Le storyboard pour le cinéma ou l'animation

1. Apprendre à Storyboard pour film ou animation: Bonjour. Bienvenue dans ce guide complet sur l'apprentissage du storyboard. m'appelle Siobhan, j' enseigne l'animation et storyboard et je suis l'une des meilleures enseignantes sur Skillshare. J'ai plus de 15 ans d'expérience dans l'industrie de l' animation. [MUSIQUE] Ce cours est mon cours de storyboard ultime. [MUSIQUE] J'ai intégré à ce cours tout ce que je sais et tout ce que j'ai appris ce que je sais et tout ce que j'ai appris en travaillant dans l'industrie. Je l'ai conçu spécifiquement pour que vous puissiez acquérir les compétences exactes qu'un artiste de storyboard professionnel utilise au quotidien. Vous n'avez pas besoin de connaissances préalables en matière de storyboard. Vous n'avez même pas besoin d' être très doué pour dessiner, je vais vous apprendre à dessiner pour des storyboards. Vous n'avez même pas besoin de logiciels sophistiqués ou de tablettes à dessin. Vous pouvez commencer avec un crayon et une feuille de papier. Tout ce dont vous avez vraiment besoin pour ce cours est un intérêt pour le cinéma et l'animation et le désir de raconter votre histoire visuellement. Voici ce que vous allez apprendre avec moi aujourd'hui. Pour commencer, vous allez apprendre à dessiner pour des storyboards, qu'il s'agisse de figurines ou de personnages originaux. Je vais vous apprendre les astuces et les techniques pour bien dessiner. Vous apprendrez à dessiner des poses dynamiques et à dessiner en perspective. Ensuite, vous allez apprendre les éléments de base d'un film. Ce sont les angles de caméra et les plans que chaque réalisateur utilise pour réaliser un film ou une animation. Ensuite, vous apprendrez exactement comment décomposer le script, comment le découper en miniature et comment créer un storyboard professionnel et complet. Vous allez travailler sur un script d'une page que j'ai écrit spécialement pour vous afin que vous puissiez pratiquer ces étapes vous-même. Le storyboard est quelque chose que vous pouvez inclure dans votre propre portfolio si vous souhaitez le montrer à un studio ou à un client, et décrocher un poste de storyboard. Enfin, dans la dernière section de ce cours, je vais développer tout ce que je vous ai appris et vous donner les bases nécessaires au langage visuel. Cette section va couvrir les principes de composition tels que la règle des tiers ou la symétrie. Je vais expliquer ce que sont ces règles, pourquoi elles fonctionnent et quand les enfreindre. Vous découvrirez également plans narratifs spécifiques à la règle des 180 degrés, ainsi que le déplacement angles de caméra et la façon de les dessiner sur un storyboard. Tout au long de ce cours, je suis là pour vous aider , vous donner des conseils et des commentaires sur votre travail. Vous rejoindrez des milliers d'autres animateurs, cinéastes et artistes visuels qui ont déjà suivi ce cours. Beaucoup d'entre eux ont ensuite travaillé professionnellement en tant qu'artiste de storyboard. Je pense que vous serez vraiment inspiré par leurs projets de classe et par le contenu que vous allez apprendre ici aujourd'hui. J'ai hâte que tu commences et que tu commences à faire du storyboard. Retrouvez-moi dans la prochaine leçon et je vous expliquerai comment le cours est structuré et je vous expliquerai votre projet de classe. [MUSIQUE] 2. Introduction à la storyboard: Dans cette première leçon, examinons comment ce cours est structuré afin que vous sachiez ce que vous devez en retirer. Je vais également expliquer votre projet de classe. J'ai structuré les leçons ce cours en quatre sections principales. Dans la première section, vous allez tout savoir sur façon de dessiner pour les storyboards. Ce sera vraiment amusant car vous pourrez dessiner des personnages masculins et féminins de base, apprendre à créer des poses dynamiques pour vos personnages et vous apprendrez également à dessiner en perspective. La deuxième section du cours vous apprendra tout sur les aspects techniques du storyboard. Des éléments tels que les angles de caméra et les prises de vue, je vais vous montrer comment ils fonctionnent, pourquoi ils fonctionnent et quand les utiliser. Dans la section suivante, vous allez travailler sur un véritable script Vos vignettes sont scénarisées du début à la fin. Si vous accédez à l'onglet Projets et ressources de votre bureau, vous pouvez télécharger le script que je vous ai laissé, ainsi que les modèles sur onglet Projets et ressources de votre bureau, vous pouvez télécharger le script que je vous ai laissé, lesquels vous allez travailler. Dans la dernière section, je vais tout vous apprendre sur le langage visuel du cinéma et sur la façon dont il affecte les histoires que vous racontez. J'ai placé ce matériel dans une section distincte parce que je pense qu'il est très important que vous ayez l'expérience de travailler avec un storyboard et de l'intégrer d'abord, afin que ces concepts plus avancés beaucoup plus de sens une fois que vous les aurez compris. Ils vous donneront les bases nécessaires à la réalisation de films à l'avenir. C'est le plan complet du contenu de ce cours. Juste pour que vous sachiez comment nous allons progresser dans tout cela. Vous pouvez l'utiliser comme liste de contrôle si vous le souhaitez pour progresser. Si vous avez des questions, déposez-les dans cet onglet de discussion, je serai là pour répondre à toutes vos questions. Pour soumettre votre travail, retournez à l'onglet Projets et ressources, vous pourrez télécharger vos images. Vous pourrez également voir vos camarades travailler, voir comment ils ont abordé la même séquence, et je pense que vous trouverez cet endroit vraiment inspirant. N'hésitez pas à y jeter un coup d'œil et laisser un commentaire sur leurs projets. Avant de passer aux leçons, je vais simplement donner une brève description ou une définition d'un storyboard, afin que nous ayons une définition fonctionnelle pour l'avenir. Comme vous le savez probablement, un storyboard est une séquence d'images qui permet de visualiser l' action d'un script. Vous remarquerez peut-être également qu'il est conçu dans le seul but de se préparer à la production. Pour que le réalisateur ou le producteur puisse suivre le déroulement des prises de vue et faire des choix de mise en scène importants avant de dépenser de l'argent, hormis votre salaire. L'autre chose cruciale et très importante que vous ne connaissez peut-être pas à propos d'un storyboard, c' est qu'une fois qu'il est verrouillé et décidé, il devient le modèle de toute la production. Cela signifie que tous les l'équipe travaillant sur ce projet pourront se référer à votre storyboard en tant que document de base. Ils pourront voir ce qui va se passer dans chaque scène simplement en regardant votre storyboard. La dernière chose à savoir sur les storyboards que vous ne connaissez peut-être pas est que tous les storyboards ne sont pas réalisés de la même manière. Par exemple, un storyboard d'action en direct est très différent d' un tableau d'animation. Dans les storyboards d'action en direct, l' accent est davantage mis sur le blocage des plans qui seront utilisés, blocage des mouvements de caméra ou des séquences d'action importantes. Alors que dans un storyboard d' animation, l'accent est mis sur le jeu d'acteur dans n'importe quelle scène. En ce sens, tout est scénarisé. Pour ce cours, vous allez apprendre un aperçu général du storyboard qui convient à la fois à action réelle et à l'animation. Je vais m'intéresser un peu plus à l'aspect animation car c'est l' approche la plus inclusive en matière de storyboard, et elle s' appliquera donc aux projets d'action en direct sur lesquels vous pourriez avoir envie de travailler. Ensuite, dans la vidéo suivante, je vais expliquer ce dont vous avez besoin pour commencer à utiliser le storyboard et ce dont vous avez besoin spécifiquement pour ce cours. Quand tu seras prête, retrouve-moi dans la prochaine leçon. 3. Ce dont vous avez besoin pour Storyboard.: [MUSIQUE] Dans cette leçon, je vais aborder ce dont vous avez besoin pour storyboard et ce dont vous avez besoin pour commencer avec moi aujourd'hui. Maintenant, comme je l'ai déjà dit, vous n'avez pas besoin de logiciels sophistiqués ou de tablettes à dessin, vous pouvez utiliser un crayon et une feuille de papier. C'est tout ce dont vous avez besoin pour noter vos idées ou vos vignettes. Mais je voulais juste souligner tout de suite que si vous n'avez accès qu'à un crayon et à du papier aujourd'hui, c'est parfaitement bien dans ce cours. La prochaine étape serait de numériser ces dessins sur un ordinateur afin de les conserver dans un fichier numérique que vous pouvez envoyer par courrier électronique au format PDF à un client ou à un studio. Vous pouvez également numériser vos images dessinées à la main et les travailler dans un logiciel de dessin numérique tel que Photoshop. Mais si vous avez accès à des outils de dessin numériques, vous pouvez simplement commencer à dessiner dans Photoshop. Photoshop n'est pas le seul logiciel de dessin disponible. Vous pouvez utiliser Procreate sur iPad, Krita, et il existe également une application de dessin que j' aime beaucoup appelée Sketchbook Pro. Il existe même un progiciel appelé Storyboard Pro. Il est spécifiquement destiné storyboard professionnel et contient tout ce dont vous avez besoin dans un seul programme. Vous pouvez facilement suivre la numérotation de vos panneaux, leur séquençage. Tout cela est totalement automatisé. C'est une très bonne façon de travailler, mais elle peut être un peu complexe pour un débutant. Si vous vouliez me suivre dans quelque chose comme Photoshop, alors c'est très bien. Maintenant, si vous travaillez numériquement, la seule autre chose dont vous avez besoin est une tablette à dessin. Personnellement, j'utilise une Wacom Intuos Pro. Ma configuration est donc très simple. Ce n'est pas du tout une grosse tablette. Ce n'est pas si ancien ou quoi que ce soit d'autre. C'est juste une très belle Intuos Pro medium avec un stylet. Maintenant, si vous ne voulez pas opter pour Wacom, il existe des options moins chères que vous pouvez envisager, mais je vous recommande vivement d'investir dans mais je vous recommande vivement une tablette à dessin si vous aimez dessiner pour des storyboards ou de l'art numérique . Je vais faire toutes mes démos dans Photoshop, car c'est le moyen le plus simple pour moi de dessiner panneau par panneau, et j'utilise normalement un modèle de storyboard. Je vous ai laissé quelques modèles à utiliser, y compris un modèle de miniature ainsi qu' un modèle de storyboard final. Si vous accédez à l'onglet Projets et ressources, vous les trouverez ici. C'est tout ce dont vous avez vraiment besoin pour commencer. J'espère que vous êtes prêt à partir. Alors retrouvez-moi dans la prochaine leçon et je vais partager avec vous mes sept meilleurs conseils pour dessiner pour des storyboards. 4. 3: Avant de plonger dans le monde du storyboard, voici mes sept meilleurs conseils pour dessiner en matière d'animation en général et de storyboard en particulier. Ces conseils vous aideront à simplifier vos dessins et à réaliser très rapidement des croquis abrégés pour les personnages et les scènes. Mon premier conseil est toujours de m'échauffer. Lorsque vous vous asseyez pour commencer à dessiner. Quelques minutes d' échauffement vous aideront à vous détendre et à dessiner en toute confiance très rapidement. Au fil du temps, ces forets à dessiner amélioreront réellement la qualité de vos lignes. Dans le storyboard, l'idée est que vous devez être capable de dessiner vos idées très rapidement. Prenez simplement quelques minutes pour dessiner des cercles ou des lignes droites, mais continuez comme ça et essayez de remplir une page entière de cercles ou une page entière de lignes. Mon deuxième conseil est de dessiner un brouillon. Maintenant, en voici un autre qui ne correspond pas immédiatement à ce à quoi vous pourriez penser lorsqu'il s'agit d'améliorer votre dessin. Mais j'encourage toujours les gens à essayer de faire en vos dessins ou vignettes initiaux soient aussi approximatifs que possible. Cela vous aidera évidemment à dessiner de manière très souple et rapide, mais cela vous évitera de vous enliser dans les détails et de vous perdre en chemin. Les dessins approximatifs ont une énergie dynamique, et c'est ce que vous recherchez dans votre storyboard. J'aime aussi cette astuce parce que beaucoup de gens pensent qu'ils ne savent pas dessiner. En fait, vos ébauches sont un excellent point de départ et un excellent moyen de mettre vos idées sur papier et de vous prouver que vous pouvez dessiner ce que vous imaginez. Mon troisième conseil est que lorsque vous dessinez vos storyboards ou que vous créez des vignettes, utilisez une simple grille dans vos panneaux. Maintenant, je vais expliquer en perspective manière beaucoup plus détaillée plus tard dans le cours. Mais sachez qu' en ajoutant simplement une ligne d'horizon et quelques lignes de quadrillage, vous pouvez instantanément donner à vos dessins composition et le contexte de la grille. Il a l' avantage supplémentaire de vous aider à vous entraîner à dessiner en perspective. C'est très bien de s'habituer à dessiner avec une grille. Mon quatrième conseil est de garder votre visage simple. Même si vous travaillez avec des feuilles de modèles détaillées pour les personnages, lorsque vous rédigez vos storyboards et vos vignettes, vous pouvez dessiner des têtes simplement l'aide d'un simple cercle ou d'une forme ovale. Vous pouvez indiquer la direction de la tête en utilisant cette ligne transversale au milieu. Une ligne horizontale pour la ligne des yeux et une ligne verticale pour le nez. Lorsque vous placez le pinceau au milieu de votre ovale ou de votre cercle, il indique instantanément dans quel sens la tête tourne. C'est vraiment efficace et cela vous permet de bloquer rapidement votre personnage sans avoir à entrer dans les détails des traits du visage. Mon cinquième conseil concerne les yeux. Les yeux sont la caractéristique la plus expressive de tout personnage. Surtout si vous essayez de créer une émotion dynamique chez vos personnages, concentrez-vous vraiment sur les yeux. Pour cette astuce, je vous encourage à vous entraîner à dessiner des yeux autant que possible. Désormais, vous n'avez plus besoin d'avoir des yeux détaillés et réalistes. Mais je voulais juste vous montrer à quoi ressemble le réalisme normal lorsqu'on dessine simplement des yeux. Mais pour les personnages stylisés ou caricaturaux, il faut être capable de pousser le pinceau à l'extrême. Disons que vous dessinez des yeux surpris. Vous feriez vraiment pression sur l'idée d' ovale ou d' un cercle rond pour les yeux. Ce que je ferais, c'est peut-être garder les pupilles des yeux très petites et au centre pour donner vraiment l'impression que le personnage a de grands yeux. Pour quelque chose comme des yeux effrayés, vous pourriez avoir les paupières inclinées vers le haut ainsi que les sourcils. Pour les yeux irrités, je pencherais les sourcils vers le bas et j' accentuais vraiment forme de mes yeux pour donner l'impression qu'il les sourcils vers le bas et j' accentuais vraiment la forme de mes yeux pour donner l'impression qu'il y a beaucoup de colère derrière ces yeux. Un autre raccourci pour désigner quelque chose comme un visage joyeux ou des yeux souriants est d' indiquer les joues qui poussent vers le haut de cette façon. Vous pouvez être très créatif C'est un excellent exercice pour voir combien d' émotions différentes vous pouvez créer en dessinant simplement des yeux. De même, une autre astuce consiste à se concentrer sur la mise en forme de la bouche. Aujourd'hui, dans le domaine de l'animation, en particulier pour les dialogues, on utilise un certain nombre de conventions, l' abréviation désignant la forme de la bouche pour différentes lettres. Si vous recherchez des formes ou des diagrammes buccaux sur Google, vous pouvez facilement trouver différentes formes de bouche, et je m'entraînerais également à les dessiner. Alors mon dernier conseil est de m' entraîner à dessiner des mains. Pour les personnages, en particulier dans le storyboard, les mains seront un autre grand vecteur d'émotions. Beaucoup de gens oublient de dessiner des mains. Ils sont un peu compliqués et pointilleux, mais vous pouvez vraiment les simplifier, et cela rend les choses beaucoup plus faciles. Passez simplement du temps à les pratiquer. Intégrez les mains à vos exercices de dessin. Un bon conseil d'initié professionnel est de s'assurer que tous vos doigts ne se ressemblent pas. Essayez de varier légèrement la position des doigts si vous pratiquez les mains. Cela donne juste beaucoup de vie et de caractère aux mains. Ce sont mes meilleurs conseils pour pratiquer le dessin, l'animation et le storyboard. Je vous encourage à prendre le temps dès maintenant de mettre en pratique certains de ces dessins que j'ai parcourus J'adorerais voir vos dessins. Si vous souhaitez les partager avec moi, publiez-les dans la section projet ou déposez un commentaire dans l'onglet de discussion. 5. Comment dessiner des personnages pour les histoires: [MUSIQUE] Dans cette leçon, je vais vous donner quelques conseils sur la façon de dessiner des personnages masculins et féminins de base, ainsi que vous montrer comment dessiner des figures stylisées. La plupart du temps, dans le storyboard, vous n'êtes censé dessiner que ce que j'appellerais le dessin d'une figure, pas nécessairement une personne réelle en tant que telle. Pour cette raison, vous pouvez vous fier à des guides et à des modèles très utiles pour dessiner des figures. convention ou le modèle le plus courant pour dessiner des personnages consiste à diviser la proportion en huit longueurs de tête. Vous utilisez la tête comme unité de longueur de base. Ce que cela signifie si vous copiez chacun de ces éléments, vous aurez plus ou moins des proportions pour toute la hauteur d' une figure debout. C'est vraiment utile de travailler avec cela. Il vous permet maintenant de diviser le personnage debout comme suit. Vous avez une hauteur de tête, évidemment, pour la tête, vous pouvez avoir deux longueurs de tête pour le haut du corps, une longueur pour le bassin, deux pour le haut de la jambe et deux pour le bas de la jambe. Maintenant que vous l'avez décomposée en sections, il est beaucoup plus facile de dessiner une figure et vous pouvez commencer à dessiner chaque section. Maintenant, ce n'est en aucun cas une règle absolue, en fait, ce n'est même pas très utile si vous devez dessiner un personnage dans une pose différente. Mais comme point de départ, c'est un très bon moyen d' apprendre les proportions et la structure d'une figure humaine générique de cette manière. Si vous pratiquez cela, vous finirez par être capable de dessiner intuitivement en proportion. Comme vous pouvez le voir, j'ai maintenant esquissé une sorte de squelette. J'ai dessiné le haut du corps comme une forme simple pour indiquer une cage thoracique et j'ai dessiné le bassin sous une forme de bloc très simplifiée. Je suis certain que les coudes sont positionnés au milieu du haut du corps. manière générale, la longueur du bras se résume à peu près au tiers supérieur des jambes. Sans entrer dans les détails, vous pouvez réellement travailler avec ce mannequin très simplifié et créer un personnage dessus. Vous pourriez ajouter des muscles et des formes à cette figurine, mais je pense que je vais aller de l' avant et simplement dessiner un personnage et des vêtements. Faites-le en rouge sur la couche au-dessus. Comme vous pouvez le constater, je ne fais que suivre les formes que j'ai décrites très simplement. Il n'est pas nécessaire de trop compliquer les choses à ce stade. Je n'essaie pas de dessiner une figure hyperréaliste. [RIRES] C'est stylisé, très simplifié, et c'est ce que nous voulons. Je vais simplement indiquer très probablement certaines caractéristiques du visage. Maintenant, si je désactive squelette ou le mannequin qui se trouve en dessous, vous pouvez voir que c'est un sketch ou un dessin vraiment réussi pour un personnage masculin de base. Maintenant, vous pouvez certainement ajouter plus de détails ici, mais l'idée est simplement de vous montrer une méthode ou un modèle pour créer un personnage de base. Si vous voulez dessiner des personnages encore plus stylisés, plus dynamiques et plus caricaturaux, je le ferais en combinant je le ferais en combinant encore plus les choses, en les simplifiant et en les stylisant davantage. Pensez à l'ensemble du haut du corps comme un bloc. Suivez le bord extérieur de ce bloc vers le bas pour les jambes avec une forme simple pour les pieds et tracez une ligne comme celle-ci pour le bras. Maintenant, comme c'est hypersimplifié, cela signifie que vous pouvez vraiment repousser les poses. Vous pouvez exagérer ce personnage. Essayez de donner à ce personnage différentes formes et voyez si vous pouvez inventer des poses que vous n'auriez peut-être pas pu imaginer si vous aviez dessiné un personnage plus réaliste ou plus étoffé comme le premier. Il est beaucoup plus facile de mettre des personnages dans des poses parce que vous travaillez avec ces formes simples. En fait, il ne s'agit que d'un bloc et de quelques lignes pour les jambes et les bras. Regardons maintenant le même processus avec la même méthode pour dessiner un personnage féminin. Vous pouvez suivre exactement le même modèle qu'auparavant avec des proportions de huit têtes pour toute la longueur du corps. Les divisions distinctes sont exactement les mêmes. Tout ce que vous avez à faire est de vous assurer que les hanches et poitrine sont plus larges et que la taille est plus fine. Pour le reste, c'est pareil. Les bras et les jambes ont les mêmes proportions qu'auparavant. Comme avant, je vais faire un dessin sur le dessus de ce mannequin de base. En suivant cette structure, je trouve que les vêtements sont très faciles à dessiner car ils masquent vraiment les formes des muscles. Cela simplifie un peu les choses. Ça a l'air bien, ça a l'air génial. À partir de là, extrapolons à nouveau et dessinons des personnages féminins hyperstylisés. Pour ce faire, au lieu d'utiliser une forme en blocs pour le corps, vous pouvez utiliser l'idée d' un haut du corps plus triangulaire pour donner cette forme de sablier à la silhouette féminine. Une fois que vous êtes à l'aise avec ces formes simplifiées, vous pouvez à nouveau les remettre dans de belles poses fortes. Dans la prochaine leçon, je vais vous montrer comment vraiment améliorer vos poses et vous donner très bons conseils sur la façon créer des actions dynamiques avec votre personnage. Mais pour l'instant, prenez un moment pour vous entraîner à dessiner une page ou deux de personnages dans ces formes simples en blocs. Alors, quand tu seras prête, retrouve-moi dans la prochaine leçon. [MUSIQUE] 6. Comment utiliser la ligne d'action: [MUSIQUE] Jusqu'à présent, dans ce cours, j'ai mis l'accent sur le dessin brut, et cela s'explique en partie par le fait que vous devez écrire vos dessins et vos idées le plus rapidement possible. L'autre raison est que plus votre style de dessin est gestuel, plus il est expressif. En termes simples, un dessin approximatif et vague peut conduire à un dessin gestuel dynamique très puissant. Avoir un dessin expressif est vraiment votre objectif ultime lorsque vous dessinez des personnages, en particulier pour l'animation. Dans vos storyboards, vous voulez être en mesure montrer vos personnages sous forme poses dynamiques et expressives afin que le jeu d'acteur apparaisse dans chaque panneau de votre plateau. Dans cette leçon, je vais vous montrer exactement comment vous pouvez réaliser des poses dynamiques fortes avec vos personnages d'une manière très simple mais vraiment efficace. Cette méthode très simple consiste à dessiner des poses à l'aide d'une ligne d'action. Une ligne d'action est essentiellement une ligne qui va de la tête du personnage jusqu'aux orteils ou vice versa, des orteils jusqu'à la tête. C'est une ligne qui décrit la direction de la pose. Ce n'est pas nécessairement une ligne que vous verrez sur le dessin final, mais c'est le point de départ ou la base de toute pose. Il vous indique immédiatement si le personnage se penche d'une manière ou d'une autre. Il vous indique le geste de la pose qu'il prend et décrit essentiellement l' ensemble de la pose en une seule ligne. Le meilleur exercice est donc de tracer une ligne, comme je le fais, et en plus de cela, de commencer à construire votre pose par la suite en ajoutant la tête et les membres. En animation, la convention standard est qu'une ligne d'action à travers la figure humaine sera soit une courbe en S, soit une courbe en C. Ces deux poses sont donc des lignes de courbe en S. Mais vous pouvez également représenter votre personnage à l'aide d'une courbe en C pour montrer sa flexion. L'idée est que la ligne d' action passe directement par le milieu du corps. Très souvent, vous devrez peut-être ajouter les bras ou même les jambes dans des directions totalement différentes mais ce n'est pas grave tant que vous pouvez identifier vous-même la ligne d'action principale ou principale à travers la pose. Comme tout ce que j' ai dit jusqu'à présent, plus tu t'entraînes, tu t'amélioreras. Cela vous aide vraiment à trouver des poses amusantes et intéressantes. Je voulais montrer comment vous pouvez utiliser cette idée pour reprendre une pose que vous avez déjà dessinée. Si vous avez dessiné votre personnage et qu'il ne vous semble tout simplement pas assez fort, c'est un moyen infaillible de l'améliorer. Supposons que vous ayez un ou deux personnages et que l'un frappe l'autre , que vous avez prolongé votre action , que cela ressemble ceci et que c'est vraiment plat et ennuyeux. Eh bien, c'est parce que ces deux personnages ont une ligne d' action vraiment statique qui les traverse. Dans chacun d'eux, la ligne d'action est droite de haut en bas. Il ne bouge pas. Ce que vous pouvez faire, c'est tracer une ligne vraiment dynamique comme celle-ci pour exagérer la pose ou la pousser à l'extrême. Vous avez maintenant une action beaucoup plus forte et vous pouvez vraiment sentir la force de ce coup de poing dans ce dessin simple. N'ayez pas peur de pousser la ligne d'action même si vous pensez que c'est trop extrême ou trop loin, car il est probable que vous ayez vraiment atteint la cible dans la pose de votre personnage. Exagérez vos poses autant que possible et vous finirez par dessiner des poses dynamiques vraiment fortes. 7. Comment faire un dessin en perspective: [MUSIQUE] Dans cette leçon, je vais vous montrer comment vous assurer que vos dessins sont toujours corrects en perspective. Une fois que vous savez comment travailler avec une grille de perspective, vous ne dessinerez plus jamais une perspective incorrecte. C'est vraiment utile pour vous aider à composer des photos intéressantes et détaillées. Le concept de base de la perspective est que la ligne d'horizon que vous tracez toujours dans votre composition est en fait la ligne des yeux de l'appareil photo. Ce que je veux dire par là, par exemple, c'est installez une caméra ici vous installez une caméra ici et que vous capturez une scène contenant deux arbres, alors voici comment vous verriez cette scène en perspective. Un arbre se trouve plus en avant, vers l'avant. Il est plus grand parce qu'il se trouve près de la caméra et que l'autre est un peu plus loin. Dans cet exemple, il s'agit à peu près de la ligne d'horizon ou de la ligne oculaire de la caméra qui se trouve au milieu du cadre. Mais vous pouvez également avoir la caméra à différentes hauteurs. Si je copie simplement cette scène et que je la fais glisser vers le bas, je vais vous montrer exactement ce que je veux dire. Supposons que la caméra soit inclinée vers le bas et qu'elle regarde cette scène d'en haut, presque comme si elle était vue à vol d'oiseau. Sur cette photo, vous regardez les arbres et votre dessin en perspective ressemblerait un peu à ceci. Cet arbre, ses feuilles et son feuillage seraient beaucoup plus grands et le tronc de l'arbre se rétrécirait vers le sol. Bien sûr, si nous avons la même configuration mais avec un angle très bas, ce qui se passe ici, c'est que la caméra est abaissée. Disons que c'est une vue à vol d'oiseau. Il regarde la scène et la photo ressemblerait alors à ceci. Une ligne d'horizon élevée signifie que la caméra regarde la scène sous un angle élevé. Une ligne d'horizon basse signifie que la caméra est tournée vers le bas et regarde la scène vers le haut. Ces dessins sont très simplifiés, mais c'est juste pour montrer ou pour vous donner une idée de la façon dont vous pouvez modifier la ligne d'horizon dans un dessin ou un panneau donné simplement en modifiant l'angle de la caméra. Cela devient très utile plus tard lorsque vous essayez d'utiliser angles de caméra et les prises de vue pour souligner le récit, mais j'en parlerai un peu plus lorsque j' aborderai les plans de composition et de narration. C'est le concept général de la façon dont vous placez votre appareil photo en termes de perspective. Mais voyons maintenant exactement comment dessiner des choses et des objets en perspective. La meilleure façon d'améliorer votre dessin en perspective est de vous entraîner à dessiner des cubes et des boîtes. Je dois vous prévenir à l'avance, cela peut être un peu ennuyeux ou fastidieux, mais c' est vraiment le moyen le plus rapide de vous améliorer. Finalement, comme toujours, si vous pratiquez cet exercice de dessin, cela deviendra une seconde nature et vous serez capable de dessiner intuitivement et instinctivement les éléments de votre scène dans une perspective parfaite. Examinons d'abord une perspective ponctuelle. Je vais commencer par une grille très simple pour montrer comment m'entraîner à dessiner ces boîtes et ces cubes. Je vais tracer une ligne droite au milieu de mon cadre comme ceci. C'est la ligne d'horizon. Au milieu, je vais juste placer des points ici pour indiquer où se trouvera le point de fuite. À partir de là, je vais tracer des lignes rayonnantes, des lignes diagonales sortant de ce point. Pour tracer une ligne droite dans Photoshop, s'il s'agit d'une diagonale, vous devez assurer que vous utilisez le bon pinceau. Je vais juste cliquer avec le bouton droit sur mon canevas pour faire apparaître le panneau des pinceaux. Ce que je veux choisir, c'est le pinceau rond dur, car si j'utilisais le pinceau effilé, la ligne ne se lirait pas comme une ligne singulière, elle s'effilerait. Ce que je veux vous montrer, c'est comment tracer une ligne droite très nette. Assurez-vous de choisir ce pinceau rond et de le rendre assez petit, peut-être cinq ou huit pixels ou quelque chose comme ça. Ensuite, pour tracer une ligne droite, appuyez sur un point, maintenez la touche Maj enfoncée sur votre clavier et touchez le point final. Cela vous donnera une jolie ligne diagonale droite comme celle-ci. J'ai tracé toutes mes lignes rayonnantes, maintenant je vais tracer des lignes parallèles à la ligne d'horizon. Pour cela, il vous suffit de maintenir la touche Shift enfoncée et de dessiner tout droit. Il s'agit de ma grille. Je vais donc réduire l'opacité de cette grille, créer une nouvelle couche par-dessus, puis choisir une autre couleur. Je vais maintenant suivre les lignes de la grille et commencer à dessiner des cubes, des boîtes. Si je suis la grille du mieux que je peux, les cases sont dans une perspective à point. L'idée est de pratiquer cela autant que vous pouvez dessiner autant de cases et de cubes. Ne t'inquiète pas trop. Vous n'avez pas besoin d'être complètement rigide pour suivre la grille. Tant que vous vous habituez et que vous vous habituez à suivre une ligne de perspective générale dans votre dessin, c'est le but suivre une ligne de perspective générale dans votre dessin, c'est le but de cet exercice. J'essaie de remplir une page entière avec des cases et des cubes. Maintenant, vous pouvez avoir une perspective à point unique qui se situe [RIRES] hauteurs différentes, comme je l'ai expliqué dans l'exemple précédent. C'est assez facile. Vous pouvez simplement tracer une ligne d'horizon. Disons vers le haut. Mettons notre point de fuite sur le côté pour qu'il soit un peu décentré. Répétez ensuite la même procédure pour créer la grille avec des lignes diagonales rayonnant à partir d'un point. N'oubliez pas qu'il s'agit d'une perspective à point unique. Ensuite, si je baisse l'opacité, je peux dessiner des cubes par-dessus. Vous remarquerez que vous obtenez boîtes de formes légèrement différentes, mais il s'agit toujours d'une perspective à point unique. Ensuite, pour un angle faible, tracons une ligne d'horizon très bas avec notre point de fuite vers la gauche cette fois. Rejoignez notre réseau. Réduisez l'opacité de la grille et remontez quelques cases. Parfois, je ne suis pas exactement les limites, et en fait, je pense que c'est également une très bonne pratique . Cela permet de vous sentir à l'aise lorsque vous devez dessiner avec Azure Grid. Mais vous pouvez toujours placer cette grille dans vos dessins, puis supprimer après avoir ébauché votre composition. Mais assurez-vous que cela fait partie de vos exercices de dessin habituels. La dernière chose que je veux vous montrer dans cette leçon est une perspective à deux points. Je vais commencer avec un autre canevas vierge. Ce que je tiens à souligner à propos perspective à deux points, c'est que évidemment, comme son nom l'indique, vous avez deux points de fuite sur une ligne d'horizon. Mais la chose à noter est que vous devez presque toujours avoir vos points de fuite en dehors de votre cadre photo. La raison en est que si vous avez les deux points de fuite dans votre cadre photo, votre dessin sera très compressé et aura l'air un peu déformé. Si vous configurez une scène ou si vous souhaitez dessiner un arrière-plan ou quelque chose comme ça, je recadrerais simplement le canevas et placerais vos points de fuite légèrement en dehors de votre cadre. À partir d'un point de fuite, je vais à nouveau créer des lignes rayonnantes. Ensuite, à partir de l'autre, je vais faire les mêmes lignes mais dans une couleur différente pour que vous puissiez voir ce qui se passe. Une fois que tout cela est terminé, c'est la grille, car ils se croisent, ils forment la grille. Il n'est pas nécessaire de tracer des lignes parallèles à la ligne d'horizon dans une perspective à deux points. Maintenant, laissez-moi dessiner un cube juste pour vous montrer comment cela fonctionne. Encore une fois, je ne fais que suivre les lignes de la grille et je fais correspondre mes verticales aux diagonales lorsqu'elles viennent de chaque côté. Mais vous remarquerez que toutes les diagonales de gauche se dirigent vers ce point de fuite gauche. Les diagonales situées sur le côté droit du cube descendent vers le côté droit du point de fuite. Si je colorie simplement ce côté gauche de la boîte, cela va vers la gauche et le côté rose de la boîte va vers la droite. Encore une fois, utilisez-le comme exercice d' échauffement ou de dessin. Dessine autant de cases que possible. Je vous promets que si vous le faites, ne serait-ce que pendant quelques semaines, dans le cadre d'une pratique régulière du dessin, vous constaterez d'énormes améliorations dans votre dessin en général. Bravo. [RIRES] Nous avons probablement surmonté l'un des aspects les plus techniques et les plus difficiles de l'apprentissage du dessin, à savoir perspective. Je ne vous ai donné qu' un simple aperçu ou un aperçu de base, mais en réalité, c' est tout ce dont vous avez besoin. Beaucoup de gens me demandent comment dessiner des dynamiques en perspective à trois points ou des graphiques extrêmes. Ce que je vous dirais, c'est essayez de maîtriser un dessin simple en perspective à un ou deux points avant de vous attaquer à des choses comme un plan extrême ou une perspective complexe à trois ou quatre points Vous devez vraiment être très à l' aise et confiant dessiner d'abord dans une perspective à un ou deux points. Si vous pouvez atteindre ce stade, vous n'avez pas besoin d'apprendre à faire un trois points, car ce sera instinctif et naturel. Cela jette vraiment les bases et les bases nécessaires pour pouvoir dessiner une perspective complexe. Je vous encourage à intégrer cela votre pratique aussi souvent que possible. 8. Panels, coups de soleil, scènes et séquences: [MUSIQUE] Dans cette leçon, je vais développer un peu plus la terminologie des plans, des scènes, des séquences et des panneaux, car elle peut être un peu confuse. Je souhaite expliquer ces termes dans le contexte des principales différences entre les d'action réelle et les storyboards d'animation. Je suis conscient que cela peut devenir un peu trop technique trop tôt. Dans ce cours, je veux vraiment me concentrer et mettre l'accent sur le fait de vous familiariser avec le dessin avant de vous laisser emporter par les aspects techniques. Mais il est bon de parler ces choses au début afin qu'il n'y ait pas de confusion et que vous soyez au moins conscient des principales différences. Lorsqu'il s'agit de parler de scènes et plans sur des modèles de storyboard, vous devez savoir qu' il existe une grande différence entre les tableaux d'action en direct et les tableaux d'animation. Si vous travaillez dans le domaine de l'action réelle et que j' entends par là un long métrage ou un court métrage avec des acteurs, non une production d'animation, vous avez affaire à des scènes et à des plans. Une scène est l'endroit où l'action se déroulera pendant une durée spécifique et dans un lieu spécifique. Lorsque vous vous rendez dans un autre lieu, c'est une nouvelle scène. Dans cette scène, vous allez avoir toutes vos différentes prises de vue qui décrivent l'action qui se déroule dans cette scène. Si nous examinons cette scène, agit d'une seule scène, mais chacun de ces panneaux représente une prise de vue différente ou un angle de caméra différent. Dans les films d'action en direct, on parlerait de prises de vue au sein de la scène. Jetons maintenant un coup d'œil à un storyboard d'animation. C'est celui que j' utiliserai pour ce cours et vous pourrez me voir travailler dessus un peu plus tard. Mais essentiellement, dans l'animation, vous avez une séquence composée de scènes. Dans l'animation, les termes sont utilisés légèrement différemment. Au lieu d'avoir une scène composée de plans, vous avez une séquence composée de scènes. En tant qu'animateurs, nous aimons utiliser le mot scène pour désigner un angle de caméra, une prise de vue ou une configuration. Mais, par exemple, cette séquence, le personnage sort du trou dans le sol qu'il est en train de creuser. Il sort, il est vraiment en colère. Eh bien, c'est composé de deux scènes distinctes. Cette scène comporte deux panneaux, le montrant debout à côté d'un trou dans le sol et se grattant la tête, se mettant vraiment en colère. Ensuite, vous passez à une scène différente, qui correspond essentiellement à un angle de caméra différent. C'est un gros plan et c'est une nouvelle scène parce que c'est un angle totalement différent ou nouveau. Pour résumer, un panneau contient votre dessin, c'est votre panneau de storyboard. En animation, une scène fait référence à l'angle de la caméra ou au type de prises de vue, et une séquence fait référence à la durée ou au lieu où se déroule l'action. Dans les films d'action réelle, une prise de vue fait référence à l'angle de la caméra et la scène fait référence au lieu ou à la durée. 9. 9: prises de vue et les angles de caméra sont le langage du cinéma et, en tant qu'artiste de storyboard, ce sont vos éléments de base. à vous de décider exactement la manière dont le film sera vécu. Chaque panneau que vous dessinez décrit essentiellement un angle de caméra. Dans cette leçon, je vais vous familiariser avec tous les principaux angles de caméra que vous allez rencontrer. Vous connaissez probablement déjà la plupart d'entre eux si vous êtes intéressé par cinéma. Ce sera donc quelque chose qui devrait devenir une seconde nature pour vous. Les angles de caméra sont souvent décrits comme étant à la hauteur des yeux, angle élevé, à un angle bas ou à ce que l'on appelle un angle hollandais, ce qui signifie essentiellement que la caméra est inclinée. Une prise de vue fait référence à la taille de la vue de la caméra. Maintenant, les six plans les plus courants sont le plan initial, le plan large, le plan long, le plan moyen, le gros plan et le plan extrêmement rapproché. Il n'y a pas trop de photos autres que celles-ci et toutes les autres que vous rencontrerez ne sont généralement qu'une variante de l'une d'entre elles. D'autres termes que vous pourriez rencontrer sont ceux de deux plans ou de vue par-dessus l'épaule, mais ils décrivent l'endroit où se trouvent les personnages, ils ne font pas nécessairement référence à la taille de la caméra elle-même. Ces six plans représentent les principaux plans narratifs dans tous les langages cinématographiques. Je vais regarder chacun d'entre eux. Le plan d'établissement est ce qu'il dit, il établit la scène. C'est un très grand angle. Il montre généralement au public où se déroule l'action et il est très souvent utilisé comme introduction à l' histoire. Il s'agit donc d'un plan que vous pouvez voir au début d'un film ou même au début d' une nouvelle séquence si l'action se déroule soudainement dans un nouveau lieu. Après la prise de vue initiale, vous pouvez utiliser la prise de vue large. Ce plan n'est pas aussi large ni aussi précis que le plan initial, mais il est tout de même très large afin nous donner une bonne idée du lieu C'est un plan que vous pouvez réduire et utiliser si vous avez réalisé une série de gros plans ou de plans moyens et que vous souhaitez réorienter le spectateur à nouveau pour lui rappeler où se déroule l'action. Sans avoir à passer à un plan d'établissement très large, vous pouvez simplement passer à un plan large. Maintenant, les quatre plans suivants, vous pouvez les considérer comme étant vraiment plus orientés vers personnage que le plan principal ou le plan large précédent. Ces deux éléments peuvent être considérés comme applicables au paysage ou à l' environnement et les quatre suivants comme s'appliquant à un personnage. Ce n'est pas une règle absolue, vous pouvez certainement avoir un très gros plan d'un objet, par exemple, mais c'est un bon moyen se souvenir de l'ordre de ces prises de vue. Après le large, vous avez la chance de réussir. C'est ce que l'on appelle un plan lointain parce que s'il y a un personnage dedans, vous verrez la tête et les pieds de ce personnage. Vous verrez donc la longueur complète du personnage. Ceci est utilisé chaque fois que vous souhaitez montrer des personnages se déplaçant. C'est très utile pour cela car cela donne un peu de contexte, mais cela nous montre tout de même le personnage très clairement. Après le plan long, il y a le plan moyen, et c'est là que vous commencez à rapprocher un peu plus du personnage. Cela va de la taille jusqu'à la tête. Ce cliché est généralement utilisé lorsque vous souhaitez montrer le personnage avec ses mains. C'est donc un bon cliché à utiliser car il est encore suffisamment proche pour que nous puissions voir toute émotion ou action sur le visage du personnage, mais il est suffisamment éloigné pour que le personnage puisse utiliser ses mains et ramasser des objets si nécessaire, ou des choses comme ça. Après le plan moyen, vous avez le gros plan. Le gros plan est probablement l'un des plans les plus importants de tous les films, car c'est le plan que vous pouvez utiliser pour vraiment vous concentrer sur le personnage et qui aide à identifier le public, dont je parlerai un peu plus tard dans ce cours. Mais pour l'instant, considérez simplement le gros plan comme la tête et les épaules d' un personnage et c' est le plan que vous choisirez lorsque le personnage parle ou si vous voulez montrer de l'émotion sur le visage du personnage. Après le gros plan, vous avez le gros plan, qui, comme cela implique, se concentre généralement sur une seule zone, comme les yeux ou les traits du visage. Mais comme je l'ai déjà dit, vous pouvez avoir un plan extrêmement rapproché de la main de quelqu'un ou d'un objet, quelque chose que vous voulez vraiment faire comprendre à votre public. l'esprit que le gros plan esprit que le peut être un peu claustrophobe et un peu intense. Il est généralement utilisé pour vraiment accroître l'attention et le caractère dramatique de n'importe quelle scène. Plus tard dans ce cours, je parlerai un peu plus en profondeur sujets tels que l'identification du public. Vous découvrirez également d'autres combinaisons de prises de vue, comme la prise de vue par-dessus l'épaule ou la prise de vue. Mais pour le moment, apprenez à connaître ces six plans principaux et, bien sûr, les principaux angles de prise de vue, et vous commencerez rapidement à les voir et à les reconnaître dans les films et les films que vous regardez. Tu vas commencer à les choisir. Vous pourrez voir comment ils sont utilisés dans une scène donnée. C'est vraiment intéressant d'essayer d'identifier ces types de prises de vue lorsque vous regardez un film ou une émission. 10. Le processus de narration: Dans cette leçon, la dernière leçon avant que nous ne commencions réellement à créer un storyboard, je souhaite expliquer rapidement la place du storyboard dans le processus de production global. Cela est essentiel pour que vous compreniez, car très simplement, votre travail est utilisé par tous les membres l'équipe de production une fois que vous avez terminé le storyboard. Vous devez vous assurer que votre travail, une fois terminé, peut être repris par quelqu'un d'autre et compris clairement. Je vais essayer d'expliquer l'ensemble du pipeline en le scénarisant. [RIRES] La toute première étape, c'est qu'il y a toujours un script. S'il n'y a pas de script, il y a au moins une idée ou un concept. Quoi qu'il en soit, vous commencerez toute la production avec une idée écrite. En tant qu' artiste de storyboard, votre travail consiste à dessiner l'action du scénario ou du concept. Ce que vous allez faire, c'est vous asseoir, le miniaturer, dessiner les panneaux sous la direction du réalisateur ou du producteur. Mais en fin de compte, c'est votre travail qui déterminera le look du film. À ce stade, il se peut que vous deviez apporter quelques modifications, va-et-vient entre vous et le producteur ou le réalisateur pour vraiment clarifier le look et clarifier tous les plans. Mais une fois ce travail terminé, une fois le storyboard verrouillé, il est ensuite divisé en panneaux individuels et intégré dans un logiciel de montage, où il est associé à un enregistrement des dialogues du film. Ceci est fait afin de créer ce que l'on appelle une animation. Désormais, une animation est une version cinématographique du storyboard que vous venez de dessiner, laquelle chaque panneau est édité en une séquence animée. Très souvent, si vous travaillez dans logiciel professionnel tel que Storyboard Pro, vous pouvez créer une animation directement dans l'application. Souvent, on s'attend à ce que vous produisiez une animation en plus du storyboard. Cependant, il est très important de noter que s' il existe une animation, c'est parce que c'est là que le réalisateur passe chaque plan, en particulier dans le domaine de l'animation. Ce n'est pas forcément ton travail. C'est le réalisateur qui prend les décisions de mise en scène à ce stade pendant qu' il regarde l'animation. Maintenant, si le timing est si critique, c'est parce que dans l'animation, une fois le temps imparti, ces scènes sont envoyées aux animateurs. Les animateurs se mettent à travailler dessus. Vous ne pouvez pas vraiment revenir en arrière et changer les choses ou allonger une scène, car cela modifierait le timing de toutes les autres scènes. Dans une production d'animation, l'animation verrouillée est la version finale du storyboard. Mais comme je l'ai dit, une fois cet objectif atteint, l'équipe de production divise l'animation en scènes et les distribue aux animateurs. Les animateurs prennent la scène, qui est essentiellement vos panneaux de plateau, et ils animeront les personnages cette scène en fonction de la façon dont vous avez dessiné l'action. Il en va de même pour les constructeurs d'accessoires et les artistes de fond. Chaque département en production recevra une animation découpée, et chaque département est responsable la création de l'illustration finale, des éléments finaux pour chaque scène. Lorsque tout cela est fait, tout ce travail est ensuite renvoyé au logiciel d'édition ou de composition. Le réalisateur et le monteur s'assoient à nouveau ensemble, et ils associeront littéralement l'animation terminée, les arrière-plans , les accessoires à l'animation originale, en s'assurant qu'il ne manque rien. C'est ainsi qu'ils arrivent à la version finale du film. Comme vous pouvez le constater, votre humble petit storyboard a beaucoup de vie une fois qu'il vous a quitté. Il est destiné à chaque personne participant à la production et constitue littéralement la pierre angulaire et le fondement de l'ensemble du projet. Dans cet esprit, plongeons-nous dans notre propre projet. Ensuite, dans la leçon suivante, je vais expliquer comment décomposer votre script, puis nous commencerons à le miniaturiser et à dessiner les panneaux. Je te verrai dans la prochaine leçon. 11. Comment casser un script pour la narration: Le processus qui consiste à bloquer ou décomposer un script en séquences et en scènes vous permet d' aborder votre travail en petits morceaux gérables afin parcourir l'ensemble du script facilement et efficacement. C'est ce que je veux démontrer dans cette leçon. Pour les prochaines leçons, nous allons utiliser l' exemple de script que j'ai écrit. Maintenant, ce n'est qu'un exemple. Il s'agit de quelques pages d' un script complètement inventé que j'ai écrit pour vous. Mais nous l'utiliserons pour explorer le processus de création d'un storyboard afin que vous puissiez constater par vous-même à quel point il est très simple et très facile à gérer. La meilleure façon de décomposer un script est d'abord d' identifier ces séquences, puis d'identifier les battements qu'elles contiennent. Au fur et à mesure que vous lisez votre script, vous devriez commencer à marquer chaque partie du script qui ressemble à un moment de l'histoire et qui représente un rythme. Par exemple, regardons le script. On dit qu'à l'extérieur, le soleil se couche sur la terre brûlée. Ça fait un battement. La section suivante du script dit que nous voyons un lézard qui s'élance sous un rocher, passe des fléchettes sous un rocher. C'est un autre battement. Ensuite, la caméra se déplace, c'est un troisième temps. Ensuite, nous voyons notre personnage creuser. C'est un quatrième temps. Nous pouvons maintenant annoter ou noter quelques idées initiales concernant les angles de caméra et les prises de vue. De toute évidence, nous voulons commencer par une grande vue d'ensemble , car il s'agit d'un western et nous devons montrer cette vue panoramique imprenable sur le paysage. Nous voulons montrer au public où se déroule l'action. C'est dans le désert. Tu sais, le soleil est à midi, des choses comme ça. Le rythme suivant du script est le lézard. Il s'agira évidemment d'un gros plan d'un lézard sortant de sous la roche, car vous ne pourrez pas voir un lézard de loin ou de loin. Au battement suivant, le script indique que la caméra se déplace le long du sol. C'est peut-être un plan à angle bas qui part de l'endroit où nous avons vu le lézard grimper sur le rocher et parcourir les déserts. À ce stade, vous pourriez peut-être couper plus loin. Soudain, nous voyons que c'est notre personnage Reinhold qui creuse le trou dans le sol. Ce sera évidemment au moins un plan moyen, sinon un plan long, nous voulons voir le personnage, mais nous avons également besoin d'espace pour le voir bouger ses bras et le montrer en train de creuser. Ensuite, je pense que ce que vous pourriez faire, c'est réduire à long terme, car il doit sortir du trou creusé dans le sol , lancer la pelle et prononcer sa ligne. Ensuite, peut-être que pour terminer la séquence, vous pourriez terminer toute la séquence par un gros plan spectaculaire de son visage en colère, le poing serré. Ce que j'ai fait ici, c'est essentiellement bloquer la scène en ce qui concerne les plans qui, selon moi, fonctionneraient pour raconter l'histoire. Ces prises de vue ne sont en aucun cas les seuls choix que vous pouvez faire en termes d'angles de caméra. Il existe d'innombrables combinaisons auxquelles vous pouvez accéder. Mais pour le bien de ce cours, c'est ainsi que j'aborderais de toute façon lors d'un premier passage. Je suggère de rester simple si vous bloquez cela pour vous-même. Continuons. La scène suivante montre la ville extérieure pendant la journée. Encore une fois, vous pourriez commencer par une belle vue large afin de redonner au public ce que nous sommes. Nous sommes maintenant dans un nouvel emplacement. Nous sommes en ville ou dans la rue principale. C'est là que nous retrouvons le shérif qui, disons, sort de prison. C'est ce qu'on appelle le choc du shérif. Le shérif va traverser la rue à pied et entrer dans le saloon. Ça pourrait être une autre photo panoramique de l'autre côté de la rue. Ensuite, évidemment, nous allons passer à l'intérieur du salon, donc c'est un nouvel emplacement. Vous avez deux options ici. Vous pourriez suivre le shérif derrière lorsqu'il franchit les portes, peu comme si vous entriez avec lui franchissant les portes. Je dirais qu'il s'agit d' un plan moyen ou long qui le suit en train d'entrer, ou vous pourriez placer la caméra déjà à l'intérieur du salon du point de vue de personnes à l'intérieur du bar et le voir entrer en marchant vers la caméra. J'aime bien cette idée parce que c'est presque comme si le public qui se trouvait déjà dans le salon regardait l'action de l'intérieur. Cela fonctionne pour moi dans ce sens. Ensuite, nous pouvons simplement faire un panoramique ou quelque chose comme ça. Voyez-le simplement traverser le sol pour se rendre au bar. La séquence suivante est une séquence de dialogue entre le shérif et le barman. Désormais, dans le cinéma et l'animation, il existe des configurations standard et des séquences de plans standard auxquelles vous pouvez accéder pour dialoguer. L'une est appelée prise de vue, prise de vue inversée, et une autre est la prise de vue par-dessus l'épaule et la prise de vue. Dans la section suivante de vidéos, j'aborderai de manière plus approfondie photos narratives, comme la photo par-dessus l'épaule. Mais donnons-lui juste une première passe. Je commencerais probablement par ce que l'on appelle un double plan, qui montre les deux personnages dans le cadre. Une fois que le dialogue aura commencé , je pense que je donnerais une chance à chaque personnage. En d'autres termes, la caméra ne serait tournée que sur une personne pendant qu'elle prononce sa phrase. Ensuite, vous utilisez un plan inversé montrant le deuxième personnage prononçant sa phrase. Nous allons ajouter quelques photos par-dessus l' épaule, car dans une séquence de dialogue, il est toujours très important d'établir lien entre les deux personnages. Vous devez toujours avoir au moins une photo par-dessus l'épaule montrant le personnage en train de prononcer sa phrase avec juste le coin de la tête et les épaules du second personnage. Je vais l'expliquer dans la section des vignettes. Ce sera beaucoup plus clair alors. Ces plans, d'ailleurs, sont tous des médiums ou des gros plans. Nous pouvons comprendre les détails des photos par-dessus l' épaule lorsque nous dessinerons le storyboard. Mais cette dernière ligne est le signal pour que le troisième caractère entre. Je réduirais à une prise de vue moyenne de ces deux personnages et je les ferais apparaître hors écran. Cela peut être le signal pour que le troisième personnage de Gretta entre en scène. Pour son entrée, j' opterais certainement pour une solution loin. Je pense que cela devrait être une entrée très spectaculaire. Nous la verrons en bas des escaliers ou quelque chose comme ça. Elle va apparaître, aller voir le shérif et lui lancer ce sac de diamants. C'est la fin de notre exemple de script. Je pense que nous avons à peu près toutes les idées pour les idées de prise de vue et les angles de caméra. Au cours de la prochaine phase de notre projet, nous allons commencer à les créer sous forme de miniatures très approximatives, presque comme des figurines ou des dessins. Ensuite, nous les emmènerons au storyboard terminé. Quand tu seras prête, retrouve-moi dans la prochaine leçon. 12. Comment dessiner des vignettes pour votre script: Maintenant que nous avons détaillé le script, il est temps de commencer à vignettes et à dessiner nos idées. En général, vos vignettes seront dessinées sur un simple ensemble de panneaux comme celui-ci. Vous n'êtes pas obligé d'utiliser un modèle de storyboard pour vos idées de vignettes, car il s' agit simplement d' très expérimentale et vous pouvez modifier vos idées beaucoup plus facilement si vous utilisez un simple ensemble de panneaux comme celui-ci, trop vous soucier de la taille des panneaux. Tant qu'il s'agit de rectangles, n'avez pas à vous soucier des dimensions à ce stade. Comme je l'ai dit, c'est juste pour dessiner. L'autre chose dont je ne veux pas que tu t'inquiètes pour le moment, c'est ton dessin. Faites en sorte que ce soit très, très simple et aussi rude que vous le souhaitez. Maintenant, d'après la répartition de mes clichés, le premier cliché que j'ai identifié était cliché initial. Allons-y. Nous avons besoin d'une belle vue panoramique de la dislocation juste pour préparer le décor, juste pour montrer au public où nous nous trouvons exactement. Je vais faire en sorte que cela ressemble vraiment à un désert occidental ces montagnes emblématiques en arrière-plan. Peut-être un cactus ou deux au premier plan, et peut-être même des os d'animaux, juste pour montrer que c'est un environnement très hostile , quelque chose comme ça. Vous pouvez être très imaginatif à ce stade. Ensuite, le plan suivant est le gros plan des lézards que nous voulons voir s' élancer d'un rocher à l'autre. Ce que je vais faire ici, c'est montrer cette action dans deux panneaux distincts. En gros, je dois d'abord dessiner ce panneau montrant où sort le lézard il sort d'un rocher. Ensuite, une fois que je l'aurai dessiné, au lieu de le redessiner dans le panneau suivant, je vais simplement le copier-coller, puis j' effacerai cette pose du lézard et je le dessinerai dans sa deuxième position. Maintenant, cela montre clairement l'action de cette petite scène, et nous voulons voir ce lézard toucher deux positions , et c'est très clair pour les animateurs. Ils sauront alors, lorsqu' ils auront leur scène, qu'il y a deux poses principales qu'ils prennent d'un rocher à l'autre. Ensuite, il y a cette grande casserole. Je vais utiliser deux panneaux pour la poêle et dessiner juste en travers d'eux comme ceci. Dans ce second panneau, c'est là que la caméra s' arrêtera et nous verrons le personnage de Reinhold creuser dans le sol. Lorsque nous dessinerons cela sur le storyboard approprié plus tard, je vous montrerai exactement comment indiquer mouvements de la caméra, mais pour l'instant, je vais simplement dessiner une flèche pour me rappeler qu'il s' agit d'un panoramique de gauche à droite. Cela sera suivi par nos plans moyens, car à ce stade, nous voulons vraiment nous rapprocher du personnage. Nous l'avons amené à creuser, alors maintenant nous voulons savoir un peu plus sur qui est ce type. Nous allons nous rapprocher un peu plus pour essayer voir un peu plus, mais les prises de vue de taille moyenne nous permettent tout de même de revenir assez loin pour voir ses mains et voir son action de creuser. La prochaine cible est celle qui va sortir du trou, et ce que je vais faire, c'est travailler à reculons, dans un sens. Je souhaite diviser cette action de Brigade en deux panneaux. D'abord, montrez-lui comment sortir. Mais ce que je vais faire, c'est d'abord dessiner le deuxième panneau, juste pour savoir par moi-même à quoi ressemble le plan long. J'ai besoin de la longueur complète du personnage. Une fois cela établi dans ce panneau, je vais simplement le copier, le déplacer ici, et maintenant je peux dessiner beaucoup plus facilement la proportion du personnage lorsqu'il sort du sol. Parfois, c'est plus facile pour moi de déterminer la longueur du personnage, de le voir debout le premier et de prendre la bonne photo. Ensuite, faites le dessin qui est un peu plus compliqué. C'est très bien. Ça a l'air bien. Encore une fois, je vais simplement copier ce dessin sur ce panneau. Maintenant, je veux le dessiner en train de se mettre en colère. L'action ici, c'est qu'il est frustré et qu'il va lancer la pelle par terre, mais pour ce faire, vous devez prendre deux poses distinctes pour que cela ressemble vraiment à une action dynamique. Il va d' abord le balancer comme ça, puis sur ce panneau, il va le détruire comme ça. D'ailleurs, j'espère que vous comprenez les lignes d'action que je suis en train de mettre en œuvre ici. Mes courbes en C m'aident à faire ces poses vraiment, vraiment fortes. Brillant. Ces panneaux fonctionnent. s' agit essentiellement d'une scène, mais les animateurs vont maintenant voir exactement quelle action est nécessaire pour cette scène. Ils vont donc savoir comment l'animer, car toutes les poses principales sont très clairement affichées. Au prochain coup, il se met en colère et je vais le couper à un angle élevé en le regardant de haut. Cela va accentuer son aliénation et le fait qu'il est seul au monde et donner cette ambiance lorsqu' il se met en colère. Ensuite, nous allons découper le dernier plan de la séquence en un très gros plan montrant son visage et c' est la première fois que nous voyons vraiment les traits de son visage donc ça va être très dramatique. Je pense qu'il est temps de faire une petite pause. Allez vous préparer une tasse de thé ou de café ou prenez de l'eau et à votre retour, nous vous proposerons une miniature de la seconde moitié de notre script. Quand tu seras prête, je te verrai dans la prochaine leçon. 13. Comment dessiner des vignettes pour votre script partie 2: [MUSIQUE] Super, bon retour. La séquence suivante à afficher en miniature est la séquence de barres. Nous commençons la séquence avec un autre plan de la ville. Encore une fois, je vais utiliser deux de ces panneaux afin de pouvoir les combiner pour ces photos panoramiques. Cela peut sembler une scène compliquée à dessiner, mais en réalité, je ne fais que bloquer des choses à ce stade. Je sais que je veux que le shérif marche de gauche à droite et traverse l' pour se rendre de l'autre côté où se trouvera le saloon. Cela peut être aussi simple que cela et nous pourrons renseigner les détails plus tard. Je vais juste indiquer un cow-boy au hasard où un autre personnage flâne dans ce coin juste pour cadrer la scène, lui donner un peu d'intérêt. J'ai également eu l'idée que la caméra se déplace de gauche à droite, nous aurions peut-être un cheval au hasard qui trotte dans le cadre. Encore une fois, cela va interrompre l'action, ajouter un peu d'intérêt à la scène d'ouverture et donner un peu de vie à cette ville. Le shérif passe de l'autre côté et nous allons le voir monter les marches et entrer dans le salon. La prochaine photo se fera alors à l'intérieur du salon, donc je veux bloquer ça très fort. Ce sont ces portes battantes qu'il va franchir. Mais je pense que je veux lui montrer un peu plus comme s'il avait déjà franchi la moitié des portes. C'est bien de montrer l'action qui se déroule déjà lorsqu'il entre à l'intérieur. Normalement, la convention en matière d' animation est la suivante : si vous devez montrer une action en détail, comme nous l'avons fait dans la section précédente avec le lézard ou le personnage de rhinocéros, vous devez dessiner cette action dans quelques panneaux. Mais parfois, si c'est aussi simple qu'il doit simplement traverser le cadre, vous pouvez utiliser une flèche pour indiquer la direction. Maintenant, voici un exemple montre comment faire preuve d'un peu de créativité dans vos storyboards et vous écarter légèrement du script. Je voudrais montrer le shérif en train de traverser le bar, mais je veux le faire du point de vue de l'étage parce que je me disais que c'est une façon intelligente de présenter le personnage de Greta, même si cela ne figure pas dans le scénario. C'est là qu'une utilisation réfléchie des plans peut vraiment dire plus sur une histoire que les mots du script. Si nous présentons Greta ici sur les photos par-dessus l'épaule comme si nous ne la voyions pas exactement, vous verrez juste le dos d'elle. Cela va immédiatement lui donner un peu de mystère. Nous voulons savoir qui est cette personne, qui méprise le shérif. s'agit d'une prise de vue montrant le point de vue d'un personnage. Dans le panneau suivant, je vais la dessiner sortant du cadre. Comme je l'ai dit, ces deux panneaux font deux choses. Premièrement, ils montrent le shérif se promener dans cette scène un peu dangereuse. Nous ne savons pas ce qui va se passer. Il y a certainement des gens qui le regardent. Il a les yeux rivés sur lui-même. Ensuite, nous voyons le tout du point de vue de cet autre personnage. Nous voulons maintenant savoir qui est ce personnage et comment elle est impliquée dans l'histoire. Les quelques panneaux suivants sont alors relativement faciles. Il s'agit de la séquence de dialogue. Comme il ne s'agit que d'un dialogue entre deux personnages, il est très facile de le bloquer. Vous pouvez utiliser chaque panneau pour afficher la ligne de dialogue des personnages aussi simplement que cela. Mais ce que je dois dire, c'est qu'il faut toujours essayer d'établir un lien entre deux personnages s' ils parlent en utilisant un cliché par-dessus l'épaule comme celui-ci. Vous voulez parfois pouvoir les montrer tous les deux dans le même cadre tous les deux dans le même cadre afin d' établir ce lien avec le public. Ensuite, lorsque vous souhaitez mettre l' accent sur la ligne d'un personnage, vous pouvez dessiner ce personnage d'un seul coup. Ensuite, ils regardent tous les deux autour d'eux lorsqu'ils sont là, Greta hors de l'écran ou lorsqu' ils entendent Greta entrer. Je dirais que nous devrions certainement la voir de loin. Disons qu'elle vient de descendre les escaliers et qu'elle est en bas des escaliers. Ensuite, je vais couper en gros plan. Dans ce panneau, elle dira quelque chose comme Est-ce ce que vous recherchez » et tiendra la pochette ou le sac dans sa main ? Ensuite, les derniers coups peuvent avoir lieu, ou le dernier tir est qu'elle va lancer les diamants de l'autre côté de la barre. C'est une partie très grossière de notre script. Nous avons créé toutes les principales vignettes. Dans la phase suivante, nous commencerons à dessiner correctement notre storyboard. C'est à ce moment-là que vous pouvez commencer à vraiment affiner les choses, non seulement dans le dessin, mais aussi dans les choix de prises de vue. Peut-être que nous déciderons d' ajouter d'autres panneaux vers la fin, juste pour étoffer cette dernière séquence ici. Si vous en avez l'occasion, mettez les vidéos en pause et créez vos propres vignettes pour l'histoire. Voyons si vous pouvez trouver des angles de caméra ou des séquences de prise de vue nouveaux ou alternatifs . Lorsque vous serez prêt, retrouvez-moi dans la prochaine leçon et nous verrons comment nettoyer ces vignettes et créer un storyboard final. 14. Storyboard, la Séquence du désert: [MUSIQUE] Nous allons maintenant commencer à dessiner notre storyboard final. En animation, ce processus s' appelle la phase de nettoyage , car nous redessinons littéralement des ébauches pour les rendre plus nettes et plus précises. Vous souhaitez obtenir un trait net et précis, alors qu'au stade de la miniature, vous dessinez avec un trait beaucoup plus rugueux et lâche. J'ai mon modèle de storyboard ici, je vais passer à ma page de vignettes. Encore une fois, je vais simplement procéder étape par étape. Je vais tout d'abord sélectionner les premiers cadres, les copier, puis les coller dans mon modèle dans ce document. Je vais devoir les adapter au mieux, mais ce n'est pas grave. Je suis en train de les redessiner, donc ça n'a pas vraiment d'importance. Ce que je vais faire, c'est réduire l'opacité de cette couche et ajouter une nouvelle couche par-dessus. C'est ici que je vais commencer à dessiner avec beaucoup plus de soin. Comme je l'ai dit, je veux définir mes dessins du mieux que je peux, ce qui signifie que je vais passer en revue les lignes qui figurent dans mon dessin préliminaire, mais je n'ai pas à m'y tenir exactement. Je peux dessiner des objets dans différentes positions si nécessaire ou les déplacer ; ce n'est pas grave, mais je suis généralement le dessin sur la couche ci-dessous et je m'en sers comme guide. À ce stade, vous vous demandez peut-être pourquoi vous feriez deux fois plus de travail. Pourquoi voudriez-vous simplement dessiner quelque chose et le redessiner ensuite ? Pourquoi ne pas simplement le dessiner d'abord ? [RIRES] C'est une bonne question, je vais donc profiter de l'occasion pour expliquer un peu mieux ce processus. Si nous dessinons d'abord des vignettes , puis nous nous donnons la peine de les redessiner c'est parce que, tout d'abord, les vignettes ne sont pas vraiment des dessins, ce ne sont que des idées. Ce sont les concepts que vous trouvez, et vous les notez si vous le souhaitez sous une forme visuelle. Vous devrez toujours esquisser votre idée d'abord et voir si elle fonctionne avant de dessiner une version finale. Deuxièmement, les vignettes peuvent être modifiées, et c'est un point important à garder à l'esprit. Le tableau final, lorsque vous travaillez dessus, est vraiment le tableau final. Les décisions ont été prises, les choix de prise de vue, les angles de caméra ont tous été décidés. Si nous devions modifier l'un des panneaux ou les angles de caméra ou faire des choix différents, nous voulions le faire au stade de la miniature. Le processus que j'ai présenté ici est la façon dont j' aborderais les choses, mais si je travaillais dans un studio , je devrais montrer mes vignettes au réalisateur. J'aimerais obtenir des révisions et des modifications, peut-être plusieurs fois, avant les ébauches ne soient approuvées et avant de pouvoir ensuite poursuivre et dessiner un storyboard fini, comme je le fais actuellement. Ici, je travaille sur mes propres ébauches et je ne me suis pas donné de révisions. C'est la beauté d'être son propre scénariste et son propre réalisateur. Je plaisante, mais il est évidemment bon de savoir que si vous voulez travailler dans un studio ou pour un client, vous devez être prêt et disposé à apporter des révisions et des modifications. Vous devez être capable de modifier votre travail et de suivre les directives. Personnellement, j'ai eu excellents superviseurs avec qui j'ai travaillé, et j'ai également eu des superviseurs qui m'ont apporté de nombreuses révisions, dont certaines n'avaient aucun sens à l'époque, mais il faut apprendre à ne pas être attaché à son travail ou à son processus, et il faut apprendre à changer les choses si c'est ce qui est nécessaire. Mais en ce qui concerne l' étape du processus, les choses devraient vraiment faire l'objet d'un accord maintenant. À ce stade, vous vous concentrez simplement sur le dessin des panneaux avec soin et sur l'ajout de tous les détails qui donneront à vos dessins une apparence vraiment belle. À ce stade, j'ai réalisé mes trois premiers panels. Je suis très content d'eux. Je vais me consacrer à la montagne de travail et passer à la section suivante. Cette casserole sera exactement comme je l'ai imaginée. Comme vous pouvez le voir, je ne fais que dessiner sur les deux panneaux. Je les combine dans un long panneau afin d' indiquer la vue qui se déplace de gauche à droite. Quand il s'agit de dessiner [inaudible] dans le trou creusé dans le sol, je vais rester très vague pour le moment car à ce stade nous ne le voyons pas de si près. C'est toujours un personnage mystérieux très étrange, donc je ne veux pas entrer dans les détails pour l'instant. cette photo, l'accent est toujours mis sur le paysage environnant. Nous insistons toujours sur le fait qu'il est seul dans le désert. Pour cette photo, c'est pourquoi je veux garder l'appareil un peu loin de lui jusqu'au moment où il faudra le couper de plus près. Maintenant, une fois que j'aurai fini de dessiner ce motif, je vais saisir la couleur rouge, et en rouge, je vais dessiner mon rectangle autour des deux panneaux. C'est ainsi que vous indiqueriez que les deux panneaux ne forment qu'un seul grand panneau, puis pour afficher le panoramique, tracez simplement une ligne en dessous indiquant la direction, afin que toute autre personne lisant ce sache que la caméra se déplace de gauche à droite. Vous affichez le début et la fin, puis vous pouvez également écrire les mouvements de votre caméra sur votre storyboard si vous le souhaitez. C'est le dernier panneau de cette page, ce sont les plans moyens. Nous allons le couper un peu plus près. On ne voit toujours pas le visage complet de son mystérieux personnage, il est toujours penché. On le voit travailler dur sous la zone chaude, dans ce trou creusé dans le sol. C'est très bien. Je pense également que je pourrais ajouter quelques détails supplémentaires qui donneraient plus d' intérêt à la photo. J'ai pensé à ajouter un seau et une photo ou une hache, peut-être même une carte pour montrer qu'il a utilisé une carte pour trouver ce qu' il cherchait. petits détails sont vraiment agréables à ajouter visuellement à l' histoire, donc si vous y réfléchissez, s'ils vous viennent à l'esprit, mettez-les certainement dans votre storyboard. La page suivante de notre storyboard va compléter toute cette séquence, donc le processus est le même. Nous dessinons les panneaux petit à petit avec plus de détails, mais avec un peu plus de soin. Ici, nous passons à des plans aussi longs, donc nous montrons d'abord le personnage en train de ramper hors du trou, puis il se retourne et se gratte la tête. Cela devient un peu plus clair maintenant qu'il n'a pas trouvé ce qu'il cherchait. Maintenant, nous savons que ce type est peut-être un personnage peu recommandable ou qu'il ne fait rien de bon. Il a été déjoué dans sa tentative de trouver ce qu'il cherchait. Les prochains panels souligneront vraiment cette nature peu recommandable, car c'est là que nous le verrons perdre son sang-froid et jurer de venger quelqu'un. On le voit jeter sa pelle par terre, se mettre en colère, secouer les poings, et c'est notre tir en angle élevé. Cela va très bien fonctionner, je pense, et puis il y aura des coupes très spectaculaires dans le gros plan. C'est le cliché qui montre vraiment le personnage tel qu'il est. Cela le montre très en colère et vengeur, et c'est la première chance claire que nous avons de ce type. Je pense que c'est une excellente façon de terminer la séquence dans son ensemble. Dans la leçon suivante, nous allons aller de l'avant Nous allons aborder la seconde moitié de notre script et l'intégrer à un storyboard final et épuré. Quand tu seras prêt, rejoins-moi pour la prochaine leçon. 15. Storyboard, la Séquence de Saloon: [MUSIQUE] Dans cette leçon, je passe à la phase de nettoyage et je passe à la section suivante du storyboard. Ici, j'ai recopié le dessin préliminaire et je vais le peaufiner et le rendre plus détaillé. Maintenant, c'est à vous de décider détail que vous souhaitez créer pour vos panneaux. Si vous avez d'autres idées de personnages ou de scènes, vous pouvez certainement créer votre propre œuvre pour le projet de classe. Tu n'es pas obligée de suivre mon exemple. Mais je voulais vous montrer comment les choses progressent, comment je m' en sors moi-même. Comme vous pouvez le constater, en particulier dans la dernière leçon, le processus est très simple. Il n'y a rien de compliqué à ce stade. Nous copions littéralement nos ébauches et les définissons simplement un peu plus. Cela demande un peu de temps et de patience, car il reste encore beaucoup de travail à accomplir. Mais c'est l'une de ces situations où vous pouvez vraiment vous concentrer, vous perdre dans votre dessin et profiter de l'ensemble du processus. Si vous y allez étape par étape, si vous ne vous laissez pas trop submerger par tout cela, je pense que vous constaterez que cela passe très vite. Chaque fois que vous êtes confronté à une montagne de travail, prenez-le pièce par pièce. Je pense que la plus grande leçon à tirer de l'apprentissage de l'ensemble du processus du storyboard, c'est que vous pouvez décomposer les choses en petits morceaux gérables et y travailler à votre rythme. J'ai dessiné cette grande casserole au milieu de la rue de la ville et je pense qu'elle fonctionne très bien. J'aime beaucoup l'idée qu'il y ait un cheval galopant dans la ville sans cavalier. est un peu original et ça donne un peu d'intérêt et un peu d'action juste pour briser ce plan par ailleurs assez ennuyeux. C'est plutôt sympa. J' aime aussi le personnage de gauche qui regarde le shérif traverser la rue. C'est un autre indice que ce shérif est surveillé en permanence, semble-t-il. Il monte les marches et se dirige maintenant vers le salon. Ce graphique est également un pan. Encore une fois, comme je l'ai fait précédemment dans la séquence précédente, je vais prendre un pinceau rouge et dessiner un rectangle autour de ces deux panneaux de la manière suivante. Ensuite, je vais dessiner ma flèche allant du milieu du premier panneau au milieu du second panneau qui indique le départ et l'arrêt. Je peux écrire pan en dessous. Parfait. Nous le voyons maintenant de l'intérieur franchir les portes. Je vais ajouter quelques détails ici sur les fenêtres et je pourrais ajouter lumières ou des lampes sur les murs. Ensuite, je vais le dessiner en train de marcher. Ensuite, ces gars dans le coin, je ne vais pas entrer dans les détails. Je ne vais pas dessiner leurs visages ou quoi que ce soit d'autre. Je veux juste donner l'impression qu' ils sont dans un coin en train de boire leur whisky, fumer, et qu'ils le regardent entrer. Cela donne cette impression ou cette ambiance d'un western typique où il y a peut-être de la musique dans le bar ou quelque chose comme ça. Tout le monde parle et dès que le shérif entre, c' est un silence mortel et tout le monde le regarde fixement. Je veux lui donner cette impression. C'est génial. C'est ce panel terminé. Maintenant, je vais dessiner ces trois panneaux qui montrent Greta regardant le shérif traverser le sol. Elle est au-dessus. Elle est sur le balcon et regarde la scène. Cela va également donner une très belle touche narrative à la séquence. L'idée selon laquelle le shérif est surveillé de près par de nombreuses personnes différentes ne fait qu' accroître la tension. Nous ne savons pas ce qui se passe. Nous savons que quelque chose s' est passé avec ce type qui creuse un trou dans le sol et maintenant nous voyons le shérif. Il y a évidemment une histoire qui doit être dévoilée d' une manière ou d'une autre et j'ai apprécié le fait que nous ayons présenté Greta à ce stade, car cela montre qu' elle est un personnage très important ou central dans toute l'histoire. Elle est presque comme un lien entre le shérif et le précédent gars que nous avons vu, Reynold, qui creusait dans le désert. Nous commençons à nous demander de quoi il s'agit. Elle sort directement de l'écran. Elle en sort et entre mystérieusement dans une pièce et ferme la porte. Dans la leçon suivante, je vais nettoyer la dernière section du storyboard, à savoir la séquence de dialogue et l'entrée de Greta. Ensuite, nous aurons un storyboard entièrement terminé, complété et nettoyé. Quand tu seras prête, retrouve-moi dans la prochaine leçon. 16. Storyboard, la Séquence de Saloon: [MUSIQUE] Dans cette leçon, je vais créer la dernière section du storyboard. Ce sera la séquence de dialogue entre le shérif et le barman, et nous allons voir Greta entrer dans l'histoire. Comme auparavant, j'ai copié toutes les miniatures approximatives dans mes modèles de storyboard, et je vais redessiner mes personnages. Voici le plan où le shérif s'approche du bar. Maintenant, je veux que le barman dos au shérif. Parce que je veux donner l'impression que le barman sait déjà qu'il se passe quelque chose et que c'est lui qui va couvrir Greta. Il est certainement impliqué dans l'histoire d'une manière ou d'une autre, mais il tourne le dos au shérif, presque comme s'il savait que le shérif est là. Le shérif Tucker s'approche du bar et, à l'arrière-plan, ces deux personnages gardent les yeux rivés sur le shérif et regardent ce qui se passe. Dans le deuxième panneau de la scène, le shérif est au bar, donc je vais simplement copier l' intégralité du panneau. Je vais juste me rapprocher maintenant et ce que je vais faire c'est que le barman ouvre légèrement les yeux. Il entend le shérif derrière lui. Maintenant, le shérif est au bar, penché et demande à voir Greta. Maintenant, ce qu'il est important de noter ici, c'est que cette configuration établit plus ou moins la dynamique entre ces deux personnages. Il établit également leur position dans le cadre. Ce que je veux faire, c'est garder cette direction d'écran ou garder ces deux personnages là où ils se trouvent. Je veux que le shérif soit à gauche et le barman à droite. En d'autres termes, lorsque je prends des photos du shérif par-dessus l'épaule et que nous voyons Abe, le barman, faire demi-tour et prononcer sa phrase, je m'assure de garder le shérif sur le côté gauche de l'écran. De cette façon, le public peut simplement suivre le flux de prises de vue. Ils ne se demanderont pas où se trouvent les personnages si vous maintenez la direction de l'écran de cette façon. C'est juste la convention standard en termes de direction de l'écran. Même si vous avez votre personnage un seul plan alors que l' autre personnage n'est pas là, il ne s'agit que du shérif. Vous ne pourrez pas le favoriser sur la gauche. En d'autres termes, il est à peu près au centre, mais ses yeux sont tournés vers la droite, ce qui signifie qu' à l'écran droit, ce qui signifie qu' à l'écran droit, il y aura le barman Abe. Ainsi, tout reste beau et constant et nous pouvons suivre exactement ce qui se passe. Nous ne nous trompons pas quant à l'endroit où se trouvent chacun de ces personnages. Si j'insiste sur ce point , c'est parce qu'il est si important, dans une séquence de dialogue, lorsque vous avez affaire un plan puis à un autre, d'essayer de maintenir les deux personnages connectés pour le bien du public, afin qu'il puisse comprendre et suivre le déroulement des plans. Abe ne fait que rebuter le shérif en disant que je ne sais pas où est Greta. Nous assistons à la livraison de cette ligne, c'est une photo par-dessus l'épaule du point de vue du shérif. Mais ensuite, nous entendons quelque chose hors écran et ils tournent tous les deux la tête et regardent. Ce que nous voulons faire, c'est à Greta dans la prochaine prise de vue. fait que ces deux personnages tournent la tête la première dans ce panneau motive cette coupure. En d'autres termes, en termes de storyboard, parce qu'ils ont tous deux regardé autour de eux. Nous, le public, voulons voir ce qu'il regarde, et c'est ce que l'on appelle la motivation. Il se passe quelque chose hors écran et c'est ce que nous allons montrer au public ensuite. Effectivement, voici Greta debout en bas des escaliers. Elle a leur attention et elle a notre attention, celle du public. Elle est là, elle tient ce sac ou cette pochette, et elle le jette de l'autre côté du bar comme ça. Ce que nous pouvons faire ici, c'est couper de près sa main, lancer le sac de diamants l'air et le faire glisser le long de la barre. Ensuite, nous pouvons couper sous un angle différent et montrer la main du shérif entrer dans cadre pour l'attraper, juste comme ça. Elle dit sa phrase. Ensuite, je pense que la dernière image montre qu'il va vider les diamants dans sa main et c'est la grande révélation, si vous voulez, de toute cette séquence. Nous avons presque terminé l'intégralité de notre storyboard. Ce sont tous les dessins réalisés, et c'est beaucoup de travail, et si vous êtes arrivé jusqu'ici avec moi, félicitations. Vous avez accompli une énorme quantité de travail, c'est une énorme réussite. Ensuite, je veux vous montrer les dernières révisions que j' apporterais au storyboard. La touche finale et je souhaite également vous montrer comment ajouter tous les textes et la direction de l' écran au storyboard, ainsi que comment numéroter et séquencer vos panneaux. Quand tu seras prête, retrouve-moi dans la prochaine leçon. 17. Comment affiner votre storyboard et ajouter une numérotation: [MUSIQUE] Maintenant que nous avons un storyboard complet de notre exemple de script, celui-ci est presque prêt à être soumis pour révision finale au producteur ou au client. Maintenant, il y a quelques derniers nettoyages que je veux faire. Je tiens également à vous expliquer comment numéroter et séquencer votre tableau avant remettre à quelqu'un d'autre. Tout d'abord, je tiens simplement à souligner que j'ai regroupé chaque page en groupes ici, ma pile de couches. Cela signifie que toutes mes pages pour cette séquence se trouvent en fait dans ce seul document. Cela me permet de garder tout organisé et accessible très facilement . De plus, lorsqu'il s'agit d'exporter au format PDF, cela simplifiera un peu ce processus. Maintenant, évidemment, ce n'est que mon flux de travail et je vous le montre à titre d'exemple. Si vous travaillez dans un autre logiciel, votre document peut être configuré différemment. Bien entendu, vous pouvez également avoir chacune de vos pages sur des documents individuels. Regardons la numérotation. J'ai numéroté chaque panneau, par exemple, c'est le plan d'ouverture, comme je l'ai déjà expliqué. Je dis que c'est juste une scène. C'est Scene 1 Panel 1. La scène suivante comporte deux panneaux. Je l'ai donc numérotée Scene 2 Panel 1 et Scene 2, Panel,2, etc. Tu as ta poêle. Il s'agit essentiellement d'un panneau et la scène ici n' est qu'un seul panneau. Tout cela est simple. Sur cette page, cependant, nous pouvons voir que la scène comporte de nombreux panneaux. Comme nous voulions que les animateurs prennent chacune de ces poses, nous avons divisé l'action en quatre poses différentes, essentiellement les panneaux 1, 2, 3 et 4. Ensuite, nous passons à une nouvelle scène et c'est également une nouvelle scène. Ça continue. C'est très simple. En plus de la numérotation, j'ai également ajouté les textes pertinents du script. J'ai simplement copié et collé à partir du script, collé sous chaque panneau. Vous n'avez plus besoin d'inclure l'intégralité du script. Incluez simplement la ligne du script pertinente pour ce dessin. Avant l'approbation finale, il y a quelques ajustements que je souhaite modifier, de petits ajustements que je souhaite apporter à ce forum. L'un se trouve au tout début et l'autre à la toute fin du storyboard. Au début de cette première prise de vue, j'ai vraiment l' impression que nous avons besoin de mouvements de caméra. Pour le moment, je n'aime pas le fait que ce soit juste une prise de vue statique. Je vais ajouter juste un très petit zoom ou un suivi. Ce que je vais faire, c'est dessiner un rectangle autour du panneau tel quel. Faites-le en rouge. C'est alors le début du mouvement de caméra. Ensuite, je vais dessiner un deuxième rectangle endroit où je veux que la caméra s'arrête. Essentiellement, il ne s'agit que d'un tout petit aperçu de la scène elle-même. Ce que je vais faire, c'est dessiner les flèches, puis aller de chaque coin vers l'intérieur pour indiquer le mouvement. Je noterai également que les rectangles Azure position A ou la première position de la caméra. Le rectangle intérieur est la deuxième position. Maintenant, la toute dernière modification que j'apporte concerne la dernière page et la séquence finale. J'ai l'impression que la séquence ne fonctionne pas très bien. Cela peut être beaucoup plus serré ou plus percutant, d' autant plus que c'est comme le point culminant ou la grande révélation. Ce que j'ai pensé faire, c' est arrêter ça [inaudible]. Ces deux panneaux constituent essentiellement une scène, mais il semble qu'il y ait deux angles différents. Ce que nous allons faire , c'est les réunir comme ça. Combinez-les pour faire un petit mouvement de caméra ou un petit panoramique. Il s'agit d'un bon exemple de situation dans laquelle vous pourriez avoir besoin de vous déplacer de droite à gauche. Parce que ce panneau de droite est en fait le point de départ de la poêle. Nous allons revenir à ce panneau. Pour que ce point soit vraiment clair, je vais même étiqueter les positions A et B. C'est beaucoup mieux maintenant, c'est beaucoup plus clair et beaucoup plus concis. Enfin, comme ce panneau est vide, ce que vous feriez sur votre storyboard si jamais vous aviez un panneau vide comme celui-ci, c'est simplement y mettre un x pour qu'ils sachent qu' il n'est pas utilisé. 18. Introduction au langage visuel: [MUSIQUE] Maintenant que vous savez exactement comment dessiner des storyboards, quels raccourcis et astuces de dessin sont les meilleurs à utiliser. Maintenant que vous savez comment dessiner des vignettes, comment dessiner des panneaux de storyboard finis, je veux que vous commenciez à en apprendre un peu plus sur la théorie du cinéma et les concepts qui sous-tendent votre travail en tant qu'artiste de storyboard. C'est parce que l'art du storyboard est vraiment très complexe. Il existe des compétences techniques, des compétences artistiques et des idées conceptuelles auxquelles réfléchir. Je pense qu'il est important que vous ayez eu l'expérience d'observer abord eu l'expérience d'observer le processus du storyboard au travail, familiarisiez avec le dessin, que vous vous familiarisiez avec un storyboard, puis, grâce à ces connaissances, que en appreniez davantage sur le langage visuel. C'est pourquoi je nous ai tenus prêts jusqu'à la fin du cours. Quand j'y pense, comme je l'ai dit, je constate que le storyboard est en fait composé de trois éléments. Le premier élément dont vous avez besoin est de savoir dessiner. Comme je vous l'ai montré, vous n'avez vraiment pas besoin d'être un dessinateur hautement qualifié. Les figurines en bâton conviennent parfaitement. Si vous pouviez même dessiner des figurines, cela signifie que vous pouvez communiquer vos idées visuellement. Le deuxième élément dont vous avez besoin est la connaissance technique. Le processus de scénarisation est considéré comme un aspect très technique ou comme une partie technique de l'ensemble du processus de réalisation d'un film. Lorsqu'il s'agit de prises de vue, d'angles de caméra, de numérotation et de séquençage, tout cela est très technique. Le troisième élément consiste ensuite à comprendre le langage visuel. Pour moi, c'est la partie qui réunit vraiment les deux premiers aspects et c' est ce qui complète l' ensemble des compétences d'un artiste de plateau. Désormais, le langage visuel constitue en soi un ensemble de connaissances. Je n'ai vraiment pas pu entrer dans les détails dans ce cours. C'est une matière qui pourrait constituer toute une série de cours. Mais je peux vous présenter certains concepts. Je pense que ces concepts et ces idées vous aideront beaucoup à décider comment choisir vos photos. Dans cette vidéo, je souhaite vous présenter deux concepts. L'un est le séquençage et l'autre est la façon dont vous utilisez le gros plan pour mesurer l'intensité émotionnelle. langage visuel tel que nous le comprenons aujourd'hui a réellement commencé à être formulé en tant que concept à part entière dès les années 1920, c'est-à-dire il y a 100 ans. Il y a un siècle, les gens ont découvert ou formulé cette idée de langage visuel. C'était vraiment innovant. Au tout début du cinéma, ils ont découvert que certaines techniques de séquençage permettaient vraiment de raconter une histoire visuelle et que le public pouvait rapidement établir des liens entre les plans et les séquences sans avoir besoin d'explications supplémentaires dialogues ou de voix off. Cet exemple célèbre s' appelle l'effet Kuleshov. Il est basé sur un cinéaste russe qui a eu cette idée dans les années 1920. Ce qu'il a fait, c'est qu'il a montré au public une photo du visage d'un homme, suivie d'une photo d'un bol de soupe. Lorsqu'il a joué ces deux plans et séquences ensemble, le public, sans autre information ni dialogue, supposé que ce qu'il regardait était l'histoire d'un homme affamé. De plus, ils ont même vu ou lu son visage comme indiquant qu' il avait faim. Il est intéressant en soi qu'ils aient fait ce lien. Mais ce qui est plus intéressant, c'est qu'il a ensuite montré une autre séquence utilisant exactement la même photo du visage de l'homme. Cette fois, suivi d'une photo d'un petit cercueil. Dans ce cas, le public a ressenti une telle réaction émotionnelle face à ce qu'il considérait comme une histoire tragique. Ils ont en fait vu que l'homme souffrait de chagrin, même si le tir utilisé était exactement le même que celui qu'ils avaient utilisé auparavant et que l'homme n'avait pas du tout bougé son visage. L'effet Kuleshov est également connu sous le nom de juxtaposition ou montage. C'est lorsque vous utilisez un ou plusieurs clichés pour évoquer une idée ou un état d' esprit lorsqu'ils sont combinés. Vous obtenez simplement plus d'informations à partir d'une séquence de prises de vue qu' à partir d'une seule prise et vous pouvez en fait obtenir plusieurs couches de sens. Cet effet, ce concept ou cette idée constitue la base de tout notre langage visuel cinématographique. C'est en utilisant cette idée de séquençage, associée à l'édition, que nous créons des histoires captivantes. Lorsque vous ajoutez des angles de caméra à cela, ces histoires peuvent devenir percutantes. L'un des angles de caméra les plus puissants que vous puissiez utiliser est le gros plan. Supposons, par exemple, que vous vouliez transmettre l'idée de peur dans votre film, vous pourriez montrer un personnage dans une telle position de peur. Mais une utilisation beaucoup plus efficace du langage visuel serait de couper de très près, exemple, les yeux du personnage. C'est tellement plus efficace parce que vous rapprochez le public du personnage. Si vous montrez simplement l'action ou l'émotion de loin, le public se sentira objectif. Ils ne se sentiraient pas vraiment engagés. Mais en se rapprochant, le public a soudain l' impression de faire partie de l'action. L'un des aspects les plus fascinants du cinéma ou du cinéma en général est que nous pouvons nous identifier aux personnages à l'écran. Faire partie de l'action aide vraiment à identifier le public. De plus, un très gros plan peut créer un effet inconfortable ou intense. Cela peut donc augmenter l'intensité de n'importe quelle scène que vous filmez. Vous pouvez simplement penser à cette photo emblématique d' extraterrestres où le personnage de Ripley rencontre l'extraterrestre. C'est un très gros plan et ça marche vraiment. La première fois que tu vois ça, c'est terrifiant. Dans les prochaines vidéos, je vais pousser cette idée un peu plus loin. Je voudrais parler de la composition et de la règle des tiers, et de la façon dont cela est utilisé dans vos storyboards. Ensuite, je parlerai également de certaines des photos narratives qui s'offrent à vous en tant qu'artiste de tableau, que vous devriez connaître et utiliser dans votre travail. Alors quand tu seras prête, je te verrai dans la prochaine leçon. 19. Les principes de composition pour les histoires: [MUSIQUE] Dans un film , la composition ne se limite pas à créer une image forte ou bien composée. Nous avons vraiment tendance à penser qu' une bonne composition dépend de l'ordre agréable des éléments dans un cadre. Mais en tant qu'artiste de storyboard, vous allez devoir pousser cette idée de composition bien plus loin et l'utiliser pour raconter l'histoire de manière plus convaincante, plutôt que de simplement illustrer les mots du dialogue. Voici ce dont je parle. Nous allons examiner la règle des tiers. Vous avez certainement déjà rencontré cette idée. Les gens parlent toujours de la règle des tiers, et cela se voit partout. On vous dit de ne jamais placer un sujet au centre du cadre. Vous devez toujours utiliser la règle des tiers et mettre votre sujet de côté. Mais le fait est que les gens expliquent rarement pourquoi c' est si important. Voici pourquoi je pense que c'est important ou pertinent pour nous en tant qu'artistes de storyboard de toute façon. La structure du film et de la narration cinématographique telle que nous la connaissons, certainement dans le contexte du cinéma hollywoodien, est une façon de raconter des histoires qui remonte à l'époque de la Grèce antique. C'est juste pour dire que la façon dont nous lisons, comprenons et apprécions une bonne histoire est maintenant bien ancrée façon dont nous lisons, comprenons et en nous. L'une des caractéristiques fondamentales de cette façon de raconter des histoires est qu' une bonne histoire doit être conflictuelle. Maintenant, si vous y réfléchissez, tous les films que vous avez vus dans notre tradition occidentale présentent de toute façon soit des conflits manifestes entre les personnages, soit des conflits intérieurs au sein du personnage principal. C'est simplement ce qui anime l' histoire ou le récit. C'est au cœur de chaque histoire, et c'est ce qui fait avancer l'histoire vers sa résolution. C'est pourquoi nous regardons des films. Nous sommes curieux de voir comment ce conflit sera résolu. Maintenant, cette idée qui est au cœur de la narration est liée à la règle des tiers, liée à la règle des car dans une image ou une prise de vue, vous avez la possibilité de raconter une histoire, disons que c'est une histoire mesurée. Si vous avez une photo parfaitement équilibrée et uniforme, disons dans un sens binaire, sera synonyme de stabilité, d'ordre mondial naturel, elle sera synonyme de stabilité, d'ordre mondial naturel, de normalité et même de convention. Alors qu'un cadre dont la composition est légèrement décalée va véhiculer un malaise, une qualité dynamique. Cela peut même évoquer l'aventure, et surtout le conflit, et un cadrage ou une composition visuellement décalés est en fait une division des tiers. Par conséquent, dans ce cas, diviser votre cadre en trois devient beaucoup plus intéressant que si vous le faisiez simplement diviser en deux. Maintenant, bien sûr, vous pouvez certainement penser à des exemples qui vont à l'encontre de cette notion. De nombreux films se concentrent sur des compositions à cadrage central. Je pense tout de suite aux films de Wes Anderson. Il placera ses sujets très au centre du cadre. Il utilise beaucoup les configurations binaires. Mais dans la plupart des cas, pour cette idée, dans presque tous les films auxquels vous pouvez penser, la règle des tiers joue un rôle important, car visuellement , cette règle bouleverse le statu quo , rend la composition beaucoup plus intéressante et souligne l'arc narratif ou le conflit qui est au cœur de tout récit. Maintenant, pour intégrer cette idée à vos storyboards, voici un exemple de la façon dont vous pourriez procéder. Vous pourriez avoir deux personnages qui parlent et vous pourriez présenter la scène de dialogue comme ceci. Ici, vous transmettez essentiellement, à un niveau subconscient, que ces deux personnages sont totalement égaux dans leur dynamique. [RIRES] Le pouvoir est réparti de manière égale. Mais si vous présentez exactement la même scène comme celle-ci, vous montrez soudainement au public que ce personnage est plus dominant, plus puissant et qu'il a probablement du pouvoir sur cet autre personnage. Il existe maintenant de nombreuses façons de jouer avec cela. Vous pouvez même présenter une scène comme celle-ci, ou vous pouvez la montrer comme ça. Mais essentiellement, la façon dont vous cadrez vos photos va donner une idée subconsciente ou autre couche de sens narratif. Chaque fois que vous dessinez un plan, vous devez vraiment vous demander quel est le but de cette scène. Quelle est la dynamique sous-jacente entre les deux personnages avec lesquels je travaille ou que j'essaie de dessiner ? Ensuite, lorsque vous aurez compris cela, utilisez la règle des tiers pour jouer avec cette tension ou pour la pousser encore plus loin et pour souligner ce point de l'histoire. Si vous travaillez de cette façon, vous utiliserez la composition comme un puissant outil de narration. 20. Quels sont les plans de narration: [MUSIQUE] Chaque fois que vous créez un scénario, vous pouvez utiliser des plans standard , et nous en avons abordé certains dans notre storyboard lorsque nous avons créé la séquence de dialogue dans le salon. Dans cette leçon, nous allons expliquer un peu plus en détail pourquoi ces photos sont si utiles. Il y a ce que j'appelle des plans narratifs, ou vous pouvez les considérer comme des plans centrés sur des personnages. Si vous vous en souvenez, nous utilisons la prise de vue, c' est-à-dire lorsque la caméra nous montre quelque chose qu'un personnage regarde. peut s'agir soit d'une prise de vue directe de l'objet ou de la chose qu'il regarde, soit d'une prise de vue par-dessus l'épaule qui permet de maintenir le personnage immobile dans le cadre, mais juste un peu sur le côté afin souligner que le personnage regarde quelque chose. Maintenant, voici pourquoi la prise de vue ou la prise par-dessus l'épaule est si puissante. Dans la dernière leçon, j'ai parlé de la règle des tiers et j'ai mentionné que l'un des principaux concepts de narration est l' idée de conflit. J'ai expliqué mes idées sur la façon dont la règle des tiers peut souligner l'idée de conflit dans n'importe quelle histoire. Toutes nos histoires doivent contenir cet élément de conflit qui fait avancer l'histoire. Maintenant, les conflits ont toujours besoin d'un héros et d'un méchant. Il y a toujours un élément de conflit entre le bien et le mal. C'est la nature du conflit. Une partie pense avoir raison, et c'est pourquoi, dans chaque histoire, il y a un héros auquel on s'identifie. C'est ce que l'on appelle l'identification du héros, il s'agit généralement du personnage principal du film. Pour qu'une histoire fonctionne ou soit captivante pour nous en tant que public, nous devons être capables de nous identifier ou de nous identifier au personnage principal, même si ce personnage principal présente des défauts d'une manière ou d'une autre. Ou ce n'est pas ouvertement un héros, comme dans le sens de Superman. Même avec un personnage principal imparfait, nous avons toujours une personne identifiable qui traverse une histoire ou une situation pertinente. Les deux plans de cinéma qui sont utilisés pour faire en sorte que le public puisse s'identifier, ou le gros plan dont j'ai déjà parlé, et le point de vue filmé. Le point de vue nous permet de voir les choses presque du point de vue même ou à travers les yeux du personnage. Cela nous amène à nous identifier à lui ou à elle, ou du moins à voir les choses de leur point de vue. Maintenant, je dis que c'est une chose très évidente, mais en réalité, c'est beaucoup plus subtil et parfois même subconscient, mais c'est l'une des techniques de narration visuelle les plus puissantes Je veux donc vraiment que vous en soyez conscient et que vous l' utilisiez dans vos storyboards. Toute cette séquence de dialogue entre le shérif et le barman pourrait être jouée à l' aide de prises de vue entre chacun de ces personnages. Nous pourrions utiliser une photo par-dessus l'épaule dans presque tous les panneaux. Si vous utilisez la prise de vue pour montrer un objet que le personnage regarde, devez toujours vous assurer de le configurer d'abord, de motiver cette découpe et donc, comme je l'ai fait dans le storyboard, comme je l'ai fait dans le storyboard, deux personnages de regarder hors écran avant de couper pour voir quelle est l' action hors écran. 21. Comment utiliser et briser la règle de 180 degrés: [MUSIQUE] La règle des 180 degrés est en fait une convention essentielle que vous devez comprendre en tant qu'artiste de storyboard. Je vais expliquer son application dans l'ensemble du processus de storyboard. Dans cette leçon, je vais vous montrer exactement quoi consiste cette règle et comment vous pouvez l'enfreindre. Essentiellement, la règle des 180 degrés stipule qu' une caméra doit rester d'un côté de l'action tout au long d'une scène donnée. Regardons un exemple de ce que cela signifie réellement. Si vous avez deux personnes qui discutent et que vous avez juste une idée de la façon dont vous pourriez configurer ce plan, commencez par tracer une ligne imaginaire entre les deux personnages. Désormais, afin de maintenir la continuité et de vous assurer que tous vos montages se déroulent de manière fluide et cohérente tout au long de la scène et qu'ils aient du sens pour le public, vous pouvez utiliser la configuration de caméra de votre choix ou toute combinaison de prises de vue que vous aimez tant que vous restez de ce côté de la ligne. Toute cette zone est votre zone de sécurité. Une autre façon de dire cela, ou un terme que vous entendrez peut-être souvent, est que cela permettra à vos personnages de rester à l'écran. Le caractère rouge se trouvera toujours sur le côté droit de l'écran. Quel que soit le plan, vous le preniez en gros plan ou par-dessus l'épaule, ce personnage sera toujours sur la droite et le personnage bleu se trouvera toujours sur la gauche de tout plan que vous choisirez dans votre zone de sécurité. De même, pour le tir par-dessus l'épaule ou pour le tir à deux, vous aurez toujours ce personnage bleu sur la gauche. Si vous insérez un plan différent dans cette scène de dialogue sous un angle différent , par exemple depuis ici, les personnages seront soudainement inversés dans le cadre, ce qui provoquera un seront soudainement inversés dans effet choquant pour le spectateur. Le public va soudainement commencer à se demander : qu'est-ce qui vient de se passer ? Ces deux personnages ont-ils changé de place ? Ou se trouve-t-il dans un autre endroit ? Cet exemple est très simple, mais il devient encore plus important lorsque vous avez une séquence d'action en cours. imaginez que vous avez une poursuite en voiture et que la voiture se déplace à toute vitesse. Eh bien, si vous changez la direction de l'écran, tout à coup, la voiture, qui se déplaçait de gauche à droite, apparaîtra soudainement et va maintenant de droite à gauche, soit dans la direction opposée. Parfois, c'est l'effet que vous recherchez, surtout si vous avez une séquence d'action très dramatique surtout si vous avez une séquence d'action très dramatique et que vous voulez la rendre encore plus chaotique, vous pouvez enfreindre cette règle des 180 degrés et cela fonctionnera. Mais gardez simplement à l'esprit que pour obtenir un flux de photos cohérent et efficace, essayez de respecter cette règle des 180 degrés. Revenons à la séquence de dialogue. Parce que dans ce genre de situation, vous pourriez avoir envie de déplacer la caméra pour une raison précise et de montrer les personnages parler sous un angle différent, il y a deux choses très simples que vous pouvez faire. L'une d'entre elles consiste à inclure simplement une prise de vue qui permet à l'œil du spectateur de passer en douceur. Par exemple, vous passez simplement à un plan large et vous montrez l' un des personnages qui traverse l'écran jusqu'à une nouvelle position , puis vous pouvez revenir à vos gros plans. Cela se lira parfaitement bien pour le public. L'autre méthode consiste simplement à déplacer la caméra, montrant au public exactement la direction de l'écran que vous modifiez, puis faites-la pivoter d'un côté à l'autre de la pièce. ce qui est de la règle des 180 degrés, Pour ce qui est de la règle des 180 degrés, il est toujours judicieux d' esquisser un schéma approximatif pour vous aider à tracer votre action et mouvements de votre caméra avant de commencer le storyboard. Vous pourrez alors commencer embarquer vos photos et vous ne vous perdrez pas ou ne vous perdrez pas de vue quant à l'endroit où se trouve votre file d'attente. Cela vous aidera vraiment à éviter de commettre des erreurs de base qui apparaîtront vraiment dans votre storyboard. Bien entendu, comme toute règle ou convention, elle est là pour être enfreinte ou complètement ignorée, mais soyez toujours clair sur ce que vous faites et pourquoi et souvenez-vous toujours du point de vue de votre scène. 22. Comment dessiner des mouvements de caméra sur votre storyboard: [MUSIQUE] La dernière chose que je veux vous expliquer dans ce cours, ce sont les mouvements de caméra. Cela peut être un aspect assez délicat et assez technique du processus de storyboard. Jusqu'à présent, nous nous sommes concentrés sur l'utilisation de panoramiques et de zooms simples, mais je voudrais vous montrer comment effectuer des mouvements plus complexes et à quoi ils ressembleraient dans le contexte d'un storyboard. Tout d'abord, abordons mouvements de caméra les plus courants que vous devez effectuer dans le cadre de la réalisation de films, tels que les angles de caméra et les prises de vue. Chacun de ces mouvements de caméra doit être utilisé afin de souligner les points de l'histoire à tout moment. Demandez-vous à nouveau quel est le point narratif de la scène et comment puis-je la visualiser ou la montrer d'une manière intéressante ? Le premier mouvement de caméra le plus courant est le panoramique, et nous utilisons beaucoup celui-ci dans notre storyboard. Vous le dessinez sur deux panneaux comme celui-ci et vous indiquez la direction dans laquelle la caméra se déplace. Mais notez simplement qu' une vue panoramique est l'endroit où la caméra est statique et qu'elle se déplace simplement sur le trépied d' un côté à l'autre pour capturer la scène. Vous pouvez avoir exactement la même prise de vue , mais la caméra elle-même se déplace d' une position à l' autre. C'est ce qu'on appelle une prise de vue de suivi. Vous pouvez l'utiliser, disons, lorsque vous suivez un personnage dans le cadre, par exemple. fait, les deux photos sont identiques en ce qui concerne la façon dont vous les dessineriez sur votre storyboard, mais en prise la façon dont vous les dessineriez sur votre storyboard, de vue réelle, il y a une légère différence quant à l'emplacement physique de la caméra lorsqu' elle enregistre la prise de vue. Un autre panoramique courant est le panoramique diagonal qui permet de déplacer la caméra selon un angle. Pour le storyboard ou pour le dessiner, vous devez placer vos cadres autour de la zone de la scène où vous souhaitez que le panoramique recommence et arrêter tout simplement, mais dans ce cas, ne placez vos lignes rouges que dans ce cas, ne placez sur les coins extérieurs. C'est juste la convention sur la façon de faire un pan en diagonale. Après le pan, vous pouvez l'incliner et dessiner à nouveau sur deux panneaux comme celui-ci, même si vous voulez aller de haut en bas ou si vous voulez commencer par le bas et monter vers le haut. Une inclinaison est l'endroit où la caméra est statique. Il se déplace de haut en bas pour obtenir le tir, mais il reste à un point. J'ai indiqué ici les positions de départ et d'arrêt avec A et B. Mais si vous vouliez déplacer une caméra là où elle se déplace physiquement vers le haut ou vers le bas, on parle souvent de flèche ou de boom shot. Encore une fois, c'est le même plan en ce qui concerne la façon dont vous le dessineriez. Sachez simplement que techniquement, le nom est différent selon la caméra bouge ou non. Enfin, regardons le zoom. C'est là que vous commencez de loin et que vous vous rapprochez de votre sujet, ou bien vous commencez par un gros plan et vous vous éloignez. Les flèches que vous dessinez indiqueront la direction dans laquelle se déroule le mouvement et vous pouvez également indiquer vos cadres de départ et de fin. Un zoom se produit lorsque l'appareil photo zoome plus près uniquement avec l'objectif, et un suivi permet à l' appareil photo de démarrer dans une position et de se rapprocher physiquement du sujet ou de la dernière image. Encore une fois, les deux plans se ressemblent exactement sur un storyboard. Jetons un coup d' œil à un exemple d' utilisation de tous ces mouvements en une seule séquence. La première chose que je veux faire est de planifier cela sous forme de vignettes. Disons que vous avez un paysage urbain comme celui-ci. Vous pouvez effectuer un panoramique le long de la rue de gauche à droite, suivi d'une inclinaison ou d'une flèche jusqu'à ce point, suivi directement d'un zoom ou d'un suivi. s' agit essentiellement d'une seule prise de vue, sans découpes, mais j'ai utilisé trois mouvements de caméra et quatre positions de caméra : de A vers B, jusqu'à C, puis le zoom sur D. Maintenant, que faites-vous si vous devez dessiner cela sur un véritable modèle de storyboard ? Parce que le modèle de storyboard ne semble pas proposer ce type d'option pour des découpes créatives ou des mouvements de caméra créatifs. Eh bien, vous pouvez simplement déplacer ces panneaux selon vos besoins. Ce que je vais faire, c'est simplement supprimer ces lignes, puis je vais sélectionner et saisir ce panneau, faire glisser vers le bas et maintenant je peux dessiner la miniature exacte sur ces trois panneaux. Cela fonctionne parfaitement pour la configuration et séquence que je viens de mettre en miniature. Juste pour vous donner une idée de ce à quoi cela pourrait ressembler dans le contexte et que vous sachiez de quoi je parle, disons que cela faisait partie d'un script plus vaste. Cela pourrait être quelque chose d'aussi simple que cela. Vous avez une photo d'un personnage marchant dans la rue, peut-être un gros plan où il s'arrête soudainement et se rend compte qu'il doit monter à l'étage jusqu'à son appartement puis vous pourriez revenir à votre poêle, les faire marcher. Peut-être que s'il entre dans le bâtiment, vous pourriez faire monter votre caméra, puis, lorsqu'il entrera dans son appartement, vous pourriez utiliser votre zoom sur la fenêtre. C'est un exemple très simple, mais je voulais vous montrer comment vous pouvez l'utiliser dans le contexte d'un storyboard. 23. Vos prochaines étapes en tant qu'artiste de storyboard: [MUSIQUE] J'ai déjà mentionné que l'ensemble des compétences d' un artiste de storyboard peut être divisé en trois domaines principaux : compétences en dessin, compétences techniques et langage visuel. Maintenant, si vous vous concentrez sur ces trois domaines de votre art et si vous vous efforcez d'améliorer chacun d'eux, vous serez certain de développer un ensemble complet de compétences pour le storyboard. Vos capacités et vos compétences en tant que narrateur visuel ne feront que croître et devenir de plus en plus sophistiquées. Je pense que c'est ainsi que l' on développe le talent. Quelles sont les prochaines étapes pour vous ? Voici ce à quoi je veux que vous réfléchissiez au cours des prochains mois : fixez-vous objectif de créer un portfolio de vos idées d'articles. Vous pouvez maintenant travailler sur votre propre idée d'histoire ou utiliser un script existant pour développer visuellement. Votre portfolio n'a pas besoin d' inclure un storyboard complet Je voudrais avoir 3 à 5 séquences qui mettent vraiment en valeur votre capacité à dessiner des actions, des personnages, des dialogues et une présentation intéressante des plans et des angles de caméra. De plus, dans votre portfolio, en plus de ces séquences, incluez vos dessins miniatures ainsi que votre phase d'idéation ou votre phase de brainstorming. Passez également du temps chaque semaine à dessiner des personnages et des scènes sous forme de pièces indépendantes à côté vos séquences de plateau terminées. Je vous encourage également à passer du temps à regarder œuvres d'autres artistes et à vous en inspirer autant que possible. Consultez des sites comme ArtStation, si vous ne connaissez pas déjà celui-ci. Il existe de nombreux sites de portfolio, mais celui-ci est vraiment bon, il a un très haut niveau de qualité professionnelle. Bien sûr, suivez les artistes sur Instagram, c'est également très important. Enfin, si vous devenir un artiste de storyboard, je vous encourage vivement à étudier le cinéma autant que possible. Un bon exercice consiste à regarder un film et à dessiner les plans pendant que vous le regardez. Vous devrez peut-être mettre le film en pause et esquisser vos plans, puis recommencer à le regarder. Mais c'est le meilleur moyen d'apprendre comment réalisateurs confirmés créent leurs scènes et leurs séquences. C'est un excellent moyen de trouver de bonnes idées pour votre propre travail. Si vous souhaitez travailler pour un studio, je vous conseille de rechercher les studios pour lesquels vous souhaitez travailler de les suivre sur toutes leurs plateformes sociales. Tenez-vous au courant des recrutements, même s'il ne s'agit que de stages. Restez à jour avec eux autant que possible. Si vous souhaitez essayer de travailler en tant qu' artiste de storyboard indépendant sur de petits projets indépendants, pensez à créer un profil sur des sites tels que Fiverr ou Upwork. Tout ce dont vous avez vraiment besoin, c'est d'un premier emploi, et une fois que vous l'aurez obtenu, tout le reste découlera de là. Par-dessus tout, mon meilleur conseil est d'être patient, rester impliqué dans votre travail et votre processus et de vous concentrer sur le dessin autant que possible. Je te promets que le reste se mettra en place. Il ne me reste plus qu'à vous dire merci beaucoup d'avoir suivi ce cours. Merci d'être avec moi aujourd'hui. J'espère vraiment que vous avez appris quelque chose, que vous êtes inspiré à utiliser ces connaissances pour poursuivre votre carrière et vos objectifs créatifs. Faites-moi savoir si vous avez des questions ou si vous souhaitez des commentaires ou des conseils sur votre travail. Je veillerai sur vous dans la section des projets et, espérons-le, lors du prochain cours que nous donnerons ensemble. [MUSIQUE]