très épaisse pour que quand je surpasse ces lignes roses, je puisse la couvrir. Maintenant, je vais juste retourner et essayer de couvrir avec peinture plus épaisse où le magenta est visible à travers. Dernière partie de cette étape, je peux juste voir un peu de légèreté et de blancheur jeter un coup d'œil par ici. Je vais prendre ma couleur de fond et m' assurer qu'on n'a pas ces taches blanches. La première couche de peinture est en baisse. 20. C3 : correction des couleurs: Cette étape suivante consiste à corriger les couleurs que nous venons de poser. Parfois, même si vous aimez vraiment la palette ici, vous la descendez et vous remarquez que quelque chose ne fonctionne pas ensemble. Peut-être qu'une couleur doit être éclaircie ou assombrie ou simplement changée complètement. Une chose que je remarque en regardant ceci est quand j'ai regardé ces ensemble, j'ai vraiment aimé que vous puissiez vraiment voir le rose et quand je vois ça ici, tout ça a l'air vraiment plat et puis ces cerises sortent de nulle part. Je me demande si peut-être un rose plus foncé, ce rose coquille va aider avec ce contraste un peu plus. Puisque cette couche est sèche, je vais aller de l'avant et aller avec un peu de coquille rose et couvrir et voir si cela le satisfait. C' est bien parce que si vous êtes nouveau à choisir des couleurs ou encore apprendre à vous faire confiance, vous pouvez au moins obtenir de la peinture et ensuite, grâce au lavage acrylique, vous pouvez simplement continuer à la couvrir pour comprendre ce qui va être juste pour elle. Je ne suis pas sûr que cela arrive dans l'appareil photo, mais cette couleur est juste comme une seule baisse valeur et une augmentation de saturation, donc c'est juste un peu plus rose. Mais même en voyant ça ici, je pense que ce n'est toujours pas correct en fait. Même une fois que j'ajoute des valeurs plus sombres, je ne connais pas le ton de celui-ci. Il y a juste quelque chose que je ne sais pas, je ne peux même pas mettre mon doigt dessus. Ça n'a toujours pas l'air de ce que je pensais. Il ne semble pas comment je vois quand je vois ces couleurs ensemble donc je vais vraiment le corriger à nouveau. J' ai généralement besoin d'une seule couche de correction, mais dans ce cas, je ne comprends toujours pas tout à fait. J' ai gardé ces couleurs, celles qui m'intéressaient depuis le début, je les ai gardées séparées pour pouvoir les revivre. Maintenant, la pourpre ne semble pas si mauvaise idée. Le violet pourrait le faire sortir. Le jaune ne va pas marcher. Devenir neutre, ça va être trop léger. J' aime l'audace du vert. J' aime bien ça, chose que je pensais que j'allais faire tout, mais ensuite j'ai pensé qu'ils seraient trop proches et trop intenses, mais en regardant ça maintenant, je me demande si ça va mettre l'accent sur le bol que je cherche. Oh oui, c'était le bon choix. Je le sens déjà. Ma gouache est un peu aqueuse et vous pouvez voir à travers la traînée que ce rose brille à travers. En fait, c'est plutôt sympa. Ça lui donne une sensation vraiment brillante. Mais si je veux qu'il soit parfaitement mat et plat, alors je peux le laisser sécher et ensuite faire une autre couche et ce sera une belle couleur uniforme. Cette couleur plus foncée apporte juste le bol au premier plan plus. C' est une sorte de couleurs plus claires dérive vers le dos et comme la nappe est déjà légère, il a juste fait que tout reculer en arrière et il semblait juste que ces cerises flottaient sur rien mais maintenant, c'est important. C' est comme si c'était là. Il y a le bol de cerises. Si je continue à peindre pendant qu'il est mouillé, je vais juste faire plus de stries et donc je vais laisser ça sécher et ensuite essayer de décider si j'aime la traînée ou si je veux la planéité. Je pense que je veux un look plus plat, donc je vais laisser sécher ça et faire un autre manteau. Voyez comment ça se passe très bien ici, mais ici , j'ai un peu de bizarre, c'est parce que je ne l'ai pas laissé sécher tout le chemin. C' est pourquoi il est vraiment important d'être plus patient que moi si vous voulez une couverture fixe. Je ne vais pas continuer à examiner cet endroit parce que je sais ça va continuer à l'aggraver. C' est ça pour ma correction de couleur. Je vais attendre que ça sèche encore une fois. Je veux que ce soit une couleur plate juste pour ce style. C' est ce que je ressens vraiment en ce moment. Il y a d'autres moments où j'aurais peut-être laissé la première couche striée et vraiment été dans cette texture, mais pour cela tout de suite, je veux des couleurs plus opaques. Allez-y et corrigez vos blocs de couleurs. Même si ça veut dire repeindre littéralement tout, c'est bon. Si vous décidez que l'arrière-plan doit changer et que vous le changez, réalisez que cela doit changer, suivez simplement ce fil. Continuez à suivre votre intuition. Si vous arrivez à un point où vous avez fait dix couches au-dessus de cette chose, peut-être ralentir et essayer de choisir une palette de couleurs différente que vous savez que vous aimez à coup sûr, mais allez-y et corrigez vos couleurs. 21. C4 : ajout des valeurs sombres expressives: Pendant que j'attends que cela sèche et ajoute une autre couche, je vais aller de l'avant et passer à l'étape suivante, qui est mon préféré parce que les choses commencent vraiment à éclater et c'est là que nous commençons à ajouter nos valeurs sombres. Si je regarde ma référence ou si je regarde ma peinture d'hier, je suis capable de regarder et de voir où étaient ces zones les plus sombres. Évidemment, nous savons qu'il se passe beaucoup de choses avec les cerises, donc je sais avec certitude que je vais superposer une valeur sombre sur les cerises. Nous avons cette valeur assez sombre sur le bol, donc nous en aurons besoin. Ensuite, je veux quelque chose qui montre certains de ces plis, mais ne pénètre pas nécessairement tous dans ces valeurs. Semblable à ce que nous avons fait plus tôt, j'aime ensuite passer à travers mes couleurs. C' est là que nous pouvons vraiment faire des choses intéressantes. Nous pouvons apporter des couleurs inattendues pour égayer notre palette. Je peux même ramener ce vert foncé, ce qui est intéressant, et utiliser le vert foncé pour créer les sombres et les utiliser pour les ombres. C'est intéressant. Le bleu revient en jeu. Évidemment, je regarde juste les nuances des couleurs à partir du tube, mais si vous avez des mélanges préférés, vous pouvez regarder votre tableau de mélange de couleurs aussi pour voir si quelque chose se démarque. C' est inattendu. Je ne pensais pas que cette ombre brûlée attirerait mon attention, mais j'aime combien il est sombre et chaud et cela pourrait être intéressant même si je l'ai mélangé avec un peu de l'écarlate pour le rendre un peu plus rouge. C' est vraiment difficile pour moi de passer du noir droit parfois, j'aime juste le pouvoir qu'il a. De tous ceux que j'ai choisis celui qui m'excite le plus ; je ne sais pas si ça va marcher, c'est en fait l'umber brûlé. Alors je pense que je vais monter sur cette vague. Je vais utiliser ce ton sombre sur tout le tableau. Ce sera les valeurs sombres non seulement pour les cerises, mais pour le bol et certaines de ces zones plus sombres. Je pense que cela va être trop fort pour obtenir les valeurs dans ce tissu ici. Il pourrait alors commencer à paraître boueux, vous ne pouvez pas dire quelles sont les ombres qui sont, et je ne veux pas que ça domine. Puisque cette nappe est une couleur si claire, je pense que je vais trouver une couleur de valeur juste pour cela, n'est pas aussi sombre que ça. Par exemple, même cela. Peut-être que ce sera le gagnant, Jaune Brilliant. Je ne sais pas si c'est Jaune Brilliant, ou si c'est un J doux et c'est Jaune Brillant. Mais vous pouvez voir que c'est presque juste une version plus sombre de la couleur et cela va vraiment bien avec l'histoire, sorte que cela pourrait fonctionner. Similaire, c'est très similaire à cette couleur. J' aime ça aussi. Je pense que le Jaune Brilliant va gagner. Je pense que c'est assez audacieux pour qu'on le remarque, mais pas si audacieux que ça va faire un gâchis. Je vais aussi changer de brosse. J' ai utilisé un pinceau rond, et j'en aurai besoin. Peut-être que c'est enfin assez sec, voyons. J' ai utilisé mon pinceau rond pour remplir ces formes et utiliser le point pour y arriver. J' ai juste fini par soulever ça, j'ai vraiment besoin de laisser ça tranquille. Tu vois comment toute cette eau vient de dépouiller cette peinture qui n'était pas encore sèche, donc je fais juste un gâchis. Mais tu vois comment on a eu cette belle couleur uniforme ? Quoi qu'il en soit, j'ai utilisé mon pinceau rond pour remplir ces formes, mais maintenant je vais passer à un pinceau que j'aime vraiment pour les coups expressifs. C' est là que je vais apporter un appartement ou un filbert, parce que là où dans le traditionnel nous essayons de faire fonctionner les choses ensemble et que les choses se fondent les unes dans les autres ; dans le contemporain, je veux vraiment que ce soit audacieux et fort, et je veux que ces coups soient vraiment confiants. Donc j'aime vraiment une brosse plate pour ça. Je peux regarder la peinture d'hier ; la démo traditionnelle, ou je peux regarder ma photo de référence pour retrouver les valeurs. Avant que nous ayons plusieurs valeurs, donc nous avions des lumières, des médiums, et des sombres, et nous avons mélangé. ce moment, on est en train de le descendre pour qu'il y ait un ton clair et qu'il y a un ton sombre. Au début, je veux juste retirer les principales zones qui en ont besoin, donc cela ne devient pas désordonné. Évidemment, la principale est celle que nous avons esquissée. Je vais juste y aller et laisser l'intégrité du pinceau faire mes formes. Je laisse plus de ces bords plats et droits apparaître pour lui donner une sensation plus géométrique et contemporaine. Nous avons ce pliage en tissu ici. Même si nous ne le développons plus pour ressembler à un pli de tissu, c'est toujours une forme intéressante. Coupez l'ombre autour du bol, essayons de l'obtenir. Vous pouvez voir que mes coups sont beaucoup plus audacieux avec celui-ci. Je ne vais même pas m'inquiéter de cette valeur plus sombre et du tissu ici parce que les coups que j'ai déjà vers le bas me donnent ça. Ils ont commencé à communiquer qu'il y a une certaine valeur, il y a une certaine texture qui se passe ici, donc je n'ai pas à le nourrir autant. Dans le contemporain, je peux laisser moins de coups parler d'eux-mêmes. Si j'avais fait ça avec l'ombre brûlée, je pense juste que ça aurait été trop intense. Maintenant, je suis prêt à passer aux valeurs plus sombres dans les cerises, donc je vais faire un peu d'ombre brûlée. Je vais le mélanger juste avec un peu d' écarlate pour que ce soit un rouge-brun et pas seulement brun. Même chose, je vais laisser mes coups être audacieux. Je n'essaie même pas de les arrondir pour ces cerises. Je veux que ces coups raides et confiants aident vraiment à déclencher ça. Je laisse un peu de rouge pour montrer le point culminant. Ensuite, ils seront presque entièrement couverts parce qu'ils sont en arrière-plan. Tu vois comment ça éclate ? C' est le pouvoir de la valeur. Si vous ne savez pas par peinture traditionnelle ou si vous ne savez pas à quel point la valeur est importante, peut-être que vous n'auriez pas pensé à mettre un brun vraiment foncé sur ces cerises rouges. Je ne l'aurais pas fait. Je vais utiliser ce super brun foncé pour la couleur plus foncée ici, mais comme je peux voir qu'il est encore humide, je pense que si j'y passe, je vais juste faire un gâchis encore plus grand. Donc je vais le laisser pour maintenant et je peux le revoir parce que je sais que je veux le faire. Eh bien, j'ai cette couleur foncée. Je vais mettre fin à ce pinceau. Je vais y aller et ajouter leurs petites tiges. Je ne vais pas faire une ligne parfaitement droite. Même si la brosse est plate, elle est devenue un peu épaisse. Désolé. J'ai fait cette erreur en parlant. Ce que je viens de faire, c'est que la tige est juste un peu plus épaisse que je le voulais, et alors qu'elle était encore humide, j'y suis allé et j'ai tamponné toute l'humidité. Je vais le laisser sécher, puis je peux revenir dessus avec une partie de la couleur de la chair et ensuite essayer à nouveau avec la tige parce que celle-ci était juste un peu trop épaisse. Mais ce que je dis, c'est que même si j'utilise un pinceau plat et que je veux que ce soit géométrique, je ne veux pas qu'il soit parfait. Je veux toujours qu'il ait de l'intérêt. Un ordinateur peut faire des lignes droites, mais un ordinateur ne peut pas décider qu'une tige va tourner de cette façon, puis ça. Je suis hors-caméra. Je vais enfin laisser ça sécher tout le chemin. Je pourrais en fait le chauffer avec un sèche-cheveux juste pour m'assurer que je le sèche, et ce que je vais faire est de couvrir cet endroit avec l'olive pour qu'il soit plat. Je vais laisser ça sécher tout le chemin. Ensuite, je vais mélanger un peu plus de cette ombre brûlée et écarlate juste pour venir ici et ajouter ces ombres sombres. Mais à part cela, nos valeurs sombres sont dans, et elles ont vraiment fourni un contraste vraiment satisfaisant. 22. C5 : ajout des couleurs claires: Comme promis, je suis allé de l'avant et j'ai peint les valeurs plus sombres sur le bol ici. Maintenant, la seule chose que je me souviens que je dois faire est d'ajouter cette tige de cerise. Je vais y aller et faire ça. Le dernier est devenu trop gros parce que j'avais trop d'eau sur mon pinceau, donc j'ai eu un mélange de peinture un peu plus sec ici. C' est un bien meilleur résultat. Je suis heureux d'avoir corrigé ça. Mais notre prochaine étape du processus, comme vous l'avez peut-être supposé, tout comme avant, nous avons les valeurs sombres dans, maintenant il est temps d'entrer et d'ajouter des surlignements. qui, pour cette peinture en particulier, est le bord du bol qui attrape la lumière et aussi les blancs des reflets de cerise. Vous pouvez utiliser un neutre, comme le blanc ou un blanc ivoire. Puisque j'ai en fait cette couleur chair claire ici, qui fait déjà partie de ma palette, j'essaierai d'abord d'acheter ma palette. Je vais voir si cette chair va être assez légère pour les faits saillants. Parce que si oui, ce sera bien de ne pas introduire une autre couleur. Je veux juste aller ici et tamponner où sont ces reflets de cerise. Vous pouvez utiliser votre pinky si vous ne voulez pas poser votre poignet, si vous ne savez pas où est la peinture humide. Vous pouvez utiliser votre petit doigt comme support. Mais ma peinture est sèche pour que je puisse poser le talon de ma main vers le bas. Je pense que ce sont les seuls faits saillants que je veux ajouter. Je suppose que sur la photo de référence, comme hier, nous avons ces petites lignes qui attirent la lumière juste là. Je vais les mettre là-dedans. C'est tout pour nos moments forts. 23. C6 : détails et décoration: Nous en avons presque fini avec notre peinture, et honnêtement, vous pourriez dire que c'est fait ici. C' est une belle peinture et vous pouvez voir que j'ai fait d'autres comme ça avant où une fois que j'ai ajouté dans les derniers détails, c'est juste fait. Mais la chose que je veux vous montrer, c'est que maintenant est vraiment amusant surtout pour ceux d'entre vous qui sont des concepteurs de surface. C' est maintenant un moment amusant que nous pouvons ajouter de la décoration et du motif à des choses, ou juste de petits détails que nous n'avons pas capturés plus tôt. Pour moi, la nappe, les bols, et ce mur ici sont toutes des opportunités auxquelles je pourrais ajouter un motif. En fait, je crois que j'ai un tableau, oui. Regarde ce bizarre que j'ai fait l'autre jour. Je jouais juste. Mais je voulais voir ce que c'était d'essayer de mettre une empreinte sur plusieurs surfaces et c'est tout simplement agréable. C' est juste un moyen d'ajouter des intérêts et d' aider avec la forme de l'objet et la perspective. Ensuite, vous pouvez certainement utiliser plusieurs surfaces. Mais dans celui-ci, je veux juste ajouter quelque chose à ce mur ici. J' aime vraiment les coups que j'ai créés ici pour créer la texture du tissu et j'aime que les cerises pop. Je ne veux pas m'occuper quelque chose ici et me distraire de ça, mais ici nous avons un grand mur de vert et je pense que ce serait vraiment sympa d'avoir un peu de papier peint là-bas. Je suis allé à travers mes nuances de couleurs que je ne savais vraiment pas aussi ouvert à de nouvelles couleurs en train d'être introduites à cela. J' avais même envisagé d'apporter ce rose de gomme à bulles bizarres, et vous savez que je m'intéressais vraiment à cette rose de cendres. Mais ce qui a fini par me distinguer était juste ce blanc ivoire, neutre et j'avais d'abord envisagé d'utiliser la couleur chair parce que c'est la couleur la plus claire ici et c'est la couleur que nous avons utilisée pour les faits saillants, et donc j'ai pensé que je vais acheter ma palette d'abord et nous pouvons l'utiliser. Mais je crains que la valeur de cette couleur de chair dans ce vert brumeux soit trop proche pour que vous ayez cette vibration bizarre que vos yeux ne puissent presque pas comprendre ce qui se passe. Donc je pense que le fait de garder un neutre et de le remonter à ce blanc d'ivoire va vraiment les aider à jouer bien en arrière-plan sans distraire ce qui se passe ici. J' ai mon blanc ivoire. Pressez une partie de ça sur ma palette, et je vais prendre un petit pinceau. Je suis un concepteur de surface. Je fais beaucoup de motifs et de répétitions et donc pour moi cette partie est comme tout ce qui me vient à l'esprit, je viens de peindre. Ce n'est pas difficile pour moi de trouver des motifs et des impressions qui seraient mis en file d'attente sur les choses. Mais si c'est ta première fois, tu n'as pas l'habitude de penser comme ça. Retournez à Pinterest et Google et jetez un oeil à différents types de modèles. Vous pouvez même peindre un motif floral plein soufflé sur le mur ou quelque chose comme ça et vraiment le rendre amusant. Mais pour cela, je vais faire quelque chose d'un peu plus simple et répétitif. Je pense que je veux faire des chaînes de ces carrés de diamants. Je vais peindre les diamants d'abord, et je ne veux pas qu'ils soient parfaits. C' est ce qui est important. Le reste de la peinture a un look très décontracté et expressif et je ne veux pas soudainement que le motif soit vraiment serré. A l'intérieur des places, je veux faire un peu de marguerites. J' adore les fleurs et alors que je ne veux pas peindre un motif floral distrayant ici. Une petite marguerite, c'est une belle petite touche. Je vais juste continuer, et je vais couvrir mon papier peint avec ce motif. J' ai fini d'ajouter ce motif floral en diamant et comme vous pouvez le voir, c'est très faible. Avec l'arrière-plan, il s'estompe et lui donne cet effet vraiment cool. Je suis vraiment heureux avec le design, mais ça me sent toujours un peu vide. Cela me semble un peu inachevé et je ne veux pas colorer dans chaque carré parce que je pense que ce sera trop audacieux et je ne veux pas ajouter de contours parce que je pense que ce sera trop audacieux. Mais je pense que ce que je veux faire c'est que nous vivons dans une ferme centenaire, et il y avait ce vieux papier peint poulet et théière dans la cuisine. Il était vraiment vieux et donc certaines parties de celui-ci semblaient qu'il n'était pas tout à fait coloré. En fait, j'ai vraiment aimé cet effet et je pense que je vais juste utiliser cette couleur olive or pour y aller et imiter cet effet là où il semble qu'il ne va pas être coloré tout au long du chemin. Ce ne sera pas ce poids uniforme audacieux ici, mais il va juste aider à colorier et peut-être découper certains de ces qui sont plus légers et ajouter un peu d'intérêt. Je n'ai pas vraiment de rime ou de raison. Je vais juste essayer d'être imparfait et lâche et juste suivre mon instinct avec l'ajout et le marquage ici. Oui. J'adore déjà cet effet. C' est juste ce que je cherchais assez pour attirer votre regard ici pour savoir que ce que nous avons fait ici était intentionnel, mais pas tellement que ça vole le spectacle à ses cerises. En apportant cette couleur ici, nous aidons également à garder la forme du bol d'être trop dominante, puisque c'est juste un bloc de couleur solide ici en le tirant vers le haut, c'est presque comme si nous le raclons à travers la partie supérieure de ce tableau. Avec cela, nous avons terminé notre étude contemporaine. En fait, une chose que je veux dire est que vous devriez toujours prendre une minute même si vous vous éloignez et revenez et soyez à l'affût de tout petit détail que vous voulez peut-être ajouter. Par exemple, sur ce bol dans l'étude traditionnelle, j'ai vraiment aimé la petite ligne minuscule, la ligne sombre que nous avions ici sur le bol et j'ai aussi beaucoup aimé les tiges de cerises à deux tons. Peut-être que j'ai un peu de cette olive et un peu de blanc ivoire sur ma palette. Je vais les mélanger ensemble et juste entrer ici et ajouter juste une petite touche aux tiges où ils attrapent la lumière. Je pense que je vais juste presser un petit peu d'herbe brûlée et juste ajouter cette petite ligne là-bas. Maintenant, notre étude contemporaine est terminée. 24. Publication de votre projet !: Lorsque vous êtes prêt à partager votre projet de classe, prenez une photo avec votre téléphone ou votre appareil photo des deux natures mortes et téléchargez-les sur Skillshare. Si vous utilisez une photo de référence autre que les cerises, nous aimerions le voir aussi. Vous souhaitez créer votre projet de classe à partir d'un ordinateur ou d'un ordinateur portable car charge mobile des téléchargements de projets n'est pas disponible au moment de la publication de ce cours. Vous pouvez le faire à partir de l'onglet Projet et ressources en cliquant sur le grand bouton vert « Créer un projet ». Il y a deux parties principales du projet. La couverture, qui est comme une couverture de livre qui montre dans le fil du projet avec le travail de tous les autres et le corps du projet où vous pouvez ajouter des photos, textes et d'autres médias. Lorsque vous avez tout ajouté, cliquez sur « Publier ». Votre projet est toujours modifiable si vous voulez revenir plus tard. N' oubliez pas de faire défiler la galerie du projet pour voir ce que font les autres élèves et de leur laisser une note encourageante pour répandre un peu de positivité et de communauté à vos collègues artistes. Alors pour de vrai, les cinq hauts, parce que vous ne saviez même pas que vous pouviez peindre de cette façon et vous avez tout simplement fait. 25. BONUS : projet de nature morte en peinture au numéro: Si vous êtes à la recherche d'un projet à basse pression, ne cherchez pas plus loin que cette peinture d'agrumes nature morte par numéro que je vous ai fourni. J' ai fourni une palette de couleurs et un guide pour que vous puissiez suivre, mais j'ai également fourni une palette de couleurs vierge au cas où vous vouliez assigner vos propres couleurs sans être confus. La première étape consiste à imprimer le modèle. Il est destiné à créer autour d'une peinture de 8 x 10 pouces, mais vous pouvez la mettre à l'échelle vers le haut ou vers le bas si vous avez besoin de l'ajuster. L' étape suivante consiste à transférer le modèle sur votre papier. Vous pouvez utiliser la méthode de transfert de fenêtre, où vous adhérez le gabarit et le papier à une fenêtre pendant la journée et tracez l'esquisse sur le papier, ou vous pouvez colorier tout le dos du modèle avec un graphite régulier crayon et l'utiliser comme une feuille de carbone sur le dessus du papier de peinture. Vous utiliserez ensuite votre crayon pour tracer délicatement le gabarit, en prenant soin de transférer toutes les lignes et marquages. Ensuite, en allant une couleur à la fois, suivez le modèle pour peindre dans les zones de couleur. Pour les zones étroites, utilisez un pinceau plus petit ou le point d'un pinceau rond, et allez-y lentement. Voila, les agrumes encore la vie. 26. Merci !: Merci beaucoup d'avoir passé la journée à peindre avec moi. J' espère que vous êtes A, impressionné par votre nouvelle capacité à recréer une photo de référence dans une méthode traditionnelle, ainsi qu'une pièce contemporaine auto-expressive, et B, encouragé à continuer à peindre et à essayer, et à apparaître. Parce que ta créativité compte, et je ne me lasse pas de te le rappeler. Pour être averti lorsque je publie de nouvelles classes, donnez-moi un suivi ici sur Skillshare. Pour des encouragements réguliers, suivez-moi sur Instagram @bydylanm, et vous pouvez également me trouver sur bydylanm.com. Jusqu' à la prochaine fois.