La peinture acrylique pour les débutants : créez des abstraits expressifs et colorés

1. Intro: [MUSIQUE] J'aimerais pouvoir peindre, mais je n'arrive même pas à obtenir une ligne droite. Je l'ai eu tant de fois avant, en fait, nombreux cours pour débutants se concentrent sur la peinture réaliste et si la peinture ne ressemble pas la vraie chose, vous êtes frustré. La peinture abstraite fait taire votre critique intérieur et c'est tellement amusant. Je m'appelle Cornelia et je suis artiste et designer. Je travaille comme directeur artistique en publicité depuis une vingtaine d'années. Ce qui m'a souvent manqué dans ce travail, c'est la liberté de créer mes propres règles et que nous peignons entre en jeu. La peinture abstraite est mon terrain de jeu créatif où je peux expérimenter et simplement m'amuser, puis j'aime partager mes découvertes dans mes cours. Ce cours de peinture acrylique convivial pour débutants comprend trois sections : connaissances de base sur les matériaux, théorie du design et projet de classe. Nous commencerons par les propriétés de base de la peinture acrylique et du mélange de couleurs. Vous découvrirez la valeur tonale et comment l'utiliser pour guider les yeux du spectateur à travers votre peinture. Nous allons jeter un coup d'œil à la théorie des couleurs et créer une palette de couleurs. Ensuite, nous sommes prêts à lancer le projet de classe, une série de quatre petites œuvres d'art abstraites. Les peintures sont composées de cinq à six couches et, pour chacune d'elles, vous utiliserez un type de marque, de cohérence des couleurs ou d'outil différent . Nous créerons des contrastes intéressants à travers des traits expressifs, des motifs délicats, des lignes gestuelles et des collages. Ce cours est idéal pour les débutants qui n'ont jamais peint avec de l'acrylique, pour les étudiants avancés qui veulent débuter avec la peinture abstraite mais aussi pour ceux qui cherchent simplement un projet de peinture décontractée. Aucune connaissance préalable n' est nécessaire et nous utilisons des matériaux de peinture simples. Vous apprendrez à travailler intuitivement et à vous concentrer sur le processus créatif. À la fin de ce cours, vous disposerez de quatre œuvres d'art uniques que vous pourrez accrocher, envoyer sous forme de cartes de vœux ou poster sur les réseaux sociaux. Commençons [MUSIQUE]. 2. Aperçu et projet de cours: [MUSIQUE] Bienvenue, c'est bon de vous avoir ici. Ce cours est bien adapté aux débutants car nous commencerons par les bases. Il y aura beaucoup d' exercices pratiques pour que vous puissiez vous entraîner à travailler avec vos peintures et à appliquer les principes de conception que j'enseigne. Le projet de classe sera alors une série de petites peintures abstraites comme celles que vous voyez derrière moi. Permettez-moi de vous donner un aperçu. Nous commencerons par les propriétés de base des peintures acryliques et un exercice dans lequel nous les utilisons dans différentes consistances. Vous apprendrez ensuite à mélanger toutes les couleurs de la roue chromatique à partir de trois couleurs de base seulement. Dans la section suivante, nous aborderons la valeur tonale, les nuances de gris du blanc au noir. Dans le cadre d'un exercice, nous allons peindre une échelle de valeur. Ensuite, nous parlerons du contraste et effectuerons un autre exercice en utilisant différentes proportions de valeurs claires, moyennes et sombres. Ensuite, nous nous entraînerons à identifier la légèreté ou l'obscurité, c' est-à-dire la valeur des couleurs. Nous utiliserons les nuances de couleurs que nous avons peintes pour l' exercice de la roue chromatique et nous les trions en fonction de leur valeur tonale, du clair au foncé. Enfin, nous utiliserons toutes ces connaissances pour créer une palette de couleurs pour votre projet de classe et nous allons l'essayer sur la feuille de pratique. Ensuite, nous nous préparons pour le projet de classe. abord, nous allons préparer notre article, parler de l'utilisation d'un viseur et des avantages de la peinture en série. La prochaine leçon porte sur façon dont la peinture abstraite gratuite améliore votre créativité et comment la limitation et l'imitation peuvent contribuer au processus d'apprentissage. Vous n'avez pas à tout arranger la première fois non plus, car les peintures acryliques sèchent rapidement et sont faciles à peindre. Enfin, c'est l'heure de votre projet de classe, quatre mini-peintures abstraites. Nous allons travailler petit car la petite taille rend la page blanche moins intimidante. Vous n'avez besoin que d'un petit espace de travail et il permet réduire les coûts matériels au minimum, ce qui vous aide à être plus audacieux et à vous sentir moins. Les peintures sont constituées de 5 à 6 couches. Pour chacun d'entre eux, vous pratiquerez d'abord l'AVC et les techniques dont vous aurez besoin, puis appliquerez immédiatement ce que vous avez appris à votre projet de classe. Nous commencerons la première couche avec un couteau à peindre ou une carte en plastique et expérimenter l'application de peinture. Ensuite, nous allons créer la deuxième et la troisième couche avec des coups de pinceau expressifs audacieux utilisant deux viscosité de peinture différentes. Ensuite, nous nous concentrerons sur des modèles délicats, presque méditatifs, et nous entraînerons notre motricité fine et notre contrôle des brosses sur le chemin. Il est temps de redevenir plus animé. Nous allons tracer une ligne impulsive qui transmet émotion et apporte du mouvement à l'image. Enfin, nous analyserons nos photos et mettrons la touche finale à notre composition. collage est une excellente option pour cela, car vous pouvez travailler avec des essais et des erreurs. Puisque le projet se compose de plusieurs couches et que certaines d'entre elles ont besoin de temps de séchage. Il serait idéal si vous pouviez vous préparer un peu d'espace où vous pourriez laisser votre matériel de peinture. De cette façon, vous n'avez pas à surmonter cette barrière qui préparer les choses et à les ranger à chaque fois, et vous pouvez commencer peindre chaque fois que vous avez du temps libre. Pour le projet de classe, veuillez documenter votre progression en prenant une photo de chaque couche et en le téléchargeant. Pour créer un projet de classe, sélectionnez le menu « Projets et ressources » et cliquez sur le bouton vert. Vous pouvez télécharger une image de couverture et entrer un titre de projet. Vous pouvez ensuite ajouter d'autres images et la description de votre travail ou demander des commentaires dans la fenêtre ci-dessous. Enfin, vous cliquez sur « Publier ». Vous pouvez modifier et ajouter à votre projet à tout moment à l'avenir. C'est à vous de décider à quel point vous souhaitez réaliser votre projet de classe. L'exigence minimale est cependant de prendre une photo des œuvres finies et de les télécharger. Cependant, il serait étonnant que vous ayez documenté le processus de création en prenant une photo de chaque calque. Enfin, je serais heureux voir certaines de vos fiches d'exercices. Dans la prochaine leçon, je vais vous donner un aperçu du matériel dont vous aurez besoin. Après cela, vous pouvez déjà sortir vos peintures pour des exercices pratiques. voit là-bas. [MUSIQUE] 3. Le matériel dont vous avez besoin: [MUSIQUE] Bonjour et bienvenue. Examinons maintenant les matériaux dont vous aurez besoin pour ce cours. La plupart sont certainement des matériaux artistiques comme ces peintures, par exemple. Certaines choses peuvent être remplacées par des objets de tous les jours. Par exemple, vous pouvez utiliser une carte en plastique au lieu d'un couteau à palette. Bien que commençons avec les peintures acryliques. [MUSIQUE] Les peintures acryliques sont extrêmement polyvalentes, facilement disponibles, et la plupart des marques proposent une gamme de peintures abordables de qualité décente. Vous pouvez les utiliser épais comme de la peinture à l'huile ou des couleurs fines comme de l'aquarelle. Ils sont parfaits pour travailler en couches car ils sèchent rapidement et résistent à l'eau lorsqu'ils sont secs. Cela signifie que vous ne réactiverez le calque précédent lorsque vous peignez dessus, cela se produira avec de l' aquarelle ou de la gouache. Si vous avez déjà des peintures acryliques à la maison, parfaites, utilisez-les, mais si vous devez les acheter, voici deux conseils. Pour commencer, vous n'avez besoin que des trois couleurs primaires et du blanc. J'aime travailler avec le cyan, le magenta, le jaune et le blanc titane, qui est un blanc brillant opaque. Avec les couleurs primaires, vous êtes très flexible car vous pouvez essentiellement mélanger toutes les couleurs de la roue chromatique, les éclairer en ajoutant du blanc. Toutes les couleurs primaires se mélangent, créent un gris très foncé. Le noir réel est bien sûr beaucoup plus sombre, et si vous voulez l'utiliser comme une couleur pure dans votre image, ou pour le mélanger avec d'autres couleurs pour créer des couleurs plus sombres et sourdes, il est bien sûr utile d' avoir un tube de cela. également. Je vais utiliser le noir pour notre exercice pratique sur la valeur tonale, mais si vous n'avez pas de noir, vous pouvez utiliser n'importe quelle couleur foncée. Si vous avez une couleur préférée que vous souhaitez utiliser tout le temps, ou si vous souhaitez travailler avec des couleurs fluo ou métalliques, il vaut vraiment la peine d'investir dans un tube supplémentaire de ces couleurs. Les peintures acryliques sont disponibles en deux qualités différentes : qualité artiste et studio. Souvent, ces peintures moins chères passent également sous les noms de grade étudiant, standard ou basique. La différence est que les peintures de qualité artiste contiennent plus de pigments et sont donc plus chères. Pour nos besoins, je vous recommande d'utiliser des peintures de qualité studio d'une marque bien connue ou la marque privée de votre magasin d'art. Ils sont moins chers et je n'aime pas avoir ce facteur de coût en tête lorsque j'utilise beaucoup de peinture. [MUSIQUE] Il y a du papier spécial disponible pour la peinture acrylique, il est assez lourd et a environ 400 g/m². papier aquarelle ou le papier mixte fonctionne également, assurez-vous d' utiliser au moins 250 g/m² pour obtenir 300 g/m² ou plus. Pour les exercices et les échantillons de couleurs, j'utilise du papier aquarelle peu coûteux de 200 grammes provenant des marques privées de deux magasins d'art différents. Les types de papier que j' utilise pour peindre sont papiers de peinture acrylique de 400 grammes de Canson et Fabriano. Le papier de peinture acrylique Fabriano Pittura est blanc pur et a une texture légèrement déchirée. J'ai acheté ce papier en grandes feuilles, mais il est également disponible en tampons en papier. Le papier acrylique Canson est blanc naturel et ses grains me rappellent le papier aquarelle. [MUSIQUE] Pour la peinture acrylique, il est préférable d'utiliser pinceaux synthétiques ou à poils car ils sont peu coûteux, ont une bonne fermeté et sont faciles à entretenir. Je n'utiliserais pas de pinceaux à cheveux naturels expansifs comme des pinceaux à aquarelle, car la peinture acrylique a tendance à sécher près du sauvage et commence à écarter les poils, et tôt ou tard, le pinceau sera ruiné. Pour ce cours, j'utilise trois types de pinceaux, un pinceau plat numéro 10 pour les échantillons de couleurs et les exercices, un pinceau rond numéro 2 plus petit pour les motifs et le pinceau à poils ronds pour le coups audacieux. Si vous n'avez pas de pinceau comme celui-ci, vous pouvez également utiliser une brosse plate plus grande, une brosse à poils ronds épais ou un pinceau pour peintre de la quincaillerie. J'utilise également un couteau à peindre pour mélanger mes peintures et créer des marques expressives. Si vous n'en avez pas, une ancienne carte de crédit ou une carte en plastique le fera. [MUSIQUE] Pour les marques texturales, vous pouvez utiliser une variété de stylos et d'outils de dessin. J'ai récemment découvert ces tubes à pression très cool de peinture acrylique pour corps épais de Sennelier. J'ai acheté deux prix pour les essayer et j' adore vraiment l'effet. Ils ont une pointe très fine et vous pouvez les utiliser pour créer lignes tridimensionnelles délicates comme je l'ai fait dans cette pièce. autres options sont les marqueurs acryliques ou les pastels, les crayons ou les crayons. Gardez cependant à l'esprit que les matériaux hydrosolubles peuvent enduire si vous appliquez une autre couche humide par-dessus. [MUSIQUE] J'utilise toutes choses comme une palette, parfois j'utilise des assiettes en plastique comme celle-ci, et j'ai aussi une palette détachable, composée de feuilles de papier codées. J'aime vraiment utiliser des feuilles de plastique comme ces pochettes de documents ouvertes sur les deux côtés ou ces poches pour reliure à anneaux. Pour avoir un fond blanc, je mets juste une feuille de papier à l'intérieur, puis je peux mélanger les couleurs directement dessus. Ici, j'ai un manchon que j'ai ouvert et utilisé plusieurs fois, et par conséquent, il est recouvert de résidus de peinture. Si j'ai des restes de peinture sur cette palette, je mets juste une feuille de papier de soie par-dessus et je fais une impression monotype. Pour cela, la douleur doit encore être mouillée. Une fois que le papier est complètement sec, vous pouvez le décoller pour révéler votre papier de collage imprimé à la main. Pour ajouter des éléments en papier à vos images, vous avez évidemment besoin de colle. J'utilise un milieu mat ou un support brillant et comme ses noms l'indiquent, ils sèchent soit avec une surface mate soit brillante. Vous pouvez également utiliser une colle artisanale ou une colle blanche, elle est relativement épaisse mais peut être diluée avec de l'eau et appliquée avec un pinceau, elle sèche claire et brillante. L'avantage de fabriquer votre propre papier de collage est que vous pouvez l'associer exactement à votre palette de couleurs et que vous n'avez besoin que de papier de soie ordinaire. Bien sûr, vous pouvez également utiliser n'importe quel autre papier coloré ou texturé et parfois j' utilise même la saleté de granulés, c' est-à-dire des morceaux de peinture acrylique séchée. [MUSIQUE] Pour couper le papier, vous aurez besoin d'un tapis de découpe ou d'un morceau de papier cartonné solide comme base, également d'une règle, idéalement en métal, d' un couteau utilitaire et d'un crayon. Pour coller mes morceaux de papier sur le carton ondulé, mon tapis de découpe ou la table, j'aime utiliser du ruban de masquage ou du ruban adhésif pour peintre. Essayez de trouver une bande qui ne colle pas trop. Vous pouvez également essayer du ruban adhésif washi. C'était beaucoup d' informations, mais ne vous inquiétez pas, vous pouvez télécharger la liste des matériaux à partir de la section projets et ressources. Dans la prochaine leçon, nous examinerons de près nos tubes de peinture. Avec la plupart des marques, vous pouvez trouver des informations sur l' opacité, la résistance à la lumière et le pigment sur l'emballage, ce qui peut aider à éviter la frustration lors de l'utilisation des peintures. voit dans la prochaine leçon. [MUSIQUE] 4. Peinture acrylique : Les bases: [MUSIQUE] Examinons de plus près les propriétés des peintures acryliques et découvrons la résistance à la lumière, opacité et les pigments. Les peintures acryliques sont faites de pigment, d'eau et de liant. Le liant est essentiellement la colle qui maintient les pigments ensemble et les fait coller à la surface. Il est fabriqué à partir de résines acryliques et d'eau, et il est blanc tant qu'il est mouillé. Les peintures acryliques sont solubles dans l'eau et peuvent donc être diluées avec de l'eau. Vous pouvez également nettoyer vos pinceaux avec du savon et de l'eau. Il y a des savons nettoyants pour cela, mais j'admets que j'utilise du savon pour les mains ordinaire la plupart du temps. Après avoir enlevé la plus grande partie de la peinture et lavé le pinceau, je la fais mousser une ou deux fois et je déplace les poils d'avant en arrière pour éliminer les résidus de peinture qui se déposent habituellement. neutrophiles. Les peintures acryliques sèchent assez rapidement. Bien que les épaisses couches de peinture sèchent quelques heures, couches minces sèchent en quelques minutes seulement. Ici, j'ai réglé mon minuteur sur cinq minutes et ma supposition s'est avérée assez précise. Une fois que l'eau s'évapore, les particules de résine contenues dans le liant se fusionnent et la peinture devient résistante à l'eau. peinture acrylique tient particulièrement bien sur le tissu, il est donc préférable de ne pas porter votre chemise préférée. Le liant est également responsable de l' une des qualités spécifiques de la peinture. Les peintures acryliques sont relativement élastiques. Vous pouvez même retirer la peinture séchée de votre palette comme une feuille d'aluminium ou plier votre papier ou toile sans fissurer la peinture. Il est également bon de savoir que les peintures acryliques sèchent un peu plus foncées, cela concerne le liant ayant une couleur blanchâtre lorsqu'il est mouillé, ce qui rend les couleurs plus claires. Cependant, lorsqu'il est sec, il devient clair et translucide et les couleurs semblent un peu plus foncées. Maintenant, si je vous demandais de peindre une zone de couleur uniformément opaque sans coups de pinceau visibles, et que vous finissez avec cela, que s'est-il passé ? Jetons un coup d'œil à nos tubes de peinture. Avez-vous déjà remarqué ces petits symboles carrés sur les tubes de peinture, ils indiquent si la peinture est opaque, semi-opaque ou transparente. Les peintures qui ont un carré noir complètement rempli sont opaques et il est facile de peindre une zone de couleur plane et uniforme. S'il n'y a qu'un carré contour, les couleurs sont transparentes, ce que vous remarquerez lors de la peinture. Les peintures avec un carré à moitié rempli se trouvent quelque part entre les deux lorsqu' il s'agit d'opacité. Les peintures bon marché ont souvent une mauvaise opacité, mais certains pigments, comme le bleu outremer, par exemple, sont plus transparents par nature. Comment rendre ces couleurs plus opaques ? abord, vous pouvez appliquer une deuxième couche de peinture, parfois ce n'est pas une option, par exemple, avec ces coups de pinceau, car une deuxième couche modifierait beaucoup l'apparence du trait. Si vous savez que votre couleur est très transparente et que vous ne le voulez pas, vous pouvez ajouter un petit peu de blanc, cela modifiera légèrement la valeur tonale, c'est-à-dire que la couleur sera plus claire, mais elle le rendra également plus opaque. résistance à la lumière indique la résistance de la couleur à la décoloration lorsqu'elle est exposée à la lumière. Il est souvent indiqué par des symboles plus ou astérisques. Plus il y a de signes plus, plus la couleur dure longtemps. Les couleurs néon ont toujours une très faible résistance à la lumière, donc même pas un signe plus. Cela signifie qu'ils s'estompent avec le temps. Avec d'autres couleurs, il varie. Sur les tubes, on trouve parfois des abréviations pour les pigments utilisés. Si une couleur est mono-pigmentée comme celle-ci, elle ne contient qu'un seul pigment. D'autres couleurs comme ce bleu royal sont des mélanges de plusieurs pigments. Par exemple, ce bleu contient du PW6, qui est blanc titane, et du PB15, un autre bleu. La prochaine fois, je n'achèterai probablement pas ce tube, mais le bleu pur, car mélanger quelque chose avec du blanc est très facile. l'heure actuelle, vous en savez probablement plus sur les peintures acryliques que la plupart des gens. La connaissance de l' opacité est particulièrement importante. Lorsque vous savez que tous les pigments ne sont pas également opaques, vous pouvez vous épargner beaucoup de frustration par la suite. Dans la prochaine leçon, nous examinerons la viscosité de la peinture. voit là-bas. [MUSIQUE] 5. Comment faire de la peinture acrylique: [MUSIQUE] Les peintures acryliques à base n' ont été développées que dans les années 1950, elles sont donc relativement jeunes. Mais il y a beaucoup de produits sur le marché et la principale différence réside souvent dans la viscosité. Nous n'utiliserons que des peintures acryliques de base car nous utiliserons de l'eau pour modifier la viscosité. Mais il est bon de savoir ce que tous ces termes signifient de toute façon. Il y a un bref aperçu. [MUSIQUE] Les peintures acryliques lourdes ont une viscosité élevée, une consistance rigide et beurrée qui maintient très bien les coups de pinceau. Les peintures basiques ou les peintures de qualité studio ont une viscosité moyenne et se situent quelque part entre la peinture corporelle lourde et la peinture corporelle douce. Soft Body sont des peintures à faible viscosité et à consistance crémeuse. Ils créent une surface de peinture plane où on peut difficilement voir de coups de pinceau. Les peintures acryliques fluides ont une consistance comme une crème épaisse. Ils peuvent être peints, coulés ou pulvérisés. Les peintures acryliques à haut débit sont, par exemple, des encres acryliques. Ils ont à la fois une consistance aqueuse et une forte pigmentation. Pour épaissir vos peintures, vous devez ajouter du gel moyennement lourd. Mais pour les rendre plus minces, il suffit d'ajouter de l'eau. Mais pourquoi y a-t-il autant de peintures liquides sur le marché alors ? Ce sont là les raisons. Pour créer une couche opaque sans beaucoup de texture, il est pratique que la peinture ait la bonne consistance du tube. Les peintures corporelles douces sont faciles à étaler et vous ne voyez guère de marques de pinceau. En diluant la peinture, vous réduisez la concentration de pigments. Les couleurs deviennent plus claires, moins intenses et moins opaques. Les peintures acryliques liquides ont une consistance plus fine et une forte concentration de pigments. Si vous affinez votre peinture avec beaucoup d'eau, le liant, c' est-à-dire la colle qui maintient les pigments ensemble et à la surface, ne peut pas fonctionner correctement. Cela peut entraîner des problèmes tels que écaillage ou la fissuration, et c'est ce qu'on appelle une sous-fixation. Les fabricants de peinture recommandent donc de diluer les peintures acryliques avec 30  % d'eau au maximum, c' est-à-dire deux parties de peinture pour réchauffer une partie de l'eau. [MUSIQUE] J'ai essayé de causer exprès une sous-liaison. Cela ne se produisait que sur des surfaces primaires. Pour mon expérience, j'ai peint une feuille de papier aquarelle avec un apprêt. Sur le côté droit, j'ai le papier aquarelle non apprêté, où les pigments sont en outre retenus par les fibres du papier. J'ai commencé par la couleur pure, puis ajouté à plusieurs reprises une portion d'eau jusqu'à ce que je passe d'un rapport d' une à une eau colorée à un rapport approximatif de un à six. Pour chaque mélange, j'ai appliqué beaucoup de peinture sur le dessus et une fine couche en dessous. À la fin, j'ai également ajouté un peu de support aérographe au mélange de un à six pour voir si cela faisait une différence. Ensuite, j'ai fait la même chose sur le papier aquarelle non apprêté. [MUSIQUE] Le résultat a été une abrasion très minimale de la couleur avec une gomme, quel que soit le taux d'éclaircissement ou l'ajout de support sur le papier apprêté et non apprêté. En utilisant mon doigt, je n'ai pas pu enlever de peinture du tout. À part cela, j'ai remarqué que le liant laissait des taches brillantes là où la peinture avait tiré. La question des intensités de couleur et d'autres choses. Si c'est ma peinture normale et que je l'éclaircit, elle devient plus légère et moins vibrante. où il y avait une flaque de peinture, il y a encore plus de pigment, mais dans la fine couche, on voit une forte différence. En comparaison, j'ai utilisé ici de l'encre aquarelle et même si elle était tout aussi aqueuse que ma peinture diluée, elle a la même intensité de couleur que la peinture acrylique pure non diluée. L'essentiel est que vous n' avez pas à vous soucier de la sous-fixation pour cette classe, car les peintures acryliques moins chères semblent contenir tellement de liant par rapport aux pigments, que la dilution n'est pas si c'est un problème. Cependant, si vous avez déjà rencontré acryliques qui s' écaillent ou se fissurent auparavant, j'aimerais en entendre parler. Envoyez-moi simplement un commentaire dans la section discussion ou dans votre projet de classe et dites-moi quel type de produits vous utilisez. Nous allons maintenant utiliser nos peintures acryliques dans trois viscosités différentes. Tout d'abord, directement à partir d'un tube. Ici, nous avons généralement une viscosité moyenne pour les peintures d'atelier. Deuxièmement, dilué avec un peu d'eau, comme une peinture acrylique douce. Troisièmement, dilué avec beaucoup d'eau comme glaçage. [MUSIQUE] Pour cet exercice, j'utiliserai une couleur opaque, semi-transparente et transparente dans trois consistances différentes. J'ai masqué neuf champs sur une feuille de papier aquarelle. Pour le premier segment, j'utiliserai toujours une brosse sèche. Vous remarquerez qu'avec le papier aquarelle rugueux, vous pouvez voir des points lumineux car la couleur ne pénètre pas dans les creux. Mais lorsque vous brossez doucement plusieurs fois d'avant en arrière, vous obtiendrez une couverture uniforme. Pour mon deuxième segment, j'ai mouillé le pinceau avant de ramasser nouvelle peinture et de la mélanger pour obtenir une consistance crémeuse. Maintenant, le pinceau entre beaucoup mieux sur le papier et la peinture est facile à étaler. Mais vous pouvez déjà voir quelques coups de pinceau et des transparents à quelques endroits. Je lisse la peinture en laissant le pinceau glisser doucement d'avant en arrière. Pour mon troisième patch couleur, j'utiliserai mon pinceau pour ajouter de l'eau jusqu'à ce que j'ai une petite flaque d'eau de couleur liquide et maintenant, vous pouvez voir les coups de pinceau assez fortement. La peinture est très rapide et facile à appliquer et vous avez un effet d'aquarelle. Ensuite, je ferai de même avec ma peinture semi-transparente et transparente. Allons de l'avant rapidement, pour que ça ne prenne pas si longtemps. Vous pouvez maintenant voir que dans le premier champ, il n'y a aucune marque de pinceau. Dans le second, nous en voyons quelques-uns, et dans le troisième, nous avons déjà cet effet aquarelle avec de nombreuses marques de pinceau visibles. Ici, la transparence et les marques de pinceau sont déjà similaires à ce champ. Il devient plus transparent au fur et à mesure que nous avons des marques de pinceau dans tous les domaines. Là encore, nous sommes plus transparents pour commencer. Il ressemble presque à cette zone et, par conséquent, nous avons des marques de pinceau dans tous les domaines. [MUSIQUE] Comme vous pouvez le constater, il n'y a pas de formule magique lorsqu' il s'agit d'ajouter de l'eau. La viscosité des peintures diffère d'une marque à l'autre et parfois même d'une couleur à l'autre. La meilleure option est d'essayer vos peintures et de connaître leurs propriétés. Maintenant que nous avons déjà pratiqué la peinture avec des couleurs uniques, dans la leçon suivante, nous allons utiliser plusieurs couleurs et découvrir les bases du mélange de couleurs à l'aide des couleurs primaires. voit là-bas. [MUSIQUE] 6. Comment mélanger des peintures acryliques: [MUSIQUE] Maintenant que nous avons examiné de près nos pointes de stylo et essayé différentes viscosités. Passons au mélange des couleurs. Pour le projet de classe, vous n'avez pas besoin de savoir comment mélanger les couleurs, mais cela vous rendra plus flexible et vous permettra également d'économiser beaucoup d'argent. [MUSIQUE] Vous pouvez mélanger toutes les couleurs de la roue chromatique à partir des trois couleurs primaires, cyan, magenta et jaune. Vous économiserez de l'argent car vous n'avez pas à acheter autant de couleurs. Il est fascinant de voir comment les couleurs se mélangent et qu'une nouvelle est créée. En expérimentant, vous trouverez de nouvelles combinaisons de couleurs, et un grand avantage est que les couleurs mixtes basées sur les mêmes trois couleurs s'harmonisent très bien. [MUSIQUE] La roue chromatique est un outil issu de la théorie des couleurs. Il montre quelles couleurs doivent être mélangées ensemble pour créer une autre couleur et vous aide également à trouver des combinaisons de couleurs harmonieuses. Pour peindre une roue chromatique, vous avez besoin des trois couleurs primaires. Les couleurs primaires sont souvent décrites comme étant les couleurs pouvant mélanger toutes les autres couleurs. s'agit d'une définition très simplifiée car il est absolument impossible de mélanger toutes les couleurs que l'on peut voir avec seulement trois pigments de couleur primaires. À l'origine, le rouge, le jaune et le bleu étaient perçus comme les couleurs primaires parfaites. Mais cette théorie était basée sur la lumière et non sur les pigments. Avec l'invention des pigments synthétiques, de la photographie couleur et de l'impression couleur, ces trois couleurs ont été remplacées par le jaune, magenta et le cyan. Avec le cyan, le magenta et le jaune, vous pouvez couvrir une gamme de couleurs plus large et mélanger des couleurs plus vives comme ce vert ici. Si vous n'avez pas de cyan, magenta et de jaune, vous pouvez toujours créer la roue chromatique avec n'importe quelle autre de ces couleurs. Parce que le cyan n'est qu'un bleu spécifique et un magenta qui a un certain rouge. [MUSIQUE] Au lieu de créer une roue chromatique classique avec la boussole, nous allons peindre des échantillons de couleurs, que nous pouvons également organiser en cercle. L'avantage est que nous pouvons utiliser les nuances de couleurs plus tard lorsque nous créons notre palette de couleurs. Nous allons également faire un exercice dans lequel nous trions les couleurs en fonction de leur valeur tonale, du clair au foncé. C'est ce qu'une carte couleur est également utile. Pour ma roue chromatique, j'utilise du vrai jaune, du rouge vin et du bleu cobalt d' une marque très économique appelée Goya Cretan. Les couleurs ressemblent beaucoup au magenta et au cyan d'autres marques. Par souci de simplicité, je vais maintenant les appeler cyan et magenta. Vous aurez besoin d'au moins 12 cartes vierges pour votre roue chromatique, mais je coupe toujours un peu plus pour en avoir assez au cas où je voudrais repeindre une carte ou créer des échantillons supplémentaires. Le papier aquarelle bon marché fonctionne très bien pour cela. Mes cartes mesurent huit fois 10 centimètres. La taille exacte n'a pas vraiment d'importance, mais avoir une dimension décente est utile car il est plus facile de juger une couleur si vous en voyez davantage. Je laisse toujours trois centimètres d' espace vide en dessous où j'écris les couleurs, les noms et parfois même petites touches de peinture des couleurs que j'ai utilisées. Commençons par la transition du jaune au magenta. Je commence toujours par la couleur plus claire car il est plus facile d' assombrir une couleur claire que d'éclaircir une couleur foncée, vous n'auriez pas besoin de beaucoup de couleur plus claire pour cela. J'ajoute une petite quantité de magenta à mon jaune. Je veux d'abord obtenir un jaune-orange, puis un orange, et enfin un rouge-orange. Peut-être est-il plus facile pour vous de mélanger la couleur secondaire, l'orange d'abord, puis les couleurs tertiaires, jaune orange et le rouge-orange. Lorsque je peins les cartes de couleurs, je m'assure que la peinture est appliquée aussi uniformément et opaque que possible. Cela permet de voir plus facilement la valeur tonale de la couleur ultérieurement. Si vous essuyez toujours soigneusement la brosse avant de la rincer, votre eau restera propre plus longtemps. rinçage sera plus rapide et mieux pour l'environnement et les égouts. Parfois, j'utilise aussi un deuxième réservoir d'eau pour bien nettoyer les brosses. C'est très important maintenant, car nous ne pouvons pas avoir de magenta dans notre mélange de cyan jaune. Lorsque vous passez du jaune au cyan, extrêmement important de commencer par est extrêmement important de commencer par la couleur jaune plus claire et d'ajouter juste une tache de bleu. Le bleu a une force de teinture si élevée. Cette fois, je peins ma nuance de couleurs tout de suite. Mais en continuant à mélanger, je me rends vite compte que mon jaune-vert est trop jaune. Puis vient un joli vert herbe. Pour le bleu-vert, j'essuie d'abord le pinceau parce que je veux très peu de jaune dans ce mélange. en passant, veillez à mélanger suffisamment de couleurs car c'est très ennuyeux si vous en avez trop peu. Ici, j'ai presque manqué. J'aime beaucoup la gradation du bleu au vert, mais je n'ai pas si bien touché le jaune-vert. C'est la beauté des échantillons de couleurs. Je peux juste me peindre un nouveau, et les échanger. Pour la transition entre le cyan et le magenta, je prends une brosse fraîche car mon eau est déjà trop sale pour nettoyer complètement la brosse à utiliser. J'ai commencé avec mon magenta et j'ai lentement ajouté du bleu. D'abord, je mélange rouge-violet puis violet, et enfin bleu foncé. Avec le bleu foncé, vous devez essayer la quantité de violet que vous pouvez mélanger sans qu'elle devienne pourpre, mais aussi bleu foncé que possible. Je peins toujours mes échantillons de couleurs juste au-dessus du bord en n'ayant pas de bordure blanche. Plus tard, je ferai mieux de vérifier comment les couleurs correspondent, car je peux les avoir juste à côté de l'autre. Ici, nous avons la roue couleur. Maintenant, je peux essayer de mélanger la couleur noire. C'est vraiment une question de pratique car il faut obtenir le bon rapport entre les trois couleurs primaires. Cette fois, il m'a fallu beaucoup de temps pour bien faire les choses. Je fais des échantillons supplémentaires avec la peinture restante et maintenant je mélange les trois couleurs primaires les unes avec les autres et avec du blanc pour obtenir des couleurs sourdes et pastel. Si vous avez d'autres tubes de peinture, c'est le bon moment pour en faire des cartes de couleur. Il est très important de noter les noms des couleurs que vous utilisez sur l'échantillon de couleurs afin pouvoir les remixer ultérieurement, surtout si vous utilisez trois pigments ou d'autres couleurs que le cause principale, ce sera vraiment difficile si vous ne vous en souvenez pas. Parfois, j'aime aussi faire des taches de couleurs que j'ai utilisées comme rappel visuel. Le mélange de couleurs est un excellent exercice pour se réchauffer et se détacher. C'est ludique et amusant et il y a toujours quelque chose de nouveau à découvrir. J'ai hâte de voir votre roue chromatique. Veuillez prendre une photo et télécharger dans votre projet de classe. Dans la prochaine leçon, nous parlerons d'un élément extrêmement important du design, de la valeur tonale. Cependant, vous aurez besoin de vos échantillons de couleurs, dans la leçon suivante, où nous parlerons de la valeur tonale des couleurs. voit là-bas. [MUSIQUE] 7. Du noir au blanc : Valeur tonale: [MUSIQUE] Bienvenue dans la deuxième partie de ce cours. Dans les trois prochaines leçons, vous apprendrez quelques principes utiles. abord, nous ignorons complètement la couleur et regarderons simplement le noir et blanc pour en savoir plus sur la valeur tonale. Ensuite, dans la leçon suivante, nous découvrirons comment la valeur et la couleur sont liées, puis nous utiliserons ces connaissances pour créer une palette de couleurs pour notre projet de classe. Tout d'abord, quelle est la valeur ? valeur définit la luminosité ou l'obscurité d'un élément ou zone d'une image sur une échelle allant du blanc au noir. blanc représente la valeur la plus claire et le noir est la valeur la plus sombre. [MUSIQUE] La valeur est responsable du contraste, de la forme et de la profondeur. Nos yeux sont attirés par les zones de contraste de valeur la plus forte. Ce sont les zones où la lumière et l'obscurité se trouvent juste à côté de l'autre. C'est là que nous regardons et nous pouvons en profiter pour guider les yeux du spectateur vers les points focaux. Nous pouvons donc nous assurer inclure délibérément un contraste de grande valeur à plusieurs endroits de l'image pour créer des points focaux et guider le spectateur à travers l'illustration. Dans l'obscurité totale, nous ne pouvons pas distinguer de formes. Dès que la lumière entre en jeu, des valeurs apparaissent, créant une impression tridimensionnelle et nous informant de la texture de l'objet. La valeur est importante pour la perception de la profondeur spatiale. Les choses au loin ont moins de contraste et des valeurs plus similaires, car il y a déjà beaucoup d' atmosphère entre les deux. Autrement dit, des valeurs similaires rendent les choses plus lointaines. En revanche, un fort contraste rend les choses plus proches. [MUSIQUE] Oui. Bien que nous ne nous concentrons pas sur une reproduction exacte d' une forme ou sur une impression réaliste de profondeur spatiale, comme par exemple dans une peinture de paysage, la valeur a ses propres droits et son importance. Il donne à l'image abstraite tout autant de structure et de profondeur et dirige le boîtier du spectateur à travers l'image à l' aide d'un contraste de valeur. [MUSIQUE] Nous allons maintenant peindre une échelle de valeur allant du blanc au noir par incréments de 10. Il n'est pas si facile d'obtenir gradation uniforme puisque les peintures acryliques sèchent un peu plus foncées, c'est donc un excellent exercice de mélange de peintures. En guise de guide, je vais mettre en place ma première tentative devant moi, et pour vous, j'ai préparé un modèle à imprimer. J'ai collé deux bandes de 10 carrés chacune parce que je veux l'essayer deux fois. abord, je commence par la couleur blanc pur et je n'ajoute qu'un petit peu de noir. Le noir a une force de teinture très élevée, il faut donc faire très attention à ne pas trop sombre tout de suite. Lorsque vous vous approchez du noir, vous devrez peut-être essuyer un peu le pinceau pour qu'il n'y ait pas tellement de blanc et que vous puissiez obtenir des couleurs plus foncées. Ensuite, je réessaie, mais cette fois, je passe du noir au blanc. Vous remarquerez qu'il faut plus de couleur claire pour éclaircir une couleur foncée que l'inverse. Il est maintenant temps d'échanger un autre pinceau car le mien est déjà tellement plein de couleurs qu'il est difficile obtenir les bonnes valeurs de lumière. Si un patch ne se révèle pas exactement comme il le devrait, il suffit de peindre à nouveau dessus. Vous pouvez désormais diviser les valeurs en trois groupes. Valeurs de lumière, moyennes et valeurs sombres. [MUSIQUE] Si vous avez l' impression que votre image n'a pas cette certaine chose, c'est souvent lié à la distribution de valeur. Vous pouvez voir que nous avons ici une grande surface avec des tons médians très similaires. Maintenant, j'ai structuré la zone médiane à l'aide d'un collage, assombrit encore plus la couleur la plus foncée et ajouté des éléments contrastants à d'autres endroits. Examinons maintenant la couleur qui en résulte. Vous pouvez constater que le contraste des valeurs est plus important que la couleur. Parce que même si j'avais un fort contraste de couleurs entre les couleurs complémentaires, orange et bleu dans la première image, l'image était assez ennuyeuse. [MUSIQUE] Outre le contraste des valeurs, il existe également de nombreux autres types de contraste. Après tout, le contraste est, par définition, une forte différence. Il crée des variations dans notre image et rend plus complexe et intéressante. Nous pouvons également retenir l'attention du spectateur plus longtemps, car il y a juste plus à découvrir. [MUSIQUE] Nous parlons maintenant d'un contraste quantitatif. Soixante à 30-10 est un principe de conception qui est, par exemple, utilisé dans la décoration d' intérieur en matière de couleur. Mais nous pouvons également appliquer ce principe pour ajuster les proportions de nos trois groupes de valeurs afin de rendre le design plus excitant. Notez que les pourcentages ne sont pas des pierres angulaires, mais plutôt une ligne directrice pour créer de fortes différences. Par exemple, nous pouvons utiliser principalement des valeurs de lumière, des valeurs sombres et très peu de valeurs moyennes. Pour avoir une idée du principe de la proportion de valeur, nous allons maintenant créer trois petites images. Dans chaque pièce, nous utiliserons une valeur très claire, une valeur moyenne et une valeur sombre. J'ai fait quelques croquis pour cela, et je vais transférer l'un d'eux trois fois sur mon papier aquarelle. Le papier est collé sur mon tapis de découpe et je l'ai divisé en carrés de taille égale. La composition doit être relativement simple car il ne s'agit pas d'un défi de dessin. Vous pouvez travailler avec les cercles, les bandes ou d'autres formes géométriques. Toutefois, il est utile si vous utilisez des formes similaires afin que nous ne soyons pas distraits par le contraste de forme. En ce qui concerne la répartition des zones, j'ai essayé de m' en tenir au principe de plupart à certains ou très peu. J'utilise le blanc comme valeur la plus claire, noir comme valeur la plus sombre, et une valeur moyenne, le gris. Comme il s'avère plus tard, il est préférable d'utiliser un gris très clair pour la valeur la plus légère et non le blanc pur. Je me suis déjà assuré dans les dessins que les zones ont des tailles différentes, et maintenant je vais distribuer les valeurs tonales différemment dans chaque image. Par exemple, je vais commencer par rendre la plus grande surface moyenne grise dans la première image. Ensuite, dans la seconde, j'utiliserai la couleur grise pour la zone de taille moyenne, et dans la troisième image, je l'utiliserai pour la plus petite zone, puis je ferai la même chose avec les deux autres couleurs. ne s'agit pas de peindre les zones aussi exactement que possible, mais nous ne voulons pas non plus de dégradés sur les bords. J'ai dû découper mes photos parce que j'utilise du blanc pur pour la valeur la plus légère, et sans le ruban adhésif, on ne voyait aucune différence avec le reste du papier. Maintenant, vous pouvez observer où vous regardez en premier. Y a-t-il un point d'intérêt unique ? Ou est-ce que votre œil se déplace dans l'image ? En général, on peut dire que vous examinez d'abord la zone avec le contraste de valeur le plus élevé, puis sur les zones les moins contrastées. Vous pouvez également avoir une sensation de profondeur, comme dans cette image ici, qui me rappelle l' espace extra-atmosphérique avec des planètes plus proches et plus éloignées apparaissant illuminées ou non, et vous pouvez remarquer comment l'ambiance de base de l'image change en raison de la distribution des valeurs tonales différente. [MUSIQUE] J'espère que ces exercices vous ont montré l'importance de la valeur et comment vous pouvez l'utiliser pour changer l'humeur de l'image et orienter l'œil du spectateur. Dans la prochaine leçon, nous découvrirons comment la valeur et la couleur sont liées. On se voit dans un peu. [MUSIQUE] 8. Comment la valeur et la couleur sont liées: [MUSIQUE] Dans la dernière leçon, nous avons parlé de la valeur tonale. Lorsque vous regardez simplement différentes nuances de gris, il est relativement clair ce qu'est une lumière et quelle valeur plus foncée. Mais quand il s'agit de couleur, ce n'est plus si facile. En gros, chaque couleur a une valeur tonale. La plupart des gens reconnaîtraient ce bleu comme une couleur avec une valeur foncée et ce jaune comme une couleur avec une valeur de lumière. Mais avec d'autres couleurs, ce n'est plus si clair. Voir la valeur d' une couleur est quelque chose que l'on apprend avec le temps et la pratique. Mais pour l'instant, commençons par définir quelques termes dont nous avons besoin lorsque nous parlons de couleur. Teinte, saturation et luminosité. teinte fait référence à la couleur pure à sa saturation la plus élevée. C'est ce que nous entendons quand on parle de couleur, par exemple rouge, jaune ou vert. La saturation fait référence à l' intensité d'une couleur. Une couleur complètement désaturée apparaît grise. Nous désaturons une couleur en la mélangeant avec une couleur complémentaire ou une couleur neutre, comme le blanc, le gris ou le noir. Cela rend la couleur plus sourde ou plus terne. La valeur fait référence à la légèreté ou à l'obscurité d'une couleur. Vous pouvez modifier la valeur d'une couleur en créant des teintes, des nuances et des tons. Une teinte est une couleur qui a été mélangée au blanc. Les teintes ont une valeur plus claire que la couleur pure. Une nuance est une couleur qui a été mélangée au noir. Les nuances ont une valeur plus foncée que la couleur pure. Un ton est une couleur qui a été mélangée au blanc et au noir, c'est-à-dire au gris. Selon les proportions de blanc, de noir et de couleur d'origine, les tons de couleur d'origine peuvent avoir une valeur plus claire ou plus foncée que la couleur d'origine. Les tons sont désaturés, des couleurs plus subtiles qui peuvent être facilement combinées avec d'autres couleurs. Regardons maintenant la roue chromatique. Cette fois en niveaux de gris. Vous pouvez voir que les couleurs ont des valeurs différentes, mais vous pouvez également voir que différentes couleurs peuvent avoir la même valeur. Ici, par exemple, vert et orange. [MUSIQUE] En fait, nous examinons d' abord la zone de contraste de valeur la plus élevée. Quelle que soit la couleur ou le sujet, couleur est moins forte que la valeur. Bien que ces couleurs soient très différentes ici, les valeurs tonales du bêta et vert sont identiques et le néon, le rouge et le gris sont également très similaires. À première vue, cette zone n'est perçue que comme un seul trait épais. Regardons un autre regard sur le contraste, forme et la profondeur, maintenant en termes de couleur. Le rouge fluo et le rose fluo ont une valeur similaire et sont presque perçus comme un trait. De telles combinaisons ont leur propre attrait, bien sûr. Mais si tout est pareil, c'est ennuyeux. En noir et blanc, il n'a certainement pas vu grand-chose. Ce qui se distingue vraiment, c'est cet AVC. C'est là que nous regardons en premier, ces bords ici. C'est ici que nous nous promenons. Au début, nous n' allons pas regarder ici, ces bandes ici, ces bandes ici, elles sont également intéressantes car il y a un contraste de valeur pour celles-ci, le contraste de forme et de taille. [MUSIQUE] Dans la dernière leçon, nous avons déjà établi les valeurs tonales importantes pour percevoir la forme. Si nous utilisons la même valeur pour tous les côtés d' un cube tricolore sur un fond coloré, le cube se fondra directement dans l'arrière-plan lorsque nous supprimerons la couleur. Toutefois, si nous ajustons les valeurs tonales à l'aide de teintes et de nuances, la forme reste visible en noir et blanc. [MUSIQUE] gradations tonales sont importantes lorsqu'il s'agit de profondeur spatiale. En affectant différentes plages de tons, claires, moyennes ou sombres à votre premier plan, au milieu et à l'arrière-plan, vous créez une sensation de profondeur sur votre surface bidimensionnelle. Faites attention à la valeur tonale de votre couleur. [MUSIQUE] Il est temps de faire un petit exercice. Pour cela, nous aurons besoin des nuances de couleurs que nous avons fabriquées pour la roue chromatique. J'utiliserai également des couleurs mixtes supplémentaires des couleurs primaires et du blanc. Vous pouvez également utiliser les niveaux de gris créés dans la leçon 7 pour déterminer les valeurs tonales des couleurs. Pour ce faire, maintenez-le juste à côté de votre couleur et comparez la luminosité. Maintenant, vous avez besoin d'un point non ensoleillé uniformément lumineux et d'un fond blanc qui ne détournera pas l'attention des cartes. Les échantillons de couleurs doivent tous être secs car vous vous souvenez que les peintures acryliques sèchent un peu plus foncées. Maintenant, arrangez les cartes du clair au noir en fonction de leur valeur tonale présumée. Lorsque vous avez terminé, prenez une photo, convertissez l'image en noir et blanc sur votre téléphone ou votre ordinateur. De cette façon, vous pouvez voir les valeurs des couleurs et vérifier si vous avez bien deviné. Le menu est probablement un peu différent sur votre appareil. Je sélectionne « Image », vais dans Modifier et j'appuie sur cette petite icône avec trois cercles qui représentent la couleur. Ensuite, je dois faire défiler vers le haut pour accéder à l'option, moyen noir et blanc. Assurez-vous d'utiliser une conversion de couleurs aussi normale que possible et qui n'éclaircit pas les zones claires ni ne fonce les zones sombres. Maintenant, passez autour des échantillons et prenez une photo à nouveau. Vérifiez les valeurs en noir et blanc jusqu'à ce que vous trouviez le bon ordre, de la valeur la plus claire à la plus sombre. Vous pouvez conserver la dernière photo pour référence future. Maintenant, divisez les nuances de couleurs en trois groupes, les valeurs claires, moyennes et sombres. Encore une fois, vous pouvez prendre une autre photo de référence pour une utilisation ultérieure. [MUSIQUE] J'utilise cette méthode assez souvent lorsque je crée une palette de couleurs. Je veux m'assurer de choisir des couleurs avec des valeurs claires, moyennes et sombres. Mais aussi lors de la peinture lorsque vous décidez de la couleur à utiliser ensuite, et je veux m'assurer que la couleur suivante a une valeur différente. [MUSIQUE] Dans la prochaine leçon, nous allons choisir des couleurs parmi chacune des trois plages de valeurs, les lumières, les médiums et les foncés, afin de créer une palette de couleurs pour votre projet de classe. Ne vous inquiétez pas, si vous avez beaucoup d' échantillons avec des valeurs moyennes et sombres. Il y a très peu de couleurs pures qui ont une valeur lumineuse dès la sortie du tube. Mais comme vous le savez, vous pouvez éclaircir la valeur de la couleur en ajoutant du blanc, c' est-à-dire en mélangeant des teintes. voit dans la prochaine leçon. [MUSIQUE] 9. Créer une palette de couleurs: Encore bonjour. Désormais, vous pouvez déterminer la valeur d'une couleur, vous connaissez l'importance du contraste des valeurs. Parlons un peu théorie des couleurs et de la façon d'harmoniser les couleurs. Ensuite, nous allons créer une palette de couleurs. n'existe pas de règles universelles. Nos antécédents culturels et personnels influencent la façon dont nous percevons la couleur. Une couleur qui déclenche certains sentiments ou évoque des souvenirs pour vous peut avoir un effet complètement différent sur une autre personne. Ce que nous percevons comme à l' ancienne, rétro ou moderne est simplement basé sur notre expérience visuelle, c'est ce que nous voyons dans la vie quotidienne. Par exemple, quand j'étais enfant, il était impensable de porter du rose et du rouge ensemble. Cela a définitivement changé. En bref, il n'y a ni bien ni mal en ce qui concerne les combinaisons de couleurs. Même s'il n'y a pas de bien ou de faux, vous pouvez utiliser la théorie des couleurs dans des harmonies de couleurs spécifiques pour trouver combinaisons de couleurs visuellement attrayantes qui présentent un contraste agréable. Ces harmonies de couleurs sont particulièrement utiles lors de la création d'une palette de couleurs, mais elles peuvent également vous aider lorsque vous faites le point sur les couleurs que vous utilisez déjà dans votre pièce et que vous êtes à la recherche d'une couleur qui s'accorde bien. Le jeu de couleurs monochromatiques n'utilise qu'une seule couleur et est mélangé avec du blanc, du gris et du noir. Dans le jeu de couleurs complémentaire, vous utilisez des couleurs opposées les unes aux autres. Les couleurs gratuites sont les couleurs les plus différentes et ont donc un contraste élevé. Ils se neutralisent mutuellement. Vous pouvez les utiliser pour mélanger des couleurs sourdes ou même du gris. Le jeu de couleurs complémentaire divisé est une variation du jeu de couleurs complémentaire. Ici, vous utilisez une couleur, puis les deux couleurs qui se trouvent à côté de la couleur opposée. Par exemple, jaune, bleu foncé et rouge-violet. Dans le jeu de couleurs analogue, vous utilisez 3 à 5 couleurs juste à côté de l'autre. Le jeu de couleurs triadiques utilise trois couleurs également espacées sur la roue chromatique. Par exemple, cyan, magenta et jaune. Le jeu de couleurs tétradic utilise deux paires gratuites. Par exemple, le jaune, le vert et le rouge, violet et l'orange et le cyan. J'aime aborder la couleur manière intuitive et ludique à travers des essais et des erreurs. Cela me permet de trouver des combinaisons de couleurs que je n' aurais peut-être pas forcément trouvées si je venais utiliser les jeux de couleurs mentionnés. couleurs qui vont bien ensemble sont liées d'une manière ou d'une autre, comme le sont , par exemple, les couleurs analogues. Cependant, il existe une astuce qui transforme n'importe quelle combinaison de couleurs en palette de couleurs assortie, harmonisant les couleurs. Il existe deux façons d'harmoniser les couleurs. Tout d'abord, avec une couleur mère. Pour connecter visuellement n'importe quelle couleur, vous pouvez mélanger une petite partie d'une couleur, dans ce cas, le rose, dans toutes les autres couleurs que vous utilisez. Deuxièmement, avec une couleur boue ou un noir chromatique. Pour cette méthode, vous mélangez toutes les couleurs de votre palette pour créer une couleur gris-brun boueux foncé. Ensuite, vous ajoutez cette couleur à toutes les autres couleurs. Quelle que soit la méthode choisie, vous obtenez des couleurs qui ont quelque chose en commun et qui les rend très harmonieuses. Voici quelques conseils pour choisir les couleurs. Utiliser des couleurs que vous aimez pour le moment n'est jamais une erreur. Quelques couleurs sont plus faciles à manipuler qu'un grand nombre. Les couleurs neutres ou sourdes s'associent bien aux saturées et font ressortir encore plus les couleurs audacieuses. Vous pouvez, par exemple, peindre 60 % de votre image dans des teintes similaires, utiliser des couleurs neutres pour 30 % supplémentaires et d'excellentes couleurs telles qu' une couleur complémentaire pour les 10 % derniers. Je trouve souvent mes combinaisons de couleurs par hasard sur un bureau désordonné, dans la nature ou en pliant le linge. Gardez simplement les yeux ouverts et prenez une photo lorsque vous voyez un combo de couleurs passionnant. [MUSIQUE] Pour votre palette de couleurs choisissez 4 à 6 couleurs parmi vos nuances de couleurs. Observez-les en noir et blanc à l'aide d' un appareil numérique pour vous assurer que vous avez des valeurs claires, moyennes et sombres. J'ai ici deux lumières, trois tons moyens qui sont à peu près identiques, et c'est ma valeur la plus sombre. Mes échantillons de couleurs sont mélangés à une variété de couleurs différentes. Pour qu'elles correspondent mieux, je vais remélanger les couleurs, mais maintenant j'utilise de tubes de peinture différents possible. Les nouvelles couleurs seront bien sûr un peu différentes de celles des nuanciers de couleurs d'origine parce que j'utilise des couleurs de base différentes, mais les remixer exactement ce n'est pas le but. Il est important qu' ils correspondent bien. Pour voir comment les couleurs fonctionnent ensemble dans un tableau, je peins des échantillons de couleur sur une feuille de papier et je m'assure que toutes les couleurs se croisent les unes contre les autres. Je trouve que parfois j' aime vraiment mes nuances de couleurs sélectionnées, mais cela ne fonctionne tout simplement pas dans la peinture. J'aime vraiment cette combinaison de couleurs en ce moment. Je ne suis pas si sûr de l'orange. Le jaune-vert ne touche pas encore le bleu outremer. Je veux voir comment cela va avec ça. J'utilise mon pinceau sale et le bleu pour l'harmoniser avec les autres couleurs. Je l'aime encore mieux maintenant. Maintenant, je fabrique de nouveaux échantillons de couleurs mélangées. Comme mon vert est la seule couleur pure, j'ajoute un peu de magenta et de jaune pour l' harmoniser avec les autres couleurs. Maintenant, ma palette de couleurs est prête. Ci-dessus, vous pouvez voir les couleurs d'origine et en dessous des couleurs harmonisées. Je ne me suis pas exactement collé à l'une des méthodes mentionnées pour l'harmonisation des couleurs, mais l' important est que toutes les couleurs contiennent également certaines des autres couleurs. Vous n'avez pas besoin de faire de l'harmonisation des couleurs une science, et vous n'avez pas à le faire du tout. Il est juste bon de remarquer la méthode afin que vous puissiez l'utiliser quand vous en avez besoin. J'aborde souvent la couleur de manière très intuitive et je ne me soucie pas du tout des concepts. Parfois, j'aime bien le résultat et parfois non. il en soit, j'ai appris quelque chose. En outre, avec la peinture acrylique, il y a toujours la possibilité de peindre dessus et de recommencer. Dans la prochaine leçon, nous discuterons de la taille du papier, des avantages du travail en série, et nous allons préparer notre papier. voit. [MUSIQUE] 10. Préparations: [MUSIQUE] Bienvenue dans la troisième partie de ce cours. Nous allons d'abord préparer notre document. Ensuite, je vais vous montrer ce qu' est un viseur et comment vous pouvez l'utiliser. Enfin, nous allons parler des raisons pour lesquelles travailler dans les théories est si utile. Au fait, le point de départ de cette classe, nous sommes des restes de papier de 10 centimètres de large qui se terminaient presque par des déchets de papier. Mais cela aurait été dommage. J'ai commencé à faire de petits tableaux. Il s'est avéré que la combinaison de la petite taille et du sentiment de ne pas utiliser de matériaux précieux, nous sommes tout à fait essentiels au succès des pièces. J'espère que cela fonctionne également pour vous. [MUSIQUE]. Ici, j'ai le format que j'aime travailler avec 10 fois 10 centimètres. Bien sûr, vous pouvez travailler un peu plus gros, mais doubler la longueur latérale de 10 fois 10 à 20 fois 20 centimètres signifie quadrupler la surface. J'ai réalisé des pièces avec une surface peinte de 13 fois 13 centimètres et cela fonctionnait avec les mêmes pinceaux, mais c'était déjà un peu à la limite supérieure pour ce style. Des pinceaux plus grands n' auraient pas fait de mal. [MUSIQUE] Comme je l'ai mentionné plus tôt, j'aime emporter le papier sur un morceau de carton ondulé. De cette façon, j'ai des bordures propres qui, d'une part, ont l'air jolies, mais cela réduit également le flambage lorsque du papier plus fin est mouillé. Comme nous utilisons du papier plus épais, il est plus important d'empêcher le papier de glisser lorsque vous peignez, en fonction de la marge blanche que je souhaite avoir. Je chevauche le ruban entre 1 centimètre et 5 millimètres. Vous finissez avec une surface peinte de 8 à 9 centimètres de long. Maintenant, placez les pièces en groupe de quatre sur un morceau de carton et collez-les. Assurez-vous que le chevauchement du papier et du ruban adhésif est à peu près le même sur tous les côtés. Brossez doucement le ruban avec votre doigt pour éviter la peinture ne tombe sous le plus possible. [MUSIQUE] Une fois que vous connaissez votre format final, vous pouvez créer un viseur. Pour cela, vous aurez besoin d'une feuille de papier de couleur neutre. Lorsque vous peignez, vous pouvez l'utiliser pour couvrir la zone environnante et les traits qui passent au-dessus du bord et regarder votre peinture comme s'il se trouvait dans un cadre. Cela vous aide à déterminer où ajouter certains éléments. Je vais faire un autre viseur de papier blanc. J'utilise une règle triangulaire pour dessiner un carré au milieu du papier, le rendre un peu plus petit que le format scotché afin de ne pas voir de ruban adhésif dans ma découpe. Si j'ai neuf centimètres d'un ruban à l'autre, je fais la découpe avec une longueur de côté de 8,5 centimètres. Essayons ça maintenant. S'adapte parfaitement. [MUSIQUE] L'un des avantages de travailler en série est que vous restez libre parce que vous n'êtes pas tellement concentré sur l'obtention d' une image parfaite. Après tout, vous avez plusieurs tentatives. Travailler en série accélère votre processus d'apprentissage car vous obtenez un retour visuel après chaque AVC. Par exemple, si votre trait est trop large, vous pouvez le rendre moins large dans la peinture suivante. La série a également du sens du point de vue du spectateur. Les images sont reliées les unes aux autres et nos variations sur un thème similaire à la musique. De cette façon, le spectateur n'a pas à s'engager constamment avec quelque chose entièrement nouveau et peut découvrir ce qu'il aime plus facilement. S'agit-il des formes ou des couleurs, ou de la disposition des éléments ? Je travaille habituellement sur 3-4 de ces séries en même temps. Parce que d'une part, je suis très impatiente et j'aime utiliser le temps de séchage et travailler sur autre chose. Mais d'un autre côté, la série s'influence aussi mutuellement et je reçois de nouvelles idées. Enfin, j'aimerais ajouter que la quantité conduit à la qualité. Il est tout simplement irréaliste de croire que vous ne faites une seule peinture et que vous vous retrouvez immédiatement avec un chef-d'œuvre. Mais les chances que vous finissiez avec une pièce que vous aimez vraiment sont beaucoup plus élevées si vous peignez quatre en même temps. Dans la prochaine leçon, nous parlerons des avantages de travailler dans des couches supérieures aux limites et à l'imitation. [MUSIQUE] On se voit là-bas 11. Peindre en couches: [MUSIQUE] Peindre en calques est passionnant car il y a de la transparence et des chevauchements. Vous pouvez créer profondeur visuelle et jouer avec l' affichage et le masquage des choses. Il réduit également la pression de la perfection et stimule votre créativité. Ce qui est si beau dans la peinture acrylique c'est que vous pouvez avoir autant de couches que vous le souhaitez. Vous n'avez pas à tout arranger la première fois. Si ça ne fonctionne pas, tu peux le couvrir et recommencer comme je l'ai fait ici. La texture qui s'est déjà accumulée ne fait aucun mal du tout, rend le tableau encore plus intéressant. En n'ayant pas de résultat final spécifique à l'esprit, vous pouvez booster votre créativité à chaque coup de pinceau À chaque nouvelle couche, vous créez un nouveau point de départ. Vous devez constamment décider comment vous voulez continuer et où vous souhaitez placer votre prochaine marque. Parfois, les choses ne fonctionnent tout simplement pas comme prévu. Le coup n'est pas assez lâche, pas bien placé. Toutes les couleurs comme dans ce cas sont trop transparentes. Voici cette couleur verdâtre créée par le chevauchement du jaune et du bleu et je ne l'aime pas du tout. Au début, vous pourriez penser, maintenant je l'ai foiré. Mais alors, vous continuez simplement parce que ce sont les moments où vous pouvez vraiment pratiquer la résolution créative de problèmes parce que maintenant vous n'avez plus rien à perdre. Vous pouvez quitter votre zone de confort et essayer quelque chose de nouveau. [MUSIQUE] Le processus que je vais vous montrer dans les prochaines leçons implique une séquence spécifique d' étapes en termes d' application de peinture et d'outils. Il existe d'innombrables autres combinaisons possibles, mais il est vraiment avantageux de s'en tenir au moins une fois à ces lignes directrices. Les restrictions réduisent non seulement le sentiment de submersion, mais peuvent se produire lorsque vous êtes confronté une abondance de possibilités. Les limitations stimulent également votre créativité, car vous devez explorer les possibilités dans ces limites. Au début, lorsque vous apprenez quelque chose de nouveau, il est très utile d'imiter le processus de quelqu'un d'autre, suivre les traces de quelqu'un d'autre pour progresser plus rapidement. Vous pouvez ensuite adapter le processus à vos besoins et à votre star. Parce que souvent, nous devrions mieux savoir ce que nous ne voulons pas plutôt que ce que nous voulons réellement. Vous pouvez par exemple modifier l'ordre des calques, utiliser différents outils de peinture ou essayer une autre taille. C'est tout en ce qui concerne les couches, imitation et la limitation . Dans la prochaine leçon, nous allons commencer le projet de cours. Nous utilisons un couteau à peindre ou une carte en plastique pour créer la première couche de marques expressives. J'ai hâte de le voir. Allons-y. [MUSIQUE] 12. Marques expressives : Peindre un couteau: Êtes-vous prêt pour votre projet de classe ? Enfin, nous commençons. Pour le premier calque, nous allons utiliser un couteau à palette ou une carte en plastique pour créer de fortes marques expressives. Mais avant de faire cela sur nos œuvres finales, faisons un petit exercice d'échauffement pour avoir une idée des outils et des marques qu'ils peuvent faire. [MUSIQUE] Nous utiliserons de la peinture non diluée directement du tube et nous avons besoin d'une bonne quantité, papier aquarelle de 200 grammes fonctionne très bien comme base, mais vous pouvez également utiliser de vieux sacs en papier, par exemple. Commençons par le couteau à peindre et tester comment les différentes pressions affectent les marques. Vous pouvez appuyer fortement sur la spatule et la tirer vers le bas. Cela vous donnera des zones transparentes, mais également des zones plus épaisses sur les bords. Vous pouvez également le laisser glisser doucement sur le papier pour obtenir une couche de peinture épaisse, ce qui fonctionne particulièrement bien si vous inclinez le couteau à palette vers le papier afin de pouvoir étaler la peinture. avec la surface du couteau à palette. Vous pouvez basculer entre l'un et l'autre. Il s'agit d'appuyer fortement vers le bas , de réduire la pression, puis de la reconstruire. De cette façon, vous pouvez varier la transparence de vos marques. Vous pouvez déplacer la spatule très lentement ou rapidement et impulsivement, vous pouvez faire des lignes droites ou des courbes. Je peux commencer tout droit, faire une courbe, changer de direction, revenir dans l'autre sens, puis tourner jusqu'à ce que j' ai une marque que j'aime. Je peux aussi y retourner et ajouter de la peinture. Oui, maintenant j'ai une marque assez complexe. Comme vous pouvez le voir, je peux aussi accumuler une crête de douleur en poussant la spatule plutôt que de presser la peinture. Maintenant, cela va devoir sécher pendant la nuit. Faisons une deuxième page, cette fois avec la carte plastique. Le côté étroit de ma carte a à peu près la même longueur de côté que mon couteau à peindre. Je vais utiliser celui-là. Prenez de la peinture et faites le même exercice qu'avant. Appuyez fortement vers le bas, faites-le glisser légèrement. De toute évidence, ma carte est un peu pliée de sorte que les applications de peinture varient même la pression, se déplacent rapidement avec beaucoup de peinture, réalisent des courbes et des combinaisons aléatoires. En ce qui concerne la manipulation et les marques, la carte est très similaire au couteau à peindre, et vous pouvez également la couper en deux pour faire des marques plus petites. Récapitons-le. [MUSIQUE] Vous pouvez expérimenter les pressions, la vitesse et la direction. [MUSIQUE] Pour le premier calque de votre projet de classe, choisissez une couleur dans la palette de couleurs que vous avez créée dans la leçon 9. Peu importe si votre première couleur a une valeur claire, moyenne ou foncée. J'ai déjà mélangé ma couleur et maintenant je fais mes marques assez rapidement. C'est déjà ça. Voici un autre exemple. Avec cette couche, il est important de mélanger beaucoup de peinture pour en avoir assez pour créer des couches plus épaisses. Avant de poser le couteau à palette, je visualise parfois le trait et laisse ma main planer sur le papier. J'ai aussi essayé d'obtenir une petite variation. Si je n'aime pas une marque, j'ai essayé de le faire différemment la prochaine fois. Comme il s'agit d'un format plus grand, j'utilise une carte en plastique au lieu de mon petit couteau à peindre. On y va. Un petit conseil sur la composition. Ne placez pas involontairement votre marque exactement au centre ou symétriquement sur la page, ce qui attirerait beaucoup l'attention. On pouvait difficilement regarder ailleurs. Vous pouvez, bien sûr, revoir la marque, ajouter de la peinture et la changer. Mais je dois dire, d'après mon expérience, que cela ne s'améliore généralement pas. Ici, j'ai vraiment l' impression d'y avoir travaillé. Je ferais mieux de laisser ça tranquille pour l'instant. Selon l'épaisseur de la peinture, la peinture peut prendre quelques heures jusqu'à ce que la peinture soit complètement sèche. Faire la première marque sur une page blanche est vraiment incroyable car tout est encore plein de possibilités. Le mélange des peintures prend généralement le plus de temps à ce stade, car les marques sont si rapides. Mon conseil est de ne pas trop changer les marques au début parce que vous perdez cette spontanéité et vous obtenez juste une grosse tache de couleur. Cela n'a pas vraiment d'importance si vous aimez les marques ou non. Il s'agit principalement de commencer et d'avoir quelque chose avec lequel travailler ou travailler contre. C'est ce que nous allons faire dans la prochaine leçon. Avant de continuer, veuillez prendre une photo de cette couche et la télécharger dans votre projet de classe. voit bientôt. [MUSIQUE] 13. Coups de pinceau audacieux: Dans cette leçon, nous allons créer deux calques à l'aide d'un pinceau large. Pour l'exercice d'échauffement, vous pouvez utiliser n'importe quel papier comme du papier d'emballage ou du papier aquarelle. Nous commencerons par une peinture pure et un pinceau relativement sec pour créer des pinceau opaques aux bords rugueux. En contraste, on utilisera de la peinture aqueuse très diluée dans la couche suivante. Pour cet exercice, vous aurez besoin d'un pinceau large comme ce pinceau plat ou le pinceau de peintre de la quincaillerie, ou d'une brosse à poils comme celle-ci, vous pouvez tremper le pinceau dans l'eau avant de l'utiliser pour éviter que la peinture ne sèche près du sauvage, utilisez un chiffon ou du papier de cuisine pour obtenir la plus grande partie de l'eau car nous avons besoin de la brosse relativement sèche. Si votre peinture a une consistance crémeuse comme celle-ci, vous pouvez l'utiliser directement hors du tube. S'il est trop épais ou collant, vous pouvez ajouter un peu d'eau que de faire votre marque. Nous visons un coup assez opaque avec des bords rugueux, en fonction de la douleur que vous avez sur votre pinceau, vous obtiendrez un coup solide ou rugueux. Vous pouvez varier la façon dont vous tenez votre pinceau pour que vos coups aient un aspect différent. Si vous le tenez très près des poils, vous avez beaucoup de contrôle. Si vous le retenez plus loin, vous avez moins de contrôle. Et de cette façon, vous pouvez créer des traits sauvages exprès. Vous pouvez tenir le pinceau comme un crayon ou haut de manière à ce que le manche de la brosse se trouve sous votre paume. De plus, vous pouvez faire pivoter le pinceau et effectuer toutes sortes de mouvements pour créer des marques intéressantes. Au fait, je fais cette application debout car elle me permet de bouger mon bras plus librement. Et je peux aussi mieux voir ce que je fais. Vous pouvez faire glisser le pinceau lentement pour faire des traits solides, ou vous pouvez le déplacer rapidement. Excellentes marques Rafa. Essayons un autre pinceau. Il est toujours bon d'utiliser un pinceau très peu coûteux , car vous pouvez alors faire tout ce que vous ne feriez normalement pas avec un pinceau. Vous pouvez, par exemple, appuyer fortement vers le bas pour que la poitrine d' un écartement , puis se tordre et tourner. Vous pouvez créer des lignes très énergiques ou poser le pinceau fort et simplement enduire la peinture. Si j'ai des restes de peinture, je l'étale sur ma palette et je place du papier de soie avec le côté brillant dans la peinture alors qu'elle est encore humide, la peinture peut tremper à travers le papier. Donc, si vous voulez éviter de vous salir le bout des doigts, vous pouvez mettre une feuille de papier de rechange sur le dessus tout en la lissant. Et c'est à ça qu'ils excitent quand il est sec, vous pouvez simplement le décoller pour révéler votre propre papier collage fait main. Pour résumer cela, vous pouvez expérimenter la vitesse, mouvement et l'adhérence au pinceau. Une fois que vous avez une bonne sensation pour vos coups de pinceau, vous pouvez aborder la deuxième couche de votre projet de classe. J'utilise cette couleur verte ici parce qu'elle contraste bien avec le bleu foncé. Et j'essaie de prendre des médicaments qui changent de direction pour protéger l'environnement et garder votre eau de peinture propre pendant plus longtemps. abord, essuyez soigneusement votre brosse, puis trempez-la dans de l'eau et essuyez-la nouveau avant de le laver correctement. Ici, je sélectionne à nouveau une voiture qui offre un bon rapport qualité-prix avec celle ci-dessous. Comme ce rose aurait une valeur trop similaire, j'utiliserai le rose très clair par rapport à ma nuance de couleur, la peinture mixte semble un peu plus légère, mais comme les peintures acryliques sèchent plus foncées, c'est parfait. Ensuite, je charge le pinceau avec beaucoup de peinture. Je prends soin de ne pas répéter la même courbe ou la même direction de la course précédente. J'ai donc essayé de partir d'un autre côté et de suivre une direction différente. Si deux petites peintures pénètrent sur le papier, vous pouvez le revoir à nouveau. Ma peinture est un peu trop collante et je dois absolument ajouter de l'eau pour éviter les coups de pinceau hésitants. J'ai pratiqué le mouvement en tenant ma main légèrement au-dessus du papier avant de les arranger. Et ce n'est qu'alors que j'ai posé le pinceau et que je le fais vraiment. Malheureusement, ma peinture est encore trop épaisse, donc je revois cela plusieurs fois ici, mais généralement ça ne s' améliore pas quand on le fait, parfois je ne peux tout simplement pas m'en empêcher. Veillez à ne pas recouvrir complètement la couche précédente. Tous les calques doivent être partiellement visibles jusqu'à ce que vous ayez terminé. De cette façon, vous conservez toutes les valeurs tonales que vous avez choisies dans votre palette de couleurs et créez profondeur spatiale pour notre prochain calque Nous voulons le faire glacer, c' est-à-dire une couche transparente de peinture aqueuse. Je commence par ajouter de l'eau à mon récipient avec mon outil compte-gouttes, puis j'utilise simplement les restes de peinture qui se trouvent encore dans mon pinceau au début, il vaut mieux utiliser très peu d'eau pour que vous obtenir un mélange lisse sans grumeaux de peinture. Ensuite, vous pouvez ajouter de l'eau et petit à petit jusqu'à ce que le mélange s' égoutte du pinceau, charger votre pinceau avec autant de douleur que possible. L'objectif est d'obtenir différentes transparences. C'est parfait. Il y a une zone transparente au milieu et sur les bords, la peinture est plus opaque. Vous pouvez tracer vos lignes comme vous le souhaitez. Et comme vous pouvez le constater, contrairement au dernier calque, cette fois, les bords sont lisses. il n'est pas nécessaire de peindre Bien sûr, il n'est pas nécessaire de peindre des lignes parfaitement courbes. Vous pouvez également effectuer des spots comme celui-ci ou n'importe quelle ligne. Et je peux aussi ajouter de la peinture à condition qu'elle soit mouillée pour créer des zones plus sombres. Une autre option consiste à laisser la peinture s'égoutter sur le papier. Vous pouvez en étaler une partie, puis ajouter d'autres gouttes. Bien sûr, vous pouvez également faire des coups rapides à nouveau. Expérimentez avec votre pinceau et créez des taches de couleur amusantes. Soyez prudent lorsque vous soulevez le papier car la peinture est très coulante et passe directement sur les bords. Gardez également à l'esprit qu' une couleur fortement diluée devient naturellement plus glissante et plus transparente. Ce n'est pas si visible là où la peinture se resserre, mais lorsqu'elle est appliquée en couche mince, vous pouvez voir l'arrière-plan du papier ou les couches de couleur qui se trouvent très bien en dessous. Vous pouvez bien sûr ajouter plus de peinture dans certaines zones pour obtenir une meilleure couverture. Mais fondamentalement, la transparence est la caractéristique de cette couche. Pour résumer cela, vous pouvez expérimenter la quantité de gouttes de peinture et la vitesse. J'ai déjà mélangé ma couleur suivante et maintenant j'ajoute de l'eau avec un pinceau, car il s'agit d'une couleur claire qui a déjà une consistance plus fine, charge d' eau suffit. Assurez-vous de chevaucher délibérément traits et d'éviter les marques qui touchent presque les zones où Marx touche presque attirent beaucoup d'attention. Si vous travaillez en vrac, comme nous le faisons, cela peut se produire involontairement, mais ne vous inquiétez pas, puisque nous travaillons en couches, nous pourrons le réparer plus tard si nécessaire. Dans ce cas, je n'ai pas encore harmonisé mon magenta avec les autres couleurs. J'ajoute donc une petite touche de rouge et je peins aussi une nouvelle nuance de couleur. Ici, je dépose quelques gouttes et je ne fais pas ma marque d'un seul coup. Ici, j'ai laissé l'AVC s'épuiser un peu plus mince. Je me surprends à tracer la ligne rose clair juste à temps et à changer rapidement la direction. Après tout, je veux voir certaines parties de l'Égypte mes couches jusqu'à la fin, donc je ferais mieux de ne pas tout couvrir. Enfin, j'ajoute de la douleur supplémentaire à certains endroits, ai plus de variation dans la transparence. J'adore ces coups de pinceau impulsifs. Ils ajoutent tellement de plaisir et vous obtenez un résultat qui semble cool assez rapidement. N'oubliez pas de prendre une photo de chaque couche et de le télécharger dans votre projet de classe. Je pense qu'il est très intéressant de documenter le processus de création d'une œuvre d'art, et j'ai vraiment hâte de voir vos progrès. Dans la prochaine leçon, nous allons le prendre un peu plus facilement et ajouter un motif délicat. On se voit dans un peu. 14. Motifs délicats et contrôle du pinceau: [MUSIQUE] Après tout ce marquage expressif, ralentissons un peu. Nous réalisons des motifs délicats pour créer un contraste avec les traits audacieux. Ce contraste ajoute vraiment à l'attrait des peintures. En même temps, dessiner ces motifs graphiques avec un pinceau fin est un excellent exercice pour votre motricité fine et le contrôle de votre pinceau. Vous pourrez peut-être même vous détendre et entrer dans l' état d'écoulement en peignant. [MUSIQUE] Comme cela peut prendre un certain temps et que nous travaillons avec une petite quantité de peinture, il est utile de pulvériser la palette avec de l'eau temps en temps pour que la peinture ne sèche pas. Une bonne consistance de la peinture est très importante pour cela. J'ajoute un peu d' eau à ma peinture. Il doit être assez fin pour bien se détacher du pinceau, mais pas encore trop transparent. S'il est trop épais ou s'il y a une quantité de peinture sur votre pinceau, vous ne pouvez pas dessiner de fines lignes uniformes. [MUSIQUE] Pour les lignes fines, vous avez besoin d'une fine pointe de pinceau. Il est utile de rouler le pinceau sur votre palette comme ceci pour enlever l'excès de peinture qui a été repoussé vers le sauvage. Maintenant, vous pouvez ramasser une petite quantité de peinture avec le bout de votre pinceau et tracer une autre ligne fine. Vous devrez répéter ce processus très souvent. Il existe toutes sortes de motifs. Vous pouvez essayer de petites lignes qui se trouvent directement les unes en dessous des autres, ou vous pouvez les décaler un peu. Vous pouvez faire des points, et pour cela, vous touchez le papier très légèrement, mais vous pouvez également appuyer sur le pinceau et faire de telles marques. Pour les lignes courtes, vous pouvez effectuer le mouvement à partir du poignet, mais cela ne fonctionne que jusqu' à une certaine longueur. Il est préférable de bouger tout le bras et de garder la main et le poignet stables. Vous pouvez également essayer la direction la plus facile pour vous. Il est peut-être plus confortable pour vous de glisser votre bras sur le côté. Mais que ce soit sur le côté ou sur votre corps, de toute façon, vous pouvez dessiner des lignes plus droites plus que si vous utilisez simplement votre main et votre poignet. Lavez fréquemment votre pinceau afin que la peinture ne sèche pas près du sauvage. , il pousserait les poils à l'écart et ruinerait la brosse plus rapidement que nécessaire. En plus des lignes parallèles, les lignes zigzag ou les vagues sont également une bonne pratique pour votre motricité fine. Si les lignes deviennent trop épaisses, soit vous enfoncez trop fort le pinceau, soit vous avez trop de peinture dessus. Dans ce cas, rincez-le soigneusement et essuyez l' excès d'eau. Si vous souhaitez dessiner des lignes plus longues, il est préférable de maintenir le pinceau plus loin en arrière. De cette façon, il est plus incliné vers le papier, vous pouvez faire un mouvement plus fluide et vous pouvez également mieux voir ce que vous faites. Cependant, lorsque je peins de petits cercles, par exemple, il est plus facile pour moi de faire des lignes fines lorsque le pinceau est plus droit et pour cela, je le tiens à nouveau plus près du sauvage. Pour avoir une meilleure idée la transparence de vos couleurs, vous pouvez peindre par-dessus d'autres couleurs, par exemple sur la feuille de pratique de votre palette de couleurs. Si la couleur est un peu transparente, vous pouvez appliquer une deuxième couche de peinture sur la peinture séchée, mais c'est peut-être correct si elle est transparente. Ils sont sur les règles. [MUSIQUE] L'état de flux, également connu sous le nom d'être dans cette zone, est un état mental où vous êtes complètement immergé dans une activité, en montrant le processus et parfois même en perdant votre sens du temps. Peindre des motifs est un excellent moyen d'entrer dans l'état de flux, car il offre exactement le bon défi. Vous devez vous concentrer sur la tâche à accomplir , mais ce n'est pas extrêmement difficile. C'est cet équilibre entre le sous-défi et surdéfi qui est important pour atteindre l'état de flux. Allez-y et créez des modèles. J'ai hâte de voir votre fiche d'entraînement. [MUSIQUE] Vous pouvez expérimenter la viscosité et l'opacité de la peinture, la prise du pinceau et le mouvement des bras, des motifs et des lignes parallèles. En ce qui concerne les motifs, vous avez quelques options. Vous pouvez utiliser un seul motif et laisser les zones blanches vides, ou utiliser plusieurs motifs différentes couleurs et remplir toutes les zones blanches. Les motifs peuvent sembler derrière ou devant les coups de pinceau. Comme je n'ai pas de pastel à l'huile dans cette turquoise, j'utiliserai cette couleur pour le motif, et ce blanc crème pour que la poitrine s'aligne. J'utilise ici un nouveau pinceau qui n'a jamais été utilisé, et il est assez rigide. Il faut d'abord le tremper dans l'eau puis la couche protectrice se détache, et les poils deviennent doux et flexibles. Je vais commencer par quelques rayures ici. J'aime quand les rayures ont l'air d'être derrière le coup de pinceau. Je les dessine comme s'ils étaient faits d'une ligne continue. Ces lignes sont encore assez courtes pour sortir de votre poignet et elles permettent également de rester loin du café au préalable. Pour la section suivante, je change la direction de mes lignes de 90 degrés, puis j'utilise la peinture un peu plus épaisse pour faire de petits points. Je commence à penser que la turquoise est peut-être trop sombre, alors je mélange une version plus légère. Sur les deux autres photos, j'ai utilisé le motif rayé comme celui-ci. Parce que je n' aime pas tant les points clairs et sombres du premier, j'applique également le nouveau motif à cette image en connectant deux points à la fois pour faire des lignes courtes. C'est un excellent exemple de la façon dont les œuvres d'art en série peuvent s' influencer et se pousser mutuellement vers l'avant. Vous n'avez pas besoin de créer une grande surface à motifs, parfois seulement trois marques de pinceau comme celle-ci peuvent suffire. Ici, j'ai déjà travaillé avec deux motifs jaunes différents, mais je pense que cette pièce pourrait utiliser une autre couleur. Comme je ne veux pas ajouter une couleur complètement différente, je mélange un rose entre mon rose clair et mon magenta. Il s'avère trop sombre, alors j'essaie d'humidifier une partie de la couleur alors qu'elle est encore humide en ajoutant un peu d'eau. Cela ne fonctionne pas très bien, mais j'ai beaucoup aimé l'effet. J'ai continué à utiliser cette solution d'urgence exprès, et la profondeur ou les motifs après la peinture. Ici, il me manque encore un peu de contraste, donc je continue d'ajouter des marques sombres jusqu'à ce que je sois satisfait de leur quantité et de leur forme. Ensuite, j'ajoute des coups de pinceau plus légers dans des zones de valeurs sombres similaires, pour créer ici également des points focaux intéressants. Fini. J'adore les trois premières couches, car elles sont tellement impulsives et j'ai toujours besoin de temps pour peindre les motifs, mais une fois que je suis plongé, temps passe. C'est vraiment ce contraste entre les traits spontanés rapides et les motifs lents et réfléchis que l'on peut ressentir dans les tableaux qui ajoutent à leur charme. Qu'est-ce que ça a ressenti pour vous ? Préférez-vous les coups impulsifs ou êtes-vous plus à la maison avec les schémas de contrôle ? Vous pouvez écrire sur votre expérience dans votre projet de classe et n'oubliez pas d'ajouter une image de cette couche. Dans la prochaine leçon, nous allons reprendre une approche plus lâche et ajouter des lignes gestuelles. [MUSIQUE] On se voit là-bas. 15. Émotions des étincelles : lignes gestes: [MUSIQUE] Regardez ce que vous avez accompli jusqu'à présent, vos peintures ont déjà quatre couches. Nous allons maintenant ajouter une ligne gestuelle, c'est une ligne où vous pouvez voir le mouvement réalisé par les artistes. Ils sont très spontanés et gris pour transmettre des émotions. Cependant, c'est un peu risqué et si j'aime déjà beaucoup le tableau, j'ai souvent peur de le ruiner et il arrive que je ne suis pas content du résultat. Mais d'un autre côté, ces lignes peuvent devenir un élément très important de l'image et ajouter tellement d'intérêts que cela en vaut vraiment la peine. De plus, nous avons toujours le collage dans notre poche arrière et nous pouvons réparer beaucoup de choses, alors soyons courageux. Nos peintures sont contrastées. Il y a non seulement un contraste de valeur, mais aussi le contraste entre les différents traits, nous avons été lents et délibérés avec les motifs, nous pouvons maintenant mettre de la force et de l' émotion dans nos lignes. La ligne peut créer un contraste fort avec l'arrière-plan ou elle peut être plus subtile. Parfois, l'effet n'est pas aussi fort que prévu. Ici, par exemple, je voulais une couleur jaune sur l'image, mais la ligne s'est révélée plutôt subtile, alors le collage est une excellente option pour ajouter d'autres éléments de la même couleur. Une chose à prendre en compte lors du choix d'un outil de dessin est votre jeu de couleurs. Parfois, j'ajoute délibérément une couleur à mon jeu de couleurs parce que je veux utiliser un matériau particulier comme la doublure 3D ici, après tout, je suis un peu plus limité avec mes outils de dessin car je peut mélanger les couleurs. Si je ne l'avais pas prévu et qu'il ne reste que deux couleurs pour mon jeu de couleurs, la première chose que je fais est de jeter un coup d'œil à mes outils de dessin pour voir quelles couleurs j'ai disponibles et choisir la couleur de ma poitrine. ligne et la couleur de mon motif en conséquence, pour cet exercice, saisissez du matériel de dessin et papier de copie ordinaire ou une feuille de papier aquarelle et essayez de faire différents types de lignes. Par exemple, j'ai ces marqueurs acryliques, je peux faire de gros mouvements de balayage ou de petits mouvements, je peux dessiner des squiggles ou des lignes en zigzag. Si vous voulez faire des marques rapides assez audacieuses, il vaut mieux ne pas utiliser de doublures fines. Ils risquent de ne pas survivre à passer au-dessus de la surface texturée de votre peinture à grande vitesse lorsque vous utilisez des stylos pinceaux, vous devez également être plus prudent avec la pointe. Assurez-vous également que les couleurs sont rapides à la lumière, sinon elles s'estomperont après un court laps de temps. Les crayons de couleur sont parfaits pour jouer, vous pouvez appliquer une pression différente pour créer des lignes claires ou sombres. Les crayons sont également excellents. J'en utilise un relativement doux en six B, vous pouvez créer des lignes délicates et audacieuses ou quelque chose qui ressemble à une signature. J'aime également utiliser ces doublures 3D. abord, vous les pressez jusqu'à ce que la couleur sorte , puis vous pouvez créer des lignes étonnantes en les pressant constamment. Enfin, il y a des crayons de cire ou des pastels à l'huile. Je me sens très à l'aise avec ces lignes, j'aime la texture des lignes et elles ont des qualités différentes. Par exemple, il s'agit d'un pastel à l'huile très doux appelé nouveau pastel, qui crée des lignes très riches et épaisses et vous pouvez également les tacher si vous le souhaitez. Vous n'avez pas toujours à faire de grandes lignes dans votre tableau, vous voudrez peut-être simplement ajouter de petits gribouillages comme celui-ci, ou vous obtenez des patients rapidement et continuez comme ça. Je suis vraiment excité à l'idée de voir votre poitrine rouler les lignes parce que je pense que c'est comme une écriture manuscrite. Tout le monde a l'air un peu différent, alors veuillez publier votre feuille d'entraînement dans le projet de classe, vous pouvez expérimenter l' épaisseur et la forme, densité et la pression, la texture et vitesse. [MUSIQUE] Je n'ai deux couleurs au choix qui restent de ma palette de couleurs. Je n'ai pas aimé l'orange dans ma feuille d'exercices de palette de couleurs, mais je prends une photo et je regarde les valeurs quand même. Mais comme je l'ai déjà remarqué dans moins de neuf ans, l'orange a une valeur très similaire celle du vert et du turquoise, il n'est donc pas logique de l'utiliser pour les lignes texturales sur exactement ces couleurs, J'ai donc décidé d'utiliser Baige. Avant de mettre les lignes sur papier, je les visualise et je m'entraîne quelques fois en l'air, puis je respire profondément et je le fais simplement. J'ai essayé de passer principalement sur les zones sombres de l' image où l'on peut très bien voir la baige pour trouver le meilleur endroit pour mes lignes, je prends d'abord une photo et je la passe en noir et blanc. J'ai déjà une bonne distribution de valeur mais surtout au milieu de la première photo, tout est à peu près le même gris moyen. C'est là qu'une ligne légère aurait fière allure. À l'origine, j'avais l'intention d'utiliser du noir sur ma ligne, mais je n'obtiendrais pas un très bon contraste à de nombreux endroits, alors j'utiliserai le blanc pour ajouter une ligne intéressante dans la zone rose rouge et enregistrer le noir pour le collage. Je visualise et je pratique nouveau la ligne en l'air, puis je pose la marque sur le papier et si la direction ne se sent pas si bien, je fais juste pivoter mon papier pour qu'il soit fluide. Bien que cette ligne soit très subtile, je l'aime beaucoup. Est-ce que tout s'est bien passé ? Ces lignes sont souvent bonnes pour les surprises. J'ai hâte de voir votre résultat de toute façon, alors prenez une photo de cette couche et téléchargez-la dans votre projet de classe. Dans la prochaine leçon, nous allons analyser nos peintures en termes de contraste de valeur et voir si nous pouvons les améliorer. [MUSIQUE] 16. Collage et composition: Nous avons créé de nombreux intérêts visuels à l'heure actuelle, et cela vient principalement du jeu avec le contraste. Contraste entre impulsif et contrôlé, entre les arêtes rugueuses et les bords clairs, grands et petits, nombreux et rares, transparents et opaques. L'ajout d'éléments de collage est totalement facultatif. Vous pouvez tout aussi bien ajouter un motif ou plus de peinture avec votre couteau à palette. Peut-être que vos peintures sont déjà terminées et que vous pouvez sauter complètement cette étape. Il est également bon de savoir quand s'arrêter. [MUSIQUE] Quand j' aime déjà beaucoup peindre, je suis plus prudent avec chaque couche. Parfois, une insécurité soudaine surgit. La peur de prendre une mauvaise décision que je ne peux pas annuler. collage est un excellent moyen de lutter contre cette peur de commettre une erreur, car tant que vous ne l'avez pas collé, ce n'est pas définitif, et vous pouvez déplacer des éléments et essayer ce qui a l'air beau et quoi ? n'est pas [MUSIQUE]. Maintenant, prenons du recul et regardons chacune des pièces. J'utilise mon viseur pour avoir une zone calme autour d'eux et mon téléphone ou ma tablette pour prendre une photo et regarder les valeurs en noir et blanc [MUSIQUE]. Maintenant, je fais attention à l'endroit où mon œil va et à la façon dont il se déplace dans l'image. Il s'agit des zones présentant un contraste de valeur le plus élevé. Je peux ajouter des éléments plus clairs ou plus sombres là où mes yeux ne sont pas tellement allés. Si je dois mettre cette petite arche ici, l'œil sera attiré par cet endroit [MUSIQUE]. Avant de vous montrer comment je continue mon projet, je souhaite partager avec vous trois questions pour vous aider à analyser vos œuvres d'art. Avez-vous plusieurs domaines avec un bon contraste de rapport qualité-prix ? Voulez-vous ajouter ou plutôt couvrir quelque chose ? Quelle taille ou quelle forme n' utilisez-vous pas encore ? Je n'ai toujours pas tout à fait abandonné l'orange, et j'essaie donc de petits morceaux de papier ici. C'est plutôt subjectif, mais je n'aime pas ça. Je pense que l'image a besoin de quelque chose sombre sur un fort contraste de valeur, et ce papier de collage bleu foncé pourrait le faire. Parfois, vous devez modifier votre plan parce que cela ne fonctionne pas comme prévu. Oui, je l'aime beaucoup mieux de cette façon. Vous pouvez également utiliser les éléments de collage pour couvrir des zones comme cette zone fortement texturée ici. Pour déterminer où je pourrais ajouter autre chose, je cherche d'abord des zones à contraste élevé. Mes yeux vont ici, ici, ici et ici, donc vraiment partout sauf peut-être ici. Je pense que quelque chose aurait fière allure dans ce domaine. Je place mon papier de collage ici et déplace jusqu'à ce que j'aime la position. Maintenant, il est temps de tout coller. Si votre brosse a été dans l'eau, vous devez d'abord la sécher afin de ne pas arroser le milieu. J'aime tenir la feuille de papier avec un doigt d'un côté, la soulever, étaler un peu de support mat sous elle, laisser retomber et la recouvrir un milieu mat sur la surface. Ensuite, je fais la même chose avec l'autre moitié. Bien sûr, vous pouvez le faire avec des pièces plus petites. Ensuite, vous devez essayer de placer le papier de collage exactement là où vous le souhaitez, car il est difficile de le déplacer une fois qu'il a touché le support mat ou brillant. J'utilise également le milieu mat comme finition sur mes pastels à l'huile afin qu'ils ne se frottent plus. Attention cependant, lorsque vous utilisez des crayons solubles dans l'eau. Ensuite, vous devez taper le médium très soigneusement et rapidement, car l'humidité qui s'y trouve activera la douleur et la salissera [MUSIQUE]. Lorsque vous avez terminé, il est temps de décoller les bandes. Il est préférable de le faire très lentement. Mais même si vous faites attention, très souvent, vous soulevez une partie de la surface du papier. Si le papier de collage passe par-dessus le ruban adhésif, il faut être très prudent. Quand il est assez fin, vous pouvez le déchirer très lentement. Mais il n'est pas non plus difficile d'utiliser une règle et d'appuyer fermement vers le bas pendant que vous retirez le ruban adhésif. De cette façon, vous pouvez éviter de déchirer l'image. Si la peinture est un peu plus épaisse, je n'essaierais pas de la déchirer. Cela ne fonctionne tout simplement pas très bien avec les peintures élastiques. Dans de telles zones, il est préférable de travailler avec une règle et un couteau utilitaire et de couper soigneusement un peu dans la peinture. Ici, ça fonctionne très bien. Si le ruban se déchire ou que le papier commence à se déchirer, je reprends de l'autre côté. Cela permet généralement d'éviter des dommages plus importants [MUSIQUE]. Il est difficile d'éviter complètement les larmes, mais il y a une chose qui aide ce médium. C'est un excellent papier ici. Il suffit de le brosser sous la déchirure, puis d'une légère pression dessus pour que la couche de papier colle à nouveau ensemble. Vous pouvez également l'appuyer sur n' importe quelle autre zone où les fibres de papier ont été légèrement soulevées. Essayez de savoir dans quelle direction vous devez déplacer la brosse pour descendre au mieux les fibres. Quand il est sec, vous ne verrez presque rien. Félicitations, vous l'avez fait. J'espère que vous êtes satisfait de vos œuvres d'art et j'ai tellement hâte de les voir. Veuillez partager une photo avec moi et les autres étudiants. Si vous n'avez pas encore créé de projet de classe, c'est le moment idéal pour le faire maintenant. Vous pouvez également y poser des questions ou commenter le travail d'autres étudiants. Dans la prochaine leçon, je vais vous donner un bref résumé, quelques idées sur ce que vous pouvez faire avec vos œuvres d'art et sur la façon de continuer à apprendre. On se voit là-bas [MUSIQUE]. 17. Réflexions finales: [MUSIQUE] J'espère que vous avez apprécié ce cours et que vous en avez beaucoup appris. Nous avons parcouru beaucoup de terrain depuis la première étape jusqu'à l'œuvre d'art finie. Récapitons-le. La première partie de la classe portait sur les bases. Nous avons examiné en profondeur notre matériau de travail, les peintures acryliques, étudié leurs propriétés, les avons utilisés dans différentes viscosités et appris les bases du mélange de couleurs. Dans la deuxième partie, nous nous sommes concentrés sur le concept de valeur. Vous avez appris quelle est la valeur tonale, comment la reconnaître dans les couleurs et à quel point les contrastes de valeur sont importants pour une image réussie. Enfin, vous avez utilisé ces connaissances pour créer une palette de couleurs pour votre projet de classe. La troisième partie de la classe était consacrée au projet de classe. Au début, nous avons préparé notre article, parlé de travailler en série et de peindre en couches. Ensuite, nous avons examiné la variété des marques que nous pouvons réaliser avec différents outils de peinture. Vous avez pratiqué chacun de ces repères et travaillé sur votre projet de classe couche par couche. Au cours du processus, vous avez apporté beaucoup de contraste avec les peintures, une part par l' utilisation de la valeur tonale, d'autre part, à travers les marques et les outils que vous avez utilisés. Enfin, nous avons analysé nos œuvres en termes de contraste de valeur et avons terminé le design avec des éléments de collage. [MUSIQUE] Dans ce cours, vous avez acquis de nombreuses connaissances de base. Ce que je vous ai montré est un bon point de départ pour d'autres expériences. Vous pouvez essayer des traits et dégradés multicolores, arrière-plans colorés, différents papiers de collage ou même des objets de tous les jours comme des éponges, des matériaux d'emballage ou des outils de cuisine pour faire des marques et comme je le montre dans un autre de mes cours. Si vous aimez ce cours, vous pouvez également profiter de ces cours. N'hésitez pas à cliquer sur mon nom, et c'est mon profil. N'oubliez pas non plus de cliquer sur le bouton « Suivre » pour que vous soyez averti lorsque je publie une nouvelle classe. Si vous avez des questions, vous pouvez les publier dans la section Discussion, je ferai de mon mieux pour y répondre. Que dois-je faire de mes œuvres d'art ? Les tableaux sont particulièrement beaux lorsqu' ils obtiennent également un passeport et le cadre. Que ce soit dans la bibliothèque, sur le mur ou sur le lieu de travail, ces petites œuvres d'art font toujours un grand regard. Vous pouvez également leur ajouter des citations inspirantes ou les utiliser comme cartes de vœux, peut-être qu'elles vous inspirent même à faire beaucoup d'œuvres d'art, ou vous en faites un projet de 100 jours que vous partager sur les réseaux sociaux comme je l'ai fait. chose la plus importante que vous devez retirer de ce cours est la joie de peindre et d'expérimenter ludiquement. Le jeu est très important pour la créativité. Lorsque vous jouez, vous n'avez pas de résultat en tête, vous ne mettez pas de pression sur vous-même et vous êtes ouvert à l' abondance de possibilités. J'espère que vous avez apprécié ce cours et qu'il vous a donné envie de créer vos propres œuvres d'art abstraites. Si cela vous a plu, j'aimerais que vous laissiez un commentaire et n' oubliez pas de télécharger vos projets de cours que nous puissions tous admirer votre travail. Si vous partagez votre projet sur les réseaux sociaux, vous pouvez me marquer sur cornelia_zb_design. Je suis content que vous ayez rejoint moi. Merci d'avoir regardé et de participer. voit la prochaine fois. [MUSIQUE]