Paysages de printemps atmosphériques : secrets pour créer un facteur d’ambiance dans la peinture de paysage

1. Introduction au cours: Peindre des paysages à l' aquarelle peut parfois être frustrant lorsque vous avez du mal à comprendre comment, où et quand donner de la profondeur à vos peintures ou quelles sont les bonnes fournitures pour commencer C'est l'une des principales plaintes de tous les artistes débutants. Ils s'empressent de vouloir créer un beau résultat final sans vraiment comprendre les concepts qui sous-tendent leur réalisation. Et croyez-moi, je suis passé par là. Mais au fil du temps, intéresser vivement et de comprendre le médium, les concepts impliqués dans la peinture de paysage et les pratiquer régulièrement m'a aidée à améliorer mes paysages. Aujourd'hui, je suis ici pour partager avec vous mes trucs et astuces éprouvés pour perfectionner suffisamment vos paysages à l' aquarelle pour le format défi et vous aider à obtenir le facteur impressionnant qui pourrait manquer à votre peinture. Bonjour à mes créatifs, je m' appelle Neil Him Roy. Je suis aquarelliste et d'art basé à Bangalore, en Inde. Au fil des années, j'ai partagé mes propres expériences d'apprentissage, conseils et des astuces sous la forme d' ateliers en ligne et hors ligne avec autres passionnés d'art qui se joignaient moi pour la première fois et ne savent pas grand-chose de moi. J'utilise le nom, l' adresse, les besoins, courbe de soulignement RC sur les réseaux sociaux tels qu'Instagram, où je partage toutes mes pratiques et expériences artistiques quotidiennes. Vous pouvez également retrouver ma présence et d'autres réseaux sociaux tels que Pinterest, Facebook et YouTube. Le lien vers les richesses indiqué sur mon profil Skillshare. Bienvenue dans ma classe, secrets de paysages printaniers atmosphériques pour créer un facteur utérin dans vos paysages à l' aquarelle. Dans ce cours, je vais vous expliquer le concept de perspective atmosphérique, pourquoi il est important dans une peinture de paysage et quelle est la relation entre la perspective atmosphérique et les valeurs tonales. Une fois que vous aurez maîtrisé ces principes de base, nous passerons à la peinture pour créer magnifiques paysages inspirés du printemps. Avant de commencer nos projets, nous allons d'abord discuter des fournitures de base nécessaires, la planification des projets, de la surveillance des couleurs et de la pratique de la composition élémentaire sous forme de vignettes. Cela vous aidera à avoir confiance en vous et préparer avant de peindre votre projet final. Les lunettes ont été conçues de manière à profiter aux artistes de tous niveaux. Si vous cherchez à développer vos compétences en matière d'aquarelle, je suis là pour vous aider. Je suis certain qu'à la fin de ce défi de quatre jours, vous serez non seulement en mesure d'essayer facilement n' importe quelle référence au paysage, mais vous apprendrez également à ajouter de la profondeur et des textures pour créer ce vœu qui est omniprésent dans vos peintures. Si vous êtes quelqu'un qui souhaite comprendre ces concepts et améliorer vos paysages à l'aquarelle. Alors ce cours est fait pour toi. Rejoignez-moi dans la vidéo suivante où je partage un aperçu détaillé du cours. 2. Aperçu du projet de cours: Merci d'avoir participé à la classe. Je suis ravie de t'avoir ici. Faisons un tour d'horizon de notre structure de classe. Pour commencer le cours, je vais vous présenter les fournitures dont nous aurons besoin en discutant en détail de la différence de qualité du papier entre les peintures de qualité différence de qualité du papier entre les artistique et les peintures de qualité étudiante. La Russie dispose toujours de tous les autres accessoires nécessaires pour mener à bien ses projets. Ensuite, je vais vous expliquer le concept de perspective atmosphérique ou aérienne et comment cet effet peut être obtenu dans une peinture de paysage pour rendre la profondeur et le mouvement. Je vais également vous présenter section sur les techniques de base de l'aquarelle où vous apprendrez de manière générale les concepts fondamentaux de l'aquarelle : mouillé sur mouillé, mouillé sur mouillé sur sec et sec sur sec. En tant que nœud important, il est très important de comprendre ces concepts et de les appliquer pour développer vos compétences en aquarelle. Surtout lorsqu'il s'agit de contrôler l'humidité de votre papier, de votre peinture et de votre pinceau. Je vois beaucoup de difficultés pour les grandes choses. Donc, dans cette section technique, je suis là pour vous. Parlons maintenant des projets de classe. Le cours est organisé selon un format de défi de quatre jours. Vous pouvez tout peindre pour des projets de classe ou simplement peindre vos œuvres préférées de la classe, à vous de choisir. Chaque jour, nous créerons un nouveau projet mettant en évidence les éléments clés du printemps, appliquant des techniques d' aquarelle de base ainsi qu'une perspective atmosphérique. Le premier jour sera consacré à la peinture ciel bleu vif avec des nuages duveteux, vallées verdoyantes et un ruisseau qui coule entre elles. Le début parfait du printemps. Avant de commencer nos projets, nous allons étudier rapidement la palette de couleurs et apprendre à mélanger les couleurs si elle n' est pas présente chez nous. Ensuite, nous allons poursuivre et pratiquer les techniques afin que vous commencer votre projet principal en toute confiance. Il s'agira de peindre un magnifique ciel de coucher de soleil éclatant avec des champs de pissenlits. Nous apprendrons à donner de la profondeur et de la texture à nos modèles en appliquant la technique du sel et des éclaboussures. De même, D3 va peindre un matin brumeux vu dans une marguerite que je fais avec des papillons assez forts pour polliniser. C'est l'un de mes projets préférés de toute la classe. J'ai vraiment adoré le résultat de ces marguerites. Ici. Nous allons nous concentrer sur la peinture des blancs à aquarelle sans utiliser notre peinture aquarelle blanche. Les quatre seront consacrées à la peinture ce coucher de soleil de rêve avec des champs de lavande Ici, nous allons intégrer un peu de perspective linéaire et une perspective atmosphérique pour donner à la peinture sa profondeur et sa définition. Avez-vous hâte de peindre avec moi ces magnifiques paysages printaniers ? Si oui, rejoignez le cours et retrouvez-moi lors de la prochaine leçon où je décrirai plus en détail le type de fournitures que vous devriez utiliser pour créer vos projets. 3. À propos de l'approvisionnement: Bonjour. Avant de commencer les projets de classe, permettez-moi de vous présenter rapidement toutes les fournitures dont nous aurons besoin pour créer nos projets. Tout d'abord, examinons rapidement le type de personnes dont nous aurons besoin pour notre cours. Le papier aquarelle que je vais utiliser pour ce cours est issu de la série Waterford de la marque Saunders. Ils proviennent de Cent could put mills paper. Maintenant, cette série Waterfall est leur document d' acquittement haut de gamme. Voici quelques autres détails clairement mentionnés sur le papier, par exemple la texture du papier pressé à froid, et non vert, couleur fine du papier qui est blanc, vierge, naturel. Et voici les dimensions du papier, qui mesure dix sur sept pouces et est un papier d'archivage, de grande qualité, sans acide, séché en machine, pressé à froid et 100 % coton pour aquarelle. Maintenant, voici à quoi ressemble la texture de mon papier aquarelle à grain fin. Maintenant, si vous le souhaitez, vous pouvez toujours dimensionner vos feuilles en fonction de la taille sur laquelle vous souhaitez peindre. Si vous le souhaitez, vous pouvez découper les feuilles dans ces tailles. Maintenant, surtout si vous utilisez des feuilles volantes et que vous avez un gros morceau de papier, vous pouvez les découper clairement dans les tailles que vous préférez et les peindre dessus. Pour notre classe, je vais utiliser ce format complet de mon papier, qui mesure dix pouces sur sept pouces. C'est ce format qui est à peu près proche du format A4, mais il n'y a aucune pression. N'hésitez pas à utiliser la taille qui vous convient. Désormais, chaque fois que vous achetez ou achetez votre papier aquarelle, assurez-vous toujours que votre papier aquarelle est 100 % coton et que l'épaisseur du papier est d'au moins 300 g/m². Ce carnet de croquis que j' utiliserai pour l'échantillonnage des couleurs et les techniques de création des vignettes est également composé de papier aquarelle 100 % coton, 300 g/m². Ce carnet de croquis est également fabriqué à partir de papier Saunders Waterford. Idéalement, quel que soit le papier que vous allez utiliser pour créer votre projet final, il est recommandé papier que vous allez utiliser pour créer votre projet final, même papier pour vous entraîner à utiliser vos techniques au préalable afin de vous familiariser avec votre papier tout en pratiquant les techniques et de savoir comment le papier va réagir à l'eau et à la peinture. Maintenant, au cas où vous n'auriez pas de carnet de croquis à portée de main et vous ne voudriez pas gaspiller votre bon papier pour aquarelle à faire attention à vos couleurs. Et l'alternative à cela est d'avoir ce papier aquarelle de qualité moins chère. Il n'est pas nécessaire que ce soit du papier 100% coton, car vous allez simplement tester vos couleurs. Vous pouvez découper ce type de fines bandes de papier et tester vos couleurs avant créer votre peinture finale. Maintenant que nous en savons beaucoup sur un papier et sur le type de papier que nous devons choisir. Jetons un coup d'œil aux couleurs. Les couleurs que je vais utiliser pour ce cours proviennent de la succursale et d'une gamme d'aquarelles PwC Art Supplies. Il s'agit d'une gamme d' aquarelles professionnelles haut de gamme de la marque. Si vous avez suivi mes autres cours Skillshare, vous savez à quel point j'aime cette marque, car les couleurs sont très pigmentées et donnent une si pigmentées et donnent belle finition éclatante même après séchage, les peintures sont absolument spectaculaires. L'une des principales différences que vous remarquerez entre l'offre de peinture d'un artiste et celle d'un étudiant est résultat final de la peinture après séchage. Les peintures destinées aux étudiants sont généralement composées de nombreux enduits et donnent l'apparence d'une finition calcaire lorsqu'elles sèchent. Donc, si dans les leçons qui suivent, vos résultats ne correspondent pas à ce que vous pensez, ne vous inquiétez pas. C'est peut-être parce que vous utilisez une peinture de qualité étudiante, qui contient beaucoup de produits de remplissage et qui, par conséquent, l'éclat de la peinture s' estompe une fois le papier sec. Je vous conseille donc de rendre votre apprentissage de l'aquarelle plus facile, plus fluide et moins frustrant. Essayez toujours d'investir dans fournitures d' aquarelle de base de bonne qualité et ainsi votre voyage sera beaucoup moins frustrant. Maintenant, la prochaine application dont nous allons parler concerne nos pinceaux. Voici donc les pinceaux que je vais utiliser pour notre classe. N'aie pas peur. Je n' utiliserai pas tous ces pinceaux, mais pour être exact, n'utiliserai que ces quelques pinceaux je n'utiliserai que ces quelques pinceaux tout au long de nos projets. Les pinceaux que vous voyez ici un mélange de pinceaux naturels ou synthétiques et de pinceaux à limitation naturelle. Jetons un coup d'œil à la fonctionnalité de chacun de ces pinceaux. Le premier provient de la série Princeton Heritage. Il s'agit maintenant d'un pinceau synthétique de taille trois. Ce pinceau possède une très belle pointe pointue Quand il s'agit d'une très belle pointe pointue, je l'utiliserai pour beaucoup de détails nos peintures ou lorsque je dois créer des lignes fines, des lignes plus fines. Je vais utiliser ce pinceau. Jetons donc un coup d' œil à notre prochain pinceau, qui est ce pinceau blanc. Ce pinceau provient de brosse Quill Mop de Silver Atelier de taille 20. Le Brésil de cette brosse est composé de cheveux dorés, qui sont des poils naturels. C'est la raison pour laquelle le pinceau est si doux et contient beaucoup de peinture et d'eau. J'adore ce pinceau car il m'a beaucoup facilité la vie lorsqu'il s'agit de mélanger des couleurs mouillées et mouillées. C'est donc une très bonne idée d' avoir une brosse à cheveux naturels dans votre collection de pinceaux pour aquarelle. Ensuite, j'utiliserai ces pinceaux ronds velours noir argenté, mon préféré. Trois triples zéros en série. Je vais donc utiliser mes pinceaux ronds de taille six et de taille huit. Le prochain pinceau que je vais utiliser est ce pinceau de la série Princeton Velvet. Il s'agit également d'une brosse souple synthétique. Il s'agit d'un mot complet, pinceau plus vert, d'un pinceau spécialisé. Regardez la forme complexe. Les astuces complexes vous aident à obtenir différents types de textures, en particulier lorsque vous souhaitez peindre des herbes meubles à des nanomètres. Cette brosse est très pratique, elle peut être utilisée comme brosse en forme de ventilateur ordinaire ou pour créer des poils d'animaux texturés. Le prochain Bruce dont vous aurez besoin est une brosse à laver carrée. Vous pouvez utiliser une brosse à laver carrée ou une brosse Hake. Maintenant, voici quelques autres pinceaux alternatifs qu'il est bon d'avoir dans votre collection. Mais examinons plus en détail cette brosse à laver carrée de la série Princeton Neptune. Cette brosse de lavage appartient à la série Squiggly Limitation. Il est très doux et imite les capacités des brosses à cheveux naturelles. En plus de cela, vous avez ce pinceau d'ombrage angulaire de la série Princeton Aqua Light. Il s'agit également d'une brosse très douce. Maintenant, cela est particulièrement utile lorsque vous souhaitez utiliser des traits inclinés ou inclinés. Ce pinceau est très pratique lorsque vous souhaitez faire ressortir les couleurs d'un trait très incliné ou avec le même angle de pinceau. Vous pouvez l'avoir dans une taille plus petite, soit une taille trois par huit. Maintenant, il s'agit d'une version synthétique de la série Princeton Velvet Does. Maintenant, voici quelques pinceaux supplémentaires que vous pouvez utiliser pour créer l'angle des traits d'inclinaison. Vous pouvez avoir ce pinceau plat ou vos pinceaux d'angle shader. Maintenant, la brosse suivante est cette brosse Liner Rigger de Scheme Money, notre série Fibonacci. Cela a récemment été mon préféré. L'un des principaux avantages de la brosse Rigger Liner est sa longue pointe que vous pouvez voir. Il vous aide à créer de très longs traits pointus. Il s'agit donc d'un pinceau optionnel. Vous n'avez pas besoin de tous ces pinceaux, seul votre pinceau rond de taille normale de taille 1 ou 2 suffira créer des lignes fines et fines. Si vous n'avez pas de brosse Liner Rigger, ne vous inquiétez pas, mais il est préférable d'avoir différents types de pinceaux dans votre collection de pinceaux. Je suis un collectionneur de pinceaux et j'adore accumuler différents types de pinceaux. Passons à notre prochaine pièce de théâtre, qui consiste à avoir deux pots d'eau. L'un doit être un pot d' eau propre et l'autre doit contenir l'eau orange de vos pinceaux. Ensuite, ce serait votre mouchoir ou vos mouchoirs en papier. Gardez-les toujours à portée de main à flanc de colline. Chaque fois que vous optez pour des aquarelles, c'est un atout important pour vous tous et j'ai presque oublié de parler de cette ressource importante, qui est votre liquide de masquage. C'est de la part des gars du bar Leo Frank. Ce fluide de masquage est particulièrement inodore. Ce liquide de masquage est utilisé pour préserver les espaces blancs lorsque vous peignez des sujets délicats avec des arrière-plans où vous utilisez beaucoup de couleurs. Ce liquide de masquage est très pratique et nous l' utiliserons pour peindre notre troisième projet. Vous aurez également besoin de ruban adhésif pour coller votre papier sur les quatre côtés. Maintenant, au lieu d'utiliser du ruban adhésif, vous pouvez également utiliser votre ruban washi. Maintenant, si vous utilisez une feuille de papier libre, vous pouvez coller votre papier sur une surface non absorbante, telle qu'une feuille de papier acrylique. Pour créer le plan préliminaire d'une esquisse au crayon, vous aurez besoin de ce crayon. Le crayon que j'utilise ici est une épingle mécanique utilisant du plomb HB de 0,3 mm, puis une gomme, c' est une gomme normale. Il existe un autre type de gomme , connue sous le nom de gomme à pétrir, qui ressemble à une pâte. Vous pouvez littéralement en avoir besoin comme d'une biche. Cette gomme à pétrir vous permet de retirer les traces de graphite excédentaires de vos papiers en passant simplement sur la surface du papier. C'est vraiment très pratique. Ensuite, il y aurait votre balance ou une règle. Si vous n'êtes pas très aise pour tracer une ligne droite à main levée, vous pouvez toujours vous faire aider par votre règle. Je pense que nous avons longuement discuté toutes les fournitures dont nous aurons besoin pour créer nos projets, sauf une, qui est notre palais. La palette que j'utilise ici est une palette 42 Wealth composée de plastique polycarbonate. Et vous pouvez voir que j'ai arrangé mes couleurs, entre les roses, les rouges, les jaunes, les verts, les rouges et les bleus, les bruns et les noirs et certaines nuances figurant déjà sur ma palette. Cette palette est donc une palette de 42 soudures, mais ce n'est pas nécessaire pour avoir des palettes aussi grandes. Vous pouvez opter pour une solution plus petite des palettes en plastique de 12 ou 24 puits, à vous de choisir. C'est du Shanahan Art Palate. Maintenant, au lieu de ce type de bulletins en plastique ou en polycarbonate, vous pouvez également opter pour la palette en céramique, quelque chose comme ça. Et principal avantage de l'utilisation de ces palais. Il ne laisse pas de taches après les avoir lavés. Maintenant, vous pouvez voir sur cette palette en céramique que j'ai du Salt Captain ici. Certaines sont des particules de sel gemme plus grosses, arrondies et plus grosses, et d'autres sont du sel de table, qui est constitué de fines particules. Nous allons l'utiliser pour créer des textures. Il s'agit de la liste générale du matériel dont nous aurons besoin lors de la prochaine leçon. 4. Comprendre les repères aériens: Voyons maintenant ce qu'est la perspective atmosphérique et comment affecte-t-elle notre peinture de paysage ? La perspective atmosphérique, également appelée perspective aérienne, fait référence à l'effet de l'atmosphère sur l'apparence des objets. Lorsque vous les regardez de loin, vous verrez moins clairement les objets situés plus loin et ce sont des changements de couleur en clairement les objets situés plus loin et ce sont des changements de couleur valeur, de saturation et de teinte. Cela crée une plus grande illusion de profondeur et de distance et contribue à créer l'ambiance et la sensation de vos paysages. Pour qu'un artiste crée sensation de profondeur et de distance, vous pouvez utiliser deux types de perspective, savoir la perspective linéaire atmosphérique. perspective linéaire fait référence à façon dont la distance affecte la forme des objets et fait paraître les objets plus petits lorsqu'ils s' éloignent. Alors que la perspective atmosphérique fait référence à la façon dont l'atmosphère affecte la couleur des choses que nous voyons. Jetons un coup d' œil à cet exemple. Vous pouvez voir que les collines plus loin deviennent plus en plus claires en couleur par rapport à celles qui se trouvent au premier plan. Bien, maintenant, nous allons comprendre la science qui explique pourquoi cette décoloration d'objets à distance s'est produite. Maintenant, comprenons cela à l'aide de cet exemple. Ainsi, lorsque nous regardons des objets entre nous et l'objet, il y a la présence de millions de particules en suspension. Ces particules sont généralement de la vapeur d'eau, l'humidité, des particules de poussière et des polluants. Ainsi, la lumière se diffuse à partir de ces particules, et plus l'effet de diffusion de ces particules est important, plus les objets au loin nous apparaissent flous . Et comme la lumière bleue et violette est plus diffusée que les autres longueurs d'onde, les objets les plus éloignés semblent être dans ces couleurs, puis les objets les plus proches du spectateur. Maintenant que nous savons en quoi consiste la perspective atmosphérique et pourquoi, passons à comment pouvons-nous obtenir une perspective atmosphérique dans une peinture ? Nous pouvons imiter l'effet de la perspective atmosphérique en utilisant du vert et des couleurs plus neutres au loin. En mélangeant davantage de bleus aux objets les plus éloignés et aux objets proches du premier plan, nous pouvons maintenir une valeur de contraste plus élevée. Tout tournait donc autour de la perspective atmosphérique. Maintenant, rejoignez-moi dans la prochaine leçon où nous parlerons plus en détail la relation entre la perspective aérienne et les valeurs tonales et de la façon dont vous pouvez modifier les valeurs tonales de votre couleur pour créer de la profondeur dans vos peintures. 5. Quelle est la valeur tonale et pourquoi c'est important ?: Puisque vous m'avez beaucoup entendu parler de la tonalité et de la valeur tonale, discutons maintenant de ce qu'est exactement la valeur tonale. La valeur tonale décrit la façon dont une couleur est claire ou foncée , indépendamment de ses grands cubes, l'apparence de la couleur ( rouge, bleu, vert, validité, etc.). En tant qu'artiste, parmi tous les facteurs que vous devez prendre en compte, juger du ton et de la valeur n'est pas essentiel évaluer si votre style de peinture est vague, sanglant ou détaillé et précis. Si les tons relatifs de votre scène sont vrais, vous pouvez créer une impression crédible d'espace, de lumière et de forme. En tant qu'artiste, vous devez être capable de reconnaître par les différentes valeurs de lumière et d' obscurité d'une couleur dans les aquarelles, il est très important d'évaluer d'abord les graduations tonales de la référence ou de la scène que vous allez peindre. Parce que la transparence de l' aquarelle signifie que vous devez évaluer le ton au début du processus de peinture. Parce qu'avec l'aquarelle, une fois qu' on donne une certaine valeur à un formulaire, il est impossible de l'éclaircir. Et c'est la raison pour laquelle, dans aquarelles, les zones blanches du papier étaient réservées aux les zones blanches du papier tons les plus clairs de notre scène. Alors, qu'entendons-nous par échelle de valeurs tonales ? Il s'agit d'un système permettant d'organiser des valeurs allant du noir au blanc. Comme vous pouvez le constater, je superpose le ton intense que peut avoir mon noir en utilisant une quantité d' eau très contrôlée dans mon pinceau et en réactivant ma peinture. C'est donc la teinte la plus foncée que mon noir puisse avoir. Maintenant, je vais soulever ce noir et former un mélange coloré original à ce mélange coloré original, je vais ajouter une goutte d' eau et bien mélanger. Donc, je vais maintenant le poser sur mon papier. Comme vous pouvez le constater, cela s'est un peu atténué. Il est devenu un peu plus clair. Maintenant, je vais laver mon pinceau et ajouter à nouveau une goutte d'eau au même mélange coloré existant. Je vais le mélanger soigneusement et maintenant je vais le poser sur mon papier. Vous pouvez voir qu'il en a dix en moins, voire plus. Je vais continuer à répéter le même processus jusqu'à ce que j' obtienne une couleur presque proche des gens, n'est-ce pas ? Si vous êtes débutant et que vous débutez avec l'aquarelle, je vous recommande vivement faire ou d'étudier la valeur tonale de toutes vos couleurs primaires et secondaires existantes afin de vous faire une idée de la gamme que votre couleur peut atteindre vous faire une idée de la gamme que . Pour faire cet exercice, sera extrêmement bénéfique car il est important de penser d'abord à la valeur lorsque Commencer un tableau. Parce que sans valeurs claires, claires et sombres, votre peinture ne fonctionnera pas quelle que soit la beauté de vos couleurs. Nous avons donc ici notre échelle de valeurs en neuf étapes décrivant les valeurs passant du noir au blanc. Pour mon gris Payne, c' est la gamme qui me permet de passer de la teinte la plus foncée et la plus intense à la plus claire, presque comme les gens, n'est-ce pas ? Découvrons maintenant les termes utilisés pour décrire ces valeurs. Veuillez vous référer au système de numérotation que vous voyez à l'écran et non à ce que j'ai écrit sur le papier, car j'ai écrit dans l'ordre inverse, en commençant par un en noir et neuf étant mon surlignage ou en dessinant en blanc. Ce n'est donc pas ainsi que vous devriez numéroter. Votre numérotation doit commencer par ton le plus sombre, soit le neuvième. Comme vous pouvez le constater, ces neuf variations de ton sont très faciles à observer à l'œil nu. Et cela nous aide à analyser et décomposer toute scène que nous voudrions traduire en peinture à l'aide de cette plage de valeurs tonales. Maintenant, comparons mon violet permanent ce gris Payne et voyons si c'est le cas. Gamme complète. C'est une bonne idée de vous entraîner à créer votre propre échelle de valeurs d'aquarelle, car cela vous aidera à connaître la proportion d'eau nécessaire pour créer de la clarté ou de l'obscurité pour une couleur donnée. Et nous pouvons également utiliser ce tableau comme référence future pour évaluer les valeurs que nous voulons peindre pour une peinture. Je suis donc en train de pratiquer mon échelle de valeurs d'aquarelle pour mon violet permanent. C'est la couleur que nous utiliserons dans nos prochains projets. Ce serait donc une bonne idée de commencer par les pratiques relatives à l' échelle de valeur, connaître l'eau, les tons de couleur que j' utiliserai pour peindre un élément particulier à partir de nos références. Ici aussi, nous observons que même un violet permanent nous donne valeur complète de neuf pour un. Une chose dont vous devez vous souvenir est que toutes les couleurs ne vous donneront cette échelle de valeurs complète de neuf. Certaines couleurs sont moins saturées et plus claires. Dans ces cas, vous aurez donc une échelle de valeur plus courte. C'est donc une bonne idée de créer ou de pratiquer cette étude des valeurs tonales de toutes les couleurs que vous possédez. Ce faisant, vous serez conscient de l'échelle de valeur de votre couleur et vous pourrez donc planifier vos peintures en conséquence. Examinons maintenant un exemple classique de la façon dont nous pouvons créer de la profondeur en contrôlant la valeur tonale. Nous allons donc créer ici un exercice d' une scène simplifiée d' une chaîne de montagnes. Et nous illustrerons la bonne et la mauvaise façon d'utiliser valeurs pour générer une apparence de profondeur. Jetons maintenant un coup d'œil à notre tout premier exemple dans lequel je vais créer une chaîne de montagnes éloignées. Et pour qu'ils soient au loin, ils doivent être dans un ton plus clair, le même principe que celui que nous avons déjà observé dans le taux de perspective atmosphérique. Une fois que j'aurai fini d'appliquer mon ton plus clair, je vais utiliser ma valeur tonale plus foncée et créer ces montagnes au premier plan. Examinons maintenant un deuxième scénario dans lequel je vais inverser la situation. Je vais commencer par les montagnes les plus sombres en arrière-plan. Ensuite, nous peindrons les plus clairs au premier plan. Voici donc ce qui se passe lorsque les différentes montagnes sont peintes dans une teinte plus foncée, elles vous sautent aux yeux et vous font percevoir la profondeur. Taux tellement confus. Le premier scénario est donc le bon moyen d'illustrer la profondeur de vos peintures. 6. Techniques de base : partie 1: Avant de démarrer nos projets, nous allons vous présenter rapidement les techniques de base de l' aquarelle. Dans cette leçon, je vais vous présenter les techniques générales et fondamentales de l'aquarelle que nous utiliserons dans ce cours. Wet-on-Wet signifie appliquer de la peinture humide sur votre surface de papier humide. Voyons donc comment nous pouvons procéder. Je vais commencer par tremper mon pinceau dans l'eau et, à l'aide de ce pinceau aqueux, je vais appliquer une couche d'eau uniforme sur mon papier . Je passe en revue les canapés de mes collaborateurs autant de fois que nécessaire avec mon pinceau humide afin que mon papier reste humide plus longtemps. Maintenant, à l'aide de mon pinceau, je vais réactiver ma peinture sèche, rendant humide ou mouillée. Dès que mon pinceau chargé de peinture touche la surface humide du papier, la peinture commence à s'étaler magnifiquement sur la surface mouillée, ou la technique humide donne des résultats de peinture très doux, merveilleux et spontanés à l'aquarelle. C'est donc l'une de mes techniques d'aquarelle les plus populaires. Maintenant, examinons cela à nouveau. Technique, qui est une technique très importante, contrôlée humide sur humide, humide sur sec. Ici, nous allons contrôler la quantité d'eau présente sur le papier, peinture et le pinceau, ce qui aura un impact important sur comportement de l'aquarelle lorsqu'elle est peinte avec cette méthode. Ici, dans ce premier exemple, vous voyez qu'il y a une couche d'eau inégale, trop d'eau sur mon papier. Vous pouvez voir l'eau couler à travers mon papier, créant des piscines et des flaques d'eau. Maintenant, l'étape suivante consiste à charger mon pinceau avec de la peinture. La pointe du pinceau est pleine d'eau. Donc, en utilisant cette peinture aqueuse, lorsque je la laisse tomber sur la surface humide du papier, vous verrez la peinture couler de manière incontrôlable sur les zones humides du papier. Vous constatez que la peinture coule sans aucun contrôle sur la surface humide du papier , ce qui vous permet de contrôler moins le comportement de la peinture sur le papier Ce n'est pas la bonne solution lorsque nous voulons contrôler l'humidité de notre peinture et offrir du papier. Cela vous donnera des résultats très compliqués, en particulier lorsque vous peignez des cieux ou tout autre arrière-plan impliquant de petits détails . Examinons maintenant ce deuxième exemple dans lequel je vais contrôler la quantité d' eau que je superpose sur mon papier. Lorsque votre papier est parfaitement enduit d'eau, vous remarquerez ce scintillement réfléchissant lorsqu' il est maintenu à la lumière. Cela indique que votre papier est parfaitement couché. Une autre façon d' éliminer l'excès d'eau du papier consiste à humidifier votre pinceau, le sécher sur du papier de soie, une serviette en tissu et à recouvrir à nouveau ces zones. Cela garantira que votre papier est parfaitement mouillé. Maintenant, contrôlez l'eau sur la peinture. Tu vois, l'eau que j' ai sur la pointe de mon pinceau est très minimale, tellement parfaite que pour réactiver ma peinture, je vais commencer à l'étaler sur ma surface de papier humide comme ceci. Et vous pouvez voir à quel point il se répand magnifiquement. Maintenant, observez ce pinceau chargé lorsque je l'applique sur la partie sèche de la surface de mon papier. J'obtiens lorsque je l'applique sur la partie sèche de la surface de mon papier ces coups de pinceau secs, mais de même, lorsque je l' utilise sur une peinture sur mon fond humide, vous remarquerez que vous pourrez facilement, sans introduire de saignements fleurs lorsqu'il y a trop d' eau sur le bout de votre pinceau. Ce que je veux dire, c'est que vous allez contrôler le comportement de la peinture sur votre surface de papier humide, vous donnant ainsi la pleine autonomie nécessaire pour contrôler l'humidité de votre peinture sur un fond humide. C'est la technique que presque tous les débutants ne parviennent pas à comprendre et contrôler la quantité d' eau qu'ils ont sur le papier peint ainsi que sur leur pinceau. Dans cet exemple, si la pointe de mon pinceau avait été remplie d' une trop grande quantité d'eau, j'aurais introduit des saignements inutiles dans les formes arborescentes que je dessinais sur le fond humide. D'où la forme de l' arbre, qui semble si fine, intégrée et pourtant si douce au loin, l'aurait été ou n' aurait pas été. Donc, s'il y a un saignement et que les bords sont très flous, une fois, vous savez, pour contrôler la quantité d'eau qui se trouve sur votre papier, votre peinture sur votre pinceau et faire en sorte qu'elle fasse exactement ce que nous voulons faire. Vous pourrez facilement maîtriser la technique mouillé sur mouillé et créer des résultats magnifiques et époustouflants. Permettez-moi de vous montrer ici un autre exemple de la façon dont vous pouvez contrôler l'eau sur votre peinture et votre pinceau pour créer un ciel lisse, bien mélangé et spectaculaire. Ensuite, appliquez une couche d'eau uniforme sur mon papier , veillant à ce qu'il n'y ait pas de stagnation irrégulière ou d'accumulation d'eau sur la surface du papier. La brosse que j'utilise ici pour laisser l'eau sur mon papier est une brosse à serpillière douce, fabriquée à partir de poils de chèvre. Maintenant, ce pinceau a tendance à retenir plus d'eau et de peinture et à contrôler l'eau lorsque vous devez sur une surface limitée ou sur une plus petite surface Il est recommandé d'opter pour un pinceau de plus petite taille. Par exemple, ici, je suis passé à mon pinceau de taille 8 et je regarde la quantité d'eau qu'il contient. Chaque fois que je lave mon pinceau, je fais sécher sur du mouchoir, du papier, mouchoirs et, Seigneur, la peinture sur mon pinceau. Maintenant, quand je charge, je vois qu'il y a trop d'eau. Je vais le tamponner sur le papier de soie. Et ici, vous pouvez voir que j'ai contrôlé la quantité d'eau présente dans la peinture. Il faut de la pratique pour comprendre comment contrôler la quantité d'eau dans votre peinture, votre papier et votre pinceau. N'oubliez donc pas de continuer à pratiquer ces techniques avant de commencer votre projet, car cela vous donnera une idée générale de la façon dont vous pouvez contrôler l'humidité et trouver le bon équilibre pendant que vous peignez. Maintenant, observez comment je joue avec mes valeurs tonales. Ici, dans le coin gauche, je continue avec une valeur tonale très légère. Ici. J'ai utilisé mon mélange bleu gris. Maintenant, vers la droite, je vais m'en tenir aux tons plus foncés que j'utilise parmi les couleurs. Et maintenant, il faut créer la forme des nuages. Observez, je n'ai pas regardé ni chargé la peinture avec de l'eau. J'utilise simplement mon pinceau humide prends la couleur et je la charge sur le papier, créant ainsi la forme des nuages que je veux ici. Si vous ne maîtrisez pas l'eau et que vous utilisez mélange de peinture trop aqueux pour peindre des nuages ici, un mélange de peinture trop aqueux pour peindre des nuages ici, vos nuages auraient des bords flous ou estompés, ce qui aurait été difficile à contrôler lorsque votre papier est mouillé et que vos mélanges de peinture sont trop aqueux. Ainsi, les nuages n'auraient pas conservé leur forme de cour lorsque le papier aurait séché. Vous pouvez jouer avec la forme des nuages tant que votre papier est mouillé une fois commence à sécher. Par exemple, ici, dans cette partie inférieure, le papier a déjà commencé à sécher. Vous verrez que si vous commencez à laisser la peinture, la peinture ne se fondra pas facilement dans l'arrière-plan. Ici. Tu dois t'arrêter et ne pas aller plus loin. C'est pourquoi il est comprendre l'humidité de votre papier et très important de comprendre l'humidité de votre papier et de votre pinceau lorsque vous utilisez une technique humide sur mouillé. Passons maintenant à la technique suivante, qui nous flatte , et voyons comment contrôle de l'eau joue également un rôle important ici . Ici aussi. Comme vous pouvez le constater, j'utilise la technique mouillé sur mouillé et je crée un arrière-plan. Maintenant, une fois que je serai heureuse et satisfaite de l'arrière-plan, je vais aller laver mon pinceau et utiliser le pinceau. Je vais simplement taper le pinceau sur cette surface de papier humide et vous verrez que vous obtenez des fleurs sur votre papier. Cela crée donc une très belle texture rêveuse. Mais comme j'ai utilisé ton plus gros pinceau ici, j'ai de plus grandes fleurs. Maintenant, lorsque vous passez à une taille plus petite, utilisez pinceau numéro six ici et faites de l'exercice en contrôlant l'eau en la tamponnant sur du papier. Vous voyez, vous obtiendrez des fleurs plus petites. 7. Techniques d'aquarelle de base 2: Jetons maintenant un coup d' œil à la technique suivante, qui est également un exemple de technique mouillé sur mouillé. Mais ici, nous allons créer une texture avec du sel. Ici aussi, je vais vous montrer comment la texture du sel varie lorsque votre papier contient trop d' eau ou lorsque vous avez trop de mélange de peinture aqueux sur votre papier. Je suis là maintenant en train de déposer le sel sur cette feuille de papier humide que j'ai. Maintenant, je vais le laisser sécher. Et dans l'exemple suivant, je vais cependant vous montrer manière contrôlée de créer cette texture salée en contrôlant la quantité d'eau que vous avez sur votre papier ainsi que sur la peinture. Pour le deuxième exemple, je vais créer un fond humide, mais je constate que mes pinceaux contiennent déjà trop d'eau. Donc, ce que je vais faire, c'est essayer d'extraire ce surplus d'eau en faisant sortir l'eau des poils de la brosse. Maintenant, avec ce pinceau humide, je vais charger à nouveau le pinceau avec de la peinture et l' étaler sur le papier en faisant des allers-retours de haut en bas. De cette façon, j'ai créé un lavage d' arrière-plan très contrôlé. Maintenant, je vais y aller et éclabousser le sel. Maintenant, attendez que le solide sèche. Ensuite, nous comparerons les résultats entre ces deux techniques. attendant qu' un papier sèche, examinons la technique suivante, qui est la technique humide sur sec. Comme son nom l'indique, nous partagerons ici notre peinture humide sur une surface de papier sèche. Dans ce cas, le manque d' humidité sur la surface signifie que votre peinture ne pourra pas pénétrer dans d'autres zones, ce qui vous permettra de peindre avec plus de détails et de créer des couleurs plus saturées. Ici, je vais décrire mon pétale de fleur. Le contour que j'ai créé se trouve donc sur du papier sec et vous pouvez voir quel point la couleur est saturée. Maintenant, quand je commence à remplir la forme du pétale j'utilise un peu plus de peinture aqueuse. Vous verrez que j'ai réussi à obtenir ces bords lisses et bien mélangés à l'intérieur du pétale. Comme vous pouvez le constater, mouillé sur sec nous permet d'obtenir plus de détails, des bords plus nets et des formes bien définies. Par exemple, ce pétale de fleur, que j'ai créé à l'aide de cette technique, le papier a séché et vous pouvez clairement distinguer les textures salines sur lesquelles nous n' avions aucun contrôle sur l'eau. Nous y avons produit plus grandes fleurs éclaboussées de ce sel, qui semble bien mélangé car il a commencé à se dissoudre dans un fond très humide. Mais les appareils portables, ceux qui avaient une limite de contrôle de l'eau, ont des bords nets plus définis. Passons maintenant à la technique suivante, qui est une technique de levage. La technique de levage consiste essentiellement à enlever la peinture humide lorsque le fond est encore humide. Pour effectuer cette technique, vous aurez besoin d'un pinceau propre et humide où vous devrez exercer ce que vous pouvez contrôler en tamponnant sur du papier de soie, puis en appliquant une pression pour soulever la peinture de la surface du barrage. Vous pouvez soulever la peinture et l'exposer sous le blanc du papier uniquement lorsque le fond est mouillé. La technique de levage dépend également du fait que la couleur que vous soulevez soit une tache ou un pigment non tachant Les pigments de coloration sont généralement difficiles à retirer de la surface humide du papier. Cela ne révélera pas la blancheur complète de votre peuple. Permettez-moi de vous le montrer à l'aide d'un exemple. En général, tous les bleus sont des pigments très colorants. Voici mon bleu de Prusse et maintenant je vais essayer de le soulever à l'aide de mon pinceau humide. Quand j'ai essayé de retirer cette peinture à la colle, tu l'as vue ? Je n'ai pas réussi à enlever complètement la peinture des gens. Cette nuance de bleu est toujours visible. C'est donc la différence entre la technique de levage, entre le pigment colorant et le pigment non tachant. Maintenant que notre papier est sec. Vous pouvez maintenant voir de près la texture que vous avez reçue lorsque l'eau était maîtrisée, mais ce n'est que de la texture et lorsqu'il n'y avait aucun contrôle de l'eau Pouvez-vous voir les saignements que nous avons ? Ça n'en a même pas l'air. Nous avons des éclaboussures de sel là-bas. Ce n'est donc pas la bonne façon de procéder. C'est presque similaire à celui des fleurs que nous avons reçues sur le papier lorsque nous avions utilisé trop d'eau. Vous voyez donc maintenant à quel point le contrôle de l'eau est important. Oh, j'ai presque oublié de vous montrer quelle toute dernière technique qui est la technique à sec sur sec. Cette technique signifie que vous allez utiliser de la peinture sèche sur la surface de votre papier sec, obtenant ainsi des marques de pinceau très sèches sur votre papier. Tu vois, j'ai cette foutue brosse sèche. Je vais essayer de soulever la peinture ici, mais comme la peinture ne contient pas d'eau, je ne pourrai pas charger mon pinceau. Pour cette raison, je vais devoir tremper la pointe de mon pinceau et réactiver la peinture avec peu d'eau dedans. Maintenant, avant de le charger sur mon papier, je vais utiliser le papier de soie, le mouchoir, serviette et le tamponner doucement pour absorber tout le surplus d'eau. Vous voyez maintenant que nous avons marques de pinceau sec sur le papier. Ces marques de pinceau peuvent donc créer de nombreuses textures en fonction de l'objet ou de l'élément que vous peignez. Par exemple, vous pouvez créer ces marques de pinceau sec sur l'écorce ou les tiges de l'arbre pour créer des textures. Vous pouvez également créer des textures sur les montagnes. Ce sont donc les techniques générales que nous allons utiliser non mises en œuvre pour créer nos projets. 8. Plan d'action: Avant de commencer notre peinture, essayons d'abord de décomposer notre référence et de la simplifier. Tout d'abord, nous allons commencer par déterminer la ligne d'horizon de notre référence. Vous pouvez donc voir ici, quelque part autour d'ici , ma ligne d'horizon, où les deux côtés des montagnes de la vallée se rejoignent. Et puis vous avez vos origines lointaines. Voici votre référence de la ligne d'horizon. Commençons maintenant par marquer les plus claires et les parties sombres. Vos visites, à ma droite, se situent donc dans la zone des montagnes qui se trouve dans l'ombre. Et vous pouvez voir au loin l'idée des montagnes, qui sont très éclairées, mais elles sont très estompées. Voici notre perspective aérienne en jeu. Voici l'illusion de distance en utilisant différentes valeurs tonales. Tu peux le voir ici, non ? cause du ciel, il s'estompe au loin, il prend donc cette couleur gris bleuté. Maintenant, vers le premier plan, vous pouvez voir les couleurs devenir plus vives et plus vertes. C'est la zone la plus lumineuse où elle reçoit le maximum de lumière, n'est-ce pas ? Ce sont donc les zones qui sont directement sous l' influence du soleil. Peux-tu remarquer la croix que j'ai créée ? C'est donc la partie que je vais éliminer de notre paysage. Je ne vais pas compliquer le sujet. Nous les ajoutons pour plus de détails. Ainsi, lorsque vous transformez cette peinture en niveaux de gris, vous pouvez voir le contraste des couleurs par rapport à votre tableau le contraste des couleurs par rapport et planifier les valeurs tonales de chacune des couleurs. Une fois que vous l'avez simplifié et que vos valeurs tonales sont correctement définies ? La prochaine étape consiste à planifier vos techniques. Joignez-vous à moi pour la prochaine leçon où je vais esquisser cette référence. 9. Jour 1 : palette de couleurs: Avant de commencer notre projet, examinons la palette de couleurs. La première couleur que je vais essayer est la couleur du ciel. C'est Taylor Blue, une teinte plus chaude de bleu, de jaune, de bleu et de rouge que j'utilise. Au lieu de cela, vous pouvez également le remplacer par du bleu cobalt ou du bleu outremer. Le choix vous appartient entièrement. Pour ce fond de montagnes, je vais créer un ton de bleu grisâtre en mélangeant du bleu tailleur avec du brun. Donc, ici, j'utilise mon rouge brun. Mais vous pouvez également utiliser votre brûleur Bunsen ou votre Sienna brûlée et créer la même chose. C'est ainsi que je vais m'en servir. Maintenant. J'ai déjà une couleur bleu-gris, qui n'est rien d'autre qu'un mélange de bleu froid et de blanc. Ainsi, lorsque vous utilisez du blanc, vous transformez votre couleur en couleur opaque, vous coloriez votre formulaire. C'est donc ce que signifie mon bleu-gris. C'est une teinte pistolet avec cette tombe bleue et si vous mélangez votre brun rougeâtre, vous obtenez cette couleur gris bleuté. Vient ensuite la couleur verte de mes feuilles. Maintenant, la couleur Leave Green est déjà disponible chez moi. C'est de couleur vert jaunâtre. Maintenant, si ce n'est pas disponible chez vous, voici l'alternative que vous pouvez mélanger à votre jaune citron, j'ai mon jaune citron, qui contient le pigment BY A21, mais votre jaune citron peut avoir un pigment différent. Vérifiez donc les informations sur vos pigments étiquetées sur vos tubes et casseroles. Ce jaune citron, je vais le mélanger à mon vert ici, le vert que j' utilise, du vert sève. Vous pouvez utiliser n'importe quel vert disponible avec vous. Essayez de créer une combinaison de couleurs qui ressemblera très près à ma teinte de vert feuille ou à n'importe quel vert jaunâtre que vous pourriez formuler avec vos couleurs. Prochain album, Swatching out my Burled Sienna ou Burnt Sienna. Lorsque vous ajoutez un indigo ou une nuance de bleu plus foncée ou même le gris ou le noir de Payne, vous le transformez en une teinte brune plus foncée. RCR des sorcières. 11. Jour 1 : le début de printemps- ciel et montagne: Bienvenue dans le projet Day One. Commençons par le ciel. Pour ce gars-là, je vais utiliser la technique mouillé sur mouillé qui consiste à appliquer une couche d'eau plate sur votre papier . Vous pouvez soit utiliser une brosse à serpillière , soit une brosse à merlu. L'avantage d' utiliser une serpillière est que la pointe du pinceau vous permet d' atteindre ce type de courbes ou de crevasses que vous avez tracées sur votre papier. Je suis donc assez à l'aise avec ces pinceaux, car je les utilise plutôt pour appliquer du vernis à plat sur mes papiers, en particulier lorsque je suis confrontée à de telles montagnes ou à des zones où je dois contourner des formes délicates où il peut être difficile se déplacer avec un pinceau plat Lorsque vous enduisez votre papier d'eau, assurez-vous toujours de procéder avec un uniforme code de superposition. Comme vous pouvez le voir ici, mon papier est uniformément enduit d'eau. Assurez-vous toujours qu' il n'y a pas de flaques d'eau sur votre papier, de flaques d'eau sur car cela entraînerait une couche de couleur très inégale sur le papier. Essayez donc toujours de déplacer le pinceau uniformément sur la surface de votre papier pour réactiver ma peinture J'utilise mon flacon pulvérisateur. C'est un moyen très efficace de réactiver votre peinture, en vous assurant de ne pas avoir trop d'eau. Comme vous pouvez le constater, mon mélange de peinture était un peu sec, alors j'ai ajouté juste une goutte d'eau. Maintenant, à l'aide de la pointe de mon pinceau à serpillière, je superpose mon pigment de peinture sur mon papier. Ici. Je vais omettre quelques espaces vitaux entre les deux pour indiquer les nuages blancs duveteux sur un ciel éclatant. Pour créer le mouvement des nuages, veillez toujours à utiliser des mouvements très libres ou lâches. Comme vous pouvez le constater, j' ai posé mon pinceau très légèrement sur le vôtre et, avec le bout de mon pinceau, je déplace les couleurs sur mon papier. Vos coups de pinceau doivent être fluides pour obtenir des nuages d'apparence très douce. Je vais passer à mon pinceau de taille 8 et essayer de donner une forme à ces nuages, en particulier à ces nuages blancs. Et vous pouvez voir les saignements se produire là-bas. Je vais donc simplement utiliser mon pinceau humide et extraire ces couleurs de là, pour donner une forme aux nuages. Lorsque vous retirez les couleurs de votre personnel, assurez-vous toujours nettoyer votre pinceau, de le rincer à l'eau et de le tamponner humide sur votre mouchoir, votre papier ou vos serviettes en et de le tamponner humide sur votre mouchoir, votre papier ou vos tissu afin éliminer toutes les couleurs souillées de votre pinceau. Pendant que vous ajoutez des couleurs, veillez à ce que chaque fois que vous soulevez les couleurs, en particulier pour les nuages, soyez très doux et essayez de le faire très légèrement, car plus les coups de pinceau seront doux et lâches , plus le pinceau produira une lance et plus doux, les nuages apparaîtront. Si vous créez trop de pression, vous allez créer des lignes très dures, ce qui n'a vraiment pas l' air agréable. Je préfère donc toujours utiliser des traits très lâches et le faire lorsque le papier est encore suffisamment humide pour que je puisse le faire. Pour créer de la profondeur dans mes nuages. Je vais mouiller ces zones avec une brosse très humide. J'ai utilisé ma brosse à serpillière et, pour ma mère, brosse numéro 8 en velours noir argenté. J'opte pour une tonalité très claire de mon indigo mélangée à un peu de Sienne brûlée pour créer des bords plus lisses. J'utilise la pointe de mon pinceau humide et mélange ce mélange d'indigo très légèrement, tout en conservant la forme des nuages. Cela nous donnera la profondeur que nous souhaitons pour nos nuages. Pour vous assurer que chaque fois que vous essayez de créer de la profondeur sans produire de bords nets, assurez-vous de laisser vos couleurs utiliser une valeur tonale très claire, puis d'utiliser la pointe de votre pinceau. Mais n'oubliez pas que votre ruban ne doit pas être trop chargé d'eau. Permettez-moi de vous montrer ici une autre astuce intéressante en utilisant notre papier de soie humide, vous pouvez créer de magnifiques nuages moelleux. L'astuce consiste à utiliser le bout humide du papier de soie et à le tamponner très doucement en soulevant les couleurs de votre papier. Cela ne fonctionnera que lorsque le papier est mouillé. Maintenant, si vous vous demandez pourquoi j'ai utilisé ce mouchoir humide, la raison étant que, généralement, lorsque nous utilisons votre mouchoir sec, cela crée des bords très durs sur vos nuages. Et c'est ma préférence personnelle je n'aime pas ces arêtes. C'est pourquoi j'ai conçu cette technique. Passons maintenant à notre élément de fond, qui est cette montagne d'arrière-plan. Pour cela, je vais créer ma teinte bleu-gris que nous avons déjà vue dans notre section palette de couleurs. Pour le mélange de couleurs, j' ai utilisé une partie de mon bleu froid composé du pigment BB 15 une partie de mon blanc de titane soit PW 6.1, une partie de ma Sienne brûlée, composée du pigment BBR seven ou VR1 01. À l'aide du bout pointu de mon pinceau en velours noir argenté taille 8, pinceau en velours noir argenté taille 8, je dessine le contour de la montagne. Il s'agit de la première étape. La même chose que nous avons vue dans la section technique. J'espère que vous l'avez pratiqué. Une fois que j'ai défini le contour de ma montagne, l'étape suivante consiste à utiliser la technique humide sur sec et à créer également ces motifs de coups de pinceau semi-secs. Vous devez donc avoir une consistance optimale de votre peinture. J'y vais avec des mouvements très lâches. Et vous pouvez voir qu'avec la pointe de mon pinceau, je crée des lignes de pinceau sèches marquent les crêtes des montagnes. Ici. Il n'est pas nécessaire décrire la montagne dans les moindres détails, car elle se trouve à distance et elle est assez floue lorsque vous la voyez du premier plan. donc pas nécessaire de trop détailler est donc pas nécessaire de trop détailler les montagnes. Un peu de base suffit pour créer cette texture rugueuse en montagne. Je vais ici en utilisant la technique du sec sur sec, en utilisant mon pinceau très sec avec ma couleur humide et effleurant simplement la pointe de mon pinceau sur le papier, vous pouvez voir les motifs de ces pilotes. Vous appliquez le principe de perspective atmosphérique la perspective atmosphérique selon lequel tous les objets éloignés de l'horizon auront toujours tendance à reproduire la couleur de celui-ci. À proximité, il y a du ciel, d'un bleu magnifique et doux . Vous êtes donc à distance, les couleurs seront reproduites à cause de l'effet de diffusion de la lumière. Et par conséquent, la couleur résultante que nos yeux perçoivent sera dans ce ton mixte de gris bleuté. L'une des étapes critiques consiste donc ce bleu sur le mélange bleu-gris, qui est notre couche de base, à appliquer ce bleu sur le mélange bleu-gris, qui est notre couche de base, à contrôler de manière optimale l'eau dans votre peinture, ainsi que sur votre pinceau, car une trop grande quantité de peinture aqueuse mouillera le papier. contrôler de manière optimale l'eau dans votre peinture, ainsi que sur votre pinceau, car une ainsi que sur votre pinceau, trop grande quantité de peinture aqueuse mouillera le papier. Par conséquent, lorsque vous commencez à superposer ce bleu sur ce gris, vous pouvez également retirer la couche de base. Contrôlez donc l'eau sur votre peinture ainsi que sur votre pinceau lorsque vous utilisez cette technique humide sur sec. Créer de la texture sur les montagnes vous donnera un avantage supplémentaire : vous pouvez utiliser la pointe de votre pinceau pour créer des motifs de pinceau plus larges et secs en même temps. Maintenant, je vais créer un mélange de peinture aqueuse pour créer des traits plus larges comme des lignes sur mes montagnes. Maintenant, avec la pointe de mon pinceau, je vais utiliser des traits aléatoires très libres et lâches, mais je vais utiliser des traits unidirectionnels là où se trouve la pente de ma montagne. Pour créer une toile de fond plus réaliste, nous allons créer un mélange de vert terne ou un mélange de vert sourd en mélangeant mon vert sève à celui de mon mélange bleu-gris, que nous avons déjà créé pour créer les textures de nos montagnes. Je vais juste mélanger mon vert à ce mélange bleu-gris. Mélangez-y un peu de votre Sienne brûlée et créez ce vert plus terne. Si vous avez remarqué, le mélange de couleurs que j'ai créé sur ma palette n' est pas trop liquide. Maintenant, je charge le bout de mon pinceau et je dis que je tamponne le surplus d'eau qui pourrait se trouver sur mon pinceau, sur mon papier de soie. Et utilisez simplement la pointe de mon pinceau avec ces coups de pinceau. Mais ici, les traits que je suis en train de créer se situent entre les espaces blancs que nous avons laissés. Allez-y et remplissez-le en position aléatoire, mais ne couvrez pas la totalité de ce mélange bleu-gris. confiné ce green et je me dirige uniquement vers le pied de ma montagne gauche, comme vous pouvez le voir ici. Cela indiquerait donc que les glaciers commencent à fondre à un moment ou à un autre. Une fois que vous aurez terminé le spot, faites une pause et je vous rejoindrai dans la section suivante où nous traverserons des vallées plus verdoyantes. 12. Jour 1 : le début du printemps : la vertueuse et la prairie: J'espère que vous êtes suffisamment reposé pour repartir à zéro. Je commence par une valeur qui se situe vers la droite. Et voici la référence. Comme vous pouvez le constater dans la référence, une partie de cette vallée du côté droit se trouve dans l'ombre. C'est pourquoi j'ai utilisé ce ton doux de mélange de vert bleuté, mais c'est un vert très terne. J'ai mélangé un peu de brun, un peu de vert et bleu dans ce mélange pour créer cette couleur. l'on continue avec une tonalité très, très moyenne, de ce vert, vous pouvez voir qu'il n'est pas trop foncé. Et entre les deux, je vais utiliser quelques traits indigo, laissant quelques espaces entre les deux. Je rince mon pinceau et je charge mon pinceau avec celui du vert feuille, qui est vert jaunâtre. Il suffit de le superposer par le haut, faisant glisser vers le bas, quelque chose comme ça entre les deux, et je vais commencer à le remplir avec quelques touches d'indigo. Cela indiquera les parties d'ombre les plus sombres, qui se situent vers le niveau du sol. Maintenant, je vais commencer par la montagne. Vers la gauche. Je suis parti de la base en utilisant de la sève verte, remplir dur et en gardant le dessus vide. Maintenant, je vais charger mon pinceau avec cette feuille verte et essayer de mélanger les deux feuilles, mais en veillant à ne pas utiliser trop de sève verte et à la placer dans cette feuille verte vers le haut. Maintenant, si vous vous demandez pourquoi c'est le cas, parce que cette partie supérieure est la zone où l'on trouve des articles divers ou directement dessus. C'est donc la zone où le maximum de lumière est réfléchie. Et par conséquent, nous l'avons désigné en utilisant notre couleur vert jaunâtre clair. Maintenant, pour ajouter une touche plus caractéristique à cette montagne, je vais ajouter quelques coups de pinceau lâches avec mon ombre brûlée. Cela indiquera la présence de roches et de cailloux épars. À ce stade, je pense qu'il devrait y avoir un peu plus de vert clair à part. J'utilise donc mon pinceau humide et je retire légèrement ces verts plus foncés. Lorsque j'ai décollé des greens, j'avais également soulevé les cailloux bruns que nous avions créés. Mon papier est encore humide à ce stade. Donc, à l'aide de mon pinceau synthétique et d'une technique contrôlée mouillé sur mouillé, je vais superposer ces points bruns de formes et de tailles différentes vers la base de ces contreforts. Maintenant, pour créer un aspect très doux et bien mélangé, il est nécessaire que vous effectuiez cette étape lorsque votre papier est encore suffisamment humide. Il ne doit pas être complètement sec, sinon vous remarquerez des pierres et des cailloux qui se détachent très en évidence. À l'aide de mon pinceau rond Princeton synthétique taille 2, je vais commencer à créer des fixations dans ces montagnes. observant mes coups de pinceau, je suis en train de créer un ventre plus gros et pointe pointue indiquant la forme de l'arbre. Cette étape est désormais totalement facultative. Si vous êtes satisfait de l'apparence de vos montagnes, vous pouvez totalement sauter cette étape. J'aime ajouter des détails parce que je pense que ces petits détails donnent du réalisme à vos peintures. Mais si vous n'êtes pas partante, vous pouvez totalement sauter cette étape. Maintenant, si vous avez créé les épines, la prochaine étape serait d'intégrer la base des épines à nos montagnes. N'utilisez donc que la pointe humide de votre pinceau. Fais-le. Nous avons terminé avec succès notre objectif intermédiaire. Il est maintenant temps de commencer un premier plan, qui est une prairie. Pour les prairies, je vais opter pour la technique mouillé sur mouillé. Maintenant, si vous vous demandez pourquoi, pour ce premier plan en particulier, nous optons pour la technique mouillé sur mouillé. La raison en est que cette zone est beaucoup plus grande. Cette prairie a une superficie beaucoup plus grande. Donc, si nous optons pour la technique humide sur sec, il est possible que notre papier commence à sécher et les couleurs ne se mélangent pas bien. Pour éviter ces problèmes, je vais utiliser la technique mouillé sur mouillé. Maintenant, si vous avez observé que les jeunes feuilles sont fières, couleur ressemblera à vert jaunâtre. Et à mesure que les feuilles mûrissent, elles se transforment en vert sève, puis, avec l'âge, elles prennent des teintes de vert plus foncées. gardant ce concept à l'esprit, j'ai donc commencé par le milieu ou la prairie avec la couche de base vert jaunâtre. Ensuite, avec ma sève verte, je passe à quelques coups de pinceau pour la profondeur et de la texture à nos prairies. Je vais répéter le même processus pour l'ensemble de la prairie. Mais de temps en temps , je modifie mes coups de pinceau pour donner une impression de profondeur à la peinture. Alors continuez à observer. Maintenant, vers la base de cette prairie, pour lui donner une apparence plus réaliste, je vais suivre ces lignes courbes avec ma tonalité la plus foncée, le vert sève. Maintenant, au lieu du vert sève, vous pouvez utiliser votre mélange brun verdâtre en mélangeant un peu de Sienne brûlée ou d'ombre brûlée à votre mélange verdâtre et créer une sensation de profondeur dans cette prairie. Les coups de pinceau, lorsqu'ils sont bien exécutés, et qu'ils restent très lâches et audacieux, peuvent donner beaucoup plus de vivacité et d'énergie à votre peinture. C'est pourquoi la plupart des coups de pinceau vous observerez dans une peinture réaliste seront très directionnels. Cela nous donne une idée de l'orientation et, par conséquent, l'aspect 3D de la peinture prend vie. Vers la base, je vais utiliser un mélange de ma barre Bond Tom pour indiquer le sol ou la demande. À ce stade, ma prairie au sommet semble très plate Je vais donc simplement ajouter certaines de ces courbes bombées, lignes obliques de sève verte. Maintenant, vous voyez qu'il a pris une grande partie de cette forme. Vers ma prairie droite. Je vais utiliser la technique mouillé sur mouillé , comme nous l' avons fait auparavant. Je mélange mon jaune verdâtre à celui du vert sève pour créer ce jaune vert très chaud. Passons maintenant à mon pinceau en velours noir argenté, taille 6 . Et je vais maintenant ajouter quelques traits directionnels près de cette base de ma prairie droite. Pour créer l'illusion de profondeur dans cette prairie jusqu'à la base, je vais utiliser juste le bout de mon pinceau numéro six chargé de mon bois brûlé. Et je vais commencer à le superposer dans la base pour qu'il se fonde dans les verts. Je m'assure de faire cette étape lorsque mon papier est encore humide. Une fois que votre papier est en place ou que la zone commence à sécher, coups de pinceau que vous créez laisseront des marques très laides, des taches sèches sur votre papier qui ne seront pas très attrayantes à vos yeux. À ce stade, mon papier est déjà sec Je vais donc procéder à nouveau à l'humidification de cette zone particulière du papier. Parce que nous allons utiliser la technique d' éclaboussures mouillées sur mouillées pour créer des fleurs sauvages. Maintenant, en utilisant la technique de repondération, gardez toujours à l' esprit de ne pas appliquer trop de pression sur votre pinceau sur le papier. Ce faisant, vous éliminerez les couleurs de base que vous ne souhaitez pas. Vous devez inverser lentement et progressivement la surface sans soulever les couleurs. est temps de créer des fleurs magiques en projetant de l'eau sur votre fond humide. Maintenant, au lieu de l'eau, vous pouvez également utiliser votre mélange de peinture coloré aqueux. Utilisez des mélanges lumineux pour créer des compteurs floraux lumineux. Maintenant, c'est en raison de la nature de l'aquarelle qu'elle essaie de se fondre à nouveau dans l'eau. Mes fleurs ont déjà commencé à se fondre dans l'arrière-plan, c'est pourquoi j'en ai éclaboussé une fois de plus. Maintenant, à l'aide de mon pinceau Filbert Greener, je vais simplement créer ces formes semblables à du verre. La pointe de mon pinceau étant pratiquement sèche, je suis en train de charger avec mon contrôle le mélange de peinture vert sève et de créer cette poignée pour faire vieillir Neo à fond juste à côté des zones vertes plus foncées. Chaque fois que vous utilisez le feuillage de l'herbe, empruntez différentes directions pour indiquer le mouvement des herbes sous l'effet du vent. Pour cette pierre, qui se trouve vers le bord de mon papier, je vais utiliser des coups de pinceau secs sur secs. J'ai d'abord commencé par ma Sienne brûlée, puis je l'ai recouverte de bois brûlé. Maintenant, en utilisant le même mélange plus foncé que mon ombre brûlée, je vais ajouter de petits détails vers la base de ce milieu. Il est maintenant temps de passer au milieu, vers la gauche. Ce sera le même processus que celui que nous avons fait pour le centre sur la droite. Alors continuez à observer. En commençant par la technique humide sur humide avec une couche initiale vert jaunâtre. Vers la base, juste le long des contours de ces rochers se trouvent les pierres que j'ai déjà créées. Je vais simplement remplir ces zones avec ces traits directionnels en utilisant mon mélange d'umbres brûlés. Joignez-vous à moi pour la prochaine leçon pour terminer. 13. Jour 1 : le début du printemps - le flux et les détails finaux: Pour ce pré également, je répète exactement le même processus que ce que nous avions fait pour le médial, qui se trouve sur notre droite. Je superpose ma sève verte, en m'assurant que lorsque la couche de brun est encore humide, je laisse mes légumes verts prendre ces nuances de brun plus foncées et mélange sur les zones les plus claires. Vers la base de ce milieu, je vais commencer et superposer un peu plus de ce brun foncé. J'ai mélangé un peu d' indigo à ma Sienne brûlée. Maintenant, si vous voulez créer votre propre mélange de nuances de brun foncé, ajoutez toujours soit le gris de Payne, c'est-à-dire que vous êtes noir, soit le DR. Des nuances de bleu plus foncées, vous obtiendrez une teinte brun plus foncé. Maintenant, avant que la couche supérieure du médium ne sèche, je vais simplement utiliser un mélange aqueux de sève verte et le déposer en couche. À ce stade, cette partie de papier est mouillée C'est donc le bon moment pour passer aux éclaboussures et à la tactique. Maintenant, j'utilise mon jaune citron pour éclabousser, mais si vous le souhaitez, vous pouvez simplement utiliser votre pinceau humide et y éclabousser de l'eau pour créer des fleurs. Ici, les fleurs seront peu colorées et de couleur jaune. Sinon, vous pouvez simplement y mettre des éclaboussures de roses et rouges sur une pâte délicieuse pour indiquer qu'il y a des fleurs sauvages là-bas. Maintenant, tu utilises mon peigne ou le pinceau Filbert Greener. Je vais juste créer ces motifs de pieds en gazon ici alors que mon arrière-plan est encore humide. Il est maintenant temps de passer à notre stream. Pour le stream, nous allons ici avec une technique humide sur mouillé. Je vais créer un mélange très aqueux de bleu turquoise au lieu de bleu turquoise Vous pouvez utiliser n'importe quelle nuance de bleu plus clair, de préférence du bleu froid. Maintenant, si vous vous demandez pourquoi j' utilise du bleu turquoise pour ces ruisseaux glaciaires. La raison en est que la plupart du temps, lorsque les glaciers commencent à fondre, ils érodent la roche ou les particules minérales présentes dans ces montagnes donnent cette couleur. Les minéraux donnent en fait cette couleur vert bleuâtre de l'eau. C'est pourquoi je vais opter pour ce bleu turquoise. Si vous le souhaitez, vous pouvez ajouter un peu de ce bleu Taylor et le mélanger avec un peu de vert viridien ou émeraude pour créer une couleur vert bleuâtre de votre ruisseau de montagne. Au fur et à mesure que vous arriverez à cette partie plus large du ruisseau, je vais reproduire le mouvement dans l'eau en utilisant ces coups de pinceau sinueux observant mes coups de pinceau ici. J'ai laissé des espaces blancs ou des espaces entre les deux pour créer l'illusion de cela. Pour moi, les ondulations qui se forment sont la zone mousseuse du ruisseau. Je ne vais donc pas utiliser votre peinture blanche ou votre gouache blanche. Je vais donc ajouter un peu plus de profondeur à cette ficelle en ajoutant des tons plus foncés de mon bleu. J' ai utilisé mon mélange de bleu paon, qui est également un bleu froid, et en longeant les côtés du milieu et en complétant les tons les plus foncés. J'ai fait sécher un peu mon papier et ajouté cette date quand le papier sera presque à moitié sec Je vais ajouter quelques pierres là-bas en utilisant mon mélange de bois brûlé mélangé à un peu de brun Van **** vers la base de ces pierres. Je vais et ajouter une teinte plus foncée. Sur ma gauche également, j'ai un autre morceau de pierre ou plus fort. Pour cela aussi, je répète les mêmes étapes que pour celle qui se trouve sur notre droite, vers la base. Je vais de l' avant et je sens couleurs les plus foncées et, à la surface de la roche, je vais de l'avant avec des motifs au pinceau sec avec ma Bond Sienna vers la gauche. Les nôtres sont complètement desséchés. Maintenant, je vais repondérer très légèrement à la main à l'aide d'un pinceau très aqueux. J'attendrai que le papier absorbe l'eau , puis j'éclabousserai les fleurs roses. J'ai attendu que mon papier soit complètement sec et maintenant je retire les rubans de masquage en biais. Je suis assez patient. N'essayez pas de retirer vos rubans de masquage lorsque votre papier est encore humide. Attendez toujours que votre papier soit complètement sec avant de retirer les rubans. Cela garantira également que votre papier ne se déforme pas. Et voici l'aspect final d' une peinture si rafraîchissante et si belle, n'est-ce pas ? Un printemps parfait comme celui-ci, nous avons terminé avec succès celui que je vous verrai le jour même pour projeter. 14. Jour 2 : Planifier et croquer: C'est maintenant ce que nous allons peindre pour D2. Avant de passer à la partie esquisse, planifiez d'abord notre peinture. La première chose par laquelle je vais commencer , c'est mon ciel, comme vous pouvez le voir pour ce type, je vais utiliser une technique mouillée sur mouillée pour le ciel. Nous allons ensuite nous diriger vers notre lointaine montagne de fond. ce faire, nous allons manipuler les valeurs tonales d'une couleur, choisissant la teinte la plus claire. Ensuite, nous passons au premier plan où nous utilisons couleurs contrastantes plus vives et éclatantes pour créer une plus grande impression de profondeur et de textures dans un paysage. Commençons maintenant avec notre peinture. Avant cela, je vais scotcher mon papier à l'aide de mon ruban adhésif. Allons-y. le coin droit de l'écran, vous pouvez voir la référence Vous pouvez maintenant suspendre l'écran ici, utiliser cette référence et esquisser votre plan. Ou vous pouvez regarder la vidéo complète de mon processus, puis suspendre l'écran où j'ai terminé le plan et continuer à créer le vôtre. Maintenant, en règle générale, j'ai toujours tendance à marquer ou à mesurer la zone où je veux que se trouve ma ligne d'horizon. Ensuite, je commence à créer les autres éléments. Alors suivez-moi ou parcourez cette vidéo en entier. Et puis, une fois que vous avez atteint la fin de cette vidéo, vous pouvez mettre l'écran en pause et créer votre propre plan. Il est maintenant temps de placer la clôture au premier plan. Ici, je vais implémenter la perspective linéaire car la clôture va reculer dans la distance. Je vais donc utiliser les formes les plus petites pour indiquer cette distance et cette profondeur. Alors voilà, et voici mon croquis terminé. Vous pouvez donc suspendre l'écran ici et créer votre propre croquis. Une fois que vous avez terminé votre croquis, il est temps de commencer à utiliser nos aquarelles. 15. Jour 2 : palette de couleurs: Bonjour, bienvenue pour le deuxième jour. Commençons rapidement avec la palette de couleurs. Tout d'abord, nous allons commencer par les couleurs du ciel. Je vais d'abord commencer par observer les nuages, en particulier les nuages sombres et spectaculaires que nous allons peindre. Ce sera donc avec ma violette permanente. Maintenant, le valide permanent que j'utilise ici est un peu granulé. La couleur suivante serait le violet minéral. Maintenant, lorsque vous mélangez du violet permanent avec votre rose fluo, dans ce cas, j'ai du rose Swatch Dot Oprah. Vous obtiendrez cette nuance de violet minéral. La prochaine couleur que je vais essayer est mon jaune indien. Ce jaune est un jaune doré très chaud. Au lieu de ce jaune, vous pouvez choisir de choisir n' importe quelle teinte jaune cadmium foncé que vous avez sur vous. Maintenant, si vous mélangez ce jaune profond, un peu de votre blanc de titane, qui est composé du pigment p W6, vous obtiendrez une couleur très similaire à celle de votre jaune de Naples. jaune de Naples est la couleur que nous allons utiliser pour créer les couleurs du coucher près de la ligne d'horizon du ciel. Vous verrez donc ici qu'il contient le pigment BY 35, qui est le pigment jaune, et le PW six, qui est le pigment blanc. C'est donc pour cela que je vais utiliser les jaunes pour mes couleurs de coucher de soleil. La couleur suivante dont nous aurons besoin est ce beau vert jaunâtre vif, nous allons utiliser un peu sur les montagnes, les montagnes du milieu , et la superposer à nos montagnes du premier plan. Maintenant, vous pouvez créer des feuilles vertes en mélangeant votre jaune citron avec votre vert de sève. N'oubliez pas de mélanger deux parties de jaune citron et une partie de vert sève pour obtenir ce mélange vert feuille vif. Maintenant, un autre vert que je vais utiliser est le jaune verdâtre. Vous pouvez créer la même couleur jaune verdâtre, qui est un peu vert chaud. En mélangeant votre jaune chaud, qui est votre jaune indien, ou vous pouvez utiliser votre jaune permanent profond et le mélanger à votre vert de sève. N'oubliez pas de recommencer avec deux parties et une partie de vert, deux parties de jaune, je veux dire. Je mélange donc les couleurs que vous ayez une idée de la façon de créer la teinte. Je vais donc mélanger mes couleurs et essayer d' être très proche de la couleur qui est mon jaune verdâtre. YouTube pourrait donc suivre la même procédure. Continuez à mélanger les couleurs jusqu'à ce que vous soyez satisfait et créez une teinte très proche ou similaire à la mienne. Maintenant, je vais essayer ma couleur, nous avons un mélange de couleurs. Et là, je peux voir que la couleur est très proche, mais qu'il faut un peu plus de vert. Je vais mélanger une partie de leur sève verte à ce mélange et voir à ce que nous obtenons une part très proche de celle d'un jaune verdâtre. Maintenant, une autre couleur dont nous aurions besoin est la terre de Sienne brûlée ou la couleur brun-rouge pour les clôtures. Alors préparez vos couleurs et retrouvez-moi lors de la prochaine leçon, où nous aborderons les techniques. 16. Jour 2 : les techniques: Maintenant que nos couleurs sont prêtes, commençons avec nos techniques du deuxième jour. Nous allons d'abord commencer par les valeurs tonales, en particulier celles que nous allons utiliser pour créer ce fond de montagnes afin de créer cette illusion de profondeur. Je vais donc utiliser ce violet minéral ainsi que mon violet permanent pour imiter l'effet de perspective atmosphérique. Au fur et à mesure que vous vous approchez du premier plan, vous voyez que les couleurs deviennent de plus en plus vives et saturées. C'est donc ce que nous allons faire. Découvrons rapidement la première valeur tonale de notre violet minéral. Je contrôle l'eau sur mon pinceau charge la couleur sur mon pinceau et je la regarde ici. Voici donc ma valeur foncée de violet minéral. Je vais m'en servir pour créer drame et de la profondeur dans les nuages de ce type. Il s'agit donc de la première valeur. Maintenant, je vais prendre une partie de cette valeur initiale de la piscine, puis diluer et l' éclaircir en ajoutant de l'eau. Ainsi, la valeur tonale que j'ai ici en ce moment se situe presque à l'extrémité la plus claire plus claire de la plage de valeurs tonales. On pourrait donc dire que j' utiliserais cette valeur, telle que la valeur de surbrillance et de faible luminosité. Alors maintenant, commençons les techniques et commençons par ce gars, que je vais utiliser avec ma technique préférée sur sol mouillé. La première étape consiste à laver le papier avec un jet d'eau uniforme. Je vais aller de l' avant et le faire. N'oubliez pas que le lavage doit être uniforme, qu'il ne doit pas y avoir d'eau stagnante ou flaques d'eau se forment sur les côtés ou les bords de votre papier. Maintenant, je vais remplir mon pinceau avec le jaune de Naples. Le jaune de Naples que j'ai sur mon pinceau se situe dans la gamme des valeurs les plus claires, comme vous pouvez le constater. Je vais donc simplement lisser la peinture laissant quelques espaces blancs entre les deux. Au fur et à mesure que je monterai, j'utiliserai l'embout qui s'y trouve. La valeur de couleur sera beaucoup plus claire que celle que je vais initialement utiliser à partir de la ligne d'horizon. Nous utiliserons des valeurs tonales plus claires en haut de ce modèle, car là, nous allons opter pour des couleurs complémentaires telles que le violet et le bleu. Maintenant, les violets et les bleus, lorsqu'ils sont mélangés au jaune, forment une teinte très boueuse ou verdâtre. Donc, pour éviter cela, nous allons utiliser une combinaison de couleurs analogues. Maintenant, orange et jaune, les couleurs analogues que je vais prendre sont mon rose. Le rose opéra forme une belle teinte corail et rose orangé lorsqu'il est mélangé à ces deux couleurs. Je vais donc partager mon Skype avec cette teinte et regarder mouvements de mon pinceau ici pour créer les nuages. demi-cercles si ronds, Des demi-cercles si ronds, si colorés, puis étalés sur l'autre côté. Lorsque vous utilisez ce ruban adhésif, assurez-vous de faire vous utilisez ce ruban adhésif, assurez-vous d'une grande flexibilité dans les mouvements de votre poignet, en particulier lorsque vous créez des nuages , car lorsque vous êtes souple et très lâche, vous aurez des coups de pinceau plus sains et beaucoup plus de mouvement, fluidité et de longue foulée indiquant le mouvement dans les nuages. Par conséquent, il est très important que vous ne soyez pas très raide lors des mouvements de la main. Maintenant, observez-vous cette hémorragie qui se produit ici ? C'est peut-être parce qu'il y avait trop d'eau. s'agit donc d'un moyen facile de préfixer des préfixes : déplacez la pointe de votre pinceau autour la pointe de votre pinceau autour de ces zones pour obtenir des extrémités propres et plus lisses, mais effectuez cette étape lorsque votre papier est encore humide. Ensuite, commençons par nos montagnes du milieu de terrain. Mais avant de commencer par les montagnes terrestres, nous avons complètement oublié nos montagnes brumeuses en arrière-plan Je vais utiliser les valeurs tonales plus claires de mon violet minéral et de mon violet permanent. Commençons donc par notre milieu de terrain. Ne vous inquiétez pas, ces montagnes brumeuses sont très faciles. Nous pouvons directement utiliser cette technique lorsque nous peignons notre projet principal pour les montagnes du centre . Je commence par la technique mouillé sur sec. Pourquoi ? Parce que j'ai besoin que les couleurs plus contrastées et riches. C'est la raison pour laquelle j'utilise cette technique humide sur sec, mais lorsque je mélange ou mélange deux couleurs et que je m'assure que la peinture se cette technique humide sur sec, mais lorsque je mélange ou mélange deux couleurs et que je m' mélange un peu à l' eau afin que les couleurs se mélangent bien lorsqu'il y a de l' humidité et du papier. Maintenant, je vais passer à mon pinceau synthétique taille 3 de série Princeton Heritage. J'ai retiré toute cette humidité supplémentaire du pinceau en le tamponnant sur du papier de soie, mouchoir en voyage. Et maintenant, je vais commencer à créer ces lignes verticales. Des versions plus longues et plus courtes pour créer ou indiquer l'amende car elles sont presque poussées vers l'arrière-plan, mais pas exactement en arrière-plan, mais pas trop au premier plan. Ici, les détails peuvent être un peu flous et la forme peut ressembler à ceci. Vous n'avez pas besoin d'y aller et d'avoir des pins très détaillés ici. C'est la raison pour laquelle j'opte ces traits verticaux plus courts, plus longs et plus courts, parce que je voulais que le dessous des pins soit bien intégré à l'arrière-plan. J'ai créé les formes alors que le papier était encore humide. Ça s'est donc bien mélangé. Passons maintenant au milieu. C'est donc ainsi que je vais commencer par mon milieu. Vous pouvez opter pour du mouillé sur du mouillé ou du mouillé sur du sec. Je suis ici pour vous montrer le processus mouillé sur sec parce que je peins ici sur une petite feuille de papier ou sur une petite surface. Mais si votre surface est plus grande, comme c'est le cas pour la peinture finale, je vous suggère technique mouillé sur mouillé afin d'avoir beaucoup plus de temps pour laisser vos couleurs se mélanger et bien jouer ensemble. Maintenant, ce milieu est au premier plan. Nous allons donc créer ici des formes d'herbes hautes. Donc pour cela, je vais vous montrer deux techniques. L'un en utilisant mon pinceau plus vert défavorisé et l' autre en utilisant ce pinceau à calmars et à serpillière. Désolé, ce n'est pas secret. C'est du poil de chèvre, une brosse à serpillière. Il s'agit d'une brosse à cheveux naturelle. Maintenant, la pointe du pinceau est légèrement humide et vous pouvez voir comment je crée des traits, longs traits verticaux en libérant les extrémités de la pointe de mon pinceau. C'est ainsi que vous pouvez déplacer les couleurs et créer les traits. Assurez-vous de charger votre pinceau avec des tons plus foncés et de créer les mêmes motifs. Maintenant, il est possible de faire la même chose en utilisant mon pinceau plus vert pour le travail sur le terrain. Ainsi, au lieu de ce type de brosse à peigne, vous pouvez également utiliser une brosse en éventail. Cela vous donnera le même effet que j'ai obtenu avec ces deux pinceaux. Maintenant, rapidement, je vais prendre mon autre pinceau, qui est mon pinceau numéro six, en velours noir argenté, remplir la pointe avec un peu d'eau et l' éclabousser au milieu. Cela doit être fait lorsque le papier est encore humide. Parce que si le papier commence à sécher, vous ne pourrez pas obtenir ces fleurs. Donc, pour que vous puissiez obtenir ces fleurs, assurez-vous de le faire lorsque le papier est encore suffisamment humide. Maintenant, au lieu de ces fleurs, vous pouvez également utiliser le sel, vous obtiendrez également des motifs similaires. Maintenant, une autre technique consiste à mouiller uniquement le bout de votre papier de soie, quelque chose comme celui-ci, et à le tamponner au hasard à certains endroits comme celui-ci. Ainsi, lorsque vous mouillez le bout de votre papier de soie, vous créez des bords plus doux au lieu de créer des bords desséchés d'un seul coup. Il s'agit donc en fait d'une technique de levage que vous utilisez avec le papier de soie. À ce stade, vous pouvez également vous lancer et éclabousser du sel, comme je l'ai déjà mentionné. Pour que la technique fonctionne, votre papier doit être suffisamment humide. Si le papier a commencé à sécher, vous n'obtiendrez pas ces fleurs dispersées. Nous avons presque couvert toutes les techniques générales. Maintenant, je pense qu'il ne reste plus qu'une seule technique , la technique humide sur sec, pour la clôture que nous verrons lors de la peinture finale. Rendez-vous lors de notre prochain cours. 17. Jour 2 : ciel - partie 1: Commençons par ce gars. Pour ce gars-là, je vais opter pour technique mouillé sur mouillé, mais avant cela, je me suis assuré que mon ruban de masquage soit bien collé ou collé sur mon papier. Je vais de l'avant et je superpose une couche d' eau uniforme sur mon papier, en m'assurant de couvrir chaque coin de rue jusqu'à ce que mon ciel, si nécessaire, passe par-dessus ces zones encore et encore, assurant que vous allez avant et que vous répartissez l'eau uniformément. Parce que plus vous répartissez l'eau uniformément sur le papier, plus vous aurez de temps à peindre mouillé sur mouillé. Je pense que je suis satisfait de la superposition de l'eau. Je vais y jeter un œil. Oui, l'éclat réfléchissant est uniforme sur le papier Je vais donc m'arrêter là et il est temps de charger mon pinceau de peinture. Je vais tremper mon pinceau dans l'eau et le sécher sur un mouchoir, du papier, une table en mouchoirs. Cela garantira que mon pinceau ne contient pas de quantité d'eau supplémentaire. Fait de l'exercice pour contrôler l'eau. Maintenant, je charge mon pinceau avec du jaune de Naples. Regardez la valeur tonale. Je vais opter pour une tonalité très légère. Et observez mes coups de pinceau. Je m'y prends très légèrement et vais de l'avant avec ces longs traits, en laissant quelques espaces plus blancs entre les deux. Maintenant aussi, mes coups de pinceau sont là. Je vais utiliser des coups de pinceau horizontaux très doux, lâches et en utilisant juste la pointe de mon pinceau. Au fur et à mesure que je me déplace sur le papier vers le haut, ma valeur tonale de jaune de Naples s'éclaircit un peu. Maintenant, vers la ligne d'horizon, je vais la laisser prendre une couleur jaune foncé, qui est une petite teinte orange jaunâtre. Donc, si vous utilisez de l'orange, vous pouvez également utiliser une valeur tonale d'orange moyenne à plus claire et faire de même parfois Même si vous maîtrisez l'eau, vous constaterez que les espaces vides que vous n'auriez pas laissés entre les deux seraient tous mélangés. C'est parce que c'est dans la nature de l'aquarelle suivre le cours d'eau. Comme votre fond est humide, il aura tendance à se fondre. Vous pouvez donc soulever ces zones en utilisant la technique de levage. En regardant le papier, je sens que la partie supérieure a commencé à se dessécher. Je vais donc simplement arroser uniformément cette zone, en veillant à ne pas trop toucher au jaune. Et même si je touche, je mélange tout simplement, n'est-ce pas ? Vous devez vous demander pourquoi j'ai fait cette étape ? C'est parce que je voulais que mon ciel soit lisse et bien mélangé. Et comme le papier était en train de sécher, je risquais des bords durs lorsque je commencerai à endurer la douleur, car nous devrons également créer des nuages spectaculaires, n'est-ce pas ? C'est la raison pour laquelle j' ai repondéré la zone. Vous pouvez maintenant voir que le bleu que j'ai allumé était bleu-gris et se fondait si bien dans l'arrière-plan. intéressant de noter qu'à est intéressant de noter qu'à mesure que je m' approche de mon jaune, le bleu est devenu très clair et n' a donc pas donné de jaune verdâtre. Et aussi parce que le jaune que j' ai utilisé ici est le jaune de Naples. Ensuite, j'ai commencé par mes nuages. Donc, pour cela, j'utilise un mélange de rose oprah et de jaune foncé. Et vous pouvez voir à quel point cette couleur corail et rose orangé est magnifique. J'adore utiliser cette couleur pour les nuages. Et regardez la forme que j' essaie de créer pour mes nuages. J'utilise juste la pointe de mon pinceau et je fais ces demi-cercles aléatoires en utilisant juste la pointe et en la tapotant très doucement, en appliquant une très légère pression et en relâchant la pression. Comme je veux que ces traits appliqués, je veux m' assurer que vous n' appliquez pas trop de pression sur le bout de votre pinceau car cela pourrait faire ressortir les couleurs de fond. J'ai changé mon pinceau pour mon pinceau plus petit, le numéro six, en velours noir argenté. Maintenant, à l'aide de ce pinceau, je le charge avec la teinte plus foncée de violet minéral et en utilisant les mêmes formes que celles que nous avons créées précédemment, je vais créer une couche spectaculaire les nuages en ajoutant des tons plus foncés. Cela apporte la profondeur nécessaire aux nuages. Je vais également répéter la même étape en utilisant ma violette permanente. Je vais l'utiliser pour créer la couche de nuages la plus foncée au sommet. J'adore peindre le ciel au coucher du soleil, en particulier ceux avec ce genre de nuages spectaculaires. C'est mon sujet de prédilection ces derniers temps pour peindre. Si vous me suivez sur Instagram, vous pouvez voir mes pieds remplis d'un ciel si beau et radieux. Pour trouver l'inspiration sur les couleurs que vous pourriez utiliser pour peindre votre ciel au coucher du soleil, vous pouvez parcourir des photos spectaculaires du ciel couchant sur Unsplash, pixabay ou même pixels. Ce sont des sites libres de droits d'auteur. Trouvez donc votre propre référence, sélectionnez la combinaison de couleurs que vous souhaitez essayer. Et vous pouvez également modifier les couleurs de ce projet et les essayer. important pour vous, c'est que lorsque vous peignez des ciels dramatiques comme celui-ci Ce qui est important pour vous, c'est que lorsque vous peignez des ciels dramatiques comme celui-ci, où plusieurs couleurs entrent en jeu, ce qui peut être complémentaire, commencez à combiner les couleurs analogues et harmonieuses à la nature en les superposant les unes après les autres, puis utilisez vos couleurs complémentaires. Ce faisant, vous éviterez le défi de créer des mélanges boueux lorsque les couleurs complémentaires se heurtent les unes aux autres et forment ce type de mélanges. L'exemple parfait est cette peinture où nous avons commencé à laisser mes jaunes, oranges, roses, puis mes bleus et ma violence créer un mélange harmonieux. Nous avons le bon moment pour rejoindre nos montagnes. Commençons par la montagne lointaine en arrière-plan, où le principe de la perspective atmosphérique s' appliquera. Je vais continuer et utiliser une valeur tonale très claire de mon violet minéral. J'ai mélangé un peu d'opéra pour faire correspondre la couleur à celle de mon ciel, en particulier celui qui se trouve près de l'horizon. Maintenant, avec un autre pinceau, je vais passer à mon pinceau de taille 8. Et à l'aide de cette pointe foutue de mon pinceau, je vais partager l'eau au pied de la montagne. Cela m' assurera que lorsque je commencerai avec mon violet minéral par le haut, la base sera automatiquement mélangée. Les couleurs descendront jusqu'à la base, créant ainsi l' effet brumeux que je souhaite. Je vais donc utiliser la combinaison humide sur mouillé et humide sur sec, humide sur sec pour obtenir un contour de la montagne très net et indéfini, mais humide sur mouillé lorsque je commence remplir la montagne et à le mélanger pour former un effet brumeux. À l'aide de la pointe de mon pinceau, je vais simplement appliquer les couleurs vers le bas des montagnes, qui est déjà mouillé, pour créer cet effet très doux au look de Mr . Et c'est tout. Nous avons fini de peindre notre montagne lointaine en arrière-plan. Rejoignez-moi dans la prochaine leçon où nous allons continuer à peindre le reste des éléments. 18. Jour 2 : éléments de sol intermédiaire- partie 2: En continuant avec mes montagnes, qui se trouvent juste en dessous des montagnes situées au sommet, je vais opter pour ma teinte légèrement plus foncée, violet permanent. Je vais ici avec la technique du mouillé sur sec parce que je veux que mes montagnes aient ce contour ou cette forme bien définis. Et vers la base, je vais juste utiliser la même méthode que celle que nous avons utilisée dans les toutes premières montagnes. OK, nous utilisons un pinceau liquide. Je vais descendre les couleurs vers le bas des montagnes pour les couleurs vers le bas des que l' effet de brume soit plus prononcé ici. Une autre raison pour laquelle j'ai opté technique «  mouillé sur sec » pour dessiner le contour des montagnes est que les personnes qui se trouvent derrière les montagnes étaient peut-être encore mouillées car vous venez de peindre vos premières montagnes et la technique mouillé sur mouillé a été utilisée pour les créer sous forme de taux de défauts. C'est la raison pour laquelle vous pouvez soit faire de l'exercice pour contrôler votre brosse , soit attendre que la première couche des montagnes soit sèche pour commencer la deuxième couche. De cette façon, vous serez en mesure de contrôler les saignements. Passons maintenant aux montagnes qui seront plus proches du premier plan. Nous allons donc les peindre avec une combinaison de vert plus clair et plus foncé. Tout d'abord, je vais appliquer ce vert jaunâtre à la couche de base des montagnes. C'est la feuille verte que j'utilise. Vous pouvez consulter la section de la palette pour savoir comment nous avons créé ce mélange de feuilles vertes au cas où vous n'auriez pas cette couleur à portée de main. Maintenant, si vous l'avez remarqué, j'utilise la technique humide sur sec, mais en combinant un mélange de peinture aqueux pour que mes douleurs se combinant un mélange de peinture aqueux pour répercutent plus facilement sur mon papier. De plus, cela permettrait à mon papier d'être mouillé pendant la période que je souhaite et de le laisser prendre les teintes les plus foncées. Cela me permettra de donner à cette montagne aspect bien mélangé avec des traits verts plus foncés et plus clairs. Maintenant, je pourrais créer un mélange de vert plus foncé en mélangeant simplement mon vert avec bleu ou même votre violet ferait l'affaire. Alors, allez-y et étiquetez ces tons de vert plus foncés sur le sommet des montagnes en quelques traits inclinés, comme celui-ci, mais ne couvrez pas l' ensemble des montagnes. Laissez également transparaître certaines de ces parties les plus légères. Et vous pouvez voir que j'aurais couvert une trop grande partie de ces draps verts plus foncés. Je suis donc allée de l'avant et j'ai retiré certaines de ces couleurs. Maintenant, vers la montagne sur ma droite, je vais appliquer cette couche de base en mélange de jaune verdâtre, la même couleur que celle que nous avons utilisée pour créer la couche de base pour les montagnes sur ma gauche. Maintenant, appliquer d'abord une couche de base de tons plus clairs vous donnera l'avantage supplémentaire de créer des tons plus foncés selon votre souhait de créer de la profondeur. Parce qu'une fois que vous dirigez votre équipe avec des tons plus sombres, vous ne pouvez vraiment pas l' éclaircir, n'est-ce pas ? C'est pourquoi c'est plus facile. Et comme meilleure pratique, il est plus facile de commencer par tons les plus clairs , puis de les assombrir. Maintenant, je superpose le jaune verdâtre chaud de mon père au pied des montagnes avec les mêmes longs traits obliques que vous pouvez voir. Et là, je commence à utiliser les tons les plus sombres qui remontent à la base des montagnes, en laissant transparaître certaines de ces couleurs plus claires entre les deux. Je ne suis vraiment pas contente de son apparence Je vais donc simplement le nettoyer . Je vais donc simplement le nettoyer à l'aide de la pointe humide de mon pinceau, soulevant les couleurs si nécessaire et créant ces traits si nécessaire. L'un des avantages de la technique humide sur sec est que si vous savez comment faire varier la quantité d'eau et travailler à votre façon, contrôler et manipuler la peinture pour vous écouter. Vous ne pourriez toujours pas obtenir cet aspect bien mélangé que vous pouvez obtenir en utilisant une technique mouillée sur mouillée, mais cela n'est possible que si vous savez comment contrôler l'eau contenue dans votre peinture et l' utiliser à votre avantage. Maintenant, pouvez-vous voir l' effet que nous avons obtenu en utilisant la technique de levage, nous avons créé l'illusion de deux montagnes distinctes, n'est-ce pas ? Maintenant. Nous allons en profiter et charger le pied des montagnes de tons plus foncés. Cela donnerait donc l'illusion qu' il existe deux chaînes de montagnes distinctes, et que celle qui est la plus proche du premier plan ou se trouve dans l'ombre est la plus sombre. Vous comprenez maintenant ces petites choses que vous observez et que vous essayez de mettre en œuvre dans vos paysages peuvent faire toute la différence et apporter la profondeur et la sensation de distance que vous souhaitez créer dans vos peintures. J'ai préparé un mélange de vert plus foncé en utilisant mon vert sève et mon violet. Maintenant, comme le papier est encore humide ici, je créerais ces traits verticaux longs et courts pour créer l'illusion de pintes. Mais ce sera très bien intégré à l' arrière-plan parce que c'est exactement ce que je veux. Maintenant, pendant cette partie de la peinture, c'est exactement le point où vous voudriez contrôler l'eau. Si vous optez pour un mélange de peinture trop aqueux à ce stade, vous créerez des fuites inutiles dans les montagnes de fond. Et c'est un peu ruiner votre peinture. Pour un meilleur contrôle de l'eau. Je suis maintenant en train de tamponner le pinceau sur du mouchoir, du papier, mouchoirs, et je vais créer ces pointes pointues de mes pins en utilisant juste la pointe de mon pinceau en velours noir argenté taille six. Mon pote, si tu le souhaites, tu peux aussi procéder à cette étape en utilisant des pointes de jardin, un pinceau synthétique. Il est temps de commencer par les intermédiaires. Pour le milieu, je vais opter pour la technique mouillé sur mouillé. Pourquoi ? Parce que j'ai besoin de couvrir une plus grande surface. serait également possible d'opter pour le papier mouillé sur sec, Il serait également possible d'opter pour le papier mouillé sur sec, mais le défi serait de savoir où certaines zones du papier commenceront à sécher plus tôt que d'autres. Donc, pour éviter cela, je vais opter pour du mouillé sur du mouillé. De cette façon, j' aurai plus de temps pour créer de la profondeur et donner aux couleurs, en particulier aux tons de verts plus clairs et plus foncés que nous utiliserions , un aspect bien mélangé et doux. Maintenant, vers la base de ces montagnes plus sombres à notre droite, et au début du milieu, je vais suivre la forme du milieu en utilisant des tons plus foncés. Après avoir fini avec mon vert plus foncé, je me rends compte que ça a l' air un peu terne. J'ai donc remplacé cette partie par ma sève verte. Maintenant, vers la base du papier, vous pouvez voir que je fais de longs traits verticaux, légèrement inclinés pour créer un mouvement dans les brins d'herbe. Passez maintenant à mon pinceau Filbert Greener pour créer des motifs semblables à du verre. Si vous avez une brosse en forme de ventilateur avec vous, vous pouvez effectuer cette étape de la même manière ici. Vérifiez la quantité d'eau que j'exerce pour contrôler. Votre papier est parfaitement mouillé. Si vous utilisez une peinture trop aqueuse, vous créerez une sorte de fleurs inégales entre les deux. Vous ne voulez pas cela. Vous optez donc pour ce mélange de peinture contrôlé composé de vert plus foncé pour créer de la profondeur dans les herbes optez pour une valeur tonale moyenne de vert et également une valeur tonale plus foncée, cela créerait la profondeur requise. Il est maintenant temps de créer les textures magiques sur un milieu. Je recouvre donc la partie supérieure de ma peinture avec ce papier afin d'éviter toute éclaboussure indésirable près du ciel ou de la région montagneuse. Je veux que les éclaboussures soient confinées uniquement dans cette région. Vous pouvez donc utiliser cette technique ou éclabousser du sel à ce stade. Maintenant, mon papier s'assèche un peu et je me suis rendu compte que les motifs saisissants que j' avais créés en utilisant les tons les plus foncés avaient presque disparu, comme s' ils s'étaient bien fondus dans l'arrière-plan. Je vais donc recommencer rapidement à utiliser mon pinceau plus vert Filbert pour créer ces motifs de graminées plus foncés. Remarquez à quel point ces effets de floraison se sont produits, n'est-ce pas ? Donc, pour les prononcer davantage, je tamponne mon papier de soie pour créer les bords doux et flous de ces boules. Cela ressemble presque à celui de Dan de Leon. Retrouvez-moi dans la section suivante où nous allons poursuivre et terminer notre projet avec les derniers détails. 19. Jour 2 : détails finaux - partie 3: Bienvenue dans la dernière et dernière partie où nous allons peindre la clôture. Ici, au milieu, mon papier est complètement sec et c'est tout Je vais créer . Je vais créer la clôture en utilisant la technique humide sur sec. Le mélange que j'utilise ici est brun rouge mélangé à un peu de violet minéral. Vous obtenez ainsi cette jolie nuance de violet sur vos bruns. J'adore vraiment utiliser ce mélange brun. Pendant que je remplis la clôture avec mon mélange rouge-brun, je m'assure qu' un côté ou une partie de cette clôture qui fait face à la lumière soit de couleur plus foncée que l'autre partie. Je vais répéter le même processus pour ces parties horizontales de la clôture où la partie supérieure sera un peu plus foncée que la partie inférieure, ou vous pouvez faire l'inverse. Vous pouvez assombrir les zones inférieures et éclaircir les zones supérieures. Maintenant, si vous remarquez que les poteaux de clôture semblent trop disproportionnés, ils ont l' air tellement remarquables. Donc, pour les couvrir, je vais créer ces motifs ressemblant à de l'herbe près de la base de la clôture en utilisant mon mélange de sève verte mélangée à un peu de violet. Il s'agit d'une herbe plus foncée que je suis en train de créer ici parce qu'elle est très proche du côté du spectateur. Par conséquent, pour créer cette profondeur, ces robes conviendraient parfaitement. Maintenant, en utilisant ma peinture blanche, Titanium White, c' est de l'aquarelle elle-même. Au lieu de l'aquarelle, vous pouvez utiliser votre gouache. Je vais créer des motifs de pinceaux secs, très doux et légers à la main, avec la pointe de mon pinceau Filbert Greener. Je passe à la taille de mon pinceau synthétique T. Et je vais charger mon pinceau avec ces nuances plus foncées de violet mélangées mon brun rouge pour créer des motifs plus foncés vers les poteaux de clôture. Si vous remarquez ici, en contrebas, les contreforts de cette vallée verdoyante et son milieu, cela donne l' impression d'être vide. Cela me semble donc très étrange. Je vais donc ajouter quelques éléments de remplissage ici, c' est-à-dire de la végétation ou de la croissance pour créer cela Je vais faire correspondre la même valeur tonale à celle qui se trouve sur ma droite, les forêts de pins que nous avions créées sur ma droite. Tu te souviens ? Je vais donc utiliser une valeur tonale moyenne et créer la forme d' arbustes ou de buissons ici. Mais je pense que je n'aime pas cette croissance de buissons ici. Au lieu de cela, je pense que je vais passer aux pintes parce que dans ce paysage sur ma droite, j'ai déjà des formes de pin, n'est-ce pas ? Je pense donc que cela serait mieux complété si je conduis ou vers la gauche également, la colonne vertébrale façonne la peinture de paysage. Ce que j'ai observé et remarqué, c'est que parfois, lorsque vous essayez de copier une référence, tous les éléments que vous essayez de créer pour créer une nouvelle composition ne s'adaptent pas parfaitement. Parfois, il faut utiliser sa propre imagination. Également. C'est normal d'accepter et, vous savez, de suivre votre instinct et votre intuition. N'ayez donc pas peur d' essayer de nouvelles choses. Apprenez à expérimenter, à vous fier à votre instinct et, dans l'ensemble, à faire confiance au processus et à en profiter. J'ai beaucoup aimé la façon dont ce haut en forme de S est maintenant complet. Notre peinture est enfin terminée. Le papier est également le temps de sécher pour retirer ces rubans de masquage de toute prévoyance. Nous y voilà. Nous avons mené à bien un projet D2. J'ai hâte de voir tes créations. N'hésitez pas à les télécharger dans la section projets et ressources sous le cours. Je vous retrouve demain avec un nouveau projet, qui est l'un de mes favoris. 20. Jour 3 : Planifier et croquer: Salut les gars, bon retour sur D3. Aujourd'hui, nous allons peindre ces magnifiques marguerites avec quelques papillons et apprendre à créer ce bel Andres diffus, avec ce fond brumeux. Sur le côté droit de mon écran, vous pouviez voir la référence. Nous allons donc le planifier décomposer une référence et simplifier. La première étape consiste à simplifier une référence. Tout ce que vous voyez dans la référence ne doit pas nécessairement être peint de la même manière. Ainsi, une fois que vous aurez appris les techniques, vous pourriez les utiliser pour décomposer votre référence et planifier la manière dont vous souhaitez créer ces pièces. Par exemple, ici, cet arrière-plan dans la référence, il y avait un effet de bouquet. Mais au lieu de créer un effet bouquet, j'ai choisi de créer des éclaboussures pour créer cet effet magique. À partir de la référence. J'ai choisi de modifier le positionnement des fleurs ici pour notre projet, je vais poursuivre. L'un signifie le centre de la Floride, qui sera placé quelque part autour de la position centrale. Parallèlement, j'ai créé des papillons et les contours de ces versions plus petites des marguerites. C'est ainsi que nous allons procéder à la peinture. Commençons donc par le dessin. Je vais donc vous montrer comment nous allons procéder et dessiner nos marguerites. Tout d'abord, je vais commencer par marquer les positions de la maladie, afin que cela nous soit plus facile lorsque nous commencerons à créer la maladie. Maintenant, je vais poursuivre avec une forme ovale. Vous pouvez voir que la marguerite centrale est un peu plus grande que celle des autres marguerites. Je marque donc ici la partie centrale de la marguerite, quelque chose comme ça. Et à partir de maintenant, je vais commencer par fabriquer les pétales. Maintenant, au cas où vous auriez mal à créer vos pétales , vous pouvez me laisser vous montrer ici . Vous pouvez utiliser des formes géométriques telles qu'un cercle , puis dessiner les pétales en utilisant la circonférence des pétales. Cela garantira que tous les pétales ont une taille presque similaire en fonction de la façon dont vous avez créé votre cercle. Si vous voulez que votre fleur soit positionnée sous un angle différent, il est préférable de créer une forme ovale comme ici. Ce que j'ai fait ici. Et utilisez cette forme ovale comme guide pour arranger les pétales. Je vais continuer à fabriquer ces pétales jusqu'à ce que j' aie la fleur entière. Une fois terminé avec le contour général ou la forme de la fleur. Il est maintenant temps de nous concentrer sur la partie centrale de la fleur. La partie centrale de la fleur, juste autour de la base des pétales. Vous devrez utiliser ce type de trait long et allongé, chargeant la pointe de votre pinceau avec des tons de brun plus foncés , puis en créant l'illusion de purlins plus foncés au centre de la fleur. même manière, je vais également créer la forme des autres pétales pour les marques que nous avons déjà créées. Une fois la forme générale de la fleur terminée, vous pouvez maintenant effacer la forme guidée, tellement cool ou la forme que vous avez créée. Pour le coin supérieur le plus fleuri, je vais modifier l'orientation en l' inclinant légèrement vers mon angle droit. OK, donc je vais juste effacer cette forme et créer une forme ovale en dessinant le contour vers ma droite. Et ici, je répète exactement le même processus pour créer la forme des pétales. Permettez-moi de vous montrer ici une autre technique pour créer ce fil à moitié fleuri ou les fleurs qui sont sur le point de s'ouvrir complètement. Voici donc l'étape. Maintenant, à peu près à la moitié, je vais créer un demi-arc. Et puis à partir de là, le centre de la fleur. Maintenant, je vais commencer à le remplir en utilisant la forme des pétales, quelque chose comme ça. Une fois la forme finale de la fleur terminée, effacez les marques extérieures ou le cercle que vous avez créé. Maintenant, tu peux revenir en arrière et réparer les pétales qui auraient pu être augmentés. Ainsi, au lieu de votre gomme habituelle, vous pouvez également utiliser votre gomme à pétrir. C'est un tarif simple et facile. Si vous souhaitez intégrer ce type de fleurs épanouies dans votre peinture, n'hésitez pas à le faire. Je vais juste vous montrer rapidement comment créer l'oiseau. abord, vous créez la forme du PTO, puis vous créez une forme ronde sémiotique. Vous pouvez y créer des lignes abruptes pour indiquer les bords des pétales et c'est tout. Et puis rejoignez-les avec nous. Arrête. Voilà, je vais juste remplir cette partie inférieure du papier avec ces formes d'herbes feuillues et joindre le fond du flacon. Créons maintenant la forme du papillon. La forme du papillon sera simplifiée, d'accord Vous créez donc une ligne oblique, puis le corps. Maintenant, pour ce qui est de ses ailes, je vais simplement créer une forme comme celle-ci. Une fois que vous avez terminé avec cette couche de base d'ailes, vous suffit de créer les ailes qui se chevauchent à côté de la précédente, quelque chose comme ceci et c'est tout votre papillon. Le papillon volant est prêt. Je vais créer le contour d' un autre papillon en utilisant le même procédé. Et voilà, nous en avons terminé avec notre partie esquisse. Vous pouvez télécharger cette esquisse dans la section projets et ressources de la classe, ou suspendre l'écran ici et commencer votre esquisse. Je te rencontrerai au cours de la prochaine leçon. 21. Jour 3 : palette de couleurs: Bonjour, bon retour. Maintenant que nous sommes prêts à dessiner. Jetons donc rapidement un coup d'œil aux couleurs dont nous aurons besoin pour créer le projet. abord, je vais commencer par mon jaune chaud, j'utilise mon jaune indien. Mais si vous n' avez pas de jaune indien, vous pouvez le remplacer par votre jaune foncé permanent ou jaune cadmium profond, n'importe quelle teinte de jaune plus chaude, mais assurez-vous que votre jaune soit transparent et plus net. Donc, dans ce projet, je ne vais pas utiliser de nouvelles couleurs. Ce sont les couleurs que nous utilisons déjà depuis notre tout premier jour. Mais n'oubliez pas que chaque fois que vous choisissez votre jaune pour ce projet en particulier, choisissez votre jaune, qui est de nature transparente. Cela nous aidera lorsque nous utiliserons la technique de levage nécessaire à la création des articles divers. venir à nos légumes verts, je vais utiliser votre vert jaunâtre chaud et notre vert sève, ces deux légumes verts que nous avons déjà utilisés pour notre projet une couleur que je préfère d' un bout à l'autre indigo est une couleur que je préfère d' un bout à l'autre. Maintenant, cet indigo, vous pouvez le mélanger à votre vert de sève pour créer une teinte de vert plus foncée. Donc, si vous n'avez pas une teinte de vert plus foncée, vous pouvez mélanger deux couleurs et créer vos propres nuances de vert plus foncé. Ensuite, laissez-moi vous montrer la valeur tonale que nous allons utiliser pour notre indigo afin de créer les ombres de nos pétales de fleurs. C'est donc la valeur tonale que nous allons utiliser. Je vais alléger la valeur de l'indigo. Je mélange un peu de bleu de Prusse avec mon indigo, mélangé à un peu de mon gris bleu. Maintenant, si vous n'avez pas de bleu-gris, ne vous inquiétez pas, vous pouvez simplement ajouter une teinte de votre pigment blanc pour aquarelle. Cela garantit que vous utilisez du blanc de titane, qui a peu d'opacité. J'aime bien ton chinois, non ? Maintenant, une autre chose dont vous devez vous souvenir est d'utiliser de l'indigo, qui n'est pas granuleux. Je n'ai pas vraiment aimé les résultats obtenus avec granulation de l'indigo et donc ma solution. Je vous montre ici l'exemple des valeurs tonales avec lesquelles nous allons travailler en utilisant notre indigo pour les pétales de fleurs. Voici donc le récapitulatif des couleurs dont vous aurez besoin pour créer le projet. Alors préparez vos couleurs et rejoignez-moi dans la section suivante où nous allons apprendre les techniques. 22. Jour 3 : Techniques: J'espère que tu es prête avec tes couleurs. Maintenant, commençons rapidement avec notre section sur les techniques. J'ai déjà dessiné ma fleur. Je n'ai dessiné qu'une seule fleur pour la section technique, car ce sera le même processus que celui que vous allez utiliser pour créer les autres fleurs. Ou, si vous le souhaitez, vous pouvez simplifier davantage cette référence et ne peindre qu'une seule fleur, cet arrière-plan et quelques volées de beurre. est à vous de décider de la manière dont vous souhaitez procéder et créer ce projet. Pour commencer, je vais d'abord commencer par l'arrière-plan. C'est ainsi que l'on crée le diffus Andres sur ce fond brumeux onirique. OK, alors nous allons voir comment tu vas peindre les fleurs. Je pense à des papillons. Nous pouvons nous en remettre au projet final, car c'est vraiment facile. Nous allons opter pour du mouillé sur du sec pour les papillons. Dans le projet final, lorsque nous commençons à peindre, vous pouvez avoir une idée, mais d'abord, divisons-la en deux parties. L'arrière-plan principal, créons-le d'abord, puis l'appartement. Laissez-moi vous montrer une solution rapide. Ainsi, lorsque vous avez ces marques de graphite, vous pouvez les enlever à l'aide de cette gomme à pétrir. Il suffit de le faire rouler sur la surface sur laquelle vous souhaitez alléger le graphite Max, et c'est facile, très simple et sans noisettes. La gomme à pétrir est très utile lorsque vous souhaitez éclaircir le dessin au crayon juste avant de commencer à colorier. Vous pouvez voir toutes ces marques de graphite Au cas où, si vous n' avez pas de gomme à pétrir, il vous suffit de dessiner vos chaussures au crayon très léger. Bon, maintenant, commençons par nos antécédents, donc nous allons passer à « mouillé sur mouillé ». Je vais y déposer de l'eau à plat. Maintenant, la fleur que nous avons déjà esquissée en arrière-plan devra être masquée à l'aide du fluide de masquage. Parce que ce sera vraiment difficile si vous voulez utiliser la méthode de la peinture négative, car les marguerites ont des pétales très clairs. Il peut donc être difficile de contourner ces pétales très fins et étroits. Donc, pour faciliter le processus, il est préférable d'utiliser le liquide de masquage. Avant de commencer, j'essaie de réactiver mon jaune indien, mais on dirait un étudiant de première année de L Squids. Voici donc mon jaune indien frais. Maintenant, regardez la valeur tonale. J'opte pour une tonalité très claire de jaune indien et pour les traits obliques. Ici, vos coups de pinceau sont très importants, en particulier la façon dont vous effectuez le lavage de fond indiquera clairement à quoi ressembleront vos articles divers. En utilisant des traits similaires. Je vais commencer à superposer des couches avec mon jaune verdâtre. Maintenant, remarquez que j'ai laissé quelques espaces entre les deux. Maintenant, nous allons également le superposer avec ma sève verte. Maintenant, n'oubliez pas de laisser un espace entre ces espaces. Ces lacunes sont très, très importantes. N'y mettez pas trop de légumes verts. Pour créer ce fond doux et diffus. Il est important que vous suiviez toutes ces étapes en utilisant la technique humide sur humide. Et lorsque le papier est encore humide car au moment où votre papier commence à sécher, il devient très difficile pour vous de faire en sorte les couleurs se mélangent les unes aux autres. Pratiquez donc cette technique avant vous lancer dans le projet principal. Maintenant, je vais passer à ma brosse à manche angulaire pour effectuer la technique de levage. Chaque fois que je lèverai les couleurs, je frotte le bout de mon pinceau sur mon papier de soie. Cela garantira que mon embout est exempt de résidus. À ce stade, si vous remarquez, j'exerce une pression juste au début soulevant la couleur parce que c'est le point de départ de Sandra. Alors, en dessous du papier, pourquoi devrait-il être visible ? Mais au fur et à mesure que vous augmentez les couleurs, vous devez relâcher la pression pour que ces doux rayons du soleil se diffusent pour donner un aspect agréable. Une fois que vous avez terminé la technique de levage , allez-y rapidement et commencez à superposer des tons de vert plus foncés sur le bas de votre papier. Maintenant, observez mes coups de pinceau. J'applique les couleurs très légèrement et j'exerce une pression très légère pour faire revivre les couleurs et les effleurer pour créer les motifs semblables à du verre à partir du bas du papier. C'est donc ainsi que nous allons créer cela. Il est maintenant temps de créer cet effet flatteur. Il suffit donc d'éclabousser les greens là où vous venez de mener vos verts les plus foncés. Cela apparaîtrait donc plus clairement. Maintenant, en plus de cette technique flatteuse, vous pouvez également ajouter votre sel si vous en avez, si vous souhaitez créer un peu plus cet effet texturé. Vous pouvez y déposer vos plus gros granules de sel. Une fois que vous aurez éclaboussé le sel, vous devrez attendre que le fond soit complètement sec. Laissez donc le sac sécher complètement sur le site. Nous allons commencer de l' autre côté avec une fleur. À ce stade, je vais préparer mon mélange de couleurs indigo, celui que nous avons déjà vu dans la section palette de couleurs. Ce mélange de couleurs est exactement ce avec quoi nous allons peindre les pétales. Tout d'abord, je vais commencer par créer un plan. Vous devrez travailler ici très rapidement et comprendre le contrôle de l'eau que vous devez exercer. Je vais y aller avec une technique contrôlée mouillé sur mouillé. Vous voyez, d'abord, le contour, puis j'utilise rapidement la pointe du pinceau liquide, puis je suis en train de créer ces marques de pinceau ici. Laissez-moi vous donner un aperçu de la valeur tonale de l' indigo que j'utilise pour créer ces pétales de fleurs. Ceci est à titre de référence afin que vous compreniez facilement quelle est la valeur tonale que j'utilise ici. Je vais utiliser à peu près la même technique pour créer les pétales. Maintenant, ce que vous devez garder à l'esprit, c'est voir la disposition de vos pétales que vous avez décrite. Quand tu vois que certains pétales se trouvent l'un en dessous de l'autre. Celles situées sous les pétales sont celles où vous devez les superposer avec des tons légèrement plus foncés d'indigo pour créer l'ombre des pétales qui se superposent. D'accord, c'est donc le seul point que nous devrons garder à l'esprit pour rester réaliste. Si vous êtes une personne qui est toujours sceptique quant à la peinture florale ou si vous n'êtes pas très confiante quant à l'idée d'essayer des fleurs, essayez-la. J'avais l'habitude de penser la même chose, mais depuis que j'ai essayé, je me suis rendu compte que l'utilisation vos connaissances de base en aquarelle et l'observation de la référence peuvent être très utiles lorsque vous essayez de créer des sujets qui ne sont pas votre genre. Alors faites-moi confiance, essayez-le et vous allez adorer cette expérience. Pour en revenir à notre projet. Maintenant, j'espère que vous observez les coups de pinceau que je suis en train de créer pour mes pétales. Je ne vais pas le remplir complètement. Je suis juste quelque part. Je crée ces traits et je les remplis doucement avec le bout de mon pinceau à très faible teneur en eau, mais il ne doit pas être trop liquide non plus. Vous devriez trouver votre mélange d'eau parfait ici. Reportez-vous à la section sur les techniques d' aquarelle de base sur le contrôle de l'eau que j'ai décrite là-bas. Et vous serez prêt à partir. J'en ai fini avec mes pétales. Il est maintenant temps d'aller de l'avant et de faire le centre de la fleur. Donc, pour le centre de la fleur, je vais d'abord opter pour mon jaune indien. C'est ainsi que je vais procéder. Maintenant, à la base de ce jaune indien, je vais ajouter un peu de mélange brun, rouge-brun. Maintenant, sur les côtés, j'utilise simplement la pointe de mon pinceau et je le frange. En utilisant juste la pointe de mon pinceau. Je vais juste mélanger ces zones parce que je n'aime pas la façon dont elles ont disparu. Je vais juste rechercher un peu de perfection et, en utilisant la pointe du pinceau, je vais simplement créer ces pointes pointues autour de ce pétale. Cela donnera donc à la fleur son apparence. Et maintenant, en utilisant la même astuce, je vais juste y laisser quelques points. Comme le fond est humide, il s'y fondra uniformément. Maintenant, je vais créer la tige de la fleur. Je vais utiliser mon mélange de vert sève et d'indigo. Indigo Je vais l'utiliser pour superposer le côté le plus sombre du stock, là où l'ombre tombe. Pour cela, je vais utiliser l'indigo plus foncé et en utilisant juste la pointe de mon pinceau, je vais créer la feuille comme celle-ci. Nous en avons presque fini avec les techniques de cette peinture. C'est un tarif super simple et facile. Et lorsque vous le décomposez en parties plus simples, il devient beaucoup plus facile de l'aborder. Pour les papillons. Je ne vous ai pas montré la technique ici. C'est simple et facile. Nous allons simplement utiliser la technique « mouillé sur sec ». Nous le verrons dans le tableau final. 26. Jour 4 : palette de couleurs: Salut les gars, bon retour au quatrième jour. Et c'est ce que nous allons créer pour l'ensemble du projet, ce magnifique champ de lavande avec ce coucher de soleil violet. J'ai donc renommé ce fichier en Lavender Dreams. Jetons maintenant un coup d'œil à la palette de couleurs de ce type. Je vais maintenant analyser ma couleur bleu-gris. Si vous n'avez pas de bleu-gris, comme a déjà été mentionné lors du premier jour du projet, vous pourriez transformer un peu de pigment blanc en titane, aquarelle ou de gouache en mètres. bleu céruléen est un bleu froid , composé du pigment PB 15. Et vous pourriez obtenir une teinte bleu-gris similaire. Le suivant est le jaune de Naples. Ce Naples jaune et bleu, gris ou les deux, dizaines ou en pâte, deux teintes qui contiennent toutes deux des pigments blancs. Ainsi, lorsque ces deux éléments sont utilisés ensemble, ils ne forment pas ce mélange verdâtre composé de jaune et de bleu, ils forment plutôt une sorte de marque grisâtre. C'est donc une combinaison parfaite lorsque vous souhaitez opter pour ciel en utilisant des couleurs complémentaires et les superposer à d'autres couleurs complémentaires. La couleur suivante que nous utiliserions est notre jaune cadmium foncé. Et c'est une couleur orange jaunâtre très brillante et magnifique. La prochaine couleur que nous allons sélectionner est mon rose opéra. Maintenant, Oprah Pink pourrait être rebaptisée rose fluo et de nombreuses autres marques, en particulier dans White Nights. Vous pouvez donc vérifier cela. Vient ensuite ma violette permanente. Dans toutes les couleurs que je suis en train de regarder. Comme vous pouvez le constater, j'ai déjà noté le nom de la couleur et les informations sur le pigment. Recherchez donc toujours informations sur les pigments lorsque vous sélectionnez votre couleur, plutôt que de vous fier au nom. Lorsque vous mélangez un violet permanent et un emballage UOP, vous créez un violet minéral très brillant et magnifique. Ainsi, lorsque vous mélangez cette violette et que vous la préparez, vous obtenez le pigment, qui est similaire à ma violette minérale, composé de PV 23 comme pigment. Ensuite, j'utiliserais la couleur verte de ma feuille. Maintenant, laissez égoutter, vous pouvez mélanger en mélangeant votre jaune citron et votre vert de sève. Une autre couleur dont vous auriez besoin est gris Payne ou vous pouvez utiliser votre noir. Je vous verrai dans la section suivante où nous discuterons des techniques. 28. Jour 4 : Planification et croquis: Donc, avant de commencer notre projet, la première chose que je vais faire est mon papier à l'aide de ce ruban adhésif. Alors allons-y. Notre papier est entièrement collé et nous sommes prêts à commencer le processus de planification ou d'esquisse. Maintenant, examinons la référence. C'est donc la référence que je vais utiliser pour planifier une peinture. Vous pouvez maintenant voir que notre ligne d'horizon sépare le ciel du champ de lavande. Pour ces lignes parallèles du champ de lavande, nous allons donc implémenter le concept de perspective aérienne, selon lequel ces champs de lavande convergent vers un point connu sous le nom de point de fuite. Vous pouvez maintenant voir que les lignes divergent ou convergent en un point particulier. J'espère que vous savez maintenant exactement où se situera la perspective aérienne dans cette peinture et , sur fond lointain, les montagnes sont exactement le point sur lequel nous allons appliquer le principe de la perspective aérienne. voyez, la montagne d' arrière-plan éloignée prend une valeur tonale, plus proche de celle de la couleur du ciel, puisque la couleur du ciel se situe également dans la gamme du violet et du rose, nous allons appliquer la même chose. Et d'abord, nous allons commencer par créer le plan. J'ai donc divisé mon peuple au tiers. Un tiers sera cet homme et le reste sera le champ de lavande. Puisque vous êtes le point central, c'est notre champ de lavande. Nous l'utilisons donc en tant que majorité de personnes. Maintenant, si tu veux, tu peux y aller à main levée. Mais si vous n'êtes pas à l'aise avec les mains libres, vous pouvez utiliser votre règle pour tracer votre ligne d'horizon. Et maintenant, c'est le moment où j' ai marqué mon point de fuite. Je vais continuer et créer mes lignes parallèles. Une fois que vous aurez terminé avec vos lignes parallèles, vous pouvez dessiner vos montagnes éloignées en arrière-plan. N'oubliez de mettre en boucle le concept de perspective aérienne . Votre montagne ne devrait pas paraître plus grande car elle est reculée au loin. Il devrait donc être de cette taille. Préparez donc votre croquis et rencontrons-nous dans la dernière section de notre projet où nous commencerons à peindre notre ciel. 29. Jour 4 : Rêves de lavande- Partie 1: Pour commencer avec mon ciel, je vais utiliser la technique mouillé sur mouillé pour détailler un lavis plat sur cette partie du papier. Maintenant, à l'aide de mon pinceau à serpillière ****, je vais charger le bout de mon pinceau avec cette consistance crémeuse de jaune de Naples. N'oubliez pas de ne pas utiliser deux mélanges de peinture aqueux ici pour le moment. Et je vais poursuivre avec cette valeur tonale très légère à moyenne. Et pour assombrir le soleil autour de la ligne d'horizon, je vais le superposer avec mon jaune foncé, qui se rapproche presque de la teinte orange, en mélangeant un peu de rose Oprah à mon jaune foncé. Ici aussi. Si vous avez remarqué, j'ai directement chargé ce rose opéra de mon jaune foncé, sans aller laver le pinceau. Maintenant, je vais laver le bout de mon pinceau, charger un peu plus de jaune de Naples sur la partie supérieure du papier . J'ai opté pour un mélange de peinture aqueux parce que je veux que les valeurs tonales soient plus claires puisque nous travaillerons avec couleurs complémentaires sur cette partie supérieure du ciel. Je charge mon pinceau lavé avec mon bleu-gris et je le laisse avec cette ligne à traits obliques. La valeur tonale de mon bleu-gris, est-ce que cette couleur est claire ? Je vais m'assombrir un peu plus juste dans le coin supérieur. Dès que je passe au jaune, je m'assure d'opter pour un ton très clair. Maintenant, je vais remplir mon pinceau avec ce mélange de rose opéra d'un peu de jaune de Naples. Maintenant, voyez la belle couleur rose que nous avons. C'est un très joli rose. J'adore l'utiliser pour mon ciel. Maintenant, je vais charger mon pinceau, taille 6, avec ce mélange de roses vives , puis le mélanger en le superposant légèrement. Maintenant, allez-y avec une consistance très crémeuse, ni trop épaisse, ni trop aqueuse. C'est exactement la consistance moyenne optimale que je choisis pour la largeur et que je superpose ces grands traits obliques avec la pointe de mon pinceau. Comme vous pouvez le constater, je suis un peu rapide Gautier car j'y suis habitué. Je vous ai donc déjà montré dans la section technique comment vous pouvez être flexible avec votre poignet et, vous savez, créer ces longs coups de pinceau obliques. Pour peindre mes capteurs spectaculaires, le ciel. Je préfère toujours opter pour la technique Beta1****. C'est ma technique préférée ici. Je m'assure contrôler la quantité de peinture que j'ai sur le bout de mon pinceau lorsque je crée ces traits pour créer l'effet spectaculaire des nuages, assurant que mon papier m' assurant que mon papier est encore suffisamment humide pour que je puisse le faire. Parce qu'une fois que votre papier a séché de manière inégale, vous constaterez que ces couleurs ne se fondent pas dans l'arrière-plan, ce qui donne à votre ciel un aspect rugueux et irrégulier. Il est donc essentiel que vous connaissiez l'état d'humidité de votre papier lorsque celui-ci est sur le point de sécher et quand il est mouillé pour que vous puissiez parfaitement planifier votre ciel spectaculaire. Sinon, vous serez toujours confronté au problème du dessèchement trop rapide de votre ciel. Par conséquent, il est préférable de pratiquer la section technique sur le même papier que celui sur lequel vous allez essayer votre projet. Cela vous donnera une idée de l' humidité de votre papier, durée pendant laquelle votre papier peut retenir l'eau, manière dont vous pourrez travailler plus longtemps ou de la façon dont vos couleurs se comportent sur le papier ? Est-ce que ça va baisser ? Cela vous donne-t-il les meilleurs résultats que vous souhaitez obtenir ? Tous ces facteurs joueront donc un rôle important si vous connaissez bien votre personnel. J'aime beaucoup la forme de mon ciel. Tout cela est dû aux coups de pinceau que j'exerce Plus vous êtes fluide et rapide, plus vous serez capable de recréer des mouvements spectaculaires dans les nuages, tout en vous assurant d' être vraiment flexible dans les mouvements de vos mains et de perdre. Il est maintenant temps de peindre un champ de lavande. Nous allons suivre les mêmes lignes parallèles et commencer à superposer nos couleurs de la même manière que nous l'avons vu dans la section technique. Ici. J'utilise ma brosse à serpillière pour répartir l'eau uniformément. N'oubliez pas qu'il s'agit d'une brosse naturelle, elle a donc tendance à retenir plus d'eau. Je vais d'abord ici avec ces trois lignes côte à côte. Je les créerai d'abord, puis je commencerai à créer les autres. Maintenant, je suis parti du bas du papier pour suivre les lignes parallèles. À l'aide de cette brosse à serpillière de taille 8 et étalez mon mélange de feuilles vertes sur le terrain. Ainsi, à mesure que vous vous rapprochez du point de fuite, vos lignes doivent se rétrécir. Ici. Vous devez faire très attention à l'eau que vous avez. Vous ne pouvez pas avoir un mélange très liquide et liquide ici. En même temps, vous ne devez pas appliquer de peinture épaisse ici, car votre papier doit maintenir le niveau de rétention d'humidité. Il est donc conseillé de commencer à travailler avec un mélange de peinture aqueux de consistance moyenne , comme je l'ai sur ma palette. Maintenant, je vais recommencer avec ma brosse à serpillière en plumes pour mouiller à nouveau ces zones afin que mon papier puisse rester humide plus longtemps. Et aussi en veillant à ce que ces légumes verts que nous avons en plomb se fondent parfaitement dans le fond. Cette étape est très importante et cruciale, car si vous oubliez de mouiller votre papier à ce moment-là, vous risquez toujours de le voir sécher avant d' avoir terminé vos champs. C'est garanti. Assurez-vous donc de bien suivre cette étape. Ne chargez pas trop d'eau et ne sautez pas cette étape. C'est très essentiel. Maintenant, avec la teinte très claire de mon jaune de Naples, je vais de l'avant et, en partant du point de fuite, je commence à le faire disparaître sur ce côté, le bas du papier. Maintenant, je charge mon pinceau avec ce petit mélange de peinture aqueuse de rose opéra. Si vous voulez que vos champs de lavande aient une légère teinte violette, mélangez un peu de votre minéral valide ou de votre violent permanent à votre rose. Et tu peux avoir cette teinte violacée ici. Je m'en vais ici avec cette valeur tonale moyenne due à mon chevauchement. Mais une fois que le papier aura séché, vous verrez que ce rose sera très délavé. Optez donc pour une valeur tonale moyenne à ce stade et utilisez le contrôle de l'eau lorsque vous êtes proche du point de fuite, car vous ne voulez pas que votre mélange de peinture aqueuse s'écoule dans le ciel. Contrôlez donc l'eau lorsque vous vous rapprochez trop de ce point de fuite. Maintenant, je charge mon pinceau avec ce mélange de peinture aqueuse de rose opéra et je l'applique sur les champs, car cela m' aidera à garder mon papier humide plus longtemps. Mais je vais devoir être rapide, car cela aura également une valeur limitée dans le temps jusqu'à ce que l'eau reste à flot sur le papier. Vous devez donc bien comprendre l'humidité du papier pour pouvoir exécuter et planifier cette étape. Maintenant, je vais rapidement passer à ma taille 8, brosser et nettoyer les roses qui se sont mélangées aux légumes verts. Je vais utiliser la technique de levage des niveaux. Au cours de cette technique de levage, vous êtes peut-être en train de retirer une partie de cette peinture verte de l'arrière-plan. Alors ne vous inquiétez pas, utilisez rapidement votre mélange de feuilles vertes pour superposer ces légumes verts entre les deux. Maintenant, comme nous l'avons vu dans la section technique, je reviens à mon pinceau à serpillière en plumes et je mélange mon minéral valide avec rose éclatante et l' emballage que j'avais. Et je vais juste continuer et continuer à le tamponner. Au fur et à mesure que je m'approche du point de fuite, mes touches vont diminuer. Vous pouvez voir que la peinture se fond si bien dans l'arrière-plan. C'est ce que vous obtiendrez lorsque le papier sera parfaitement mouillé. Utilisez maintenant un pinceau plus petit pour que ces mouvements de tamponnage soient proches du point de fuite. Je suis ici à l'aide de mon pinceau noir argenté numéro six pour créer ces coups de tampon proches du point de fuite. Je vais rapidement revenir à mon pinceau à serpillière, dans lequel ma peinture était déjà chargée. Donc, si vous voulez vous y rendre avec votre violette permanente au lieu de ce minéral valide, vous pouvez le faire. Cela vous donnera ces champs de violettes et de lavande ici. Je correspondais aux tons de couleur de mon ciel, et j'ai donc décidé d'opter pour cette solution. J'ai déjà créé un champ violet et lavande sur mon Instagram en utilisant le même processus. Si vous m'avez suivi sur Instagram, vous pourriez voir le processus. Je vous montrerai à la fin de cette vidéo à propos de cette peinture. Il ne s'agit donc que du choix des couleurs au lieu du minéral qui est valable. Si vous choisissez de poursuivre avec votre validité permanente, vos champs de lavande se rapprocheront de ceux des teintes violettes. À ce stade, je vais très rapidement créer ces touches pour créer ces motifs de violettes sur le terrain. Parce que si votre papier commence à sécher sur le côté gauche du papier, il vous sera très difficile de revenir en arrière. Nous mouillons à nouveau le papier, posons la peinture, donc c' est un peu noisette. Essayez donc d'être très rapide à cette étape. Pratiquez la prière avant vous mettre sur une feuille de papier plus grande. Faites-le sur une petite feuille de papier, pratiquez la section technique. Eh bien, alors vous serez prêt à partir. Maintenant, j'en ai fini avec la création de cet arrière-plan. Il est maintenant temps de charger votre pinceau avec de l'eau propre et commencer à appliquer cette technique d' éclaboussure. Cela doit être fait lorsque votre papier est encore humide. Vous pouvez donc comprendre l'importance de l'humidité du papier dans ce taux de peinture breveté. Voilà donc les points critiques. Vous n'obtiendrez pas cet effet de floraison sur votre champ de lavande si votre papier est sec. Soyez donc très précis à propos de cette étape. Assurez-vous de garder votre papier humide en utilisant vos mélanges de peinture aqueux lorsque vous vos mélanges de peinture aqueux optez pour la technique de lettrage. Ici, dans la partie inférieure de l'article, qui est la plus proche de notre spectateur. Je peux utiliser la pointe aqueuse de mon pinceau pour créer de plus grandes fleurs uniquement dans cette partie des champs de lavande. Les fleurs plus grosses seront donc confinées uniquement à la partie inférieure du papier. Parce qu'au fur et à mesure que vous vous éloignez, la floraison devrait devenir de plus en plus petite selon le principe de la perspective linéaire, n'est-ce pas ? C'est donc ce que nous suivons ici. Je vois que mon papier est encore humide, alors je vais tenter ma chance. Et cette ligne entre les champs de lavande ma sève est verte, juste pour ajouter une petite touche verdâtre à ma peinture. D'accord, mon papier est encore humide, mais si vous sentez que votre papier est sec, sautez cette étape. Inutile de le faire, car cela ne vous donnera des bords durs que si votre papier est sec. Rejoignez-moi dans la section suivante, nous allons poursuivre et terminer une peinture en suivant les étapes suivantes. 31. Palette de couleurs de printemps en bonus: Les couleurs que nous allons utiliser pour ce projet bonus seront les mêmes combinaisons de couleurs que celles que nous avons vues dans nos projets précédents avec peu de couleurs extraditionnelles ici et là C'est donc le projet de classe que nous allons peindre aujourd'hui. Et si vous pouviez revenir en arrière et récapituler notre palette de couleurs pour nos projets précédents, vous constateriez que la plupart des couleurs se trouvent déjà dans votre arsenal d'aquarelle, ou que vous auriez appris à les mélanger Ce projet utilisera donc également les mêmes couleurs, à quelques exceptions près une ou deux couleurs que je vais vous montrer comment les mélanger et les créer. Je suis vraiment enthousiasmé par ce projet de classe, alors plongeons-nous dans le vif du sujet et créons des échantillons de couleurs La première couleur que je crache est mon jaune de Naples, suivi du jaune-orange Maintenant, nous avons déjà appris toutes ces couleurs dans notre leçon de palette de couleurs précédente sur les projets de classe, comment les mélanger et les créer au cas où vous ne les auriez pas avec vous. Maintenant, la couleur suivante que je vais appliquer est mon rose opéra préféré Si vous n'avez pas de rose opéra, vous pouvez utiliser votre azérin cramoisi ou toute autre teinte de rose plus vive, disponible chez votre azérin cramoisi ou toute autre teinte de rose plus vive, disponible La prochaine couleur dont nous aurions besoin est le lilas. Nous allons l' utiliser pour le ciel. Donc, préparer cette couleur est très facile. Comme vous pouvez le voir mentionné sur le tube, il se compose d'un pigment rouge violet et d'un pigment blanc. Donc, si vous avez déjà un pigment violet ou violet, composé de PV 23, mélangez-le avec l'un de vos rouges composé de P R 122 ou d'une teinte similaire. Avec une partie de ce PW six blanc en titane. Dans des proportions variables, vous allez mélanger voir si la couleur ressemble beaucoup à la mienne, mais veillez à utiliser peu de blanc, pas trop de blanc Et tu aurais ta couleur. La couleur suivante est ma couleur bleu-gris. Maintenant, c'est un bleu pastel, que j'adore utiliser pour le ciel. Nous avons déjà vu comment mélanger cela et former cette couleur au cas où vous ne l'auriez pas. Reportez-vous donc à la leçon de palette pour le premier projet de classe, vous aurez les détails là-bas. La prochaine couleur à laquelle je vais faire attention est ma rose vif. Maintenant, au lieu de rose vif, vous pouvez opter pour Azin Crimson Lake ou Rose Madder La couleur suivante est mon violet minéral. Maintenant, vous pouvez toujours mélanger votre propre violet minéral en mélangeant vos roses vifs avec celui de votre violet ou de votre bleu La couleur suivante que je vais essayer est le vert de ma sève. Maintenant, la plupart des palettes d'aquarelle de base contiendraient déjà ce vert Alors allez-y et regardez-le. Nous allons maintenant former un mélange vert plus foncé en mélangeant notre vert sève avec mon violet permanent ou mon violet minéral, et vous obtiendrez cette teinte verte très foncée. Que nous utiliserons pour créer notre feuillage de fond. Maintenant, voici comment vous allez mélanger votre teinte verte plus foncée. Voilà, j' ai déjà de la sève verte. Maintenant, si j'y mélange un peu de gris ou de teinte neutre de mes pins, je peux également créer une teinte similaire de vert plus foncé, comme vous pouvez le voir ici. Ici, il n'est peut-être pas bien visible à l'écran, mais je vais essayer de le voir de plus près, pour que vous puissiez voir vous pouvez transformer n'importe quel pigment clair en que vous pouvez transformer n'importe quel pigment clair en pigment foncé ou muté mélangeant sa couleur complémentaire, en mélangeant un peu de noir ou d'indigo ou en peignant une teinte grise neutre N'importe lequel de ces mélanges de noir foncé pour créer vos versions plus sombres. Donc, la prochaine couleur que je vais tester est mon rouge permanent Maintenant, au cas où vous n'auriez pas rouge permanent composé du pigment pr209 Si vous n'avez pas ce pigment rouge unique, vous pouvez également éliminer vos autres rouges et trouver une couleur qui ressemble beaucoup à ce rouge afin que nous puissions créer une combinaison d'un asérin vous pouvez également éliminer vos autres rouges et trouver une couleur qui ressemble beaucoup à ce rouge afin que nous puissions créer une combinaison d'un asérin Je te montrerai dans un moment. Ainsi, lorsque vous mélangez votre rouge permanent avec votre rose vif et un peu de violet permanent, ainsi que de la sienne brûlée, vous obtenez une très belle couleur marron perlé, et c'est la couleur que nous allons utiliser pour peindre Tout cela provient donc de cette section de couleurs. Rejoignez-moi dans la prochaine leçon où nous commencerons avec un projet principal. 32. Matin brumeux- Le ciel partie 1: Commençons donc par le projet. J'espère que tes couleurs sont prêtes. Avant de commencer, je vais rapidement coller le papier sur les quatre côtés, puis nous allons passer à la création de notre croquis au crayon. Permettez-moi maintenant de vous montrer rapidement la référence. C'est donc la référence, et je vais également l'épingler à l'écran afin que vous puissiez prendre le point de vue là-bas, puis le dessiner ou l'esquisser selon votre convenance Je vais donc commencer mon processus de dessin. Maintenant, si vous pouvez suivre, vous pouvez le faire ou simplement regarder la vidéo dans son intégralité , puis passer à l'esquisse. Maintenant, je suis en train de proportionner mon ciel et l'élément de premier plan. Mon ciel va en couvrir la majorité. Ainsi, à l'aide de ma règle ou d'une balance, les deux tiers de mon papier seront consacrés au ciel où je vais à nouveau le diviser en deux parties, puis le reste sera mon premier plan Je vais donc commencer rapidement à dessiner le feuillage en arrière-plan, ainsi que le joli petit cottage que nous avons ici Il n'y a vraiment pas grand-chose à expliquer à ce stade. Ici, je vais juste de l'avant et à l'aide de mes lignes inclinées, je structure le chalet. Vous pouvez maintenant suivre et démarrer le processus, mais je vous recommande de suivre l'ensemble du processus et de voir si j'ai apporté d'autres modifications afin que vous puissiez intégrer directement dans votre croquis final. Nous allons maintenant ajouter certaines fenêtres. Maintenant, si vous êtes quelqu'un qui sait très bien tracer des lignes droites parfaites, alors n'hésitez pas à utiliser votre règle et votre crayon pour préparer le croquis. Un joli petit chalet existe déjà, et je suis allée de l'avant et je me suis contentée de m' accrocher à la forme générale du feuillage au milieu du sol, qui se trouve derrière le chalet Et pour le reste de la zone, nous allons peindre le ciel en utilisant la technique humide sur mouillé, alors commençons. Je vais donc commencer avec mon ciel comme premier élément, et je vais passer à la technique mouillé sur mouillé. La technique humide sur humide consiste appliquer de la peinture humide sur du papier mouillé, mais je m' assure également de ne pas me mouiller aux endroits où j'ai dessiné le feuillage du sol Assurez-vous donc de faire le tour de la région, même si vous pouvez toujours vous rendre jusqu'à la limite des chalets. Mais je vous recommande de ne pas venir peindre d'ici là, car ici, nous utiliserons verts et des verts plus foncés pour notre feuillage de milieu de terrain Il pourrait donc devenir un peu difficile de gérer la luminosité et le contraste d'obscurité que nous obtiendrions. Mais si vous peignez déjà le ciel, vous superposerez les couleurs du ciel, vos verts se peut donc que vos légumes ne soient pas aussi éclatants qu'ils le sont en général. C'est pourquoi je vais juste au-dessus de la zone de ce fichier au milieu du plan À l'aide de la pointe de mon pinceau Mob, taille 20 de la série Silver Attila, je vais charger mon jaune Naples, mais assurez-vous que vous contrôlez l'eau à cette pointe et en utilisant juste le bout de mon pinceau, je vais commencer lentement à étaler ce jaune de Naples de gauche à droite Comme vous pouvez le voir, la droite aura des tons un peu plus intenses de mon jaune de Naples. L'idée de représenter cette scène matinale était le magnifique matin du lever du soleil au printemps. Par conséquent, la source de lumière de ma peinture est votre droite. Mais si vous souhaitez changer la source de lumière, vous pouvez vous sentir libre de le faire. Vous pouvez également le déplacer vers la gauche et peindre le chalet sur votre droite. C'est à vous de décider comment vous souhaitez organiser les éléments. À ce stade, je me rends compte que la partie supérieure de mon papier est presque en train de sécher Donc, à l'aide de mon plus gros pinceau mafieux, je vais appliquer à nouveau une couche d'eau là-bas, mais assurez-vous de ne pas utiliser trop d'eau là-bas Voici donc le conseil pour vous assurer que même la partie inférieure du papier ou le ciel que vous venez de peindre restent mouillés. Vas-y avec ton foutu bout de pinceau. Répartissez les couleurs là-bas aussi. Cela aidera à conserver l'humidité. Vous pouvez maintenant commencer à superposer le ciel, la partie supérieure du ciel en utilisant le lilas Maintenant, je n'ai pas commencé par le haut, mais entre les deux, et j'ai utilisé une valeur tonale très légère du lilas Afin d'obtenir une harmonie analogue parfaite mélanges de couleurs dans le ciel, je vais le superposer à un mélange de rose opéra et de lilas et commencer à le mélanger à la couche de base de ce jaune de Naples, comme vous pouvez l'observer ici Lorsque je crée un ciel de plusieurs couleurs, j'essaie toujours d'utiliser d'abord un mélange de valeurs plus claires, puis de l'assombrir en utilisant des tons plus foncés de mes valeurs Mais assurez-vous d'analyser correctement les couleurs et de les superposer, car vous ne voulez pas créer de mélanges boueux dans le ciel Par exemple, le ciel a des couleurs complémentaires comme ce gris bleu et mon jaune érable. Lorsque vous mélangez le gris bleu et le jaune érable, vous formez une bande grisâtre entre les deux Afin d'éviter la bande grisâtre, j'ai mélangé la couleur analogue du rose opéra avec du lilas, car le rose opéra, lorsqu'il est mélangé avec des jaunes, forme un rose très beau Cela donne donc un effet très harmonieux à regarder dans votre ciel tout en gardant votre lumière bleue au-dessus de votre lilas ou de votre rose Es-tu capable de m'avoir ? C'est ainsi que je crée toujours un ciel analogue. À ce stade, mon papier est encore humide Je vais donc passer rapidement à valeurs tonales légèrement moyennes de mon rose opéra mélangé à du lilas, et je le pousse dans le bleu tout en le mélangeant Observez mes coups de pinceau ici. Je m'y prends très doucement en utilisant juste le bout et le ventre du pinceau et en effectuant des traits très doux, et vous obtiendrez un ciel parfaitement mélangé Maintenant, le jaune de Naples, lorsqu'il commence à sécher, va s'estomper encore plus Je vais donc prendre les valeurs moyennes de mon jaune de Naples une fois de plus, en valeurs moyennes de mon jaune de Naples une fois de plus, très doucement sur le côté, sans trop virer dans le bleu Maintenant, je vais passer rapidement à ma série Silver Silt, taille 4 Il s'agit d'un pinceau synthétique, et à l'aide de la pointe de mon pinceau, je vais mélanger mon violet minéral avec un peu de mon gris bleu et commencer le processus de superposition des nuages flottant dans le ciel à l'aide de la pointe Observez mes coups de pinceau ici. Je ne vais pas utiliser des coups complets, mais des coups à moitié interrompus entre les deux. Lorsque je crée ces traits, je veille également à ce que les jaunes ressortent magnifiquement entre les deux Vous ne pouvez pas masquer les jaunes, laissez certains espaces jaunes entre les deux pendant que vous peignez vos nuages Cela donne un très bel effet. Maintenant, pour créer de la profondeur dans les nuages, vers la base, je commence à superposer mes tons plus foncés de violet permanent et à utiliser le même mélange de couleurs, gris bleu et violet permanent Je commence par superposer les traits cassés et décalés en utilisant le bout de mon pinceau ici et là, en haut et entre les deux, en veillant à ne pas trop couvrir les zones les plus claires Je veux que la lumière passe entre les nuages, d' où cette étape. Maintenant, si vous observez la référence, vous constaterez que les nuages sont très duveteux et de couleur claire J'essaie donc juste de conserver le même effet, sinon de copier entièrement la référence. Maintenant, je vais garder les nuages dans le coin droit car notre chalet est l'élément principal, qui sera focalisé sur la gauche. Je m'en tiens donc à cela et à des nuages très lâches et duveteux vers la gauche Bien sûr, mon papier est encore humide pour créer ces nuages duveteux, qui se mélangent bien Mais si votre papier a commencé à sécher, vous devez recommencer tout le processus de remouillage Tout est donc pour le ciel. Nous allons maintenant passer à notre élément central, qui est notre feuillage Je vais y aller et je mélange mes légumes verts. En attendant, mon ciel est en train de s'assécher. Je vous verrai dans la prochaine leçon où nous commencerons à peindre notre juste milieu. 33. Matin brumeux au milieu du terrain- Partie 2: Bien, commençons donc par notre élément intermédiaire. Je vais procéder et déposer une quantité contrôlée de linge humide à proximité de cette zone du chalet, veillant à ce que l'eau ne pénètre pas dans le croquis décrit du chalet. Maintenant, vous devez vous demander pourquoi j'opte pour une technique de contrôle des tonnes mouillées et pourquoi ne pas opter pour le mouillé sur le sec. La réponse est la suivante : nous voulons créer le défaut de brume à partir de la base de ce chalet et au début du médoide C'est pourquoi nous allons de l'avant avec ton wet, de sorte qu'une fois que j'aurai commencé à appliquer ma sève verte ici, vous pourrez la voir ici Lorsque je commence à déposer la sève en vert, cela crée un très bel effet de plumage ou de saignement lorsque la douleur commence à se disperser sur ce Je ne vais pas trop m'attarder sur le scénario de base. Je laisse les zones blanches, le fond humide là-bas, oriente mes couleurs vers celui-ci et je laisse le reste à la douleur faire son travail de fluidité et de dispersion Maintenant, si vous aviez remarqué, je joue avec les différentes valeurs tonales de mon vert Sab ici. J'ai d'abord commencé avec une valeur tonale moyenne de vert sab, puis en me dirigeant vers le ciel, la zone supérieure, je passe à des couleurs plus foncées N'oubliez pas la référence. C' est donc l'effet que j' essaie d'obtenir. Maintenant, jouer avec différentes valeurs tonales apportera beaucoup de profondeur ici N'oubliez pas de choisir d' abord les tons les plus clairs, et lorsque la zone est encore suffisamment humide, optez pour les tons plus foncés. Cela garantira un feuillage de fond très bien mélangé et doux Maintenant, remarquez qu'au fur et à mesure que je me dirige vers le ciel, je passe à la technique « mouillé à droite », car cette partie du papier, je ne l'avais pas vérifiée au préalable uniquement près de la base et autour du chalet, je l'avais d'abord recouverte d'eau parce que je voulais créer ce défaut de brume qui saigne Et maintenant, avec juste le bout du fil, je vais créer ces mélanges doux et saignants ici. Donc, ce que je vous recommande c'est d'abord d'observer cette étape, ce que je fais ici, puis commencer le processus, car vous me verrez avoir un peu de mal avec, vous savez, les zones sèches et inégales ici et là, parce que le papier aura commencé à sécher au moment où j' aurais commencé à ajouter ces tons plus foncés à mes verts Donc, pour créer une illusion de profondeur, et comme il y a de la brume près de la ligne de base du feuillage, nous conservons les tons plus clairs de mon vert sève, mais les verts commenceront à s' assombrir à mesure que vous vous dirigerez vers le ciel. OK ? C'est ainsi que votre effet de perspective atmosphérique entrera en jeu. À partir de cette partie, vous allez beaucoup me voir modifier la forme des arbres car je voulais encore quelques tolétries, mais n'hésitez pas à y ajouter votre propre imagination Maintenant, je suis ici pour quelques tolétries, mais si vous le souhaitez, vous pouvez également opter pour un feuillage arbustif à peau moyenne, comme nous l'avions initialement peint Mais assurez-vous que chaque fois que vous effectuez cette étape, n'oubliez pas d'utiliser différentes valeurs tonales pour vos verts, commencer par la lumière près de la base, puis les tons moyens, puis en haut apparaîtront les tons les plus foncés Maintenant, avec mon pinceau, je vais juste créer ces petites feuilles qui dépassent D'accord, cet effet des arbres est ce que vous voyez, le contour de l'arbre. Je vais juste l'affiner un peu plus. En utilisant ce pinceau, effleurez les coups de pinceau. Utilisez des traits plus ou moins longs avec le bout de votre pinceau pour donner à cet arbre son aspect naturel. Ici, vous me verrez continuer à augmenter la hauteur de l'arbre et créer ces traits de tamponnage avec le bout de mon pinceau pour créer l' effet de ce feuillage Au fur et à mesure que l'arbre se dessèche, je me rends compte que je dois opter pour des tons un peu plus foncés, le ton le plus foncé étant probablement celui de mes légumes verts Mais là, je remarque que cette zone a déjà commencé à sécher, ce qui me donne un aspect tacheté. Je dois donc revisiter toute cette zone avec du vert sapé, puis commencer à mettre les tons plus foncés. C'est donc exactement ce que je vais faire ici. Mais lorsque vous effectuez cette étape, soyez un peu attentif la teneur en eau que vous aurez au bout de votre pinceau lorsque vous recommencerez ces zones. Choisissez d'abord une valeur tonale claire de votre vert, puis commencez à saisir vos valeurs tonales moyennes de vert, puis vos tons plus foncés au bout de votre pinceau lorsque recommencerez ces zones. Choisissez d'abord une valeur tonale claire de votre vert, puis commencez à saisir vos valeurs tonales moyennes de vert, puis vos de vert, puis vos Cela donnera la profondeur que vous vouliez avoir à ce feuillage. Ce projet bonus est l'aboutissement de toutes les techniques que nous avons apprises dans nos projets précédents du projet 1 au projet 4 Donc, n'hésitez pas à récapituler si vous venez rejoindre la leçon bonus après un long moment, ou si vous êtes quelqu'un qui commence tout juste la leçon bonus, il serait conseillé revenir aux leçons précédentes, lire, puis venir essayer cette leçon bonus Cet arbre que je suis en train de créer ici utilise une technique humide sur sec. J'utilise juste le bout de mon pinceau taille 6 et je crée ces traits fins et courts, ces traits tronqués pour créer les pointes de l'arbre Lorsque vous passez à la partie la plus à droite de votre peinture, ici, dans ce feuillage, vous allez créer une lueur verte brillante provenant du soleil, qui ne fait que se lever Voici donc le rôle le plus important dans lequel nous jouons avec les connaissances relatives à la perspective atmosphérique. Comme elle est plus proche du lever du soleil, cette partie aura cette lueur dorée. Il est temps de commencer avec un chalet. Pour notre chalet, j' opte pour la bonne technique. Voici la couleur que j'utilise. Nous l'avons déjà vu dans la section de la palette savoir comment créer cette couleur. Il est fabriqué en utilisant une combinaison de quatre couleurs, votre plateau permanent de Sienne brûlée, et un peu de votre opéra ou de votre rose vif, selon ce qui est OK Vers le coin de votre chalet, il y aura beaucoup plus de teintes. abord, vous allez colorer les zones, puis vers le centre, nous allons utiliser une valeur tonale moyenne, gardant la base du chalet libre tout en conservant l'espace blanc afin que nous puissions mélanger les conservant l'espace blanc afin que nous puissions mélanger couleurs et créer cet effet brumeux au cours de la deuxième année Une fois que vous êtes satisfait du mélange du mélange dans la partie centrale du chalet. Utilisez du papier de soie et tamponnez-le près de la base. Vous aurez donc cet effet brumeux là-bas. OK. Passons maintenant à la peinture toit pour toit. Nous allons utiliser une teinte brune un peu plus foncée, mélangée à un peu de rouge. Ici, vous pouvez également utiliser votre brun-rouge si vous avez facilement à portée ou le mélanger avec votre marron perlé, un peu plus de Burn Sienna, et vous pourrez obtenir la Maintenant, pour le toit, je vais utiliser une technique similaire. Je vais utiliser un petit pinceau aqueux faire baisser les couleurs. Ici, dans la partie inclinée, je veux qu'il soit un peu plus clair alors que la partie supérieure du toit sera plus foncée. Maintenant, à l'aide de mon pinceau à doublure, j'ai simplement créé ces lignes là-bas pour lui donner une forme et une forme. Maintenant, en utilisant la technique du pinceau sec, vous pouvez créer d' autres textures sur le toit que je vais ajouter vers la fin une fois que cette zone sera complètement sèche. Maintenant, je vais peindre la cheminée. Je constate qu'une fois la couche sèche, le chalet a l'air un peu délavé. Je veux que le chalet attire l'attention du spectateur Je vais donc l'assombrir un peu et créer des ombres juste sous le toit et dans les coins latéraux à gauche et à droite Vous avez donc peut-être ce tampon sec. Ce que vous faites, c'est utiliser le bout aqueux du pinceau et faites simplement glisser les couleurs vers le haut Ainsi, vous obtiendrez un effet lisse et homogène en retenant l'effet brumeux vers la base du chalet Il s'agissait donc de créer votre juste milieu. Votre terrain intermédiaire est prêt. Il est maintenant temps de commencer avec notre terrain Fo. Je vais opter pour le terrain mouillé sur mouillé pour mon ennemi. Je vous verrai donc dans la prochaine leçon où nous aborderons le sujet des ennemis. 34. Détails du final du matin de printemps brumeux: OK, il est donc temps de commencer par un premier plan. Pour le premier plan, je vais créer un champ de lavande Maintenant, si vous avez déjà vu les projets 2 et 4, vous savez déjà comment procéder pour peindre une prairie fleurie Maintenant, regardez ce qui s'est passé ici. Dès que vous aurez fait passer cette eau au-dessus de votre premier plan, les couleurs du chalet commenceront à se répercuter sur les zones blanches Assurez-vous donc que votre chalet est complètement sec avant commencer par le premier plan OK. Peignez ce champ de lupins ou de lavande, je vais commencer par un mélange de ma rose vif et de mon violet minéral ou violet permanent ici Maintenant, appliquez une légère touche tonale de rose vif ou de rose opéra, selon votre choix, puis ajoutez quelques petites éclaboussures de votre violet permanent, comme ceci ou simplement avec le bout de votre pinceau, continuez et superposez-le Maintenant, en utilisant votre brosse à balai de plus grande taille, je vais juste mélanger ces zones en douceur, quelque chose comme ça Il y a de l'eau ici dans cette zone. Il est donc évident que votre peinture commencera à se disperser très doucement et vers la base de votre papier Vous utilisez ces traits verticaux ascendants pour créer les formes de votre lupin ou de votre lavande, d'accord ? Maintenant, je vais utiliser ce mélange bicolore de ma rose vif et de mon violet permanent pour ce mélange bicolore de ma rose vif et de mon créer des traits variés, plus petits et plus grands, plus petits lorsqu'ils sont plus éloignés et plus grands lorsqu'ils sont plus éloignés et plus grands lorsqu'ils sont plus près du premier plan, qui est près de Voici donc, encore une fois, l'effet de la perspective qui entre en jeu. Ici, observez mes coups de pinceau. Je pars dans certains espaces blancs entre les deux. Cela créera une lueur et nous permettra également de remplir les verts plus tard, lorsque nous fini de les remplir de violets et de roses À ce stade, il faut vraiment être un peu rapide, et avec le bout humide de mon pinceau, je vais mouiller la base du papier par traits verticaux afin que, lorsque je commence à y déposer mes légumes verts, ne forment pas de zones sèches et inégales et qu'ils soient bien mélangés Optez donc pour des valeurs tonales moyennes de votre vert sève et, vers le coin le plus interne ou la base du papier, optez pour des valeurs plus fortes pour vos verts, vers la teinte plus foncée, car à la base, c'est derrière l'ombre, sont donc les Maintenant, avec la même pointe de mon pinceau, je vais simplement créer les traits fins et fins des formes d' herbe qui se situent entre les zones les plus blanches Maintenant, tu dois être un peu prudente. Et lorsque le papier est encore suffisamment humide, vous devez également ajouter vos tons plus foncés à la base des verts. Je passe maintenant à mon pinceau à peigne, et en utilisant les valeurs tonales moyennes, je vais appliquer les couleurs vers le haut dans les espaces ou les interstices blancs, mais sans les couvrir complètement, il faut aussi que le blanc soit visible. Pendant que le papier est encore humide, vous pouvez créer les techniques que nous avons observées dans les projets 2 et 4, l'effet d'éclaboussures de sel et d'eau les prairies fleuries pour créer un effet très onirique Vous êtes invités à vous lancer et à créer cet effet dans cette deuxième prairie Mais ici, j'ai voulu créer un peu différemment, en conservant les formes du lupin C'est pourquoi je n'ai pas opté pour cet effet, mais cet effet est très simple et facile à réaliser, et il crée un effet magnifique. Donc, si vous le souhaitez, vous pouvez vous référer à ces deux projets et les recréer. Maintenant, vous pouvez voir que mon papier a commencé à sécher, ce qui me donne un aspect sale, sec et irrégulier, ce que je n'aime pas vraiment, mais à l'aide de mon peigne, je vais simplement créer ces traits de flanc pour créer un effet d'herbe ici mon papier a commencé à sécher, ce qui me donne un aspect sale, sec et irrégulier, ce que je n'aime pas vraiment, mais à l'aide de mon peigne, je vais simplement créer ces traits de flanc pour créer un effet d'herbe Donc, d'une manière ou d'une autre, je suis juste capable de le couvrir. Mais si votre papier est complètement sec, vous ne pourrez pas suivre cette astuce, et il aura l'air très sale et sale. Assurez-vous donc d'être un peu rapide, car il s' agit du même problème que celui que vous auriez rencontré dans le projet 2 et le projet 4. Si vous n'êtes pas assez rapide et que vous ne connaissez pas le degré d'humidité de votre papier, ce problème continuera de se produire. Pour éviter les allers-retours, utilisez cette technique de réhumidification. Je vous conseille de regarder d'abord la leçon dans son intégralité, puis de commencer de cette façon Vous saurez quelles sont les prochaines étapes à suivre simultanément et vous pourrez peindre avec vous. Maintenant, je vais de l'avant avec mon co-pinceau, en ajoutant des valeurs plus foncées de ma rose vif mélangées à un peu de violet et en utilisant cet effet de pinceau en épi, j'essaie de créer la forme des lupins Heure. OK, maintenant, est temps de recommencer avec notre feuillage de fond. Vous en connaissez la raison, parce que tout a l'air très désordonné ici à cause d'une trop grande quantité de techniques de réhumidification Les couleurs se sont toutes estompées, et j'aurais très probablement fait ressortir toutes les couleurs Donc, à partir de maintenant, je vais simplement appliquer à nouveau les couleurs sur le fond mouillé J'ai complètement inversé ces zones avec le mélange clair de mon vert sève et de ma valeur plus claire du vert sève, valeur plus claire du vert sève, puis j'ai recommencé à superposer mes valeurs plus foncées Ici, veillez à ne pas revenir sur ce point et à effectuer cette étape comme je le fais. Donc, lorsque je faisais le feuillage au milieu du sol, je n' arrêtais pas de m'expliquer comment appliquer les couleurs pour que vous obteniez les bonnes couleurs en un seul coup. OK, maintenant, mon pré est complètement asséché, et je suis passé à mon pinceau taille 2 Il s'agit d'un pinceau synthétique. Maintenant, à l'aide de ce pinceau, je vais ajouter ma très légère valeur tonale d' indigo dans les fenêtres pour créer cet effet d' ombre sur les fenêtres Les coins les plus intérieurs seront un, puis vous estomperez les couleurs pour qu'elles soient plus claires vers la droite C'est la même étape que nous allons suivre pour les deux fenêtres. Maintenant, je vais répéter le même processus pour la fenêtre de gauche. Le coin gauche de la fenêtre sera plus sombre que celui de droite. Alors gardez cela à l'esprit , puis allez-y et faites-le. Maintenant, une fois que les fenêtres seront prêtes, nous les laisserons sécher en attendant. Je vais simplement commencer à ajouter des oiseaux dans le ciel, puis nous reviendrons aux fenêtres et y peindrons des grilles blanches OK, il est maintenant temps d' ajouter le gril Je vais donc utiliser mon pinceau de détail et du guash blanc pour effectuer cette étape, mais vous pouvez également utiliser vos marqueurs Posca ou n'importe quel stylo gel large pour effectuer cette Je vais utiliser une règle, mais assurez-vous d'utiliser soit une règle, soit une règle gratuite si vous êtes très à l'aise pour tracer des lignes droites. Sinon, les fenêtres auront l'air tordues. Je vais ici avec Free et pour créer les volets des fenêtres Si vous n'êtes pas sûr cette étape, utilisez votre. En utilisant le même pinceau. Je vais maintenant ajouter quelques coups de pinceau secs sur ce toit pour créer des textures. Ici, assurez-vous que votre brosse ne contient pas d'eau. C'est absolument avec juste la couleur chargée dedans. Ce n'est qu'alors que vous obtiendrez ces pinceaux secs. L'ajout de ces textures sur le toit était la dernière étape. Maintenant, une fois terminé, vous laissez votre peinture sécher complètement, puis nous retirerons les rubans de masquage Maintenant, lorsque vous retirez vos rubans de masquage, soyez toujours indulgent avec eux N'essayez pas de l' arracher et surtout de laisser votre papier correctement ou d'utiliser votre pistolet à air chaud, tout ce qui est à votre disposition pour le faire sécher rapidement, puis ne faites que cette étape C'est ainsi que notre leçon bonus prend fin. J'espère que vous avez aimé peindre avec moi autant que j'ai aimé créer cette leçon bonus. J'ai hâte de voir tes créations. Je te verrai bientôt au prochain cours. OK. 35. C'est dans la boîte: Félicitations, vous êtes arrivé à la fin du cours. Une fois que vous aurez terminé vos projets, téléchargez-les dans la section Projets et ressources sous la classe. Si vous publiez vos projets sur Instagram, merci de me taguer. Si vous avez des questions ou des requêtes. N'hésitez pas à publier une discussion dans la classe. Je me ferai un plaisir de vous aider à trouver des réponses. Enfin et surtout, si vous êtes aimé. Bonjour classe, pensez à laisser un avis. Cela aiderait ma classe à toucher un public plus large et me motiverait et me donnerait l'énergie nécessaire pour vous apporter davantage de contenu de ce type, à vous et à l'avenir. C'est tout ce qui vient de ce cours. Faites-nous part de vos idées ou suggestions que vous aimeriez apprendre de moi. Et je vais essayer d'en faire un verre en attendant de rester en sécurité et heureuse de peindre.