Le cours de style : Travaillez votre style d'illustration dans le cadre d'un projet quotidien

1. Bande-annonce: Il suffit de rouler droit dedans ? Oui. D' accord. Comment trouvez-vous votre style d'illustration ? Si vous avez déjà posé cette question, ce cours est fait pour vous. Peut-être vous êtes-vous demandé si vous devriez réduire à un seul style ou s'il est correct de travailler dans beaucoup. Peut-être que vous avez constamment du mal à vous sentir confiant dans les styles que vous avez maintenant ou peut-être vous êtes à la recherche d'un style plus original qui ressemble moins à vos influences. Si l'un de ces sons familiers, bienvenue dans la classe de style, j'ai fait ce cours pour vous. Je m'appelle Tom Froese. Je suis illustrateur primé et enseignant ici sur Skillshare, où j'ai aidé des dizaines de milliers de créateurs comme vous, débloquer le monde de l'illustration commerciale. Au fil des ans, j'ai lutté avec mon propre style, me demandant constamment comment le rendre plus cohérent et cohérent, tout en continuant de douter de moi-même en cours de route. Quand je suis trop obsédé par le style, j'oublie la joie de créer qui m'a inspiré à devenir illustrateur. Bien que le style soit un sujet difficile à aborder, je pense que c'est important, et je pense qu'il y a des mesures vraiment pratiques nous pouvons prendre pour nous sentir mieux dans notre style. Cette classe est conçue pour vous aider à naviguer dans le monde complexe et déroutant du style d'illustration. Nous commencerons par comprendre ce que signifie le style et comment il peut fonctionner pour vous dans l'amorce. Ensuite, nous allons approfondir quelques exercices rapides pour découvrir ce qui nous inspire le plus et comment tirer parti de cette inspiration dans notre propre travail. Après cela, le vrai travail commence. Plongez en profondeur dans un projet d'illustration de plusieurs jours, où nous abordons nos questions de style dans une série de 26 illustrations. Cela va nous sortir de nos zones de confort, mais je pense que c'est la seule façon de vraiment commencer à travailler notre style d'illustration authentique. Cette classe est axée sur la compréhension des problèmes plus profonds liés au style, son rapport avec vous et votre identité, et sur la façon d'utiliser le style pour résoudre les problèmes visuels manière fiable et expressive dans votre illustration commerciale. Il ne s'agit pas des composants individuels du style ou de la façon d'utiliser des outils et des techniques spécifiques. Vraiment, le style peut ressembler à n'importe quoi, ton art peut ressembler à n'importe quoi, et je ne veux pas m'empêcher. Mon travail est de vous donner les outils pour trouver votre propre style d'illustration, afin que vous puissiez faire un meilleur travail et en profiter plus en cours de route. Comment trouvez-vous votre style d'illustration ? Travaillons ensemble dans la classe de style. 2. À propos de ce cours: Cette classe est divisée en trois parties : l'amorce, les exercices, et bien sûr, le projet final. L' amorce est l'endroit où nous allons plonger en profondeur dans les questions de trouver votre style d'illustration. Au moyen d'une série de mini-conférences, je vais vous exposer quelques-unes de mes idées et principes clés pour vous guider dans les exercices et le projet, et bien sûr, dans votre propre parcours. Les exercices sont là où nous commençons à mettre toute cette théorie en action. Ici, nous examinerons ce qui nous inspire le plus, puis nous l'utiliserons comme tremplin pour découvrir des indices sur ce que nous voulons explorer et expérimenter dans le cadre du projet, et au-delà. Le projet est l'endroit où il a eu la chance de mettre à l'épreuve tout ce que nous avons appris dans l'amorce et les exercices. Un projet d'illustration de 26 jours dans lequel nous créerons une série d'illustrations sur un thème de votre choix, déterminer comment nous résolvons les problèmes visuels dans une technique de votre choix. Pourquoi 26 jours ? Parce que nous allons illustrer une liste alphabétique de choses et idées sous le thème choisi de A à Z. C'est mon projet de classe le plus ambitieux à ce jour, mais ne vous inquiétez pas, je vais vous guider et vous mettre en place avec tout ce dont vous avez besoin pour obtenir aller. Bien sûr, je vais partager la façon dont je pense au style alors que je travaille à travers mes propres illustrations dans les démos. En termes d'expérience, ce cours s'adresse à tous ceux qui se demandent comment trouver leur style d'illustration, que vous n'ayez aucune expérience ou que vous ayez illustré depuis des décennies. Ce cours couvre tous les domaines d'expérience et de compétences, et donne à chacun une chance de plonger profondément dans ses propres questions de style. Cela dit, plus vous vous en sortirez, plus vous en saurez et travaillez votre propre style . Espérons que vous serez en mesure de revenir aux principes de cette classe au fur et à mesure que vous développez votre propre chemin créatif. En termes de compétences et d'équipement, bien sûr, une certaine expérience dans les médias artistiques et les outils numériques sera utile. Ça pourrait être n'importe quoi, de la peinture à l'aquarelle à un peu tamponner et à la procréation. Dans les exercices de classe, vous aurez l'occasion de déterminer quelles techniques d'illustration réelles vous souhaitez utiliser ou explorer. J' utiliserai Procreate pour les esquisses et les exercices, et Photoshop pour mon dernier projet d'illustration. Parce que je sais ce que certains d'entre vous demanderont, j'utilise Astropad pour utiliser mon iPad Pro comme tablette graphique pour mon Mac. J' exécute Photoshop sur mon Mac, puis Astropad me permet de connecter mon iPad et de l'utiliser comme une tablette à écran. Les exercices ne prendront pas longtemps. Je pense que tu pourrais faire ça dans une heure ou deux, mais tu pourrais prendre aussi longtemps que tu en as besoin. Quant au projet, je recommande environ 26 jours au total. Je vais expliquer comment cela se décompose plus dans le coup d'envoi du projet. C' est le plus long que j'ai jamais suggéré pour un projet de classe dans mes classes, mais je crois vraiment qu'un projet créatif de plusieurs jours est le moyen le plus puissant de découvrir des indices sur votre style d'illustration. Bien sûr, vous êtes encouragés à partager chaque illustration au fur et à mesure que vous allez. Faire quelque chose régulièrement n'est qu'une partie de trouver votre style, le partager avec un public, et avec la classe est également super important. En prenant ce cours, vous aurez une meilleure compréhension de la raison pour laquelle l'illustration est, comment elle fonctionne et comment elle est liée à votre façon particulière de créativité et de pensée. Vous apprendrez comment le style peut commencer comme une graine et grandir au fil du temps. Sur la façon dont il peut être utilisé pour résoudre des problèmes plutôt que simplement exprimer votre propre identité, vous gagnerez également un lien plus profond avec ce qui vous inspire et apprendrez à canaliser toute cette énergie dans votre propre travail. Enfin, le projet vous donnera une quantité folle de pratique, et l'expérience de travailler votre propre style de questions. Si vous vous en tenez à votre projet tout au long de A à Z, il n'y a aucun moyen que vous ne puissiez pas sortir de l'autre côté un illustrateur plus fort. Continuons avec le spectacle. 3. À propos du style: Le style est l'un des sujets les plus discutés pour les illustrateurs, en particulier au début. Nous voyons des artistes établis et les admirons pour leur style ou l'apparence de leurs illustrations, et nous faisons sentir. Alors que la poursuite de son style est souvent rejetée comme une distraction, il n'y a aucun moyen de contourner le fait que les gens vont toujours obséder à ce sujet. Si les gens y réfléchissent beaucoup, cela mérite certainement notre attention. Pour moi, la question n'est pas de s'inquiéter ou non, mais de demander pourquoi s'inquiéter ou peut-être, comment devrions-nous nous inquiéter ? Nous pouvons trouver qu'à la fin, il vaut mieux se concentrer sur d'autres choses, mais d'abord, nous devons examiner plus en profondeur ce qu'est le style d'illustration et comment il fonctionne. Pourquoi est-ce si important, et pourquoi ne serait-ce pas ? Qu'est-ce que le style ? termes simples, le style est l'apparence d'une illustration, à part le contenu des images ; quelles couleurs sont utilisées, quelles techniques ont été utilisées pour la réaliser, quelle est la qualité expressive de l'image ? En comparant deux illustrations de la même chose, qu'est-ce qui rend l'une plus convaincante que l'autre ? Le style est délicat parce que c'est la chose que nous connaissons le plus dans l'illustration, mais la moins capable de décrire. Mais je pense que nous comprenons, au niveau très intuitif, l'importance du style. C' est ce qui nous attire au travail en premier lieu. C' est la source de notre obsession. Quel que soit le concept ou l'idée, il est transmis matériellement, visiblement. Avant qu'elle n'atteigne notre intellect, elle passe par nos sens, directement dans nos cœurs. En tant qu'artistes, le style peut nous conduire, ou nous pouvons dériver notre style. En tant qu'illustrateurs commerciaux, notre travail est de comprendre le style comme un outil pour que nous puissions le conduire. Utilisez-le à notre avantage, fois dans notre travail et dans la façon dont nous l'utilisons comme extension de notre identité. Il y a deux façons principales dans lesquelles le style est important. Pourquoi nous devrions faire attention au style dans notre travail. La première chose est d'établir notre identité, notre marque d'entrepreneurs créatifs. Comme notre travail est notre produit, il doit toujours être lié à nous. De la même manière que les marques appliquent une qualité constante dans leurs produits, nos illustrations doivent toujours avoir une qualité constante qui soit la nôtre. Cette qualité constante de travail devient synonyme de nous. La cohérence ne fait pas de nous des artistes unidimensionnels. C' est simplement une reconnaissance d'un ensemble étroit de qualités auxquelles nous sommes bons, ce que nous pouvons faire à plusieurs reprises, d'autres peuvent grandir pour dépendre de nous. Cela conduit à la deuxième façon dans laquelle le style est important ; il devient un outil fiable pour nous en tant que résolveurs visuels de problèmes. Indépendamment de notre style, quel que soit le nombre de styles que nous hébergeons sous le toit de notre entreprise créative, ayant établi des styles résultant de techniques et de processus spécifiques, nous rend plus efficaces et fiables. Bien que nous puissions facilement illustrer dans un certain nombre de styles, nous choisissons de ne pas le faire. Parce que nous avons un ensemble étroit de qualités sous notre marque dans notre boîte à outils, nous pouvons avoir le droit de travailler sur le problème au lieu d'essayer de trouver dans quel style travailler. Nous passons également moins de temps à obtenir sur la même page que nos clients sur le style dans lequel travailler. En fait, plus les clients voient la cohérence dans votre travail, plus ils vous feront confiance pour le refaire, et donc ils vous feront plus confiance pour la partie créative du travail. Nous avons maintenant défini ce qu'est le style d'illustration et ce qui le rend important. Dans les leçons restantes de cette introduction, puis à travers les exercices et le projet, nous allons examiner comment le style fonctionne pour les illustrateurs, surtout au début et comment il se développe avec nous au fur et à mesure que nous allons. Nous examinerons les principaux problèmes de style auxquels sont confrontés les illustrateurs et les moyens de les surmonter. J' ai même développé quelques façons de nous aider à nous placer sur le spectre du style d'illustration en termes de tempérament et de personnalité. Plus important encore, nous allons examiner ce que je crois être les moyens les plus efficaces pour commencer à découvrir votre style en tant qu'illustrateur , en puisant dans ce qui nous inspire et en répondant à nos questions de style en faisant du travail réel. En fin de compte, votre style n'est pas quelque chose que vous pouvez décider maintenant, une fois pour toutes. Mais vous pouvez et devez certainement faire des choix en cours de route. Je pense que l'une des choses les plus difficiles à trouver un style, c'est tout simplement de ne pas savoir quels sont nos choix pour en faire de bons. Nous avons l'impression que si nous devions choisir un style aujourd'hui, nous nous priverions tellement de potentiel pour grandir en essayant d'autres styles, d'autres choses. Trouver un style d'illustration ne consiste pas à trouver un style statique, arrêter la croissance exprès pour que notre style puisse rester cohérent, il s'agit de toujours créer, toujours travailler, toujours chercher la joie dans cela, et ensuite prendre un peu de temps la façon de savoir quelles sont les meilleures façons pour nous, et ensuite comment le faire plus exprès. 4. Points faibles du style: Lorsque je regarde toutes les questions que les élèves posent sur la recherche de leur style, presque toutes se répartissent en un ou plusieurs de ces points douloureux : cohérence, la confiance et l'originalité. Regardons chacun de ces points de douleur un peu plus près. Avoir un style signifie avoir un regard cohérent sur notre travail. Il n'est donc pas surprenant que la plupart des illustrateurs luttent avec ce point douloureux. Pourquoi est-il si difficile d'obtenir une cohérence dans notre illustration ? Ce qui fonctionne pour un type d'illustration peut ne pas fonctionner pour un autre. Un autre scénario, pourrait être quelqu'un qui ne peut pas imaginer se contenter de s'en tenir à un style. Ils aiment tout simplement travailler différemment à chaque fois et se demandent s'ils ont besoin s'engager dans un style unique pour être un illustrateur légitime et respecté. L' une des questions les plus posées sur le style est ai-je besoin d'un style discipliné singulier pour être en tant qu'illustrateur à succès ? Un autre est, que faire si je veux travailler dans plusieurs styles ? Pour autant que je sache, vous pouvez réussir avec un ou plusieurs styles. Cela dépend vraiment de votre tempérament et au fil du temps, ce qui semble fonctionner le mieux dans votre pratique professionnelle. Si vous êtes heureux et réussi à travailler dans une variété de styles, alors c'est tout ce qui compte. S' il est plus important pour vous d'avoir quelque chose de plus individuel et singulier, alors c'est quelque chose que vous pouvez délibérément travailler vers. En fin de compte, vous vous retrouverez probablement quelque part entre avoir plusieurs styles et quelque chose de plus singulier. chose la plus importante est que vous avez une cohérence globale dans ce que vous proposez en tant que produit. Vous constaterez que vous avez des points pivots communs cohérents à partir desquels vous approchez tout votre travail. On en parlera plus dans un peu. Le deuxième point douloureux est la confiance. Nous, les artistes, sommes durs avec nous-mêmes. La moitié de notre temps est consacré à des émotions débilitantes et à des pensées négatives sur notre valeur en tant qu'artistes. Nous avons tendance à nous lier à notre valeur perçue en tant que personnalités semi-publiques ou en tant qu'artistes. Et si nous pouvions oublier ce que les autres pensent et nous concentrer sur la joie et la satisfaction que nous éprouvons quand nous créons ? Nous avons tendance à perdre notre confiance lorsque nous comparons injustement notre travail aux autres. Pendant ce temps, nous avons oublié pourquoi nous avons commencé à illustrer en premier lieu. confiance ne vient pas nécessairement de se sentir relativement bien en tant qu'illustrateurs, elle peut venir de savoir que nous faisons notre travail au mieux de nos capacités et que nous ajoutons de la valeur à nos clients et à nos auditoires grâce à notre art. Comment pouvons-nous faire du travail dont nous sommes fiers, ce qui nous donne de la joie à faire du début à la fin ? Nous devons nous rappeler de ne pas prendre notre quête du style trop au sérieux. Cela doit arriver, mais à nos conditions. Pendant ce temps, nous devons survivre en tant qu'artistes. Cela signifie nous donner l'espace pour explorer et grandir, pour faire des erreurs en cherchant un style plus confiant, naturel et expressif. Cela vient avec le temps et la pratique. Je suis désolé de dire qu'en cours de route, notre confiance et notre doute de soi viendront par vagues. Mais en fin de compte, vous vous sentirez plus à l'aise dans votre propre peau. Mon expérience est que nous commençons par une fausse vision de ce que nous sommes censés être, mais avec le temps, nous obtenons une image claire de qui nous sommes vraiment. C' est pourquoi le style ne nous arrive pas seulement rapidement, surtout si le style que vous recherchez est celui qui est authentiquement le vôtre, pas seulement basé sur ce qui est branché ou cool. La clé est de se rappeler, la joie de l'illustration. Rappelez-vous pourquoi vous avez été inspiré en premier lieu, et simplement pour suivre cette étincelle de passion. Si rien dans votre art ne vous donne de la joie, pas même une petite partie de celui-ci, alors vous pourriez vouloir essayer autre chose. Encore une fois, il peut être utile de se rappeler que nous avons tendance à être plus durs avec nous-mêmes que les autres ne le sont sur nous. Eh bien, nous nous mettons sous notre travail, d'autres sont probablement très impressionnés par notre travail. pour le style, la vérité est que, nous nous soucions beaucoup plus de ce que notre style est que d'autres ne l'ont fait. Le troisième point douloureux est l'originalité. Bien sûr, il est tellement question d'avoir un style distinct qu'il s'agit d'identité. Nous voulons que les gens nous reconnaissent à travers notre travail. Parce que nous versons tellement de nous-mêmes dans notre art, nous nous soucions de la façon dont il nous représente. Tout comme le style lui-même, je pense que nous comprenons tous l'importance de l'originalité en tant qu'artistes. Il nous distingue, c'est quelque chose que nous pouvons prétendre être seulement le nôtre. Avoir notre propre voix en tant qu'artistes est vraiment cuit dans l'affaire. Comment pouvons-nous nous approcher de devenir original dans notre propre travail ? Être original, c'est être capable de penser et de faire les choses de façon indépendante et créative. Cela ne veut pas dire que nous sommes tellement différents de tout et de tout le monde, mais plutôt de la façon dont nous utilisons notre situation et nos capacités données à notre manière. Les idées n'ont pas besoin d'être ésotériques pour être originales ou excitantes. Row, designer américain Paul Rand. Je voudrais seulement ajouter que si vous voulez être original, la seule chose que vous pouvez vraiment faire est de parler de votre point de vue et de ne pas essayer de parler d'un autre. Le plus dur de parler de votre point de vue, c'est qu'il faut souvent beaucoup de creuser pour le trouver. Il est beaucoup plus facile d'emprunter sur d'autres, le travail a déjà été fait. Si nous n'avons pas beaucoup de pratique à creuser notre propre perspective, nous aurons tendance à douter de nous-mêmes et à abandonner trop tôt. Ce qui se passe plutôt, c'est ne nous sentons pas confiants dans notre propre voix unique, nous regardons d'autres perspectives, d'autres artistes nous regardons d'autres perspectives, d'autres artistes , d'autres styles, et d'une certaine façon les imitons dans notre propre travail. C' est peut-être parce que nous ne croyons pas à notre façon originale de faire de l'art. Il semble en quelque sorte pas assez, en quelque sorte peu peu familier. Nous savons ce que les autres ont fait, quel point il a été reçu par d'autres. Nous voyons les tendances et supposons que nous devons les suivre pour être à jour et bien accueillis. Je ne pense pas que ce soit mal de prêter attention aux tendances, mais il est trop facile de tomber dans un accord total, où vous vous penchez trop sur le familier et manquez apporter quelque chose de vraiment unique à la table. Ce que je dis, c'est qu'il faut du courage pour être original. Il est plus facile de se tenir derrière une tendance ou d'emprunter le style d'une autre, car c'est instantanément gratifiant. Mais il nous distrait du vrai nous ci-dessous. Le défi est que taquiner notre propre voix commence secouement, peut-être même embarrassant. C'est vulnérable. C' est mauvais d'être imitatif ? Si notre propre style n'a pas encore atteint sa maturité, et que nous avons du travail à faire en attendant, comment sommes-nous censés faire quelque chose ? La vérité est que nous commençons tous par imiter. Dans presque toutes mes classes, je parle des trois Is : l' inspiration, l'imitation et l'innovation. Nous commençons par nous inspirer du travail des autres pour l'imiter. Mais avec le temps, au fur et à mesure que nous travaillons à apporter davantage de notre propre voix dans notre travail, notre travail devient plus le nôtre. Nous nous éloignons d'imiter les autres et plus vers nous référencer nous-mêmes. Nous devenons un mélange de toute notre inspiration, et grâce à la pratique, nous devenons bons à canaliser cela d'une manière unique. Développer un style original est un équilibre. Il s'agit d'un équilibre entre, d'une part, accepter un certain niveau d'imitation, permettre à nos influences de jouer délibérément dans notre travail et, d'autre part, nous mettre au défi d'être plus audacieux, accepter ce que notre travail finit en dépit de nous-mêmes. Sur la route de trouver notre propre style, nous ressentons tous le sentiment que notre travail ne se mesure pas, que c'est trop partout et incohérent, que ce n'est pas assez original, ou quand c'est le cas, nous ne nous sentons pas bien à ce sujet. Ce sont toutes des préoccupations valables et nous devrions certainement viser un style qui le frappe hors du parc de toutes ces façons. Mais en chemin, nous allons avoir besoin de grâce avec nous-mêmes. plus important est que nous voulions travailler à partir du lieu de joie et de passion qui nous a permis d'illustrer en premier lieu. Chaque fois que nous nous sentons mal dans notre travail, nous pouvons nous souvenir de notre première étincelle et faire tout ce que nous pouvons pour retourner à cet endroit. 5. 5 observations sur le style: Certes, il n'y a pas de chemin unique pour trouver son style d'illustration. Nous arrivons tous à l'illustration et nous traversons de manières très différentes. Cela dit, lorsque vous observez les parcours de carrière de certains des illustrateurs les plus réussis d'aujourd'hui, vous verrez apparaître des modèles intéressants, choses qui semblent être vraies pour presque tous. J' ai cinq observations en particulier qui, à mon avis, devraient servir à la fois d'encouragement et d'inspiration. Encouragement en ce que même nos héros ont des points de départ modestes, et inspiration en ce que les premières mesures qu'ils ont prises et qui les ont amenés au succès initial sont celles que vous et moi pourrions facilement prendre aujourd'hui. La première observation est que tous les artistes commencent avec un style éclairé à la main qui devient plus bien défini les heures supplémentaires. Prenez n'importe quel illustrateur avec un style défini et unique aujourd'hui, et retracez leur travail jusqu'aux débuts, et vous constaterez très probablement qu'ils n'ont pas commencé de cette façon. En fait, vous verrez très probablement quelque chose qui semble plus fragile, moins confiant, en quelque sorte plus informé de la main. En fait, ce que vous regardez ressemblera probablement plus à leur style de dessin naturel, à l'époque, que le travail qu'ils font aujourd'hui. Cela est particulièrement vrai pour les artistes dont le style est maintenant fortement influencé par les processus mécaniques ou numériques. Ils ont dû commencer avec leurs mains parce que c'est ce qu'ils savaient à l'époque. C' est au fil du temps qu'ils ont développé un style plus transcendant, qui exprime leurs idées sans se soucier des origines plus artisanales de leurs croquis. J' en parle plus longuement dans ma classe, Drawing Towards Illustration. Vous pourriez avoir le désir d'avoir un style plus transcendant comme celui-ci. Mais si vous êtes plus près de votre début, vous n'avez probablement qu'une idée de ça. Vous passerez maintenant plus de temps expérimenter et explorer différentes techniques, et votre travail viendra de votre ensemble actuel de capacités, en particulier des techniques qui sont plus proches de votre outil le plus accessible, vos mains, s'appuient sur eux. À quoi ressemble-t-il de se pencher dans vos capacités actuelles ? Cela signifie, plus que tout, entrer en contact avec la façon dont vous dessinez tout, des objets, des gens, des idées. Cela signifie dessiner tous les jours, être cette personne qui transporte un carnet de croquis partout, puis expérimenter avec des techniques qui transforment ces dessins en quelque chose de plus. C' est un peu comme le processus d'illustration où nous commençons par des esquisses, puis nous ajoutons des couches de couleur, de ligne , de texture, de forme, etc., dans le média de notre choix. Pourquoi illustrer en dessinant quand vous pouvez aller directement à l'ordinateur ? Parce qu'en vous permettant de créer librement de cette façon, vous serez en mesure de trouver dans votre travail des motifs qui vous sont propres, des indices de votre propre style. Vous remarquerez que vous dessinez des formes d'une certaine manière, ou que vous répétez un certain motif encore et encore. Si vous essayez trop tôt d'avoir un style transcendant plus discipliné, vous pourriez finir par vous appuyer trop fortement sur vos influences et leurs techniques, tout en ignorant les indices importants de votre propre voix naturelle. La deuxième observation est que l' identité unique de l'illustrateur devient plus forte dans le travail au fil du temps. Tous les illustrateurs commencent par une graine, une idée brumeuse de ce qu'ils pourraient être sur la route, et tous les illustrateurs commencent par s'inspirer de leurs héros, les copiant probablement à un degré plus élevé que ce qu'ils finiront plus tard. Quand nous sommes jeunes enfants, notre identité vient plus de notre famille, de nos parents, que de nous-mêmes. Nous, illustrateurs, commençons comme des enfants qui ressemblent fortement à nos influences, nos mentors et à nos héros. Mais à mesure que nous atteignons l'âge, nous grandissons pour nous connaître davantage, et nous ne pouvons pas passer directement de l'enfant à un adulte bien formé et entièrement indépendant. Nous devons tous traverser la maladresse de ces préadolescents et adolescents. Reste avec elle et tu traverseras tout ça, et tu arriveras à maturité. Certains d'entre nous vieillissent avec la grâce, d'autres moins, et pour chacun d'entre nous, cela ajoute simplement à notre histoire et à la singularité de notre voix. La troisième observation est que l'illustrateur passe d'une approche plus générale à quelque chose de plus spécifique. Alors que la plupart des illustrateurs finissent par se spécialiser dans un petit coin de l'univers de l'illustration, nous commençons généralement en tant que généralistes. Au début de nos voyages, nous commençons avec des possibilités infinies. Mais au fur et à mesure que nous avançons , nous apprenons qui nous sommes, ce que nous pouvons faire, ce que nous ne pouvons pas faire, ce que nous sommes attirés et ce que nous évitons, et toutes ces choses aident chacun de nous à se rétrécir dans une en tant qu'artiste. Quand nous commençons, n'ayant pas encore forgé notre propre identité, nous sommes plus ouverts aux diverses influences des autres, et nous sommes prêts à accepter un travail plus varié. Nous ne savons pas encore quelle est notre spécialité, et nous ne devrions pas non plus. C' est l'une des raisons pour lesquelles, je crois, les designers, qui deviennent plus tard illustrateurs, sont avantagés. Les concepteurs sont généralistes par formation, et ils ont beaucoup d'expérience dans le travail avec différents types de problèmes visuels, et en tant que tels, ils apprennent à connaître ce qu'ils sont bons et aiment, même lorsqu'ils commencent en tant qu'illustrateurs. À mesure que nous grandissons en tant qu'illustrateurs, nous découvrons que nous apprécions certains types d'illustrations, tant sur le plan stylistique que sur le sujet, ce qui nous amène à nous concentrer de plus en plus sur notre travail et notre style. Quand je pense à cette progression du général au spécifique, j'imagine toujours un cône latéral, ou deux lignes convergentes. Tout à gauche de cette ouverture est, eh bien, tout. Quand nous faisons ce premier pas dans notre voyage, c'est le tout début de cette chose de cône latéral. Soudain, nos choix sont limités, et au fur et à mesure que nous avançons, expérimentons, obtenons des commentaires, découvrons ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas, notre attention devient de plus en plus nette. Nous laissons la possibilité de tout, et nous nous dirigeons plus vers le point unique, que j'aime appeler la singularité. Dans le sens le plus idéal, c'est là que nous trouvons notre unique style cohésif, ou notre voix artistique. En réalité, ce point est une cible émouvante, toujours devant nous. C' est parce que plus nous apprenons, plus nous réalisons combien il y a d'autres choses à apprendre. Même si nous devenons plus spécifiques, nous ne devenons jamais stagnants. La quatrième observation est que les illustrateurs commencent à partager avant qu'ils ne soient prêts. J' adore celui-ci parce que c'est l'observation la plus exploitable de cet ensemble. Beaucoup d'illustrateurs commencent leur carrière avant être acceptés par le public comme illustrateurs, avant d'avoir un style établi, avant que quelqu'un ne leur fasse une pause. Ces personnes motivées font leurs propres opportunités en lançant et en entretenant un projet créatif quotidien. Cela leur donne l'occasion d'élaborer leur style de façon tangible, tout en créant un public en même temps. L' illustration commerciale consiste à communiquer avec un public. Les illustrateurs ont besoin de toute la pratique qu'ils peuvent obtenir, à la fois dans l'élaboration de leur style et dans l'apprentissage de l'interaction avec un public. Avoir une pratique de créer quelque chose à partager sur une base régulière permet aux illustrateurs d'avoir l'habitude de penser à un public, et aussi de travailler selon un calendrier. Pour moi, à l'époque où je commençais, le principal lieu d'une pratique créative quotidienne axée sur le public était les blogs. Mais ceux dont je me souviens particulièrement, qui m'ont finalement le plus influencé, étaient centrés sur un thème particulier et sur une technique ou un support particulier. Quelques exemples de mes débuts incluent consommation obsessionnelle de Kate Bingaman-Burt, et Drawing a Day de Lauren Nassef. J' ai été fasciné par leur travail et inspiré à faire quelque chose de similaire. J' ai moi-même reflété cette habitude et j'ai finalement construit un style de dessin précoce, pour lequel je suis devenu connu, et d'où proviennent mes premiers travaux d'illustration. La cinquième observation est que les illustrateurs laissent tomber leurs cheveux de temps en temps. Pour ceux qui luttent beaucoup avec le point de douleur numéro un, l'engagement, s'il vous plaît prendre note. Peu importe à quel point un illustrateur est strict dans son style commercial principal, probable qu'il fasse des détours et qu'il travaille en dehors de sa zone de confort de temps en temps. n'est pas parce qu'ils présentent un corpus de travail très cohésif sur Instagram ou sur leur site de portfolio qu'ils ne laissent jamais tomber leurs cheveux. Les artistes ont tous leur propre façon de partager leurs projets secondaires. Si quelque chose est vraiment à moitié cuit, pour moi, je vais le poster sur mes histoires, ou peut-être tweeter à ce sujet. Souvent, je suis heureux de partager mes expériences les plus sur la marque en tant que publications Instagram, tout en maintenant mon portefeuille de sites Web plus cohérent et statique. Bien sûr, tout ce qui est fait n'a pas besoin d'être partagé. Pensez à tout ce qui se passe dans votre carnet de croquis ou votre journal que personne ne voit jamais, et considérez que la plupart des artistes font cela tout le temps. 6. Le pouvoir du projet quotidien: Dans la vidéo précédente, j'ai observé comment les illustrateurs commencent à partager avant qu'ils ne soient prêts et j'ai décrit le projet créatif quotidien. À mon avis, il n'y a pas de meilleur moyen de lancer votre quête pour trouver votre style d'illustration que de faire régulièrement du travail et de le partager avec un public. Pour ce cours, je crois vraiment qu'il n'y a pas d'autre moyen de vous guider dans le parcours de la découverte de votre style, que de vous guider à travers un projet d'illustration de plusieurs jours. C' est ce que nous ferons après toutes les conférences et les exercices. Alors que j'essayais de trouver un moyen d'enseigner le style, j'ai regardé en arrière sur mon propre voyage et réalisé que mes premiers efforts vers l'illustration ont vraiment commencé quand j'ai commencé à faire et à partager des dessins sur mon blog presque tous les jours. J' ai été très directement inspiré par une poignée d'illustrateurs qui faisaient cela à l'époque, mais plus visiblement Lauren Nassef, qui est confiante par le style de dessin de contour introspectif auquel je suis vraiment lié. Ingênant, j'ai même nommé mon blog de la même manière que le sien. Le sien était un dessin par jour, le mien dessinait quelque chose tous les jours. Au moins, j'ai été honnête au sujet de mes intentions et de mon inspiration. Je voulais vraiment dessiner quelque chose tous les jours, comme mon inspiration. Ce qui a commencé comme un effort d'imitation au fil du temps est devenu ma propre chose, laissant finalement la place à d'autres expériences créatives. En chemin, j'étais vraiment en train de peaufiner ma propre façon de dessiner, découvrir ce que j'aime dessiner, me mettre au défi de dessiner des choses que je ne voulais pas aimer des mitaines en tricot de câble ou des vestes drapées sur des crochets, et d'essayer d'ajouter de la couleur dans éléments de collage numériquement. Ce projet quotidien a commencé au milieu de mon premier cycle, et s'est poursuivi bien après avoir obtenu mon diplôme et trouvé un emploi en tant que designer. C' était toujours une façon de montrer ma passion pour la créativité à mes employeurs et à mes clients. Depuis que je suis devenu illustrateur à temps plein, j'ai eu la chance de pouvoir faire la plupart de mon travail avec un vrai travail client. Voici la puissance du projet quotidien. Vous n'avez pas besoin d'avoir de vrais clients ou de vrais emplois pour commencer à travailler votre style et votre voix. Tout ce dont vous avez besoin, c'est de commencer à faire du travail qui vous intéresse, travailler vers quelque chose de manière ciblée et cohérente, et de le partager. L' une des choses les plus difficiles à faire un projet quotidien, bien sûr, est de savoir quoi faire en premier lieu. Je pense que c'est peut-être ce qui empêche beaucoup de gens de sauter dedans. Dans la section projet, je vous guiderai tout au long du processus de mise en place du projet, y compris le choix de quelque chose à régler et le sujet sur lequel le tester. Pendant ce temps, si vous voulez voir quelques projets quotidiens inspirants du passé et du présent de certains de mes illustrateurs préférés, assurez-vous de trouver quelques liens dans la page Projets et ressources de classe. 7. Les 2 types d'illustrateurs: Les illustrateurs sont disponibles dans toutes les formes et tailles, mais il existe deux types généraux, chacun pointant plus ou moins vers deux types de personnalité différents. Lorsque nous comprenons quel genre d'illustrateur nous sommes ou nous semblons être le plus semblables, cela nous aide à mieux comprendre nous-mêmes, comment nous travaillons, ce qui nous motive, et surtout à savoir à quel point nous sommes plus stricts et flexibles avec notre style ou nos styles. C' est la différence entre les extravertis et les introvertis. Ceux d'entre nous qui préfèrent passer plus de temps seuls sont soudainement validés en sachant qu'il y a un groupe normal de gens que nous appelons introvertis. On peut se rendre compte qu'on est normaux et pas ces extravertis fous. Mais sérieusement, lorsque nous réalisons les deux illustrateurs, nous pouvons mieux comprendre pourquoi peut-être nos tendances de style semblent aller dans une certaine direction. Le premier type d'illustrateur est illustrateur en tant qu'artiste. Un autre nom peut être Rockstar ou l'illustrateur de style avant. Bien que nous soyons tous des artistes, le type d'artiste est obsédé par l'identité personnelle dans son travail. Au moins dans leur personnalité, ils sont des extravertis qui s'expriment hardiment d'une manière très spécifique. Leur style d'illustration peut sembler plus basé sur des motifs et des éléments répétitifs, fortement stylisé, et n'utilisant jamais un ensemble de couleurs spécifique. Ils appliquent leur style à tous les problèmes d'illustration de la même manière une marque peut appliquer les mêmes couleurs et styles à leurs produits dans les communications. illustrateurs de type artiste sont connus pour leur voix forte et singulière dans toutes les disciplines. Leur identité est incontestable, très contraint, décisive et limitée. Nous pouvons les reprocher tranquillement, en les accusant d'être des poneys unidimensionnels et unidirectionnels. Mais regardez de plus près, ils ont un talent spécial pour diriger avec une vision forte et ils sont capables de résoudre tous les problèmes qui viennent à travers leur propre vision unique. J' ai toujours envié les illustrateurs de type artiste pour la confiance et la force de l'identité qu'ils expriment. Si vous sentez que vous avez une forte personnalité et une vision artistique, au fil du temps, vous vous sentirez peut-être davantage penché vers l'illustrateur de type artiste. D' autre part, vous pourriez avoir l'impression qu'avoir une telle identité pour le design signifie vous n'êtes pas en mesure d'utiliser toutes vos capacités artistiques dans la mesure où cela vous donnera satisfaction. Tu trouveras peut-être ça étouffant. Vous pouvez aussi être simplement un introverti ou un résolveur de problèmes dans votre éthique de travail. Entrez le deuxième type d'illustrateur. Le deuxième illustrateur est le concepteur. Un autre nom peut être le résolveur de problèmes ou l'illustrateur de transfert d'idées. Nous avons tendance à nous souvenir des noms et du lux audacieux des illustrateurs de type artiste, mais les illustrateurs de type designer font un travail tout aussi impressionnant, prenant souvent chaque projet avec une marque particulière d' habileté plutôt que des éléments stylistiques particuliers comme des couleurs et des trucs comme ça. Ils ressemblent plus à des introvertis, permettant au travail et aux idées de passer plus fortement que n'importe quelle expression personnelle. Cela ne veut pas dire que leur travail ne leur est pas identifiable en tant qu'artiste, il est juste plus stratifié et facetté. Ils mettent leurs mains dans plus de pots. L' illustrateur de type résolveur de problèmes apprécie le défi de résoudre chaque problème visuel d'une manière plus unique. Ils ont eux aussi un focus, une gamme dans laquelle ils sont capables de travailler, mais c'est tout simplement moins évident et prend plus de formes. Les illustrateurs de type artiste pourraient contester les créateurs qui les accusent d'être des caméléons, manquant de personnalité claire, d'être indécis. Mais regardez de plus près, ils savent exactement qui ils sont et utilisent cela pour amener des clients assez importants dans des œuvres d'art très créatives et étonnamment variées. Ils sont tout aussi décisifs que le type d'artiste, mais ils sont capables d'adapter leurs capacités de manière unique à chaque problème. J' ai toujours admiré les illustrateurs de type designer pour leurs prouesses créatives et leur ingéniosité. Si vous avez l'impression que chaque problème visuel vous déplace de différentes manières, qu'il est difficile de simplement frapper chaque ongle avec le même marteau de style, cela peut signifier que vous êtes un concepteur de résolution de problèmes ou un illustrateur de type. Comme vous pouvez le voir dans les exemples dans les diapositives, il y a tellement de personnalité et d'unicité dans chaque exemple et ils ne semblent pas avoir de problème à attirer de gros clients et à faire un travail inépuisable et unique. Ces deux types sont, bien sûr, des extrêmes. Vous pouvez aimer la plupart des gens, vous trouver quelque part entre eux, et vous sentir plus comme l'un que l'autre à différents moments. Peut-être qu'au fil du temps, cependant, vous remarquerez dans votre propre travail une tendance générale vers l'un par rapport à l'autre. Alors qu'à un moment donné, nous nous retrouverons plus comme l'un de ces types que l'autre. Au début, vous serez probablement plus comme le type de concepteur que le type d'artiste. C' est simplement parce que vous n'en savez pas encore assez sur vous-même pour faire cet appel d'une façon ou d'une autre. C' est peut-être un peu une mise en garde pour les gens au début de leur carrière qui se sentent plus comme l'artiste de ne pas se fermer trop tôt à l'exploration stylistique. Restez ouvert au plus grand nombre d'opportunités que vous pouvez dès vos premiers jours. Dire oui, non seulement vous donne une expérience précieuse et bien sûr un revenu, mais vous permet de tester votre vision forte dans une grande variété d'applications. Quelque chose pour beaucoup des deux types d'illustrateurs deviennent respectés. 8. Résoudre les problèmes avec le style: où nous aurons la chance de créer une série d' illustrations représentationnelles et conceptuelles dans un style cohérent, mais de manière plus intensive. Le style est autant sur la façon dont vous résolvez les problèmes que sur la façon dont vous vous exprimez. Nous avons tendance à penser que le style est avant tout un moyen d'expression de soi pour un artiste et d'exaltations identitaires. Mais le style est un outil que nous pouvons soit adapter aux problèmes visuels qui nous arrivent, soit un outil qui nous permet de contourner ces problèmes. Pour moi, considérer le style comme un outil de résolution de problèmes supprime la pression de n'importe lequel de mes styles ou illustrations pour exprimer la totalité de ce que je suis en tant qu'artiste ou humain. Je ne suis pas mon style. Mon style n'a pas besoin d'être l'expression totale de qui je suis. Quand il s'agit de travailler pour les clients, votre style d'illustration doit être expressif, mais il ne s'agit pas de vous exprimer. Il s'agit de vous qu'ils veulent utiliser pour s'exprimer. Dans cette vidéo, nous allons voir comment le style et la résolution de problèmes se rapportent spécifiquement. J' ai trouvé ces idées extrêmement utiles pour comprendre comment je travaille et pourquoi mon style semble changer en fonction du travail sur lequel je travaille. J' ai pu utiliser ces idées pour être plus intentionnel sur mes décisions stylistiques et, au fil du temps, trouver une façon toujours plus unifiée de travailler entre les clients et les types de projets. Le pouvoir du style d'illustration est qu'il semble magique pour tout le monde. On se demande comment sur Terre les artistes l'ont trouvé. C' est une bonne question ; où vient le style ? Comment un illustrateur s'entraîne ? Comment illustrer quelque chose surtout au début quand les options semblent infinies ? Comment savent-ils dans quel style travailler, quelle technique, quelle application ou quel appareil utiliser ? Ces questions deviennent les plus aiguës face à l'infini ultime, la page blanche. Nous avons tendance à assimiler le fait d'avoir des options illimitées à la liberté créative, mais les options sont l'un des plus grands ennemis de la créativité. Alors que nous travaillons vers un style qui nous appartient, certaines propriétés et contraintes décisives, nous devons élaguer les options plutôt que d'en chercher davantage. Quand il s'agit de travailler pour les clients, l'un des premiers problèmes que nous résolvons est celui du style, les différents éléments visuels qui se réunissent comme une idée dans une image. Pour les artistes illustrateurs de type, ce problème vient principalement préolved. Il y a moins de conversation sur le style dans lequel travailler et plus une sur l'endroit où le style devrait être appliqué. Pour les illustrateurs de type concepteur, l'un des premiers travaux est d'obtenir sur la même page que notre client de façon stylistique. Quelles techniques devraient être utilisées ? L' illustration doit-elle être littérale et réaliste, ou conceptuelle et stylisée ? Nous avons tendance à penser que le style vient totalement de l'imagination, de l'intérieur de l'artiste ou d'autre part, nous pouvons le considérer comme totalement basé sur une technique externe, comme la gravure ou l'art vectoriel. Une approche stylistique est plutôt déterminée par trois facteurs généraux, internes et externes. Voilà ce que j'appelle les trois facteurs de style. Un, votre style de dessin naturel, deux, technique choisie, et trois, le sujet que vous êtes censé représenter dans une image. Alors que le type d'artiste Illustrator aura une vision stylistique claire dès le début, puis les types de concepteurs, les deux doivent avoir une forte idée de la façon dont ces trois facteurs fonctionnent ensemble, comment ils influencent les uns les autres, et surtout ce que leur les limites le sont. Le premier facteur de style est votre style de dessin naturel. C' est votre façon naturelle de dessiner sans être trop conscient de votre style. Vous pouvez avoir une façon distincte de dessiner à partir d'observations ou de références, puis trouver que vous avez une façon différente de dessiner à partir de l'imagination. Peut-être que l'un est plus réaliste et naturaliste et l'autre plus symbolique ou peut-être même caricature. Les verrues et tout, c'est comme ça que vous dessinez. s'agit bien sûr d'une compétence apprise que vous pouvez améliorer, mais il y a aussi une main ou une signature unique à vos dessins, tout comme votre signature littérale en écriture manuscrite, qui est presque incontournable. Espérons que vous grandissez pour apprécier votre qualité de dessin unique et que vous pouvez identifier son utilité et même sa puissance dans la création de votre voix en tant qu'illustrateur. Le deuxième facteur de style est le sujet. Par sujet, je veux dire les formes qui sont représentées dans votre illustration. Cela signifie aussi bien sûr le sujet le plus abstrait, comme les voitures électriques ou la santé mentale, mais tous les concepts dans les idées abstraites se réfèrent à être représentés sous forme visuelle d'une sorte ou d'une autre, et c'est le sujet. Certains sujets sont plus faciles à représenter que d'autres et, de même, certaines techniques et styles de dessin sont plus adaptés à la représentation de certains sujets de certaines manières. Les illustrateurs doivent apprendre à comprendre la nature du sujet et comment ils peuvent utiliser quelque chose de leur propre boîte à outils stylistiques pour le transmettre. Je vais vous en donner quelques exemples dans quelques instants. Le troisième facteur de style est la technique choisie. Le mot-clé ici est choisi parce que c' est en quelque sorte le facteur le plus volontaire des trois. Votre style de dessin naturel peut être amélioré, mais il déteste toujours votre main. Alors que vous en tant que créatif pouvez souvent choisir une forme particulière que vous représentez dans votre travail, il y a certainement des limites imposées par le sujet qui doit être représenté. Mais la technique est tout à fait votre choix. Bien sûr, au moment où le travail vient à vous, cette décision peut déjà avoir été prise en fonction du travail pour lequel vous êtes devenu connu, votre accès à des médias tels que Procreate sur l'iPad ou Aquarelle sur papier Arches par exemple. Bien sûr, le choix de votre choix à l'ensemble des techniques est une grande partie de cette classe et une grande partie de votre développement précoce en tant qu'illustrateur. Plus vous connaissez votre chemin autour d'une technique particulière, plus vous êtes en mesure de la résumer pour résoudre des problèmes visuels et plus vous êtes en mesure de savoir quels types de problèmes chaque technique sera le mieux à résoudre. Ce sont là les facteurs distincts et j'ai déjà commencé à faire allusion à la façon dont ils influencent les uns les autres. Mais là où cela devient vraiment intéressant, c'est dans la façon dont ils travaillent ensemble et comment vous pouvez composer chacun de haut en bas d'une manière très délibérée pour obtenir le résultat stylistique que vous recherchez. Dans un diagramme de Venn de ces trois facteurs, votre style ultime est l'endroit où ils se chevauchent tous au milieu. Immédiatement, vous pouvez voir que votre style dépend du sujet autant que tout le reste. façon dont vous illustrez un sujet donné sera une combinaison de la façon dont vous dessinez naturellement et votre technique d'illustration, ou vous choisirez une façon particulière de dessiner dans une technique particulière qui vous semble le mieux gère le sujet. Un de mes exemples préférés est de dessiner des voitures. Je trouve beaucoup plus facile de dessiner certains modèles de voitures, quelque chose comme Saab des années 1980 par exemple, les voitures les plus récentes, qui semblent manquer de forme distinctive. Ensuite, je trouve plus facile de dessiner des voitures de côté que d'une vue de trois-quarts. Si vous êtes très strict sur votre style, vous éviterez les situations où le sujet détermine trop les autres facteurs de style. Dans mon travail client, je dois souvent ajuster ou réinterpréter le mémoire ou le sujet donné afin de pouvoir y entrer dans mon style et ma perspective uniques. Mon héros Paul Rand a exprimé cette situation même dans son essai, The Designer's Problem, et je cite  : « Comme le matériel fourni, le concepteur est souvent insuffisant, vague, inintéressant, ou autrement inadapté à l'interprétation visuelle, la tâche du concepteur est de réaffirmer le problème. Ici, Rand affirme ma propre conviction qu'en tant qu'illustrateurs, nous n'avons pas à être victimes d'un soi-disant méchant mémoire, ni même victimes de nos propres limitations en tant qu'artistes. Nous avons simplement besoin d'être habiles à plier autant que possible les problèmes visuels autour de nos capacités. Que nous soyons des illustrateurs de type artiste ou designer, nous devons tous résoudre des problèmes visuels pour communiquer des idées visuellement. C' est juste que les types d'artistes sont plus naturellement venus à résoudre la question préliminaire du style. Il est déjà intégré dans leur produit. Mais la résolution de problèmes fait toujours partie du travail, peu importe le genre d'illustrateur que vous êtes. Nous avons vu comment le style lui-même peut être un outil de résolution de problèmes, mais quels types de problèmes existe-t-il pour le style à résoudre ? Il y a deux types de problèmes généraux, à savoir la représentation et la conception. Lorsqu' une illustration est représentative, elle représente des objets, des personnes, des scènes et des scénarios. C' est direct, où l'idée d'une pomme représente une pomme, et une foule dans un métro représente une foule dans un métro. Lorsqu' on demande à un Illustrator de représenter un objet littéral, grande partie du travail de l'Illustrator est déjà effectuée. Il y a moins d'inquiétude sur ce qu'il faut représenter. Le problème devient alors vraiment un problème de stylisation. Comment représenter l'objet, scène ou le scénario dans un style donné. Quand une illustration est conceptuelle, elle représente des idées, elle est plus abstraite et figurative. L' idée vient en premier, et peut être représentée de différentes manières. L' idée de l'éducation, par exemple, peut être représentée par une pomme, mais aussi une casquette de mortier ou un crayon. L' Illustrator a plus de travail à faire à l'avance parce que non seulement ils sont appelés à représenter quelque chose dans un style particulier, il est également prévu de comprendre l'idée, quels objets ou symboles représenteront le mieux l'idée en question. Pourquoi est-il utile d'avoir cette distinction et comment pouvons-nous en tant qu'illustrateurs et l'utiliser pour renforcer notre propre sens du style ? Pour moi, cette distinction m'aide à comprendre pourquoi certains problèmes d'illustration sont plus difficiles à craquer que d'autres, pourquoi certains objets et idées sont plus difficiles à représenter que d'autres. Plus important encore, cela m'aide à comprendre pourquoi j'ai dû utiliser différents styles ou approches à différents moments au cours de ma carrière. Au début de mes débuts en tant qu'illustrateur, mon style était beaucoup de collage numérique, formes grossières découpées, lignes d'encre expressives, de textures échantillonnées. C' était un peu abstrait. C' était bien pour les illustrations conceptuelles ou pour représenter des objets d'une manière très simple et stylisée. C' était toujours bon de suggérer l'idée de quelque chose de plus que les spécificités ou la réalité de la chose. Dès que j'avais besoin de représenter une scène ou un scénario où des détails spécifiques étaient importants, comme les visages des gens ou peut-être certains aspects de l'éclairage, le style s'est brisé. Je me souviens que lorsque j'ai commencé à recevoir plus de tâches éditoriales, m'a demandé de plus en plus de représenter des scènes et des scénarios. Par ceux-ci, je veux dire, il y a un décor comme une pièce, comme un intérieur ou un paysage extérieur, et souvent des personnages qui y font quelque chose. Mon style abstrait ne les gérait pas très bien. J' ai trouvé que mon style appliqué à ces problèmes de représentation semblait involontairement naïf. Bien que j'ai réussi à forcer quelques illustrations représentationnelles en utilisant mon style conceptuel et mes techniques de collage numérique. Je n'ai jamais été satisfait, et je pense que c'est parce que ma vision de mon approche artistique a toujours été conceptuelle. Je n'ai jamais voulu être illustrateur de scène, et si je suis honnête, c'est probablement parce que je ne pensais pas que je pourrais l'être. Il m'a été plus facile de travailler de façon abstraite plutôt que de développer les compétences requises pour travailler de façon plus représentative. Aujourd'hui, je peux regarder en arrière et voir que je n'ai tout simplement pas compris la différence entre l'illustration représentationnelle et illustration conceptuelle et que je n'avais pas encore développé style pour les problèmes de type représentationnel. Au fil des ans, j'observe dans mon propre style une dérive vers des techniques qui sont capables de gérer la représentation étaient toujours et plus robustes, et il y a des indices de mon style plus ancien, plus abstrait, des indices de mes racines et de mes goûts dans le design, mais d'une manière ou d'une autre, j'ai trouvé un ensemble d'éléments stylistiques et de maniérismes qui peuvent gérer à la fois les problèmes conceptuels et de représentation d'une manière plus cohérente. Mais il y a un sacrifice ici, j'ai compromis une partie de la conception plus par les pairs ou l'approche conceptuelle que j'ai commencé à illustrer avec, et que j'aime toujours. Si je suis honnête, je suis nostalgique quand l'illustration pour moi était plus sur des problèmes conceptuels, une approche artistique plus vague et abstraite qui me rappelle le travail qui m'a inspiré, comme celui de Paul Rand et Saul Bass. Mais je n'arrêtais pas de constater que le marché demandait quelque chose de différent de moi, et j'ai pu répondre à cette demande à ma manière. Le style résultant se sent en quelque sorte moins sérieux et moins sophistiqué ou artistique. C' est plus stupide et naïf, donc j'ai permis au marché d'influencer mon style dans une certaine mesure. Quand j'ai regardé dans le miroir du marché, il me reflétait une image différente de moi-même que je m'attendais à voir. Mais à l'intérieur de cela, j'ai trouvé une expression qui est la mienne unique. J' ai appris à accepter les commentaires que les autres m'ont donnés sur mon travail, ce qui finit toujours par être quelque chose sur la façon dont mon travail les fait sourire ou se sentir bien. J' ai toujours pensé que mon travail était censé faire réfléchir les gens ou les trouver comme intelligents. J' ai appris à me pencher sur ce qui m'apporte de la joie alors que je fais mon travail, un sentiment de liberté et à me prendre moins au sérieux, ce qui s'avère que d'autres personnes aimaient et voulaient se rappeler dans mon travail. Par exemple, je n'aurais jamais pensé illustrer des personnages autant que je le fais maintenant, mais ils sont presque tout ce que je fais. J' avais l'habitude de représenter des personnages de façon figurée, abstraite parce qu'ils sont toujours au service de mes concepts. Je n'ai jamais eu l'intention de leur donner des visages et des personnalités individuelles. Je pensais que c'était bizarre, mais au fil du temps, je me rends compte que l'une de mes idées était juste de donner des visages amusants et d'être stupide. Une grande partie de mon illustration des cinq dernières années est absolument débile. Au lieu de l'éviter, je peux m'impliquer directement là-dedans, et maintenant c'est une de mes illustrations préférées et je soupçonne quelque chose que mon public apprécie. Quels conseils pratiques puis-je vous donner sur les deux problèmes d'illustration ? Vraiment, la chose la plus pratique que vous pouvez faire est de entraîner à travailler sur les deux problèmes d'illustration. Tout d'abord, observez comment vous gérez les problèmes de représentation directe. À quoi ressemble-t-il de représenter des objets de divers degrés de complexité ? Comment illustrez-vous une canette de bière, un ours ou une personne ? Ensuite, observez comment vous gérez des problèmes plus conceptuels. À quoi ressemble le fait de représenter des concepts abstraits comme la perte dans les bois ou un nombre surprenant de YouTuber quittent la Californie ou la course pour notre vaccin COVID-19 ? Enfin, observez les différences et les similitudes entre ces problèmes d'illustration. Pensez-vous que vous deviez changer votre technique ou votre style quelque peu pour l'un ou l'autre ? Demandez ensuite, si elle est différente, quelle approche préférez-vous ? Voyez comment vous résolvez les deux problèmes vous donne l'occasion de comprendre vos forces et vos faiblesses en tant qu'artiste, mais aussi les forces et les faiblesses de votre technique. Nous avons abordé cela dans les trois facteurs de style, que vous pouvez maintenant adapter votre sujet pour travailler plus avec votre technique et votre style de dessin, ou pour être plus sélectif dans les types de sujets et de tâches que vous occupez en premier lieu. Je fais ça tout le temps. Lorsque des projets viennent à moi qui se sentent en dehors de la façon dont je gère les problèmes de représentation et de conceptualisation, j'essaie de voir s'il y a un moyen de reformuler le mémoire d'une manière qui fonctionne davantage pour ma façon de travailler. Si cela ne semble pas possible, si cela semble être un ajustement de force ou pas un ajustement tout, je le laisse passer. Dans ma classe « sweet spot », j'ai créé un projet qui a donné aux élèves la chance de pratiquer les deux types de problèmes, quatre spots d'illustrations d'objets simples, puis quatre autres d'idées ou d'expériences plus abstraites, et presque tous les les élèves ont trouvé qu'il était facile d'illustrer le premier ensemble, mais beaucoup plus difficile de faire le second. Dans la majorité des deuxièmes séries, les élèves se sont tournés vers l'utilisation de personnages, de figures ou de mains pour agir ou réfléchir aux idées. C' est le contraire du problème que j'ai eu tôt. Alors que j'étais capable de représenter des idées conceptuellement, j'ai eu plus de difficultés à représenter des personnages et des scènes. Le projet de cette classe est similaire, 9. Suivez votre inspiration: Nous commençons tous nos voyages d'illustration en nous inspirant du travail de quelqu'un d'autre. La question est : que faisons-nous de cette inspiration ? Comment pouvons-nous le canaliser dans notre propre créativité ? Je ne pense pas que beaucoup d'entre nous aient besoin d'une leçon sur la façon d'être inspirés. Il y a tellement de créativité, que ce soit sur Instagram, Dribbble, Behance, ou même sur les étagères de votre bibliothèque ou librairie locale. Mais quelle est la suite ? Comment faites-vous quelque chose sans simplement copier ce que vous aimez ? Vous imitez le style ? Peut-être, ça ne fait jamais mal d'imiter ce qui vous inspire, c'est comme ça que nous apprenons et c'est inévitable. Alors oui, découvrez qui fait le travail que vous aimez, apprenez-en plus sur leurs techniques et apprenez-en plus sur les artistes. Vous en trouverez au moins un ou deux qui ont le plus d'influence sur vous, dont le travail vous parle le plus. Ceux-ci deviendront vos héros, les étudieront, imiteront leurs techniques et apprendront leurs habitudes. Mais en pratique, comment pouvez-vous transformer votre inspiration dans votre propre style, quelque chose qui n'est pas totalement imitatif ? Bien qu'il ne soit pas vraiment simple ou rapide de déterminer les points de départ, les étapes initiales pour vous aider sont très simples. Tu connais bien cette étape. Identifiez les illustrations qui vous inspirent le plus, collectez-les simplement, voyez ce qui fait chanter votre cœur. À un certain moment, commencez à poser des questions à ce sujet, peut-être en catégorisant et en classant les qualités communes que vous observez. À quoi ressemblent-ils ? Qu' ont-ils en commun ? Toutes vos sources d'inspiration d' une certaine époque ou influencées par la même discipline ou le même mouvement artistique ? Existe-t-il une manière similaire d'utiliser la couleur ou la texture ? Ensuite, trouvez vos héros. Qui sont les artistes derrière les illustrations que vous aimez le plus ? Vous aurez sans doute un fort attrait vers une illustration et peut-être un artiste en particulier. Trouve qui ils sont et regarde les. Trouver plus de leur travail. Voyez ce qu'est le thread commun. Quel est l'élément stylistique ou personnel qui apparaît dans leur travail ? Quels clients ou projets semblent-ils travailler le plus ? Sont-ils strictement dans l'édition, fabrication de livres d'images ou semblent-ils se spécialiser dans les peintures murales par exemple ? Souhaitez-vous voir vos illustrations dans des contextes similaires ? Ensuite, déterminez le contexte. Le contexte est tout. L' illustration n'est jamais faite dans le vide, elle est toujours faite pour une raison quelconque, pour une application dans un créneau et un marché spécifiques. Le contexte d'une illustration est essentiellement là où elle existe dans la nature. Quelle est sa forme finale ? Est-ce sur une publicité ou une affiche dans un terminal de métro ? S' agit-il d'une page complète dans un magazine de santé ? S' agit-il d'une estampe d'art vendue dans une boutique de décoration intérieure ? Comprendre le contexte nous aide à comprendre quelques choses. Tout d'abord, il nous aide à relier certains styles d'illustration à certains marchés. Par exemple, l'emballage dans l'illustration publicitaire aura tendance à privilégier l'illustration plate, fortement stylée et souvent abstraite. Certains magazines, en revanche, auront tendance à privilégier l' illustration hautement représentative et réaliste plutôt que conceptuelle et abstraite. Le travail que vous aimez est-il plus représentatif ou plus conceptuel ? Est-il plus réaliste ou plus stylisé ? Dans quels marchés et contextes êtes-vous le plus susceptible de trouver le travail que vous aimez ? Enfin, découvrez les techniques. Le travail que vous aimez sera probablement dans un style similaire. Un énorme moteur de style est les outils et les techniques utilisés pour le faire, l'œuvre est-elle plus picturale et naturaliste ou plus plate et stylisée ? Quels outils auraient pu être utilisés pour fabriquer chaque pièce ? Il fait partie du parcours de chaque illustrateur pour découvrir quels outils et techniques existent et quels styles sont possibles en les utilisant. Bien sûr, cela n'est peut-être pas toujours facile à répondre, mais simplement de poser la question : comment cela a-t-il été fait ? Est important et il peut vous envoyer sur un chemin de découverte. Bien que la technique ne soit pas toujours le principal moteur du style d'un artiste, c'est toujours une influence sur l'apparence d'une illustration. Lors de la classification de l'illustration par style, elle est généralement classée par la technique utilisée. Comme vous pouvez le voir dans ce tableau, il existe deux catégories globales de médias, traditionnels ou analogiques, et numériques. Puis, sous les médias traditionnels, il y a tous les suspects habituels, dessin, la peinture, les techniques mixtes et la gravure. Qu' il s'agisse de dessiner au crayon, de peindre à l'aquarelle ou de regrouper des collages, lorsque vous utilisez des supports traditionnels, les techniques sont presque toujours évidentes. Les choses deviennent plus difficiles avec les médias numériques puisque le numérique est très indépendant du style et de la technique. En d'autres termes, les médias numériques sont conçus pour émuler les médias traditionnels et vous avez juste à savoir quelle application fait le mieux pour émuler quelle technique traditionnelle. La seule exception est l'illustration vectorielle, qui est numériquement native et qui ressemble donc à ce qu'elle est ; l'illustration numérique. Les choses deviennent floues lorsque vous commencez à mélanger techniques traditionnelles et numériques sur la même page. Cela pourrait rendre beaucoup d'illustration aujourd'hui plus difficile de comprendre comment elle a été faite, car aujourd'hui, plupart des styles commerciaux sont fabriqués numériquement et leurs techniques peuvent être beaucoup plus difficiles à retracer. Dans 99 % des cas, cependant, vous pouvez être sûr qu'ils ont été fabriqués à l'aide de l'un des trois grands programmes, Photoshop, Illustrator ou Procreate. En raison de l'abordabilité et de la facilité d'utilisation de Procreate, il devient rapidement l'outil le plus populaire pour les illustrateurs débutants. La question est alors vraiment laquelle de ces outils a été spécifiquement utilisé pour l'art que vous aimez et de quelle manière ? Si vous aimez les illustrations graphiques plates sans texture, chances qu'elles aient été réalisées dans Illustrator. Si les formes et les lignes sont parfaitement nettes, vous pouvez être presque certain que c'est Vector. Si vous aimez les images avec beaucoup de profondeur, de texture et de détails variés, elles sont probablement réalisées dans Photoshop ou Procreate, mais certains artistes peuvent obtenir une quantité étonnante de détails et de texture dans Adobe Illustrator. façon dont chaque artiste atteint le style artistique sur le plan technique fait bien sûr partie de sa source secrète et chaque illustrateur doit se familiariser avec les différentes applications et médias numériques et découvrir lequel des ils se sentent plus à l'aise tout en obtenant les effets visuels qu'ils veulent. façon dont vous surmontez certains défis techniques en utilisant la technologie à votre disposition est l'une des façons dont votre créativité brille et devient partie intégrante de votre style. Regardons quelques exemples d'illustrations et les techniques qui ont probablement été utilisées pour les réaliser. Cette première image est réalisée par l'illustratrice basée à Osaka Rebecca Green. Rebecca utilise une variété d'outils principalement analogiques, y compris diverses peintures et crayons à base d'eau. Cette belle pièce a été faite à l'aide d'un crayon de couleur sur papier. Vous pouvez voir les coups de crayon individuels et la texture du crayon frottant sur le grain du papier. Bien qu'il soit probable que l'image ait été nettoyée un peu lorsqu'elle a été numérisée, l'intégrité du support original est intacte. Voici une pièce de l'un de mes illustrateurs préférés de tous les temps, Miroslav Sasek, né en Tchèque, qui est le plus connu pour ses livres de voyage pour enfants des années 1950 et 1960. Sasek travaillait principalement dans des milieux à base d'eau comme l'aquarelle, le lavage d'encre. Bien que son travail soit très graphique et clairement réalisé avec l'impression à l'esprit, signes révélateurs de ses médias picturaux se manifestent clairement. J' aime comment il coupe brusquement le blanc de la page dans les textures laveuses, créant des effets intéressants avec de l'espace négatif. S' il n'avait pas travaillé à l'ère pré-numérique, j'aurais pensé qu'il avait assemblé numériquement des morceaux de papier pré-peint pour obtenir cet effet. Christian Robinson, illustrateur basé à Sacramento, crée illustrations frappantes et incroyablement douces l'aide d'un mélange de peinture et de collage. Il assemble ses images de manière ludique, laissant des indices évidents à sa technique sous-jacente, réalisant un effet presque tridimensionnel et tactile. textures riches et les couleurs audacieuses de Robinson sont contrecarrées par une simplicité sobre dans ses formes et ses détails, un minimalisme confiant et jovial. Illustrateur français, Blexbolex est connu pour son style ludique et abstrait dans les techniques de gravure. Les techniques de Blexbolex sont ancrées dans la gravure, principalement la sérigraphie, bien que beaucoup de ses compositions soient numériques. En incluant la texture du papier échantillonné et en permettant des surimpressions ou si deux couleurs unies se chevauchent pour créer une teinte plus foncée, obtient un sens des techniques analogiques. Basée au Royaume-Uni, Louise Lockhart ou The Printed Peanut, crée de magnifiques illustrations inspirées du milieu du siècle pour tous les services y compris l'impression et les textiles aux couleurs vives et unies pourvues de textures granuleuses, son travail est clairement enraciné dans une gravure esthétique. Qu' elle travaille numériquement ou sur des supports physiques, le résultat final est toujours comme les autres exemples d'artistes discutés ici, très tactile. Comme son nom l'indique, The Printed Peanut style est fait pour être imprimé. Je voulais changer de vitesse ici et montrer une pièce qui pourrait être plus difficile à comprendre en termes de technique. C' est le travail de Mathias Ball dont le travail comprend des coups à main levée et des textures d'impression, mais aussi des formes plates et lumineuses que nous pourrions associer davantage aux médias numériques. Voici un exemple de ce que j'appellerais principalement la peinture numérique. Quand un artiste découvre une technique de peintre numérique et la maîtrise, son travail transcende les médias qui ne se sentent pas évidemment numérique ou analogique, tout en étant complètement contemporain. Dans mon propre style, j'ai toujours été attiré par l'esthétique de l' illustration du milieu du siècle avec des couleurs plates limitées, des textures imprimées illustration du milieu du siècle avec des couleurs plates limitées, et des lignes noires contrastantes. J' ai également été influencé par les compositions légères de collage d'illustrateurs comme Paul Rand et Saul Bass et même Miroslav Sasek qui, bien qu'il ait travaillé à la gouache et à l'aquarelle, a toujours apporté le collage et la gravure. dans ses illustrations, ce qui a ajouté à leur charme graphique stylisé. Pour résumer, nous pouvons apprendre beaucoup sur différentes techniques d'illustration dans nos styles en suivant notre inspiration. Nous pouvons regarder cet art qui nous fait dire : « Je veux le faire », puis partir en voyage pour découvrir comment il a été fabriqué. Nous pouvons également apprendre beaucoup en apprenant plus sur l'artiste derrière le travail et les marchés dans lesquels ils travaillent. L' une des grandes questions que nous nous posons est de savoir quels outils utiliser et suivre notre inspiration nous donne certains des meilleurs points de départ. 10. Lettrage : L'élément secret: Puisque cette classe vise à trouver votre style d'illustration, vous pouvez être surpris ou peut-être même déçu de constater que je n'ai rien couvert sur les éléments de style réels tels que la ligne, la forme, la couleur, la texture, et ainsi de suite. Alors que ce serait mon rêve d'avoir une classe qui vous a vraiment donné une sorte de kit d'éléments stylistiques et d'instructions sur la façon de les assembler, en fin de compte, cela irait à l'encontre du but que vous trouviez votre style. Je pense que c'est pour ça que beaucoup de professeurs ne vont pas toucher à ce sujet. Dans la leçon précédente sur la façon de suivre votre inspiration, c'est aussi près de pointer sur des techniques pour commencer par que je peux obtenir. C' est vraiment un microcosme de mon propre voyage de découverte. J' ai commencé par mon inspiration et je me suis efforcé de trouver comment en tirer des leçons, mais j'y ai apporté quelque chose de personnel et de nouveau. C' est ce que nous devons tous faire pour apprendre notre métier et trouver notre voix. Cela dit, je couvre en fait ces blocs de construction dans mes autres cours et je vous invite à plonger plus profondément dans ceux quand vous en aurez la chance. Dans Sweet Spots, je présente les cinq éléments du style, les six principes du design et les cinq principes de la stylisation. J' ai également abordé la stylisation dans ODD BODES et Drawing Toward Illustration. Enfin, alors que j'ai certainement l'intention d'en enseigner davantage sur la composition dans les classes futures, j'ai donné la majeure partie de ce que je sais à ce sujet dans Drawing Toward Illustration, en particulier dans la leçon intitulée Les Trois C de l'esquisse. Dans toutes mes classes jusqu'à présent, j'ai l'impression d'avoir oublié un grand outil stylistique que tous les illustrateurs devraient avoir dans leur boîte à outils, le lettrage. Bien que le lettrage soit une discipline entière en soi, il est très souvent pris en compte dans l'illustration. Lorsqu' il est bien fait, il ajoute une tonne de caractère à l'illustration et devient une caractéristique du style de l'artiste. La bonne nouvelle est que vous n'avez pas besoin d'une tonne de styles de lettrage différents dans votre répertoire. Honnêtement, une façon cohérente de lettrage est tout ce dont vous avez besoin. Regardez comment Andy J. Pizza utilise systématiquement le lettrage dans son travail. Il ne s'agit pas de copier une police, c'est basé sur sa propre écriture, et vous pouvez voir comment elle a toujours fait partie de son travail depuis les débuts. Regardez le travail de Kate Bingaman-Burt. Elle a un style principal de lettrage, un style original de tous les casquettes à la main. Elle le mélange de temps en temps pour ajouter un peu de variété. Sa façon de lettrage est toujours faite par le même outil, donc qu'elle utilise un script ou des lettres carrées, elles se sentent toujours cohésives. Enfin, jetez un oeil à l'œuvre de Louise Lockhart. Son lettrage est souvent résolument simple et naïf, mais il convient parfaitement à son travail. Votre style de lettrage n'a pas besoin d'être incroyable, il a juste besoin d'être cohérent et réfléchi. Pour moi, l'une des choses les plus décevantes est quand un illustrateur utilise une police dans son travail au lieu d'utiliser son propre style de lettrage à la main. Je sais que parfois, ce n'est pas à eux ou parfois, une police est exactement ce que le médecin a ordonné. Dans mon travail précédent, j'avais en fait deux polices que j'utilise spécifiquement comme polices maison. J' ai utilisé Futura et Monotype Modern. C' était vraiment une imitation de ce qui m'a inspiré dans le travail de Paul Rand. Cela a fonctionné la plupart du temps parce que le style de ces polices correspond à l'époque de l'inspiration à partir de laquelle je travaillais. Mais au fil du temps, je suis devenu plus à l'aise avec mes propres styles de lettrage tels que Scripts, Serif, et Sans Serif dessiné à la main , genre de lettrage influencé par la police. Aujourd'hui, j'emploie une sensibilité et une technique très spécifiques dans mon lettrage à la main, et je profite de toutes les occasions pour inclure le lettrage dans mon travail. Je pense que c'est parce que j'ai une formation typographique en tant que designer et j'ai toujours été un nerd serré. Mais si vous regardez de près, la plupart des illustrateurs devront utiliser le lettrage à un moment donné, et chacun a ses propres tendances dans la façon dont ils le font. Vous n'avez pas vraiment besoin d'avoir beaucoup pour avoir un style de lettrage indécent à la main pour vos illustrations. Comme point de départ, je vous recommande d'avoir juste un style de lettrage à la main simple mais cohérent que vous pouvez faire avec l'un de vos outils ou brosses incontournables. Est-ce que tout est d'une largeur ou est-ce que cela varie ? Votre lettrage est grand ou l'escouade ? Est-ce toutes les majuscules, toutes les minuscules, ou un mélange des deux ? Suissez-vous une ligne de tête et une ligne de base cohérentes, ou vos lignes de mots sont-elles plus lâches et folles ? Pratiquez votre style de lettrage de base autant que vous le pouvez, profitez-en de toutes les occasions pour l'utiliser, fois dans votre art et dans votre vie réelle. Écrivez des notes à vos colocataires dedans, prenez des notes de classe dedans. Si vous journalisez, écrivez vos entrées avec. Cela prendra beaucoup plus de temps, mais vous allez devenir rapide, et vos entrées de journal seront incroyables. Si vous voulez aller au-delà d'un style basique de lettrage à la main, je vous recommande vivement de consulter certains des grands artistes de lettrage ici sur Skillshare, y compris Mary Kate McDevitt, Martina Flor et Jon Contino. Je vais également laisser quelques ressources de lettrage dans les projets de classe et les ressources pour vous donner une longueur d'avance. Que vous souhaitiez être plus élaboré avec le lettrage ou simplement le garder simple et concentré sur le côté illustration des choses, avoir un style distinct de lettrage auquel vous pouvez vous tourner dans tout votre travail renforcera votre style et votre identité en tant que artiste et être une variable de moins à craindre, une décision de moins que vous avez à prendre d'aller dans de nouveaux projets. 11. Fixer des objectifs et aspirer à la joie: n'y a pas de réponse facile à la question de trouver votre style unique, mais il y a certainement des habitudes que vous pouvez adopter et attitudes que vous pouvez adopter qui rendront le voyage plus agréable. L' une des choses les plus difficiles à trouver un style dont vous vous sentez confiant est qu'il n'y a pas de carte. La chose la plus proche d'un outil de recherche de chemin sont les objectifs que vous vous fixez. Définissez des objectifs que vous pouvez au moins commencer à atteindre avec un sens du but. En fixant des objectifs, en les écrivant, en les déclarant dans l'univers, nous avons soudainement un moyen de mesurer nos progrès. Ce sentiment de progrès est vital pour rester positif et motivé. Comment fixez-vous des objectifs ? Lorsque nous pensons à fixer des objectifs, nous ne savons peut-être même pas par où commencer. Quels devraient être nos objectifs ? Nous pensons peut-être que nos objectifs doivent ressembler à ceux des autres. Les objectifs ne peuvent aider que s'ils sont les nôtres. Ils ne peuvent être contre-productifs que s'ils ne sont pas alignés de façon réaliste sur qui nous sommes ou où nous sommes en ce moment. Les objectifs sont de vous donner une direction vers laquelle vous vous dirigez, concentrer sur de peur que vous ne fassiez sans but. Vous ne pouvez avoir un but que s'il y a un but. N' ayez pas peur de vous fixer des objectifs ou que vous deviez changer d'avis plus tard. objectifs changent tout le temps, mais nous avons besoin de quelque chose devant nous pour travailler en attendant. Il y a deux types d'objectifs. Il y a des objectifs à court terme et des objectifs à long terme. Les objectifs à court terme sont plus réalisables et axés sur les tâches. Les objectifs à long terme sont plus inspirants ou plus ambitieux. Ce sont nos rêves. Les objectifs à long terme peuvent être plus vagues et les objectifs à court terme plus précis. Par exemple, notre objectif à long terme est peut-être simplement d'être un illustrateur pour gagner sa vie. Si vous êtes au tout début, c'est peut-être tout ce que vous savez et c'est assez bien. Cela vous donne une idée de vos objectifs à court terme. Prendre des cours d'illustration, améliorer le dessin, apprendre la théorie des couleurs. Fixez des objectifs à court terme que vous savez que vous pouvez atteindre si vous essayez, qui sont à votre portée. Ne fixez pas d'objectifs trop difficiles ou hors de votre capacité de contrôle actuelle. J' aime utiliser la course à pied comme exemple. Si vous n'êtes pas en forme et que vous n'avez jamais couru auparavant, ne faites pas de votre objectif de vous entraîner et de courir un marathon dans un mois. Au lieu de cela, faites de votre objectif de courir cinq kilomètres en trois mois. Trouvez un plan d'entraînement qui décompose les séances d'entraînement que vous devez faire chaque semaine et suivez simplement. Ce sont là des objectifs réalisables. Seulement vous apportez la motivation et l'effort. Cela dit, vous pouvez rêver de pouvoir un jour courir un marathon, c'est un objectif à long terme. Peut-être que c'est possible, mais peut-être que ce n'est pas le cas. On ne sait jamais avant de commencer à s'entraîner pour le 5K. y a des chances que tu ne saches même pas à quoi ressemble un marathon. Je sais que je n'avais aucune idée de ce que c'était de courir sur 26,2 km. Comme j'ai commencé à courir de plus courtes distances, ces distances ont augmenté de plus en plus jusqu'à ce que je puisse courir un demi-marathon. Ensuite, j'étais certain de pouvoir courir un marathon même si je n'avais pas couru plus d' un demi-marathon et un an plus tard j'ai couru un marathon. C' est ainsi que les objectifs à long terme commencent comme des idées vagues, mais deviennent des objectifs à plus court terme. Nous ne les avons jamais fait, mais nous avons une forte suspicion que nous pouvons les atteindre si nous continuons à déployer le même niveau d'effort que nous utilisons pour arriver là où nous en sommes maintenant. Un bon objectif est assez difficile pour nous faire grandir plus fort, mais assez accessible pour ne pas être débilitants ou nous décourager totalement. Vos objectifs seront différents de ceux de n'importe qui d'autre. Cela inclut vos objectifs pour le type de travail que vous voulez faire, ainsi que vos objectifs stylistiques, comment vous voulez façonner votre façon de travailler. Une excellente façon de fixer des objectifs est simplement de les écrire sur une feuille de papier. Ne vous limitez pas au nombre d'objectifs que vous pouvez avoir. Écrivez ce que vous voulez. Voyez ensuite quels sont les objectifs ambitieux ou à plus long terme et ceux qui sont plus à court terme, mais vous pourriez travailler en ce moment. Il aide également à jeter dans quelques objectifs de rêve. Illustrez la couverture de The New Yorker, peut-être un long plan, mais si vous le voulez vraiment, vous devez le nommer. Ne le mettez pas là parce que vous pensez que vous devriez ou que d'autres penseraient que ce serait cool. Mettez-le là parce que ce serait votre rêve devenu réalité. Papier dans un peu encore rêveur mais peut-être des objectifs plus réalistes ainsi. Illustrez plus de couvertures de magazines en général. Travailler sur un plan animé. Travailler avec des marques plus grandes. Construisez votre activité d'illustration de portrait. Nommer les choses, les écrire sur la page est souvent la première étape pour les voir se produire dans la réalité. Mettez ce morceau de papier sur votre mur et regardez-le parfois. Laissez-le vous hanter ou oubliez tout ensemble. Puis au début de la nouvelle année, examinez-le, passez un peu de temps à examiner comment les choses se sont passées. J' essaie d'écrire une réflexion annuelle sur l'année passée chaque mois de janvier. Je réfléchis aux objectifs que j'ai atteints et que j'ai échoué à atteindre, puis je fixe de nouveaux objectifs ou je recommence à ceux de mes anciens. Je les écris sur une feuille de papier et remplace l'ancien sur mon mur. Bien que la plupart de mes objectifs ne soient pas spécifiques au style, j'écris aussi des buts de style. Les objectifs de style peuvent aussi être spécifiques ou vagues. J' ai eu des objectifs comme, faire croire à mon travail que je m'amuse et embrasser la spontanéité et la liberté. Ce ne sont pas quelque chose que je peux simplement faire en changeant la brosse Photoshop que j'utilise, mais je peux mettre plus de mouvement et de sentiment dans mon travail ou me permettre d'être plus spontané et moins trop réfléchi, de me faire plus confiance. Bien sûr, bien que pas aussi tangible que la couleur ou une texture, ceux-ci font également partie de mon style. Je veux juste dire une chose de plus et ensuite nous commencerons la partie amusante, les exercices et le projet. En tant que créateurs à l'ère des médias sociaux et de la grande anxiété, il est facile de se perdre et de se sentir douteux de notre travail, nous-mêmes en tant que créateurs, et j'ai peur de parler de notre valeur en tant qu'humains. Nous plaçons une grande partie de notre identité dans le travail que nous faisons. Nous oublions de simplement aimer faire et peut-être que si nous aimions en faire plus, nous nous amuserions plus nous aussi. Je peux vous dire que j'ai eu ma part de doute et de sentiments négatifs dans mon travail au fil des ans. Je vais être honnête que j'ai du mal à regarder la plupart de mes travaux passés sans regrets et remords. C' est une merveille en fait que j'ai duré si longtemps ou il peut sembler. Ce qui me permet de continuer, c'est de revenir à ce que j'aime faire du travail et pour moi, c'est de donner de la joie aux autres. Que ce soit pour aider à résoudre un problème pour mes clients ou pour faire rire mon public avec une petite illustration stupide. Mon talent, il s'avère, n'est pas de faire de l'art sérieux, mais de ne pas me prendre trop au sérieux, et ce faisant, on rappelle aux autres qu'ils peuvent faire de même. Je me souviens aussi que j'aime tout simplement les couleurs, les formes , les lignes, le lettrage, et tout le reste. J'adore ça. Même si j'étais un illustratrice horrible, je l'adorerais toujours et je créerais avec elle. J' ai simplement de la chance que quelque chose que j'aime tant chevauche avec quelque chose que d'autres me paieront pour faire. Tant que cela continue de se produire, je fais mon travail et peu importe à quel point je pense que mon propre travail est incroyable ou à quel point mon style est serré et singulier. Je l'ai déjà dit et je vais le répéter, personne ne se soucie autant de mon style que moi. Personne ne se soucie autant de ton style que toi. Tout le monde pense que vous êtes assez créatif et c'est ce qu'ils aiment dans votre travail. Si votre travail est cohérent d'une manière ou d'une autre, si vous dessinez de votre soi authentique, penchez dans les choses que vous êtes doué, travaillez de manière créative autour de vos limites, alors votre travail est aussi bon qu'il peut l'être. De cela, votre voix, votre style émergeront. Lorsque vous allez partager votre travail, comme nous les créateurs, partagez parce que vous en êtes satisfait, parce que vous voulez le partager avec d'autres, vous voulez rendre les autres heureux. Parce que tu as quelque chose d'important à dire. Parce que tu veux assurer aux autres qu'ils ne sont pas seuls. Partager parce que vous croyez que le travail a de la valeur. Ne partagez pas parce que vous voulez une validation. Ne publiez pas votre travail, puis déterminez sa valeur en fonction des goûts et des commentaires. Je sais que tu le feras, mais tu dois essayer de ne pas le faire. Postez le travail pas pour obtenir des goûts mais parce que vous l'aimez. Chaque fois que quelqu'un frappe comme est un bonus, un high five que vous n'auriez pas pu recevoir si vous n'aviez jamais partagé. Je sais que c'est centré sur Instagram, mais cela s'applique à tout. Notre travail doit être un débordement de notre joie de créativité. Dès que notre travail cesse de nous apporter de la joie, dès qu'il nous fait sentir négatifs et anxieux, nous devons retourner dans ce lieu de joie. Cette première inspiration qui a fait sauter notre cœur. Cela dit, je veux le faire. 12. Exercice 01 : Étude de cas d'inspiration: Maintenant que nous avons fini avec l'amorce, il est temps d'entrer dans les exercices. Les exercices simples sont un mélange d' un peu d'inspiration chasse et un peu d'écriture. Ils sont importants parce qu'ils vont nous donner quelques points de départ pour le projet, en particulier dans les techniques que nous voulons explorer. Le premier exercice est ce que j'appelle une étude de cas d'inspiration. C' est vraiment amusant et simple. Dans cet exercice, nous plongons dans certains des travaux qui nous ont le plus inspirés, puis nous faisons quelques observations. abord, je vais partager avec vous mes propres études de cas inspirantes à titre d'exemples, puis je vais vous donner des instructions spécifiques sur la façon de faire le vôtre. C' est ma première étude de cas d'inspiration. Il est basé sur mon objet illustré préféré de tous les temps, Seasons by Blexbolex. J' ai trouvé ce livre dans une petite librairie de Vancouver, et cela m'a été une grande source d'inspiration depuis. Le livre lui-même représente pour moi ce qui serait un projet de rêve, et je pense que c'est parce que je me réfère vraiment à toutes sortes de choses qui se passent ici comme son utilisation de textures d'impression, son peering du mot et de l'image est très intelligent et simple, et juste en utilisant des formes simples et quelques couleurs simples, il est capable d'exprimer tellement. J' ai l'impression d'avoir toujours voulu faire un projet comme celui-ci dans mon propre travail et cela m'a toujours poussé en arrière-plan pendant que je travaille. Si vous regardez mon étude de cas, je n'ai que quelques images de saisons, quelques pages qui ont pris juste de Pinterest ou autre. Sur la droite, bien sûr, je viens d'énumérer les choses que j'aime et j'en ai déjà parlé. J' adore les palettes de couleurs simples, j'aime les couleurs unies qui se chevauchent avec des surimpressions. surimpressions sont littéralement une impression d'encre sur l'autre pour faire une troisième couleur. Même les compositions abstraites intelligentes qu'il fait, comme si vous regardez simplement l'exemple de la piscine, vous pouvez dire que c'est une piscine mais ce n'est pas sur le savoir, il y a quelque chose à ce sujet qui est très mystérieux. Il l'a fait d'une manière surprenante. Cela m'inspire aussi vraiment. Enfin, j'aime son utilisation de textures inattendues qu'il utilise de manière intelligente et ingénieuse. Bien sûr, je dois souligner que son utilisation du lettrage, la façon dont il associe mot et image, c'est juste une partie de son style et ça m'a aussi inspiré. Sur la gauche, bien sûr, j'ai listé le nom Blexbolex, puis pour la technique, j'ai listé la sérigraphie. Maintenant, je sais que Blexbolex est un sérigraphe et beaucoup de son travail, même s'il est numérique, est influencé par l'impression. Comme je faisais cela, il était assez facile de lister cela. Je connais beaucoup d'entre vous si vous venez de commencer, vous ne connaîtrez pas tous les types de techniques d' illustration ou les techniques artistiques qui ont influencé ces techniques. Il faudra un peu plus creuser de votre part pour le faire, mais cela fait vraiment partie d'être plus délibéré sur votre illustration. Tu dois y aller et le savoir. Découvrez dans la page bio de l'artiste ou de l'Illustrator qui vous inspire, voyez si vous pouvez trouver des indices sur leurs techniques. Puis enfin, contexte. C' est juste ce morceau d'information qui m'aide à comprendre quel genre d'illustration dois-je faire ? Dans quel genre de marchés est-ce que je trouve ça ? Savoir d'où j'ai trouvé les illustrations qui m'inspirent, où viennent-elles ? Où finissent-ils par vivre dans la nature ? C' est ce qu'est le contexte. Bien sûr, c'est un contexte très facile à déchiffrer. C' est un livre, c'est l'édition. Si vous trouvez une image aléatoire sur Pinterest, vous devrez creuser un peu plus pour savoir comment elle a été utilisée. Allez découvrir quel est le contexte de l'image, puis comme vous le faites peut-être deux ou trois études de cas inspirantes, vous pourriez trouver des indices sur les contextes ou les marchés où les illustrations que vous aimez finissent. Ma deuxième étude de cas inspirante est basée sur ce livre, Sparkle and Spin, qui est mon livre enfant préféré de tous les temps. Quand je pense que je fais un livre pour enfants, c'est pour moi le modèle du livre pour enfants. Ce que j'aime à ce sujet, bien sûr, c'est l'utilisation du minimalisme. Il est comme un designer moderniste, mais quand il a illustré, c'était juste si ludique et minimal. J' adore comment il prenait un journal, le découpait, et utilisait des mots du journal. Une autre chose que j'aime est, vous aurez juste cette main dessinée sur des pièces, détails que vous auriez peut-être pensé avoir besoin de plus de soins et des techniques spéciales à utiliser. Il les dessine simplement avec un stylo et les ajoute au collage. Pour moi, c'est tellement spontané et créatif, et vraiment un effet expressif. Encore une fois, pour l'étude de cas inspirante, j'ai pris certaines des images que j'ai trouvées en ligne qui se rapportent à ce livre et puis, bien sûr, je viens d'écrire quelques notes sur les spécificités de cette pièce qui m'aideront à comprendre mon inspiration un peu plus. Ici, nous avons sur la gauche artiste, technique et contexte, et dans ce cas, la technique est le collage ou les médias mixtes, si vous êtes plus général. Encore une fois, le contexte est la publication. C' est un gros indice pour moi. Blexbolex était également dans l'édition. Celui-ci est dans l'édition, et j'ai donc l'impression que l'un de mes contextes les plus inspirants ou marchés de illustration se trouve dans ce même monde de l'édition. Alors bien sûr, du côté droit, j'ai des choses que j'aime à propos de cette pièce. J' ai écrit des choses comme simples, audacieuses, couleurs primaires, confiantes simplicité expressive, utilisation de techniques de collage, éléments d'écriture à la main et dessinés, toutes ces choses dont j'ai parlé, je viens de les mettre ici et puis cette étude de cas crée presque comme un petit mini guide ou référence que je peux regarder si jamais je veux puiser de cette inspiration, en particulier. J' ai fait mes exercices en utilisant Procreate, mais vous pouvez le faire dans votre Sketchbook ou d'autres médias préférés. J' ai choisi de collecter mes images d'inspiration et d'écrire dessus, mais vous pouvez également télécharger vos images d'inspiration et taper vos pensées directement dans votre page de projet de classe. Pour commencer, pensez à une illustration ou à des produits liés à l'illustration comme un livre ou une impression qui a fait une impression importante sur vous, un qui est peut-être votre plus grande source d'inspiration. Essayez de trouver une image de celui-ci en ligne, puis 2-5 autres images par le même artiste. Ils peuvent provenir de la même série ou livre ou de projets différents, mais ils devraient tous être stylistiquement liés. Si vous utilisez Procreate, copiez-les et collez-les dans un nouveau canevas, comme dans mon exemple. Ensuite, écrivez à la main dans ce même document sur les images, ce que vous aimez dans ces images. Encore une fois, vous pouvez simplement les taper dans votre page de projet si c'est ce que vous utilisez. Qu' est-ce qui vous inspire ? Pourquoi ? Nommez les choses spécifiques que vous aimez. Plus vous commencez à réfléchir aux détails que vous pouvez inclure dans votre propre travail. Enfin, nommez l'artiste, la technique ou le genre d'illustration et le contexte. Qui a fait le travail ? Comment le classeriez-vous ? Où existe-t-il le travail ? Si vous ne connaissez pas les réponses, regardez. Vous apprendrez beaucoup juste en cherchant des termes sur Google comme le processus, technique, ou même en entrevue avec le nom de l'artiste. N' oubliez pas les pages à propos ou bio pour les artistes qui ont des sites web. Enfin, partagez ceci sur la page du projet de classe. Vous devriez faire au moins quelques de ces exercices, mais vous pouvez en faire autant que vous le souhaitez. Prenez le temps dont vous avez besoin pour passer à travers ce projet. Vous pourriez avoir besoin d'une heure ou plus pour en apprendre davantage sur l'artiste, technique et le contexte, surtout si tout est nouveau pour vous. Descendez le trou du lapin, perdez-vous, profitez de vos héros et de votre inspiration. 13. Exercice 02 : Inventaire créatif de soi: Cet exercice est un bon moyen de réfléchir sur votre travail et d'entrer en contact avec ce que vous aimez à ce sujet, et surtout ce qui le rend unique. Si vous avez de l'expérience à illustrer, je vous invite à rassembler certains de vos travaux préférés et à réfléchir à ce que vous aimez à ce sujet. Si vous ne pensez pas avoir assez de travail pour passer à cet exercice, c'est tout à fait bien, passez simplement au projet. Cela dit, vous pourriez avoir plus à passer que vous ne le pensez. Ouvrez simplement votre SketchBook ou partout où existe votre œuvre préférée et recherchez trois à cinq pièces préférées qui semblent avoir un fil stylistique commun. Tout comme dans les études de cas d'inspiration, je vais faire cet auto-inventaire créatif dans Procreate, mais vous pouvez le faire dans votre SketchBook ou d'autres médias préférés comme vous le pouvez. Encore une fois, si vous le souhaitez, vous pouvez également télécharger vos images d'inspiration et taper vos pensées directement dans votre page Projet de classe. Donc, pour commencer, rassemblez trois à cinq images de vos propres illustrations que vous considérez comme votre œuvre préférée ou meilleure. Il devrait être le travail que vous aimez en termes de style, pas le travail que vous pensez bien vendu ou a obtenu le plus de goûts ou a plu à vos clients. Placez-les sur votre toile. De la même manière que le dernier exercice, commencez à écrire ce que vous aimez à propos de chaque pièce en utilisant flèches pour appeler des instances ou des détails spécifiques si vous le souhaitez. Ce n'est pas le moment de nous battre et d'être critique, mais de célébrer vraiment ce que nous aimons dans notre propre travail. Considérez, quelles sont quelques-unes des similitudes dans les pièces que vous avez choisies comme vos favoris ? Qu' est-ce que cela dit de votre vision artistique unique, ou que faites-vous personnellement apporter à votre art que personne d'autre ne fait ? Qu' est-ce qu'ils ont en commun que vous pouvez ou voulez apporter davantage à votre travail ? Partagez ceci à la page Projet de classe. Si vous avez beaucoup de travail et que vous vous sentez indécis quant à ce que vous aimez le plus, vous pouvez essayer de diviser votre travail en différents groupes de styles, puis de faire des inventaires distincts pour chaque groupe. Encore une fois, prenez le temps dont vous avez besoin pour passer par ce projet. Cela peut prendre quelques minutes ou quelques heures. Rassemblez tous vos lecteurs de sauvegarde, triez toutes vos boîtes de carnets de croquis, laissez-vous perdre dans cette étape pendant un certain temps. En plus de ces exercices, j'ai également inclus une liste de questions liées au style que vous pouvez vous poser. Recherchez ces informations dans la page Projets et ressources de la classe. C' est mon auto-inventaire. Je viens de rassembler quelques-unes de mes images préférées, des choses que je suis vraiment dans mon propre travail. Ce sont des images dont je suis fier. Je peux regarder et me sentir vraiment bien à propos. Je ne peux pas dire ça à propos de tout mon travail d'illustration, mais ceux-ci sont comme, oui, si je pouvais faire plus de travail comme ça, je serais vraiment heureux. Certaines choses que j'ai noté à ce sujet et c'est là que je viens utiliser le fait que je peux dessiner sur mon travail et procréer. Je viens d'écrire des petites notes sur des choses que j' aime, comme des scènes abstraites. Tout est aplati, abstrait et simplifié tout en étant représentatif. Donc j'ai encore des choses clairement représentées comme une plante d'intérieur ou une chaise ou un chat ou un gars avec une hache, mais est très aplatie et stylisée. Une autre chose que j'aime est la palette de couleurs claire et simple. J' ai beaucoup de rose et cette orange rougeâtre que j'ai toujours été attirée. Cela apparaît tout au long de mon travail et je profite toutes les occasions pour apporter autant de cela que possible dans mon travail. Une autre chose que j'aime apporter dans mon travail que je vois ici est beaucoup de lettrage à la main. C' est généralement un assez simple, ce que j'appelle un grotesque audacieux, tout comme un style de lettre de bloc de toutes les majuscules, si vous voulez. Je fais cela en utilisant soit une brosse physique réelle avec de l'encre et je la scanne ou en fait j'émule simplement cela en utilisant un pinceau dans Procreate. La même chose se passe sur ma carte. Toutes ces petites étiquettes sont illustrées à la main. J' ai vraiment l'impression que cela aide mon travail à être distinct et à se démarquer comme le mien. Enfin, je pense que je voudrais souligner dans cet ensemble, j'aime comment il y a des textures et c'est un peu de collage. Comme si je créais une texture et je la fermerai en forme. Vous pouvez voir qu'il ne coule évidemment pas avec la façon dont une chemise coule un motif si vous le portez. J' aime juste ces indices de technique qui peuvent sortir quand on regarde l'illustration. Peut-être qu'une dernière chose est que j'aime la gentillesse. Apporter plus de visages sur les choses, ça apparaît dans mon travail maintenant. Je m'amuse beaucoup avec ça. Donc c'est juste mon petit résumé rapide du travail que j'aime en ce moment. Appelez ça un auto-inventaire. En prenant un certain temps pour le faire, créer un auto-inventaire, je suis encouragé de voir qu'il y a des schémas et des cohérences réelles dans mon travail, même au fil des années, que j'aime et que je pense pouvoir posséder. C' est une pratique utile à tous les stades de notre carrière. Nous pouvons toujours apprendre quelque chose sur ce que sont nos lignes naturelles en passant en revue notre travail. 14. Projet | Jour 1 : Coup d'envoi et installation: Dans l'amorce, nous explorons le monde du style d'illustration, comment il fonctionne, comment nous pouvons l'utiliser comme un moyen de résoudre des problèmes visuels pour nos clients. Nous avons abordé la façon dont votre style de dessin naturel, le sujet donné et la technique choisie influencent tous votre style d'illustration. Dans les exercices, nous avons creusé ce qui nous inspire le plus. Dans l'exercice 1, l'étude de cas d'inspiration, nous avons choisi au moins une illustration ou un ensemble d'illustrations qui nous inspire le plus et nous avons examiné plus en profondeur les techniques qui ont pu être utilisées dans le processus. Tout cela nous a mis en place pour le projet, un projet créatif quotidien à court terme, où nous allons créer une série de 26 illustrations basées sur un thème commun, élaborant une technique spécifique. Le but d'un projet quotidien est en grande partie de développer une technique en l'appliquant à des problèmes d'illustration réels. Bien sûr, une fois que vous avez développé votre projet, partager est un excellent moyen de maintenir l'élan, obtenir des commentaires et d'avoir un sentiment de création pour un public, ce qui est toujours une illustration. Dans cette vidéo, je vais vous donner un aperçu du projet pour vous aider à tracer le processus global. Ensuite, dans les vidéos qui suivent, je donnerai des instructions plus spécifiques pour chaque étape. Le projet est divisé en trois étapes générales : le plan, l'ensemble pilote, puis le reste de l'ensemble. Au stade du plan, nous choisirons la technique d'illustration particulière et le thème que nous voulons élaborer dans notre projet quotidien, puis nous rédigerons une liste de mots de a à z, qui servira de guide pour chaque illustration. La mise en place d'un plan spécifique solide sera la clé de la poursuite de nos efforts tout au long du projet. L' étape du plan devrait avoir lieu le jour 1. Lorsque vous avez terminé, partagez votre plan avec la classe sur la page du projet. Dans l'étape pilote, choisira trois à quatre des invites à illustrer en premier. Le but d'une phase pilote est de tester et de développer un langage visuel et une technique que nous pouvons utiliser pour le plus grand ensemble. Je trouve que c'est toujours beaucoup plus de travail pour obtenir les premières illustrations d'un ensemble élaboré, mais cela vous donne la chance de déterminer comment vous allez utiliser des choses comme la forme, la couleur, la ligne, la texture et ainsi de suite avant de passer dans le reste de l'ensemble. Il vous donne également l'occasion de déterminer comment vous allez gérer différents types de problèmes d'illustration : la représentation et le conceptuel. La phase pilote pourrait prendre jusqu'à trois jours. Lorsque vous avez terminé, partagez votre jeu pilote avec la classe sur la page du projet. La scène push-through est l'endroit où nous finalisons l'ensemble. Bien sûr, nous allons nous en faire un chaque jour. Vous êtes invités à faire plusieurs fois chaque jour si vous vous sentez inspiré ou à en faire une par semaine si cela vous convient plus. L' important est de rester à elle, de pousser jusqu'à la fin. Bien sûr, chaque fois que vous finissez une illustration, assurez-vous de la partager avec la classe, et bien sûr, où vous voulez la partager. Dans les vidéos suivantes, je vais décomposer les étapes de chacune de ces étapes. 15. Projet | Jour 1 : Faire un plan de projet: La première étape consiste à planifier votre projet. La mise en place d'un plan spécifique solide sera la clé de la poursuite de nos efforts tout au long du projet. Cette étape est simple dans le concept, bien que, la liste A-Z de mots peut-être plus difficile à trouver que vous ne le pensez. Assurez-vous de passer par cette étape avec soin et réfléchi. Si vous avez besoin de quelques jours pour vous en sortir, c'est bon. Bien sûr, n'y pense pas non plus. Si vous trouvez que vous êtes coincé, il vaut mieux juste être décisif, même si vous n'êtes pas à 100% sur certains détails. Parfois, vous ne savez pas assez pour passer jusqu'à ce que vous établissiez un plan approximatif, avancez dans les prochaines étapes et que tout à coup, les choses deviennent plus claires. L' important est de continuer à bouger. Pour commencer, nous allons choisir une technique basée sur votre étude de cas d'inspiration. Si vous avez fait plusieurs études, voici où vous devrez en choisir une. Alternativement, si vous avez déjà une technique que vous aimeriez développer, allez-y. N' essayez pas de tout faire en un seul projet. Vous pouvez toujours faire une deuxième série pour élaborer une autre technique après celle-ci. Dans l'amorce, nous avons parlé de la façon dont la plupart des outils numériques émulent les médias traditionnels ou analogiques. Donc, si vous savez que vous utilisez un outil numérique comme Procreate ou Photoshop, c'est vraiment juste l'outil seulement la moitié de l'équation. L' autre moitié est la technique. Pour les outils numériques, vous devez avoir une idée du média analogique ou du processus que vous souhaitez imiter ou être inspiré. À mon avis, presque toutes les illustrations numériques peuvent être classées selon trois procédés analogiques ou traditionnels : dessin et peinture, gravure et collage. Si la technique que vous voulez utiliser ressemble davantage à celle qui a été faite avec des coups à main levée, vous pouvez l'insérer sous le dessin et la peinture. Si votre technique semble plus plate avec des palettes de couleurs simples et des textures subtiles, vous regardez un processus plus influencé par l'impression. Si la technique ou le style que vous recherchez semble être un mélange de pièces faites à la main et numériques, ou s'il y a un sentiment de styles différents assemblés sur la même page, ce serait plus collage ou plus largement des médias mixtes. Pour mon projet, j'ai décidé d'aller avec la gravure comme inspiration technique. Plus précisément, je suis inspiré par la façon dont Blexbolex utilise quelques couleurs unies, des formes simples, puis les couches de manière intelligente. J' aime aussi le jumelage de mot et d'image. J' ai rassemblé ces notes rapides pour montrer comment la technique de mon inspiration, appelons-la technique source, se rapporte à la technique que je pense utiliser ou à la technique de destination. Je fais juste ces termes pour décrire comment je relie la technique utilisée par mon inspiration et les techniques que je sais utiliser moi-même. D' abord, je sais que je travaille numériquement. En me référant au tableau des techniques traditionnelles et numériques de l'amorce, je sais que l'illustrateur et Photoshop sont tous deux bons avec l'émulation des techniques de gravure et de collage. Ensuite, je sais que je veux surtout utiliser des textures, et Photoshop est beaucoup mieux dans la manipulation des textures, donc je vais certainement m'en tenir à cela. Je vais comprendre certains détails tels que la façon de faire le lettrage et les couleurs à utiliser plus tard. Pour être honnête, dans mon projet, je pense que je vais utiliser le même concept sous-jacent que Blexbolex, en particulier d'apparier mot et image d'une manière simple et poétique. Eh bien, je n'ai pas l'intention de copier le style exact de Blexbolex parce que son utilisation du mot et de l'image est un thème cohérent dans ses livres, je court le risque de paraître imitatif. Je ne suis pas inquiet à ce sujet pour ce projet, parce que travailler à partir de votre inspiration est l'un de mes principaux points. Nous devons commencer là et nous espérons que le long du chemin en travaillant sur nos illustrations, nous pouvons émerger avec quelque chose de plus de nous. Je ne manquerai pas de nommer mon inspiration pour ce projet, surtout s'il semble trop proche de son travail. Je n'ai pas honte de dire que ce projet est inspiré par mon héros. Selon la façon dont cela ressemble, je serais également très prudent de faire quoi que ce soit commercial ou à des fins lucratives avec l'œuvre d'art. Je le modifierais d'une manière ou d'une autre au début, peut-être avoir une approche différente avec la façon dont je jumelais l'image et les mots, par exemple, qui est moins directement inspiré. Si vous avez besoin de plus d'informations sur les techniques d'illustration possibles, reportez-vous au tableau des techniques d'illustration que j'ai mentionné dans la leçon, Follow Your Inspiration. J' ai inclus ceci en tant que téléchargement dans la page des projets de classe dans les ressources. Maintenant, il est temps de choisir un thème. Votre thème doit être aussi précis que possible. Pour mon projet, je vais aller avec le trail running, qui est l'un de mes temps préférés. Bien que j'aime toutes sortes de course, le trail running est plus spécifique. Courir en général comprendrait la course sur route, ultra marathons, piste et ainsi de suite. Trail Running contient des sentiments et des visuels différents que les autres types. Si vous aimez voyager, vous voudrez peut-être vous rétrécir sur quelque chose de plus spécifique comme randonnée en Europe ou le voyage en 2020. Chacun de ces éléments évoque une expérience spécifique qui vous sera utile lorsque vous essayez d'envisager des concepts pour vos illustrations plus tard. Cette étape est facultative, mais elle peut aider à façonner davantage vos idées de projet. Toute l'illustration finit sur quelque chose quelque part. Tel est son contexte. Un contexte pourrait être dans un livre pour enfants, comme une série d'affiches ou peut-être un ensemble de cartes à collectionner. Où imaginez-vous vos illustrations existantes ? Parce qu'il s'agit d'un projet quotidien que nous partagerons, bien sûr, l'un des contextes sera votre page de projet ici dans la classe. Un autre endroit possible pour le partager bien sûr, est sur Instagram. Dans ce cas, il est facile d'imaginer quel format prendra vos illustrations. Les images faites pour Instagram seront probablement au format carré. Les illustrations d'un livre d'images peuvent être de quatre sur cinq. De cette façon, imaginer un contexte vous donne un sens du format. Mon propre projet pour la démonstration de classe est basé sur mon inspiration, un livre d'images de Blexbolex. J' aime comment les images sont jumelées avec des mots et comment elles espacées sous chaque illustration pour les mots. Mon contexte sera un livre d'images et le format de chaque image sera plus grand d'environ huit pouces de large sur 10 pouces de haut. Ensuite, écrivez votre liste A-Z de choses et d'idées à illustrer pour votre série. Vous devriez vous retrouver avec un mot par lettre, mais au début, si vous avez quelques mots pour certaines lettres, écrivez-les tous et décidez à l'étape suivante avec laquelle vous voulez aller. Lorsque vous créez votre liste de mots, gardez vos mots simples. Juste un mot pour illustrer si possible. Depuis que je fais du trail running, ma liste de mots inclut des mots comme ours, carburant, perte et récupération. Dans ma liste, j'ai délibérément choisi d'inclure à la fois des noms et des adjectifs, choses qui peuvent être littéralement représentées, ainsi que des choses qui ne peuvent être représentées qu'au figuré. Choisir un mélange de noms et d' adjectifs me donne l'occasion de réfléchir à la façon dont j'aborde les deux types différents de problèmes d'illustration dont nous avons parlé dans l'amorce, à savoir la représentation et la conceptuelle. L' ours et le combustible sont des noms et seront plus faciles à représenter car ils exigent presque une solution littérale. Un ours pour représenter un porteur et une sorte de produits alimentaires pour représenter le carburant. Perdu et récupération, d'autre part, sont plus abstraits. Ce ne sont certainement pas des objets que je peux facilement imaginer dans ma tête. Perdue en soi peut être difficile à visualiser, mais associée à cette expérience spécifique de trail running pour moi, cela me fait penser à perdre mon chemin dans la forêt et à regarder des cartes sur mon téléphone pour voir où je suis. La récupération est un nom de masse signifiant qu'elle n'a pas de forme spécifique. Similaire à perdu lorsqu'il est associé au thème général, il évoque une signification spécifique. Pour moi, il pourrait s'agir de la bière à la fin d'une longue course ou d'une course, par exemple. Mais je prends un peu d'avance sur moi ici. Dans la phase pilote, je vais vous guider à travers quelques exemples de la façon dont je passe de ma liste de mots à des concepts d'illustration réels. Mais il est également utile de réfléchir un peu au potentiel illustratif de chaque mot en ce moment. Une fois que vous avez trouvé des mots pour chaque lettre de l'alphabet, il est temps de finaliser la liste. Vous devrez le faire si vous avez plusieurs mots pour certaines lettres. Considérez le potentiel illustratif de chaque mot. En revenant aux trois facteurs de style, considérez comment chaque sujet ou ici la signification de chaque mot, peut être traité en utilisant la technique choisie ou le style de dessin naturel. C' est quelque chose que vous êtes excité d'illustrer ? Pensez-vous qu'il pourrait être trop difficile de représenter clairement dans votre style ? Pour mon exemple trail running, disons que j'avais deux mots r, course et récupération. Ici, je pourrais décider que je suis trop incertain sur la possibilité illustrative de la race. Il peut être trop large ou avoir trop de détails. Peut-être, je ne veux pas avoir à illustrer une scène complète comme une scène de course, mais j'ai une vision spécifique pour la récupération. Il serait plus simple d'illustrer ce mot pour cette lettre. Je peux juste exclure la course pour l'instant et aller avec la récupération. Qui sait ? Peut-être qu'une fois que je suis allé sur le projet, Je serai plus inspiré d'aller avec l'idée d'une course à pied ou un autre mot r. Je peux toujours le ramener si je veux. L' important est d'être décisif et de continuer à avancer. Une fois que vous avez finalisé votre liste, vous avez votre plan de projet. Si cela vous aide, écrivez en un seul endroit bien rangé qui suit : votre technique choisie, votre thème spécifique , votre contexte imaginé, si vous avez ceci, et bien sûr, votre liste finalisée de mots A-Z, et vous pouvez le faire sur une page séparée si tu dois le faire. Ici, j'ai mon plan de projet et j'ai juste écrit toutes les choses dont nous venons de parler afin que je puisse tout avoir en un seul endroit et que je puisse y faire référence tout au long du projet. Vous pouvez le faire dans votre carnet de croquis ou n'importe où vous voulez prendre ces notes. Je viens de faire un joli petit titre ici, mon plan de projet, et bien sûr, nous avons la technique, le thème, le contexte, et notre liste de mots de A à Z. Je sais que pour ma technique, elle va être inspirée de la gravure et je sais que la meilleure application pour faire le genre de techniques que je veux utiliser sera Photoshop. Ensuite, je vais juste écrire mon thème, qui est, bien sûr, le trail running, et bien sûr, le contexte qui est un livre d'images. Ce sont toutes les choses que j'ai réfléchies et c'est juste quelque chose qui peut avoir sur cette page facile à référencer chaque fois que j'entre dans ce projet, surtout, si cela fait une semaine entre ma dernière image et celle que je fais maintenant, et de cours votre liste de mots de A à Z. Maintenant, cela pourrait vous prendre un peu de temps et comme je l'ai déjà dit, il peut être étonnamment difficile de trouver et de séparer spécifiquement par ordre alphabétique votre thème. Mais faire ce travail en ce moment est juste vraiment génial pour juste se mettre en place, puis une fois que vous venez pour illustrer chaque jour chaque nouvelle illustration, vous n'avez plus à faire cette réflexion. Vous pouvez simplement plonger dans le processus d'illustration réel. Voici la liste des mots, et bien sûr, je devais juste être décisif et choisir des mots chaque fois que j'avais des multiples pour les lettres. C' est ce que j'ai fini avec, et n'ayez pas peur de m'engager maintenant. Tu voudras peut-être le changer plus tard, c'est bon, mais au moins tu as quelque chose. Ensuite, nous pouvons passer à l'étape suivante. 16. Projet | Jours 2-4 : Set pilote (études préliminaires): J' adore ces signes d'orientation, ces signes ces croquis de mode d'observation était vraiment comme, dessiné ce que j'avais l'impression d'attirer mon attention le plus. Quelles sont les différentes formes ? Même chose avec perdu, je dessinais des gens en cours d'exécution, bien sûr, Je pense que c'est en fait un scénario d'horreur si vous êtes comment puis-je le dessiner sans qu'il s'agisse d'une certaine marque ou même d'une certaine variété de bière, croquis en mode O que j'ai fait juste pour vous montrer ce qui se passe. j'ai même regardé à quoi ressemble le libellé On dirait qu'elle a un porte-bébé. et l'un de vos seuls moyens de trouver votre chemin est votre GPS ou votre carte. Ensuite, passez aux croquis de carburant ou aux croquis de mode d'observation. J' ai parcouru mes images de référence et j'ai juste dessiné ce que j'ai vu, y a-t-il des signes d'orientation et des choses comme ça ? Au moins ici, j'ai l'idée de C' est le genre de choses que je dessinais surtout en mode observationnel ici. quoi ressemblent ces indices. La chose délicate avec de la bière comme je faisais juste j'ai vraiment commencé à les dessiner au fur et à mesure, et ça me fait penser à courir dans la forêt. Alors, bien sûr, en pensant à être perdu et avoir besoin d'une trousse médicale, ne sais pas si je suis sur la bonne voie donc c'est une bonne chose de garder à l'esprit. Lorsque vous avez terminé, vous pouvez passer immédiatement à l'étape suivante ou faire une pause. quand il est jumelé avec les images de signes, par exemple. Dans ce cas, ce n'est peut-être pas mon point de vue. Bien sûr, quelqu'un a perdu, en regardant une carte, Vous pouvez voir, j'ai fait quelques études sur les ours, Un coup de main, comment le bras se rapporte-t-il à cette carte ? Est-ce que quelqu'un regarde son téléphone, par exemple, à quoi ça ressemble ? un paquet de gel énergétique, par exemple ? peut-être pas tout le monde aime ces saveurs de bière ou quoi que ce soit. Je voulais aussi partager certains des autres concepts comme celui du caca, donc je vais juste vous montrer un peu plus loin ou plus profond de ces C' est vraiment comment peux-tu être spécifique sans être trop spécifique ? pour mon concept si je voulais utiliser une image comme celle-ci. Quelque chose comme ça. essayant de penser à quels sont les objets que vous pourriez associer à la perte, et je veux partager quelques-unes des croquis que j'ai inventés. j'ai besoin de créer un nouvel espace dans lequel je peux le faire. Et si votre batterie est faible, mes esquisses en mode O, Dans mes croquis gratuits, Je sais que j'ai traversé la démo là-bas, tels que certains appareils GPS ou campus ou d'autres outils d'orientation comme des cartes. pourrais-je l'utiliser comme un moyen de raconter cette histoire d'être perdu dans les bois ? Bien sûr, à quoi peut ressembler une bière ? est-ce une lager ou un pilsner, On parle de caca ici, Mais je peux simplement remplacer cela par l'idée d'un gilet d'hydratation ou quelque chose ce sont vraiment une image forte dans ma tête. C' est assez simple. J' essaie juste de dire : « A quoi ressemble Est-ce que je dessine quelqu'un accroupi par un arbre ? orange de couleur vive qui sont cloués sur le tronc de l'arbre, ce à quoi ressemble quelqu'un qui lit une carte dans la forêt. il va y avoir des nez à ce sujet. dans la forêt et que vous essayez de trouver votre chemin, L' étape suivante consiste à démarrer l'ensemble pilote. L' ensemble pilote est l'endroit où nous commençons à jouer avec les techniques et les idées que nous avons déclarées au stade de la planification. Chaque fois que j'ai un projet plus grand, ce soit personnel ou pour un client, je fais toujours un pilote où je travaille sur des questions de style et de technique dans un ensemble plus petit. Cela me donne une idée de la façon dont le reste du projet va se dérouler, et lorsque vous travaillez avec les clients, cela leur donne l'assurance que nous sommes sur la bonne voie et cela leur donne occasion de se pencher sur les commentaires avant d'aller trop loin. Pour le projet pilote, nous suivrons le même processus que celui que j'utilise dans mon travail client et le même processus que celui que j'ai utilisé dans mes autres cours. Nous commençons par des études préliminaires où nous recueillons des références d'images et nous en tirons sans autre but que de télécharger des informations visuelles. En dessinant vers l'illustration, j'appelle ces croquis observationnels ou O-Mode. Plus tard, nous commencerons à esquisser nos idées réelles. Mais pour l'instant, nous allons simplement nous concentrer sur le monde de notre thème choisi pour commencer. Pour le projet pilote, nous allons travailler dans un lot de trois ou quatre illustrations. Mais pour le reste du projet, vous pouvez suivre les étapes suivantes pour chaque illustration individuelle. Tout d'abord, nous allons choisir 3-4 images pour nos ensembles pilotes. Ils peuvent être les quatre premiers de A à D sur votre liste ou tout ce que vous pensez être amusant pour commencer. Je suggère de choisir un mélange de types de mots, disons deux noms ou des objets simples que vous pouvez illustrer plus à travers une représentation directe et deux adjectifs ou concepts abstraits que vous aurez besoin d'illustrer de manière plus symbolique ou figurée. Un ensemble pilote solide vous montrera comment vous avez traité les problèmes d'illustration représentationnelle et conceptuelle dans votre style. En regardant mon plan de projet où j'ai ma technique, mon thème, mon contexte et ma liste de mots de A à Z, je vais choisir ours, carburant, perdu, caca. J' ai mis le caca comme un de mes mots. C' est parce que lorsque vous faites du trail, surtout si vous êtes sur les sentiers avec le temps, il n'y a pas toujours de salle de bain disponible donc cela fait partie de l'expérience d'être un coureur de trail. J' ai dû mettre ça là et j'ai l'impression que si je faisais ce set pour un public de trail runners, ils se rapporteraient à ça et trouveraient ça hilarant. Je pense que je vais choisir un cinquième juste au cas où, je choisirais la récupération. J' ai choisi ces mots spécifiques pour mon sous-ensemble parce qu'ils présentent un bel équilibre ou un mélange de choses représentatives à illustrer, et aussi des choses plus conceptuelles. Les ours, c'est facile. Je peux juste dessiner un ours et je pense qu'il sera juste agréable d'entrer dans. carburant à nouveau est un peu plus un objet simple. Je pourrais représenter des produits alimentaires ou quelque chose comme ça. Lost est l'un des mots les plus délicats. Cela va probablement nécessiter une illustration plus complexe. Mais c'est pour ça que je veux l'inclure. Je veux pouvoir associer ces illustrations conceptuelles plus complexes à ces illustrations plus simples et directement représentatives. Alors, bien sûr, caca, ça va être intéressant. Je veux probablement aborder cette question de façon indirecte, ce qui représente un bon défi d'illustration. Puis récupération, pour moi, qui me fait penser instantanément à prendre une bière à la fin d'un très long parcours et donc cette liste de cinq mots, selon ce que je déciderai d'illustrer sera un jeu pilote sympa pour commencer. Ensuite, rassemblez quelques images de référence pour chaque mot ou illustration. Vous n'avez pas besoin d'être très sélectif ici, cherchez simplement vos mots dans une recherche d'images et téléchargez les images qui vous attirent le plus. Lorsque je fais des recherches d'images, je crée un dossier appelé références. Ici, j'ai juste un dossier appelé références sur mon écran et c'est là que je vais fondamentalement faire glisser l'une de mes images de référence. Pour un projet multi-illustration comme celui-ci, j'aurai également des sous-dossiers pour chaque illustration ou sujet tel que ours, carburant, etc. Je vais simplement sur Google ou partout où je pense que les images je cherche pourraient être et commencer ma recherche, en plaçant mon les images choisies dans les dossiers respectifs. On m'a demandé pourquoi j'utilise des images Google plutôt que Pinterest, où les images ont tendance à être plus soignées et raffinées, je préfère que mes images source soient aussi non filtrées par goût que possible. Je sais que lorsque je recherche Google, il y a plus de chance que les images soient basiques et aléatoires. Les gens qui publient leur Pinterest ont souvent un filtre de sensibilité ou de goût ou un biais et je veux éviter cela dès le début. Le but est de trouver des images qui vous donnent un visuel où vous n'avez peut-être rien à passer autrement. Pour le mot ours, par exemple, je veux juste trouver des images qui m'aident à comprendre la forme essentielle d'un ours. Pour le thème du trail running, je regarderais soit l'ours noir, soit le grizzli. Pour le carburant, je chercherais les sources d'énergie spécifiques ou les aliments utilisés par les randonneurs. Des produits comme les gels énergétiques et les barres, ainsi que des aliments naturels comme les bananes et les noix. Lorsque vous recherchez vos images, en fonction de votre technique et de vos préférences, vous pouvez souhaiter que vos références soient simples et directes plutôt que sous un angle plus obscur. Nous n'illustrons pas encore, ni même esquissons des idées. Mais nous voulons aussi garder à l'esprit les informations visuelles que nous devons utiliser à ces étapes ultérieures. Passez peut-être 10-15 minutes à chercher des images. J' ai mes images d'ours, je vais juste aller rapidement et faire quelques images pour le carburant, et bien sûr, par le carburant, je dois être spécifique, gels énergétiques pour courir, et ici je regarde les différentes formes ou formes. À quoi ressemblent l'énergie ou les carburants dans ce cas ? Ces emballages de différentes formes que vous pressez dans votre bouche pendant que vous êtes en cours d'exécution sont emblématiques. Je veux juste être conscient que je ne veux rien trop poli et ensuite dessiner ça dans mon illustration. Comme si quelqu'un fait carrément certains de ses propres produits de course, ce n'est pas comme si je voulais juste illustrer la photo de quelqu'un d'autre, mais ils ne peuvent pas être utiles juste pour aider à comprendre ce que serait une collection de ces aliments ou produits ? Maintenant perdu est le mot le plus délicat, donc je dois être plus spécifique, comme perdu dans la forêt. Cela peut me donner quelques idées intéressantes à tirer. Juste en termes de forêt. Soudain, je vois le sentiment étrange de, son vert foncé. J' ai un sentiment de solitude en regardant ça. Ici, je fais une recherche Google du mot direct perdu dans la forêt, qui est déjà super utile. Mais bien sûr, je n'essaie pas d'illustrer comme un tableau ou simplement de réinterpréter une photo ici. Je veux au moins avoir un sens du concept ici. Peut-être que j'ai besoin de penser un peu plus conceptuellement pendant que je suis Google image recherche. Perdu dans la forêt, comme ce que je voudrais, peut-être une trousse de premiers soins et je vais juste prendre un cri rapide de ces choses. Ici, je ne vais pas être super sélectif sur les images. Une trousse de premiers soins est généralement comme un sac avec une poignée sur une croix dessus et quelques fournitures, ce qui pourrait être suffisant juste pour faire entrer mon imagination là-bas. Quand tu es perdu, je pense à quelqu'un qui lit une carte. Je vais faire un peu plus de recherche d'images à partir du reste de mes mots, mais j'ai juste pensé passer du temps autour de l'un des mots les plus difficiles que je pense avoir, c'est le caca. Maintenant, je sais que je ne veux pas illustrer les excréments de quelqu'un, je pense juste que ce serait dégoûtant, donc je devrais penser conceptuellement à celui-ci aussi. Pour celui-là, je vais juste dire « trail running half to caca » et voir ce que l'Internet me donne. Bien sûr, il y a tout ce que vous attendez, les gens achètent des maisons, et certaines images sont un peu moins directes. Heureusement, je ne vois rien de trop grossier surgir ici, mais oui, je vais chercher des moyens de représenter cette idée aussi clairement que possible sans être trop directe. Une fois que vous avez passé du temps à trouver des images, il est temps de commencer à dessiner. Dans mon dessin vers la classe d'illustration, j'appelle ces croquis d'observation parce que nous dessinons ce que nous voyons dans nos images. Ce n'est pas créatif. Nous n'exprimons pas des idées ici, mais nous utilisons simplement des dessins comme moyen de voir et d'absorber informations visuelles à utiliser ultérieurement de notre imagination. Passez aussi longtemps que vous le souhaitez, dessiner à partir de vos images de référence, peut-être 5-10 minutes par sujet ou mot. Vous pouvez dessiner avec un crayon et du papier ou dans un équivalent numérique. Mon outil d'esquisse préféré est le crayon 6B ou HB dans Procreate sur l'iPad. Encore une fois, ces croquis, je n'ai pas d'autre but que juste de dessiner ce que je vois. Je n'ai pas besoin de dessiner toutes les images de référence que j'ai téléchargées. Une fois que j'ai l'impression d'avoir assez d'informations visuelles pour tirer plus tard sans regarder les références, je peux passer à la suivante. J' ai juste quelques-unes des images qui, à mon avis, seront utiles pour les concepts possibles, donc je ne viens pas avec des concepts à ce stade, mais j'essaie aussi de penser à quelles sont les différentes choses qui pourraient faire de bons concepts. J' ai un spray à ours, j'ai quelqu'un qui utilise ce spray à ours. Une autre chose à laquelle je pense quand je suis sur la piste et que je pense aux ours, c'est ces panneaux jaunes qui vous avertissent d'un ours dans la région et d'autres choses comme ça. Tiens, j'essaie juste d'avoir une idée de ce à quoi ressemblent ces gars. Je peux vraiment me perdre dans ce processus et parfois, ça durera beaucoup plus longtemps juste parce que je m'amuse ou je n'ai pas l'impression téléchargé l'information à l'esprit en dessinant assez encore. Je dirais juste prendre le temps que tu veux et si tu l'aimes, profitez-en. Ici, je pense à quelles sont les proportions d'un ours ? Comment leurs membres se connectent-ils ? Quelles sont les formes emblématiques d'un ours ? Juste en regardant ces images, je vois que je n'aurais jamais imaginé que bras d'un ours descend en arrière puis en avant comme ça, juste par exemple. Une autre chose que je remarque à propos d'un ours est que lorsque vous regardez leur visage, leurs yeux et le museau ou la zone du nez ou le museau occupent seulement moins que la moitié inférieure. C' est intéressant. Leurs oreilles sont bien là-haut, et elles ont ces grosses têtes, leur visage n'est qu'une petite partie de ça, et je pense à quoi ressemblent leurs traits faciaux, comment ils se connectent, des trucs comme ça. Ensuite, pour le spray d'ours, je cherche, comme je dessine ceci, télécharger des informations, je veux vraiment savoir quelles sont les parties qui sont essentielles à cela quand il s'agit de communiquer l'idée de pulvérisation d'ours à d'autres personnes. Quels sont les signes révélateurs d'un vaporisateur d'ours par rapport à, je ne sais pas, peut-être [inaudible] que vous utiliseriez pour sécurité personnelle dans un contexte urbain, peut-être que c'est différent. J' imagine que le spray ours, ils ont toujours cette étiquette jaune, des tonnes de mots et d'avertissements, ce qui est intéressant, ce qui pourrait faire pour une illustration vraiment intéressante si vous vouliez nerd dehors avec tout le type et des trucs comme ça. Un libellé ultra ou extra ou max et une partie de la marque, une sorte d'ours. Je n'essaie pas de concevoir quoi que ce soit ici, j'essaie juste d'avoir une idée de ce qui est la forme essentielle de ça. Quelles sont les choses que je dois observer à propos de ces choses ? Un signe, puis bien sûr, l'ours. Maintenant, voici un cas drôle où je dessine un dessin, c'est comme une silhouette d'ours que quelqu'un a illustré. La question pour moi est, si je devais utiliser ceci comme illustrations finales, quelque chose sur le signe de l'ours, est-ce que je viens de copier la silhouette d'un ours de quelqu'un d'autre ou est-ce que j'innove en cela d'une manière ou d'une autre, à ma manière pour améliorer l'unicité de l'illustration ? Je ne pense pas que ce type soit un traîneur, il ressemble plus à un chasseur. Je vais passer à l'image suivante. Perdu est délicat, il n'y a pas une seule image pour la perte comme il y a pour l'ours ou l'ours pulvérisation. Ici, je dessine juste ces références que j'ai rassemblées et peut-être, je peux faire quelque chose avec eux pour un perdu plus tard. C' est un type de règle de boussole. Maintenant, pour cette démo, je suis en train de courir à travers ces dessins. J' aime généralement prendre mon temps avec ceux-ci et vraiment y plonger quand je les fais pour la plupart de mes projets. C' est relaxant, c'est une belle façon de dessiner et d'entrer en contact avec ce côté et d'entrer en contact avec ce côté des choses avant de commencer à penser à des idées. Quelque chose à laquelle je pense en termes d'être perdu dans une forêt est l'idée de trouver un chemin, donc peut-être comme des panneaux si vous êtes sur les sentiers. Lorsque vous faites des croquis gratuits, si vous voulez, vous pouvez être très lâche et rapide ou vous pouvez être vraiment détaillé, tout ce qu'il faut pour juste obtenir quelques idées dans votre tête. Encore une fois, j'ai quelques images ici pour faire référence et juste en tirer d'eux, ne me soucier pas trop de la façon dont ils jouent dans les étapes ultérieures. Il y a ce type qui court dans les bois, et tu peux être aussi détaillé que tu le veux. Pour moi, comme je les arrache rapidement, ça m'aide au moins à avoir une idée de certaines façons, disons par exemple, comme les jambes, quand quelqu'un court. Quels sont leurs vêtements ? Que se passe-t-il dans cette image ? Aussi, bien sûr, que se passe-t-il autour de la personne ? À quoi ressemble une scène forestière ? J' aime le motif des arbres, les troncs, puis l'idée que ces branches tombent de vert, puis bien sûr, le chemin. Cette image ici d'un gars qui court seul, si vous pouvez juste mettre de côté le fait que pour moi, cette scène, c' est étranger pour moi. L' idée que c'est plus dans un désert, ce n'est pas mon expérience, mais j'aime qu'il ait son sac d'hydratation et qu'il court seul là-bas, 17. Projet | Jours 2-4 : Set pilote (croquis vers des idées): Je ne vais pas être capable de prendre des pinceaux et de le sculpter et de le modeler, En fait, je vais aller utiliser mon appartement. Maintenant, je regarde mes croquis rugueux pour perdu, C' est toujours ce que je cherche dans mes croquis. Ce que je cherche, c'est l'idée qui va Après avoir sélectionné ces, tracez sur eux avec des traits plus confiants. J' aime comment cela me donne un peu d'espace de poids autour de l'ours, L' autre qui montre vraiment un certain potentiel pour moi est celui avec Ce qui fonctionne vraiment bien avec la façon dont je lettre souvent. C' est un pinceau numérique que j'utilise et que j'ai trouvé des œuvres très Peut-être qu'il a le chapeau de traqueur. il est peut-être plus facile de s'en sortir sans être trop précis dans vos raffinements. mais il est encore évoque un sens d'une bière ? Je fais toujours de mon mieux pour passer par l'imagination. Il communique clairement l'idée ou le message prévu et il promet de faire un peu plus comme je l'ai dit atmosphère ou texture pour entrer dans l'image. techniques d'illustration plus précises ou mécaniques, J' ai assez d'informations. ne montrer que la carte et ensuite le gars derrière elle. et nous pouvons voir ici que c'est déjà très clair. Peut-être qu'il s'est penché un peu plus et qu'on voit juste une partie de sa tête et qu'il regarde son téléphone. Vous devez être un peu courageux et vous laisser dessiner Avec celui-ci, c'est l'idée que ce type perdu L' image doit être assez claire pour que tout ce que vous avez vraiment besoin de faire Je vais impliquer le sens de la texture et de l'écorce sur Ce n'est pas super créatif, Imaginez que je montre ceci à un client pour obtenir son approbation ou son adhésion sur l'image, Un concept fort est à la fois clair et convaincant. Cela sera plus important pour toutes les et le gars dont la perte, et ça suffit. je pense juste au potentiel d'une belle illustration, qui était l'idée d'être perdu. symbolique et abstraite les arbres en arrière-plan ? À la fin de cette étape, Ou c'est bizarre que ça pulvérise sans que quelqu'un le fasse vraiment ? mais c'est une pensée que j'ai à ce stade. Je commence juste par l'ours. Celui-ci est peut-être pour moi. juste pour voir comment ça se passe. À un certain moment, Je pense que celui où le gars tient juste la carte est définitivement il suffit de coller l'ours vers le bas et de le rendre moins opacité, être stylisés, abstraits, théoriques. que je prends qui pourrait fonctionner dans ce cas. Son autre bras est peut-être en train de toucher sur Peut-être assez juste pour le rendre plus grand. Je pensais que c'était drôle. Il y a un peu plus d'histoire à celle-là. titre d'illustration, cela va être un peu Juste vraiment construire les formes réelles qui formeront dans les croquis raffinés, donc je n'ai pas besoin de travailler davantage les vagues éthérées de perte, qui pourrait être amusant. toutes les petites connexions de l'illustration où les shorts deviennent ses jambes nues C' est peut-être une illustration plus axée sur les personnages. comme l'illustration vectorielle, ou dans mon cas, les techniques inspirées de la gravure. Ai-je besoin de la main ? j'ai les panneaux cloués sur l'arbre, avec ce type ici comme une seconde possible. D' abord, je vais faire l'ours ici. et les mots en bas, ce Quand vous regardez le style d'un autre illustrateur et que vous vous demandez, un visage espiègle sur l'ours, ces détails de composition et de format avec plus d'attention. je pense que c'est ce type ici, Maintenant, pour affiner ces croquis, ce qui peut prendre beaucoup de temps et sont plus difficiles à changer, Parfois, je vois un fort potentiel dans les idées que je pensais être jetées pendant que je les fabriquais. et toutes ces sortes de choses je sais à quoi toutes ces intersections et ce gars debout dans les bois et se demandant quel sentier, Celui-ci est plus juste des objets, Je sais que dans mon dernier art, ces arbres vont vraiment Je vais commencer par être un peu plus clair dans toutes mes formes. à mon client et que je commence à écrire des paragraphes sur ce qu'il contient, dans un autre tour de raffinements et cela va juste s'assurer que c'est super clair, A quoi ça ressemble ? Ce qui se passe quand je dessine une fois de plus juste écrire ce mot dans un style de lettrage plus concret. comme la forme de son bras et ainsi de suite. entrer et à faire quelque chose que je me sens confiant de faire, C' est parce que les techniques finales sont moins mécaniques et précises, Mais qu'en est-il du gars qui se tient dans les bois ? J' aime l'histoire qui se passe dans celle-ci. vous devez arrêter de venir avec des idées et commencer à les affiner. vous aurez un croquis raffiné pour chacune des illustrations pilotes choisies. Je pense que c'est bon. mais il évoque certainement l'expérience d'être sur les sentiers. Quelqu' un à la ligne d'arrivée d'une course, par exemple, sur la façon dont certaines formes ou certains détails se rassemblent dans les illustrations finales. Peut-être juste une suggestion de terre, Quelques bizarreries intéressantes peuvent en sortir et cela ce qui rend le symbole de l'ours plus clair, Je serai en mesure de comprendre Pourrais-je faire pulvériser l'ours ? L' idée d'un ours grimpant sur un arbre et quelqu'un est peut-être là-haut. Dans un nouveau document, Parce que je travaille dans Photoshop, dans les bois essaie de trouver où il est. J' ai un pinceau carré plat. mais il y a des choses inattendues. je sais que l'image ne fait pas son travail. similaires à quand j'utilise un pinceau plat avec de l'encre sur papier. Dans des techniques plus inspirées à main levée comme le dessin, Donc ici, parce que c'est raffiné, je pense que celui-ci avec les gels énergétiques et les différents emballages et Ici, je pense aussi à ma technique. incluant certaines de ces branches qui tombent des arbres. ce qui vous permet d'improviser plus. Mais c'est bon de les cartographier ici. Au moment où je finalise et crée tous les détails de finition dans l'illustration réelle, Mais je me sens le plus fort à propos de l'ours et de l'arbre. un bon point de départ pour l'amener dans un endroit plus raffiné. Il y a plus de place pour fudger un peu les choses. C' est quelque chose que je vais me mettre au défi juste pour cette démo, Je peux en fait désactiver ce croquis original comment ont-ils trouvé la façon de dessiner cet ours ? je pense plus précisément aux proportions, Alors, tout comme possible, La prochaine chose est ce qu'il y a sur le sol ? est d'écrire pourquoi vous avez fait l'image pas ce qui est dans l'image. Il y a mon croquis raffiné pour mon concept perdu et je prendrais probablement honnêtement cela avec le type ours et zone. Ça pourrait être cool. raffinement jusqu'à ce que je me sente bien à ce sujet. qui sera d'affiner l'illustration et d'élaborer une partie des il y a toujours une autre idée à avoir. parfois je me sens un peu hésitant à commencer à Je pense que c'est une chose très importante à régler. Ils ne faisaient que tirer de l'imagination et c'est comme ça parce que c'est un croquis, ça peut encore être un peu lâche. difficiles à propos de l'image de référence ou de la réalité. J' ai besoin d'être clair à ce sujet. dans ce cas, faire un joli lettrage audacieux qui me fait aller. Je vais aller avec ça et passer au concept suivant, ce qui sera un beau jeu de cette autre approche. tout va ressembler le plus clairement possible Je trouve qu'il est utile de faire une pause après avoir présenté mes croquis rugueux, la peinture et le collage, Ou peut-être que c'est l'idée d'être rafraîchi. raffinement et finalement pour apporter dans l'illustration finale. Lorsque vous êtes prêt, choisissez le concept le plus fort pour chaque lot d'esquisses. Sinon, c'est juste une forêt de ces troncs bruns et juste il devrait au moins être assez clair pour qu'un client ou quelqu'un d'autre dise, Ce ne sont là que quelques exemples d'ours que j'ai illustrés. la carte en essayant de pincer et de zoomer et des trucs comme ça. faits dans la phase plus rude et je vais juste voir Ils ont tous les deux un personnage ou un animal sur eux. Je pense que je vais essayer d'aller avec celui-ci comme mon concept et voir comment ça se passe. j'ai d'autres concepts assez bons. Mais je veux m'assurer que je me donne le carré complet que je Comment vais-je créer ces formes ? Puis l'arrière-plan, ai-je besoin de dessiner toute une forêt derrière l'ours ? Combien d'informations avez-vous besoin dans l'image pour créer l'histoire, J' ai la forêt de fond, un nouveau document où je peux les tracer avec des lignes plus confiantes. qui reste de la page. ou au moins un dans les cinq ou six esquisses que j'ai faites, Maintenant, je passe juste en revue certains des croquis que j'ai Je pourrais même prendre ça encore une fois dans parce qu'il me semble qu'une fois que j'y vais, je peux me sentir bien de passer à l'étape suivante, C' est dans cet écart entre ce que vous avez vu dans vos références et ce que vous vous souvenez d'elles. Je pourrais esquisser des idées comme ça pendant longtemps, et celui dont je me sentais le plus était celui ici, vert ou quelle que soit la couleur que je vais utiliser pour le feuillage. Ou suffit-il juste de représenter de manière plus Alors je n'ai pas à m'inquiéter de ce qu'il y a sur le terrain et d'autres choses comme ça. des choses comme ça se produisent souvent. , je peux peut-être travailler sur certaines choses qui me dérangeaient, Il m'envoie juste sur ce chemin de ce que si Si je dois me libérer plus tard, les petites flèches directionnelles, D' autres fois, je me rends compte qu'aucune de mes idées ne résout tout à fait le problème, Il est très probable que c'était un accident et c'est arrivé parce qu'ils n'étaient pas et un sac à dos qui a été déposé sur le sentier. Pour la récupération, je viens évidemment de commencer avec la boîte de bière et essayer de comprendre à quoi Tu vois ce panneau et tu es genre, devrais-je y aller ? et parce que je l'affine, représenter le plus clairement cette idée d'être perdu et de faire du trail. Bien sûr, ce n'est pas un ours parfait à la recherche d'un arbre, puis combien coûte trop ? J' ai peut-être trop réfléchi, Parce que cela fonctionne vraiment si bien, Tout ça pour dire, la chose sûre, Mais serai-je en mesure d'utiliser cette idée peut devenir juste une partie de votre style. Est-ce que ça marche juste pour l'avoir sans la main ? Cela devrait m'aider à avoir un sentiment ou Ce gars qui tient la carte, Celle-ci, je pense, va être un peu plus un défi. audacieuse et emblématique dans ce livre d'images magnifiquement imprimé. trucs peut être vraiment amusant et une belle pause par rapport aux deux autres. moment où je fais que le client se sent déjà bien à propos de l'image et Il a son petit sac de coureurs. « Je sais ce que c'est », et je n'ai pas à faire trop d'explications. lequel sera le meilleur candidat pour Je pense qu'il y a quelque chose à ce sujet. eux, mais pas être trop détaillé sur quoi que ce soit d'autre. exactement comment ça fonctionnera une fois que je commencerai à entrer dans la finale. Cela me donne-t-il assez d'informations pour ce concept ? Peut-être que c'est juste comme un panneau jaune ou orange vraiment cool Comment ces formulaires vont-ils être construits ? Je pense que le personnage central ici est le coureur perdu. , donc je n'ai pas à les travailler trop en finale. je vais juste les copier dans j'utilise l'outil plume pour créer un grand nombre de mes formes et créer des lignes précises dans mes formes. et juste quelques-unes de ces branches de fourrure swoopy descendant, et je suis super sûr que Alors peut-être juste le spray ours comme un autre objet. Je trouve qu'il est vraiment utile d'être aussi résolu que possible A quoi ça ressemble ? Puis-je même illustrer un rafraîchissement ? et ils ont leur bière en main et ils sont évidemment si heureux de l'avoir. Mais une fois que j'ai l'impression d'avoir cinq ou six bons candidats, plus complexe pour moi d'essayer de le faire par rapport à la carte. veux qu'une image existe dans toute cette place ici, fort et je peux certainement me voir l'illustrer dans mon style et en utilisant mes techniques. Alors peut-être comme une terrasse dehors des arbres, Juste, est-ce que je montre un ours comme droit-up-close recadrée ? ressemblera l'étiquetage sur une boîte de bière donc ce n'est pas trop spécifique, et bien sûr, le libellé vers le bas ici. Je pense que ça aidera à donner plus d'atmosphère en mal d'une manière pour le faire. Certains concepts d'ours. de ces ondes ailleurs dans l'ensemble ? Ça n'a pas d'importance. Nous allons avoir l'arbre et je ne fais toujours pas référence aux images de référence ici. il est beaucoup moins probable que je vais d'avoir à apporter des modifications à cette étape finale. Ça me donne une largeur uniforme pour mes lettres. les salamandres ou tout ce qui est sur le sol. C' est très spécifique à la façon dont je travaille et Cela me donne l'occasion d'inclure de terre et d'herbe. une illustration intéressante donnant vos décisions stylistiques et techniques. quelle bifurcation dans la route à prendre. je vais juste le rendre un peu plus grand pour que je puisse juste Cet ours doit être une forme claire qui sort de cette façon. C' est un pinceau que j'utilise beaucoup pour mon lettrage dans Procreate. Peut-être que je n'ai pas besoin de montrer jusqu'à ses chaussures. mon illustration et travailler dans mon style en utilisant mes techniques. parce que je peux revenir avec un esprit frais et je suis Ou comment ont-ils trouvé la façon de dessiner les gens d'une certaine manière ? Je trouve toujours que si j'essaie de présenter un croquis Je pense qu'il y a quelque chose d'intelligent à je pense que c'est si clair et qu'il y a beaucoup de plaisir à ce sujet. Je vais juste choisir l'un de ceux-ci qui me semble le plus fort. c'est quelque chose que je ne peux pas faire plus d'une fois dans l'ensemble et devient un peu aberrant. Comme comment puises-tu les choses de l'imagination ? Je n'ai pas à m'inquiéter pour les rochers, les cailloux, les bâtons, les racines et pour émuler que j'utilise souvent cette brosse à la place. ça crée juste un bon point de départ satisfaisant quand je commence à peaufiner mes croquis, et que j'ai encore du travail à faire au stade difficile. En ce qui concerne l'illustration du carburant, être un peu plus haute résolution avec mes dessins. Peut-être que ce que je ferai d'abord comme je l'ai fait dans l'autre, c'est capable de voir mes concepts plus objectivement. et d'être trop lâche à ce sujet. Donc recadrer ici est une décision éditoriale Vous pouvez vous sentir plus à l'aise de laisser tout cela se produire plus au stade final de l'art. et ce genre de choses quand je fais l'art final. Bien sûr, quand vous entrez dans la finale, il y a toujours plus de raffinement à faire. et je peux me concentrer sur des choses comme la couleur et la texture aussi boutonné que possible et puis c'est juste une voile lisse, Je suis vraiment cloué autant que possible dans le croquis, je suis il est plus probable que vous allez devoir travailler ces choses à l'étape finale. En fait, si votre technique n'est pas, je dirais, cristallisée dans la façon dont la mienne est au cours des nombreuses années que je fais ça, est à cette étape que nous commençons à esquisser nos idées réelles. Dans mon dessin vers la classe d'illustration, j'appelle ce mode idéationnel ou dessin en mode I. La différence entre le mode O et le mode I est que maintenant nous puisons dans notre imagination, pas dans des références et que dans notre mode O notre seul objectif était de télécharger des informations visuelles à notre imagination, en mode I notre objectif est de trouver des idées pour nos illustrations. Certains mots seront plus faciles à trouver des idées que d'autres. Si vous représentez des objets, la tâche consiste simplement à représenter l'objet d'une manière stylisée. Vous pensez surtout à la forme ici, pas à ce que vous allez illustrer, mais à comment vous allez illustrer votre sujet. Si vous représentez des idées abstraites d'un autre côté, vous devrez faire un peu plus de travail. Vous pensez à ce que vous allez illustrer en plus de comment. Lors de l'esquisse vers nos idées, nous commençons par des miniatures grossières et petites. L' objectif au premier abord est la quantité, il suffit de continuer à jeter les idées comme elles viennent sans trop se soucier des détails. Ensuite, nous passons en revue nos idées pour voir ce qui nous distingue le plus. Nous choisissons ensuite ceux que nous aimons le plus et affinons avant de les déplacer dans les illustrations finales. La première chose que je vais faire est de créer un modèle de vignettes, parce que nous pensons maintenant à des idées, nous allons commencer à penser au format réel de nos illustrations. Alors que les esquisses en mode O ont été faites sous forme libre, je recommande de faire des esquisses en utilisant des vignettes pour cette étape. Donc, quand je fais des vignettes en utilisant la procréation, j'aime utiliser des guides de dessin et en les activant, vous obtenez essentiellement du papier graphique ou du papier quadrillé et ensuite vous pouvez simplement mesurer en utilisant les carrés ce que sera votre rapport d'aspect. Donc la mienne fait 8 sur 10, ou 4 sur 5, donc je vais juste compter tous les deux carrés comme un pouce. Donc 1,2,3,4,5,6,7,8,9,10, par 8, 1,2,3,4,5,6,7,8. Maintenant, vous pouvez être aussi précis que vous voulez, je suis super précis ici juste pour que je sache exactement quel sera mon format et mon format d'image comme je suis en miniature, et bien sûr ce sont des vignettes que je veux les rendre un peu plus petits, donc je vais juste à l'échelle proportionnellement, et je pourrais probablement mettre six sur cette page assez facilement sans qu'ils deviennent trop petits, donc je vais juste dupliquer cela. Maintenant, bien sûr, vous pouvez le faire et simplement dessiner des carrés dans votre carnet de croquis ou dans un autre programme de votre choix. Ce n'est qu'une des nombreuses façons de le faire. C' est une tâche assez simple. En fin de compte, vous devriez vous retrouver avec seulement six vignettes si vous utilisez ce format, dans mon cas, huit par 10, je peux monter un six. Si vous faites un format carré, alors bien sûr, vous serez en mesure d'insérer plus ici, probablement trois ou quatre lignes, et puis je vais juste remonter à l'échelle à juste juste assez léger pour que je puisse les voir. Je n'ai pas besoin qu'ils soient totalement sombres pour faire les vignettes, j'ai juste besoin d'être là pour savoir quelles sont mes frontières. Je peux désactiver le guide de dessin pour qu'il soit un peu plus propre, et ensuite, je vais commencer mes esquisses idéationnelles. Les croquis commencent toujours rugueux et incertains. Commencez simplement dans la première vignette avec tout ce qui vous vient à l'esprit. Ne soyez pas précieux. Vous ne perdez pas de temps et vous ne perdez pas un carré sur votre feuille de vignettes. Chaque idée approximative, chaque note que vous posez vous donnera un indice d'une idée plus spécifique ou d'une nouvelle pensée. Lorsque vous remplissez votre page, commencez une nouvelle page. Dans la procréation, je cache simplement le calque actuel et en ajoute un nouveau, en gardant toujours le calque des boîtes de vignettes visible mais dans une opacité inférieure. Si vous trouvez les miniatures trop restrictives pour trouver des idées, il suffit de travailler sur une feuille vierge et de vous soucier du format et des proportions plus tard. chose la plus importante à ce stade est d'avoir de bonnes idées. Vous pouvez toujours faire des ajustements aux proportions plus tard. Passez aussi longtemps que vous pouvez ou voulez élaborer vos croquis bruts, mais au moins 10 minutes par mot ou concept ici. Vous trouverez peut-être qu'il faut beaucoup de rugosités pour vraiment sentir que vous arrivez n'importe où, mais alors vous pourriez avoir du mal à arrêter. Si vous vous sentez lent à commencer, continuez à pousser. Si vous avez du mal à arrêter, gardez la fête aussi longtemps que possible, mais rappelez-vous que plus vous avez d'idées, il sera difficile de choisir à l'étape suivante. Vous pouvez arrêter une fois que vous avez réellement trouvé au moins une idée prometteuse pour chaque illustration. Donc, je pense à ces images d'ours que j'illustrais et je pense à l'idée de la façon dont cela joue dans mon expérience de trail running. Une des premières idées à laquelle j'ai pensé, ce qui peut être un peu évident, mais je vais déterminer que plus tard, sont les signes « BEAR IN AREA » et puis il y a un ours ici, et bien, oui, je veux m'assurer que mes croquis finissent par paraître bien éventuellement. actuelle, je me concentre simplement sur les idées et puis quand viendra le temps des croquis raffinés comme le choix des idées que je veux suivre, je les prendrai dans une forme plus raffinée. Vous savez, peut-être que je veux inclure un de ces « ours dans la zone » qui utilise juste un ours en bâton ici, un panneau « ours dans la zone » sur un arbre ou peut-être dans une forêt. Je me souviens aussi que le format qui m'inspire est de jumeler les images avec les mots. Donc ma parole ici avec laquelle je travaille est bien sûr ours et juste en écrivant ce mot ici, grand, où mon grand mot va finir dans mon format final, ça m'aide à jouer l'image que je dessine ou le concept avec le mot et à voir comment ils travaillent ensemble. Je pourrais donc continuer à le faire pour tous ces concepts, croquis ou ces miniatures. Peut-être que c'est l'idée d'un ours debout sur ses pattes arrière, je vais comprendre à quoi ressemble cette tête plus tard, j'essaie vraiment de puiser dans l'imagination en ce moment. Je pourrais regarder quelques images de référence plus tard quand je suis raffiner juste pour m'assurer que j'ai quelques détails juste, mais l'idée ici est juste de sortir l'idée. Donc je pense à un ours qui regarde un arbre et peut-être qu'il y a chaussure de quelqu'un pour dire qu'il y a un coureur qui monte un arbre, quelque chose comme ça, peut-être qu'il a des poteaux et qu'ils sont déposés ici ou quelque chose comme ça. Il y a aussi le concept de pulvérisation d'ours, donc jumeler les mots avec les images, il pourrait être très puissant juste d'avoir une image de l'ours pulvérisateur lui-même, la boîte avec une petite partie de trou de doigt de déclenchement là, puis faire quelque chose avec l'étiquette ici, quelque chose comme, 'BEAR MAX' ou faire un nom qui n'est pas trop spécifique mais qui évoque ce sens de pulvérisation d'ours, et puis il y a comme des avertissements d'explosivité ou quoi que ce soit ici. Danger. Ai-je besoin de montrer une main en actionnant le spray d'ours ? Encore une fois, je devrais peut-être regarder ma main pour avoir une idée de ce que cela ressemble à d'appuyer sur cette gâchette ou même regarder une image, une image de référence juste pour obtenir cela correctement. Mais en ce moment, je demande simplement, est-ce une bonne idée qui vaut la peine d'être poursuivie et de passer par toutes les difficultés de raffiner plus tard. Encore une fois, comment ça s'apparie-t-il à mes mots ? Je vais probablement faire les proportions globales de chaque illustration, l'illustration partie un carré, puis ajuster le mot ici. C' est un coureur qui a contacté un ours dans les bois et qui flippe ? Prenez toutes les idées qui vous viennent à la tête à ce stade. Vous pouvez vous trouver entrer dans les détails et essayer d'obtenir votre forme droite puis revenir et aimer ce que je fais ici, être plus schématique ou faire des choses de type bâton juste pour travailler l'idée. Les deux vont bien à ce stade. On fait un peu des deux. Ici, j'ai quelques idées qui, je pense, fonctionneront. Ce que je vais faire, c'est passer au concept suivant. Je vais faire un perdu pour mon prochain exemple. Cela aide juste à mettre mon esprit dans ce prochain concept en écrivant le mot, même si vous n'allez pas inclure de mots sur votre illustration réelle dans votre projet. Écrire le mot quelque part où vous esquissez pourrait simplement être un moyen d'obtenir des notes sur la page et de vous faire couler tout de suite. Pour perdu, ça va être plus difficile. Je pense à une image qui est claire et qui évoque un sentiment d'être perdu en même temps. Une idée est un coureur de sentier derrière une carte, une carte de sentier, quoi que ce soit, peut-être qu'il y a une forêt derrière cette personne. Alors bien sûr, s'il y a une carte, je dois me demander si elle va avoir une carte réelle sur cette carte, quelque chose à penser. Mais j'aime cette image, elle est claire et emblématique. Quelqu' un est derrière la carte et même le fait qu'ils soient derrière la carte les rend perdus pour nous, ce qui renforce le concept. Je pense maintenant à cette image du coureur que nous avons vu de l'arrière que nous avons dessinée en mode observation dans nos croquis préliminaires, et il avait son sac d'hydratation et il courait, sur une piste quelque part. Je vais changer sa situation un peu comme s'il était dans un désert. Je suis plus familier avec les bois du nord-ouest du Pacifique, donc ce sont des arbres. Je veux dire, qu'est-ce que je peux ajouter à cette idée ? Je vais juste copier et coller ça. Ça pourrait être plus précis sur le fait d'être perdu parce qu'en ce moment il est juste comme s'enfuir. Il pourrait s'amuser à se sentir bien, ou se sentir perdu. Peut-être qu'il y a un moyen d'évoquer ce sens avec quelque chose de plus éthérée. Un peu moins sur ce qui se passe de façon réaliste et peut-être sur ce qu'il ressent. Peut-être ces vagues de brouillard ou quelque chose qui vient de lui. Le mot qui me vient à l'esprit est comme s'il était éthéré, et peut-être dans ces zones brumeuses, je pourrais avoir différentes flèches directionnelles pour montrer le sentiment de confusion, je pourrais avoir différentes flèches directionnelles pour montrer le sentiment de confusion, et peut-être que les arbres entrent et sortent au-dessus d'eux. Il crée ce jeu très dynamique sur cette idée d'être perdu. Ça pourrait être intéressant. Je pourrais certainement voir un potentiel vraiment intéressant pour la façon dont ma technique basée sur l'impression fonctionnerait ici avec des couleurs superposées et des surimpressions et des choses comme ça. Ça pourrait être vraiment cool. Essayons un peu plus. Je pense que pour ce concept ici, je vais le rendre aussi proche que possible de ma propre expérience d'être perdu. Donc, quand je suis sur des sentiers, surtout des sentiers que je ne connais pas, je me perds à chaque fois. n'y a aucun doute à ce sujet. Je me retrouve toujours à me questionner aux carrefours. Je serai à un carrefour et je le serai, c'est comme ça ou c'est comme ça ? Donc cette expérience très spécifique d'être sur un sentier et il y a une bifurcation sur la route et je questionne, est-ce que je viens de choisir ce chemin en fonction de l'intuition ou est-il temps sortir mon téléphone et de regarder ma carte et de voir où je suis vraiment. Avec celui-ci, je pense juste à moi et à mon chapeau de course et en regardant mon téléphone perplexe et dans quelle voie aller. Il y a souvent de petits repères sur les arbres, et dans ce cas, peut-être dans cette illustration, nous aurons un pointant dans une direction et un pointant vers l'autre, juste pour donner ce sens de choix. Parfois, quand vous êtes perdu, vous êtes perdu dans votre choix. Vous ne savez pas comment sortir de deux options différentes. C' est une métaphore de la vie. Nous avons, j'aime le sentiment de juste tous ces arbres, ces verticaux presque comme des barres et la lumière filtrant à travers, certaines des branches descendant dans l'image. Donc ici, je pense aux idées, je pense à la composition, je pense à laquelle d'entre elles va avoir le plus grand impact. J' ai l'impression que je n'ai pas rempli ma feuille de vignettes pour perdu, mais j'ai vraiment l'impression que j'ai certainement quelques options fortes pour aller avec ici, et je suis sûr que dans cet ensemble, j'en aurai au moins une à parcourir dans l'illustration finale. Voici quelques autres croquis que j'ai élaboré quelques idées. J' ai ici, quelques croquis pour le carburant. Donc le genre de nourriture que vous mangerez sur une piste. J' ai juste un mélange de différentes choses comme des couches plates d'iconiques à la recherche de paquets de gel énergétique. Une autre chose que je pensais était peut-être juste comme j'ai utilisé du gel énergétique comme j'ai passé la mâchoire d'énergie avec dessus arraché et les trucs sucrés de colle sortant comme un tube de dentifrice usagé ou quelque chose comme ça. Peut-être un paquet pour montrer clairement ce qu'il est et un qui a été utilisé et, bien sûr, peut-être un assortiment différent de sources d'énergie naturelles et basées sur le produit pour la course. Quelques autres choses que j'avais pour perdu, pour juste les panneaux de chemin sur un tronc d'arbre. Ceux-ci pourraient être tout simplement très graphiques en eux-mêmes avec un orange vif peut-être, ou peut-être simplement tenir un téléphone avec vos cartes de sentiers, juste là. Peut-être que quelqu'un le tient. C' est un concept simple qui pourrait bien fonctionner. J' avais des options de croquis pour le caca, ici j'ai quelqu'un qui fait l'acte et quelqu'un vient le chemin et elle est comme paniquer parce que ce serait horrifiant. Voici quelque chose d'un peu plus sournois. Juste la tête de quelqu'un, qu'est-ce qu'ils font dehors ? Nous ne savons pas, mais associé au mot caca, cela pourrait évoquer un sentiment de quelqu'un qui fait cette affaire. Bien sûr, quelque chose d'un peu plus gentil. Une pelle, un désinfectant pour les mains et un rouleau de papier toilette, par exemple. Juste plus de jouer sur l'idée de la personne au tronc d'arbre, ce que j'ai vraiment aimé. 18. Projet | Jours 2-4 : Set pilote (création finie): Cette étape est l'endroit où tout se réunit. C' est là que vous utiliserez la technique choisie pour créer des illustrations finies à partir de vos esquisses. Lorsque vous maîtrisez une technique, lorsque vous avez un style dans lequel vous êtes habitué à travailler, cette étape devient beaucoup plus facile. Je trouve que je peux dépenser plus de la moitié d'un projet juste pour développer des croquis. Quand vient le temps d'illustrer, c'est une navigation en douceur. C' est l'un des grands avantages d'avoir un style d'ensemble ou un ensemble de styles dans lequel vous êtes habitué à travailler. y a des chances, bien sûr, que vous allez essayer une technique que vous n'avez pas encore maîtrisée, et ce sera cette étape que vous trouverez probablement la plus difficile. C' est là que vous découvrirez la courbe d'apprentissage la plus raide et le plus grand écart de goût que d'autres, comme Lisa Congdon et Andy. J. Pizza a souligné, où ce que vous envisagez sera différent de ce que vous êtes capable de faire en ce moment. Vous devriez vous attendre à ce stade, en particulier dans les pilotes, à se heurter à des obstacles techniques. Vous vous demanderez comment faire toutes les choses telles que, comment obtenir un certain effet, quel pinceau utiliser, comment obtenir une certaine texture. Tous ces obstacles sont les choses que beaucoup de gens abandonnent d' essayer de surmonter parce que c'est en travaillant à travers ces obstacles, ou en trouvant des solutions de contournement que vous maîtriserez votre propre technique, et sortirez de l'autre côté avec un plus fidèle à vous style. C' est la partie de la classe où j'aimerais pouvoir vous donner une étape par étape de la technique choisie, vous montrer comment surmonter vos obstacles spécifiques. Bien sûr, je ne travaille qu'à ma manière et mon but n'est pas de faire travailler tout le monde dans mon style. Cela dit, je vais vous guider dans ma propre façon de faire les choses parce que, au moins, je peux vous dire comment j'applique les principes enseignés dans cette classe à ma façon d'illustration, et c'est vraiment la chose la plus importante que je veux vous donner dans cette classe. Je veux que vous voyez comment le style n'est pas seulement quelque chose que je fais complètement par intuition, comme par magie. Il y a beaucoup de réflexion réelle sur les choses, la stratégie et la rationalisation. La bonne et la mauvaise nouvelle, c'est que toutes les techniques que vous voulez apprendre sont là. Que vous souhaitiez apprendre la gouache, la sérigraphie ou la Procreate, quelqu'un enseigne un cours dessus. Mon travail dans cette classe n'est pas de vous donner des techniques spécifiques, mais de vous guider dans la découverte vos propres techniques et de les mettre au point dans des illustrations réelles. Honnêtement, passer par ce processus de frappe des murs et des obstacles va vous faire grandir plus que tout autre chose. Vous découvrirez que vous apprendrez des façons de sauter par-dessus vos obstacles ou vous trouverez des façons de travailler où vous pouvez réussir à éviter ces obstacles. À la fin de l'étape, vous aurez un ensemble pilote, peut-être 3-4 illustrations qui démontrent le style et approche que vous utiliserez pour le reste de l'ensemble de E-Z, ou tout ce que vous avez laissé hors de votre pilote. Ce sera probablement l'étape la plus difficile, mais vous serez alors en mesure de prendre tout ce que vous avez appris ici et de le laisser vous guider, espérons-le plus facilement dans le reste de l'ensemble. Lorsque vous avez terminé votre jeu pilote, assurez-vous de les partager sur la page du projet de classe avec quelques réflexions sur la façon dont le processus s'est déroulé ou se passe pour vous. C' est toujours tellement encourageant et inspirant de voir votre travail, tant pour moi que pour les autres étudiants. L' une des choses énormes de ce projet est le partage. Le partage nous permet de pratiquer et d'être vulnérable à l'égard de notre travail, et d'illustrer pour un public. Cela nous donne également une occasion précieuse de nous faire part de leurs commentaires. Assurez-vous de regarder d'autres projets, leur donner un peu d'amour, et même des commentaires amicaux si vous le pouvez. Si vous envisagez de partager sur Instagram, assurez-vous d'utiliser le tag, TheTyleClassillustration. Je regarde ici mon écran et ce que j'ai fait, c'est que je viens mettre tous mes croquis sélectionnés, et j'ai tout simplement tout à fait pour que je puisse les voir comme un ensemble. Ils ont tous un niveau constant de raffinement pour eux. Ils sont tous très clairs, et aussi très clairement encore des croquis. Ce qui reste à faire est de faire la magie avec couleur, la texture, la forme et toutes les autres bonnes choses. Je dois juste en choisir un et commencer à en faire une illustration. Je vais commencer par l'ours. Ici, j'ai pris mon croquis d'ours raffiné et je l'ai copié et collé dans un nouveau document Photoshop. Donc, pour moi, je vais juste appeler rapidement les paramètres de mon document. Ils mesurent 2400 pixels de large sur 3000 pixels, ou en pouces, soit 8 sur 10 pouces à 300 points par pouce ou pixels par pouce. C' est juste le format dans lequel j'ai choisi de travailler, et maintenant, ici, je dois vraiment définir cela exactement dans Photoshop, c'est là que les choses deviennent réelles et nous devons être plus précis. J' ai donc mon croquis ici. L' une des premières choses que je fais quand j'apporte un croquis dans mon fichier d'illustration final est je voulais revenir en opacité, donc je baisse ça à environ 20, 30 pour cent ou environ, et je laisse ça s'asseoir sur le calque inférieur que j'appelle sketch. Ça vit juste là. Je peux le rendre visible ou le cacher comme j'en ai besoin, que je travaille, et sur le groupe de calques d'esquisse, j'ai mis un groupe de calques sur le dessus que j'appelle art, et c'est là que toutes mes illustrations se produisent, toutes les choses finies se produisent dans ce dossier. Très important, je fais cette opacité de couche de tout ce groupe pour se multiplier. Donc, tout ce que je fais dans ce groupe de calques d'art, le croquis finit par montrer toutes ces choses. Tu verras ce que je veux dire en continuant. Bien sûr, en vous guidant à travers mes propres illustrations finales, je vais utiliser Photoshop. C' est juste l'application que j'utilise qui fonctionne le mieux pour moi. Si vous utilisez Photoshop, alors génial, alors tout cela s'appliquera, mais plupart de ces choses vont s'appliquer à n'importe quelle application que vous utilisez, ce soit Procreate, Illustrator ou autrement. C' est juste un préambule, mais la chose la plus importante pour en sortir sont les décisions que je prends. Comment puis-je appliquer les techniques et les choses stylistiques que je fais à ces problèmes d'illustration particuliers ? Maintenant, avant d'avoir trop d'avance sur nous-mêmes, gardons ça. Je vais prendre cette illustration et le nommer, ours. J' aime toujours lui donner un numéro de version puisque c'est ma première tentative, je vais l'appeler Bear v1 et puis bien sûr, la petite extension là, psd. La prochaine chose que je veux faire est de m'assurer que j'ai mes proportions. Comme je le disais auparavant, je veux que les illustrations soient un carré parfait et ensuite le reste de cet espace sera là où je mettrai le mot. Un moyen rapide de s'assurer qu'il y a un carré est, j'utilise l'outil de tente de réception, l'outil de sélection carré, et je tiens juste le décalage pour qu'il le fasse carré parfait, puis le remplir d'un bord à l'autre de la toile ici. Ensuite, je prends un guide et je le mets en bas. Voilà ma place parfaite. Je peux désélectionner. Comme vous pouvez déjà le voir, je dois affiner un peu mes proportions dans mon croquis. Je vois que l'endroit où j'ai l'intention de mettre mon lettrage est un peu grand. Je vais juste mettre ça là-bas et je ferai ce lettrage ou la coutume plus tard, donc ça n'a pas trop d'importance sur la taille exacte de ce qui est là-bas. Alors, bien sûr, ici, je veux juste m'assurer de remplir autant de cette place supérieure que possible. Je vais le sauver à nouveau et nous partons pour les courses. Pour moi, la première chose que j'ai fait est juste, je choisis quelque chose dans l'image pour commencer à clignoter. Dans ce cas, ce sera la forme de l'ours ici. Donc, je vais juste commencer à faire mes chemins ici avec l'outil stylo, que j'utilise pour obtenir ces formes précises. J' ai ces jolies petites parties d'orteil ici pour l'ours. Je dois être prudent. Je vais juste passer rapidement à travers la forme ici et ensuite je pourrai l'affiner un peu plus tard. Maintenant, en utilisant des chemins vectoriels, vous avez de points de contrôle, plus il est facile de contrôler la forme globale, donc je suis toujours conscient de cela. C' est en fait un truc que j'ai appris en faisant du lettrage personnalisé. Je pense que c'était dans le livre de Jessica Hische sur la conception du lettrage, qui est totalement différent de ce que je fais, mais quelques très bons principes en termes de juste construire des chemins vectoriels élégants. C' est plutôt une technique basée sur l'illustrateur, mais je trouve que cela fonctionne bien. Encore une fois, le principe principal que j'ai appris ici est que moins vous avez de points de contrôle, plus il est facile de contrôler réellement cette forme. Vous aurez moins de bizarreries associées à elle, ce qui est juste la forme de premier plan de l'ours. Dans ma propre technique dans Photoshop, je crée ces chemins, puis je les applique à des groupes de calques entiers, puis tout ce que je fais dans ce groupe de calques devient masqué par cette forme de chemin et je vais vous montrer ce que je veux dire. Je pourrais remplir cela avec une couleur unie comme ça, mais parce que je veux avoir quelques textures dans ce, je vais utiliser un pinceau que j'aime utiliser. Je n'arrive pas à me rappeler ce que ce pinceau est l'un des nombreux pinceaux Photoshop de Kyle T. Webster. Celui-ci est une brosse à base de Guache, je crois que c'est de son ensemble Mary Blair que je l'ai depuis nommé quelque chose de plus spécifique à quelque chose que je faisais à l'époque, mais je l'utilise tout le temps et je vais juste vous montrer comment ça marche. J' ai créé cette forme de chemin, je l'ai masquée, et maintenant j'ai un calque dans ce groupe de calques et vous pouvez voir que je dessine, il remplit la forme. Je vais juste choisir une couleur différente. Lorsque vous commencez, vous n'avez peut-être pas une bonne idée des couleurs pour commencer. J' ai une poignée de couleurs, peut-être six ou huit couleurs spécifiques que j'utilise presque toujours autant que je suis capable sauf si le client me demande de le faire autrement ou si j'ai d'autres contraintes avec lesquelles je travaille, mais ce qui rend mon choix de couleur facile. Je ne couvre pas comment choisir les couleurs dans cette classe. Je n'y vais avec Sweet Spots et j'ai donné quelques invites en termes de quelques couleurs points de départ si vous ne savez pas quelles couleurs commencer avec. S' il vous plaît jeter un oeil à cela dans la classe, les projets et les ressources de ma classe Sweet Spots. Commençons juste à me donner une idée de ce à quoi ressemblera la forme de l'ours et cela me donne l'impression que je progresse et que je trouve plus facile de continuer. Une fois que j'ai une forme moyenne ou une forme sur la page. Même si cette forme d'ours est comme une seule forme, je fais les membres postérieurs ou comme les pieds qui vont derrière séparés, et cela me donne une certaine flexibilité en termes de finition plus tard et d'ajout de textures et aider à distinguer le premier plan et le fond de cette forme particulière d'ours plus tard. Ces deux membres qui se détachent dans le dos peuvent être un groupe et je vais le remplir avec la même couleur qu'avant. Je vais probablement ajouter un peu d'ombrage pour les distinguer des formes de l'ours qui sont plus proches au premier plan ou j'utiliserai des lignes. Voici un détail auquel je vais prêter attention. J' ai fait ma petite forme de patte là-bas à l'aide de l'outil de stylo et il a fait ces petites boucles, ce petit peu d'espace négatif ici. Je peux entrer et être vraiment difficile à propos de ce détail. Équilibre la taille de chaque doigt. Ce petit pinky ici peut être un peu plus petit, mais ce sont des petits détails comme ça. Comme quand je regarde mon travail au fil des ans et je vois quand je pensais qu'il était correct de les laisser, il y a une énergie spontanée pour eux, mais je regarde en arrière et je vois une erreur. Je vois quelque chose qui peut être un détail, peut-être que je l'appelle un déménagement débutant et donc maintenant j'aimerais m'assurer que tous ces détails sont vraiment aplanis. Cela me semble mieux et je peux continuer et bien sûr, vous pouvez choisir de commencer à faire vos formulaires globaux très rapidement et ensuite revenir à ces détails plus tard. C' est souvent ce que je fais. Mais parfois, si je détecte quelque chose, je m'en occuperai tout de suite et je continuerai. C' est quelque chose qui peut faire rapidement. Mais remplissons cet ours un peu plus. Je trouve que cette texture est encore un peu trop granuleuse. Je voulais juste le remplir un peu plus et avec ce pinceau particulier, je trouve que faire un peu plus grand et ensuite travailler plus sur la pointe remplit cette texture un peu plus solidement. Même si ce n'est techniquement pas un pinceau basé sur l'impression, c'est censé être plus Guache. Il a une texture greenie qui me rappelle l'encre greenie sur papier, beaucoup de peintures comme si vous regardez le travail du Provensen, ils ont travaillé à Guache, mais ensuite il serait imprimé sur papier donc il y a ce croisement entre ces techniques de Guache à des techniques de gravure. Ils ressentent tous la même chose pour moi, alors je vais utiliser une brosse différente pour l'œil de l'ours. Ici, j'ai une coutume, je l'appelle comme un pinceau de type Plume Photoshop. Je l'utilise beaucoup pour les détails et le travail de ligne et des trucs comme ça. Voici le poids de l'œil, je vais le remplir avec, bien sûr, l'élève à être sombre. Mes techniques, y compris les couleurs que je veux utiliser et le nombre de couleurs que je veux utiliser, sont vraiment inspirées par ce que Blexbolex a fait dans son travail. Là où il avait comme une poignée de couleurs et si vous vouliez couleurs qui n'existaient pas dans sa palette ou un ton plus sombre, il pouvait mélanger ces couleurs en imprimant l'une sur l'autre. Je peux émuler ce Photoshop en utilisant le canal multiplier ou le mode de fusion multiplier. Pour cela, ce bleu est en fait le ton le plus sombre que je peux obtenir dans les couleurs que je veux utiliser. Je vais juste écrire rapidement ici. Je veux utiliser ce rouge orangé. Je l'utilise dans presque tous mes arts, c'est juste une de mes couleurs préférées que je vais utiliser. Je veux aussi utiliser ce bleu foncé, bien sûr. Je pense que le jaune va être une bonne couleur pour le thème du trail running. Alors le vert serait une belle couleur, bien sûr, parce que vous êtes dans les bois, il y a beaucoup de vert autour, donc il est logique d'avoir cette couleur. Donc ces quatre couleurs, je prétends que ma pièce va être imprimée avec un jeu limité d'encres, dans ce cas, ces quatre. Donc, la question est, comment puis-je vraiment travailler avec ces couleurs et les étirer autant que possible tout en restant dans cette contrainte. Pour l'ours, je veux que ce soit maintenant la couleur de départ afin que je puisse utiliser le rouge pour rendre le reste de son corps encore plus sombre. Donc je vais juste régler mon mode de fusion sur normal. Je vais choisir un pinceau ici appelé Parrain of Grain, qui est par Retro Supply Company, une belle impression, pinceau d'influence de gravure. Je commence juste à dessiner dans une certaine texture en laissant les bords un peu inachevés là, et cela suggérera de la lumière. Bien sûr, le visage, je veux qu'il soit plus léger, donc je vais éviter la zone du visage. Vous pouvez voir que j'ai manqué une partie du remplissage de l'avant-bras là-bas, mais je peux le comprendre plus tard. Mais revenons maintenant le mode de fusion pour se multiplier. Vous pouvez voir que j'ai ce joli ton sombre qui est composé par le bleu et le rouge, le bleu profond et le rouge, et ça crée un ton plus sombre. Si je fais cela partout, cela va créer de beaux effets. Il y a des bizarreries ici, comme une partie de ce rouge d'en bas montrant par ici. Donc je vais juste remplir ce bleu derrière. Ça répare ça. Bien sûr, prenez certains des membres arrière, je crée une nouvelle couche et j'obtiens mon Parrain de Grain et juste le remplir ici aussi. Je vais multiplier ça. Donc je trouve ce bleu plus profond juste un peu trop sombre. Je pense que si je l'allais juste un peu, allais avec un plus léger, je verrais probablement plus de ce contraste entre les zones teintées de rouge foncé et le bleu ci-dessous. Donc, ce que je vais faire est que je vais juste supprimer cela, j'ai sélectionné juste comme un ton plus léger légèrement modifié de cette même couleur, et déjà je vois ce travail beaucoup mieux. Vous voyez vraiment cette transition subtile mais beaucoup plus perceptible des zones teintées de rouge ou des zones teintées de rouge à ce bleu. Je pense que ça va arriver beaucoup plus agréable. Tout comme un côté technique, lorsque vous travaillez dans l'impression, si vous faites un livre d'images par exemple, et qu'il va être sur certains types de papier, en particulier le papier non couché et non brillant, lorsque vous travaillez dans l'impression, si vous faites un livre d'images par exemple, et qu'il va être sur certains types de papier, en particulier le papier non couché et non brillant, couleurs plus foncées commencent à vraiment saigner les uns avec les autres. Donc, avoir une couleur légèrement plus claire et plus foncée aidera vraiment vos chances de ne pas devenir trop boueuse par rapport aux autres couleurs, surtout si deux couleurs plus foncées se croisent l'une contre l'autre. Je vais juste le faire aussi pour ici. Je vais retourner voir Parrain of Grain. Je pense que je vais simplement remplir certaines de ces zones qui mon avis, sont un peu trop légères et contrastées. Nous voulons être plus sombres, sauf pour le visage. Alors maintenant je veux travailler sur les détails de l'ours comme le nez, la bouche et certaines des lignes peut-être. Je vais utiliser un pinceau ici, c'est un crayon 4H de la boîte à dessin de Kyle. Je pense que si je fais du blanc ici et que j'utilise juste quelques coups rapides, ça devrait suffire. Maintenant, je vais mettre ces coups, au-dessus de toutes les formes d'ours et juste l'utiliser pour trier certains de ces détails qui autrement seraient perdus. Je pense que ce que je vais faire est que je vais commencer à lisser un peu et cela va juste aider mes coups de pinceau à être beaucoup plus lisse que je peux naturellement faire avec ma propre main. Pour cela, je pense que cela aidera à coup sûr. Je vais mettre ça à environ 70 et maintenant c'est beaucoup mieux. Une chose dont je suis conscient en termes de style est d' entrer dans cette course légèrement au début, presque comme un jet atterrissant sur la piste. Au début, il touche légèrement, puis le poids total de la chose est sur le tarmac. Cela laisse juste le coup ici juste vraiment plume dedans. Donc, cela ne crée pas une fin abrupte à cette forme, ce qui je pense est un bel effet pour ce style particulier. Ici, je vais aussi définir l'endroit où le cou et poitrine de l'ours se croisent avec le bras derrière. Encore une fois, juste s'arrêter loin du bras là. Je n'ai pas besoin de cette ligne pour aller jusqu'ici, si je le fais, je vais juste faire ça très vite, vous verrez que ça attire trop l'attention sur cette intersection juste ici. Je ne pense pas que ce soit nécessaire pour distinguer ces deux formes différentes qui sont sur deux plans différents. même chose avec ce qui se passe ici. Juste une petite ligne pour séparer les doigts nus un peu plus. Maintenant, les ours n'ont pas vraiment de doigts, mais ce n'est pas un ours réaliste et nous prenons quelques libertés. Ces petits détails aident juste à lui donner un peu plus de caractère. Je peux toujours les réviser plus tard si j'ai l'impression qu'ils ne sont pas la bonne façon de faire. Donc, ici, je trouve que l'arc de mon coup ne correspond pas en fait à l'arc de la forme de chemin que j'ai faite là-bas, et c'est quelque chose que je vais vouloir réparer. Je pourrais le réparer maintenant ou plus tard, mais c'est juste quelque chose à noter et juste avoir cette transition soit un peu plus lisse comme ça. La bonne chose à propos de cet effet de décoloration, cet avion qui touche doucement au début est que cela implique que la ligne continue sans que vous ayez à mettre la ligne tout le chemin. C' est juste une façon plus élégante de placer cette ligne. Pour ce détail ici, je veux juste m'assurer que ces petites lignes, ces lignes blanches masquent ou masquent ou cachent les petites cuspides, ces petits coins tranchants ici. Si je laisse juste ça faire des coups juste là-haut, ça prend ce petit moment de tension et l'adoucit un peu. La seule chose qui reste à faire sur l'ours ici, c'est bien sûr la bouche. J' essaierai juste d'y aller, de le laisser et de voir comment il est assis avec moi plus tard. Ensuite, en termes de nez, je vais revenir à cette couche rouge ici, et utiliser mon pinceau d'encre sur la même couche et en utilisant la même couleur de rouge. C' est la même idée d'imprimer ce ton de lecture sur le ton bleu, ce qui est ce truc de printy que j'essaie de faire dans ce style, et juste de dessiner ce nez là-dedans. Si parfois je trouve que les bords de ce que j'ai peint ou dessiné ne sont pas exactement ce que je veux. Je peux utiliser l'outil gomme défini sur un pinceau. Celui-ci est un autre que j'ai nommé et depuis longtemps oublié ce qu' est la brosse, mais je peux mettre l'outil gomme à ce pinceau et ensuite juste lisser un peu. Nettoyez-le. Je ne veux pas être parfaitement croustillant. Je veux un peu d'un sentiment rugueux à la main à elle, mais c'est un petit détail et je pense qu'il semble juste un peu plus lisse. temps en temps, il est agréable de cacher votre croquis et de voir comment votre œuvre d'art se présente. Je me sens plutôt bien avec cet ours, et il n'a pas l'air super effrayant ou menaçant, mais il est super mignon. Je pense que je vais continuer avec ça. La prochaine chose que je vais faire, c'est que je vais faire cet arbre. Je pense que pour celui-ci, je vais faire descendre l'arbre au niveau des pieds de l'ours. Je vais juste dessiner une ligne directrice, juste pour montrer que les pieds de l'ours sont. Le fond de l'arbre et l'ours sont tous deux assis sur un terrain imaginaire que je n'ai peut-être pas besoin de dessiner. Bien sûr, je peux étendre l'arbre au-delà du sommet de la toile parce que, bien sûr, l'arbre va plus que juste là-haut. Encore une fois, je contient un groupe de calques avec une forme passée et tout ce que je dessine dans ce groupe de calques sera contenu, aura ce joli bord net. Pour l'arbre, je vais utiliser, si vous référencez les couleurs, je tache pour ce projet. Je dois trouver un moyen de faire brun. Je pense que mon meilleur pari sera quelque part dans la combinaison des couleurs rouge et vert ici, ou dans mon imagination, ce sont des encres. Je vais d'abord dessiner une couche rouge ici, encore une fois, en utilisant ma brosse à base de texture plus large. Ce que j'aime dans ce pinceau, c'est que je peux le rendre plus grand, mais la texture qui en sort reste toujours la même échelle, peu importe ce que je fais. Je pourrais continuer à brosser sur ceux et la texture où ces petits piqûres exactes de blanc à travers restent toujours en place comme si c'était la texture littérale réelle du papier donc c'est génial. C' est vrai, je me sens un peu tordu alors je vais le redresser, peut-être le rendre un peu plus, moins effilée. La prochaine chose à faire, bien sûr, est de rendre cet arbre un peu plus brun. Si je dessine un peu de vert sur cela, en définissant à nouveau le mode de fusion pour se multiplier. J' ai l'impression que ça me donne une belle couleur brune vraiment. La prochaine chose que je pourrais vouloir faire est, ajouter certaines des textures d'écorce réelles à cela. Je pense que ce que je vais faire est d'ajouter une couche de plus ici et d'utiliser cette nuance bleue avec laquelle je travaillais. Je vais utiliser plus d'une texture de crayon, et juste dessiner ça dedans. Bien sûr, si je mets le mode de fusion pour se multiplier, soudainement il s'assombrit et a ce bel effet de couleur harmonieux. Enfin, je veux l'ajouter juste un peu de texture à cet arbre juste pour lui donner un peu d'atmosphère. Encore une fois, parrain de vert est grand. Même si j'utilise ce pinceau granuleux, j'utilise l'autre, le pinceau plus gouache que j'utilise pour les textures larges. Alors j'utilise ce pinceau pour certains de ces contours. En fin de compte, je vais m'en tenir à un ensemble très étroit et limité de pinceaux et de Photoshop que j'utilise de différentes manières. Le défi consiste à faire en sorte que tous fassent des choses différentes. Mais l'avantage d'utiliser seulement quelques styles de pinceau plutôt qu'un pinceau différent pour chaque effet différent possible que vous voulez, est qu'il crée une cohérence stylistique. C' est une chose énorme si vous voulez de la cohérence dans votre travail, utilisez toujours les mêmes couleurs. Utilisez toujours le même ensemble de pinceaux. Utilisez toujours la même série cohérente de styles de lettrage. Toutes ces choses s'additionnent au fil du temps. Si vous regardez à travers votre travail corporel et si vous êtes toujours cohérent de cette façon, un style cohérent émerge. Je vais utiliser ce pinceau granuleux, même nuance de bleu pour l'harmonie. Je pense que si je crée une chose comme ça, ça suffit. Pour ces arbres, je vais utiliser ma brosse à gouache. Je vais réduire la taille à 60, et utiliser le vert bien sûr. Je vais mettre le lissage sur peut-être à 70 ou 80 pour cent. Ce que je ne veux pas, c'est quelque chose qui semble trop mécanique. Je veux qu'il y ait un peu de bizarrerie dedans. Je vais faire les branches ici juste un peu plus swoopy que je les ai dessinées dans le croquis. Donnez-lui un peu plus de caractère. Je pourrais copier et coller cela, peut-être en faire un plus bas, et si je trouve que c'est trop manifestement répétitif, ce que je pourrais faire est juste de modifier chacun indépendamment. Donc ce sont des doublons, mais je peux les modifier chacun indépendamment, ce qui donnera à chacun un peu plus d'un sentiment unique. J' utilise l'outil gomme ici pour réduire et aiguiser certains d'entre eux, les faire ressembler un peu plus à ce que je voulais dire, et c'est une chose énorme quand vous utilisez des outils numériques. Le risque que vous courez en utilisant les brosses de quelqu'un d'autre qui sont disponibles dans le commerce est que d'autres personnes vont les utiliser également. Donc, vous n'êtes pas prêt à partir, si vous trouvez un pinceau que vous aimez, vous devriez toujours trouver un moyen de l'utiliser d'une manière unique. Parfois, cela viendra très facilement juste dans la façon dont il atterrit par la façon dont votre main se déplace naturellement, mais aussi dans la façon dont vous modifiez les marques que cette brosse particulière fait. Cela fait vraiment une grande différence en utilisant simplement un préréglage ou un pinceau hors de la boîte. Je laisse quelques bizarreries rester pendant que je fais cela, et permettre à certains accidents de rester sans s'inquiéter trop, est une stratégie que vous pouvez utiliser pour garder votre travail à l'air spontané et non surmené. Pour l'herbe, je vais utiliser un pinceau à base de crayon, quelque chose pour le faire paraître dessiné à la main là-dedans, et je vais juste passer par quelques pinceaux à crayons que j'ai sous la main. Voyez ce qui fonctionne le mieux. Celui-ci fonctionne bien, et juste en gardant à l'esprit les largeurs qui sortent. Encore une fois, j'emploie la répétition ici, si vous pensez à la stylisation et aux principes du design. répétition ici est juste en utilisant trois de la même chose, mais chacun est également fait indépendamment, ce qui rend chacun, ils créent juste un peu plus de mouvement donc c'est même mais différent. Pour ces pôles, je pense que ce que je ferai pour ces pôles est plus précis. Je vais utiliser mon outil de stylo, et je pense qu'ils seront jaunes. J' ai utilisé le jaune ici parce que j'ai besoin d'ajouter une certaine variété de couleurs, et c'est juste une occasion d'en apporter une partie ici. Pour les poignées, j'utiliserai ce bleu plus foncé. veux que ces poignées courent, et je suis en train de lancer ça comme un petit détail, et je peux en fait simplement dupliquer ça. Mettez ça sur l'autre poteau, et puis je vais dessiner les petites boucles peut-être en utilisant la même qualité de ligne que je l'ai fait sur l'ours. Je pourrais même dupliquer ça pour plus de répétition. Parfois, le fond de ces poteaux avait une partie en caoutchouc. Donc quelque chose comme ça. Cela peut être un certain sens d'un design ou peut-être ce sont des poteaux pliables, et c'est le joint où vous pouvez l'étendre, quelque chose comme ça. Avant d'entrer dans le lettrage, regardons l'image. À ce stade, la question me vient de est-ce suffisant que cet ours soit là et que ces poteaux sont là, mais vous ne voyez pas vraiment le coureur ? J' aime ça. Je pense que si c'est une série de trail running et que vous le savez déjà, vous entrez et vous voyez les poteaux là-bas. Il y a assez d'histoire dans l'image, et il y a quelque chose de satisfaisant quand vous regardez une image où vous arrivez à rattraper un peu ce qui s'est passé, vous pouvez participer à la réalisation du reste de cette image. Je vais laisser ça là et me concentrer maintenant sur le lettrage. Souvent, je fais mon lettrage à l'aide d'un pinceau plat à l'encre, puis je le mets sur du papier et je le scanne. Mais j'ai en fait un moyen d'imiter ça numériquement. Je vais juste vous montrer comment je fais ça dans Procreate. Je vais sauter ici pour Procreate et je vais créer un nouveau document ici. Je vous ai montré plus tôt en utilisant des guides de dessin. Les guides de dessin sont excellents pour faire du lettrage. Ce que j'aime faire est de rencontrer ce guide de dessin plus près de dire, une valeur de 75. Ensuite, je mesure juste mes lettres en termes de combien de carrés de grille chaque lettre est. Ensuite, je sais si j'ai besoin de faire, comme pour cette série, je vais faire un mot pour l'ours, puis pour perdu et puis ainsi de suite pour toute la série, ce sera bon de savoir combien de carrés de grille j'ai utilisé et puis je peux être très cohérent sur les proportions de mon lettrage. Pour celui-ci, j'utilise un pinceau de style marqueur plat ou carré. Ce sera un peu petit quand je l'apporterai dans un Photoshop, donc je vais le rendre un peu plus grand. Juste en termes de lissage de chemin ou de lissage de trait comme je le faisais dans Photoshop. Vous pouvez le faire aussi dans Procreate. La fonctionnalité de Procreate est appelée streamline. Pour ce pinceau et pour le lettrage l'avoir autour de 50 pour cent est bon. Cela enlève les tremblements bruts de ma main, mais permet quand même à certains accidents de se produire juste d'une manière légèrement réduite. Donc le premier mot ici est, bien sûr, ours. mesure juste le nombre de carrés de grille que j'ai ici, 3, 4, 5, 6, 7. Maintenant, vous remarquerez que j'ai fait certains coups avant d'entrer dans mes coups horizontaux. Je trouve juste que lorsque je fais un mot et que je me concentre sur les traits verticaux d'abord, puis sur les traits horizontaux, cela crée plus de cohérence dans le rythme de ces lettres. Bien sûr, maintenant je vais utiliser un outil à effacer pour juste couper certaines choses qui sont venues de mes mains brutes, affiner un peu. Encore une fois, je pense que c'est une chose énorme quand vous avez tant de pinceaux à votre disposition dans des outils numériques comme Procreate et Photoshop. Il ne suffit pas d'avoir le pinceau et l'effet qui sort de la boîte. Il est bon de trouver un moyen de faire ce travail un peu plus personnalisé et de montrer que vous avez plus de contrôle sur vos outils. Je permets que certains des bits que j'efface restent visibles comme un petit indice de mon processus sans qu'il soit totalement caché ou totalement évident d'un autre côté. Avant d'être illustrateur, j'étais designer. J' ai été formé en tant que designer et à travers cela, nous avons fait beaucoup de formation typographique, apprenant comment les lettres sont formées dans un ensemble plus officiel. Une grande partie de la façon dont je comprends comment le lettrage fonctionne provient de cela et j'ai aussi eu certaine pratique à faire plus de lettrage à la main à partir de manuels tels que la boule de vitesse, manuels de lettrage à la main et d'autres ressources de ce genre. Même en comprenant l'idée de faire vos traits verticaux et vos traits horizontaux, je n'ai pas inventé ça, c'est juste une technique que j'ai apprise en étudiant efficacement les leçons des autres. J' ai mon premier mot ici. Maintenant, il va être important pour moi quand je suis revenu à faire plus de mots que je sais toujours quels paramètres j'utilise donc c'est cohérent pour cette série. Savoir combien de carrés de grille il est grand en fait partie. L' autre partie est juste de savoir quand j'utilise ma brosse plate ici, quel est le réglage de taille que j'ai utilisé. Je vais juste prendre note du fait que ça, je pense que c'était 16 pour cent, et je vais juste écrire ça ici dans le document. La feuille de calcul était de 16 %. Maintenant, je vais juste copier ceci et coller ceci dans Photoshop. Parce que c'est un iPad et que je travaille sur un Mac, je peux juste utiliser AirDrop pour ça, donc je le copie, et quand il viendra dans Photoshop ici, je vais aller jusqu'à la couche supérieure et l'art, pièce que dans, et qui est presque une taille parfaite, qui a bien fonctionné. Bien sûr, j'ai quelques ajustements à apporter à ce mot. Je vais rapprocher le R de l'A. Je voudrais le faire lire aussi et lui donner un peu plus des textures qui sont évidentes ailleurs. Je pense que c'est subtil mais il n'a pas les mêmes textures et je veux que cela arrive aussi. Ce que je vais faire, c'est tout couper. Je vais aller aux canaux et je montre cette technique dans illustrations encrees spécifiquement où j'utilise des canaux pour échantillonner des textures encrees. Il fonctionne de la même manière avec n'importe quel type de marque faisant n'importe quel type de média. Mais fondamentalement, je crée un canal de ces marques, dans ce cas, lettrage, puis je clique avec le bouton droit sur le canal alpha, puis utilise le masque qui charge pour créer un remplissage de couleur unie dans la forme de ces lettres. Je voulais faire cette couleur rouge, mais je vais laisser cette couleur bleue, et je vais te montrer pourquoi. Je vais juste ramener ça ici. C' est en fait la couleur plus foncée. Je vais juste ramener ça ici. Je vais en fait simplement transformer cela en un objet intelligent afin que si je le taille de haut en bas, il ne perde aucune information. Je vais le réduire un peu, le mettre ici. Voici comment je vais obtenir la texture que j'ai obtenue du pinceau. Je vais juste faire un calque sur le dessus, puis sélectionner le pinceau de texture, assurer qu'il est réglé sur ma couleur rouge, et je vais juste commencer à peindre dessus avec ce même pinceau. Maintenant, c'est là que la magie se produit. Si j'appuie sur l'option de commande G, cela crée un masque à partir des marques ci-dessous et me permet de peindre tout ce que je veux au-dessus de lui et cela prend juste sur les qualités des textures ou tout ce qui se passe sur ce calque supérieur ici. Photoshop appelle officiellement ce masque d'écrêtage. Vous pouvez aussi juste cliquer avec le bouton droit de la souris sur ce calque et aller créer un masque d'écrêtage et qui applique cette texture et la couleur que j'ai faite au-dessus de lui à ci-dessous et soudain vous avez cette image harmonieuse, toutes les mêmes textures qui se passent, un peu de variété parce que j'ai utilisé différents pinceaux et une harmonie des couleurs définie parce que je n'ai utilisé que quatre couleurs et je les ai combinées pour faire des couleurs supplémentaires, et tout ce qui se réunit vraiment bien dans l'image finale. Après avoir fait l'ours, je suppose que nous allons passer à l'illustration suivante. La prochaine que je veux aborder est perdue. J' ai collé mon croquis ici dans le fichier d'illustration final, et maintenant je peux m'assurer qu'il est bien assis dans cet espace. Je vais peut-être séparer la partie lettrage de la partie illustration réelle. Je vais mettre le lettrage de plus près là où il finira plus tard. Puis celui-là, je vais le faire en forme, je veux que ces jambes descendent au fond de cette place. La différence entre celui-ci et l'illustration de l'ours que je viens de faire est que l'ours où les pieds de l'ours étaient dans le fond de l'arbre était assis un peu au-dessus de cette ligne de base, ce guide que j'ai là. Celui-ci va aller jusqu'à ce guide et nous allons couper un peu les jambes des trail runners ici. Tant que je compose cette image de la bonne façon, ça aura l'air très bien. J' ai eu ce croquis et j'ai retrouvé moins opaque et ensuite j'ai tout dans la couche d'art. Maintenant, j'ai fait une action qui fait tout cela automatiquement maintenant, mais ça fait exactement ce que j'ai montré dans la dernière image où j' ai le croquis sur un calque et tiré vers l'arrière à environ 20 pour cent, puis tout l'art se passe dans l'art groupe de couches. Encore une fois, j'aimerais commencer par la chose qui me distingue le plus dans l'image, c'est toujours mon point de départ, et bien sûr t, chapeau va être le personnage dans ce cas. Je pense avoir choisi une partie difficile de lui pour commencer, mais je vais rouler avec. C' est délicat parce qu'il y a beaucoup de couches ici. Il y a son triceps ou la partie supérieure de son bras, et puis ça chevauche son avant-bras. Et puis il y a le téléphone et les doigts là-dedans. C' est un peu beaucoup, mais je vais tout simplement entrer dans ça toute façon et je vais comprendre ça dans un peu. Je vais traiter tout son torse jusqu'à ses genoux comme un seul morceau pour l'instant. Je vais créer mon premier groupe de calques masqués comme ça. Je pense que je vais introduire juste une couleur supplémentaire ici, peu comme un rose pâle. Je vais utiliser ça comme couleur de base. Au fur et à mesure que vous allez dans votre ensemble, vous trouverez peut-être que vous avez besoin de modifier vos contraintes un peu. Dans ce cas, une de mes contraintes était d'avoir ces quatre couleurs. J' ai en fait décidé que je veux une couleur de plus, couleur de base pour travailler avec. Maintenant, j'ai le rouge orangé au vert, ce bleu plus profond et le jaune et maintenant j'ajoute le rose, ce rose très pâle. De cela, je peux obtenir toutes sortes de tons supplémentaires en l'augmentant par d'autres couleurs. C' est mes premiers formulaires vers le bas. Bien sûr, il ne porte pas de vêtements qui ne sont qu'une seule couleur. Je pense que son short sera d'autant plus bleu ici, je vais juste ruiner ça dedans. Puis, je pense que sa chemise, je vais commencer par un jaune et voir comment ça se passe. Je pense juste à ce que seront les couleurs des arbres derrière lui, donc j'ai besoin de couleurs qui sont différentes de ça. Maintenant, je vais juste utiliser un outil de stylo ici juste pour rendre cette chemise un peu plus précise et découpée. Je vais cacher mon croquis une seconde juste pour voir comment ça se passe. Pas encore beaucoup à apprécier, donc je vais continuer à me brancher. Commencez comme pack, ce qui me donnera l'occasion de faire une autre couleur, ce rouge orangé sera génial pour cela. J' aime utiliser ce pinceau de texture parce qu'il permet les couleurs en dessous, pas seulement comme si je vais sur le blanc, vous pouvez voir le papier blanc ou la couleur de la page passer à travers. Il permet également à toutes les couleurs qu'il est au-dessus de briller à travers ces petits points poivrés là-bas, ces petits points salés ou les spécifications salées. Pour les cheveux, je n'ai pas vraiment besoin d'être super précis, je ne pense pas. Je pense que je vais laisser le bord de ce coup de pinceau ici pour être le bord de ses cheveux parce que les cheveux ont tendance à être une caractéristique plus douce de toute façon. Je pense que je peux ajouter ici est son doigt ici fouiller autour de l'interface de la carte ici et je peux me faufiler ça ici et voir que je peux obtenir que ça regarde bien. Bien sûr, remplissez-le avec la même couleur rose. Peut-être que ce que nous ferons ensuite est d'ajouter quelques détails sur le dessus. Donc je vais retourner à ce même crayon 4H que j'ai utilisé pour le travail de l'ours. Je me souviens que j'avais fixé le pourcentage de lissage à environ 70 et cela me permet d'avoir un peu plus d'une qualité de ligne contrôlée. J' ai eu quelques rides ici, où cette ligne change brusquement de direction. L' ajout de quelques rides r 19. Projet | Jours 5-26 : Compléter le décor: C' est la partie où vous complétez l'ensemble des illustrations. Votre objectif, bien sûr, est d'avoir une série de 26 illustrations que vous avez créées tout autant de jours. Vous pouvez prendre plus de temps si vous en avez besoin, ou vous pouvez essayer de les serrer en moins de jours, si vous vous sentez ambitieux. La plus grande force de ce projet réside dans la façon dont il vous met au défi de travailler sur un objectif concentré sur une plus longue période de temps. Vous apprendrez non seulement une tonne sur le style et la technique dans lesquels vous voulez travailler, mais aussi sur la façon dont vous changez et grandissez au fil du temps. Sans aucun doute, votre dernière illustration sera différente de la première, surtout si vous apprenez de nouvelles techniques. L' objectif de ce projet, au moins au début, n'est pas d'avoir un ensemble parfaitement cohésif de A à Z. Le but, c'est que vous grandissiez et que vous deviez mieux. Ce que vous pourriez finir avec un ensemble qui évolue au cours du projet. Si vous voulez, vous pouvez toujours revenir à l'ensemble et travailler plus tard. Quand il s'agit d'avoir un projet quotidien que vous partagez avec d'autres, il ne s'agit pas de chaque illustration parfaite et de ne jamais changer de qualité d'une à l'autre, ce qui est plus intéressant, c'est de regarder en arrière l'ensemble et de voir vous l'artiste grandissant, évolutif, et de mieux en mieux. Un projet quotidien n'est pas une histoire de la cohésion parfaite de votre style, mais de la façon dont vous travaillez et apprenez de nouvelles choses en cours de route. C' est l'histoire dont les autres seront inspirés, et c'est l'histoire que nous devrions vouloir pour nous-mêmes. Maintenant, je vais être honnête ici, j'ai fait mon jeu de palettes, mais au moment de l'enregistrement de ce cours, c'est aussi loin que je suis allé. Pendant que je termine mon alphabet de trail running, honnêtement, j'ai voulu faire plus d'illustration sur le thème de course, et ce cours m'a donné l'occasion de le faire réellement. Qui sait, peut-être que je serai si inspiré par vos propres ensembles complets. Vous allez tous me botter les fesses si fort que je n'ai pas d'autre choix. soit, après avoir fait la palette, j'ai déjà appris une tonne sur la façon dont j'aborde ce sujet, et j'ai maintenant quelque chose que je peux choisir, quand je veux faire un projet plus personnel, ou créer du contenu pour Instagram. Un projet de plusieurs jours n'a pas à se produire tous les jours. Cela peut arriver aussi souvent que vous le pouvez ou le voulez. C' est peut-être mon encouragement à ceux qui estiment que 26 sont encore trop de travail. Je comprends, nous sommes occupés et la vie arrive. Même si vous complétez le projet de palette, vous aurez une longueur d'avance en termes d'apprentissage de nouvelles techniques et d'élaboration de vos questions de style. Je vous encourage à compléter la palette au moins, puis n'hésitez pas à la laisser. Mais je sais que si tu fais le plein 26, il n'y aura pas de t'arrêter. 20. Remarques finales !: Très bien, les gars, on l'a fait. Nous avons résolu tous vos problèmes de style et maintenant vous avez un style singulier complètement unique et vous n'aurez plus jamais à vous soucier de votre style d'illustration. C' est génial. Peut-être que vous avez encore des questions, mais j'espère que vos questions sont plus précises et même que vous en avez plus parce que ce n'est pas avoir de questions qui nous retient, mais ne pas connaître les bonnes questions à poser. Espérons que, en passant par les conférences, exercices et le projet de cette classe, vous trouverez que vous formez plus des bonnes questions à poser et que vous êtes mesure de pousser de l'avant et de ne plus être coincé autant. Encore une fois, mon but pour cette classe est de vous montrer que le style n'est pas quelque chose que vous pouvez comprendre une fois pour toutes, que c'est quelque chose que vous découvrirez au fil du temps que vous évoluez et qu'il évolue avec vous. Que vous soyez un illustrateur de type artiste avec un style unique très discipliné, ou un illustrateur de type designer avec une poignée de styles à votre disposition, style est un outil que vous pouvez utiliser pour vous aider dans votre travail. Le style vous guide, vous et vos clients, et non l'inverse. Vous n'avez pas à vous sentir piégé par un style dans lequel vous ne vous sentez jamais à l'aise en premier lieu. Trouver votre style, c'est savoir ce qui vous inspire, comment prendre cette inspiration et la canaliser dans votre propre travail de manière authentique. Lorsque vous faites cela, il ne s'agit pas du style qui vous convient le mieux, mais de la façon de travailler le mieux pour vous et de ce qui vous donne de la joie et de l'expérience de la croissance et de la transformation en cours de route. Au fur et à mesure que vous travaillez sur vos exercices et projets, veuillez le partager sur la page du projet de classe. La meilleure façon d'obtenir des commentaires de moi et des autres est de le partager ici avec le reste de la classe. J' adore voir tes projets. Je sais que c'est l'un des projets les plus importants et les plus ambitieux jour et je vous remercie beaucoup de votre temps et de votre engagement ici. Comme toujours, lorsque vous partagez sur Instagram, assurez-vous d'utiliser le hashtag, #thestyleclassillustration. J' adore voir votre travail dans la nature, et c'est la meilleure façon pour moi de le découvrir en dehors de Skillshare. Les gars, ce cours a été un malheur à mettre sur pied, mais ça a été une telle joie d'enseigner. Merci beaucoup d'avoir pris la classe et de votre soutien pendant que je l'ai élaboré. Je veux juste dire qu'il y a eu un moment pendant que j'écrivais ce cours quand je doutais que ce cours se réunisse, et tant d'entre vous m'ont envoyé des paroles d'encouragement et c'est grâce à votre soutien que j'ai pu continuer, alors merci. J' ai hâte de voir ce que tu fais pour la classe, et comment ça t'aide dans ton propre travail. Merci encore. Je te verrai dans le prochain cours. 21. Aller plus loin avec une session en tête-à-tête: Hé, juste une dernière chose. Si vous avez apprécié ce cours et que vous souhaitez passer au niveau supérieur de votre parcours créatif. J'ai le plaisir de vous annoncer que je propose des séances de coaching individuelles en collaboration avec Skillshare Il s'agit d' appels vidéo directs d'une heure avec moi où vous pouvez obtenir un soutien personnel plus personnalisé dans les domaines dont vous avez le plus besoin, y compris des critiques de portfolio et des critiques d'illustrations, conseils sectoriels et professionnels, des didacticiels personnalisés et, bien sûr, soutien personnel direct avec n'importe lequel de mes cours, y compris celui-ci, sessions coûtent 130$ ou 105$ si vous êtes pouvez obtenir un soutien personnel plus personnalisé dans les domaines dont vous avez le plus besoin, y compris des critiques de portfolio et des critiques d'illustrations, des conseils sectoriels et professionnels, des didacticiels personnalisés et, bien sûr, un soutien personnel direct avec n'importe lequel de mes cours, y compris celui-ci, les sessions coûtent 130$ ou 105$ si vous êtes un Patrin supporter et seulement 80$ si vous êtes étudiant dans un collège ou une université éligible Maintenant que je sais qu'il ne s'agit pas d'un petit investissement, j'aimerais vous donner une idée de la valeur que j' apporte à ceux qui donnent une chance à ces séances individuelles. La première chose que mes clients disent à propos leurs séances, c'est que je suis prête, je vous accorde toute mon attention et que mes questions et idées sont très personnalisées en fonction de votre situation unique. Dans une critique, écrit Daniel S., Tom s'est très bien préparé pour notre session. Il a posé de très bonnes questions, il était très curieux et j'ai trouvé que c'était une séance très personnalisée. Bien entendu, à la fin de votre session, je travaille avec vous pour créer les prochaines étapes concrètes et réalisables à suivre lors de votre voyage pour réserver votre session Trouvez le lien de réservation sur ma page de profil Skillshare ou rendez-vous sur Tom Frost.com Slash Coaching Je n'ouvre que huit postes de coach par mois, alors ne tardez pas à réserver le vôtre dès aujourd'hui. J'ai hâte de vous rencontrer bientôt.