L'art du zentangle : dessiner vos propres motifs méditatifs uniques

1. Bonjour !: Avez-vous déjà remarqué que tout ce qui nous entoure est rempli de formes et de motifs ? Qu'il s'agisse de l'architecture glorieuse des monuments, des vêtements développés par des créateurs de mode ou simplement des éléments de la nature. Nous pouvons voir des formes et des motifs inspirés littéralement partout. Bien entendu, ce n'est un secret pour personne que tous les artistes sont inspirés par ce qu'ils voient autour d'eux et qu'ils sont toujours à la recherche de moyens créatifs intégrer leur inspiration dans leur pratique artistique. Dans ce cours, c'est exactement ce que nous allons faire avec une approche très attentive, consciente et simple. Bonjour à tous et bienvenue dans ce cours. m'appelle Ridhi et je suis cinéaste et artiste multidisciplinaire originaire de l'Inde. J'adore travailler avec des motifs, ce qui explique probablement mon amour pour méthode artistique Zentangle et le fait que je sois un professeur certifié en Zentangle. Ce cours fait suite à mon cours précédent sur Skillshare, qui est un guide pour débutants sur la méthode Zentangle et vous présente la terminologie et le cadre essentiel de Zentangle. Si vous êtes tombé sur cette classe actuelle sans avoir vu la précédente, je vous recommande vivement regarder d' abord cette classe pour vous familiariser avec ce qu'est exactement Zentangle. Ne vous inquiétez pas, c'est rapide, vous apprendrez les bases en un rien de temps. Si vous avez déjà assisté ce cours, à ce cours, alors bienvenue à la prochaine étape de votre belle aventure, où je vous promets de vous faire tomber amoureux des motifs, à coup sûr. Ce cours est parfait pour les concepteurs de motifs de surfaces et les illustrateurs qui souhaitent ajouter de nouveaux designs à leur portefeuille. C'est également un excellent cours pour les passionnés de Zentangle ou de Zen- Doodle qui souhaitent améliorer leurs dessins. Vous pourriez même être un débutant ou un amateur cherchant à expérimenter de nouveaux styles ou médiums, et vous pourriez être un artiste numérique ou un illustrateur à la recherche de nouvelles idées à inclure dans votre travail. Le meilleur, c'est que vous n' avez pas besoin de compétences préalables en dessin ou en art pour suivre ce cours. Mais comme je l'ai dit, il est recommandé de regarder d' abord le cours pour débutants afin de vous familiariser avec la terminologie que j'utilise. Maintenant, en ce qui concerne la structure des cours, nous allons commencer par quelques exercices d'échauffement pour améliorer nos mouvements, puis nous apprendrons à identifier les formes qui nous entourent. Ensuite, nous apprendrons comment convertir ces formes en motifs ou motifs , également appelés enchevêtrements dans la méthode Zentangle. À partir de là, nous passerons à l'apprentissage des agents d'enchevêtrement, qui sont essentiellement des techniques visant à embellir ou à améliorer un motif existant. Nous passerons ensuite au travail avec structures enchevêtrées et les enchevêtrements. Enfin, nous travaillerons sur un projet visant à appliquer tout ce que nous avons pratiqué et appris en classe. Maintenant, l'une des raisons pour lesquelles je présente beaucoup d'informations dans ce cours est à cause de tous les commentaires que j'ai reçus de mes étudiants au fil des ans. Mes étudiants disent toujours que lorsqu'ils naviguent sur Internet, ils trouvent une pléthore d'idées de modèles et d'enchevêtrements dont ils peuvent s'inspirer. Ensuite, ils trouvent qu'il est très facile reproduire ces idées lorsqu'ils s'entraînent. Mais lorsqu'il s'agit de développer leurs propres œuvres originales et uniques à partir de zéro, ils se sentent un peu bloqués, un problème très courant auquel sont confrontés la plupart des artistes, ne pensez-vous pas ? Eh bien, tout le monde veut développer des motifs qui n' ont jamais été vus auparavant ou des motifs uniques qui reflètent véritablement son propre style individuel. En résumé, nous cherchons des moyens de développer l'art sans avoir à dépendre de directives ou de cadres. Cela s' accompagne souvent de cette compétence, capacité et de cette confiance nécessaires pour développer vos propres designs uniques. Je veux m'assurer vous fournir tous les outils et techniques nécessaires pour développer ces compétences en toute confiance. C'est le but de tout ce cours, et je suis très heureuse de partager toutes mes connaissances avec vous. Allons-y et commençons à créer des motifs sympas. À bientôt. 2. Matériel: Avant d'entrer dans le processus de dessin proprement dit, je voulais vous montrer rapidement tous les matériaux que vous pouvez utiliser pour ce cours. Tout d'abord, nous aurons besoin de quelques fiches pratiques. Maintenant, il peut s'agir d'un carnet de croquis de bonne qualité que vous utilisez probablement déjà pour votre pratique quotidienne du dessin ou aussi basique que du papier à copier. C'est juste pour s'entraîner. Tout ce qui est abordable et facilement accessible fonctionnera parfaitement. Ensuite, nous avons besoin de stylos à dessin, qui sont parfois également disponibles dans les magasins d'art sous des noms tels que Fine Liners ou Stylos techniques. J'utilise généralement ces stylos Sakura Pigma Micron qui se déclinent en différentes tailles de pointe. La taille des pointes permet d'indiquer l'épaisseur des stylos. Sakura Micron a généralement des chiffres écrits dessus, comme 01, 02, etc. En regardant les chiffres, vous pouvez facilement connaître l'épaisseur et cela indique en fait l'épaisseur sur le corps du stylo lui-même. Maintenant, vous pouvez vous procurer ces stylos par lots, ou vous pouvez également les perdre individuellement , selon la marque que vous achetez. Si vous commencez tout juste votre parcours de dessin, vous n'avez pas besoin d'acheter un pack complet pour vous-même. Vous pouvez simplement vous en procurer quelques-unes dans deux ou trois tailles de plume différentes, et cela devrait être tout à fait correct. Si vous n'avez pas cette marque en particulier disponible dans votre boutique d'art, ou si vous préférez simplement travailler avec une autre marque, c'est très bien aussi. Nous recherchons essentiellement des stylos à dessin de bonne qualité. Ainsi, toute marque locale facilement accessible abordable convient parfaitement à ce cours. Ensuite, nous avons besoin d'une surface pour votre dessin final, qui sera également votre projet de classe. Ceux d'entre vous qui connaissent méthode Zentangle savent que nous dessinons généralement sur ces carreaux Zentangle carrés de 3,5 pouces. Mais pour ce cours en particulier, je tiens à vous encourager à essayer quelque chose de plus grand. Donc, dans mon cas, je vais utiliser ce papier mixte carré de 15 centimètres sur 15 centimètres, qui mesure environ six pouces de largeur et six pouces de hauteur, mais vous n'avez pas à travailler sur le même format que moi. Vous pouvez travailler avec huit pouces ou 10 pouces, quelle que soit la taille avec laquelle vous aimez vraiment travailler ou avec quelque chose avec lequel vous êtes le plus à l'aise. En fait, ce n'est même pas nécessairement que vous deviez travailler uniquement sur un format carré. Je préfère simplement travailler sur un format carré, c'est pourquoi la plupart de mes dessins et carnets de croquis sont tous carrés. Mais vous pouvez également travailler sur une forme rectangulaire en mode portrait ou paysage horizontal , comme vous le souhaitez. N'hésitez donc pas à expérimenter avec des formats de papier et des formes en fonction de votre niveau de confort. Je tiens à mentionner rapidement que l' épaisseur du papier est importante lorsque vous travaillez avec plusieurs couches d' encre et de graphite. Pour cette classe en particulier, je recommande un papier d'une densité supérieure à 160 g/m². Le minimum est donc 160 g/m² et vous pouvez utiliser ce que vous voulez, et de préférence essayer de travailler de 160 g/m² et vous pouvez utiliser ce que vous voulez, et de préférence essayer de travailler avec une surface pressée à chaud ou dont la surface est lisse. Ainsi lorsque vous travaillez avec plusieurs couches de graphite et d'encre, vous pouvez faire glisser votre stylo et votre crayon sur la surface en douceur. En résumé, essayez simplement de rechercher un papier lisse, de poids moyen à épais, qui peut contenir plusieurs couches de graphite et d'encre. Bien sûr, cela nous amène maintenant à notre prochain outil, qui sera un crayon graphite. Les crayons graphite de marque Zentangle sont généralement fabriqués avec du plomb HB. Si vous n' en avez pas dans votre région, c'est très bien. Vous pouvez utiliser n'importe quel crayon à mine HB de n'importe quelle bonne marque. Vous pouvez également utiliser un crayon à mine 2B ou 4B. Mais je ne recommande pas d'aller plus loin si vous êtes débutant, car il devient alors un peu difficile de contrôler les crayons. Si vous n'avez pas beaucoup d'expérience avec le graphite, vous pouvez vous en tenir à des crayons entre la gamme HB et 4B. Maintenant, nous aurons également besoin d'un tortillon, qui est essentiellement un petit outil en papier roulé doté d'un joli dessus pointu pour pénétrer dans les coins fins de votre dessin lorsque vous mélangez le graphite et que vous effectuez votre ombrage. Comme alternative, vous pouvez également utiliser des souches de mélange, qui sont facilement disponibles dans un magasin de fournitures artistiques. Maintenant, comme vous le savez probablement tous grâce au cours d' introduction, n'est pas utilisée gomme à effacer n'est pas utilisée dans la méthode Zentangle. C'est parce que l'art Zentangle suit la philosophie de l'absence d'erreurs. Tout comme notre vie n' a pas de gomme ni bouton de suppression, nous n'en avons pas dans le jeu d' outils Zentangle, nos soi-disant erreurs ou traits involontaires sur le papier ne sont que l'occasion pour nous de faire de nouvelles découvertes. Cependant, dans ce cours particulier, je souhaite vous aider à améliorer votre dessin en développant vos propres motifs uniques. Comme vous n'allez pas travailler avec des modèles préexistants et que vous allez beaucoup inventer et expérimenter, il est logique que vous ayez une gomme à effacer avec vous pour ce cours en particulier. Cela vous aidera à peaufiner et tous les modèles peaufiner tous les modèles que vous allez expérimenter. Vos œuvres d'art finiront par paraître beaucoup plus polies et finies avec une gomme à effacer et biocides. Je recommande vivement d' en garder un pour ce cours. C'est tout pour toutes les fournitures. Nous sommes maintenant prêts à plonger profondément dans le monde des motifs. 3. Composants se remêler: Dès le départ, commençons par récapituler rapidement ce qu'est exactement un enchevêtrement. Dans la terminologie zentangle, le mot enchevêtrement est utilisé pour décrire les motifs que nous dessinons. Ces enchevêtrements comportent une séquence prédéfinie de traits élémentaires qui sont ensuite répétés pour remplir les sections du carreau créées par la chaîne. Voici, bien sûr, l'explication du mot enchevêtrement tel qu'il apparaît dans le vocabulaire de la méthode zentangle. Mais pour être honnête, à toutes fins utiles, cette définition convient parfaitement aux motifs ou aux motifs de toutes sortes que nous dessinons en tant qu'artistes, et cette définition convient parfaitement aux motifs ou aux motifs de toutes sortes que nous dessinons en tant qu'artistes, pas nécessairement à ceux qui suivent uniquement la méthode zentangle. Maintenant, pour mieux dessiner ces motifs ou ces enchevêtrements, nous devons nous concentrer sur cinq éléments cruciaux. Le premier est la pratique des traits, qui consiste essentiellement à se concentrer sur le dessin traits nets et confiants qui donnent à nos motifs un aspect soigné et professionnel. Ensuite, nous avons besoin d'idées de formes, qui sont essentiellement à la base de tout motif ou motif que nous voulons dessiner. Troisièmement, nous avons besoin d'agents d' enchevêtrement, qui sont essentiellement des moyens d' embellir ou de mettre en valeur une forme donnée. Ensuite, nous avons besoin de structures d'enchevêtrements ou de motifs, qui nous aident à identifier la meilleure disposition des formes que nous avons développées et comment donner le meilleur aspect à un motif ou à un motif. Enfin, nous avons besoin d'enchevêtrements, qui sont essentiellement des variations d'un enchevêtrement que nous avons développé. Nous approfondirons chacune de ces composantes une par une, et la première étape sera chacune de ces composantes une par une, la pratique des accidents vasculaires cérébraux. 4. Pratique de l'AVC: Vous souvenez-vous de tous ces manuels d'écriture que nous possédions quand nous étions enfants, en particulier ceux d' écriture cursive ? Eh bien, ils ont tous été conçus avec l'idée fondamentale que plus nous pratiquons chaque trait, plus nous devenons confiants dans l'écriture de ces lettres. Le même principe s' applique également au dessin. L'une des premières leçons de dessin que nous avons apprises étant enfants consiste à tracer des lignes debout et des lignes de sommeil. Avant de dessiner des formes telles que des rectangles, des carrés, des triangles, etc. Qu'il s'agisse d'alphabets, de chiffres ou de formes géométriques, tout ce que nous voyons autour nous est conçu avec des traits. Dans la méthode Zentangle, ces traits sont appelés traits élémentaires. Ce sont I, C, S, O et points. Une fois que vous aurez commencé à les utiliser, vous vous rendrez compte que presque tous les objets que nous voyons autour de nous peuvent être dessinés à l'aide de ces traits élémentaires. Pour nous améliorer en dessin, il est essentiel que nous pratiquions régulièrement ces traits. Cela est important pour deux raisons. Tout d'abord, nous allons le découvrir grâce aux accidents vasculaires cérébraux auxquels nous sommes confrontés et je dois m'améliorer. Deuxièmement, nous connaîtrons notre direction de dessin préférée. Prenons l'exemple du I Stroke. Le trait en I est essentiellement une ligne verticale droite. Maintenant, je préfère le dessiner vers le bas, mais vous préférerez peut-être le dessiner vers le haut. Certaines personnes ont du mal à tracer des lignes verticales Elles font donc pivoter le papier et tracent la même ligne verticale horizontalement. Encore une fois, vous pouvez le faire de gauche à droite ou de droite à gauche. Maintenant, lorsque je retourne le papier, ce sont essentiellement des lignes verticales pour moi, sauf que je les ai dessinées d'une manière qui me convenait le mieux. Mais en gros, ce que je veux dire, c'est qu'avec cet exercice, vous serez en mesure de découvrir quelle est votre direction de dessin préférée. Il existe plusieurs façons de pratiquer votre I stoke. Pensez à toutes les variations que vous pouvez faire avec cela. Par exemple, essayez de tracer des lignes diagonales, puis faites-le dans l'autre sens. Essayez de faire quelques lignes en zigzag. Essayez également de dessiner quelques triangles, carrés et rectangles. Ces activités peuvent sembler insignifiantes pour le moment, mais plus vous pratiquez ces techniques, plus vous deviendrez confiant et conscient lorsque vous travaillerez sur des motifs et des motifs plus grands. Vous découvrirez vos forces et vos faiblesses et, plus important encore, vous découvrirez ce avec quoi vous êtes à l'aise. Par exemple, j'ai réalisé par moi-même que la plupart des gens dessinent un carré avec deux lignes verticales , puis deux lignes horizontales. Mais c'est un peu inconfortable pour moi. Je préfère dessiner mes carrés uniquement avec des lignes horizontales. Je préfère déplacer le papier plutôt que de trop bouger ma main. C'est ma préférence, dont j'ai pris conscience lorsque j'ai commencé à faire régulièrement ces exercices pratiques. Je vous encourage à suivre et à essayer ces exercices pratiques par vous-même et à voir avec quoi vous êtes à l'aise. Maintenant, essayons le coup C. Nous pouvons écrire des C plombés, qui ressemblent à peu près à des demi-cercles. Nous pouvons les allonger ainsi. Nous pouvons les inverser et essayer de créer des images miroir. Ensuite, nous pouvons également jouer avec le placement de l'arc. Par exemple, si je fais un gros arc au sommet avec une queue légèrement plate au bout, je peux créer un cœur comme ça. Ensuite, si je fais le contraire, je peux créer quelque chose comme une forme de larme. Celui-ci a une extrémité supérieure plus plate avec un peu plus de renflement en bas. Les ovales et les cercles sont à peu près composés de traits en C. Pratiquez le coup C de différentes manières pour réchauffer votre main et pour dessiner ces lunettes avec plus de confiance. Le I stroke est une extension du C stroke. Parce qu'il s'agit essentiellement de deux formes en C empilées l'une sur l'autre et orientées dans des directions opposées, bien sûr. Cependant, l'objectif de la forme en S est de tracer des lignes continues avec des courbes. Nous essayons de faire des coups de S courts et dodus. Ensuite, nous essayons d'en faire des allongés. Essayons-en également quelques horizontaux. Essayez ensuite de faire l' inverse. Ensuite, faisons également quelques opérations verticales inversées. Encore une fois, tout cela vous aidera à comprendre quelle direction est la plus favorable au confort de votre main. Vous pouvez également essayer de créer des vagues continues comme celle-ci. Essayez-en avec des courbes très profondes. Quelques-uns qui ne sont pas si dramatiques et accentués. En gros, jouez et mettez-vous à l'aise. Passons au coup O. Ce qui est essentiellement la base des cercles, des ovales et des orbes de toutes sortes. Vous devez les essayer pour voir si vous préférez les mouvements dans le sens des aiguilles d'une montre ou dans le sens antihoraire. Vous devez également remarquer comment vous fermez vos orbes. Ne vous arrêtez-vous pas avant de les fermer ? Ou est-ce que vous allez au-delà du point final et que vous courez un peu plus loin ? Pouvez-vous essayer de vous concentrer un peu plus, de contrôler vos mouvements et de les arrêter juste au bon moment. C'est un peu d'entraînement, mais vous y arriverez certainement. Essayez maintenant des orbes ou des ovales allongés. Ensuite, essayez-les également horizontalement. Essayez également des variations diagonales et angulaires. Enfin, essayons de faire quelques points. Nous pouvons les disperser ou les regrouper. Nous pouvons également les fabriquer selon des modèles spécifiques. Par exemple, essayez de faire une vague avec eux, vous pouvez également essayer de créer les points dans un ordre croissant ou décroissant en termes de taille. C'est quelque chose que vous avez probablement beaucoup vu dans de nombreux motifs complexes. En gros, ne pensez pas que les points sont comme une simple goutte sur le papier, vous pouvez également expérimenter beaucoup de choses avec leur formation. Cela met fin à notre entraînement sur les AVC. Je vous recommande vivement de le faire régulièrement si vous souhaitez améliorer vos compétences en dessin. Croyez-moi, je le fais encore maintenant à ce stade de ma carrière, surtout si je reviens de longues vacances et que je n'ai rien dessiné depuis longtemps. Ces exercices sont un excellent moyen d'échauffer votre main et de développer votre mémoire musculaire. jours où vous n'avez pas envie de dessiner quoi que ce soit, ou les jours où vous vous sentez moins inspiré et que vous n'avez pas de nouvelles idées sur lesquelles travailler, vous devez consacrer quelques minutes et faire au moins ces exercices d'entraînement par vous-même. De cette façon, votre créativité retrouvera son expression. Vous vous sentirez également beaucoup moins coupable de ne pas avoir touché votre carnet de croquis pendant un certain temps. Faites-moi confiance là-dessus. [RIRES] Cela étant fait, passons à la prochaine leçon, où nous parlerons des idées de formes. 5. Idées de formes : rassembler l'inspiration: Chaque fois que nous observons attentivement un motif, nous pouvons constater qu'il contient toujours une forme ou un cadre. Le plus souvent, ces formes constituent le contour du dessin ou du motif, puis d'autres détails se trouvent à l'intérieur de cette forme. Mais la vérité est que lorsque nous nous asseyons pour créer des modèles à partir de zéro, idées nous échappent souvent. Ces formes sont des idées de design qui ne nous viennent pas si facilement à l'esprit et nous font face à un blocage mental ou créatif. Que faisons-nous ? Eh bien, il existe une théorie très populaire parmi les professionnels de la création selon laquelle vous effectuez tout votre travail créatif, soit par observation, soit par imagination. Et devinez quoi ? Plus vous observez, plus vous fournirez d'informations à votre cerveau pour alimenter votre imagination. En d'autres termes, l'observation est la première étape de la plupart des processus créatifs. Dans le contexte des motifs du cours d'aujourd'hui, nous observerons des formes intéressantes qui nous entourent, puis nous en inspirerons de manière créative pour les convertir en modèles intéressants. Tout d'abord, déterminons la catégorie ou le genre de notre inspiration. Vous pouvez vous inspirer de la nature, l'architecture, de la mode et bien plus encore. Au sein de ces catégories, vous pouvez rationaliser davantage votre inspiration. Par exemple, si vous avez choisi la nature comme catégorie de produits, vous pouvez la restreindre aux oiseaux, fleurs ou motifs trouvés dans les récifs coralliens, etc. même manière, si vous choisissez l'architecture comme thème principal, vous pouvez l'affiner davantage en vous inspirant de l'architecture romaine ou moderne, ou même de l' architecture moghole, et ainsi de suite. En gros, nous voulons créer un dossier rapide d' images pour nous-mêmes, à partir duquel nous pouvons nous inspirer pour des idées de formes. Pour le cours d'aujourd'hui, j'ai pensé qu'il serait amusant et intéressant de créer des motifs à partir de légumes. C'est en fait une très bonne raison pour laquelle j'ai décidé de le faire aujourd'hui. En effet, lorsque nous pensons à créer de magnifiques modèles de métadonnées, les gens ne considèrent généralement pas les légumes comme une source d'inspiration. En fait, je veux démontrer que tout peut littéralement être converti en un beau modèle, une fois que vous connaissez certaines astuces et techniques. Ensuite, personnellement, je n'ai pas beaucoup travaillé sur les légumes toute seule Alors que j'enregistre ce cours pour vous tous, je fais preuve de créativité et je choisis délibérément un sujet que je n'ai pas beaucoup exploré. Vous pourrez littéralement me voir explorer des idées avec vous première main et vous aurez une image très réaliste de mon processus de création. Tout ce qui se passe dans mon cerveau chaque fois que je trouve des idées de design, avec toutes les erreurs et tous les liens que je vais établir en cours de route, vous aurez l'image la plus authentique de la façon vous aurez l'image la plus authentique dont j'aborde mon processus d'inspiration en matière de design créatif avec toutes les erreurs et tous les liens que je vais établir en cours de route, vous aurez l'image la plus authentique de la façon dont j'aborde mon processus d'inspiration en matière de design créatif et j'ai l'impression que ce sera la manière la plus authentique faire. cette expérience pour vous. Maintenant, pour en venir à nos images de référence, nous pouvons le faire de deux manières. Vous pouvez suivre exactement les mêmes images que celles que j' ai choisies pour le cours d'aujourd'hui, que j'ai également incluses dans un document dans la section des ressources de la classe. Vous pouvez également choisir votre propre ensemble d'images et travailler avec celles-ci. Je travaille sur les légumes , mais votre source d'inspiration peut être l'architecture, les fruits , les animaux, les fleurs ou tout ce que vous souhaitez. Les étapes que je présente en utilisant des légumes à titre d'exemple s'appliquent à tous les genres d' inspiration que vous choisissez pour le cours d'aujourd'hui. Vous êtes tout à fait libre d'expérimenter ici. Comme je l'ai dit, si vous sentez que vous avez besoin d'un peu plus de prise de main en ce moment, vous pouvez suivre exactement les mêmes étapes que moi avec les mêmes images de référence que moi. C'est totalement votre choix en fonction votre niveau de confort et de votre niveau de compétence. Maintenant, pour les images d'inspiration, vous pouvez soit cliquer sur vos propres images pour référence, soit visiter un site Web de photos gratuit comme Unsplash et collecter des images à partir de là. Vous pouvez ajouter les images à vos favoris dans la fenêtre de votre navigateur, ou vous pouvez télécharger les images dans un dossier sur votre ordinateur, votre tablette ou tout autre appareil que vous utilisez. Par exemple, je me suis créé un dossier contenant des images que j'ai aimées sur Unsplash et je vais les transférer sur mon téléphone dans un instant. J'ai pris un tas de photos différentes qui, selon moi , ont le potentiel d' être converties en motifs. Mais là encore, je pourrais avoir du mal à comprendre certaines de ces images. Je ne le sais pas encore. Nous le saurons une fois que nous aurons commencé le processus de dessin. Comme je l'ai dit, vous aurez une image très réaliste de la façon dont j'aborde mon processus de création lorsqu'il s'agit de créer de nouveaux designs. Maintenant, j'ai toutes ces images sur moi, certaines de légumes à feuilles, de légumes-racines, de fleurs, de carottes, poivrons, juste un mélange aléatoire d'images. Si vous suivez exactement le même processus que moi, j'ai répertorié les liens vers ceux-ci dans le même document que celui que j'ai mentionné plus tôt, qui se trouve dans la section des ressources. Il est disponible en téléchargement. Si vous suivez une série d'images d' inspiration différente que vous avez choisies vous-même, comme l'architecture, les fruits ou les fleurs. Ensuite, je vous encourage à créer un dossier similaire pour vous-même et à le garder main avant de passer à la prochaine leçon. Parce que c'est là que nous allons réellement commencer à dessiner. J'ai hâte de vous voir dans la prochaine leçon avec toutes ces images de référence et commençons à dessiner. 6. Idées de formes : dessiner des expériences: Commençons par quelques modèles. Maintenant, j'ai téléchargé mes images sur mon téléphone ici, ce qui me permet de zoomer, de regarder les détails et essayer d'extraire des formes et des idées de design à partir de ces images. Bien entendu, vous êtes libre de télécharger les images depuis le dossier de ressources et de les conserver sur un téléphone, un iPad ou tout autre élément qui vous convient, ou vous pouvez même imprimer ces images et les conserver sur le côté. Maintenant, nous allons commencer par cette image de chou-fleur et essayer d'en extraire quelques formes. Pendant que je dessine les formes, vais me concentrer sur la forme extérieure, la structure extérieure ou le contour de l'élément. Je ne veux pas trop me concentrer sur les détails, car ce sont les points forts que nous allons apporter dans nos prochaines leçons. Pour l'instant, je veux juste me concentrer sur les formes extérieures. Maintenant, je vais essayer de faire en sorte que cela reste aussi simple que possible, car le but ici est d'essayer d' extraire simplement des idées de formes. Par exemple, ici, je ne veux pas donner trop de détails à l'intérieur et je vais juste ajouter ces lignes courbes et combler cet espace à l'intérieur de cette manière. Maintenant, l'une des choses que nous voulons également essayer de faire dans de cet exercice est d'essayer de proposer des variantes des designs. Par exemple, j'ai fait une version où les feuilles s'épanouissent comme une fleur, mais cette fois je veux essayer une version dans laquelle les courbes ou les petits codes et volants des feuilles sont un peu plus accentués. En gros, j'ajoute juste un peu plus de drame et essaie de voir si cela va me donner un résultat différent. En gros, l'idée est de prendre une image et d'essayer de la décomposer en étapes simples pour nous-mêmes. Nous nous contentons de regarder les contours des formes et nous ne nous concentrons pas trop sur les détails. Si vous souhaitez ajouter les détails à titre de référence, vous pouvez ajouter de petites lignes comme je le fais actuellement, juste pour imiter ce que je vois sur la photo, mais ce n'est pas nécessaire. Il y a de fortes chances que, lorsque je passe à l' étape de peaufinage des motifs, je saute complètement ces lignes intérieures, les ailes. Je vais juste garder cela comme référence, mais je ne m'y tiendrai peut-être pas un jour. Essayons une troisième version ici et dans ce cas, je ne vais pas faire les feuilles indépendamment comme je le faisais dans les deux premières variantes. Cette fois, je vais me concentrer sur les grandes formes ondulées concentriques et circulaires afin de ne pas décomposer chaque feuille individuellement. Au lieu de cela, je me concentre uniquement sur cette forme concentrique ondulée. Maintenant, bien sûr, si vous souhaitez diviser en petites sections, nous pouvons essayer une variante dans laquelle certaines lignes vont dans des directions différentes. Mais encore une fois, il s'agit simplement de réfléchir à voix haute, de mettre des idées aléatoires sur papier sans vraiment m'inquiéter du résultat à ce stade. Je pense que c'est en fait très important lorsque vous créez vos propres modèles. En gros, vous ne devez pas vous forcer à obtenir un bon résultat tout de suite. Je pense qu'il est important de ralentir et de se concentrer sur une forme à la fois. Par exemple, dans mon cas, je n' utiliserai probablement même pas toutes ces variations un jour, je pourrais simplement utiliser celle du milieu parce que c'est celle que j'ai le plus appréciée. Je n'utiliserai peut-être pas la première et la troisième version, mais ce que je veux dire en gros c'est que vous ne devriez pas vraiment vous inquiéter de la façon dont le bouton finira par s'appliquer ou de ce à quoi il ressemblera à ce stade. maintenant à notre deuxième image, j'ai cette asperge que j'ai téléchargée, et ce que j'aime, c'est qu'elle possède ces petites structures en forme de tige, puis nous pouvons construire le sommet, presque conique, avec un petit bouton détaché de la fleur. Nous pouvons simplement continuer à ajouter les formes triangulaires courbes et le construire ainsi. Maintenant, je peux aussi me concentrer sur la partie supérieure et créer une version qui se concentre uniquement sur cet élément supérieur. Encore une fois, je ne fais qu'observer les formes en ce moment et je n'en fais que des croquis. Je ne me concentre pas sur le réalisme ici parce qu'en fin de compte, je ne veux pas que ça ressemble à une asperge. Je veux qu'il ressemble à un motif ou à un motif complètement nouveau , abstrait, non figuratif et qui soit magnifique lorsqu'il est associé aux autres enchevêtrements que nous allons dessiner. Maintenant, je suis juste en train de faire une version légèrement plus sinueuse. Celui-ci ressemble en fait à peu près à un bouton d' une fleur épanouie ou à l'une de ces fleurs à tige. J'aime bien cette variation également. Nous avons quelques-unes de ces variantes avec lesquelles jouer et, bien sûr, je ne peux que m'occuper du stem et sauter complètement la partie supérieure. Je peux simplement le décomposer en sections, comme ça, et ajouter ces petites formes triangulaires sinueuses en alternant ainsi. Ce sont toutes les différentes variantes de design auxquelles je peux penser en ce moment. Bien entendu, une fois que nous aurons atteint cette étape de jeu avec les améliorateurs d'enchevêtrement, nous aurons d'autres idées, mais pour l'instant, elles suffiront pour les grandes lignes. Passons ensuite à l'image suivante. Celui-ci en fait, je ne suis pas sûr de ce que c'est. y avait aucune description de cette image, n'y avait aucune description de cette image, mais elle est apparue sur mon fil Unsplash alors que je cherchais des photos intéressantes de légumes. Je pense que c'est une fleur, je ne suis pas trop sûre, mais j'aime bien ce dessin intéressant qui se dessinait au-dessus de ces structures circulaires. Cela me rappelle les lignes sinueuses d'un ballon de plage. Je vais commencer par cela comme référence. Avec un cercle, je vais simplement ajouter ces lignes courbes et les diviser en sections comme suit. Ensuite, bien sûr, je peux essayer une version où j'ai oublié le cercle extérieur et essayer de concentrer sur ces petits bords arrondis et dodus sur le dessus, ce qui me donnera un résultat semblable à du savon. Maintenant, bien sûr, je n'ai pas besoin de garder ce point au centre lui-même. Je peux totalement le garder décentré et cela va me donner un résultat différent. Essayons une variante dans laquelle je trace un cercle comme ligne directrice , puis je vais revenir sur ces bords supérieurs et ajouter un peu plus d' épaisseur à ces bordures, et cela me donnera un résultat légèrement différent. Cela ne fait qu'ajouter un peu plus de contraste au design et les bords extérieurs sont un peu plus accentués. Il existe différents angles pour le faire. Au lieu de le faire de si près, je peux aussi essayer une version ovale. Ici, je peux essayer de faire une version comme celle-ci. Encore une fois, revenez en arrière et rendez ces bords un peu plus dodus. Cela va me donner un résultat différent. Encore une fois, il ne s'agit que de mon interprétation et de ma compréhension de ces formes. Vous pourriez voir ces formes différemment et vous pourriez observer certaines choses qui me manquent. Le but de cet exercice est essentiellement de regarder ces images et de les décomposer en formes simples, sur lesquelles nous pourrons ensuite développer les détails. Si vous pouvez réellement trouver plus d'idées ou des idées différentes que moi en utilisant les mêmes images, c'est vraiment génial car vous aurez ainsi quelque chose qui vous est propre à présenter et quelque chose de vraiment unique et intéressant. Chacun voit ces images différemment et l'observation de chacun est, bien entendu, différente. N'hésitez pas à expérimenter avec ces images et à vous amuser simplement avec ces formes. Maintenant, j'ai une autre image intéressante, dont je suis sûr qu'elle n' est pas un légume. [RIRES] Mais cela est apparu encore une fois sur mon alimentation alors que je cherchais des légumes. J'ai trouvé cela très intéressant avec ces petits sommets triangulaires et la façon dont ces feuilles s'étendent en éventail. Quelque chose de très similaire aux feuilles tropicales et quelque chose que vous pourriez voir sur une île magnifique, je suppose. Cela a vraiment attiré mon attention et j'ai voulu essayer quelques variantes. L'un d'eux est en gros comme un fan ordinaire. Ensuite, j'ai voulu essayer une approche différente pour dessiner ceci. J'ai pensé que je devrais d'abord tracer les lignes qui s'étendent, c'est-à-dire essentiellement les tiges, puis ajouter ces sommets triangulaires. Maintenant, bien sûr, nous pouvons y ajouter de petites lignes qui peuvent s'estomper à mi-chemin ou aller jusqu'à la fin. En gros, ils s'étendent ou ils s'étendent simplement depuis ce petit centre. C'était une autre forme avec laquelle je voulais vraiment jouer et je trouve que ces deux variantes sont jolies. Je pense que je vais m' amuser à ajouter des détails sur les formes. Passons à l'image suivante, qui est celle-ci. Je pense que c'est une courge muscat ou une citrouille muscat. Je ne suis pas vraiment sûr à 100 %. Mais l'image comportait certainement le mot muscat dans la description. Les gars, c'est une autre image intéressante avec laquelle j'ai pensé pouvoir jouer. Encore une fois, l'idée est que nous essayons simplement de simplifier les formes. Cela me rappelle aussi un peu un ballon de plage, avec ces petites sections et ces cloisons. Mais ce que j' aime aussi, c'est que je peux revenir sur ces bords extérieurs et leur donner un peu plus de courbes sur le dessus ou ce motif ondulé sur le dessus qui me donne un résultat totalement différent quand je le fais de cette façon. Je peux continuer et ajouter ces lignes. Encore une fois, je ne me concentre pas vraiment sur un travail très soigné en ce moment, car l'objectif est simplement de comprendre ces formes et de laisser libre cours à ma créativité. Je vais passer à la phase de raffinage lorsque je passerai aux améliorateurs d'enchevêtrement. Maintenant, lorsque je zoome sur cette image, je veux me concentrer sur cette petite section ou tranche de cette citrouille. Je pense que cela peut me donner une variation intéressante qui pourrait ressembler à un cœur. C'est comme si je me concentrais sur un quart ou peut-être même moins du quart de ce cercle entier. Je me concentre simplement sur cette petite zone et cela pourrait me donner quelques petits éléments avec lesquels jouer. On dirait un cœur ou chapeau de chef et une montgolfière à la fois. Je ne sais pas Parfois, mon imagination fonctionne assez bien avec ces choses. Quoi qu'il en soit Essayons une version dans laquelle nous ne nous concentrons pas tant sur la forme extérieure qu'est un cercle ou quelque chose de similaire à un cercle, mais plutôt une forme abstraite, comme un blog abstrait. Si nous essayons simplement de le sectionner , de lui donner courbes sur le dessus et de simplement apporter ces petites veines. Cela nous donnera un résultat totalement différent. Je pense que j'ai vraiment aimé l'idée de garder cette forme décentrée, car cela me permet de jouer beaucoup plus avec cette forme. Encore une fois, il s'agit d'un excellent exemple pour souligner et réitérer le fait que les enchevêtrements n'ont pas besoin d'être réalistes. Elles sont en fait meilleures lorsqu'elles sont abstraites et non représentatives, car de cette façon, vous pouvez créer car de cette façon, vous pouvez créer une belle queue enchevêtrée sans avoir à vous soucier du résultat. Vous pouvez simplement profiter du processus consistant effectuer des mouvements répétitifs. N'hésitez pas à vous amuser avec ces formes et ne vous souciez pas trop de leur donner un aspect réaliste. Maintenant, c'était une autre image que j'ai trouvée intéressante. C'est surtout parce que j'ai aimé l'idée de ces feuilles individuelles rapport à ce bouquet de chou-fleur entier que nous avions fait plus tôt. Il existe maintenant différentes formes extérieures de ces feuilles avec lesquelles nous pouvons jouer. Certains ont un sommet légèrement plus arrondi avec une face plate, tandis que d'autres ont une base légèrement plus arrondie et un sommet ondulé. En gros, je vais juste jouer avec ces formes et voir si j'aime l'idée de garder les tiges et les vents, ou si je veux les ignorer complètement. Je pense que je penche davantage vers l'idée d' utiliser uniquement la forme extérieure et de ne pas vraiment en faire autant dans nos veines et nos tiges. Il suffit de jouer avec plus de formes et de structures. Il suffit de voir si tout cela peut conduire à une autre variation de conception. Je pense que de toutes ces formes, c'est cette forme qui me plaît le plus et je me vois vraiment l'utiliser. Je vais juste y ajouter une petite marque. Je sais que je vais travailler sur quelques variantes de design à ce sujet. Passons maintenant à l'image suivante. C'était encore une fois une image intéressante très similaire à l'image de chou-fleur que nous avions réalisée plus tôt. Mais ce que j'ai vraiment aimé, c'est encore une fois le fait que les bords extérieurs étaient légèrement différents de ceux de l'image précédente du chou-fleur. Ce que je veux faire ici, c'est utiliser l'idée d'une feuille unique à partir de l'image précédente, mais essayer d'ajouter les éléments de design et les courbes à l'aide de cette image, qui signifie essentiellement que je combine des idées provenant de deux images différentes. Par exemple, je voudrais peut-être qu' une seule feuille ressemble à ça avec des vagues au sommet. Encore une fois, il s'agit simplement de jouer avec différentes variantes de design et de voir si tout cela suscite de nouvelles idées. Passons à une autre image intéressante que j'ai trouvée et qui contient du brocoli ou des légumes germés. J'ai trouvé cela très intéressant. En fait, cela m'a semblé être un coquillage quand je l'ai vu pour la première fois, puis j'ai dû vérifier et j'ai réalisé que c'était en fait un légume. En fait, j'ai aussi une plus grande portion de ce légume en particulier. Ce que j'aime vraiment, c'est la formation triangulaire dans laquelle les cercles se forment dans un Glove Mano. Ils sont ascendants ou descendants en fonction de la direction dans laquelle vous dessinez. Vous avez essentiellement ce filaire ou cette structure extérieure. Ensuite, nous avons ces cercles qui s' agrandissent progressivement à mesure qu'ils descendent. Maintenant, à chaque cercle, encore une fois, il y a un autre cycle de spirales qui commence. Mais je choisis d'ignorer cet élément en particulier car cela signifierait simplement ajouter trop de détails. Encore une fois, l'idée est de me concentrer sur les changements plus généraux au lieu de faire en sorte que cela ressemble à un germe réaliste. Je ne suis pas en train de faire une réplique exacte de l'image. Je veux juste laisser libre ma créativité et trouver les bonnes formes extérieures. Je vais essayer une version qui est également verticale. Nous pouvons également essayer une version ici où je passe complètement le filaire extérieur et me contente de faire des cercles comme des cordes, ce qui me rappelle aussi un peu les guirlandes lumineuses ou les petites décorations lors de festivals festivals de musique, etc. C'est également quelque chose sur lequel nous pouvons nous appuyer davantage. Ce sont toutes les variations de conception intéressantes qui ont été proposées jusqu'à présent. Je pense que ce sera une excellente base sur laquelle s'appuyer une fois que nous aurons intégré les améliorateurs d' enchevêtrement. Maintenant, bien sûr, vos variations peuvent être légèrement différentes des miennes, ou vous avez peut-être trouvé plus de variations que moi. C'est tout à fait normal. Tout ce que nous cherchons à l'heure actuelle, c'est simplement à simplifier les formes. J'ai l'impression de l'avoir dit de nombreuses fois dans cette leçon. [RIRES] Mais je tiens à insister sur le fait qu'à l'heure actuelle, tout ce sur quoi nous nous concentrons, c'est de garder les choses simples et d'extraire des formes. Je te promets que je vais essayer de ne pas le dire une fois de plus parce que j'ai l' impression que vous avez compris. Passons à l'image suivante. Celui-ci n'était pas intéressant. Image de radis pastèque. Ce que j'ai vraiment aimé dans cette image, ce n'est pas tant la forme extérieure, car elle ressemble finalement à un cercle. Mais ce qui m' a plu, ce sont ces détails intérieurs. Cela m'a fait penser à cette petite technique de tissage et de teinture. J'ai pensé que ce schéma radio intéressant pourrait très bien fonctionner sur une structure circulaire comme celle-ci. En fait, nous pouvons également l'appliquer à n'importe laquelle de nos autres formes préexistantes. Par exemple, je peux également l'appliquer sur ces feuilles que nous avions dessinées plus tôt. En gros, il s'agit en fait d'une image où je me concentre davantage sur les détails plutôt que sur la forme extérieure. Parce que, comme je l'ai dit, la forme extérieure est à peu près un cercle. Ce qui m'a vraiment fasciné dans cette image, ce sont les détails. Oui, donc j'aime bien cette idée de design et je vais donc la garder. Je pourrais en fait faire une idée à titre de référence où je ferais simplement cette tige d'asperge avec ce petit motif à l'intérieur. Il s'agit essentiellement de combiner deux ou trois images différentes et de voir à quoi elles ressemblent ensemble. En gros, comme je l'ai dit, n'hésitez pas à expérimenter. Il n'y a pas d'outils ici. n'y a pas de police des modèles, qui va venir dire, hé, on ne peut pas mélanger deux images, eh bien, ce n'est pas le cas. Heureusement pour nous, nous pouvons mélanger autant d'images que nous le souhaitons. Maintenant, juste à des fins de démonstration, je vais faire une autre image que j'ai trouvée très intéressante. Encore une fois, je ne suis pas sûr à 100 % de quelle laitue il s'agit, mais je sais qu'il s' agit d'un légume à feuilles. Nous allons simplement essayer une version dans laquelle nous allons essayer d'imiter la forme de ces feuilles qui s'enroulent. Je peux en fait jouer avec un cercle comme base ou une forme abstraite comme base, puis me déplacer autour du bord extérieur. On dirait presque la base d'une tulipe. Mais en plus, nous avons ces petites lignes Federico V. Je peux en fait essayer une version où je fais d'abord la forme extérieure en U. Les plumes se rejoignent au centre. Nous avons complètement oublié ce cercle intérieur. Peut-être que je peux en faire un où les feuilles se plient en courbe. Ensuite, au lieu de les faire se rencontrer au centre comme je le faisais dans la version précédente, je peux simplement ajouter quelques volants supplémentaires ici, comme ça. Encore une fois, il ne s'agit que de différents types d'idées de design. Maintenant que je le regarde, cela me rappelle également ces très belles fleurs de l'architecture moghole. Je pense que celui-ci a vraiment le potentiel de devenir un motif récurrent sur les tissus. C'est certainement quelque chose avec lequel je vais beaucoup jouer. Cela nous amène à la fin de notre exercice, au cours duquel nous examinions différentes images et essayions d'en extraire des formes. Bien entendu, si vous avez choisi un ensemble d'images différent, vos formes seront légèrement différentes des miennes. Mais c'est très bien, tant que vous avez une structure de base prête, vous pourrez ajouter beaucoup plus de détails à ce sujet dans la prochaine leçon. Préparez vos carnets de croquis, prenez une pause café ou thé, et je vous verrai dans la prochaine leçon où nous allons commencer à travailler sur les améliorateurs d' enchevêtrements. 7. Amélioreurs de Tangle : Aura: Très bien alors. Continuons notre merveilleux voyage qui consiste à créer des motifs uniques. Maintenant que nous avons quelques formes de base avec lesquelles jouer, examinons les améliorateurs d'enchevêtrement. Comme le terme l'indique, activateurs d' enchevêtrement sont des techniques visant à améliorer un enchevêtrement particulier. Ils contribuent à apporter des variations à vos dessins et ajoutent également beaucoup de finesse. Dans les prochaines leçons, nous aborderons neuf activateurs d'enchevêtrement différents. Il s'agit notamment de l'aura, des caissons, des gouttes de rosée , de l' enchâssement, arrondissement, de l'ombrage, de l' éclat et de la pondération. Commençons par l'aura. Maintenant, dans cette méthode d'enchevêtrement, une ligne tracée autour de l'extérieur ou de l'intérieur d'un enchevêtrement est appelée aura. Par exemple, dessinons un ovale ici. Maintenant, je vais dessiner un autre ovale à l'extérieur, qui devient essentiellement une aura. Pareil, créons une aura intérieure. Encore une fois, je dessine un ovale, puis cette fois, je vais dessiner un autre ovale à l'intérieur. Dans les deux cas, j'ai essentiellement répété un trait précédemment dessiné et c'est ce qu'est essentiellement une aura. Vous pouvez également l'envisager pour les lignes parallèles. Par exemple, j'ai une ligne ondulée ici , puis je vais la répéter pour créer une aura semblable à celle-ci. De la même manière, si vous avez une ligne verticale, nous pouvons la répéter ainsi. Examinons maintenant certaines des formes que nous avions dessinées plus tôt et essayons d'y appliquer une aura. Par exemple, essayons-le sur l'une de ces feuilles ici. Je dessine la forme. Ensuite, je retourne à l'intérieur et je répète simplement le même mouvement à l'intérieur de la forme. Nous avons une telle aura. Essayons-le ensuite pour un autre motif, par exemple, cet intéressant motif en forme de U est quelque chose que nous pouvons essayer. Je vais d'abord dessiner ma forme , puis créer une aura partielle comme ça. La beauté de l'aura réside dans le fait que vous pouvez choisir de le faire sur la forme complète ou de le faire partiellement et simplement accentuer ou de mettre en valeur de petites parties de votre dessin ou de votre motif. Par exemple, dans cette variante, je crée l' aura extérieure sur la forme en U du motif, puis je fais en sorte que les auras se rejoignent au centre. Essayons maintenant une autre idée basée sur la première variation que nous avons faite. Dans ce cas, je vais faire refroidir les pétales sur les côtés. Ensuite, je vais combler cet espace au milieu avec un petit arc et lui donner une aura. même, je peux aussi donner une aura à l'intérieur de ces pétales. Vous pouvez en fait constater que le simple fait d'ajouter de l'aura contribue beaucoup à rendre le design beaucoup plus élégant et plus raffiné. Cela améliore vraiment l'aspect général et le rend beaucoup plus détaillé. Maintenant, supposons que nous voulions y ajouter une aura basée sur les idées de design que nous avions imaginées plus tôt. Je peux l'ajouter et continuer à y ajouter plusieurs auras. En fait, même sur ce premier dessin, je peux ajouter deux lignes supplémentaires comme ça. Nous pouvons littéralement ajouter des auras à peu près n'importe quelle forme. Revenons en arrière et examinons le dessin des asperges que nous avions réalisé plus tôt et regardons le dessus de ces asperges. Je peux le dessiner ici comme ça. Maintenant, une fois que j'ai cette forme générale prête, je peux retourner à l'intérieur et ajouter les auras à chacun de ces pétales, comme ça. Aura est une technique merveilleuse parce qu' elle est si simple et qu'elle ne nécessite pas trop d'étapes compliquées Pourtant, elle parvient à changer complètement l'apparence de notre motif en très peu de coups simples. Maintenant, même avec cette idée de tige d' asperge que je suis en train d' essayer, qui était basée sur les idées initiales avec lesquelles nous avions joué, nous pouvons en fait ajouter de nombreux autres détails magnifiques aux structures. Je peux ajouter les auras aux sections de cette manière, puis quand je reviendrai en arrière et que j'ajouterai ces triangles arrondis, je peux aussi leur donner des auras. Cela le rend si beau et si élégant. Comme je l'ai dit, nous pouvons ajouter des auras à peu près tout ce que nous voulons. Il n'y a littéralement pas de fin ici, il y a tellement de possibilités. Maintenant que je regarde ces motifs avec l'intention d'y ajouter des auras, il y a tellement de possibilités qui me viennent à l'esprit. Par exemple, cette mascotte de courge ou de citrouille que nous avions dessinée plus tôt peut également être si belle avec une aura partielle juste sur le bord extérieur. Essayons ça aussi. Je vais d'abord en dessiner la forme complète. À ce stade, nous sommes en train de peaufiner idées de design d' aura. Je vous recommande donc de prendre votre temps et de profiter du processus ici, de créer chaque trait avec beaucoup plus d'intention et de pleine conscience, et de développer vos idées en jouant avec ces nouvelles techniques. Maintenant, j'ajoute simplement cette aura tout autour du bord extérieur. En fait, nous pouvons simplement prendre une section ou un fragment de cette courge mousquet ou de cette citrouille, peu comme nous l'avons fait lors de notre phase d'idéation, et en faire une pédale. Très similaire à l'un de ces pétales durs que nous avions créés plus tôt. Ensuite, je vais juste y ajouter une aura, comme une âme. Bien entendu, vous pouvez toujours revenir et ajouter plus de détails. L'ajout de l'amplificateur d'enchevêtrement vous empêche en aucun d' ajouter d'autres variantes de design, alors n'hésitez pas à expérimenter avec les formes et les designs. Les rehausseurs ne sont là que pour vous aider à l' aspect général du design ou motifs que vous avez prévus mais cela ne signifie pas que vous ne pouvez pas les combiner avec d'autres idées de design ou d'autres éléments de détail. N'hésitez pas à ajouter autant de détails que vous le souhaitez. Maintenant, nous avons vu de nombreux exemples du fonctionnement de l'aura. Je vous encourage donc à essayer des auras sur tous les designs et motifs que vous avez expérimentés jusqu'à présent. N'hésitez pas à partager images de vos travaux en cours avec moi afin que je puisse continuer à vous mes commentaires les images de vos travaux en cours avec moi afin que je puisse continuer à vous faire part de mes commentaires, à expérimenter et à laisser libre cours à votre créativité. Dans la prochaine leçon, je vais vous montrer un autre merveilleux outil de renforcement des enchevêtrements. 8. Amélioreurs de coquets : perfs: Très bien, bon retour dans la classe. Dans cette leçon, nous allons travailler avec un autre outil d' amélioration des enchevêtrements appelé perfs. Aujourd'hui, Perfs est un magnifique outil d' emmêlement composé de petits points ou orbes qui peuvent être utilisés pour remplir une zone particulière ou embellir n'importe quel type d' espace que nous avons dans notre conception. Par exemple, je vais tracer quelques lignes ondulées ici, et maintenant je vais les remplir avec de petits orbes. Ce sont essentiellement des performances. Maintenant, examinons certaines des formes que nous avons dessinées précédemment et voyons si nous pouvons les compléter avec des perfs, comme le blanc, comme ce motif que nous sommes en train de créer. Je vais dessiner les pétales en les orientant vers l'intérieur comme ça . Je vais également leur donner une aura. Maintenant, je peux réellement remplir cette aura avec des performances. C'est ce qui est amusant avec les améliorateurs d'enchevêtrement vous pouvez combiner deux ou trois améliorateurs d' enchevêtrement différents et modifier complètement l'apparence de la forme initiale que vous avez dessinée. J'ajoute des performances des deux côtés. Tout comme dessiner les auras, même ces perfs sont si relaxants à dessiner. Si vous les faites en pleine conscience, si vous vous concentrez vraiment sur un trait à la fois, vous pouvez obtenir des résultats étonnants et vous pouvez entrer dans un état d'esprit vraiment méditatif. Maintenant, je peux aussi ajouter de plus grandes performances à ces zones intérieures, ou je peux y entrer et simplement ajouter une autre aura. Nous pouvons jouer avec plusieurs choses ici. Essayons maintenant de créer une version du motif de chou-fleur que nous avions fait plus tôt. Je vais poursuivre avec la forme circulaire concentrique 1 que nous avions. Ici, nous pouvons réellement nous amuser à remplir les performances de ces couches. Nous pouvons en fait les remplir sur des couches alternées. Maintenant, encore une fois, cela change complètement l'apparence du design. Maintenant, quand quelqu'un regarde cet enchevêtrement, il ne pourra probablement pas deviner qu'il provient de cette image de chou-fleur. Comme je l'ai dit plus tôt, la beauté des enchevêtrements ou la beauté de cette méthode d'enchevêtrement réside fait qu'elle est abstraite et non représentative. Il n'est pas censé ressembler à un objet réel ou il n'est pas censé représenter quelque chose. Plus c'est abstrait, mieux c'est. Maintenant, regarde ça. C'est tellement beau et je peux continuer encore et encore et remplir toute la page avec ce magnifique motif. Essayons une autre forme. Je pense que cette fois, je veux essayer le motif de feuilles tropicales. Je vais d'abord dessiner les tiges. Ensuite, je vais faire les sommets triangulaires. Maintenant, je peux les séparer et ajouter les performances d'un côté de cette section. Cela lui donne un aspect tellement 3D, et une fois qu'il sera ombragé, ce sera tellement beau. Cela a complètement changé l'apparence du motif et on dirait qu'il comporte de nombreuses parties et facettes, presque comme un ornement ou une breloque de bijou. C'est une autre façon intéressante d'ajouter des performances. Bien entendu, nous pouvons également continuer à le construire la même manière de l' autre côté. Pour un autre exemple, revenons en arrière et examinons certaines des formes que nous avions créées. Essayons cette feuille que nous avions faite. Si j'ajoute la tige et les ailes, je peux créer d'autres sections pour y intégrer les perfs. Au départ, si vous vous en souvenez, j'étais opposé à l'idée d'utiliser les tiges parce que je pensais n'utiliser que les structures extérieures. Mais maintenant, à ce stade, alors que je joue avec mes améliorateurs d'enchevêtrement, j'ai l'impression que la tige ces ailes et les structures que j'en retirerai seraient plus intéressantes et que je peux seraient plus intéressantes et que je peux les associer à différents améliorateurs d' enchevêtrement. Je pense que cela a l'air beaucoup plus élégant et beaucoup plus raffiné que le contour. Voici d'autres idées intéressantes avec lesquelles nous pouvons jouer. Avec cela, j'espère vous avoir donné de nombreux exemples pour jouer avec les perfs. Encore une fois, je vous encourage à l'essayer sur les motifs que vous avez dessinés, et surtout si vous avez choisi de travailler avec différents ensembles d'images, il serait intéressant de voir comment vous appliquez ces agents d'enchevêtrement aux motifs que vous avez esquissés. Allez-y, entraînez-vous, et je vous verrai dans la prochaine leçon où nous travaillerons avec un autre magnifique outil d'amélioration des enchevêtrements. 9. Amélioreurs de Tangle : offrir des contenus: Dans cette leçon, nous allons travailler sur les caissons. Aujourd'hui, le caissonnage est un outil d'enchevêtrement inspiré de l'architecture. Dans le vocabulaire de l'architecture, un coffre fait essentiellement référence à des panneaux encastrés en forme de carré ou de rectangle, ou d'octogone, etc., que l'on trouve généralement dans les plafonds et les murs. Vous pouvez souvent les voir sur les dômes de bâtiments anciens, etc. Par exemple, voici une photo d'un dôme à caissons. Vous pouvez voir comment il y a des panneaux enfoncés à l'intérieur de chacun de ces carrés. Cela donne essentiellement un effet très tridimensionnel et cela semble très superposé. De même, voici une autre photo intéressante d'un dôme à caissons. Vous pouvez voir qu'en raison de la façon dont la lumière tombe à un certain angle, ces panneaux enfoncés donnent un très bel effet tridimensionnel. Vous pouvez en fait observer de nombreuses variations d' ombre et de lumière, ce qui rend l'effet global ce qui rend l'effet global des panneaux encastrés très intéressant Il y a donc beaucoup de contraste et de dimension là-bas. Maintenant, examinons cette technique en action lorsqu'il s'agit de créer des enchevêtrements. Essayons quelques variantes de design avec cela. Je vais commencer par créer une forme polygonale. Tu peux créer un pentagone ou un hexagone , comme tu veux. Maintenant, nous allons simplement lui donner une aura. Une fois que vous aurez cette aura, nous irons dans ces coins et relierons les formes. Essentiellement, il s'agit de l'étape la plus importante du coffrage, car sinon, cela finira par ressembler à une aura normale. Ces découpes sont ces lignes de connexion qui vous aident essentiellement à le faire ressembler à un panneau encastré. De même, je fais un carré ici. Encore une fois, il ne s'agit que d'une aura normale. Mais dès que je connecte ces coins, on dirait qu'il y a un panneau à l'intérieur. Cela donne l' impression qu'il a des facettes, comme s'il y avait des facettes et une pierre précieuse. Revenons en arrière et examinons certains des motifs avec lesquels nous avons joué jusqu'à présent. Voyons si nous pouvons utiliser les panneaux encastrés ou cette technique de coffrage sur certains d'entre eux. Je pense que je voudrais commencer par la tige d'asperge, car je pense qu'elle a le potentiel de devenir un rectangle semblable à devenir un rectangle semblable un long bâton avec sections, puis de créer des panneaux encastrés. Tracons des lignes droites plutôt que les autres, les lignes que nous utilisions pour la tige d'asperge. Maintenant, au lieu d'utiliser les demi-cercles, j'ai essentiellement utilisé des lignes droites pour découper la tige. Ensuite, j' ajoute simplement les panneaux encastrés, ce qui correspond à la technique du caissonnage. De la même manière, je pense que nous pouvons également jouer avec le bourgeon d'asperge. Au lieu de l'arrondir, je vais faire les pétales avec des points pointus. L'un des avantages du caissage est qu'il est plus esthétique lorsque vous faites avec des angles des lignes droites et des arêtes droites Il fonctionne donc mieux avec des formes polygonales, triangles, des rectangles, des octogones . Il fonctionne donc mieux avec des formes polygonales, par exemple des triangles, des rectangles, des octogones, des pentagones, etc. Dans ce cas, au lieu d' utiliser la nature arrondie des pétales, je fabrique essentiellement ces sommets triangulaires presque en forme de diamant. Je suis simplement en train d'ajouter les panneaux encastrés maintenant. Encore une fois, pour rappel, il est important de connecter ces panneaux intérieurs aux panneaux extérieurs, sinon ils finiront par ressembler à une aura normale. Essayons maintenant un autre exemple. En fait, j'ai hâte de voir l'effet du coffrage sur la feuille que nous avons créée, la feuille tropicale. Je pense que je vais changer l'apparence du centre. En gros, j' utilise toujours le dessus triangulaire, mais je ne dessine pas toutes les tiges au début. Je vais traiter cela comme un fragment séparé ou une forme distincte , puis poursuivre à partir de là. Bien sûr, nous pouvons toujours ajouter cette petite section ou cette ligne au centre, sauf que cette fois je le fais après avoir rempli les coffres. Ensuite, une fois que nous avons obtenu cette section, nous pouvons construire d'autres panneaux encastrés à l'intérieur et simplement les relier petits triangles, comme si la forme extérieure était le triangle . Nous ne faisons que construire plus loin. Maintenant, si nous voulons continuer à créer cette forme en éventail de la feuille, nous allons simplement répéter les étapes. Je vais à nouveau commencer par cette forme extérieure et ajouter le panneau encastré. Ensuite, de la même manière, nous pouvons continuer à le construire de plus en plus. À ce stade, cela me rappelle en fait un magnifique bouquet de cristaux. Cela ressemble à ces cristaux de quartz ou à tout autre cristal que l'on trouve dans les magasins de cristal. Cela ressemble donc à un magnifique amas de cristaux. Passons maintenant à d' autres motifs. En fait, je veux aussi expérimenter ce design en forme de U. Mais je vais en fait convertir cela en lignes nettes. Au lieu de faire les pétales avec des courbes, je le fais avec des bords droits. Encore une fois, c'est uniquement parce que je le fais exprès dans le but d'ajouter des caissons pour améliorer l'enchevêtrement. Certains de ces agents d' enchevêtrement ne seront peut-être pas aussi beaux que nous le pensions sur un motif en particulier. Mais la clé ici est l'expérimentation et la clé est d'essayer différentes variantes et de voir ce qui fonctionne. Je vous recommande vivement de passer du temps et de ne pas sauter tout ce processus de création, ce voyage au cours duquel vous allez connaître certains échecs, certaines idées réussies, et vous vous rapprocherez de votre design final. Même dans ce domaine, vous pouvez voir que j'ai essayé deux approches différentes. Sur la gauche, j'ai effectué une approche au cours de laquelle je ai fait que placer des caissons vers les bords. Mais sur la droite, j'ai en fait fait un panneau complètement encastré à l'intérieur. Continuez à revoir vos anciens modèles et voyez si vous pouvez les traiter différemment à l'aide de ces améliorateurs d' enchevêtrement. Par exemple, dans cette partie de la tige que nous avons dessinée, nous pouvons également ajouter des perfs à l'intérieur de ces panneaux encastrés. Cela va encore une fois donner un aspect complètement différent. Ensuite, de la même manière, sur le carré, je peux ajouter des perfs sur les bords extérieurs, et cela me donnera encore une fois un look complètement différent. Je peux l'ajouter sur un seul côté ou le faire sur les côtés opposés, ou le faire sur les quatre côtés. Chacune des versions va me donner un nouveau design avec lequel jouer. Comme toujours, je vous encourage à essayer cette technique et ce correcteur d'enchevêtrement sur tous les dessins que vous avez esquissés et à approfondir vos idées de formes. Essayez de combiner deux ou trois agents d'enchevêtrement différents et voyez où cela vous mène. je vais vous parler à nouveau prochaine leçon, je vais vous parler à nouveau d' un autre activateur d'enchevêtrement. 10. Amélioreurs de coquets : accrocher: Le prochain amplificateur d'angle sur lequel nous allons travailler s' appelle enchaumage. Maintenant, l'enchaumage est une technique d' éclosion de plumes. Lorsque vous appliquez cette technique, vous remarquerez qu' elle est très similaire à la technique de hachure souvent utilisée en illustration. Cela se fait en utilisant de fins traits du stylo que vous utilisez et cela permet d'ajouter des nuances texture à un enchevêtrement donné. Regardons un exemple de cela. Je vais dessiner ici une forme très simple, très similaire à une forme de feuille. Maintenant, j' utilise simplement mon stylo pour créer ces traits de plume qui s' estompent vers la fin lorsque je lève le stylo, et cela m'aide à ajouter cette petite texture et cette teinte à la forme. Certains d'entre vous ont donc probablement déjà reconnu cette technique grâce à l'illustration. Il s'agit d'une technique très courante, souvent utilisée dans toutes sortes d'illustrations, qu'il s'agisse de paysages, de portraits, de natures mortes ou quoi que ce soit d'autre. C'est une technique d'illustration assez courante et elle trouve sa place dans la méthode zentangle avec le nom enthatching. Examinons maintenant certains de nos motifs de design et essayons d'y appliquer des enchaumes. Je pense que nous pouvons certainement ajouter quelques points d'intérêt cette tige d'asperge et nous pouvons simplement ajouter quelques traits fins. L'une des choses que j'aime vraiment dans l' enchaumage, c'est qu'il donne une impression de réalité à vos dessins par ailleurs abstraits C'est donc un mélange parfait entre réalisme et abstraction . Vous devez avoir vu cette technique de hachure entre réalisme et abstraction. Vous devez avoir vu cette technique de hachure être largement utilisée pour créer des cils, pour appliquer des textures sur des vêtements, ou vous devez l' avoir vue dans des paysages. De nombreux illustrateurs utilisent cette technique pour de nombreuses choses différentes. Cela aide essentiellement à donner à n'importe quel objet un aspect réel. Mais ce qui est amusant, c'est que lorsque nous l'utilisons en combinaison avec la méthode Zentangle, c'est un clin d'œil parfait au réalisme, sans pour autant être totalement représentatif d'un objet réel. C'est donc un beau mélange de réalisme et d'abstraction, C'est donc un beau mélange comme je le disais. J'adore vraiment cette technique pour ajouter de la texture. Bien sûr, si vous aimez jouer avec la lumière, l' ombre et le contraste, encore une fois, c'est une technique avec laquelle vous aimerez certainement travailler. Maintenant, je travaille essentiellement sur ce motif inspiré du chou-fleur que nous avions créé. Sur les couches extérieures, j'ajoute simplement ces petites touches de plumes. Nous commençons toujours chaque trait par une légère pression, mais lorsque vous êtes sur le point d' atteindre la fin du trait, vous soulevez doucement votre stylo ou vous réduisez le contact de la pression avec le papier, ce qui donne naissance à cette extrémité plumeuse des traits, et cela crée ce magnifique effet de décoloration naturelle ou de plumage naturel. C'est ce qui fait la beauté de travailler avec Enthatching. Maintenant, c'est juste pour vous donner un exemple de ce à quoi ressemblerait la forme entière. Je suis sûr que vous avez une idée en me regardant faire ça. Je vais également appliquer la même technique au motif de feuilles tropicales avec lequel nous avons joué. Je trouve ça vraiment très beau. Vous pouvez certainement jouer avec la longueur de ces coups, afin de les allonger ou de les raccourcir. De même, essayons-le également sur la planche à asperges. Ici, comme nous avons déjà de très petites sections, je vais faire en sorte que les traits soient très courts. Mais je veux dire, regardez ça, cela change complètement l'apparence du design. Personne ne serait capable de regarder cela et de dire que cela provient en fait d'une image d'asperge utilisée comme référence. Nous avons certainement beaucoup évolué au fur et à mesure que nous dessinions et nous avons connu une petite évolution avec tous ces designs. Maintenant, une autre chose que je veux également vous montrer est de créer ces traits de la même forme que le contour, ce qui signifie essentiellement que nous les créons manière directionnelle et que nous accentuons la forme du motif. Par exemple, si j' ai une feuille courbée, je vais y tracer des lignes courbes. En gros, vous pouvez faire en sorte que vos lignes ou votre enchâssement aillent dans le même sens que la forme ou le contour de la forme pour lui donner un contour ou un effet plus galbé. Vous avez probablement remarqué cet effet de contour ou hachures directionnelles dans illustrations florales, car là-bas, nous avons beaucoup de feuilles et de pétales sur lesquels travailler. Vous l' avez probablement déjà vu sur certaines de ces illustrations. Essayons également cette technique sur le bourgeon d'asperge original. Cette fois, je vais le faire à peu près de la même manière que nous l'avions esquissée au départ, c' est-à-dire avec ces hauts pointus mais un peu comme un bas ovale. Maintenant, je vais juste entrer et renseigner les détails. Maintenant, quand je le regarde de loin, cela donne un effet d'ombre et de lumière tellement magnifique, et cela donne à l'ensemble un aspect beaucoup plus tridimensionnel et plus réaliste en fait, même si [RIRES] nous travaillons avec une forme abstraite, mais c'est clairement un clin d'œil au réalisme. Un autre exemple de coups directionnels ou d'enchaumage directionnel que je voudrais vous montrer coups directionnels ou d'enchaumage directionnel que je voudrais vous est le motif de citrouille avec lequel nous avons joué. Ce motif particulier présente de nombreuses courbes et l'ajout ces petits détails accumule de l' encre au centre, ce qui lui donne, encore une fois, un aspect très tridimensionnel et ajoute certainement au contraste. De plus, je répète rapidement que ces accidents doivent se produire dans la même direction. Par exemple, si ici je fais du bas vers le haut et que chaque trait doit être du bas vers le haut. C'est ainsi que nous pouvons obtenir un magnifique effet de plume, car chacun de ces traits commence par un trait épais mais se termine finement . Tout commence donc par la pointe pressée, puis nous relâchons le stylo du papier ou lorsque le contact diminue, l'effet plumeux se produit et les queues ressemblent à une plume. même manière, si je devais dessiner une vraie plume, et disons que je le faisais de haut en bas, alors je ferais mes traits de la même manière. Je partais d'un centre ou d'un point, puis je les éliminais progressivement. Ce que nous voulons éviter, ce sont les mouvements de va-et-vient, car l'effet plumeux disparaît et le tout semble très incohérent. Le jeu d'ombres et de lumières ou le contraste que vous essayez d' obtenir ne sont pas aussi esthétiques. C'est à peu près tout pour enchâsser des chaumes. J'espère qu'en regardant ces exemples, vous avez pu réfléchir à l'endroit où vous pouvez les ajouter vos motifs particuliers ou aux designs sur lesquels vous avez travaillé. Essayez-le et je vous verrai dans la prochaine leçon avec un autre amplificateur d'enchevêtrement. 11. Amélioreurs de Tangle : arrondi: La prochaine technique avec laquelle nous allons travailler s'appelle l'arrondissement. Désormais, l'arrondi est un merveilleux outil d' enchevêtrement qui vous aide à créer un effet arrondi sur n'importe quel enchevêtrement. Il existe plusieurs façons d' appliquer cet agent d'enchevêtrement, et l' application la plus courante est sur les bords extérieurs d'un enchevêtrement donné. Mais vous pouvez également l'appliquer à l'intérieur du triangle. Regardons quelques exemples pour mieux comprendre cela. Maintenant, faisons un carré ou un rectangle. Nous avons ces angles vifs à 90 degrés. Nous allons maintenant revenir en arrière et créer de petites lignes courbes, ou à peu près placer un arc sur ces bords. Nous allons juste les colorier. C'est essentiellement ce qu'est l'arrondissement. Il vous aide à éliminer la netteté d'une forme donnée et agit également comme une ligne de connexion ou un élément de connexion entre deux traits. Maintenant, nous pouvons également essayer cette autre forme polygonale, ou dans notre cas, nous pouvons également l'essayer sur le motif en forme d'éventail avec lequel nous avons joué. Je vais juste le redessiner rapidement une fois de plus avec ces sommets triangulaires. Une fois que j'ai le contour, je peux y ajouter ces petits arcs et colorier cette section. En gros, j'ajoute un environnement. Maintenant, pour que votre arrondissement soit inclusif et fasse partie intégrante du dessin, il est toujours judicieux de bien effiler ces bords ou de laisser ces arcs se fondre dans les bords du dessin. Ici, je laisse ces arches ou ces arcs se fondre ou fusionner avec ces sections. Il n'a alors pas l'air déconnecté ou aliéné, il ressemble simplement à un design cohérent. Examinons maintenant d'autres formes que nous pouvons expérimenter. Peut-être pouvons-nous réellement jouer avec cette tige d'asperge. Je vais simplement créer des sections avec des lignes droites, très similaires à ce que nous faisions lorsque nous travaillions avec des caissons. Mais cette fois, au lieu d' ajouter des caissons ici, je vais simplement ajouter ces bords arrondis. Ici, ils ressemblent en fait à de petits orbes ou petits cailloux enfermés dans un tube. Cela ressemble beaucoup à des pois et à une gousse. C'est la beauté de l'arrondissement, car cela donne simplement l' impression qu'il existe un autre objet ou une autre forme à l' intérieur d'une limite extérieure. Bien entendu, avec tant de choses sur le papier, cela contribue également à créer du contraste. Maintenant, une autre application très utile de l' arrondissement consiste à relier deux formes différentes. Par exemple, si vous avez un groupe ou un bouquet de formes, comme si je dessinais ces petits orbes ici. Vous pouvez réellement relier les bords extérieurs de ces formes en les arrondissant. Cela permet de combler ce petit espace entre les formes qui se connectent. Si vous souhaitez apporter une touche plus cohérente à votre design, c'est un excellent moyen de relier deux objets différents ou deux formes différentes, mais même deux traits différents. Maintenant, revenons en arrière et faisons également quelques expériences sur les formes que nous avons dessinées jusqu'à présent. Par exemple, sur cette tulipe, nous pouvons arrondir les bords comme suit. Maintenant, c'est comme si cela faisait partie du design, comme si cela faisait partie du motif. Nous pouvons également arrondir les bords extérieurs ici comme suit. Cela donne essentiellement l' effet d'une feuille qui se refroidit ou comme s'il y avait une certaine dimension, une arête ou une facette dans cette ou comme s'il y avait une certaine dimension, une arête ou une facette dans cette petite courbe qui s'y trouve . Encore une fois, cela fait partie du design et crée un très bel effet. Une autre forme que je peux vous montrer pour arrondir est cette petite forme que nous avions dessinée plus tôt lorsque nous jouions avec les caissons. Je peux y retourner et ajouter les bords arrondis ici. Maintenant, ce panneau encastré a un nouveau caractère , pour ainsi dire. Nous pouvons bien sûr ajouter plus de détails et plus de motifs à l' intérieur de cette forme. Mais le simple fait de relier ces petits coins et de supprimer la netteté de l'ensemble de la forme ou de l'ensemble du panneau intérieur donne un aspect complètement différent. De la même manière, je peux aussi le faire pour la place ici. Encore une fois, c'est un excellent exemple pour montrer que vous pouvez combiner plusieurs améliorateurs d' enchevêtrement. Parce qu'ici, nous avons des caissons et des arrondissements, et bien sûr, les buffs étaient déjà épuisés. Nous avons trois améliorateurs d' enchevêtrement différents une forme ou un enchevêtrement en particulier. Je vais également ajouter un peu d'arrondissement. Réalisez ici ce motif de design avec lequel nous avons joué plus tôt. Encore une fois, je vous encourage à essayer toutes ces différentes idées et à contenter d'arrondir les angles que vous avez avec les idées de formes que vous avez esquissées jusqu'à présent. Regarde juste ce que tu peux trouver. C'est certainement un outil très utile, et vous en verrez d'autres exemples ou d'autres applications lorsque nous arriverons à notre projet final. Mais d'ici là, je vous encourage à continuer d'expérimenter cette technique particulière. 12. Amélioreurs de Tangle : pondérer: Le prochain amplificateur d'angle que nous allons expérimenter s'appelle la pondération. Il s'agit d'une technique d'amélioration de l'enchevêtrement qui consiste à ajouter de l'encre au trait précédemment dessiné, ce qui le rend un peu plus épais ou, en d'autres termes, lui donne un peu plus de poids. Il existe de nombreuses façons de procéder, et je vais maintenant vous montrer quelques exemples. Nous allons commencer par une ligne sinueuse, comme celle-ci, et je vais simplement ajouter un trait supplémentaire partiel, qui sera ensuite coloré de cette manière. En gros, j'ai pris une certaine partie de cette ligne ou une section spécifique de cette vague, et c'est une façon de pondérer. Je vais juste le faire dans une autre section ici également. Maintenant, une autre méthode courante de pondération consiste à revenir sur le coup encore et encore. Par exemple, ici, je redessine exactement au même endroit. La différence entre la première et la deuxième technique que je vous ai montrée réside dans le placement des traits supplémentaires. Dans le premier cas, nous avons fait un trait supplémentaire légèrement en dehors du trait précédemment dessiné, puis nous l'avons coloré, mais ici, je ne fais qu'ajouter des traits supplémentaires exactement au même endroit. À l'aide de la pondération, je peux réellement créer des variations épaisses et fines sur mes lignes. Par exemple, ici, j'ajoute simplement des bords légèrement plus épais sur le dessus, qui s' estompent progressivement et se rétrécissent vers la fin. Maintenant, revenons également en arrière et jetons un coup d' œil à certains de nos anciens motifs. Sur cette forme de citrouille avec laquelle nous avons joué, je peux en fait ajouter du poids à chacune de ces sections, ce qui va essentiellement aider à mieux séparer les sections . C'est en fait la raison pour laquelle la pondération est plus souvent utilisée dans cet enchevêtrement car elle permet de mettre accent sur une forme ou un motif en particulier, et cela peut devenir votre image focale ou aider à mettre en valeur des détails particuliers, qui peuvent ensuite ressortir un peu plus que les détails environnants. pondération est certainement très utile pour ajouter du contraste et de l'accent. Même chose pour cet autre motif avec lequel nous jouions, je peux simplement épaissir légèrement les courbes pour les faire disparaître progressivement. Je commence par une couche très épaisse, puis une épaisseur légèrement moyenne, puis une fine. Cela crée comme un effet de rétrécissement ou de décoloration. Maintenant, quand j'y retournerai, cette technique particulière s' appliquerait parfaitement à ce design que nous avions créé et dans lequel j'ai vraiment adoré les petits coups avec lesquels nous jouions. Par exemple, je peux commencer un trait très épais et ajouter du poids par la suite, puis, progressivement appliquer ce poids et affiner les lignes. Si je le fais de manière radiale, cela ressemblerait à peu près à des rayons de soleil, à des rayons de soleil ou à une explosion d'étoiles, et cela donnerait certainement un bel effet. Je peux également ajouter du poids à l'extérieur d' une forme particulière lorsqu' elle possède une aura extérieure, et je peux également le faire à l'intérieur d' une forme lorsqu'il y a une aura intérieure. Encore une fois, tout dépend de ce que nous essayons de mettre en valeur et des points sur lesquels nous voulons créer plus de contraste. De la même manière, nous pouvons également ajouter poids partiel ou une épaisseur partielle aux bords extérieurs de la forme, ce qui peut en fait transformer l'apparence de la forme. Si vous avez des arêtes par rapport à une forme donnée, vous pouvez en fait jouer avec ces arêtes et affiner vos traits. Maintenant, même si cette feuille avait une tige au centre, je pourrais tout à fait commencer par un fond plus épais et faire disparaître progressivement sur le dessus. En gros, tout se résume à redessiner le même trait exactement au même endroit ou à ajouter encre supplémentaire autour du trait donné. Cela contribue essentiellement à rendre le trait plus audacieux ou plus épais, ou simplement à lui ajouter plus de poids. Par exemple, sur cette image de chou-fleur avec laquelle nous jouions, je peux simplement revenir sur ces limites l'épaissir et y ajouter du poids. Cela ne fera que le faire ressortir un peu plus sur le papier. De la même manière, si vous souhaitez créer davantage d'images en trois dimensions, et si vous souhaitez jouer avec un peu plus de contraste, vous pouvez ajouter du poids aux sections de cette manière. Ça a l'air plutôt bien. Encore une fois, je vous encourage à essayer cette technique sur tous les motifs que vous avez esquissés et à me faire part de vos découvertes. Vous êtes libre de publier des images de vos travaux en cours dans la section Projets, et je serais très heureuse de regarder vos motifs. Je vais vous voir dans la prochaine leçon où nous allons travailler avec un autre amplificateur d'enchevêtrement. 13. Amélioreurs de coquilles : Dewdrop: Dans cette leçon, nous allons travailler avec la goutte de rosée. Désormais, le siège de Zentangle écrit « goutte de rosée » en un seul mot. Mais si vous essayez de le rechercher sur Internet, vous trouverez probablement des variantes où la rosée et la goutte sont également écrites en deux mots distincts. Ne vous y trompez pas, car cela signifie fondamentalement la même chose. Aujourd'hui, une goutte de rosée, comme l'ont expliqué les fondateurs de Zentangle dessine une version agrandie d'un enchevêtrement au sein du même enchevêtrement. Même s'il est considéré comme un activateur d'enchevêtrement, vous pouvez également le considérer comme un améliorateur de composition, car vous pouvez avoir plusieurs gouttes de rosée différentes sur votre composition dans différentes sections, et il n'est pas nécessaire de le placer de manière à ce qu'il soit limité à un seul enchevêtrement. Vous pouvez même le placer sur des sections ou des zones où plusieurs enchevêtrements se rencontrent. J'aime aussi le considérer comme un améliorateur de composition, et pas simplement comme un améliorateur d'enchevêtrement. Maintenant, pour en venir au fonctionnement exact de la goutte de rosée, faisons un exercice d' entraînement rapide pour cela. Nous voulons commencer par dessiner un cercle, et nous voulons le faire au crayon, car les gouttes de rosée sont toujours dessinées au crayon. Ensuite, une fois que nous aurons ce cercle, nous laisserons une petite zone blanche vers le haut, qui sera le point culminant. Ensuite, nous faisons un autre cercle de graphite, pour ainsi dire, laissant un petit smiley en bas, qui est vide. C'est juste moi qui mets le graphite très légèrement. Encore une fois, nous ne voulons pas exagérer avec le graphite. Le bord supérieur de ce cercle intérieur touchera le bord supérieur du cercle extérieur, puis nous le mélangerons simplement au todion. Cela va nous aider à définir les zones claires et les zones d'ombre. Nous voulons faire attention à ne pas tomber sur ce point fort que nous avons laissé vide en haut. Cela demandera un peu de patience ici pour essayer de faire un travail précis, car nous ne voulons pas entrer dans les domaines où il y a un point fort. Pour faciliter les transitions, c'est toujours une bonne idée d'aller vers l'extérieur. Petit à petit, on passe de l'obscurité à la lumière. Je vais juste apporter mon crayon maintenant, et je vais accentuer la zone supérieure, c'est-à-dire l' ombre qui tombe juste au-dessus du surlignage. Si vous remarquez des reflets à tout moment sur un objet réel, vous remarquerez que la zone autour du surlignement est généralement la plus sombre C'est donc exactement ce que nous essayons de faire ici. Ensuite, nous voulons donner une ombre à toute la goutte de rosée. Nous allons utiliser un crayon et créer nouveau une ombre en forme de smiley , dans la direction opposée au surlignage. Encore une fois, nous allons juste bien mélanger tout cela, et nous allons extraire le graphite vers l'extérieur de cette manière. Il semble que je puisse lisser un peu plus la partie intérieure. Je vais juste ressortir mon todion une fois de plus, et le mélanger un peu mieux que la transition du foncé au clair soit un peu plus fluide. Parfois, lorsque votre todion n'est pas très tranchant, ou si vous l'avez fait accidentellement à la hâte, votre graphite a tendance à dépasser légèrement la limite, ce qui tend à ôter l'illusion de la forme que nous sommes en train ou si vous l'avez fait accidentellement à la hâte, votre graphite a tendance à dépasser légèrement la limite, ce votre graphite a tendance à dépasser légèrement la limite, qui tend à ôter de créer. Dans ce cas, une petite partie de mon graphite est entrée dans l'orbe ou le cercle que j'avais créé. Je vais juste régler ce problème en introduisant ma gomme, et je vais juste révoquer légèrement cette zone. Ça a l'air beaucoup mieux maintenant. Enfin, je vais utiliser à nouveau mon crayon graphite et accentuer un peu plus les zones sombres, afin que l'ensemble de la forme soit un peu plus défini et contrasté, et qu'elle soit un peu plus réaliste. Maintenant, lorsqu'il s'agit de placer ces gouttes de rosée au-dessus de motifs ou d'enchevêtrements de notre composition, nous veillons toujours à ce que le motif s'arrête, puis continue par derrière cette goutte de rosée, puis à l'intérieur de la goutte de rosée, nous créons une version légèrement déformée du motif, sorte qu'il y ait un peu d'eau au-dessus de l'enchevêtrement ou une véritable goutte de rosée, qui se trouve au-dessus de l' enchevêtrement, ce qui déforme légèrement la vue. Pour y parvenir , nous devons d'abord dessiner derrière la goutte de rosée. Nous imaginons que le motif se poursuit depuis le dessous ou sous la goutte de rosée. Ensuite, nous revenons et essayons de connecter ces lignes, mais c'est à dessein que nous ne faisons pas un très bon travail. Ici, nous voulons essayer de créer une version déformée du motif, ce qui signifie que les lignes seront esquissées un peu plus grossièrement et qu'elles ne se trouveront pas exactement au point où elles sont censées figurer idéalement dans un motif. Ici, je dessine juste un peu plus haut que l'endroit où le motif est censé se rencontrer. Vous pouvez également dessiner légèrement plus bas tant qu'ils ne se trouvent pas exactement au même endroit où ils sont censés se trouver. C'est aussi un peu plus sommaire et approximatif. Vous pouvez voir que je ne fais pas exprès de tracer des lignes lisses ici. Une autre chose à noter est que nous ne dessinons jamais au-dessus du surlignage Nous dessinons donc toujours dans les zones grises ou sombres et nous laissons toujours le surlignage vide. Même si nous avions un autre schéma, disons que nous essayions de faire des hauts et des bas. Encore une fois, je vais juste m'assurer que cela ne correspond pas à la limite Je vais donc laisser le surlignage vide et faire le tour ainsi. En gros, tout cela se résume à planifier votre composition à l'avance. Très tôt dans votre composition ou votre phase de dessin, vous devez décider où vos gouttes de rosée seront placées. En gros, vous dessinez les cercles très, très tôt dans votre dessin et vous les conservez comme espaces réservés à vos gouttes de rosée. Disons que nous avons un motif avec des cercles concentriques. Nous allons laisser la goutte de rosée vide pour moment et nous continuerons à reconstituer notre titre. peu près comme nous l'avons fait avec notre mode à nœud en houx. Nous allons simplement faire semblant que le motif se trouve sous cet orbe et nous continuerons à laisser les espaces vides en imaginant qu' ils se connectent derrière le cercle que nous avons laissé de côté. Comme je le disais, deux ou trois motifs peuvent se rencontrer à un moment donné et c'est là que votre goutte de rosée peut être placée. Par exemple, ici, je vais essayer de créer un schéma de flux et imaginons que cela se produit à partir de là. Maintenant, une fois que nous avons esquissé le motif et que nous imaginons que tout votre carreau est terminé, nous pouvons revenir et commencer à travailler sur notre goutte de rosée. Encore une fois, nous allons commencer par laisser le surlignage, puis dessiner un cercle intérieur, qui touche le haut du cercle extérieur, laissant un petit espace vide en bas, comme un croissant de lune ou un smiley en forme de C. Nous allons juste bien le mélanger. Encore une fois, je dois mentionner que vous devriez mettre très, très peu de graphite, car il y aura toujours des résidus sur votre todion Vous devez donc en tenir compte. Maintenant, je vais juste ajouter l'ombre. C'est très, très important pour retirer la goutte de rosée du papier. Pour lui donner cet aspect tridimensionnel, l'ombre joue un rôle très, très important. Nous allons juste mélanger tout cela. Je vais juste ajouter un peu de graphite sur le dessus. Maintenant, en guise de remarque, je dois mentionner que vous pouvez également laisser votre goutte de rosée telle qu'elle est actuellement. Il n'est pas nécessaire que les motifs se poursuivent à l'intérieur de la goutte de rosée. Vous pouvez les considérer comme un élément décoratif, juste au-dessus de votre composition, et c'est très bien aussi. C'est un choix personnel. Si vous voulez donner l'impression qu'il ne s'agit que d'une goutte aléatoire posée sur votre composition, c'est totalement cool. Mais si vous souhaitez poursuivre votre conception, nous suivons la même voie. Nous laisserons les espaces blancs ou les surlignages vides et nous n'y poursuivrons pas le design. Nous allons simplement continuer à dessiner le dessin dans les zones grises. Nous allons faire comme si elle se rejoignait à l'intérieur de la forme. Encore une fois, les lignes à l'intérieur de la goutte de rosée ne sont pas très lisses. Ils sont censés être sommaires pour créer l'illusion d'une goutte de rosée posée sur un motif. Ce n'est pas grave s'ils ne s'alignent pas avec le motif extérieur, les lignes n'ont pas à correspondre à la position exacte. Maintenant que le dernier cercle est terminé, nous avons terminé cette petite section. Je tiens également à mentionner le fait que les gouttes de rosée ont tendance à mieux fonctionner lorsque vous avez lignes concentriques, des lignes droites ou des lignes ondulées. En gros, des motifs simples et peu complexes en termes de détails. Si vous avez des détails très, très complexes, l'illusion n' est pas vraiment aussi esthétique et les motifs n' ont pas tendance à s'accorder très bien à l'intérieur et à l' extérieur de la goutte de rosée et les motifs n' ont pas tendance à s'accorder très bien à . Vous souhaitez utiliser des enchevêtrements et des motifs plus simples lorsqu'il s'agit d' utiliser des gouttes de rosée dans vos compositions. De préférence, quelque chose qui concerne des lignes ou des formes de base telles que des triangles, des cercles, des carrés, etc. titre de référence, j'ai créé un diagramme rapide indiquant exactement où se trouvent les reflets et où se trouvent les ombres. Je l'ai également inclus dans le document de référence de la classe, donc si vous souhaitez le consulter plus tard pour vous y référer rapidement, vous l'aurez toujours disponible en téléchargement. C'est tout pour les gouttes de rosée et nous allons maintenant passer à la leçon suivante. 14. Amélioreurs de coquets : étinceler: Le prochain activateur d'enchevêtrement sur lequel nous allons travailler s'appelle Sparkle. Ce correcteur d'enchevêtrement permet de créer un surlignage créant une petite interruption dans le trait que vous dessinez. Imaginez-le comme un petit espace blanc sur un trait que vous êtes en train de dessiner et cela créera un effet scintillant, très similaire à la façon dont nous voyons les étincelles dans les vagues de l'océan. titre d'exemple, je vais vous montrer quelques lignes ondulées ici et je vais intentionnellement couper le trait dans certaines sections afin de créer un effet scintillant. En regardant cela, cela vous rappelle probablement les vagues de l'océan et c'est l' effet que nous recherchons. Maintenant, nous pouvons également appliquer cela aux auras chaque fois que nous les remplissons à l'intérieur d'une forme particulière, ou si vous essayez de tracer des lignes à l'intérieur d'un enchevêtrement. Par exemple, si nous voulons créer des auras ici dans un orbe, nous pouvons casser le trait presque au même endroit. Cela va créer un petit point culminant et donner l' impression qu' un faisceau de lumière ou un point de lumière tombe sur une certaine partie de l'orbe, créant ainsi ce point culminant. De même, vous pouvez le faire par un trait directionnel. Par exemple, si vous avez forme d'une goutte de rosée ou quelque chose qui a la forme d'une feuille, nous pouvons également faire quelques traits ici. Essayons maintenant de l'appliquer au motif d'asperge avec lequel nous jouions et essayons de le remplir de petites lignes. Maintenant, plus les lignes sont proches, plus votre éclat sera intense. Si vous avez beaucoup de lignes étroitement rapprochées, ce qui signifie que vous avez une illustration densément remplie ou que vous avez un enchevêtrement de nombreuses lignes, alors le surlignage ressortira encore plus. L'effet d'éclat fonctionne très bien lorsque les lignes sont rapprochées les unes des autres, mais vous pouvez bien sûr également le faire sur des lignes espacées. Maintenant, une autre façon de créer de l' éclat est de créer des zones noires très sombres et accentuées et de laisser un espace blanc net au milieu. Imaginez-le comme [inaudible] avec de nombreux traits assemblés sans espace, puis au milieu, nous laissons une section blanche qui fera office de point culminant et qui est aussi une autre façon de faire briller. Nous pouvons également le faire sur des rubans, ou nous pouvons également le faire sur des lignes variées où nous pouvons avoir de nombreuses zones d'encre noire. Chaque fois que nous avons une petite courbe ou si le motif tourne ou se courbe à un moment donné, nous pouvons la mettre en évidence à l' aide de l'éclat. Cette seconde approche, qui consiste à travailler avec éclat, donne beaucoup plus de drame et d'intensité à votre composition. Dans le cadre du défi de 45 jours que j' avais organisé ici sur Skillshare, nous avions fait un exercice au duquel nous avions utilisé un tissu emmêlé. Vous pouvez voir que j'ai fait en sorte que cela ressemble tubes métalliques en utilisant l'effet scintillant, car il semble simplement qu'un faisceau de lumière traverse ces petits tubes ondulés. C'est la beauté de cette technique d'éclat intense Vous pouvez donc également l'utiliser de cette manière particulière. éclat ne doit pas toujours se limiter à des lignes droites ou ondulées. Vous pouvez tout à fait le faire sur des enchevêtrements circulaires ou radiaux. Par exemple, si vous souhaitez le faire sur des bras imprimés, qui sont un enchevêtrement inspiré d'une spirale, nous pouvons le surligner en laissant de petites sections vides et nous pouvons simplement les fermer ainsi. De même, si vous avez une forme abstraite et que vous voulez la remplir d'auras à l'intérieur, vous pouvez délibérément essayer de la casser exactement au même endroit afin qu'elle crée un petit surlignage. Cela donne à l'enchevêtrement un aspect beaucoup plus élégant et lui confère un éclat métallique. Nous pouvons toujours jouer avec nos enchevêtrements et créer ces petits points forts ici et là pour donner de la profondeur et de la dimension à notre composition. Encore une fois, disons que si nous avons un rectangle, nous pouvons le remplir d'étincelles ce qui contribue également à ajouter beaucoup de texture à votre composition. Très similaire à la façon dont vous pourriez voir ces cassures dans des rondins de bois ou des planches de bois et très similaire aux éléments que nous voyons dans la nature. Encore une fois, cela rappelle techniques d' illustration réalistes, mais comme nous les utilisons manière abstraite dans la méthode Zentangle, elles améliorent vraiment votre composition et lui donnent un aspect vraiment unique. Je vous encourage à l' essayer sur tous les designs et tous les motifs que vous avez esquissés jusqu'à présent et, comme toujours, j'adorerais voir vos images en cours de réalisation. Cela étant dit, nous sommes prêts à passer à la prochaine leçon. 15. Structures de serrage: Dans cette leçon, nous allons travailler avec différents types de structures enchevêtrées. Cela signifie essentiellement différentes manières d'agencer nos enchevêtrements ou nos motifs de conception manière à ce qu'ils soient attrayants et esthétiques. Nous allons maintenant jouer avec les motifs que nous avons déjà esquissés. Mais cette application ou ce processus peut s'appliquer à presque tous les enchevêtrements que vous verrez avec la méthode Zentangle. Cela ne se limite pas aux motifs que nous utilisons dans le cours d'aujourd'hui. Vous pouvez appliquer cette technique à n'importe quel design disponible sur cette planète. Allons-y. Allons-y et vous aurez une idée de ce que je suis en train de dire en ce moment. La première technique dont je veux vous parler est la superposition, également connue sous le nom de technique Hollibaugh dans la méthode Zentangle. Elle fait essentiellement référence au sens de la superposition dans vos motifs de conception. Par exemple, disons que j'ai un bâton comme celui-ci, et disons que je place un autre bâton derrière lui comme ça. J'ai essentiellement créé une couche dans le sens où certains objets se situent plus haut ou au-dessus de certains autres objets en arrière-plan. Cette technique ne s'applique pas seulement aux bâtons, mais à peu près à tout. Par exemple, il existe un enchevêtrement très populaire dans la méthode Zentangle appelé printemps, qui ressemble essentiellement à des spirales. Si je le dessine ainsi, je reviens en arrière et cache partiellement l'autre spirale derrière celle-ci. Ce que cela me donne s' appelle l'effet Hollibaugh. Bien sûr, je peux continuer encore et encore. Dans ce cas, celui-ci se cache derrière celui-ci et ainsi de suite. Encore une fois, je peux y aller comme ça et le fermer comme ça. En gros, c'est la façon la plus courante créer l'effet Hollibaugh lorsque nous superposons des objets les uns derrière les autres et cela peut également bien fonctionner avec à peu près toutes les formes que nous avons. Essayons en fait l'un des motifs de design que nous avons esquissés pendant tout ce temps. Disons, par exemple, que nous avons cette feuille et que je dessine une feuille comme ça, avec tous les détails que je veux faire à l'intérieur. Disons que la feuille a un dessin comme celui-ci et maintenant je veux en cacher une autre. Je vais juste aller en dessiner un autre et celui-ci se cache derrière, comme ça. Peut-être qu'un autre peut surgir d'ici. Alors un autre peut probablement sortir d'ici. Alors il peut y en avoir un autre comme ça. En fait, je suis également en train de faire disparaître la feuille après le printemps. C'est ainsi que nous associons différents designs dans la composition finale afin qu'ils soient tous cohérents. C'est l'un des moyens les plus courants de créer de la structure avec vos enchevêtrements, ou simplement de créer un motif à partir de ceux-ci . Vous devez certainement avoir vu ces modèles dans l'industrie des motifs de surface où vous pouvez souvent les voir sur des tissus, sur des manches , des cotons, des draps, etc. Ce motif ou cet arrangement pour un motif est assez courant et permet de créer des couches. Passons maintenant à notre deuxième type d'arrangement, les enchevêtrements dispersés. Les enchevêtrements épars signifient essentiellement qu'il n'y a pas de superposition. Empruntant à la même idée de feuille. Si je ne les superposais pas, mais disons que je les connectais simplement sur le même plan focal et qu'ils se toucheraient toucheraient au lieu de se cacher l'un derrière l'autre, cela serait considéré comme un enchevêtrement dispersé. Ils ne se cachent pas l'un derrière l'autre, ils sont simplement connectés l'un à l'autre. Pareil pour le printemps, si je devais faire une spirale comme ça. Ensuite, le second serait en train de le toucher, il ne passerait pas derrière. Cela signifie que dans cette approche particulière, nous avons de nombreuses lacunes vides. Comme si c'était une brèche vide. Il s'agit d'une lacune vide. Disons que si j'ai une autre feuille ici , c'est un espace vide. Nous avons essentiellement des lacunes vides dans l'approche dispersée, mais nous n'en avons dans l'approche que nous avons utilisée précédemment , à savoir l'approche Hollibaugh. C'est essentiellement la principale différence entre les deux approches. Dans l'un de mes autres cours, qui est le défi de dessin de 45 jours ici sur Skillshare. J'ai utilisé cette approche pour créer ce design qui s' inspire de la forme des champs. Encore une fois, même cette approche fonctionne très bien sur les tissus et elle est souvent utilisée dans la conception de motifs de surface pour répéter le même motif encore et encore. Un autre exemple que je peux vous donner de l'approche dispersée est basé sur la conception du chou-fleur que nous avions réalisée plus tôt. Disons que nous avons une forme extérieure comme celle-ci. Ensuite, à l'intérieur, nous avons les différentes couches, ce qui revient essentiellement à passer les commandes. Ensuite, bien sûr, nous pourrons détailler cela. Mais il pourrait y avoir un autre chou-fleur juste en train de le toucher comme ça. Alors, de la même manière, il pourrait y en avoir un autre comme ça. En gros, nous joignons simplement les contours de deux formes différentes et c'est ce qu'est l'approche dispersée. Même avec ce motif en U avec lequel nous avons joué, disons que nous en avons un ici, alors nous pourrions en avoir un autre comme ça. Encore une fois, je fais des croquis très approximatifs juste pour voir à quoi ressemblera le motif une fois arrangé comme ça. Vous pouvez jouer avec autant de motifs que vous le souhaitez et laisser libre cours à votre créativité. Il ne s' agit que d'un remue-méninges d'une conversation avec vous-même et de voir quels motifs conviennent le mieux à cet arrangement. Maintenant, l'un des avantages de créer votre motif ou votre enchevêtrement de manière dispersée, c'est que vous n'avez pas à vous soucier de la taille de l'élément. Certains éléments peuvent être plus grands et d'autres plus petits. Encore une fois, c'est quelque chose que vous serez en mesure d'évaluer lorsque vous expérimenterez et que vous essaierez de le faire de différentes manières. Ici, par exemple, je joue avec ce motif de tulipe et je place dans différentes directions , sous différents angles et dans différentes tailles. Cette approche lui donne un aspect très ludique et, en raison de la façon dont les feuilles s'enroulent à l'intérieur, cela lui donne un effet plumeux très amusant et ludique. Je pourrais juste l'utiliser de cette manière particulière lorsque nous ferons la composition finale. La troisième approche que nous allons expérimenter s' appelle l'approche par ruban. Dans cette approche , nous avons essentiellement des rubans qui flottent dans notre composition. Ils peuvent être constitués de lignes ondulées, de lignes droites ou de lignes en zigzag ou de n'importe quoi d'autre condition qu'elles ressemblent à de petites sections ou à de petites bandes ressemblant à différents types de rubans. En fait, lorsque vous dessinez ces rubans, il n'est même pas nécessaire qu'ils aient épaisseur uniforme sur l'ensemble. Vous pouvez avoir des rubans qui vont de fins à épais. Ensuite, il peut y en avoir d'autres qui vont de plus en plus minces. Ou vous pouvez même jouer avec des matériaux fins, épais et alternés. En gros, amusez-vous bien. [RIRES]. Maintenant que j'ai dessiné quelques rubans ici, je vais vous montrer comment répéter un motif. Disons que nous voulons jouer avec la forme de la feuille. En gros, je peux répéter ma feuille, ou j'aurais fait comme ça. En gros, nous avons affaire à un groupe et à l'intérieur de ce groupe, nous avons le même design, qui se répète encore et encore. Il y a le même élément qui se répète. On peut également faire exactement la même chose avec le motif qui ressemble à des tulipes. Encore une fois, ce ne sont que des croquis approximatifs pour imaginer à quoi ressemblera votre design lorsqu'il sera organisé de cette manière. Vous êtes bien sûr tout à fait libre de les peaufiner à ce stade précis, à fait libre de les peaufiner mais j'ai tendance à les garder très rudimentaires afin ne pas dépenser toute mon énergie à faire ces exercices, et j'aime la majeure partie de mon énergie créative au projet lui-même. [RIRES] C'est exactement comme ça que je fonctionne. J'aime faire de nombreuses esquisses , puis effectuer le polissage final de la pièce finale. Mais chaque personne a son propre processus de création, donc si vous souhaitez le peaufiner à ce stade, vous êtes tout à fait le bienvenu. Désormais, à l'intérieur de ces rubans, vous pouvez également jouer avec l'orientation des motifs à l'intérieur. Aucune règle ne dit que les tulipes doivent toutes être orientées dans la même direction. Imaginons que cet espace soit également un ruban. Ici, je peux avoir un motif allant dans cette direction, puis l'autre élément peut en fait être le contraire, ce qui donnera un aspect complètement différent. Nous apportons l'autre comme ça. En fait, j' aime bien cette approche parce que les bordures ici, comme la forme extérieure de la tulipe, deviennent une aura naturelle par rapport ici, comme la forme extérieure de la tulipe, deviennent une aura naturelle à la précédente que nous avons dessinée. Pour ce design particulier, j'ai en fait mieux aimé cette approche que la précédente. Maintenant, souvenez-vous de ces asperges que nous avons pondues plus tôt. Cela peut en fait devenir un ruban très, très facilement, car sa conception en est ainsi. Les sections peuvent en fait se dérouler à peu près comme ça et je ne fais donc que donner un ordre aux sections. Ensuite, nous avons fait fonctionner cette petite feuille pour pouvoir vraiment faire fonctionner comme ça. Je pense qu'il y en a eu un autre où nous l'avions fait comme ça où nous les avons fait alterner. Encore une fois, ce qui se passe à l'intérieur du ruban est totalement sous notre contrôle. En gros, nous cherchons simplement à savoir comment nous voulons répéter les mêmes coups, car en fin de compte, Zentangle consiste à entrer dans un état d'esprit méditatif. Cela vous met dans un état d' esprit très détendu et cela se produit lorsque vous répétez les mêmes mouvements encore et encore. Parce que la répétition des coups est ce qui vous aide à entrer dans cet état d'esprit détendu. Nous cherchons essentiellement différentes manières de répéter les coups. va de même pour cette version que nous avions réalisée précédemment de la tige d'asperge avec les caissons et les poteaux. Cela peut également devenir un ruban et, en fait, c'est déjà un ruban car il comporte deux lignes droites parallèles qui se déroulent ainsi, puis nous avons les détails à l'intérieur. Mais la même chose peut également être reproduite d'une manière très précise , où nous pouvons avoir les sections et ensuite les coffres. La seule différence serait que dans ce cas, les caissons se trouveraient le long du bord extérieur, qui est ondulé. Alors, bien sûr, nous pouvons avoir les mêmes détails à l'intérieur. Maintenant, la prochaine approche que nous allons examiner pour les structures enchevêtrées sera une approche empilable. Ce qui signifie essentiellement que vous empilez exactement le même motif l'un sur l'autre. Disons si j'ai un caillou ou une sorte d'orbe. En gros, je vais juste les empiler les uns sur les autres. L'empilement se fait généralement verticalement. Nous cherchons donc essentiellement à créer une pile et cela peut se produire pour n'importe quel motif de votre choix. En fait, nous pouvons également le faire pour nos motifs inspirés des tulipes. Au fur et à mesure que je le dessine, il devient évident pour moi que cet arrangement ou cette structure ne conviendront pas à ce motif. Mais là encore, le but de cet exercice est d'examiner nos motifs de conception et essayer différentes combinaisons avec eux pour voir ce qui fonctionnera et ce qui ne fonctionnera pas en fin de compte. Maintenant, je sais que ce n'est pas une approche ou que ce n' est pas une racine que je veux suivre pour ce fragment ou cet élément en particulier. L'un des aspects intéressants de l' empilage est qu'il n'est pas nécessaire qu'il soit exactement dans le même sens et qu'il peut avoir une certaine rotation. Ce que je veux dire, c'est essentiellement combiner deux approches différentes , à savoir l'approche dispersée l'approche par empilement. Le moyen d' y parvenir est d'empiler des objets, chacun avec un certain degré de rotation. Ici, toutes ces structures semblables à des galets sont empilées les unes sur les autres. Mais ils ont chacun un certain degré de rotation, donc ils ne sont pas exactement comme des canards d'affilée, en gros. [RIRES] Ils sont légèrement ici et là. Maintenant que j' examine cette approche, je peux réellement expérimenter cette forme semblable à une tulipe avec cette approche et voir si elle est plus belle. Oui, je pense que ce type d'approche qui consiste empiler mais aussi à les faire pivoter fonctionne beaucoup mieux en tant qu' option empilable pour ce motif de design particulier. Maintenant, l' avantage de l'empiler ainsi, c' est qu'il peut servir de bordure à un dessin et de ruban vertical. Nous pouvons aussi l'avoir comme ruban. Disons que si j'ai juste des bordures comme ça, cela peut devenir un magnifique motif à l'intérieur d'un ruban. Encore une fois, de merveilleuses possibilités vous lorsque vous combinez deux ou trois approches différentes. Enfin, la dernière approche avec laquelle nous allons travailler s' appelle l'approche radiale, laquelle nous imaginons essentiellement qu'il existe un centre. Ensuite, chacun de nos éléments se déplace, peu près comme des pétales de fleurs radialement ou comme des rayons de soleil. Si j'avais des cailloux, ils tourneraient comme ça. Avec ce motif de tulipe, je vais imaginer qu' il y a un centre ici. Je vais faire en sorte que ça se passe comme ça. En fait, dans ce cas, nous pouvons quatre pétales et disons que je l'ai fonctionner ainsi Maintenant, cela devient un tout nouvel élément automobile. Cela peut maintenant être votre bloc que vous pouvez répéter sur votre ruban, donc des possibilités amusantes une fois de plus là-bas. Fondamentalement, l'approche radiale consiste à imaginer qu'il y a un centre, puis à répéter le motif tout autour. Regardons d'autres exemples. Par exemple, cela fait partie de la tige. On peut faire semblant qu'il y a une tige qui fonctionne ainsi. Une autre, qui fonctionne ainsi, dans ce cas , ne sera pas comme un point central, car cette partie de cette tige ressemblait en fait à une tige épaisse. Ensuite, les sections se dérouleront ainsi et nous pourrons ensuite remplir ce que nous voulons au milieu. Maintenant, tout cet espace vide que vous avez ici au milieu peut vous aider à créer d'autres designs plus loin. Par exemple, je peux avoir des feuilles ou des tiges qui fonctionnent ainsi. Ou ici, je peux remplir la fougère que nous avions expérimentée pour que la fougère puisse venir ici, ce qui signifie que nous combinons deux motifs différents. En gros, vous vous amusez beaucoup à jouer et à combiner différents motifs avec différents améliorateurs et différentes structures. Chaque fois que vous mélangez ces motifs avec des amplificateurs et des structures différentes, vous obtiendrez toujours un résultat différent. Chaque résultat vous donnera beaucoup plus de variété avec laquelle jouer. Chaque résultat vous aidera à créer une collection de motifs parfaitement homogènes et vous permettra de plus en plus d' identifier le type de designs que vous aimez vraiment. Bien sûr, ce faisant, parce que vous dessinez des motifs répétés encore et encore avec des traits répétitifs, vous allez devenir de plus en plus confiant et vous allez vous retrouver dans un état d'esprit plus détendu. Amusez-vous, expérimentez ces designs et dites-moi ce que vous trouvez. 16. Projet de cours : dessiner: Nous sommes maintenant prêts à commencer à travailler sur notre projet de classe et je suis prête ici avec mon papier mixte de 15 centimètres carrés. Mais comme je l'ai mentionné plus tôt, vous êtes totalement libre de choisir le format de papier que vous souhaitez, celui qui vous convient le mieux et, bien sûr, cela dépend aussi totalement de votre niveau de confort quant vous convient le mieux et, bien sûr, cela dépend aussi totalement de votre niveau de confort taille ou à la taille que vous souhaitez dessiner. Nous allons commencer par le style classique des enchevêtrements, quatre points sur les coins , puis nous allons les relier aux bordures. Maintenant, je tiens à mentionner rapidement que si vous êtes un enchevêtreur avancé et que vous avez confiance en votre capacité à travailler avec des compositions abstraites, vous pouvez sauter cette étape. Mais si vous aimez travailler avec la méthode classique d' enchevêtrement, il est évidemment recommandé de créer les points et les bordures. Personnellement, j'aime utiliser les points et les bordures, encore aujourd'hui, parce que j'ai l'impression cela m'aide à m'échauffer, à me débarrasser du papier blanc et à me mettre dans le bon état d' esprit lorsque je travaille sur une composition abstraite. La prochaine étape de cette méthode d' enchevêtrement consiste à ajouter la corde, et pour la composition d'aujourd'hui, j'ai pensé que ce serait amusant de travailler avec une corde à triple boucle. Bien entendu, encore une fois, si vous êtes un joueur d'enchevêtrement avancé, choisir vous pouvez choisir n' importe quelle autre corde que vous aimez, vous n'avez pas à travailler sur la même corde que moi et vous et pouvez personnaliser le projet comme bon vous semble. Pour en venir aux enchevêtrements, je voudrais vraiment utiliser certains des enchevêtrements que j'ai beaucoup aimé développer au notre processus créatif au cours des dernières leçons. L'un des enchevêtrements sur lesquels j'ai beaucoup aimé travailler le design inspiré des feuilles tropicales, car il m'a donné une ambiance très art déco et possède de belles lignes droites nettes. tant qu'artiste, j'ai tendance à utiliser de nombreux designs organiques qui sont nature très froide, donc cette fois, je veux même me dépasser sur le plan créatif et utiliser quelque chose d'un peu plus rigide et plus structuré que mon style de dessin habituel. Je vais l'intégrer ici. Encore une fois, c'est en fait un excellent moyen pour moi de vous montrer que chaque fois que vous voulez insérer un motif dans votre composition abstraite, cela ne doit pas nécessairement suivre la chaîne . Vous n'avez donc pas à écraser votre dessin ou à contrôler votre dessin juste pour l'adapter au segment formé par la corde. Vous pouvez tout à fait le faire flotter au hasard n'importe où dans votre design et il n'est pas nécessaire qu'il suive la forme. Maintenant, la prochaine chose que je veux faire est d' intégrer définitivement le dessin de feuille que j'ai adoré développer, et je vais l'utiliser dans une approche dispersée. Mais même en adoptant une approche dispersée, je vais faire une légère variation et les feuilles ne se toucheront pas complètement. Je vais laisser beaucoup d'espace vide. Ils ressemblent presque à des feuilles flottantes ou à des fragments flottants. En arrière-plan, je vais mettre un autre motif ou un autre dessin. C'est un excellent moyen de superposer vos créations. Chaque fois que vous voulez deux motifs qui ressemblent presque à se juxtaposer ou à superposer l' un sur l'autre, vous pouvez certainement laisser beaucoup d' espace vide pour que les deux motifs aient suffisamment de visibilité sur votre design . Vous pouvez toujours en faire ressortir un peu plus ou ressortir un peu plus que l'arrière-plan en utilisant simplement un peu de des astuces d'ombrage ici et là. Nous allons certainement voir cela se produire avec ce design. Maintenant, pour ce qui est de la section qui suit, je voudrais utiliser je voudrais utiliser un modèle de citrouille que nous avons développé Je vais donc utiliser presque un motif en forme de demi-citrouille et je vais suivre cette boucle. C'est également, encore une fois, un bon exemple pour montrer que ces lignes ou les chaînes que nous avons mises sur papier ne sont que des directives et qu'elles ne vous limitent en aucune façon. Vous pouvez totalement vous sentir libre de les ignorer simplement les mélanger ou de les ignorer totalement, [RIRES] si vous en avez envie. Vous pouvez totalement jouer avec les règles et vous amuser. Maintenant, en bas, je vais traiter toute cette section comme un ruban et y ajouter ce motif inspiré des lettres, qui a fini par ressembler presque à motif inspiré des lettres, qui a fini par ressembler presque tulipes et je vais l'utiliser dans un style rythmé, avec le motif alternant haut et bas. Comme il s' agira de ma composition finale, je le fais avec beaucoup plus d'intention et je me concentre davantage sur mes traits, car ce et je me concentre davantage sur ne sont plus des esquisses et ce sera mon design final. Bien sûr, nous ne travaillons pas avec un crayon, nous travaillons avec un stylo, ce qui signifie que nous n' allons pas l'effacer. Donc, dans le style d'enchevêtrement choisi, si je finis par me tromper ou si je finis par mettre un trait quelque part, qui a été appliqué involontairement, alors eh bien, ce n'est pas vraiment considéré comme une erreur parce qu'il n'y a aucune erreur là-dedans ce qui signifie que nous n' allons pas l'effacer. Donc, dans le style d'enchevêtrement choisi, si je finis par me tromper ou si je finis par mettre un trait quelque part, qui a été appliqué involontairement, alors eh bien, n'est pas vraiment considéré comme une erreur méthode d'enchevêtrement. Cette méthode d'enchevêtrement est très indulgente car il n'y a pas de règles, ce qui signifie qu'il n' y a pas d'erreur. Même si vous finissez par placer un accident vasculaire cérébral quelque part par inadvertance, vous pouvez toujours revenir en arrière et y remédier de manière créative. Pour autant que vous sachiez, cela peut simplement créer un nouveau motif ou un tout nouvel enchevêtrement, alors faites-le le plus intentionnellement possible, mais si quelques coups de pinceau apparaissent ici et là, ne vous inquiétez pas, car c'est le plaisir de travailler avec Entangle, littéralement aucune erreur dans cette méthode. Maintenant, la prochaine chose que je voudrais faire est de remplir le haut avec ces orbes que nous avons développés, peu comme des guirlandes lumineuses . Ils proviennent en fait de cette photo de brocoli et je vais les placer ici, presque comme des gallons de perles ou presque comme des colliers de perles, qui flottent ici. Encore une fois, je vais simplement ignorer la ficelle et simplement transformer le tout en une grande section pour moi, de sorte qu' elle passe derrière petit motif de citrouille que nous avions dessiné et qu'elle soit également attachée au motif de feuille que nous avions dessiné. Maintenant, il me reste cette petite boucle. Je vais le remplir avec l'une de ces feuilles que nous avons développées en regardant l'image du chou-fleur. Imaginez que c'est comme une feuille unique ou presque comme un pétale de fleur. Je vais juste le mettre ici avec peut-être un ou deux qui sortent des côtés. Encore une fois, ce design semble très simple, mais finalement, si nous y remontons, nous pouvons constater que cela nous est venu à l'esprit, ou que cela a été abordé dans le cadre de ce projet aujourd'hui parce que nous avons vu cette image de chou-fleur comme référence. Chaque fois que nous alimentons notre cerveau avec de nombreuses idées visuelles ou avec de nombreux éléments visuels, il devient plus facile pour nous de les reproduire sur papier. Avant que vous ne vous en rendiez compte, ces modèles seront simplement ancrés dans votre mémoire et deviendront une seconde nature. En gros, tout le processus de création que nous avons mené au cours des dernières leçons ne nous déçoit jamais. Cela contribue toujours à alimenter notre créativité d'une manière ou d'une autre. Maintenant, avant de remplir le motif de fond, j'ajoute rapidement quelques détails aux feuilles et je suis en aux feuilles et je suis créer ces petites tiges avec les auras. Ensuite, mettez de petites bouffées. Tout l'espace vide que j' ai entre les bouffées, je les comble de noir, parce que cela contribue simplement à créer contraste et à donner à l'ensemble un aspect très poli. Les choux ressortent également un peu mieux lorsque vous colorez les espaces vides en noir. Maintenant, je vais juste accélérer un peu la vidéo, juste pour vous montrer mes progrès, car le processus est très répétitif. En gros, je mets juste les choux et les tiges de toutes ces feuilles. Une fois que toutes les feuilles sont cuites, je passe à mon dessin en forme de laitue ou à mon dessin en forme de tulipe, comme nous l'appelons. Dans l'une des tanglations, nous avons joué avec les feuilles orientées vers l'intérieur, puis nous avons ajouté les auras pour les relier. En gros, c'est ce que je fais ici. Vous pouvez bien sûr choisir une des autres tanglations. C'est exactement le stage que j'ai réussi à faire compte tenu de la composition sur laquelle je travaille. Mais si vous travaillez avec une corde différente ou si vous travaillez avec une composition différente , vos tulipes seront plus ou moins grandes que les miennes. En fonction de l' échelle du motif, vous pouvez totalement choisir les détails que vous souhaitez ajouter à l'intérieur. Vous pouvez certainement ignorer les feuilles si vous pensez que cela va prendre beaucoup de place ou si vous souhaitez mettre en valeur les feuilles d'une manière différente , vous pouvez également le faire. En gros, n'hésitez pas à utiliser vos propres tanglations et à utiliser toutes les possibilités de conception que vous avez imaginées de manière créative jusqu'à présent. Maintenant, une fois que j'en ai fini avec ces feuilles, j'ajoute simplement quelques détails à l'intérieur de ces motifs de tulipes. J'essaie d'ajouter des lignes ondulées et bouclées similaires au motif inspiré du treillis que nous avons créé dans le fragment en forme de larme sur le dessus. En gros, j'imite cet effet à l' intérieur des tulipes. Encore une fois pour créer une certaine harmonie de design. Ensuite, tout cet espace restant entre les différentes tulipes, qui est tout cet espace vide entre les auras. Je suis juste en train de le remplir de choux. Encore une fois, juste pour ajouter une certaine quantité de détails au design et le rendre un peu plus orné. Comme toujours, vous êtes libre de modifier ces conceptions et vous pouvez ignorer totalement certaines de ces étapes ou ajouter certaines de vos propres variantes de conception. N'hésitez pas à vous amuser en ce qui concerne les détails. Encore une fois, ce processus d'ajout de détails est légèrement répétitif. Je vais juste accélérer un peu la vidéo pour vous. Bien entendu, si vous travaillez avec des détails différents et si vous avez une composition légèrement différente, vous pouvez suspendre la vidéo et y revenir dès que vous serez prêt. Ne vous précipitez pas. Prenez votre temps et ne vous fiez surtout pas à la vitesse de ces vidéos. [RIRES] Prenez votre temps et faites-le facilement, consciemment et confortablement. Je n'arrive pas à trouver d' autres adjectifs, mais en gros, faites-le simplement de manière simple. Maintenant que j'ai terminé mon ruban, je passe à l'ajout du motif inspiré des asperges derrière les feuilles, qui me permet de remplir tout mon papier et je n'aurai plus vraiment de trous vides par la suite. J'ajoute juste des lignes droites, pas des lignes droites à 100 %. J'essaie délibérément de les garder légèrement biologiques pour qu'elles ressemblent à des tiges d' asperges. Il suffit de s'assurer qu'ils s'alignent derrière les motifs. Maintenant, je vais rapidement ajouter quelques sections ici et leur donner des auras. fois cela fait, je vais maintenant utiliser la gravure comme outil en valeur pour agrémenter mise en valeur pour agrémenter le tout dans le cadre du design inspiré de la tige. La gravure prend généralement beaucoup de temps, mais je trouve cela très méditatif et je trouve cela très relaxant, car il s'agit simplement de mettre stylo sur du papier avec une telle attention, contrôler chaque trait, de passer de l' obscurité à la lumière et de passer d'une pression élevée à une pression basse. C'est l'équilibre parfait entre la pleine conscience et le plaisir. J'adore vraiment l'ajouter à mes créations. Encore une fois, il s'agit d'un exercice assez répétitif. Je vais accélérer un peu la vidéo pour que vous puissiez voir mes progrès. Mais en même temps, je tiens à réitérer le fait que vous pouvez certainement mettre la vidéo en pause et y revenir dès que vous êtes prêt. Tu n'es pas obligée de travailler au même rythme que moi. Vous pouvez travailler plus vite, plus lentement et prendre autant de pauses que vous le souhaitez. J'en ai fini avec la gravure, et maintenant, la prochaine chose que je veux faire est d' ajouter quelques détails aux orbes que nous avons en haut à gauche. Je veux l'équilibrer avec les éléments que j'ai en bas à droite de ma composition. Comme j'ai ce motif très art déco en bas à droite, je souhaite également ajouter un peu de netteté en m' inspirant de celui en haut à gauche. Je veux prendre ces bords triangulaires et les placer également en haut à gauche. C'est en fait l'un des moyens les plus simples d'harmoniser votre composition. Chaque fois que vous avez différents types de motifs dans votre composition, essayez de rechercher certains éléments qui peuvent être utilisés pour harmoniser le design. Essayez de rechercher certains détails qui peuvent être inversés ou qui peuvent être ajoutés pour donner à l' ensemble de la composition impression qu'ils font partie de la même famille. Dans ce cas, j'utilise les sommets triangulaires de ces feuilles et je les ajoute aux orbes en haut à gauche. Ils semblent connectés ou liés les uns aux autres. Maintenant, je vais continuer à l'ajouter à tous mes orbes. Bien entendu, vous pouvez ajouter autant de détails que vous le souhaitez ici. Mais je vais aussi faire quelque chose avec le contraste des couleurs. Au bas de ces orbes, je vais continuer à ajouter des auras. Mais sur le dessus des orbes, je vais les colorier en noir. Lorsque je teinte cette composition, je vais les ombrer à peu près comme cordes individuelles ou comme des rubans à part entière. Chacune de ces lignes où la taille des orbes augmente sera traitée comme un ruban distinct. C'est ainsi que je prévois de donner vie à tout cela. Encore une fois, comme il s'agit d'une activité assez répétitive, je vais simplement passer à l'étape suivante pour vous montrer à quoi ressemble la composition finale sur cette section de la vignette. Ici, vous pouvez voir que le fait d' ajouter beaucoup d'encre noire sur le dessus m'a certainement aidé à créer du contraste. L'ajout de ces petites auras dans la moitié inférieure de chacun de ces orbes m'a permis relier à la feuille tropicale art déco en bas à droite de la page. J'ai certainement beaucoup plus de lignes angulaires sur mon carreau maintenant. Maintenant, pour en venir à cette citrouille, je vais ajouter ces petites lignes inspirées de la photo de la pastèque et du radis. J'aime bien le fait que quelque chose d'aussi simple que d'ajouter du poids aux lignes puisse avoir autant d'impact. Je vais l'utiliser ici dans le design inspiré des citrouilles. Encore une fois, je tiens à vous rappeler que tous ces petits détails que je vais ajouter sont basés sur le remue-méninges créatif que j'ai réalisé au cours des dernières leçons. Mais si vous avez utilisé un ensemble d'images différent, vous pouvez avoir des designs différents dans votre collection et un ensemble de détails différent dans votre référentiel avec lequel vous pouvez jouer. N'hésitez pas à personnaliser le design et à vous écarter de ce que je fais ici. En gros, amusez-vous à composer des vidéos et n'oubliez pas de profiter du processus. Encore une fois, c'est assez répétitif et je vais simplement continuer à l' ajouter maintenant. Je vais juste accélérer les choses et passer à l'étape suivante. Pour en venir à cette feuille unique inspirée du chou-fleur que nous avions réalisée avec d'autres pétales qui fleurissent, je vais juste ajouter quelques lignes ici et laisser un peu d' éclat au milieu. J'ajoute des ailes dans un style d' illustration très botanique, mais en laissant juste un peu d'éclat au milieu. C'est le détail que j'aime pour cet élément en particulier. Encore une fois, vous êtes libre d'utiliser toutes les autres informations que vous souhaitez. Vous pouvez opter pour des auras, vous pouvez opter pour des caissons, vous pouvez ajouter tous les autres détails que vous souhaitez ici. Mais je pense que je voudrais ajouter quelques lignes supplémentaires pour que cela ressemble à une plume, et presque à cet élément en queue de poisson aléatoire flotte dans mon dessin. Maintenant, pour en venir à la dernière, qui est le design inspiré des feuilles, je vais juste ajouter des caissons. peu comme si nous avions esquissé le dessin de ce bouquet de cristaux plus tôt. À l'intérieur, je vais le découper avec quelques lignes angulaires supplémentaires, ce qui est encore une fois un clin d'œil au coin supérieur gauche de notre œil, où nous avons également tracé les lignes angulaires à l'intérieur des orbes. Maintenant, cela contribue essentiellement à rendre l'ensemble du design beaucoup plus cohérent et impression qu'ils sont connectés les uns aux autres. Cela a juste l'air beaucoup plus harmonisé, d'une manière de concevoir. Ceci étant fait, nous sommes maintenant prêts à commencer l'ombrage, ce que nous allons faire dans notre prochaine leçon. Je vous encourage à terminer votre conception avant de commencer la leçon suivante. Si vous travaillez sur un dessin légèrement différent avec des images de référence différentes, encore une fois, je vous encourage à prendre votre temps et à le dessiner paisiblement et à me rencontrer lors de la prochaine leçon une fois que vous serez complètement prêt à dessiner. Ensuite, nous allons commencer à ombrer. 17. Projet de cours : l'ombrage: Nous sommes maintenant prêts à commencer à ombrer notre projet et pour cela, nous devons choisir l'orientation de notre dessin qui nous convient le mieux. L'avantage du Zentangle, c'est qu'il s'agit fin de compte d' une forme d'art abstraite et qu' n' y a pas de bon côté à ces dessins. Vous pouvez le retourner comme vous le souhaitez et décider vous-même comment vous voulez l'encadrer ou comment vous voulez l' accrocher afin accrocher afin décider dans quel sens se situer haut et dans quel sens se situer en bas. Prenez quelques secondes, faites pivoter votre dessin dans le sens des aiguilles d'une montre, aiguilles d'une montre et choisissez l'orientation qui vous convient le mieux pour votre dessin. Je vais utiliser l'idée originale que j'ai eue, savoir que j'avais les orbes en haut à gauche et ce petit Ruben en bas. Maintenant, je vais commencer par ombrer les orbes, et je veux les traiter comme des Rubens. La première chose que je veux faire est de revenir sur ces lignes de crayon originales que j'avais dessinées et je vais juste les assombrir un peu pour ajouter un peu de graphite au papier, ce qui ajouter un peu de graphite au papier, m'aidera lorsque je commencerai à le mélanger. En gros, j'ajoute du graphite sur l'un des côtés de ces sections. Maintenant, je vais apporter mon tortillon et je vais juste commencer à le mélanger légèrement. Maintenant, avec le graphite, nous voulons toujours y aller petit à petit. Il ne faut pas ajouter trop de graphite au début, car l' ensemble de la composition a alors tendance à devenir très sombre. Nous voulons continuer à ajouter couches et des couches de graphite si vous voulez que le graphite devienne plus foncé, mais nous commençons toujours par un peu au début, puis nous continuons à augmenter à partir de là. Maintenant que je partage ces informations, vous pouvez voir que je laisse volontairement l'un des côtés plus clair. Je passe donc du foncé au clair en utilisant ma tortillon très, très doucement, en créant simplement un effet de décoloration ou une transition presque fluide du foncé au clair. Je vais faire de même pour le reste des sections. Je vais juste ajouter le graphite , puis je vais commencer doucement à le mélanger. Maintenant, nous voulons également être un peu prudents lors du mélange, car il y a déjà une petite quantité de graphite sur notre tortillon, qui est le résidu des couches de graphite précédentes que nous avons dessinées. Chaque fois que vous ajoutez du graphite, vous devez tenir compte du graphite qui se trouve déjà sur le tortillon. C'est aussi la raison pour laquelle nous voulons procéder petit à petit, car les résidus sur le tortillon finiront par s'ajouter à la noirceur du papier. Nous voulons donc continuer à construire progressivement les couches au lieu de les ajouter toutes en même s'ajouter à la noirceur du papier. Nous voulons donc continuer à construire progressivement les couches au lieu temps. Cela semble déjà assez tridimensionnel à ce stade, mais je vais juste y retourner avec mon crayon graphite et assombrir certains bords, juste pour qu'il y ait un peu plus de contraste, et nous puissions réellement voir ces très beaux détails noirs avec le graphite. Les ombres sont un peu plus accentuées et, de ce fait, les reflets sont également améliorés, ce rend un peu plus foncés sur ces bords. Je vais apporter mon tortillon peaufiner certaines de ces zones et bien mélanger le tout. La prochaine chose que je veux faire est ce motif inspiré d'une demi-citrouille. Pour cela, je souhaite conserver un effet moelleux, presque un effet ballon. Je vais ajouter du graphite sur les bords extérieurs. Encore une fois, je vais simplement les faire passer progressivement aux points forts. Plus vous foncez les bords de ce dessin particulier, plus vous serez en mesure de définir les bords et plus vous pourrez vous concentrer sur le contour du dessin. Vous devez également vous assurer que vous utilisez votre tortillon de manière directionnelle, que vous suivez ces lignes extérieures et vous suivez ces lignes extérieures revenez simplement sur votre trajectoire le long de ces lignes extérieures, afin que les mélanges soient fluides et que les transitions se fassent également en douceur. Inutile de dire que l' ombrage est subjectif et qu'il ne s'agit là que de l'une des nombreuses manières dont vous pouvez ombrer un motif comme celui-ci. Si vous avez envie d'essayer une autre technique ou un autre style d'ombrage, vous pouvez le faire. Ici, j'ai l' impression d'avoir ajouté un peu trop de graphite et je pense que j'ai compromis les reflets à cause de l' ajout d'une trop grande quantité de gris. Je vais juste revenir avec une gomme. Il s'agit d'une gomme de précision que j'ai, qui a la forme d'un crayon avec un petit pinceau pratique à l'arrière. Cela m'aide à créer des lignes blanches nettes dans mes dessins au graphite ou au fusain. Bien sûr, vous pouvez également le faire avec une gomme ordinaire, mais je trouve simplement que la gomme de précision légèrement plus facile à utiliser et peu plus rapide à utiliser, car elle vous permet d'obtenir reflets très nets et très rapidement au lieu d'essayer de manœuvrer votre gomme épaisse sur les bords. Maintenant, je vais aussi passer rapidement à l'autre côté. Le processus reste le même, la seule différence que cette fois les ombres sont droite et les reflets à gauche. Encore une fois, cela est complètement différent des règles classiques en matière d'ombrage, car nous n'avons pas vraiment de source de lumière focale ici. Nous plaçons donc nos ombres et reflets où nous le voulons manière décorative plutôt que réaliste. Il s'agit simplement d'améliorer l'enchevêtrement, plutôt que de se concentrer sur travail réaliste d' ombres et de lumières ici. N'hésitez pas à jouer et à enfreindre les règles en matière d'ombre et de lumière ici. Il suffit d'ajouter quelques touches finales avec plus de graphite pour accentuer ces bords et créer un certain contraste. Ensuite, je vais travailler sur le design inspiré de l'époque des asperges. Ici, je n'ai pas vraiment besoin de beaucoup de graphite car un effet d'ombrage naturel a déjà été créé avec le stylo, grâce à l'effet anti-âge. Je vais simplement utiliser très peu de graphite et me fier davantage aux résidus qui se trouvent déjà sur le tortillon. Je vais juste créer ces jolis mélanges doux et ajouter légèrement du graphite dans ces tiges ici et là. En fait, l'anti-âge se prête déjà très bien au design ou à la teinte, dans ce cas, car il nous donne déjà un indice ou un indice quant à l'endroit où nous devrions placer notre graphite. Nous savons déjà qu'il fait plus sombre en bas et plus clair en haut. Lorsque nous ajoutons du graphite, nous voulons nous assurer de suivre le même itinéraire et de créer un mélange homogène. Je fais très attention à ne pas faire monter mon graphite à fond dans chacune de ces sections. Je veux donc m'assurer que certains de ces bords supérieurs restent blancs et que nous obtenions une belle transition douce au lieu qu'il soit complètement gris. Je ne veux pas qu'il passe du noir au gris, je veux qu'il passe du noir au blanc Je veux donc m'assurer que certains de ces points forts sont toujours visibles. Maintenant, la prochaine chose que nous voulons faire, ce sont les améliorations apportées à ces feuilles. Pour cela, je vais simplement ajouter petites lignes de smiley ou des traits à l'intérieur de chacun de ces buffs. Ensuite, je vais juste apporter ma tortion et bien la mélanger. Cela va juste lui donner une finition presque nacrée. Nous avons cette légère ombre et le reste semble briller joliment. Permettez-moi de vous y regarder de plus près. Nous allons juste ajouter les petits smileys avec un crayon graphite. Vous devez vous assurer que votre crayon est bien aiguisé ici. Parce que si le crayon est émoussé, vous allez finir par ajouter inutilement beaucoup de graphite. Vous voulez vous assurer que le crayon est bien aiguisé. Cela se déroule simplement d'une manière très précise. Ensuite, nous préparons la tortilla et nous la mélangeons bien. Lorsque vous les regardez de loin, ces parties ressemblent à des objets métalliques brillants ou à peu près perles enfermées dans cette forme de feuille. Je vais juste accélérer un peu car c'est un processus assez répétitif. Je veux que vous preniez votre temps pour bien terminer chacune de ces courbes. Cela peut probablement aussi être l' occasion pour vous de mettre la vidéo en pause et de faire une petite pause avant de revenir et de poursuivre votre processus d'ombrage. Faites-le à votre rythme. On n'est pas pressé du tout. Maintenant, une fois que nous en aurons terminé avec ces détails intérieurs, je vais revenir à ces feuilles et leur donner une ombre. Je vais contourner les bords et leur donner un bel aspect tridimensionnel en ajoutant une ombre. Encore une fois, nous n'avons pas vraiment de source de lumière ici pour référence. Je vais juste placer les ombres à peu près sur le côté droit de chacune de ces feuilles. Assurez-vous simplement que les ombres leur donnent un aspect surélevé par rapport au motif en forme d' asperge. Par exemple, maintenant que j' ajoute la touche finale, vous pouvez voir qu'ils ont l'air d'être posés sur le dessus ou de flotter au-dessus du motif d'asperges. Encore une fois, il s'agit d'un autre style d' ombrage décoratif pour simplement améliorer votre design. Il n'est pas nécessaire de respecter les règles de l'ombrage classique. Nous améliorons simplement le design ici et là de manière abstraite. Je fais juste le tour partiel de chacune des feuilles et je ne les contourne pas complètement à 360 degrés. Je m' assure juste de choisir un côté et d'y ajouter un peu d'ombre. Maintenant, travaillons sur cet élément qui a été inspiré par la feuille. Ici, nous allons d'abord procéder à l'ombrage des caissons, en ajoutant simplement un peu de graphite sur les bords intérieurs. Je vais juste bien le mélanger et lui donner un effet tridimensionnel. Pour les sections intérieures, je ne les ombrage pas vraiment, mais je les colore simplement d'une certaine manière. Je vais juste alterner noir et blanc ici en ajoutant du graphite. Encore une fois, mélangez-le bien pour vous assurer que le graphite pénètre dans la dent du papier. Ensuite, je vais répéter les mêmes étapes pour les autres sections de la feuille. Maintenant, le ruban en bas est assez lourd en ce qui concerne les détails. Je vais donc traiter tout cela comme une seule entité. Je vais juste aller sur les bords, ajouter du graphite et créer un joli faisceau lumineux au centre. Je ne vais pas trop me concentrer sur les détails individuels en ce qui concerne l'ombrage. Parce que beaucoup de choses se passent déjà en matière de design, et je ne veux pas que l'œil soit confus lorsque nous examinons le design. Je pense que tout ce groupe peut être traité comme une seule entité. Je vais juste créer un joli faisceau lumineux au centre. Encore une fois, cela lui donnera une finition cubique très métallique. Cela me rappelle ces magnifiques colliers métalliques ou dorés que portaient les déesses grecques à l'époque. En raison des détails ornés qu'il contient, il ressemble totalement un bijou cassé, comme un collier ou presque à un bracelet. J'aime vraiment la vague ici. Enfin, nous allons y ajouter ce petit élément à plumes, inspiré des feuilles de chou-fleur, mais qui ressemble maintenant à peu près la queue d'un poisson timide, je crois. [RIRES] Nous allons juste y ajouter un peu de graphite. Je compte sur les résidus qui se trouvent déjà sur ma torture. Je n'ajouterai aucun graphite supplémentaire ici. Je joue juste avec la pression exercée sur la torsion. Il suffit d'accentuer cette petite courbe avec plus de graphite, en laissant le blanc scintillant comme nous l' avions fait à l'origine avec notre stylo, et en ajoutant simplement des nuances et des reflets ici et là. En gros, je joue avec les différents degrés de gris. Avec cela, nous avons enfin fini d'ombrer ce style. Je suis très content de la façon dont cela s'est passé. Je suis également très heureuse d'avoir eu l'occasion de le faire avec vous et de vous montrer mon processus exact. Pendant le tournage de ce cours, j'ai même pu ajouter de nombreuses nouvelles idées de design à ma collection. Je suis donc très heureuse de voir tout ce que vous avez imaginé. N'oubliez pas de poster une photo de votre style final dans la section projet, où je me ferai un plaisir de vous faire part de mes commentaires. Si vous avez des questions concernant le projet, ou si vous avez des questions concernant les outils ou les fournitures, vous pouvez toujours les poser dans l'onglet Discussions, qui se trouve également juste en dessous de cette vidéo. Cela signifie que nous en avons terminé avec ce projet. J'ai hâte de partager certaines de mes dernières réflexions avec vous tous. 18. Dernières réflexions: Félicitations pour avoir terminé le cours et réalisé votre beau projet. J'espère vraiment que ce cours vous a été utile et qu'il vous a donné un peu plus de confiance en vous lorsqu'il s'agit développer vos propres modèles et motifs. Avant de terminer le cours, j'aimerais partager quelques dernières réflexions avec vous tous. Avant tout, si vous souhaitez poursuivre votre aventure avec Zentangle et être au courant de mes prochains cours, je vous recommande de cliquer sur le bouton Suivre juste au-dessus de cette vidéo. Ainsi, vous serez abonné à mes notifications sur Skillshare et vous serez le premier informé chaque fois que je lance un nouveau cours ou une leçon bonus, ou lorsque je planifie un concours et ai d'autres annonces intéressantes à faire. Je tiens également à vous rappeler rapidement de publier votre projet dans la section projets et ressources, qui se trouve sous cette vidéo, afin que je puisse vous faire part de mes commentaires. Je vous le promets, je vais regarder chaque projet que vous publierez tous. Ensuite, Skillshare est une plateforme axée sur les étudiants, et toutes vos opinions et critiques aident professeurs comme moi à continuer d'ajouter d'autres cours ici. 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