Les bases de l'animation dessinée à la main

1. Introduction: Salut, je m'appelle Johannes Faus. Je suis un animateur traditionnel suédois et je vis actuellement au Canada et travaille dans un studio appelé Janas. Je crée du contenu animé pour la télévision et le Web. Comme certaines des choses que vous voyez ici. Dans ce cours, je vais vous enseigner les bases de l'animation traditionnelle. Je vais utiliser Adobe Animate, mais vous pouvez utiliser n'importe quel programme d'animation que vous voulez. Nous commencerons par regarder les principes de l'animation et nous les appliquerons ensuite à différents types d'animations en difficulté croissante. ici là, vous aurez votre premier cycle de travail pour démarrer votre portfolio et j'aimerais que vous partagiez votre travail dans la communauté pendant ce cours, afin que nous puissions tous le voir et apprendre les uns des autres. Toutes les deux semaines, je vais choisir trois de mes animations préférées et les poster sur mes histoires Instagram. N' oubliez pas de me suivre ici sur Skillshare parce que vous ne voulez manquer aucun de mes prochains cours. 2. Les 12 principes de l'animation: Dans cette vidéo, je vais couvrir les 12 principes de base de l'animation. Ces 12 principes sont les règles les plus élémentaires pour créer un beau moment. Numéro un, des arcs. Presque toutes les actions suivent des arcs à quelques exceptions près. Les arcs aident votre animation à paraître lisse et naturelle. Numéro deux, courge et étirement. Squash et stretch obtient votre personnage d'animation. Est-ce que la balle s'écrase quand elle frappe le sol, ou est-ce qu'elle reste solide ? Qu' est-ce que ça vous dit à propos de l'objet ? Numéro trois, anticipation. Pour faire une action de se sentir grande et importante, vous avez besoin d'une pré-action pour mettre en scène votre action principale. Comme dans cet exemple, le personnage se penche vers le bas et recueille de l'énergie avant de sauter. Numéro quatre, action secondaire. L' action secondaire est une action qui suit votre action principale pour le souligner. Comme dans cet exemple, la jambe met l'accent sur le mouvement principal, qui est le bouton en colère qui brise. Numéro cinq, mise en scène. mise en scène est l'acte de présenter votre sujet au spectateur le plus clair possible. Numéro six, droit devant et pose pour poser. L' animation droite signifie dessiner d'une image à l'autre. Cette façon d'animer est idéale pour les mouvements organiques, comme la fumée et le feu, car elle rend votre animation plus dynamique et aléatoire. Pose à poser signifie planifier et dessiner les grandes poses de votre action d'abord, puis après avoir rempli les dessins entre les deux. C' est idéal pour l'animation de personnages où vous deviez frapper poses clés spécifiques tout au long de la scène. Habituellement, cependant, une combinaison des deux est utilisée. Ralentissez et ralentissez, toutes les actions ont besoin de temps pour commencer et arrêter pour ne pas se sentir raide. Pour créer cette illusion que votre objet accélère ou ralentit, vous dessinez plus d'images pour transmettre un mouvement plus lent ou vous dessinez vos images plus éloignées pour transmettre un mouvement plus rapide. Numéro huit, chronométrage. timing est le nombre d'images que votre action prend. Un bon timing est essentiel pour une bonne animation. Par exemple, une balle légère rebondit différemment à une balle lourde. Si le timing est incorrect, votre public ne comprendra pas le genre d'objet que vous essayez de dépeindre. Numéro neuf, exagération. exagération est l'acte de pousser vos actions au-delà de la réalité. Mais n'en faites pas trop, restez un peu dans la réalité juste le rendre plus amusant. Numéro 10, dessin solide. Cela signifie que vous devez prendre en compte le fait que vos animations 2D existent dans un espace 3D. Restez toujours fidèle au volume, au poids, solde, etc. Numéro 11, appel. L' appel est comme le charisme d'une action. Vos actions doivent être belles aux yeux des téléspectateurs. Numéro 12, action de suivi et de chevauchement. Follow through est une action qui vient après votre action principale, comme une flamme qui traîne derrière un match. L' action qui se chevauche est une action qui tend à se déplacer légèrement hors de la synchronisation de l'action principale, comme une tête rebondissante est restée hors de synchronisation avec le corps ou les bras se balançant pendant qu'un personnage marche. C' est tout pour cette leçon, et je te verrai dans la prochaine. 3. Les outils : Adobe Animate: Maintenant, je vais vous montrer les outils de base que nous allons utiliser pendant ce cours. Pour ce cours, je vais animer dans Animate CC mais vous pouvez utiliser n'importe quel programme d'animation que vous voulez. Lorsque vous démarrez votre programme, vous serez accueilli avec cet écran. Ici, vous sélectionnez la taille de votre toile, et ici, vous sélectionnez votre fréquence d'images. Je travaille presque toujours en 24 images par seconde. Le type de plate-forme, vous pouvez simplement laisser cela tel quel. C' est à quoi ressemble le programme. Sur le côté, vous avez vos outils. Ici, vous pouvez trouver votre outil de brosse, votre gomme, tout ce dont vous avez besoin, et sur le côté, vous aurez vos paramètres de menu. Tout programme d'animation aura une chronologie, et c'est à quoi ressemble la chronologie dans Animate CC. Ici, vous avez vos calques, et ici vous avez vos cadres. Pour créer un nouveau calque, cliquez ici sur ce bouton et vous obtiendrez une nouvelle structure de calque ici. Si nous voulons ajouter des images à ce calque, vous appuyez sur « F5 ». Comme vous pouvez le voir ici, j'ajoute des cadres à ce dessin. Voici un long dessin qui se tient pour 25 cadres. Si je dessine quelque chose ici, il jouera pour 25 images. Pour découper ce dessin en images plus petites, appuyez sur « F6 ». Maintenant, ici, j'ai un dessin pour deux cadres. C' est à quoi ressemble un dessin tenu pour un cadre. Si j'anime sur ceux-ci, c'est à quoi ça ressemblera. Si vous voulez supprimer des cadres, vous cliquez sur « Maj F5 ». Si je veux diviser ce calque en incréments de deux images, je peux cliquer avec le bouton droit de la souris ici, et aller dans Convertir en animation image par image, puis toutes les autres images, et cela va couper cela en incréments de deux. Une autre caractéristique importante d'un programme d'animation est le dépouillement de l'oignon. dépouillement de l'oignon vous permet de voir les cadres avant et après. Dans Animate CC, vous trouverez votre oignon dépouillé ici. Si vous cliquez sur ce bouton, vous pourrez voir les dessins qui se trouvent avant et après le dessin sur lequel vous êtes. Comme ça. Maintenant, si je recule, je peux voir les cadres avant et après. Je peux ajuster cela, et voir plus ou moins. Si vous êtes familier avec un autre programme Adobe, vous avez ici vos outils de sélection de base. Vous pouvez dessiner quelque chose, puis vous pouvez cliquer sur celui-ci, et le déplacer. Vous pouvez également le tordre et l'incliner si vous le souhaitez en appuyant sur « Q », puis vous pouvez tirer dessus. En appuyant sur « Commande », je peux tirer les coins comme ceci, et en maintenant Option, vous pouvez biaiser votre art comme ceci. Si vous voulez remplir votre art, vous pouvez aller à l'outil seau rose ici, et juste déposer la couleur en cliquant dessus. Si vous disposez d'un grand nombre de calques, vous pouvez créer des dossiers pour trier vos calques. Pour créer un dossier, vous cliquez sur l'icône « Dossier » ici, puis vous pouvez prendre ces calques, et les mettre dans le dossier, et vous aurez une chronologie plus propre. Dans certains cas, vous pouvez avoir des œuvres d'art en dehors de votre tableau d'art, et vous voulez toujours les voir. Pour pouvoir voir l'art qui se trouve en dehors du tableau d'art, vous pouvez cliquer sur ce bouton ici. Cela révélerait tout ce qui est en dehors de votre toile. C' est tout pour les bases d'Animate CC. Dans la vidéo suivante, je vais vous montrer comment exporter des gifs à partir d'Animate CC et de Photoshop. 4. Exporter un GIF animé: Maintenant, je vais vous montrer comment exporter un GIF animé à partir d'Animate CC. Lorsque vous avez terminé votre animation, vous utilisez aller jusqu'au fichier, exporter et exporter GIF animé. Pour décider ici que vous avez vos paramètres, je les laisse généralement tels quels, mais si vous dites que je ne veux pas d'arrière-plan transparent, vous pouvez décocher cette case ici. En bas. Vous pouvez compresser votre cadeau et le rendre plus petit. Cela rendra le GIF de sortie plus petit dans la taille de la toile et aussi plus petit dans la taille du fichier. Une fois que vous avez sélectionné vos paramètres, vous pouvez descendre ici et le faire boucler une fois ou boucle pour toujours et lorsque vous avez terminé, il vous suffit de cliquer sur Enregistrer. Ici vous avez votre GIF. Si nous animons dans Photoshop, je vais vous montrer comment exporter un GIF. Lorsque votre animation est terminée, vous allez dans fichier et exportez. Ici, vous allez à Enregistrer pour le Web. Dans le menu ici, vous sélectionnez GIF, et ici vous avez vos paramètres. Je vais les utiliser car ils sont comme un CC Animate ici, vous pouvez changer la taille de votre GIF et ici, vous sélectionnez l'option de boucle. Après cela, vous cliquez sur Enregistrer et voici votre GIF. 5. Animer un texte immergé : Théorie: Pour nous réchauffer dans ce cours, nous commencerons par animer quelques textes bouillants comme celui que vous voyez ici. Animer des textes en ébullition est assez simple et nous n'avons besoin que de quelques dessins. Dans ce cas, j'ai trois dessins présentés pour deux cadres chacun en 24 images par seconde. C' est ce qu'on appelle l'animation sur deux. C' est ainsi que vos dessins seraient espacés lorsque vous animez sur deux. Ici vous pouvez voir 12 dessins sur 24 cadres. Mais dans notre cas, nous allons juste avoir trois dessins et ensuite les boucler, donc l'espacement ressemblera à ceci. animer signifie cependant que vous devez dessiner 24 images pour chaque seconde d'animation. Dans les vieux films Disney, ils les animaient souvent. C' est beaucoup de travail cependant, et la plupart de l'animation traditionnelle moderne est animée sur deux parce qu'elle coupe à travailler en deux. Animer sur ceux est parfois fait pour des actions vraiment rapides. L' ajout de ces cadres supplémentaires aide à rendre l'action plus claire. Mais parfois même le travail de cadre inférieur. Comme dans ce cas, le robot est animé à quatre pattes. D' accord. C'était la partie théorique de cette leçon. Dans la vidéo suivante, je vais vous montrer comment faire l'animation réelle. 6. Animer un texte immergé : Pratique: Allez-y et ouvrez un programme d'animation préféré et faites un nouveau projet à 24 images par seconde. Choisissez un texte que vous souhaitez animer. Dans ce cas, j'utilise une police de calligraphie appelée Raph Lanok future. Mais vous pouvez faire votre propre texte à la main si vous le souhaitez. Lorsque vous avez un dessin des textes que vous souhaitez animer, assurez-vous qu'il tient pour deux cadres et créez un nouveau cadre après. Allumez, votre écran afin que vous puissiez voir le cadre précédent. Maintenant, vous simplement comme trace sur le cadre précédent. Le sloppier vous tracez les textes, plus il va bouillir. Une fois que vous avez tracé ce cadre, vous ajouterez un autre cadre et recommencez la même chose. Assurez-vous que les trois images sont conservées pour deux images chacune, et vous avez terminé. Allez-y et appuyez sur « Play », et vous obtenez votre première animation. Pour cette mission, je veux que vous essayez d'animer un texte bouillant. Je veux que vous animiez sur 24 images par seconde sur « 2s ». Une fois que vous avez terminé, exportez un GIF en tant que 1080 par 1080 pixels et publiez dans la communauté. Bonne chance. 7. Animer une balle rebondissante : Théorie: Dans cette leçon, je vais couvrir cette théorie de l'animation et du rebondissement de balle. La balle rebondissante est l'exercice le plus élémentaire et important pour tout animateur de départ et est l'un des exercices les plus faciles pour les étudiants à pratiquer dans différents principes de l'animation. C' est en utilisant quelques principes que vous pouvez changer complètement le caractère de votre balle. Les deux principes principaux que nous allons utiliser sont le timing et le squash et l'étirement. Ces deux principes travailleront ensemble pour montrer à quel point la balle est plus lourde, quelle est sa taille et quel matériau elle est faite. Voici une animation rugueuse d'un rebond de balle de base. Sur le côté, vous pouvez voir l'espacement des cadres. Tout ce qui tombe va s'accélérer. Cela signifie que vous devez espacer vos cadres plus éloignés lorsque la balle tombe vers le sol, et vice versa, la gravité ralentira et elle ira vers le haut. Ainsi, vous devez espacer vos cadres plus près que la balle approche de son pic. Il est important que l'espacement de vos images soit correct. Sinon, l'illusion va se briser. Avec le timing, le squash et l'étirement, vous pouvez transmettre différents types de matériaux, tailles et poids. Une petite balle de tennis légère rebondit haut et rapide. Une balle de plage rebondit un peu plus bas et lente, et une boule de bowling rebondit à peine. Voici un exemple de bol suivant une arche. Pour chaque rebond, la balle perdra une partie de son énergie, comme vous pouvez le voir dans l'arc ici et comme un rebond de balle droite, la balle ralentit à mesure qu'elle atteint le pic et accélère à mesure qu'elle descend. Alors maintenant, vous pouvez vous demander pourquoi il est pertinent de savoir comment animer une balle rebondissante pour d'autres types d'animation. Le truc, c'est que même un cycle de marche peut être décomposé en une boule rebondissante. Le corps et la tête peuvent être décomposés en boules rebondissantes avant d'ajouter les bras et les jambes. D' accord, c'est tout pour la théorie du ballon rebondissant, dans la prochaine vidéo, je vais vous montrer comment je le fais. 8. Animer une balle rebondissante : Pratique: Animons une balle rebondissante. Quand j'anime une balle rebondissante, j'anime toujours tout droit devant. Cela signifie que je commence avec la première pose et j'anime à partir de là. Commencez par dessiner votre première pose , puis il peut être intelligent de marquer la hauteur de cette pose, car pour chaque rebond, la balle va perdre de l'énergie. Ici, vous avez votre première pause. Tu vas à la prochaine image. Assurez-vous que vous avez mis en marche afin que vous puissiez voir le cadre précédent, puis vous faites votre deuxième dessin et déplacez cela juste un peu vers le bas. J' aime vraiment rendre mon assouplissement lent au début pour rendre le rebond vraiment dynamique à mesure que la balle s'accélère. Nous allons troisième cadre, et nous le bougeons encore plus. Maintenant, notre quatrième cadre, nous le déplacons encore plus loin. Maintenant, allez à notre cinquième cadre et ici la balle commence à s'étirer à cause de la vitesse. On peut même faire cette pose ici. Le quatrième commence à s'étirer. Pour rendre l'équilibre impactant, nous pouvons faire une posture d'impact où la balle commence tout juste à toucher le sol avant qu'elle ne s'écrase. Vous voulez probablement déplacer un peu ces images vers le haut. Maintenant, nous faisons notre pose écrasée ici, la balle frappe le sol. On peut vérifier ce qu'on a. Ensuite, la balle rebondit sur le sol et elle a beaucoup d'énergie maintenant qu'elle monte. On le fait s'étendre au fur et à mesure qu'il monte. Ensuite, nous dessinons notre prochaine pose et ici, commençant à perdre une partie de cette énergie à cause de la gravité travaillant contre elle. Maintenant, nous pouvons le faire commencer à assouplir beaucoup plus. Ici, il commence à perdre beaucoup d'énergie. Il ralentit et atteint son apogée ici et il devrait redescendre. Accélération. On peut commencer à y ajouter un peu d'étirement. Nous pouvons faire une pose d'impact et il s'écrase à nouveau, mais il s'écrase un peu moins maintenant depuis qu'il a perdu une partie de son énergie. Maintenant, nous vérifions que c'est à la recherche, voir si nous devons réparer quelque chose. Ça a l'air bien. Puis la balle sort du sol à nouveau, je l'étire un peu moins maintenant, parce que son perdu encore plus d'énergie. S' enlève. Je vais faire le prochain cadre. Maintenant, ça ne va pas du tout haut. Ralentit, puis recommence à tomber. Maintenant, il ne s'étire pas beaucoup du tout. L' impact est encore moins présent. [ inaudible] à quoi cela ressemble. Maintenant, il a perdu encore plus d'énergie. Il s'étire à peine du tout. Ralentit très vite, comme vous redescendez. Maintenant, il ne s'écrase pas beaucoup du tout. Il rebondit à nouveau. Maintenant, il n'a pas de hauteur et donc je devrais descendre. On a juste un peu de squash. Il remonte, ralentit, descend. Et il a un dernier petit squash quand il atteint sa position finale. Maintenant, nous faisons ce cadre entier. C' est un ballon de base. Pour cette mission, je veux que vous animiez un rebond de balle. Je veux que vous animiez sur 24 images par seconde sur 2s et je veux que vous animiez au moins une balle. Avant de commencer à animer, je veux que vous réfléchissiez à ce qu'une balle est faite et à quel point elle pèse. Ensuite, en utilisant les principes de l'animation, je veux que vous transmettiez le poids et le matériel corrects dans votre animation. Une fois que vous avez terminé, j'aimerais que vous exportiez un GIF et que vous le publiiez dans la communauté. S' il vous plaît commenter avec votre poignée Instagram, si vous souhaitez avoir une chance de vous présenter. Bonne chance. 9. Animer un texte liquide : Théorie: Il est temps que nous essayions d'animer un texte liquide. Pour animer un texte comme celui-ci, nous devons utiliser quelques principes, le principal étant les arcs et l'assouplissement, mais nous allons aussi faire quelques étirements et dépassements. Pour faciliter l'animation des textes, j'aime le diviser en parties séparées et faire chaque partie seule au lieu d'animer le tout à la fois. Je commence par prendre le texte que je veux animer et dessiner sur des arcs pour que les blobs de couleur suivent. J' essaie de faire varier les arcs pour les rendre plus intéressantes. Quand j'ai mes arcs, je marque à peu près le timing que je veux pour les blobs de couleur, et j'aime le rendre assez accrocheur en le faisant aller vite autour des courbes de l'arc. Après cela, il s'agit juste de dessiner vos cadres. Vous pouvez jouer avec différents types d' animations que les blobs s'installent dans les lettres. Soit faire un dépassement ou peut-être une action secondaire de petits blobs se séparant du grand. Parfois, quand je fais cette animation de textes liquides, je brise le principe du dessin solide et squash et étire les blobs comme bon me semble. Dans la vidéo suivante, je vais vous montrer comment je fais cette animation. 10. Animer un texte liquide : Pratique: Commencez par créer un calque avec les textes que vous souhaitez animer. Après cela, créez un nouveau calque et dessinez les arcs que vous souhaitez suivre vos blobs. J' aime varier autant que possible la taille et la forme de mes arcs pour rendre l'animation plus amusante. Sur les arcs, vous pouvez dessiner approximativement là, facilitant votre planification. Faites attention lorsque vous planifiez votre assouplissement. Vous ne voulez pas que votre animation accélère ou ralentisse aux mauvais moments. Une fois vos arcs planifiés, vous créez un nouveau calque et vous commencez à dessiner dans vos cadres. J' anime à 24 images par seconde, et je tiens chaque dessin pour deux images. Comme je l'ai mentionné dans la partie théorique, il est plus facile de diviser chaque partie du texte en couches séparées. Ici, je vais vous montrer comment animer une partie d'une lettre. Assurez-vous que votre animation suit correctement les arcs. Sinon, l'animation ne coulera pas très bien. J' aime ajouter les petits blobs qui se détachent du grand. Cela rend l'animation un peu plus intéressante. Il est facile d'en faire trop, alors n'en faites pas trop. Pour ce texte, j'ai décidé de ne pas dépasser l'action principale alors qu'elle s'installe dans sa pose finale. Mais au lieu de cela, j'ai ajouté une action secondaire avec des blobs volant hors du principal. Mais c'est à vous de décider et comment vous l'aimez. Une fois que vous avez fait votre première partie, vous n'avez qu'à appliquer le même principe à toutes les autres parties. Je vais accélérer la prochaine partie de la vidéo pour voir le résultat final. Mais n'hésitez pas à passer à la fin de la vidéo pour la mission. Ok, donc c'est comme ça que j'anime un texte liquide. Donc, pour cette mission, je veux que vous conceviez un texte ou trouvez une police que vous aimez et que vous voulez animer de cette façon, trouver un mot amusant ou peut-être votre nom et créer une animation liquide de celui-ci. Je veux que vous animiez en 24 images par seconde. Et je veux que vous teniez chaque dessin pour deux images. Faites de votre tableau d'art 1080 par 1080 pixels, et votre animation finie ne devrait pas être inférieure à dix secondes. Pour cette tâche particulière, je veux que vous pratiquiez votre assouplissement et dessiniez de bons arcs. Mais vous pouvez également expérimenter avec l'action secondaire, écrasement et étirement, dépassement, ajouter ce que vous voulez. Une fois que vous avez terminé, je veux que vous exportiez un GIF et le téléchargez dans la communauté pour que les autres étudiants puissent le voir. 11. Animer des drapeaux et des mouvements de vagues : Théorie: Nous allons regarder la théorie de l'animation d'un drapeau, et de l'animation du mouvement des vagues en général. Savoir bien animer un drapeau, il vous aidera avec beaucoup d'autres animations aussi, comme le mouvement peut être utilisé dans de nombreux endroits différents. Par exemple, la fumée peut être décomposée en mouvement d'onde de base comme vous le voyez ici. L' herbe se balançant dans le vent est aussi un mouvement de vague d'avant en arrière. Il peut également être appliqué à beaucoup d'autres choses, comme les vêtements sur un personnage en mouvement, cheveux se balançant dans le vent, etc. Selon le type de mouvement de vague que je fais, soit j'anime droit devant ou poste à poste. Pour les mouvements plus organiques comme la fumée, j'anime tout droit devant. Mais pour un drapeau en boucle, je fais toujours mes poses clés et ensuite entre les deux. Voici une panne d'un mouvement d'onde de base. Lorsque vous animez ces types de mouvements d'onde, il peut être agréable que je chevauche l'action en faisant glisser la fin de l'onde comme ceci. Cela doit être dicté par le genre d'objet que vous animez. Un drapeau de base peut être décomposé en deux poses clés. Le premier est une vague de base comme celle-ci, et le second post est l'inverse de cette vague, comme ceci. Lorsque vous avez vos deux poses clés, il s'agit simplement d'ajouter les cadres entre les deux. Plus vous ajoutez d'entre-deux à la boucle, le drapeau se déplace lentement, et moins vous ajoutez entre les deux, plus vite le drapeau se déplacera. Rappelez-vous, celui-ci et que le drapeau est bien sûr collé au pôle, sorte qu'il ne bouge pas, tandis que l'autre extrémité peut bouger autant que vous voulez. Assurez-vous que le choix se déplace toujours dans la bonne direction ou que votre drapeau clignote d'avant en arrière. C' est tout pour le tutoriel du drapeau. Dans la vidéo suivante, je vais vous montrer comment le faire. 12. Animer des drapeaux et des mouvements de vagues : Pratique: Maintenant, je vais vous montrer comment animer un drapeau simple. Quand j'anime un drapeau comme celui-ci qui est censé boucler, j' anime toujours la pose à poser parce que cela le rend beaucoup plus facile. Mais si je veux faire un drapeau plus dynamique, j'animerais tout droit pour vraiment avoir cette sensation organique que vous obtenez quand vous dessinez un cadre après l'autre. Je commence par faire ma première pose, qui va juste être une simple vague, et nous avons seulement besoin de faire une vague parce que nous devons prendre toute cette couche et nous allons la faire dupliquer et la mettre ici pour que nous n'ayons pas pour faire les deux vagues. Voici votre première pose. Vous voulez aller de l'avant sur vos cadres et activer votre dérapage, puis vous voulez faire la pose opposée. Gardez à l'esprit que c'est là que le drapeau est connecté au sondage. Cet endroit sera toujours au même endroit. Tu dessines le contraire de cette pose, quelque chose comme ça, et j'ai fait ça sur le cadre 7 ici, et on s'anime sur 2s. Il y aura trois dessins avant d'atteindre la prochaine pose clé. Ensuite, nous allons boucler sur le cadre 13, donc ces deux sont les mêmes poses, puis le milieu est le contraire. Maintenant, je vais à mon deuxième dessin ici et j'ai encore mon dérapage pour pouvoir voir mes deux poses clés. Nous voulons dessiner la pose qui se situe entre ces deux poses. On ne veut pas aller jusqu'ici. Ça ressemblera à quelque chose comme ça. Ce point ici, atteindra ici. On peut en fait faire un peu plus haut. Maintenant, nous dessinons un cadre entre ici, cette bosse sera maintenant entre ces deux bosses. Quelque chose comme ça, et si nous bouchons ça, nous obtenons ça. Maintenant, nous faisons la même chose à partir de la deuxième pose clé, retour à la première pose clé. C' est tous les cadres dont nous avons besoin. Maintenant, nous supprimons cette dernière image ici qui est la même que la première image, et ensuite nous bouclons ceci, nous avons un mouvement d'onde de base. Maintenant, nous pouvons prendre ce calque et le dupliquer, et une fois qu'il est dupliqué, nous voulons saisir tous ces cadres, nous les tirons vers le bas, nous les plaçons là. Maintenant, nous avons presque un drapeau. Pour rendre cela juste un peu plus fantaisie, nous pouvons saisir toutes ces images et sur Mac vous pouvez appuyer sur « Alt » et les faire glisser. Maintenant, nous les avons bouclés deux fois et vous voulez supprimer ces cinq images ici. Nous compensons la vague d'une image. Nous pouvons supprimer ce cadre ici. Maintenant, ces ondes sont décalées avec une seule image. La dernière chose que nous devons faire maintenant est d'ajouter une autre couche, et maintenant nous attachons juste ce drapeau ensemble. Maintenant, vous pouvez appuyer sur « Play » et nous avons eu un drapeau vraiment basique. Cette affectation est divisée en deux parties. D' abord, je veux que vous animiez une boucle de drapeau. Pour cette partie, je veux que vous pratitiez votre pose pour poser de l'animation, séparer vos deux poses clés, puis animer l'entre-deux. Pour la deuxième partie, je veux que vous pratitiez l'animation tout droit avec un mouvement plus organique. Je veux que vous animiez un drapeau droit devant et celui-ci n'a pas à boucler, donc vous pouvez devenir un peu plus fou ici. Je veux que vous animiez en 24 images par seconde sur 2s et une fois que vous avez terminé, veuillez exporter un GIF à 1080 x 1080 pixels et le poster dans la communauté. Amuse-toi bien. 13. Animer un walk cycle : Théorie: Le cycle de marche de base est l'une des choses les plus importantes pour notre animateur débutant à maîtriser. Les cycles de marche sont une chose très courante à animer lorsque vous travaillez en tant qu'animateur, et c'est l'une des actions les plus élémentaires d'un personnage, et c'est aussi quelque chose sur lequel vous pouvez grandement construire. Un cycle de marche peut en dire beaucoup sur un personnage. Le personnage est-il heureux ou peut-être triste ? Elle pense à quelque chose ? Ou peut-être qu'il ne sait même pas à quoi il pense ? Est-ce qu'un personnage fait une action, comme jouer le tambour ? Ou est-ce qu'un personnage fuit même quelqu'un. Il est également très courant pour les studios d'avoir une exigence selon laquelle les animateurs qui postulent stage ou à un poste junior doivent avoir au moins un cycle de marche dans leur portefeuille. L' objectif avec ces dernières leçons est de vous donner votre départ. Pour la première fois animer un cycle de marche, il peut se sentir un peu accablant. Mais ne craignez pas, le cycle de marche peut être décomposé relativement facilement, et je vais vous montrer comment. Comme pour la plupart des animations, la façon la plus simple d'aborder le cycle de marche est de le décomposer en poses clés. Les deux poses clés les plus élémentaires d'un cycle de marche sont la pose de contact et la pose de passage. Juste avec ces deux poses, vous êtes fondamentalement plus vieux d'avoir quelque chose qui ressemble à un cycle de marche, juste pas un très bon. Nous devons ajouter deux poses supplémentaires pour rendre les promenades comme bon look, ces deux processus sont la pose vers le bas qui vient après la pose de contact que le personnage attrape son poids sur la jambe avant. La quatrième pose, c'est la pose vers le haut, cela vient après la pose passante, et c'est une pose où le personnage est aussi haut que possible. Une fois que nous aurons ces quatre poses clés du cycle de marche, le résultat ne sera pas trop mauvais. Cela serait suffisant pour certains cas stylisés où vous travaillez sont extrêmement faible fréquence d'images. Mais bien sûr, nous voulons le rendre lisse. Normalement, les gens font un pas toutes les demi-secondes, complétant un cycle complet en une seconde. Sachant que j'en ajoute habituellement un entre la pose vers le bas et la pose passant, et un entre la pose vers le haut, et la pose de contact suivante, totalisant six dessins pour une étape et 12 dessins pour un cycle complet en deux étapes. Voici un exemple d'un cycle de marche très basique où tout se déplace uniformément. Comme vous pouvez le voir, le cycle de marche peut être décomposé en deux balles rebondissantes, pour faciliter l'animation. Je commence habituellement avec mes deux poses clés, la pose de contact et la passe et pose, puis je les dessine avec une balle pour la tête et une pour le corps. Je procède ensuite à l'animation des mouvements de haut en bas de la tête et du corps. Après cela est fait pour le cycle complet, je dessine sur le personnage sur le dessus. Séparer la tête et le corps comme ça rend beaucoup plus facile lorsque vous voulez décaler le mouvement de la tête vers le corps. Quelque chose d'autre à recommander lorsque vous faites un cycle de marche est de diviser votre personnage sur différentes couches, sorte que vos bras et vos jambes aient tous leurs propres couches et votre corps et votre tête sont également séparés. Cela rend plus facile de compenser le balancement des bras, et le pompage de la tête. Combalancer les bras et la tête est un moyen facile de rendre vos promenades comme un regard beaucoup plus intéressant. Voici un exemple de cycle de marche de base, et voici un exemple de cycle de marche décalé. Pour un cycle de marche décalé de base, vous suffit de décaler la tête et les bras d'un seul dessin. Mais si vous voulez styliser votre personnage et le faire sentir heureux ou triste, vous pouvez essayer de pousser les cadres vers l'arrière ou vers l'avant avec un ou plusieurs dessins. C' est tout pour la théorie. Dans la vidéo suivante, je vais vous montrer comment j'anime un cycle de marche. 14. Animer un walk cycle : Pratique: Bon, maintenant je vais vous montrer comment animer un cycle de marche de base. Quand j'anime, un cycle de marche, j'anime pose pour poser. Cela rend le briser beaucoup plus facile. Ici, j'ai commencé avec la pose de contact. C' est la pose que nous sommes les deux jambes qui touchent le sol. Une étape prend environ une demi-seconde, donc nous voulons copier cette pose et l'inverser à Frame 13. Je vais diviser ce personnage en trois couches parce que nous voulons décaler la tête et les bras vers le reste du corps. Je vais aller de l'avant et copier ça, mais je veux inverser cette pose. Donc cette jambe va maintenant être devant. Je vais aller de l'avant et inverser les jambes et les bras comme ça, et ici nous avons deux poses de contact. Maintenant, nous voulons ajouter la pose de passage entre ces deux poses. Je vais aller de l'avant et coller tout ici. Je veux activer l'échelle est maintenant pour que je puisse voir les deux poses précédentes. Très bien, donc avec la pose de passage, la jambe qui était devant va maintenant être droite sous le corps, et cela va pousser le corps et la tête vers le haut. On va bouger tout ça, et ensuite on pourra dessiner dans la jambe juste en dessous, comme ça. Maintenant, vous avez cette jambe qui passe sous le corps et puis de retour. Nous voulons dessiner cette jambe arrière ici, passant sous le corps, à peu près comme ça. Ensuite, nous voulons ajouter les bras, et pendant la pose de passage, le bras sera presque droit le long du corps comme ceci. On veut voir le bras arrière. Mais vous pouvez le dessiner en faisant allusion aussi si vous voulez. D' accord. C'est donc notre processus trois clés. Maintenant, on peut aller de l'avant et ajouter les poses entre les deux. Après la pose de contact, nous avons eu la pose vers le bas. C' est quand le genre de personnage se penche dans son poids sur la jambe. Je vais aller de l'avant et placer le pied ici. Il est bon de garder un espacement uniforme ici, sorte que vous marchez cycle sera même quand vous jouez. Sinon, votre personnage glissera autour si vous placez les pieds de manière inégale. Ce pied serait là, et pour le prochain cadre placera le pied quelque part par ici. D' accord. Donc ici, je vais dessiner la jambe en se penchant un peu et mettre le corps encore plus bas ici. Ici, le pied commence à se détacher du sol, quelque chose comme ça. Maintenant, pour la tête, la tête tomberait avec le corps ici, et les bras commenceront à entrer vers le corps quelque chose comme ça. D' accord. Ensuite, nous voulons ajouter l'intervalle entre le bas et la pose de passage. Il a allumé votre dérapage. Nous voyons le processus. On peut aller de l'avant et copier la tête. Ici, la tête monte, et de même avec le corps qui commence à monter vers la pose qui passe. Ce pied va maintenant être ici en commençant à se redresser et à pousser le corps vers le haut et le corps vers le haut etentre la jambe ici, comme ça. Ensuite, nous ajouterons les bras, pour que les bras soient entre ici. Ici, nous avons un demi-pas. Maintenant, nous voulons faire la même chose pour les deux dernières images ici. suite après la pose de passage, nous aurons la pose vers le haut. C' est là que le personnage va le plus haut possible. On dessine le corps ici et là, il commence à monter sur ses orteils alors il pousse le corps comme ça. La jambe arrière commence à sortir. On peut faire les pieds un peu derrière. D'accord. Le bras monte, et le bras arrière sort ici maintenant. D' accord. Maintenant, nous voulons ajouter l'entre-deux, sorte que le personnage tombe dans la pose de recontact ici. Là, nous voulons ajouter le dernier cadre des bras ici. D' accord. Donc, ici, nous avons notre premier pas, et maintenant nous pouvons jouer et voir si cela fonctionne. Ça a l'air plutôt bien. Maintenant, je vais aller de l'avant et faire la même chose. Mais avec l'autre jambe, alors obtiendra une marche complète en deux étapes. D' accord. Alors maintenant je vais aller de l'avant et copier la première pose de contact et coller sur Frame 25, et ça va être notre boucle. Nous ne verrons pas ce cadre, parce qu'alors nous aurons la même flamme jouant deux fois, mais nous allons la coller ici pour que nous puissions l'intercaler plus facilement. Maintenant, je vais continuer et faire l'étape suivante. Après ça, on va décaler la tête et les bras. Je suis allé de l'avant et j'ai animé la deuxième étape. J' ai juste copié les cadres que nous avons faits et j'ai inversé le bras et la jambe, donc c'est ce qu'on a eu. Nous pouvons aller de l'avant et supprimer la dernière pose de contact ici parce que c'est le même que le premier. Un moyen facile de rendre cela un peu plus amusant est juste de décaler les bras et les jambes avec un seul cadre. Pour ce faire, nous voulons prendre ce dernier cadre ici et le mettre à l'avant. Je vais aller de l'avant et déplacer ce cadre sur le même avec les bras. Maintenant, nous pouvons supprimer cette copie, nous avons un décalage de la tête par rapport au corps et le balancement est également décalé par rapport au corps. C' est comme ça qu'on fait un cycle de marche de base. 15. Votre projet: Pour la dernière affectation de ce cours, je veux que vous preniez tout ce que vous avez appris et que vous l'utilisiez pour animer votre propre cycle de marche. Les spécifications de cette affectation sont de 24 images par seconde animées sur deux, et le g final devrait être de 1080 par 1080 pixels. Je veux que tu fasses un cycle de marche en deux étapes. Je veux que vous conceviez un personnage propre, ou vous pouvez utiliser l'un des caractères que j'ai attachés dans l'onglet ressource si vous ne voulez pas faire votre propre conception. Lorsque vous commencez à ébaucher votre cycle de marche, n'oubliez pas d'utiliser les poses de clés correctes. Vous pouvez revenir à la partie théorique si vous avez besoin d' aide pour vous souvenir de ce que sont ces poses. Je veux d'abord que tu fasses une animation grossière de ton cycle de marche, comme je l'ai fait dans la dernière vidéo. Dessinez sur votre pose de conception et commencez à dessiner les clés à partir de là. Une fois que vous êtes entre votre rugueux et que vous avez fait les deux étapes du cycle de marche, je veux que vous fessiez une nouvelle couche et dessinez le dessin final. Une fois que votre cycle de marche en boucle est terminé et nettoyé, je veux que vous l'exportiez comme gif et le publiez dans la communauté pour que tout le monde le voie. Comme je l'ai déjà dit, toutes les deux semaines, je vais choisir trois de mes animations préférées de la communauté et partager sur mes histoires Instagram. Bonne chance. 16. Conclusion: Félicitations, vous l'avez fait à travers les bases de l'animation. J' espère que vous avez trouvé ce cours utile et que vous avez beaucoup appris sur l'animation traditionnelle. Au cours de ce cours, nous avons parcouru tout des principes de l'animation et comment les appliquer à notre propre travail et nous avons fait notre premier cycle de marche animateur. À l'avenir, j'aimerais voir comment vous appliquez ce que vous avez appris ici à votre propre travail et j'aimerais que vous soyez actifs dans la communauté. Enfin, je tiens à vous remercier beaucoup d'avoir suivi ce cours et de garder les yeux ouverts pour tous les cours à venir.