Le guide ultime pour peindre des ciels à l'aquarelle : un défi de 7 jours

1. Introduction : À propos du cours: Avez-vous déjà essayé de peindre un ciel aquarelle pour vous retrouver avec des bords durs, couleurs boueuses ou des nuages qui ne vous conviennent tout simplement pas ? Je sais que j'y suis allé aussi. Quand j'ai commencé, j'ai moi aussi eu du mal à créer ces doux mélanges lumineux qui donnent au ciel une sensation de vie. J'ai beau m'entraîner, mes nuages paraissent raides, mes transitions sont inégales et mon ciel n'a pas cette lueur naturelle que j' admirais dans Mais au fil des années, j' ai affiné mon approche. agisse de choisir les bons accessoires s'agisse de choisir les bons accessoires ou de maîtriser le contrôle de l'eau, les techniques de brossage et l'harmonie des couleurs, j'ai pu apporter profondeur et mouvement à mon ciel Maintenant, je veux t'aider à faire de même. Bonjour, je suis Nelm Roy, aquarelliste et ambassadrice d'une marque de peinture sud-coréenne nommée Shinhan Avec plus de quatre ans d' expérience dans la peinture de paysages, j'ai développé une passion profonde pour la capture de la beauté et de l'ambiance du ciel, qu'il s'agisse de la chaleur dorée d'un lever de soleil, la profondeur orageuse des nuages ou de la douce tranquillité du crépuscule Grâce à mes ateliers en présentiel, j'ai aidé les étudiants à se libérer de la frustration causée par les lavages boueux et les nuages surchargés de Et dans ce cours, je vous apporte cette expérience. Le ciel est bien plus qu'une simple toile de fond. Ils sont l'âme d'un paysage. Un ciel bien peint peut transformer une scène ordinaire en un chef-d'œuvre évocateur, mais pour atteindre cet équilibre parfait entre douceur, mouvement et harmonie des couleurs, il ne suffit pas de copier une Cela nécessite une compréhension de la consistance de la peinture, contrôle de l'eau et des techniques de pinceau. Ce défi d' aquarelle structuré de sept jours est conçu pour vous aider à maîtriser méthodiquement l'art de peindre le ciel Chaque leçon s'appuie sur la précédente vous fait découvrir étape par étape la théorie des couleurs et la sélection des palettes, maîtrise du rapport eau/peinture, ainsi que les coups de pinceau et les techniques Nous renforcerons ces techniques grâce à sept compositions de ciel époustouflantes, commençant par de simples lavages en dégradé et progressant progressivement vers des ciels atmosphériques plus complexes Chaque leçon est divisée en étapes claires et réalisables, ce qui en fait un cours idéal pour les artistes débutants et intermédiaires qui souhaitent affiner leurs compétences en aquarelle À la fin de ce défi, vous aurez non seulement une collection de sept cieux à emporter du pain, mais vous aurez également solides bases dans le contrôle de l'eau, travail au pinceau et les techniques de mélange que vous pourrez appliquer à n'importe quelle peinture à l'aquarelle De plus, vous développerez une habitude de peinture constante, ce qui vous permettra de vous libérer du stress quotidien et de trouver du plaisir dans l'expression créative. Êtes-vous prêt à transformer votre ciel à l'aquarelle ? Si vous hochez la tête, rejoignez-moi dans ce cours, et commençons 2. Fournitures requises: Bon, alors passons rapidement en revue la liste des fournitures dont nous aurons besoin pour ce cours. Parlons donc du matériel le plus important dont nous aurons besoin pour notre classe. C'est notre document. Pour ce cours, je vais utiliser du papier de Saunders Waterford, de l' aquarelle ou Il s'agit d'un papier à grain fin pressé à froid , désigné par la lettre CIP et non La couleur du papier est le blanc, le noir, le naturel et le format du papier est de dix pouces sur sept pouces. Mais ici, pour ce cours, je n'ai pas utilisé ce même papier grand format. Au lieu de cela, j'ai découpé mon papier en un carré de 18 centimètres sur 16 centimètres Ce n'est pas un carré parfait, mais c'est presque un carré. Mais vous pouvez choisir n' importe quel format de papier. Si vous le souhaitez, vous pouvez opter pour un carré parfait de 16 centimètres ou 18 centimètres ou Cela dépend entièrement de vous. En plus de cela, je vous recommande de garder un bout de papier à portée de main pour les échantillons de couleurs ou pour pratiquer des techniques rapides Concentrons-nous maintenant sur l'aspect le plus crucial de votre papier pour aquarelle Il s'agit de toujours vérifier l'étiquette de votre papier pour vous assurer qu'elle porte la mention « 100 % coton ». Or, ce détail est souvent négligé par les débutants, et c'est l'une des plus grosses erreurs qu' ils commettent. Ce papier que j'utilise ici est de qualité artistique, qui est également un papier d'archivage, sans acide et roulé au tambour, papier d'archivage, sans acide et roulé au tambour fait mon préféré pour peindre des paysages à l' aquarelle Non, il n'est pas nécessaire d'utiliser la même marque de papier que celle que j'utilise ici. N'hésitez pas à découvrir d'autres papiers aquarelle 100 % coton de haute qualité papiers aquarelle 100 % coton disponibles sur le marché Passons à notre prochaine ressource essentielle, à savoir nos peintures à l'aquarelle pour ce cours. Comme toujours, j'utiliserai les aquarelles Shinhan Arts, extra fines de PWC Maintenant, ce sont des peintures de qualité professionnelle. Lorsque vous choisissez des peintures de qualité professionnelle, les propriétés de chaque couleur, telles que la résistance à la lumière, la transparence et leurs informations sur les pigments seront mentionnées sur les étiquettes de vos tubes ou pantalons Lorsque vous choisissez des couleurs, reportez-vous toujours aux informations sur les pigments figurant sur les tubes ou les casseroles plutôt que de vous fier à leur couleur générique. Lors de ce cours, j' utiliserai des tubes d'aquarelle, mais si vous avez des casseroles , n'hésitez pas à les utiliser Pour faire ressortir mes couleurs, j'utiliserai cette palette en polycarbonate de Shinhan Art Vous pouvez déjà voir les couleurs disposées sur ma palette, mais j'ai inclus une leçon supplémentaire sur la façon de configurer correctement votre palette. J'ai expliqué le processus en détail tout en le gardant complet et facile à suivre. Ne vous inquiétez pas des couleurs spécifiques utilisées tout au long du cours. Avant chaque projet de cours, je vais vous expliquer les couleurs exactes nécessaires. l'ensemble, j'ai maintenu la même palette de couleurs dans tous les projets, avec juste quelques couleurs supplémentaires si nécessaire. Ensuite, vous aurez besoin d' un flacon pulvérisateur, sauvetage absolue pendant les mois d'été lorsque le papier sèche trop vite, je l'ai absolument à portée Maintenant, nous aurons également besoin d'un panneau acrylique non absorbant ou toute autre surface non absorbante pour coller votre papier sur les sites fo si vous utilisez des feuilles volantes comme moi. Toutefois, si vous travaillez avec des blocs de papier collés ou des carnets de croquis, cette surface non absorbante ne sera pas nécessaire Maintenant, pour coller le papier avec du ruban adhésif, vous aurez besoin de ruban adhésif Je suis ici avec du ruban adhésif d'un demi-pouce, mais n'hésitez pas à utiliser la taille dont vous disposez Ensuite, nous aurons besoin de deux pots d'eau potable, l' un comme source constante d'eau potable et l'autre pour le rinçage de vos pinceaux Enfin, nous aurons également besoin de fournitures de base pour dessiner, d'un crayon Le crayon que j'utilise ici est un crayon mécanique. N'hésitez pas à utiliser ce que vous avez : une règle et une gomme Parlons maintenant d'une autre fourniture la plus importante qui est notre brosse. Tout au long du cours, vous me verrez principalement utiliser les quatre brosses à cheveux naturels pour créer un ciel. Les plus couramment utilisées sont mes pinceaux à serpillère ronds et à merlu en argent de la série Atalia Cette brosse à merlu est fabriquée à partir de poils de chèvre, et j'adore l'utiliser pour le lavage à plat. J'utiliserai également les deux pinceaux ronds. L'un est un pinceau synthétique ultra rond avec une pointe allongée, et l'autre est un pinceau rond en velours noir argenté de taille 6. Les deux pinceaux sont de taille 6. En plus de cela, j'utiliserai également des pinceaux à doublure. L'une est une brosse souple synthétique Princeton Heritage, et l'autre est une mini-brosse à doublure de Hi Pour les effets spéciaux, vous me verrez également utiliser ce pinceau spécial, le peigne Princeton Velvet de la série Princeton, idéal pour créer des prairies herbeuses Une alternative à cela serait une brosse ventilée qui vous donnerait des résultats similaires. Enfin, vous aurez besoin de papier de soie ou d' une serviette en papier pour tamponner vos pinceaux, qu'ils soient secs ou propres C'est ainsi que nous avons terminé notre section d'approvisionnement. Rassemblez donc vos documents et rejoignez-moi dans la prochaine leçon. 3. Théorie des couleurs : revoir les bases: Dans cette leçon, plongeons-nous dans la théorie des couleurs. J'ai mes trois couleurs primaires, le rouge, jaune et le bleu, et j' ai créé une roue chromatique. Je vais organiser ces primaires sur le volant de manière à former une triade La première couleur que je place sur la roue chromatique est le rouge. Ce rouge particulier est fabriqué à partir du pigment PR 209, qui est transparent et penche vers le côté chaud. Maintenant, permettez-moi d'expliquer brièvement le concept de biais de température. Les rouges qui penchent vers l'orange sont considérés comme des rouges chauds, tandis que ceux qui penchent vers le violet sont des rouges froids. Par exemple, les rouges froids incluent Quina Cridon Road, Crimson Lake Cependant, ces noms sont génériques et la température réelle d'une couleur dépend du pigment spécifique utilisé. Déterminer si une couleur est chaude ou froide est un processus relatif, peut varier en fonction du contexte ou des couleurs situées les unes à côté des autres. temps de placer notre prochaine couleur primaire , le jaune. Maintenant, le même concept s'applique également aux jaunes. Le jaune que je vais utiliser ici est le jaune indien, fabriqué à partir du pigment PY 189, qui est un jaune chaud. Il penche vers l'orange, donnant une chaleur riche et éclatante. Pensez à la couleur du soleil qui dégage de la chaleur. C'est exactement la même chose, n'est-ce pas ? Par contre, un jaune qui penche vers le vert est considéré comme un jaune froid. Comme mentionné au début de cette leçon, température de couleur est vraiment très relative et j'en parlerai plus en détail plus loin dans cette leçon. Passons maintenant au segment suivant, mélangeant nos couleurs primaires pour créer des couleurs secondaires Ici, je mélange le rouge et le jaune dans des proportions égales pour former ma couleur secondaire, orange, que je placerai juste entre le rouge et le jaune sur la roue chromatique. Ici, je mélange mes rouges et mes jaunes pour créer de l'orange, mais je remarque qu'il y a trop de rouge sur le bout de mon pinceau Pour équilibrer le tout, je vais devoir ajouter jaune pour obtenir un orange brillant parfait. Pour obtenir le bon mélange, il faut ajuster les proportions pour obtenir le dynamisme souhaité. Ensuite, je vais mélanger cette couleur secondaire, qui est notre orange avec notre rouge pour créer un orange rougeâtre, un rouge-orange, qui est une couleur tertiaire. Ensuite, je vais mélanger cette couleur secondaire, qui est notre orange avec notre rouge pour créer un orange rougeâtre, un rouge-orange, qui est une couleur tertiaire Lorsque vous mélangez une couleur primaire avec une couleur secondaire, souvenez-vous toujours que vous formez une couleur tertiaire, et dans ce cas, notre rouge-orange est une couleur tertiaire. De même, lorsque vous mélangez votre orange avec votre jaune, vous formez du jaune-orange, qui est, encore une fois, une couleur tertiaire située juste entre l' orange et le jaune. À ce stade, nous avons créé nos couleurs secondaires et tertiaires qui sont toutes assez chaudes. Cependant, la luminosité et la chaleur de votre orange dépendront totalement de la température du rouge et du jaune que vous utilisez. Si l'une de ces couleurs primaires est une couleur froide, l'orange qui en résulte sera plus atténuée lieu d'être un orange très vif et éclatant OK, j'ai donc rempli mon voile de couleur avec toutes les couleurs secondaires et tertiaires restantes. Maintenant, permettez-moi de vous expliquer rapidement le processus. Lorsque vous mélangez le jaune et le bleu, vous obtenez le vert, qui est une couleur secondaire. Le mélange du vert et du jaune crée du jaune-vert, tandis que le mélange du vert et du bleu donne du bleu-vert. Maintenant, lorsque vous mélangez le bleu et le rouge, vous obtenez du violet, mais voici un petit hic. Le bleu et le rouge que j'ai utilisés ici sont bleu chaud biaisé vers violet et du rouge vers l'orange. Par conséquent, la couleur secondaire produite est un violet atténué Maintenant, voici un fait intéressant. Si le bleu est biaisé vers le violet, c' est-à-dire qu'il s'agit d'un bleu chaud, et que le rouge, qui est biaisé vers le violet, qui est un rouge froid, vous formez le violet le plus brillant Parce que vos deux primaires sont biaisées vers le violet. Maintenant, lorsque vous mélangez du violet avec du bleu, vous obtenez un bleu-violet, une couleur tertiaire qui a tendance à être assez terne car le violet lui-même est terne. De même, lorsque vous mélangez du violet avec du rouge, vous obtenez un violet rouge, qui est une autre couleur tertiaire, et cette couleur sera également très terne. Maintenant, voici quelque chose à retenir. Sur la roue chromatique, les trois couleurs primaires, rouge, bleu et jaune, formeront toujours une relation progressive, ce qui signifie qu'elles sont régulièrement espacées autour de la Laissez-moi vous montrer les lignes guidées à l'aide de ce stylo. Ainsi, chaque fois que vous placez vos couleurs primaires dans la roue chromatique, souvenez-vous toujours qu'elles formeront exactement cette relation triadique et que tout le reste se mettra en Si vous le remarquez, même vos couleurs secondaires, orange, le vert et le violet, entretiennent également une relation triadique Maintenant, si vous vous demandez pourquoi vos couleurs primaires sont dans une relation triadique, c'est parce que dans un voile chromatique, elles sont espacées de manière égale, et cet espacement uniforme garantit que chaque couleur primaire est équilibrée et distincte sans partager de teintes directes avec les autres et cet espacement uniforme garantit que chaque couleur primaire est équilibrée et distincte sans partager de teintes directes De même, vos couleurs secondaires telles que le violet, orange et le vert forment une relation triadique car elles sont créées en mélangeant des couleurs primaires et sont espacées de manière égale les unes des autres sur la Bien, maintenant que vous comprenez clairement comment les couleurs primaires sont positionnées sur la roue chromatique, leurs relations et comment les couleurs secondaires et tertiaires sont formées, passons à un autre concept clé, celui couleurs complémentaires et de leurs interactions. Maintenant, que sont les couleurs complémentaires ? Les couleurs complémentaires sont les couleurs qui sont positionnées l'une en face de l' autre directement sur le cercle chromatique. Par exemple, rouge et vert, orange et bleu. Lorsqu'ils sont mélangés, ils se neutralisent mutuellement, ce qui donne des tons terreux atténués tels que le gris, quasi-noir Par exemple, le bleu primaire et l'orange secondaire sont complémentaires, mais en les mélangeant en quantités variables, nous pouvons créer différentes nuances de brun ou de gris. Pour mieux illustrer cela, permettez-moi de vous montrer rapidement les mélanges de couleurs. Par exemple, si nous prenons le rouge, sa couleur complémentaire est le vert, qui se trouve à l'opposé du rouge sur la roue chromatique. Lorsqu'ils sont mélangés, ils créent une couleur désaturée, ce qui entraîne combustion de la sienne ou du bois brûlé, selon le rapport entre le rouge et le vert Maintenant, pour le démontrer, je vais d'abord réactiver mon jaune Je vais le faire bien et soigneusement , puis ajouter du bleu pour créer mon mélange vert. Je vais accélérer le processus de mélange de mes jaunes et bleus pour former mon vert Continuez à ajuster les ratios de jaune et bleu jusqu'à ce que vous obteniez le vert approprié Une fois que mon vert est prêt, je vais maintenant rincer mon pinceau et ajouter mon rouge. Dès que j'introduis du rouge avec juste une touche de vert, vous remarquerez que le rouge perd de son éclat et devient plus désaturé Maintenant, lorsque vous continuez à augmenter la quantité de légumes verts pour obtenir un rouge désaturé, vous obtenez un mélange qui prend complètement le ton de l'ombre brûlée. Vous voyez comment cette rougeur du rouge s'est transformée en tons complètement bruns, n'est-ce pas ? C'est donc la beauté d'utiliser ou de mélanger vos couleurs complémentaires pour former des couleurs désaturées. Et en variant les proportions, vous pouvez obtenir une large gamme de tons neutres ou de couleurs désaturées. De même, lorsque vous mélangez votre violet et votre jaune, vous créez des tons neutres de gris et noirs en fonction des proportions que vous mélangez Ce principe s'applique à toutes les couleurs de la roue chromatique. Lorsqu'il est mélangé à cette couleur complémentaire, il en résulte une couleur désaturée. Un autre concept important à retenir ici est que lorsque vous mélangez vos trois couleurs primaires, c' est-à-dire le rouge, le jaune et le bleu, vous obtenez du noir ou du gris. Maintenant, selon la quantité ou les proportions que vous utilisez pour former votre noir ou votre gris, il peut produire une large gamme. Maintenant, j'ai déjà du rouge sur ma palette, donc je vais ajouter un peu de ce bleu. Ensuite, je vais rincer dans mon pinceau et ajouter du jaune. Maintenant, lorsque vous ajoutez du jaune à ce mélange, si le bleu est dominant, mélange avec le jaune créera d'abord du vert. Ensuite, lorsque vous ajoutez du rouge, vous pouvez ajuster la balance pour atteindre un stade brun rougeâtre, puis continuer à ajouter du bleu pour obtenir un gris neutre Vous pouvez maintenant essayer d'ajouter un peu de jaune , puis de le contrebalancer à nouveau avec un peu de bleu pour obtenir un noir de jais. Ou si vous voulez vous aligner davantage sur le gris de Paine, vous mélangez simplement une teinte de bleu, et vous obtenez un mélange semblable au gris de Paine Je termine ainsi la leçon de théorie des couleurs. J'espère que cela vous a permis de clarifier l' importance de comprendre et de mélanger les couleurs. Il y a encore beaucoup à explorer dans le domaine de la théorie des couleurs, mais j'ai gardé cette leçon dans le cadre de ce cours, en vous fournissant un aperçu général pour commencer. L'essentiel à retenir est de continuer à expérimenter. Plus vous mélangez et observez les couleurs, mieux vous comprendrez leurs interactions. Dans la leçon suivante, nous allons approfondir cette compréhension en explorant une palette de couleurs analogue , complémentaire et harmonieuse au moyen d'une série d'exercices 4. Palette de couleurs analogues: C'est bon. Dans cette leçon, nous allons explorer les différences entre des palettes de couleurs analogues, séparées, complémentaires et harmonieuses à l'aide d'exemples Commençons par décomposer les couleurs analogues. Comme indiqué dans la leçon précédente, couleurs analogues se composent de trois à cinq couleurs situées directement l'une à côté de l' autre sur le cercle chromatique Cette combinaison crée un effet doux, homogène et cohérent avec un minimum Il est souvent utilisé pour évoquer des sentiments de calme et de sérénité, ce qui le rend parfait pour les forêts brumeuses, soleil de rêve Maintenant, c'était un exemple d' une palette de couleurs analogues chaudes pour créer une palette analogue et froide Vous pouvez utiliser les couleurs entre le jaune et le bleu pour créer cet effet rafraîchissant ou entre le bleu et le rouge pour une sensation plus tranquille et apaisante Ainsi, toutes les couleurs situées l'une à côté de l' autre vous procureront cette sensation de calme et d'apaisement ou qui seront visuellement agréables à vos yeux. En comprenant le placement des couleurs sur la roue chromatique, vous pouvez les superposer efficacement dans vos paysages, veillant à ce que la composition finale soit toujours harmonieuse et visuellement agréable. Bien, passons maintenant à notre exercice en classe et voyons comment créer un ciel chaud aux couleurs analogues Utilisera trois couleurs, rouge, orange et jaune. Cependant, comme vous savez déjà que le mélange du rouge et du jaune crée de l'orange, vous pouvez choisir de travailler uniquement avec le rouge et le jaune en omettant complètement l'orange. Je commence par éliminer le jaune, en particulier le jaune transparent fabriqué à partir du pigment PY 83 Ensuite, il y a mon orange, mais comme mentionné précédemment, vous n'avez pas nécessairement besoin d'une peinture orange Comme vous pouvez mélanger le rouge et le jaune pour créer pour cet exercice, je n'utiliserai pas d'orange prémélangée Je vais plutôt le créer directement sur le papier. Comme nous travaillons sur une surface plus petite, cette approche fonctionne bien. Toutefois, si vous peignez sur une plus grande surface, vous pouvez prémélanger au préalable une quantité uniforme d'orange ou simplement utiliser une orange prête à l'emploi pour votre commodité Maintenant, je vais appliquer du rouge sur ma palette. En mélangeant le rouge et le jaune, je peux créer différentes nuances d'orange en ajustant l'intensité en variant les proportions de chaque couleur. Commençons. Pour le ciel, j'utiliserai la technique humide sur humide, qui consiste à mouiller d'abord le papier avant d'appliquer les couleurs Pour commencer, je vais d'abord créer un contour approximatif du soleil couchant, un simple demi-arc au centre. Ensuite, à l'aide de ma brosse souple en poil de chèvre, je répartirai uniformément de l'eau propre sur toute la surface du papier, garantissant ainsi une couverture uniforme. Assurez-vous de répéter cette étape un bon nombre de fois pour que la surface de votre papier reste humide plus longtemps. Cette méthode permet aux couleurs de s'écouler, se fondre en douceur et de créer une transition douce. Lorsque je couche de l'eau propre pour prémouiller la surface du papier, je le mouille soigneusement au soleil, veillant à ce qu'aucune peinture ne pénètre dans la zone où je souhaite préserver le blanc du papier Cette approche est connue sous le nom peinture négative, une technique peindre autour d'un sujet plutôt que de le peindre directement, ce qui permet aux zones intactes de ressortir naturellement Voici un conseil important. Pour couvrir notre format de papier actuel, ce pinceau au format 20 de plus est idéal. Cependant, si vous utilisez un petit pinceau rond, comme un pinceau de taille 6, dont le ventre est plus petit, il ne retiendra pas assez de peinture et d'eau. Cela signifie que vous passerez plus de temps à remplir la surface, et lorsque vous atteindrez le centre à mi-parcours, votre papier risque de commencer à sécher trop tôt. C'est l'une des erreurs les plus courantes commises par les débutants. N'utilisez jamais une brosse trop petite pour laver vos skis plus longtemps C'est l'une des plus grosses erreurs que commettent tous les débutants. Pour éviter cela, choisissez toujours taille de votre pinceau en fonction de la taille du papier que vous utilisez. Pour peindre les skis, je recommande vivement d'utiliser un balai à ventre arrondi et un pinceau pointu, de préférence de taille 20, ou bien un pinceau plat d'un demi-pouce ou 1 pouce de taille moyenne pinceau plat d'un demi-pouce ou 1 Ces pinceaux vous permettent de superposer les couleurs rapidement et uniformément, garantissant ainsi un mélange lisse et homogène À l'aide de mon pinceau humide, je prépare mon mélange rouge, mais vous pouvez voir qu'il y a trop de rouge au bout de mon pinceau, qui rend la couleur trop intense. Utilisez un rouge très teinté, je vais ajouter un peu de jaune pour obtenir un orange rougeâtre plus équilibré Je commence par appliquer ce mélange orange rougeâtre sur la moitié inférieure du ciel, peignant soigneusement autour du soleil pour préserver son éclat Lorsque j'applique la couleur, j'utilise uniquement le bout et le bout de mon pinceau pour le maintenir au centre. Cette prise en main me permet de contrôler mes mouvements tout en maintenant une pression très légère, ce qui garantit un mélange doux et sans effort À l'aide d'un pinceau propre et humide, je vais maintenant appliquer du jaune sur la partie centrale du ciel. Cela lui permettra de se fondre parfaitement dans le rouge alors que le papier est encore humide, créant ainsi une belle transition jaune-orange vif entre les deux. Remarquez comment j'utilise des traits légers et doux, en tenant le pinceau au milieu et faisant glisser sans effort sur L'application d'une pression trop forte à ce stade peut soulever la couche rouge sous-jacente, perturber la transition en douceur et rendre difficile l'obtention du dégradé jaune-orange souhaité Garder un toucher léger garantit un mélange naturel sans faille. Si vous observez maintenant mon mélange entre les jaunes et les oranges et que le rouge n'est pas aussi lisse que je le souhaiterais, je vais créer un mélange légèrement dilué de jaune et utiliser un léger mouvement de va-et-vient avec mon pinceau, en commençant par le haut du papier et en descendant progressivement vers le bas Notez que j'utilise des traits unidirectionnels, en m'assurant de ne pas soulever mon pinceau entre les deux Au lieu de cela, je crée des traits complets bord à bord, ce qui permet d'obtenir un mélange uniforme sans créer de stries ou de taches indésirables Si vous remarquez des stries indésirables ou des transitions irrégulières, vous pouvez toujours incorporer des nuages plus foncés pour estomper subtilement et masquer les imperfections alors que le papier Regardez comment j'utilise des traits légers et doux du bout de mon pinceau pour créer ces nuages vaporeux dans les zones de transition Cela aide à adoucir le mélange tout en ajoutant de la profondeur et du mouvement au ciel N'oubliez pas que le succès de ces étapes dépend entièrement de l'humidité de votre papier Si votre papier commence à sécher, pinceau ne glissera pas aussi facilement que lorsque la surface est encore parfaitement humide Ici, le timing est essentiel pour obtenir des nuages doux d' apparence naturelle. Si vos rouges pénètrent accidentellement dans les zones blanches du soleil, ne vous inquiétez pas J'ai une solution simple à cela. Il suffit de prendre le bout humide de votre brosse chargé d'une couche blanche épaisse et de couvrir soigneusement les taches ou taches indésirables sur les zones blanches Quash est opaque, il fonctionne donc très bien pour corriger les erreurs et redonner au soleil son éclat éclatant Cette solution rapide permet de conserver l'effet lumineux et net du soleil sans affecter l' harmonie générale de la peinture. Cet exercice de classe était un exemple classique d'une palette de couleurs chaudes analogues Mais si vous vouliez explorer des tons plus froids comme le bleu et le vert ? Oui, c'est également tout à fait possible. Lorsque vous peignez des paysages océaniques ou marins, vous pouvez utiliser n'importe quelle combinaison de bleu, bleu, vert, vert et jaune Lorsqu'elles sont utilisées correctement, en suivant leur position naturelle sur la roue chromatique, ces couleurs créeront une représentation harmonieuse et visuellement agréable de l'eau. C'est pourquoi il est si important de comprendre la théorie des couleurs et de savoir comment les couleurs interagissent en fonction de leur position sur la théorie des couleurs et de savoir comment les couleurs interagissent en fonction de leur position sur la roue chromatique. Dans la leçon suivante, nous allons approfondir la palette de couleurs complémentaires divisée. 5. Palette de couleurs complémentaires divisée: Dans cette leçon, nous allons explorer la palette de couleurs complémentaires divisée. Cette palette se compose d'une couleur de base et deux couleurs adjacentes à sa couleur complémentaire sur la roue chromatique. Maintenant, pourquoi utilisons-nous cette combinaison de couleurs ? En effet, l'utilisation de cette combinaison de couleurs crée un contraste sans être trop prononcé, équilibrant les couleurs chaudes et froides. Par exemple, si je considère jaune-orange dans ma roue chromatique comme couleur de base, la couleur complémentaire exacte est le bleu-violet dans la roue chromatique. Mais au lieu de choisir cette couleur complémentaire, nous choisissons deux couleurs adjacentes à la couleur complémentaire, formant ainsi une relation triadique Vous pouvez désormais choisir les couleurs directement adjacentes de la teinte complémentaire ou expérimenter avec les nuances voisines au sein la même famille de couleurs pour obtenir un effet légèrement différent. Ici, au lieu de sélectionner le violet comme couleur adjacente, j'ai choisi le violet rouge avec le bleu. Ce changement subtil ajoute de la variété tout en maintenant l'harmonie au sein de la palette de couleurs complémentaires. Cela nous donne le contraste sans vraiment créer de mélanges boueux et nous donne les couleurs vives dont nous avons besoin Comprenons donc mieux cela en peignant ce ciel. Je vais commencer par décrire notre soleil couchant juste au-dessus de la ligne d'horizon Pour créer le demi-cercle ou l'arc parfait, je me sers de mon ruban adhésif comme guide C'est une astuce très rapide et efficace pour obtenir le contour parfait du soleil couchant. Une fois le plan prêt, nous passerons à la technique humide sur humide. Comme expliqué précédemment, cette technique consiste appliquer de la peinture humide sur la surface de notre papier mouillé. essentiel ici est de choisir judicieusement nos rouges et bleus pour créer un contraste parfait tout en minimisant les couleurs boueuses Au lieu d'utiliser un rouge chaud, je passe à l' alizarine cramoisi, un rouge froid, qui tend vers le violet . Comprendre le biais des couleurs est crucial. Nous savons que le mélange d'un rouge froid avec un bleu chaud crée un violet éclatant car les deux sont biaisés vers le violet. Cependant, dans ce cas, j'utilise un bleu froid, ce qui donnera lieu à des couleurs secondaires désaturées plutôt qu'à un mélange brillant Il s'agit d'un concept important à comprendre. Le choix de couleurs présentant des biais incompatibles peut entraîner des résultats ternes ou flous. Mais ne t'inquiète pas. Je vais vous montrer comment contourner ce défi tout en créant un ciel visuellement attrayant sans compromettre la composition. Je fais sortir mes couleurs directement du tube. J'ai déjà sorti mon Azarin Crimson. Maintenant, j'ajoute mon bleu froid, c' est-à-dire mon bleu paon, à ma palette Vous pouvez essayer de faire cet exercice en utilisant les couleurs bleu froid et bleu chaud séparément les couleurs bleu froid et bleu chaud pour comparer les différences entre les résultats. Avant de commencer à mouiller notre papier, préparons d'abord notre mélange jaune-orange Si vous avez un jaune-orange prêt à l'emploi dans votre palette, que ce soit dans votre pantalon ou dans une aquarelle en tube, n'hésitez pas à l'utiliser Sinon, vous pouvez facilement créer le mélange en combinant un rouge chaud avec un jaune chaud, comme je le fais ici. Je suis ici pour essayer d' ajuster les proportions de mes rouges et jaunes pour obtenir ce mélange jaune-orange Une fois que vous avez obtenu une couleur similaire à votre jaune orange, nous sommes maintenant prêts à commencer le processus humide sur humide. Donc, pour le mouillé ou mouillé, je vais passer à mon pinceau en velours noir argenté taille 12. Maintenant, en utilisant le même pinceau rond, je vais mouiller le papier avec traits horizontaux d'avant en arrière, en veillant à ce que la surface soit uniformément recouverte d'eau propre. L'essentiel ici est d' éviter les flaques d'eau. Nous ne voulons pas de flaques d' eau sur un papier. Je le veux beau, uniforme et cohérent. Pour un lavage à plat plus efficace, vous pouvez utiliser une brosse plate en poils naturels doux pour répartir plus facilement l'eau en douceur. Le temps de pose est jaune-orange à partir de la base de la ligne d'horizon. Maintenez le pinceau en position inclinée vers le haut et exercez une légère pression, même si vous appuyez légèrement pour toucher le bout, les orteils et le ventre du pinceau Remarquez comment j'ai saisi le pinceau. J'ai maintenu le pinceau au centre du manche pour un meilleur contrôle. Effectuez de légers mouvements horizontaux d' avant en arrière permettre à la peinture de s'étaler doucement sur cette surface de papier humide. Maintenant, à l'aide du bout de mon pinceau propre et humide, je vais le tremper dans de l'eau et commencer à éclaircir le jaune-orange au fur et à mesure que je remonte Avec de légers mouvements de va-et-vient, je vais faire ressortir une partie de cette couleur adoucie vers le bas Le pinceau doit glisser doucement sur la surface du papier sans perturber le lavage sous-jacent Ici, vous devez faire attention à ne pas mettre trop d'eau dans votre pinceau, sinon tout deviendra trop liquide et difficile à contrôler Ensuite, je charge le bout de mon balai avec de la serine cramoisie. Ici, il est important de tenir compte valeurs tonales. L'utilisation d'une valeur tonale moyenne à légère dans couches de transition permet Cependant, je crois que j'ai un peu exagéré avec la force tonale de mon alzarin Pour résoudre ce problème, je vais utiliser le bout propre et humide de mon pinceau à balai pour enlever une partie de l'excès de pigment et mélanger doucement le reste de la couleur dans le ciel À ce stade, faites attention à la teneur en eau de votre brosse. Une trop grande quantité d'eau rendra les transitions compliquées et difficiles à contrôler Un pinceau légèrement humide permet d'obtenir un mélange lisse sans formation de fleurs indésirables. Sans oublier que la pression que vous exercez sur le bout de votre pinceau dépend du fait que vous soulevez les couleurs ou que vous les appliquez sur le papier Pendant que mon papier est encore humide, j'ajouterai mon bleu juste au-dessus de mon Allison Crimson, puis je m'arrête mi-chemin pour mélanger les couleurs d' Le bout de mon pinceau est trop bleu Je vais donc le rincer, l' humidifier pour le sécher et le recharger avec une valeur tonale claire de mon mélange bleu froid Maintenant, en utilisant cette valeur tonale plus claire du mélange bleu, je vais mélanger le violet en passant du milieu vers le haut, en veillant à ne pas faire descendre le bleu dans la couche de transition passant du milieu vers le haut, en veillant à ne pas faire descendre le bleu dans la jaune et orange Cela nous aiderait à éviter ces couches boueuses. Pour créer une transition fluide entre le bleu, le violet et le jaune-orange, appliquez une valeur tonale claire d' Alyzarin cramoisi et commencez à mélanger à partir de la zone de transition violette en vous déplaçant vers le haut et mélanger à partir de la zone de transition violette violet et le jaune-orange, appliquez une valeur tonale claire d' Alyzarin cramoisi et commencez à mélanger à partir de la zone de transition violette en vous déplaçant vers le haut et en vous arrêtant à mi-chemin. Ensuite, je vais prendre une autre valeur littérale de l' alizarine cramoisie et la mélanger soigneusement à la couche jaune Lors de la fusion vers le haut, je vais limiter mes traits la zone de transition violette et ne pas les étendre vers le bleu, car le fait de tirer les couleurs vers le bas créerait des mélanges boueux indésirables, ce qui est l' objectif principal de Maintenant, si vous souhaitez ajouter des nuages comme l'avons fait dans notre projet analogue, nous utiliserons le violet pour un effet subtil Ici, je vais mélanger mon bleu et mon cramoisi à la lyserine pour créer mon violet En optant pour une brosse souple ronde de plus petite taille, je vais créer des traits légers en utilisant uniquement le bout et le bout du pinceau. Le pinceau que j'utilise ici est en velours noir argenté, taille 6. N'oubliez pas de faire en sorte que vos traits soient doux et délicats, en laissant le pinceau glisser doucement sur le papier Évitez d'utiliser un excès d'eau, car des coups de pinceau trop humides peuvent provoquer une propagation incontrôlable de la peinture et des fleurs indésirables sur le papier Nous avons donc terminé avec succès notre leçon de palette de couleurs gratuite divisée. Grâce à cet exercice, vous découvrirez quel point il est important de choisir les couleurs manière stratégique en fonction de la théorie des couleurs et de leur affinité avec les teintes sous-jacentes. En faisant des choix de couleurs intelligents, nous avons évité les mélanges boueux tout en obtenant un contraste élevé dans le ciel grâce à notre bleu froid, rouge froid et notre orange jaune Je recommande vivement de répéter cet exercice en utilisant notre bleu chaud, notre rouge froid et notre jaune-orange ou d' expérimenter avec un ensemble différent de couleurs complémentaires Cette pratique améliorera considérablement votre compréhension du choix des couleurs du ciel et vous aidera à créer des compositions vibrantes et harmonieuses en toute confiance 6. Palette de couleurs harmonieuses: Parlons maintenant de la palette de couleurs harmonieuse. Une palette de couleurs harmonieuse est une combinaison de couleurs visuellement équilibrée et agréable. Cela peut inclure des combinaisons de couleurs complémentaires analogues, complémentaires, triadiques ou séparées Tant que les couleurs fonctionnent bien ensemble, cela créera une peinture visuellement équilibrée. Comprenez-le mieux, faisons un exercice. Je vais peindre le même ciel, mais cette fois en utilisant une palette de couleurs harmonieuse, et avant cela, je vais changer l'eau de mes pots d'eau. Je commence par le jaune orange comme couleur de base, travaillant humide sur sec. Personnellement, je ne préfère pas le papier mouillé au sec car le papier sèche trop vite. Cela signifie que vous devez constamment revenir et retravailler les couches aqueuses pour garder la surface humide, ce qui peut être très gênant, ce qui peut être très gênant, en particulier sur Vous pouvez voir à quel point ce processus prend du temps en revoyant ces zones encore et encore, en gardant le papier humide. Pour y remédier, je vais rapidement mouiller la partie supérieure du g mouillé sur mouillé et le mélanger à ma couche de base jaune orange. Près du bord inférieur du papier, je vais maintenant ajouter les valeurs tonales moyennes de l' orange en effectuant des mouvements horizontaux de va-et-vient avec mon pinceau Au fur et à mesure que je me déplace vers le haut, les valeurs s' éclaircissent progressivement tout en conservant la base orange vif du ciel. Ensuite, je vais commencer à mélanger mes rouges froids avec du bleu pour créer un violet. Pour commencer, j'appliquerai une valeur tonale moyenne de violet plutôt qu' une tonalité intense Cela permet de mieux contrôler la profondeur du ciel. J'en avais besoin, nous pouvons toujours approfondir le violet plus tard dans le processus en superposant des tons plus intenses Je vais maintenant ajouter quelques traits de violet inclinés en utilisant une très légère pression pour créer une sensation de mouvement dans le ciel Je vais garder les traits asymétriques et éviter de trop les enfoncer dans les zones jaunes En effet, le violet et jaune sont des couleurs complémentaires et peuvent créer des mélanges flous s'il n'y a pas de couleur de transition entre les Ensuite, je vais introduire des valeurs tonales claires du bleu, les superposant directement sur mes Comme mon papier commence à sécher, j'utiliserai un mélange légèrement aqueux pour que les couleurs se mélangent harmonieusement Vous remarquerez que cette superposition crée l'effet d' un coucher de soleil orageux Maintenant, je vais ajouter une couleur de transition qui est mon rose opéra, un rose froid qui se mélange à merveille pour créer des violets vifs et des oranges corail Maintenant, je vais commencer à ajouter ma couleur de transition. C'est mon rose opéra, un rose frais qui se mélange à merveille pour créer des violets vifs et des oranges corail Maintenant, si vous n'avez pas Opera Pink, ne vous inquiétez pas. Vous pouvez toujours rechercher votre chat aquarellé d'autres roses sympas avec un pigment rouge, comme le quincardon Magenda ou le rose vif Cependant, évitez les roses ou les rouges contenant des pigments violets car ils peuvent former des mélanges boueux lorsqu'ils sont superposés à des jaunes ou à des oranges Il s'agit d'un conseil important à garder à l'esprit. Choisissez toujours vos couleurs de transition en fonction l'affinité des couleurs que vous avez déjà sélectionnées sélection de couleurs réfléchie garantira que votre ciel reste harmonieux et éclatant au lieu de devenir terne ou boueux Ici, vous pouvez voir que la partie inférieure du ciel a commencé à sécher, ce qui empêche les couches de se mélanger harmonieusement Pour résoudre ce problème, je vais passer à nouveau en revue la zone inférieure avec une légère valeur tonale orange, en mélangeant les couches de mélangeant les couches Maintenant, si vous voulez que le ciel ait un dégradé homogène, ajoutez-y du rose opéra et utilisez des traits horizontaux légers rapides. Commencez par le centre, déplacez-vous vers le haut, puis ramenez votre pinceau jusqu' en bas. Cette technique vous aidera à obtenir un lavage en dégradé doux. Maintenant, si vous souhaitez introduire un contraste, commencez par le haut et appliquez une valeur tonale moyenne de bleu Arrêtez-vous juste au centre, rincez votre pinceau et remplissez-le de rose opéra, puis recommencez à superposer du rose opéra à partir du centre de la transition, remontant et en vous arrêtant à nouveau à mi-chemin Rechargez le rose opéra et répétez le processus, par le centre là où vous vous êtes arrêté et déplacez-vous vers le bas, puis de nouveau vers le haut, en maintenant un dégradé lisse Tout au long de ce processus, appliquez une légère pression constante, en veillant à ne pas faire de pause entre les deux. L'essentiel est d'utiliser des traits horizontaux droits couvrant la largeur du papier en un seul mouvement fluide. Le mouvement du ciel semble perdu, nous pouvons le rétablir en ajoutant des nuages directionnels. Et pour cela, je vais utiliser mon blues et le mélanger à mon rose opéra. Je vais extraire un peu de mon rose opéra et le mélanger à mon bleu pour créer un magnifique violet rosé vif Je vais faire un bon mélange, et en utilisant juste le bout de mon pinceau, je vais commencer à ajouter des nuages horizontaux mélangeant des traits courts et longs interrompus. Observez la légèreté avec laquelle j'ai tenu mon pinceau et je fais en sorte que les traits soient très légers et lâches. À ce stade, je vais introduire un grand nuage en diagonale partant de la gauche et se déplaçant vers la droite Remarquez à quel point je fais cette étape avec légèreté. Mon pinceau glisse doucement sur le papier avec ce mélange crémeux Il s'agit d'un point critique. Si vous commencez avec un mélange de peinture trop aqueux, vous risquez d'introduire des fleurs dans le ciel, et les fleurs peuvent être assez difficiles à réparer, en particulier lorsque vous travaillez avec plusieurs couleurs dans un ciel comme celui-ci Vers la droite, nous utiliserons des traits tourbillonnants en C inversé, le mouvement reste léger et libre d'ajouter de la variation aux nuages Et c'est tout pour cette leçon. J'espère que vous avez pu suivre de près et que vous avez compris l'importance de ces techniques. La pratique est la clé. Assurez-vous d' essayer les exercices vous-même, car ce n'est qu'en peignant que vous comprendrez parfaitement les points critiques que nous venons d'aborder. Si vous n'êtes pas satisfait votre première tentative, ne vous inquiétez pas. Refaites ces exercices autant de fois que nécessaire. Plus vous vous entraînez, plus vous maîtriserez votre travail au pinceau, contrôle de l'eau et l'humidité du papier, autant de compétences essentielles pour peindre un ski expressif et atmosphérique Nous avons ainsi couvert toutes les bases essentielles de la théorie des couleurs. Vous devez créer vos propres paysages célestes époustouflants. Passons maintenant à notre prochaine leçon. 7. Type de pinceau et contrôle de l'eau: Pour cet exercice, prenez les pinceaux que vous utilisez le plus souvent. Ici, j'utilise deux pinceaux, un papier de soie et un pot d'eau propre. À partir de cette collection de pinceaux, je travaille principalement avec la série Silver atelia Je vais donc choisir mon pinceau Silver Atelier Squirrel Blend Mob de taille 00 Il s'agit d'une brosse hybride composée d'écureuil et fibres synthétiques douces qui imitent les cheveux naturels Maintenant, je vais tremper le pinceau dans l'eau. Remarquez que les poils gonflent et que la pointe se remplit d'eau C'est extrêmement aqueux. Lorsque je le pose sur du papier sec, il forme une goutte d' eau. Tu peux le voir ? Lorsque je le fais glisser vers le bas, vous pouvez voir une ligne aqueuse se former Il s'agit d'un exemple classique de brosse aqueuse. Imaginez si votre pinceau était chargé de ce type de mélange de peinture fin et aqueux pendant que vous peignez le ciel Si c'est quelque chose que vous avez fait, ce que je vais vous montrer ensuite sera révélateur. Laisse-moi te le démontrer. Ici, je forme une flaque de peinture aqueuse Il suffit de remarquer que c'est très dilué. Vous pouvez voir ici comment se forme ce mélange de peinture aqueux. Si je l'applique sur du papier sec 100 % coton, cela fonctionnera toujours dans une certaine mesure car le papier absorbe l'excès d'humidité. Mais voyons ce qui se passe dans une technique humide sur humide avec le même mélange de peinture aqueux Tout d'abord, je vais mouiller mon papier en déposant une couche d'eau uniforme. Maintenant, en utilisant ce mouvement de va-et-vient, je vais répartir l'eau uniformément sur la surface du papier Ensuite, je plonge mon pinceau dans l'eau, le charge directement avec la peinture, puis nous le déposons directement sur la surface humide. Avez-vous remarqué que la peinture saigne et s'étale de manière incontrôlable Vous avez l'impression de déplacer trop de peinture et d'eau. C'est l'une des erreurs les plus courantes commettent tous les débutants. Regardez la quantité de peinture aqueuse que contient votre pinceau. Ce manque de contrôle sur vos pinceaux, capacité de rétention d'eau et de peinture peut entraîner des situations délicates dans vos aquarelles Permettez-moi maintenant de vous montrer le bon ratio eau/peinture que votre pinceau doit avoir lorsque vous peignez des nuages ou des ciels. Maintenant, je vais bien rincer ma brosse. Ensuite, je le chargerai avec de l'eau propre et je le poserai sur mon papier pour le mouiller. Je vais faire cette étape de manière uniforme. Observez comment j' applique l'eau. J'utilise le corps entier du pinceau, le bout, les orteils et le ventre en même temps. Remarquez la pression que j'exerce. Je tiens le pinceau près du bord du manche, ce qui me donne plus de place et liberté pour des coups de pinceau expressifs. Cela me permet de couvrir une plus grande surface en douceur. Maintenant, je vais laisser le papier reposer un moment pour absorber une partie de cette humidité. En attendant, je vais préparer mon mélange de peinture. Comme ma peinture est déjà aqueuse, je vais prendre une serviette en tissu et tamponner mon pinceau pour éliminer tout excès d' Cette cassette est importante. Cela garantit que lorsque je recharge mon pinceau avec une peinture aqueuse, il absorbe correctement le mélange sans devenir trop Je vais maintenant commencer à superposer la peinture en effectuant un mouvement horizontal de va-et-vient, en appliquant la couleur avec le bout des orteils et le milieu du ventre du pinceau tout en exerçant une très légère pression Observez comment je tiens le pinceau. Je le saisis par le bord du manche plutôt que par le centre tenir au centre limiterait les mouvements expressifs car vous exerceriez naturellement plus de pression, ce qui entraînerait une application plus lourde. Permettez-moi de vous montrer encore une fois ce processus. Cette fois, je ne charge de peinture que le bout et le bout du pinceau. Ensuite, en utilisant uniquement le bout et les orteils, je réapplique la couleur sur la couche précédente Cela garantit que je ne soulève pas la peinture de la couche inférieure. Le pinceau doit glisser sans effort sur le papier. Vous ne devriez pas ressentir de résistance lorsque vous utilisez une brosse à cheveux naturelle. Si c'est le cas, cela signifie qu'il y a trop de pression et pas assez d'humidité dans les poils Répétons maintenant le même exercice à l' aide d'un pinceau synthétique et comparons les résultats. Pour cela, j'utiliserai ce pinceau synthétique de Brostro Aqua Stroke taille 12. Il est commercialisé sous la forme d'un pinceau à aquarelle, mais je trouve que les poils assez raides et qu'ils ont un ressort solide Voyons comment il fonctionne. Je vais commencer par tremper le pinceau dans l'eau, rincer soigneusement, puis je le chargerai d'eau et je commencerai à l'appliquer sur mon papier J'essaie d'utiliser tout le corps des poils pour faire couler l'eau, mais je peux sentir le ressort et la résistance du papier Comme il s'agit d'une brosse synthétique, sa capacité de rétention d'eau est assez faible par rapport à une brosse à cheveux naturelle ou naturelle mélangée Cela signifie que je dois passer plusieurs fois sur la même zone pour répartir l'eau uniformément. Comme mentionné précédemment, les pinceaux synthétiques ne retiennent pas autant d'eau. Donc, au lieu de le sécher complètement, je vais juste le tamponner légèrement sur un papier de soie Maintenant, je charge le pinceau avec de la peinture. Ici, je remarque que la peinture est trop épaisse, et si elle est appliquée avec un pinceau synthétique, elle ne glisse pas facilement Je vais donc ajouter une goutte d'eau avec le bout de mon pinceau, bien mélanger et lui donner une consistance crémeuse. Ici, je me suis rendu compte que j'avais oublié d'appuyer sur le bouton d'enregistrement, idiot, alors je vais recommencer le processus une fois de plus Je vais nettoyer mon pinceau, tamponner légèrement sur un papier de soie pour éliminer les résidus laissés par ce rouge Ensuite, je le replonge dans l'eau et je le tamponne à nouveau légèrement pour absorber l'humidité avant charger le mélange de peinture velouté Maintenant, en utilisant uniquement le bout et le ventre du pinceau, je commence à appliquer la peinture. Pouvez-vous observer la façon dont le pinceau laisse traînées ou des coups de pinceau visibles Cela se produit parce qu'il s'agit d'un pinceau purement synthétique, et les pinceaux synthétiques sont généralement très rigides et manquent de peinture et d'eau très rapidement. C'est pourquoi, en une seule application, vous n'obtenez pas un mélange dégradé propre et uniforme. Les coups de pinceau sont clairement visibles car même avec une légère pression, le pinceau se couche et se décolore brusquement. Donc, si vous utilisez un pinceau synthétique, faites un choix éclairé. Optez pour un pinceau synthétique doux conçu exclusivement pour l'aquarelle, un pinceau doux au toucher et qui retient bien l'humidité Sinon, vous risquez de rencontrer ces problèmes lorsque vous peignez. Comparons maintenant un autre pinceau synthétique cette fois de la série Princeton Heritage, taille 10 Les poils de cette brosse sont doux comme une plume, presque comme des cheveux naturels, presque comme des cheveux naturels, et ils ne sont pas aussi rigides que ceux du pinceau synthétique précédent Il existe un léger sac à ressort, mais il est intéressant de noter qu'il faut un peu de temps pour retrouver une forme assez différente de la rigidité synthétique habituelle. Tu l'as vu ? Il s'est légèrement déformé et n'a pas repris sa forme. Nous allons donc effectuer cet exercice à l'aide de ce pinceau. Commençons par l'exercice. Maintenant, avant de faire tremper le pinceau dans l'eau, je veux le tester à nouveau sur du papier Waouh, c'est vraiment doux au toucher lorsque j'appuie dessus, et il reste en place pendant un moment au lieu de revenir instantanément en arrière Commençons maintenant par tremper le pinceau dans l' eau et déposer un lavis plat sur le papier Comme il s'agit toujours d'un pinceau synthétique, je dois encore y retourner plusieurs fois pour appliquer une couche d'eau uniforme. Mais par rapport à la brosse précédente, celle-ci est beaucoup plus douce au toucher et distribue l'eau plus facilement. Chargons le pinceau avec le mélange de peinture crémeux et voyons comment il fonctionne. Avec juste la pointe trempée dans un peu d'eau, je mélange encore la peinture pour une consistance veloutée plus crémeuse Maintenant, très bientôt, je vais commencer à étaler ou à l'appliquer sur du papier. Mon pinceau est plein de peinture. Commençons par l' appliquer sur un papier. Et, oh, ouah. Je peux immédiatement sentir la différence entre les deux pinceaux synthétiques. Ce pinceau est beaucoup plus doux et glisse sans effort sur le papier sans trop de résistance Vous pouvez toujours voir quelques stries, mais par rapport à un pinceau synthétique précédent, le résultat est beaucoup plus lisse, non ? Même si je fais la démonstration de cet exercice, je peux sentir la différence de mes propres yeux, et c'est pourquoi je vous recommande vivement de tester la rigidité et la douceur de tous vos La plupart des bonnes marques fabriquent pinceaux synthétiques à un prix abordable, et il est toujours utile d'avoir quelques pinceaux d' aquarelle synthétiques à côté de vos pinceaux d'aquarelle naturels ou mixtes mise en œuvre pratique de cet exercice vous aidera à choisir les bons pinceaux pour votre prochaine aquarelle 8. Contrôle du pinceau et techniques de traits: Avant de commencer à contrôler le pinceau, prenons un moment pour comprendre les parties d'un pinceau rond ou d' un pinceau à balai et comment les influences se répercutent sur le pinceau et comment les influences se répercutent sur le J'ai ici ma taille et serpillère d'une vingtaine, une brosse à cheveux naturelle Lorsque votre brosse à balai est humide, vous remarquerez l'extrémité pointue des poils. C'est le conseil. Juste en dessous de la pointe se trouverait l'orteil. Maintenant, dans cette brosse à balai. Lorsque vous le pliez, il conservera sa forme. Il s'agit de la pointe de la brosse, car il s'agit d'une brosse à cheveux naturelle. Maintenant, juste en dessous de l'orteil, vous avez une partie arrondie près de la virole, qui est le ventre de la brosse C'est dans ce ventre que les pinceaux retiennent une grande quantité d'eau et de peinture, ce qui les rend idéaux pour les grands coups fluides Sous le ventre se trouvent le talon, puis la virole, puis le manche qui assure la prise en main et le contrôle Maintenant, tout tournait autour de notre brosse à balai. Jetons maintenant un coup d'œil à notre pinceau ultra rond de la série Silver Silk. Vous remarquerez que cette brosse a une pointe allongée et un bout plus défini. Cependant, contrairement au balai, son ventre n'est pas arrondi, ce qui signifie qu'il ne retient pas autant que l'eau ou la peinture Ce pinceau est plutôt conçu pour des traits précis et contrôlés. Le rendant inactif pour les détails les plus fins. Il est également doté d'une virole et d'un manche court qui permettent meilleure maniabilité lorsque travaillez sur Comprendre la structure et la fonction de vos pinceaux vous aidera à les utiliser plus efficacement, ce qui vous permettra de créer une variété de traits et de textures dans vos aquarelles Passons maintenant aux positions de maintien du pinceau et à la manière dont l' effet artistique se dessine. Le fait de tenir le pinceau plus près de la fiule donne plus de contrôle, tandis que le fait de tenir le pinceau au centre ou sur le bord du manche permet d' obtenir des traits plus lâches et plus expressifs, traits plus lâches et plus expressifs, ce qui permet à la peinture de s' écouler plus librement Pratiquons cela en utilisant la position de pression et de préhension tout en utilisant uniquement le bout des orteils ou le corps entier du pinceau. Lorsque je tiens le pinceau près de la fiule, j'applique une pression ferme et je crée des traits de contrôle Ici, j'appuie très légèrement sur le bout, et vous pouvez voir comment les marques varient d'épaisses à fines. Maintenant, lorsque j'appuie un peu plus fort et que je crée une pression plus contrôlée, vous pouvez constater l'uniformité du trait Maintenant, je vais changer la position de la brosse et maintenir en position verticale au centre du manche. Maintenant, en utilisant uniquement la pointe, je vais essayer de tracer une ligne droite et voir comment je fais varier la pression. Lorsque vous utilisez simplement le bout du pinceau et que vous appliquez une très légère pression dessus, vous verrez que le pinceau danse ou glisse littéralement sur le papier Maintenant, lorsque vous exercez un peu plus de pression en utilisant le bout et l'orteil, vous obtenez un trait beaucoup plus contrôlé et plus épais. Maintenant, je vais tenir le pinceau plus près du bord du manche et répéter le même exercice. Je vais utiliser le bout et les orteils complets pour créer cette ligne et maintenant j'utiliserai le ventre complet du pinceau. Vous pouvez voir la différence entre les traits, n'est-ce pas ? Lorsque je peins le ciel, en particulier pour les mélanges de jardin ou les nuages, je préfère créer des traits lâches et expressifs en tenant le pinceau plus près du bord du manche Cela me donne une grande liberté et flexibilité, ce qui me permet de déplacer les couleurs de manière fluide sur le papier En faisant varier la pression, je peux contrôler la façon dont les couleurs se mélangent et s'écoulent, pour obtenir des transitions douces. De même, lorsque je peins le ciel avec des traits obliques, tenir le pinceau sur le bord du manche permet à mon poignet et à mes doigts de rester plus souples, qui m'aide à créer facilement des traits larges et audacieux Explorons maintenant les différents traits utilisés pour créer les nuages. À l'aide du bout et du bout du pinceau, appuyez dessus et relâchez légèrement la pression pour créer des formes organiques douces. La variation de la pression permet d' obtenir des traits plus ou moins épais, ce qui contribue à façonner naturellement le nuage. Pour former un nuage, commencez par des traits plus épais en haut et diminuez progressivement la pression au fur et à mesure que vous créez des traits plus petits vers le bas Ensuite, répétez le même trait en sens inverse, maintenant le pinceau dans différentes positions. Près de la ferrule, vous exercerez plus de pression, ce qui peut faire décolorer la couleur lorsque vous travaillez sur un fond humide Sur le bord du manche, il permet des coups plus légers et plus fluides. Appliquons maintenant les traits sur un fond humide. Tout d'abord, je vais mouiller le papier et déposer notre délavé dégradé ou violet comme le ciel. Cette leçon ne vous sera utile que si vous la pratiquez vous-même. Collectez des références de votre ciel, observez les formes des nuages et essayez d'imiter exactement la même forme des nuages en variant la pression et Parce qu'il n'y a pas de meilleur moyen d'apprendre que par l'expérimentation et la pratique. Ce faisant, vous maîtriserez non seulement les techniques, mais vous commencerez également à développer votre propre style unique. C'est exactement ainsi que j'apprends à peindre mon ciel grâce à la pratique, à l'observation et à l'exploration continues . Alors adoptez ce processus, expérimentez sans crainte et laissez votre style évoluer naturellement Revenons au point où nous sommes partis. J'ai déjà créé ce dégradé de mon ciel en utilisant mon mélange violet. Vous pouvez créer n'importe quel arrière-plan pour votre ciel qui dépend entièrement de vous. Ici, c'est juste à titre de référence que j'ai utilisé cette couleur. Maintenant, je vais tamponner mon pinceau sur le papier de soie. Mais vous pouvez constater que mon pinceau est encore mouillé. Il y a encore de l'humidité dedans, non ? Vous pouvez voir ces gouttelettes d'eau. Vous le brossez très humide et vous le chargez d'un mélange de peinture crémeux. Remarquez ce qui se passe lorsque vous l' appliquez sur votre fond de ciel mouillé. Les couleurs commencent à se mélanger et les nuages perdent leur forme. Pouvez-vous remarquer ici comment la forme des nuages se dans ce fond humide et ne tient pas sa forme ? Lorsque je tape le pinceau sur mon papier de soie pour éliminer l'excès d'eau, et que je le recharge avec mon mélange de peinture, vous verrez maintenant que les traits des nuages conservent leur forme sur ce fond humide, créant ainsi une forme de nuage douce mais définie Cet exercice vous aide à comprendre la capacité de rétention d'eau de votre pinceau et vous apprend à l' ajuster rapidement pendant le processus de peinture pour obtenir l'effet souhaité. Ici, je vais créer et démontrer autres formes de nuages sur fond sec afin que vous puissiez vous entraîner en faisant varier pression de votre pinceau avant d'appliquer les techniques de nos projets de classe. abord, pour créer les cumulus, je vais tenir le pinceau en position verticale et utiliser le bout et les orteils pour peindre le ciel tout en préservant l'espace négatif réservé aux nuages blancs duveteux Ensuite, pour les nuages flottants, j'utiliserai les coups de ski que nous avons pratiqués plus tôt. L'ajout de tons plus foncés en bas créera de la profondeur. Mais comme nous travaillerons sur un fond humide, les couleurs se fondront automatiquement. Vous n'avez pas besoin de le mélanger vous-même. Pour le prochain nuage, j' utiliserai le ventre entier du pinceau en appliquant une pression variable pour créer la direction et le mouvement du nuage. Observez mes coups de pinceau ici. Nous allons utiliser ce type de cloud pour notre projet numéro cinq. Pratiquez donc vous-même cette forme de cloud. La forme suivante du nuage que je suis créer consiste à faire des mouvements tourbillonnants en utilisant simplement le bout et le bout du pinceau et en exerçant une légère pression Vous pouvez également peindre un nuage en forme de C inversé pour un effet différent Enfin, j'utiliserai quelques traits brisés obliques pour créer un nuage directionnel afin de créer des compositions plus dynamiques Les formes des nuages peuvent donc continuer à changer et peuvent varier. Pratiquez-les donc en fonction des références que vous collectez et étudiez la forme. 9. Type de lavis: Dans cette leçon, nous allons explorer les trois différents types de lavis utilisés dans les aquarelles Voyons d'abord le lavage à plat, ce que c'est et comment y parvenir. Pour procéder à cette technique, première étape consiste à préparer notre mélange de peinture. Nous devrons mélanger une quantité généreuse d'eau à notre peinture pour créer un mélange lisse et uniforme. Pendant que je prépare cette piscine de peinture, commençons par comprendre ce qu'est exactement un lavage à plat. Le lavage à plat est une technique qui consiste à appliquer une couche de couleur lisse et uniforme sur une surface sans coups de pinceau, stries ou variations de tons visibles stries ou variations de tons L'objectif est de créer un lavis de couleur uniforme. C'est pourquoi, pour cette raison, nous devons préparer notre mélange uniforme de peinture avant de commencer à créer notre produit de lavage à plat. Une fois qu'un mélange de peinture lisse et uniforme est prêt, l'étape suivante consiste à choisir un pinceau de taille moyenne à grande en fonction de la taille de votre papier et à commencer à travailler mouillé sur mouillé. Pour commencer à travailler mouillé sur mouillé, nous appliquerons d'abord une fine couche uniforme d'eau propre le papier avant d'ajouter couleur pour que le linge se répande en douceur. Je vous recommande de prendre votre temps et de mouiller votre papier, car vous ne voulez pas il commence à sécher entre les lavages. Maintenant, je vais charger mon pinceau avec le mélange de peinture lisse et homogène, puis commencer à travailler dessus. Lors de l'application de la peinture, nous allons d'abord commencer par le haut et utiliser de larges traits horizontaux, gardant notre pinceau en contact avec le papier. Observez comment j'utilise tout le corps du pinceau. J'agite le bout, le ventre et les orteils pour répartir la couleur uniformément sur toute la surface du papier. Pendant que vous travaillez, assurez-vous qu'il y a cordon de peinture humide sur le bord inférieur de chaque trait Cela permet de maintenir une transition en douceur et d'éviter les traînées Travaillez rapidement et superposez légèrement chaque trait pour que le lavage soit uniforme. Une fois que toute la zone est recouverte, laissez-la sécher complètement sans dépasser les zones de séchage, car cela peut provoquer des stries ou des taches indésirables En suivant les étapes, vous pouvez obtenir un lavage à plat parfait sans variation de ton Passons maintenant à notre délavage dégradé. Maintenant, qu'est-ce qu'un lavage dégradé ? Le lavis dégradé à l'aquarelle est une technique dans laquelle la couleur passe progressivement du foncé au clair ou se fond doucement d' une couleur à l'autre Contrairement à un lavis plat, qui maintient un ton uniforme, un délavage dégradé crée un changement naturel d'intensité de couleur, ajoutant de la profondeur et de la dimension à une peinture. Vous devez vous demander pourquoi est-il nécessaire de connaître toutes ces techniques avant de peindre le ciel ? Parce qu'ils sont essentiels pour peindre un ciel réaliste , car ils aident à capturer les variations naturelles de lumière et d'atmosphère. La plupart des ciels ne sont pas d'une seule couleur plate, n'est-ce pas ? Ils passent d'un bleu plus profond en haut à un ton plus clair près de l'horizon, ou peut-être qu'ils mélangent tons chauds et froids au lever et au coucher du soleil. Cette technique vous permet de créer une transition douce et fluide qui imite la façon dont la lumière interagit avec le ciel, ajoutant de la profondeur et du réalisme à votre paysage Je vais maintenant charger mon pinceau humide d' un mélange de peinture légèrement aqueux et commencer à appliquer la couleur par le haut, en utilisant tout le corps du pinceau pour étaler la peinture uniformément sur la surface du papier humide Au fur et à mesure que j'atteins le centre du papier, je relâche progressivement la pression exercée sur le ventre du pinceau et je n'agis que sur le bout et les orteils, en déplaçant doucement la couleur vers le bas. Le maintien de l'humidité dans votre pinceau est essentiel à cet car cela permet de créer une transition tonale douce entre le foncé et le clair Il existe un autre moyen d' obtenir cet effet. Commencez par le même processus en appliquant la couleur par le haut. Mais lorsque vous atteignez la moitié du papier, faites une pause, rincez votre pinceau et diluez votre mélange de peinture avec une goutte d'eau pour créer une valeur tonale plus claire Reprenez ensuite la peinture là où vous vous êtes arrêté, laissant le mélange dilué se fondre parfaitement dans la couche précédente. Cette méthode facilite la transition, en particulier pour les débutants. Si vous ne le faites pas correctement du premier coup, continuez à vous entraîner. Le contrôle graduel de l'eau et de la peinture s'obtient avec la pratique. Pouvez-vous voir la magnifique transition de couleur que nous avons réalisée du foncé au bleu clair simplement en faisant varier la valeur totale d' un mélange de peinture et la pression ? Ce mélange doux crée un dégradé naturel. Passons maintenant à la partie suivante de notre lavage en dégradé où nous allons effectuer le même processus, mais avec trois couleurs différentes. Comme nous l'avons déjà dit, lavis en dégradé varié à l' aquarelle est une technique dans le lavis en dégradé varié à l' aquarelle est une technique dans laquelle deux couleurs ou plus se fondent progressivement les unes dans les autres tout en modifiant les valeurs tonales. Contrairement à un simple dégradé qui passe du foncé au clair dans une seule couleur, un lavis varié permet à plusieurs couleurs de s'harmoniser, créant ainsi des mélanges organiques doux Dans cet exercice, nous utiliserons bleu outremer pour le dessus et du jaune pour la base, et je vais vous montrer comment éviter de créer un mélange verdâtre dans la couche de transition lorsque vous mélangez ces deux couleurs Comme le bleu et le jaune se mélangent naturellement pour former le vert, nous devons nous assurer que la transition entre eux reste fluide sans mélange de couleurs indésirable. L'essentiel est de créer une couche tampon en laissant une légère décoloration du bleu avant introduire le jaune ou d'introduire une couleur intermédiaire entre le jaune et le bleu. Pour qu'il ne forme pas cette couleur verdâtre. Pour cela, je vais d'abord appliquer mon jaune en bas, en l'éclaircissant progressivement au fur et à mesure que je remonte Avant d'atteindre la zone où le bleu commence, j'introduirai une fine bande d' eau propre ou un nettoyant légèrement neutre, laisser l'espace nécessaire pour que les couleurs se mélangent sans se fondre complètement Je vais maintenant commencer à appliquer mon bleu outremer à l'aide d'un balai taille 00 Il s'agit d'un balai à cheveux naturel, mais remarquez que le pinceau est sec, crée des traits striés sur le papier. La brosse semble un peu trop petite pour couvrir la surface. Pour résoudre ce problème. J'ajouterai une goutte d' eau à mon mélange de peinture obtenir une consistance plus fluide afin que le pinceau puisse glisser doucement sur le papier Essayons encore une fois. Cette fois, j'ai remarqué que la partie supérieure du papier avait déjà commencé à sécher. Pour éviter les bords raides ou les traits striés, je vais passer à un plus grand format, environ 20 pinceaux supplémentaires, qui convient mieux à ce format de papier Je vais commencer par une légère valeur tonale de bleu dans la zone où je me suis arrêté, puis je l' estomperai vers le haut assurer une transition en douceur Ce pinceau plus grand permet meilleur contrôle et une couverture uniforme, qui m'aide à déplacer la couleur sans laisser de traces Au fur et à mesure que je me déplace vers le bas, je m'arrête juste avant de passer au jaune puis à l'aide d'un pinceau rincé chargé de jaune clair , je travaille doucement vers le haut, je travaille doucement vers le haut, appliquant une légère pression et en utilisant traits horizontaux de va-et-vient pour mélanger le jaune dans la zone de transition sans le bleu trop prononcé sans Ensuite, je charge le bout de mon pinceau d' un petit mélange aqueux de lavande et de bleu et je commence à mi-chemin, en le mélangeant dans la zone de transition où le jaune rencontre À l'aide du ventre de mon pinceau, je repousse doucement les couleurs vers le haut en même temps vers le haut tout en maintenant de légers traits de mélange Tout au long de ce processus, je veillerai à maintenir le pinceau en contact avec le papier sans le soulever, afin que la transition reste douce et fluide. L'essentiel ici est d'appliquer très légère pression pour que la zone de transition reste délicate, sans créer de bords durs. Maintenant, pour éviter ce mélange verdâtre, j'ai ajouté un peu de lavande dans mon bleu pour que la zone de transition devienne grise lorsqu'elle est mélangée au jaune, car la lavande est une forme de violet, et lorsqu'elle est mélangée au jaune, le violet et le jaune forment un mélange grisâtre Vous pouvez suivre la méthode précédente ou introduire une troisième couleur pour créer une transition plus fluide entre le bleu et le jaune. Si vous observez le ciel au lever ou au coucher du soleil, vous remarquerez souvent une transition douce et chaude entre les tons plus froids et les tons plus chauds. Et pour reproduire cet effet, je vais introduire une légère valeur tonale d'Alyzuen cramoisi à mi-chemin entre le jaune et la mélanger vers le haut dans le mélanger Le pourpre agit comme une couleur tampon, empêchant le mélange direct du jaune et du bleu, qui créerait autrement Pour affiner la transition, j'utiliserai un léger lavis ton sur ton de jaune de Naples et je l' intégrerai à la couche pourpre, permettant aux couleurs de se fondre permettant aux couleurs de Une fois le papier levé, vous pouvez voir la transition de couleurs magnifique, douce et fluide que nous avons obtenue grâce au délavage en dégradé varié. Le mélange est fluide, ce crée un changement naturel entre les teintes sans arêtes vives Vous pouvez répéter cet exercice en utilisant vos violets froids et chauds cette fois sans introduire une troisième couleur entre les deux Le défi consiste à passer du violet au jaune tout en évitant les mélanges boueux Pour y parvenir, il est essentiel de toujours appliquer de légers lavages tonaux sur les couches de transition, permettre aux couleurs de s'estomper doucement sans se dominer les unes J'espère que vous pratiquerez cette technique et que vous la maîtriserez, que vous continuerez à expérimenter différentes combinaisons de couleurs pour créer en toute confiance des dégradés lisses et harmonieux 10. Configuration de la palette: Avant de passer à nos projets de classe, je voudrais prendre un moment pour aborder l'un des sujets les plus demandés, façon dont je définis ma palette. Beaucoup de mes étudiants m'ont toujours posé des questions à ce sujet, et je ne pouvais pas manquer cette occasion partager le processus de réflexion qui sous-tend cette question. J'utilise une palette de 37 puits, mais vous pouvez appliquer le même principe pour créer votre propre palette, quel que soit son nombre de puits. Il n'est pas nécessaire que ce soit exactement la palette que j'utilise. J'utilise généralement une palette de 35 puits de ma branche préférée dans une palette artistique en polycarbonate J'ai aussi un insert de huit puits pour cela, mais je n'utiliserai pas autant de couleurs pour ce cours. Au lieu de cela, je vais configurer ma palette de manière à pouvoir peindre le sujet que je souhaite. Vous souvenez-vous de notre leçon sur la théorie des couleurs et la roue chromatique ? Nous avons appris qu'avec les seules couleurs primaires, nous pouvons créer une variété infinie de mélanges. Cependant, il y a un hic. Chaque couleur primaire présente un biais thermique, comme nous avons déjà vu , ce qui signifie qu'elle tend vers le chaud ou le froid. Ce biais affecte directement le dynamisme des mélanges de couleurs. Par exemple, si nous mélangeons un rouge chaud avec un jaune froid, chacun étant orienté vers des teintes sous-jacentes différentes, le mélange obtenu peut devenir boueux ou saturé C'est là que le veau coloré fendu est pratique Cela permet de résoudre ce problème en garantissant que nous disposons à la fois de versions chaudes et froides du primaire. Il peut diviser le veau de couleur complémentaire, où vous pouvez voir que chaque couleur primaire est divisée en ses teintes chaudes et froides respectives Regardons-y de plus près. Le rouge est divisé en deux teintes, l'une chaude et l'autre froide, puis le jaune, qui est également divisé en une version chaude et froide, et le bleu suit également le même principe avec une variation chaude et froide. Maintenant, la raison de cette configuration est simple. Cela nous permet de créer les mélanges de couleurs les plus brillants et les plus éclatants en associant des couleurs primaires partageant le même Par exemple, un biais rouge froid vers le violet lorsqu'il est mélangé à un bleu chaud, qui est également biaisé vers le violet, donnera un violet vif et éclatant. Un biais rouge chaud vers l'orange mélangé à un jaune chaud, ou un biais vers l'orange, donnera l'orange vif. De même, un biais jaune froid vers le vert mélangé à un bleu froid créera également un vert brillant car les deux sont biaisés vers le vert. C'est exactement ce concept que nous appliquerons lors de la configuration de notre palette de couleurs. Maintenant, si vous observez bien, dans ma palette, j'ai inclus à la fois les versions chaudes et froides du rouge, du jaune et du bleu, qui sont mes couleurs primaires de base En plus de cela, j'ai également inclus des verts chauds et froids, quelques bleus pastel, des violets chauds et froids, puis des bruns et des noirs pour ajouter des bruns et des noirs Maintenant, pour votre propre palette, vous n'avez pas besoin d'inclure toutes ces couleurs supplémentaires. Vous pouvez simplement commencer avec six versions principales, une version chaude et froide de chaque version principale puis créer à partir de là en fonction de vos préférences J'ai créé une palette d'échantillons pour votre référence, que vous pouvez trouver dans la section projets et ressources Vous y verrez exactement les couleurs chaudes et froides que j'ai sélectionnées pour ce cours. Laissez-moi vous expliquer ma palette. Tout d'abord, j'ai mon rouge chaud, qui est le rouge permanent, le rouge froid, le cramoisi Allison, suivi de l'opéra, une couleur que j'utilise fréquemment Beaucoup le considèrent comme neutre, mais j'ai personnellement l'impression qu'il tend vers le chaud. Ensuite, j'ai mes jaunes et oranges chauds , ainsi que mes variations pâles et chaudes, le jaune Naples et le numéro deux Jean Brilliant, suivis d'un jaune citron frais En ce qui concerne mes légumes verts, j'ai un jaune verdâtre chaud, un sous-vert chaud, vert hocus chaud et enfin un vert froid Ensuite, j'ai mon bleu outremer chaud, qui granule, et un autre bleu chaud qui ne granule pas Ensuite, j'ai mon bleu paon frais, suivi d'un indigo foncé et chaud J'ai également inclus un bleu pastel cool, qui est l'un de mes préférés. En ce qui concerne mes violets, j'ai un violet froid et un violet chaud, ainsi qu'une teinte pastel de lavande J'ai inclus quelques autres couleurs pastel que j'adore utiliser pour les floas Ce sont des favoris personnels et n'est pas essentiel de les avoir dans votre palette. Cependant, nous utiliserons le lilas dans nos projets de classe. Pour les tons de terre, j'ai mon ocre jaune atténué, suivi de la sienne brûlée, qui est un brun chaud très vif et magnifique, plus froid et brûlé, puis du brun-rouge, qui est une couleur brun rougeâtre très brillante et magnifique Il s'agit d'une couleur facultative. Ensuite, j'ai mes noirs. J'ai ma teinte neutre, qui est chaude, et mon écran peint, qui est cool. Il me reste encore quelques puits vides, que je remplirai peut-être plus tard en fonction des besoins de ma composition. Maintenant que vous comprenez comment j'ai configuré ma palette, vous pouvez voir qu'il s'agit de commencer par une palette limitée de base et d' ajouter progressivement des couleurs adaptées à votre style de peinture personnel. Au fil du temps, vous développerez vos propres préférences et une palette qui vous convient vraiment. Maintenant, je vais rapidement prendre mon flacon pulvérisateur et réactiver mes peintures afin qu'elles soient prêtes pour nos projets de classe 11. Jour 1 : palette de couleurs: Avant de commencer notre projet Day One, examinons rapidement les couleurs dont nous aurons besoin lors de la création de ce projet. La première couleur à laquelle je vais faire attention est mon gris bleu. Maintenant, en fonction des marques que vous utilisez, le nom peut varier. Mais dans l'ensemble, c'est une couleur bleu ciel très cool. Et vous pouvez facilement mélanger cela et créer votre propre bleu ciel en utilisant votre teinte bleue froide. Ici, le PB 15 est 23 et le pigment PW six, qui n'est rien d' autre que votre pigment blanc. Ainsi, lorsque vous mélangez votre teinte bleue froide avec votre whiteqh, vous obtenez cette La prochaine couleur que je vais choisir est ma couleur rose opéra C'est un rose fluo très vif que j'adore utiliser pour mon ciel, et il contient un pigment de couleur BR Maintenant, c'est un pigment qui est présent dans cet opéra de l'art Shinhan, mais si vous n'avez pas cette couleur rose opéra, vous pouvez utiliser n'importe quel autre rouge froid contenant du pigment rouge Et lorsqu'il est mélangé avec du jaune, il donne une couleur vive. Maintenant, tu dois le tester. Par exemple, je sais certitude, parce que j' utilise cette couleur, que lorsque je mélange mon jaune de Naples et un peu de jaune-orange avec mon rose opéra, cela donne un orange corail et un rose corail très vifs selon les proportions de port que j'utilise. Je le sais donc avec certitude, mais vous devez le tester vous-même avec les couleurs que vous avez si vous obtenez cette couleur. La plupart du temps, si les roses ont un pigment violet dans la couleur résultante lorsque vous les mélangez avec votre jaune, ce ne sera certainement pas cette couleur, mais une couleur très modérée La prochaine couleur que je cherche est mon lilas. Maintenant, vous pouvez facilement mélanger votre lilas en mélangeant votre violet minéral, qui contient un pigment de PV 23 ou de même ici, vous avez besoin d'un pigment violet, et lorsque vous le mélangez avec du whiteqh, vous pouvez obtenir Maintenant, en fonction des marques que vous utilisez, cela peut légèrement varier. Mais tu peux aller de l'avant et essayer. La couleur suivante est mon ombre brûlée ou ma sienne brûlée. Vous pouvez utiliser n'importe lequel d'entre eux. J'ai utilisé votre sienne brûlée parce que lorsque vous y ajoutez un peu de teinte neutre noir ivoire ou de peinture grise, vous pouvez facilement la transformer en une teinte brune plus foncée Oh, oui, une autre couleur dont nous aurions besoin est le vert sève. Maintenant, la sève verte se forme facilement. Prenez n'importe lequel de vos légumes verts et mélangez-y un peu de jaune, vous obtiendrez une sève verte. Ce sont donc les couleurs finales dont vous auriez besoin pour notre projet du premier jour. Préparez donc vos couleurs et passons à notre projet. 12. Jour 1 : un lever de soleil matinal dégradé: Commençons notre premier projet. J'utiliserai un papier découpé carré de 18 centimètres sur 16 centimètres Ce n'est qu'à deux centimètres d'un carré parfait, mais n'hésitez pas à utiliser n'importe quelle taille avec laquelle vous êtes à l'aise L'étape suivante consiste à coller le papier sur les quatre côtés. Vous pouvez choisir de créer des bordures fines ou épaisses. Personnellement, je préfère les bords fins et nets, alors je vais coller le papier sur les quatre côtés Une fois cela fait, nous passerons à la partie esquisse. Lorsque je tape mon papier avec du ruban adhésif, je m'assure toujours de passer le long de mes doigts une fois que je l'ai collé avec du ruban adhésif pour assurer qu'il n'y a aucun espace entre les deux. Étant donné que ce cours met principalement l'accent sur le ciel, environ les deux tiers de l'article y seront consacrés, tandis que le tiers restant servira de premier plan Je réduirai au minimum les éléments de premier plan pour que l'accent reste mis sur le ciel Commençons donc maintenant notre partie d'esquisse. Pour commencer, Alphas trace une ligne d'horizon droite et marque le point médian Une fois que j'aurai regardé le milieu au centre du papier, j'utiliserai simplement un point pour le marquer. Ensuite, je vais tracer le contour de la butte. Maintenant, pour tracer le contour de la butte, je vais la positionner à 3,5 centimètres du milieu sur la gauche et maintenir la même distance sur la Ensuite, j'esquisserai légèrement les formations rocheuses. J'ajouterai également quelques traits au crayon sur le rocher pour indiquer ces zones d'ombre. esquisser légèrement nous aidera à nous orienter plus tard lorsque nous les contournerons avec des couleurs plus foncées Une fois que vous aurez terminé, nous en aurons fini avec le croquis. R D' accord, il est maintenant temps de passer à la technique mouillé sur mouillé. Je vais commencer à appliquer de l' eau sur ma surface en papier, mais je pense qu'il serait plus sage de passer à mon pinceau à merlu plus large pour appliquer de l'eau uniformément et en douceur sur la Cela accélérera également le processus par rapport à pose répétée d'eau avec cette petite brosse à balai Il est essentiel de choisir le bon format de pinceau lorsque vous travaillez avec des aquarelles, car cela dépend directement du format de votre papier Un pinceau trop large peut inonder le papier, tandis qu'un pinceau trop petit peut faire sécher la surface trop rapidement, ce qui est source de frustration. Prenez le temps de mouiller votre papier en appliquant deux ou trois couches uniformes pour vous assurer que chaque coin est complètement recouvert. Veillez à ne pas créer de piscines ou de flaques d'eau. Il ne devrait pas y avoir d'excès d'eau à la surface. Une fois que le papier sera uniformément humide, je le laisserai reposer quelques secondes. En attendant, je vais commencer à mélanger mes couleurs. Je prends mon jaune de Naples et j' ajoute une goutte d'opéra. Observez le mélange sur ma palette. Il n'est pas trop aqueux, mais a une consistance crémeuse Je vais commencer par une valeur tonale légère en utilisant simplement le bout de mon pinceau et en exerçant une légère pression En tenant le pinceau près de son bord, je le fais glisser doucement sur le papier pour créer des transitions douces Maintenant, en utilisant prudemment le bout de mon pinceau, je vais faire descendre les couleurs le long des parois du rocher, en veillant à ce que la peinture ne s'y infiltre pas. Je conserve l' espace blanc près de l'horizon. Pour l'instant, avec les mêmes traits de lumière, je vais étaler la couleur doucement en arrêtant à peu près à mi-chemin du papier. Ensuite, je vais mélanger une légère valeur tonale de rose opéra et la superposer sur le jaune de Naples Je vais commencer par le haut du rocher en effectuant mouvements de balayage très légers, en veillant à ne pas recouvrir complètement le jaune. Maintenant, je vais introduire un peu de lilas dans le tiers inférieur du papier et le mélanger au rose opéra. Maintenant, je vais introduire un peu de lilas le tiers inférieur du papier et le mélanger au rose opéra Regardez la quantité de lilas laquelle j'ai chargé mon pinceau Je viens d'utiliser le bout de mon pinceau pour charger l'opéra, et je l'applique directement sur le papier. J'en suis à la moitié parce qu'après cela, je vais le mélanger à mon mélange d'opéra Le mix est une valeur tonale très légère de l'opéra. Je vais juste lui donner un bon mélange en effectuant des mouvements de va-et-vient. superposition avec les faibles valeurs aqueuses permet de garantir que la surface reste humide plus longtemps Avant de passer à la partie supérieure du ciel, je vais mouiller à nouveau la zone jusqu' à la moitié, car il fait très chaud et mon papier sèche en haut. Au centre, comme notre jaune s'est estompé, je vais y retourner avec une valeur moyenne de jaune de Naples Mélangé avec un peu d'opéra mélangez-le doucement à la couche rose en très légère pression et en faisant simplement le mouvement du bout et des orteils du pinceau. Remarquez comment je travaille avec le bout et le bout de mon pinceau pour une transition en douceur. Pour affiner encore le mélange, je vais utiliser un bout humide de mon balai à écureuil argenté d'atelier et éclaircir Maintenant, je mélange rapidement ma couleur bleu-gris ou bleu ciel à une valeur tonale moyenne Laisse-moi te montrer ici. Observez le mélange. Il est crémeux, ni trop épais ni trop aqueux. Ajouter un peu plus de ce pigment pour obtenir une valeur tonale moyenne Inclinez et relâchez-le au fur et à mesure que je me déplace vers le bas, une application uniforme et douce. Je vais continuer à appliquer des traits lisses sans soulever mon pinceau du papier, afin de maintenir une couverture uniforme. Au fur et à mesure que je m'approche de la couche jaune, j'allège ma pression en utilisant uniquement le bout et les orteils pour faire légèrement baisser la couleur, tout en gardant cette zone Maintenant que la pointe de mon pinceau est légèrement teintée de jaune, je commence à me déplacer vers le haut en un seul mouvement continu, fondre parfaitement dans le Pouvez-vous voir à quel point la transition s'avère fluide et parfaite ? Maintenant, je pense que je peux opter pour un ton plus foncé pour le bleu. Je vais commencer par le haut avec la même valeur tonale moyenne de bleu, appliquant une pression dans un premier temps et en l'éclaircissant progressivement au mesure que je descends pour créer un dégradé naturel À l'approche de la transition vers le jaune, j'utiliserai simplement le bout de mon pinceau pour déplacer la couleur vers le bas en effectuant des traits très légers, comme vous pouvez le voir ici Le papier est mouillé, les couleurs se mélangent parfaitement, créant une transition douce et naturelle. Regardez ce magnifique délavé dégradé varié que nous avons Nos bleus, jaunes et roses se mélangent parfaitement sans aucun ton vert indésirable L'essentiel était d'utiliser valeurs tonales très légères l'approche des zones de transition De plus, le mélange de jaune opéra et de jaune de Naples, combiné à une légère valeur tonale de bleu, a créé un gris subtil entre les deux, donnant au ciel un aspect plus naturel et harmonieux Maintenant, nous allons laisser le ciel sécher complètement. En attendant, nous allons commencer à travailler sur le premier plan inférieur Pour le premier plan, je vais commencer par une sous-couche légère composée jaune de Naples mélangée à une touche de rose opéra, l'appliquant avec un léger lavage aqueux Comme notre papier est sec, nous travaillons avec une technique humide sur sec, mais je garde le mélange légèrement aqueux pour une base lisse Nous évitons ici une approche mouillée sur mouillée, car le ciel est encore en train de sécher. Si nous introduisions trop d'humidité maintenant, elle pourrait s'infiltrer dans le ciel desséché et provoquer des plumes indésirables et des fleurs lorsque le filet mouillé se répand dans ces zones semi-sèches Nous travaillerons rapidement alors que le premier plan est encore humide. Je mélange une valeur tonale moyenne de Sienna brûlée et je l' applique près de l' horizon en un seul coup à l' aide de mon pinceau à serpillère taille 00 Je laisse un petit espace puis je recommence à appliquer la couleur par le bas en utilisant des traits horizontaux. Je laisse les sous-couches visibles car la Sienne brûlée est naturellement transparente et, lorsqu'elle est utilisée dans une valeur tonale claire, elle permet aux couches précédentes d'apparaître subtilement en ajoutant de la profondeur et de la chaleur au Maintenant, pour améliorer la profondeur sur le bord inférieur du papier, je vais mélanger un ton vert plus foncé en utilisant mon ombre brûlée avec du vert sève et je l'applique dans le sens ventilé Observez mes coups de pinceau ici en utilisant simplement le bout et le bout du pinceau et en repoussant les couleurs vers l'intérieur comme vers l'extérieur Pour donner un effet plus prononcé cette texture herbeuse, je vais absorber tout l' excès d'humidité et étendre le bout de mon pinceau pour créer ces délicats traits d' herbe Si vous avez une brosse ventilée ou une brosse à peigne, vous pouvez l'utiliser pour cette étape afin d'obtenir un effet similaire. Observez comment j' étale le bout de mon pinceau sec et humide sur ma palette. Comme il s'agit d'une brosse à cheveux naturelle, je peux façonner les poils selon mes préférences À l'aide de cette astuce libérée, je vais maintenant ajouter de petites touches cassées autour de cette zone pour indiquer la pousse du gazon Je vais maintenant approfondir le premier plan en ajoutant des tons d'herbe plus foncés près du bord inférieur du papier, pour améliorer la profondeur Ici, le papier est encore suffisamment humide pour que je puisse le faire, sorte que l'herbe paraîtra très douce et homogène Ensuite, près de la base du rocher, j'utiliserai juste le bout de mon pinceau pour peindre une fine ligne verte horizontale. À partir de là, je vais commencer à créer des motifs de feuillage sur les deux côtés du rocher. les herbes ont l'air un peu fanées, je vais ajouter des tons plus foncés à mon brun en utilisant une technique humide sur sec très contrôlée à l'aide du bout humide de mon pinceau Ici, mon papier est encore suffisamment humide pour que je puisse effectuer cette étape, et le gazon aura toujours l'air mélangé Si votre papier est complètement sec, n' effectuez pas cette étape ici. Ensuite, il est temps de peindre le rocher. Je vais d'abord utiliser le même mélange de jaune de Naples de rose opéra pour et de rose opéra pour créer la sous-couche du rocher Je passe à la technique humide sur sec avec une valeur tonale très légère de ce mélange de jaune et de rose Maintenant, je vais rapidement passer à mon pinceau synthétique ultra rond taille 6 et mélanger une riche valeur tonale moyenne de Sienna brûlée Oh, oups. Mon pinceau est trop liquide. Je vais faire sortir l'excès d'humidité du ventre de la brosse rendre juste humide. Ensuite, je vais réparer les saignements l'ensemble de la zone avec ce léger mélange de Je ne recharge pas mon pinceau avec plus de peinture, utilise simplement ce qui s' y trouve déjà pour une application subtile et contrôlée Je vais maintenant introduire des tons plus foncés en utilisant Burned Tamber et commencer à les superposer par le haut Cette partie où je pose des tons plus sombres ou du bois brûlé n'a pas été enregistrée J'utilise simplement les bruns plus foncés pour mettre en valeur les zones d'ombre. Maintenant, à l'aide de la pointe humide de mon pinceau, légèrement chargée de Sienne brûlée, je tire doucement les couleurs vers le bas pour les mélanger tout en veillant à ce que les sous-couches jaunes plus claires sous-couches jaunes Pour ajouter encore plus de profondeur, je vais introduire des tons bruns plus foncés, qui ressemblent presque à ceux de Cipia Ajoutez un peu plus de teinte neutre votre sienne brûlée et vous obtiendrez un mélange similaire J'utilise le bout pointu de mon pinceau créer ces lignes fines et marques subtiles sur cette surface de la roche. Copiez les étapes que je suis en train de faire ici, et nous en aurons fini avec la création de cette structure rocheuse. Je viens de remarquer que le feuillage de fond près de l'horizon s'est un peu estompé Pour le mettre en valeur, je vais utiliser une valeur tonale moyenne de vert sève mélangé à ma sienne brûlée Pour un meilleur contrôle, observez comment je tiens le pinceau plus près de sa ferrule Maintenant, en tapotant du bout de mon pinceau, je vais créer des feuillages de différentes formes et tailles pour ajouter une sensation plus naturelle et réaliste Je continuerai à utiliser ces coups de tamponnage jusqu'à ce que j' aie terminé les motifs du feuillage sur toute la ligne d'horizon Cela garantira un aspect équilibré et cohérent, ajoutant de la profondeur et de la texture à l'arrière-plan Avec cela, nous avons officiellement terminé notre peinture, mais je ne suis pas vraiment contente de ces deux éclaboussures que j'ai reçues ici, et je pense la recouvrir avec quelques oiseaux en vol. Avec cela, nous avons officiellement terminé notre peinture, mais je ne suis pas vraiment contente ces deux éclaboussures que j'ai reçues ici, et je pense la recouvrir avec quelques oiseaux en vol. Ainsi, non seulement il masquera les éclaboussures, mais il donnera également une impression de mouvement et de direction à la peinture Je vais passer à mon pinceau de maquillage et le charger avec cette teinte neutre. Peignez soigneusement des silvitts pour petits oiseaux en utilisant uniquement le bout, comme vous pouvez le constater ici Je pense que je vais ajouter un autre petit oiseau ici, quelque chose comme ça, et je ne vais pas exagérer en ajoutant trop d'oiseaux ici Je vais juste en rester là. Maintenant, je vais attendre que ma peinture soit complètement sèche, puis nous allons décoller nos rubans de masquage Mon papier est presque complètement sec car je l'ai laissé sécher toute la nuit. Maintenant, je vais décoller mes rubans de masquage. Faites-le à un angle de 45 degrés afin de ne pas risquer d' arracher les bords peints J'adore les bords nets et nets que nous avons pour notre peinture. Maintenant, le dernier. J'espère que nous avons pris une longueur d'avance ici, oui, et c'est tout. Je suis vraiment très content du résultat de ce projet . Nous avons obtenu un très beau ciel dégradé avec des transitions douces. J'espère que vous allez l'essayer. Je vous revois demain avec un autre projet passionnant. D'ici là, au revoir. 13. Prenez un moment pour vous exercer: Avant de passer au deuxième jour, prenez un moment pour visiter la section des projets et des ressources du cours. Faites défiler l'écran jusqu'à la fin et vous trouverez une référence supplémentaire pour le premier jour. Ces exercices supplémentaires vous aideront à affiner vos compétences en matière de mélange, entraîner à utiliser des laveurs de dégradés avec plus de couleurs et à gagner en confiance avant de commencer la leçon d'aujourd'hui Essayez-le et vous remarquerez une grande différence dans votre contrôle et votre transition. J'ai également inclus quelques images de référence ici à l'écran. N'hésitez pas à appuyer sur le bouton pause et à pratiquer ce qui vous parle. N'oubliez pas que la pratique est la clé. Plus vous ferez l'expérience des mélanges et des lavages gradués, plus votre ciel deviendra confiant et facile à utiliser. Alors prenez votre temps, appréciez le processus et continuez à peindre. 14. Jour 2 : palette de couleurs: Bienvenue dans le deuxième jour, et la palette de couleurs d' aujourd'hui sera inspirée du printemps australien. Tout d'abord, je vais regarder la couleur du ciel. J'utiliserai ici mon bleu thalo, un bleu chaud, qui n'est pas un bleu granuleux. Le bleu thalo que j' utilise ici est un bleu chaud, mais au lieu de ce bleu thalo, vous pouvez également utiliser votre bleu outremer, qui aura le même Ensuite, je vais faire attention à mon ocre jaune, qui contient un pigment PY 42 Il s'agit d'un jaune chaud atténué que l'on trouve couramment dans une palette de 12 couleurs de base parfaite pour ajouter des tons chauds et terreux En plus de cela, j' utiliserai un jaune citron frais avec pigment PY 81 pour apporter de la luminosité et contraste et pour créer ces fleurs dans les prairies Pour les légumes verts, j'utiliserai le vert sève, qui peut être facilement mélangé en utilisant un bleu froid avec un jaune froid dans un rapport de un pour deux, qui nous donne ce vert riche et parfait. Passons à la clôture, je vais utiliser de l' ombre brûlée avec le pigment PBR Seven Pour créer ces premiers bruns chauds. Pour les détails plus foncés, j'utiliserai une teinte neutre, ou vous pouvez également utiliser vos peintures en gris ou en noir ivoire. OK, maintenant que nos couleurs ont déjà été surveillées et triées, passons à notre deuxième projet. À l'écran, vous verrez un bref récapitulatif des couleurs pour vous faciliter Cela vous aidera à vérifier votre palette avant de commencer à peindre. 15. Jour 2 : Printemps australien – Le ciel: Bonjour, bonjour. Bienvenue au deuxième jour. Avant de commencer à peindre, je vais rapidement coller du ruban adhésif sur mon papier pour le fixer Passons maintenant à l'esquisse. Je vais commencer légèrement en dessinant la ligne d'horizon et les prairies vallonnées Le ciel étant notre principal point focal, nous y consacrerons les deux tiers du papier. Comme toujours, je recommande vivement de regarder la leçon en entier avant de peindre. Cela vous aidera à bien comprendre les étapes qui vous attendent. Je dessinerai également la clôture pour indiquer sa position, en m'assurant d'avoir un guide lorsque nous peindrons plus tard. Une fois que vous aurez terminé ce croquis de base, nous passerons à la peinture d'un ciel. Pour le ciel, j'utiliserai la technique humide sur humide, qui consiste à appliquer de la peinture humide sur du papier épais. Je vais d'abord charger mon pinceau Silver Atelier numéro 8 avec de l'eau propre et appliquer une couche uniforme sur toute la surface du ciel. Je recommande de faire cette étape deux à trois fois, laissant le papier absorber progressivement l'humidité. Ensuite, je vais essuyer tout excès d'eau en tirant sur mon ruban adhésif avec le mouchoir Cette étape permet d'éviter les reflux lorsque nous commençons à appliquer notre peinture. Je vais à nouveau passer en revue mon papier avec des traits horizontaux lisses avec l'eau propre pour m'assurer qu' il reste humide plus longtemps. Je vais répéter le processus qui consiste à essuyer l'excès d'eau en tirant sur mon ruban adhésif avec le Commençons maintenant par notre peinture. Je suis passé à mon balai taille 00. J'utilise ce pinceau de la série Silver Atelar, et je l'ai légèrement essuyé sur mon papier de soie pour éliminer l'excès d'humidité Je charge mon pinceau avec du bleu clair, qui est un bleu chaud, et il ne granule pas non plus. Observez comment je tiens mon pinceau près du bord du manche, ce qui permet une application fluide et gratuite. Remarquez comment je laisse des zones de papier blanc intactes lorsque peins le bleu qui les entoure. C'est ce qu'on appelle la peinture négative, qui aidera à définir naturellement nos nuages. Observez la pression que j'exerce sur le pinceau, en utilisant parfois le bout pour coups plus fins et le ventre pour des applications plus larges Maintenant, avec le même pinceau que mon bleu thalo, je vais peindre quelques traits horizontaux dans le ciel Ensuite, je vais rincer mon pinceau, tamponner sur un mouchoir, l'humidifier pour le sécher et commencer à décolorer le bleu à mesure que je m'approche de la ligne d'horizon, créant ainsi un mélange de dégradés doux Ensuite, je vais revenir et répéter l'étape cette fois, en utilisant un pinceau humide pour déplacer la peinture qui se trouve déjà sur le papier. Avec de légers mouvements de va-et-vient, je vais parfaitement harmoniser la transition. Maintenant, je vais nettoyer mon pinceau et utiliser le bout du pinceau pour enlever une partie de la peinture bleue de manière aléatoire. Cela aidera à définir les formes des nuages. Ici, vous pouvez observer qu'avec le bout humide de mon pinceau, je repousse doucement la peinture avec le ventre du pinceau pour créer des bords doux en forme de nuages. Maintenant, une fois que les espaces blancs pour les nuages seront établis, j'utiliserai mon pinceau humide pour mouiller légèrement ces zones. Cela permet de garder les bords souples et aérés. Entre les deux, je vais appliquer un peu de peinture bleue sur le bout de mon pinceau pour affiner les bords du nuage là où c'est nécessaire, en ajoutant de la profondeur et du mouvement. suivant le même conseil, je vais nouveau effectuer un mélange près de la ligne d' horizon, afin de garantir une transition de dégradé fluide. Pour créer une petite partie du nuage ici en haut, je vais utiliser la pointe de mon pinceau humide pour soulever un peu plus de peinture du ciel Chaque fois que je le soulève, je nettoie mon pinceau sur un mouchoir en papier. Pour éviter de redéposer la couleur, vous pouvez également utiliser un mouchoir sec pour tamponner doucement la zone afin de créer une forme de nuage duveteuse et aérée Ajoutons maintenant de la profondeur à nos nuages en y introduisant des ombres subtiles. Je vais créer un mélange de tons clairs en utilisant mes peintures de couleur grise ou neutre, puis je abord sur ce papier brouillon Le mélange doit être très léger, presque transparent. Avant d'appliquer, je vais tamponner l'excédent de peinture de mon pinceau sur un papier de soie Maintenant, à l'aide du bout et du bout de mon pinceau, je vais appliquer des traits doux au bas des nuages, là où les ombres se forment naturellement. Remarquez à quel point mes traits sont légers et aérés. Je ne couvre pas l'intégralité du cloud. J'améliore simplement son volume en créant cette profondeur. Je vais répéter ce processus pour les autres nuages, en m'assurant de commencer par le bas, puis décolorer le pigment selon la direction du nuage, laissant certaines zones pour la lueur naturelle. Pour assurer une transition en douceur, j'utiliserai un pinceau humide et je ferai glisser doucement la peinture pour l' éloigner des zones ombragées. Cela mélangera parfaitement le ton créant ainsi une formation de nuages doux et ondulés. Je vais réparer ce nuage en le mélangeant doucement vers le haut et en créant ce doux nuage de Bilawy. Ici, j'ai trouvé que les ombres étaient trop épaisses sur la zone blanche. Je vais donc simplement nettoyer et humidifier le pinceau, Je vais donc simplement nettoyer et humidifier le pinceau puis éliminer certaines de ces zones en utilisant la même forme et en créant les mêmes coups de pinceau Je vais adoucir la petite partie supérieure du nuage en recouvrant les zones blanches à l' aide de mon pinceau humide, en repoussant le bleu , puis en le tamponnant sur mon papier de soie pour créer doucement ce motif de nuage aéré et moelleux Maintenant, en utilisant la technique du lifting avec le bout et le ventre humides de mon pinceau, je vais légèrement soulever les couleurs près de l'horizon pour créer de plus petits nuages flottants. Cette étape ne fonctionnera que si votre papier est encore humide, ce qui permet d'obtenir des bords lisses et souples. Si votre papier est sec, il est préférable d'éviter cette étape pour éviter les marques trop fortes et indésirables. C'est pourquoi vous devez bien mouiller votre papier avant de commencer à peindre. Une surface bien préparée reste humide plus longtemps, ce qui vous laisse plus de temps pour travailler sur des mélanges doux, des dégradés homogènes et des formations nuageuses délicates Comme mon papier est encore humide, j'utiliserai un papier de soie humide pour créer à nouveau les bords duveteux des nuages. En tapotant simplement mon papier de soie, je vais créer ces marques ou directions douces et aérées des nuages Ici, je n'étais pas satisfait de la forme du nuage. Donc, en utilisant un peu de papier de soie humide, je vais le tamponner légèrement, et vous verrez qu'il a créé cette étrange marque Donc, à l'aide d'un pinceau humide, je vais passer sur la zone, puis tamponner doucement à nouveau légèrement le mouchoir ici Maintenant, comme le papier est encore un peu humide, il créera un bord lisse après séchage. Je peux sentir que mon papier a commencé à sécher, alors je vais arrêter de trop travailler sur les nuages et le laisser sécher complètement Nous passerons ensuite au premier plan. 16. Jour 2 : Printemps australien : le premier plan: Maintenant que notre ciel est complètement asséché, passons au premier plan, près de l'horizon abord, je vais préparer un mélange de couleurs jaune citron et jaune ocre pour créer cette base chaude très naturelle à l'aide de mon pinceau humide Maintenant, rappelez-vous qu'ici, le pinceau ne doit pas être mouillé. Il doit simplement être mouillé pour que vous puissiez appliquer les couleurs sur votre papier sec. Je vais commencer à appliquer la couleur maintenant. Prêtez bien attention à mon coup de pinceau ici. Je vais commencer par là, mais je vais faire glisser les couleurs vers le bas pour que toute la peinture aqueuse soit là, à la base, afin de ne pas courir le risque de faire ces couleurs dans mon ciel où elles commencent à s'infiltrer J'utiliserai des coups de pinceau inclinés directionnels pour donner au champ une impression de profondeur et de mouvement Cela crée un paysage plus dynamique et naturel plutôt qu'un lavis plat et uniforme. Si vous observez attentivement, nous sommes déjà en train de créer ce magnifique contraste entre le jaune froid de notre premier plan et le ciel Maintenant, à l'aide de la pointe de mon pinceau, je lisse les couleurs pour que la transition reste douce et naturelle À l'aide de la pointe humide de mon pinceau, je vais maintenant mélanger un peu de vert sève avec un peu de jaune citron et commencer à appliquer des traits inclinés sur cette zone humide La surface est encore humide, ce qui créera un effet doux et diffus parfait pour un look naturel et organique Remarquez que je laisse certains espaces jaunes entre les champs sans les recouvrir entièrement de mon vert. Mais une chose essentielle à retenir ici est de garder votre brosse humide et pas trop mouillée. À l'aide de la pointe du pinceau, j'appliquerai des traits diagonaux, certains plus courts et d'autres plus longs, pour imiter la texture d'un champ herbeux À ma droite, le long de la pente indiquée, j'utiliserai simplement le bout et le bout de mon pinceau et je le chargerai avec la valeur tonale moyenne de mon mélange de sève, de vert et de citron jaune Cela aidera à créer une transition naturelle dans le paysage tout en maintenant la profondeur et la variation. À l'aide d'une légère pression, je vais laisser les traits se fondre doucement, en gardant la zone riche mais pas trop saturée Passons maintenant à la section principale de premier plan en utilisant la technique mouillé sur mouillé Tout d'abord, je charge mon pinceau avec l'eau propre et je l' étale uniformément sur toute la surface. À l'approche des sections peintes précédemment, j'utiliserai simplement le bout de mon pinceau pour couvrir légèrement les bords, en veillant à ce que l' eau ne s'infiltre pas dans ces zones et ne provoque pas de saignements indésirables Maintenant, je vais charger mon pinceau avec un mélange de jaune crème et de jaune citron et commencer à appliquer. Mais avant cela, vous devez garder à l'esprit que mon pinceau doit être humide et pas trop aqueux Vers la droite, j' utiliserai des traits convergents plus longs pour guider le regard du spectateur et lui donner une impression de mouvement Cette technique améliore la sensation de balancement d'un champ d' herbe ou les modèles de croissance naturels du paysage Maintenant, je vais charger mon pinceau d'un mélange crémeux de vert sève et appliquer doucement les mêmes traits convergents, en veillant à laisser une partie de cette sous-couche jaune visible entre les Cela aidera à créer de la profondeur et des variations naturelles dans le champ herbeux À ce stade, étant donné que nous travaillons mouillé sur mouillé, veuillez vous assurer que vous contrôlez l'eau dans votre pinceau, veuillez vous assurer que vous contrôlez l'eau dans votre pinceau, ainsi que dans votre mélange de peinture, afin vous éviter ce type de léger défaut mixte Ensuite, en utilisant juste le bout de mon pinceau, je vais ajouter un peu plus de ce vert et commencer à ajouter des traits verticaux inclinés pour suggérer des herbes plus hautes Ici, mon pinceau est humide mais pas trop mouillé, et je travaille avec le bout évasé de ma brosse à cheveux naturelle pour créer des ma brosse à cheveux naturelle pour textures herbeuses fluides et organiques Pour ajouter encore plus de profondeur, je vais mélanger un peu de outremer ou de bleu thalo au vert pour créer une teinte plus foncée et répéter doucement mêmes traits sur la couche d'herbe précédente Le fait de porter le pointeur dans le sens du trait aidera à imiter les schémas de croissance naturels de l'herbe sauvage Soyez conscient de la pression que vous exercez sur le bout de votre brosse, car si vous appuyez trop fort, vous allez soulever les sous-couches Enfin, j'utiliserai mon peigne spécial pour améliorer encore cet effet. Maintenant, si vous n' avez pas de brosse à peigne avec vous, c'est très bien. Vous pouvez utiliser votre brosse ventilée ou aplatir le bout de votre brosse à cheveux naturelle et créer ce motif de brosse comme nous l'avons fait précédemment Comme le fond est encore humide, cela nous permettra de créer magnifiquement les motifs d'herbe doux et subtils. Mais nous devons accélérer ce processus, car si le fond commence à s'assécher, nous n'aurons pas les bords mous de l'herbe J'ajoute maintenant des traits verts plus foncés pour améliorer la profondeur et la dimension du champ. Maintenant, si vous sentez que votre prairie a commencé à s'assécher rapidement, voici une astuce simple pour réhumidifier la surface sans perturber vos Couvrez l'ensemble du tableau, à l'exception de la zone de premier plan sur laquelle vous travaillez , en utilisant une feuille épaisse ou un bateau pour le protéger Prenez ensuite un flacon pulvérisateur et oubliez légèrement la zone deux à trois fois à distance. Veillez à ne pas pulvériser trop près, car une trop grande quantité d'eau peut provoquer des proliférations indésirables ou perturber la couche existante. La femme s'est calmée pendant quelques secondes, puis recommence à peindre. Maintenant, je passe à un pinceau synthétique de taille 2 et le charge d'un mélange vert foncé pour peindre les hautes herbes. À l'aide de longs traits inclinés avec une légère courbe sur le dessus, je vais créer un motif d'herbe fluide et naturel Faites des mouvements rapides et confiants pour conserver une sensation organique. Maintenant, vous devez travailler rapidement car vous devez le garder sur un fond humide. Si votre papier commence à sécher, tous ces traits commenceront à ressortir. Nous allons maintenant commencer par la technique des éclaboussures. Je vais rapidement couvrir le ciel avec une feuille de papier et charger mon pinceau à doublure d'un mélange légèrement aqueux de jaune citron Je vais maintenant commencer à les éclabousser doucement pour créer l'effet des fleurs sauvages éparpillées dans Conseil important : cette technique ne fonctionnera mieux que lorsque le fond est encore humide, car les éclaboussures fleuriront doucement et se fondront naturellement dans le Si votre arrière-plan est déjà sec, ne vous inquiétez pas. Utilisez la technique de brumisation, comme nous l'avons indiqué précédemment, pour recouvrir légèrement la zone, puis ajoutez les fleurs jaunes éclaboussées pour vous assurer qu'elles se mélangent Arrosez les fleurs sauvages jusqu'à ce que vous soyez satisfait de l'effet, mais attention à ne pas en abuser Une composition bien équilibrée est essentielle. Trop d'éclaboussures peuvent donner à la prairie un aspect encombré et perdre son aspect naturel. Il est crucial de savoir quand s'arrêter recul, observez votre peinture, et si elle vous semble vivante mais harmonieuse, il est temps de passer à autre chose. Avec le bout de mon pinceau rempli de jaune citron, j'ajouterai quelques points délicats pour accentuer l'effet fleur sauvage, mais nous allons nous arrêter là pour éviter de trop travailler Maintenant, avec le bout de mon pinceau chargé de vert sève, je vais commencer à ajouter du feuillage aux intersections de la prairie en tamponnant légèrement Cela aidera à créer de la profondeur et une variation naturelle de la texture herbeuse Ici, il est important veiller à ce que la brosse ne soit pas trop aqueuse, car une trop grande quantité de liquide peut provoquer des panaches indésirables ou des bords trop mous Maintenant, je vais commencer à peindre la clôture au premier plan en utilisant mon mélange de bois brûlé et de teinte neutre. Je vais fabriquer la clôture de cette manière, en veillant à la positionner de manière à ce qu'elle paraisse partiellement recouverte par les hautes herbes qui poussent en dessous. Cela l'aidera à se fondre naturellement dans la scène plutôt que de donner l'impression de flotter. Ensuite, avec ma ligne de pinceau pleine de vert, j'ajouterai rapidement des motifs herbeux autour et en dessous la clôture, renforçant ainsi l'idée que la clôture est nichée dans le pré Pour ajouter une perspective atmosphérique, je vais ajouter une touche de bleu à mon vert, créer un ton vert sarcelle doux, et j'utiliserai ce mélange pour peindre feuillage le plus loin possible de l'horizon, en veillant à ce que les tons soient plus clairs et plus froids pour donner une impression de profondeur et de distance veillant à ce que les tons soient plus clairs et plus froids pour donner une impression de profondeur et de Je vais également garder les motifs du feuillage petits et plus délicats, car les éléments éloignés apparaissent moins détaillés en perspective. Maintenant, si vous voulez approfondir perspective atmosphérique et comprendre comment elle améliore la profondeur des paysages, pensez à regarder mon cours Skillshare sur les paysages atmosphériques Dans ce cours, j'ai expliqué comment les couleurs, les valeurs et les détails changent avec la distance pour créer des paysages plus immersifs et réalistes. J'ai également expliqué ces concepts en détail à l'aide d'exercices étape par étape. Assurez-vous donc de le vérifier si vous souhaitez affiner votre compréhension. Ici, je suis passée à un pinceau à doublure pour créer des arbustes fins et délicats. Comme cet arbuste nécessite des lignes fines et de la précision, l'utilisation d'un pinceau plus fin permet de mieux contrôler mes traits. Je vais soigneusement créer la forme avec des bandes légères et fines pour que l'arbuste ait un aspect naturel et se fond parfaitement dans le paysage garder une main ferme Il est essentiel de garder une main ferme et d'exercer une légère pression, alors allez-y et utilisez les coups de tamponnage pour créer du feuillage sur l'arbuste Une fois que la clôture de premier plan sera complètement sèche, j'utiliserai une teinte neutre pour ajouter quelques lignes fines qui reproduisent la texture naturelle du grain du bois Je vais maintenant utiliser la technique de levage avec le bout humide d'un pinceau de taille 2 pour créer cette texture naturelle sur la clôture. En utilisant simplement la pointe humide, vous pouvez éliminer les couleurs qui sont maintenant mouillées. J'attendrai que toute la peinture sèche, puis nous retirerons nos rubans adhésifs. Il est maintenant temps de décoller le ruban de masquage, retirer doucement à un angle de 45 degrés pour éviter de déchirer le papier, de le décoller lentement et soigneusement pour garantir des bords propres et nets et éviter d'endommager votre œuvre d'art Grâce à cela, nous avons terminé avec succès notre journée de projet. J'ai hâte de voir tes créations. Je te reverrai demain. 17. Prenez un moment pour vous exercer: Voici quelques images de référence pour vous entraîner le deuxième jour. Concentrez-vous uniquement sur la peinture des nuages de glomus duveteux, ignorant les éléments de premier plan pour le Vous pouvez trouver ces images dans la section projets et ressources du cours. N'hésitez pas à les télécharger et à les utiliser selon vos préférences. 18. Jour 3 : palette de couleurs: Bonjour, bonjour. Bienvenue au troisième jour. Passons rapidement en revue les couleurs et analysons-les pour notre projet de classe Aujourd'hui, nous allons travailler avec une palette de couleurs harmonieuse. La première couleur que nous allons sélectionner est notre jaune de Naples Si vous ne l'avez pas, vous pouvez créer le vôtre en mélangeant du badigeon ou de l'aquarelle blanche avec une touche de pigment jaune, PY 35, pour obtenir une couleur similaire Ensuite, nous allons assister à notre opéra. Si vous n'avez pas ce rose fluo vif, vous pouvez également utiliser d'autres roses plus chauds Recherchez des alternatives comme le magenta du pincardon, le rose vif, le lac cramoisi, Maintenant, lorsque votre opéra est mélangé au jaune, il devrait être capable de créer des oranges corail ou des roses corail d'une nature éclatante Assurez-vous donc de vérifier l'étiquette de vos roses. Il ne doit pas être composé d' un pigment violet car il ne se mélange pas bien avec le jaune. Au lieu de cela, il devrait avoir un pigment de base rouge pour obtenir ces oranges ou roses corail brillants Regardez-moi mélanger le jaune des tétons avec une goutte de jaune profond et de l' Cela crée un orange corail si beau, et simplement en ajustant le ratio et en ajoutant plus de cet opéra, le mix passe à une teinte plus rose Nous utiliserons ces teintes pour peindre nos nuages. La prochaine couleur que je vais choisir est une teinte pastel de lilas Maintenant, si vous n'avez pas cette couleur, vous pouvez en créer une. Mais pour ce projet, je vais utiliser des valeurs tonales moyennes du lilas Vous pouvez maintenant le mélanger en utilisant votre violette minérale, qui est une violette froide, avec un peu d' opéra et votre whiteqah Mélangez et variez les proportions et voyez si vous pouvez obtenir un lilas d'apparence similaire La couleur suivante que je vais choisir est ma lavande. Vous pouvez maintenant mélanger un bleu froid avec un violet chaud et ajouter guash blanc pour obtenir cette douce teinte de lavande Nous utiliserons ces deux couleurs pour peindre un ciel. La couleur suivante que je cherche est mon violet minéral C'est une violette fraîche. La prochaine couleur que je vais choisir est le vert de ma sève Nous avons déjà discuté de la façon de mélanger cette couleur le deuxième jour au cas où vous ne l'auriez pas. C'est un beau vert chaud qui ajoutera de la profondeur à notre peinture, en particulier vers le milieu du plan, près de l'horizon La dernière couleur que j'ai choisie est ma teinte neutre, j'utiliserai pour créer des mélanges plus foncés et pour peindre le reflet de la planche dans l'eau Vous pouvez utiliser n'importe quel autre noir, mais assurez-vous qu'il soit transparent pour conserver l'éclat de vos couches J'espère que tes couleurs sont prêtes. Passons maintenant à notre projet. 19. Jour 3 : coucher de soleil serein au bord du lac - Partie 1: Avant de nous lancer dans un projet, je prends un moment pour nettoyer ma palette afin d'éviter tout mélange boueux C'est très important lorsque vous peignez le ciel pour lui permettre de paraître lumineux et éclatant Pour ce qui est de l'étape suivante, je vais coller mon papier sur les quatre côtés avec du ruban adhésif Maintenant, au lieu du ruban adhésif, vous pouvez également utiliser vos rubans washi Maintenant que cette peinture met l'accent sur le ciel et son reflet dans l'eau, je vais dessiner la ligne d'horizon la plaçant non pas au centre parfait, en la plaçant non pas au centre parfait, mais plutôt à environ 2 centimètres sous le centre pour permettre au ciel et à son reflet d' être mis en valeur. Maintenant, je vais également dessiner un petit bateau sur le côté droit de mon papier plutôt que de le placer au centre. Maintenant, vous n'avez pas besoin d'aller de l'avant et d'esquisser le même élément qu'est un bateau. Vous pouvez également ajouter un cygne en arrière-plan. Cela dépend entièrement de vous. Maintenant, n'oubliez pas que les règles sont fondées sur la perspective. La taille du bateau ou tout autre objet mobile que vous décidez de créer ici doit être plus petite que celle autres éléments du premier plan, car cela permettra de créer une impression de profondeur et de distance, clairement que le bateau est plus éloigné de l'œil du spectateur Et avec cet objet ressemblant à un verrou debout dans l'eau alors que le dessin est terminé, il est maintenant temps de commencer à peindre le ciel avec une lessive humide sur mouillée Je vais le répéter parce que c'est important. Prenez le temps de mouiller uniformément votre papier, passez deux ou trois fois sur la surface avec un pinceau humide assurer que l'eau est appliquée uniformément et qu'aucune flaque d' Cela vous aidera à garder votre papier humide plus longtemps, ce qui vous permettra de mieux contrôler vos lavages. Observez comment j'utilise tout le corps du pinceau, en le pressant vers le haut pour répartir uniformément l'eau sur la surface. Assurez-vous de couvrir tout le papier jusqu'à ce que vous remarquiez une brillance uniforme Cela indique que le papier est uniformément humide et prêt pour l'étape suivante. C'est votre application de peinture. Voici un bon conseil pour vous. Maintenant, si vous vous trouvez dans une région où il fait chaud, sec et brûlant, pensez à utiliser un humidificateur à proximité de votre poste de travail. Cela aidera à garder le papier humide et vous laissera plus de temps pour mélanger les couleurs en douceur. Garder votre papier mouillé est un avantage supplémentaire lorsque vous peignez le ciel. Maintenant, je vais rapidement utiliser un papier de soie pour essuyer tout excès d'eau sur le ruban adhésif afin d'éviter tout reflux Ensuite, je passe à mon balai 00 de la série Silver atelio Ma brosse à balai est une brosse à cheveux naturelle, et je réactive le jaune de Naples en mélangeant une goutte de jaune Ensuite, je testerai l'intensité sur un bout de papier. Si cela ne me convient pas, j'ajusterai l' intensité en mélangeant davantage de jaune de Naples et de jaune orange. Une fois que je suis satisfait l'intensité ou de la valeur tonale, je le testerai sur un bout de papier, et si je suis satisfait de la valeur tonale, je vais commencer par la base de l'horizon, en utilisant tout le corps du pinceau, appuyant légèrement pour étaler la peinture Ensuite, je vais ajuster ma poignée en maintenant le pinceau plus près du bord du manche et commencer à superposer la couleur vers le haut pour créer un mélange lisse Observez comment j' utilise le bout et le bout du pinceau pour mélanger doucement les couleurs, en alimentant progressivement les valeurs tonales au fur et à mesure que je me déplace vers le Je vais maintenant ajouter une touche de chaud ou d'orange à la base de l'horizon pour accentuer la lueur du soleil couchant. Au fur et à mesure que je monte, je l'incorporerai légèrement aux couches précédentes pour assurer une transition en douceur. À ce stade, je travaille avec le bout du pinceau, en estompant doucement les couleurs pour créer un mélange doux et homogène Je fais cette étape rapidement car il fait incroyablement chaud aujourd'hui, autour de 37 degrés Celsius, et mon papier commence déjà à sécher. J'ai utilisé ce flacon pulvérisateur pour vaporiser mon papier sur le dessus, et à l'aide de ce petit pinceau humide, je vais retoucher ces zones pour que mon papier soit mouillé. Je passe à un pinceau à balai de plus petite taille pour estomper les zones situées près de la ligne d'horizon, afin d'assurer une transition fluide et uniforme après avoir vaporisé le papier Maintenant, à l'aide du bout humide de mon pinceau, je vais le charger avec mon rose opéra mélangé à un peu de mon Allison et à du cramoisi Mais si vous n'avez pas Allison et Crimson, c'est bon. Tu pourrais y mélanger un peu de tes rouges. Pour créer un orange vif rougissant, je vais ajouter un peu plus de mon orange jaune et préparer la couleur mélangée jusqu'à obtenir une consistance crémeuse Maintenant, je vais charger le pinceau et je remarque que la pointe de mon pinceau retient trop d'eau Je vais donc tamponner l'excès d' eau avec mon papier de soie, appuyant juste sur le ventre, je vais recharger le bout de mon pinceau et commencer à créer fins traits horizontaux cassés pour former de petits nuages flottants près de l'horizon Ces petits traits délicats contribueront à ajouter de la profondeur et de la douceur au ciel Il est maintenant temps de passer à un petit pinceau synthétique doux de taille quatre. Je vais préparer un mélange de peinture pour les nuages en utilisant du lilas, rose copira et un peu de violet minéral Je mélange les couleurs ici et je vais ajuster l'intensité selon mes préférences. Une fois que je suis satisfaite l'intensité et de l' apparence de la couleur, je vais maintenant charger la peinture sur le bout de mon pinceau, tenant le pinceau au centre et en n'appuyant que sur le bout. Je vais créer des traits doux et délicats pour créer ces petites formations nuageuses ici. Ces tons violets seront appliqués sur les nuages oranges pour ajouter de la profondeur et du contraste. Observez comment, sous l'effet de la légère pression à proximité des zones de transition, je forme des nuages organiques plus petits, ce qui leur permet de se fondre doucement dans le ciel Maintenant, j'ai l'impression que mon papier est en train de sécher. Donc, avant de recouvrir le dessus de peinture, je vais mouiller à nouveau la zone à l'aide de mon pinceau à serpillère taille 00, mais uniquement jusqu'à la Maintenant, je ne veux pas risquer partie inférieure du ciel pour commencer à sécher Je vais donc rater toute la zone du ciel en utilisant mon flacon pulvérisateur et en le pulvérisant à distance. Maintenant, en utilisant mon pinceau synthétique de taille 4, je vais charger la pointe avec mon mélange de rose opéra et de jaune orange. Le pinceau doit être ici sec et humide car le papier est déjà mouillé. Nous voulons contrôler la teneur en eau du pinceau et du mélange de peinture. J'utiliserai le bout du pinceau pour affiner les petits nuages flottants tels que nous les avons précédemment peints en orange. Ensuite, avec un pinceau propre et humide, je vais charger mon mélange violet et répéter le processus qui consiste à superposer des nuages violets sur les nuages oranges tout en laissant les nuages oranges transparaître Maintenant, je vais charger la pointe de mon pinceau à serpillère taille 00 avec un mélange de napolis, de jaune, de jaune, d'orange rose opéra et créer une valeur tonale moyenne avec un mélange de peinture rose corail orange Je vais ajuster le rapport entre les roses et les jaunes jusqu'à obtenir le mélange parfait de rose corail Une fois que je serai satisfait du mélange, je commencerai à peindre des traits directionnels inclinés commençant par le bord gauche du papier Je suis ici avec le bout de mon pinceau, et j'appuie légèrement sur l'orteil lorsque c' est nécessaire pour créer de subtiles variations dans la forme et la texture des nuages. Je vais maintenant ajouter ces nuages directionnels à quelques autres endroits de la partie supérieure du ciel, afin de garantir l'équilibre et la direction de la composition. Je vais maintenant superposer l'orange codal à un mélange de rose corail légèrement plus foncé, en le plaçant sur les nuages oranges en utilisant juste le bout de mon pinceau Cela ajoutera plus de dimension et de profondeur au ciel. Comme certains de ces jaunes se sont recouverts, je vais redonner cet effet éclatant en ajoutant une touche de jaune napolitain aux nuages Pour ce faire, je vais extraire l'excès d'eau le ventre de mon pinceau , puis j'utilise juste le bout pour mélanger doucement le jaune des tétons aux couches roses des couches antérieures des nuages, garantissant ainsi une transition en douceur et un Je prépare maintenant un mélange de peinture lilas et lavande. Le mélange semble un peu trop aqueux Je vais donc ajouter de la peinture pour obtenir cette consistance crémeuse épaisse tout en conservant une valeur tonale moyenne Ici, je veux opter pour un effet doux et onirique et ne pas dominer le ciel avec deux tons sombres Avant de superposer des couches, je vais faire tremper tout l'excès d'eau qui se trouve sur le ventre de mon pinceau pour qu'il glisse bien sur le papier des mélanges doux, il est essentiel de contrôler l'eau par le ventre Pour obtenir des mélanges doux, il est essentiel de contrôler l'eau par le ventre de la brosse. Observez mes coups de pinceau. Je suis dans la direction des nuages précédents, en comblant doucement les calottes blanches en exerçant très légère pression et effectuant des mouvements doux pour conserver cette sensation délicate du ciel. Pour éviter les mélanges boueux où lavande et le jaune pourraient se mélanger, je vais introduire mon mélange rose corail dans ces zones Cela aidera à maintenir l'harmonie des transitions de couleurs tout en préservant la douce lueur du ciel. Il s'agit d'un conseil important dont vous devez vous souvenir. Pour la partie supérieure du ciel, je remplirai doucement les bonnets blancs d'un peu de lavande et je les mélangerai doucement pour créer un effet aéré sans faille. Ici, près de l'horizon, mes nuages violets se sont trop mélangés Pour les retrouver, je vais charger mon pinceau d'un mélange lavande et lilas, l'excédent de peinture sur un mouchoir, puis recommencer à superposer les nuages, mais les tons semblent un peu trop doux J'ajouterai donc une touche de violet minéral au même mélange pour créer un ton légèrement plus intense Après avoir bien mélangé le tout, je vais à nouveau tamponner mon pinceau sur un mouchoir pour éliminer l' excès d'humidité puis en exerçant une très légère pression, je vais former des nuages d' apparence douce les garder aérés et naturels Je suis content de l'évolution du ciel jusqu'à présent Je vais donc m'arrêter ici et le laisser sécher complètement avant de passer à l'étape suivante. 20. Jour 3 : coucher de soleil serein près du lac Partie 2: Très bien, passons à la partie réflexion. J'utiliserai la technique mouillé sur mouillé, comme nous l'avons fait pour le ciel. Je vais commencer par mouiller le papier, mais attention. Évitez de prendre une brosse humide trop près de la ligne d'horizon S'il y a trop d'eau dans le bout de la brosse, l'eau commencera à s'infiltrer dans la zone asséchée du ciel, ce qui ruinera le ciel que vous voulez éviter Prenez donc votre temps pour effectuer cette étape et assurez-vous d'une application fluide et contrôlée de l'eau. Avec ma pointe légèrement humide, je vais glisser sur le bord jaune , puis passer mon pinceau au bas du papier Maintenant, ici, à ce stade, je mesure le reflet du nuage directionnel dans l'eau. Avant de me lancer dans la peinture, j'aime pratiquer mes traits pour me faire une idée approximative du mouvement et du placement. Maintenant, en utilisant mon pinceau Mob 00 de la série Silvertlo, de la même taille , je remixe les couleurs de mon ciel, les ajustant pour qu'elles correspondent aux nuages que nous avons peints dans le ciel Comme il s'agit d'un reflet, nous allons travailler avec des traits horizontaux effilés pour indiquer ce reflet des nuages Remarquez comment j'utilise simplement le bout et le bout de mon pinceau, appliquant une pression moyenne à légère pour créer ces ondulations subtiles Regarde bien mes coups de pinceau. Tout repose sur des mouvements doux et contrôlés pour capter le flux naturel des reflets dans l'eau. Ici, j'ai donc commencé à superposer du rose opéra sur orange corail pour ajouter profondeur et du contraste aux nuages, en imitant soigneusement les couleurs du début par quelques légers traits horizontaux avant de revenir à ces nuages directionnels dans le reflet Ensuite, je vais appliquer ce jaune de Naples sur le bout de mon pinceau humide et utiliser de légers traits délicats pour fondre doucement dans les roses C'est le même processus étape par étape que nous avons suivi pour le ciel, en maintenant l'harmonie entre le ciel et son reflet. Pendant que je peins, je peux déjà sentir un sentiment de calme et de sérénité m'envahir. Je pense que c'est la magie d' une palette de couleurs bien équilibrée. Il crée un flux sans effort, rendant le processus de peinture aussi paisible qu'une scène elle-même Pour le reste du reflet, je mélangerai doucement les taches jaunes et une touche d' orange si nécessaire, afin de garder mes traits très doux et fluides Ensuite, je vais introduire des traits diagonaux de mon mélange lavande et lilas, commençant par des traits plus larges en bas et en relâchant progressivement la pression au fur et à mesure que je me déplace vers le haut Cela crée de magnifiques traits inclinés qui suivent la direction des nuages, améliorant ainsi la perspective et le réalisme du reflet Je peux sentir le bord inférieur du papier sécher Je dois donc travailler rapidement pour mélanger le mélange de lavande lilas aux mélanger le mélange de lavande lilas roses pendant qu' il y a encore suffisamment d'humidité pour une transition en douceur J'utilise un mélange de lavande à valeur tonale moyenne pour m'assurer que lorsqu'il se mélange aux jaunes ou aux oranges, il ne crée pas un mélange boueux Garder les couleurs éclatantes et harmonieuses est essentiel à cet Je fais donc attention à la quantité de pigment que j'ajoute et que j'ajuste au besoin. À mesure que je me rapproche de l'horizon, je m'assure que mon pinceau est plein de rose pour éviter les mélanges boueux lorsque le lilas se mélange Voici une erreur que j'ai commise et que vous devriez éviter. Je pensais que mon ciel était encore humide ici, alors j'ai essayé de l'ajuster près de l'horizon, mais il s'est formé une étrange tache ici, créant un mélange très boueux là-bas Pour résoudre ce problème, je vais le laisser sécher complètement et me concentrer sur la peinture quelques légères ondulations dans l'eau utilisant le bout de ma taille pour pinceau synthétique Ensuite, avec une légère valeur tonale de mon violet minéral, pas trop liquide, je vais peindre avec soin des traits horizontaux courts et longs pour suggérer un mouvement dans l'eau je vais peindre avec soin des traits horizontaux courts et longs pour suggérer un mouvement dans l' Ensuite, j'ajouterai des tons plus foncés de mon violet minéral pour indiquer le reflux du bateau dans l'eau. La pointe de ce pinceau de taille 4 n'est pas très pointue, et par conséquent, ce reflux, que je suis en train de créer, a créé lignes floues très épaisses et floues, ce que je Allez-y donc et assurez-vous utiliser un pinceau à pointe plus fine, de préférence un pinceau de plus petite taille de taille numéro un ou deux Ensuite, je passe à un mini-pinceau à carrelage rempli de peinture grise ou d'étain neutre pour peindre cette bûche coincée dans l'eau, mais la pointe de mon pinceau est un peu trop liquide. Je vais donc tamponner l' excédent de peinture, puis utiliser la pointe du pinceau sec pour affiner doucement les C'est ça. Ma bûche s' est révélée trop épaisse. Il est donc préférable de procéder à cette astuce soit une fois que le papier est complètement sec, soit en contrôlant soigneusement la teneur en eau du pinceau. Je pense que je ne suis vraiment pas contente de la tournure du ciel près de l'horizon à cause de cette plaque boueuse qui s'est formée C'est moche. Ça ne me plaît pas. Je pense donc que je vais le dissimuler. Je vais peindre une chaîne de montagnes lointaine avec du feuillage à l'intersection du ciel et du plan d'eau. Et pour cela, j'ai créé ce mélange de mon violet chaud. Donc, à l'aide de ce pinceau synthétique numéro six et avec cette pointe pointue, je vais juste tracer la ligne d'horizon et peindre cette montagne lointaine. La technique que j' utilise ici pour créer cette montagne d' arrière-plan distincte est la technique humide sur sec, ce qui signifie que je pose de la peinture humide sur cette surface de papier sèche. Je vais juste me fondre rapidement dans cette chaîne de montagnes avec le bout de mon pinceau et m'assurer que le pied de la montagne sera plus clair. Confinez donc les valeurs tonales moyennes de vos violets dans la partie supérieure de la Je vais maintenant charger le mélange de peinture sur le bout de mon pinceau et commencer également à façonner la montagne sur la droite. Ensuite, en utilisant simplement le ventre du pinceau, je vais mélanger les couleurs près de l'horizon, afin une valeur tonale plus claire fur et à mesure que la couleur s'estompe au Cela permet de créer une impression de profondeur et de perspective atmosphérique dans notre peinture. Ensuite, je vais mélanger mon vert de sève à mon mélange de violet pour créer un vert tamisé parfait pour ce feuillage lointain À l'aide de mon pinceau en velours noir argenté de taille 6, je vais soigneusement ajouter du feuillage près de la zone inégale pour simplement la recouvrir Si vous n'avez pas cette zone inégale dans votre ciel, hésitez pas à sauter cette étape et ajouter uniquement la chaîne de montagnes lointaine Mais si vous souhaitez ajouter ce feuillage , ajoutez-le. Je serai là en tapotant avec le bout de mon pinceau pour reconstituer le feuillage, tout en gardant les traits légers et naturels Je vais faire varier la taille du feuillage, en gardant certains hauts et d'autres courts pour imiter le schéma de croissance naturel Cette variation ajoute du réalisme et de la profondeur à la scène. Maintenant, au lieu de faire courir le feuillage sur toute la longueur de l'horizon, je vais le laisser progressivement se réduire vers la gauche, près de l'horizon. Cela garantit que la montagne et le feuillage restent distincts, permettant à chaque élément de remplir sa fonction sans surcharger la composition. J'ai ici accéléré le processus car il est répétitif. L'essentiel ici est de maintenir la variation taille et de forme tout en gardant les traits souples et organiques. Il est maintenant temps de peindre notre bateau et son reflet. Je mélange une valeur tonale moyenne de teinte neutre pour cette astuce Mais ici, j'ai choisi la mauvaise taille de pinceau, ce qui a rendu cette dernière étape plus difficile que nécessaire. Pour éviter cela, je recommande vivement d'utiliser un pinceau rond de taille 2 ou 3 avec une pointe fine. Cela vous permettra de mieux contrôler les détails et la teneur en eau, garantissant ainsi des traits propres et précis. Maintenant, je vais utiliser le bout humide, sec et étalé de mon pinceau rond pour créer des traits verticaux sur le reflet du bateau existant. Remarquez ici que la pointe du pinceau n'était pas chargée de peinture. Il s'agissait simplement d'un pinceau sec et humide avec lequel nous mélangeons doucement le reflet J'ajouterai quelques lignes horizontales plus courtes pour suggérer subtilement le mouvement dans l'eau Inutile de vous inquiéter ici. Ce n'est pas le point central. Nous ajoutons simplement nos suggestions de mouvement et de profondeur au lieu de les surdéfinir. Je vais ajouter ces quatre fines lignes à l'aide du bout pointu de mon pinceau. Ici, contrôlez l'eau. Vous n'avez pas besoin d'une trop grande quantité de pinceau aqueux ou de passer à un pinceau synthétique de plus petite taille pour effectuer ces derniers détails Ici, je suis passée à un petit pinceau à dessin pour créer de petites figurines ressemblant à des humains , apportant une touche de vie et d'échelle. Toutefois, si vous préférez un look plus simple, vous pouvez ignorer les détails et laisser le bateau tel quel. Quoi qu'il en soit, cela fonctionne en fonction de l'humeur que vous souhaitez transmettre. Pendant que je rinçais ma brosse, j'ai accidentellement projeté une goutte d'eau sur le reflet du port, et je l'ai gâchée Et pour résoudre ce problème, j'avais tamponné la peinture avec un papier de soie Et maintenant, pour couvrir cet endroit, je vais ajouter quelques poteaux supplémentaires dans l'eau, en gardant à l'esprit la perspective linéaire. Je vais peindre des poteaux plus courts près du bateau, là où cet endroit semblait se trouver, pour les allonger progressivement mesure qu'ils s'approchent du bord inférieur du papier. Cela corrige non seulement l'erreur, mais améliore également la profondeur et la composition de cette peinture. Parfois, de petits accidents mènent à de meilleures décisions créatives, n'est-ce pas ? Je crée ces poteaux supplémentaires et, parallèlement, je crée le reflet des poteaux dans l'eau en utilisant simplement le mouvement en zigzag de mon pinceau Notre peinture est enfin terminée, même s'il y a eu pas mal d' accidents inattendus en cours de route, mais je suis vraiment heureuse de la façon dont tout s'est finalement déroulé. Une fois que votre papier est complètement sec, il est temps de décoller les rubans de masquage, la partie la plus satisfaisante du processus de peinture C'est ainsi que nous avons mené à bien notre projet de la troisième journée. J'espère que vous avez apprécié le processus malgré les défis qu'il comporte. 21. Jour 4 : palette de couleurs: Bonjour et bienvenue au quatrième jour. Pour commencer par l'analyse des couleurs. Je vais commencer par mélanger mon bleu outremer avec mon bleu clair pour mon Vous pouvez choisir n'importe quel bleu chaud et non tachant pour ce projet. Je travaillerai avec une valeur tonale moyenne de ce bleu pour notre ciel Ensuite, avec mon pinceau rincé, je vais déterminer la valeur tonale claire d'un mélange de teinte neutre et d'indigo. C'est ce même mélange que nous allons utiliser pour créer ces nuages plus sombres près de l'horizon, comme vous pouvez le voir dans cette peinture finale. Il s'agit donc du mélange de valeurs tonales claires. Ensuite, je vais faire attention à mon ocre jaune avec le pigment PY 42, qui est un jaune sourd et tourbillon. Nous utiliserons cette couleur pour nos prairies. Ensuite, il y a du vert jaunâtre, un beau vert jaune chaud granulé, à nouveau issu de l'art de Shinhan Si vous n'avez pas cette couleur disponible , ne vous inquiétez pas. Vous pouvez facilement préparer cette couleur similaire en mélangeant vos jaunes chauds à vos verts et en mariant les proportions de jaune et de vert, comme deux pour un, plus de jaunes et moins de vert, vous obtiendrez une couleur similaire à ce jaune verdâtre La couleur suivante que je vais choisir est le vert de ma sève. Maintenant, vous devez déjà savoir mélanger cette couleur car nous avons couramment utilisé cette couleur dans nos projets précédents. Nous allons maintenant obtenir une teinte verte plus foncée en mélangeant le vert de ma sève avec du bleu outremer, soit avec votre teinte neutre, soit Lorsque vous mélangez ces tons plus foncés avec votre vert, vous obtiendrez une teinte de vert plus foncée, que nous utiliserons pour créer les herbes au premier plan Et puis la dernière couleur que je vais essayer est ma couleur de Sienne brûlée C'est un brun très vif et chaud que je vais utiliser pour peindre le toit de ce monument. Voici un bref récapitulatif en couleur pour vous à l'écran. J'espère que tes couleurs sont prêtes. Passons maintenant à notre projet. 22. Jour 4 : Nuages cirrus délicats partie 1: Très bien, il est temps de commencer notre quatrième jour. Tout d'abord, tapotons un papier sur les quatre sites à l'aide de ruban adhésif Maintenant que notre papier est sécurisé, passons à la création d'un croquis de base. Nous laisserons les deux tiers du papier pour le ciel et tracerons d'abord notre ligne d' horizon. Ensuite, j'utiliserai une règle et j' esquisserai la structure du bâtiment juste au centre du papier. Comme il sera placé plus loin en arrière-plan, faites attention à sa taille pour conserver la bonne perspective. Comme toujours, je recommande de regarder la leçon en entier avant de peindre. De cette façon, vous aurez une idée précise de ce qui va suivre et serez mieux préparé lorsque vous peindrez. Regardez-moi pendant que je crée ce croquis. se peut que je fasse quelques ajustements ici et là jusqu'à ce que je sois satisfait du look final. Observez donc d'abord le processus d'esquisse, puis suspendez l'écran sur la version terminée avant de commencer votre propre croquis OK, maintenant que notre croquis est prêt, commençons à peindre. Nous allons d'abord commencer par le ciel. Pour que le papier reste humide plus longtemps, je vais bien mouiller la surface. Aujourd'hui, nous allons peindre un ciel délicat parsemé de nuages épais et striés. Je suis complètement tombée amoureuse de ces nuages lorsque je les ai repérés pendant mes vacances en Australie, et j'ai toujours voulu les peindre. Ce cours m'a semblé être l'occasion idéale de donner enfin vie à cette vision. Vous pouvez constater que je mouille le papier deux à trois fois pour qu'il reste humide plus longtemps, ce qui me permet de travailler en douceur, mouillé sur mouillé . Prenez votre temps lorsque vous appliquez de l'eau sur votre papier Il n'est pas nécessaire de se précipiter. Observez comment je mouille soigneusement le papier uniquement autour du bâtiment Si vous êtes débutant, vous trouverez peut-être utile de masquer le bâtiment avant de commencer, d' appliquer du liquide de masquage ou de couper le ruban adhésif pour qu'il utile de masquer le bâtiment avant de commencer, appliquer du liquide de masquage ou de couper épouse le contour du bâtiment, tout en préservant l'espace négatif Pour le ciel, je vais utiliser deux de mes brosses à balai préférées L'une est de taille zéro, zéro et l'autre de taille 20, les deux sont des brosses à cheveux naturelles. Maintenant, je suis en train de charger le bout humide de mon balai taille 20 avec un mélange de mon bleu outremer. Je travaillerai avec une valeur tonale moyenne créer une consistance crémeuse pour une application fluide préparer votre mélange de peinture, testez-le sur un bout de papier pour vérifier la valeur tonale avant de l'appliquer sur votre peinture Cela vous aidera à vous assurer que la couleur correspond parfaitement à l'effet que vous souhaitez obtenir. Ensuite, je vais prendre mon balai humide numéro 80 et appliquer à nouveau l'eau sur le ciel Cela garantit que le papier est complètement saturé, permet à la peinture de se fondre et de s'écouler en douceur, créant ainsi un ciel doux et homogène. Ici, je vais ajuster l'intensité de mon mélange de peinture en ajoutant deux à trois gouttes d' indigo dans mon mélange de bleu outremer, puis je vais charger mon pinceau et commencer à appliquer des traits inclinés Oups, il y a un peu trop d'eau. Je vais presser le ventre du pinceau sur un mouchoir en papier pour éliminer l'excès d'eau l'aide du bout et du bout de mon pinceau, et avec une pression contrôlée, je vais créer des traits inclinés, en veillant à laisser de grands espaces entre les deux pour créer un effet aéré naturel des nuages que nous recherchons Maintenant, j'utilise mon pinceau propre et humide, et je vais enlever une partie de cette peinture pour créer des motifs ondulés dans les zones blanches que nous avons laissées plus tôt Cela contribue à améliorer la douceur des nuages graves. J'utiliserai également cette technique pour affiner les bords des plumes afin d'obtenir un look plus homogène Observez mes coups de pinceau ici. Observez comment j'utilise la pointe humide et sèche de mon pinceau pour faire ressortir la couleur des zones où je remarque l'effet plumage. Cela permet d'adoucir les bords raides et conserver l' aspect délicat et vaporeux des nuages de crus. Ensuite, je vais passer à mon pinceau à serpillère taille 00 et appliquer à nouveau les tons intenses de appliquer à nouveau les tons intenses de mon mélange Indigo et bleu outremer, en ajoutant de la profondeur et du contraste au ciel là où c'est nécessaire Pour ne pas ajouter de la profondeur au ciel près de l'horizon, je vais préparer un mélange léger de bois brûlé et d'indigo Une fois le mélange préparé, je vais commencer à peindre les nuages les plus sombres avec des traits horizontaux , puis je les tracerai doucement vers le haut suivant la direction naturelle des nuages. Ici, à l'horizon. Maintenant, je vais rincer mon pinceau, retirer tout l'excès de peinture, puis recharger la pointe avec la valeur tonale claire de ce mélange de gris Je vais commencer à l' appliquer près de la base de la ligne d'horizon en effectuant des mouvements légers et doux, en veillant à laisser de grands espaces entre les deux pour une aération naturelle. Maintenant, observez comment je nourris le mélange de gris à l' aide d'un pinceau sec et humide, caressant doucement vers le haut pour suivre le rythme naturel des traînées de nuages. Cela permet de créer une transition fluide et de donner aux nuages aspect doux et aéré tout en ajoutant de la profondeur et du contraste. Maintenant, je vais rincer mon pinceau et le faire sécher sur mon papier de soie À l'aide de touches douces orientées vers le haut, je vais mélanger les gris au bleu, créant ainsi une transition fluide et striée dans Maintenant, avec un pinceau propre, humide et sec, je vais étaler les poils et commencer par les zones blanches en soulevant doucement la peinture pour créer des stries blanches dans Chaque fois que je soulève le blues, je nettoie le bout de mon pinceau sur la serviette en tissu pour éviter de brouiller les couleurs. Je vais répéter ce processus jusqu'à ce que j' aie défini suffisamment de direction et de mouvement dans le ciel, capturer la délicate nature vaporeuse des cirrus À ce stade, je vais ajouter une touche de violet à la base de l'horizon, mais c'est expérimental. Vous n'avez pas besoin de le faire dans votre peinture. Évitez cette étape si votre ciel a déjà commencé à s' assécher, car l'ajout nouvelles couleurs sur une surface semi-sèche peut créer des bords indésirables au lieu de créer des mélanges lisses, et vous verrez que je vais en souffrir dans les prochaines minutes. Mais je pense que je n'aime pas ce violet près de la ligne d'horizon, alors j'ai décidé de le recouvrir d'une fine couche de mon mélange de gris, qui se transformera en nuages horizontaux. Et je vais rapidement le fondre dans le ciel desséchant l'aide de la pointe effilochée et humide du pinceau, en m'assurant de ne faire que mélanger et de ne pas soulever la peinture Une pression trop forte à ce stade pourrait involontairement soulever les couches sous-jacentes Je garde donc mon pinceau très léger, doux et contrôlé Mais mon ciel a déjà commencé à sécher, et ma peinture partirait d'ici. 23. Jour 4 : Nuages cirrus délicats partie 2: OK, il est temps de passer au premier plan de la prairie. Pour cela, je prépare une valeur tonale moyenne de jaune verdâtre pour cette zone Avec mon pinceau humide, je vais d'abord appliquer de l'eau propre sur la partie inférieure du papier, en veillant à ne pas mouiller la zone proche de l'horizon pour déranger le ciel car celui-ci est partiellement abîmé. Je vais maintenant commencer à appliquer le mélange jaune verdâtre depuis la zone sèche près de l'horizon et le mélanger progressivement vers le bas jusqu'à la partie inférieure humide pour une transition en douceur Maintenant, je vais commencer à mélanger mes légumes verts avec le jaune verdâtre restant sur ma palette et ajouter un peu de mon mélange bleu pour créer une teinte verte plus foncée À l'aide du bout de mon pinceau, je vais commencer à déposer ce vert plus foncé verticalement en bas du papier. Comme le fond est déjà mouillé, la peinture commencera à s'étaler naturellement, et nous la mélangerons à l'aide de notre peigne, en effectuant traits vers le haut pour créer des motifs semblables à ceux de l'herbe. Maintenant, j'ai mélangé un peu de mon indigo à mon mélange vert pour créer un ton vert plus intense, puis je vais commencer à appliquer cette teinte plus foncée à la base du pré, pour donner de la profondeur et de la dimension au Cela permettrait de créer une impression naturelle de l'ancrage et du contraste du paysage Avec le bout de mon peigne, je vais maintenant créer de légers traits horizontaux juste en dessous de la ligne d'horizon, laissant apparaître subtilement la sous-couche jaune verdâtre Cela ajoutera de la texture et de la profondeur à la prairie. Parlons maintenant de l' éléphant dans la pièce. Ces brèches sèches dans le ciel ont besoin d'être réparées. Je vais essayer d'utiliser le bout moelleux de mon pinceau à sorcière sec pour voir si je peux les lisser, mais le problème, c'est que le papier sèche de manière inégale Je vais donc passer à la pointe humide et sèche de mon pinceau à balai et essayer de mélanger légèrement les bords, mais cela crée également plus de taches, aggravant le mais cela crée également plus de taches, . Vous pouvez maintenant voir ce qui se passe ici. l'heure du plan C. Je vais prendre mon balai taille 80, l' humidifier suffisamment pour que la pointe soit légèrement mouillée, puis étendre les poils et le charger avec la valeur tonale claire Maintenant, je vais commencer doucement à appliquer des traits obliques sur les feuilles sèches, en faisant très doucement pour ne pas trop déranger les couches. Cela devrait permettre d'unifier le ciel tout en préservant sa douceur Ça a l'air mieux, mais je n'en suis toujours pas totalement satisfait. En utilisant la même pointe de mon pinceau, je vais maintenant prendre une valeur tonale très claire de mon mélange de gris et commencer à appliquer les mêmes traits inclinés, mais encore plus légèrement Pour l'affiner davantage, j'ajouterai un peu plus de ce mélange de gris foncé si nécessaire et j'utiliserai la pointe de mon pinceau taille 00 pour estomper en douceur les bords du côté droit et du côté gauche. Cela devrait fonctionner et nous aider à couvrir ce ciel. Maintenant, si vous vous demandez pourquoi je n'ai tout simplement pas raté le papier, voici pourquoi la brumisation aurait réactivé tout le ciel, facilitant ainsi la réparation de la zone inférieure Mais cela signifierait également refaire la partie supérieure du ciel, y compris les délicates traînées des cirrus Cela aurait pu s'avérer bien plus compliqué que ce à quoi nous avons affaire actuellement Il est donc préférable de travailler de manière sélective plutôt que de risquer de surcharger le ciel entier J'espère que votre ciel ne s'est pas passé comme ça et que vous regarderez d'abord l'intégralité de la leçon pour savoir ce qu'il faut éviter au départ. réparation d'un tel ciel dépend en grande partie La réparation d'un tel ciel dépend en grande partie des coups de pinceau délicats que vous appliquez et la compréhension de l' humidité de votre papier, ce qui n'est possible qu' avec Pour un grand nerd, cela peut sembler un peu délicat, mais maintenant que vous savez comment aborder Remember, il n'est pas impossible de réparer un ciel qui ne s'est pas déroulé comme prévu Avec de la patience et les bonnes techniques, vous pouvez toujours lui redonner vie. Il est temps de réparer mon pré. J'ai un peu peur de le rater, car mon papier se comporte de façon imprévisible en termes de rétention d'humidité et de séchage de Au lieu de cela, je vais d'abord utiliser un embout légèrement humide pour un embout légèrement humide pour réparer les saignements près de l'horizon Nous mouillerons la partie inférieure plus tard, mais pour l'instant, concentrons-nous sur la création du feuillage de fond, en utilisant mon mélange de jaune verdâtre, puis j'ajouterai des tons verts plus foncés à la base pour apporter de l'ombre et de la profondeur, donnant à la prairie un aspect plus naturel et plus dimensionnel Je prépare maintenant un mélange de mon jaune verdâtre avec une valeur tonale moyenne, et à l'aide de mon pinceau rond taille 6, je vais d'abord déposer une épaisse bande verte le long de la ligne d'horizon Ensuite, je vais commencer à ajouter le feuillage en utilisant des coups de pinceau sur le dessus pour créer un effet naturel et organique. Ici, nous travaillons sur une technique humide sur sec, alors assurez-vous que votre ciel est complètement sec avant de commencer cette étape Sinon, les couleurs pourraient se répandre dans le ciel et les réparer deviendrait encore plus difficile et impossible Je vais répéter le même processus de création de notre feuillage sur le côté gauche de la ligne d'horizon. Maintenant, je vais ajouter des tons verts plus foncés à la base du feuillage pour créer de la profondeur et contraste sur toute la ligne d'horizon. Ce faisant, je veillerai à ce que des parties vivantes de cette sous-couche verte puissent traverser, ce qui permet de conserver la dimension et la profondeur et d'empêcher le feuillage de paraître plat Cette technique de superposition améliorera l'aspect naturel du paysage temps de réhumidifier le premier plan Nous avons ici deux options : soit omettre soigneusement le premier plan lorsque vous couvrez le ciel et l'horizon pour éviter de réactiver ces zones, soit utiliser un pinceau humide pour doucement un jet d'eau plat en commençant par le bas et en travaillant à le bas et en travaillant mi-chemin sous l'horizon, comme je le fais ici, veillant à ce que cela Il est temps de réhumidifier le premier plan. Nous avons ici deux options : soit omettre soigneusement le premier plan lorsque vous couvrez le ciel et l'horizon pour éviter de réactiver ces zones, soit utiliser un pinceau humide pour appliquer doucement un jet d'eau plat en commençant par le bas et en travaillant à mi-chemin sous l'horizon, comme je le fais ici, en veillant à ce que cela ne perturbe pas le feuillage. couches que nous venons de peindre. Avec mon pinceau humide de taille 00, je vais charger une valeur tonale claire de jaune verdâtre et l'étaler légèrement sur le premier plan mouillé Comme la base est encore humide, cela réactivera le vert foncé Veillez donc à ne pas pénétrer dans les plus claires après avoir recouvert les zones les plus foncées Utilisez des tons verts plus foncés , en les confinant au bas du pré pour améliorer la profondeur et le contraste Il s'agit de la même répétition du processus que nous avons utilisé au début de cette leçon pour créer le motif herbeux en utilisant de légers traits ascendants avec le bout de mon pinceau pour imiter la texture naturelle du Cette superposition contribuera à donner vie au premier plan tout en le maintenant visuellement connecté au reste du paysage Maintenant, avec mon peigne, je vais pousser les tons les plus foncés vers le haut en effectuant des traits légers à partir du bout du pinceau , comme nous l'avons fait au début de la leçon. Je couvrirai le ciel et l'horizon et j'utiliserai mon pinceau rond pour projeter des gouttes d' eau sur le pré Cela créera une belle texture avec des fleurs douces ajoutant une touche très naturelle à l'effet herbacé Si vous voulez expérimenter, vous pouvez également saupoudrer un peu de sel sur la surface humide. Ensuite, nous allons commencer à peindre le bâtiment avec une légère touche d' ocre jaune, en gardant les tons doux pour correspondre à la perspective atmosphérique de la scène Assurez-vous que la pointe de votre pinceau n'est pas trop liquide pour éviter que la peinture ne s' infiltre dans le ciel Tamponnez l'excès d'eau sur le ventre du pinceau et peignez simplement avec le bout du pinceau S'il y a trop d'eau, la peinture risque de s'étendre de façon incontrôlable, en particulier près des abords du bâtiment En gardant le pinceau humide et en évitant qu'il ne coule pas vous pourrez mieux contrôler la forme et les bords Sur le côté gauche du bâtiment, j'utiliserai une valeur tonale très claire teinte neutre pour ajouter des ombres, créant ainsi la profondeur dont nous avons besoin De plus, je vais commencer à appliquer l'ombre en partant de la gauche, puis utiliser un pinceau propre et humide pour l'intégrer doucement à l'ocre jaune, garantissant ainsi une transition en douceur entre l'ombre et la lumière Maintenant, je vais commencer à peindre le toit en utilisant un mélange de sienne brûlée et d'un peu de pourpre pour lui donner une Assurez-vous de contrôler l' eau ici. Une trop grande quantité d'eau peut faire pénétrer la peinture dans les zones indésirables, tandis qu'une quantité insuffisante peut créer des stries irrégulières. Travaillez avec une consistance moyenne pour obtenir une application fluide et contrôlée Attendez que le toit soit complètement sec, puis commencez à ajouter les fenêtres comme nous l'avons dessiné, soit en utilisant le bout fin de votre pinceau teinté de couleur neutre soit en utilisant un stylo micron fin imperméable pour des lignes nettes et précises Si votre papier est complètement sec, décollez délicatement les rubans de masquage en biais pour révéler les bords nets et nets Et avec cela, notre quatrième journée est terminée. J'espère que vous avez appris quelque chose de précieux grâce à cet exercice et que vous avez également apprécié le processus. Je te reverrai demain pour le prochain cours. 24. Jour 5 : palette de couleurs: Bien, passons rapidement en revue les couleurs dont nous aurons besoin pour notre projet du cinquième jour. Pour ce ciel spectaculaire, j'utiliserai principalement cinq couleurs clés pour créer de la profondeur et de l'ambiance. Regardons-les d'abord pour avoir une idée précise de la façon dont ils interagissent les uns avec autres avant de commencer à peindre. La première couleur que je vais choisir est le jaune de Naples, un ton doux et chaud qui jette les bases d'un ciel radieux Ensuite, ce sera mon rose opéra. Mais si vous n'avez pas d'opéra, vous pouvez opter pour un magenda chaud ou un rose vif, mais assurez-vous qu'il soit plus chaud Lorsque le rose opéra et le jaune de Naples sont combinés, ils créent une belle teinte orange douce. Ensuite, nous choisirons lilas ou de la lavande pastel Si vous ne savez pas comment mélanger cette couleur, reportez-vous à la palette de trois couleurs D, où nous avons déjà appris comment la créer. Ensuite, nous adoucirons le violet minéral en le mélangeant au lilas pour atténuer la saturation intense des couleurs, créant ainsi une teinte plus douce et plus harmonieuse pour Vient ensuite mon violet permanent chaud, que nous utiliserons beaucoup pour ajouter de la richesse et de la profondeur au ciel et au premier plan Gardez donc cette couleur à portée de main. Nous aurons également besoin d'un bleu ciel pastel pour capturer la douce lumière qui s'estompe d'une journée qui touche à sa fin Si vous n'avez pas cette couleur avec vous, reportez-vous à la palette de couleurs du premier jour, où nous avons discuté de la façon de la mélanger. Enfin, nous aurons également besoin d'une teinte neutre ou de nos peintures grises pour créer des mélanges désaturés ou pour ajouter du contraste si nécessaire . Alors allez-y, repérez les couleurs dont vous disposez et trouvez celle qui correspond le plus à celles que j' ai présentées. Une fois que vos couleurs sont prêtes, commençons le cinquième jour. 25. Jour 5 : coucher de soleil spectaculaire avec silhouette urbaine partie 1: Bienvenue au cinquième jour. Commençons par coller notre papier sur les quatre côtés à l'aide de mon ruban adhésif notre papier sur les quatre côtés à l'aide de mon ruban Maintenant que notre papier est sécurisé, nous allons commencer par tracer la ligne d'horizon. La majeure partie de la composition sera consacrée au ciel, tandis que la zone située le long la ligne d'horizon présentera une silhouette de ville. Pour ce projet du cinquième jour, je n'ai pas suivi de référence précise. Cette pièce est plutôt inspirée par mes observations et les magnifiques couchers de soleil que je peux observer tous les jours depuis mon studio Une fois notre ligne d'horizon esquissée, nous passerons directement à la peinture du ciel en utilisant la technique mouillé sur mouillé Comme les jours précédents, je vais m'assurer que mon papier est uniformément recouvert d'une couche d'eau uniforme. Je vais répéter ce processus deux à trois fois pour assurer que le papier reste humide plus longtemps, ce qui permet des transitions de couleurs plus fluides et fluides. Maintenant, je vais prendre un papier de soie et essuyer doucement tout excès d'eau sur le ruban adhésif Cela empêche tout reflux d'eau sur une peinture une fois que nous commençons à ajouter de la couleur au ciel Vous remarquerez peut-être que le papier absorbe maintenant l'humidité, ce qui le fait légèrement gonfler à quelques endroits. C'est tout à fait normal et cela indique que la surface est bien préparée pour la technique mouillé sur mouillé. Commençons maintenant à peindre. À l'aide de mon balai humide de taille 00, je vais commencer à préparer un mélange de jaune de Naples et de Jean Brilliant numéro deux Et avec ce mélange de jaune pastel, je vais commencer à peindre le ciel en utilisant une variété de traits. Je vais d'abord partir du coin gauche du papier, observer comment mon pinceau glisse sur le papier et comment je travaille avec le bout et le bout du pinceau, pour créer des transitions douces lorsque je fais varier la pression Observez ici comment j' utilise à la fois le ventre et le bout du pinceau pour façonner les nuages en mes traits et en développant progressivement leur forme, étendant et en les affinant naturellement. Cette technique permet non seulement créer des nuages organiques mous, mais aussi de créer une impression de mouvement directionnel dans le ciel, donnant à la composition une apparence plus dynamique et plus vivante. Observez comment je superpose une valeur tonale moyenne de jaune Naples sur le lavis précédent répétant le même schéma de traits J'ai volontairement laissé des espaces blancs dans le ciel. Elles sont cruciales pour créer de la profondeur et du contraste ultérieurement. Lorsque vous superposez le jaune, veillez à ne pas couvrir tout le ciel. Maintenant, en partant de la droite, je vais commencer à ajouter une valeur tonale moyenne de rose opéra mélangée à un peu de jaune Je le superpose de manière à ce que les jaunes passent à travers les roses, créant ainsi un Remarquez comment j'utilise des traits semi-horizontaux décalés. Cette technique permet de mélanger les couleurs de manière harmonieuse tout en conservant une sensation naturelle et atmosphérique dans le ciel. Je vais maintenant ajouter des valeurs tonales moyennes ou du violet minéral à l'aide d'un pinceau humide, en le superposant à l'extrémité du nuage jaune directionnel Je vais sécher doucement mon pinceau sur un mouchoir, puis charger l'embout avec le même mélange. Grâce à cela, je vais commencer à étaler la couleur en suivant la direction du nuage, sans presque couvrir le jaune. Je travaille rapidement ici car nous ne pouvons pas nous permettre de tarder à appliquer des couches aussi sombres Le papier commence à sécher, il peut être difficile de vérifier le ciel à ce stade, autant plus que nous travaillons avec des couleurs complémentaires comme le jaune et le violet Continuez donc à observer les mouvements de mon pinceau et, si possible, observez d'abord l'intégralité du pinceau pour avoir une idée précise de ce qui va suivre et peignez en suivant. À l'aide de la pointe de mon pinceau humide, je peins maintenant des nuages horizontaux au-dessus et le long de la ligne d'horizon avec mon mélange de violet minéral. Contrôlez l'eau à cette étape. Ensuite, je vais nettoyer mon pinceau et préparer un mélange bleu-gris lavande. Maintenant, à ce stade, je prépare une valeur tonale moyenne de ce mix Assurez-vous de toujours tester vos mélanges de couleurs sur un bout de papier avant commencer à peindre les nuages. Je vais commencer par ajouter ce mélange aux espaces blancs situés sur le côté droit du ciel. À ce stade, je m' assure de ne pas laisser le bleu toucher le violet pour l'instant. Je vais également commencer à appliquer ce mélange de lavande bleue dans le coin supérieur gauche du ciel. Notez que j'utilise ici une valeur tonale claire pour éviter tout problème de vert indésirable lorsque je superpose le jaune Observez attentivement mes coups de pinceau ici. J'active l'ensemble du pinceau en faisant varier la pression pour créer des transitions douces et naturelles. À cette étape, il est crucial de contrôler la teneur en eau de votre peinture, la teneur en eau de votre peinture, ainsi que de votre pinceau. Si votre pinceau est trop liquide ou si votre mélange de peinture est trop aqueux, vous aurez des saignements indésirables lorsque vous commencerez couches ou à créer ces nuages Et si elle est trop sèche, la peinture ne glissera pas facilement sur la surface Je vais maintenant créer un mélange de peinture composé de mon violet permanent avec une goutte d'indigo pour créer une couleur plus foncée. Assurez-vous de ne pas y aller trop fort, utilisez des valeurs tonales moyennes de cette couleur et commencez appliquer ce mélange en haut à gauche du ciel en utilisant des traits vers l'intérieur Mais malheureusement, mon appareil photo n'avait plus de batterie et je n'ai donc pas pu filmer cette partie. Ici, j'ai tamponné l'excès d'eau de mon pinceau et je passe légèrement sur les violets en utilisant juste le bout pour réduire l'intensité Ici, je vais charger mon pinceau avec un mélange de lavande avec une goutte d' indigo et commencer à créer de petits nuages vaporeux, en veillant à ce que les jaunes soient toujours visibles Maintenant, juste en dessous du mélange chaud, violet et indigo. Je vais commencer à déposer mon mélange frais de violette minérale et d'opéra tout en contrôlant soigneusement la teneur en eau. Maintenant, en utilisant le même pinceau que celui que j'ai utilisé avec mes roses, je vais prendre le mélange violet indigo et commencer à former des nuages sur le côté droit Remarquez comment cette technique crée un double ton dans les nuages, ajoutant de la profondeur et de la variation. À ce stade, il s'agit augmenter soigneusement la profondeur et le mouvement ciel avec des tons plus foncés, tout en veillant à ce qu'ils ne dominent pas la composition L'essentiel est de laisser transparaître ces couleurs plus claires créer un effet lumineux qui rehausse le caractère dramatique du coucher de Maintenant, je vais commencer à ajouter quelques nuages horizontaux ici à l'horizon. Heureusement, mon papier est encore humide Je vais donc ajouter quelques traînées horizontales de nuages juste au-dessus de l'horizon, sous les violets Ensuite, je vais revenir au plus grand nuage flottant en haut et approfondir les tons sous les violets pour ajouter plus de dimension et de profondeur Je peux le faire sans problème car mon papier est encore humide, ce qui permet aux couleurs de se mélanger naturellement. Mais si vous remarquez que votre papier a commencé à sécher, vous pouvez soit ignorer cette étape, soit incorporer ces tons plus foncés plus tôt dans le processus pour éviter les bords durs indésirables. Et avec cela, nous avons terminé notre ciel. Je vais maintenant le laisser sécher complètement avant de passer au paysage urbain Slout au En attendant, je vais préparer un mélange de violet chaud avec une valeur tonale plus claire de teinte neutre. Maintenant que mon ciel est complètement sec, je vais commencer à appliquer ce mélange de peinture la section de premier plan en utilisant la technique humide sur sec. Je vais commencer par appliquer un vernis à plat sur toute la section, afin d'assurer une couverture lisse et uniforme. Une fois cela fait, nous allons continuer à partir d'ici dans la partie suivante. 26. Jour 5 : contour urbain spectaculaire au coucher du soleil - Partie 2: OK, maintenant que notre premier plan est prêt avec une couleur de base, il est temps de commencer à ajouter des bâtiments en arrière-plan À l'aide de mon pinceau ultra rond taille 6, je vais peindre un mélange de grands et de petits bâtiments le long l'horizon pour représenter l'horizon de la ville Je vais presser doucement le ventre de ma brosse pour contrôler le débit d'eau et commencer à ajouter les bâtiments. À ce stade, il est essentiel de maintenir un contrôle adéquat de l'eau pour éviter toute fuite de peinture indésirable. Nous voulons que les bâtiments de fond soient élégants et bien définis. Ainsi, garantir la bonne consistance de la peinture aidera à obtenir cet effet net et net. les bâtiments en arrière-plan, je vais commencer par une légère valeur tonale de notre mélange de peinture, tandis que pour ceux légèrement en dessous de l'horizon, je vais utiliser tons légèrement plus foncés pour créer de la profondeur À ce stade, je n'étais pas tout à fait sûre de l'apparence que je voulais donner à l'horizon de ma ville, car je travaillais sans aucune référence fixe J'ai débattu entre peindre plusieurs couches de bâtiments avec des lumières scintillantes ou rester simple Finalement, j'ai ressenti une forte envie de choisir une seule ligne de bâtiments à l'horizon et de les séparer du premier plan par un plan d'eau À l'étape suivante, j' ajouterai ce plan d'eau, alors continuez à observer le processus de près. Désormais, au lieu d'utiliser un pinceau rond pour peindre ces bâtiments, vous pouvez également utiliser un pinceau plat de plus petite taille ou un pinceau angulaire La pointe carrée des pinceaux facilite la création de formes rectangulaires épurées, vous permet de réaliser bâtiments nets et bien définis avec un minimum d'effort. À ce stade, je pense qu'il sera plus facile de passer à un balai pour commencer à appliquer le mélange de peinture pour le plan d'eau La brosse à balai aidera à obtenir un lavage lisse et uniforme tout en permettant un mélange subtil, créant ainsi un effet réfléchissant naturel dans l' Maintenant, j'ai chargé mon pinceau à balai d'un léger mélange de tons neutres et de violet chaud, et j'en remplis la partie inférieure sous la ligne d'horizon Pour suggérer un plan d'eau reflétant les teintes d'opéra du ciel, je vais ajouter une touche de rose opéra à cette zone. Ensuite, pour le premier plan abstrait, j'utiliserai une valeur tonale moyenne de teinte neutre mélangée à mon violet, comme nous avons peint le pré dans nos Ensuite, je vais couvrir le ciel d'une feuille de papier et ajouter des éclaboussures d'eau pour créer de la texture, donnant à cette peinture un aspect unique Maintenant, au lieu d'éclaboussures d'eau, vous pouvez également essayer d'ajouter des cristaux de sel ou du sel gemme dans cette zone et créer la texture Et avec cela, notre peinture est enfin terminée. Nous allons maintenant le laisser sécher complètement avant de décoller le ruban adhésif pour révéler ces bordures blanches nettes et J'adore le résultat de cette pièce. Essayez-le et applaudissez votre travail dans la section des projets et des ressources J'adorerais connaître votre point de vue à ce sujet. Je te reverrai pour le sixième jour. 27. Jour 6 : palette de couleurs: Bienvenue au sixième jour. Passons rapidement en revue les couleurs dont nous aurons besoin pour le projet Art Today. La première couleur que je regarde est le jaune de Naples. Mon jaune de Naples provient de l'art Shinhan et est fabriqué à partir de PY 35, un pigment jaune froid, et de PW six, qui est un pigment blanc Si vous n'avez pas cette couleur exacte, vous pouvez facilement la créer en mélangeant un jaune froid avec une touche de courge blanche Vient ensuite le jaune-orange, une belle couleur jaune-orange chaude. Vous pouvez facilement mélanger un rouge chaud avec un jaune chaud pour obtenir cette couleur au cas où vous ne l'auriez pas sous la main. La prochaine couleur que je vais choisir est mon rose opéra Maintenant, le rose opéra est un rouge chaud très vif et magnifique. Mélangé avec du jaune de Naples ou du jaune orange, il donne une très belle couleur orange corail. La couleur suivante que je vais cracher est mon bleu-gris, qui est, encore une fois, une très belle couleur pilon moelleuse Maintenant, la couleur suivante est mon violet minéral, et la suivante est le vert sève, suivie du bois brûlé et d'une teinte neutre. La plupart de ces couleurs ont déjà été utilisées dans des projets précédents, et j'ai également expliqué comment les mélanger au cas où vous n'auriez pas les couleurs exactes disponibles. Maintenant, au cas où vous n' auriez pas votre teinte neutre, vous pouvez toujours utiliser vos peintures gris ou noir ivoire pour remplacer cette couleur. En utilisant maintenant notre teinte neutre et une petite touche d'indigo, ainsi que du violet minéral et du gris bleu, nous allons créer un riche mélange de noir parfait pour nos nuages orageux C'est juste pour les couleurs. Vous pouvez voir un récapitulatif à l'écran, alors préparez vos couleurs et passons à notre projet final 28. Jour 6 : une journée orageuse partie 1: Bien, commençons notre sixième journée. Comme toujours, je commence par coller mon papier avec du ruban adhésif pour qu'il reste plat et bien fixé. Pour le tableau d'aujourd'hui, j'ai combiné deux références. Vous pouvez les voir à l'écran. Pour la première image en haut à gauche, je vais utiliser la ligne d'horizon pour établir la composition. Cependant, pour la palette de couleurs, je vais suivre la deuxième référence, qui se trouve en bas à gauche. Commençons maintenant par la technique mouillé sur mouillé. Je vais commencer par appliquer une couche d'eau uniforme sur le ciel. Assurez-vous de superposer l' eau progressivement, en laissant le papier absorber lentement l'humidité. Cela garantit une surface lisse et uniforme. Évitez d'inonder le papier avec un excès d'eau, car nous ne voulons pas que des piscines se forment. Avant de passer à autre chose, je prends un mouchoir en papier pour essuyer délicatement les bords du ruban adhésif Cela empêche le reflux et permet de garder nos bords nets. J'incline légèrement mon bateau pour m'assurer que l'eau est uniformément répartie sur le papier Vous pouvez vérifier cela en observant la brillance. Il doit être uniforme, sans taches sèches ni traction excessive. Maintenant que la surface est prête, je vais mélanger mon jaune de Naples avec du jaune orange et commencer à l'appliquer à la base de la ligne d'horizon Ce mélange créera une base douce et éclatante pour notre ciel, préparant le terrain pour un coucher de soleil à l'atmosphère chaleureuse En posant le jaune, je laisse un petit espace blanc sur la droite. Cela aidera à créer l'effet lumineux doux que nous voulons obtenir dans notre ciel Si je remarque que mes couleurs dérivent dans cette zone, j'utiliserai le bout sec et humide de mon pinceau pour soulever doucement la peinture et conserver son éclat intact Maintenant, à l'aide du bout humide de mon pinceau, j'ai mélangé du rose opéra à mon mélange jaune-orange. En tenant mon pinceau à la verticale, j' appliquerai soigneusement le mélange rose en exerçant une légère pression contrôlée. Prêtez attention à la façon dont j'utilise le bout de mon pinceau. Cela aidera à maintenir une transition délicate entre les couleurs. Ici, je remarque que mes peintures dérivent dans l'espace blanc Je vais donc utiliser le bout humide de mon pinceau pour les retirer doucement, tout en préservant leur douce lueur Maintenant, je vais mélanger mon rose opéra avec le jaune de Naples. Mon mélange est légèrement aqueux ici car le dessus de mon papier commence déjà à sécher Cette humidité supplémentaire aidera à maintenir la surface utilisable pendant que je poursuis la pose Observez mes coups de pinceau ici. J'utilise un mélange de traits longs et courts en diagonale, en les maintenant légèrement inclinés Je laisse également des bonnets blancs entre les deux, qui représentent le mouvement et le rayonnement vers le ciel. Je vais maintenant préparer un mélange de mon gris lavande et bleu en l'ajustant à une valeur tonale moyenne La consistance est crémeuse, ce qui permet une application fluide. Je vais commencer par superposer son mélange en haut du ciel en utilisant les mêmes traits directionnels que précédemment Lorsque je l'applique sur les roses, je fais attention à ne pas les recouvrir complètement, en laissant transparaître subtilement ces tons chauds J'ai également veillé à conserver quelques espaces blancs sur la droite, ce qui renforce la lueur du ciel. J'adore vraiment la façon dont tout cela fonctionne. Cela crée un effet tellement beau et lumineux. Mon papier sèche comme des biscuits aujourd'hui. Il fait extrêmement chaud et sec, ce qui rend difficile le maintien de l'humidité de la surface. Pour y remédier, j'utiliserai mon flacon pulvérisateur pour oublier légèrement les zones avant d'appliquer mes mélanges plus foncés pour les nuages orageux Lors de la pulvérisation, je tiens le flacon à distance pour m'assurer que le brouillard répartit uniformément sur le papier plutôt que de le concentrer en un seul. Maintenant, je vais laisser le papier reposer un moment pendant que je prépare mon mélange de nuages plus foncés. Pour cela, je vais associer ma teinte neutre à une touche d'indigo pour plus de profondeur et l'atténuer avec un peu de gris bleu pastel. Maintenant, si vous n' avez pas de gris bleu pastel, vous pouvez obtenir un effet similaire en ajoutant une petite goutte de blanc. Une fois que mon mélange plus foncé sera prêt, j'utiliserai le bout et le bout de mon pinceau pour commencer à superposer les nuages orageux Ici, j'utilise une combinaison de traits en forme de C et de C inversé en haut du ciel pour créer des formations nuageuses naturelles Notez que mon mélange de peinture n'est pas trop aqueux, il est crémeux. À ce stade, un mélange aqueux provoquerait des saignements incontrôlables, ce qui rendrait plus difficile l'obtention de formes de nuages bien définies. Avant de commencer à pratiquer ces formes de nuages ou de commencer ce projet, je recommande vivement de pratiquer ces formes ou de commencer ce projet, je recommande vivement pratiquer ces Si vous avez besoin d'une remise à niveau, reportez-vous à la leçon sur le maniement du pinceau et les techniques de trait, dans laquelle j' ai déjà démontré une variété de traits pour vous aider à maîtriser cette étape Observez comment je superpose les nuages les plus sombres. Je ne couvre pas tout le ciel. Au lieu de cela, je laisse des zones plus claires entre les deux permettre au ciel de respirer et de créer ce contraste. Plus tard, nous introduirons des tons violets dans ces zones plus claires pour suggérer l'origine du tonnerre, en ajoutant une touche dramatique. Cette technique améliore non seulement l'atmosphère orageuse, mais contribue également à créer une belle lueur dans les nuages, les rendant ainsi plus vivants et dynamiques Maintenant, je vais mélanger un peu d' opéra à un mélange plus foncé pour créer un violet et commencer à un violet et commencer superposer sous les nuages les plus sombres Cela ajoute de la profondeur et de subtiles variations de couleur pour donner aux nuages un aspect plus dynamique. Je ne suis pas exactement la référence, mais je la peins dans mon propre style, laissant l'intuition guider les formes des nuages et le mouvement. Aux zones nuageuses situées juste au-dessus de l'horizon, j'ajoute un mélange crémeux de rose opéra juste en dessous des nuages les plus sombres. Cela permet de créer une chaleur et un contraste subtils dans la partie inférieure du ciel. Maintenant, en haut du ciel, là où nous avons laissé un espace plus clair, je tape le bout de mon pinceau pour ajouter doucement des touches de rose opéra Alors que je continue à poser le même opéra sous les nuages les plus sombres, je remarque que la partie supérieure du ciel commence à sécher. Pouvez-vous voir cette arête dure se former ? Nous allons résoudre ce problème en utilisant un flacon pulvérisateur en vaporisant légèrement les parties supérieure et inférieure du ciel à distance Cela réactivera doucement la peinture, ce qui nous permettra de retoucher la zone supérieure en douceur sans perturber les Nous. Juste au-dessus de la ligne d'horizon, je vais juste les retoucher avec mon orange corail et mon jaune de Naples pour illuminer ces zones car nous venons de les vaporiser Vous pouvez donc simplement placer ces couleurs entre les zones où vous sentez qu'elles se sont éclaircies, comme je le fais ici Les prochaines minutes visent à ajouter de la profondeur et du drame à un ciel. Surveillez donc de près la façon dont mon pinceau se déplace sur le papier. Observez la direction, la pression et les coups que j'utilise pour créer cette atmosphère. À ce stade, lorsque vous passez au-dessus de ces nuages plus foncés, assurez-vous que votre pinceau est humide et qu'il n'est pas trop mouillé avec un mélange de peinture aqueux maintenir un contrôle adéquat de l'eau dans Il est essentiel de maintenir un contrôle adéquat de l'eau dans votre peinture et votre pinceau. Une trop grande quantité d'eau peut provoquer des saignements indésirables, tandis qu'une quantité insuffisante peut provoquer des bords rugueux et difficiles à estomper Cette étape est essentielle pour atteindre le juste équilibre entre douceur et définition dans les nuages orageux Prenez donc votre temps et faites attention la quantité d'humidité contenue dans votre brosse. Mais avec le bout humide et sec de mon pinceau, je peux lisser doucement les taches indésirables ou enlever la peinture existante pour révéler la douce lueur du ciel Faites preuve de douceur lors de cette étape, pression trop forte peut créer des stries dures, tandis qu' une légère touche mélangera parfaitement les couleurs pour un effet éclatant naturel Ici, dans la zone la plus claire du haut, j'ajoute une touche de valet minéral, en veillant à laisser le centre blanc Cela servira de point d'origine au tonnerre, il est donc important de garder le centre plus clair que les zones périphériques. Observez que mon pinceau est sec et pas trop humide. Cela garantit une application contrôlée sans saignement inutile Maintenant, je vais préparer un mélange crémeux de mon badigeon blanc et, à l'aide de mon pinceau à crayon fin, je vais commencer à peindre le tonnerre provenant du centre de cette zone. Avec un bout pointu. Je vais créer avec soin fines lignes en zigzag pour capturer le mouvement naturel de la foudre Ensuite, à l'aide de la pointe de ma brosse Mob, j'incorporerai doucement le badigeon du point de départ à la zone blanche centrale Cela créera un bel effet de lueur, donnant à la foudre un aspect plus naturel et garantissant qu'elle ne donne pas l'impression d' être sortie de nulle part. Pour créer l'éclat du tonnerre lorsqu'il émerge, j'utiliserai le bout sec et humide de mon pinceau pour tapoter doucement les lignes en zigzag, en floutant j'utiliserai le bout sec et humide de légèrement les légèrement Cette diffusion subtile contribue à renforcer l' effet lumineux de la foudre, en la rendant plus naturelle et plus atmosphérique Une fois qu'une lueur atténuée sera en place, je redéfinirai le tonnerre avec mon pinceau fin , afin assurer qu'il reste éclatant et bien équilibré dans un ciel orageux Une fois que vous êtes satisfait du tonnerre, il est temps de faire une courte pause avant de passer au premier plan Entre-temps, notre ciel va également s'assécher. 29. Jour 6 : Une journée orageuse spectaculaire Partie 2: Bien, commençons par le reflet du ciel sur le plan d'eau. J'utiliserai une technique contrôlée humide sur humide en commençant un mélange légèrement aqueux de jaune de Naples et de jaune orange Je vais commencer par le centre de l'horizon, puis étendre doucement le lavis sous la ligne d'horizon. Cela garantira que la peinture aqueuse ne s'infiltre pas dans le ciel, même si le ciel est encore sec. Ici, à la base de la ligne d'horizon, j'ai introduit des tons plus vifs d'orange corail et rose tout en gardant le centre du plan d'eau en jaune. Cela a créé l' effet d'une eau rougeoyante . Maintenant, à l'aide du bout humide de mon pinceau, je viens de le mélanger, et je vais recommencer à superposer avec mon jaune de Naples, en mélangeant les bords très bien et recommencer à superposer avec mon jaune de Naples, mélangeant les bords très bien Je vais maintenant appliquer sur le bout de mon pinceau une touche d' opéra mélangée à de l' indigo et à une teinte neutre. À l'aide de traits horizontaux, je vais commencer par superposer ce mélange plus foncé dans les coins tout en conservant la lueur centrale intacte, comme vous pouvez le voir ici Remarquez que mon pinceau est juste humide, ce qui me permet de créer des traits de lumière doux qui se fondent parfaitement dans les couleurs environnantes. Je me suis rendu compte que les tons plus foncés s'étaient estompés Je vais donc les approfondir en ajoutant plus de pigment aux coins gauche et droit du plan d' eau tout en gardant le centre brillant Observez que mon pinceau est sec et humide et pas trop chargé de mélange de peinture aqueux Si vous remarquez ici, j'utilise le bout et la moitié du ventre du pinceau pour tracer traits horizontaux plus larges afin mélanger les couleurs efficacement. Je suis content de l'apparence du plan d'eau, alors passons au premier plan Je vais commencer par un mélange d' ambo brûlé à une valeur tonale moyenne, appliquant la couleur en tamponnant verticalement Nous utiliserons une approche contrôlée mouillé sur mouillé, commençant par un mélange humide sur sec , puis en passant progressivement à un mélange de peinture aqueux pour garder le papier humide afin de garantir un mélange homogène Je vais commencer par ajouter un peu de sève verte sur le bord inférieur du premier plan, alimentant progressivement à mesure que nous nous approchons du plan d'eau Je vais maintenant passer à un pinceau synthétique Liner ou Rigor de taille numéro deux et commencer à créer des formes de gazon de différentes tailles Vous devrez travailler rapidement pour assurer que vos traits se fondent parfaitement dans les prairies herbeuses pour un aspect naturel et organique Maman, hum. Ensuite, je vais recouvrir le ciel d'un papier ou d'un bateau pour le protéger et commencer le processus d'éclaboussures afin créer des défauts de texture au premier plan Cela ajoutera de la profondeur et de la spontanéité à la scène Maintenant, je suis en train de projeter des gouttelettes d'eau. Si vous le souhaitez, vous pouvez y aller et projeter certaines de vos fleurs jaune citron au plan. Cela dépend entièrement de vous. Ici, mon premier plan est complètement sec. Je vais ajouter une nouvelle couche aqueuse de saprène en effectuant de courts et longs coups de tamponnage verticaux Ensuite, je vais répéter le processus avec ma ligne de pinceau en retirant doucement les couleurs du premier plan humide pour créer des formes de gazon naturel Pour ajouter de la profondeur dans la partie inférieure du champ, je vais ajuster en ajoutant des valeurs tonales moyennes de bois brûlé et en introduisant rapidement davantage de textures ressemblant à de l'herbe Assurez-vous de travailler vite ou rapidement ici. Vous ne voulez pas que le premier plan soit complètement sec. Ensuite, nous allons arroser un peu d' eau pour créer un défaut de texture amusant qui ressemble à fleurs sauvages spontanées au premier plan D'un simple coup de pinceau, j'ajouterai quelques herbes hautes ressemblant à des plumes ressemblant à des herbes du Kansas, portant leur taille pour un look naturel N'effectuez cette étape qu'une fois que le plan d'eau est complètement sec pour éviter tout saignement ou maculage indésirable Je vais répéter ce processus qui consiste à ajouter des herbes hautes des deux côtés du premier plan pour créer un équilibre et un aspect plus naturel au premier plan Maintenant, juste au-dessus de l'horizon, les lignes de tonnerre que nous avions créées s'étaient presque estompées Je vais donc appliquer un mélange nettoyant crémeux sur le bout de mon pinceau à doublure fine et je les affine à nouveau. Il Une fois le tonnerre défini, je vais commencer à ajouter son reflet sur le plan d'eau, en veillant à ce qu'il apparaisse doux et légèrement diffus pour un effet plus réaliste Je vais ici exercer une très légère pression lorsque je crée ce reflet du tonnerre sur le plan d'eau. Pour créer un effet de tonnerre plus réaliste, je vais utiliser la technique du pinceau sec. Cela implique de faire légèrement effleurer la pointe humide et sèche de mon pinceau chargé de peinture sur la surface du papier sec et de faire des traits horizontaux L'essentiel ici est de faire en le trait soit subtil et délicat afin que le reflet se fond naturellement dans l'eau sans dominer la scène C'est ainsi que notre peinture est enfin terminée. Je laisse le papier sécher complètement à plat avant de décoller les rubans, est toujours la partie la plus satisfaisante du processus de peinture. Maintenant, notre papier est complètement sec. Il est temps de retirer les bandes adhésives des quatre côtés et de révéler ces bordures nettes et nettes. J'espère que vous avez apprécié ce processus de création de cette journée orageuse dramatique N'hésitez pas à nous faire part vos projets et de vos commentaires sur le cours. J'adorerais voir votre travail et avoir de vos nouvelles. 30. Jour 7 : palette de couleurs: Je n'arrive pas à croire que nous ayons atteint le dernier jour de notre défi de sept jours avant de nous plonger dans la peinture. Passons rapidement en revue les couleurs dont nous aurons besoin pour notre projet du septième jour. La première couleur que je vais sélectionner est le bleu vif J'ai préparé cette couleur en mélangeant mon gris bleu avec un peu de mon bleu halo. Nous utiliserons ce mélange pour peindre la partie supérieure d'un ciel. Une fois le projet lancé, je vais vous montrer comment j'ai préparé cette couleur en mélangeant mon gris bleu avec mon halo bleu. La prochaine couleur dont j'aurai besoin est mon jaune Naples, qui est un jaune très pastel et froid, suivi de mon Jean Brilliant numéro deux. Lorsque vous mélangez le jaune de Naples avec le numéro deux de Jean Brilliant, vous obtenez une très belle teinte orange pastel. Nous utiliserons cette orange pastelnaples mélangée à une touche de petit opéra pour créer les doux nuages duveteux que vous pouvez voir dans le La combinaison ajoute un effet de lumière chaude, donnant aux nuages une apparence plus vibrante et plus atmosphérique La prochaine couleur que je vais choisir est ma lavande Dans les projets précédents, nous avons déjà vu comment créer ce mélange de lavande au cas où vous n'en auriez pas. La couleur suivante que je vais essayer est le violet minéral. Maintenant, en combinant mon violet minéral avec un mélange de lavande et de bleu, nous allons créer un violet pastel doux pour ajouter de la profondeur et de la dimension à nos nuages. Pour le premier plan et le milieu du plan, nous utiliserons du vert sève et de l'ocre jaune De plus, lorsque vous mélangez du vert sève avec un bleu plus foncé comme le bleu indigo ou le bleu thalo, vous obtenez un mélange vert foncé, que nous utiliserons pour ajouter de la profondeur à notre paysage Maintenant, vous pouvez voir un récapitulatif des couleurs à l'écran à titre de référence, alors préparez vos couleurs et commençons notre peinture finale pour le septième jour 31. Jour 7 : Nuages en pâte à sucre Partie 1: Bonjour, bonjour. Aujourd'hui marque le dernier jour de notre défi de sept jours. Comme toujours, commençons par coller une feuille de papier sur tous les côtés. Je vais commencer par dessiner la ligne d'horizon, en la plaçant légèrement au-dessus du tiers inférieur du papier, en laissant environ les deux tiers de l'espace pour le ciel Vous verrez les images de référence s'afficher à l'écran. J'utiliserai la première référence pour dessiner. Je dessinerai quelques bandes éloignées le long de l'horizon, avec un peu de feuillage pour ajouter de la profondeur et de l'intérêt à la composition. Une fois le croquis prêt, nous passerons à la peinture du ciel en utilisant la technique mouillé sur mouillé. Notre croquis est maintenant prêt, nous allons passer à la peinture du ciel en utilisant la technique mouillé sur mouillé. Comme nous l'avons fait dans le cadre de projets précédents, nous commencerons par appliquer une couche d'eau propre et uniforme, en veillant à ce qu'il n'y ait pas de flaques d'eau ou d'eau stagnante sur notre papier Je suis ici en train d'utiliser ma brosse à cheveux à poils doux de série Silver Atelia pour mouiller le papier uniformément et complètement Assurez-vous que la surface reste humide pendant une période plus longue, répétez ce processus deux à trois fois. Si vous travaillez dans un environnement chaud ou sec, pensez à mouiller votre papier trois à quatre fois avant d'appliquer la peinture Cela vous donnera plus de temps pour créer des mélanges plus lisses et travailler mouillé sur mouillé. Ensuite, je vais prendre un papier de soie et essuyer doucement les bords du ruban adhésif Ce ruban est essentiel pour éviter les reflux lorsque nous commençons à peindre, garantissant ainsi des lavages propres et contrôlés Nous sommes maintenant prêts à commencer. Pour le ciel, je garderai trois de mes pinceaux préférés à portée de main. Je vais commencer par mon balai taille 00 de la série Silver Atelier Squirrel Blend Tout d'abord, je vais mouiller le pinceau, tamponner légèrement sur un mouchoir, puis commencer à préparer un mélange de couleurs jaunes en utilisant le jaune mes tétons et le numéro deux de Jean Brilliant Avant de l' appliquer sur le tableau, je vais étalonner le mélange sur un bout de papier pour vérifier la valeur tonale Cela permet de garantir que la couleur est parfaite et je peux l' ajuster si nécessaire. Maintenant que je suis satisfait du mix, je vais commencer. Remarquez que mon pinceau n'est pas trop liquide, plus que ma peinture. C'est juste humide. J'utiliserai le bout et le bout de mon pinceau pour créer des traits doux en forme de C inversé une attention particulière aux mouvements de mes pinceaux ici et suivez-moi pendant que je crée ces formes de nuages. Comme je travaille avec une brosse à cheveux douce et naturelle, je peux facilement manipuler les poils à mon avantage, ce qui me permet de créer ces traits en forme de S La flexibilité de ce pinceau permet de former ces formes de nuages organiques souples avec un minimum d'effort. Ici, j'applique une légère pression pour créer ces nuages en forme de chou-fleur Remarquez comment j' espace soigneusement les zones jaunes, en veillant à ce qu'elles ne se chevauchent pas trop les unes sur les Cela permet de faire ressortir le blanc du papier en ajoutant des reflets naturels et en gardant les nuages aérés et lumineux. Ensuite, je vais rincer mon pinceau, tamponner légèrement sur un mouchoir et commencer à préparer mon mélange rose en combinant le rose opéra avec le mélange jaune utilisé précédemment Cela garantira que les roses restent doux et moelleux, se fondant harmonieusement avec la couche de base au lieu de paraître trop vifs ou trop Remarquez que j'ai tenu mon pinceau et que la pointe n' est pas trop liquide. En utilisant les mêmes traits de mer inversés, je vais commencer à superposer les roses en recouvrant partiellement les zones jaunes Pour que la transition soit fluide, j'utiliserai le bout sec et humide de mon pinceau pour adoucir les bords des nuages roses. Je continuerai ensuite avec les mêmes doux coups de mer pour créer des nuages plus légers et plus délicats vers la gauche du ciel. Remarquez que je laisse un peu d'espace entre les chevauchements jaunes et roses C'est la clé pour créer un effet lumineux, donnant aux nuages un aspect naturellement doux et gonflé Maintenant, je vais préparer un mélange à valeur tonale moyenne en utilisant de la lavande, gris bleu et une touche de lilas Et pour ajuster l' intensité du bleu, j'ajouterai une pincée de bleu talo, et pour un ton violet plus riche, j'ajouterai un mélange de petits opéras Maintenant, ce sera un petit mélange de couleurs expérimental que je suis en train de préparer ici. Ce magnifique mélange bleu pastel et violet que nous avons créé ajoutera de la profondeur à un ciel lorsque nous commencerons à le superposer près de l'horizon et à la base des nuages roses jaunes Je me rends compte que la partie supérieure a commencé à sécher, donc avant d'appliquer le mélange, je vais légèrement rater la partie supérieure du papier à distance et pulvériser un spray sur le bas. Maintenant, je vais charger mon mobe taille 00, faire sortir doucement l' excès d'eau de son ventre et commencer à appliquer ce mélange bleu pastel et violet sous les couches de nuages roses, assurant que les formes roses restent bien visibles Observez attentivement mes traits et suivez-moi. Au fur et à mesure que je m'approche du bord supérieur des nuages jaunes et roses, j'aplatis le bout de mon pinceau et applique une légère pression sur le mélange Cela aidera à mélanger les couleurs en douceur, créant des transitions douces et éclatantes entre les nuages Maintenant, si vous observez bien, je n'utilise que le bout et le bout de mon pinceau pour créer des traits de mer entre les couches de couleur. Cela permet de conserver un effet d'air doux tout en garantissant une transition naturelle entre les couleurs. Maintenant, à l'aide de la pointe de mon pinceau sec et humide, je vais estomper doucement les bords de ces différentes couches de couleur pour adoucir davantage les transitions Cette astuce permet d'adoucir les bords rugueux et de faire en sorte que les nuages écoulent naturellement les uns dans les autres. Je vais maintenant ajouter quelques autres nuages jaunes sur le côté gauche. Et pour cela, j'ai mélangé mon Jean brillant numéro deux avec du jaune orange pour créer cette valeur tonale moyenne À ce stade, je façonne presque les sommets des nuages en utilisant des traits en C en cercle complet pour leur donner plus de forme et de volume Si la couleur appliquée semble trop intense ou trop forte, je tamponne l'excédent de peinture sur un mouchoir, puis j'utilise le bout de mon pinceau pour l' adoucir doucement et l'estomper Cela permet de maintenir la transition en douceur tout en maintenant cet effet lumineux naturel dans le ciel Je vais appliquer sur le bout de mon pinceau ce mélange de rose et de bleu que nous avons préparé plus tôt, et j'appliquerai doucement cette couleur à la base des nuages duveteux jaunes en utilisant de très légers traits délicats pour créer de la profondeur tout en maintenant une transition douce Si vous remarquez ici, mon pinceau est davantage composé de rose et de violet que de bleu puisque nous travaillons sur des nuages à la base du jaune. Ceci est important car l'ajout trop grande quantité de bleu à ce stade peut entraîner un mélange de gris indésirable lorsqu'il est mélangé avec du jaune Maintenant, je vais commencer à ajouter ce mélange violet clair au centre du ciel, en couvrant certains espaces blancs tout en veillant à ne pas les recouvrir complètement. Ces touches subtiles aident à équilibrer les nuages tout en préservant leur éclat naturel. Lorsque vous retouchez le bas près de l'horizon, soyez particulièrement prudent Il est préférable de charger votre pinceau avec une plus grande partie du mélange bleu-violet plutôt que du violet rosâtre plus clair Cela garantit une transition en douceur vers la profondeur atmosphérique proche de l'horizon. Cependant, effectuez cette étape uniquement lorsque votre papier est encore humide ici pour éviter de créer des bords durs. Maintenant, en utilisant le bout sec et aplati de mon pinceau, je vais juste lisser ces formes de nuages . Avant de passer à la partie la plus haute du ciel, je vais d'abord parcourir la zone avec un pinceau humide pour réintroduire l' Mais ici, je fais très attention à l'eau. J'utilise une brosse plus petite pour éviter que l' excès d' eau ne s'infiltre dans les zones nuageuses peintes, ce qui pourrait provoquer des floraisons indésirables ou des refoulements indésirables Je vais maintenant préparer un mélange de bleu pastel mais intense en combinant un peu de bleu halo, bleu gris et une goutte de lavande. Je vais le garder légèrement aqueux pour que la partie supérieure du papier reste humide plus longtemps, ce qui nous laisse plus de temps pour travailler avec un mélange lisse Maintenant que mon pinceau est chargé, je vais commencer à appliquer le mélange de peinture définissant soigneusement la forme des nuages à l'aide de la méthode de peinture négative. Cette technique permet de découper les formes lumineuses des nuages en peignant autour d'eux, ajoutant ainsi du contraste et de la profondeur au ciel Maintenant, je vais rincer mon pinceau, le tamponner sur un mouchoir et commencer à soulever les bords en plumes pour créer un effet doux Remarquez une légère teinte bleutée après le levage. C'est parce que le bleu thalo est un pigment colorant, et je l'ai intentionnellement utilisé dans ce mélange avec bleu-gris pour obtenir cet effet lumineux subtil dans le Maintenant, avec le bout de mon pinceau aplati et sec, je vais enlever doucement une partie du bleu, puis essuyer rapidement l' bleu, puis essuyer rapidement excédent de peinture sur un mouchoir en papier pour que mon pinceau reste propre et prêt pour l'étape suivante J'ajouterai un mélange rose clair dans le relief pour ajouter de la profondeur au ciel. Ce faisant, je m'assure de conserver un peu de ce bord blanc autour du nuage, ce qui contribue à maintenir l' éclat et la profondeur naturels du ciel. À l'aide de l' extrémité légèrement humide d'un mouchoir, je vais appliquer doucement la peinture bleue humide pour créer une bordure aérée et duveteuse représentant les nuages Cette technique permet d'adoucir les transitions et d'améliorer l'éclat naturel, mais assurez-vous de le faire très doucement. Une pression trop forte peut créer des bords durs au lieu de bords souples à plumes. De plus, chaque fois que vous soulevez la peinture, passez à une partie propre du tissu pour éviter de redéposer le pigment dans les zones soulevées Cela garantit que les parties relevées restent légères et lumineuses. Ici, dans la partie supérieure du ciel, mon papier est encore humide Je vais donc ajouter une autre couche de bleu pour discuter son intensité et apporter plus de contraste à la scène. Ce faisant, je peux également améliorer les formes des nuages, en rendant leurs bords plus clairs et plus définis. Une fois que c'est appliqué, je vais prendre extrémité propre d'un tissu mou et légèrement soulever la peinture pour créer des bords blancs et vaporeux Je vais répéter ce processus de gauche à droite, façonnant soigneusement les nuages et en ajoutant un bel effet aéré. Ensuite, nous laisserons le ciel sécher complètement avant de passer au premier plan. Ici, tout en haut, je suis également entrée et j'ai soulevé un peu de bleu pour façonner davantage les nuages. Cela donne l'illusion que ces cumulus Bilowy et même ces cumullimbus donnent au ciel une apparence plus organique Nous allons maintenant laisser notre ciel sécher complètement avant de passer au premier plan. 32. Jour 7 : le premier plan partie 2: Notre ciel est complètement sec, commençons par le premier plan. Ici, au premier plan, je vais utiliser la technique humide sur sec en utilisant un mélange légèrement aqueux d'ocre jaune Assurez-vous qu'il est juste un peu aqueux, pas trop aqueux. Je vais commencer par le centre du premier plan, puis estomperai progressivement vers le bas du papier Maintenant, avec une pointe humide, je vais mélanger doucement l'ocre jaune sous la ligne d'horizon, afin d'assurer une transition en douceur . Fais attention ici. Assurez-vous que votre pinceau ne soit pas trop liquide avec la peinture, car si la pointe de votre pinceau est trop liquide, la peinture pourrait commencer à couler dans le ciel, ce que nous voulons éviter à tout prix Maintenant, je vais commencer à préparer un mélange jaune verdâtre en combinant du vert sève avec un peu de sienne brûlée, créer une teinte similaire à celle du vert olive Ce ton tonifié aidera à donner un champ organique naturel à la prairie herbeuse Maintenant, je vais juste charger le bout de mon pinceau, l' aplatir et commencer à appliquer des traits verticaux pour reproduire la texture herbeuse Ces traits ajouteront du mouvement et de la profondeur à la scène, puis je passerai aux traits horizontaux pour mélanger les verts vers la moitié inférieure du papier, créant ainsi une transition fluide Ensuite, je vais couvrir le ciel pour être très prudent lorsque je travaille avec des légumes verts, afin de m'assurer qu'aucune éclaboussure indésirable ne se retrouve dans le Ensuite, je vais répéter le même processus pour créer une texture herbeuse à l'aide du bout aplati de mon pinceau, mais cette fois avec du vert sève pour Ensuite, je vais passer à mon peigne pour ajouter des détails herbeux plus raffinés en utilisant des nuances plus foncées de vert sève Je vais créer des traits verticaux plus longs en bas et les raccourcir vers le centre, renforçant ainsi la perspective et la profondeur du paysage. À l'aide de mon peigne, je vais maintenant projeter gouttelettes d'eau pour créer une texture organique souple, mais je peux remarquer que mon papier commence à sécher Je vais donc mélanger ces gouttelettes d' eau pour les remettre au premier plan à l'aide du bout Ici, je vais utiliser un peu d'ocre jaune pour mixer. Pour améliorer encore la texture, je vais rapidement pulvériser d'autres gouttelettes d'eau pour obtenir effet doux et naturel que je recherchais pour le Je vais maintenant créer un mélange vert plus foncé pour ajouter du feuillage près de la base de l'horizon. Pour cela, je mélange mon vert de sève avec un peu de mon mélange d'indigo ou d'ultramarin, ce qui renforce le vert de sève et ajoute de la richesse au paysage j'utiliserai mon pinceau en velours noir argenté taille 6 Pour cette étape, j'utiliserai mon pinceau en velours noir argenté taille 6. Ici, j'essaie de créer une peinture crémeuse et pas trop aqueuse. Une fois la pointe du pinceau chargée, je tracerai soigneusement une ligne horizontale claire vert foncé à la base de l'horizon. Cela servira de base pour le feuillage. Ensuite, une fois que j'aurai fini d'ajouter cette ligne, je commencerai à ajouter des touches de vert foncé pour augmenter progressivement la texture des arbres et des buissons situés ici au pied de l'horizon Le mouvement de tamponnage permet de créer une douce sensation organique imitant la forme naturelle du feuillage éloigné Maintenant, je vais faire varier la hauteur et la forme du feuillage pour créer une sensation organique plus naturelle dans le paysage. À l'aide du bout de mon pinceau, je vais tamponner et tapoter pour obtenir un feuillage plus haut et plus court, veillant à ce que les arbres et arbustes ne soient pas tous uniformes Cette variation ajoute de la profondeur et du réalisme, rendant la scène plus dynamique. Maintenant, je vais répéter exactement les mêmes étapes pour créer ce feuillage entre ces deux granges Je vais maintenant passer à la taille au pinceau rond synthétique pour commencer à ajouter des détails à la grange. Je vais commencer par remplacer la première combustion un mélange plus foncé de bois brûlé, en veillant à ce que le côté gauche soit teinte plus foncée pour créer une impression d'ombre et de lumière. Au fur et à mesure que je me déplace vers la droite, j'estompe progressivement la couleur pour obtenir un ton plus clair, obtenant ainsi une transition naturelle qui suggère que la lumière tombe d'un côté. Je vais répéter exactement le même processus pour la prochaine étable, en maintenant la cohérence direction de l'éclairage tout en veillant chaque étable ait une tonalité et une texture légèrement distinctes pour améliorer la profondeur de la scène. C'est l'heure de peindre le toit. Je vais d'abord décrire les toits utilisés dans une teinte neutre en définissant leur forme et leur structure. Je vais maintenant ajouter quelques lignes de teinte neutre le long du toit pour suggérer la texture et les dimensions. Ensuite, à l'aide de la pointe humide de mon pinceau rincé, j'adoucirai et éclaircirai certaines zones, créant ainsi un dégradé subtil qui donnera au toit un aspect plus naturel et plus altéré par les Cette technique permet d' ajouter de la profondeur et de la variation, empêchant ainsi le toit de paraître trop plat tout en conservant sa forme structurale. Ici, juste en dessous de la grange, j'ai involontairement laissé une tache blanche en peignant le pré Je vais donc devoir refaire le pré entier en répétant le C'est un bon rappel de toujours veiller à ce que le premier plan soit entièrement peint sous l'horizon dès le début De cette façon, vous éviterez d'avoir à le revoir comme je dois le faire maintenant. Je vais donc y retourner et reconstruire le milieu étape par étape, en commençant par un petit lavis aqueux à l'ocre jaune pour le mélanger Ensuite, je vais appliquer les tons verts à l' aide de sabran mélangé à de la sienne brûlée, puis je les texturerai avec des traits verticaux et éclaboussures de cobra pour leur redonner un aspect Maintenant, je vais retirer le papier qui recouvre le ciel et passer à l'ajustement de l' arbuste entre les granges, en le rendant plus large et plus épais, en utilisant le même mélange vert foncé Cette étape est simple, tout comme nous avons peint le feuillage précédent, en utilisant des coups de tamponnage pour augmenter la profondeur et le volume Une fois que la ligne de base horizontale des verts foncés sera sèche, je vais prendre mon marqueur blanc opaque de Shinhan Art et ajouter une clôture blanche pour améliorer la composition Si vous n'avez pas de marqueur, vous pouvez utiliser une épingle blanche ou même une courge blanche pour cette étape Une fois la clôture terminée, je laisse sécher l'ensemble de la peinture, puis je décolle soigneusement les rubans pour que je laisse sécher l'ensemble de la peinture, puis je décolle soigneusement les bords soient nets et nets. Grâce à cela, nous avons réussi le défi du ciel de sept jours. J'espère que vous avez trouvé ce cours utile et instructif. Ce fut un voyage incroyable en explorant ensemble différentes compositions et techniques du ciel. J'ai hâte de voir vos projets. 33. Outro : Fin du cours !: Félicitations pour avoir terminé ce cours. Je suis très fière de vous pour ce voyage dans la peinture de ciels atmosphériques. Pendant toute la durée de ce cours, nous avons exploré la théorie des couleurs et la sélection des couleurs, maîtrisé le rapport eau/peinture pour obtenir des mélanges fluides, pratiqué le maniement du pinceau pour créer nuages doux et vaporeux et peint sept superbes compositions du ciel, chacune vous aidant à renforcer votre confiance et votre contrôle dans votre Mais n'oubliez pas que l'apprentissage ne s'arrête pas là. La clé pour maîtriser ciel à l'aquarelle est une pratique constante Pour vous aider à poursuivre votre voyage, j'ai ajouté des photos de référence supplémentaires dans la section des projets et des ressources. N'hésitez pas à les utiliser pour entraîner et expérimenter davantage et gagner en confiance. Si vous avez apprécié ce cours, j' aimerais avoir vos commentaires. Vos critiques m' aident non seulement en tant que professeur, mais elles aideront également ce cours à toucher un public plus large, ce qui permettra à un plus grand nombre d'artistes d'en bénéficier. Et si ce cours vous a été utile, n'hésitez pas à le partager avec votre famille et vos amis qui aimeraient apprendre le ciel à l'aquarelle Enfin, n'oubliez pas de télécharger vos projets de classe dans la section Créer un projet de la classe. J'ai hâte de voir tes beaux projets. J'aimerais également connaître votre opinion et vos suggestions pour mon prochain cours. Déposez-les dans la section de discussion. J'aime toujours avoir de tes nouvelles. Et si vous avez des questions ou des doutes, n'hésitez pas à nous contacter également. Je me ferai un plaisir de répondre au plus tôt. C'est tout pour ce cours. Merci de m'avoir rejoint et bonne peinture.