La maîtrise de l'eau : exploiter le pouvoir de l'eau dans les aquarelles

1. Introduction: [ MUSIQUE] Le contrôle de l'eau est l' un des concepts les plus difficiles à expliquer ou à enseigner en ce qui concerne les aquarelles. Mais c'est aussi peut-être la compétence la plus précieuse que l'on puisse apprendre sur le médium. C' est le fondement absolu de la peinture à l'aquarelle car toutes nos valeurs et notre luminosité ou leur manque, sont dérivées de notre capacité à guider l'eau travers le papier efficacement et avec but. En fait, j'ai moi-même dit avant que je passe souvent plus de temps à peindre avec de l'eau qu'avec des pigments réels. Bonjour à tous et bienvenue à la maîtrise du contrôle de l'eau. Exploitez la puissance de l'eau dans les aquarelles. m'appelle Denise Soden et je suis une coloriste de l'eau à temps plein et créatrice de contenu éducatif. J' ai toujours été le type artistique, et il y a plusieurs années, je suis complètement tombé tête par-dessus les talons avec de la peinture à l'aquarelle. Associé à mes antécédents professionnels et à mon éducation environnementale, j'ai changé l'orientation de ma carrière il y a quatre ans. Je crée maintenant des critiques détaillées et des ressources pigmentaires sur YouTube, des tutoriels sur la faune en temps réel sur Patreon, et des cours détaillés ici sur Skillshare explorant ma fascination pour ce médium incroyable. Je détesterais commencer une classe en disant simplement que ce n'est pas vraiment une compétence qui est enseignée mais plutôt apprise au fil du temps et de l'expérience avec vos fournitures, mais la vérité soit dit, c'est ce que la plupart des coloristes aqueux, y compris moi-même, répondre à cette question. Le contrôle de l'eau est en fin de compte un sentiment et une relation entre vous et vos approvisionnements qui prendront du temps pour saisir et exploiter pleinement au fur et à mesure que vous vous déplacez dans ce voyage. Cependant, j'ai passé ces dernières années à essayer de comprendre comment aborder ce sujet complexe et j'ai passé les derniers mois à travailler très dur sur cette classe, à essayer de faire l'exercice le plus utile comme possible de vous faire démarrer avec cette relation. Nous apprendrons comment les fournitures que nous utilisons affectent nos peintures à l'aquarelle, comment peindre des lavages plats et gradués, comment contrôler les valeurs en combinaison avec le blanc du papier et comment émailler efficacement. À la fin de ce cours, vous aurez une meilleure maîtrise de ces compétences que vous pourrez ensuite appliquer à notre peinture de projet de classe, puis à travers le monde pendant que vous vous déplacez avec votre voyage à l'aquarelle. J' espère sincèrement que les leçons de cette classe seront à la hauteur vos attentes et aideront à démystifier ce sujet compliqué. Bien que cela prendra votre temps, dévouement et votre patience à maîtriser, j'ai hâte de voir ce que vous créez dans cette classe. 2. Aperçu des matériaux: Ce cours consacrera beaucoup de temps à examiner chacun de nos approvisionnements individuellement et à discuter de leur impact sur le contrôle de l'eau. Pour cette raison, nous ne passerons pas une tonne de temps à parler de nos matériaux ici, mais je vais les énumérer afin que vous puissiez préparer votre espace de travail. Vous aurez besoin d'un couple de pinceaux aquarelle traditionnels et je dis traditionnel par opposition aux brosses eau qui tiennent l'eau dans la poignée car ce serait un sujet pour une classe différente ou peut-être une partie deux de celui-ci. Je recommanderais au moins une taille huit et une taille deux ronde si vous n'avez rien d'autre à faire ou quelque chose de similaire basé sur ce que vous aimez utiliser. Vous aurez également besoin de peintures à l'eau. Pour cette classe, la qualité ou le type n'a pas vraiment d'importance. Nous vous expliquerons plus à ce sujet en quelques instants, mais si vous souhaitez plus d'informations sur vos pigments et peintures aquarelles, allez de l'avant et consultez mes classes de mixage aquarelle et de création de palettes ici sur Skillshare. Vous aurez besoin de papier aquarelle et nous parlerons plus de cellulose contre coton, etc quand nous y arriverons, mais je ne recommande vraiment pas d'utiliser quoi moins que du papier aquarelle car les leçons que nous allons couvrir seront plutôt perdu sur d'autres types de médias mixtes ou de papiers plus minces. Vous aurez besoin de deux récipients d'eau, un pour l'eau propre et l'autre pour l'eau de rinçage sale, d' un chiffon propre et réutilisable pour effacer vos brosses, d'une planche pour coller votre papier si vous le souhaitez, ainsi que d'un masquage pour le faire. Cependant, les deux sont complètement facultatifs selon la façon dont vous préférez travailler. Cette classe a également un ensemble de feuilles de calcul que vous pouvez trouver dans l'onglet Projets et ressources sous cette vidéo. Ils sont techniquement facultatifs, vous pouvez tout libre main si vous voulez, mais vous avez également la possibilité d'imprimer ces feuilles de calcul directement sur un papier Aquarelle. Si vous avez une imprimante qui peut le faire, ou vous pouvez imprimer les feuilles et les tracer sur votre papier Aquarelle avec la méthode que vous préférez. Si vous allez traquer ou remettre gratuitement vos feuilles de calcul, vous aurez besoin d'un crayon ou d'une encre imperméable à l'eau pour le faire. Vous pouvez trouver un lien de recommandations de produits de classe dans ma boutique Amazon à l'aide d'un lien dans la section Projets et ressources sous cette vidéo [MUSIC]. 3. Comment les peintures affectent le contrôle de l'eau: Avant de commencer à parler des sources directes de contrôle de l'eau, parlons d'abord de nos peintures à l'aquarelle. Comme je l'ai dit dans la section sur les matériaux de cette classe, vous n'êtes pas tenu d'avoir une marque ou un type d'aquarelle en particulier, mais il y a certaines choses dont vous devriez être conscient en fonction de ce que vous utilisez. Certaines aquarelles préfèrent seulement travailler à partir de tubes de peinture frais, tandis que d'autres insistent sur le fait que les casseroles sont beaucoup plus faciles à travailler. Cela dépend en fin de compte de la discrétion personnelle et de la façon dont vous peignez ainsi que de la taille de votre travail aura un impact sur vos préférences. Pour les débutants, je recommande de travailler à partir de casseroles séchées pour quelques raisons différentes. Il est plus facile de contrôler la quantité de pigment que vous ajoutez à votre eau, et il est également plus facile de garder vos casseroles non contaminées d'autres couleurs. Vous produirez moins de déchets de peinture si vous êtes prêt à travailler avec du pigment séché et que vous pouvez rémouiller tout ce qui sèche sur votre palais. Les artistes qui ont un peu plus d'expérience dans tous ces domaines peuvent choisir de travailler plutôt avec l'onctuosité des peintures à tubes fraîches. Si vous peignez en grand format, il est également beaucoup plus facile de mélanger de grandes quantités de peinture en versant de la peinture fraîche du tube et en les mélangeant dans de grands puits. Cela permettra d'économiser beaucoup de temps et d'efforts, plutôt que d'essayer de rémouiller de grandes quantités de votre peinture de poêle séchée. aquarelles sont faites à partir de pigments, gomme arabique, qui lie le pigment au papier et une variété d' autres ingrédients qui dépendent de chaque marque préférence pour leurs propres formules uniques. Deux types d'additifs communs sont les humectants et les agents fluides. humectants comme le miel ou la glycérine, permettent aux peintures d'attirer l'humidité de l'air. marques qui utilisent du miel en particulier comme M Graham et [inaudible] ont tendance à rester plus humides même dans une casserole sèche que les autres marques qui n'utilisent pas de miel comme Daniel Smith. La raison pour laquelle cela est important dans notre discussion sur le contrôle de l'eau est qu'il aura un impact sur la quantité d'eau que vous devez utiliser pour ramasser physiquement la peinture sur votre pinceau. En général, dans la peinture à l'aquarelle, vous devrez également ajouter plus d'eau au papier si vous voulez que vos peintures s'étalent plus loin sur la surface. Certaines marques ou certains pigments sont réticents à se déplacer seuls, donc vous devrez peut-être mettre plus d'eau sur le papier que vous ne voudriez normalement simplement pour créer un effet fluide. Ajouter autant d'eau peut diluer ou désaturer vos couleurs, sorte que certaines marques choisissent d'utiliser un agent fluide pour faciliter le processus. Des agents fluides comme la galle de boeuf ou la galle synthétique de boeuf peuvent être ajoutés à la peinture pour aider à augmenter la vitesse de la peinture qui circule sur votre papier humide. Des marques comme [inaudible] et [inaudible] sont connues pour certains de ces composants dans leurs formules et ont peintures qui dansent à travers la page avec moins d'effort et moins d'eau que d'autres marques, gardant leurs peintures très lumineuses dans le processus. Que vous souhaitiez que vos peintures bougent ou restent en place, c'est entièrement à l'artiste individuel, mais gardez à l'esprit que ces facteurs peuvent influer sur votre relation avec le contrôle de l'eau. En général, les peintures de qualité étudiante contiennent le dernier pigment global par rapport aux peintures professionnelles de la même couleur. C' est pourquoi les marques étudiantes peuvent se voir offrir des points de prix moins chers puisque les pigments sont généralement l'ingrédient le plus cher dans une peinture. Si une peinture ne contient pas autant de pigment , qu'est-ce qui explique le volume supplémentaire de peinture dans les marques étudiantes ? Les peintures de qualité étudiante peuvent contenir plus de liant, de glycérine ou d'autres charges incolores dans leurs formules. L' ajout excessif de liant ou de glycérine peut faire sécher les peintures sur votre papier avec une surface brillante, une qualité qui n'est généralement pas considérée comme souhaitable dans les aquarelles. Ajouter trop de charges incolores peut faire apparaître ces peintures calcaire, pas non plus quelque chose que la plupart des gens veulent de leurs peintures. Bien sûr, vous pouvez toujours créer de belles œuvres d'art en utilisant des peintures de qualité étudiante, mais connaître ces aspects des peintures vous aidera à mieux comprendre la relation avec le contrôle de l'eau. Tant que nous nous préparons avec ces connaissances, nous pourrons combattre ces obstacles potentiels et aller de l'avant. Pour les exercices de classe que nous allons faire dans un petit peu, j'ai choisi d'utiliser les aquarelles Da Vinci. Ils sont une marque de peinture professionnelle abordable si vous vivez aux États-Unis. Ils ne contiennent pas de miel, mais ils rémouillent encore décemment bien, et la peinture dispersent une quantité modérée, mais pas trop. J' ai pensé qu'il y avait un juste milieu pour tous ces facteurs, et je vais aussi les utiliser à partir de peintures séchées car c'est fois ma préférence personnelle et nous allons travailler sur des formats plus petits. 4. Comment les pinceaux affectent le contrôle de l'eau: La principale méthode d'ajout ou de retrait de l'eau d'un espace de travail est l'utilisation d'un pinceau, ce qui sera probablement l'un des facteurs les plus importants à prendre en considération lors de l'apprentissage du contrôle de l'eau. Dans cette classe, j'utiliserai les pinceaux ronds comme exemples principaux, mais les mêmes concepts peuvent être appliqués à n'importe quelle forme de pinceau. La première évaluation générale que nous devrions faire lorsque nous considérons un pinceau est sa taille. Comme le bon sens le dicterait, les pinceaux plus gros contiennent plus d'eau et plus de peinture, tandis que les pinceaux plus petits en tiennent moins. Si vous avez besoin d'une grande surface couverte comme un grand lavage de ciel, des brosses plus grandes seront plus faciles à accomplir cette tâche. Non seulement parce qu'il est physiquement plus grand et peut donc couvrir plus d'espace, mais aussi parce qu'en tenant plus d'eau la grande brosse aura besoin de moins de trajets vers notre palette pour le recharger, ce qui se traduit par un mais aussi parce qu'en tenant plus d'eau, la grande brosse aura besoin de moins de trajets vers notre palette pour le recharger, ce qui se traduit par un lavage strié dans l'ensemble. À l'envers, on peut utiliser un pinceau plus petit pour les détails fins. Certains pinceaux plus grands sont parfaitement capables de faire de petites marques sur votre papier. Mais selon le pinceau, certains pourraient être enclins à distribuer plus d'eau que d'autres. Cela dans un si petit espace peut causer un aspect indésirable ou prendre trop de temps pour que votre goût sèche. Le prochain facteur à considérer est le type de fibre. Les principaux termes que vous entendrez probablement pour cette discussion sont synthétiques ou naturels. Cependant, cela va un peu plus profond que cela. Commençons par des pinceaux à cheveux naturels. Les deux types de cheveux naturels les plus populaires dans la peinture à l' aquarelle sont spécifiquement la sable et l'écureuil. pinceaux de sable sont doux, solides, arrivent à un point très fin, et fournissent une quantité décente de printemps ou en d'autres termes, il peut très bien conserver sa forme si elle est poussée. Les brosses écureuils ont des poils extrêmement fins qui sont souvent encore plus doux que Sables et sont couramment utilisées pour fabriquer des pinceaux et des piquants. Ce type de brosse n'a pas beaucoup apporter du tout, ce qui signifie qu'il peut flotter et perdre sa forme, mais il tient une énorme quantité d'eau. Les pinceaux synthétiques les plus courants susceptibles d'être disponibles dans votre magasin d'art local sont faits de taklon, une fibre synthétique de polyester que l'on trouve dans Artis et les pinceaux de maquillage. Les pinceaux Artis en taklon, peuvent être blancs ou dorés et sont généralement, un peu plus raides que l'une des brosses à cheveux naturelles que j'ai mentionnées. Ce matériau est extrêmement résistant aux dommages et résiste bien aux artistes qui sont un peu plus rugueux sur leurs brosses, mais ils retiennent moins d'eau sur tout. Ils sont également l'option la plus abordable par une assez grande marge. Ensuite, il y a des brosses synthétiques qui sont faites pour imiter les cheveux naturels tels que stable ou écureuil. Ces progrès ne cessent de s'améliorer au fil des ans au fur et à mesure des progrès techniques. Un exemple de brosse à écureuil purement synthétique celui que l'on trouve dans la ligne Princeton Neptune. Bien que mes pinceaux préférés personnels, sont ceux de cette ligne de velours noir brosse argent, qui sont fabriqués à partir de mélanges écureuil et de rouleaux synthétiques. Je trouve le meilleur des deux mondes ici, même si ce sont des pinceaux extrêmement doux et pourraient ne pas être préférés par les débutants. La taille et le type de fibre détermineront combien une brosse capable de tenir. Mais que signifie cette capacité en termes de peinture ? Pour cela, nous devrions prendre un moment et regarder brièvement l'action capillaire. Le terme scientifique action capillaire est la capacité d' un liquide à s'écouler dans des espaces étroits sans ou même contre, l'aide de forces supplémentaires telles que la gravité. Cela peut être observé directement si vous touchez un pinceau sec, doucement sur un récipient d'eau et une montre pendant que les fibres aspirent de l'eau entre les poils fins, même contre les forces de gravité et dans le pinceau. Nous n'avons pas à plonger plus loin dans la science de cela. Mais ce que cela signifie essentiellement, c'est qu'une brosse sèche voudra ramasser l'eau soit de votre seau à eau ou d'un morceau de papier humide. Dans la direction opposée, une brosse complètement saturée voudra déposer de l'eau sur une surface sèche ou humide, comme un morceau de papier aquarelle ou une serviette en papier. Ce mouvement d'eau basé sur la saturation de votre pinceau et de votre papier, est le cœur du contrôle de l'eau, dans la peinture aquarelle. Nous pouvons appliquer de grandes quantités d'eau sur le papier sec en saturant complètement, une brosse très soif et en répandant l'eau sur la surface du papier en une ou plusieurs charges de brosse selon les besoins. Si nous nous trouvons avec trop d'eau sur notre papier, nous pouvons également sécher notre brosse sur une serviette propre et toucher la brosse assoiffée sur la surface du papier humide et la brosse va encore une fois, absorber autant d'eau qu'elle est capable de tenir. Vous pouvez répéter ce processus autant de fois nécessaire jusqu'à ce que vous ayez supprimé la quantité désirée. Une autre petite remarque est que votre brosse peut se transformer en un récipient d'eau involontaire, si nous ne faisons pas attention. La section métallique de votre brosse, appelée virole, peut recueillir des gouttes d'eau chaque fois que vous allez rincer votre brosse. Bien que cela ne pose pas de problème sur les grandes brosses avec une plus grande capacité d'eau, vous voudrez surveiller cela lorsque vous utilisez de petites brosses dans des zones détaillées, que la goutte d'eau peut succomber à la gravité et tomber dans votre brosse avec le petit soies étant incapables de tenir l'eau supplémentaire et de tomber sur votre papier. Cela a ruiné beaucoup de détails de mon époque. Alors assurez-vous de garder un œil sur ces gouttes d'eau sur vos virole. Si vous rencontrez ce problème, vous pouvez utiliser votre serviette pour essuyer soigneusement tout excès d'eau sur la virole, pointe bonus que vous pouvez également utiliser cette petite astuce pour enlever tout excès d'eau du haut de vos fibres de brosse trop. Si vous avez un pinceau chargé et que vous ne voulez pas gaspiller le pigment, mais que vous voulez qu'il y ait moins d'eau, vous pouvez évacuer l'eau en touchant une serviette sur le bord supérieur des fibres, plutôt que sur la pointe de la brosse. Pour ce cours, vous pouvez utiliser ce que vous avez en main, mais n'hésitez pas à vous référer à cette information pour faire des évaluations sur les outils et peut-être identifier ce que vous faites ou n'aimez pas à propos de vos brosses actuelles. [ MUSIQUE]. 5. Comment le papier affecte le contrôle de l'eau: Pendant les années d'enseignement aux enfants et aux adultes, en personne, il était fréquent de voir les élèves essayer d'utiliser des aquarelles avec trop peu d'eau, souvent provenant d'autres milieux comme les huiles ou les acryliques. Il semble y avoir une tendance naturelle à essayer de les utiliser comme un de ces autres médiums. Cependant, les aquarelles sont uniques et les approcher de cette façon pourrait vous priver de voir leur vraie beauté à glisser à travers la page avec facilité dans une suspension d'eau. l'autre côté, bien sûr, il y a aussi quelques nouveaux arrivants qui pourraient rencontrer le problème inverse. L' utilisation d'une trop grande quantité d'eau peut causer des problèmes tels fleurs ou la floraison des couleurs tandis que le papier sèche uniformément et presse des anneaux sombres de pigment autour de l'extérieur d'un lavage. Dans cette section de la classe, nous allons parler de l'importance de votre papier aquarelle, comment son type peut affecter la façon dont il absorbe l'eau et la couleur de l'eau, et comment reconnaître les différentes étapes de séchage. Ce ne sera pas une analyse entièrement approfondie du papier aquarelle car cela a assez d'informations pour être sa propre classe. Nous aborderons les sujets importants en ce qui concerne le contrôle de l'eau. La plus grande considération que vous aurez à décider si vous utilisez du papier de cellulose ou du papier de coton. Le papier cellulose est fabriqué à partir de pâte de bois, qui est naturellement moins absorbant que le papier fabriqué à partir de 100% coton. Comme la cellulose est moins absorbante, vous pouvez imaginer que l'eau aura tendance à s' asseoir sur le papier plutôt que de s'enfoncer immédiatement. Au fil du temps, il va soit absorber dans le papier et s'évaporer. Mais cette méthode de séchage est assez différente des papiers de meilleure qualité qui sont fabriqués à partir de coton. Ils laisseront plus de pigments sur la surface du papier plutôt qu'à l'intérieur de ses fibres. Bien qu'il soit absolument possible de créer de merveilleuses œuvres d'art sur cette surface, et certaines personnes pourraient même le préférer. Il est important de savoir que vous allez prendre différentes habitudes, même si inconsciemment pour faire face à cette méthode de peinture. Les papiers de coton, en revanche, ont tendance à absorber l'eau et les pigments plus facilement et uniformément. À mon avis, qui est partagé par beaucoup d'autres artistes professionnels. Peindre avec du papier de coton est un processus beaucoup plus intuitif et plus facile à gérer. Par conséquent, si vous essayez de décider laquelle de vos fournitures à mettre à niveau, je vous recommande de commencer ici. Dans ce clip que vous regardez ces échantillons d'aquarelle ont été peints avec la même quantité de pigment sur la même quantité de temps de séchage. Vous pouvez voir qu'il y a une grande différence entre la façon dont les résultats finaux ressemblent entre les papiers de cellulose et de coton à la fois dans leur texture et dans leur dynamisme. La prochaine décision à prendre à propos de votre papier est le type de surface. Le type de défaut dans un papier aquarelle est une presse à froid ou non, ce qui signifie une presse non chaude. Cette surface a une texture légère à modérée qui peut varier en fonction de la marque. La légère dent permet au papier de mieux saisir l'eau et le pigment, fournit des rainures pour la granulation pour s'installer le cas échéant, et a tendance à rester amorti un peu plus longtemps, ce qui permet aux artistes plus de temps pour peindre en sorte de désordre avec chacun de leurs lavages. C' est ma texture préférée et celle que je recommanderais pour presque tous les débutants. Le papier de presse à chaud a une surface lisse et un voir principalement utilisé pour les portraits ainsi que certains travaux floraux. Le papier presse à chaud sèche généralement plus rapidement que la presse à froid, vous aurez donc moins de temps pour travailler avec un lavage humide, mais les lavages sèchent également plus rapidement entre les couches. Si c'est le style dans lequel vous préférez travailler, c'est beaucoup moins indulgent que la presse à froid en termes de la façon dont vos lavages sèchent. Je ne le recommanderais que pour un coloriste d'eau plus avancé. Il y a aussi une troisième surface appelée « rugueuse ». Cela a encore plus de texture qu'une presse froide, mais est beaucoup moins commun. Cette texture convient le mieux aux pièces très texturées. Sans surprise, où l'artiste veut conserver l'aspect du papier, même à travers les peintures. Les papiers d'aquarelle viennent de différentes manières, mais les plus courants sont 90 livres ou 185 GS M, 140 livres ou 300 GS M, et 300 livres ou 640 GS M. Je recommande un 140 livres pour la plupart des applications à usage général. 90 livres est un papier plus léger qui ne peut pas manipuler autant d'eau et se trouve souvent dans les cahiers de croquis à l'aquarelle. C' est peut-être une option plus rentable pour les artistes qui sont exceptionnellement légers avec la quantité d'eau qu'ils utilisent ou bon pour la pratique, mais sachez que le papier va probablement se boucler. papier de 300 livres, qui est environ deux fois plus robuste qu'un papier de 140 livres, est capable d'absorber beaucoup d'eau et résistera à peu près à ce que vous jetez dessus. C' est, cependant, très cher, donc je réserve cette option pour des pièces vraiment polies ou si l'argent n'est pas un facteur dans l'achat de vos fournitures d'art. Pour ce cours, j'utiliserai un papier aquarelle de 140 livres, ce qui est très omniprésent et c'est celui que j'utilise le plus souvent. Je tiens également à ajouter cela pour n'importe quel poids de papier. Vous pouvez faire quelque chose appelé étirer votre papier aquarelle, qui est un processus qui implique de l'eau, votre papier, une planche, et soit des agrafes ou du ruban adhésif gommé d'artiste. Cela permet à votre papier de sécher, flatter et de boucler moins pendant que vous êtes dans le processus de peinture, mais ce n'est pas quelque chose dans lequel je suis un expert, donc je vous recommande de trouver un autre tutoriel, notre classe, si c'est quelque chose qui vous intéresse à apprendre à faire. Aucun des exercices que nous faisons aujourd'hui dans cette classe ne l'exigera. La dernière chose dans cette section que je veux aborder ou les différentes étapes de séchage et quand il est ou n'est pas sûr d'ajouter des coups de pinceau supplémentaires à une zone donnée. Lorsque vous posez la brosse AGC pour la première fois, le papier sera évidemment assez humide. Pendant ce temps, vous pouvez continuer à ajouter à la fois de la peinture dans l'eau à un lavage et ils continueront à couler et à se mélanger librement. Vous pouvez continuer à ajouter plus de peinture et d'eau cette façon jusqu'à ce que l'eau commence à absorber dans le papier, laissant une brillance modérée que sans eau surélevée au-dessus de la page. Quand il atteint ce stade, vous pouvez ajouter un peu plus de peinture dans l'eau, mais vous devriez le faire avec parcimonie et d'une manière beaucoup plus conservatrice. Une fois que le lavage commence à perdre son éclat, nous marchons une ligne très fine. Vous pouvez ajouter des séchoirs de peinture avec peu ou pas d'eau et le lavage va ramollir ces bords. Cependant, si vous introduisez de l'eau pendant cette étape, fleurs commenceront à se former une fois que le papier n'a plus l'air humide ou même humide, mais il est toujours frais au toucher. Nous avons officiellement atteint la zone de danger et il est temps de procéder à une approche « mains libres ». Vous ne voulez pas toucher cette zone avec un pinceau jusqu'à ce qu'elle soit complètement sèche, moins que vous ne vouliez spécifiquement créer des fleurs, explorera la création et la prévention des fleurs un peu plus tard dans la classe. Une fois que vous avez le papier complètement séché et qu'il n'est plus frais au toucher, vous pouvez glaçage et une nouvelle couche en toute sécurité sans risque de floraison. 6. Comment l'environnement affecte le contrôle de l'eau: Avant de commencer nos exercices de classe, il y a une autre chose que je voulais juste jeter là-bas, c'est que nous vivons tous dans des environnements et des climats différents. Les facteurs environnementaux jouent un rôle important dans rapidité du séchage de l'espace de travail et je ne parle pas seulement de votre papier, mais aussi de vos pantalons et de vos palettes. Si vous vivez dans un climat sec ou peut-être que c'est l'hiver et que votre appareil de chauffage fonctionne tout le temps ou comme je suis maintenant dans le centre du Texas été avec les ventilateurs qui courent constamment, votre espace de travail pourrait se dessécher plus rapidement que ceux qui vivent dans des environnements humides. Cela signifie que vous devrez constamment ajouter plus d'eau à tous vos plans de travail afin d'obtenir les mêmes résultats que vivent dans l'un de ces climats plus tropicaux. l'autre côté, si vous vivez dans un endroit très tropical, vous allez vouloir faire attention à ne pas ajouter trop d'eau à votre palette et à votre papier. Ils vont prendre beaucoup de temps à sécher, couleurs peuvent être lavées si vous n'êtes pas trop prudent, et sur votre palette, vous pourriez également courir le risque de croissance de moisissures. Dans tous les cas, vous voudrez vous assurer que vous laissez sécher vos palettes entre les utilisations, et en général, vous devrez laisser plus de temps pour que vos couches sèchent entre les lavages. Pour référence pendant que vous regardez ce cours pour vous faire savoir ce que mon environnement est au milieu de l'été Central Texas, comme je l'ai mentionné, mon espace d'art reste généralement entre 76 et 80 degrés Fahrenheit et c'est généralement autour 50% d'humidité avec un ventilateur fonctionnant tout le temps. Bien que je ne puisse pas reproduire cet environnement exact pour vous et votre maison, cela vous donnera au moins une base de ce que je travaille et pourquoi il pourrait y avoir quelque chose d'un peu différent dans votre propre espace. 7. Exercice 1 : Méthodes d'application: Bienvenue à l'exercice de première classe. Comme je l'ai mentionné dans la section des matériaux, cette classe comprend cinq feuilles de travail d'exercices qui sont facultatives à imprimer et se trouvent dans la section des ressources sous la classe. Vous êtes plus que bienvenus à suivre en donnant gratuitement ces leçons. Mais pour ceux d'entre vous qui veulent quelque chose qui a été plus poli, vous pouvez utiliser les feuilles de calcul. Si vous avez une imprimante qui utilise de l'encre pigmentaire au lieu de colorant et peut imprimer sur du papier aquarelle, ce sera bien sûr l'option la plus simple. Cependant, je n'ai pas d'imprimante comme ça, donc j'ai imprimé mes feuilles de calcul sur du papier d'imprimante ordinaire, puis je les ai saisies de nouveau dans du papier aquarelle à l'aide d'une tablette légère. tablettes légères ou les boîtes lumineuses sont un excellent moyen de transférer l' art au trait pour de nombreux besoins d'aquarelle en général. Donc, si vous êtes intéressé à en ramasser un, j'ai lié le mien dans la liste d'approvisionnement de classe Amazon. Cependant, ce n'est pas le seul moyen de transférer une image. Si vous avez une fenêtre lumineuse, vous pouvez simplement l'utiliser ou vous pouvez même aller plus loin dans nos méthodes de la vieille école et utiliser du papier de transfert ou un frottement de graphite. Mais ce n'est pas une classe sur le transfert d'images. Alors passons à notre premier exercice. Dans cette première leçon, nous explorerons les différentes façons de mettre de la peinture sur papier. Dans la première boîte, on va peindre une peinture humide sur du papier sec. Vous voulez que la consistance soit suffisamment humide pour glisser sur le papier facilement, mais pas si humide qu'elle soit dans une flaque d'eau. Dans la deuxième boîte, nous allons utiliser une peinture sèche sur un papier sec, ce qui va nous donner quelque chose qu'on appelle un effet pinceau sec. Ce n'est pas une texture que vous allez utiliser tout le temps, mais c'est idéal pour ajouter de la texture en détail à certaines de vos couches de finition sur une peinture. La troisième boîte est la peinture humide sur papier humide. Maintenant, même si je ne l'utilise pas très souvent, c'est très commun dans le monde de l'aquarelle et beaucoup de peintres abstraits ou de la flore peuvent mettre en œuvre cette technique. Vous allez mouiller toute la boîte avec de l'eau avant d' y apporter de la peinture et ensuite vous allez utiliser la même consistance de peinture que vous avez utilisée de la première boîte et la mettre dans celle-ci. Cela va laisser les peintures couler assez follement autour de cette boîte et vous allez perdre beaucoup de contrôle. L' une des grandes choses de cette méthode est qu'elle laisse vraiment les aquarelles être aquarelles. Dans le quatrième carré, nous allons à nouveau mouiller la boîte avec de l'eau et cette fois, nous allons utiliser la consistance de la peinture de la deuxième boîte, en utilisant une peinture de consistance sécheuse sur un papier humide permettra toujours à la peinture de se diffuser, mais il va rester dans une zone plus centralisée. Cela peut être génial si vous voulez toujours avoir la belle texture fleurie d'un lavage humide et humide avec un peu plus de contrôle. Dans la cinquième boîte, nous allons faire quelque chose qui s'appelle ramollir. Nous allons encore mettre de la peinture humide sur du papier sec, puis nous allons créer un lavage gradué essentiellement en ajoutant de l'eau à l'extrémité arrière de cette zone. J' ai mentionné plus tôt qu'une peinture humide sur papier sec est ce que j'utilise le plus souvent, mais j'utilise aussi cela en conjonction avec cette méthode. En ajoutant de l'eau après que le patient est déjà sur la page, je trouve que j'ai beaucoup plus de contrôle sur l'endroit où je mets la peinture et c'est ma technique d'application préférée. Vous pouvez faire cet exercice une fois ou autant de fois que vous le souhaitez pour vous mettre à aise avec les différentes méthodes avant de continuer à l'exercice deux. 8. Exercice 2 : Les aplats: Dans notre deuxième exercice, nous allons nous entraîner à peindre des lavages plats avec une variété de pinceaux différents et avec différentes techniques d'application. Un lavage plat est un lavage uniforme sur toute la surface, idéalement sans stries ni fleurs. Tout d'abord, commencez par choisir vos pinceaux. Pour cet exercice, j'aimerais que vous choisissiez au moins une grande brosse et une petite brosse. Ensuite, les trois autres peuvent être différentes tailles, formes ou fibres selon ce que vous avez sous la main et ce que vous voulez expérimenter. J' ai choisi d'utiliser un mélange d'écureuil et d'écureuil synthétique de Silver Black Velvet et une taille huit ronde, un taklon blanc taille sept ronde, un taklon blanc taille deux ronde, un taklon doré taille quatre pinceau plat, et une brosse plate en velours noir argenté d'un demi-pouce. Vous pouvez écrire les noms des brosses que vous utilisez sur les en-têtes de colonne pour les garder droites. J' utiliserai deux peintures fraîches pour cette démo afin que je puisse mélanger une grande quantité de lavage que j'utiliserai régulièrement sur toute ma feuille de calcul. Bien que je recommande cette méthode si vous avez deux peintures disponibles pour vous, vous pouvez toujours utiliser [inaudible] si c'est ce que vous avez sous la main. Cependant, notez qu'il sera plus difficile de garder les cases cohérentes sur toute la page. C' est un entraînement supplémentaire, non ? rappel, pour toutes ces leçons, j'utilise du papier aquarelle de coton. Si vous utilisez de la cellulose, il sera plus difficile de créer des lavages plats constants, en particulier sur de grandes surfaces. Les deux premières lignes de la feuille de calcul sont étiquetées avec des techniques d'application pour vous. La première rangée sera humide sur sec, tandis que la seconde sera humide sur humide. Nous reviendrons à la troisième rangée et juste un peu. Vous allez utiliser votre première brosse pour ramasser votre lavage et passer d'un bord à l'autre, vous allez amener ce lavage à travers la boîte. Depuis que je suis droitier, je passe de gauche à droite. Mais vous pouvez aussi faire de droite à gauche ou de haut en bas, selon ce qui est le plus facile. Les espaces sur la feuille de calcul sont petits, mais il est important de prendre l'habitude de travailler d' un bord à l'autre dans un lavage plat, car le retour en arrière peut entraîner des fleurs. Vous pouvez passer sur ce petit carré pour égaliser les choses si vous êtes rapidement, mais gardez à l'esprit que les étapes de séchage que j'ai mentionnées plus tôt joueront un rôle. Une fois qu'il commence à sécher, vous devrez le laisser tranquille. Retourner à nouveau provoquera des fleurs. Vous allez continuer à travers la ligne en utilisant vos différents pinceaux. Bien que l'objectif visuel de cette feuille de travail soit relativement cohérent, l'importance de cette leçon n'est pas liée au résultat, mais aux observations sur la façon dont vous êtes différents brosses gèrent cette tâche. Quel brash était le plus facile à utiliser ? Ce qui vous a donné le plus d'ennuis ? Vous pouvez même prendre des notes si vous le souhaitez. Pour la deuxième rangée, nous allons répéter les brosses mais utiliser une technique humide sur humide au lieu d'un mouillé sur sec. pré-mouillage du papier, en particulier pour les grands lavages peut être très utile pour obtenir des lavages plats constants. Cependant, nous devons nous rappeler qu'avec plus d'eau la peinture se penchera vers vouloir être plus diluée. J' ai rencontré cela dans toute la deuxième rangée, ce qui a fait que toute la boîte était légèrement plus légère que ma première. Après avoir terminé les deux rangées et fait vos observations sur les pinceaux et les résultats, j'aimerais que vous choisissiez la technique la plus difficile pour vous et répétez-la dans la troisième rangée. Pour moi, c'était le mouillé sur mouillé. Mais si vous avez du mal à faire couler la peinture à travers du papier sec, vous voudrez peut-être pratiquer un peu plus avec le sec. Vous allez répéter les mêmes étapes que vous avez faites auparavant, mais les modifier un peu pour obtenir, espérons-le, les résultats que vous recherchez cette fois. Si vous peignez dans un format plus grand et que les petits exercices ne sont pas aussi utiles, hésitez pas à utiliser des surfaces beaucoup plus grandes, même des feuilles de papier complètes si vous voulez vous entraîner et faire des lavages plats dans des espaces plus grands. 9. Exercice 3 : Laviss gradués: Pour cet exercice, nous allons pratiquer des lavages gradués. J' ai mentionné ce terme tout à l'heure lorsque nous avons essayé d'adoucir les bords lors de notre premier exercice. En bref, un lavage gradué est un lavage qui passe en douceur de l'obscurité à la lumière ou d'une couleur à l'autre. Ici, nous allons pratiquer le type qui va de l'obscurité ou fortement pigmenté à la lumière avec principalement de l'eau. J' ai créé une feuille d'échantillon avec petit poisson coy que j'utiliserai pour cette démonstration. Vous pouvez choisir toutes les couleurs que vous voulez, mais je recommande d'utiliser une variété de couleurs, y compris celles qui sont naturellement foncées et naturellement claires, je vais vous expliquer un peu plus à mesure que nous allons. Le premier poisson sur lequel je travaille a été peint dans un rouge frais qui est une couleur naturellement vibrante et modérément appréciée. Je vais peindre l'espace des poissons avec une forte concentration de peinture, en m'assurant que le mélange est encore assez humide pour glisser à travers le papier. Une fois que j'arrive aux nageoires avant, je vais rincer ma brosse doucement dans l'eau et avec une brosse légèrement humide commence à tirer une peinture qui est déjà sur mon papier sur le corps du poisson. Je vais répéter ce processus quelques fois pour obtenir un beau gradient lisse et au moment où j' arrive au point où le corps rencontre la queue, ce devrait être un lavage de couleur très pâle. Rinçant ma brosse une dernière fois, je vise à faire la queue comme une lumière que je peux et couler dans le blanc du papier. Le prochain poisson est un jaune chaud et je veux que vous sachiez à quel point cette couleur est légèrement appréciée même à pleine force. Les couleurs claires sont souvent plus difficiles à mesurer lors des lavages gradués ou des études de valeur car il n'y a pas de changement aussi important entre le ton de masse dans le blanc du papier. Vous continuerez le même processus que nous avons fait sur le premier poisson, mais je veux que vous fassiez une attention particulière pour vous assurer que le gradient est perceptible. Le poisson vert est une autre couleur modérément appréciée comme le rouge de sorte que le processus sera similaire, mais la pratique supplémentaire n'est jamais une mauvaise idée. En arrivant au poisson violet, vous remarquerez immédiatement à quel point cette couleur est sombre et son ton de masse est presque noir. Ici, nous allons avoir le problème inverse que nous avons fait avec le jaune. Au lieu d'avoir trop peu d'étapes entre le ton de masse et entièrement teintée, devra faire attention à nous rythme assez bien pour voir différentes étapes de la lumière et de l'obscurité. Le bleu tombe quelque part entre les couleurs modérément et sombres. Maintenant que nous avons eu de l'entraînement avec les deux, nous pouvons approcher le gradient en conséquence. n'y a que cinq coy sur cette feuille, mais n'hésitez pas à imprimer ou à répéter autant que vous le souhaitez pour pratiquer cette compétence. C' est aussi un bon moment pour vous rappeler que vous pouvez commencer à télécharger chacun de vos exercices dans votre projet de classe ici sur le partage de compétences. À la fin de la classe, vous aurez un joli petit portefeuille d'exercices qui vous rappelleront à quel point vous avez travaillé dur et jusqu'où vous êtes parvenus. 10. Exercice 4 : Création et prévention des floraisons: Chaque coloriste de l'eau est sûr de rencontrer des fleurs à un moment donné tout en peignant. Aussi appelées arrière-plans ou floraison de couleur, fleurs se produisent lorsqu'un lavage sèche de façon inégale ou lorsque l'eau nouvelle est introduite dans une zone qui a déjà commencé à sécher. Lorsqu' une zone humide est contre une zone humide ou presque sèche, l'eau va essayer de pousser dans l'espace séchoir. Quand il fait cela, il transporte n'importe quel pigment dans le lavage et le pousse vers le bord extérieur de la flaque d'eau. Sur cette photo, vous pouvez dire que de l'eau a été ajoutée ici et ici, poussant vers les queues presque sèches de ces lavages gradués. Aujourd'hui, nous allons apprendre à créer et à prévenir intentionnellement ces fleurs. De la même façon que nous avons fait l'exercice de lavage plat, vous aurez une rangée créant des fleurs, une rangée les empêchant, puis choisissez celui que vous voulez plus de pratique dans la troisième rangée. Pour être honnête, j'ai eu une explosion avec celui-ci et j'espère que vous le ferez aussi. Je vais commencer par poser des lavages plats aussi vite que possible à travers la rangée supérieure. Ils n'ont pas besoin d'être parfaits car nous allons leur faire des ravages sous peu. Une fois que vous avez vos boîtes prêtes, c'est l'heure de la partie amusante. Avec une brosse propre, ramassez un peu d'eau propre et touchez doucement votre brosse quelques fois. Affichez un coin ou la moitié du carré, puis répétez tout le long de la ligne. En raison de ce tournage, les premières boîtes ont séché un peu plus rapidement que prévu avant de pouvoir ajouter de l'eau. Mais je suis en fait heureux qu'ils ont fait comme il me permettra de vous montrer comment fleurs ressemblent lorsqu'elles sont introduites à différents stades de séchage. Je vais le souligner plus à la fin de ce clip vidéo dans la numérisation finale. Dans la deuxième rangée, nous allons essayer d'empêcher les fleurs ou en d'autres termes, juste faire des lavages plats. Cependant, la différence avec l'exercice de deuxième classe que nous avons fait et celui-ci est que nous allons délibérément mettre trop d'eau sur notre papier. Ici, nous allons travailler seulement une ou deux boîtes à la fois afin de nous assurer que nous ne laissons pas trop de temps avant de sauver nos lavages. Une fois que votre boîte est chargée avec de l'eau, nous nous entraînerons enlever l'eau avec une brosse propre et soif. Vous pouvez répéter ce processus autant de fois que nécessaire pour faire l'eau du lavage jusqu'à ce qu'elle soit lisse à nouveau, puis continuer sur la ligne. Pour ma troisième rangée, j'ai décidé de créer plus de fleurs non seulement parce qu'elles sont ridiculement amusantes, mais aussi pour vous montrer à quoi ressemblent les fleurs quand votre papier n'a pas séché autant que ma première rangée l'a fait. J' ai travaillé beaucoup plus rapidement cette fois et j'ai pu laisser tomber l'eau et quand les boîtes étaient encore belles et humides. Sur la numérisation terminée, vous pouvez voir la première rangée de fleurs ressemble un peu plus une tête de chou-fleur ou peut-être du brocoli puisqu'elles sont vertes. La crête sombre montre très clairement que l'eau poussait de nouveau dans ce papier humide. Dans la troisième rangée, ces fleurs sont beaucoup plus douces et montrent une légère veinure. Ils sont un peu plus lâches et libres et je pense vraiment qu'ils ont l'air vraiment magnifique. Si vous essayez de créer des fleurs pour un effet texturé dans une peinture, assurez-vous de jouer sur un morceau de papier pour estimer combien de temps vous devriez laisser votre lavage sécher avant d'introduire de l'eau supplémentaire. 11. Exercice 5 : Contrôle de la valeur: [ Musique] Enfin, dans nos exercices de classe, nous sommes arrivés à la valeur. Tout ce que nous avons appris dans cette classe nous aidera à contrôler l'eau et aucun n'est plus important que d'apprendre à exploiter le pouvoir de la valeur. Souvent, l'un des plus grands obstacles que les nouvelles aquarelles doivent surmonter est d'apprendre à équilibrer la valeur dans une peinture. Le blanc de notre papier est la base de tous nos blancs, tons clairs et luminosité globale. C' est compréhensible que nous ayons peur de le cacher. façon dont nous n'ajoutons suffisamment de valeurs sombres à une peinture aura l'air incomplète. Par conséquent, nous devons comprendre et ne pas craindre d'explorer la valeur par le contrôle de l'eau. Dans cette leçon, nous allons explorer comment créer différentes valeurs sur le palatte, ainsi que comment glacer et obtenir des valeurs plus sombres directement sur votre papier. Vous constaterez peut-être que vous gravitez vers l'un ou l'autre, mais la plupart d'entre nous utiliseront une combinaison des deux dans nos œuvres. Les deux premières rangées sur lesquelles nous allons travailler, j'appelle la valeur mesurée, ce qui signifie que nous allons utiliser la brosse pour mesurer quantité d'eau que nous mettons dans nos mélanges. J' utilise un velours noir argenté taille 8 pour cette première rangée. C' est la plus grande de mes brosses à dents. Ensuite, en utilisant du vert pérylène, une couleur très sombre. Vous pouvez utiliser n'importe quelle couleur sombre que vous aimez, comme le gris de Payne ou le bleu du trône. Dans cette première place, je vais utiliser le plus rapidement possible, aussi sombre que possible avec le moins d'eau possible. Il va être difficile de parcourir la page, mais faites tout simplement de votre mieux pour l'y arriver le mieux possible. Pour le deuxième carré, nous allons tremper notre pinceau une fois dans l'eau propre et ajouter cela à la peinture que nous avons sur notre palais. Nous mesurons la quantité d'eau dans un terme que j'aime appeler une charge de brosse. C' est là que j'apporte une charge d'eau au pinceau dans les peintures que j'ai sur mon palais. Je mélange la place suivante. Je vais répéter ce processus pour les deux prochains carrés sur cette page. Donc, un plongeon dans l'eau et déplacer ça à mon palais. Cela va progressivement alléger nos boîtes et nous donner une belle ville de base ou une valeur de départ pour les autres lignes qui vont faire sur cette page. [ musique] Au moment où vous arriverez à la dernière boîte, vous aurez besoin de rincer votre eau plus complètement parce que nous avons ajouté de la peinture à notre eau propre, elle n'est plus belle et vierge. Alors n'hésitez pas à prendre de l'eau propre et assurez-vous que cette dernière boîte est vraiment agréable et lumineuse. Dans la deuxième rangée, nous allons utiliser un pinceau plus petit. Je veux quand même dire que c'est une valeur mesurée, car nous faisons toujours le même genre de choses. Mais parce que notre brosse est si petite, nous allons devoir ajouter beaucoup plus d'eau en termes de charges de brosse dans le pigment. En fin de compte, pour cette rangée, je n'ai pas essayé de compter les charges de pinceau autant que j'ai essayé de faire correspondre la couleur qui était au-dessus. Parce que ce pinceau est tellement plus petit qu'il fait une taille deux au lieu d'une taille huit, il va être plus difficile surtout de couvrir cette première boîte. Cependant, après cela, je vais juste faire de mon mieux pour la peinture sur mon palatte corresponde à la couleur de la peinture sur le papier. Vous souvenez-vous que les aquarelles s'éclaircissent à mesure qu'elles sèchent. Quand vous voyez cette peinture blanche tomber, elle sera légèrement plus sombre que la rangée au-dessus. Mais au moment où il conduit, ils étaient assez proches. [ Musique] Maintenant que nous avons notre valeur contrôlée ou mesurée en mélangeant sur notre palatte, nous allons essayer d'obtenir des valeurs plus sombres grâce au vitrage. Donc, au lieu de boîtes individuelles, j'ai juste de longues rangées ici et nous allons travailler en arrière du côté droit du papier à gauche. Je vais utiliser la valeur la plus légère que je peux pour remplir toute la boîte, avec cette première glaçure. Je suis passé à une brosse plus grande, mais au lieu d'utiliser la brosse ronde, j'utilise une brosse plate. C' est le velours noir argenté d'un demi-pouce, et pour la rangée du bas, je crois que je vais utiliser cette taille pour shader plat que vous avez vu plus tôt dans la classe. Donc, j'utilise juste assez d'eau pour m'assurer que ces glaçures sur tout le papier et ensuite le lisser pour que je n'ai pas de back-end. Je vais répéter ce processus sur la rangée du bas, ce qui prendra un peu plus de temps parce que la taille de la brosse est beaucoup plus petite. Je pense que c'est l'une des zones les plus difficiles à remplir de toute la classe juste à cause de la taille relative par rapport à la brosse. Mais cela nous donne une bonne idée de combien ces tâches peuvent être plus difficiles si nous le faisons pour nous-mêmes, juste pour être clair, je ne recommanderais pas de faire un glaçage dans ce petit pinceau. Mais comme pour le reste de cette classe, je veux juste que vous ayez une idée de vos fournitures et quels outils sont corrects pour quels emplois ? Une fois que ces premières couches sont complètement sèches, nous commencerons la deuxième glaçure. Ce que vous ferez est d'obtenir un glaçage légèrement plus pigmenté que celui que vous mettez en dessous et de la couche dessus. Malheureusement, je suis désolé de dire que certaines de mes vidéos ont été corrompues pour cela, donc il me manque quelques couches. Cependant, nous récupérons notre vidéo à la quatrième glaçure, cinquième couche totale. Je peux vous montrer le processus avec ça. Au moment où nous arrivons à ces couches plus sombres, nous avons besoin d'augmenter la charge de pigment une bonne quantité juste pour rapprocher de celles qui étaient dans les rangées de valeurs mesurées. Si vous vous souvenez de retour à nos poissons quand nous parlions combien d'incréments sont dans ce mauve foncé. Nous n'avons pas assez de place dans ces six étapes pour couvrir chaque nuance de cette couleur, qui est ce que la glaçure ferait pour vous. Mais vraiment cet exercice est de vous montrer que vous pouvez toujours construire de la couleur, même si vous avez déjà mis de la peinture sur votre page. Il va se construire approximativement en couches, ce qui est quelque chose que nous faisons souvent à l'aquarelle. J' ai toujours trouvé cette tâche vraiment frustrante à l'école parce que vous devez attendre si longtemps que les couches se sèchent entre les deux si vous êtes frustré par moi, je m'excuse vraiment. Vous pouvez utiliser un outil de chauffage ou un sèche-cheveux pour accélérer le processus. Mais je l'ai finalement mis ici parce que j'ai l'impression que c'est un outil important à savoir en ce qui concerne le contrôle de l'eau. Nous pouvons trouver les bonnes valeurs la première fois ou si nous ne le faisons pas, nous n'avons pas à craindre quoi que ce soit en superposant une autre couleur. J' espère donc que cette leçon vous a aidé à explorer ces différentes avenues et vos différents outils pour atteindre ces objectifs. Voici l'analyse finale du projet, et je pense que j'ai fait un bon travail de correspondance des valeurs pour la plupart. Vous pouvez voir vers les trois dernières sections de la valeur d'émail, elles ne sont pas aussi profondes que la valeur mesurée. Comme je l'ai déjà expliqué, c'est à prévoir. J' espère que vous avez survécu à ces exercices de classe. N' oubliez pas de les télécharger dans votre projet de classe et passons à l'événement principal. [Musique] 12. Projet de cours : Rhinocéros Partie 1: Nous sommes enfin arrivés au projet de classe, et il est temps de mettre à profit toutes nos compétences nouvellement trouvées ou brossées. Vous pouvez trouver cette photo de référence et l'art au trait de ce projet dans l'onglet Projets et ressources sous cette classe. Si vous vous sentez à l'aise, vous pouvez le faire ou vous pouvez simplement transférer la doublure et obtenir droit à la peinture. Ce tutoriel détaillé sera mieux visualisé sur un moniteur de bureau ou un autre grand écran. Comme il s'agit d'un cours de contrôle de l'eau, j'ai senti important d'inclure mon espace de travail et vues que vous pouvez voir à la fois mes récipients d'eau et ma serviette. Mais cela signifie que la zone dans laquelle je suis en train de peindre est assez petite et sera difficile à voir sur un appareil mobile. My Workspace est équipé d'un pinceau rond en velours noir argenté taille huit. Un récipient d'eau à droite pour les brosses sales, et un à gauche pour récupérer de l'eau propre et des peintures à l'eau. Bien que cette palette soit assez grande, je n'utiliserai en fait que deux couleurs de Schmincke : teinte neutre, et le brun acajou, dont le dernier n'apparaît qu'à la toute fin de ce tableau. Vous pouvez utiliser n'importe quelle teinte neutre ou ton gris que vous avez sous la main et une sienne brûlée remplacerait alors que pour le brun. Quant au sujet, j'ai réfléchi longuement à l'image que je voulais utiliser pour cette démonstration. Je voulais choisir quelque chose qui nous permettrait vraiment de nous concentrer presque entièrement sur le contrôle de l'eau avec peu de distraction des détails intenses ou des couleurs vives. Le manque de fourrure, plumes et d'écailles nous permettra de jouer avec l'eau et la valeur librement, tandis que la texture de la peau et de la corne apporteront intérêts à la pièce tout en nous donnant un défi technique. Bien que j'ai été à ce rhinocéros plus d'une demi-douzaine de fois moi-même, souvent quand j'instruis de nouveaux étudiants, je ne me lasse jamais de lui. Je vais commencer la pièce en mettant une peinture humide sur du papier sec. Cette vidéo va être en temps réel, donc je ne vais pas pouvoir parler à chaque instant parce que je suis sûr que vous en aurez assez de m'entendre parler. Je ne vais pas avoir de musique en arrière-plan pour ça. Il y aura donc des correctifs de silence, mais c'est que vous pouvez mettre votre propre musique ou podcasts, ou un film ou YouTube ou tout ce que vous voulez faire pendant que vous regardez cette vidéo. Et j'espère que ce n'est pas trop distrayant. Donc ici, je nettoie ma brosse et utilise une brosse légèrement amortie pour adoucir certains des bords que j'ai mis vers le bas. Maintenant, je ne ramollit généralement pas tous les bords. J'aimerais laisser quelques petits espaces durs pour créer une texture intéressante sur la pièce. Je continue à faire ça jusqu'à ce que toute la zone ressemble à ce que je veux. Et puis juste pour répéter, j'ai déjà mentionné que nous allions utiliser une seule couleur pour la grande majorité de ce tableau. De cette façon, vous n'avez pas à vous soucier des changements de couleur ou de quelque chose comme ça. Donc tout ce que vous voyez jusqu'à ce que je vous dise le contraire, est avec la teinte neutre. Nous allons travailler avec deux couches différentes dans ce tableau. Et j'aurai des diapositives qui vous diront quand je me suis éloigné du tableau et que je l'ai laissé sécher. À ce moment-là, vous pouvez faire une pause ou utiliser un outil thermique pour sécher votre peinture avant de passer à l'étape suivante. Ici, j'ajoute plus de pigment au bord de la corne. Donc, le bord supérieur de cette ligne est prémouillé à partir des zones déjà ramollies et vous allez avoir un bord dur en dessous qui touche du papier sec. Je vais bouger mon pinceau le long de cette ligne juste pour adoucir afin qu'il n'ait pas l'air aussi dur. Si je ne me suis pas adouci quand je retourne à la peau, ça va ressembler à deux entités complètement différentes au lieu d'une partie du même corps. Vous pouvez voir un bon exemple de cela ici comme la partie supérieure de cette marque que je viens de mettre vers le bas sur la page touchait un lavage humide et la partie inférieure ne l'est pas. La partie inférieure est juste de la peinture humide sur du papier sec. Vous pouvez voir qu'il y a un peu de peinture pour moi là-dedans. Et je vais faire la même chose dans ce domaine que j'ai fait avec les cornes. Donc, une fois que j'ai de la couleur vers le bas, je vais sécher ma brosse, utiliser pour ramasser un excès d'eau que je ne veux pas vraiment sur ma peinture et juste adoucir certains de ces bords. Obtenir de la peinture fraîche et aller juste doucement mettre dans ce bord inférieur, nous allons le définir. Nous ne ferons pas un fond sur cette pièce, nous nous concentrons sur le rhinocéros, donc même si certains bords du rhinocéros sont plus légers que l'arrière-plan, quand nous avons ce fond blanc, nous allons veulent mettre une certaine valeur le long des bords de notre pièce, afin que nous puissions le distinguer de l'arrière-plan. Chaque fois que vous pourriez voir ma main s'arrêter, je regarde probablement la photo de référence juste comme guide. Je ne cherche pas à tout mettre vers le bas d'une photo réaliste. Une de mes choses préférées sur la peinture de la peau ridée est que vous pouvez toujours obtenir la texture de ce qui l'a transmis sans avoir à copier la photo de façon réaliste. Cela vous donne un peu de liberté artistique. Et je pense aussi que personnellement, je trouve ça vraiment, vraiment amusant. Voici notre première pause de séchage. Et quand nous reviendrons de cette petite pause, je travaillerai sur la deuxième corne. Maintenant, cette peinture est assez grande que j'aurais pu travailler sur une autre zone comme les oreilles ou le cou. Mais pour une raison quelconque quand je peignais et que je voulais juste travailler de gauche à droite et donc je l'ai laissé sécher. Je voulais peut-être aussi me casser. Il y a donc beaucoup de raisons différentes pour faire une pause. On va faire les deuxièmes cornes comme j'ai fait la première. Donc on pose une peinture humide sur du papier sec au début. Et puis nous allons ramollir quelques bords. Ici, je touche à peine le fond de cette corne pour qu'on puisse avoir un peu de saignement, mais je veux que cette distinction soit assez claire entre la corne et la peau. Le front est l'une des régions les plus légères sur le rhinocéros, donc je veux avoir une main très légère à cela, sorte que je ne couvre pas trop le blanc du papier. Je ne sais pas pourquoi, mais la zone entre le nez et l'œil semble être une zone d'enjeux très élevés pour moi. L' œil va évidemment être le point de mise au point le plus élevé, mais vous avez aussi une corne et le nez, et puis il y a juste cet espace vide entre les deux qui a besoin de quelque chose, mais être trop lourd ici pourrait être un détriment pour le pièce. J' apporte aussi des tissus quand je suis devenu un peu trop lourd transmis en bas là-bas. N' ayez pas peur d'utiliser d'autres fournitures si vous voulez enlever l'eau de votre page. Je sais que nous n'avons pas vraiment parlé de ça dans cette classe, nous avons juste parlé de pinceaux, mais vous pouvez utiliser des mouchoirs, serviettes en papier, je pense que certaines personnes utilisent des pointes Q ou des boules de coton selon votre style. Je suis assez simple, j'utilise juste un mouchoir ou une serviette en papier si j'en ai besoin. Je noterai que si vous utilisez une couleur très colorante, cette technique pourrait ne pas fonctionner très bien. teinte neutre de Schmincke semble bien se lever, et donc je peux revenir au blanc du papier tant que j'agis rapidement. Mais si vous utilisez quelque chose qui a, peut-être un bleu plume dans le mélange, il va être beaucoup plus têtu, donc vous voudrez être plus prudent sur ces couches sombres que vous mettez vers le bas. Vous pouvez reconnaître ce segment dès le début de la vidéo, je pense en introduction, je pense en introduction, quand j'ai mentionné que je peins souvent plus avec de l'eau qu'avec des pigments. Toute cette zone est juste sur le déplacement de l'eau autour de la page, poussant les pigments là où je veux qu'ils aillent, mais il y a si peu de peinture sur la page. J' aime ça à propos des aquarelles que vous pouvez faire tellement avec si peu. Ici, nous commençons à définir où la joue frappe le cou, et nous avons quelques-unes de nos ombres les plus sombres dans la pièce. Je pose juste un précédent pour ça, quelque chose que je fais référence dans les peintures où j'utilise beaucoup de couleur. Pas nécessairement celui-ci, puisque c'est la majeure partie de la peinture, mais je vais faire quelque chose comme ça avec une couleur claire sur une pièce pleine et colorer une carte de valeur. Juste faire le tour, même si c'est avec quelque chose d'aussi léger que ocre jaune sur une pièce de base brun naturel, juste pour s'allonger là où je veux que mes ombres et mes reflets soient. Évidemment, ceux-ci ne seront pas les couleurs finales, mais au moins j'ai quelque chose à faire quand je commence à construire des couches, et je ne peux plus voir mes lignes de crayon. Vous verrez là, j'ai accidentellement pris une violette pérylène, mais ça ne fait pas partie du tutoriel. Ce n'était pas intentionnel, et je finirai par le recouvrir de la teinte neutre dans un petit peu. Pour moi, ces rides du cou étaient la partie la plus dure de la peinture. Il est vraiment difficile de transmettre ces ombres et ces surlignements, alors assurez-vous que lorsque vous regardez votre photo de référence, ne cherchez pas les formes que vous reconnaissez. Ne pense pas, « Oh, c'est à ça que le cou d'un rhinocéros est censé ressembler, ou c'est à ça que ressemblent les plis de la peau. » Il suffit de sortir de ce que les ombres et les reflets vous disent, et cela se traduira probablement par une pièce plus réaliste. Je vais travailler sur les oreilles, commençant par les touffes de cheveux. C' est un processus plutôt lent, donc juste un rappel que vous pouvez accélérer les vidéos Skillshare dans la barre d'outils inférieure là. Si je vais trop lentement pour toi, tu veux juste aller directement au but, tu peux le faire, mais c'était probablement la partie la plus lente. J' essaie juste de cartographier les bords de ces oreilles. Je reviens avec la pointe de mon pinceau après avoir mis trop de pigment, que je puisse prendre une partie de cette couleur et qu'elle ne sèche pas trop sombrement. Il est très peu probable que vous passiez la majeure partie de votre temps sur vos grands lavages lâches et géants. La plupart du temps est consacré à la peinture, au moins dans le style sur lequel je travaille, sont consacrés aux détails. Puisque ces touffes d'oreille sont assez proéminentes et qu'elles sont terriblement mignonnes, je voulais m'assurer que j'ai passé assez de temps pour les faire paraître bien. J' essaie d'être très prudent sur la partie peau de cette oreille pour m'assurer que je ne perturbe pas la peinture que je pose trop, tout en transmettant aussi les couleurs, les formes, l'ombrage, et la faire ressembler à un plus de trois... partie du corps dimensionnel. Je vais répéter ce processus sur la deuxième oreille qui est plus proche de nous, allant très lentement sur les bords, recherche de ces petites entrées. Quel mot je cherche ? Il y a des petits morceaux sortis de l'oreille qui manquent, et donc je veux m'assurer que je donne un peu de caractère, que ce n'est pas seulement cette oreille parfaite. Cette oreille en particulier a beaucoup de dimension à elle, et j'ai essayé d'être très prudent, lent, et délibéré, à propos de ce que je peignais. Pour ceux d'entre vous qui pourraient prendre ce cours tôt dans votre aventure à l'aquarelle, comme je l'ai déjà dit, j'ai peint ce petit gars plus d'une demi-douzaine de fois, je pense sept ou huit fois. C' est certainement le meilleur qu'une oreille s'est avérée. Donc si votre oreille ne ressemble pas à ça, ne vous découragez pas. Il faut beaucoup de pratique pour faire ressembler quelque chose à un cylindre sur un morceau de papier plat. Mais pour aider avec cela, je pose cette ombre vraiment sombre au milieu de l'oreille et ensuite, vraiment, vraiment soigneusement essayer de ramollir ce bord, pour lui donner l'apparence qu'elle recule dans cette forme. Vous me verrez gâcher un peu plus avec les couches, ramasser plus de peinture avec le pinceau, et j'y reviendrai dans les couches futures et renforcerai les valeurs que j'ai posées. Nous ajoutons juste une touche de détail au sommet du front ici, et cela aidera à briser la forme vraiment grande plate. Nous ferons plus de couches de cela dans le futur aussi, mais en commençant par une ou deux rides ici, ou trois, aidera à définir l'espace de la peau et pas seulement une surface vraiment plate et en acier. Nous pouvons courber cela autour pour s'adapter à la forme de l'oreille et de la tempe, et nous assurer que tout coule ensemble. Vous pouvez voir sur ma palette ici, j'essaie de garder une flaque d'eau ou la moitié de la flaque d'eau plus fortement pigmentée, et j'ajoute de l'eau à l'autre partie de la palette. De cette façon, quand je vais aller et retours de la peinture à ma palette, je peux ramasser la peinture dans l'eau d'une manière plus rapide, que d'avoir à rincer mon pinceau à chaque fois, mais bien sûr, vous verrez une combinaison de ces choses. Je mets juste quelques rides, assurer qu'elles courbent avec la forme de l'oreille pour qu'on puisse obtenir cette forme cylindrique. Guider cette eau, contrôler cette eau pour s'assurer qu'elle fonctionne pour nous et non contre nous. Nous voulons effacer ces ombres très fortes dans le reste du dos. Nous les rendrons plus foncés un peu plus tard, mais comme nous l'avons fait sur le visage, nous voulons nous assurer que les plis dans le cou ne se terminent pas brusquement. Comme la corne, nous voulons que le dos soit une seule entité, et ne pas être plusieurs morceaux de peau empilée ensemble, parce que ce ne serait pas très bien. Il y a un pli vraiment sombre ici sur le cou qui est la face arrière de ce rouleau. Donc, je vais juste passer un peu plus de temps à définir ça, m' assurer que nous avons assez de contraste pour le rendre réaliste. Vous pouvez voir que cette pièce entière est vraiment faible valeur. En revenant à notre leçon de valeur et en parlant vouloir s'assurer que nous obtenons le contraste, cela va arriver dans les couches ultérieures. Ne vous inquiétez pas que vous ne les voyez pas encore. Maintenant que nous avons peint toute la surface du rhinocéros, nous devons nous assurer qu'il sèche avant de passer à la couche suivante. Tu verras si tu regardes de près, j'ai ajouté beaucoup d'eau au cou avant qu'il ne sèche et ça finit le repousser dans ces rides un peu plus que ce que je voudrais. Ici, je signale juste les domaines sur lesquels je veux travailler, mais vous verrez que le lavage ne sèche pas comme je l'avais prévu. Dans cette couche suivante, je vais travailler dans ces domaines. Vous pourriez me voir frotter avec mon pinceau un peu plus en essayant d'adoucir les fleurs qui se sont produites. À ce stade, j'ai décidé d'accélérer les images puisque j'ai beaucoup parlé différentes techniques et vous savez à peu près toutes les étapes ou ce qu'il faut chercher. Vous pouvez voir que la corne semble presque identique à la façon dont elle l'a fait au début, où je suis juste de renforcer ces ombres, renforcer cette texture, et d'ajouter un peu plus de profondeur afin que les couches de couleur sur l'autre et fournit un peu plus d'intérêt. Je suppose que je peux noter que si vous regardez la photo de référence, il y a des petites taches de marron ou de saleté et j'attends jusqu'à la fin pour ceux, ceux-ci finiront par être ce brun acajou que j'ai mentionné plus tôt, ou le CNF brûlé que vous voulez pour le remplacer, mais je vais tout faire en gris d'abord. C' est tellement plus facile de cette façon, nous pouvons vraiment nous concentrer sur l'endroit où va l'eau, nous pouvons nous concentrer sur le pinceau que nous utilisons, sur la peinture et le papier. C' est comme ça que je peins beaucoup de choses différentes. Beaucoup d'animaux sauvages ont tendance à être une couleur globale ou une couleur sous-jacente. Si je travaille sur un lion, disons que j'utiliserai beaucoup de bronzages et de bruns et que je construirai la plus grande partie de la peinture. À la toute, toute fin, nous apporterons des couleurs contrastées, peut-être que nous apporterons quelques couleurs complémentaires, nous ajouterons des ombres fraîches juste pour compenser tous les tons chauds que nous avons utilisés. J' ai vraiment aimé ce style où vous utilisez principalement une couleur. Vous pouvez vous concentrer sur cela pour la partie principale de votre peinture et ensuite juste le faire tomber dans ce dernier moment. Ici, je ne fais que renforcer une ombre juste derrière les narines pour m'assurer que cette zone est reculée plus loin. En général, les tons plus foncés seront un peu plus reculés dans l'ombre, tandis que les couleurs plus claires apparaîtront vers le spectateur. Tout ce que vous voulez regarder un peu plus encastré, vous pouvez y ajouter plus d'ombre et cela aidera avec cette illusion. J' ai mentionné plus tôt que je luttais avec cet espace entre les yeux et le nez, donc ici je suis juste d'ajouter beaucoup de texture supplémentaire pour avoir quelque chose qui se passe dans ce domaine, que je le vois ou non sur la photo de référence, artistiquement, il se sentait vraiment dénué de tout ce qui était intéressant à regarder. J' en ajoute juste quelques uns. Vous pouvez voir quelques minuscules bords durs là où la peinture n'a pas été complètement mélangée, puis le reste du lavage fond dedans jusqu'au reste de la peau. Je reviens enfin dans les yeux. C' est quelque chose dans l'art de la faune que je trouve vraiment intéressant. Il y a beaucoup d'artistes qui aiment commencer par les yeux parce que cela donne de la vie au sujet, et leur donne quelque chose sur lequel se concentrer et remplir l'espace autour d'elle. Pour moi, je suis le contraire. Les yeux sont mon truc préféré à peindre. Je trouve qu'en les gardant pour la fin, c'est comme sauver la dernière bonne bouchée d'un repas pour la fin, ou juste quelque chose que vous voulez vraiment savourer. Même si cela semble un peu effrayant sans avoir un oeil là pour une bonne partie de la peinture, je trouve ça beaucoup plus gratifiant une fois que vous avez mis dans tout ce travail, toutes ces couches, vous avez vraiment soigneusement construit tout autour de la peinture pour ensuite tomber dans que je habite venir à la vie. Je trouve aussi cela très utile d' un point de vue technique parce que les yeux vont généralement être l'une des zones les plus sombres, au moins l'élève. Si vous avez comme un œil bleu, il y aura toujours du noir au milieu de celui-ci, et quand vous mettez beaucoup de noir solide dans un tableau, il y aura une tendance que si vous le touchez accidentellement avec une brosse humide, il va se réactiver et c'est juste ce qui se passe. Je trouve qu'en le déposant en dernier, je peux m'assurer de ne pas perturber cette élève ou cette ombre. Ça va juste revenir à vos préférences personnelles. Tu peux décider si c'est la première chose que tu veux faire, ou la dernière chose, mais tu me verras le mettre presque à la fin. 13. Projet de cours : Rhinocéros, Partie 2: Donc ici, je suis passé à un pinceau plus petit, je crois que cela comme une taille 4 de la même ligne. On va faire des détails avec ce petit pinceau. Donc, en général, en règle générale, j'essaie d'utiliser la plus grande brosse que je peux, aussi longtemps que je peux. Cela m'aide à ne pas me concentrer trop tôt sur les détails. Maintenant, vous avez probablement vu le pinceau plus tôt dans cette classe et remarquez qu'il a une très belle pointe dessus. Je pourrais faire le travail de détail avec. Mais j'ai aussi mentionné plus tôt dans la classe que la brosse contient beaucoup d'eau. Pour que ma brosse ne tienne pas trop d'eau, et s'assurer que j'obtiens suffisamment de pigment, j'ai décidé de passer à cette taille plus petite. Je vais renforcer beaucoup d'ombres, remplir beaucoup de détails et ajouter un peu de texture. Ici, je vais être très doucement parsemer un pigment sur le front, pour créer certaines des poussées noires. Mais comme il y a des zones qui sont ombragées ou mouchetées sur son front. Je mets ça humide sur sec, puis on va rincer le pinceau et étaler la zone. Faites-les se fondre dans la peau un peu plus facilement. Je vais enfin revoir cette oreille avant et approfondir nos ombres. Mieux vaut que je laisse les couleurs que nous avons déjà mises vers le bas devenir les tons moyens. Ces ombres plus profondes donneront plus de valeur à l'ensemble de la pièce en général et contribueront à la forme cylindrique que nous essayions de réaliser plus tôt. En mettant un peu de noir au bout des oreilles où les [inaudibles] sont qui aide à équilibrer juste la lourdeur visuelle. On a le noir à l'intérieur, on a l'obscurité sur le dessus, et ça fera une belle pièce. Nous avons enfin atteint le moment où il est temps de mettre dans cet œil, ce sera la zone la plus sombre absolue de la peinture. Dans l' œil du rhinocéros, nous ne pouvons pas vraiment voir beaucoup d'Iris ou quoi que ce soit de ce genre. Il est encore assez grand et il y a un reflet en elle. Donc, nous voulons nous assurer de laisser ça là-dedans. Vous pouvez ajouter des reflets blancs avec de l'encre ou de l'acrylique ou de la gouache après le fait. approche, il va y avoir un gros tronçon avec ne dise rien parce que je vais juste passer et faire les mêmes choses que nous avons déjà faites dans les zones les plus détaillées et essayer de renforcer ces ombres, dont je vous ai déjà parlé. Donc je ne veux pas continuer à me répéter. Donc, je vais écouter ici et je te reverrai dans un petit peu. Très bien, je suis enfin de retour et il est temps d'ajouter une deuxième couleur. Encore une fois, ceci est brun acajou de [inaudible] mais vous pouvez utiliser une sienne brûlée ou un rouge vénitien, [inaudible] à la recherche d'un joli ton chaud et terreux. On va l'utiliser dans un lavage très dilué. Nous allons faire des vitrages sur les tons que nous avons déjà ici, ce qui aidera à donner plus de dimension à la pièce entière puisqu'elle n'est qu'en une seule couleur en ce moment. Je commence par la corne parce que c'est la zone qui est la plus évidente pour moi qu'il y a beaucoup de brun. Vous pouvez surtout le voir se refléter hors du sol et de la lumière d'en bas, et nous allons juste faire le tour et sélectionner les zones, assurant qu'il s'agit de choix importants et qu'ils auront un impact positif sur la pièce. La dernière étape de mon processus de peinture, au moins, est d'ajouter quelques faits saillants. J' ai mentionné plus tôt quand nous parlions de l'œil que vous pouvez utiliser de l'encre, vous pouvez utiliser de la gouache, vous pouvez utiliser de l'acrylique, tout ce que vous voulez utiliser pour votre pièce. J' utilise cette encre soluble dans l'eau ou du moins je l'ai fait cette fois, et je vais juste ajouter quelques faits saillants que nous avons perdus pendant le processus de peinture. Il y a des pairs d'aquarelle qui froncent les sourcils en faisant cela, mais j'aime pouvoir ajouter ces zones blanches dans mes morceaux et parfois pas dans celui-ci nécessairement, mais parfois les morceaux appellent juste à être blanc sur haut d'autres couleurs qui peuvent être vraiment difficiles, surtout quand vous commencez à l'aquarelle. Donc je vais juste mettre en évidence quelques-unes des rides, en soulignant, désolé que mon visage ait [inaudible] là-dedans. On va aller sur les narines, peut-être quelques taches sur les cornes, mais on n'en fera pas trop. Juste quelques touches légères pour équilibrer la pièce. Habituellement, après avoir ajouté mon blanc, je reviens une fois de plus avec un pinceau et juste retoucher n'importe quoi, adoucir les bords de ce blanc si j'en ai besoin, ajouter un peu plus sombre juste pour s'assurer qu'il y a équilibre dans le monde et nous allons terminer. 14. Réflexions finales: [ Musique] Merci tous d'être venus avec moi pour le cours d'aujourd'hui sur le contrôle de l'eau. J' espère que les leçons ici ont aidé à démystifier ces sujets compliqués et j' espère que vous vous êtes amusés à peindre un ami rhinocéros et que ce n'était pas trop difficile. J' adorerais voir ce que vous avez pu créer avec ce cours et entendre parler de vos expériences avec le contrôle de l'eau. Alors n'oubliez pas de télécharger votre projet de classe dans la section des projets de classe de cette classe et vous pouvez même lancer certains de vos exercices de classe si vous n'étiez pas en mesure de faire tout le projet de classe seul, n'importe quel petit bit est un début utile. Vous pouvez le faire au cours d'une semaine ou deux semaines ou aussi longtemps que vous avez besoin de le terminer et j'espère que vous vous êtes amusés avec ça. N' oubliez pas de consulter certains de mes autres cours de sculpture si vous voulez en savoir plus sur les pigments ou peut-être sur la peinture et les alliés et je vous verrai dans la prochaine classe de sculpture. Merci encore de vous joindre à moi et je vous verrai la prochaine fois. [ Musique].