Joyaux de jardin : peindre un rhododendron à l'aquarelle

1. Introduction: Bonjour, et bienvenue dans ce tutoriel de peinture à l'aquarelle. Aujourd'hui, nous allons peindre une fleur de rhododendron debout, une fleur emblématique et chérie que l'on voit souvent illuminer les jardins avec ses rhododendrons sont un plaisir à peindre, offrant une belle variété de couleurs, de formes et Dans ce projet, nous nous concentrerons sur une délicate fleur violet clair entourée de feuilles vertes, sépales et de boutons roses éclatants Tout au long de ce tutoriel, nous allons principalement pratiquer la technique de recharge. C'est également une excellente occasion de travailler sur votre contrôle de l'eau. De nombreuses zones seront peintes à l'aide de la méthode humide sur sec. Bien que cela puisse sembler simple en théorie, cela peut parfois être un peu délicat en pratique. Nous porterons également une attention particulière à la capture de la belle lumière sur les pétales, ce qui apporte toujours plus de profondeur et d'intérêt à une aquarelle Ce projet permet d'apporter un peu plus de détails, mais comme toujours, n'hésitez pas à le simplifier de la manière qui vous convient. Faites-en le vôtre. J'espère que vous aborderez ce tableau avec patience et dans un esprit détendu. Prends ce temps pour toi. Pas de pression, pas de précipitation. Profitez simplement du processus et laissez-le être un moment calme et créatif. Comme toujours, je vous guiderai étape par étape. Tout au long du processus, décomposez-le en parties gérables pour le rendre à la fois amusant et réalisable À première vue, ce projet peut sembler un peu difficile, surtout si vous débutez dans le domaine de l' aquarelle, mais ne vous inquiétez pas Avec un peu de patience et mes conseils, vous constaterez que c'est plus facile qu'il n'y paraît. À la fin de ce didacticiel, vous aurez une belle peinture florale remplie de lumière éclatante, couleurs vives et de formes intéressantes J'espère que vous serez fier de ce que vous créez. Rassemblez donc vos fournitures, respirez profondément et commençons ensemble cette joyeuse peinture . Bonne peinture. 2. Projet et ressources: J'ai préparé une sélection de ressources utiles pour votre projet, disponibles dans la section projets et ressources. J'ai préparé une sélection de ressources utiles pour votre projet, disponibles dans la section projets et ressources. Vous trouverez un fichier PDF contenant la liste des fournitures que j'ai utilisées pour cette peinture, ainsi qu'une photo de référence et une image de mon œuvre terminée à titre indicatif. Des dessins au trait de différentes tailles sont également fournis afin que vous puissiez les imprimer et les transférer sur votre papier aquarelle au format qui correspond le mieux à vos besoins Ma peinture est au format 12 x 9 pouces. De plus, vous trouverez des photos de l'avancement des travaux pour vous aider à suivre le processus et à vous concentrer sur des domaines spécifiques. N'hésitez pas à explorer ces matériaux et à les utiliser pour créer votre propre peinture unique et magnifique. N'hésitez pas à partager votre peinture finale dans la section projets et ressources. Je vous encourage également à prendre le temps de visionner travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est toujours une source d'inspiration de voir ce que les autres créent et le soutien de vos camarades de classe peut être incroyablement réconfortant. N'oubliez pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. Enfin, je vous recommande vivement de regarder chaque leçon avant de commencer à peindre. Cela vous permettra de bien comprendre à quoi vous attendre à chaque étape du didacticiel. Si vous trouvez ce cours utile, je vous serais très reconnaissant de bien vouloir laisser un commentaire honnête. Vos commentaires m'aideront à améliorer mon contenu et aideront les autres étudiants à décider de rejoindre ce cours. Merci d'avance. 3. Inspiration et plan de peinture: Les rhododendrons sont très populaires dans la région où je vis. Vous pouvez les trouver dans de nombreux parcs, mais aussi dans les jardins que les gens ont autour de leurs maisons. Près de ma ville, il y a un grand arboreretum abritant des jardins de rhododendrons. Chaque année, au mois de mai, il accueille les journées de floraison des azalées et des rhododendrons, un bel événement qui attire à la fois les habitants et les touristes. C'est le moment idéal pour prendre des photos de référence, des centaines si le temps le permet. Pour ce tableau en particulier, j'ai choisi une photo où le soleil illumine magnifiquement les pétales par derrière J'aime aussi les reflets forts sur les bourgeons. C'est le genre d'éléments que je recherche toujours dans une photo de référence. Ces zones lumineuses apportent tant de vie et d'intérêt à une peinture Personnellement, je préfère les photos comme celle-ci celles qui peuvent avoir de belles formes et de belles couleurs, mais qui n'ont pas ces reflets forts. Sans cet éclairage spectaculaire, la peinture finale risque de ne pas être aussi excitante ou dynamique. Je souhaite également partager un conseil utile avec vous. Parfois, les photos de référence peuvent sembler extrêmement lumineuses, à tel point que vous vous demandez peut-être comment puis-je recréer sur du papier à l'aquarelle ? C'est là que nous devons comprendre la principale différence entre deux systèmes de couleurs, additif, basé sur la lumière, et soustractif, à base de pigment Permettez-moi de vous expliquer rapidement. Les écrans utilisent le système de couleur additif, le RGB. Les appareils tels que les moniteurs, les téléphones et les téléviseurs utilisent la lumière rouge, verte et bleue pour créer toutes les couleurs visibles. C'est ce qu'on appelle un système additif, car combinaison de ces lumières produit des couleurs plus vives et même un blanc pur. Comme vous regardez directement la lumière émise, les couleurs peuvent apparaître extrêmement vives, parfois presque au néon ou éclatantes Les aquarelles utilisent le système de couleur soustractif, le CMYK, tout comme Les peintures à l'aquarelle agissent en absorbant ou soustrayant certaines longueurs d'onde de lumière et en réfléchissant d' lumière Le papier réfléchit la lumière ambiante qui traverse ou rebondit sur le pigment Vous ne voyez pas de lumière émise. Ainsi, même le pigment aquarelle le plus intense ne peut égaler la luminosité ou la lueur d'un écran C'est pourquoi, au lieu d'essayer de reproduire cet effet très lumineux, ce qui n'est pas vraiment possible avec l'aquarelle, je recommande de faire quelque chose Utilisez une application photo sur votre téléphone ou ordinateur pour réduire la saturation de votre image de référence. En diminuant la saturation, ces roses et violets super vifs deviennent beaucoup plus réalisables Cela vous permet de voir une version plus réaliste de ces couleurs, plus proche de ce que vous pouvez réellement mélanger dans votre palette. En fait, lorsque vous réduisez suffisamment la saturation, votre peinture réelle peut même paraître plus éclatante que la photo retouchée. Maintenant, en regardant votre référence, nous pouvons voir qu'au lieu d'utiliser des néons fugitifs tels que le rose d'opéra ou le violet vif, vous pouvez choisir des options plus fiables comme le magenta quinacrodon Je n'ai pas beaucoup changé dans ce tableau. J'ai simplifié l'arrière-plan, principalement parce que la fleur elle-même est déjà assez complexe, et quand le sujet est aussi détaillé, je ne pense pas que l'arrière-plan doive rivaliser pour attirer l'attention. J'ai décidé de peindre un simple arrière-plan doux pour créer une jolie toile de fond lisse pour le sujet principal. J'ai également retiré quelques brindilles sèches du côté gauche de la photo Ils n'étaient pas essentiels à la composition, j'ai donc pensé qu'il valait mieux les laisser de côté. Maintenant, j'ai envisagé d'utiliser un liquide de masquage pour cette peinture J'ai d'abord pensé à masquer les bords de la fleur pour pouvoir peindre le fond plus librement, ce que je fais souvent Mais après avoir analysé la photo, j'ai décidé que le liquide de masquage n'était pas vraiment nécessaire Sur le côté gauche, il n'y a que quelques petites zones d'arrière-plan. Cela peut être peint assez facilement si nous nous concentrons sur une section à la fois. Sur le côté droit, la zone d'arrière-plan est un peu plus grande. Mais lorsque je décide de masquer ou non, je pense toujours à la complexité des grandes lignes du sujet principal. Dans ce cas, la forme de la fleur n'est pas trop complexe, je me suis donc sentie à l'aise de peindre autour d'elle Cela dit, si vous vous sentez plus à l'aise d'appliquer liquide de masquage sur les bords des pétales, n'hésitez pas à le faire Optez pour ce qui vous convient le mieux. J'ai également envisagé de masquer les déclarations, mais j'ai fini par l'ignorer également La plupart des déclarations sont plus foncées que les pétales qui se trouvent derrière elles, nous pouvons donc simplement les recouvrir de peinture. Et là où ils apparaissent plus tard, nous pouvons simplement peindre autour d' eux avec un peu de soin. Pour ce tutoriel, j'ai divisé le tableau en sections claires et faciles à gérer Nous allons commencer par le contexte, en nous concentrant sur un domaine à la fois. De là, nous passerons aux feuilles. Étant donné que nous travaillerons déjà avec des verts en arrière-plan, nous continuerons à utiliser ces mêmes couleurs. Ensuite, nous allons peindre les sépales et nous allons diviser le processus en deux parties pour simplifier les choses Ensuite, nous changerons couleurs et commencerons à peindre les bourgeons, que nous diviserons également en trois étapes faciles à gérer Enfin, nous passerons à la fleur principale elle-même. Nous allons le peindre en trois parties. Les deux premiers se concentreront sur les pétales, et dans le troisième, nous compléterons le tableau en ajoutant les déclarations. Avant de commencer, je voudrais vous faire part d'une brève remarque. Dans ce tableau, je vais entrer un peu plus dans les détails que d'habitude. Normalement, j'essaie de tout simplifier autant que possible, et je continuerai à le faire ici, mais ce sujet est tellement beau. Je pense que cela mérite un peu plus d'attention. Cela dit, ne vous sentez pas obligé de suivre à la lettre ou de créer une version très détaillée. N'hésitez pas à simplifier les choses autant que vous le souhaitez. Plus important encore, je veux que vous appréciiez les vidéos et que vous adoptiez une approche détendue et calme de la peinture. Prends ton temps. Il n'est absolument pas nécessaire de se précipiter. Si vous commencez à vous sentir fatigué ou impatient, faites une pause, peignez autre chose, prenez une tasse de thé et revenez-y lorsque vous serez prêt. Lorsque vous peignez avec un esprit calme et une attention concentrée, je suis sûr que vous créerez quelque chose de merveilleux. Donc, si vous êtes prêt, passons à la première partie et commençons par l'arrière-plan. 4. Arrière-plan: J'ai déjà transféré mon croquis sur le papier. J'ai utilisé un tampon lumineux pour tracer le dessin au trait, et j'ai attaché le papier à mon alligator à l'aide d'agrafes J'ai également ajouté du ruban adhésif sur les quatre côtés, sorte que nous allons obtenir une belle bordure blanche propre autour de la peinture terminée. Le papier est sec dès sa sortie du bloc. Je ne l'ai pas pré-mariée. Dans la première partie, nous allons nous concentrer sur la peinture de l'arrière-plan. Commençons par préparer nos couleurs. Pour mélanger les couleurs, j'utilise un vieux pinceau plat. Cela facilite le transfert d'une plus grande quantité de peinture des puits vers la zone de mélange. J'aime aussi pulvériser au préalable de l'eau propre sur mes peintures pour les adoucir et les rendre plus faciles à travailler. Commençons par la teinte jaune vert Windsor. Ce sera notre vert de base. Ce vert peut parfois sembler un peu trop artificiel, il a donc souvent besoin d'un peu d'ajustement. Nous allons l'ajuster un peu, mais pour cette peinture en particulier, je pense que sa qualité fraîche et éclatante fonctionnera très bien, surtout à côté du rose vif des boutons Nous aurons également besoin d'une version plus foncée de ce vert, et pour cela, je vais mélanger le vert jaune Windsor avec le gris pâle. Pour le réchauffer un peu, j'ajouterai également de l'or vert au mélange. Nous utiliserons également l' or vert seul lorsque nous aurons besoin d'un vert plus chaud et plus naturel. Enfin, je vais mélanger un peu de sienne brûlée au vert foncé pour neutraliser la teinte bleutée du gris de la peinture Je pense qu'un pinceau taille 10 devrait bien fonctionner ici, je vais donc commencer par cela. Dans la partie supérieure du tableau, on trouve deux petites formes triangulaires foncées. Commençons par ceux-là. Prenez du vert foncé et remplissez ces formes. Passons maintenant au coin supérieur gauche. Commencez par le vert Windsor mélangé à un peu d'or vert et peignez humide sur sec. Après avoir appliqué ce vert, nous utiliserons la technique de recharge pour la première fois. Lorsque la première couche de peinture est appliquée et qu'elle est encore humide, prenez le vert foncé et déposez-le dans la couche d'acier humide que vous venez de peindre. Techniquement, il s'agit d' une sorte de charge humide sur mouillé, mais plus précisément, cela s'appelle le chargement. Qu'il soit mouillé ou mouillé, nous appliquons de la peinture sur une couche d' eau propre sur le papier, créant ainsi un effet doux et fluide. Pendant le chargement, nous ajoutons de la peinture à la déjà mouillée sur le papier pour approfondir la couleur ou créer des mélanges intéressants. Cela peut sembler simple, mais le défi consiste à gérer l'humidité de votre peinture Essayez de faire correspondre le niveau d'humidité de la peinture que vous ajoutez à celui qui se trouve déjà sur le papier ou utilisez une peinture légèrement plus épaisse. Si vous ajoutez trop d'eau, vous risquez d'obtenir des fleurs, ce que nous voulons éviter ici. Pendant que la peinture est encore humide, nous pouvons également en retirer une partie avec un pinceau propre et humide pour créer un point plus clair. Ci-dessous, j'ai remarqué que j'avais oublié de dessiner l'un des sépales, je vais donc rapidement l'ajouter maintenant Je peux également voir quelques feuilles en arrière-plan ici, mais je ne pense pas qu'elles soient essentielles à la composition. Je vais donc les ignorer. Au lieu de cela, je vais simplement poser notre base verte, puis charger avec des tons verts plus foncés. J'aime beaucoup peindre des arrière-plans comme celui-ci qui sont divisés en zones plus petites. C'est beaucoup plus facile à gérer et nous pouvons nous concentrer sur une petite section à la fois. Dans la partie supérieure, je fais apparaître un vert plus foncé pour suggérer que l'arrière-plan continue derrière le mauvais. J'ai utilisé un vert plus foncé au-dessus du mauvais, donc je suggère qu'il en même en dessous du mauvais pour plus d'équilibre. Maintenant, en bas à gauche, nous avons une forme assez simple à remplir de couleur. Ici, je vais essayer d'omettre la petite zone vert clair sur la droite pour le moment Cela ajoute un bel accent léger à la composition et apporte un peu plus d'intérêt. Commençons donc par appliquer d'abord le vert de base, puis nous ajouterons progressivement d' autres couleurs jusqu'à ce que nous soyons satisfaits du résultat. Près des feuilles, je vais essayer d' utiliser un vert plus foncé pour créer un contraste. Comme les feuilles seront plus claires, le fait placer un fond plus foncé derrière elles les aidera à bien se démarquer. Oh. Je vais également y déposer de la Sienne brûlée. Non seulement je vois des traces de cette couleur dans cette zone, mais cela contribue également à rendre les verts plus naturels et terreux Sur le côté droit, je veux utiliser du jaune transparent, un jaune brillant, ainsi que de la sienne brûlée Ensuite, à l'aide d'un pinceau propre et humide, je vais retirer un peu de peinture pour redonner des tons plus clairs. Ensuite, nous avons ces petites sections entre les feuilles et les sépales. Dans ces zones, j'utiliserai également nos légumes verts, une touche de Sienne brûlée et un peu de bleu outremer, car j'y remarque également un ton bleu doux Nous pouvons maintenant passer au côté droit de l'arrière-plan. Je dois préparer plus de peinture ici car la section est plus grande et j'aurai certainement besoin de plus de couleur. Encore une fois, j'utiliserai mes trois versions vert, le CNA brûlé et le jaune transparent, que je garderai dans la palette. Commençons par peindre le fond entre les tiges. Il est préférable de toucher ces zones étroites avant que le reste du côté droit ne soit peint. Cela rend le processus plus propre et plus facile à contrôler. Maintenant, j'ai remarqué une zone blanche que j'ai laissée intacte, comme sur la photo de référence, en pensant qu'elle faisait partie du pétale Mais maintenant, je pense qu'il est plus logique de le traiter comme une partie du contexte. Je vous suggère donc le peindre en vert foncé. Pour cette zone d'arrière-plan plus grande, je vais passer à un pinceau de taille 12. Je vais commencer par les tons les plus clairs, commençant par un mélange de jaune transparent et de sienne brûlée Passez ensuite progressivement à l'or vert chaud. Je commence par les couleurs les plus claires et les plus chaudes, puis j'ajouterai des verts plus foncés pour obtenir la profondeur et le contraste souhaités. Notez que j'ai un peu simplifié l'arrière-plan ici. Au lieu de passer beaucoup de temps à créer des formes douces et floues, j'ai choisi une approche plus abstraite J'applique la peinture sur les zones les plus claires, puis j'adoucis les bords avec un pinceau propre et humide en laissant quelques points plus clairs qui suggèrent que la lumière filtre à travers l'arrière-plan Et voici une chose très importante à garder à l'esprit. Ma peinture est assez aqueuse. Il faut que ce soit le cas. Si la peinture est trop sèche, elle sèchera trop rapidement et laissera des bords durs, ce que nous voulons éviter. Nous avons besoin que la peinture reste humide pendant un certain temps afin de pouvoir continuer à travailler et lisser les bords selon les besoins. L'essentiel ici est de maintenir l'humidité, ce qui nous donne le temps de modeler, mélanger et d'adoucir avant que tout ne sèche trop vite. Essayez toujours de garder vos bords mouillés, surtout si vous prévoyez de quitter cette zone pendant une minute et de travailler sur une autre partie de la peinture. Si vous préférez, vous pouvez également commencer par appliquer une couche d'eau propre , puis peindre mouillé sur mouillé. Si cette approche vous convient mieux, n'hésitez pas à l'adopter. Une légère couche d'eau aide à garder la peinture humide plus longtemps, ce qui vous laisse plus de temps pour travailler. À ce stade, j'ajoute de plus en plus de peinture foncée pour approfondir les couleurs. Je peins actuellement à l'état humide et sec, et j'utilise également la technique du chargement. C'est parce que je sais qu' avec un pinceau aussi gros, je peux facilement manipuler cette zone assez rapidement pour éviter les bords durs. Si je n'étais pas sûr de cela, j'aurais d' abord appliqué une couche d'eau pour peindre humide et humide. Essayez d'utiliser des légumes verts plus foncés près des bords des pétales. Cela créera un fort contraste entre la fleur et le fond, vous permettant d'obtenir cette belle lueur sur les pétales. Continuez à descendre en alternant entre les verts foncés et les verts plus clairs. Dans cette zone, j'ai également remarqué un soupçon de rose très foncé. Je vais donc ajouter du quinacrédon magenta. C'est l'une des couleurs que je vais utiliser pour les boutons de toute façon, et lorsqu'elle se mêle au vert, elle crée un ton sourd profond, similaire à ce que je vois dans la référence Essayez de ne pas trop réfléchir ou de trop travailler sur l'arrière-plan. N'oubliez pas que personne ne comparera votre peinture à la photo de référence. Peignez ce qui vous convient. Utilisez la référence comme source d'inspiration, mais il n'est pas nécessaire de la reproduire exactement Pour moi, il suffit de savoir où se situent les tons les plus foncés et les plus clairs et d'avoir une idée générale de la répartition des couleurs. Ce sont vraiment toutes les informations dont j'ai besoin pour créer un arrière-plan expressif convaincant. Lorsque vous avez terminé le fond, laissez-le sécher complètement, et dans la partie suivante, nous passerons à la peinture des feuilles. 5. Des feuilles: Le fond est maintenant complètement sec et comme nous avons toujours du vert sur la palette, passons à la peinture des feuilles. Nous utiliserons les mêmes couleurs qu'avant. Nos principaux légumes verts sont le vert Windsor, le jaune et le vert doré. C'est un mix que j'utilise très souvent. Il remplace les couleurs comme sous-vert ou le vert des prostituées pour moi. Si je veux un ton plus olive, j'aime ajouter un peu de Sienne brûlée ou un peu de rouge Je vais commencer par choisir un mélange très aqueux de vert Windsor, d'or vert et de Sienne brûlée Je passe maintenant à un pinceau Seiten. La première feuille est fortement soulignée, nous voulons donc laisser cette zone non peinte Le blanc du papier sera point culminant le plus brillant Appliquez le vert sur la partie feuillue et, pendant que la peinture est encore humide, ajoutez une touche de vert plus foncé près du sépale et sur le côté gauche de la Et c'est tout pour le moment. On peut le laisser sécher. Ensuite, mélangeons un vert bleuté en ajoutant du bleu outremer aux verts et commençons à peindre la feuille suivante avec cette pierre turquoise verts et commençons à peindre la feuille suivante avec cette Appliquez cette couleur sur la partie centrale de la feuille, puis remplissez le reste avec les légumes verts. Évitez de peindre la tige à ce stade. L'ajout de bleu ici permet de créer un bel éclat à la surface des feuilles Terminez ce manchon en appliquant un vert plus foncé près de la tige et le long de la nervure centrale sur le côté gauche. Un point fort est visible ici, mais nous allons l'ignorer pour le moment. Nous pouvons facilement le créer ultérieurement en soulevant la peinture. Pendant que la peinture est encore humide, nous pouvons également utiliser un pinceau propre et humide pour retirer doucement peu de peinture afin un peu de peinture afin de mettre en valeur la surface lisse de la feuille Il y a encore une feuille derrière celle-ci, mais avant de la peindre, je veux faire sécher la feuille que je viens de peindre pour éviter les saignements indésirables ou les fleurs entre les feuilles. Pour la feuille suivante, j' utilise les mêmes verts, le vert Windsor mélangé à de la Sienne brûlée et à de l'or vert, et j'ajoute du gris peint pour les zones les plus sombres Le but ici est d'appliquer les principaux greens comme indiqué dans la référence. Laissons la tige non peinte et essayons également de laisser un mince espace entre les côtés gauche et droit de la feuille en guise de suggestion de la nervure centrale Une fois que nous avons appliqué les couleurs principales sur les feuilles, séchez-les complètement. Une fois les feuilles sèches, nous pouvons passer à la peinture des tiges. Pour faire démarrer les tiges, mélangez de la sienne brûlée, du jaune transparent et une touche de vert Maintenant, ramassez la sienne brûlée et appliquez-la près du sépale. Utilisez ensuite le mélange vert jaunâtre pour remplir le reste de la tige. Ajoutez des tons verts et bruns plus foncés pour refléter les subtiles variations observées sur la photo de référence. Pour approfondir ces couleurs, utilisez du gris pâle pour assombrir à la fois les verts et les bruns Quoi Lorsque les couleurs principales des feuilles sont complètement sèches, nous pouvons nous concentrer sur l'ajout de détails. Je passe à un autre pinceau maintenant, un pinceau à doublure taille zéro. Vous n'êtes pas obligé d'utiliser exactement ce pinceau. Un pinceau rond ordinaire avec une pointe pointue fonctionne tout aussi bien. J'aime bien ce pinceau car il me permet de créer des lignes très fines, parfaites pour peindre de fines veines sur les feuilles. En utilisant une teinte verte légèrement plus foncée, n'importe quel vert un peu plus foncé que la couleur de base des feuilles fonctionnera. Peignez les nervures des feuilles. Les nervures de ces feuilles sont très subtiles et en fait plus claires et plus jaunâtres que la feuille elle-même. Si vous voulez être précis sur le plan botanique, vous pouvez envisager d'utiliser du guash pour ces veines jaunes Mais comme ils sont si fins et si pâles, nous pouvons prendre une certaine licence artistique ici Je peins de simples nervures un peu plus foncées que la feuille. Notez que je laisse espaces dans la zone bleutée surlignée et que j'applique un ton plus foncé près de la veine centrale et près des bords L'astuce simple renforce l'illusion de la forme arrondie des feuilles. Les parties les plus claires semblent surélevées et incurvées vers l'extérieur, tandis que les nervures plus foncées situées près des bords et la veine centrale semblent concaves, ce qui ajoute terminer, j'utilise simplement la pointe d'un pinceau plus gros pour appliquer de nombreuses lignes fines rapprochées, comme des coups de crayon, puis je les estompe doucement Cela crée un bord plus foncé qui renforce l'illusion que la feuille s'enroule légèrement Remarquez que je garde le bord même de la feuille plus clair, ce qui ajoute à l'effet. J'ajoute également un ton vert plus foncé à l'autre feuille située sous les étamines pour approfondir l'ombre Je reviens ensuite à la première feuille à gauche et j'approfondis également son ombre avec un vert légèrement plus foncé. Et avec ça, les feuilles sont finies. Ils ont l'air équilibrés, pas trop complexes, mais construits en quelques couches simples. Il y a aussi ce surlignage sur la feuille de gauche que nous ajouterons plus tard dans le processus. Maintenant, laissez le tout sécher, et lorsque vous serez prêt, nous passerons à la peinture des sépales. 6. Sépales - Couche initiale: Nous allons maintenant commencer à peindre les sépales. Nous allons le diviser en deux parties. abord, appliquez une couche de base initiale sur tous les sépales, puis ajoutez les détails ultérieurement Pour cette partie, j' utiliserai un pinceau taille 10. Nous utiliserons les mêmes couleurs qu'avant pour nos verts, jaune transparent, de la sienne brûlée et aussi un peu de magenta quinacrodon Nous avons déjà utilisé du magenta en arrière-plan, mais cela sera également très utile ici. Je vais retirer l' ancienne palette magenta et en préparer une nouvelle. Commençons par un ton très clair de jaune transparent mélangé à une touche de vert. Appliquez cette couleur sur la première petite tige, mais laissez un espace le long du bord pour conserver un effet brillant. Ensuite, prenez un peu de quinacrodon magenta et déposez-le près du bas du séple Pourquoi le magenta, car ces sépales entourent les bourgeons, que nous allons peindre dans des tons magenta et rose Les sépales reflètent les couleurs de l'environnement. Une partie de ce magenta et de ce rose sera donc également visible dans ces sépales verts De plus, le mélange de vert et magenta crée une couleur intéressante et difficile à décrire, un mélange unique qui ajoute richesse et complexité aux sépales. Il y a également deux minuscules seples près du sommet, alors appliquons-y rapidement le même vert clair et le même magenta Assurez-vous de ne pas peindre les bords pour conserver ces reflets Passons maintenant aux sépales principaux, commençant par le plus petit sur la gauche Celui-ci a l'air plus brunâtre, donc en plus de mon mélange jaune-vert-brunâtre, je vais également ajouter Je vais commencer par appliquer un léger ton de magenta. Ce n'est pas du magenta pur. Il est déjà mélangé au vert, ce qui le rend plutôt rose chaud ou brunâtre très clair et chaud Ensuite, je passerai à la couleur vert clair et remplirai le reste du seple Commencez par le bout du sépale et estompez la couleur vers le bas, éclaircissant progressivement la partie inférieure Cela créera ce bel effet de dégradé que l' on peut voir sur la photo de référence. Pendant que la peinture est encore humide, nous pouvons ajouter plus de couleurs en utilisant la technique de charge pour intensifier les tons. Ajoutez du magenta et du vert si vos couleurs semblent trop pâles. N'oubliez pas que l'aquarelle sèche plus clairement qu'elle n'en a l'air lorsqu'elle est mouillée Passons maintenant au sépale sur le côté gauche. Pour celui-ci, nous aurons besoin d' un vert printanier éclatant, que vous pouvez mélanger entre l'or vert et le jaune transparent. Il y a probablement aussi une touche de vert de Windsor là-dedans. Appliquez d'abord la couleur légèrement verte, peignant autour des reflets et en les laissant intacts Pendant que la peinture est encore humide, utilisez la technique du chargement pour déposer un peu de sienne brûlée sur le bout du sépale Et c'est tout pour le moment sur celui-ci. Utilisez le même mélange vert vif pour le petit sépale clair situé près de la feuille Ensuite, nous allons travailler sur les sépales principaux, en commençant par celui du milieu Utilisez le même mélange vert vif d'or vert et de jaune transparent et commencez à peindre le sépale avec une consistance assez aqueuse Lorsque vous peignez vers le haut, ajoutez de l'eau pour éclaircir le ton et créer un léger dégradé Une fois que cette base vert vif recouvre l'ensemble du sépale, nous pouvons commencer à utiliser la technique de chargement pour ajouter plus de couleurs Je peux voir quelques zones roses, je vais donc appliquer du magenta ici et là. Un vert plus vif et plus frais est également visible sur le côté gauche Je vais donc y ajouter du vert Windsor Continuez à ajouter des couches et des couleurs jusqu'à ce que vous soyez satisfait de la distribution des tons. Il est essentiel de contrôler le rapport peinture/eau. Essayez de conserver une consistance assez uniforme en utilisant une peinture plus épaisse pour des couleurs plus fortes ou plus foncées. Évitez d'ajouter trop d'eau maintenant, car cela repousserait le pigment et provoquerait des floraisons indésirables. Je voudrais également ajouter un peu plus de vert Windsor en bas et un peu de violet en haut. Et le violet est un mélange de magenta et de bleu outremer. Pendant que la peinture est encore humide, je vais enlever un peu de pigment du côté droit à l'aide d'un pinceau propre. Cela crée une zone plus claire qui met en valeur la forme ronde du sépale. Nous allons sauter une étape pour éviter saignement et passer au sépale de gauche Commencez par appliquer de l'or vert sur l'ensemble du sépale sauf le bord gauche où nous garderons un surlignage Pendant que la peinture est encore humide, appliquez une couleur verte plus froide avec plus de vert Windsor en utilisant la technique de charge. Nous avons déjà un beau vert chaud sur le sépale, alors nous allons maintenant le charger avec des teintes plus froides Commencez par la couleur verte, puis passez à la Sienne brûlée en bas Laissez toutes ces couleurs se mélanger doucement sur le papier pour créer de doux dégradés Passez au sépale suivant en utilisant un mélange d' or vert et de quinacrédon À ce stade, l'objectif est de recouvrir chaque sépale avec les couleurs principales que vous voyez sans vous soucier des détails pour le moment. Cette couche initiale constituera une base solide pour ajouter des ombres et des détails à l'étape suivante. Pour ce seple en particulier, sienne brûlée à elle seule n'est pas assez rouge, alors j'ajoute également du rouge de quinacridone Ensuite, commencez par un ton vert plus clair et plus chaud et ajoutez d' autres nuances là où vous les voyez. Vous n'avez pas besoin de créer le look final maintenant. N'oubliez pas qu'il ne s'agit que de la couche initiale. Nous appliquerons d'autres couches ultérieurement pour approfondir les ombres et ajouter des détails. Pour l'instant, concentrez-vous uniquement sur les tons clairs et moyens. La deuxième couche créera les valeurs sombres. Les petits sépales situés près du bas sont plus bruns, surtout l'un d'entre eux. J'ai peint celui-ci avec un mélange de sienne brûlée et de jaune transparent, en ajoutant un peu plus de sienne brûlée alors que la peinture était encore humide Et voici la dernière étape : commencez par appliquer un mélange vert frais de vert Windsor et d' or vert, en privilégiant un mélange plus clair avec plus de vert Windsor Une fois le sépale recouvert, passez au vert olive en y ajoutant un peu de rouge de sienne ou de quinacridone brûlé Enfin, soulevez un peu de peinture par le bas pour créer une lumière réfléchie sur le bord. Ajoutez un peu plus de vert foncé près des pétales pour approfondir les ombres. Terminez cette partie en peignant les bords du petit sépale et trois petites zones entre les sépales Nous avons ainsi appliqué une première couche sur tous les seples Nous avons maintenant une belle base de travail. Ensuite, nous approfondirons les ombres et ajouterons des détails complexes qui apporteront du caractère et du réalisme à ces éléments. 7. Sépales - Détails: La première couche des sepels est maintenant bien sèche, nous pouvons donc commencer à ajouter plus de détails pour les rendre encore plus beaux Je passe à un pinceau plus petit ai six, mais je vais passer d' un pinceau plus petit à un plus grand en fonction de la zone sur laquelle je travaille. Je vais commencer par les trois petits sepels en haut. Pour cela, je n' ajouterai aucune nouvelle couleur. Il suffit de réappliquer les mêmes couleurs pour approfondir les tons. Après la première couche, les couleurs sont devenues un peu trop pâles à mon goût. Ainsi, le fait de superposer à nouveau les mêmes couleurs intensifiera les nuances et apportera plus d'éclat aux sépales Maintenant, cette étape a deux objectifs principaux : approfondir les couleurs, assombrissant certaines zones pour créer des ombres, ce qui permet de renforcer la forme et le volume des sépales et d'ajouter petits détails tels que des veines ou des lignes très fines qui donnent du caractère et Ces veines ne sont pas simplement décoratives. Ils aident à définir la forme en montrant comment les sépales se plient et se courbent Il est donc important de les peindre attentivement en suivant le flux naturel des sépales Si votre brosse n'est pas assez tranchante, passez à une brosse à molette ou à une brosse à doublure Ils sont parfaits pour peindre de longues lignes fines ou des veines. Sur le premier sépale, en plus d'ajouter les nervures, je veux assombrir un peu plus la partie inférieure Comme elle est principalement cachée derrière les sépales situés à l'avant, ajout d'une ombre plus profonde ici créera une belle impression de profondeur Passant au sépale suivant, je vais commencer par ajouter quelques lignes délicates Maintenant, je développe un peu plus le formulaire en ajoutant des tons plus foncés. Ici, je mélange de l'or vert, de la Sienne brûlée et du bleu outremer pour créer une sorte de couleur vert jaunâtre Je vais l'appliquer en bas et le mélanger vers le haut vers le bout du sépale. Non je vais , je vais également appliquer un vert plus clair et transparent fait d'or vert et vert Windsor sur le sépale pour intensifier les Il y a un point culminant au milieu et le long du bord, mais ne vous inquiétez pas pour l'instant. Nous allons créer ces reflets dans un instant à l'aide d'une brosse à récurer En regardant maintenant le sépale sur le côté gauche, je peux voir que le bout doit être plus foncé et plus brunâtre Je mélange un ton plus brun, l'applique sur la pointe, puis je l'estompe Maintenant, je veux assombrir le sépale suivant car je vois qu'il est un peu trop pâle. Pour cela, je vais mélanger de l' or vert, du vert Windsor, Sienne brûlée, et on assombrit en y ajoutant une touche de gris pâle. J'appliquerai la couleur sur le bord gauche du sépale , puis je passerai à un mélange vert plus vif d' or vert et de vert Windsor Je vais l'appliquer sur la partie principale du sépale et l'estomper Ce sépale a besoin d'un peu plus d' assombrissement pour créer une profondeur et un contraste plus marqués entre la zone brune et le sépale situé au-dessus Comme vous pouvez le constater, je passe d'une étape à l'autre réfléchissant à ce que je peux faire pour améliorer le look Quelles zones puis-je assombrir ? Quels détails dois-je ajouter pour que le tableau ressemble à mes préférences ? Par exemple, sur ce sépale, je peux voir que je dois ajouter cette ligne au milieu qui est courbée d'une manière très spécifique J'ai également remarqué que les verts pouvaient être plus foncés. Il suffit de faire de petits ajustements, un processus lent avec de petites brindilles jusqu'à ce que l'on se sente bien Bien entendu, ce ne sont pas détails que vous devez ajouter à chaque fois. Vous pouvez simplifier, peindre de manière plus souple ou même omettre certaines zones Il existe de nombreuses manières d'aborder cette question. Je ne vous montre qu'une méthode, une approche, qui cette fois se concentre un peu plus sur les détails. Notez également qu' une technique très utile et très courante consiste à mélanger. Je dirais que c'est la technique la plus importante après le mouillé et le sec. En estompant ou en adoucissant les bords, nous pouvons adoucir les bords durs et créer de magnifiques transitions de couleurs douces Cette technique est assez simple. Il vous suffit d'appliquer de la peinture sur la zone, de rincer votre pinceau , de l' éponger, puis d'utiliser un pinceau propre pour estomper doucement la couleur. Comme toute technique, elle peut parfois être délicate, surtout sur de grandes surfaces, mais à petite échelle, elle est beaucoup plus facile à gérer. Par exemple, je vais utiliser cette technique sur le sépale brun ici J'appliquerai de la Sienne brûlée sur les endroits les plus sombres, puis j'adoucirai les bords avec un pinceau propre pour que les bords durs ne soient pas trop visibles La couche n'a pas besoin d'être très lisse. Avoir un peu de texture ici, c'est bien. Je vais également mélanger un peu de brun avec une touche de peinture grise pour peindre les bords du seple suivant Pour terminer cette étape, je vais ajouter quelques lignes et détails supplémentaires et assombrir les zones encore nécessaires Si vous regardez la photo de référence, photos de mon travail en cours ou la peinture finale, il vous sera plus facile de comparer et de voir quelles zones de votre propre peinture pourraient encore nécessiter un ajustement. Nous terminerons cette partie en adoucissant les bords à l'aide d'une brosse à récurer. J'utiliserai mon pinceau Galeria de taille 4 qui a fait ses preuves Je le trempe dans de l'eau, puis je le tamponne sur un essuie-tout avant d' adoucir doucement les bords Je me concentre sur tous les endroits où la peinture rencontre le papier blanc. Ces bords ressemblent ombres projetées à côté de reflets lumineux. En les adoucissant, nous créons un bel effet de lumière éclatante Vous pouvez également utiliser un pinceau à récurer pour retirer la peinture de certains endroits afin de mettre en valeur les sépales Après avoir frotté doucement la peinture avec un pinceau nettoyé, tamponnez cette zone avec un essuie-tout pour enlever le pigment détaché J'aime beaucoup adoucir ces ombres projetées de cette façon, car cela crée un bel effet de lumière éclatante Au lieu d'une peinture dure sur les bords, vous obtenez une douce lueur éblouissante Nous pouvons maintenant retirer un peu de peinture de la feuille dans le coin inférieur gauche. Je pense que c'est un moyen très efficace d'ajouter encore plus de lumière à la peinture et mettre en valeur la feuille. Les sépales sont maintenant terminés. Dans la partie suivante, nous allons complètement changer notre palette de couleurs et commencer à peindre les bourgeons. 8. - Couche initiale: Toutes les parties vertes sont maintenant terminées, il est donc temps de passer à la peinture des fleurs. Cela signifie que nous allons complètement changer notre palette de couleurs. J'ai nettoyé ma palette pour m' assurer de travailler avec des couleurs fraîches, et j'ai également changé l' eau de mon contenant. Nous allons commencer par appliquer une première couche sur tous les bourgeons. Pour cela, je n'utiliserai que trois couleurs, magenta Quin Acrodon, rose permanent et le bleu outremer. Les bourgeons ont une couleur très vive. Dans certaines régions, je vois des roses plus chauds, d' autres des roses plus froids et parfois un peu de violet C'est pourquoi j'ai choisi ces trois couleurs, magenta pour le rose froid, le rose permanent pour le rose chaud et le bleu outremer pour obtenir ce ton violet Ensemble, ces couleurs devraient nous donner un résultat brillant et vivant. Et lorsque nous plaçons ces roses à côté des parties vertes, leur éclat éclatera encore plus en raison du contraste des couleurs Pour cette partie, j' utilise un pinceau taille 10. Commençons par la batte dans le dos. Je vais commencer par la rose permanente, puis passer à un mélange de violet à base de magenta et de bleu outremer. Je peins ici mouillé sur sec car ce sont de petites zones et il n' est pas nécessaire de peindre humide sur humide, même si je souhaite créer des dégradés Je sais que je peux obtenir des transitions douces si ma peinture est suffisamment aqueuse et ne sèche pas trop vite. mouillé et le sec me permettent également de mieux contrôler les bords, ce dont j'ai besoin en ce moment, car je veux un bord dur sur le côté droit, là où se trouvent les points forts. Ce bord est tranchant pour le moment, mais nous l'adoucirons plus tard à l'aide d'une brosse à récurer Notez que je mélange également une partie du rose pour créer un ton plus clair Cela permet de refléter ce que je vois dans ma référence. H Normalement, je pourrais éviter de peindre le bourgeon à côté pour éviter de mélanger les deux Mais ce bourgeon possède également un point fort que nous voulons préserver, et le bord gauche qui touche le bourgeon précédent présente un bord très fin et plus clair. Je vais donc peindre celui-ci avec soin en veillant à ne pas toucher le premier bourgeon. Je commence par le magenta quinacrodon, mais je vais alterner entre le magenta, mais je vais alterner entre rose permanent et le violet au fur et Le but ici est de poser la couche initiale de couleurs de base sur tous les bourgeons. Nous nous concentrons sur la capture de la couleur générale et visons des valeurs moyennes à claires. Cette bande devient légèrement plus claire en bas Je vais donc y mélanger un peu de peinture pour créer une transition en douceur entre le rose moyen et une teinte plus claire. Bien entendu, nous devons garder à l'esprit la forte surbrillance sur les bords et laisser ces zones non peintes Le blanc du papier sera le point le plus brillant sur les pétales, ce qui contribue vraiment à transmettre la sensation d'un fort ensoleillement naturel Lorsque la peinture est mouillée, elle est plus éclatante que lorsqu'elle sèche. Mais ne t'inquiète pas pour ça. Nous ajouterons une autre couche plus tard, ainsi que les détails pour augmenter encore plus la saturation. L'utilisation de couleurs propres donnera également à votre peinture un aspect éclatant au final, en particulier en raison de l'environnement verdoyant. N'oubliez pas que le vert et le rose sont des couleurs complémentaires et les placer côte à côte crée un effet de contraste vif et intense. Une fois que vous avez appliqué la première couche, laissez le tout sécher complètement. Lorsque vous serez prêt, nous pourrons passer à la deuxième couche. 9. Bourgeons - Créer des pétales: La couche initiale sur les bourgeons est maintenant complètement sèche. Dans la deuxième couche, notre objectif est de commencer à créer les pétales. Cette fois, je passe à un pinceau légèrement plus petit. Je pense qu'une taille 8 fera l'affaire. Nous allons également introduire un peu de peinture humide sur humide ici. Avant de commencer, laissez-moi vous expliquer ce que je vais faire maintenant. Imaginons que nous ayons un défaut comme celui-ci et que nous ayons déjà appliqué la couche initiale. Pour créer un pétale, vous pouvez l'aborder de deux manières La première méthode consiste simplement à appliquer une couleur plus foncée le long du bord du pétale que vous souhaitez définir, puis à utiliser un pinceau propre et humide pour estomper cette couleur vers l'intérieur, ramollissant sur le reste du pétale tout en laissant le tout en laissant le Et cela fonctionne vraiment et c'est une excellente technique. Mais je vais le faire un peu différemment avec de la peinture mouillée sur mouillée, ce qui me semble plus sûr. abord, j'appliquerai une couche d'eau propre sur la partie de la zone où se trouvera le pétale, mais je laisserai sécher le bord que je veux définir Je n'appliquerai pas ma couche d'eau jusqu'à la ligne du crayon qui définit le bord du pétale. Ensuite, je vais peindre le bord de ce pétale avec de la couleur, permettant à la peinture de s'étaler doucement dans l'eau De cette façon, je garde le contrôle sur la forme du bord car il y est sec et l'eau ralentit le séchage, ce qui me laisse plus de temps pour me concentrer sur le façonnage du bord du pétale sans précipiter le mélange J'espère que cela a du sens. Par exemple, sur ce premier pétale, j'applique de l'eau juste sur le côté gauche. Je ne vais pas jusqu' au bord du pétale. Je ne vais pas jusqu' au trait au crayon qui définit le bord du pétale. Je choisis un mélange violet de magenta quinacrodon et de bleu outremer, et je peins le bord du pétale Lorsque la peinture entre en contact avec l' eau, elle s'étale doucement J'ai donc moins peur de créer un bord dur à cet endroit, car je sais que la peinture se répandra dans l'eau. Je me concentre simplement davantage sur le bord du pétale, sur la forme que je souhaite créer s'agit d'une petite zone, donc ce n'est peut-être pas l'exemple le plus clair, mais nous allons répéter cette technique à quelques endroits J'applique une couche d'eau sur le pétale suivant, mais je fais attention à ne pas toucher le bord du pétale ou la zone précédemment peinte, car nous ne voulons pas qu'il y ait de saignement entre les formes Je mélange maintenant un ton plus foncé en utilisant du rose permanent, magenta et du bleu outremer et je commence à peindre le bord des pétales La peinture s'étale doucement sur l'eau, créant un dégradé lisse pendant que je me concentre sur le façonnage du bord Comme vous pouvez le constater, je simplifie également les formes des pétales à ce stade Le but ici est d'établir les formes de base des pétales. Plus tard, nous ajouterons des détails, approfondirons certaines ombres et peindrons des veines. Ici, je mouille la zone et ajoute deux points plus foncés de chaque côté. Cela suggérera des indentations tandis que la partie centrale plus claire apparaîtra Je vais continuer à travailler de cette façon sur les autres pétales également. Le processus est toujours le même. D'abord, une couche d'eau, puis un bord plus foncé peint. La seule différence est la forme que je crée. donc Nous pouvons donc également approfondir les couleurs dans certaines zones en appliquant de la peinture supplémentaire. Par exemple, les petits boutons situés à l'arrière bénéficieront d'une deuxième couche de peinture pour rendre leurs couleurs plus fortes et plus éclatantes. Lorsque vous avez fini de créer tous les pétales, laissez le tout sécher complètement. J'utilise un sèche-cheveux pour accélérer le séchage. Si vous faites de même, n'oubliez pas d'attendre quelques minutes que le papier refroidisse avant de peindre à nouveau. La peinture sur du papier chaud fait sécher la peinture trop rapidement, ce qui peut entraîner des taches désagréables. Une fois que votre papier sera complètement sec, nous passerons à l'ajout des petits détails sur les mégots. 10. - Détails: Dans cette partie, nous allons nous concentrer sur l'ajout des derniers détails aux battes et sur les derniers ajustements. Pour ajouter ces détails, j'utiliserai un pinceau à doublure de taille 2, mais vous pouvez également utiliser un petit pinceau rond à pointe pointue. L'un ou l'autre fonctionnera très bien. Ce que je veux faire maintenant, c'est définir un peu plus clairement les bords des pétales. Je vais légèrement assombrir les bords pour les faire ressortir et ajouter des veines subtiles Les veines ne sont peut-être pas très visibles sur la photo de référence, mais je prends un peu de liberté artistique ici. J'adore ajouter des veines car elles donnent du caractère aux pétales et, plus important encore, elles aident à mettre en valeur leur forme et leur forme. Les pétales s'enroulent et se courbent. La direction des veines est très importante. En peignant des lignes légèrement incurvées, nous pouvons suggérer cette jolie forme bouclée C'est également le moment idéal pour approfondir les couleurs si nécessaire. Peut-être assombrir un peu plus certains pétales ou ombres. Prenez du recul et regardez le tableau que vous avez peint jusqu'à présent. À quoi ressemblent les pétales par rapport aux sépelles ? Y a-t-il des domaines que vous aimeriez approfondir ou ajuster ? N'oubliez pas qu'il s'agit de votre peinture et non de la photo de référence. Personne ne comparera les deux. Ce qui compte le plus, c'est que votre peinture vous convienne. Enfin, j'aime adoucir les bords de ces ombres dures sur les bourgeons, comme nous l'avons fait avec les sépales plus tôt L'adoucissement de ces bords permet de transmettre cette douce lumière rougeoyante autour des bourgeons Si nécessaire, vous pouvez également retirer un peu de peinture des pétales pour créer des reflets subtils. C'est ainsi que nous avons fini de travailler sur les écouteurs. Dans la partie suivante, nous allons commencer à appliquer la première couche de peinture sur la fleur elle-même. 11. Fleur - Couche initiale: Nous sommes sur le point de terminer ce joli tableau et j' espère que vous aurez encore un peu de patience pour peindre la fleur. N'abandonnez pas. Je sais que ce projet peut sembler un peu exigeant, mais n'est-il pas magnifique ? Dans cette partie, nous allons appliquer une première couche sur la fleur. Cela servira de base intéressante pour la prochaine étape où nous ajouterons plus de détails. Ne vous inquiétez pas, cette étape n'est pas trop difficile. À première vue, cela peut sembler complexe, mais en réalité, nous ne faisons qu' appliquer une simple couche de violet clair. La seule difficulté consiste à placer la couleur aux bons endroits et à créer les formes avec soin. Mais c'est quelque chose que nous pouvons prendre lentement et régulièrement. Pas besoin de se précipiter. J'utiliserai un pinceau taille 8 pour cette étape. Commençons par réfléchir à la couleur que nous allons utiliser. Si l'on compare la farine aux boutons, remarque que la couleur de la fleur vire davantage au violet. Son ton est également beaucoup plus clair. Comme la fleur penche davantage vers le violet, je vais ajouter du bleu outremer à mon mélange avec du magenta quinacrédon, que je garde sur le côté droit Pour un ton plus clair, j'ajouterai beaucoup d'eau pour éclaircir la couleur Pour vérifier si la couleur est correcte, je vais l'étalonner sur une feuille de papier et la placer au-dessus du tableau pour la comparer avec les boutons C'est presque parfait, mais je vais ajouter une touche de bleu et de nouveau un échantillon. Maintenant, cela semble bien correspondre, clairement différent des écouteurs, mais proche de ce que je vois sur la photo de référence. Ce sera donc mon mix. Je vais prendre cette couleur et commencer à l'appliquer de haut en bas. À ce stade, je ne me concentre pas sur chaque pétale individuel. Je considère la fleur comme une grande forme, appliquant de la couleur sur des zones spécifiques tout en laissant certaines taches non peintes pour ces jolis reflets rétroéclairés J'applique le mélange violet humide et sec, principalement dans les zones d'ombre, peignant soigneusement autour des reflets blancs. Les zones sont donc un peu plus roses, je vais donc y ajouter un peu plus de magenta ou de rose permanente pour apporter de la variété. Si certaines zones semblent plus bleutées, je m'en tiendrai à mon violet de base ou j'ajouterai un peu plus de bleu outremer. Je vais lentement descendre en suivant la photo de référence. Si cela vous aide, vous pouvez consulter la photo de mon travail en cours pour voir exactement où j'ai appliqué la peinture. Dans certaines zones comme celle-ci, j'ai créé un léger dégradé du foncé au clair en appliquant la peinture et en la mélangeant vers le haut ne sont pas nombreux, mais ils ajoutent de belles transitions subtiles. Sur le côté gauche, la couleur semble un peu plus rose car les pétales reflètent les mauvaises couleurs déplaçant les ombres vers le rose. Le pétale inférieur et les ombres du côté droit sont également plus chauds et plus rosés Euh Euh sur le pétale inférieur, j'utilise mon mélange de violets mais j'ajoute rose permanente près du bord pour changer de couleur Vous remarquerez peut-être des gouttes d'eau sur la photo de référence, mais j'ai décidé de les omettre. Je garde également la consistance de la peinture assez liquide sur l'ensemble, ce qui permet d'éviter toute floraison indésirable et aide à mélanger les couleurs La partie la plus délicate se trouve près des étamines. J'ai choisi de ne pas les masquer car ils sont généralement plus foncés que les pétales, nous pouvons donc les peindre juste au-dessus. Cependant, certaines parties sont plus claires car elles captent un peu de lumière solaire Je vais donc essayer de peindre soigneusement autour de ces zones. Sur la droite, j' ajouterai encore du rose. donc Il y a aussi une petite zone où un pétale projette une ombre, et nous allons ajouter cette ombre ici Plus tard, nous utiliserons une brosse à récurer pour adoucir certains bords et appliquerons un léger lavage sur les pétales, leur donnant une teinte douce de rose et de violet Mais pour l'instant, nous nous concentrons uniquement sur les ombres. Voici donc le résultat après cette première couche. Maintenant, laissez-le sécher complètement, et dans la partie suivante, nous finirons les pétales en assombrissant certaines zones et en ajoutant les détails 12. Fleur - Détails: La première couche de farine est maintenant complètement sèche, il est donc temps d'ajuster certaines zones et d'ajouter les détails les plus fins Pour cela, je passe à un pinceau plus petit de taille quatre. Cette étape est un peu délicate à expliquer car il se passe beaucoup de choses. En gros, je revisite lentement toutes les ombres, en les comparant étroitement à ma photo de référence Si je repère un détail que je peux ajouter ou une ombre qui doit être un peu plus foncée, ou si une couleur peut nécessiter un ajustement subtil, peut-être plus de rose ou une touche de bleu Exactement ce que je vais faire. Ces petits ajustements et détails supplémentaires contribuent vraiment à donner vie à la fleur. Par exemple, ici, je pense que cette zone devrait être un peu plus foncée, alors j'ajoute de la peinture en utilisant les mêmes couleurs qu'avant. Ici, je veux approfondir l'ombre et rafraîchir légèrement la couleur. J'ajoute donc plus de violet bleuté. Après avoir appliqué la peinture, je la mélange doucement vers le haut Comme vous pouvez le constater, ce sont de petits changements, mais ils sont essentiels pour créer une fleur réaliste. Nous ne pouvons pas laisser une seule couche plate qui aurait l'air inerte Ce n'est qu'en ajoutant des tons plus foncés, détails et des dégradés subtils là où c'est nécessaire que la forme de la fleur prend réellement forme J'ajoute ici un ton plus foncé pour créer de la profondeur au centre de la fleur et séparer clairement les pétales. Une erreur courante que je vois souvent dans les peintures pour débutants est de tracer les pétales pour les définir. À mon avis, ce n'est pas la meilleure approche, car dans la nature, pétales n'ont généralement pas lignes claires qui marquent leurs bords, à quelques exceptions près. Pour distinguer chaque pétale, nous nous appuyons plutôt sur les différences de ton ou de couleur Dans cette fleur, les pétales partagent les mêmes couleurs, des couleurs très similaires Nous devons donc utiliser avec soin variations en tunnel pour montrer les pétales individuels et leurs plis. Oh. Nous pouvons également suggérer des bords ébouriffés en ajoutant quelques lignes définies le long du bord du pétale Appliquez des traits plus foncés, puis adoucissez un côté avec un pinceau propre tout en gardant l' autre côté net. Cela crée une belle illusion de texture. Maintenant, regardons le petit pli sur ce pétale. Je vais vous montrer comment le créer. Tout d'abord, j'ajoute une ombre plus foncée en dessous pour que le pli ressorte plus clairement. Ensuite , je peins une simple ligne foncée le long du pli, et après avoir rincé et épongé mon pinceau, je mélange doucement la peinture vers le haut, laissant le bord inférieur net Cela donne l'impression d' une petite poche dans le pétale. Si nous faisons la même étape ci-dessus et que nous mélangeons la peinture, nous obtenons un joli pli subtil. Bien sûr, il s'agit d'un petit détail. Nous n'avons pas besoin de le peindre, mais je pense que cela ajoute de l'intérêt, alors pourquoi pas ? J'ajoute également quelques plis simples le long du bord du pétale. Ils ne figurent pas sur la photo de référence, mais il est parfois amusant d' ajouter des détails simplement parce que nous le pouvons. Encore une fois, il ne s'agit que de quelques traits plus foncés légèrement mélangés. C'est très simple, pas hyper réaliste, mais suffisant pour donner à la fleur un aspect réaliste Ensuite, je peins une fine ligne passant par le milieu du pétale avec quelques courts traits de laiton qui se ramifient Ce n'est pas quelque chose que je vois exactement dans la référence. Cela ajoute juste un peu de texture au pétale. Ici, je pense que cette ombre doit être un peu plus foncée. J'applique donc une couche de plus ici. Désolée que mon appareil photo l'ait raté. J'ai oublié de déplacer un peu mon tableau vers le bas. Mélangez de la sienne brûlée avec jaune transparent pour créer une couleur brun jaunâtre chaude au centre des fleurs C'est peut-être juste moi, mais j'ai remarqué un ton jaune très subtil, alors j'ai pensé que nous pourrions l'ajouter, tout en le gardant très léger et dilué. Il y a aussi une teinte plus chaude juste au-dessus. Je prends du recul pour regarder la fleur dans son ensemble et repérer les zones qui pourraient avoir besoin d'un peu plus de couleur Il est important de ne pas perdre complètement la blancheur du papier , car cette luminosité crée une forte sensation de lumière, mais les pétales ne sont pas d'un blanc pur Même dans les endroits les plus lumineux, une touche rose très subtile aide à suggérer leur couleur délicate Utilisez une consistance semblable à du thé très diluée pour teinter légèrement le papier à certains endroits. I Une fois que tout sera complètement sec, nous passerons à la dernière étape, qui est facultative, mais c'est quelque chose que j'aime faire chaque fois que c'est possible. J'utiliserai un pinceau à récurer pour adoucir les bords durs des ombres et je soulèverai peut-être un peu de peinture pour mettre en valeur les pétales Je vais accélérer un peu ce processus, car je le répète sur presque tous les bords. Je pense vraiment que cela ajoute une belle douceur et améliore cet effet de lumière éclatante Je souligne également un subtil point sur ce pétale. Et avec cela, nous en avons terminé avec cette partie. Dans la section suivante et finale, nous allons terminer la farine en ajoutant les étamines et les marques jaunes sur les pétales 13. Estamines: Nous voici dans la dernière partie de ce tutoriel. Dans cette partie, nous allons peindre les étamines, ce qui donnera vraiment vie à cette fleur Les étamines relieront le tout et ajouteront du caractère à la fleur grâce à leurs anthères foncées Ces étamines sont assez petites et longues, je vais donc utiliser un petit pinceau taille quatre Je vais également faire pivoter légèrement ma peinture pour faciliter le travail, mais je vais également faire pivoter mon appareil photo pour que vous puissiez toujours tout voir directement. La première étape consiste à appliquer la couleur de base aux étamines. Certains penchent plus vers le rose, d'autres vers le violet. J'utiliserai les mêmes couleurs que nous avons utilisées jusqu'à présent. Les anthères sont assez foncées, je vais donc y appliquer de la couleur également. Plus tard, nous leur ajouterons des tons encore plus sombres. Certaines étamines et anthères présentent des zones et des reflets plus clairs Essayez donc de ne pas peindre ces reflets ou d'utiliser un ton plus clair à ces endroits L'étamine centrale principale a une pointe plus rougeâtre. Ici, je vais utiliser un mélange de jaune et de rose ou simplement de rouge quinacridon pour capturer cette Une fois que toutes les étamines ont leur couleur de base claire, préparons un mélange foncé en combinant le quinacridon magenta, le rose permanent, peintures grises. Cela nous donnera un joli violet foncé, parfait pour peindre les anthères Assurez-vous que la première couche est complètement sèche. Ensuite, peignez soigneusement et calmement les anthères à l'aide du mélange foncé Commencez par un ton plus clair , puis progressivement, adoptez un ton plus foncé. Cette superposition crée de subtiles variations de couleur , même dans ces petites zones Après avoir appliqué le ton foncé, rincez et épongez votre pinceau, puis mélangez doucement la couleur vers le corps principal de l'étamine Certaines étamines ont des dégradés doux, d'autres ont des bords plus nets Variez donc votre Pour l'étamine rouge principale, j'utilise un mélange de quinacridon magenta et de quinacridon magenta Une fois les tons les plus foncés ajoutés, les étamines peuvent encore paraître un peu Ajoutez maintenant une ombre sur le côté inférieur de chaque étamine. Cela ajoute de la dimension à la forme ronde et les aide à se démarquer sur un fond plus clair. Utilisez des tons plus foncés sur le côté gauche, près du centre de la fleur pour créer une forte illusion de profondeur. Le dernier détail à ajouter sont les marques jaunes caractéristiques sur les pétales. Pour cela, utilisez du jaune transparent mélangé à notre mélange violet. Le jaune et le violet sont des couleurs complémentaires et, ensemble, ils créent un brun parfait pour ces marques. Certaines marques sont plus foncées, utilisez donc un ton plus brunâtre pour celles-ci Les autres zones surlignées seront plus jaunâtres. Et avec ces petites marques, on peut dire que ce tableau est terminé. Il est maintenant temps de signer le tableau. Comme le coin inférieur droit est vert foncé, j'utiliserai de la gouache blanche mélangée or vert et au vert Windsor pour créer une couleur opaque plus claire qui peut bien apparaître sur le fond sombre Si le vert y était plus clair, j'utiliserais simplement un vert plus foncé pour la signature. Je pense que ça s'est très bien passé. La lumière sur les pétales est toujours fascinante à capturer et assez impressionnante. C'est pourquoi j'aime choisir des photos de référence avec une forte lumière. Les peintures ont toujours l'air plus intéressantes avec elle. Une fois terminé, je retirerai le ruban adhésif pour révéler une jolie bordure blanche et des bords nets autour du tableau Pour retirer le tableau de l'alligator, j'utilise toujours un couteau à palette, faisant glisser sous chaque agrafe et en le retirant doucement Enfin, j'ai découpé les marges avec les agrafes, laissant une peinture propre prête à être scannée et éventuellement encadrée Faisons maintenant un bref résumé dans la dernière vidéo et résumons ce que nous avons appris 14. Résumé: Merci beaucoup de m'avoir rejoint dans ce tutoriel de peinture à l'aquarelle J'espère que vous l'avez trouvé agréable et qu'il vous a donné envie d'essayer ce tableau vous-même. Prenons un moment pour récapituler ce que nous avons abordé tout au long de ce projet Nous avons appris à diviser le tableau en sections plus petites et faciles à gérer, ce qui permet d'aborder une œuvre complexe étape par étape sans nous sentir dépassés Nous avons exploré comment capter une belle lumière dans les pétales en laissant zones non peintes et en adoucissant les bords durs des ombres pour renforcer l'illusion d'une lumière éclatante Nous avons peint chaque élément étape par étape, commençant par une première couche de tons clairs et moyens, puis en approfondissant les couleurs et en ajoutant enfin les détails. Chaque couche avait son propre objectif, nous rapprochant d' un résultat final dynamique et réaliste. Nous avons fait preuve de patience en divisant le tableau en sections plus petites et faciles à gérer et l' abordant couche par couche Les nuances et les détails subtils nous ont permis de ralentir et d' appliquer soigneusement chaque coup de pinceau dans le cadre d'un processus méditatif calme J'espère que vous avez apprécié ce processus et que vous vous êtes senti inspiré pour peindre vous-même cette belle fleur de jardin. Merci encore d'avoir passé ce temps avec moi, et je vous souhaite bonne chance dans votre parcours artistique. Bonne peinture, au revoir et prenez soin de vous. Au revoir.