Pensées à l'aquarelle dans un vase en verre - Peindre des fleurs étape par étape avec de la lumière et de la transparence

1. Introduction: Bonjour à tous, et bienvenue ce joyeux tutoriel dans lequel je vais vous montrer comment peindre des pensées colorées dans un vase en verre Il s'agit d'une peinture très belle et vibrante avec une belle composition de couleurs qui espérons-le, vous apportera beaucoup de joie et de plaisir en la peignant. Vous pensez peut-être que cela semble difficile parce qu'il y a de nombreux éléments à peindre, mais j'aimerais changer votre façon de penser : « C'est difficile » à « C'est facile », mais je dois ralentir et tout peindre étape par étape. Je vais vous guider tout au long du processus, et vous verrez que c' est tout à fait faisable Nous devons simplement peindre de nombreux petits éléments qui finiront par se réunir en une seule grande et belle peinture. Je n'utiliserai aucune technique difficile ici, même pas de liquide de masquage Nous allons tout peindre en utilisant seulement deux techniques d'aquarelle de base, principalement humide sur sec et juste un peu humide sur humide Il n'y a rien de difficile en termes de technique. Le principal défi de ce projet est patience et de suivre attentivement le processus. Ce tableau prendra un peu plus de temps à terminer si vous décidez de suivre mes pas de près, mais je crois sincèrement que le résultat final en vaudra la peine. Dans la vraie vie, la peinture est magnifiquement vibrante, colorée et positive, et elle me rend heureuse à chaque fois que je la regarde. J'espère que vous ressentirez la même chose une fois que vous aurez terminé votre propre version. Je dirais que ce projet convient aux peintres plus avancés, mais uniquement parce qu'il y a beaucoup de fleurs à peindre, non parce qu'une seule pièce est techniquement difficile. Vous êtes débutant, vous pouvez absolument l'essayer. Vous pouvez simplifier votre façon de peindre ou utiliser ce projet comme un petit défi et suivre toutes les étapes. Vous pouvez également peindre une seule pensée ou peut-être une petite composition de trois fleurs Vous n'êtes pas obligé de peindre l'œuvre finale dans son intégralité. Une petite étude d'une seule fleur est une merveilleuse façon de pratiquer l'ordre des couches. Et pour voir comment chaque couche affecte les autres. Il s'agit d'un exercice très utile. J'espère que vous aurez envie d'essayer ce tableau, et si vous êtes prêt, passons et je vous expliquerai le processus de peinture que nous allons suivre. 2. Projet et ressources: J'ai préparé une sélection de ressources utiles pour votre projet, disponibles dans la section projet et ressources. Vous trouverez un fichier PDF contenant la liste des fournitures que j'ai utilisées pour cette peinture, ainsi qu'une photo de référence et une image de mon œuvre terminée à titre indicatif. Des dessins au trait de différentes tailles sont également fournis afin que vous puissiez les imprimer et les transférer sur votre papier aquarelle au format qui correspond le mieux à vos besoins Ma peinture est au format 15 x 11 pouces. De plus, vous trouverez des photos de l' avancement des travaux pour vous aider à suivre le processus et à vous concentrer sur des domaines spécifiques. N'hésitez pas à explorer ces matériaux et à les utiliser pour créer votre propre peinture unique et magnifique. Veuillez partager votre peinture finale dans la section des projets et des ressources. Je vous encourage également à prendre le temps de visionner travail de chacun dans la galerie de projets étudiants. C'est toujours une source d'inspiration de voir ce que les autres créent et le soutien de vos camarades peut être incroyablement réconfortant. N'oubliez pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. Enfin, je vous recommande vivement regarder chaque leçon avant de commencer à peindre. Cela vous permettra de bien comprendre à quoi vous attendre à chaque étape du didacticiel. Si vous trouvez ce cours utile, je vous serais très reconnaissant de bien vouloir laisser un commentaire honnête. Vos commentaires m'aideront à améliorer mon contenu et aideront les autres étudiants à décider s'ils souhaitent rejoindre ce cours. Merci d'avance 3. Plan de peinture: Dans ce tableau, je n'ai pas utilisé de liquide masquant, ce qui peut être un soulagement pour certains d'entre vous Toutefois, si vous aimez travailler avec du liquide de masquage, vous pouvez l'appliquer sur les bords des fleurs et du vase Cela vous permettra de peindre le fond plus librement car nous allons commencer par le fond. J'ai trouvé que les contours des fleurs et du vase n' étaient pas trop complexes, alors j'ai décidé de ne pas les masquer et de simplement peindre soigneusement autour d'eux. Nous allons commencer par le fond et le peindre en deux étapes. Dans un premier temps, nous appliquerons un lavage de base à l' ensemble de l'arrière-plan. Dans un deuxième temps, nous ajouterons une autre couche à la zone verte en haut à gauche. Nous allons peindre les rayures et approfondir l'ombre sous le vase. Après cela, nous commencerons à peindre les fleurs. Je les ai divisés en groupes de couleurs similaires car c'est l'approche la plus pratique qui nous permet d'éviter mélanger trop de couleurs et de nous retrouver avec des nuances floues Nous allons commencer par la fleur la plus claire, la pensée blanche au centre violet Ensuite, nous allons peindre les trois principales pensées violettes. Tout d'abord, nous appliquerons la couche initiale, puis nous ajouterons les détails. Comme nous avons déjà des mélanges violets dans la palette, nous les utiliserons également pour peindre les pétales violets restants, ainsi qu' les pétales violets restants, ainsi qu'une autre fleur blanche et violette avec un centre jaune. À ce stade, le tableau commencera à paraître plus coloré et plein de lumière, et cela apporte généralement une belle dose d'énergie pour continuer à peindre. Utilisez cette énergie pour peindre les pensées jaunes et oranges, puis nous finirons les fleurs en peignant celles aux pétales rosés Une fois les fleurs terminées, nous passerons notre palette de couleurs au et peindrons tous les éléments verts. Nous appliquerons une première couche verte sur les feuilles et les tiges. Ensuite, nous ajouterons une deuxième couche pour créer des ombres et enfin terminer la verdure avec les accents de vert foncé les plus profonds. Dans la dernière étape, nous nous concentrerons sur le vase en verre. Cette étape complétera la peinture et réunira tous les éléments. À la toute fin, nous apporterons également quelques ajustements aux ombres situées sous le vase d'apporter un peu plus de lumière dans cette zone. Au début du processus de peinture, vous pouvez faire l'expérience de la phase dite laide, qui apparaît souvent dans de nombreuses peintures. Ce projet en particulier, je l'ai ressenti juste après avoir terminé les premières couches de fond et après avoir peint la première pensée blanche. Même si j'ai compris exactement pourquoi le tableau me paraissait étrange en ce moment, j'ai quand même dû surmonter certaines pensées négatives à son sujet. Lorsque nous commencerons à peindre le fond, je vous expliquerai pourquoi j'ai ressenti cela pourquoi je n'ai pas abandonné et pourquoi vous ne devriez pas non plus. Maintenant que nous connaissons les étapes de la peinture, passons directement au processus. 4. Arrière-plan : couche initiale: Dans cette première partie, nous allons appliquer la couche initiale à l'arrière-plan. Dans ce tableau, je traite tout ce qui se trouve autour du vase et des fleurs comme arrière-plan, y compris la nappe à rayures Nous devons diviser l'arrière-plan en deux étapes distinctes. La raison en est que nous avons des ombres très douces sur la table combinées à des rayures aux bords plus durs. Chaque fois que des bords souples et durs apparaissent dans la même zone, il est toujours plus facile et plus sûr de commencer par peindre tout ce qui est doux et flou Et seulement plus tard, sur les éléments aux arêtes plus nettes. Donc, dans cette première étape, nous allons créer une couche de base souple, et dans l'étape suivante, nous allons peindre les bandes. Avant de commencer, j'aimerais attirer votre attention sur les couleurs et l' aspect général de l'arrière-plan. Vous remarquerez par la suite que je peins les rayures assez rapidement sans me soucier des bords parfaitement droits. Vous verrez également que je peins le fond de manière assez lâche sans trop me concentrer sur les détails. Sur les photos en cours de réalisation, vous pouvez voir des transitions de couleurs légèrement floues, mais également des bords plus nets et ce que nous pourrions appeler de petites imperfections Je n'ai pas essayé de rendre cet arrière-plan parfait. Je voulais rester détendue et porter plus d'attention aux fleurs, qui sont au centre de ce tableau. J'aimerais vraiment que vous relâchiez toute pression lorsque peignez l'arrière-plan et que vous ne vous concentriez pas sur les petits détails. Lorsque vous vous détendez, utilisez un pinceau plus gros et plus d'eau, vous obtiendrez un effet d' aquarelle plus doux et plus pictural Bien sûr, si c'est le look que vous recherchez. Personnellement, je ne voulais pas trop travailler dans ce domaine. La deuxième chose, encore plus importante je voudrais mentionner est le choix des couleurs, en particulier les couleurs des rayures. Notez que, mis à part les verts légèrement plus clairs dans le coin supérieur gauche, les autres couleurs de fond sont plutôt neutres. On pourrait même dire qu'ils n'ont pas l' air très propres ou frais. C'est d'ailleurs la raison pour laquelle je n'ai pas aimé le fond quand je l'ai terminé, car , comme vous le savez peut-être déjà, j'aime les couleurs vives et éclatantes. Cependant, il s'agissait d'une décision très intentionnelle, et il y a une bonne raison à cela. Parce que nous voulons que les fleurs soient lumineuses, éclatantes et gaies, il est très judicieux d'utiliser couleurs moins saturées et plus douces en arrière-plan Ainsi, lorsque nous peignons les fleurs, leurs couleurs apparaîtront naturellement plus vives car elles sont placées à côté d'un arrière-plan plus calme et plus neutre C'est l'un des moyens les plus simples de renforcer les couleurs en les plaçant sur tons plus doux et plus atténués De plus, il existe déjà beaux contrastes de couleurs dans les fleurs elles-mêmes, tels que des pétales jaunes à côté des pétales violets, ce qui contribue également à créer un look vivant et énergique. Ainsi, lorsque vous peignez votre arrière-plan, essayez de ne pas utiliser de couleurs trop saturées et ne vous découragez pas si votre arrière-plan semble terne ou étrange à ce stade Je vous promets qu'une fois que vous aurez peint les fleurs, tout s'assemblera et que l'ensemble du tableau sera éclatant et coloré. Pour le fond, j' utiliserai un pinceau 12, le plus gros pinceau rond que j'ai. Essayez de ne pas utiliser un très petit pinceau car cela vous obligerait à trop vous concentrer sur les détails. Ici, notre objectif est de couvrir l'ensemble du contexte rapidement et de manière souple. Préparons nos couleurs. Nous aurons besoin de quelques bruns chauds, je vais donc commencer par du Sienna brûlé et mélanger avec une petite touche de jaune Windsor profond Ajoutez beaucoup d'eau et gardez ce mélange très léger et aqueux. Nous aurons également besoin d'un gris neutre, je vais donc mélanger du bleu de Sienne brûlé avec du bleu outremer. Cette combinaison crée un gris naturel doux. Pour le coin supérieur gauche, nous aurons également besoin de quelques greens. J'utiliserai de l'or vert seul ainsi qu'un mélange d' or vert et de bleu outremer. Cela donne un vert très beau et naturel. Vous pouvez également utiliser un sous-vert ou tout autre vert similaire que vous avez dans votre palette. J'ajoute également une petite touche de Sienne brûlée et de bleu outremer à mon premier mélange brun pour le rendre légèrement plus neutre Je le garde toujours très léger et très aqueux. J'ai décidé de commencer à peindre sur le côté droit, puis de me déplacer dans le sens inverse des aiguilles d'une montre Si cela ne vous convient pas, vous pouvez bien sûr commencer dans un autre domaine. Comme je souhaite créer des transitions de couleurs douces en arrière-plan, je travaillerai principalement sur mouillé. Cependant, je ne mouille pas tout le fond d'un coup. Au lieu de cela, je ne mouille qu' une petite section sur laquelle je vais travailler immédiatement. L'eau sèche assez rapidement, donc travailler dans des zones plus petites et faciles à gérer vous donne un bien meilleur contrôle Je commence par appliquer le mélange brun puis je passe progressivement au gris. Si vous pensez que le rythme de peinture est un peu trop rapide pour vous, un conseil très utile est préparer un récipient séparé avec l'eau propre et d'utiliser un deuxième pinceau uniquement pour mouiller le papier Ainsi, vous n'avez pas à nettoyer constamment votre brosse principale. Un pinceau est utilisé uniquement pour l'eau propre et l'autre pour la peinture. Au-dessus des fleurs, essayez d'utiliser pinceau verticaux plus grands pour suggérer ces formes verticales douces et floues en arrière-plan Mais n'oubliez pas que vous pouvez toujours adapter l'arrière-plan à votre propre vision. Vous n'avez pas du tout à peindre ces formes verticales. Vous pouvez créer un arrière-plan clair simple avec juste une petite variation de couleur. Vous pouvez également le rendre plus intéressant en éclaboussant de la peinture ou de l'eau propre pour créer des points plus clairs . Faites-en le vôtre. La photo de référence n' est qu'un guide et ne doit pas être suivie à la lettre. Assurez-vous que ce vernis de fond très clair atteigne les bords des fleurs. C'est parfaitement bien si vous peignez accidentellement légèrement sur les pétales. La couche est très légère, et elle sera facilement recouverte plus tard avec les couleurs des fleurs. Nous pouvons également soulever un peu de peinture par la suite pour nettoyer les bords. Il est en fait préférable de passer légèrement au-dessus des fleurs plutôt que de laisser un espace blanc visible entre les fleurs et le fond, ce qui n'aurait pas l'air naturel Maintenant, je mouille le coin supérieur gauche et je passe à mes mélanges verts. Je veux juste suggérer quelques plantes en arrière-plan. Je n'essaie pas de recréer exactement cette zone. J'ajoute simplement quelques formes vertes douces. J'essaie de tenir mon pinceau légèrement incliné, en imaginant que je le pointe vers 16 h environ De cette façon, je commence à suggérer l'orientation générale de l'arrière-plan. La lumière, les ombres et, plus tard, les bandes se déplacent toutes du coin supérieur gauche vers le coin inférieur droit. Je veux soutenir ce mouvement avec mes coups de pinceau. Ajoutez un peu de brun vers le bas et mélangez un peu plus de bleu outremer à vos légumes verts pour varier la Certaines parties du papier peuvent donc déjà commencer à sécher. Lorsque vous ajoutez de la peinture, vous pouvez voir quelques bords plus durs, et c'est tout à fait normal. Permettez que cela se produise. Nous voulons en fait voir une combinaison de bords souples et durs. Ce contraste est généralement très beau à l'aquarelle. Essayez de ne pas être tendu pendant que vous peignez, détendez-vous et permettez les petites imperfections. Si vous utilisez un peu trop d'eau, c'est bien aussi. À l'aquarelle, il vaut généralement mieux avoir un peu plus d' eau que pas assez Vous pouvez légèrement incliner votre peinture pour que les couleurs se déplacent et se mélangent sur le papier. Cela permettra de créer des transitions plus fluides. Continuez maintenant avec le côté gauche de l'arrière-plan. Mélangez à nouveau le bleu de Sienne brûlé et le bleu outremer et peignez avec ce Remarquez à quel point la peinture est aqueuse et à quel point la valeur reste claire Variez la couleur en alternant entre le gris et les tons bruns plus chauds. Laissez quelques petites zones non peintes et rincez et épongez rapidement votre pinceau pour adoucir certains bords L'idée est de conserver quelques points plus clairs tout en conservant des transitions douces. À ce stade, je peins en fait humide sur sec sans mouiller le papier au préalable , car je me sens à l'aise travailler rapidement et d' adoucir les bords au fur Mais n'hésitez pas à pré-mouiller le papier d'abord, si cela vous facilite le processus de peinture et permet à vos couleurs de se fondre plus facilement. J'utilise un gros pinceau et je travaille assez vite, adoucissant les bords durs dès que je les remarque. Maintenant, peignez l'ombre projetée par le vase, appliquez le mélange de gris à gauche et à droite et laissez la zone centrale plus claire. Et sous le vase, ajoutez de la sienne brûlée et placez doucement le brun chaud également autour de la zone centrale plus claire À la toute fin de ce tutoriel, lorsque tout sera complètement sec, nous utiliserons une brosse à récurer pour en extraire quelques points forts Ensuite, continuez à peindre le côté droit, appliquez un ton gris bleu très clair, suivant la direction générale des ombres du coin supérieur gauche vers le coin inférieur droit. Cette première couche est notre base. Nous avons placé les principales ombres douces, et dans la deuxième couche d' arrière-plan, nous ajouterons les rayures de la nappe et approfondirons les tons des plantes dans le coin supérieur gauche Maintenant, j'aime nettoyer le ruban adhésif qui entoure le papier, et maintenant nous pouvons tout laisser sécher complètement, et dans la partie suivante, nous allons terminer l'arrière-plan 5. Arrière-plan - Rayures: Nous allons maintenant aller plus loin dans l'arrière-plan en ajoutant une autre couche aux verts situés dans le coin supérieur gauche et, surtout, peignant les rayures sur la nappe et en approfondissant l'ombre projetée par le Vous remarquerez qu' après cette étape, la belle lumière réfléchie au milieu de l'ombre commence à apparaître. Ce n'est pas encore complètement visible, mais nous y arrivons étape par étape. Je vais d'abord nettoyer le côté gauche de ma palette pour créer un espace de mixage plus propre , car maintenant nous allons légèrement modifier la palette de couleurs. Mais avant de passer aux rayures, terminons la zone verte en haut à gauche. J'ai besoin d'un peu plus de vert, alors je mélange l'or vert avec le bleu outremer. J'utiliserai ce mélange pour donner plus de définition aux formes des plantes en arrière-plan. Je garde également un flacon pulvérisateur avec de l'eau propre à proximité. Je prends mon mélange vert et je commence à ajouter de la texture en appliquant de nombreux coups de pinceau courts qui suggèrent de petites feuilles Je varie la teinte du vert en ajoutant bleu outremer ou du doré vert à mon mix Après avoir appliqué quelques coups de pinceau, j'ai doucement oublié cette zone avec de l'eau propre L'idée est de garder certaines arêtes nettes et de permettre à d'autres de s'estomper Cela crée une belle combinaison de bords souples et durs au-dessus de la première couche plus souple. Maintenant, je vais passer à la peinture des rayures. Pour les rayures, nous aurons besoin d'un violet, d'un orange et d'un bleu. arrêté d'utiliser le violet de Windsor il y a quelque temps, mais je le garde toujours dans ma palette. Et pour ce tableau, j'ai décidé de faire une exception et de l'utiliser pour les rayures. J'utiliserai également un orange transparent prêt à et j'aurai également besoin d'un bleu outremer. J'ajoute une petite quantité de jaune Windsor foncé à l' orange pour le réchauffer, et un peu de rose permanent au violet pour le faire légèrement virer vers le violet. Les rayures dans le dos sont plus douces et plus floues. Donc, après avoir appliqué la peinture, je rince immédiatement mon pinceau et adoucis les bords avec un pinceau propre et humide. Plus les bandes sont proches du spectateur, plus leurs bords sont définis et nets. Je ne cesse de changer légèrement les couleurs et je remarque que je n' utilise pas de règle ni aucun autre outil pour peindre ces bandes. Je veux obtenir un look plus pictural, donc cela ne me dérange pas si les lignes ne sont pas parfaitement droites Dans ce tableau, je veux me détendre un peu et ne pas trop insister sur la perfection C'est également le bon moment pour parler un peu plus de couleur. Comme je l'ai mentionné plus tôt, les rayures et les couleurs de fond en général ne sont pas très vives. Le violet, l'orange et le bleu sont volontairement atténués. En fait, elles peuvent paraître un peu ternes ou même légèrement sales à ce stade, qui peut être inconfortable, surtout si comme moi, vous aimez les couleurs nettes et éclatantes. Cependant, il est très important de désactiver ces couleurs ici. Si les rayures étaient peintes avec des couleurs fortes et saturées, elles attireraient trop l'attention et rivaliseraient avec les fleurs, non seulement à cause de leur couleur, mais aussi deux autres caractéristiques qui attirent naturellement le regard. Ils forment un motif répétitif et ont des arêtes relativement vives. Trois éléments en particulier attirent l'attention dans une peinture : un fort contraste de couleur ou de tunnel, arêtes vives et des motifs répétitifs. Parce que les fleurs sont au centre de cette œuvre d'art, nous devons être plus sobres avec ces rayures, même si elles ne sont pas très attrayantes à ce stade C'est exactement ce qui permet aux fleurs de briller plus tard. En ce qui concerne le violet de Windsor, personnellement, je n'utilise plus cette couleur car je préfère de loin mélanger mon propre violet avec du bleu outremer avec du magenta quinacrodon ou Ce mélange me donne des nuances violettes bien plus intéressantes, allant du bleuâtre au rosâtre, et il semble également plus éclatant Nous utiliserons ce mélange pour les pensées violettes plus tard, et vous verrez à quel point ces violets peuvent être beaux Dans la zone d'ombre des rayures, je mélange un peu de violet à mon orange pour créer un orange brunâtre plus doux et pour suggérer que cette partie de la bande est dans l' Une fois que tout est complètement sec, nous pouvons ajouter une autre couche très légère pour approfondir certaines ombres, mais uniquement si vous pensez que cela est nécessaire dans votre propre peinture. Dans mon cas, je dois absolument assombrir l' ombre projetée par le vase, et je souhaite également ajouter quelques ombres douces sur la table Je mélange un mélange très léger et aqueux de Sienne brûlée, bleu outremer et d' une touche J'utilise ce mélange grisâtre pâle pour peindre délicatement quelques zones d'ombre, et j'adoucit les bords rapidement au fur Les bandes situées en dessous doivent être complètement sèches, sinon elles seraient trop floues lors de l'application de cette couche Je peins très légèrement et rapidement avec un gros pinceau car je ne veux pas perturber les rayures. Dans l'ombre projetée par le vase, j'utilise une valeur légèrement plus foncée et préserve soigneusement la partie centrale plus claire. En assombrissant les zones environnantes, la lumière réfléchie au milieu de cette ombre devient beaucoup plus visible raison du contraste accru Plus tard, nous soulèverons encore plus de lumière et adoucirons certains bords à l' aide d'une brosse à récurer Je fais également varier la couleur à l'intérieur de l'ombre, en passant des tons bleutés aux tons brunâtres pour apporter plus d'intérêt visuel Sinon, l'ombre paraîtrait plate et sans vie. J'ajoute quelques ombres douces sur le côté droit, et après cela, nous pouvons faire une courte pause. Laissez le tout sécher complètement ou utilisez un sèche-cheveux si vous préférez. Dans la partie suivante, nous allons commencer à peindre la première fleur. Nous reviendrons à nouveau sur l' ombre du vase. À la toute fin de ce didacticiel, À la toute fin de ce didacticiel une fois que toutes les fleurs et le vase seront peints, afin de pouvoir ajuster sa valeur tonale finale si nécessaire Pour l'instant, laissez tout sécher et passons à la première fleur. 6. La tête blanche: Dans cette partie, nous allons peindre notre toute première fleur. Ce n'est peut-être pas la plus excitante en termes de couleur, mais nous devons commencer quelque part et commencer la fleur la plus claire est un très bon moyen de faciliter doucement le processus avant passer à des couleurs plus fortes et plus saturées. Pour cette fleur, je vais utiliser un pinceau taille 6 pour commencer. Je nettoierai le côté gauche de ma palette pour mes couleurs restent fraîches et propres et je changerai également l'eau après avoir peint le fond afin de pouvoir à nouveau travailler avec de l'eau parfaitement propre. Si vous regardez cette fleur de plus près, vous remarquerez probablement qu'une vous remarquerez probablement qu' certaine couleur de fond est encore visible sur les pétales et que les bords ne sont pas parfaitement propres et lisses. Dans de telles situations, j'aime utiliser une brosse à récurer J'utilise un pinceau Galeria taille 4 de Windsor Newton. Vous n'avez pas besoin de cette brosse exacte. N'importe quel petit pinceau plat avec des poils légèrement plus rigides, par exemple un petit pinceau acrylique, fonctionnera très bien Ce pinceau de galerie est en fait conçu pour la peinture acrylique. Je mouille le pinceau, je le tamponne doucement sur une serviette en papier pour éliminer l'excès d'eau, puis j'enroule légèrement le bord du pétale d'avant en arrière pour réactiver la Ensuite, je tamponne cette zone avec une serviette en papier pour soulever la peinture De cette façon, je peux nettoyer les couleurs de fond indésirables et aussi adoucir et affiner les bords des pétales. Une autre étape facultative que j' utilise souvent est la gomme nécessaire Il s'agit d'une gomme souple moulable que je peux façonner en un mince rouleau et passer doucement sur mes traits de crayon pour éliminer l'excès de graphite et éclaircir Je le fais habituellement, surtout lorsque je peins des objets de couleur claire car je n'aime pas traits de crayon très foncés qui traversent la peinture. Parfois, à des fins de didacticiel, je laisse intentionnellement les traits du crayon plus foncés afin que vous puissiez les voir plus clairement dans les vidéos. Mais en général, je préfère les croquis très légers. Pour le centre de la fleur, nous aurons besoin d'un mélange violet. Mon préféré est un mélange de quinacrodon magenta et de bleu outremer Cela crée un violet très brillant et souple, et nous utiliserons ce mélange pour toutes les pensées violettes de ce tableau J'aime beaucoup cette combinaison car je peux facilement changer la couleur vers le rose ou bleu en fonction des besoins de la zone. Je garde souvent les deux couleurs légèrement séparées sur ma palette et je les mélange entre les J'ai donc une gamme complète de violettes disponibles Nous aurons également besoin du jaune Windsor profond pour les zones jaunes. Et le dernier mélange dont nous avons besoin est un gris doux fait de Sienne brûlée et de bleu outremer. J'ajoute une petite touche de jaune Windsor profond à ce gris pour le réchauffer légèrement. Maintenant, prenez un gris très clair et, en utilisant la technique humide sur sec, commencez à peindre les ombres sur les pétales. Appliquez le gris et si nécessaire, rincez et épongez rapidement votre pinceau puis adoucissez doucement les bords de l'ombre Pendant que la peinture est encore humide, je prélève également une petite quantité de jaune et je la dépose dans certaines zones du gris afin que les couleurs se fondent doucement sur le papier Certaines ombres ont des bords souples, je les adoucis donc immédiatement avec un pinceau propre et humide. Les autres formes d'ombres étant plus nettes, je laisse simplement ces bords tels quels Vous pouvez également laisser tous les bords tranchants et les adoucir plus tard avec un pinceau à récurer une fois que la peinture est complètement sèche Normalement, j'évite de peindre deux pétales voisins en même temps. Cependant, avec ces pensées, je laisse intentionnellement un très, très mince espace non peint entre les pétales adjacents Certains pétales ont des bords plus clairs et la fine ligne non peinte suggère un bord plus clair Sur le pétale droit, j'ajoute une petite touche de violet car c'est ce que je peux voir sur la photo de référence Notez que je laisse soigneusement reflets les plus brillants non peints Je préserve le blanc du papier car c'est le blanc le plus pur que l' on puisse avoir à l'aquarelle Il y aura plusieurs reflets brillants de ce type sur les fleurs, et ils jouent un rôle très important dans la création d'une forte sensation de lumière. Vous remarquerez également que je peins autour des zones violettes au centre. La raison en est que je réfléchis à l'avance à façon dont le gris et le violet interagiraient. Si je peins d'abord du gris puis que j'applique du violet sur le dessus plus tard, le violet sera terni par le gris situé en dessous En laissant ces zones non peintes maintenant, je peux appliquer du violet vif propre sur la couche suivante Bien entendu, il n'est pas nécessaire de suivre exactement la photo de référence. Nous sommes des peintres et nous pouvons changer tout ce que nous voulons. J'essaie également de simplifier au maximum les formes. Je ne vise pas l'hyperréalisme. Une fois la première couche terminée, nous pouvons la sécher avec un sèche-cheveux. N'oubliez pas d' attendre une minute ou deux après avoir utilisé un sèche-cheveux, car le papier devient chaud. Si vous commencez à peindre immédiatement, la peinture sèche très rapidement et peut être très difficile à contrôler. Laissez le papier refroidir à température ambiante pendant un court instant . Lorsque le papier est complètement sec, nous pouvons récupérer notre mélange de quinacrodon magenta et bleu outremer et peindre Il n'est pas nécessaire de faire correspondre parfaitement les couleurs de la photo de référence. Nous pouvons simplement prendre l'idée générale et la traduire dans notre propre peinture. J'applique le violet en laissant quelques petites zones blanches au centre et en laissant également une petite forme non peinte sur le pétale inférieur pour ce bel accent jaune Après cela, séchez la couche violette. Pendant que le papier refroidit, mélangez une teinte violette légèrement plus foncée en utilisant les deux mêmes couleurs, le magenta quinacradon et le bleu outremer, puis ajoutez un peu de peinture grise Une fois que le centre est complètement sec, utilisez ce violet plus foncé pour peindre les fines lignes caractéristiques qui rayonnent depuis le centre Ce sont des lignes simples et délicates peintes mouillé sur sec. J'ai également décidé d'approfondir le violet près du centre J'ai donc placé le même violet foncé entre les bandes situées autour du centre. Ensuite, je veux ajouter un peu plus gris aux pétales de droite et de gauche pour créer plus de profondeur et repousser doucement ces pétales plus en arrière. Les ombres plus fortes indiquent que le pétale inférieur avance Le pétale inférieur est également partiellement ombragé, j'y ajoute donc également un gris légèrement plus foncé terminer, je place le jaune Windsor au centre et, si nécessaire, j'ajoute une très légère touche de jaune sur le côté gauche. Et cela complète notre première fleur. C'est un début simple et doux et un très bon échauffement avant de passer aux fleurs suivantes. Dans la partie suivante, nous allons commencer par appliquer la première couche sur les pensées violettes 7. Pensées violettes - Couche initiale: Dans cette partie, nous allons commencer à peindre les pensées violettes. Pour l'instant, nous allons nous concentrer uniquement sur les trois fleurs principales. Une fois que nous les aurons terminés, nous passerons aux pétales violets restants plus tard. J'aimerais d'abord travailler sur ces trois fleurs car elles sont très similaires en termes de couleur et de structure, et il est logique de les peindre toutes en même temps. Je passerai à un pinceau légèrement plus grand de taille huit car il sera plus facile et plus rapide d'appliquer cette couche initiale sur les pétales avec un pinceau plus gros. À ce stade, nous ne nous concentrons pas sur les détails Un pinceau plus large nous aide donc à travailler plus efficacement. Nous utiliserons exactement le même mélange violet que pour le précédent Pansy, le magenta quinacrodon et Je ne mélange pas de nouvelles couleurs ici. Je commence par un mélange qui contient plus de quinacrodon magenta, donc la couleur est plus chaude et plus violette Notez que les deux pétales supérieurs sont plus chauds et légèrement plus rougeâtres, j'y utilise donc plus de magenta Les pétales latéraux et inférieurs sont cependant plus froids et plus violets. Donc pour ceux-là, je vais ajouter plus de bleu outremer au mélange Je commence par peindre les pétales supérieurs les plus chauds , puis je passe aux pétales plus froids et plus violets. Si un pétale présente une variation de valeur, par exemple zones plus claires et des zones plus sombres au sein d'un même pétale, essayez d'observer et de capturer cela d'une manière très simple À ce stade, concentrez-vous uniquement sur l' application de la couleur générale principale. Par exemple, certains pétales ont clairement une ombre plus foncée avec un bord plus net, et nous ne pouvons pas réellement peindre ce type de contraste en une Il est beaucoup plus facile d' appliquer d'abord la couleur de base tout en préservant soigneusement les reflets et les zones plus claires. Ensuite, une fois que cette couche est complètement sèche, créez calmement les ombres et les tons violets plus profonds dans la couche suivante. Pour les pétales violets plus froids, je mélange beaucoup plus de bleu outremer et moins de magenta quinacrodon Veillez à ne pas donner à la couleur un aspect bleu. Nous voulons toujours une violette. Essayez donc de trouver un bon équilibre entre les deux pigments. Lorsque j'applique le mélange, vous pouvez clairement voir le changement de couleur. Ce n'est plus un violet chaud, mais il n'est pas non plus bleu. C'est une violette propre et fraîche. Bien entendu, si un pétale contient une zone violette légèrement plus chaude, vous pouvez ajouter un peu plus de quinacridone magenta alors que la peinture En général, cependant, j'essaie de garder ces pétales plus violets. Mais par exemple, les bords extérieurs de certains pétales ont tendance à être un peu plus violets. Notez également que je continue à laisser espaces très étroits entre les pétales et que je n' oublie pas de préserver les minuscules zones blanches et jaunes au centre même de chaque fleur. Il n'est peut-être pas très visible dans la peinture finale de l'image numérisée, mais dans la vraie vie, le bleu outremer ce mélange crée un violet très beau et éclatant Sur cette fleur, il y a des reflets très forts, je laisse donc quelques petites formes triangulaires non peintes pour les capturer. La consistance de ma peinture est assez aqueuse. Je n'essaie pas d'appliquer une épaisse couche de peinture foncée. ne s'agit que de la couche initiale et elle peut rester légère et transparente. Nous n'avons pas encore besoin d'atteindre de fortes valeurs obscures. Une fois cette couche de base en place, il sera beaucoup plus facile de créer des tons plus foncés dans la deuxième couche. Vous remarquerez également que je peins les zones qui deviendront plus tard beaucoup plus foncées au centre des fleurs. Dans les précédentes casseroles blanches, nous avons laissé les centres non peints afin de pouvoir appliquer du violet propre plus tard Ici, il n'est pas nécessaire de laisser ces zones intactes car les zones les plus sombres ces fleurs seront également violettes Cette première couche ne nuira pas à la suivante. Au contraire, cela nous aidera à obtenir un violet plus profond et plus riche à l'étape suivante. Une fois que vous avez appliqué cette première couche tous les pétales des trois fleurs, laissez le tout sécher complètement. Dans la partie suivante, nous allons commencer à travailler sur les détails de ces pensées violettes 8. Pensées violettes - Détails Details: Une fois que la première couche nos pensées violettes est complètement sèche, nous pouvons passer à l'ajout d' ombres et de détails Cette partie sera un peu plus longue car j'aimerais vous montrer les étapes exactes nous utilisons pour peindre ces fleurs. Le même processus sera répété pour toutes les autres pensées ultérieurement Vous voulez maintenant expliquer l'étape plus en détail afin pouvoir ensuite peindre les fleurs restantes avec plus de confiance, même sans suivre de près chaque étape Bien sûr, je vais tout de même vous montrer comment je peins les autres fleurs, mais avec moins d' explications, peut-être pour que le processus ne devienne pas répétitif ou ennuyeux. Avant de commencer, je vaporise mes peintures avec de l'eau propre pour les activer et les rendre plus faciles à utiliser. Je continuerai à utiliser le même mélange violet principal, le magenta quinacrodon, mélangé au bleu outremer, mais nous aurons également besoin d'un violet plus foncé et plus foncé Pour cela, je prépare un second mélange de quinacrodon magenta et de peintures J'utiliserai un pinceau taille 8. Je prends le mélange violet ordinaire et je commence à l' appliquer dans les zones d'ombre en utilisant la technique humide et sèche. Remarquez que ma peinture est encore assez aqueuse. La valeur n'est pas très foncée en elle-même, mais lorsqu'elle est placée au-dessus de la première couche, elle devient immédiatement plus profonde. Si j'ai besoin d'un ton encore plus foncé, je peux toujours ajouter une petite touche de violet foncé à partir du second mélange. À ce stade, je me concentre principalement sur l'approfondissement des ombres et la création de la texture légèrement froissée des pétales Pour obtenir cet effet, je laisse délibérément quelques bords durs de la peinture plus foncée, en particulier près des bords des pétales. Nous n'avons pas besoin d'adoucir tous ces bords. Au contraire, ils contribuent à créer une texture vive et la structure caractéristique des pétales de pensée. Maintenant, j'utilise le mélange violet foncé foncé pour peindre les centres sombres des fleurs. Il n'est pas nécessaire de copier exactement la photo de référence. Cela suffit pour suggérer une forme irrégulière semblable à une étoile avec des bras irréguliers rayonnant depuis le centre N'oubliez pas de laisser les deux petites formes blanches et le centre jaune non peints pour le moment Une fois que ces centres sombres sont en place, il devient beaucoup plus facile de déterminer dans quelle mesure nous pouvons pousser les pétales environnants dans l'obscurité. Sur le pétale inférieur et le pétale de gauche, j'utilise plus de bleu outremer dans le mélange Sur le pétale droit, j' ajoute un peu plus de quinacrodon magenta bleu outremer joue ici un rôle très important car il crée ce magnifique violet éclatant et frais Remarquez comment je laisse de petits espaces entre mes coups de pinceau. Cette technique simple permet de créer la texture froissée naturelle des pétales Nous pouvons toujours revenir sur les zones que nous avons déjà peintes et ajouter un ton plus foncé si nécessaire. Ici, par exemple, j'ajoute un violet plus foncé pour renforcer certaines ombres et repousser ces pétales un peu plus en arrière. Nous pouvons maintenant passer à la fleur suivante et répéter les mêmes étapes. Pour les deux pétales supérieurs, j' utilise encore une fois un violet plus chaud avec plus de magenta quinacrodon J'applique la peinture principalement dans les zones les plus sombres et je décide cas par cas si je veux adoucir les bords ou les laisser nets. Par exemple, sur le pétale en haut à droite, vous pouvez clairement voir un bord d'ombre net endroit où les pétales se chevauchent Je laisse délibérément une marge de manœuvre pour illustrer ce chevauchement. Je tire également la couleur vers les bords du pétale, encore une fois, en laissant de petits espaces entre les coups de pinceau Cela ajoute de la texture et aide également à décrire la forme du pétale. Ces traits irréguliers brisés suggèrent que le pétale est légèrement enroulé Sur le pétale inférieur, je commence à nouveau par établir les tons les plus sombres au centre Une fois que les centres sombres sont en place, je continue à ajouter des ombres aux pétales environnants. Encore une fois, remarquez comment je laisse de petits espaces entre les coups de pinceau et comment je simplifie les formes des ombres par rapport à la photo de référence Et la troisième fleur, je fais exactement le même processus. Cette fois, je commence par peindre d'abord le centre sombre. Il n'y a aucune raison particulière à cela. Cela a simplement attiré mon attention, alors j'ai décidé de commencer par là. En fait, commencer par la zone la plus sombre est souvent une très bonne approche, car cela permet d' établir immédiatement le maximum d'obscurité dans la fleur et vous aide à évaluer plus facilement toutes les autres valeurs J'aime particulièrement l'interaction des couleurs entre magenta du quinacrédon et le bleu outremer dans cette fleur. Il crée des violettes très riches et vives. Une fois que vous avez appliqué la deuxième couche sur les trois fleurs, séchez soigneusement le tout avec un sèche-cheveux ou attendez simplement que la peinture sèche naturellement. Lorsque la peinture est complètement sèche, nous pouvons ajouter les derniers détails qui donnent vie à ces fleurs. Tout d'abord, nous prenons le jaune Windsor profond ou tout autre jaune chaud que vous avez et peignons le centre en jaune, en pensant à préserver les deux petites formes blanches. Maintenant, avec le bout d'un petit pinceau, nous allons peindre les veines. Il s'agit d'une étape très importante, même si ces détails sont assez subtils. Je crois que les nervures ajoutent beaucoup de caractère aux fleurs et nous aident à décrire la forme des pétales. La direction de ces lignes est particulièrement importante car elles montrent comment les pétales sont courbés et pliés. Au début, j'utilise un pinceau de taille 4, puis je passe à un pinceau beaucoup plus fin et plus facile à contrôler. Si votre petit pinceau rond a une pointe très fine, vous pouvez facilement l'utiliser à la place. Assurez-vous que les lignes sont très, très fines. Nous ne voulons pas qu'ils soient épais ou lourds, car cela n' aurait pas l'air naturel Pour les nervures, j'utilise la même couleur violette que sur les pétales, mais légèrement plus foncée. Essayez de ne pas les rendre trop sombres non plus. Si certaines lignes sont à peine visibles, c'est parfaitement bien. Nous pouvons rendre certains d' entre eux légèrement plus forts, particulièrement près des bords des pétales, mais en général, optez pour un ton légèrement plus foncé que celui de la zone environnante. N'utilisez qu'une petite quantité de violet foncé pour renforcer l' ombre au centre même de la fleur. En option, nous pouvons également utiliser un pinceau propre et humide pour réactiver doucement peinture sèche dans certaines zones et enlever un peu de couleur avec l' essuie-tout pour redonner de la brillance Nous n'avons pas besoin d'utiliser une brosse à récurer pour cela. Un pinceau rond ordinaire fonctionne bien. Cette étape n'est pas essentielle, mais elle peut être utile si, par exemple, vous perdez accidentellement des zones plus claires. Plus important encore, j'utilise également la pointe de mon clan de brush pour adoucir les bords, là où j'ai laissé de petits espaces blancs entre les pétales. En frottant doucement le long ces fines interstices et en les épongeant avec un essuie-tout, les bords deviennent plus doux et s'intègrent plus naturellement aux pétales Je répète le même processus de peinture veineuse sur les autres fleurs. À ce stade, je passe à un pinceau à doublure, disons zéro. Si vous avez un pinceau de rigueur, il fonctionnera également parfaitement Il s'agit simplement d'un tout petit pinceau fin avec des poils plus longs, ce qui permet de peindre plus facilement de longs traits délicats Notez que ces veines ne sont pas des lignes droites allant du centre vers les bords. Ils se diversifient. Ils commencent à être rapprochés près du centre et, à mesure qu'ils se déplacent vers le bord extérieur du pétale, ils changent doucement de direction et se divisent en lignes plus petites Terminez les fleurs en ajoutant une touche finale de violet foncé au centre. En quelques coups de pinceau soigneux, nous avons terminé les trois principales pensées violettes Dans la partie suivante, nous allons peindre les pétales violets restants et une pensée violette plus claire avec un centre jaune 9. Autres pensées violettes: Nous avons terminé les trois principales pensées violettes, et comme nous avons toujours nos mélanges violets dans la palette, nous pouvons continuer avec les pétales violets restants de cette composition Beaucoup d'entre eux sont des pétales simples éparpillés dans le bouquet, mais nous avons aussi une autre fleur violette plus claire. Celui-ci est un peu différent. Son ton est plus clair que les pensées précédentes et présente une belle zone jaune sur le pétale inférieur J'aimerais attirer votre attention valeurs des tunnels et en particulier sur les points saillants de certains de ces pétales. Pour les reflets les plus brillants, je laisse délibérément le papier non peint afin de créer une forte sensation de J'adore vraiment la façon dont ces minuscules reflets blancs apparaissent ici et là sur les pétales. On a presque l'impression qu'une lumière scintillante danse sur les fleurs et crée une atmosphère lumineuse et fraîche Essayez de conserver ces reflets et peignez autour d'eux aussi soigneusement que possible. J'utiliserai Ai Six Brush pour cette partie. Recommençons avec notre mélange de magenta rinacredon et de bleu outremer Utilisez cette couleur pour appliquer le ton principal aux pétales qui se trouvent derrière les pétales jaunes. Normalement, je peignais un pétale, saute celui qui se trouve juste à côté et je reviens plus tard après le séchage du premier Ici, cependant, je laisse simplement très petits espaces entre les pétales voisins. Plus tard, j'atténuerai ces espaces afin qu'ils deviennent de subtils bords plus clairs. Déterminez à la fois la couleur et la valeur lorsque vous peignez. Utilisez plus de magenta Quin Acrodon pour des pétales plus chauds, plus violets, et plus de bleu outremer pour des pétales plus froids et plus Dans les zones les plus sombres, vous pouvez également ajouter un peu de ce mélange violet foncé Appliquez le même mélange violet sur les petits pétales visibles entre les plus grands et également le bout ouvrant sur le côté droit. Je sèche rapidement ces premiers pétales avec un sèche-cheveux puis j'applique la violette sur les deux pétales restants ici. Veillez à conserver une petite touche non peinte. À ce stade, je ne place que les couleurs principales des fleurs. Je ne pense pas encore aux détails. Je me concentre principalement sur les zones les plus claires et les zones claires qui doivent rester très claires. Maintenant, je passe à un pinceau plus grand (taille 8) et je commence à peindre les deux pétales supérieurs de la fleur violet plus clair. Ne faites pas trop sombre ici, même si ce sont les pétales les plus foncés de cette fleur en particulier Gardez le ton assez léger pour le moment. Nous l'approfondirons dans la couche suivante. Et encore une fois, n'oubliez pas de laisser les zones surlignées non peintes Une fois cette couche terminée, séchez-la avec un sèche-cheveux. Ensuite, je mélange un violet très, très clair. J'utilise le même quinacrodon magenta et bleu outremer, et j'ajoute une petite touche de jaune Windsor profond pour atténuer légèrement Le jaune est complémentaire du violet, il en neutralise donc doucement l'intensité Ajoutez beaucoup d'eau. Ce mélange doit être très, très léger et transparent. Utilisez le violet pâle pour peindre les trois pétales inférieurs de cette fleur. Encore une fois, n'oubliez pas de préserver les points forts. Pendant que la peinture est encore humide, vous pouvez ajouter une couleur un peu plus forte, soit plus violette, soit une touche de magenta quinacrodon pur pour apporter une touche de variation Sur la photo de référence, vous pouvez voir une belle transition sur ces pétales, en particulier sur le plus gros , entre le jaune et un ton lavande très doux et les bords légèrement plus foncés. Une fois que vous êtes satisfait de cette première couche, séchez soigneusement le tout. Non Nous passons maintenant à la deuxième couche où nous allons approfondir les couleurs. Comme la couche initiale est déjà en place, il est beaucoup plus facile d' obtenir des tons foncés plus riches. La première couche est désormais notre ton le plus clair, et lorsque nous peignons la deuxième couche, nous pouvons intentionnellement laisser de petits espaces entre les coups de pinceau afin que la couleur plus claire du dessous soit visible. De cette façon, nous approfondissons non seulement la couleur, mais nous créons également une petite texture visuelle, en particulier sur les bords des pétales. Dans des domaines comme celui-ci, n'essayez pas d'analyser exactement ce que vous voyez dans la référence. Nous n'avons pas besoin de bien comprendre toutes les formes. Concentrez-vous plutôt sur les principales zones de couleur et, surtout, sur les valeurs tonales Assurez-vous de créer des ombres fortes et profondes là où c'est nécessaire. Maintenant, nous pouvons également appliquer une autre couche violette sur les pétales ici et approfondir leur couleur. Remarquez que le violet très clair de la première couche reste visible dans les zones surlignées autour desquelles nous peignons. Approfondissons également la couleur du deuxième pétale. Pour les pétales plus clairs, j'ajoute des ombres légèrement plus foncées sur le gauche et droit, juste au-dessus du pétale inférieur principal Ces ombres repoussent doucement les pétales latéraux arrière et permettent au gros pétale inférieur de s'avancer Je laisse également tomber un peu plus de violet dans le pétale inférieur principal Dans un troisième temps, je passe à un pinceau à doublure plus petit, taille zéro, et comme sur les fleurs précédentes, j'ajoute les nervures très fines. Je trouve que ces lignes délicates ajoutent beaucoup de caractère aux fleurs, et j'aime vraiment les peindre. Parfois, même si un pétale ne montre pas clairement de nervures dans la référence, j'aime quand même en ajouter quelques-unes simplement parce que je trouve que les fleurs paraissent souvent plus expressives avec elles. La dernière étape pour cette fleur est le centre. J'applique du jaune Windsor en profondeur sur cette zone, et pendant que la peinture est encore humide, je rince mon pinceau et j'adoucis doucement les bords du jaune avec un pinceau propre pour créer une transition plus douce avec le violet environnant. Après avoir séché le jaune, j'ajoute également quelques veines très subtiles pétales plus clairs à l' aide de mon pinceau à doublure. Nous devons également ajouter un peu plus de violet sur les deux pétales latéraux. Ensuite, en utilisant le même pinceau fin et un mélange violet foncé, je peins les bandes plus foncées qui rayonnent depuis le centre terminer, j'utilise à nouveau ce violet foncé pour approfondir l'ombre au centre même de la fleur. Et avec ça, les fleurs violettes sont terminées. Dans la partie suivante, nous passerons à la peinture des pensées jaunes et oranges 10. Pensées jaunes et orange es: Mais dans cette partie, nous allons complètement changer notre palette de couleurs et peindre les pensées jaunes et oranges magnifiquement contrastantes pensées jaunes et oranges En termes de technique et d'ordre des couches, rien ne change radicalement. La principale différence ici résidera dans les couleurs. J'utiliserai un pinceau taille 8 pour cette étape. J'ai déjà nettoyé le côté gauche de ma palette et changé l'eau de mon récipient afin que nous puissions travailler avec des couleurs fraîches et propres. Commençons par préparer les couleurs. Je vais commencer par le jaune Windsor, mon jaune cool. Et mélangez-le avec Windsor Yellow Deep. Cette combinaison fonctionne très bien pour ces fleurs. Comme toujours, la première couche est la couche de base. Je commence par rechercher les couleurs les plus claires que je puisse voir dans les pétales que je vais peindre. Sur la première fleur, le pétale gauche présente de beaux reflets, mais ils ne sont pas d'un blanc pur Ainsi, au lieu de laisser le papier complètement non peint, j'applique une très légère couche de jaune Windsor En bas et sur le côté droit, je peux utiliser un jaune plus fort car il n'y a pas de reflets très vifs à y conserver. Pour les deuxièmes casseroles, j'utilise le jaune Windsor profond comme couleur de base et je l'applique sur toute la fleur. Cela crée une base parfaite pour les couches ultérieures. Je réfléchis également à l'avenir à la façon dont ce jaune affectera les prochaines couleurs. Dans ce cas, cela fonctionne très bien car le jaune est l'une des principales composantes des tons orange et rouge que nous appliquerons plus tard. L'orange foncé sera créé à partir du jaune Windsor profond et du rouge quinacrodon Même si vous utilisez une orange prête à l'emploi, telle que l'orange transparente, cette sous-couche jaune ne fera que rendre la couleur plus éclatante Je tiens également compte des centres marron très foncés. Le jaune en dessous n' endommagera pas non plus ces couleurs sombres, je n'ai donc pas besoin de laisser ces zones non peintes Une fois cette première couche terminée, je sèche le tout avec un sèche-cheveux. Nous passons maintenant à la deuxième couche où nous approfondissons les couleurs et peignons les ombres. Si nous mélangeons un jaune froid avec du jaune chaud, nous obtenons un jaune plus neutre qui peut fonctionner comme couleur d'ombre de base. Mais pour le rendre légèrement plus foncé et plus naturel , il suffit d'ajouter une très petite quantité de couleur complémentaire. Dans ce cas, Violet. Une petite touche suffit pour déplacer le jaune et créer une ombre crédible L'utilisation de couleurs complémentaires est un moyen très efficace de créer des ombres neutres. Je commence par ce mélange jaune neutralisé et je l'applique dans les zones d'ombre Cependant, sur cette première fleur, nous pouvons également voir des ombres plus chaudes. Nous pouvons les créer en utilisant des couleurs de la même famille de couleurs ou d'une gamme de couleurs analogues voisines Nous pouvons utiliser de l'orange transparent ou une touche de rouge Quin Acrodon Mais dans mon cas, j' ajoute un peu de CNA brûlé au jaune créer une ombre plus nette et plus chaude. Il existe de nombreuses façons de modifier le jaune pour les zones d'ombre, mais la chose la plus importante à retenir est de n'utiliser qu'une très petite quantité de pigment supplémentaire. Le jaune est extrêmement sensible et il est très facile de donner aux ombres un aspect boueux et anormal Une petite touche de violet, de brun, d'orange ou de rouge est généralement plus que suffisante pour obtenir une ombre chaude. Sur le pétale en haut à droite, j'utilise un peu plus de sienne brûlée pour réchauffer et approfondir l'ombre Maintenant, pour la deuxième fleur, nous commençons à créer des tons rouge-orange plus profonds. Ici, j'utilise principalement le rouge de quinacridone, qui se transforme en orange riche lorsqu'il est appliqué sur la base jaune chaud J'aimerais vous montrer deux manières différentes d' appliquer la peinture. La première méthode consiste à commencer par une couleur plus foncée et à l' appliquer humide sur sec. Dans ce cas, je place rouge de quinacrodon directement sur la couche jaune sèche Après avoir appliqué la couleur forte, je rince rapidement mon pinceau et j'adoucis les bords avec un pinceau propre, sauf si je souhaite intentionnellement conserver un bord d'ombre net. Voici un autre exemple. Je place le rouge le long du bord du pétale, puis je l'adoucis vers le centre créer une transition douce du rouge au jaune La seconde méthode, que vous trouverez peut-être plus facile, fonctionne dans le sens inverse. Nous commençons par un ton léger. Ici, j'utilise un léger lavis d'orange transparent, mais vous pouvez tout aussi bien utiliser un rouge quinqudon dilué J'applique la couleur claire sur l'ensemble du pétale, et pendant que la peinture est encore humide, je laisse tomber un rouge quinacrodon plus prononcé sur les bords et je fais quelques traits plus longs vers Dans ce cas, nous travaillons mouillé sur mouillé, ce qui facilite les transitions douces. Répétons cette opération une fois de plus sur le plus gros pétale. Tout d'abord, j'applique un léger lavis d'orange transparent. Encore une fois, vous pouvez utiliser un quinacrodon rouge clair place ou même simplement des vents jaunes profonds Ensuite, alors que la surface est encore humide, j'ajoute du rouge de quinacrodon plus fort sur les bords et je le laisse se fondre Les deux approches fonctionnent aussi bien. Cela dépend simplement si vous préférez travailler principalement humide sur des bords secs et adoucis ou peindre plus humide sur mouillé Je sèche ensuite ces pétales et j'applique rouge quinacrodon sur le pétale final, laissant un petit espace triangulaire afin que le jaune de la première couche reste visible en tant que Une fois que la couche précédente est complètement sèche, nous pouvons ajouter les détails sombres caractéristiques. Je passe à un pinceau taille 6 et je mélange une couleur marron foncé. J'associe la Sienne brûlée à alizarine cramoisie permanente pour créer une version plus claire de Puis je mélange un deuxième pétale plus foncé en ajoutant une petite quantité de peinture grise Nous avons maintenant un marron plus clair et un marron plus foncé. Je commence par le marron clair et je peins les formes sombres caractéristiques sur les trois pétales jaunes J'ai appris que ces formes au centre des pensées sont souvent appelées taches ou taches centrales Assurez-vous de les placer dans la bonne position et d'éviter de peindre au-dessus du centre et deux petits coins lumineux des pétales latéraux. Essayez de garder la forme générale similaire à celle de la référence, mais n'oubliez pas qu'il n'est pas nécessaire qu'il s'agisse d'une copie exacte. Pendant que la peinture est encore humide, je ramasse le marron foncé et je le dépose sur certaines parties de la tache pour apporter une plus grande variation Répétez le même processus sur la deuxième fleur. Dans ce cas, j'utilise lazarin cramoisi un peu plus permanent pour garder la couleur un peu plus sur le Une fois que tout est complètement sec, j'utilise un petit pinceau et le mélange marron foncé pour peindre les fines lignes qui rayonnent depuis le centre J'ai aussi appris qu'on les appelle parfois moustaches Maintenant, avec un ton très clair de rouge quinacrodon, j'ajoute quelques ombres délicates pour améliorer la texture des pétales Je commence par une petite ombre rosée sur la gauche à l'aide de mon pinceau à doublure Ensuite, je passe à un pinceau taille 6, et en utilisant un mélange très léger de rouge quinaquédon, parfois mélangé à un peu de jaune Windsor, j' ajoute des ombres douces à quelques endroits Plus important encore, je place une ombre douce juste au-dessus du pétale inférieur Cela permet de séparer le pétale inférieur des pétales latéraux et pousse légèrement le pétale latéral vers l' J'ajoute également quelques ombres triangulaires allongées sur les pétales pour suggérer leur texture de papier légèrement froissée Notez que ces ombres sont très subtiles. Ils ne sont que légèrement plus foncés que le jaune principal. Nous ne voulons vraiment pas les rendre trop forts. J'approfondis également le centre de la fleur avec un mélange marron plus foncé pour augmenter la sensation de profondeur Sur la deuxième fleur, je commence par m'assurer que les pétales supérieurs sont suffisamment foncés. Je mélange du rouge quinacrodon avec une petite touche de sarin cramoisi permanent pour créer un rouge plus foncé et je l'applique sur les pétales supérieurs Ensuite, j'utilise de l'orange transparent ou nous pouvons également utiliser une tonne de rouge quinacrodon pour ajouter plus de marques et de texture aux pétales afin de renforcer l'effet froissé En guise de touche finale, nous pouvons également ajouter quelques veines très fines ici et là. Et assurez-vous d' approfondir à nouveau le centre de la fleur pour la repousser visuellement. Enfin, à l'aide de la pointe d'un pinceau propre, je passe doucement le long de certains bords des pétales pour réactiver la peinture et apporter un peu de couleur à l' aide d'un essuie-tout Cela rend les bords légèrement plus légers et beaucoup plus doux. Si nous avons oublié trop de peinture, nous pouvons toujours réappliquer doucement un peu de jaune Et cela complète les pensées jaunes et oranges. Ce contraste entre les violets et les jaunes donne vraiment vie à la peinture. Dans la partie suivante, nous allons peindre les fleurs roses, ce qui nous aidera à créer un bel équilibre de couleurs dans la composition. Faites une petite pause si vous le souhaitez, et lorsque vous serez prête, nous passerons aux deux dernières fleurs. 11. Pensées roses: Dans cette partie, nous allons peindre les deux dernières fleurs et terminer une étape très importante du tableau. Une fois ces fleurs terminées, toutes les fleurs de notre composition seront terminées. C'est donc le moment idéal pour faire une pause et apprécier le chemin que vous avez parcouru. N'oubliez pas que peindre n' est pas une question de vitesse. Ce n'est pas une course et il n'y a pas de compétition. Prenez votre temps, ne vous précipitez pas et profitez du processus. Nous nous fixons de petits objectifs en cours de route et les atteignons étape par étape. Je vais maintenant utiliser un pinceau taille 8 pour cette première couche. J'ai nettoyé le côté gauche de ma palette et j'ai changé l'eau pour pouvoir travailler avec des couleurs propres. Commençons par mélanger un jaune neutre en utilisant une combinaison de jaune winsor froid et de jaune winsor chaud En plus du jaune, nous aurons également besoin de rouge quinacrédon et d'un rose légèrement plus froid, dans mon cas, de rose dans mon cas, Ces trois couleurs sont suffisantes pour cette couche initiale. Ici, je remarque que j'ai oublié de dessiner l'un des pétales, alors je l'esquisse rapidement Nous pouvons maintenant commencer par appliquer une très, très légère couche de jaune. Dans mon cas, elle semble légèrement plus orange car il y a encore un peu de rouge sur mon pinceau, et l'eau n'est plus parfaitement propre, mais c'est tout à fait normal. Nous n'avons besoin que d'une base chaude très légère. Pendant que ce premier lavage est encore humide, ajoutez peu de rouge de quinacridone et laissez-le s'étendre doucement sur la Notez que j'utilise beaucoup d' eau et que la consistance de la peinture est très aqueuse Aide à créer des lavages doux et des transitions de couleurs fluides Je place le rouge principalement dans les zones qui attirent immédiatement mon attention sur la photo de référence. ne s'agit que d'une couche initiale Je me concentre donc sur le placement des couleurs principales que je peux voir dans la fleur, mais dans une valeur tonale plus claire , tout en préservant les zones claires et les reflets Le pétale inférieur est plus jaune. Près du centre, j'utilise un jaune plus fort, et vers les bords, je garde le ton plus clair. Sur le bord extérieur, j'ajoute une touche de rouge quinacrodon Ce pétale montre donc une transition douce entre un centre jaune et un bord légèrement orange plus chaud Trois Pendant que la peinture est encore humide, je peux aussi ajouter un peu plus rouge quinacrodon pour approfondir légèrement la Pour le pétale en haut à droite, je commence par une très légère touche de rouge quinacrodon, puis un ton plus prononcé de la J'ajoute également de la rose permanente car cette couleur rose est clairement visible dans ce pétale. Près du centre, j'ajoute également une petite touche de jaune. Je peins le pétale gauche de la même manière, encore une fois, en ajoutant un jaune légèrement plus fort plus près du centre La deuxième fleur rose ressemble beaucoup à la première. Appliquez de légères touches de jaune et de rose, en gardant le jaune près du centre et en plaçant rouge quinacudon le long des bords des pétales Dans cette fleur, les deux pétales supérieurs sont légèrement plus froids, j'utilise donc des rangées permanentes pour eux. Pensez également à laisser le petit surlignage non peint sur le pétale gauche Une fois la couche initiale terminée sur les deux fleurs, laissez le tout sécher complètement ou utilisez un sèche-cheveux pour accélérer le processus. Lorsque la première couche est complètement sèche, nous pouvons passer à l' approfondissement des couleurs et à l'ajout de détails. Je passe maintenant à un pinceau taille 6. Je commence par renforcer les tons rouges chauds du pétale gauche J'applique le rouge de quinacrodon en utilisant la technique humide sur sec, puis adoucis les bords pour qu'il se fond parfaitement dans la couche précédente En même temps, j'ajoute quelques traits subtils avec des bords plus durs pour suggérer une texture légèrement froissée J'approfondis également la couleur sur le pétale en haut à droite. Je commence par le rouge quinacridon dans la zone d'ombre, mais je constate que la valeur n' est toujours pas Donc, pour approfondir cette ombre, j'utilise une couleur analogue avec une plage de valeurs tonales plus large Dans ce cas, du lazarin cramoisi permanent. Cela me permet d'obtenir un rouge plus foncé et plus riche. J'ajoute ensuite plus de rose sur les zones environnantes du pétale et je laisse tomber un peu plus de jaune près du centre Dans l'ensemble, je garde ces deux pétales supérieurs légèrement plus foncés que le reste de la fleur. J'ajoute également des ombres pour séparer clairement les pétales qui se chevauchent J'aime beaucoup peindre ces formes triangulaires courtes et allongées le long des bords des pétales. Elles créent un joli effet froissé. En adoucissant certains bords et en laissant d'autres plus nets, nous ajoutons de la variété et un intérêt visuel Ensuite, j'ajoute un peu plus de jaune aux pétales. Après cela, j'ai remarqué que le pétale supérieur avait encore besoin de plus de profondeur J'ai donc utilisé un mélange plus concentré de rouge de quinacridone et de rose permanente pour Pour maintenir l'équilibre de la fleur, j'assombrit également légèrement le pétale gauche Sur la deuxième fleur, je commence par assombrir le pétale supérieur gauche en utilisant une rose permanente plus forte J'approfondis également le pétale inférieur avec un rose plus fort et renforce le jaune près du centre Ensuite, je renforce les couleurs des pétales de droite et de gauche en appliquant les mêmes couleurs que dans la première couche. Cette deuxième couche rend naturellement les couleurs plus riches et plus intenses. Sur le pétale en haut à droite, il y a une belle ombre qui se chevauche, alors je commence par la façonner avec une rose permanente Ces pétales superposés sont très attrayants car ils apportent une sensation de translucidité, comme dans les pensées violettes que nous avons peintes Une fois la deuxième couche terminée, séchez complètement les fleurs. Ensuite, nous pouvons ajouter les derniers détails. Mélangez Winsor Yellow Deep avec du sarin cramoisi permanent. Cela crée un brun chaud et vif, assez semblable à la sienne brûlée, mais légèrement plus riche Utilisez cette couleur pour peindre les taches centrales sur les pétales des deux Séchez à nouveau la peinture et préparez un ton beaucoup plus foncé en ajoutant de la zarine cramoisie plus permanente et une touche de aide de ce mélange foncé et d'un petit pinceau ou simplement de la pointe d'un fin pinceau rond, peignez les délicates moustaches foncées au centre Maintenant, approfondissez le centre même de chaque fleur pour créer une sensation de profondeur plus forte. J'ajoute également un peu plus jaune Windsor en profondeur au centre. Enfin, terminez les fleurs en peignant les fines nervures en utilisant les mêmes couleurs que sur les pétales, le rouge quinacrédon et Répétez exactement le même processus sur la deuxième fleur rose. D'abord, les moustaches foncées, puis le centre le plus profond et enfin, les veines délicates Avec cela, nous avons franchi une étape très importante dans ce tableau. Toutes les fleurs sont terminées et l'œuvre d'art semble déjà lumineuse, ensoleillée et pleine de vie. Nous avons encore deux petits objectifs devant nous. Peignez d'abord les feuilles et les tiges, puis peignez la face en verre. Faites une petite pause si vous le souhaitez, et dans la partie suivante, nous reviendrons sur le tableau avec un regard neuf et une énergie nouvelle. 12. Feuilles et tiges: J'espère que vous êtes prêt à passer aux éléments verts de notre peinture. Dans cette partie, je vais vous montrer comment je peins les feuilles et les tiges. Nous allons diviser l'étape en trois étapes claires. Dans un premier temps, nous appliquerons une couche verte de base à tous les éléments verts. Une fois cette couche sèche, nous appliquerons une deuxième couche pour assombrir les zones sélectionnées Enfin, dans la troisième étape, nous ajouterons les tons les plus sombres pour augmenter la profondeur et la dimensionnalité Croyez que travailler sur au moins trois niveaux est une approche très efficace. La première couche représente les tons les plus clairs. La deuxième couche crée les tons moyens et la troisième couche définit les valeurs les plus sombres Cette gamme tonale élargie nous aide à créer des formes tridimensionnelles plus convaincantes Mélangeons la couleur de la couche de base initiale. Je mélange l'or vert avec le bleu outremer, et j'ajoute également une petite touche de vert Windsor jaune pour donner au vert un aspect un peu plus frais Je garde aussi de l'or pur sur le côté. Il n'est pas nécessaire d'utiliser exactement les mêmes pigments. Si vous avez un subgreen ou un hookers green, par exemple, ils fonctionneront parfaitement Vous pouvez simplement les ajuster légèrement. Par exemple, ajoutez un peu de jaune chaud au vert des prostituées. Vous pouvez également utiliser le vert Windsor, le jaune ou même le vert Windsor, bleu et le modifier en ajoutant un peu de jaune. J'utiliserai un pinceau taille 6 pour cette pièce. Je change également mon eau parce que je veux travailler avec des légumes verts frais et propres. Je choisis d'abord une couleur verdâtre très claire et neutre dans la partie supérieure de ma palette Il reste encore un peu de couleur de fond ici. J'utilise le vert tendre pour combler les espaces entre les fleurs dans la partie supérieure, puis j'ajoute un peu plus de vert. Et maintenant vient la partie facile et relaxante. Cette étape est en fait très simple. On a vraiment l'impression de colorier dans un livre de coloriage. Il suffit d'appliquer une couche verte de base à tous les éléments verts. À ce stade, nous ne pensons pas encore à la forme, à la lumière ou à l'ombre. Je veux juste tout recouvrir d'une couche de base jaune-verte. Ce faisant, vous pouvez bien sûr varier la teinte du vert, ajouter plus d' or vert, plus de bleu outremer, une touche de jaune ou même un vert différent si vous Vous établissez simplement la sensation générale du feuillage. Vous pouvez donner aux verts un aspect plus frais en ajoutant du vent, du vert ou une touche de jaune transparent Vous pouvez les rendre plus olives en ajoutant un peu de Bnciena ou Utilisez n'importe quel mélange vert qui, selon vous fonctionnera bien avec vos fleurs. Un bon dessin est très utile à ce stade. Assurez-vous donc que les formes principales de vos feuilles et de vos tiges sont clairement esquissées J'ai les formes principales en place, mais je vérifie constamment la photo de référence et je laisse délibérément petits espaces entre certaines zones vertes pour suggérer des espaces entre les feuilles et les tiges. Vous pouvez voir que sur cette petite feuille, une certaine couleur de fond est encore visible, mais ce n'est pas un problème car le vert la recouvrira facilement. Essayez d'utiliser une consistance de peinture qui vous permet d'appliquer des lavages lisses et uniformes sans trop de bords durs Mais si vous obtenez quelques fleurs ou des arêtes vives, ne vous inquiétez pas pour elles. Ils ne feront qu'ajouter une texture plus naturelle au feuillage. Remplissez les espaces entre les fleurs et peignez soigneusement le long du bord du vase. Il y a aussi quelques feuilles sur le côté droit, alors n'oubliez pas de les inclure. Comme vous pouvez le constater, nous utilisons une technique humide sur sec très simple et nous appliquons des lavages plats Oh. Déplacez-vous maintenant vers le bas et commencez à peindre les tiges. Je tiens ici à attirer votre attention sur deux points très importants avant qu'il ne soit trop tard. Dans l'image de progression du travail, vous pouvez clairement voir où j'ai appliqué le vert à ce stade. Notez que je laisse une bande non peinte le long du bord du vase et, plus important encore, je laisse également une zone non peinte au milieu du C'est là que se trouvera la surface de l'eau. Essayez de ne pas recouvrir ces deux zones de peinture. Ils sont essentiels pour créer ultérieurement l'effet de verre transparent. Dans les deuxième et troisième couches vertes, nous allons également peindre soigneusement autour de ces zones, et ce n'est que lorsque nous passerons au vase que nous les remplirons de couleur. À partir de maintenant, je peux travailler un peu plus vite car il ne se passe rien de très complexe. J'applique simplement la couche vert clair toutes les tiges en gardant toujours à l'esprit d'éviter les deux zones que je viens de mentionner Une fois la première couche verte terminée, séchez complètement le tout, puis nous pouvons passer à la deuxième couche. Maintenant, la première couche verte est sèche et nous sommes prêts à approfondir certaines zones et à ajouter plus de dimensionnalité. J'utilise toujours un pinceau taille 6. Pour les couleurs, je continue à utiliser le même mélange de vert, vert doré avec du bleu outremer et une touche de teinte vert-jaune Windsor De plus, je prépare un mélange vert plus foncé en mélangeant de l'or vert, bleu outremer et des peintures grises En partant du côté gauche, je parcourt la zone verte section par section, en comparant constamment ma peinture avec la photo de référence. Chaque fois que je vois qu'une zone doit être plus foncée, j'applique la deuxième couche et je simplifie le tout. Je n'ai pas vraiment besoin de savoir si je peins une feuille, une tige ou autre chose. Mon seul objectif est de placer des formes plus sombres pour apporter plus de profondeur. Dans la plupart des domaines, je ne me donne pas la peine d'adoucir les bords. Les bords durs sont parfaitement adaptés ici. Si vous regardez l'image du travail en cours, vous pouvez clairement voir où la deuxième couche verte plus foncée est appliquée. Sur la plus grande feuille, je laisse très fines lacunes non peintes pour suggérer la nervure centrale et quelques nervures secondaires Je répète la même approche sur la plus petite feuille. À ce stade, vous pouvez déjà commencer à introduire les verts les plus foncés à quelques endroits, mais nous nous concentrerons principalement sur les accents les plus sombres à la troisième étape, sauf si une zone particulière est très foncée dans la référence Vous remarquerez que les formes commencent à paraître assez abstraites, en particulier dans les zones situées entre les fleurs. Je n'essaie pas de décrire chaque feuille avec précision. Je crée simplement des formes abstraites qui se liront plus tard comme des feuillages lorsqu'on les considère dans leur ensemble. Sur cette feuille, je peins la nervure centrale et les nervures ramifiées directement avec le vert au lieu de laisser des trous Je fais de même sur le feuillet inférieur. Tout est peint de manière très simplifiée en utilisant une technique basique humide sur sec. Je passe maintenant aux tiges au-dessus du niveau de l'eau, et c'est la partie la plus intuitive de la peinture et honnêtement la plus difficile à expliquer J'observe simplement la photo de référence, remarque les zones qui me tiennent le plus à cœur, puis je les traduis dans ma peinture. Je me concentre principalement sur les zones sombres entre les tiges, car ce sont elles qui attirent le plus mon œil J'ajoute également du brun pour introduire une petite variation de couleur. Mon objectif principal est d'augmenter la variété des valeurs des tunnels. Je garde à l'esprit que la source de lumière vient du côté gauche, et c'est pourquoi je quitte souvent le bord gauche d' un briquet pour suggérer que la lumière l'atteint Je prends un peu de sienne brûlée et je le mélange à mon vert plus clair J'introduis également le ton plus chaud sur les tiges situées sous la surface de l'eau Ces tiges sont un peu plus faciles à peindre car leurs formes sont clairement définies Je peux traiter chaque tige individuellement et appliquer la deuxième couche verte pour les assombrir Encore une fois, j'évite de peindre le long du bord gauche pour conserver une bande plus claire éclairée par le soleil J'assombrit également les tiges qui sont plus en arrière et plus ombragées La deuxième couche est terminée, séchez le tout avec un sèche-cheveux, et dans la troisième et dernière étape, nous n'ajoutons que quelques accents les plus sombres soigneusement placés J'utilise le mélange vert le plus foncé avec des peintures grises et je passe à un pinceau plus petit de taille 4 Je passe en revue les zones vertes et je compare chaque section avec la photo de référence à la recherche points à assombrir. Il s'agit de très petits ajustements, formes minuscules et de lignes courtes qui renforcent la profondeur et donnent au feuillage un aspect plus tridimensionnel. Je compare également les valeurs du tunnel entre les légumes verts et les fleurs, en particulier avec les centres très foncés des fleurs. Pour maintenir l'équilibre de la peinture, le feuillage a également besoin de quelques accents sombres profonds. Sinon, les feuilles paraîtraient trop claires par rapport aux fleurs. Une fois que ces ombres sont en place, les fleurs et le feuillage sont beaucoup plus harmonisés Ils partagent désormais une valeur tonale similaire, allant très clairs aux tons moyens en passant par les tons foncés profonds, ce qui donne à la peinture apparence plus complète et plus réaliste, même si les zones vertes semblent encore assez abstraites lorsqu'on les regarde de près Maintenant, séchez soigneusement le tout, et dans la dernière partie de ce didacticiel, nous allons peindre le vase en verre. 13. Vase en verre: Bienvenue dans la dernière partie de ce didacticiel. À ce stade, nous terminerons la peinture en travaillant sur le vase en verre et ajustant légèrement l' ombre située en dessous. Je vais commencer par un pinceau taille 6. Je prépare une zone propre sur le côté gauche de ma palette pour mélanger bleu outremer pur et une couleur beige neutre à base Sienne brûlée et de Commençons par le bord du vase en verre. Choisissez le bleu outremer et mélangez-le avec un vert foncé pour créer une couleur turquoise foncé Appliquez cette couleur foncée sur le bord, commençant par les zones les plus sombres À partir de ce moment, nous allons peindre des formes abstraites qui finiront par se réunir pour créer l'illusion d'un vase en verre. J'aimerais que vous changiez légèrement votre état d'esprit à ce sujet. Au lieu de penser que vous peignez un vase, considérez-le comme une collection de petites formes abstraites, claires et sombres. Ces formes sont très petites et nous travaillons souvent uniquement avec le bout du pinceau. Si vous peignez dans un format plus petit, vous devrez simplifier davantage les formes ou passer à un pinceau plus petit. Mais essaie de ne pas te précipiter. Observez attentivement et recréez les formes que vous pourrez voir sur le bord plus tard à la surface de l'eau, et enfin au fond du vase Ce sont ces trois domaines qui demandent le plus de patience et de précision. Commencez par les formes les plus sombres les plus visibles et créez lentement les couleurs plus claires autour d'elles. Assurez-vous de laisser certaines zones blanches non peintes. Maintenant, je passe à une brosse de taille 4 pour un meilleur contrôle. Je prends un mélange de bleu outremer et de sienne brûlée et commence à peindre le bord de l'eau Ces formes horizontales allongées décrivent la paroi vitrée et le bord de l'eau à l'intérieur du vase. Pendant que vous peignez, variez à la fois la couleur et la valeur. Concentrez-vous particulièrement sur les tons sombres et placez-les à côté des zones blanches pour créer un fort contraste. Lorsque vous peignez du verre, les arêtes vives et le contraste élevé sont extrêmement importants. Mélangez ensuite à nouveau le bleu outremer avec un peu de vert foncé et utilisez cette turquoise foncée pour peindre les formes les plus sombres au fond du vase Il est beaucoup plus facile de commencer par les accents les plus sombres et d'établir leur placement en premier Une fois qu'ils sont entrés, il devient plus facile de remplir les zones restantes. Vous remarquerez des verts, des bleus et des bruns dans la référence. Essayez d'intégrer toutes ces couleurs. Dans le verre, les couleurs sont déformées et mélangées, et nous voulons suggérer cet effet. Ne vous inquiétez pas des lavages irréguliers ou des bords durs. Ils sont en fait très importants ici. Les bords durs aident à créer la surface brillante réfléchissante du verre. Utilisez les valeurs de lumière pour peindre certaines des formes les plus claires, puis ajoutez quelques marques plus sombres et plus saturées. N'oubliez pas de toujours laisser les zones blanches les plus brillantes non peintes Une fois que les trois éléments les plus importants sont en place, à savoir le bord , le bord de l'eau et les formes les plus sombres du fond, nous avons déjà une structure solide pour le vase À partir de ce moment, le processus devient plus facile car nous travaillerons sur de plus grandes zones et nous n'avons plus besoin d'être aussi précis. Mélangez maintenant un brun clair et neutre avec Sienne brûlée et un peu de bleu outremer. Et concentrez-vous sur la partie supérieure du vase et surtout sur la surface de l'eau. Comme nous avons une ligne claire au crayon indiquant le niveau de l'eau, nous pouvons légèrement marquer cette zone avec le mélange beige. Notez toutefois que sur le côté gauche, il y a une légère forme verticale. Laissez cette zone non peinte pour le moment. Il y a un reflet que nous voulons préserver. Appliquez le brun clair, puis passez à tons plus bleutés et continuez à peindre des formes abstraites Près du bord, il y a une forme plus foncée qui ressemble à un petit cœur pour moi. J'en peins donc une version simplifiée. Maintenant, remplissez la surface de l'eau avec très légères touches de brun, de bleu et de vert Encore une fois, en laissant quelques zones blanches. Essayez de suivre les formes incurvées du vase. Imaginez que vous peignez sur une surface ronde. Ensuite, remplissez le coin supérieur gauche du vase avec un lavis brun très clair. Déplacez-vous sur le côté droit de la surface de l'eau et appliquez à nouveau des tons bleu clair et marron, en laissant certaines zones blanches. Ma peinture est très aqueuse ici et intentionnellement inégale. Je laisse également délibérément des bords durs se former. Oh, dans le coin , dans un brun beige très clair. En observant la référence, je peux voir des formes verticales. J'en peins donc une version simplifiée, en laissant de fins espaces blancs entre les formes. Maintenant, je mélange un peu plus ma couleur beige Bnciena et mon bleu outremer Et cette fois-ci, j' ajoute également une petite touche de jaune Windsor profond pour le réchauffer légèrement. Avec ce mélange très aqueux, je peins le côté gauche du vase Je passe ensuite à un gris plus neutre, suivi d'un peu de vert. Je remplis progressivement les zones blanches restantes avec de très légères couches de couleurs différentes. Au fond du vase, il y a encore quelques formes abstraites à peindre. Encore une fois, pensez à conserver quelques reflets blancs. Utilisez une variété de couleurs, bruns, gris, verts et bleus Vous pouvez commencer par de très légères marques , puis les renforcer si nécessaire. En général, le fond du vase présente des formes plus brisées et irrégulières, formes plus brisées et irrégulières, tandis que le verre au-dessus semble plus froid et plus lisse Pour la partie supérieure, appliquez des lavages plus doux et plus unifiés de gris, de brun et de bleu Sur le côté droit du vase, je peux encore voir quelques reflets brillants, donc je laisse ces zones non peintes Les arêtes vives qui empêchent les lavages doux sont essentielles pour suggérer un verre réfléchissant I Maintenant, laissez tout sécher. Lorsque la peinture est sèche, on peut ajouter quelques accents finaux. Commencez par un mélange gris de Sienne brûlée et de bleu outremer, puis peignez les lignes verticales sur le côté gauche du vase Ajoutez quelques formes verticales très légères aux arêtes vives. Ces marques aux bords durs placées sur des lavages plus doux créent un effet réfléchissant convaincant Ajoutez quelques taches plus foncées au fond du vase. Terminez le vase en ajoutant quelques formes verticales délicates à peine visibles sur le côté gauche et sur le côté droit. Les marques de fixation jouent un rôle très important dans la création de l'illusion d'un verre transparent. Après avoir terminé le vase, j'ai remarqué que l'ombre en dessous était encore un peu trop claire. Maintenant, à l'aide d'un pinceau taille 12, j'assombrit l'ombre avec un mélange de bleu outremer et de sienne brûlée J'ajoute également une petite touche de vert. J'approfondis l'ombre sur le côté gauche, sur le côté droit et directement sous le vase. Maintenant, séchez complètement le tout. En guise de touche finale, nous pouvons améliorer la lumière réfléchie par le verre sur la table. Pour cela, j'utilise une brosse à récurer. Je le mouille, je le fais couler du sang sur une serviette en papier et j'enroule doucement la surface à quelques endroits. Cela réactive la peinture. Je soulève ensuite la peinture avec un essuie-tout pour créer des points plus doux et plus clairs qui ressemblent à des reflets dansants. Vous pouvez essayer avec votre brosse ronde habituelle, mais c'est beaucoup plus difficile. Un pinceau à récurer, qui est en fait un pinceau plat pour la peinture acrylique, a poils un peu plus rigides et permet d'activer la peinture puis de la retirer beaucoup plus facilement Avec ce pinceau, vous pouvez également adoucir quelques autres bords ou laisser de petits reflets ailleurs sur la table si nécessaire. Vous pouvez maintenant signer votre tableau, retirer le ruban adhésif et prendre un moment pour regarder ce que vous avez créé J'espère que vous êtes satisfait votre résultat et que vous avez apprécié ce tutoriel. Je suis très content du résultat de la peinture. J'adore le bouquet coloré et l'illusion de verre créée sur le papier. C'est une peinture lumineuse et joyeuse qui serait ravissante sur le mur. Dans la vidéo finale, nous allons récapituler brièvement idées les plus importantes de ce didacticiel 14. Résumé: Tout d'abord, félicitations pour avoir terminé cette peinture colorée de pensées dans un vase en verre Il s'agissait d'un projet plus long et plus détaillé, et le terminer est une belle réussite. Maintenant, prenons un moment pour récapituler ce que nous avons exploré ensemble dans ce didacticiel Nous avons appris à aborder un bouquet détaillé en le divisant en petits éléments faciles à gérer et en les peignant étape par étape au lieu d'essayer de traiter la composition dans son intégralité en une seule fois Nous avons créé un plan de peinture clair et avons travaillé dans un ordre logique, commençant par le fond, puis en passant aux fleurs, puis la verdure et en terminant par le vase en verre. Nous avons exploré comment des couleurs de fond plus douces et plus neutres peuvent rendre les couleurs vives des fleurs plus éclatantes et plus lumineuses en contraste. Concentré sur la peinture des pensées en plusieurs couches transparentes, en préservant les reflets et en plaçant soigneusement les tons plus foncés pour créer de la forme, profondeur et de délicates textures de pétales Nous avons appris à mélanger des violettes expressives, des jaunes chauds, des oranges et des roses, et comment les changements subtils entre les tons chauds et froids ajoutent de la vie et de la variation aux pétales Utilisez une combinaison de bords souples et durs, de coups de pinceau cassés et de fines veines pour suggérer la surface délicate et légèrement froissée des pétales de pensée. Nous avons fabriqué les feuilles et les tiges en trois étapes (claire, moyenne et foncée) pour créer de la profondeur et un aspect tridimensionnel naturel sans trop compliquer les formes Nous avons appris à peindre un vase en verre en concentrant sur des formes abstraites, claires et foncées, fort contraste et des arêtes vives plutôt que d'essayer de peindre l'objet lui-même. Enfin, nous avons utilisé des techniques de lifting et subtils ajustements tonaux pour améliorer les reflets, reflets et les ombres, apportant ainsi plus de lumière et de clarté à la peinture finale Merci beaucoup d'avoir peint avec moi. J'espère que ce projet vous a plu et que vous avez découvert de nouvelles façons d' aborder des compositions florales complexes avec confiance et patience. Bonne peinture et j'espère vous voir la prochaine fois. Au revoir