Les bases de la photographie : Comprendre les principes de base

1. Introduction du cours: Quand il s'agit d'apprendre la photographie, honnêtement, il y a tellement d'informations là-bas que cela peut être écrasant. J' ai toujours senti qu'il n'y a que quelques choses que vous devez vraiment savoir pour prendre de bonnes photos quand vous débutez en tant que photographe. Une fois que vous comprenez ces choses les plus fondamentales de la photographie, c'est à vous de prendre ces choses, de sortir, de tourner, pratiquer et de grandir en tant que photographe. Je m'appelle Sean Dalton et je viens de San Francisco, Californie. Depuis quelques années, je travaille en tant que photographe de voyage et de mode de vie dans toute l'Asie, poursuivant des projets qui m'intéressent, des projets qui m'inspirent et qui continuent à grandir en tant que photographe. Quand j'ai commencé en tant que photographe, je pense que je me sentais comme beaucoup de gens, peut-être ce que tu ressens, je me sentais vraiment créatif. J' ai eu l'impression de pouvoir capturer beaucoup de choses différentes. Mais pour être honnête, je ne savais même pas comment régler correctement mon ouverture, et au lieu d'être un outil, la caméra était en fait une barrière pour moi parce que je ne savais pas comment l'utiliser correctement. Une fois que j'ai appris le côté technique de la photographie, elle m'a vraiment ouvert des portes de façon créative et je pouvais vraiment me libérer, et je pouvais vraiment capturer n'importe quelle vision artistique que j'avais dans mon esprit, je pouvais capturer dans une photographie. En bref, nous allons couvrir essentiellement tout ce que vous devez savoir sur la façon de prendre de bonnes photos. Cela inclut des choses comme la façon de choisir les meilleurs paramètres de l'appareil photo pour capturer la photo que vous voulez, et comment utiliser efficacement la mise au point manuelle et la mise au point automatique. Comment clouer la composition parfaite. Comment trouver la lumière parfaite pour toutes les scènes, comment trouver vos propres styles photographiques uniques ou le processus que vous pouvez prendre pour développer votre propre style unique et se démarquer de la compétition. Comment établir un média social fort suivant en tant que photographe, qui est vraiment important à ce jour et à l'âge. Ensuite, je vais vous donner quelques conseils cruciaux en matière de retouche photo en vous expliquant comment modifier ces photos du début à la fin. Bref, nous allons couvrir toutes les choses les plus cruciales que vous devez savoir pour prendre de meilleures photos. Je pense que ce sont des choses que chaque photographe a vraiment besoin de savoir. De plus, je vais vous fournir beaucoup d'exemples, animations pour vous aider à vraiment comprendre les sujets dont nous allons parler ou pour vous faciliter la compréhension, je pense que cela vous aidera vraiment. Ce cours a été conçu pour tous ceux qui veulent juste prendre de meilleures photos, ou pour ceux qui veulent devenir un meilleur photographe en général. Peut-être que vous êtes quelqu'un qui veut juste comprendre comment mieux utiliser l'appareil photo, ou peut-être que vous êtes quelqu'un qui aspire à être un photographe professionnel un jour. Bref, si vous cherchez à améliorer vos compétences en photographie, ce cours vous couvre. Si vous n'avez pas de reflex numérique ou d'appareil photo sans miroir et que tout ce que vous avez est votre smartphone, c'est très bien. Beaucoup de ces sujets que nous allons discuter dans ce cours sont en fait pertinents pour n'importe quel appareil photo que vous pourriez avoir. Avec ça dit les gars, commençons. 2. Projet du cours: Nous sommes enfin arrivés aux projets de cours et c'est un projet que j'ai fait quand j'ai suivi un cours de photographie à l'école et c'est le projet qui passe, fait de moi un meilleur photographe. C' est la seule activité dont je me souviens d'avoir suivi cette classe à l'université et cela m'a tellement aidé à devenir un meilleur photographe. Le projet est d'aller dehors, trouver quelque chose qui est intéressant, ou peut-être que ce n'est même pas intéressant peut-être que c'est juste quelque chose normal et tirer sur cette chose 50 fois, peut-être que c'est votre voiture ou une bouche d'incendie, un arbre ou un basket-ball, quoi que ce soit. Prenez votre appareil photo et prenez 50 photos différentes de cet objet avec 50 compositions différentes. Pour réaliser ce projet, vous devez vraiment, vraiment, vraiment penser hors des sentiers battus et vraiment pousser votre créativité. Habituellement, quand on voit quelque chose, on ne pense qu'à une ou deux façons de le filmer, mais si on essaie vraiment d'obtenir des compositions différentes et d'obtenir des photos vraiment intéressantes, cette activité sera incroyable pour vous. Quelques conseils sont de se déplacer à la fois verticalement afin, tirer d'en haut, tirer d'en bas, puis aussi horizontalement. Alors tirez-le du côté droit, tirez-le du côté gauche et tirez-le du côté gauche et puis aussi profondeur sage donc retirez-vous et tirez dessus, obtenez vraiment, vraiment près et tirez sur certains des différents détails sur elle, et pensez vraiment à l'extérieur la boîte et essayer de trouver quelque chose d'unique. Après avoir fait cela, après avoir capturé ces 50 photos, revenez au cours et publiez vos photos préférées de cette séance ici dans le projet de cours. Vous voulez poster tous les 50, poster tous les 50 mais une photo est honnêtement bien. Peut-être juste votre photo préférée de cette activité. Croyez-moi, ce n'est pas un exercice facile dont je me souviens avoir eu des difficultés quand j'étais à la fac, j'ai dû tirer sur une bouche d'incendie et je ne pouvais pas trouver différentes façons de le tirer. Mais j'ai vraiment obtenu des photos vraiment uniques de ces photos d'activité que je n'aurais vraiment jamais prises avant de faire ça. Donc, je pense vraiment que c'est une leçon géniale et vraiment utile pour vous et non seulement améliorer votre composition, mais apprendre à mieux travailler et juste penser hors des sentiers battus en général. J' espère vraiment que tu prendras le temps de faire ça. J' adore te regarder comme projet, surtout celui-ci. C' est mon projet préféré, alors s'il vous plaît prenez le temps de le faire. Je vais les vérifier. D' autres étudiants du cours, nous allons les vérifier aussi et j'ai hâte de voir ce que vous venez avec. 3. Paramètres de l'appareil photo: La première chose dont nous devons discuter est le fonctionnement de votre appareil photo. C' est la pièce la plus fondamentale de la photographie. Nous utilisons des caméras comme outil. En tant que photographes, c'est notre outil. Si nous ne savons pas comment utiliser correctement la caméra, alors nous ne pouvons pas vraiment capturer ce que nous voulons vraiment capturer. Nous ne pouvons pas nous libérer de façon créative. Donc, en bref, les caméras fonctionnent en capturant la lumière. Chaque fois que vous entendez ce clic, c'est essentiellement l'obturateur qui s'ouvre et lumière pénètre dans la caméra. Qu'est-ce que ça veut dire ? Eh bien, à l'intérieur de chaque caméra, il y a ce que vous appelez une boîte noire. Elle est dépourvue de toute lumière. Il fait complètement sombre et dans cette boîte noire il y a un capteur. capteur est ce qui enregistre toutes les informations entrant dans la caméra, enregistre toute la lumière entrant dans la caméra. Parce que les caméras capturent la lumière, nous devons dire à la caméra combien de lumière elle a réellement besoin pour capturer. La raison en est que cela affecte la luminosité de notre image. Si nous avons trop de lumière qui pénètre dans l'appareil photo, nos photos seront ce qu'on appelle surexposées, qui est beaucoup trop lumineux. Si nous n'avons pas assez de lumière dans l'appareil photo, alors notre photo sera trop sombre. Ainsi, il est vraiment important pour nous de réguler la quantité de lumière qui pénètre dans l'appareil afin que nous puissions avoir une photo qui est correctement exposée et qui semble vraiment bien. C' est exactement ce que nous faisons quand nous tournons en mode manuel. Au lieu de permettre à la caméra de choisir la quantité de lumière qui pénètre dans notre caméra, nous choisissons, nous lui indiquons la quantité de lumière que nous voulons entrer dans la caméra. La raison pour laquelle nous voulons tirer manuellement au lieu de permettre à la caméra de choisir la quantité de lumière entre, est que toutes les choses qui affectent quantité de lumière entre dans la caméra ont également un autre effet, un sur l'image. Il y a trois paramètres différents que nous devons ajuster pour contrôler la quantité de lumière qui pénètre dans notre appareil photo. Seulement trois. Nous devons créer un équilibre entre ces trois choses afin d'obtenir la bonne exposition. Ces trois choses sont la vitesse d'obturation, l'ouverture et l'ISO. Ces trois choses comprennent ce que nous appelons le triangle d'exposition, qui est un joli petit diagramme qui nous aide à comprendre comment ils affectent tous l'exposition de notre image. Ces trois choses affectent l'exposition de notre image, ce que nous avons déjà dit, mais elles ont aussi leur propre effet unique. Une fois que vous aurez compris l'effet que chacune de ces choses a sur votre image, vous serez en mesure de capturer n'importe quelle image que vous voulez capturer et vous pouvez également utiliser n'importe quel appareil photo dans le monde car ils fonctionnent tous exactement de la même manière. Le premier des trois paramètres dont je veux parler est la vitesse d'obturation. Maintenant, la vitesse d'obturation est indiquée par un nombre, donc une seconde, 1/100e de seconde, 1/4000e de seconde, etc Rappelez-vous comment je vous ai dit comment il y a un petit miroir qui retourne vers le haut et puis retourne vers le bas pour permettre à la lumière de entrer dans la caméra, eh bien, la vitesse de ce film, ce miroir est la vitesse d'obturation. La vitesse d'obturation régule la quantité de lumière entrant dans votre appareil photo simplement en fonction de la durée d'ouverture de l'obturateur. Plus l'obturateur est ouvert, plus la lumière pénètre dans la caméra. Plus l'obturateur est court, moins la lumière pénètre dans l'appareil photo. C' est assez facile à comprendre et vous pouvez réellement le voir et l'entendre quand vous regardez un appareil photo. Prenons deux photos ici et je veux que tu regardes à l'intérieur de la caméra, et je veux aussi que tu écoutes. Chaque fois que vous prenez une photo, vous entendez deux clics. Le premier clic est l'ouverture de l'obturateur, et le second clic est la fermeture de l'obturateur. Pour ce premier coup, je vais le prendre à une vitesse d'obturation très rapide, ce qui signifie que peu de lumière va entrer dans la caméra. Écoute à quel point c'est rapide. C' est très rapide. Cela ne permet pas à beaucoup de lumière d'entrer dans notre appareil photo, ce qui entraînera une image plus sombre. Laissez-moi vous montrer l'autre côté, une exposition très lente, ce qui signifie que nous laissons l'obturateur ouvert pendant une longue période, permettant à beaucoup de lumière d'entrer dans la caméra. Je vais faire une exposition d'une seconde ici. Encore une fois, écoutez et regardez. Beaucoup plus long que le 1/4000ème de seconde que nous avons fait sur le dernier. Laisse-moi recommencer. Vous l'entendez cliquer vers le haut, puis cliquez vers le bas. C' est la vitesse d'obturation en fonction de la lumière et de la quantité de lumière qui pénètre dans la caméra. Mais, rappelez-vous que j'ai dit que tous les trois de ces réglages de vitesse d'obturation , d' ouverture et d'ISO ont également leur propre effet créatif sur la photo. Maintenant, l'effet créatif de la vitesse d'obturation est la capacité à geler le mouvement et, ou flotter le mouvement. Plus votre vitesse d'obturation est rapide, plus vous serez en mesure de geler. Sélectionnez les photographes sportifs, ils tournent avec une vitesse d'obturation très rapide, sorte que tout est net et zéro flou de mouvement. Si vous photographiez avec une vitesse d'obturation lente où vous allez avoir plus de flou de mouvement dans votre photo, s'il y a des choses dans votre photo qui bougent. Ce diagramme nous aide vraiment à comprendre l'effet créatif de la vitesse d' obturation et comment il nous permet de geler le mouvement. Ce diagramme prend en compte non seulement la quantité de lumière entrant dans la caméra, mais aussi l'efficacité créative de la vitesse d'obturation, qui est la capacité de geler le mouvement. Sur la gauche, nous avons moins de lumière avec une vitesse d'obturation plus rapide. Donc 1/2500, qui est une vitesse d'obturation assez rapide, vous allez pouvoir geler beaucoup de mouvement avec ça. C' est pourquoi nous voyons ce petit homme complètement net, gentil et pointu, et c'est parce que nous utilisons cette vitesse d'obturation rapide. l'autre côté, nous avons une exposition d'une seconde, ce qui signifie que nous laissons beaucoup de lumière dans notre appareil photo, mais nous avons aussi ce regard floue. Maintenant, une chose à noter est qu' y a pas de bien ou de mal. C' est une fonctionnalité créative. Beaucoup de photographes utiliseront une gamme de vitesses d' obturation pour capturer le look qu'ils veulent. Par exemple, si vous faites du sport, vous allez vouloir tirer à une vitesse d'obturation très rapide comme 1/2500 ou 1/1500, ou parfois ils vont même plus haut que cela, 1/4000. Si vous tirez sur votre ami en marchant dans la rue, vous pouvez généralement tirer à 1/500ème de seconde ou 1/250ème de seconde. Ils sont généralement assez bons et notez que mes caméras traînent souvent à ces vitesses d'obturation. Ensuite, si vous êtes photographe de paysage et que vous voulez capturer un océan flou avec les vagues bleues, ou peut-être que vous tournez dans une ville et que vous voulez attraper comme beaucoup de flux de lumière des voitures. Vous pouvez tirer à une exposition d'une seconde. Vous pouvez même tirer à une exposition de 30 secondes. J' ai vu un gars tirer à une exposition de 200 secondes, il a juste donné aux photos un look si cool parce qu'il permettait tellement de flou de mouvement dans l'image qu'il était complètement flou dans certaines zones, mais incroyablement net dans les zones qui n'étaient pas déplacer de sorte qu'il est un effet créatif. Quand vous voyez ces photos des étoiles dans le ciel avec des traces d'étoiles, elles sont dingues comme une exposition de 5 à 30 minutes où elles laissent la caméra ouverte pendant si longtemps que la rotation de la Terre est en train de changer la position des étoiles dans la caméra leur permettant de capturer ces pistes d'étoiles vraiment cool. Une autre chose à noter à propos de la vitesse d'obturation est que la vitesse d'obturation annule la quantité de secousses de l'appareil photo dans votre photo. Si vous filmez à une vitesse d'obturation vraiment lente comme celle-ci, vous ne pouvez pas tenir cet appareil photo à portée de main parce que même un peu de secousse va entraîner une photo floue. La règle que j'ai toujours, c'est si je tiens la caméra dans ma main, j'essaie de ne pas aller en dessous de 1/100 de seconde pour la vitesse d'obturation car cela nous permettra de nous assurer que notre main mobile ne va pas rendre l'image floue, à moins que vous ne vouliez ce regard, mais en général, il n'a pas l'air très bon. Si vous avez un appareil photo plus moderne, certains des appareils photo les plus modernes ont comme la stabilisation d'incarnation ou les objectifs ont la stabilisation, ce qui signifie que vous pouvez descendre en dessous de ce 1/100e de seconde parce que l'appareil photo a un stabilisateur à l'intérieur permettant à l'image d'être plus nette. Ensuite, je veux parler de l'ouverture. Une ouverture est également connue sous le nom de f-stop. Une ouverture est également désignée par un nombre, et elle est généralement indiquée comme une marque sur l'objectif. Cet objectif est de 1,8, ce qui signifie que l'ouverture maximale de cet objectif est de 1,8. Maintenant, les ouvertures vont généralement de 1,2 jusqu'à F 22, et cela dépend uniquement de votre objectif. L' ouverture est assez facile à comprendre. L' ouverture est essentiellement la taille du trou dans votre objectif qui permet à la lumière d'entrer dans l'appareil photo. Fondamentalement, plus cette ouverture est large plus la lumière va entrer dans la caméra, et plus l'ouverture est petite, moins la lumière va entrer dans la caméra. Ce qui devient compliqué quand on commence à parler des chiffres, l'ouverture est bizarre. Cela n'a pas beaucoup de sens parce que plus le nombre est petit, plus l'ouverture est large. Une ouverture de F 1.8 ou F 1.4 est une ouverture très large, ce qui signifie que beaucoup de lumière pénètre dans la caméra. Alors qu'une ouverture de F 10, F 14 ou F 22, sont de très petites ouvertures, qui ne permettent pas beaucoup de lumière d'entrer dans la caméra. C' est une autre chose que vous pouvez voir dans la caméra quand vous le regardez, c'est plutôt cool. Si vous regardez dans l'objectif de cet appareil photo, vous pouvez effectivement voir un petit trou avec ce qui ressemble à des lames autour du trou. Ce trou est essentiellement notre ouverture. Maintenant, si j'ajuste l'ouverture, vous pouvez voir ce trou s'agrandir, ce qui permet plus de lumière dans la photo. C' est génial. Nous comprenons comment l'ouverture contrôle la quantité de lumière qui pénètre dans la caméra, mais quel est l'effet créatif de l'ouverture ? L' effet créatif de l'ouverture est la capacité de contrôler la profondeur du champ. Une profondeur de champ est essentiellement la quantité de flou dans une image au-delà du sujet qui est mis au point. Nous appelons aussi ceci, ce flou Bokeh. Bokeh a converti terme vraiment sexy et la photographie en ce moment parce que bokeh semble vraiment cool et il peut vraiment faire votre image look super artistique. En ce qui concerne la profondeur de champ, essentiellement, plus notre ouverture est grande, qui est un nombre inférieur dans ce cas, plus notre profondeur de champ sera faible. Plus notre ouverture est petite, ce qui signifie un plus grand nombre comme F 8 ou F 22, plus vous aurez de la concentration dans votre scène. Vous pouvez avoir la concentration jusqu'au premier plan, jusqu'à l'arrière-plan. Maintenant, les petites et les grandes ouvertures sont super importantes pour la photographie et nous utilisons toutes les ouvertures de la caméra selon le type de chose que nous tournons. Donc, par exemple, si vous voulez faire un portrait et que vous voulez avoir le visage et la concentration de cette personne et ensuite avoir tout derrière elle être vraiment sympa et déconcentré, afin que nous puissions vraiment nous concentrer sur la personne, sur le sujet. Ou pour cela, nous allons vouloir utiliser une grande ouverture. Une ouverture de F 2.8 ou F 2 ou F 1.8 ou F 1.4, c'est une ouverture super large, qui nous donnera vraiment ce look cool, unique et artistique. Mais si vous voulez capturer quelque chose comme un paysage super croustillant et avoir tout beau en focus, y compris peut-être il y a un buisson en face de vous, et puis loin au loin est une belle montagne et vous veulent avoir à la fois la brousse et la montagne en focus. Eh bien pour ça, vous allez vouloir utiliser une très petite ouverture, comme F 18 ou F 22. L' ouverture est vraiment importante pour capturer cet apprentissage vraiment créatif. Je pense qu'il a l'un des plus grands impacts sur votre photo. Une fois que vous pouvez comprendre cela, vous pouvez vraiment commencer à prendre des photos artistiques vraiment cool. Pour moi, quand j'ai compris l'ouverture, ça a vraiment aidé à cliquer sur les autres choses en place. La dernière partie du triangle d'exposition, le dernier paramètre que nous devons comprendre est ISO. ISO est également désigné par un nombre, généralement à partir de 100, ce qui est un ISO bas jusqu'à 12 500, ou même des nombres fous comme 56 000 ISO. Maintenant, en bref, la meilleure façon de le comprendre est ISO est la sensibilité du capteur. On peut être plus technique que ça, mais je pense que c'est la chose la plus importante que tu dois savoir. Il s'agit de la sensibilité de votre capteur. l'ISO est élevée, plus votre capteur sera sensible, ce qui signifie qu'il sera capable d'enregistrer plus de lumière. Plus votre ISO est faible, moins votre capteur sera sensible, ce qui signifie moins de lumière dans votre image. Quand il s'agit de réguler la quantité de lumière dans l'image, l' ISO est assez facile à comprendre. Mais l'effet unique de l'ISO peut vraiment avoir un effet fort sur votre image et pas vraiment un bon effet. C' est pourquoi j'aime appeler ISO notre dernier recours. Laissez-moi vous expliquer pourquoi. Lorsque nous augmentons notre ISO dans notre caméra, nous augmentons la sensibilité de ce capteur. Cependant, avec une plus grande sensibilité, vient une plus grande instabilité. Quand je dis plus d'instabilité, je veux dire que la caméra commence à deviner les ondes lumineuses qui entrent dans la caméra. N' a pas vraiment la stabilité de comprendre toutes les différentes ondes lumineuses qui entrent dans la caméra et de les enregistrer correctement. qui signifie que plus notre ISO est élevé, plus le bruit numérique ou le grain numérique sera dans notre image, ce qui est vraiment mauvais. Ça n'a pas l'air bien. Ce n'est vraiment pas comme le vieux grain de film que nous avions l'habitude de voir. Quand on regarde une vieille image d'une caméra de film, il y avait ce regard granuleux et vraiment artistique. Il donne à la photo une texture. Eh bien, ça a l'air super sur les caméras de cinéma, mais avec les appareils photo numériques, ça n'a pas l'air bien du tout. Tout est décoloré et ça n'a pas vraiment l'air bien. Nous voulons éviter cela autant que possible. Nous le faisons en maintenant notre ISO aussi bas que possible. La seule fois que nous augmentons notre ISO, c'est quand nous avons réglé notre ouverture, que nous avons réglé notre vitesse d'obturation et que nous n'avons toujours pas assez de lumière entrant dans la photo. Peut-être que nous tournons dans un environnement sombre ou peut-être à l'intérieur où il n'y a pas assez de lumière. Ce n'est qu'alors que, en dernier recours, que nous augmentons notre ISO. Comme je l'ai dit, l'ISO peut vraiment affecter négativement la qualité de votre image. Je veux que tu expérimentes avec ça. Prenez une image à 100 ISO, puis ajustez l'appareil photo, puis prenez une autre image à l'ISO maximum que votre appareil photo peut retirer. Que ce soit 6 400 ou jusqu'à 32 000, quel que soit ce chiffre, prenez une image de cela, zoomez et regardez l'image. Ça va avoir l'air radicalement différent. Maintenant que nous avons parlé des trois morceaux du triangle d'exposition, et nous avons parlé des choses créatives qu'ils font aussi. On doit en parler ensemble. Dans cette leçon suivante, nous allons parler de la façon dont vous pouvez les équilibrer tous les trois pour capturer l'image que vous voulez capturer. 4. Équilibrer l'exposition: équilibrage de notre exposition devient en fait assez facile une fois que nous comprenons l'ouverture, vitesse d' obturation et l'ISO, les trois éléments qui contrôlent la quantité de lumière entrant dans notre caméra. Comment savoir si nous avons une exposition équilibrée ? Comment pouvons-nous savoir qu'il y aura la quantité parfaite de lumière qui pénètre dans la caméra et pas trop ou trop peu ? Eh bien, la caméra nous dit combien de lumière pénètre dans la caméra. Il nous dit qu'avec une petite fonction cool appelée le compteur de lumière. Maintenant, toutes les caméras ont un compteur de lumière. Certains d'entre eux l'ont sur le dessus comme celui-ci, et ensuite ils l'auront aussi dans le viseur. Quand il a regardé le viseur et que vous avez appuyé sur le bouton de l'obturateur pour se concentrer, le compteur de lumière apparaîtra sur le fond. Si vous avez un appareil photo sans miroir, ce sera la même chose, une fois que vous regardez dans le viseur électronique, vous verrez le petit compteur de lumière en bas. Qu' est-ce que le compteur de lumière ? Eh bien, essentiellement le compteur de lumière est juste une petite ligne qui a quelques chiffres dessus et il vous indique à quel point votre image est exposée. Il y a un petit indicateur qui se déplace de gauche à droite vous montrant où votre exposition est conforme à cette ligne. Si votre indicateur se trouve à droite de ce point central sur la ligne, cela signifie que votre image est surexposée, et si elle est à gauche du centre, cela signifie que votre image est sous-exposée. Une bonne règle est d'essayer de garder cet indicateur juste au centre. C' est comme ça que vous savez que vous avez à peu près une exposition équilibrée. Le compteur de lumière est essentiellement la façon dont vous savez si votre image est équilibrée, mais comment savons-nous quels paramètres choisir ? Comment savoir si nous voulons avoir une vitesse d'obturation rapide, une vitesse d'obturation lente, une grande ouverture ou une ouverture peu profonde ? Comment équilibrer ces choses et obtenir le look créatif que nous voulons ? Je pense que la meilleure façon de comprendre cela est avec quelques exemples du monde réel. Disons, par exemple, que je tourne un portrait de mon ami. Rappelez-vous que nous avons dit que l'ISO est le dernier recours, donc nous voulons maintenir l'ISO aussi bas que possible. Je vais mettre ça à 100. La prochaine chose que je vais faire est de régler mon ouverture sur 1.4. La raison pour laquelle je mets mon ouverture à 1.4 est que je veux avoir une profondeur de champ vraiment peu profonde. Je veux utiliser l'ouverture de manière créative et brouiller l'arrière-plan derrière elle et rendre tout vraiment cool. C'est ma première pensée. Ma première pensée est créative. C' est pour capturer ce fond flou et isoler mon sujet. Maintenant, nous avons une ISO de 100 et une ouverture de 1,4, ce qui est vraiment large, ce qui signifie qu'il y a beaucoup de lumière qui pénètre dans notre appareil photo. Maintenant, pour que je puisse équilibrer mon exposition et m' assurer que nous n'obtenons pas trop de lumière à notre image, je dois rendre ma vitesse d'obturation plus rapide et je vais ajuster mon exposition avec la vitesse d'obturation. Dans cette situation, parce que je ne tourne pas sur un sujet en mouvement, je me fiche vraiment de la vitesse ou de la lenteur de ma vitesse d'obturation. Donc je ne l'utilise que pour équilibrer mon exposition. Dans ce cas, parce que nous avons beaucoup de lumière qui pénètre dans la caméra, je vais rendre cette vitesse d'obturation très rapide tout le chemin à un quart de millième de seconde, et cela équilibrera parfaitement l'exposition. Passons maintenant à un autre exemple. Disons que je veux tourner un paysage. Je ne veux pas que tout soit mis au point sur l'image, et je veux qu'elle soit vraiment nette. Encore une fois, je vais définir mon ISO et je vais le laisser aussi bas que possible à 100. La prochaine chose que je vais faire est de régler mon ouverture. Je vais régler mon ouverture à un numéro qui va m'assurer que j'ai belle netteté tout au long de la photo, du premier plan à l'arrière-plan. Dans ce cas, je vais essayer f /16. C' est une petite ouverture, et cela va vraiment s'assurer que tout est au centre et nous donner une profondeur de champ vraiment, vraiment profonde. Maintenant, parce que mon ouverture est si petite et que l'ISO est si faible, nous n'avons vraiment pas autant de lumière qui pénètre dans la caméra. Afin d'équilibrer ma vitesse d'obturation, au lieu de rendre ma vitesse d'obturation plus rapide comme je l'ai fait quand je tournais le portrait, je dois réduire ma vitesse d'obturation pour m'assurer que nous avons suffisamment de lumière entrant dans la caméra. Mais rappelez-vous maintenant, si vous laissez tomber votre vitesse d'obturation en dessous d'un centième de seconde, alors vous allez faire trembler votre image et vos images seront floues. C' est pourquoi les photographes paysagistes utilisent un trépied, c'est parce qu'ils tournent toujours très hautes ouvertures et qu'ils veulent s'assurer qu'ils ont des photos nettes, afin qu'ils mettent leur appareil photo sur un trépied, il ne bouge pas à tous et ils peuvent utiliser la vitesse d'obturation qu'ils veulent, peu importe à quel point c'est lent, ils vont être en mesure d'obtenir tout dans une belle mise au point nette. Pour le dernier exemple, parlons de tournage d'un portrait la nuit. Nous n'avons pas beaucoup de lumière et nous travaillons dans un environnement très faible luminosité. Ce sont ces situations où vous avez vraiment besoin de comprendre comment utiliser correctement votre appareil photo afin de sortir avec une belle image. Disons qu'il fait vraiment sombre dehors et que mon objectif est réglé sur f/4. Beaucoup de lentilles que vous allez acheter au début, l' ouverture maximale va être un quatre, ce qui n'est pas super large, mais ce n'est pas mal non plus. Cela laisse encore entrer une quantité décente de lumière. J' ai baissé ma vitesse d'obturation à un centième de seconde. Encore une fois, je ne peux pas vraiment aller plus bas que ça parce que si je vais plus bas que ça, alors je vais faire trembler la caméra sur ma photo. Je n'ai pas de trépied pour stabiliser la caméra. C' est la vitesse d'obturation plus lente que je peux aller tout en maintenant la netteté dans tout le cadre. J' ai réglé mon ouverture, j'ai réglé ma vitesse d'obturation, mais il n'y a toujours pas assez de lumière qui pénètre dans la caméra et j'ai vraiment besoin de prendre la photo. Alors, qu'est-ce que tu fais ? Eh bien, vous vous tournez vers l'ISO, qui est le dernier recours, et nous augmentons notre ISO pour équilibrer notre exposition. Un ISO de 100, ça pourrait ne pas suffire, donc je vais aller jusqu'à 400. Si nous n'avons toujours pas assez de lumière qui pénètre dans la caméra, montez à 800. Encore une fois, vous continuez jusqu'à ce que vous soyez sûr d'avoir suffisamment de lumière entrant dans la caméra. En bref, assurer la bonne exposition est juste de créer un équilibre entre ces trois choses. Une fois que vous aurez compris comment créer cet équilibre, vous serez en mesure de capturer n'importe quelle image que vous souhaitez capturer. Peu importe ce que vous avez à tirer, vous devez déterminer quelle est la chose la plus importante. Essayez-vous de geler le mouvement ? Êtes-vous un photographe sportif et quoi qu'il arrive, vous devez geler le mouvement ? Ou essayez-vous juste d'obtenir un plan artistique avec une faible profondeur de champ ? Identifiez d'abord ce qui est le plus important pour vous, puis ajustez les paramètres en fonction de cela. Pour moi, j'aime généralement tirer à une grande ouverture, que je prenne de la nourriture, portraits ou de la rue. J' aime photographier avec une grande ouverture de f/1.4 ou f/1.8. C' est juste parce que j'aime cette faible profondeur de champ. Parce que j'ai toujours mon ouverture à ça, eh bien, alors j'ajuste la vitesse d'obturation pour équilibrer mon exposition. Je ne pense vraiment pas tant aux réglages de la caméra. J' ai réglé mon ouverture, puis je vais juste ajuster mes vitesses d'obturation et m'assurer que l'exposition est bonne. Puis encore une fois, si je tourne dans un environnement vraiment sombre, alors je vais juste augmenter mon ISO si j'en ai besoin. Mais honnêtement, j'ajuste rarement mon ISO parce que je n'en ai tout simplement pas besoin. Photographes sportifs, ils ne s'inquiètent pas autant de l'ouverture qu'ils s'inquiètent de la vitesse d'obturation. Les photographes alimentaires se soucient moins de la vitesse d'obturation, mais ils se soucient vraiment de l'ouverture parce que cela va vraiment déterminer la netteté de la nourriture et où ils ont leur concentration et des choses comme ça. 5. Avez-vous vraiment besoin d'utiliser le mode manuel ?: Quel mode caméra devriez-vous filmer ? Eh bien, nous entendons toujours parler du mode manuel. J' en ai parlé dans ce cours. Comme je l'ai déjà dit, en mode manuel, tout ce qu'il fait est essentiellement de vous donner un contrôle créatif sur ces trois choses, vitesse d' obturation, l'ouverture, et l'ISO, nous pouvons complètement les contrôler. Mais avez-vous vraiment besoin de les contrôler tous dans toutes les situations ? Sur la réponse à cela est non, vous ne le faites vraiment pas. C' est parce que, comme je l'ai déjà dit, généralement seulement un de ces paramètres, ça va être super important pour vous. Comme je l'ai déjà dit, si vous êtes photographe alimentaire, ouverture est super importante, si vous êtes photographe, encore une fois, l'ouverture est importante. Si vous êtes photographe sportif ou que vous filmez NASCAR ou quelque chose, alors vous devez vraiment vous concentrer sur la vitesse d'obturation. Vous n'avez vraiment besoin d'être prise de vue manuelle que si vous êtes dans un environnement de faible luminosité et que votre appareil photo continue de monter votre ISO et que vous ne voulez vraiment pas avoir une ISO élevée, alors vous devriez prendre des photos en manuel. Mais surtout l'autre fois, j'aime tourner en priorité à l'ouverture. mode de priorité d'ouverture est essentiellement que vous définissez l'ouverture de la caméra, et la caméra sélectionnera la vitesse d'obturation et l'ISO sur son propre. Les caméras sont intelligentes, donc ne se contentent pas de brancher l'ISO. Ça va commencer par la vitesse d'obturation. Il va ajuster votre vitesse d'obturation en fonction de la quantité de lumière qui pénètre dans la caméra, puis s'il n'y a pas assez et qu'elle passe en dessous d'un centième de seconde, alors votre appareil photo augmentera l'ISO, donc les caméras sont vraiment intelligentes. C' est pourquoi j'aime tirer une priorité d'ouverture, C'est plus facile surtout si j'essaie d'obtenir beaucoup de photos différentes. Certains comme lors d'un événement ou quelque chose comme ça, ou la photographie de rue, la priorité Aperture est grande. Surtout si vous filmez pendant la journée, vous n'avez pas vraiment besoin de vous soucier de l'ISO. La priorité de l'ouverture est géniale. Si vous êtes photographe sportif, bien, beaucoup de photographes sportifs, nous utiliserons la priorité de l'obturateur parce que, comme je l'ai déjà dit, ils doivent s'assurer qu'ils ont tout mis au point et zéro flou de mouvement, donc ils peuvent tirer en priorité de l'obturateur. Mode automatique, dois-je recommander la prise de vue en mode automatique ? Je ne recommande pas la prise de vue en mode automatique. Au moins tirer en priorité d'ouverture si vous avez besoin de tirer en mode manuel. Mais vous ne devriez vraiment pas filmer dans Auto parce que vous enlevez vraiment beaucoup de votre contrôle créatif, que vous avez sur la caméra. Je recommande la prise de vue en priorité d'ouverture ou en mode manuel. Il y a quelques autres paramètres utiles que je pense que vous devriez savoir, et le premier est la balance des blancs. Nous parlons de photographie numérique, balance des blancs est essentiellement d'ajuster les couleurs de votre image pour paraître plus naturelle. Les caméras ont un tas de différents réglages de la balance des blancs tels que la lumière du jour, nuageux , tungstène, qui est comme l'éclairage intérieur ou le mauvais éclairage, fluorescent, quelques autres différents ainsi. Ensuite, ils ont généralement dans le mur automobile où il prendra tout en compte et choisir une balance des blancs pour vous. En ce qui concerne la balance des blancs, je vous recommande toujours de ne pas tirer une balance des blancs automatique. La raison en est que nous pouvons très facilement ajuster la balance des blancs de notre image lors de l'édition. Mais si nous avons un tas de photos différentes à un endroit, et que nous utilisons le mode auto, donc toutes les températures de couleur différentes sont très différentes, eh bien, alors il sera difficile de faire des modifications en masse. Nous ne serons pas en mesure d'ajuster la balance des blancs d'une image et de l'appliquer à toutes. Nous allons devoir faire chacun indépendamment. Ce que j'aime faire, c'est régler mon appareil photo à la lumière du jour, la balance des blancs. Cela fonctionne généralement dans la plupart des situations, et quand je suis en édition, tout juste affiner cette balance des blancs un peu. La balance des blancs est très importante. Mais je recommande simplement de sélectionner l'un des préréglages de votre appareil photo et de le laisser allumé pour la plupart des situations. La prochaine chose dont je veux parler est RAW vs JPEG. Vous avez peut-être entendu ça avant. Lorsque nous parlons de RAW et de JPEG, nous faisons référence au fichier que votre appareil photo capture. Chaque fois que vous prenez une photo, la caméra est en train de calculer, elle enregistre cette information dans un fichier. JPEG est un fichier plus petit, mais est-ce un fichier que votre appareil photo est en train compresser et d'éditer dans l'appareil photo pour juste vous donner une image qui semble assez bonne hors de l'appareil photo et une taille de fichier plus petite. Une photo RAW signifie essentiellement que votre appareil photo ne fait aucun traitement dessus, qu'il ne la comprime pas, et qu'il vous donne autant d'informations que possible. Qu' est-ce que ça veut dire ? Eh bien, cela signifie que nous pouvons mieux éditer notre photo et poster parce que nous avons plus d'informations dans notre photo, nous avons plus d'informations dans les zones sombres et plus d'informations dans les zones claires. Je dis toujours tirer RAW parce que, édition est une pièce très importante du puzzle et il est important pour nous d'apprendre à entrer correctement. L' édition est beaucoup plus facile lorsque nous avons des photos RAW. Quand il vient au débat RAW vs JPEG, je vais garder simple et dire, tirer RAW aux fins de ce cours.Voilà la meilleure recommandation que je peux vous donner. Outre la mise au point, dans laquelle nous allons entrer maintenant, autofocus et la mise au point manuelle. Ce sont à peu près toutes les choses que vous devez savoir sur votre appareil photo. Ce sont là le cadre le plus important. définissant votre type de fichier RAW et JPEG, Endéfinissant votre type de fichier RAW et JPEG,puis en définissant votre balance des blancs si vous pouviez comprendre ces choses, et ensuite vous pouvez également comprendre le triangle d'exposition, vous allez être prêt à partir. 6. Focus: Je veux prendre une brève seconde pour parler de la mise au point, particulier l'autofocus et la mise au point manuelle. Je pense que beaucoup d'entre nous quand nous entendons le mode manuel, nous pensons aussi à la mise au point manuelle et nous pensons que cela peut être point manuelle pourrait être mieux que l'autofocus ou quelque chose comme ça. Mais la vérité, c'est que l'autofocus est génial. J' utilise l'autofocus 99 pour cent du temps dans mes photos, en particulier avec les appareils photo de nos jours, l'autofocus est incroyablement intelligent, incroyablement rapide et très utile. La seule fois où vous voudrez vraiment filmer avec une mise au point manuelle est la vidéo. vidéos sont souvent tournées avec mise au point manuelle, mais aussi si vous utilisez une ouverture vraiment, vraiment large, vous avez une profondeur de champ vraiment peu profonde dont vous avez besoin pour vous assurer que vous vous concentrez sur quelque chose de très spécifique. Comme avec la macro photographie, souvent vous pouvez utiliser mode manuel ou si vous filmez de la nourriture et que vous voulez vous assurer que quelque chose est vraiment au point, alors peut-être que vous utilisez le mode manuel, mais souvent vous n'utilisez le mode manuel que lorsque vous avez un trépied. Autofocus est vraiment la meilleure option pour la plupart des situations. En ce qui concerne l'autofocus, il y a quelques modes différents. Habituellement, il y a trois modes sur, mais seulement deux d'entre eux sont ceux que vous devez vraiment connaître. Ces deux choses sont l'autofocus simple, c'est ce que Sony appelle ça, ou l'autofocus monoservo pour Canon. Nikon aura également un nom similaire. Ensuite, le second est l'autofocus continu, autofocus continu est également connu sous le nom de Continuous Servo autofocus pour Canon. Encore une fois, différentes entreprises de caméras ont été appelées ces choses différentes, mais elles font essentiellement la même chose. Autofocus à prise unique, c'est essentiellement que vous focalisez l'appareil une fois et que l'appareil cesse de se concentrer, il ne se focalisera pas à nouveau jusqu'à ce que vous retiriez votre doigt et puis refocalisez. L' autofocus continu est un peu différent. Une fois que vous avez appuyé sur l'obturateur et que vous avez activé votre mise au point, il continuera à se concentrer sur ce que vous pointez votre appareil photo. Si je me concentre d'abord sur mon micro devant moi et que je suis sur l'autofocus continu, et que je maintiens toujours ce bouton de mise au point enfoncé et que je me déplace et tire sur mon ordinateur portable, il faut ajuster la mise au point. Mais avec l'autofocus simple, une fois que je me concentre ici un bip bip, puis je peux bouger n'importe où et cette mise au point ne va pas bouger tant que je maintiens ce bouton de mise au point. Quel focus devriez-vous utiliser ? Continu ou un seul coup ? Un seul coup va être meilleur pour vous dans la plupart des situations. La raison en est qu'avec l'autofocus simple, vous pouvez vous concentrer sur quelque chose, peut-être que votre point de mise au point est juste au milieu de votre viseur. Vous vous concentrez sur quelque chose qui se trouve juste au milieu de votre image, puis vous pouvez recomposer votre photo et ajuster votre composition. Mais si vous tournez un autofocus continu et que vous vous concentrez sur la chose au milieu et que vous essayez d'ajuster votre concurrence, eh bien, votre point de mise au point va tourner autour et se concentrer sur différentes choses autour de votre et souvent vous ne voulez pas vraiment cela. Mais vous voulez une mise au point automatique continue si vous filmez en vidéo ou si vous prenez des mouvements. Parce que si quelque chose se déplace dans votre cadre, vous ne voulez pas avoir à être comme recentrer chaque seconde pour vous assurer que votre sujet est au centre, souvent ils ne seront pas mis au point. Si vous filmez quelqu'un qui bouge, eh bien, vous allez vouloir photographier en autofocus continu, vous pouvez les suivre et ils continueront de se concentrer tant qu'ils restent au milieu de votre image ou où que votre point de mise au point se trouve dans votre viseur. Ils sont tous les deux très utiles la plupart du temps, moins que je ne tourne en mouvement, je tourne sur autofocus simple, c'est le meilleur conseil que je peux vous donner pour capturer de bonnes photos et m'assurer que tout est beau et net au focus. J' ai un conseil pro pour vous et c'est d'utiliser le bouton de retour autofocus. point automatique du bouton de retour signifie qu'au lieu d' appuyer sur le bouton d'obturateur pour mettre au point votre appareil photo, vous utilisez effectivement le bouton situé à l'arrière de votre appareil photo pour mettre votre appareil photo au point. Pourquoi c'est bon ? Parce qu'il vous permet de séparer votre bouton d'obturateur ou ce que vous utilisez pour prendre votre photo et un bouton pour capturer votre focus. J' adore ça parce que si je tourne quelque chose et que je vais bouger beaucoup dans cette zone, je peux me concentrer avec l'arrière de mon appareil photo et ensuite je peux bouger n'importe quoi et ça va rester concentré. Mais si vous êtes autofocus est réglé sur votre bouton d'obturateur, chaque fois que vous appuyez sur une prise de photo, il va se recentrer et il va être trop concentré. J' aime les garder séparés et je pense que beaucoup de photographes professionnels séparent réellement les deux. Vous pouvez le faire en allant dans les paramètres de votre appareil photo , puis en désactivant simplement la fonction de mise au point automatique de l'obturateur demi-pression, puis vous utilisez simplement votre pouce pour mettre au point au lieu de votre doigt principal ici. Fonctionnalité assez cool, et c'est certainement quelque chose que je vous recommande de faire si vous filmez avec un reflex numérique ou un appareil photo sans miroir. Maintenant, la question ancienne, où devriez-vous concentrer votre appareil photo ? Une fois que vous avez sélectionné l'autofocus simple ou l'autofocus continu, où vous devez pointer l'appareil photo pour vous assurer que tout est en cours de mise au point ? Ça dépend vraiment de ce que vous tirez. Si vous filmez une personne comme un portrait, vous voulez vous concentrer sur peut-être son œil ou peut-être juste sa tête et ce sera généralement assez bon pour avoir une bonne concentration dans son visage et ensuite avoir tout le reste floue derrière eux. Si vous tuez un groupe de gens et qu'ils sont tous à des profondeurs différentes, disons qu'il y a une personne ici et qu'il y a quelqu'un au milieu, eh bien, si vous filmez avec une ouverture très large et vous avez une profondeur de champ vraiment peu profonde. Si vous vous concentrez sur la personne à l'avant, alors la personne sur le dos va être hors de la concentration. Mais si vous vous concentrez sur la personne au milieu, alors vous aurez une concentration plus uniforme tout au long du cadre. Eh bien, comme faire quand je tourne des groupes de gens, c'est juste pour rendre mon ouverture un peu plus petite, juste pour m'assurer que j'ai une mise à jour du terrain pour mettre le visage de tout le monde au point. Si vous tournez un paysage, vous pouvez vous concentrer sur quelque chose peut-être au milieu de votre scène comme il y a un arbre ou une rivière où vous pouvez vous concentrer, ou vous pouvez vous concentrer sur quelque chose en arrière-plan, peut-être une montagne ou quelque chose comme ça. Avec la photographie de paysage, votre point d'intérêt est beaucoup moins important que votre point d'intérêt avec des choses comme la photographie de portrait ou de nourriture. C' est subtil parce que vous utilisez une si petite ouverture, tout est mis au point et votre profondeur de champ est si profonde que votre point de mise au point n'a pas autant d'importance, il suffit de se concentrer sur quelque chose dans la distance et généralement tout sera assez bien mis au point. 7. La composition: Pour cette prochaine leçon, je veux parler de composition. Une des premières choses que vous devez faire lorsque vous étudiez la composition est de vous faire une belle tasse de café chaud. Des blagues à part. La composition est incroyablement importante quand il s'agit de photographie, et la composition est la chose à laquelle les gens font souvent référence lorsqu'ils disent : « Ce photographe a l'œil  », ou quoi que ce soit. D' habitude, ils parlent de composition. En bref, la composition est essentiellement la façon dont vous organisez les objets dans votre cadre. Une bonne composition est très importante parce qu'en tant qu'êtres humains, nos cerveaux travaillent d'une manière très spécifique. Nos cerveaux veulent voir quelque chose de facile à voir. Ce que je veux dire par là, c'est que notre cerveau veut être capable de regarder une image et de traiter tout ce qui se passe d'une manière facile à comprendre. Quand une image n'a pas une bonne composition , notre cerveau ne peut pas naviguer correctement sur la photo, et parce que notre cerveau ne peut pas naviguer correctement sur la photo, notre cerveau pense inconsciemment que cette photo n'est pas belle. C' est pourquoi la composition est si importante à son niveau le plus basique, une bonne composition permet à vos yeux de naviguer autour de la photo, de trouver les sujets principaux, puis de prendre toute la scène d'une manière qui est facile pour le cerveau de comprendre. En ce qui concerne la composition, il y a beaucoup, beaucoup, beaucoup de types différents de compositions qui sont acceptés en photographie. Honnêtement, je pense que quand il s'agit d'enseigner la composition, vous ne pouvez pas l'enseigner trop parce que beaucoup de choses vont venir quand vous filmez. Si vous vous limitez à une liste très spécifique de compositions, alors vous allez vraiment vous retenir de manière créative. Je pense qu'il est important de comprendre certains des concepts de composition, mais pas tellement comme ceci est une bonne composition et vous devriez essayer ceci, et c'est une bonne composition et vous devriez essayer ceci. La raison pour laquelle j'ai le projet de cours que tirer un objet 50 fois différentes est parce que cela va vraiment vous aider à améliorer votre composition. Mais avec cela dit, il y a certaines choses dont je veux vraiment parler. La première chose est la perspective. La perspective est essentiellement la façon dont vous vous orientez en fonction de votre sujet, quel que soit ce sujet. C' est la main vers le bas le plus important, le morceau le plus fondamental de la composition que vous devez comprendre car où vous êtes en accord avec votre sujet change grandement le résultat de la photo. Dans ce concept de perspective est également pertinent pour toutes les différentes choses dont nous allons parler ici dans cette vidéo de composition. Vous pouvez ajuster votre perspective en allant de l'avant et de l'arrière, horizontalement, ainsi que vers la gauche ou la droite, ainsi que vers la verticale, vers le haut et vers le bas. Quelle que soit la façon dont vous vous déplacez, vous modifiez votre point de vue sur ce sujet principal. Il y a quelques perspectives différentes que vous pouvez essayer là où vous filmez. Le premier est l'oeil de ver ou en gros là où vous êtes en bas et vous regardez vers le haut. Cela donne souvent à votre sujet une apparence plus grande, leur donne plus d'autorité sur votre photo, et il peut également être utilisé pour les isoler de tout autre chose derrière eux, si vous trouvez le fond obtrusif, vous pouvez tirer à eux et peut-être utiliser le ciel comme fond. Le contraire de l'oeil de vers est l'oeil d'oiseau. En regardant vers le bas sur le sujet, cela rend souvent les objets plus petits, et c'est bon pour montrer un paysage urbain. Vous pouvez montrer beaucoup de choses différentes avec une vue d'oiseau. Un autre est tout droit, donc juste le tirer tout droit et juste au milieu. C' est une bonne perspective, et puis aussi le tirer de chaque côté. Parfois, si je voyage et que je veux prendre une route, vous êtes au milieu du désert et il y a une route vraiment cool et vous avez ces lignes linéaires. Vous voulez tirer sur la route où vous pouvez le tirer du milieu et ensuite vous pouvez le tirer des deux côtés. C' est difficile de savoir lequel sera le mieux avant de tirer dessus. Ce que j'aime toujours faire, c'est trouver mon sujet et ensuite le filmer avec un tas de perspectives différentes. Déplacez-vous de différentes façons, comme je l'ai dit, pour le projet de classe, essayez d'ajuster votre perspective et essayez d'obtenir des compositions uniques. Encore une fois, la perspective est la pièce la plus fondamentale de la composition et compréhension perspective et comment elle affecte votre photo va vraiment vous aider à comprendre la composition plus tard. Le prochain morceau de composition dont je veux parler est le concept de lignes directrices ou de lignes diagonales d'intérêts. En tant qu'êtres humains, nous aimons les lignes et les photos, et la raison en est qu'elles aident vraiment à guider nos yeux. Les lignes directrices se réfèrent aux lignes de l'image qui guident naturellement nos yeux vers le sujet principal d'une photo. Pensez à quelqu'un dans un tunnel, toutes ces lignes de ce tunnel convergent vers notre sujet principal au milieu. Si c'est fabriqué par l'homme, on appelle souvent ces lignes géométriques. Si c'est de la nature, nous les appelons organiques, donc nous le voyons un peu dans la nature, même si c'est juste la séparation entre le sable dans l'eau ou les arbres dans le sol. Il y a beaucoup de lignes de tête différentes qui peuvent être trouvées organiquement dans la nature. Ensuite, si vous tournez dans une ville, il y a souvent beaucoup de lignes géométriques très intéressantes que vous pouvez utiliser pour mener à votre sujet principal. Maintenant, souvent là où ces lignes convergent, nous appelons cela le point de vue. C' est là que ces lignes directrices se réunissent et finalisent sur notre sujet principal. lignes diagonales d'intérêt sont très semblables, mais elles ne conduisent pas toujours nos yeux à notre sujet principal. Peut-être qu'ils équilibrent la composition ou ajoutent de l'intérêt, ou rendent la composition un peu plus complexe, un peu plus intéressante. Voici quelques bons exemples de lignes diagonales de photos intéressantes vraiment cool. Vous pouvez voir comment les lignes diagonales ajoutent beaucoup plus d'intérêt pour la complexité des images. Le prochain concept dont je veux parler est celui dont vous avez probablement entendu parler, et c'est la règle des tiers. La règle des tiers peut être comprise en décomposant fondamentalement votre cadre en neuf parties égales différentes. La règle des tiers stipule que vous devez placer votre sujet dans un tiers du cadre, donc soit le côté gauche, soit le côté droit. La raison pour laquelle la règle des tiers est si grande est parce qu'en plaçant votre sujet sur l'un des côtés de l'image est juste au milieu, alors vous avez tout l'autre côté pour montrer autre chose, peut-être que c'est un fond d'une montagne ou peut-être qu'ils sont dans un café et vous voulez montrer un peu plus de ce café où vous pouvez le faire et vous pouvez également créer un cadre très équilibré. Peut-être que votre sujet principal est sur le côté gauche, mais alors vous avez beaucoup de choses qui se passent sur le côté droit, donc même si le sujet principal est sur la gauche, nous avons beaucoup d'informations vraiment intéressantes qui équilibrent le cadre petit peu. Je pense que la règle des tiers est tout simplement géniale parce qu'elle vous permet de dévier de nous naturellement vouloir faire alors que mettre le sujet juste au milieu de la caméra et prendre une photo de cette façon. Cela vous aidera à penser un peu en dehors de la boîte et vous aidera à comprendre que vous pouvez positionner votre sujet dans différentes parties du cadre pour trouver un autre look cool. Le prochain concept dont je veux parler est le cadrage. cadrage consiste essentiellement à utiliser une chose différente dans votre environnement pour encadrer votre sujet. Encadrement semble bon dans la raison pour laquelle est parce qu'une fois de plus, nos yeux peuvent voir où est le sujet principal. Cela nous aide à nous concentrer sur le sujet principal. Avec le cadrage, vous avez un cadre naturel. Des choses comme des arbres, même des montagnes parfois, et puis vous avez aussi des cadres artificiels comme des portes ou des fenêtres ou tout ce qui va entourer votre sujet de contenu, quoi que ce soit. J' aime vraiment encadrer mes photos ou quelque chose au premier plan. Si je tourne un portrait et que je suis dehors et qu'il y a des arbres ou des plantes. Parfois, je vais jeter derrière les plantes et essayer obtenir un peu de verdure sur les bords de mon cadre, pour éliminer certaines zones distrayantes et m'assurer que nous nous concentrons vraiment sur le sujet principal de notre photo. Le prochain concept dont je veux parler est la profondeur. La profondeur est une chose très importante en matière de photographie. Transférer la profondeur dans nos images nous permet vraiment de comprendre ce qui se passe dans la scène. Quand on voit une photo à plat, ça ne nous plait pas tellement, fesses si on peut voir la profondeur sur la photo, ça raconte une histoire beaucoup plus convaincante. Lorsque vous parlez de profondeur et de photographie, je pense que la chose la plus importante pour vous assurer profondeur est de vous assurer que vous avez un premier plan, un milieu et un arrière-plan. Un premier plan est essentiellement un objet ou un sujet très proche de la caméra. Mid ground est quelque part au milieu, puis l'arrière-plan est quelque chose loin de la caméra, peut-être que ce sont des montagnes au loin, ou quelque chose comme ça. Je pense que la photographie de paysage est une très bonne façon de comprendre cela. Si vous avez une photo de paysage, vous pourriez avoir une plante au premier plan et le milieu du sol peut avoir une rivière ou un lac, ou quelques arbres ou quelque chose comme ça, et en arrière-plan vous avez des montagnes lointaines. Cela vous permet de vraiment comprendre l'environnement car nous pouvons voir trois éléments différents de l'environnement qui ajoutent vraiment un niveau de profondeur dans la photo. Cela va aussi de pair avec le cadrage. Comme je l'ai dit, j'encadre souvent mes sujets avec quelque chose au premier plan comme celui d'une plante, donc je le garde très près de mon appareil photo, puis je vais filmer mon sujet qui est un peu plus loin. Non seulement cela crée de la profondeur, mais c'est aussi encadrer mes sujets. Vous tuez deux oiseaux avec une pierre, si vous voulez. Le prochain sujet dont je veux parler est l'espace négatif et l' espace négatif est essentiellement l'espace vide dans votre photo. Peut-être que c'est juste du blanc pur ou du noir pur ou juste, il n'y a vraiment rien qui se passe dans cette partie de l'image. L' espace négatif peut être utilisé pour vraiment mettre l'accent sur votre sujet principal et se débarrasser des détails distrayants de votre scène. Cela peut conduire à une composition plus simple, je veux dire une composition plus minimaliste, si vous voulez. Il peut vraiment être utilisé pour améliorer la composition de votre photo. Le dernier sujet dont je veux parler est ce concept d'équilibre. Quand je dis équilibre, je veux dire essentiellement l'équilibre de votre cadre. Nous avons des compositions symétriques et des compositions asymétriques. Asymétrique, un bon exemple de cela est peut-être que vous avez vos sujets sur un tiers du cadre, puis l'autre côté est complètement vide. C' est une composition asymétrique, alors qu'une composition symétrique est que le sujet serait juste au milieu. C' est un peu plus simple. C' est minimaliste. Il n'y a ni bien ni mal. Vous n'avez pas toujours besoin d'avoir un cadre équilibré. Vous pouvez vraiment aller avec des looks asymétriques vraiment cool et avoir même un look abstrait. Je pense que cela va avec tous ces principes dans cette vidéo de composition. Toutes les choses dont nous avons parlé ici sont de bonnes lignes directrices pour vous permettre comprendre la composition et de comprendre ce que les gens aiment voir sur les photos. Mais ce ne sont en aucun cas la seule façon de faire les choses. La composition est beaucoup un processus créatif, et je pense que beaucoup de temps nous l'enseignons plus. La composition vient de vous, le photographe, et vous allez la maîtriser en sortant et en proposant des compositions vraiment cool et uniques. La composition de l'apprentissage est difficile à catégoriser. Même en regardant notre inspiration sur Instagram ou sur Facebook ou partout où vous tirez votre inspiration. Regarder ces images inconsciemment. Nous regardons ces compositions et nous imprimons ce que nous aimons dans notre esprit. La prochaine fois que vous verrez quelques photos que vous aimez jeter un oeil à la composition et vraiment la décomposer. Je pense que c'est une excellente façon d'apprendre certaines des choses que vous aimez, et ensuite vous pouvez continuer et les mettre en œuvre plus tard lorsque vous filmez. 8. Éclairage: Pour cette leçon, je veux prendre une seconde pour parler de l'éclairage. L' éclairage peut être une chose très complexe en matière de photographie, il peut être très technique. Mais c'est aussi le plus important parce que, comme nous l'avons dit, les caméras capturent la lumière. Je pense que l'une des choses qui distinguent vraiment les bons photographes est leur compréhension de la lumière. Ils peuvent l'utiliser pour vraiment capturer le look qu'ils veulent. Ils peuvent le manipuler, ils savent où trouver la meilleure lumière pour capturer la photo qu'ils veulent vraiment. Maintenant, l'éclairage n'est pas quelque chose que vous pouvez vraiment enseigner complètement dans notre cours. C' est assez complexe. Il y a beaucoup de choses différentes qui se passent et la lumière peut vraiment affecter votre photo de différentes manières. Mais il y a quelques sujets qui peuvent grandement améliorer votre compréhension de la lumière et des effets qu'elle a sur votre photo. Pour cette vidéo, il y a trois choses sur lesquelles je veux me concentrer. La qualité de la source lumineuse, la force de la source lumineuse et la direction de la source lumineuse. Ce sont les trois caractéristiques les plus cruciales à comprendre et essentiellement chaque lumière que vous utilisez dans vos scènes, ce soit du Soleil ou de l'intérieur ou autre, qui pourrait être, les trois choses, ces trois les sujets vont s'appliquer à cette source lumineuse. Tout d'abord, c'est la qualité de la source de lumière et cela signifie essentiellement à quel point cette source de lumière est bonne. Il y a vraiment deux catégories qui tombent dans la qualité de la lumière ou toutes les sources de lumière d'ailleurs. C' est de la lumière naturelle et de la lumière artificielle. La lumière naturelle fait référence à la lumière du Soleil et la lumière artificielle fait référence à des lumières comme celle-ci que j' utilise ici ou un flash ou toute autre lumière qui ne vient pas du Soleil. Pour la plupart et je pense, pour la plupart des photographes a besoin de lumière naturelle est roi. lumière naturelle est la plus belle lumière, elle a la plus belle couleur. Ça s'appelle la lumière naturelle pour une raison. Ça a l'air si naturel, ça a l'air si bon. Cela peut être très flatteur pour vos sujets. Je pense que la seule fois que la lumière artificielle est nécessaire, c'est si vous filmez la nuit ou si vous êtes un photographe professionnel et que vous avez besoin une configuration d'éclairage très spécifique que vous ne pouvez pas vraiment obtenir du soleil parce que, le Soleil n'est pas toujours aussi fiable. Ne vous inquiétez pas d'utiliser de la lumière artificielle. Ne vous inquiétez pas d'utiliser des flashs ou quelque chose comme ça. lumière naturelle est incroyable et la plupart de mes photographes préférés de tous les temps comprennent comment utiliser la lumière naturelle d'une manière vraiment belle. Qualité sage, lumière naturelle et c'est ce sur quoi je veux concentrer au fur et à mesure que ce cours continue. Le prochain sujet que je veux discuter est la force de votre source lumineuse. Quand nous parlons de la force de la source lumineuse, nous parlons souvent de la lumière dure par rapport à la lumière douce. lumière dure étant la lumière qui est très forte, très brillante, résultant en beaucoup d'ombres différentes, peut-être un contraste élevé, et une lumière douce qui est un peu plus douce, un peu plus détendue, et juste plus facile sur les yeux en général. La force d'une source de lumière dépend de deux choses. La taille de cette source lumineuse. Plus la source de lumière est grande, la lumière est douce, puis la distance de la lumière par rapport au sujet. Plus cette lumière est proche de votre sujet, en fait, plus cette source de lumière devient grande, et plus elle devient petite. Nous pouvons souvent utiliser quelque chose appelé un diffuseur pour agrandir notre source lumineuse. Cela aide à étaler un peu la lumière, adoucir et à obtenir de meilleurs résultats avec des choses comme le portrait, photographie alimentaire, ou toute autre photographie où nous ne voulons pas une lumière vraiment dure. Par exemple, si vous filmez au milieu de la journée, au milieu de la journée, par une chaude journée d'été, cette lumière va être très dure. Vous allez avoir des ombres sous les yeux si vous faites un portrait, vous allez avoir des ombres sous le nez, ça ne va pas avoir l'air si génial. Mais si vous ajoutez un diffuseur entre votre sujet et le Soleil, eh bien, cela rendra cela agréable et doux et beaucoup plus facile à photographier. Vous pouvez également photographier tôt le matin ou en fin d'après-midi, c'est le meilleur moment pour capturer la lumière naturelle. C' est parce que c'est plus doux pendant ce temps. La couleur est vraiment belle. C' est souvent très doré et c'est juste une belle lumière que vous pouvez photographier. Quand il s'agit de lumière dure, je ne veux pas que tu le rejettes complètement. Certaines des meilleures photos de rue de tous les temps ont été prises dans une lumière très dure. C' est parce que, comme je l'ai dit cela ajoute beaucoup de contrastes, alors vous pouvez aussi obtenir ces longues ombres vraiment dures dans votre image qui peuvent créer des zones un peu mystérieuses, un peu intéressantes, beaucoup d'intéressant aligné, donc la lumière dure est très cool et je pense qu'il est tout aussi intéressant que la lumière douce. Expérimentez avec des prises de vue à différents moments de la journée et cela vous donnera une meilleure compréhension de la lumière dure par rapport à la lumière douce et des choses comme ça. Le dernier sujet que je veux aborder en termes d'éclairage pourrait être le plus important de tous les trois et c'est la direction de la source lumineuse. Je décompose la direction de la source lumineuse de trois façons différentes. Lumière avant, donc cela signifie que vous filmez avec la lumière afin que la source lumineuse soit derrière vous, ou peut-être juste en face de votre appareil photo. Lumière latérale, de sorte que la lumière vient du côté, elle frappe votre sujet de côté, puis rétro-éclairage où vous filmez dans la lumière. Peut-être que vous tirez sur quelqu'un à l'intérieur et que sa fenêtre est derrière lui ou que vous tirez sur quelqu'un dehors et que le Soleil est derrière eux. Tous les trois vont changer radicalement le résultat de votre photo. L' un des plus grands conseils que j'ai pour vous capturer des photos plus dynamiques avec une lumière plus intéressante, est de ne pas tirer avec la lumière. Ne tirez pas avec la lumière frontale. Lorsque vous photographiez avec la lumière frontale avec la source de lumière derrière vous, ou juste en face de l'appareil photo, vous n'obtiendrez aucune de ces ombres dans l'image. Ça va tout éclairer parfaitement. Tout va être uniformément éclairé et ça ne va pas être dynamique. Ça ne va pas être si cool. Si vous photographiez avec une lumière latérale ou un rétroéclairage, vous obtiendrez beaucoup plus de lumière intéressante à venir sur le cadre. Tu vas avoir des ombres partout. Ça va juste avoir l'air plus cool. Personnellement, j'adore tirer sur la lumière latérale. Je pense que c'est le plus facile à photographier, parce que vous ne tournez pas dans le soleil vraiment brillant et il semble juste le meilleur et cela va avec tous les types de photographie, photographie alimentaire, photographie de portrait, photographie de paysage. J' essaie toujours de tirer avec une lumière latérale ou rétro-lumineuse. Je pense que c'est une des choses, si vous voulez comprendre ça, vous allez vous démarquer de 99 pour cent des photographes là-bas. éclairage est l'une de ces choses que beaucoup de cours négligent, mais c'est aussi le plus important et il a le plus grand effet sur votre image. La prochaine fois que vous allez à l'extérieur et que vous tirez, essayez de prendre des photos à partir de différents points de vue selon l'endroit où se trouve votre source lumineuse Sortez avec un ami, tout moment de la journée, peu importe, et tirez-les avec le soleil derrière eux, le côté d'eux, puis sur le soleil derrière vous, et regardez simplement les différences entre les photos. Je pense que tu trouveras des trucs vraiment cool. 9. Manipuler votre environnement: C' est un sujet que je n'ai vraiment pas vu discuté dans de nombreux cours de photographie débutants, peut-être à l'exception des cours de style alimentaire. Ce dont je parle, c'est de manipuler votre environnement pour obtenir une meilleure composition ou une meilleure image en général. Ce que je veux dire par ceci est fondamentalement changer physiquement votre environnement autour de vous pour obtenir une photo qui ressemble mieux à votre appareil photo. Si vous filmez un modèle, alors ce serait de positionner votre modèle pour qu'il soit mieux dans l'image. Peut-être que tu les poses différemment. Tu les fais se lever, tu les fais s'asseoir. Je pense que c'est l'exemple le plus facile à comprendre. Alors, si tu filmes de la nourriture, ça veut dire que tu pourrais bouger des choses sur la table. Sortir un verre si c'est distrayant, ou ajouter de l'argenterie pour équilibrer la composition ou quelque chose comme ça. Parfois, ajuster votre environnement physique n'est pas possible, donc avec des choses comme la photographie de rue où vous voulez vraiment être mains libres, vous voulez juste laisser les choses se développer naturellement, eh bien, alors vous ne serez pas physiquement ajuster votre environnement. Mais vous pouvez dans d'autres paramètres. Je pense que c'est une des choses que beaucoup de photographes débutants ne font pas. Ils voient une scène et ils pensent que c'est à eux de filmer cette scène. Mais en réalité, vous êtes le photographe, vous êtes l'artiste. Vous pouvez ajuster cette scène pour la faire ressembler comme vous le souhaitez. Donc, si vous allez au restaurant et qu'ils mettent une assiette devant vous, vous voulez prendre cette photo, vous n'êtes pas confiné à prendre cette photo à cet endroit. Déplacez-le de l'autre côté de la table. Demandez si vous pouvez le photographier dans une autre partie du restaurant. Vous avez un contrôle créatif total en tant que photographe, alors n'ayez pas peur de prendre le contrôle et d'ajuster votre environnement physique. Ajustez les choses avec vos mains, déplacez les choses et essayez de trouver une meilleure composition de cette façon. Tout ce qui se trouve dans votre cadre travaille ensemble pour raconter un genre d'histoire. Je veux vraiment que vous pensiez à toutes les choses différentes dans votre cadre, et c'est pourquoi j'ai fait cette vidéo n'est pas pour vous enseigner une leçon concrète, mais plutôt pour vous faire réfléchir à la façon dont toutes les choses dans votre cadre racontent certaines type d'histoire et comment vous pouvez changer les choses dans ce cadre pour mieux raconter cette histoire ou peut-être raconter une histoire légèrement différente. Alors pensez à ça la prochaine fois que vous tirez quelque chose. Que vous tiriez sur votre personne ou de la nourriture, ou même un paysage. Mettre quelque chose au premier plan de votre paysage peut raconter une histoire complètement différente. Par exemple, si vous mettez un morceau de poubelle, une bouteille d'eau vide au premier plan de votre composition, eh bien, cela pourrait être un commentaire sur les changements environnementaux. Alors que s'il n'y a pas de bouteille, c'est juste une belle image d'un paysage. Donc physiquement, l'ajustement de l'environnement de votre photo peut vraiment avoir un impact profond. Donc je veux juste que tu réfléchies à ça à l'avenir. 10. Conseils sur les réseaux sociaux: Maintenant, je veux prendre un peu pour parler des médias sociaux. Comme vous le savez très bien, les médias sociaux sont massifs de nos jours. Partout où nous regardons dans beaucoup de nos vies sont consommées par les médias sociaux, que ce soit Instagram, YouTube, Facebook, Twitter. Il y a tellement de formes de médias sociaux là-bas. Mais la raison pour laquelle je voulais ajouter cette section du cours est parce qu'à cette époque, il est incroyablement important pour les photographes d'être sur les réseaux sociaux. En fait, il est devenu facile que beaucoup de photographes tournent presque exclusivement pour les médias sociaux. Beaucoup de photos que je tire quand je voyage sont tournées dans le but d'être postées sur Instagram ou d'être partagées sur Facebook ou quelque chose comme ça, alors c'est parce que ces plateformes de médias sociaux sont importantes pour moi d'un point de vue commercial pour la photographie, et c'est le cas pour beaucoup d'autres photographes aussi. Je voulais juste ajouter cette section pour vous donner des conseils sur les médias sociaux spécifiquement liés à la photographie pour vous aider à développer vos médias sociaux ou avoir vos médias sociaux comme une ressource que vous pouvez utiliser pour marquer plus de clients ou simplement utiliser en tant que portefeuille à l'avenir. Juste pour préfacer ça, la plupart de mon expérience avec les médias sociaux sur Instagram, vous avez peut-être vu mes autres cours ici sur Instagram. Beaucoup de choses dont je vais parler sont liées à Instagram, mais elles sont aussi liées à d'autres formes de médias sociaux aussi , que ce soit Facebook, Twitter, YouTube etc. vous est de tirer verticalement. La raison pour laquelle il est important de tirer sur un rapport d'aspect vertical est simplement due au fait que beaucoup de gens consomment du contenu sur leur téléphone de nos jours. Beaucoup de gens consomment du contenu, ils voient vos images ou vos vidéos à partir de leur téléphone cellulaire, pas de leur ordinateur comme avant, et parce qu'ils le regardent sur un téléphone cellulaire, eh bien, un téléphone cellulaire a un rapport d'aspect vertical, ce qui signifie qu'il est plus long qu'il ne l'est. Lorsque nous présentons notre travail en ligne, nous voulons prendre autant de biens immobiliers que possible. Plus nous pouvons avoir notre photo sur le visage de quelqu'un, plus ils vont la voir, plus ils vont la reconnaître. Ça va les affecter plus émotionnellement qu'une photo plus petite. C' est vraiment pour ça que nous voulons tirer verticalement. Nous voulons prendre autant de biens immobiliers que possible sur l'écran de votre smartphone. Quand je dis chaussure verticalement, je veux dire, en fait, retourner votre appareil photo dans un rapport d'aspect vertical et prendre une photo comme ça. Au lieu de photographier en mode paysage, devrait-il en vertical. Mais avec cela dit, nous ne devrions pas nous limiter totalement comme le tournage vertical parce que les photos horizontales ont encore beaucoup leur place. Beaucoup de sites Web veulent encore des photos horizontales parce que les ordinateurs portables et les écrans d'ordinateurs, ils sont un rapport d'aspect horizontal. Ne vous limitez pas complètement à un rapport d'aspect vertical lorsque vous photographiez, mais pensez simplement à cela, peut-être prendre une photo et un rapport d'aspect vertical, puis prendre une autre photo avec un rapport d'aspect horizontal. Vous pouvez revenir en arrière et choisir celui que vous pensez être le meilleur, et peut-être vous en avez un pour les médias sociaux et ensuite vous en avez un autre pour votre portfolio de site Web ou quelque chose comme ça. Le prochain conseil sur les médias sociaux que j'ai est probablement le plus important et c'est la cohérence. Quand je dis cohérence, je veux dire cohérence de deux façons différentes. Cohérence stylistique ainsi que cohérence thématique ou contenu. Commencer les choses avec une cohérence stylistique. Quand je dis ça, je veux dire, avoir toutes vos photos correspondent à un look stylistique similaire. Peut-être que toutes vos photos ont l'air sombre et de mauvaise humeur ou peut-être le contraire. Peut-être qu'ils sont lumineux et aérés et peut-être qu'ils sont très colorés. Ils sont peut-être tous noirs et blancs. Avoir une certaine cohérence stylistique est vraiment important pour se démarquer dans les médias sociaux de nos jours, en particulier, si vous filmez pour un média social comme Instagram où vous avez un format de grille et toutes vos photos sont présenté dans une grille de neuf par neuf. Il est très important d'avoir toutes vos photos semblables, car alors cela montre quelqu'un quand ils viennent à votre profil que cette personne a son style composé. Je sais exactement pour quoi je vais les suivre. Je les suis pour que je puisse voir plus de photos de ce style. L' une des façons les plus simples d'avoir un style cohérent dans votre photographie est d'avoir un style d'édition similaire avec toutes vos images. Par exemple, j'ai vu des presets et la plupart du temps, je n'utilise qu'un preset pendant des mois à la fois. En ce moment, c'est mon préréglage d'Auckland. Je l'aime et je l'utilise sur toutes mes photos, puis je fais de petites adaptations. Toutes mes photos ont un schéma de couleurs similaire, un schéma d'éclairage similaire, et tout semble stylistiquement similaire. Si vous utilisez une application comme VSCO ou juste une autre application de filtre ou même un filtre sur Instagram. Choisissez un filtre et allez avec et utilisez-le sur toutes vos photos, puis adaptez simplement chaque photo de sorte que le filtre s'adapte à cette image. Le deuxième élément de cohérence est, le contenu ou la cohérence thématique. C' est quelque chose dont je parle fortement dans mes cours Instagram, et essentiellement, votre page Instagram devrait suivre un thème. Certains vous identifient en tant que photographe. Vous devez vous identifier en tant que photographe de voyage photographe alimentaire ou photographe de mode. Plus vous pouvez obtenir avec cela, mieux vous serez en mesure de faire appel à des gens qui cherchent quelque chose de très spécifique. Si vous n'êtes qu'un photographe, il y a des millions de photographes sur Instagram. Mais si vous êtes un photographe chien, eh bien, c'est beaucoup plus spécifique et je pense que vous aurez beaucoup plus succès parce que vous pouvez vous démarquer des autres, qui est très important pour les médias sociaux en ce jour et âge parce qu'il y a tellement de gens sur les médias sociaux. Tout le monde est sur les réseaux sociaux. Trouvez un thème sur lequel vous pouvez vous concentrer. Peut-être que vous photographiez des fleurs ou vous photographiez des gens, photographie de rue ou vous photographiez de la nourriture ou du café ou quoi que ce soit, trouvez un thème sur lequel vous pouvez vous concentrer, puis produisez du contenu autour de ce thème. Je veux vraiment marteler dans ce point de cohérence. Je pense que c'est si important et c'est probablement la plus grosse erreur que je vois des gens faire sur les médias sociaux, c'est qu'ils ont beaucoup de photos vraiment géniales, mais il n'y a pas de cohérence là-bas. Que ce soit stylistique, toutes les photos sont styles très radicalement différents ou le thème est complètement sorti dans le champ de gauche. Il y a une photo d'un chien, qui est une super photo, puis il y a une photo d'avion et d'autres photos géniales, mais elles ne correspondent pas vraiment. Maintenant, je veux vous mettre en garde à ce sujet aussi parce que cela peut aussi vous limiter de façon créative si vous venez de sortir et vous ne frappez que d'une façon, et vous ne faites que quelques photos. Eh bien, alors vous allez vous limiter de façon créative. Vous ne devriez pas faire ça quand vous débutez en tant que photographe. Je pense que vous devriez avoir deux instagrammes, ou deux formes de médias sociaux. L' un où vous avez juste plus ce que vous voulez, et l'autre, vous expérimenterez peut-être avec un style plus cohérent. Mon prochain conseil pour vous est juste de poster autant que vous le pouvez. Quand j'ai commencé à enseigner Instagram, j'ai toujours dit que vous ne devriez poster que votre meilleur contenu. 10 contenus sur 10 seulement. Mais aussi socialement et a évolué et que j'ai appris plus sur les médias sociaux et plus sur la création d'un général. J' ai changé d'état d'esprit à ce sujet. Je pense que vous devriez juste poster autant que vous le pouvez. Postez toutes vos photos parce qu' il y a peut-être une photo que vous pensez que ce n'est pas si génial, mais peut-être que vous la postez et tout le monde l'adore. On ne peut pas prédire ce que les gens vont penser. Postez tout ce que vous avez, faites-le sortir pour que les gens puissent le voir. Plus vous êtes visible sur les réseaux sociaux, mieux c'est. Partir de cela et être aussi visible que possible, vous devriez vous engager avec d'autres comptes. Peu importe combien vous publiez, si vous ne partez pas activement à commenter des photos et à aimer les photos, ou si ce processus ressemble à la plate-forme de médias sociaux de votre choix, si vous ne le faites pas, alors vous ne serez pas en mesure de grandir. La sensibilisation est très importante pour toutes les industries du monde. La même chose fonctionne avec les médias sociaux. Vous allez poster des photos, mais vous devriez sortir et aimer les photos des autres peuples, fournir des commentaires et fournir des critiques et juste sortir et obtenir votre nom là-bas. Plus vous pouvez obtenir votre nom, plus votre compte sera visible, ce qui signifie que vous pouvez grandir et vous pouvez continuer à vous établir sur les réseaux sociaux. Mon dernier conseil, c'est de ne pas tirer exclusivement pour les réseaux sociaux. Oui, Instagram est une pièce importante du puzzle, et d'autres formes de médias sociaux sont également importantes. Mais vous vous enfermez vraiment si vous ne faites que tourner pour les médias sociaux. Il suffit de tirer ce qui a l'air bon et de tirer comme vous voulez le tirer. Ne vous inquiétez pas de tirer d'une manière spécifique. Il suffit de sortir, d'être créatif, et de prendre autant de photos que vous pouvez parce que c'est la chose la plus importante quand il s'agit d'apprendre la photographie et de devenir un meilleur photographe. C' est juste pour poursuivre votre créativité et juste aller après et prendre autant de photos que vous le pouvez. 11. Trouver votre style de photographie: C' est un de ces sujets que j'entends toujours les gens dire que tu ne peux pas enseigner. Bien sûr, je parle de style. J' entends souvent les gens dire que, on ne peut pas enseigner le style, qu'il est organique, et qu'il doit grandir et se développer au fil du temps seul. Eh bien, je pense que c'est vrai dans une certaine mesure. Il y a des lignes directrices ou un processus que les photographes ou n'importe quel artiste peuvent suivre pour mieux comprendre l'orientation qu'ils veulent suivre. dix comment grandir dans leur propre style unique et avoir leur propre identité unique. Quand il s'agit d'un photographe, eh bien, leur style est dicté à la fois quand ils tournent. Les processus de pensée qui traversent leur esprit quand ils prennent réellement la photo, puis aussi, comment ils traitent cette photo. Comment ils éditent cette photo, élaborent l'histoire et affinent leur histoire, dans la phase de montage. J' ai en fait un cours très détaillé sur la façon de trouver votre propre style d'édition unique. Si vous voulez apprendre à trouver votre propre style unique et que vous ne savez pas comment naviguer dans ce processus, vous pouvez vérifier cela. Mais pour ce cours, je veux parler de trouver votre propre style et général. fois l'édition et aussi le processus de prise de vue et comment vous pouvez créer votre propre look unique de cette façon. La façon dont j'aime expliquer cela est un processus. C' est un processus que vous pouvez suivre pour comprendre certaines des choses que vous souhaitez, mettre en œuvre ces choses dans votre propre travail puis grandir et s'adapter à votre propre style. La première étape est de trouver votre inspiration. Trouvez d'autres photographes, d'autres artistes ce qu'ils aiment absolument, et combinez toutes ces photos en un seul endroit, que ce soit pour enregistrer des photos sur Instagram ou avoir des livres physiques réels. Quoi qu'il en soit, trouvez vos formes d' inspiration et prenez note de ces choses et regardez-les souvent. Après avoir trouvé ces formes d'inspiration, la phase suivante consiste à imiter. Je pense que beaucoup de gens entendent ça et pensent, non, je ne veux pas copier d'autres photographes, je veux être mon propre artiste unique. Ma réponse à cela est que je pense que imiter d'autres photographes ou d'autres artistes est la meilleure façon d'apprendre. Je veux dire, ça nous aide vraiment à comprendre certaines des choses qu'ils font et ça implique beaucoup d'essais et d'échec en essayant d'obtenir ce look similaire. Il repousse vraiment vos limites en termes non seulement de créativité, mais aussi du côté technique de la photographie. Vous allez trouver votre inspiration et vous allez imiter leurs photos, quoi que ce soit. S' il s'agit de paysages ou de portraits, vous allez essayer d'obtenir un éclairage similaire. Vous allez même essayer d'éditer la photo de la même manière. Après la phase mimique, vous allez entrer dans la phase d'adaptation, où vous allez prendre ce style et vous allez l'adapter. Vous pourriez ajouter quelque chose d'un peu différent, votre propre style. C' est là que votre propre style unique entre en jeu. Après avoir adapté cela, vous allez évoluer et le processus évolutif est un peu plus long. n'y a pas de période de temps spécifique, mais au fil du temps, votre style évoluera en quelque chose de très unique. Un exemple que je voudrais donner est que lorsque je suis arrivé en Thaïlande, j'ai rencontré beaucoup de photographes thaïlandais impressionnants. Ils avaient tous un style similaire, tournant du café, la culture du café, leur scène de café, ainsi que de la nourriture et des choses comme ça. Quand je suis arrivé ici, j'étais tellement inspiré par leur travail et je voulais juste tourner la même chose, donc je l'ai fait, et beaucoup de mes premiers travaux liés à la photographie alimentaire et café étaient très similaires au leur. Il l'imitait presque. Mais au fil du temps, mon style a un peu évolué. Je ne peux pas te dire un moment précis où c'est arrivé, mais c'est ça. Si vous regardez mon travail, maintenant, d'après ce qu'il était, c'est très différent de leur travail, et c'est beaucoup plus unique aussi. Je pense qu'au fil du temps, vous identifiez certaines des choses stylistiques que vous aimez sur une photo, vous apprenez quel type d'histoire vous voulez raconter, quelles émotions vous voulez susciter. Cela changera au fil du temps et vous aidera vraiment à développer votre propre style unique. C' est le processus que je recommande toujours de suivre, de trouver votre inspiration, imiter l'inspiration, d'adapter l'inspiration, puis de l'évoluer dans votre propre style. 12. Conseils pour l'édition de photos: Maintenant, je veux prendre un peu pour parler du montage, et le montage est si important pour les photographes de nos jours. Vous avez tellement de contrôle créatif sur vos images, et honnêtement beaucoup de ma signature numérique, mon unicité et de ma photographie, cela vient de mon style de montage. Tout le monde va avoir un style d'édition différent. Certaines personnes veulent un look plus réaliste, certaines personnes veulent un look plus stylisé avec beaucoup de couleurs vraiment folles, et juste un style très différent, quelque chose de très loin de la réalité. Ça n'a pas d'importance. Quoi que tu veuilles, quoi que tu sois attirée, vas-y après. Modifiez une photo comme vous voulez la modifier, et ne laissez pas une autre personne vous dire que votre style de montage est mauvais, car en fin de compte, ce n'est pas le cas. Pour cette leçon, je vais utiliser Adobe Lightroom, et je vais vous montrer deux photos différentes que j'ai photographiées. Ce premier a été photographié vers six heures du matin dans un temple de montagne en Thaïlande. Vraiment génial beaux endroits appelés Doi Suthep c'est à Chiang Mai, Thaïlande. J' ai photographié ce moine par derrière, et il fait une de ses prières du matin. Puis l'image suivante, voici juste une tasse de café que j'ai photographié en Nouvelle-Zélande il y a environ un an. Un simple coup, mais je vais vous montrer comment nous pouvons transformer complètement en quelque chose de vraiment cool. Avant de plonger dans ces modifications, je veux dire que j'ai un cours sur Adobe Lightroom. Ce cours vous guérira à travers toutes les fonctions de Lightroom. Décomposer chaque petit curseur, chaque petit détail, puis vous donner plus de conseils pour trouver votre propre style d'édition unique et comment vous pouvez procéder à ce processus. Mais avec cela dit, plongons dans ces images, et je vais vous montrer quelques conseils de montage de base ici. Commencez les choses avec cette image de Doi Suthep ici, abord, juste un coup si cool ici, tourné ça à 35 millimètres F1.4, ISO 100, donc c'est 1.4. Vous pouvez voir ici tout cela est gentil et floue et il est gentil et pointu. Mais l'une des premières choses que je vois ici est que la composition est plutôt mauvaise. Ce poteau lumineux ici, cette porte n'a pas l'air bien. La première chose que je vais faire, je vais en haut ici, cliquer ici et que je vais descendre ici, cliquer quatre par cinq. Cela va être posté sur Instagram c'est pourquoi je le recadre, rapport d'aspect quatre par cinq, et puis je vais le glisser ici et juste débarrasser complètement de cette chose de côté ici. Faites glisser un peu vers le bas, et je veux qu'il soit symétrique, je le veux au milieu ici. Je pense que ça a l'air bien, et ensuite je vais faire défiler ici. Je vais sauter toutes ces fonctionnalités. Je vais aller à Transform et je vais frapper « Auto ». Maintenant, Auto va tout aligner pour qu'il semble juste plus symétrique. Maintenant, nous l'avons au centre avec ce tableau et ces poteaux de piscine ici, et tout a l'air vraiment bien. Maintenant, je vais revenir en arrière et je vais commencer avec l'édition réelle. C' est la section d'édition de base, la balance des blancs, je vais la laisser là où elle est, je pense que ça a l'air assez bon, je pourrais revenir à ça. Je vais réduire les faits saillants, peut-être 15 et augmenter les ombres peut-être à peu près la même 15. Cela va augmenter un peu notre gamme dynamique, obtenir plus de détails dans l'ombre, plus de détails dans les tons clairs. Je vais descendre ici pour les Blancs. Je pense que je vais laisser les Blancs, peut-être monter seulement cinq, juste un peu, et ensuite je vais laisser les Noirs là où ils sont. Maintenant, Clarity est quelque chose que j'avais l'habitude d'augmenter, mais maintenant j'aime vraiment la diminuer. Peut-être environ 15, et je vais vous montrer comment je vais le faire ressortir plus tard. Défilant ici jusqu'à la courbe de tonalité. C' est là que vous pouvez vraiment trouver des looks vraiment cool. J' aime toujours faire ce qu'on appelle une courbe S de base. La courbe S est l'endroit où beaucoup de photographes utilisent de nos jours, elle donne juste à votre photo un aspect doux tout en conservant un contraste élevé dans les zones de ton moyen. Je vais cliquer ici, je vais faire glisser ça vers le bas, et ça va rendre notre photo plus sombre, plus sombre, plus sombre, revenir au milieu, amener ça au milieu là-bas, et ensuite je vais apporter les Highlights ici, au troisième point, puis je vais aller de l'avant et faire glisser les coins vers le bas. Ce coin, je vais le traîner vers le haut, et ça va adoucir ces Noirs. Rends-les agréable et doux et vraiment facile sur les yeux. Même si les photos vraiment sombres ici, nous avons des zones vraiment sombres, c'est agréable et doux à partir de cette courbe de tonalité là-bas. C' est une courbe S de base là, vous pouvez voir un ressemble à un S. Maintenant, nous allons faire défiler ici pour les curseurs de couleur HSL. Hue fait référence à la teinte de cette couleur, ou est-ce le rouge, est-ce plus rose, ou est-ce plus orange ? Le bleu, le plus vert ou le plus violet ? Comme vous pouvez voir ce que ça fait à ce sac ici. Plutôt cool. Nous ne ferons rien de trop important. Mais l'une des premières choses que je vais faire est d'aller à Saturation. Je vais juste désaturer un peu l'orange. Je pense que c'est assez fort. Ensuite, je vais aussi désaturer un peu le rouge. Je pense que le rouge est très fort dans ce tapis. Juste un peu. Parce que maintenant nous sommes un peu trop désaturés d'un regard sur notre image. Peut-être juste désaturer le rouge et ensuite moins l'orange. Nous avons ce qui se distingue moins, mais l'orange se distingue vraiment ici. Je pense que le bleu, je pense que toutes les autres couleurs vont bien ici. Ensuite, nous pouvons aller dans la teinte et ajuster les couleurs si nous le voulons. Mais honnêtement, je pense que la caméra a fait un très bon travail capturer les couleurs ici dans cette image. Je ne vais pas vraiment changer beaucoup en ce qui concerne la Hue là-bas. Défilement vers le bas jusqu'à Correction de l'objectif. J' aime cliquer sur Supprimer l'aberration chromatique. Mais j'aime toujours cliquer sur Activer les corrections de profil. Profile Corrections va essentiellement regarder votre objectif et ensuite se débarrasser de toute distorsion autour d'ici. Mais j'aime souvent avoir un peu de vignettage naturel. Mais je pense qu'en fait, dans ce cas, il a l'air bien avec la correction de profil dessus. Il illumine tout autour. Ensuite, je peux ajouter ma propre forme de vignettage ici. Quand je fais défiler ici, je peux faire descendre cette vignette et ça va juste ajouter un peu d'obscurité dans les coins, lui donner un look plus sombre. Pour ceux d'entre vous qui ont vu mon Instagram, vous savez que j'adore ce look de mauvaise humeur, alors je dois avoir ce look de mauvaise humeur. Maintenant, l'étalonnage ici, vous pouvez vraiment transformer les couleurs de votre image en quelque chose de assez sauvage. Mais comme je l'ai déjà dit, j'aime les couleurs que nous avons. Je veux que ce soit plus réaliste, donc je ne vais pas utiliser ces curseurs ici. Mais si vous le vouliez, vous pouvez trouver des combinaisons de couleurs vraiment cool. C' est quelque chose que je mets vraiment en évidence dans mon autre cours, où je me concentre sur l'ensemble d'Adobe Lightroom et tous les différents curseurs. Vous pouvez vérifier ça si vous êtes intéressé. Mais maintenant, nous avons une très bonne édition. Il y a l'avant, l'après, avant et l'après. Ensuite, on peut juste y aller et faire de petits changements. J' aime toujours revenir aux curseurs de base et faire de petits ajustements, et juste m'assurer que tout a l'air bien et qu'il semble où il doit être. Peut-être que je vais venir ici, ajuster un peu la température. Je vais aussi réduire un peu la Vibrance, je pense qu'elle est un peu vibrante. La dernière chose que je vais faire est d'ajouter un pinceau d'ajustement sélectif ici. Apportez la clarté jusqu'à 25 environ. Alors je vais lui peindre le dos. Cela va juste s'assurer qu'il est gentil et pointu, et que tous les détails sur lui. Mais le reste de l'image est un peu floue et peu de détails, donc nous pouvons vraiment nous concentrer sur lui spécifiquement. Mais c'est comme ça que j'ai fini cette photo. Il y a avant, après, avant et après. Je pense que ça a l'air bien. C' est une photo que je publierais sur les réseaux sociaux. Joli regard sombre et sombre. Maintenant passer à cette image, c'est une image que j'ai photographiée, comme je l'ai dit en Nouvelle-Zélande, et c'est une bonne photo, semble plutôt cool. Maintenant, pour éditer cette photo, je vais faire la même chose. Je vais y aller et je vais le recadrer, faire un rapport d'aspect quatre par cinq. Je vais le recadrer ici. Ensuite, je vais aussi le redresser pour m'assurer que la tasse de café est belle et droite. Appuyez sur « Entrée » là. On a une bonne composition là-bas. Je vais commencer par l'exposition. Je vais augmenter l'exposition parce qu'il fait un peu sombre. Cette image est un peu sombre. Peut-être que 0,30. Ensuite, je vais augmenter la chaleur un peu juste parce que je pense que cette photo aura l'air bien, un peu plus chaud. Je vais venir ici et faire descendre les Highlights, peut-être 15. Comme la dernière photo. Même chose avec les Ombres ; rapportez-les un peu. Augmentez nos Blancs ici un peu juste parce que ça va vraiment faire ressortir cette tasse et ensuite nous pouvons aussi baisser ces Noirs. Cela va juste ajouter beaucoup de contraste et lui donner juste un look plus audacieux. Ça a déjà l'air beaucoup mieux. Ça a l'air plutôt bien. Je vais laisser Clarity où elle est. Je ne pense pas qu'on ait besoin de l'abaisser parce que c'est déjà assez doux. Cette photo, soit dit en passant, ont été tournées à 85 millimètres F1.4. C' est vraiment doux parce qu'il a été tiré à 1,4. Toute cette zone, agréable et hors de la concentration et c'est agréable et croustillant et pointu. Nous avons une concentration suprême dans cette image. C' était une blague stupide. Maintenant, nous arrivons à la courbe de tonalité ici et faisons la même chose. Je vais faire glisser ce point bas, faire un point au milieu, puis aussi faire un point en haut. Maintenant, vous pouvez voir ce que cela fait à notre image ; elle devient vraiment audacieuse maintenant, vraiment haute en contraste. Je vais l'adoucir en augmentant ce coin ici, et ensuite la même chose avec les Highlights, faire tomber ça un peu. On a notre courbe en S. Vous pouvez toujours revenir et augmenter notre exposition si nécessaire, et affiner les modifications de base. J' aime toujours y revenir parce que la courbe de tonalité va affecter ça. Les couleurs vont l'affecter, tout va s'affecter les uns les autres. En descendant à la couleur HSL. Honnêtement, je ne pense pas qu'il y ait beaucoup d'ajustements que je ferais à cette image. J' aime toutes les couleurs ici. Je pense qu'ils avaient tous l'air bien. Nous pouvons essayer d'ajuster la Luminance, peut-être augmenter le rouge un peu juste pour le faire ressortir. Mais pour la plupart, je ne ferai pas grand-chose ici et c'est bon. Beaucoup de caméras temporelles font un très bon travail de capture des couleurs et il n'y a pas beaucoup de choses à changer. En descendant à la correction de l'objectif. Je vais l'interrompre dans ce cas. Mais je vais égayer un peu la photo. Un peu plus ici, 45. Apportez le style noir, un peu. Nous avons un joli look contrasté. Il y a l'avant, il y a l'après ou l'après. Je pense que ça a l'air assez bien et peut-être un peu de vignettage. Mais maintenant ce que je veux faire, c'est nous avons cette fenêtre ici et nous pouvons voir qu'il y a beaucoup de lumière qui vient sous la tasse, mais il fait encore vraiment sombre. Maintenant, nous pouvons ajouter un filtre gradué ici et je vais le faire glisser sur cette partie. Ensuite, je vais augmenter l'exposition ici et je vais apporter un peu de lumière à travers cette fenêtre ; et cela semble totalement naturel. On dirait qu'il y a beaucoup de lumière qui passe naturellement par cette fenêtre. Mais vous savez peu, c'est d'un filtre gradué. Ensuite, on peut aller de l'autre côté et aller dans l'autre sens et le rendre plus sombre. C' est ce qu'on appelle Burning and Wodging. Il améliore les zones en surbrillance et les zones sombres l'image pour simplement rendre l'image plus dynamique. Maintenant, nous avons une belle zone sombre ici, belle zone lumineuse ici, et la fracture est juste au milieu et je pense que c'est un bon montage. Que certains éditages que je publierais totalement. Voici l'avant, voici l'après, voici l'avant, voici l'après. Différence dramatique, et je pense que ça a l'air vraiment bien. Ce ne sont que des conseils de montage de base, les gars. Je veux dire, il y a tellement de choses que tu peux faire avec ces programmes. Je voulais juste vous accompagner dans quelques modifications différentes juste pour vous montrer comment j'éditerais une photo et comment je ferais ce processus. Habituellement, je le fais avec des préréglages. J' ai des presets que j'utilise. J' utilise généralement un ou deux préréglages, et je les utilise tous dans mes photos afin que je puisse avoir un aspect cohérent dans mes images. Vous voulez vérifier ceux là-bas disponibles sur notre site, seandalt.com/lightroom-presets. Si vous voulez les vérifier, vous savez où les trouver. Mais ce sont quelques conseils d'édition de base et j'espère que vous les avez trouvés utiles. 13. Conclusion: D' accord, les gars, vous avez enfin réussi jusqu'à la fin. Nous avons parlé de beaucoup de choses dans ce cours, et honnêtement, j'espère vraiment que cela vous a été utile. Nous avons parlé de composition, nous avons parlé de la façon d'utiliser votre appareil photo, nous avons parlé de l'éclairage, nous avons parlé des médias sociaux, il y a beaucoup de choses dans ce cours, et j'espère qu'il y a des joyaux pour vous vous pouvez prendre, et aller de l'avant. Quand j'ai commencé ce cours, j'ai dit que, il y a tellement d'informations là-bas, mais il y a seulement tellement de choses que vous devez vraiment savoir, pour devenir un bon photographe, et je pense que j'ai fait du bon travail en couvrant tous les ces choses que vous devez savoir, pour devenir un bon photographe. Mais maintenant, à ce stade, la chose la plus importante pour vous, est de sortir et de créer, et juste d'être actif, et juste d'obtenir après. J' ai dit que plusieurs fois tout au long de ces cours, vous devez être énergique, vous devez le vouloir, vous devez être passionné par cela, parce que la photographie est un métier, c'est un art, et c'est tellement amusant quand vous êtes pleinement investi dans elle. Vous pouvez faire des aventures absolument incroyables lorsque vous poursuivez ces photos impressionnantes, ou peut-être que vous sortez avec un ami et faites des portraits, ou vous allez dans un restaurant pour prendre de la nourriture. Quel que soit le processus créatif, cela peut être une aventure, et c'est pourquoi la photographie est tellement amusante. Maintenant, il est temps de sortir et de faire ce projet de cours, sortir et de prendre 50 photos différentes d'un objet, de revenir , de poster dans le cours, je vais vérifier , d'autres vont vérifier, je vais penser que ça va être la première étape pour vous aller de l'avant d'un point de vue créatif. Mais honnêtement, je veux savoir ce que vous pensez du cours. Si vous pouviez juste prendre quelques secondes pour laisser un examen rapide ici au bas du cours, ce serait vraiment génial, vraiment utile pour moi. J' aime vraiment vos nouvelles, et si vous avez des questions, n' hésitez pas à m'envoyer un e-mail à sean@seandalt.com, ou suivez-moi sur Instagram et envoyez-moi un message. J' adore les nouvelles de vous, j'adore me connecter. Avec cela dit les gars, encore une fois, j'espère que ça vous a été utile, et honnêtement, j'ai hâte de vous voir dans le prochain cours. J' ai quelques autres cours à venir ici bientôt, et j'espère vous y voir également. Merci beaucoup de gars, et j'espère que vous avez une journée fantastique, semaine fantastique, une année fantastique, une vie fantastique. Je vous verrai plus tard.