L'atelier de pré-production d'animation | David Miller | Skillshare
Menu
Recherche

Vitesse de lecture


  • 0.5x
  • 1 x (normale)
  • 1.25x
  • 1.5x
  • 2x

Regardez ce cours et des milliers d'autres

Bénéficiez d'un accès illimité à tous les cours
Suivez des cours enseignés par des leaders de l'industrie et des professionnels
Explorez divers sujets comme l'illustration, le graphisme, la photographie et bien d'autres

Regardez ce cours et des milliers d'autres

Bénéficiez d'un accès illimité à tous les cours
Suivez des cours enseignés par des leaders de l'industrie et des professionnels
Explorez divers sujets comme l'illustration, le graphisme, la photographie et bien d'autres

Leçons de ce cours

    • 1.

      Intro

      2:45

    • 2.

      Pourquoi vous commencez par par le script

      4:23

    • 3.

      Scriptwriting le logiciel Pt 1

      2:53

    • 4.

      Scriptingwriting Pt 2 Réger la scène

      3:03

    • 5.

      Dialogue de personnages Pt 3

      2:47

    • 6.

      Scriptwriting Pt 4 Outles le Scriptwriting

      4:57

    • 7.

      Scénariser des histoires visuelles et des histoires

      4:03

    • 8.

      Scénariser Pt 6 Rewrites et les Ups en punch

      1:15

    • 9.

      Pourquoi nous racontions

      2:02

    • 10.

      Méthodes Pt 1 et logiciels de Storyboarder

      5:11

    • 11.

      Storyboarder Pt 2 créer l'animateur

      2:05

    • 12.

      Storyboarding Pt 3 Ce qui se trouve dans vos storyboards

      4:34

    • 13.

      Voice sur Pt 1 utilisant un site de paiement de voix

      5:06

    • 14.

      Acteurs de voix sur l'enregistrement de voix sur Pt 2

      5:38

    • 15.

      Réflexions finales de l'animation

      1:49

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

567

apprenants

1

projet

À propos de ce cours

Une excellente animation est plus que la conception de personnages et vous permet de créer une histoire solide avec des prises de vues et des voix intéressantes pour la soutenir. Dans « Pré-production animation », nous abordons les scripts, le storyboarding et l'enregistrement de la voix pour nos projets animés. Aucune fournitures n'est nécessaire, mais je recommande quelques logiciels gratuits au cours du cours, notamment CeltX et Storyboarder.

Rencontrez votre enseignant·e

Teacher Profile Image

David Miller

Multimedia Artist For Primordial Creative studio

Enseignant·e

I'm David, a multimedia artist in Phoenix, and my studio is Primordial Creative.  I have always been interested in the visual arts from an early age- drawing, painting, and clay- but around my high school years I became interested in photography for the social aspect of involving other people, the adventure inherent in seeking out pictures, and the presentation of reality that wasn't limited by my drawing skills.

 

One thing in my work that has stayed consistent over the decades since then is I have an equal interest in the reality of the lens next to the fictions we can create in drawing, painting, animation, graphic design, and sound design.  As cameras have incorporated video and audio features, and as Adobe's Creative Cloud allows for use of a ... Voir le profil complet

Level: Intermediate

Notes attribuées au cours

Les attentes sont-elles satisfaites ?
    Dépassées !
  • 0%
  • Oui
  • 0%
  • En partie
  • 0%
  • Pas vraiment
  • 0%

Pourquoi s'inscrire à Skillshare ?

Suivez des cours Skillshare Original primés

Chaque cours comprend de courtes leçons et des travaux pratiques

Votre abonnement soutient les enseignants Skillshare

Apprenez, où que vous soyez

Suivez des cours où que vous soyez avec l'application Skillshare. Suivez-les en streaming ou téléchargez-les pour les regarder dans l'avion, dans le métro ou tout autre endroit où vous aimez apprendre.

Transcription

1. Intro: Bonjour, là-bas. Je suis David Miller. Je suis éducatrice d'artistes multimédia Phoenix Arizona, et je veux vous souhaiter la bienvenue à ce cours sur la préproduction de votre court métrage d'animation. Maintenant, je suppose que vous êtes un animateur indépendant ou que vous êtes juste un couple d'amis qui essaient de se réunir et de créer votre propre film d'animation. Parce que si vous êtes un grand studio, , vous avez des ressources au-delà de ce dont je vais parler dans ce cours. Donc, cela est destiné à l'animateur individuel ou le petit groupe d'animateurs étaient juste de commencer. On va faire une couverture de Teoh, créer un scénario que nous allons couvrir en créant un storyboard, et on va couvrir l'enregistrement audio pour votre film d'animation. Ce que nous ne allons pas couvrir dans ce cours, c'est l'animation réelle de ce film. J' ai d'autres cours relatifs à Adobe Character Animator, qui est un logiciel d'animation de capture de mouvement. C' est ma façon préférée de faire les choses. J' ai aussi un peu d'animation photo shop et d'animation après effets et d'autres cours. Et si vous êtes intéressé par ceux-ci, allez-y et envoyez-moi un message et je vous enverrai des liens vers ceux-ci. Mais j'ai senti que c'était vraiment important. Teoh couverture préproduction sur l'animation parce qu'il y a beaucoup de choses que j'ai appris sur faire mes propres animations que j'ai senti utiles. Et j'ai l'impression que c'est une chose que beaucoup d'artistes brillent parce que quand nous sommes des tiroirs, des illustrateurs et des animateurs, nous sommes très intéressés à faire bouger les choses sur l'écran ou à créer des personnages sur un peu moins intéressés à écrire des scripts et à venir avec des histoires. Mais si vous ne faites pas ces étapes de pré-production, vos animations ne seront jamais vraiment lancées, ou elles seront simplement limitées. Teoh 10 15 2e gags sur Duh Il est important pour nous de prendre des mesures pour créer des choses qui non seulement ont l'air cool, mais ont un but et communiquent une histoire et atteignent d'autres personnes et ont un bon son et un bon dialogue. C' est ce sur quoi nous allons nous concentrer dans cette classe. Je vais nommer des logiciels d'écriture de script, et je vais vous montrer un outil gratuit de storyboard. Mais si vous avez vos propres méthodes qui vous intéressent ou si vous avez accès à autre chose , peu importe le logiciel que vous utilisez, tant que vous pouvez atteindre l'objectif de créer des scripts, storyboards et enregistrement audio 2. Pourquoi vous commencez par par le script: si vous étiez artiste, vous avez probablement des carnets de croquis ou des idées de personnages que vous avez créés. J' ai l'impression que si vous envisagez de raconter une histoire, la première chose que vous devriez faire est d'écrire un paragraphe. C' est quoi cette histoire ? Je n'ai pas à me raconter la fin de votre histoire. Et une fois que vous avez ce guide de paragraphe de ce que vous voulez faire, asseyez-vous et créez le script qui correspond à ce paragraphe. Et la raison pour laquelle nous allons commencer par le résumé et le script plutôt que les dessins est parce que vous finirez par perdre beaucoup de temps si vous créez des dessins pour des choses qui ne sont pas dans un script. Je vais donc vous donner deux exemples de films très connus. L' un n'avait pas de scénario finalisé, mais le tournage roulait, et l'autre, ils avaient finalisé le scénario. Ils avaient enregistré l'action en direct. En ce qui concerne l'animation, ils n'ont animé que ce dont ils avaient besoin et ont pu économiser beaucoup d'argent et de temps. Mon premier exemple est le troisième film Hobbit, qui est une guerre de cinq armées il ya quelques images assez étonnantes sur YouTube où vous voyez Peter Jackson assis confus, sans but contre un écran vert parce qu'ils n'avaient pas fini mais ils tournaient le film. Ce qui s'est passé, c'est qu'il a dû prendre quelques mois de congé pour travailler sur le scénario. Entre-temps, il avait Andy Circus, l'acteur qui joue du film sur colonne, un tas de scènes de combat où les gens courent en avant et en arrière, vont et frappent des sortes. Mais c'était inutile parce qu'ils ne savaient pas ce qu'ils filmaient. Et vous pouvez imaginer combien d'argent sur un film à budget important comme celui-ci a été gaspillé. Et, bien sûr, avec la pression, et le fait qu'ils tournaient déjà le script est plus faible pour cela. Et ces films Air ne se souvenaient pas très finalement de ces trois films Hobbit contre Le Seigneur des Anneaux, qui avait un scénario de finalisation et tout était totalement enfermé, et ils avaient un poste de guide à suivre. Pourquoi les scripts du Seigneur des Anneaux sont-ils plus faciles à remplir que le script Hobbit ? Parce que le livre Hobbit était très court, et quand vous essayez de répandre une nouvelle à travers trois films. Vous trouvez que vous n'avez pas assez de matériel pour remplir ces films, et vous devez inventer un tas de trucs qui finissent par être très faibles. Contrairement à cela, le premier film Deadpool a été créé par les effets spéciaux Guy nommé Tim Miller, et Tim Miller savait que vous pourriez économiser beaucoup de temps et beaucoup d'argent si vous n' animez que ce dont vous avez besoin. Ils ont donc filmé tout le film, et quand il est venu le temps d'y insérer le personnage de Colosse, il savait qu'il n'en avait besoin que pour quelques scènes limitées. Et c'est ainsi que ce film est resté sous le budget et a par la suite fait une somme incroyable par rapport à son budget. S' ils avaient créé tout un tas de trucs pour Colossus et constaté qu'ils n'en avaient pas besoin pour ce film, cela aurait été des millions de dollars à la poubelle, ces exemples de films à gros budget aérien. Mais ce que je veux dire, c'est que tu sais quel est ton scénario. Tu sais ce qu'il faut pour animer ? Votre script doit-il être verrouillé dans un 100% parfait tout de suite ? Pas du tout. Une anecdote de Patton Oswalt qui parle de gratitude. Il a expliqué qu'il a passé trois ans à travailler sur ce film. Il a enregistré son dialogue et a dû revenir quelques années plus tard pour enregistrer un nouveau dialogue parce que l'histoire avait changé. C' est l'un des luxes de l'animation par rapport à l'action en direct, c'est que si vous avez besoin de créer nouvelles scènes, vous pouvez dessiner, animer ces nouvelles scènes et encerclement par rapport à un projet d'action en direct où peut-être l'ensemble était déjà déchiré. Les acteurs sont passés à d'autres projets. Ils se coupent les cheveux, ils ont teint leurs cheveux ainsi de suite et ainsi de suite dans un projet d'action en direct. Si vous avez oublié de filmer quelque chose, nous avons réalisé meteo Makesem tissu conjonctif ou vous décidez changé histoire à mi-chemin. C' est beaucoup plus difficile qu'un projet animé de faire quelque chose comme ça. 3. Scriptwriting le logiciel Pt 1: Parlons de ce qui va dans le script. Ce script aura le dialogue entre vos personnages. Cela inclura l'affichage des changements. Il comprendra une description de ce qu'est la scène. Il n'inclut pas les angles de caméra, les prises de caméra de sorte que vous ne faites pas de gros plan. Ce n'est pas le travail des scripts, le dialogue que vos personnages disent devrait informer l'histoire et ne pas expliquer quelque chose qui est déjà affiché à l'écran. Donc, le script ne contient pas de lignes comme je lève les mains et dis les mots magiques le script simplement, dit Abacha Dobra. Et puis c'est le travail de l'animateur d'interpréter cela, cependant, cependant, il convient le mieux à la scène. Si vous êtes le scénariste et l'animateur, ce sera très facile pour vous d'interpréter. Si vous êtes scénariste et que vous passez à un animateur, alors vous devrez laisser tomber un peu de contrôle et faire confiance au jugement d'un artiste professionnel. Si vous êtes animateur et que vous n'êtes pas scénariste, mais que vous commandez un script à quelqu'un d'autre, alors vous allez devoir trouver un compromis. À un certain moment où le script montre quelque chose et que vous ne pensez pas que cela fonctionne, c'est une animation, ou vous pensez qu'il y a une meilleure façon de l'interpréter visuellement. En fin de compte, film et l'animation sont un moyen de narration visuelle, et il doit y avoir un consensus entre le scénario et les visuels sur la meilleure façon de raconter l'histoire, écrire un script peut se sentir très intimidant si vous ne l'avez jamais fait avant, donc je vais vous montrer un moyen facile de débutants pour obtenir l'écriture. Et, bien sûr, l' une des choses les plus redoutables est la page complètement vierge. C' est la même chose pour tous les artistes. Lorsque vous obtenez un nouveau carnet de croquis ou un nouveau campus et que vous le mettez devant vous et que vous craignez que votre première note ne soit pas la bonne note. Il est important pour nous de réaliser que nous sommes nos pires critiques, et qu'il n'y a pas de mauvaise marque de l'important, c'est de poser quelque chose parce que vous pouvez toujours revenir et le modifier. Réparez-le. Rien n'est permanent, donc ce logiciel particulier d'écriture de script est appelé slugline, et il y a beaucoup, beaucoup, beaucoup, beaucoup de logiciels d'écriture de script est là-bas. Ils peuvent passer d'extraordinairement coûteux à quelque chose de vraiment bon marché ou quelque chose que vous avez déjà intégré dans votre ordinateur. Il y a des gens qui écrivent des scripts sur, disons , Microsoft Word, qui est livré avec Windows, ordinateurs ou même l'application de notes dans le système d'exploitation Mac. Um, utiliser slugline parce qu'il y a des choix d'automatisation et de formatage qui souffrent rend pour moi très simple d'utiliser un script. Si vous venez de commencer, cependant, cependant, je vous encourage à utiliser quelque chose qui est gratuit, voir ce que vous en pensez, et ensuite vous pouvez mettre à niveau vers quelque chose que vous payez réellement. 4. Scriptingwriting Pt 2 Réger la scène: une partie de mon script est où se trouve le décor, et c'est soit un intérieur et un extérieur. Je commence généralement à l'extérieur parce que même si vous allez faire une animation qui implique être à l'intérieur d'une maison, pensez à des choses comme Les Simpsons, où ils démarrent la caméra à l'extérieur de la maison afin que vous puissiez voir à quelle heure de la journée il est. Et puis ils entrent dans la maison. C' est exactement ce qu'on va faire ici. Nous allons taper du texte pour l'extérieur, et vous pouvez voir que ce logiciel d'écriture de script s'élève automatiquement e x T. Parce qu'il sait déjà ce que signifie l'extérieur. Une période matinale de banlieue. Et nous avons quelque chose sur la page, quelque chose avec qui je peux être heureux. Que se passe-t-il dans la matinée. Un papier-boy passe à vélo et jette le journal dans le troisième chargeur. D' autres choses que vous pourriez vouloir avoir comme indices visuels pour tôt le matin impliqué. Peut-être un système d'arrosage. Si vous vivez quelque part qui a de l'herbe, vous pourriez avoir raison. Le soleil se lève au-dessus de l'horizon. Les indices visuels sont corrects. C' est quand vous allez sauvage avec chaque détail qu'il enlève à ce que vous êtes animateur, votre illustrateur. Il va faire aussi présumer que nous sommes tous des artistes indépendants ici. Vous ne voulez pas être trop occupé et trop détaillé avec vos antécédents, parce que cela va rendre votre projet très, très difficile à accomplir. Et si vous avez une configuration qui a une scène trop occupée et trop compliquée, alors si vous ne portez pas cette esthétique occupée et compliquée dans le reste de votre animation, elle se sentira hors de propos. Si vous travaillez avec une équipe de gens et qu'ils sont bons pour mettre en place esthétiquement Izzy et des arrière-plans complexes, illustrations, des animations, alors par tous les moyens, transportez cela à travers le court film, film ou bande dessinée tout ce que vous faites. Mais la plupart d'entre nous n'ont pas ce temps ou cette équipe pour créer quelque chose comme ça. Je pense donc que quelques maisons de banlieue d'affilée voient l'horizon et que le papier-boy bouge et lance un journal va suffire. Teoh, à travers ce qu'on veut traverser, c'est ce qui arrive le matin devant cette maison, la porte d' entrée s'ouvre et un homme sort dans sa robe pour la récupérer, secouant l'eau 5. Dialogue de personnages Pt 3: Maintenant, nous allons avoir notre premier dialogue et nous allons nommer l'homme. Je vais simplement donner à cet homme le nom de mon père, Paul. Et après que j'ai écrit un nom en majuscule quand je frappe, Entrez ce nom va au centre de la page, et puis je peux commencer le dialogue de mon personnage et j'ai donné peu Rasa fressin cause que Yosemite Sam similaire ce grognon peu. Je ne veux pas que l'acteur dise grognement, alors je vais le mettre entre parenthèses. Et puis l'acteur vocal, tout en lisant ce dialogue, devrait être capable de trouver quelque chose d'équivalent Teoh Ce que j'ai et ils ne vont pas dire grogner, grogner à voix haute. Il y a un nom amusant là-bas d'Anak Ter d'Hercule, qui ne comprenait pas que c'était comme une émotion ou une suggestion pour un son dans un de ses scripts. Et il se tient au milieu d'une forêt et crie, déçu, comme si c'était quelque chose qu'il était censé dire, plutôt qu'une émotion qu'il était censé transmettre. Attendez une minute. Ce n'est pas mon monde. Il suffit de soutenir Rasa France, et peut-être que c'est exactement quelque chose. Je veux que l'acteur le répète, c'est similaire à ce que Yosemite Sam faisait traditionnellement. Mais pour moi de venir avec des grognements arbitraires sonne comme Carol et ensuite essayer de trouver comment les écrire ici. C' est juste une perte de temps, grogne, grogne, travaille. Et maintenant, nous pouvons commencer avec l'intérieur, et puis je regarde cependant et cela faire attention dans la section sportive qui n'a pas vraiment de sens. C' est un peu plus logique. Il y aura toujours des verbes dont tu n'es jamais sûr. La meilleure façon de vérifier et de voir si cela a du sens ou si votre blague se traduit lorsque vous l'écrivez est de la lire littéralement à haute voix. Et si vous avez quelqu'un qui est un bon auditeur, une bonne personne rebondit les idées de qui vous donnera des commentaires honnêtes, vous pouvez le lire à haute voix pour eux ou jouer avec eux avant de l'envoyer à votre voix Acteurs. De cette façon, quand vous payez quelqu'un pour lire ces lignes, vous ne le récupérez pas et découvrez que cela n'a guère de sens ou que cela pourrait être fait d'une meilleure façon 6. Scriptwriting Pt 4 Outles le Scriptwriting: la majorité des histoires suivent une structure à trois lois où nous avons présenté nos personnages et notre dilemme. Nous essayons de résoudre le dilemme sans succès, puis une sorte de résolution où soit le dilemme est résolu, soit d'autres choses qui résolvent l'histoire. Mais la plupart des histoires, vous savez, votre protagoniste réussit et tout ce qu'ils essaient de faire, donc je tape ça très vite et vous verrez qu'il manque beaucoup de détails . Mais c'est la structure générale de l'histoire, et ça me dit essentiellement quelles pièces j'ai besoin, qui est impliqué. C' est beaucoup plus facile, non ? Dialogue quand vous savez dans quelle direction vous allez. C' est donc une mauvaise journée pour Paul. Chaque chose mineure va mal le matin. Son fils est blessé par un glissement. C' est quelque chose que nous avons déjà couvert dans notre scénario, et Paul doit l'emmener à un soin urgent, ce qui le rend en retard au travail. Pire encore, il le laisse tomber accidentellement, met des pilules contre la douleur dans la tasse de café de son patron, et à la fin du premier acte, il a été viré de son travail. Pour ces infractions et d'autres. Quelles sont ces autres infractions ? Je ne l'ai pas encore compris, mais dans ma tête, je veux que ce personnage Paul soit un spectateur innocent comme il ne veut pas faire toutes ces choses qui le font virer . C' est juste beaucoup de malchance d'affilée. C' est donc l'Acte un et vous mettez fin à l'Acte un, établissant vraiment quel est le problème et combien de temps l'Acte un sera dans un film d'animation ou court métrage d' animation. Ça peut être cinq minutes. C' est peut-être moins de cinq minutes. Si c'est un court de six minutes, je vais probablement les diviser en générations à peu près égales à des générations infimes. La façon dont je visualise ceci est plus conforme à la structure des Simpsons du Roi de la Colline . Donc probablement huit minutes pour chaque acte. Cela établit également un grand nombre de personnes qui sont des personnes importantes pour lesquelles ils ont besoin de dessins, et les endroits où j'ai besoin d'être actif couvrent le cours d'une semaine et la tentative de Paul de couvrir le fait qu'il a été mis à pied tout en complotant pour récupérer son emploi sournois mais infructueux moyens. C' est donc souvent ce qu'ils appellent le plaisir et les jeux. Et, bien sûr, dans une histoire, c'est la partie où nous sommes le plus investis parce que nous aimons voir ce que nos personnages vont trouver ensuite. Un épisode des dessins animés Roadrunner Coyote est fondamentalement entièrement amusant et jeux. Je veux dire, ils ont l'introduction en latin des personnages dans les 10 premières secondes de ces courts métrages , mais généralement c'est Coyote qui essaie d'atteindre un but et qui échoue , à chaque fois. C' est ce que les couvertures actives. Et puis l'Acte 3 nous amène à un cercle complet quand plus honnête, moins que des méthodes sournoises réussissent, faisant mûrir Paul à un travail qu'il trouve qu'il ne veut pas vraiment. Quoi qu'il en soit, être au chômage était beaucoup plus prospère et lucratif. Donc, je ne me suis pas décrit, encore moins ici. Comment Paul va récupérer son travail. Une chose que j'ai toujours aimé dans mes histoires est une morale. Je n'aime pas les histoires où personne n'apprend quoi que ce soit. Aucun comportement n'a été modifié. Aucune leçon n'a été apprise. J' ai l'impression que si les personnages ne changent pas tout depuis le début de votre histoire jusqu'à la fin de votre histoire, même si c'est un court métrage d'animation que si c'est la structure absolue de la paix , disons dans le cas de les caricatures Road Runner et Wile E. Coyote. Alors il a échoué. La plupart des films, la plupart des émissions de télévision. Vous devez déplacer les personnages du lieu A au lieu B à la fin du spectacle. Le film, le programme. C' est ce que je vais faire avec ce personnage, Paul. Il a besoin d'apprendre qu'être sournois ou grincheux ne l'aide pas autant à réussir qu'à être gentil et honnête. Et ça ressemble à une leçon de Sesame Street. Je pense que c'est vrai dans la vraie vie que les gens qui sont sournois finissent par se hisser sur leur propre pétard. Comme le dit la phrase, si vous êtes honnête sur les choses, disons que vous avez été arraché pour excès de vitesse. Il a menti à un flic. Il y aura de plus grandes conséquences, potentiellement, si vous êtes honnête avec les flics et vos excuses et sincères sur les choses. Je voulais aussi inclure une prise de conscience douce-amère que souvent nous travaillons vraiment dur pour choses dont nous ne nous soucions pas ou ne voulons pas. On s'efforce de conduire le chauffeur comme si on devait avoir ça. On ne peut pas vivre sans ça, et on l'a compris et on se rend compte que tu sais quoi ? Je n'ai probablement pas besoin de ça. C' était une perte de temps et d'énergie d'aller dans cette direction, et c'est ce que je ressens pour Paul retourner à son travail. Il l'a enfin compris et il se rend compte à quel point il est misérable dans ce travail. Et peut-être qu'il s'amusait plus à faire des intrigues pour retrouver son boulot. Peut-être qu'il faisait des choses en écrémant pour récupérer son travail, qu'il gagnait plus d'argent en faisant et que la vie était meilleure que quand il l'avait réellement. 7. Scénariser des histoires visuelles et des histoires: J' ai l'affiche signée, Mon histoire, la seule chose qui manque à part les détails de ce que sont ces choses, je vais habituellement boire beaucoup de café et m'asseoir et réfléchir ou venir avec pendant que je marche le chien. , La seule chose qui manque,c'est ce qui fait que ça mérite d'être un dessin animé. Parce que la façon dont il est écrit, c'est vraiment comme si c'était l'action en direct. On pourrait dire ça à propos de beaucoup de King of the Hill, parce qu'il n'y a pas de magie. n'y a pas d'extraterrestres ou de science- Mais ce que King of the Hill a, c'est une perspective unique de Mike Judge, le créateur du spectacle. Il a également créé Beavis et Butthead. Il a créé la Silicon Valley et des bureaux, et tout ce qu'il fait a l'impression qu'il est unique à Mike. Et ce qui rend le Roi de la Colline spécial. En plus de la richesse de tous les personnages, est le style d'art qui est 100% généré par Mike Judge. Nous devrions également penser à des choses que les dessins animés conduisent qui sont soit difficiles, soit incroyablement coûteuses et l'action en direct, par exemple, ayant des points de vue incroyables. Peut-être que vous avez la caméra dans un trou de souris. Peut-être que vous avez la caméra, sortez de l'espace et allez directement dans la maison de quelqu'un. Un peu comme Google Earth. Il y a beaucoup de choses que vous pouvez inclure dans le script qui le rendent visuel et vaut regarder comme un dessin animé. Donc je pense que beaucoup de ces jeux vont être dangereux dans la façon dont euh, Wiley, Wiley, Coyote et probablement à titre de référence. Je vais regarder un tas de dessins animés de Roadrunner et avoir un bloc-notes et écrire des choses que Wiley Coyote fait que je pense pouvoir adapter pour ce court. Donc le patron fera un voyage psychédélique, et il considérera Paul comme une sorte de démon. Peut-être que quand il virera Paul, sera un malentendu total à cause de ce qui arrive à la psyché des patrons. Peut-être que l'une des raisons pour lesquelles Paul récupère son travail est parce qu'il y a une sorte de tests de drogue qui se produisent sur le patron, et je ne suis pas certain, mais ces air toutes les idées et le remue-méninges. Et quand vous avez quelque chose comme un personnage dans un dessin animé qui fait une sorte de voyage psychédélique , il y a beaucoup de points de référence, une animation à laquelle je peux penser tout de suite. L' un serait l'épisode des Simpsons, où Homer mange sur la folie. Piment. Il y a un sous-marin jaune, bien sûr, de 1968 il y a le nom Go, un film d'animation C G I qui implique une sorte de quête de vision. Il y a Bojack Horseman à la fin de la première saison quand il consomme des quantités massives de drogues pour écrire une autobiographie et je ris parce que, bien sûr, bien sûr,c'est une horrible façon d'écrire une autobiographie, mais ils ont obtenu des visuels vraiment incroyables. Donc quelque chose que vous pouvez faire dans un dessin animé qui serait très difficile à reproduire dans un film serait ce qui arrive au patron quand il ingère les pilules de la douleur. Le dessin animé entier n'a pas besoin d'être une sorte de flipper d'animation, mais nous voulons établir un style qui lui donne une raison d'être visuel et aussi mettre en évidence choses que vous pouvez faire Onley dans ce médium avec des films moins qui ont incroyablement gonflé C g. I budgets travaillait avec à peu près rien, et nous sommes toujours en mesure de faire des choses vraiment cool si nous pouvons convaincre les gens de la vérisimilitude de nos histoires, La réalité des choses qui étaient à venir avec Et la seule façon de le faire est d' avoir une bonne structure d'histoire pour commencer. 8. Scénariser Pt 6 Rewrites et les Ups en punch: Cependant beaucoup de brouillons que vous dio de ce script est en quelque sorte à vous de décider. J' ai l'impression que c'est bien de faire plusieurs brouillons. Je sais ce qui est fait pour les films à gros budget. Souvent, les temps passent par plus de 30 ébauches du script, et ils embauchent d'autres personnes pour venir le frapper. J' ai donc mentionné Patton Oswalt, la voix de la latitude très célèbre comédien. Il a travaillé comme scénariste à son époque, et de nombreux comédiens le font. Si vous essayez d'écrire une comédie et que vous n'êtes pas un comédien vous-même, vous vous liez d' amitié avec quelqu'un localement ou faites une recherche sur Internet pour trouver des gens qui sont des écrivains . Ils le feront volontiers. C' est un autre investissement d'argent et de temps, mais vous voulez vraiment faire de votre projet le meilleur qu'il puisse être. Si vous n'êtes pas une personne drôle, je ne vous encouragerais pas à chercher l'écriture et la comédie. Quel que soit le genre que vous avez la plus forte affiliation avec n'importe quelle histoire que vous pensez pouvoir raconter complètement, c'est vraiment avec quoi vous devriez travailler. Je serais horrible à écrire des mystères parce que je ne sais pas comment trouver un mystère que les autres ne pouvaient pas comprendre en cinq secondes 9. Pourquoi nous racontions: À ce stade, nous allons parler de storing, qui est le processus de présentation de plans qui se rapportent à ce qui est dans votre script. C' est là que vous pouvez obtenir visuel avec les mots qui sont mis sur la page et beaucoup de détails, comme les émotions du personnage ou le positionnement des personnages, comment ils se rapportent les uns aux autres. À quoi ressemble le décor en fait peut tous se réunir dans la phase d'embarquement de l'histoire . Ah, beaucoup de storyboards sont notoirement juste des chiffres de bâton. Souvent, ils ne sont pas faits par des gens qui dessinent, mais des gens qui sont capables de voir les choses cinématographiques afin de savoir où la caméra doit être positionnée, et ils sont conscients de l'échelle relative des personnages les uns par rapport aux autres dans un coup particulier. Le logiciel avec lequel je vais travailler est assez commodément appelé frontière de l'histoire, et c'est un freeware. Une fois que vous avez vos dessins placés dans la bordure de l'histoire, vous pouvez les imprimer si vous avez besoin d'une feuille de storyboard physique pour garder une trace des photos que vous faisiez et vous êtes capable de faire un et un Matic, ce qui est une sorte de démo bon marché de votre film et une Matics n'ont pas beaucoup de mouvement pour eux, mais ils vous montrent ce qu'est le tournage, et ils peuvent être jumelés avec les enregistrements d'acteurs vocaux, ce qui rend vraiment facile pour tous les autres acteurs du film de voir ce que le film est censé être, ce qu'il est censé ressentir et travailler à partir de ça. Dans les films, il y a des réalisateurs qui racontent toujours leurs affaires, surtout les frères Coen. Et il y a des cinéastes qui scénarisent rien de plus notoirement, Werner Herzog. C' est beaucoup plus typique et pas un film d'animation qu'il y a un storboard, une pré-visualisation qui a lieu parce que encore une fois, comme le scénario, nous avons besoin de savoir exactement ce que nous animons. Nous ne pouvons pas nous attendre à ce que nos acteurs se présentent et visent une caméra dans la direction que nous devons illustrer ou construire un ensemble pratiquement dans la direction que nous voulons que la caméra vise 10. Méthodes Pt 1 et logiciels de Storyboarder: Maintenant, avant que nous commencions avec cette histoire. Logiciel frontalier Je tiens à vous faire savoir qu'il y a beaucoup de gens qui à main levée leurs storyboards et l'ont fait depuis des décennies. Il existe de nombreux documents modèles de storyboard qui sont disponibles sur Internet. Parfois, les gens dessinent directement dans leur carnet de croquis, donc l'utilisation d'un logiciel spécifique pour réaliser vos storyboards n'est pas une exigence absolue. Il y a aussi beaucoup d'APS là-bas qui ont une forme de story-board que vous pouvez utiliser sur votre tablette. Votre iPad. J' ai utilisé le papier 53 par le passé. Il est l'un de mes logiciels préférés de dessin de tablette. Cela dit, cette histoire de logiciel Border a beaucoup de fonctionnalités cool qui le rendent simple pour créer l'Ana Matic à partir de notre scénario et histoire de dialogue. Border a la possibilité de dessiner directement à partir d'un script. Si vous l'avez dans le bon formatage, nous allons continuer et le faire, et vous pouvez voir cette histoire. frontière le brise en voyant l'extérieur et l'intérieur. Donc, j'ai vu une maison de banlieue extérieure et puis semble à la maison intérieure de sorte que vous avez vos scènes sur le côté gauche de l'écran. Vous avez vos cadres en bas. Vous pouvez ajouter des cadres très facilement en appuyant sur l'icône plus. Bien sûr, vous pouvez rebondir entre ces images en appuyant sur chacune d'elles. Je travaille sur un grand dessin sur inter qui est attaché à mon ordinateur, donc je vais dessiner avec un stylet réel si vous travaillez sur un iPad. J' ai eu une surface Microsoft pro. Bien sûr, vous pouvez dessiner directement sur l'écran. Actuellement, au moment de cet enregistrement, border n'est pas une application autonome. Donc, si vous travailliez sur l'iPad ou l'iPad Pro, vous ne pouviez pas dessiner directement dans les cadres de la façon que je peux. En utilisant ces outils de dessin ici, ma compréhension est histoire. Border travaille sur la création d'une application autonome pour les appareils IOS. Je crois que vous pouvez dessiner directement dans ces panneaux avec une tablette Microsoft Surface, donc mon premier cadre va presque toujours être un cadre de réglage, très important d'établir le réglage afin que nous puissions nous orienter en tant que téléspectateurs extérieur banlieue à la maison. Je vais utiliser l'outil de crayon parce que c'est plus facile pour le croquis et je vais juste à rue de banlieue légèrement esquissée. Les détails ne sont pas critiques, et certainement pas critiques avec cet outil d'esquisse. Je ne fais que des formes basiques avec l'outil d'esquisse. Ce crayon. Je fais une erreur. Je n'ai pas défaire l'outil ici. Et bien sûr, vous pouvez toujours annuler avec votre contrôle classique. Z Command Z. C'est vraiment à vous de voir à quel point je dois être détaillé ou que je veux être avec vos storyboards. Dans une animation indépendante, vous pouvez simplement faire le storyboard pour vous-même. Et donc je serais en train de faire ce storyboard pour moi à regarder. Je n'ai pas besoin de m'impressionner. J' ai juste besoin de savoir ce que c'est. Et si le tir est littéralement extérieur des maisons, ce pourrait être un détail, comme je dois le comprendre. Si vous essayez de recueillir des fonds auprès d'un Kickstarter ou d'un investisseur, je pense que vous voudriez être beaucoup plus propre et clair avec votre scène globale. Si vous devez modifier les couleurs répertoriées, appuyez longuement sur la palette de couleurs. Sélectionnez ce que vous voulez. Si vous avez besoin d'un pinceau plus grand que ce qui est fourni ici, utilisez les supports de votre clavier et vous verrez que l'outil de stylet devient de plus en plus petit. Je vais dessiner le plus petit papier-boy. Je peux dupliquer le cadre en frappant D. J'ai besoin de dupliquer mon premier cadre qui n'a pas le papier-boy. Alors je dois déplacer ce cadre parce que je veux dessiner le papier-boy avançant dans la rue . Pour ce faire, j'appuie. Et là où se trouve cette icône de triangle rebondissant, j' ai changé une séquence de 12 papier-boy. Vous avez toujours une petite image fantôme de votre photo précédente. C' est la peau de l'oignon. Donc ici je peux voir en partie où mon papier-boy va, et ça m'aide à illustrer où il sera dans le prochain. Frank, je ne fais pas une animation complète, donc je n'illustre pas chaque séquence entre ce qu'il fait. Je suis sur Lee en train de le déplacer pour que les gens aient une idée de ce que le tir est censé être 11. Storyboarder Pt 2 créer l'animateur: donc, par défaut, vos images sont de deux secondes chacune. Si vous voulez que ce soit une vitesse différente, la façon dont vous pouvez changer cela est d'aller directement à votre durée. 1000 millisecondes est une 2e 2 secondes est 2000 millisecondes. Essayons quelque chose de vraiment petit, comme une demi-seconde chaque image. Définissez ça pour chacun d'eux. Si je veux mettre en évidence un groupe d'entre eux et changer la durée tout à la fois, il vous suffit de sélectionner le 1er 1 ancien poste saisi. Le reste va à la durée. Une demi-seconde serait 500 millisecondes, et maintenant ils sont tous changés. Présentons ce que nous avons dessiné en appuyant sur le bouton de lecture. Les autres fonctionnalités et la bordure de l'histoire incluent l'ajout d'un fichier audio. Donc, si vous avez déjà des effets sonores ou si vous avez un enregistrement voiceoff que vous souhaitez ajouter à votre automatique, vous pouvez le faire en sélectionnant le fichier audio ici et en l'ajoutant à votre image. Si vous voulez enregistrer votre propre dialogue pour correspondre à l'action qui se produit dans votre Story Board, disons que vous n'avez pas d'acteur et que vous voulez essayer de définir la durée du tir sur le dialogue tel qu'il est écrit. Vous pouvez utiliser ce bouton d'enregistrement juste à côté de sélectionner audiophile, et vous allez enregistrer directement dans votre ordinateur via le microphone de l'ordinateur lorsque vous avez dessiné vos tableaux pour toutes vos scènes, et il se trouve que je n'ai que deux scènes ici, vous pouvez exporter sur automatique en allant fichier, puis vous avez beaucoup de choix pour la façon dont vous voulez exporter. Vous pouvez imprimer un storyboard ou une feuille de calcul si vous souhaitez simplement avoir des versions imprimées de ce que vous avez dessiné numériquement. Vous avez donc exporté GIF animé comme une option ou une scène que vous pouvez utiliser dans la première coupe finale pro ou W. Vous pouvez également importer des feuilles de calcul ou des images si vous êtes plutôt un illustrateur de papier et de stylo qui s'éloigne de l'ordinateur et ne dispose pas d'un moniteur de dessin mais que vous souhaitez toujours utiliser des bordures d'histoire et des outils Matic 12. Storyboarding Pt 3 Ce qui se trouve dans vos storyboards: À ce stade, nous devrions parler de ce qui se passe réellement dans les cadres, et si vous avez déjà illustré un commentaire ou été un lecteur de bande dessinée, ils ne mettent pas tous les détails dans les cadres d'une bande dessinée. Ils mettent le moment le plus important ou l'émotion ou l'information dans les cadres. C' est tout l'espace qu'ils ont quand la bande dessinée est illustrée. J' ai donc divisé cette information en quelques variétés différentes. L' un est le moment décisif, un terme inventé par le photographe Henri Cartier Bresson. Dans sa photographie, il visait à capturer le moment culminant d'une scène dans cette scène particulière, un homme qui saute dans une flaque d'eau. Mais juste avant qu'il frappe, Donc il a cette énergie qui passe dans le passé et dans le futur. Mais c'est dans ce cadre particulier qui est le plus excitant. S' il avait sauté dans l'eau et avoir l'explosion, oui, ce serait grimactique. Cependant, c'est l'anticipation qui nous excite le plus en tant que téléspectateurs. C' est le moment décisif. C' est la cause et l'effet du coup de poing à élimination directe concerne une séquence d'événements où une chose arrive, provoquant une autre chose à se produire, et si votre histoire d'embarquement et que vous voulez montrer que quelqu'un est tué par un coup de feu, Il faut vraiment montrer au tueur qui se prépare pour ce tir. Soit ils sortent le flingue, vous leur montrez le tir. Mais avoir un cadre où la personne tire à la fois le pistolet et la personne dit argumenté, m'a tué et meurt ne passe pas tout à fait à travers l'énergie d'une scène dont nous avons besoin. Nous devons voir la cause, le coup de feu, et nous devons voir l'effet, la personne qui se fait tirer dessus pour que nous investissons nos esprits dans la scène au début de chaque scène, nous devons établir le cadre. Si nous n'établissons pas le réglage, nous avons des problèmes à la fois avec la crédibilité de ce qui se passe à l'écran et la continuité avec les scènes précédentes. Une fois que vous avez établi le paramètre, vous n'avez pas toujours à mettre en valeur ce paramètre derrière votre personne. Une transition vers un nouveau paramètre est un moyen de rafraîchir l'esprit du spectateur. On a passé à autre chose. Nous avons avancé cette histoire dans une direction ou une autre dans la bande dessinée. Traditionnellement, ils vont établir un paramètre, puis ils vont saupoudrer quelques détails de jeu derrière les personnages. Mais ils peuvent laisser des panneaux qui sont essentiellement le personnage principal émouvant sur un fond vide . Une chose qui sépare les bandes dessinées de l'animation en plus du facteur temps, mouvement et animation est que vous n'avez pas besoin de laisser de place pour les ballons de mots comme ils le font dans les bandes dessinées. Donc, si vous voulez garder un arrière-plan cohérent, c'est génial. Assurez-vous juste qu'il ne submerge pas ce que l'air de votre personnage fait à l'écran. La dernière chose que nous devons nous préoccuper dans l'histoire. L' embarquement est un point de vue, et ce que le plan est réellement. Donc, point de vue se rapporte à un gros plan point de vue de l'œil d'un oiseau, qui regarde vers le bas un point de vue de l'œil vers le bas, qui est près du sol et regarde vers le haut. Mais les prises de caméra se rapportent au mouvement de l'appareil photo réel qui pourrait zoomer sur un personnage où vos figures ou votre arrière-plan s'agrandissent. que le temps progresse, il peut s'agir d'un zoom arrière à l'endroit où vous commencez à se rapprocher de quelque chose, et au fil du temps, il devient plus petit à mesure qu'il recule en arrière-plan. Il peut s'agir d'un pan ou d'un bonbon, où la caméra se déplace réellement d'un côté à l'autre ou tourne autour d'une figure ou d'un objet. Ce sont des choses que vous pouvez établir en magasin d'embarquement. Donc, quand vient le temps de l'animation, vous avez déjà des décisions prises pour vous. Il y aura toujours un dessin ou une photo spécifique qui sert le mieux l'histoire qui vend le mieux l'émotion de ce que les personnages sont censés ressentir, ce qu'ils sont censés penser qui donne au public toutes les informations importantes il a besoin, tout en s'assurant que tout ce que vous mettez sur l'écran est visuellement intéressant. Si rien d'autre, quand le story-board est resté dédié à ce qui raconte le mieux l'histoire, et que vous êtes susceptible d'avoir beaucoup de succès dans votre travail, ok si vous faites cela, vos storboards devraient être clairs n'importe qui, qu'ils soient entièrement rendus ou des figures de bâton de base, qu'ils aient tout un tas d'action pour eux ou s'ils ne sont que les moments les plus simples et décisifs de vos scènes. 13. Voice sur Pt 1 utilisant un site de paiement de voix: Une fois que vous avez le scénario et que vous avez votre storboard, c'est le bon moment pour enregistrer les voix de vos acteurs. Une erreur que beaucoup d'animateurs font est de simplement utiliser toutes les voix qui leur sont immédiatement disponibles, y compris leur propre voix. Donc, vous pouvez être un grand artiste de storyboard, mais il est peu probable que vous soyez capable de faire tous les personnages voix jeunes, vieux, hommes, hommes, femmes de tous les horizons de la vie. Et les gens qui regardent votre film remarqueront certainement si c'est la même personne qui fait chaque voix. Ils remarqueront s'il est mauvais et ils remarqueront s'il est mal enregistré. C' est pourquoi je vous encourage à rechercher un acteur professionnel, des artistes vocaux. Et je ne parle pas des gens qui travaillent sur les Simpsons ou Futurama. Mais il y a beaucoup d'options pour trouver la voix sur le talent, voix sur les acteurs. Donc, vous avez des sites Web comme voix dot com, le domaine de la voix, beaucoup d'autres. L' une des grandes choses à propos de ces sites est que vous pouvez auditionner des gens pour des voix particulières. Vous pouvez être sûr qu'ils vont livrer parce qu'ils ont des notes et des critiques, et vous pouvez également être sûr qu'ils ont de bons scénarios d'enregistrement. Ils ont un home studio ou ils vont dans un studio. Ils ont accès à un bon studio d'enregistrement, et ils livreront quelque chose qui n'est pas plein de bruit qui n'a pas besoin d'être nettoyé , n'a pas beaucoup d'éco ou de rivière et n'a pas de tamis PLO sur le micro, qui est l'endroit où vous parlez dans le micro et utilisez P, et il pousse là. Il est très difficile de nettoyer ce genre d'erreur. Nous allons entrer dans de bonnes techniques d'enregistrement audio dans quelques minutes, mais je veux vous guider dans quelques-uns de ces sites et vous montrer comment vous pouvez rechercher des talents pour votre projet. Donc, ici, nous avons trois sites où vous pouvez couramment rechercher des talents d'acteur de voix, des voix dot com, le lapin vocal et le royaume de la voix. Donc, rechercher spécifiquement l'animation est-il vraiment facile ? On peut aller directement aux voix de dessins animés comme mot clé. C' est un mot-clé commun dans tous ces, donc je vais aller de l'avant et parcourir les acteurs de la voix facture lapin, et vous avez le choix de quel type de langue, y compris les variations de l'anglais. Vous avez quel genre de sexe et de groupe d'âge. Nous avons donc des jeunes, adultes, femmes, blancs et un grand nombre de jeunes adultes mâles, 7000 voix, hommes d'âge moyen, 11 000 voix sur le lapin de voix seul. Vous avez le but et on dit des personnages dans les jeux vidéo Allez-y et cliquez dessus. Et puis vous avez les échantillons de voix qui, comme vous pouvez lire non, vous pensez pouvoir me détruire ? Pas moyen. Donc, sur chacun de ces sites, vous êtes en mesure de sauver des acteurs. Deux favoris Si vous aimez leur style ou que vous pensez qu'ils vont être adaptés à votre projet particulier, chaque acteur a un taux différent, il est donc très difficile de dire combien vous devriez budget pour l'action vocale. Mon expérience, cependant, est que toujours aller pour exactement ce que vous voulez. Si vous avez besoin de trouver un moyen d'augmenter votre budget, vous devez trouver un moyen de collecter plus d'argent pour votre projet animé que c'est ce que vous devez faire. Mais si vous vous réglez pour les acteurs les moins chers, alors vous êtes vraiment assis sur votre projet pour l'échec. Voici Toby Ricketts. Je dois piquer avec ton nom dessus pour que tu aimes quelque chose. Ainsi, comme vous pouvez le voir ici sur Voice Bunny, le taux de départ pour 150 mots audio d'une minute est de 69$. Ça commence, non ? Tous les acteurs n'ont pas ce prix particulier et pourraient être beaucoup plus élevés parce qu'ils sont plus en demande. Cinq minutes d'enregistrement Vous commencez à 43. Je me souviens avoir prix un produit il y a un moment avec une actrice que je voulais pendant cinq minutes, et j'avais même un coupon. C' était quelque chose le quartier de 304 $100 il semble cher, mais vous obtenez des choses à l'intérieur. R. Vous obtiendrez un enregistrement professionnel dans quelques jours par un professionnel qui sait ce qu'il fait, et souvent vous pouvez les diriger sur Skype pendant le processus d'enregistrement. Donc, s'ils font les choses un peu différemment de ce que vous voulez faire pour votre projet animé, vous êtes en mesure de faire des suggestions et ils le suivront. 14. Acteurs de voix sur l'enregistrement de voix sur Pt 2: Donc, une fois que vous savez qui fait les voix pour votre animation, nous devons parler de la façon de les enregistrer, surtout si vous êtes celui qui fait l'enregistrement. La première étape est que vous avez besoin d'une configuration cohérente. Donc, quand vous avez des voix d'acteurs à côté de l'autre dans votre animation, une ne semble pas avoir été enregistrée dans le placard, et l'autre semble avoir été enregistrée dans un champ ouvert. Si vous êtes celui qui fait un enregistrement, vous pouvez louer du temps de studio et les faire entrer soit complètement, soit un à la fois. Ou vous pouvez créer une sorte de configuration d'enregistrement mobile. J' en ai un, et j'ai transporté et enregistré les acteurs moi-même. Ma configuration d'enregistrement mobile implique en fait les choses que j'enregistre ce tutoriel actuellement, Donc j'ai un iPad avec GarageBand en cours d'exécution. J' ai un micro framboise bleu Fréquemment, si j'enregistrais des acteurs, j'aurais un filtre pop, qui est quelque chose qui se trouve devant un microphone et qui empêche l'endroit de la tempête qui traverse, et j'aurais une sorte de mousse absorbant le son autour du microphone. J' ai vu des gens faire ces trucs eux-mêmes. Mais vous pouvez acheter ce genre de boîtes à absorption sonore très bon marché, et j'aurais probablement une absorption sonore supplémentaire sous le microphone. Comme actuellement, j'ai une serviette sous ce microphone, donc il n'attrape aucune réverbération sur une surface en bois dur. Pendant que j'enregistre ceci, s'il y a des défauts audio dans votre processus d'enregistrement, ils apparaîtront, et ils rendront votre dessin animé très difficile à regarder. Il y a très peu de choses que vous pouvez faire pour corriger les sons lorsque vous avez une réverbération d'écho massive, fermer les identifiants sur eux. Vous pouvez rechercher sur Google ou YouTube sur la façon de réparer ces choses, et vous pouvez dépenser beaucoup d'argent à acheter des plug-ins. Mais en fin de compte, la plupart de ces choses ne fonctionnent pas, et vous êtes beaucoup mieux de capturer un bon son. Le meilleur que vous pouvez et de manière cohérente entre tous vos acteurs, prenez toujours le temps de configurer vos affaires correctement afin que vous n'ayez pas de problèmes que vous ne pouvez pas résoudre en post-production. Maintenant, si vos acteurs enregistrent ensemble, il est très difficile d'obtenir un bon enregistrement entre deux personnes sur un seul microphone, donc vous aurez besoin de plusieurs microphones pour cela dans la majorité des films d'animation et travail de voix off. Les gens n'enregistrent pas ensemble si vous êtes dans un scénario où vous êtes assis avec votre acteur vocal et qu'ils lisent leurs lignes. Mais c'est un dialogue, donc il doit y avoir un autre acteur qui répond à eux en tant que réalisateur, scénariste producteur. Quel que soit le rôle que vous avez, je vous encourage à lire le dialogue de la personne avec laquelle ils ont une conversation . Donc si j'avais agi en disant leurs lignes, je jouerais l'acteur B et je dirais mes lignes. Même si je ne suis pas un bon acteur, j'ai juste besoin de remplir l'espace et d'avoir du rythme. Donc cet acteur sait comment réagir rapidement. Et quand vous prenez vos fichiers audio dans votre éditeur de son, vous pouvez simplement découper l'acteur B. Vous pouvez découper votre mauvaise action. Vous donnez à votre acteur quelque chose à quoi répondre quand vous avez une séance d'enregistrement avec quelqu'un et qu'il enregistre ses lignes. Votre mieux servi pour obtenir plusieurs prises d'une lecture de ligne. Le réalisateur Stanley Kubrick était célèbre pour avoir fait répéter des scènes plus de 100 fois à ses acteurs. J' ai l'impression que ce n'est pas seulement inutile, mais c'est très ennuyeux pour votre voix, acteurs s'épuisent tôt S'ils sont quelqu'un qui a l'impression de savoir exactement ce qu' ils font, font,ils savent comment agir. Un bon nombre de prises peut être de 3 à 5 prises. Et quand quelqu'un lit une ligne, il lit cette ligne de trois façons différentes. Vous, en tant que réalisateur, êtes responsable de guider les acteurs dans les directions qu'ils devraient lire ces prises. Si quelqu'un dit, surveillez les hommes radioactifs, vous pourriez alors dire, OK, faites-en un avec Mawr Theory. Attention, homme radioactif. Ok, maintenant faites-en un avec plus de peur et plus vite ce que vous avez déjà érigé, mec. Et maintenant, vous avez vos trois prises et vous pouvez choisir après le fait lequel correspond le mieux à votre script, votre animation. Mais vous avez trois choix, et ils sont très distincts. Bien sûr, parfois il y a un dialogue où il y a un langage confus. Peut-être, et ce pourrait être un point où vous devez réellement changer le script à la volée. Parce que souvent, quand les écrivains écrivent des choses, ils ne pensent pas à la façon dont ils vont être prononcés à haute voix et à quel point il est difficile pour les acteurs de dire : Allez-y et regardez en haut. La très célèbre publicité de pois Frozen Orson Welles pour obtenir un bon exemple de la façon dont un grand acteur peut être déclenché par un dialogue mal écrit. Mais comme tout le reste dans cette classe de pré-production, si vous avez pris le temps de Teoh, écrivez le script et assurez-vous qu'il fournissait des informations importantes pour faire avancer l' histoire, et les mots n'étaient pas pleins de syllabes et de sons confus. 15. Réflexions finales de l'animation: un dernier conseil quand vous enregistrez votre voix sur les acteurs avant de fermer la session et de rentrer chez vous . Revenez toujours en arrière et assurez-vous que vous avez l'enregistrement dont vous aviez besoin, car ce sont instances que j'ai eues où mon logiciel a foiré et découpé des sections de dialogue. Ce microphone a un nam audio, et peut-être qu'il a été tourné vers le bas, et je n'étais pas au courant quand nous avons fait l'enregistrement, donc le son était trop doux pour l'utiliser et je n'ai pas pu le booster. Il y a des moments où il y a juste un bourdonnement bizarre parce que peut-être un câble a été cassé. Il y a des choses qui apparaîtront dans votre enregistrement final, et si vous avez déjà appelé la fin de la session et que vous êtes rentré à la maison ou que votre acteur de voix sur voix est rentré à la maison, alors vous devez faire tout à nouveau et tout ce qu'il aurait pris waas quelques minutes pour vous faire passer et vous assurer que vous avez ce dont vous aviez besoin. Plus que tout, j'espère que tu es sorti de cette classe. Cette préparation est d'une importance vitale pour créer la chose que vous voulez faire et nous en tant que créateurs, animateurs illustrateurs ont tendance à vouloir être satisfaits tout de suite. On veut faire quelque chose. Nous voulons le voir bouger. Si on saute les étapes où on enfonce l'histoire, on obtient un bon son. Nous découvrons ce que sont nos coups de feu. Si nous avons sauté ces étapes que notre produit va être tellement pire pour ça, n'oubliez jamais ce qui s'est passé. Peter Jackson. N' oubliez pas de consulter mes autres cours sur l'animation, en particulier ceux animateur de personnages de bandes dessinées animateurs, illustrateur After Effects Photoshopped Mawr Si vous avez quelques exemples de choses que vous avez faites à la suite de cette classe, J' adorerais le voir. Ainsi, vous pouvez m'envoyer un e-mail à info au point com créatif primordial et partager vos créations avec moi . Parle-toi la prochaine fois.