La puissance de l'ombre et de la lumière : Un guide pour débutants

1. Comment utiliser l'ombre et la lumière dans vos créations artistiques: Vous êtes-vous déjà demandé ce qui rend les œuvres plus réalistes que les autres ? Lorsque nous voyons un art réaliste, nous pouvons immédiatement penser que, loin de notre capacité, cet artiste est tout simplement trop talentueux et il n'y a aucun moyen d'y parvenir. Eh bien, réfléchissez encore. compétence la plus importante que vous pouvez développer si vous voulez dessiner de façon réaliste, est de comprendre comment placer des zones claires et sombres sur le papier pour reproduire le monde et donner l'illusion de l'espace. Salut, je suis Alessia, et je suis ici aujourd'hui pour explorer comment la lumière et les objets interagissent les uns avec les autres et comment traduire cela sur papier. L' art est ma plus grande passion, c'est une façon de penser. est la raison pour laquelle je suis venu à Londres il y a huit ans. Peu importe à quel point mon travail devient abstrait ou conceptuel, il y a toujours un peu d'espace dans mon cœur pour dessiner et peindre de manière réaliste. C' est la façon dont nous commençons habituellement à faire un art, et cela est souvent considéré comme un défi plutôt qu'une pratique, une compétence et une observation. Dans ce cours, je vais vous emmener étape par étape à travers le processus de création de quelque chose de réaliste sans la pression du dessin d'une manière très polie. En fait, nous allons utiliser un style très sommaire, quelque chose que tout le monde peut réaliser parce que cette classe est pour les débutants absolus. Donc, si vous n'avez aucune expérience du dessin ou de la peinture, c'est la classe pour vous. Si vous voulez apprendre à utiliser la lumière sur votre papier, sur votre toile pour donner ce look réaliste et tridimensionnel. Nous allons passer de leur observation de la réalité jusqu' à l'œuvre finale, qu'il s'agisse du dessin, de la peinture ou de l'art numérique. Nous allons le faire en appliquant une méthode que j'appelle observer, shape et value. C' est aussi simple que cela puisse paraître. Vous observez une image, vous notez quelques formes, puis à la fin vous ajoutez des valeurs, ou en d'autres termes, ou en d'autres termes, pièces plus claires et plus sombres pour la rendre tridimensionnelle. Si vous voulez dessiner quelque chose avec des ombres réalistes et de la composition, c'est la classe pour vous. 2. Présentation du cours + LIVRE ÉLECTRONIQUE GRATUIT: Bienvenue dans ce cours en utilisant la lumière et les ombres dans vos œuvres d'art. Dans cette section, je veux vous guider à travers la structure de la classe et de quoi avons-nous besoin pour arriver avec succès à la fin de celle-ci. Avec cette classe, vous obtenez un ebook gratuit qui contient la plupart des informations de cette classe. Mais je me suis assuré de le garder assez court pour être imprimé et emmené avec toi quand même. J' ai inclus beaucoup d'exemples et d'images pour m' assurer que tout est clair et exploitable. Pour le télécharger, il suffit d'aller dans la section Ressources ci-dessous et de cliquer sur le fichier nommé « Livre électronique gratuit ». Avant de commencer, je tiens à souligner quelques choses que nous allons voir dans les prochaines leçons. Tout d'abord, les seuls matériaux dont vous aurez vraiment besoin sont ceux que vous utiliseriez normalement pour créer votre art. Parce que cette classe concerne une méthode plutôt que le résultat final. En d'autres termes, comment faire quelque chose indépendamment de ce que vous utilisez. Dans mes leçons et démonstrations, j'utiliserai une variété de formats pour communiquer des idées et vous donner des exemples pratiques. J' utiliserai un crayon, du papier, de la peinture et un iPad Pro pour rendre tout facilement accessible à tout le monde. Je veux dire que ce n' est pas parce que vous me voyez les utiliser que vous devez faire de même. N' hésitez pas à utiliser tout ce qui est à votre disposition ou que vous appréciez le plus. Maintenant, regardons la structure de la classe. Nous pouvons diviser cela en deux parties. La première partie, nous aurons un chat pour passer en revue quelques définitions et quelques exemples nécessaires pour exécuter avec succès le projet de classe. Ces choses sont principalement autour de la lumière et comment cela fonctionne, et comment le décomposer. Des choses qui sont utiles dans notre création artistique, de la lumière et des ombres aux définitions telles que les valeurs, forment des ombres, projettent des ombres, etc. Ensuite, je vais vous guider à travers la méthode que j'ai appelée observer, forme et valeur. Nous utilisons cette méthode pour créer étape par étape, et c'est super important si vous voulez obtenir vos bases juste avant même de commencer à ajouter des pigments ou des formes ou des couleurs dans votre art. Dans la deuxième partie de la classe, je vais démontrer comment vous pouvez appliquer toute cette méthode à n'importe quel support. Je vais vous montrer comment je l'utilise avec un crayon et du papier dessinant une nature morte à partir d'une image, puis nous utilisons la même approche étape par étape avec la peinture à la gouache, puis l'art numérique aussi. J' utilise Procreate sur un iPad Pro. Je recommande fortement de regarder toute cette démonstration du début à la fin parce qu'ils sont vraiment remplis trucs et astuces pour rendre votre art plus réaliste et avoir des proportions et des ombres correctes depuis le début. Dans la prochaine leçon, nous parlerons de votre projet de classe. 3. Votre projet de cours: Pour votre projet de classe, j'aimerais que vous créez une illustration à partir d'une image de référence de votre choix. N' hésitez pas à vous inspirer de mes démonstrations, et je relierai toutes les images que j'ai utilisées dans les Ressources ci-dessous. Je les télécharge généralement à partir du site gratuit appelé unsplash.com. Il s'agit d'une base de données d'images libre de redevances, sorte que vous pouvez utiliser n'importe laquelle de ces images à des fins artistiques. Un projet de classe facile de débutants est une nature morte, et vous pouvez donc les créer en rassemblant des objets de tous les jours tels que des fruits, tasses, des pots, tout ce que vous pouvez trouver autour de la maison. N' oubliez pas de publier votre projet de classe dans la communauté ci-dessous afin que vous puissiez obtenir des commentaires de ma part ainsi que d'autres élèves. Ne soyez pas timide, tout le monde est là pour apprendre et personne ne vous juge ou vos compétences. rétroaction constructive est le moyen le plus simple et le plus rapide de grandir en tant qu'artiste. Appliquez toutes les compétences et les conseils que vous avez appris dans ce cours, partagez-les avec vos pairs et continuez à pratiquer. N' oubliez pas de vous amuser dans le processus. 4. Comment la lumière donne forme au monde entier: Je veux commencer ce cours en vous emmenant à un petit voyage dans notre vie quotidienne. Je veux que tu essaies de te rappeler, quelle est la première chose que tu fais quand tu entreras dans une pièce ? Mais la réponse est probablement que vous allumez la lumière, et c'est une raison très simple pour cela est parce que sinon nous ne verrions rien. C' est la même chose avec l'art. Si vous voulez voir quelque chose dans une peinture ou un dessin, vous devez avoir une source de lumière. Cette source de lumière va avoir une position, une inclinaison, une couleur aussi appelée température. Tous ces facteurs ont un impact sur l'apparence de cette scène particulière. Vous pouvez changer la lumière et vous pouvez changer la scène. Changer la lumière peut changer l'humeur, l'apparence des choses. S' ils ont l'air plus grands ou plus petits, vous pouvez manipuler la lumière pour le faire. De la même manière, vous pouvez manipuler la lumière dans vos dessins ou dans votre peinture pour obtenir l'effet que vous voulez. Chaque objet est fait d'un certain matériau ou texture. Rappelez-vous que quand je dis objet, je peux aussi dire un sujet comme une personne, si vous faites un portrait ou vous esquissez une scène quotidienne où il y a des gens dedans. Tout ce qui y est inclus ajoute une texture et qui va réagir avec la lumière d'une manière différente. façon dont nous percevons cette caractéristique est basée sur la lumière qui se trouve dans cet objet. Un exemple très simple de cela est les nuages. Les nuages peuvent être blancs, peuvent être gris, mais peuvent aussi devenir roses quand il y a coucher du soleil et ils deviennent complètement ou presque invisibles la nuit. Pourquoi je te dis tout ça ? C' est très évident, nous le savons tous. Parce que si vous voulez dessiner des portraits réalistes, des paysages, des natures mortes, tout ce que vous voulez faire, vous devez savoir quelques choses relatives à la lumière et aux ombres. Vous pouvez avoir différents scénarios où la lumière est très forte et directe. Une lampe à côté d'une tasse de café va créer des ombres, réflexion, de beaux changements de termes. Tout cela dans l'art prend aussi des noms spécifiques qui peuvent être un peu accablants. C' est pourquoi je veux commencer ça en observant et en décomposant pourquoi nous appelons des choses comme ça. 5. Lumière, ombres et autres définitions: Eh bien, tout d'abord, on peut parler de lumière dans quelques scénarios. Le premier est la lumière directe, le second est la lumière diffuse, et le troisième est la lumière réfléchie. Avec la lumière directe, vous avez une lumière directe qui frappe un objet, par exemple, une lampe de bureau frappant votre livre. C' est une lumière directe. Habituellement, une lumière directe crée un contraste fort et un fort point culminant. Ce que je veux dire par surbrillance est la partie la plus légère d'une image, d'une image ou d'une scène. Par exemple, si vous regardez ce pot, c'est le point culminant, est la partie la plus légère. Ce matériau réfléchit la lumière d'une certaine manière. Ce matériel ici est un peu différent de cela. C' est plus lisse, plus réfléchissant. C' est plus grossier et opaque et ne laisse pas passer la lumière du tout. Il ne reflète pas du tout, il l'absorbe. La lumière directe comme celle-ci crée généralement un contraste très fort. Nous allons avoir une partie très légère dans cela, et ici à l'arrière où vous ne pouvez pas voir en ce moment va être plus sombre parce que la lumière ne peut pas passer et créer une ombre. Mais la façon dont ils créent une ombre est à un angle spécifique. La lumière vient de devant moi un peu à droite. Cette ombre va être dans cette direction. Nous allons avoir une ombre qui est sur le vase, sur le pot, et une ombre qui va être sur mon bureau. Cette ombre qu'il va y avoir sur le pot est aussi appelée ombre de forme ; est l'ombre qui est sur l'objet et est généralement générée par la forme de l'objet qui bloque la lumière de passer par. Une ombre coulée est généralement une ombre projetée sur autre chose. S' il y avait une tasse devant moi, l'ombre coulée dans cette direction, dans ce cas, serait celle sur la table. Comme un angle et il s'estompe, ils pourraient aussi être très forts. Nous avons des points forts, nous avons une ombre de forme, nous avons une ombre coulée, nous avons des reflets. Tous ces éléments doivent être pris en compte lorsque nous voulons dessiner quelque chose. 6. Surfaces réfléchissantes que vous ne connaissiez pas: Je voudrais dire quelques mots sur les surfaces réfléchissantes et réfléchissantes. Quand on pense à la réflexion, on pense à un miroir ou à une fenêtre en verre reflétant la lumière du soleil, tout ce qui est vraiment brillant, mais ce n'est pas toujours le cas. Quand on parle de lumière directe, on a dit qu'il y a une lumière qui frappe un objet. Quand on parle de lumière directe et de lumière réfléchie, j'aime faire l'analogie du soleil et de la lune. Vous avez le soleil qui crée la lumière frappe directement l'objet. C' est ma lumière directe. La lumière est créée que, ma lampe crée cette lumière. D' un autre côté, quand nous avons réfléchi la lumière, c'est comme penser à la lune. La lune émet de la lumière la nuit, mais c'est la lumière réfléchie. Le soleil brille sur la lune même si nous ne pouvons pas la voir, et la lune reflète la lumière sur la Terre. De la même manière, nous avons réfléchi la lumière sur les objets. Cela peut sembler être une lumière brillante de son propre, mais ce n'est pas le cas. Il est important d'être conscient de cela à cause de la façon dont la lumière peut réagir et cela peut être déroutant. Vous pourriez penser que la lumière vient d' un côté et en fait, c'est juste le reflet. Nous allons passer par ça pendant notre manifestation. Une autre chose qui est souvent oubliée est que même les surfaces opaques et solides, une telle table ou un mur, elles ont des propriétés réfléchissantes. En fait, si vous faites briller la lumière sur ce mur, ce mur en quelque sorte va refléter la lumière sur le reste de la pièce. De la même manière, si j'ai quelque chose comme un papier sur la table, la table va refléter une partie de la lumière sur le papier. La table absorbe généralement la lumière parce qu'elle n'est pas complètement réfléchissante, mais une partie de cela va être réfléchie sur le papier. Il est bon de savoir que parce que parfois les surfaces réfléchissent, il y a des couleurs que nous ne savons pas d'où elles viennent, et qu'elles viennent en fait d'une réflexion. Par exemple, si je mets maintenant ce dossier, qui n'est pas particulièrement réfléchissant. Si je mets ça ici, la lumière va frapper le fichier et il va rebondir sur le papier d'une manière presque imperceptible. Mais quand nous observons l'ombre ou l'ombre de forme sur le papier, nous allons voir quelques notes de rose. C' est de là que vient le rose. Quand disons que vous avez un bol, je suis sûr que vous avez vu des démonstrations de lumière et d'ombre avec une sphère. On va voir qu'il y a un point culminant sur la sphère, mais il y a une partie plus légère en bas. Parfois, nous ne pouvons pas tout à fait expliquer ça. C' est généralement le reflet de la table, de la surface. 7. Valeurs et regroupement des valeurs: Chaque livre, notre tutoriel de classe qui parle de lumière et d'ombre va parler de valeur, mais qu'est-ce que la valeur ? La valeur est la lumière ou l'obscurité de quelque chose. Aussi simple que ça. Il y a une plage entre cela. Vous pouvez le décomposer en un graphique de la partie la plus légère à la partie la plus sombre. Vous n'avez pas besoin de recréer un plan de valeur, vous pouvez essayer de le faire pour avoir une idée de la façon dont les valeurs peuvent vraiment varier dans l'image et nous pouvons l'utiliser pour le regroupement de valeurs. Le regroupement de valeurs décompose une image en un nombre défini de valeurs. Disons que vous créez le graphique des valeurs de trois nuances. Le premier est peut-être blanc, le second est gris, le troisième noir. Si nous voulons créer un regroupement de valeurs de deux couleurs, nous allons inclure uniquement les gris et les noirs. On ne va pas entre les deux. C' est presque comme un exercice de couleur sur le nombre, mais avec des valeurs. Vous pouvez en inclure autant ou aussi peu que vous le souhaitez, c'est quelque chose d'utile à faire, généralement avant de peindre ou avant d'appliquer la couleur parce que cela va nous donner un guide sur la façon dont sombre ou clair va avec la couleur, comment changer la nuance, la saturation de la couleur, tout cela. 8. La méthode : Observer, forme, valeur: Jusqu' à présent, nous avons parlé de faits saillants, ombres, d'ombres projetées, de réflexion. Valeurs, qui est à quel point tout est sombre ou clair. Nous avons également mentionné le regroupement de valeurs, qui regroupe certaines valeurs, valeurs similaires ensemble pour décomposer une image et la rendre plus facile à dessiner dessus ou à peindre dessus, rendre plus crédible. Maintenant, nous allons parler de la méthode que j'ai appelée observer, forme et valeur. Vous ne pouvez pas colorier à la fin si votre illustration est en couleurs. Nous allons voir comment cette méthode peut vraiment nous aider à tirer quelque chose de la réalité ou d'une image. En d'autres termes, comment rendre une image crédible, en donnant de l'espace illusionnel, ou de la profondeur, ou des volumes. La première étape de cette méthode consiste à observer l'image ou la scène devant nous. L' une des premières choses que nous voulons regarder est la lumière, aussi appelée source de lumière, où vient la lumière. Pendant cet espace, nous avons également de la place pour vraiment jeter un coup d'oeil à ce que l'image est faite, quelles textures et couleurs. S' il y a beaucoup de contraste dans l'image, ou si leurs nuances sont très douces, toutes ces choses peuvent être observées dans cet espace. L' une des principales choses que j'aime regarder est les ombres projetées parce que cela va vous donner une indication d'où vient la lumière, et c'est quelque chose que vous allez devoir faire attention lorsque vous mettez le ombre parce qu'il va donner à cet objet ce volume, et cela va le rendre réel. Une autre chose qui n'est pas liée aux valeurs est, d'identifier ce que j'appelle l'étoile de l'image. Ce que je veux dire par là est, identifier cet élément que vous pensez être l'élément principal de l'image, l'élément principal qui capte l'attention et donne une âme à la peinture ou au dessin. n'y a pas de bonne ou de mauvaise réponse en cela, vous décidez de ce que c'est, et gardez également à l'esprit que vous pouvez enlever ou ajouter tous les éléments que vous voulez. étape 2 consiste à définir les formes principales du dessin. Cela dépendra aussi du médium que vous allez utiliser à la fin. Nous allons explorer cela avec de nombreux exemples, donc pour finir, je vais expliquer comment l'utiliser dans la peinture de nature morte et l'art numérique. Si vous peignez avec de l'huile ou de la peinture, peut-être que vous faites la forme avec une nuance de brun ou de jaune comme un sous-ton, comme fond pour votre peinture, ou peut-être que vous faites simplement des esquisses à l'aide du même crayon,de sorte que vous n'avez pas besoin d'un ou peut-être que vous faites simplement des esquisses à l'aide du même crayon, autre outil. Ce que j'aime faire dans les formes est de décomposer les éléments principaux avec des formes géométriques vraiment, vraiment simples, vraiment simplifiées. Je vais vous donner un exemple. Si je veux dessiner ces vieux ciseaux peints sales, ça pourrait ressembler à une forme complexe. Dans ce cas, je vais le décomposer avec quelques formes géométriques. Par exemple, pour cette partie, j'utiliserai un mélange d'un rectangle et d'un triangle car il a un point. Par exemple, si c'était comme ça, il y aurait ici un triangle clair et quelques formes rectangulaires, quelques ovales. Dans l'ensemble, vous pouvez décomposer l'image en petits morceaux, puis vous mettez tout ensemble avec des détails. C' est assez simple à faire et cela vous aide à garder les proportions principales en échec, parce que si vous ne le faites pas, si vous voulez vous concentrer, par exemple, sur ce premier, vous allez vraiment dans les détails. Vous faites toutes les formes que vous voyez, toutes les courbes. Quand il s'agit de dessiner ceci, vous aurez du mal à garder les mêmes proportions, car les détails nous détournent des proportions principales. Faites d'abord les formes, puis vous allez sur les lignes et continuez à ajuster, continuez à observer et à mettre les lignes vers le bas. Lorsque nous allons faire un croquis numérique avec Procreate, nous pouvons utiliser la grille comme guide, et j'ai déjà fait une classe à ce sujet, vous pouvez toujours avoir cela comme référence. En termes très simples, vous utilisez une grille que vous dessinez dessus, ou dans ce cas, elle est prête à être utilisée parce qu'elle est numérique. Vous comparez la forme des carrés dans la grille par rapport à l'image, et il est donc plus facile d'obtenir la bonne forme et en proportion parce que vous allez toujours vérifier avec la forme du carré. La troisième étape est la valeur. Nous allons commencer à ajouter de la valeur, ce que cela signifie, c'est je commence par quelques ombres, j'aime généralement commencer par la plus sombre, mais je ne le fais pas toujours. Si le contraste est très clair pour moi, j'aime le faire clairement parce que cela aide cette image à sortir vraiment et cela me donne une indication de ce à quoi ça va ressembler à la fin, ou quelles astuces je dois faire, pour faire il semble réel, et selon ce que nous utilisons, il s'agisse d'un crayon ou d'une peinture, nous pouvons utiliser cela pour rendre quelque chose de plus sombre ou plus léger, et donner le volume à notre image. 9. Crayon sur papier – Observer: Commençons cette démo avec probablement le médium le plus simple, crayon sur papier. J' ai choisi une nature morte parce que c'est quelque chose de facile à assembler et un excellent exemple de la façon dont les objets peuvent interagir avec la lumière. Nous allons identifier la direction de la lumière, les reflets et les ombres, mais tout ce dont vous avez besoin pour l'instant est un crayon et du papier. J' utiliserai du charbon de bois aussi, mais vous n'avez pas à le faire. Commençons par quelques observations. Les faits saillants sont très évidents dans cette image, donc j'aimerais les signaler pour référence future. La direction de la lumière peut être difficile lorsque vous traitez des surfaces réfléchissantes, alors assurez-vous toujours de vérifier avec les ombres projetées pour vous assurer que vous obtenez la bonne image. Les ombres sont un autre moyen facile de décomposer une image, puis les réflexions et les matériaux peuvent nous aider plus tard à choisir comment aborder la phase des valeurs. Maintenant que nous avons regardé les principaux éléments tels que la lumière, les reflets et les ombres, commençons par le dessin. 10. Crayon sur papier – Forme: Dans cette partie suivante, nous allons commencer à poser quelques formes simples, puis nous ajoutons quelques détails. Mais d'abord, j'aimerais commencer à définir mon espace presque comme un cadre photo. Cela me donne des limites et il est plus facile de voir des proportions dans un espace clos. Je pense que le secret d'un croquis de préparation est d'être rapide et léger avec votre simulacre. Dessiner des formes simples qui ressemblent à des formes géométriques en particulier, est un bon début parce qu'il n'a pas besoin de perfectionnisme ou de détails, mais nous ne faisons que placer les objets dans l'espace pour le moment. Quand je serai satisfait de cela, je commencerai à définir les objets un peu mieux. Pour récapituler, un cadre photo facilite les proportions, et les formes géométriques enlève la pression du perfectionnisme sans affecter notre dessin global. N' oubliez pas d'utiliser une légère pression afin que vous puissiez changer les choses plus tard si vous le souhaitez. Dans la leçon suivante, nous allons ajouter quelques valeurs, rendant notre dessin plus réaliste. 11. Crayon sur papier – Valeur: Dans cette leçon, nous allons ajouter du pigment pour rendre tout plus réel. Nous pouvons commencer par quelques ombres, puis nous continuons ajuster la forme et l'ombre ensemble, ajoutant des détails en attendant. Commençons par les ombres principales sur le pot. Nous n'avons pas à les bloquer complètement, nous pouvons simplement les suggérer avec quelques coups. Dans cette phase, je voudrais continuer à regarder l'image et fixer certaines des formes aussi bien. Quand je me sens bien à ce sujet, je vais commencer à ajouter des zones plus sombres. J' utilise des bâtonnets de charbon parce qu'ils sont très sombres et je n'ai pas à appuyer sur le papier autant que je le ferais avec un crayon. Mais nous pouvons toujours passer d'une à l'autre pour définir valeurs plus sombres et plus claires dans notre échelle de gris et de noir. Nous pouvons également utiliser le doigt pour mélanger les choses, même si cela va être un peu désordonné et le résultat n'est pas toujours naturel, j'utilise plutôt ma pression et marque Mickey pour ajuster la forme. Quelques petits détails avec mon crayon et ma nature morte est prête. Pour récapituler, pour ajouter de la valeur, commencez par quelques ombres, continuez à ajuster les formes et remplissez les ombres foncées pour vous assurer que vous avez le bon contraste dans l'image. Vous pouvez voir que l'application de cette méthode vivrait toujours en utilisant un crayon est très simple. Nous suivons étape par étape de l'observation des éléments principaux à la mise en forme à l'aide de formes géométriques et enfin, en ajoutant quelques ombres. Continuez à fixer les formes jusqu'à ce que vous soyez satisfait de la composition et de la tonalité globale de l'image et n'ayez pas peur d'ajouter votre touche à vos dessins, cela les rendra uniques et uniques. 12. Peinture – Observer: Maintenant, nous allons appliquer la même méthode à la peinture à la gouache. J' ai choisi un paysage parce que je trouve les ombres et le ton très intéressant, et bien sûr vous n'avez pas à utiliser les mêmes sujets. Dans cette leçon, j'utiliserai une palette [inaudible] de tiret de peinture à la gouache et une feuille de papier aquarelle. Nous aurons également un crayon léger pour esquisser les formes plus tard. Pour l'instant, nous commençons par observer comme nous l'avons fait dans l'autre démo. La source de lumière ici est le soleil, et il est très visible devant nous. Il est intéressant d'observer la direction des ombres lancées créées par ces arbres, évidence les principales zones sombres dans [inaudible] ici. Plus tard, nous devrons utiliser quelques couleurs au-dessus des valeurs car il s'agit d'une peinture. Il est bon d'identifier au moins trois nuances de couleur principales dont vous aurez besoin. En regardant les ombres maintenant, celui dans les buissons sur le côté droit, par exemple, est l'un des plus sombres. Enfin, je marque les zones ensoleillées sur l'herbe et les feuilles avec un peu de jaune. Assurez-vous de savoir d'où vient la lumière. Prenez note de la direction de l'ombre coulée et identifiez toutes les nuances des zones sombres et claires. Dans la leçon suivante, nous allons dessiner les formes principales. 13. Peinture – Forme: Dans cette leçon, nous commençons à dessiner les formes principales pour avoir l'échelle et la proportion des arbres. J' aime commencer par une image dans le cadre, simple rectangle qui entoure ma peinture afin que je sache à quel point mes arbres doivent être comparés au cadre. Vous n'avez pas besoin d'être précis à ce stade, assurez-vous simplement de choisir la bonne taille pour le type de peinture que vous voulez avoir à la fin. Vous pouvez aller aussi grand ou aussi petit que vous le souhaitez. Gardez à l'esprit combien de peinture vous allez avoir besoin et combien de temps vous avez. J' en fais une petite pour vous montrer à quel point il peut être facile de faire une peinture en quelques minutes par jour. Pour dessiner les arbres, gardez une marque similaire un croquis très basique. Il est probablement utile de penser à ces arbres comme de la soie à bonbons. Ils ont des bâtons très longs et des sommets moelleux. N' essayez pas de définir chaque branche de l'arbre ou chaque feuille. Tenez-vous au contour et à l'échelle rapides de ce que vous voyez dans l'image. Soyez rapide avec votre croquis. Vous allez tout ajuster plus tard avec la peinture. Pour dessiner les formes principales, assurez-vous de limiter votre espace pour des proportions faciles. Utilisez une légère pression sur le papier et associez les arbres avec de la soie à bonbons. Dans la leçon suivante, nous ajouterons une certaine valeur. 14. Peinture – Valeur: Dans cette leçon, nous allons ajouter de la valeur en utilisant notre crayon, puis nous allons utiliser de la peinture aussi. Commençons par ajouter les ombres principales à côté des arbres. Comme nous l'avons déjà observé, ils arrivent à un angle vers nous. Si vous vous souvenez, le soleil est là-haut derrière les arbres, retour dans les arbres dans un sens, c'est ce que nous voyons devant nous. Nous passons sur les endroits les plus sombres des images sans trop appuyer ou être trop précis car nous ajouterons une couche de peinture sur le dessus. Ici, je cherche à avoir un équilibre entre la lumière et les sombres, comme si j'essayais de voir l'image avec des lunettes noires et blanches. La prochaine chose que je vais faire ici est de choisir une couleur noire similaire à celle de l'image. Je vais utiliser du vert et du gris pour définir les zones les plus sombres et vous pourriez le faire plus tard, mais je trouve qu'avec quelques tons sombres en ce moment m' aide à obtenir la bonne quantité de contraste. Combien ou un peu de contraste vous avez, c'est à vous de décider. Assez pour dessiner l'image là qu'à titre de référence, vous n'avez pas à suivre des règles strictes. Obtenez des valeurs sur les arbres et préparez vos peintures pour la prochaine leçon. Ajouter une certaine valeur dans une peinture commence par l'esquisse des ombres principales, puis un blocage du crayon, puis une peinture foncée de la même gamme que celle de l'image, dans ce cas, du grain. Dans la prochaine leçon, nous allons nous amuser avec d'autres couleurs et nous ajouterons plus de détails. 15. Peinture – Couleur : 1ᵉ partie: Dans cette leçon, nous complétons notre peinture en mettant les couleurs principales, créant un peu de profondeur et en ajoutant des tons plus clairs et plus foncés. Commençons par la couleur du bloc. J' ai choisi le vert de l'herbe comme point de départ principal. Vous pouvez ajouter des nuances différentes plus tard. Mais pour l'instant, vous voulez garder les choses simples. Je remplis les espaces vides entre les ombres, parce qu'ils sont très similaires dans l'ombre quand je regarde l'image de référence. Ensuite, j'essaie de mélanger un vert plus foncé pour les feuilles. Les arbres ont des greens différents sur eux, plus d'un bien sûr parce qu'ils sont frappés par le soleil de différentes manières. Pour compléter les couleurs de base, je mélange du bleu et du blanc pour commencer à bloquer le ciel. Personnellement, j'aime peindre le ciel, et ça ne me dérange pas d'être audacieux avec mes couleurs ici. J' aime les mélanger sur papier ainsi que sur ma palette. Je mélange principalement humide sur mouillé, ce qui signifie que je n'attends pas que la peinture sèche avant d'ajouter un peu de couleur sur le dessus. De cette façon, vous obtenez une variation intéressante de couleur plutôt qu'une teinte plate et parfois ennuyeuse. 16. Peinture – Couleur : 2ᵉ partie: Cela commence à ressembler à une œuvre d'art appropriée maintenant. J' ai décidé que j'étais prêt à ajouter des nuances vraiment sombres. J' ai utilisé du noir, du vert foncé pour aller avec les zones les plus sombres de l'ombre sous les arbres ou les buissons en arrière-plan. Rappelez-vous que vous pouvez utiliser la couleur ainsi que votre propulsion pour suggérer la profondeur. En général, essayez d'être rapide avec vos coups, surtout si vous voulez mélanger sur le papier parce que la courge un peu comme l'acrylique sèche très rapidement. La superposition est différente du mélange humide sur humide. Vous devriez trouver votre façon de travailler préférée et continuer à observer, façonner et ajouter de la couleur pour suggérer l'illusion de l'espace. Gardez à l'esprit que le côté des arbres que nous voyons en ce moment est opposé au soleil. Ils vont donc avoir l'air presque noir à cause du contraste et parce qu'ils ne sont pas directement touchés par la lumière du soleil. l'autre côté, les feuilles sont disposées en différentes positions et elles jettent l'ombre les unes sur les autres de manière imprévisible. N' hésitez pas à ajouter une touche à ces traits. 17. Peinture – Couleur : 3ᵉ partie: Quand j'ai presque fini, j'ajuste aussi les couleurs de l'herbe en lui donnant un ton différent en fonction de la position par rapport à la lumière. Après quelques touches finales avec mon propre style, je peux finir ma peinture. Pour résumer cette leçon, commencez par des couleurs de base, utilisez quelques nuances de vert, passez sur les ombres les plus sombres, et n'oubliez pas de peindre librement et profiter du processus. En général, la méthode fonctionne de la même manière. Observez, façonnez et ajoutez des valeurs et des couleurs, puis répétez jusqu'à ce que vous ayez la peinture finale. 18. Démo d'art numérique – Observer: Dans ces prochaines leçons, nous allons examiner la méthode appliquée à l'art numérique. Dans ce cas, nous allons dessiner un cupcake à l'aide de l'iPad Pro et de Procreate. Si vous n'avez aucune connaissance de cela, je vous recommande fortement d'aller vérifier ma classe précédente sur la façon d'utiliser Procreate et une méthode de grille pour obtenir des proportions précises. Dans cette leçon, nous allons commencer par l'observation de cette image, de la source de lumière, des reflets, des ombres et de la texture. Nous sommes prêts pour les prochaines étapes. Pour l'instant, commençons par observer. La première chose que je veux savoir est d'où vient la lumière. Dans ce cas, il vient du coin supérieur droit, et même si nous ne savons pas exactement où se trouve la source, nous pouvons voir les points forts et une ombre coulée sur le côté opposé. Ensuite, je commence à jeter un coup d'oeil sur les faits saillants sur le cupcake, sur les morceaux de chocolat, sur le verre et sur les éléments réfléchissants en arrière-plan. Une chose à remarquer est comment les éléments du cupcake jettent une ombre sur l'autre de sorte que ces morceaux de chocolat jettent une ombre sur le glaçage. Je veux m'assurer que je reçois toutes les ombres moulées au bon endroit, dans les plis du cupcake sur la table, puis j'ai un bon oeil sur les éléments de l'image en termes de texture. Nous avons du papier, nous avons le gâteau, nous avons le chocolat, nous avons le verre. Tous ces différents éléments réagissent différemment avec la lumière. Nous voulons garder cela à l'esprit où nous allons mettre la couleur, mais aussi où nous allons mettre les valeurs pour nous donner une idée. Dans cette leçon, nous avons examiné la direction de la source lumineuse, les reflets, les ombres projetées, les textures et la réflexion. Dans la prochaine, nous allons monter et aller à nos formes. Comme je l'ai dit, nous allons utiliser une grille. 19. Démo d'art numérique – Forme: Dans cette leçon, nous allons nous concentrer sur la note des formes principales, commençant par le cadre de notre espace de travail. Nous allons avoir des dessins au trait simples suivant la grille et ses proportions par rapport à l'image. C' est très simple. Tout est expliqué dans ma classe précédente. Commençons par le cadre photo. Quand je dessine, j'aime limiter mon espace afin qu'il soit plus facile d'avoir une idée de l'échelle que j'utilise. Je suggère de toujours commencer avec des formes très simples, comme des ovales, des lignes diagonales, et ainsi de suite. N' ayez pas peur de commettre des erreurs car nous pouvons toujours utiliser des calques pour supprimer ou rendre le dessin plus transparent ultérieurement. Ajouter des formes majeures comme le glaçage et quelques morceaux sur le dessus nous donnera une idée de l'endroit où seront les principales valeurs. Une fois que nous encadrons l'image, nous avons dessiné les proportions principales, ces éléments, nous pouvons poursuivre notre prochaine leçon où nous ajouterons les valeurs et les surlignements avant de commencer par la couleur. 20. Démo d'art numérique – Valeur: Dans cette leçon, nous allons commencer à dessiner sur les formes que nous avons faites, en faisant des marques vraiment audacieuses et en bloquant certaines parties avec notre crayon, même s'il s'agit d'un crayon numérique. Nous pouvons ajouter des ombres, nous pouvons ajouter de la lumière. Toutes les choses dont nous avons parlé au cours de nos leçons sont connues sous le nom de valeurs. Je commence généralement par les ombres principales et je vous recommande vraiment de commencer par cela, parce que c'est généralement la chose la plus rapide de savoir cela. Comme nous l'avons déjà dit, il est très facile de comprendre d'où vient la lumière si vous observez la forme et l'angle des ombres projetées. J' aime toujours commencer par ça. Parfois, c'est l'une des ombres les plus sombres, et cela pourrait être une autre façon de commencer votre travail. Je suggère de commencer par des marques très lâches. Une astuce simple que j'ai quand vous travaillez sur le numérique, mais aussi quand vous travaillez avec un crayon vraiment, est si vous le pouvez, d'avoir un fond qui n'est pas blanc. Utilisez une page ou une couleur d'arrière-plan pour vos calques qui n' est pas complètement blanche car elle va faire éclater vos blancs. Chaque couleur est qu'il va sortir plus si c'est sur une couleur neutre comme le gris ou le beige, quelque chose de vraiment refusé, mais cela fait une différence quand on le compare au blanc. Dans cette phase, j'aime toujours passer sur les lignes aussi, parce que bien que nous l'ayons fait quand nous faisions les formes, je veux toujours m'assurer que l'équilibre entre les lignes et la couleur que j'ajoute, même bien qu'à l'heure actuelle ce soit juste noir et blanc, cet équilibre entre les valeurs et les lignes, est ce qui va donner cette illusion d'espace, cet espace tridimensionnel sur le papier. Ajoutez autant de détails que vous pouvez et soyez libre avec votre marque. N' ayez pas peur de faire des erreurs. J' ai senti parfois que certains étudiants me disent que je suis un peu rapide pendant mes cours, et la raison pour laquelle je suis rapide n'est pas parce que je suis particulièrement confiant que la note que je vais faire est exactement ce que je veux, mais parce que quand vous essayez pour être rapide et décisif avec vos notes, le résultat sera beaucoup plus expressif, et vous serez surpris de voir ce qui sort de notre marque. Rappelez-vous, vous êtes en surface numérique en ce moment, donc si vous faites quelque chose de mal, vous pouvez soit le supprimer ou, comme vous le savez, je ne suis pas un grand fan de gommes à effacer, ce que vous ne voulez pas faire, vous pouvez toujours faire la couche plus transparente plus tard. Mais ici, comme vous pouvez le voir, je garde cet équilibre entre le blanc et le noir. J' ajoute quelques points forts, même sur les petits éléments, comme le chocolat et le reflet du verre. Pour cette leçon, nous avons utilisé nos tons noir et blanc pour donner une idée des reflets, ombres, et nous avons utilisé la couleur de fond, pour rendre nos couleurs et nos blancs plus brillants. Dans la leçon suivante, nous allons ajouter quelques couleurs. Nous allons commencer par une couleur noire et poursuivre les différentes nuances, et inclure autant d'éléments que nous le voulons. 21. Démo d'art numérique – Couleur: Dans cette leçon, nous allons commencer à aller plus loin avec un peu de couleur et rendre cela plus réaliste. Nous allons d'abord ajouter quelques couleurs de bloc, puis quelques nuances et l'arrière-plan. Nous allons jeter un oeil à quelques astuces pour rendre tout plus réaliste. Mais commençons par la couleur du bloc. Par couleur de bloc, je veux dire juste choisir une couleur et juste passer sur une surface complètement. Peu importe s'il est plus sombre ou plus clair dans l'image, vous obtenez juste une couleur principale et vous couvrez la surface. Plus tard, vous commencez à ajouter des ombres en termes de couleur, donc vous n'allez plus utiliser seulement le noir et le blanc, mais vous allez utiliser aussi quelques nuances de brun, dans ce cas, du rouge. Tu vas vraiment jeter un oeil à ton image. Certaines des astuces qui peuvent être utilisées en numérique est de choisir la couleur de l'image. J' ai expliqué de le faire dans ma classe précédente sur Procreate. Mais si vous ne voulez pas faire cela, vous pouvez essayer de faire correspondre la couleur et peut-être faire une petite note de la couleur à côté du cupcake pour voir comment ils se comparent quand ils sont ensemble. Ensuite, ajoutez quelques gris pour essayer d'imiter les reflets d'une manière. Mais rappelez-vous que cela ne sera pas très clair tant que vous n'aurez pas l'image entière ensemble. Pour ce tableau en particulier, je n'ai pas choisi un style très hyper-réaliste. Si tu as vu mes cours, je fais rarement ça. J' aime vraiment être libre avec mon crayon et faire ce que je veux vraiment, et ajouter autant ou aussi peu d'informations que je veux sur le papier. Mais ce que j'aime faire, c'est avoir effet éclatant de quelque chose qui sort de l'espace. Comme vous pouvez le voir ici avec ce fond grisâtre, c'est un fond bleu gris, vous pouvez voir ce cupcake vraiment sortir de l'écran et commence à ressembler à quelque chose que nous pouvons reconnaître. C' est l'un des objectifs lorsque nous parlons de valeur et de lumière. Une des choses que nous faisons est de couvrir l'arrière-plan, en essayant de correspondre un peu à celui de l'image. C' est une raison pour laquelle nous faisons ça. J' ai une astuce simple pour améliorer le mélange d'arrière-plan, et c'est littéralement de se fondre avec l'outil Mélange. Ça va rendre l'arrière-plan floue. Le fait que l'arrière-plan est floue et que le cupcake n'est pas flou, cela va donner à l'œil humain ce sens de la profondeur. Vous allez voir l'arrière-plan comme quelque chose qui est vraiment loin de vous et le cupcake est très proche de vous, et c'est l'élément qui attire votre attention. Un flou, puis ajuster quelques choses. J' irai avec des contrastes très sombres comme une zone sombre, comme des zones noires. Rappelez-vous que vous pouvez toujours inclure ou enlever tous les éléments que vous voulez dans l'image. Dans ce cas, j'ai décidé de garder l'élément en verre, mais vous pouvez l'enlever et juste faire le cupcake. Pour résumer cette leçon, nous avons les méthodes expliquant l'art numérique, nous avons observé comme nous le faisons avec tout le reste, puis nous façonnons, valorisons et couleurs en utilisant aussi l'aide de couches et comment modifier la couleur et l'arrière-plan avec médiums numériques. J' espère que vous avez apprécié ce bar, et j'ai hâte de voir ce que vous faites avec votre iPad et Apple Pencil. 22. Réflexions finales: Nous sommes maintenant à la fin de ce cours. Si vous suivez du début à la fin, vous devrez maintenant dessiner quelque chose avec la méthode, observer, forme et valeur, et donner cette illusion de volume et de profondeur dans vos dessins pour le rendre plus réaliste. Vous pouvez appliquer cela sur n'importe quoi, de dessiner une nature morte avec juste le crayon à d'autres peintures très complexes avec de la peinture à l'huile ou quelque chose de numérique que vous construisez en couches. Si vous avez apprécié ce cours, j'aimerais que vous laissiez un commentaire, ce que vous en pensez et n'oubliez pas de poster votre projet dans la galerie afin que vous puissiez avoir mes commentaires et commentaires d'autres personnes, ce qui aide généralement vous de grandir plus que tout. N' oubliez pas d'être constructif avec vos critiques et juste de comprendre que certaines personnes apprennent à des vitesses différentes que d'autres. Mais tout commentaire qui peut vraiment aider les autres à grandir est vraiment apprécié. À partir de maintenant, si vous voulez continuer avec votre art, vous pouvez consulter mes autres cours et vous pouvez me suivre sur Instagram et sur YouTube où je montre ma vie en studio, je fais des tableaux de vitesse et je donne des conseils, et discutez aussi de l'art et de la théorie de l'art. Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours. J' espère que ça vous a plu et je vous verrai dans la prochaine. Au revoir.