Introduction au storyboard pour l'animation

1. INTRO DU COURS: Bonjour à tous. Je m'appelle Re Ginger, je suis Collin. Je suis un artiste de longs métrages travaillant actuellement aux studios d'animation Netflix. Ce cours d'introduction sur le storyboard portera sur les fondamentaux du storyboard en tant que forme de communication visuelle et d'animation. Le cours abordera les concepts de base du montage de caméra, dessin et de la façon dont tout cela se rapporte au storyboard. Ce cours s'adresse à ceux d'entre vous qui sont des débutants absolus, le storyboard. Vous n'avez donc pas à vous soucier logiciels ou du matériel coûteux, c'est simple. stylo et le papier fonctionneront parfaitement. Mais si vous avez des logiciels et du matériel, c'est bon aussi. Vous devriez suivre ce cours si vous n'avez pas beaucoup de temps sur les mains, mais vous souhaitez quand même obtenir informations très importantes de la part de quelqu'un qui travaille dans l'industrie. Ce cours, vous recevrez petites tâches qui cibleront les compétences de base dont vous auriez besoin pour passer à l' étude avancée du storyboard. J'ai organisé ce cours avec l'espoir de vous donner le plus d'informations possible. Et je suis très enthousiaste à l'idée que vous l'expérimentiez. Commençons donc. 2. 1 Introduction au storyboarding: Bon, bienvenue à nouveau dans Introduction au storyboard avec moi Ridge et Jerome Cohen. Et je suis tellement content que vous suiviez ce cours. Et j'espère que vous apprendrez de ce cours et qu'il améliorera votre storyboard et vos compétences. Il s'agit d'une introduction vraiment basique à tout le storyboard. Donc, si vous êtes plus avancé, je vous recommande de sauter cette classe et de passer aux autres classes. C'est juste que je vous donne une introduction rapide à ce qu'est le storyboard. Allons-y maintenant. Nous allons parler du, quoi, pourquoi, comment, où et qui du storyboard, n'est-ce pas ? Donc, qu'est-ce que le storyboard pour ceux qui le savent peut avoir une légère idée ce que c'est pour ceux qui ne savent peut-être même pas de quoi il s'agit, mais il est juste curieux de storyboard. Fondamentalement, le storyboard fait partie du processus de production et crée des émissions de télévision, films, des jeux, des choses, des contes, conteurs visuels et des productions. Ce que c'est essentiellement la planification, en utilisant un langage cinématographique pour raconter son histoire et pour aider la réalisatrice ou les conteurs à prédire ce qu'ils pensent que le film serait. Il s'agit également d'une façon de visualiser des scripts. Ainsi, les artistes, les enfants voient et les réalisateurs ont pu voir comment leur vision évolue. Quels changements pourraient être apportés pour gagner du temps et économiser de l'argent dans le processus de production. Alors, comment créer des storyboards ? Donc, en gros, tout ce dont vous avez besoin pour ce cours, c'est soit vous pouvez passer de manière traditionnelle ou numérique. Ça n'a pas d'importance. Vous pourriez utiliser un stylo ou crayon et un bout de papier, peu près le carnet de croquis, n'est-ce pas ? Si vous utilisez le numérique, vous aurez peut-être besoin d'un logiciel de dessin numérique. Nous aurions Photoshop, ou européen, ou n'importe lequel de ces logiciels, n'est-ce pas ? Vous pouvez également utiliser un logiciel libre appelé storyboard, je recommande car c'est un logiciel de développement vraiment efficace qui est absolument gratuit et il n'y a que moi. Et pour le storyboard, c'est ce que vous pouvez utiliser pour créer des storyboards. Alors pourquoi créer des storyboards ? Et j'ai un peu passé en revue ceci et le précédent, comme ce que nos storyboards, pourquoi nous créons un storyboard, c'est gagner du temps, économiser de l'argent et aider à prévision, votre histoire est à peu près des storyboards sont un tel gain de temps et ils aident à la production et il est rempli afin que vous ne perdiez pas de temps. Vous n'êtes pas trop stressé. Parce que imaginez si vous créez un film et que vous ne savez pas de quoi il s' agit et que vous entrez simplement et que vous commencez à le faire. Et tu as presque fini, puis tu décides, tu sais quoi, tout ça ne fonctionne pas. Mais si vous l'aviez fait et des storyboards, vous auriez vu les problèmes avec l'histoire et vous devez le résoudre sans consacrer autant de temps et d'argent à la production. Qui crée des storyboards à quiconque crée des storyboards pour des personnes spéciales, crée des storyboards. Eh bien, oui, les gens qui créent des storyboards s'appellent storyboard add. Maintenant, pour être un artiste de storyboard, vous aurez besoin d'un ensemble spécifique de compétences. Et ces compétences dont nous parlerons dans les prochaines classes. Ce sont les compétences que vous allez apprendre. Vous allez l'être, il va falloir être un bon croquis. Il va falloir être un bon conteur, être un bon écrivain, un bon lecteur, un bon analyseur, une bonne personne d'analyse. Et vous allez, vous aurez besoin de beaucoup de compétences pour être un scénariste. Il va falloir aussi être réalisateur. Alors, en continuant, parlons d'un artiste de storyboard. Et je vais vous montrer quelques-uns de l'artiste de storyboard que je cherche à m'inspirer. Et ils travaillent dans l'industrie depuis si longtemps et ils ont travaillé sur des productions incroyables. Nous allons commencer par Brenda Chapman, car Brenda Chapman est l'une des principales conteuses de l'industrie en ce moment. Et j'ai eu la chance de la rencontrer lors d'une présentation qu'elle a faite sur le fait de travailler là-dedans dans l'industrie. Et à ce moment-là, je ne savais pas qui elle était. Et quand j'ai vu une présentation sur qui peut posséder un bref et Prince d'Égypte, j'ai été tellement étonnée par le travail qu'elle a accompli. Et j'étais tellement hypnotisé et j'ai vraiment dû en savoir plus sur elle. Et puis j'ai lu tellement plus sur elle et je me rends compte qu'elle a travaillé dans l'industrie. Nous sommes de retour depuis longtemps et le Roi Lion les jours de retour chez les sauveteurs ne sont pas sous ça à Disney. Et je recommande totalement que si vous n'avez pas entendu parler de Brand et de Chapman, vérifier son travail. Une autre personne que vous devriez vérifier est Chris Sanders. Son œuvre la plus célèbre. Je pense que ce serait Leila un point, mais il a également travaillé avec Disney et d'autres productions comme Moulin et The Lion King. Et vous pouvez voir ici, ce sont quelques-uns de ses storyboards. Il a un style de croquis vraiment unique et son look, tout son look et comment il, comment il dessine est vraiment unique et je vous recommande totalement, totalement de le vérifier. Un autre scénariste de grille est Dean Day Bullet. Les brutes, probablement. Ce nom, mais il est génial. Je l'ai découvert pendant que je faisais des recherches sur Milan et la production à Milan. Et j'ai été tellement étonné par les storyboards. Il était si bien conçu qu'ils vont bien fluider. Et, et la sienne, sa façon de dessiner était tellement incroyable. Ce ne sont que quelques-unes de ses planches que j'ai pu tirer pour mon livre. Je l'ai fait. Et si vous n'avez pas entendu parler de Dean, je vous recommande vivement de les consulter. Je vous recommande de vérifier tous ces types et de maîtriser certains d'entre vous. La seule façon dont vous ne connaissez probablement pas l'embauche tant que Zaki, c'est si vous êtes vraiment, vraiment jeune et que vous n'avez aucune idée d'un vote, d'une animation de vote ou de quoi que ce soit. Parce que High Muzak, Il est connu dans le monde entier comme l'un des plus grands conteurs, les plus grands réalisateurs envisagent même d'acheter beaucoup de gens. Il a travaillé sur les imprimeurs matin, d'accord, Spirited Away. Et bien plus de films incroyables. Il est en fait l'un de mes réalisateurs préférés et l'un de mes scénaristes préférés. Maintenant, la chose unique à propos des storyboards Jaime et Zackie , c'est qu'il ne travaille pas à partir d'un script. Il travaille organiquement avec l'histoire et il vient d' acheter et de modifier. Et il sent que l'histoire grandit et change. Et lui, lui, contrairement à Disney, où ils travaillent à partir d'un scénario et vous avez plusieurs artistes travaillent ensemble comme une équipe qui est si efficace. Miyazaki a vraiment le trou. Il envisage tout le film et comme le mien , puis porte le portail entier du film. Et parfois, il ne finit même pas le storyboard et l'enlève avant le début de la production. La production commence et parfois il ne sait même pas comment le film se terminerait. Donc, si pour une raison étrange vous n'avez vu aucun des films de Miyazaki et que vous en avez besoin, vous devez aller regarder ses films. Vous devez vérifier les storyboards d'audit et faire des recherches à leur sujet. Donc, ça m'amène à la mission des stands pour vous les gars. Je le sais, ce cours d'introduction est vraiment très court. Je veux juste que vous fassiez des recherches sur cette liste d'artistes de storyboard que j'ai exposée ici. Il y a tellement de grands scénaristes qui travaillent actuellement dans l'industrie. Et chaque fois que je les vois travailler, je suis toujours inspiré essayer de mieux essayer de faire mieux d'essayer d'être un meilleur scénariste enterré d'un meilleur conteur. Je vous recommande toujours de regarder beaucoup d'artistes variés. Peu importe, peu importe si vous n' aimez pas les histoires qu'ils racontent, si vous aimez les histoires qu'ils racontent, analysez leur travail et leur inspiration antique et que vous apprenez d'eux. Les gays, c'était la première classe de l'introduction au storyboard, en passant par le storyboard avec moi. Et j'espère que vous passerez au cours suivant et que vous serez enthousiastes pour le prochain cours. 3. 2 Comment dessiner des storyboards: Bon, les gars, bienvenue à la deuxième leçon de storyboard avec moi, Raj. Cette leçon, nous allons parler de la façon de dessiner pour les storyboards sont du storyboard. Et il y a une certaine façon que vous devez savoir comment dessiner un certain état d'esprit que vous devez avoir sur un dessin. Et nous allons passer en revue mon accent et passer en revue ces techniques dans cette leçon. Allons-y droit. Nous avons donc, voyons voir, nous allons faire des storyboards pour une action en direct ou animés. Bien sûr, nous avons ces trois personnages ici. Maintenant, lorsque vous dessinez des storyboards, vous devez pouvoir dessiner très vite et respecter les délais. Et vous devez le faire, la plupart des fois, vous aurez besoin d' apporter beaucoup de changements parce que le direct n' aime pas la séquence et il veut que vous signaliez ou pour une autre raison. C'est pourquoi, lorsque vous faites des storyboards, vous n'allez pas faire vos illustrations ou vos croquis avec beaucoup de détails. Il y a donc beaucoup de croquis à main courte, de storyboard. Et un an lorsque vous dessinez un personnage, ou essayez-vous de le faire, c'est que vous essayez d'obtenir le moins de lignes pour représenter ce personnage. Et vous devez toujours pouvoir, quelqu'un voit le croquis, il doit quand même savoir quel personnage l'esquisse. Je vais donc faire quelques croquis grossiers de ces trois personnes ici. Et je veux vous montrer comment je l'aborde. Donc pour la fille, je vais juste dessiner les échantillons et je vais dessiner une figure de bâton, à droite, pour représenter. Et puis je vais juste ajouter les fonctionnalités qui, je pense, nous distinguent comme qui elle est sur cette image. Je vais juste l'ajouter ici et c'est peu près tout pour elle. C'est ainsi que je la dessinerais dans un storyboard. Pour ce type ici. Quand je les dessine, je vais dessiner le même croquis rapide, figure de bâton. Et, mais ce que je vais faire, c'est je vais ajouter des lunettes et sa coupe de cheveux pour te montrer que tu sais que c'est lui. Pour le dernier gars, il est beaucoup plus âgé. Donc ce que je vais faire et il a un chaud donc je vais m'assurer d'ajouter ces éléments. Donc, quand je fais des planches ou quand quelqu'un regarde le tableau, il sait qu'il s' agit d'un raccourci de ce storyboard de personnage et vous n'avez pas besoin de dessiner vraiment, vraiment chic. Vous n'avez pas besoin de dessiner des trucs vraiment détaillés comme quand vous commencez et que vous êtes exposé à cela, c'est un peu difficile parce que vous voudrez acheter. Donc, regardez un peu peu impressionnante. Au fur et à mesure que vous acquérez de plus en plus d'expérience, vous réalisez que les illustrations doivent simplement être claires et simples pour communiquer l'histoire. Passons donc à d'autres exemples. Maintenant. Allons avoir cette fille ici. Disons qu'elle était le personnage principal de votre histoire, n'est-ce pas ? Maintenant, quand on regarde son costume, on voit beaucoup de détails. Je sais que c'est une robe de style indien. Alors quand on la regardait, je la regardais et j'essayais de voir quels sont les éléments importants pour caractère et les choses que je peux laisser de côté tout à fait inutile et communiquer et historienne communique et son caractère. J'ai fait deux exemples ici pour vous montrer comment cela peut être simple. Et j'en ai fait un peu que je suis passé un peu par-dessus bord et le détail qui vous montrerait qu'il est un peu inutile d'aller dans ce détail. C'est donc celui qui est au milieu de l'idée. Et le dernier trop loin, non ? C'est un croquis vraiment, vraiment, vraiment rugueux, rugueux, vraiment, vraiment rugueux, rugueux, de la façon dont je lui dessinerais un storyboard. Maintenant, quand j'embarque, tout ce dont j'ai besoin, c'est de savoir qui est ce personnage et d'avoir les deux pains et ses cheveux est juste suffisant pour que je sache et que je communique mon réalisateur ou mon équipe de storyboard que c'est le personnage et qui va nuire à la scène. Donc, quand ils cherchaient le personnage dans la scène, ils cherchaient juste une fille avec deux tresses. Disons que vous ayez deux personnages. Dans cette scène. Ce que vous feriez, c'est simplement ajouter un autre élément à l' esquisse rapide qui s'afficherait, qui différencierait les caractères. Ainsi, celui du milieu est un exemple de ce que vous ne ferez pas et essayez de ne pas aller dans ce détail car vous perdrez beaucoup de temps. Il n'y a donc pas que des personnages dont vous avez besoin pour dessiner des raccourcis et communiquer simplement. Il s'agit également de vos environnements et de tout ce qui se trouve dans ce storyboard. En ce moment, nous avons ici l' exemple d'un château, n'est-ce pas ? Disons donc que dans votre histoire ou dans votre scénario, il doit y avoir un château. Et c'est le design de la voiture sorte que l' équipe de conception a peut-être passé, vous savez, à la dessiner dans votre storyboard. Maintenant, je l'ai fait dans un autre exemple qui montre ce château un peu trop détaillé, un peu trop compliqué pour les storyboards. Cela peut être suffisant pour le nettoyage, mais pas lorsque vous faites de la rugueuse initiale. Je vais donc être très simple. Et c'est en fait comme ça que je ferais peut-être un premier passage sur un storyboard, juste le rendre super clair, super simple. Tout ce que l'équipe doit savoir. Le réalisateur doit savoir que c'est le château. C'est ce qui est important dans le château et dans les environs. Si c'est juste un plan d' établissement, c'est à peu près tout ce que vous devez montrer. Très, très simple. Cette image communique que, Hé, c'est un château entouré d'eau, et c' est là que vont se dérouler les événements de la scène. Je passe à autre chose. Maintenant, nous avons un autre exemple de chatons ici. Un exemple encore de même si ce n'est qu'un croquis rapide que j'ai fait de ces chatons. Maintenant, dans le contexte du storyboard, c'est encore un peu trop comme, oui, je sais que, comme ce bref croquis ici, je l'ai fait. Il y a très peu de détails. C'est encore un peu trop de détails et on pourrait le simplifier davantage. Et c'est à quel point vous pourriez aller simplement comme certains cercles et il a juste montré les yeux. Vous n'avez même pas besoin de dessiner toute la nourriture et tout ce que vous voyez sur le chat. Maintenant, à moins que chaque coupe ne soit un personnage particulier dans un film et que vous ayez besoin de mettre un motif alimentaire spécifique sur le personnage pour indiquer quelle coupe est quel personnage, alors vous le dessinez probablement. Mais si, disons qu'il y a des coupes aléatoires, il faut vraiment dessiner autant de détails. Très bien, la prochaine chose dont vous devez être conscient lorsque vous dessinez pour des storyboards est de pouvoir comprendre le geste. Et savoir ce geste est plus important que de dessiner une anatomie correcte pour un personnage. Maintenant, pour ceux d'entre vous qui ne connaissent peut-être pas le geste, geste dessine essentiellement l'essence ou pendant l'action d' un personnage en se concentrant sur les muscles individuels d'une figure. Ainsi, dans cet exemple où nous avons ici un dessin de l' anatomie d'un être humain. Et puis nous avons essentiellement le geste des échantillons du même homme connaissant la version anatomique, nous voyons qu'elle est dessinée avec toutes les subtilités des muscles et nous dessinons les abdos et les échecs et tout. Maintenant, pour les storyboards, comme encore, parce que vous êtes dans une date limite et que vous devez faire passer vos idées assez rapidement. Vous n'avez pas le temps de dessiner tous les muscles ou de tout dessiner anatomiquement correct. Donc ce que vous feriez, c'est simplement vous concentrer sur le geste du personnage parce que le geste communiquerait l'action du personnage et serait plus clair. Et votre public réalisateur qui regarde ces storyboards sera en mesure de comprendre ce que vous essayez de voir. Et ils n'ont pas besoin que les muscles soient là pour que l'idée se présente. Disons, par exemple, disjoint, n'est-ce pas ? C'est un très bon dessin. Il dessine, il, il a tous les muscles sont bien proportionnés et tout et le personnage s'étire. Nous avons l'idée de ce que fait le personnage. Mais avec les storyboards maintenant, disjoignez aussi bien raffiné et storyboard. Vous n'avez pas le temps de tout dessiner si bien raffiné, tout ce qui est si précis sur un premier passage est peut-être un deuxième bus. Et on faisait des gestes en dessinant, c'est généralement vraiment, très rapide, vraiment, vraiment lâche. Vous vous concentrez sur l'action. Vous ne vous concentrez pas sur, comme, vous savez, que tout est anatomiquement correct. Ainsi, comme dans ce dessin, vous pouvez voir que tout est beaucoup plus lâche et communique toujours la même chose que le personnage fait n'importe quel dessin précédent. Examinons maintenant cet exemple. Maintenant. Une autre chose que vous devez savoir sur l'anatomie, c'est que parfois lorsque vous dessinez des choses vraiment précises à la vie, elle a tendance à sortir vraiment raide et un peu sans vie. Quand il est recréé à Detroit. Lorsque vous faites un geste, geste ajoute plus de vie et vous voyez beaucoup plus de vie dans le dessin que celui qui est plus précis à la vie parce que ce sont généralement des gestes Push, c'est généralement exagéré. Ainsi, vous êtes capable de pousser encore plus l'idée et de tricher un peu en termes de réalisme tout en communiquant votre idée LE réalisateur. Maintenant, je voulais vous montrer un exemple de storyboards réalisés par un artiste de storyboard Pixar. Je n'ai pas trouvé son crédit, donc je sais qui c'est. J'aimerais connaître son nom parce que j' adore vraiment ces planches. Voici quelques storyboards du film Coco. Et si vous les regardez, vous pourriez voir à quel point ces dessins sont lâches et gestuels, ils n'essaient pas d'être super, super précis à la vie. Parce que si vous avez vu ce film que vous saviez que ces personnages, sont principalement des liens et des os squelettiques. Mais cet artiste, il ne dessine pas tous les os et les côtes. Il ne dessine pas tous les os. Les mains, tout n'a pas besoin d'être précis. Il suffit d'ajouter suffisamment pour que vous sachiez que ces personnages sont des squelettes. Et vous n'avez pas vraiment besoin d'ajouter tous les détails. Donc, ils sont vraiment, vraiment bien achetés. Ces bateaux sont en fait sur YouTube. Vous pouvez simplement taper des storyboards de cacao, des scènes supprimées, et vous pourrez voir ces bateaux et ces actions. Ils sont vraiment, vraiment bons. Vous devriez les vérifier. Maintenant, la dernière chose que nous allons examiner et comprendre les dessins pour storyboard est d' avoir une silhouette claire avec vos dessins. Maintenant, beaucoup d'entre vous sont tombés sur cette question et nous allons juste le revoir à nouveau. Mais regardons un exemple, un exemple rapide, et nous y retournerons très vite. Nous avons donc deux dessins de la même femme et elle tient une lance. Maintenant, celle de droite est la meilleure façon de la dessiner. Parce que si nous bloquons le Détroit et sortons, vous serez toujours en mesure de savoir et de voir clairement ce que la femme fait. Maintenant, avec le dessin à droite, lorsque nous le bloquons toute la semaine, soyez confus devant ce qui se passe réellement. Nous ne savons pas vraiment où se trouve cet espace. Nous ne pouvons pas vraiment dire ce qui se passe vraiment. Mais comparé à celle avec le rouge, on voyait clairement qu'elle tient une lance à gauche, tendue. Et nous savons ce qui se passe. Avec silhouette. Nous avons essayé de garder cette silhouette vraiment, vraiment claire. Voici d'autres exemples. Nous pouvons dire clairement ce que font ces personnages. Tout ça dans ses cheveux, n'était pas une épée, tenant une arme. Nous savons ce que font ces personnages. Alors quels storyboards nous avons essayé de garder tout clair. Ce que nous allons faire maintenant, c'est que je vais vous montrer un exercice que vous allez faire pour votre mission, qui vous aidera à construire, ou est-ce qu'ils ont l'habitude de dessiner pour des storyboards ? C'est en fait une tâche que je vois, quand j'apprenais des storyboards que j'ai vu que beaucoup d'artistes de storyboard faisaient, peut-être comme un exercice d'échauffement ou un exercice qu'ils utilisaient pour étudier le film. Cette sortie, qui vous aidera à construire, ou ont-ils l'habitude de dessiner pour des storyboards ? C'est en fait une tâche que je vois quand j' apprenais des storyboards que j'ai vu que cet artiste de storyboard faisait peut-être comme un exercice d'échauffement ou un exercice qu'ils utilisent pour étudier le film. Cet exercice, je me suis rendu compte, vous aide en fait à dessiner en raccourci. Ce qu'est l'exercice, c'est vous prendriez un film ou une émission de télévision ou n'importe quel support visuel, un problème ou quoi que ce soit. Et vous prendriez une scène. Ensuite, au fur et à mesure que la scène se déroule, vous essayez de dessiner ces scènes alors qu'elles déroulent avec une vieille pause dans le bras, le film ou la série télévisée. Cela vous obligerait donc à dessiner les éléments les plus importants le plus rapidement possible. Donc, dans cet exemple, j'ai à l'écran ici, j'ai décidé de faire l' incroyable endroit où la famille était assise à table. Et en gros, ce que je fais ici c'est que j'ai sorti des boîtes pour les scènes. J'ai dessiné ça avant de commencer, donc je ne perdrai pas temps à dessiner la boîte aussi que j'ai vu se dérouler. Et puis je joue la scène. Et j'essayais de dessiner la scène le plus rapidement possible, capturer et de capturer les éléments les plus importants de la composition, quels personnages étaient présents sur la scène, le placement des personnages et tout ce qui s'y rapporte. Et cela vous obligera à voir ce qui est important et à oublier les détails, à oublier tous les ombrages fantaisies, à oublier des choses qui ne sont pas vraiment, qui ne s'ajoutent pas vraiment à l'histoire ou ne s'adaptent pas comme éléments d'arrière-plan qui ne sont pas importants à l'époque. Ce sera donc l' une de vos missions. Ce que je veux que vous fassiez, c'est trouver une scène et peut-être votre film préféré ou une télévision préférée, une émission animée préférée. Et prenez une scène, dessinez les boîtes de storyboard, jouez la scène. Et puis on voit sauvagement ça se passe. Dessiner. Essayer et dessiner est vu le plus vite possible, même si c'est vraiment difficile, même si seulement vous comprenez vos croquis, c'est bon. Le fait est que vous essayez d'obtenir un nouvel d'esprit nouveau en dessinant un joli raccourci pour le storyboard. Il y a donc une autre fois, une autre tâche qui ressemble à celle-ci, mais un peu plus détendue, n'est-ce pas ? Donc, ce que vous feriez est prendre la même chose ou vous pouvez prendre une autre scène. Mais ce que je veux que vous fassiez, c'est de mettre en pause la première image de chaque scène, puis de prendre du temps et de dessiner les éléments importants de la scène. Puis jouez la scène. Ajoutez ensuite la fin de cette scène, mettez-la en pause et dessinez, dessinez la fin de cette scène. Cela montrera donc que vous êtes plutôt un exercice d'étude de scène. Mais ce que je veux vous montrer, c'est que lorsque vous avez plus de temps pour dessiner une scène, vous verrez que cela se compare à l'affectation précédente et vous verrez combien de détails vous avez ajouté pendant que vous aviez plus de temps et la quantité de détails qu'il avait quand il n'avait pas plus de temps. Et voyez, comparez les éléments que vous avez ajoutés dans tous les éléments que vous n'avez même pas comparés à la première affectation. Voyez ce que vous avez dessiné qui était plus important, ce qui n'était pas important par rapport à la première passe, n'est-ce pas ? Alors, les gars, assurez-vous faire cette tâche car cela vous aidera vraiment avec votre vitesse dans un croquis et cela vous aidera et vous aidera à avoir le bon état d'esprit pour le storyboard et vous aidera à voir au-delà de la mais pour voir ce qui est important pour cette histoire sur quoi vous devez vous concentrer. J'espère donc que vous le ferez et j' espère que vous reviendrez pour le prochain cours. Parce que j'ai hâte de vous montrer ce que nous n'avons pas stocké. J'espère que ce cours vous a plu et je vous verrai dans le prochain. 4. 3 Les prises de vue: Bon, bienvenue à la troisième leçon de storyboard avec moi, garage. Dans la troisième leçon, nous allons parler de vocabulaire visuel. Et le tir change la même chose. Ainsi, pour ceux d'entre vous qui ne le savent peut-être pas, storyboard implique de comprendre l'art du langage cinématographique. Il y a maintenant une certaine langue que vous devez connaître. Langage visuel lorsque vous faites des storyboards, vous pouvez simplement aller dessiner et scènes, heureux, être chanceux. Il existe certaines règles. Vous devez savoir. Lorsque vous connaissez ces règles vous pouvez éventuellement enfreindre ces règles. Avant d'entrer dans la photo, je voulais juste expliquer rapidement le rapport d'aspect. Maintenant, le rapport hauteur/largeur est, je l'ai montré, beaucoup d'entre vous ont vu films et vous avez vu quand vous regardez l'écran, parfois vous avez vu des films avec des barres noires en haut et en bas. Et parfois, vous pouvez voir un film qui remplit tout l'écran. Et parfois, vous pouvez regarder un très vieux film et il peut être en forme de boîte. Eh bien, il s'agit essentiellement d' un rapport d'aspect. Le rapport hauteur/largeur correspond essentiellement à la relation entre la largeur de l'écran et sa hauteur. Voici donc un diagramme assez grossier de certains rapports d'aspect. Donc, le rapport hauteur/hauteur est essentiellement le très ancien rapport d'aspect qui se trouvait autrefois sur téléviseurs où vous aviez un téléviseur qui n'est vraiment qu'un carré. Maintenant, c'est le rapport d'image que le film a été tourné pour ces téléviseurs. Et au fil du temps, le rapport hauteur/largeur s'est élargi parce qu'il était plus immersif. Et ensuite, dans le film, nous avons le rapport hauteur/largeur de 1,1, 0,8521, ce qui est un rapport d'aspect large atteint, n'est-ce pas ? Puis la télévision a rattrapé le cinéma. Et maintenant, nous avons des téléviseurs à écran blanc au ratio de 16 ce soir. Il s'agit donc d'un rapport d'aspect plus important entre les deux en raison de l'évolution du cinéma et de l'évolution du film et de la vidéo. Mais ce sont les trois principaux que vous devriez connaître. La falsification est le rapport d'aspect de la boîte d'origine. Ce 16 par neuf est généralement ce que vous seriez en train de faire du storyboard pour une émission de télévision. Et le 1.8521 est ce que vous seriez probablement utilisé dans accompli. Maintenant, la raison pour laquelle je vous dis cela est parce que, selon la production sur laquelle vous travaillez, vous allez avoir les actes, soit historiques, admirer la joie, vous avez une histoire. Quel est le rapport d'aspect de l' émission ou d'un film ? Et parce que c'est très important, car c'est l'une des premières choses que vous devez faire lorsque vous ouvrez votre storyboard et votre logiciel, peu importe ce qu'il s'agit, vous devez travailler au rapport d' aspect du spectacle. Donc, si vous voulez en savoir plus sur le rapport d'aspect, il y a tout un tas de choses sur Internet pour découvrir les différents rapports d'aspect et l'histoire avec le film et la vidéo, etc. Mais passons maintenant aux coups de feu. abord, nous allons parler du plan large. Plan large. Beaucoup d'entre vous ont vu des films, comme la plupart des films, la scène d'ouverture est très large. Plan large. plan large établit généralement l'environnement ou l'endroit où l'histoire va se dérouler. Disons que dans cette photo, je suis sorti ou juste un bâtiment aléatoire. Et c'est le premier coup. Je voulais dire à mon public que c'est là que se déroulera la scène ou l'histoire de cette scène . Je veux leur dire, je veux leur communiquer que c' est là que l'histoire va se dérouler. Maintenant, parfois des prises de vue larges et toujours utilisées pour ouvrir une scène. Parfois, ils peuvent utiliser, Nous avions l'habitude de mettre fin à la scène pour montrer, révéler quelque chose, garder suspense ou aimer être une révélation pour le public. Parfois, il n'est pas toujours utilisé comme établissement. Le deuxième coup dont nous allons parler est le plan complet. C'est un cliché qui est beaucoup utilisé. Ce cliché sert principalement à montrer le corps complet d'un personnage. Le public sait donc qui est ce personnage, costume qu'il pourrait jeter un regard complet sur eux. Ayez une idée de qui est ce personnage. Ce cliché est également utilisé pour montrer. Caractère dans l'environnement. Ils voulaient photographier le personnage, le personnage complet dans l'environnement et la façon dont ils interagissent avec cet environnement. Maintenant, cette photo dont nous allons parler ici s'appelle le tir de cow-boy. Et comme vous avez pu le voir, ce tir est un peu plus proche juste au-dessus des genoux. Ils appellent ça le tir au cobalt parce que c'est généralement les canons du garçon de charbon qui sont vraiment accrochés. Et je pense que je peux me tromper. Je crois qu'ils utilisaient souvent le tir dans les occidentaux et autres choses. Donc la raison pour laquelle vous voudriez utiliser ce cliché est de vous rapprocher un peu plus du personnage, un peu plus intime. Nous allons parler un peu plus d'intimité avec le plan rapproché moyen. Maintenant, le plan de gros plan moyen se termine généralement, non ? Supposons que vous portiez une chemise et que vous remarquiez que vous devriez baiser, elle se termine généralement comme là. Il couvrira de la poitrine jusqu'à la tête. Maintenant, le plan moyen est plus utilisé lorsque vous avez des personnages qui se parlent et qu'ils parlent et qu'ils ont peut-être juste une conversation rapide. Sans doute pas trop sérieuse, probablement pas trop dramatique, juste une conversation décontractée. Et maintenant, nous allons même rapprocher la caméra du personnage. Celui-ci s'appelle le tour de cou. Il couvre généralement la tête, juste à l'endroit où les articulations, le corps. C'est un coup comme si vous voulez être un peu plus intime, un peu plus émotionnel. Et je pense que pour moi, lorsque j'utilise des plans rapprochés, j'ai tendance à les utiliser de plus en plus de moments émotionnels, comme quand je veux voir l'émotion dans le visage de l'acteur, ils savaient qu'ils l' action vraiment nuancée et le visage de l'acteur. Et au fur et à mesure que vous continuez à vous rapprocher, vous obtenez le gros plan de la tête , parfois vous voulez être vraiment dramatique. Ça va vraiment de près et on devient encore plus dramatique en allant dans le gros plan extrême, non ? Donc, ce plan est que le gros plan extrême coupe généralement beaucoup de personnages. Parfois, vous pouvez aller aussi près que l'œil et simplement avoir une photo de l'œil et vous ne le voyez pas car vous ne voyez pas que vous ne voyez pas l'autre. J'ai juste un coup d'œil. C'est vrai ? Et parfois, comme je l'ai déjà dit, parfois vous ne pouvez pas utiliser un plan d'établissement pour ouvrir une scène, n'est-ce pas ? Et dans ces autres circonstances, vous pouvez utiliser un gros plan extrême pour ouvrir une scène. Et au fur et à mesure que vous vous éloignez et révélez plus d'informations au public, c'est ainsi que vous pourriez ouvrir une scène. Donc, tout ce dont nous allons parler maintenant, c'est le tir au-dessus de l'épaule. J'espère donc que je m'ouvrirai trop vite pour vous, car c'est un langage cinématographique très basique et basique. Il y a beaucoup, beaucoup de langage cinématographique. Et ce sont ceux qui sont vraiment, vraiment basiques, que vous devez comprendre. La prise de vue au-dessus de l'épaule est un plan où supposons que vous avez deux personnages qui parlent ou que vous voulez le faire, vous voulez dessiner l' illusion que la caméra soit au-dessus de l'épaule d' un personnage. ou un autre. Comme vous pouvez le constater, deux personnages parlent ici. Et vous verriez les différents angles où se trouve la caméra. C'est toujours derrière l'autre, l'autre personnage qui ne parle pas ou nous ne voulons pas que le public regarde vraiment en ce moment. Nous allons parler davantage de cette photo quand nous parlerons de la règle des 180 degrés. Mais pour l'instant, il s'agit d'une introduction rapide à l'épaule. Maintenant, nous allons parler des deux coups. Un tir à deux est essentiellement deux personnages dans un plan. Vraiment, vraiment, vraiment simple. Donc, premier exemple, deux personnages se tenant l'un à côté de l'autre. Et vous vous assurez simplement que les personnages audacieux sont sur le plan. Parce que si des personnages gras, si un personnage n'est pas dans la prise de vue et un personnage a beaucoup plus d'espace et qu'il tire, il ne serait probablement pas considéré comme un tir deux. C'est donc le premier exemple de deux clichés. Déplacez-vous vers la droite. Deuxièmement, les personnages en perspective un peu plus. Nous avons donc la caméra plus sur le côté d'un personnage que sur le Next. Et maintenant, nous pouvons avoir un autre exemple de deux coups. Ce que nous avons coupé les personnages qui parlent. Vous souhaitez afficher le jeton des deux personnages dans le même plan. C'est un exemple de deux clichés. Et même ce dernier exemple ici, où nous avons des personnages comme affronter une semaine à regarder quelque chose. Et je n'ai pas dessiné ce qu'ils regardent, mais je voulais juste vous le montrer. Bon, voyons voir. Ces deux personnages regardent un vaisseau spatial et nous avons le dos des deux personnages. s'agit également d'une prise de vue à deux, donc il n'est pas nécessaire d'avoir leurs craintes, leurs peurs et la caméra pour qu'elle se ferme. Alors maintenant, nous parlons de l'arbre fermé, n'est-ce pas ? Maintenant. Le tir à l'arbre est généralement très simple. C'est lorsque vous avez une photo de personnages d' arbres dans le même plan. Nous avons donc quatre exemples ici. Le premier est composé de personnages qui se tiennent littéralement debout dans une ligne l'un à côté de l'autre et nous voyons les trois personnages. Il s'agit d'un type de tir d'arbre. Maintenant, si nous passons de l' autre côté à droite, nous pouvons avoir un cliché un peu plus dynamique ici, où nous avons des personnages de différentes tailles. Dans ce plan, nous avons le plus grand qui est l'objectif principal, puis le deuxième plus grand est le deuxième accent sur le personnage que nous sommes à l' arrière étant le moins focalisé. s'agit également d'un plan d'arbre et il est un peu plus dynamique que le premier. Donc, si nous revenons vers la gauche, nous avons un autre exemple de Trisha. Il s'agit simplement d'un arrangement triangulaire de personnages qui ont une conversation. Maintenant, celle-ci est un peu plus compliquée car elle implique aussi, voulez-vous qu'elle régne et parle de filmer personnages qui parlent et ne confondent pas le public. Nous allons approfondir cela, dans les leçons ultérieures, comme je l'ai déjà dit. Le dernier exemple d' une prise de vue délicate est un peu plus en perspective où le personnage regarde au loin, mais nous avons les personnages qui sont les plus proches des aliments. Ce sont tous des exemples de T-shirts. Il y a probablement beaucoup plus de façons d' organiser une photo délicate, mais voici quelques exemples de base. Il s'agit d'une introduction rapide de certains langages cinématographiques que vous devriez connaître lorsque je dessine storyboards, peut-être décomposé un script et que ai des idées visuelles dans votre tête pour que vous puissiez raconter l' histoire dans des storyboards. Passons donc à la tâche pour cette leçon qui va être très simple et très amusante. Allons-y donc. Ok, pour cette tâche, nous allons faire une analyse de scène. Je veux que vous choisissiez une scène parmi un film préféré. Regardez la scène et décomposez les types de clichés utilisés par le réalisateur, observant l'intersection entre les prises de vue. Prenez note de la façon dont le réalisateur utilise le plan large, le plan rapproché et tous les autres plans. Voyez si vous pouvez identifier pourquoi le réalisateur a peut-être utilisé un plan rapproché au lieu d'un plan large et au-dessus de l'épaule au lieu d'un tir deux. Comme avant, je veux que vous dessiniez tous les clichés de la scène et que vous les étudiiez dans leur ensemble. C'est votre devoir pour ce cours. Bonne chance. 5. 4 Perspective: Dans cette leçon, nous allons parler de la perspective de base, ce que tout le monde connaît bien. Mais dans le storyboard, cela semble beaucoup et vous allez devoir savoir comment gérer perspective pour faire beaucoup de vos clichés. Avant d'entrer dans les différents types de perspective, je veux que vous connaissiez les différents axes de votre composition. Dans ce diagramme, nous avons donc un axe X, qui est la ligne d'horizon. L'axe Z, qui se situe en diagonale sur l'axe Y, qui est froid verticalement. Connaissez la perspective à un point. Nous avons un axe X et un axe z. Nous avons la ligne d'horizon, qui a le point de fuite. Ensuite, nous avons les lignes qui convergent, les lignes de l'axe z sont confondues vers le point au loin. Maintenant, lorsque ces lignes convergent vers 1, beaucoup d'entre vous sont familiers avec cela, donc nous n'allons pas passer trop de temps sur cette perspective à deux points. Lorsque nous avons deux points de fuite sur la même ligne d'horizon et que les lignes convergent vers les deux. Maintenant, dans une perspective à deux points, vous allez beaucoup utiliser le plan pour beaucoup de plans panoramiques lorsque vous dessinez, essayez de simuler un plan panoramique, vous allez devoir savoir comment dessiner des grilles de perspective à deux points. Maintenant, dans une perspective à deux points, comme il est dit, vous allez avoir des arbres qui disparaîtront et en auront un au-dessus verticalement. Ensuite, vous avez les deux lignes sur la ligne d'horizon. Je ne connais pas cette perspective à deux points. Vous l'utilisez comme disons, si vous vouliez montrer un grand bâtiment et que vous avez les rues qui vont et la confusion des deux extrémités. C'est là que vous aurez beaucoup de perspective à deux points. Maintenant, la perspective Triple Aim ne veut pas simplement monter. Il pourrait également passer de l' obscurité si vous avez une vue aérienne et que vous obtenez également une perspective à deux points. Dans ce diagramme, vous pouvez voir que la caméra se trouvait peut-être au-dessus des bâtiments. Ensuite, nous pouvons voir la ligne d'horizon avec les deux autres points de perspective. Peut-être tirez dans les rues, entrez et éloignez et les lignes convergent vers ces points au loin. Parlons maintenant du niveau d'IA. Je niveau est quelque chose qui est vraiment important pour vous de comprendre quand vous dessinez comme une grille, en fonction de la façon dont la caméra se trouve juste là. Et c'est essentiellement ce que je niveau. C'est le niveau auquel se trouve la caméra. Et c'est le niveau auquel votre public connaîtra cette histoire à n'importe quel diagramme ici, vous pouvez voir comme un petit gars, il regarde dans la caméra. Et à droite, on peut voir le viseur où il est, ce qu'il dit réellement. Non, je veux que vous regardiez de près les lignes de l'axe z. Je veux que vous remarquiez combien il y en a et à quel point ils sont proches. Maintenant, c'est les lignes de grille relativement proches que vous allez obtenir avec quelqu'un qui se lève complètement et regarde la caméra. Maintenant, alors que nous avançons et que nous arrivons à cet exemple où nous avons le sujet qu'il est un peu penché, regardez dans la caméra et il ne se tient pas debout droit. Il est un peu accroupi. Maintenant, à mesure que le sujet s'abaisse, les lignes des axes z, d z commenceront à s'écarter et à diminuer. Maintenant, la ligne de niveau des yeux , la ligne horizontale, désolé, resteront au même endroit. Il restera au même endroit que le chercheur, juste au milieu. À moins que vous ne fassiez un gros à dix à la caméra, ça va rester le même, n'est-ce pas ? Maintenant que vous devenez encore plus bas, vous aurez moins de lignes de l'axe Z. Maintenant, joignez-vous, voyons voir. Les lignes d'axe créeront l'illusion que votre caméra est de plus en plus basse et se rapproche du sol au fur et à mesure que nous descendons encore plus bas. Et vous voyez, ce n'est pas nécessairement le point le plus bas. Vous pouvez transporter un appareil photo. Parfois, vous pouvez même y aller dans un ensemble. Mais il s'agit des différends les plus bas qui pourraient aller sans creuser un trou, passer sous le niveau de la mer. Vous pouvez voir que la ligne de l'axe z a des lignes qui ne sont devenues que deux lignes convergeant en un point. Et les drains précédents surDétruire. Et vous pourriez dire que le point de fuite n'est pas directement toutes les lignes convolution directement jusqu' au point de fuite. Parce que lorsque la caméra s'abaisse. Le point de fuite ne sera pas aussi visible car l'ère du plancher deviendra beaucoup plus grande et vous ne pourrez pas voir suffisamment haut pour voir le point de fuite réel des lignes en ce moment et le direction opposée totale avec le niveau des yeux. Si ce sujet commence à devenir plus élevé et de plus en plus élevé, vous obtiendrez de plus en plus de lignes de l'axe Z, car la surface que vous pouvez voir au loin devient de plus en plus importante. Vous obtiendrez donc de plus en plus les lignes des axes. Cela va donc créer l'illusion. Lorsque vous dessinez des lignes de l'axe mod z, vous êtes plus haut, haut dans les airs et que vous avez une police plus grande. Vous devrez probablement dessiner plus de lignes de l'axe Z lorsque vous faites comme un tir de grue une vue d'oiseau ou un arbre de vue aérienne. Cela vous donnera donc une petite idée de la façon de dessiner les lignes de grille pour les différents niveaux de la caméra. Maintenant, je veux vous parler un petit, petit raccourci appelé perspective suspendue. Maintenant, je suis la perspective qui vous aidera lorsque vous dessinez beaucoup de gens dans une scène qui ont essentiellement la même hauteur. Donc on a le sujet ici, il est debout sur le sol ici, la ligne d'horizon d' Andy, la ligne de niveau des yeux est près de ses pieds et coupe ses pieds. Donc, si je voulais attirer plus de gens dans la scène et que je voulais que la perspective soit réaliste pour ne pas enfreindre les règles ou quoi que ce soit. Ce que je ferais, c'est que je dessinerai le plus simple et le plus juste, mais je les dessinerais de manière à ce que ligne horizontale coupe ses jambes la ligne horizontale coupe ses jambes au même endroit qu'elle coupe les jambes des premiers sujets dans le plan. Donc, je devrais les dessiner un peu plus petits, évidemment parce qu'il est plus en arrière, mais je voudrais que la ligne d' horizon horizontale coupe. Et des mètres presque sous ses genoux que je voudrais rencontrer le même endroit que la première personne. Et même si vous inclinez un peu la caméra vers le haut et que vous avez plus de photos de vue d'un ver. Et vous regardez le personnage où les lignes horizontales, comme dans cet exemple, rencontrent la ligne d'horizon, désolé, rencontre la cheville du personnage. Et vous voulez dessiner plus de personnages dans cette scène. Tout ce que nous avons à faire, c'est dessiner plus de personnages dans la scène, mais laissez la ligne d'horizon les rencontrer à leurs chevilles, comme dans ce plan ici, c'est la même chose avec un plan rapproché. Si vous avez un sujet et que c'est plutôt un gros plan moyen, comme dans cet exemple. La ligne d'horizon les croise au niveau du cou et vous voulez attirer davantage de personnes dans la scène. Il suffit de les dessiner un peu plus petit, mais de laisser la ligne d'horizon intersecter le sujet à la même zone que la première personne. Ainsi, lorsque vous ajoutez d'autres personnes, vous croisez la ligne au même endroit. Et c'est un, tout cela est un bon raccourci pour attirer plus de gens dans la boutique le garderait dans les règles de la perspective. Bon, je veux parler un peu tracer des lignes de grille. Nous allons donc faire un autre exemple ici pour vous montrer comment j'ai abordé les lignes de dessin. Nous avons donc un sujet ici et on se dit légèrement que nous sommes au-dessus de lui peut-être, mais avec toutes les lignes de grille, on ne peut pas vraiment le dire avec certitude. Dans cet exemple, je veux vous montrer que l' importance des lignes de grille, qui montre à un spectateur quel angle nous regardons ce personnage, car nous ne pouvons pas vraiment dire avec certitude où est quel angle nous regardons ce personnage, la caméra est avec ce personnage parce que nous n'avons pas vraiment de sens de l'environnement. n'y a pas de grilles pour montrer ce qu'est ce personnage. Où est ce personnage et ce sur quoi il se tient, ou quoi que ce soit de ce genre. Donc, ma première approche pour cette carte est que je veux public sache que ce personnage est vu d'en haut. Peut-être que ça ressemble à un tir de grue , mais il est en fait fermé. Donc, ce que je ferais pour commencer à dessiner la grille, c'est que je tracerais deux lignes de l'axe Z. Maintenant, la première ligne d'axe, qui est la ligne rouge, je trace généralement cette ligne en ligne avec l'épaule du sujet parallèle à l'épaule du sujet. Cette ligne rouge est donc en fait parallèle à la même ligne ou à la même direction. Ses épaules ne sont pas au courant. La ligne verte que vous voyez est cette ligne est en fait parallèle à la direction de ses pieds. Vous pouvez donc voir que la ligne verte près de son pied gauche est en fait parallèle. Maintenant, cela va m'aider à commencer à dessiner ma grille pour, pour la scène, non ? Donc, quand je dessine complètement la grille, ça va ressembler à ça. Maintenant, cette grille aidera le spectateur à savoir que, hé, nous regardons ce personnage d'en haut et que vous allez devoir savoir comment dessiner des grilles appropriées pour votre storyboard. Ainsi, lorsque vous le tournez, peut-être un coéquipier ou un public, il peut-être un coéquipier ou un public, saura où se trouve l' appareil photo et vous devrez dessiner vos grilles en bonne perspective. Passons donc à un autre exemple que nous avons ici. Nous avons un autre personnage. On va dessiner la grille au-dessus de sa tête. Ce sera donc le même principe de dessiner les grilles pour la vue de l' œil du ver. Vous allez dessiner les lignes parallèles à son épaule, qui est rouge. Ensuite, vous allez dessiner une autre ligne de grille parallèle à la direction de ses pieds. Et une fois que vous avez dessiné ces deux premières lignes, vous pouvez remplir la grille parallèlement à ces lignes. Vous disposerez maintenant d'une grille montrant le plafond ou la vue aérienne où les gens sauront que la caméra se trouve en dessous de la vue d'un ver de ce personnage. Très bien, pour cette mission, ce que vous allez faire, c'est que vous allez prendre des captures d'écran de certaines scènes de n'importe quel film que vous voulez. Et vous allez décomposer le plan et regarder la perspective. Et vous allez dessiner les lignes de grille pour les scènes. Et nous allons coder l'angle de la caméra utilisé pour essayer de comprendre la perspective. Voici donc quelques exemples de ce que je veux que vous fassiez exactement, c'est que vous l'aurez vu, donc celui-ci vient d'Indiana Jones. Très bien, vous pouvez mettre cette scène en pause, qu'est-ce qui est vu ? Et puis voyez où se trouve la ligne d'horizon. Puis dessinez les grilles et essayez de tout mettre dans la composition et essayez de comprendre comment fonctionnent les grilles et la perspective et voyez comment le réalisateur utilise son ligne d'horizon et où il l'a mise. Et, vous savez, prenez note de ces choses. Faites donc autant que possible afin de comprendre la perspective et les lignes de grille et faire des observations sur leur utilisation et les angles dans lesquels il y a 6. 5 La règle des 180: Les gars, bienvenue à la leçon cinq de storyboard. Et avec moi, Raj. Dans cette leçon, nous allons parler la règle des 180 degrés. Je suis sûr que beaucoup d'entre vous savent quelle est cette règle. Beaucoup d'entre vous ont probablement une idée et sont très doués. Je vais être vraiment honnête. La première fois que j'ai commencé le storyboard, j' ai continué à sauter, ils veulent la ligne ET. J'ai continué à enfreindre la règle. Je ne pouvais pas vraiment le comprendre la première fois que j'ai commencé à acheter et mes planches en ont un peu souffert. Chaque fois que j'ai reçu des critiques de mes mentors de storyboard, me disais toujours que je continue de sauter la ligne, puis je dois refaire les planches parce que j'ai foiré toute la direction de l'écran pour l'ensemble. storyboard. Et c'était moins vraiment, vraiment, vraiment frustré. Je pense donc que la règle d'un degré est une règle que vous devez vraiment étudier et pratiquer beaucoup, ainsi que vos conseils d'administration. Nous allons donc sauter directement dedans. Quelle est donc la seule règle ET ? De toute façon ? Pourquoi l'utilisons-nous ? Pourquoi est-ce donc que la règle des 180 degrés est en fait une ligne invisible entre deux sujets, comme si elle était créée entre deux sujets lorsqu'ils sont, lorsqu'ils ont une conversation. Ou même pas seulement entre deux sujets, mais entre notre sujet et peut-être un objet dans la pièce ou dans le décor ou autre. Et ce diagramme ici, vous pouvez voir deux personnes parler, n'est-ce pas ? Vous en avez donc un sur votre droite, un à gauche, puis vous avez la caméra qui enregistre, qui encadre et enregistre leur conversation. Maintenant, j'ai dessiné une petite ligne pointillée en bas pour montrer où se trouve la ligne de 180 degrés. Puis j'ai dessiné un demi-cercle. Maintenant, ce demi-cercle est en fait une représentation d'une scène en termes de théâtre. Disons donc que la caméra est l'endroit où le public est assis dans un théâtre où les sièges sont assis, et qu'ils regardent ces deux acteurs sur la scène. C'est pourquoi j'ai dessiné un petit demi-cercle de scène pour représenter cela. Maintenant, la règle des 180 degrés est une règle en place afin ne pas confondre un public lorsque vous tournez un film ou un storyboard. La règle est donc essentiellement que la caméra est d'un côté. Comme vous pouvez le voir. La règle est que lorsque vous commencez à lancer une conversation, vous avez un personnage d'un côté, comme ici, et un personnage de l'autre. Ainsi, dans cet exemple, vous voyez ici le caractère 1 se trouve à gauche et le deuxième est à droite de l'écran. Et pour que cela reste le même, la caméra doit rester de ce côté de la seule ET située juste sur le diagramme ci-dessus, vous voyez la ligne invisible. Vous voyez que la caméra est d'un côté. Et à cause de ce personnage, on est à gauche, n'est-ce pas ? Deux sont sur la droite. Maintenant, si nous enfreignons cette règle lorsque nous tournons les personnages qui parlent ou que nous avons enfreint cette règle, j' obtiendrai quelque chose comme ça où nous mettrons la caméra à l' autre extrémité des personnages. . Alors maintenant que nous enregistrons et que nous regardons à travers le viseur de la caméra, nous verrons que le personnage 1 est maintenant droite et que le personnage deux est maintenant à gauche. Maintenant, si, lorsque vous modifiez votre scène ou que vous montez votre storyboard, et que vous assemblez ces deux scènes ensemble. Par rapport à cette scène, vous confondez votre public parce que personne n'est à gauche et que votre public sera comme, attendez, comment est-il arrivé à gauche qu'il traverse ? Est-ce qu'il est apparu comme par magie à gauche, le jour change de côté tunica, je suis confus. Et cela peut vraiment perturber le public. Et l'essentiel, c'est qu'il retire le public de l'histoire immersive que vous essayez de raconter. Parce que lorsque vous êtes conteur, vous voulez que votre public soit absorbant et stocké. Vous ne voulez pas qu'ils soient distraits par les techniques du cinéma. Vous ne voulez pas que votre public s'inquiète ces choses et que les confondre comme ça peut les sortir. Revenons donc au premier. Ce que vous voulez faire, c'est garder l'appareil photo d'un côté pendant la prise de vue. Maintenant, vos personnages peuvent changer de côté, mais vous devez les montrer qui changent de côté. Vous pouvez les faire changer de côté dans une coupe. Donc ce que vous feriez, c'est que vous l'auriez fait, disons que vous vouliez que le personnage 1 vienne à droite. Vous auriez le personnage un marcher sur la droite, marcher vers la droite, passer le personnage à tous en un seul coup pour montrer à n'importe quel public que, hé, ce personnage est en fait le personnage passé vers une entité à droite de l'écran. Comme on le voit ici. Vous ne voudriez jamais simplement couper et avoir un personnage en changeant camp et en confondant le public. Maintenant. Vous devez réellement maintenir cette règle tout au long d'une scène et cocher, cocher, maintenir la règle en place afin de ne pas confondre le public. Et comme je l'ai déjà dit, si vous voulez qu'un personnage bouge et change, vous devez réellement le montrer. Disons que vous avez enfreint la règle. Et puis pour le reste de l'épisode, vous continuez à enfreindre la règle. Il va falloir signaler toute la scène pour retrouver cette règle et l'équilibre. Vous ne confondrez donc pas le public. Maintenant, il y a certains moments où vous pouvez enfreindre la règle, et ce n'est que le seul moment où vous pouvez enfreindre la règle, c'est en fait que vous voulez rendre les choses moins déroutantes. Disons donc que vous suivez la règle du désir jusqu'au degré et que vous constaterez que, hé, cela semble déroutant ou que je peux montrer quelque chose de clair que vous brûlez, vous voulez qu'il soit réglé jusqu'au degré. Il peut y avoir dans certains cas que vous devez enfreindre la règle, mais seulement l'enfreindre pour que vous soyez plus clair ou moins déroutant. Maintenant, ils voulaient se regrouper. La règle grise est assez simple lorsqu'il s'agit de deux personnages. Mais quand il s'agit de trois personnages ou plus qui parlent, comme dans l'exemple ici, vous n' obtiendrez pas une seule ligne, n'est-ce pas ? Vous allez avoir, dans ce cas, vies invisibles avec trois personnages, n' est-ce pas ? Et c'est là que les choses commencent à devenir un peu plus techniques et un peu plus déroutantes. Mais nous devons les décomposer ici, maintenant. Donc, personnage, personnage à personnage, tous ces trois gars qui ont une conversation et nous avons la caméra juste à l'extérieur, les trois lignes invisibles du numéro trois. Donc, dans le viseur, ce que nous allons voir est en bas ici, le diagramme en bas ici, la caméra est la plus proche du personnage 1, puis peut-être du troisième personnage. Et le personnage deux est probablement le premier personnage par semaine. Maintenant, lorsque vous effectuez une conversation entre trois personnages, la meilleure chose à faire est de regrouper deux personnages et de vivre l'un des personnages l'autre côté du écran. Dans cet exemple, nous avons le caractère 1 et le caractère deux à gauche et le troisième à droite. Nous gardons toujours l' écran divisé en deux. Disons donc que le personnage 1 et le personnage deux sont en réalité dans la position d'un autre personnage. Mais ce que nous avons fait, c'est que nous les avons regroupés pour que cela se sente ainsi. Ainsi, dans ce cadrage, nous aurions l'impression que le personnage 1 et le personnage deux du même côté de la conversation. Et tous les deux sont contre le personnage trois, qui a une opinion qui lui est propre. Disons donc que nous voulions couper et obtenir un angle différent. Et dans le diagramme ci-dessus, nous avons déplacé la caméra aujourd'hui, non ? Mais comme vous pouvez le constater, nous n'avons toujours pas sauté par-dessus l'invisible 180, ligne trois, n'est-ce pas ? Nous sommes toujours derrière. Et c'est l'angle que vous allez avoir. Comme vous le voyez, nous avons toujours les personnages regroupés. Les trois sont toujours seuls et le personnage 12 est regroupé sur la gauche, donc nous gardons la direction de l'écran. Donc, fondamentalement, la direction de l'écran est essentiellement avoir du caractère. Supposons qu'un personnage apparaisse à droite de l'écran. On peut le garder du bon côté. Et si un personnage se trouve sur le côté gauche, il va le garder à gauche, donc nous ne confondons pas le public. Donc, les gars, la règle des 180 degrés est vraiment, vraiment complexe au début et cela peut prendre du temps pour vous y habituer. Une fois que vous continuez à vous entraîner, une fois que vous gardez le storyboard et qu'il finira par arriver, la direction de l'écran et toutes ces choses compliquées et compliquées. Et vous n'aurez même pas à vous soucier de penser réellement à ces choses. Ils vous arriveront tellement naturellement lorsque vous faites vos tableaux et que vous pourrez vous concentrer sur votre histoire et sur des choses plus complexes. Nous allons donc passer au devoir de cette leçon. Et cela va vous aider à vous entraîner. Ils voulaient une règle de degré. Passons donc à cela. Non. OK. Et maintenant, j'ai une scène que je viens d' inventer avec deux personnages. Et je construis un peu de choses ici. Et ce que je veux que vous fassiez, c'est utiliser cette scène. Je veux que vous puissiez créer autant de photos que possible dans la zone de 180 degrés. Comme vous l'avez vu, je n' ai mis que trois caméras là-dedans et ce ne sont que des exemples de l'endroit où vous pouvez placer la caméra pour prendre une photo, n'est-ce pas ? Donc, ce que je veux que vous fassiez exactement c'est comme cet exemple ici. Ce que j'ai fait, c'est que j'ai placé la caméra derrière le personnage. Et j'ai créé ce plan large des deux personnages un peu au-dessus de l'épaule du personnage. Ce n'est qu'un plan que vous pouvez créer dans le cadre de la règle des 180 degrés. Maintenant, je veux que vous créiez autant de photos différentes que possible. Il peut s'agir d'un gros plan, d'une largeur, d'une taille moyenne. Il peut y avoir deux coups. Je veux juste que vous créiez autant de clichés que possible dans le cadre de la règle du désir de degré en utilisant cet exemple de scène de personnages. J'espère que vous apprécierez cet exercice et vous verrez au prochain cours. 7. 6 compositions: Dans cette leçon, nous allons parler de composition de choc. Maintenant. Nous allons juste parler quelques règles qui vous aideront et vous guideront dans la composition de vos clichés, n'est-ce pas ? Et la première rangée que nous allons présenter ici est la règle des tiers. Maintenant, cette règle est une règle très fondamentale en photographie et en cinématographie. Et beaucoup d'entre vous sont peut-être familiers avec cela, mais je vais passer par là pour ceux qui ne sont peut-être pas familiers. Maintenant, la règle des tiers consiste essentiellement à quatre lignes pour s'exécuter horizontalement et verticalement, créant ainsi une grille de neuf rectangles ou carrés dépendant de la composition. Et ce que ces lignes font, c'est qu'elles créent des points complets sur la composition. Que ces quatre points grillent les zones votre composition pour jouer des sujets ou des objets qui sembleront plaire à un public, n'est-ce pas ? En ce moment, nous avons ici un exemple avec un gros plan moyen, gros plan de quelqu'un, n'est-ce pas ? Et la raison pour laquelle cette composition est agréable à l'œil, c'est parce qu'elle est sur ce point, le visage de la personne est sur ce point. Et nous voulons que le public regarde le visage de cette personne. C'est vrai ? Maintenant, cette personne fait face à la droite. Donc, le meilleur endroit où nous aurions pu mettre le visage de cette personne est sur le côté gauche de l'écran et sur ce point, à droite. Maintenant, si vous le vouliez, si la personne était tournée vers la gauche, vous auriez mieux été de la mettre du côté droit, non ? Sur ce point, c'est vrai. Maintenant, nous avons un plan plus large avec tout le corps du personnage. Comme vous pouvez le voir, le visage de la personne est placé juste sur ce point. Et c'est un bon point focal pour le public de regarder cela. Vraiment, vraiment agréable. Et ce n'est pas gênant, ce n'est pas hors du chemin. Ce n'est en aucun cas des positions, n'est-ce pas ? Si vous regardez toute la scène, c'est vrai, vous pouvez voir que le personnage regarde peut-être faire du rock dans le coin. Et on pouvait voir le point créé sur la moitié inférieure de la scène. Le rocher est sur ce point, n'est-ce pas ? Vous avez comme les deux sujets sur ces points, n'est-ce pas ? Maintenant. Vous n'êtes pas totalement restreint lorsque vous utilisez la règle de deux. C'est vrai. Vous n'aimez pas totalement, vous devez absolument tout placer directement sur ces points. Ils sont beaucoup plus un guide pour vous lorsque vous composez vos scènes et vous permettent de placer plus facilement des objets dans cette scène, n'est-ce pas ? Ce sont là les points de la règle des tiers. Nous allons maintenant examiner les deux lignes horizontales sur la règle des tiers, n'est-ce pas ? Maintenant. Ces deux lignes horizontales agissent comme deux zones dans lesquelles vous pouvez placer votre ligne d'horizon. Dans ce premier exemple, nous avons les lignes d' horizon b et d, la ligne horizontale inférieure de la grille. C'est vrai ? Maintenant, lorsque vous placez votre ligne d'horizon ici, c'est généralement que vous souhaitez mettre davantage l' accent sur la partie supérieure de la scène. Dans cette scène, nous voulons mettre l'accent sur le ciel et peut-être les nuages bleus au-dessus de la maison dans cette scène, n'est-ce pas ? Donc, nous placerions la ligne d'horizon en bas, là, n'est-ce pas ? Maintenant, dans une scène différente où nous voudrions mettre l'accent sur la moitié inférieure de la scène. Nous voulons peut-être mettre davantage l'accent sur l'herbe, plus sur ce qui se passe sur le plan de sol, n'est-ce pas ? Nous pouvons placer la ligne d'horizon sur la moitié supérieure de la grille horizontalement. Dans cette scène, nous voudrions mettre davantage l'accent sur la maison et la voiture qui se dirigent vers la maison. Maintenant, si vous voulez insister davantage sur cela, nous ne montrerions plus le ciel, n'est-ce pas ? Cela montrerait plus de la ligne. C'est pourquoi, dans celui-ci, nous portons davantage la ligne d'horizon jusqu' à la moitié supérieure. Très bien ? Et même dans cette scène, nous pouvons voir que nous avons placé les deux objets à droite. Nous avons la voiture sur l'un des points de la grille, puis nous avons la Maison et les points de grille car il y a deux points focaux de la scène, n'est-ce pas ? La voiture et la maison. Maintenant, nous allons passer à un autre outil de composition, ou c'est une autre façon de composer est une composition centrée, n'est-ce pas ? Des choses. Directement au milieu d'une scène. Maintenant, lorsque quelqu'un regarde un film, lorsqu'un objet est placé comme centre mort dans la composition, il attire généralement le plus de focalisation. Donc, quels que soient les objets autour ce sujet, ils viendront toujours, peut-être après le membre du public. Ainsi, placer des objets dans les données et comme vous pouvez le voir, ce qui est une autre bonne façon de concentrer l' attention de votre public, c'est mettre quelque chose dans le centre mort. Comme dans cet exemple, nous avons un gros plan médium, un gros plan moyen de son personnage et son visage est au centre de la scène. C'est vrai ? Maintenant. Nous n'avons pas toujours à placer le visage de la personne au centre. Vous pouvez avoir une certaine marge de manœuvre lorsque vous placez un objet. Ainsi, dans cet exemple, nous avons sur le sommet que nous avons le plan moyen d'une personne tendue la main là-bas. Mais comme vous avez pu le voir, leur visage n'est pas totalement au centre mort, il est légèrement au-dessus. Et vous pouvez placer des objets légèrement au-dessus et toujours non descendus, n'a pas le but, n'a pas besoin d'être entre leurs yeux tout le temps. Papa a dit la même chose en bas, ici, nous avons le sujet. Il est au centre de l'écran, mais il n'est pas centre mort. C'est, c'est toujours correct de placer votre sujet. Il ne doit pas toujours, toujours être que vous avez une certaine marge de manœuvre entre les zones autour de ce centre. ce moment, même vous-même, lorsque vous faites des prises de vue larges et plus larges et que vous avez plus de scènes avec des bâtiments et à l'extérieur. Vous pouvez également l'utiliser qui a envoyé une composition. Dans ce cas, nous avons une maison au milieu du champ, et nous voulons que notre public regarde directement la maison. Nous ne voulons pas que le public soit distrait par quoi que ce soit d'autre de cette source parce que nous savons que l' histoire se déroule dans cette maison et que nous voulons qu'il se concentre sur cette maison. C'est la même chose avec un sujet placé dans un environnement en ligne, n'est-ce pas ? Il y a tellement de complexité dans l'environnement et le sujet peut être très petit. L'un est le sujet d'être petit. Nous pourrions donc montrer l'environnement. Ce que nous ferions, c'est placer le sujet dans le centre mort, n'est-ce pas ? C'est si nous voulons que le public se concentre sur notre sujet, même s'il est si petit dans la scène. L'utilisation de la composition du centre mort permettra au public de se concentrer beaucoup plus facilement sur ce sujet. Nous allons maintenant passer à notre prochaine façon de composer vos scènes. Et c'est comprendre la taille de l'objet dans votre scène, n'est-ce pas ? L'idée de base est donc que tout objet vraiment grand dans votre scène attirera la plus grande attention. Et il dira à votre auditoire, regardez cet objet en raison de sa taille, il sera lié à son importance. La taille est donc relative à importante. Dans cette scène, nous avons un gars beaucoup plus proche de la caméra. Et vous pouviez voir en arrière-plan, nous avons peut-être des gens dans une foule qui regardent à droite. Maintenant, la chose la plus importante dans cette scène, évidemment, à cause de sa taille, c'est ce personnage devant qui semble prêt à se livrer à une sorte de combat, non ? Il est donc l' objet le plus important de la scène. Maintenant, nous avons notre prochain exemple ici, avec un gars pointant une arme sur quoi, quelqu'un ou quelque chose d'autre ? Maintenant, la chose la plus importante dans cette scène, c'est le pistolet. Parce que l'arme est presque aussi grosse que la personne sur la scène, n'est-ce pas ? La deuxième chose la plus importante dans cette scène, c'est le vrai gars. Mais le plus important, c'est le pistolet. C'est le facteur décisif de la scène. Et comme nous le faisons lorsque nous augmentons la taille du pistolet dans le cadre. Nous créons donc un sentiment d' importance énorme, c' est la même chose avec ces bâtiments ici. Vous pouvez utiliser la taille pour les caractères, vous pouvez utiliser des objets de taille, vous pouvez utiliser des environnements de taille. Maintenant, dans cette scène, nous avons le sentiment de structures massives et massives ici et là. Tellement énorme par rapport à la personne qui se trouve dans le coin inférieur, en bas à gauche. Il n'est pas aussi important que ces structures massives et voit quand on regarde cette scène, on sait que les structures sont les choses les plus importantes de cette scène. Cette scène peut être utilisée comme scène d'ouverture ou plan large pour montrer où se déroulera l'histoire. Et nous montrons l'importance de ces structures dans cette scène. Très bien. Nous allons donc passer à nouveau à un autre. Nous avons composé votre scène et c'est cool. Cadre dans un cadre, n'est-ce pas ? En gros, dans ce type de prise de vue, nous allons utiliser des éléments de la scène elle-même, n'est-ce pas ? Cela crée des cadres, qui encadreraient un objet important, n'est-ce pas ? Donc, fondamentalement, nous avons l'appareil photo si vous le trouvez maintenant dans le viseur de la caméra. Dans cet exemple, nous avons un personnage derrière certains arbres. Maintenant, si vous regardez les branches des arbres, vous verrez qu'elles créent un cadre qui n'est pas vraiment carré, mais qui encadre le sujet dans un espace, n'est-ce pas ? Et ce Freeman permet au public de se concentrer encore plus sur ce sujet, n'est-ce pas ? Il crée un cadre de, il supprime toutes les autres distractions de la scène et permet au public de se concentrer sur cette image. Voyons donc un autre exemple ici. C'est maintenant un exemple. Utilisons beaucoup de films utilisant le cadre de la porte comme scène, et bien, comme n'importe quel cadre de la porte comme cadre dans le cadre de cette scène, n'est-ce pas ? Maintenant, cela vous permet vraiment de vous concentrer sur le personnage de cette pièce. Maintenant, le public est à l'extérieur de la pièce, mais le cadre nous permet de ne pas être distrait par quoi que ce soit en dehors du cadre de la porte. Il s'agit donc d'un cadre vraiment, vraiment sympa dans une scène de cadre, n'est-ce pas ? Ce sont donc des règles que vous pourriez utiliser pour vous aider dans la composition de ces scènes, n'est-ce pas ? Nous allons maintenant passer à votre mission pour ce cours. Les gars, pour la mission, ce que je veux que vous fassiez, c'est choisir une scène de votre film préféré ou de n'importe quel film. Très bien ? Ensuite, prenez des captures d'écran de chaque photo de cette scène. Je veux que vous dessiniez la règle de la grille des tiers sur chaque puits, son cadre. Et lorsque vous dessinez la grille, je veux que vous analysiez la composition des aînés. Est-ce que l'un de ces sujets tombe sur l'un des points de la règle des tiers, n'est-ce pas ? Et puis je veux que vous traciez grille du centre mort sur la même scène. Analysez la scène et voyez si le réalisateur l'utilise comme guide pour composer la scène. Voici donc quelques exemples de ce que je veux que vous fassiez. J'ai pris des captures d'écran de scènes de la dernière scène, et David Fincher en a sept. Et ce que j'ai fait, c'est que je viens de dessiner les lignes directrices de la règle des tiers sur la scène, sur la composition. Et j'ai simplement fait ça pour voir où le réalisateur place le sujet, si vous les placez sur l'un des points pour voir comment il a composé ce cliché par rapport à la règle des tiers, s'il a utilisé le règle des tiers ou il n'a pas utilisé la règle des tiers. s'agit simplement d'un exercice de base pour essayer de vous aider à analyser scènes et à les décomposer afin que vous puissiez éventuellement utiliser les graines que vous voyez dans votre magasin. 8. 7 Mouvement de caméra: Parlons maintenant du mouvement de la caméra en tant qu'artiste de storyboard, pour rendre votre travail plus dynamique, il suffit d'ajouter que le mouvement supplémentaire de la caméra pourrait être si essentiel à la scène. Pour la psychologie d'une scène, un type d'émotion que vous voudrez exprimer et vous voulez que le public remplisse cette scène. Connaître les différents mouvements de la caméra ajoutera vraiment cette longueur supplémentaire à votre storyboard. Le premier mouvement de caméra nous allons parler est le panoramique. Le panoramique consiste essentiellement à régler votre appareil photo de gauche à droite, de droite à gauche, à droite. Maintenant, Il a crevé que tu ne bouges pas tout le corps de la caméra. Vous ne le ramassez pas et ne l'accordez pas. Il suffit de le tourner sur son axe pour qu'il suive le sujet. Dans cet exemple, vous pouvez voir que nous avons un personnage devant la caméra. Il montre donc comment la caméra s'adapte à elle sur son axe, les différents joints vous montreront que, ok, c'est là que la caméra s'accorde. Maintenant, comment cela ressemblerait-il dans un viseur ? Voyez que nous avons le personnage, le point de départ du personnage. Il est au milieu du viseur. Nous voulons tourner la caméra vers la gauche. Alors que nous tournons la caméra, vous allez dessiner le personnage déplaçant de plus en plus vers la droite de l'écran, car nous tournons la caméra gauche et la tournons vers la droite. Dans ce diagramme ici, le personnage verra de plus en plus se déplacer vers la gauche de la décomposition. C'est donc de cette façon que vous envisageriez probablement de dessiner, tout en dessinant le mouvement de la caméra. Le sujet évoluera dans la direction opposée du commerce. Cela créerait donc l' illusion d'un plan panoramique. N'oubliez pas que nous n'utilisons pas réellement l'action en direct, donc nous n'allons pas utiliser de virgule R2, mais nous devons simuler le mouvement de la caméra dans la prise de pons. Maintenant, et si nous l'avons fait, voyons voir, je déplace un sujet et nous voulons faire panoramique sans déplacer le sujet ressemblera à ceci. Disons donc que nous avons un personnage qui court et que je vous vois courir vers la caméra. Et puis vous voulez suivre l'action du personnage alors qu'il passe devant la caméra et continue. Non, c'est essentiellement comme ça que tu dessinerais. Pour simuler que lorsque vous l'êtes, lorsque vous dessinez, vous ne dessinez pas réellement le personnage dans le cadre comme celui-ci. Pour simuler cela, je viens de dessiner toutes les étapes du personnage en cours d' exécution dans cette scène. Vous verrez donc, oh, je m'en approche. Maintenant, dans ce plan, vous avez une perspective 2 car le personnage vient d'une seule direction. Ensuite, lorsque vous déplacez la caméra, elle créera un autre point sur la ligne d'horizon, mais il y aura une seconde de perspective sur la ligne d'horizon. Il crée donc deux points, n'est-ce pas ? Vous attirerez donc le personnage qui court vers vous. Le point le plus proche du personnage, c'est vers la caméra. Ce serait plutôt comme une vue latérale. Et alors qu'un personnage s'enfuit, vous verriez la boîte. Ainsi, lorsque vous portez ceci et que vous le portez dans le programme de montage et que vous soumettez, dirigez, le mouvement de la caméra sur chaque image du personnage apparaît. Au fur et à mesure que la caméra se déplace, vous allez simuler un plan panoramique sur le personnage qui traverse la scène. Je vais donc vous montrer un exemple de la façon dont je fais cela maintenant, c'est essentiellement comme ça. C'est donc un storyboard que j'ai fait qui incorporait ce type de simulation d'un punch up. Nous avons deux personnages qui montent en escalier mécanique dans une gare. Et ils vont passer devant la caméra. Et comme vous pouvez le voir, je simule ce plan en dessinant chaque séquence telle qu'elle est. Et au début, vous pouvez voir qu'il y a une perspective ici. Et au fur et à mesure que la caméra écoute, vous avez un autre point de vue de leur éloignement. C'est donc un exemple de cela. Simulez un plan apparent de personnages en mouvement. Nous allons maintenant parler de l'inclinaison de la caméra. inclinaison est donc essentiellement le mouvement vertical vers le haut ou vers le bas de la caméra. Nous ne déplaçons toujours pas réellement le corps de la caméra d' un endroit à l'autre, mais en l'inclinant sur son axe, sur l'axe Y pour être exact, nous l'inclinons vers le haut ou l'inclinons vers le bas. Ce diagramme ici vous permet de voir que la caméra fait face personnage et nous montrons la portée de l'inclinaison de la caméra en ce moment, allons le regarder dans le viseur. Ainsi, lorsque nous dessinons l'inclinaison, vous devrez dessiner une certaine distorsion dans l'inclinaison pour simuler le mouvement de la caméra. Maintenant, parce que l'enfant du viseur ne voit qu' une certaine portée et lorsque nous la dessinons, nous voulons simuler la façon dont la caméra voit les choses. Il faudrait donc dessiner ce que je vous ai dit. Vous allez devoir dessiner une perspective de point d'entrée avec une légère distorsion et vous dessinez cette distorsion. Donc, lorsque vous le mettez dans votre logiciel d'édition de niveau et que vous faites réellement l'inclinaison. mouvement et le logiciel, il ne sera pas là où il sera plus précis dans la vie réelle, car la distorsion est la façon dont nous maintenons la caméra la verrait réellement. Et cela aura l' air normal car sont des points de vue très divers qui se déplacent vers le haut puis vers le bas jusqu'au personnage. Il va donc falloir simuler ces points de vue dans une seule articulation. Vous allez donc avoir trois points de vue. Voyons un autre exemple avec cet arbre, n'est-ce pas ? Disons donc que nous voulions dessiner une simulation d'un plan d'inclinaison. Nous allons devoir le dessiner comme nous l'avons fait avec le personnage précédent. Nous allons devoir le dessiner avec 2 perspectives avec la distorsion de différents points de perspective. Parce qu'au fur et à mesure que nous déplacerons la caméra, nous allons être changés et en perspective. Et nous ne voulons pas dessiner quelque chose avec une perspective unique. Et au fur et à mesure que nous voyons, nous n'obtenons pas l' effet que nous voulons. Nous voulons créer cet effet que la caméra est là, mais elle est inclinée, elle ne bouge pas. C'est le fait que nous voulons qu'il soit incliné. Et nous allons devoir dessiner, dessiner des sujets comme celui-ci pour votre storyboard pour créer cet effet. Voici donc un petit exemple du tir d'inclinaison en action. C'est donc un château que j'ai dessiné avec les éléments de distorsion appliqués avec une perspective 2. Comme vous pouvez le voir lorsque la caméra s'incline du haut du château jusqu'au bas du château. Vous ne remarquez pas vraiment la distorsion dans le dessin, car si vous le trouvez, il est seulement capable de voir autant. Maintenant, si vous visualisez le dessin, le dessin complet, vous remarquerez que la distorsion, et cela semblerait irréaliste. Mais parce que la façon dont la caméra s'incline, c'est une bonne façon de simuler cette caméra Tilton. Désormais, la prise de vue du chariot, également connue sous le nom de poussée ou de poussée, est une prise de vue où vous déplacez physiquement la caméra de plus près ou plus loin de votre sujet. Le tir du chariot est donc un moyen de combiner deux tirs sans avoir à couper entre les deux tirs. Par exemple, un plan de chariot peut commencer un plan large, puis se terminer par un plan rapproché moyen. Maintenant, avec la prise de vue Zoom, la différence entre celle-ci et la prise de vue du chariot est que vous ne déplacez pas physiquement l'appareil photo, c'est que Zoom est un changement optique, la distance focale. Et ce que cela signifie, en d'autres termes, c'est essentiellement un grossissement. Avec un zoom, le sujet devient plus grand dans le cadre et votre arrière-plan est compressé. prises de zoom suppriment le sentiment de profondeur dans votre cadre. Les gars, car l' affectation pour ce cours va être un peu différente. Ce sera une tâche de type « live action ». Ce que je veux que vous fassiez, c'est si vous avez un téléphone photo ou un appareil photo numérique. Ce que je veux que vous fassiez, c'est simplement sortir et filmer en utilisant ces mouvements de caméra que nous venons d'apprendre. Je veux que vous utilisiez le fragment de livre jusqu'à ce que vous tourniez le zoom et le chariot. Et il suffit de photographier différentes choses. Soyez simplement créatif et habituez-vous aux différents types de mouvements de caméra et laissez-les faire partie de votre vocabulaire et de raconter des histoires. Alors amusez-vous avec cette tâche et soyez créatif. On se voit dans le prochain cours, les gars. Merci beaucoup. 9. 8 Dessiner à partir d'un scénario: storyboards sont presque toujours réalisés à l'aide d'un script. Pendant le pipeline de production d' un film d' animation illimité que j'écris, je transmettais le script au magasin. Quelle équipe qui utilise ensuite le script détermine ces storyboards. Dans certains cas, production de longs métrages musulmans en tant qu' équipe stockable commençait à créer des histoires, des croquis sans scénario. Mais pour cet exemple, nous allons utiliser un script. Maintenant, une fois que vous avez terminé votre script ou que vous dites séquencé, la première chose à faire avant même de penser au dessin est de lire votre script plusieurs fois. Je dirais que le rayon nettoie le plus de temps possible compte tenu de la date limite imposée. Lire votre script au moins cinq fois devrait être suffisant pour que vous puissiez saisir l'idée générale de ce magasin qui vous est présentée. Il est important pour un artiste d' histoire et connaître l'histoire ou la séquence du début à la fin. Ou vous créez des miniatures rugueuses est un excellent moyen de sortir ces premières idées initiales de votre tête. Vous pouvez donc les voir sur papier. De nombreux artistes de storyboard utilisent des miniatures très rugueuses pour obtenir leurs idées sont rapides. Parfois, ces miniatures sont si rugueuses qu'elles sont les seules à pouvoir les comprendre. La raison pour laquelle les miniatures sont si efficaces, c'est parce que vous utilisez peu de temps et d'efforts pour faire connaître vos idées sur le pH. Il n'est pas très important à ce stade de ne pas tomber amoureux de vos idées. Il faut voir au-delà ce qui a l'air vraiment cool et se concentrer sur les scènes sacrées, souper l'histoire. Alors que vous traversez une passe difficile, pensez à votre histoire. Pensez aux émotions que vous voulez que le public ressent lorsqu'il regarde cette séquence. Pensez aux coups de feu. Vous pensez qu'ils rendraient le spectacle encore plus important. Je trouve cela lorsque je travaille sur une séquence et que je suis perçu comme manquant quelque chose ou peut être amélioré. Et je le sens dans mes tripes, ma marque peut devenir paresseuse et me dire que la séquence peut fonctionner telle quelle, mais mon Dieu sait toujours où s'améliorer. Écoutez toujours votre instinct quand il vous dit d'améliorer quelque chose. Ne soyez jamais paresseux lorsque vous reportez, car vous devrez éventuellement le montrer à votre réalisateur. Et parfois, la plupart du temps, ce sentiment instinctif que je devais changer quelque chose est parfois toujours souligné par quelqu'un d'autre qui le regarde. Écoutez donc toujours votre instinct et récompensez lorsque vous avez envie de signaler. Beaucoup d'entre vous ont peut-être entendu dire que l'histoire est roi est un gel. Chaque artiste d'histoire doit vivre, et non pas, quel que soit le type d' histoire sur lequel il travaille. Comment allez-vous résoudre cette histoire ? garder à l' esprit le concept des histoires aura donc une influence sur les plans et la mise en scène. Vous utilisez un storyboard par séquence. Par exemple, supposons que vous étiez en train de storyboard une séquence introduisant un personnage héroïque. Les plans que vous utiliseriez incluent probablement des prises de vue comme un tir à angle faible, ce qui donnerait l' effet d'un personnage fort et puissant comme celui-ci. Ou peut-être que vous êtes stockable et que nos secrets avec quelqu'un qui se sent seul, nous utiliserons probablement davantage un plan large pour que le personnage se sente petit et insignifiant dans cet environnement. Vous ne choisirez jamais de clichés pour des séquences simplement parce que vous aimez utiliser ces prises de vue. Deux clichés qui amélioreront l'histoire de votre scène ou de votre séquence. Maintenant, pour la mission, je vais vous donner un script partiel qui va continuer. Pour la première partie de l'affectation. Je veux que vous lisiez le scénario au moins cinq fois. Ensuite, pour la deuxième partie, je veux que vous fassiez un chemin de miniature grossier du script. Il s'agit donc d'un scénario écrit par Brian McDonald appelé Freeman. Je veux que vous le lisiez cinq fois et que vous le fassiez une passe difficile. C'est la scène d'ouverture du scénario, et ce n'est pas trop compliqué. Pour la troisième partie, je veux que vous preniez vos miniatures et que vous les assembliez dans un storyboard. Ensuite, je veux que vous récompensiez la même séquence de deux manières différentes. Cela vous aidera à ne pas tomber amoureux de vos idées initiales et à développer les compétences nécessaires raconter une histoire de plusieurs façons. Cela ne signifie pas que vos premières idées sont fausses. Parfois, le réalisateur peut adorer votre première idée, mais pour améliorer votre polyvalence, créer différents storyboards sur la même séquence vous aidera à vous améliorer. C'est donc votre devoir pour cette semaine, les gars. Bonne chance. 10. 9 Nettoyer: Parlons donc de nettoyer les storyboards. Mon premier audit professionnel en tant qu'artiste de storyboard a été à son studio et salt Korea a appelé drôle d'animation flux. Lorsque j'ai commencé à y travailler en tant que stagiaire, j'ai été affecté à des travaux nettoyage, les artistes sont le principal scénariste de l'équipe. Ce travail consiste à prendre le storyboard terminé des artistes de cette histoire et à nettoyer leurs planches pour les rendre plus clairs. Normalement, un travail d'artiste de storyboard serait très esquissé. Les artistes de nettoyage ont généralement tracé les planches et les fabriquent Clara rend les personnages plus nombreux et modélisent et ajoute que l'artiste de storyboard plus détaillé n'a pas eu le temps de travailler. Le but du nettoyage des storyboards est de faire en sorte que lorsqu'ils sont transmis à l'équipe d'animation, il n'y aura pas de confusion ou malentendus lorsqu'ils regardent les storyboards. Certains fans, des planches très rugueuses peuvent être difficiles à comprendre. Dans cette leçon, nous allons examiner le nettoyage de certains storyboards grossiers et la quantité de détails à ajouter aux tableaux pour les rendre présentables sans perdre trop de temps. Jetons un coup d'œil au storyboard rude que j'ai fait pour cette séquence et au processus de création de ces storyboards, j'ai créé un raccourci tellement lâche que les personnages étaient lâche que les personnages jolis. Un peu comme Stickman. Il peut être très difficile de distinguer les personnages. Si vous n'êtes pas la personne qui a créé les storyboards, dans certains cas, vous aurez des conceptions de personnages avec lesquelles travailler pour vous aider à nettoyer les storyboards. Parfois, il se peut que vous n'ayez pas encore les conceptions finales du département de conception. En utilisant la référence de conception de personnage, vous devez essayer d'ajouter détails importants pour que le public sache qui est qui est. Maintenant, je vais faire une démonstration de nettoyage de storyboards pour que vous puissiez voir comment je vais le faire. Et puis je vais vous parler de votre mission. D'accord ? C'est donc la capture d'écran du storyboard rugueux précédent que nous pouvons nettoyer. Maintenant, j'ai choisi celui-ci parce qu'il a assez de personnages et suffisamment d'arrière-plan pour vous montrer tout ce qui va dans le nettoyage d'un storyboard. Avant de nettoyer le storyboard, je veux vous montrer la feuille de personnages que nous allons utiliser pour ce storyboard. Maintenant, ce sont dessins de personnages un peu rudes des personnages. Voyons donc simplement que votre équipe de conception vous envoie ces dessins de personnages grossiers mais pas finaux ces dessins de personnages grossiers mais pas finaux pour que vous puissiez les utiliser pour nettoyer le storyboard. Vous allez donc regarder ces dessins de personnages et vous allez nettoyer vos storyboards à l'aide de cette référence. Commençons donc par le nettoyage. Habituellement, lorsque je nettoie les storyboards, je ferais ouvrir les dessins de personnages sur un moniteur séparé. Et puis je me contenterais de le faire quand je nettoie. Ainsi, dans ce cliché, comme nous l'avons déjà dit, il y a tous les personnages. Nous allons commencer à nettoyer maintenant, la première chose que je fais est que je dessinerais d'abord l'arrière-plan. Donc, si c'est le gémissement ou si c'est comme des murs et des arbres en arrière-plan, je le dessine en premier. Dans cet exemple, nous avons juste le terrain. Je vais donc juste dessiner dans la grille. Et quand je dessine dans la grille ou l'arrière-plan, je le mets sur un calque séparé. Je vais donc simplement dessiner dans la grille , puis placer les personnages sur un calque séparé. Ainsi, une fois que vous avez mis votre grille en place, vous êtes assis, réservant sur vos personnages, qui se trouvent sur une couche séparée. Je mets généralement tous les personnages sur un calque moins, comme si j'avais besoin de quelque chose qui se déplace différemment des couches de personnages. Je vais donc commencer par le personnage et son centre, qui est Jordan, qui est ce personnage dans la scène. Et je vais juste commencer à nettoyer les storyboards déréférencés à l'esprit. Maintenant, il n'est pas nécessaire qu'il s' agisse d'une mauvaise représentation du personnage à partir des dessins de personnages. Il faut juste que ce soit une fonction plus nettoyée et bien construite du personnage. Et en regardant cela, vous verrez que ce n'est pas exactement comme les dessins des personnages. C'est le cas, mais il fait plus référence au design du personnage que les chemins rugueux des foos, qui n'étaient essentiellement qu'un homme de bâton. Donc d'habitude, au fur et à mesure que je continuais, je répétais le processus pour tous les autres personnages et je nettoyais les personnages au fur et à mesure. Nous allons donc finir les personnages. Maintenant, une fois que j'ai fini les personnages, la prochaine chose que je ferais, si nécessaire, pour ce type de production, serait d'ajouter des tons gris. Maintenant, la raison pour laquelle vous souhaitez ajouter des tons de gris au storyboard est deux. D'abord, expliquez clairement les choses pour attirer l'attention sur certains éléments de la scène qui montrent plus importants, n'est-ce pas ? Donc, les deux choses qui ont le plus d'importance dans la scène, ou les personnages qui regardent quelque chose. Nous voulons donc que le public se concentre sur eux. Donc, lorsque nous ajouterons l'outil de grille, ce sera simplement en augmentant le contraste sur les personnages. Nous allons simplement ajouter un morceau de grille à l'arrière-plan, puis nous allons ajouter un blanc sur les personnages. Sachez que l'ajout de cela créerait un grand contraste avec les personnages. Et cela attirerait l'attention du public sur les personnages. Et c'est pour cela que nous ajoutons des tons gris aux storyboards. Et c'est comme ça qu'un storyboard nettoyé ressemblerait à la fin. Donc maintenant, si vous faites des allers-retours entre les deux, vous pouvez voir à quel point c'est différent. Ce n'est pas super, super complet. Ce n'est probablement pas le produit final de la production, mais il serait beaucoup plus clair et plus compréhensible lorsque vous transmettez ces storyboards à l'équipe suivante, probablement dans l'équipe d'animation, qui pourrait ensuite interpréter vos storyboards et animer les scènes en conséquence sans aucune confusion. Donc, pour votre affectation pour cette classe, je veux que vous preniez les miniatures grossières que vous avez faites pour votre précédent storyboard, pour le script Freeman. Et je veux que tu fasses le nettoyage. Et je veux que vous ajoutiez des tons de gris à votre storyboard. Je veux que vous utilisiez les tons gris pour vous aider à ajouter plus de clarté à voir pour votre public. C'est votre devoir pour ce cours. Bonne chance et à vous voir. 11. 10 Présentations: Ok, tout le monde sait que vos storyboards sont prêts. Dans cette leçon, nous allons parler de monter vos storyboards. Le lancer, c'est se lever devant votre réalisateur. Je vous présente vos storyboards d'une séquence. L'objectif principal est de faire comprendre clairement la séquence au réalisateur. Ce que je vais donc faire, c'est de partager quelques suggestions qui pourraient vous aider à présenter vos tableaux plus efficacement. Donc d'abord, assurez-vous et préparez-vous. Pratiquez le pitch ou les planches à un autre artiste avant la présentation principale, ni les tableaux et le dialogue comme le dos de votre main. La plupart du temps, vous devrez peut-être faire la voix off des personnages de votre séquence. Si vous êtes à l'aise de faire les voix des personnages, allez-y. Mais si vous ne faites pas votre propre voix, c'est assez bon. Parlez clairement. Essayez très fort de ne pas marmonner dans votre séquence, projeter vocalement à votre public, présenter en toute confiance, de vous assurer que vous êtes vraiment confiant dans la séquence. Si vous n'êtes pas confiant, cela peut affecter l'impact global d'une histoire sur votre public. La prochaine suggestion est de s'assurer et d' avoir une belle présentation de piercing. Essayez de faire en sorte que tout s'écoule en douceur et efficacement. Ne vous arrêtez pas de trop expliquer choses techniques telles que la direction de l'écran. Et n'arrêtez pas de comparer vos prises de vue à d'autres films. Ne soyez pas trop horrible avec la séquence Rashtriya au détriment d'être clair. Courte énergie pendant la présentation, mais n'exagérez pas OK, et éloignez l'attention de vos planches. Parler devant les gens est un échec numéro un de quelques mois. Une façon de vous débarrasser de votre peur est de vous concentrer sur les tableaux que vous présentez. Se concentrer sur votre storyboard vous aidera à vous sentir moins conscient de soi. N'oubliez pas d' être vous-même et tout ira bien pendant votre présentation. Maintenant, je vais faire un exemple de pitch. Ce sera une nouvelle que j'ai écrite et les storyboards pour lesquels j'ai écrit. Alors, faisons-le. Depuis qu'il a ouvert avec ce jouet vraiment cool des villes qu'un enfant est comme tout ce jouet est tellement génial. Il les traverse. Maman tire son temps, maman, maman, maman vient vérifier et regarder ce jouet. C'est tellement génial. Tirez-le de l'autre côté de la pièce, jetez un œil. C'est tellement soigné. Regarde, maman. Elle regarde en face, regarde en bas le prix trop cher. Eh bien, maintenant, pourriez-vous m'écouter un peu ? En ce moment ? Vous voyez, je ne peux pas vraiment me permettre quelque chose d'aussi cher. Mais je le veux. se frotte la main. Il regarde de l'autre côté du magasin et voit un t-shirt moins cher. Elle est comme, allez, laissez-moi vous montrer quelque chose d'un peu plus cool. Promenade dans le magasin de jouets. Il regarde en arrière et il a remarqué que les jouets s'éloignent de lui deviennent tristes. C'est comme regarder ça, regarder ce t-shirt. C'est vraiment génial. Il y a Ultra Man dessus. Ce n'est pas cool. Je ne veux pas ça. Eh bien, je suppose que vous n'obtiendrez pas les pouvoirs de modification du charbon fournis avec ce t-shirt. Oui, seules les personnes spéciales ont les pouvoirs et enfilent ce t-shirt. Vraiment, je veux les puissances ultra ailes. Mais il faut être vraiment digne d'avoir les pouvoirs. Je vais le prendre, je suis digne comme ici, puis mettez-le et obtenez vos pouvoirs d'altro. Oui. Il le met, imagine qu'il se transforme en altération supersonique à base de jus. Voler à une vitesse presque légère. S'arrête et voit cette créature extraterrestre s'ouvrir à toi. Vous ne détruirez jamais l'univers. Je vais m'arrêter. Vous. Aimez les monstres, vous en chargez. Il s'envole. Elle va de l'avant mais s'arrête soudainement parce que quelque chose les distrait. Il regarde, les Mamelouks de l'autre côté du magasin, où pourriez-vous me procurer ce jouet ? Ouah, c'est tellement génial. Merci, papa. Des livres sur le bébé qui prend les jouets. Oh, je ne veux plus ça. OK, les gars. Donc, en gros, c'était le terrain. En gros, ce que j'ai fait, c'est que je viens d'ajouter dans un dialogue, je veux dire, une description grossière de ce qui se passe dans la scène. Ce pitch rapide pourrait certainement être amélioré. Mais vous avez une idée de base de ce que vous devez faire. Comme, je ne me suis pas arrêté pour décrire, comme des prises de vue et des plans panoramiques et Sandy, la caméra va zoomer ici à Pontiac. Ces choses sont inutiles, ou vous devez simplement ajouter plus d'effets, plus de couple. Et parce que l'antibiotique leur montre déjà des choses, et ce que vous devez faire est d'ajouter l' automatique et de lui donner des effets sonores. Essayez de le rapprocher le plus possible du film final. Maintenant que vous avez vu un exemple, passons à l'affectation. Donc, pour votre mission, ce que je veux que vous fassiez, c'est prendre les tableaux précédents que vous avez créés et je veux que vous vous entraîniez à lancer les tableaux seuls, le dialogue. Tous les défauts de la scène. Je m'entraîne à le faire. Et puis je veux que vous le présentiez à un ami, Bridget peut être un frère ou une sœur et que vous vous entraîniez à le lancer à autant de gens que possible jusqu'à ce que vous vous habituez à la forme artistique du lancer. vos storyboards. C'est votre devoir pour ce cours et je vous verrai la prochaine fois. 12. 11 portfolio: Avant de parler de ce que vous devriez avoir dans votre portfolio de storyboard, je veux parler des formats dans lesquels vous pouvez présenter votre portfolio. Tout d'abord, il y a une copie physique de votre portefeuille. En gros, vous organisez tous ces storyboards ensemble et vous les imprimez. Et puis vous pouvez créer cela, créer un livre, aller le relier ensemble, n'est-ce pas ? C'était la seule façon de montrer vos tableaux par le passé, c'était efficace si vous assistez à un congrès ou à un atelier et que vous vouliez facilement présenter à l'employeur ou aimer un storyboard senior. artistes pour la critique. Maintenant, l'inconvénient de ce format est que vous n'avez peut-être pas toujours votre portefeuille sur vous lorsque vous sortez et que vous ne savez jamais à qui vous pourriez rencontrer. Par exemple, avoir une copie physique de vos tableaux peut être restrictif en ce qui concerne le fait d'être prêt à saisir des opportunités. La prochaine chose à propos du format d'un portefeuille physique pour storyboard est le format des storyboards réels, car copies physiques peuvent être assemblées et des antibiotiques, des copies physiques d'un storyboard. portfolio ne peut avoir que le format traditionnel de colonne ou de ligne. Il y a maintenant des réviseurs qui aiment parcourir un pH de panneau au format PDF. Et c'est une autre chose que la copie physique peut faire est d'avoir un pH de panneau pour qu'ils puissent passer très rapidement et un format PDF, vous pouvez l'imprimer un panneau Bu pH, mais vous auriez ce portefeuille très épais et ce n'est pas une bonne idée. Maintenant, le deuxième format, vous pouvez avoir votre portfolio et est numérique, et ils forment un site Web dédié uniquement à votre storyboard. Il existe de nombreux sites Web gratuits sur lesquels vous pouvez créer votre portfolio. blogspot sont des ailes ou Tumblr. Et si vous pouvez vous le permettre, vous pouvez opter pour une des périodes telles que Squarespace, etc. Le grand avantage d' avoir un portefeuille en ligne d' un portefeuille physique est que vous y aurez facilement accès. Il sera toujours présent sur votre téléphone, votre ordinateur portable ou votre ordinateur connecté. Une fois connecté à Internet, prêt à montrer quelqu'un. Vous pouvez également l'envoyer via un lien à n'importe qui par e-mail, WhatsApp, tout est très pratique. Le deuxième avantage est que vous pouvez créer des antibiotiques et les télécharger sur votre site Web. Les portefeuilles physiques peuvent avoir une autre matrice, comme nous l'avons déjà dit. Maintenant, les antiémétiques, des compétences cinématographiques plus évidentes, n'est-ce pas ? Parce que les antibiotiques impliquent l'édition, la voix, l'action, le rythme, etc. antibiotiques sont donc une excellente chose à avoir dans votre portefeuille. Maintenant, de la façon dont je parle, cela suggérerait que vous ne devriez avoir qu' un portefeuille numérique, un portefeuille de storyboards numériques. Ce que je suggérerais vraiment, c'est que vous avez les deux. Parce qu'au bout du compte, on ne sait jamais ce qui pourrait arriver. Peut-être l' artiste de storyboard que vous regardez, ou l'artiste de storyboard qui regarde dans votre travail. Peut-être aient-ils tellement aimé les copies physiques des portefeuilles de storyboard et peut-être que c'est juste leur truc. Et ils pourraient vous embaucher parce que vous avez un portefeuille physique et peut-être quelqu'un d'autre, je préfère PDF ou peut-être que quelqu'un d'autre pourrait avoir des gens qui regardent des antibiotiques. L'essentiel de tout cela est donc de les avoir tous prêts. Je suggérerais simplement à tous Pavlov la copie physique d'un site Web, Instagram, Facebook , peu importe, soyez prêt pour tous. Je vous dis simplement toutes les façons dont vous pouvez être prêt maintenant que nous avons cela à l'écart, parlons de ce que vous devriez mettre dans votre portefeuille de storyboard. La première chose que vous devez savoir est que votre portefeuille de storyboard doit être orienté vers l'industrie dans laquelle vous souhaitez vous lancer. Par exemple, supposons que vous souhaitiez créer storyboards pour Disney ou DreamWorks Animation. Votre portefeuille ne doit pas comporter de storyboards pour les films d'action en direct ou les livres commerciaux. Votre storyboard doit être dans la veine des films d'animation. Désormais, les studios qui réalisent des films d' animation recherchent différentes choses par rapport aux studios d'action en direct. Par exemple, Disney recherche des storyboards qui ont beaucoup de gestes, de dessin, de nuance, d'action avec les personnages et d'une variété de scènes émotionnelles et orientées vers l'action. De plus, votre style doit être similaire au travail du studio auquel vous postulez. Disneyworld embauche probablement plus rapidement quelqu'un qui peut s'adapter à son style plus rapidement que quelqu'un qui doit vraiment dessiner son style. Maintenant, c'est une suggestion assez évidente, mais gardez toujours votre meilleur travail au premier plan ou au début de votre portefeuille. Vous n'avez pas une deuxième chance de faire bonne première impression. Essayez de vous laisser tous à moins travailler fort à l'arrière de votre portefeuille. Ou vous pourriez placer votre travail plus faible entre vos pièces plus fortes. La prochaine suggestion serait de raconter une variété d'histoires. Essayer de ne pas avoir de storyboards qui ne sont que dans un seul genre. Si vous voulez mettre cinq storyboard dans votre portefeuille. Ma suggestion serait d'avoir une histoire d'amour et d'action, une histoire d'horreur, une histoire triste et peut-être même une comédie musicale. Cela montrera à votre employeur que vous pouvez gérer une variété d'histoires et que votre offre est très large. La dernière étape que je veux partager avec vous est quelque chose d'un peu différent. C'est quelque chose dont vous devez être conscient lorsque vous présentez votre portfolio à un artiste senior ou à un employeur potentiel. Le conseil est d'être silencieux et d'écouter. Lorsque vous recevez des commentaires, écoutez la critique dans laquelle vous recevez votre ticket. Essayez de comprendre le point de vue du critique d'art dans votre travail. Ne les interrompez pas pour trouver des excuses et déambuler. Gardez votre ego en échec. Vous pouvez vous sentir un peu capricieux si le critique est dur mais qu'il apprend comme P et pour, et cela en vaut la peine. Il suffit donc d'écouter et de tout prendre en compte. Donc, les gars, il s'agissait conseils et de suggestions sur la mise en place de votre portefeuille. J'espère que ça vous aidera si vous ne connaissiez pas ces choses. J'ai trouvé ces points, essentiellement à partir d'essais et d'erreurs appliqués à différents studios. Et ils m'ont donné des commentaires sur mon portfolio et je voulais juste le partager avec vous. Espérons que cela vous aidera et chance mettra dans votre portefeuille de storyboard ensemble. 13. 12 Aperçu: Très bien, nous sommes enfin arrivés à la fin de l' introduction au storyboard. Dans cette vidéo, je veux juste faire un petit aperçu du cours et vous donner un dernier conseil. Maintenant, pour ceux d'entre vous qui n'avaient jamais connu le storyboard auparavant, il y aurait eu beaucoup d' informations à absorber ici. Mais ce qui est génial, c'est que vous pouvez regarder ces vidéos autant de fois que possible, car elles sont gratuites. Juste au cas où vous ne compreniez pas quelque chose. Ceux d'entre vous qui connaissent le storyboard avant ce cours peuvent avoir ou non été initiés à de nouvelles informations. Mais si vous l'avez fait et que vous avez toujours regardé toutes les vidéos, cela montre que vous avez faim d' apprendre de nouvelles choses et que vous êtes en train d'apprendre constamment, ce qui est vraiment bien. Maintenant, ces vidéos couvrent les connaissances de base que vous devez connaître lorsque vous travaillez sur le storyboard. Mais le plus grand défi dans la création storyboards est de ne pas connaître les règles du storyboard, mais de créer des histoires. La seule façon de vous améliorer en storyboard est de créer autant de storyboards et raconter autant d' histoires que possible. Entraînez-vous à faire des tableaux à partir de scripts Ou si vous voulez écrire votre propre histoire et votre storyboard, plupart de vos améliorations ne viendront pas en regardant des vidéos de cours, mais en créant vos histoires et vos storyboards. Il y aura des choses que vous apprendrez qui ne peuvent provenir que de la création de ces storyboards. Et tirer des leçons du processus actuel de création de storyboards. Travaillez aussi fort et intelligemment que possible. Racontez les histoires que vous voulez raconter. Ne créez pas d'histoires qui, selon vous, seraient populaires. Créez des histoires que vous aimeriez créer. Vous allez créer meilleures histoires si vous aimez les créer. Chacun a une histoire unique à partager avec le monde entier. Alors, assurez-vous et dites le vôtre. Avant de dire mes derniers adieux, je veux juste faire un dernier bouchon éhonté. Ces cours seront là, toujours gratuits, et j'ajouterai de nouveaux cours autant que possible. Et ils seront disponibles gratuitement. Mais merci d'avoir regardé. J'apprécie vraiment que vous ayez pris le temps de regarder ces cours. Bonne chance pour tout et à vous voir la prochaine fois.