Introduction à la réalisation de films d'animation

1. Introduction: Bonjour. Je m'appelle Eve Leonard, et bienvenue à l'introduction au cinéma d'animation. J' enseigne l'animation et la production cinématographique depuis plus de 20 ans. Je suis actuellement au Pratt Institute à Brooklyn, New York, où j'enseigne au département Digital Arts. J' ai conçu ce cours pour Skillshare parce que j'étais un peu frustré par la disponibilité des tutoriels de niveau intermédiaire. La plupart des tutoriels d'animation que j'ai rencontré sont principalement techniques, ou ils montrent des méthodes très basiques de production d'animation. Ce cours est conçu pour emmener n'importe quel animateur avec des compétences très débutantes ou rudimentaires, et permettre à ces projets d'être développés en courts-métrages. Si vous n'avez jamais fait de court-métrage auparavant, mais que vous êtes intéressé à faire passer vos compétences au niveau supérieur, c'est absolument le cours pour vous. Je tiens également à souligner que ce cours n'est pas spécifique aux logiciels. J' utilise Adobe Creative Cloud dans le cadre de mes démonstrations techniques. Cependant, les concepts dont nous discuterons peuvent s'appliquer à n'importe quel logiciel qui fait la composition d'images numériques et toute manipulation numérique. Cette classe couvre un flux de travail complet pour la production d'animation, sorte que vous pouvez réutiliser ces étapes pour des projets plus importants. Voici quelques exemples de courts métrages commerciaux, afin que vous puissiez comprendre leur application pratique en dehors d'un portefeuille personnel. J' espère que ces exemples vous ont inspiré à faire votre propre projet. Merci beaucoup d'avoir regardé. Je te verrai dans la prochaine leçon. 2. Réalisation de films d'animation: Bonjour. Bienvenue au cinéma d'animation. C' est la leçon 2, techniques de production de films d'animation. Maintenant, avant de commencer, je voudrais définir de quoi nous parlons pour que nous soyons sur la même page. Maintenant, je définit les techniques de réalisation de films d'animation comme l'utilisation outils de post-production et la manipulation d'images pour réaliser un court métrage. Note de caméra rapide avant d'aller de l'avant, j'ai ce script incroyable que j'ai écrit pour vous les gars, mais malheureusement il est légèrement hors écran. Donc à chaque fois que mes yeux commencent, ce n'est pas que je t'ignore, c'est que j'ai besoin de lire mon script pour vous communiquer le meilleur moyen. Quand on parle de film, on parle généralement de film d'action en direct. L' animation est juste une technique utilisée pour raconter des histoires de la même façon que nous utilisons les podcasts ou le théâtre. Pourtant, quand nous parlons de films d'animation et de culture pop, nous parlons généralement de quelque chose qui est adapté à la famille, et dans le genre d'aventure d'action. La raison en est que les films d'animation sont extrêmement coûteux et prennent beaucoup de temps. Le temps moyen qu'il faut pour réaliser un film d'action en direct est d'environ 18 mois, comparé à la réalisation d'un film d'animation qui dure environ cinq ans, du scénario à l'écran. En raison du temps qu'il faut pour faire un film d'animation, studios ont besoin de récupérer toutes ces dépenses, donc dans le genre action-aventure familial, vous êtes en mesure d'obtenir le public le plus large possible. Oui, je sais ce que tu vas dire. Et si Your Name, le drame d'animation du lycée japonais, science-fiction, avait rapporté 400 millions de dollars dans le monde ? Qu' en est-il de Loving Vincent, le film peint à la main sur les derniers jours de la vie de Vincent van Gogh, qui a été nominé en 2018, pour un Oscar ? Qu' est-ce qui vous amène à Auvers ? Ou qu'en est-il, I Lost My Body, qui vient d'être nominé pour le meilleur long métrage d'animation cette année ? Si vous ne connaissez aucun de ces films, faites-vous une faveur et regardez les, ils sont absolument incroyables. Mais ce sont des exceptions. Ils ne sont pas la règle. Les courts métrages, d'autre part, sont un excellent moyen d'expérimenter avec la narration, et ne demandent pas le même temps et l'attention qu'un long métrage a besoin. Internet a explosé avec une variété de genres et de techniques, afin d'exposer ces films à un nouveau public. Voici quelques exemples de l'Office national du film du Canada. Comme moi, Ryan est un cinéaste [inaudible] Ryan est un documentaire d'animation sur le célèbre animateur de l'ONF, Ryan Larkin, et son combat quotidien contre l'alcoolisme. Il est le créateur de plusieurs courts métrages, dont deux ont acquis sa place dans l'histoire du cinéma d'animation. Tu veux que j'avoue ? Freaks of Nurture est un drame familial sur une jeune artiste professionnelle comparant sa vie à sa mère, qui a fait de ses capacités maternelles une carrière. Bonjour. Hé, maman. C'est une urgence. Je flippe. Ma date limite est demain, et je n'y arriverai pas. Blinkity Blank est un film expérimental qui utilise des techniques non conventionnelles, avec des sons et des formes, pour illustrer le mouvement. Notre classe vous apprendra comment faire des films dans trois domaines distincts. Techniques de production. Comment réutiliser les ressources plutôt que de commencer à partir de zéro. Cela s'avère utile lors de la création de votre portfolio ou du démarrage de votre propre court-métrage. Introduction à la cinématographie. Comment utiliser la caméra virtuelle comme outil de création. Les animateurs débutants attendent trop longtemps pour considérer la caméra. Je vais vous montrer comment utiliser la caméra efficacement, avec but. Conception de production. Comment utiliser les outils d'éclairage et de composition pour construire une scène. Un actif animé peut être aussi petit ou aussi grand que vous le souhaitez. Nous discuterons de la conception de la production comme moyen d'améliorer vos compétences en narration. Pour commencer, vous commencerez par faire des recherches sur vos intérêts et recueillir votre travail. Voici une affectation en deux parties pour vous aider à démarrer ce projet. La recherche. Commencez à regarder autour du Web pour tout ce qui vous inspire. J' ai inclus quelques sites pour vous aider à démarrer. Retrouvez environ six œuvres d'animation différentes. Ils peuvent être des boucles sur Instagram, des émissions de télévision, des jeux vidéo, n'importe quoi, tant qu'il est animé. Une fois que vous avez trouvé vos six, identifiez, qui est l'artiste, les artistes ou le studio. Quelle est la méthode d'animation ? 2D, 3D, stop motion, pixellisation. Quel est le genre ? Est-ce de la comédie, du drame, horreur, du western, du slapstick, etc. ? Commencer à identifier les similitudes et écrire une brève déclaration sur votre intérêt. Deuxièmement, collectez vos animations. Vous en aurez besoin pour ce projet. Ils peuvent être de courts tests, quelque chose que vous avez fait pour le plaisir, un tutoriel, quoi que ce soit, il doit répondre à ces critères. L' animation doit être d'au moins cinq secondes, n'importe quelle méthode est bien, stop motion, pixellisation, 2D, 3D, etc., pas d'arrière-plan. L' animation ne doit pas avoir d'arrière-plan, ou vous devez avoir la possibilité de supprimer l'arrière-plan. Dans la leçon suivante, nous allons discuter de la façon de nettoyer cette animation, afin que vous puissiez l'utiliser pour votre court métrage. Merci beaucoup pour votre temps et votre attention, et je vous verrai la prochaine fois. 3. Nettoyer: Bienvenue à l'introduction à la réalisation de films d'animation. C' est la leçon 3, nettoyez. Maintenant, le nettoyage fait référence au processus de révision de votre actif animé pour voir s'il y a des erreurs ou des domaines que vous pouvez améliorer. L' élément animé fait référence à l'élément animé de la scène. La première étape est la sélection. Pour ce projet, vous pouvez choisir n'importe quelle animation que vous avez moins l'arrière-plan. L' actif peut être quelque chose d'aussi simple qu' une balle rebondissante ou quelque chose d'aussi complexe que l'animation de synchronisation des lèvres. L' actif peut également être dans n'importe quel support que vous choisissez. Si vous choisissez votre actif d'animation, assurez-vous de supprimer l'arrière-plan. Soit l'animation a été créée sans arrière-plan, soit vous pouvez revenir aux fichiers du projet et supprimer l'arrière-plan. Voici deux exemples. Dans ce premier exemple, j'ai une animation 2D de quatre images, réalisée dans Adobe Photoshop à l'aide de la fonction Montage. Les cadres ont été chronométrés de sorte que le personnage regarde quelque chose avant qu'ils crient. Cette animation a été créée afin de supprimer l'arrière-plan. Le deuxième exemple est un test d'animation stop-motion de 44 images que j'ai fait. C' est au-dessus d'un fond d'écran vert. Je vais supprimer l'arrière-plan plus tard dans cette vidéo. J' ai choisi ces deux atouts pour être dans la même scène. Avant de commencer, je veux parler des mauvaises habitudes que les artistes éprouvent quand ils commencent à commencer. Les artistes ont tendance à s'accrocher à leur œuvre parce qu'elle représente des heures de travail acharné, en particulier dans l'animation. Même lorsqu'un projet présente de nombreux défauts. C' est un problème lorsqu'un artiste passe de l'école à l'environnement professionnel. Une partie du processus de production consiste à obtenir les commentaires de vos superviseurs et de vos pairs. Si vous n'êtes pas disposé à modifier un projet en fonction de ces commentaires, vos compétences en tant qu'artiste vont entraver. Il est important de penser à vos compétences de la même façon qu'un athlète pense de leur corps. Vous devez pratiquer votre métier afin de vous améliorer. Avec chaque heure de pratique, vous deviendrez plus efficace avec votre temps. Par conséquent, vous avez plus de temps pour résoudre les problèmes importants. Pour chaque maitre peinture, sculpture, film, etc., il y a des milliers d'échecs et d'erreurs. Donnez-vous la permission d'échouer afin que vous puissiez vous améliorer. Une partie de ma pratique professionnelle consiste à revisiter les tutoriels fondamentaux afin de pratiquer un ensemble de compétences que je n'ai pas utilisées depuis un certain temps. Cela m'aide à améliorer mon timing et cela me rend plus efficace dans la production. Je vous encourage à faire de même. Par où commencez-vous ? Eh bien, commencez à identifier des projets qui vous apportent de la joie. Ils ne sont peut-être pas parfaits, mais il y a au moins un ou deux aspects de vos capacités qui brillent vraiment à travers. Commencez à les classer en ensembles de compétences. Quels projets montrent vos capacités d'automatisation, quels projets montrent vos capacités de conception. Une fois que vous avez terminé, organisez votre bibliothèque, vous pouvez commencer à sélectionner les projets sur lesquels vous souhaitez continuer à travailler. Il peut s'agir d'un projet que vous voulez prolonger ou d'un projet que vous voulez juste améliorer. J' ai choisi la main stop-motion parce que j'aime le timing du mouvement et le design de la main. J' ai choisi de le jumeler avec les tests d'écran parce que je sens qu'ils peuvent s'adapter ensemble. Le visage peut réagir à la main pendant qu'elle se déplace. Je veux me mettre au défi de faire correspondre le timing de l'écran et le timing de la main. Ces deux pièces correspondent également à l'esthétique que je suis intéressé à explorer, mélangeant une variété de médiums pour qu'ils aient l'impression de faire partie du même monde. technologie peu coûteuse a rendu cette approche possible avec une variété de créateurs. Quelques exemples de cette technique peuvent être trouvés dans les réseaux de dessins animés, Amazing World of Gumballs qui mélange 2D, 3D, marionnettes et photographie. Blink industries, Don't Hug Me, J'ai peur, qui rend souvent cette marionnette d'action en direct avec animation 2D et 3D. Maintenant, la deuxième étape est l'évaluation. Scrubbing est le processus dans lequel vous pouvez parcourir votre clip animé à n'importe quelle vitesse afin d'identifier les problèmes. Lorsque vous scrublez le clic que vous avez sélectionné, tenez compte de la critique dans deux domaines différents, la qualité et le timing. La qualité se réfère à la norme du cadre. Le timing préfère la durée pendant laquelle le cadre reste à l'écran. Maintenant, je peux réparer ça de deux façons différentes. Je peux rendre les images actuelles plus longues, ou je peux ajouter quelques images supplémentaires. Puisque cette animation est plus courte que le mouvement d'arrêt, je vais ajuster le timing, sorte que les deux clips ont le même temps d'exécution. Je veux aussi aborder quelques problèmes incomplets bâclés, comme ici dans la racine des cheveux et dans ce cadre ici, j'ai un peu de peinture à l'extérieur des bords et j'ai aussi une ligne droite ici. Quant à la main, j'ai l'impression que le timing de l'animation est assez cohérent et il se déplace à une vitesse que j'aime. Mais je vais devoir faire un peu plus de travail pour nettoyer ce contexte. J' aborderai ça dans une autre vidéo. Pour les animateurs 3D là-bas, tous les problèmes que vous rencontrez peuvent facilement être résolus en regardant le manuel technique du logiciel ou en posant des questions sur les threads de la communauté. Environ 90 % des problèmes que j'ai rencontrés avec une animation 3D ont été résolus de cette façon. Lorsque vous scrubbing, je vous conseille d'abord d'écrire tous les problèmes que vous trouvez avec l'animation avant de commencer à les résoudre. après mon expérience, j'ai constaté que lorsque je résout un problème, cela peut avoir un effet d'ondulation et résoudre encore plus de problèmes. Ou lors de la résolution d'un problème, je peux créer des problèmes supplémentaires. Il est important d'écrire tout d'abord pour que vous puissiez suivre vos progrès. En outre, gardez une trace de l'endroit où vous trouvez vos informations, ce pourrait être un bon endroit pour revenir en arrière et résoudre un autre problème si l'information était bonne. La troisième étape, il suffit de nettoyer. Maintenant que vous avez identifié les clips que vous souhaitez utiliser, passez en revue et nettoyez l'image en fonction de ce que vous avez identifié comme étant bien et faux. Dans la vidéo suivante, nous allons expliquer comment supprimer la toile de fond dans l'animation stop-motion et discuter de quelques termes techniques. Merci beaucoup pour votre temps et votre attention. J' ai hâte de vous voir la prochaine fois. 4. Canaux Alpha et rotoscopie: Bonjour, bienvenue de retour à l'introduction au cinéma d'animation. Voici les canaux alpha et la rotoscopie de la leçon 4. Je voudrais passer quelques minutes à parler de ces deux termes techniques. Je pense qu'il est important de comprendre ces termes car ils vous aideront énormément dans n'importe quelle production. canal Alpha fait référence à la zone de l'image qui est transparente dans la composition d'images numériques, je vais utiliser Adobe Photoshop pour expliquer comment cela fonctionne. Voici le cri 2D chargé dans Adobe Photoshop. Il est important de comprendre que les canaux alpha font référence à la transparence de votre image. Maintenant, la transparence peut être utilisée de manière créative nos fins car il s'agit d'un cours d'introduction, nous allons utiliser les transparences comme un moyen de composer des images ensemble. Nous voulons que l'arrière-plan soit complètement transparent, il est indiqué dans Photoshop par ce motif à carreaux gris et blanc. Maintenant, les fichiers Adobe Photoshop sont automatiquement reconnus dans Adobe After Effects Je peux donc l'enregistrer en tant que fichier Photoshop, je peux l'ouvrir dans After Effects et toute la transparence est préservée. Mais disons pour l'argument, j'utilise un autre type de programme de composition et je veux exporter cette image. Je peux aller à l'exportation comme. Maintenant, il est important ici de parler des formats de fichier, ce format de fichier PNG conserve la transparence pour que je puisse zoomer ici et vous pouvez voir que ce dessin a automatiquement le motif à carreaux, ce qui me indique que c'est transparent. Mais disons que je voulais rendre un fichier JPEG. Lorsque cette option est sélectionnée, le format JPEG ne préserve pas la transparence de cette application particulière. Si j'exporte des JPEG, je n'aurai pas l'arrière-plan transparent. Il est important de garder une trace de ces choses lorsque vous préparez vos ressources animées pour la composition. Pour démontrer davantage l'importance des canaux alpha, je passe à mon programme 3D Autodesk Maya. Ici, j'ai mes paramètres de rendu ouverts. Maintenant, cette séquence est juste une géométrie simple avec des matériaux très basiques dessus. Dans mes paramètres de sortie de fichier, j'ai une variété d'options, j'ai des options de film, qui sont des films AVIS et QuickTime, mais j'ai aussi une variété d'options fixes telles que GIF ou JPEG et TIF. En tant qu'artiste 3D, je recommande toujours de rendre des séquences d'images fixes sur des séquences de films. séquences de films sont compressées dans le composite, il est très difficile d'ajouter des effets et de les faire paraître bien . Vous voulez donc travailler avec la meilleure qualité possible lorsque vous faites de la composition. Vous voulez également avoir le contrôle de votre séquence d'images. Les fichiers vidéo ont tendance à être obsolètes plus ils vieillissent parce que les codecs ne sont plus disponibles pour lire le fichier vidéo. séquences d'images ont une durée de conservation plus longue et elles sont assez cohérentes entre les progiciels. Pour démontrer les canaux alpha, j'exporterai une séquence JPEG et une séquence TIFF. Maintenant, dans mes paramètres de rendu, je vais m'assurer que le canal alpha est sélectionné afin qu'il y ait un masque alpha sur chaque image. Ici, dans le composite dans Adobe After Effects, j'ai chargé ici ma séquence d'images 2D, à des fins de démonstration, j'ai créé cet objet étoile de sorte que l'objet étoile, comme je le fais glisser sur mon image, vous pouvez voir que il est visible dans la transparence, sorte qu'il peut se déplacer derrière l'objet ou dans ce cas, notre actif animé. Maintenant, je voudrais parler de notre JPEG et de nos séquences TIFF pour que nous puissions les comparer. Je vais commencer par notre séquence JPEG, amenant dans ma chronologie comme vous pouvez le voir immédiatement l'arrière-plan est opaque, il n'est pas transparent. Même si la transparence a été cochée dans notre programme 3D. Si vous êtes un animateur 3D et que vous rencontrez ce premier problème, vérifiez le format de fichier que vous utilisez JPEG n'enregistre pas les transparences. Ainsi, même si votre canal alpha est sélectionné, votre transparence est sélectionnée, les JPEG n'ont pas la capacité de lire les transparences. Cependant, comparons cela à notre séquence TIFF. Donc, en le chargeant ici, il enregistre automatiquement la transparence, vous pouvez la voir et il est prêt pour la composition. C' est la meilleure façon de rendre les objets 3D et il est également important de le comprendre si vous rencontrez des problèmes d'exportation. Passons à la rotoscopie. rotoscopie est le processus dans lequel un artiste ou un technicien tracera une zone à supprimer d'une image pour être superposée au-dessus d'une autre image. Cette technique est souvent utilisée dans la composition d'images dans les effets visuels pour l'animation d'effets, ou dans l'animation stop-motion pour insérer un arrière-plan compliqué. Pour le stop motion, je vais rotoscoper mon tapis à ordures afin de découper tout ce qui n'est pas vert pour la clé chroma. Ici, j'ai mon actif stop-motion chargé dans After Effect, déjà vous pouvez voir qu'il y a des problèmes. Il y a des reflets sur le plexiglas en haut et en bas, tout autour des côtés sont des vues étendues de mon espace de travail, mais tout ce que nous voulons vraiment, c'est l'animation au milieu. Maintenant, j'ai tourné ça au-dessus d'un livre vert pour que je puisse supprimer cette couleur dans After Effects, vous pouvez avoir l'effet appelé lumière clé que vous pouvez voir dans la chronologie ici. Avec le voyant de touche visible, j'ai créé un fond bleu dans mes paramètres composites afin que vous puissiez voir la différence. Maintenant, j'enlève le vert et c'est génial, mais j'ai encore mon espace de travail et les reflets du verre que je veux enlever. J' ai besoin de créer un tapis à ordures. Donc, lorsque mon calque d'images stop-motion est sélectionné, je vais aller en haut dans After Effects et sélectionner l'outil Plume. Avec l'outil stylo sélectionné, je vais juste dessiner rapidement une forme autour mon animation et dès que fermé, il découpe tout le reste. Maintenant, pour mon court métrage que je vais montrer, j'ai choisi ces deux atouts parce que le souvenir médical, je pense qu'ils vont ensemble. Je veux que mon personnage 2D réagisse à cette main qui sort du sol. Je vais ajuster le tapis à ordures pour lui donner plus d'un avion plat, je vais aller à l'avant et je vais juste couvrir ces jointures et ces petits morceaux d'argile blanche qui vont représenter juste des rochers de terre. sortir du sol, donc ce sera ma première image. Avant de passer à autre chose, je vais descendre à ma chronologie et révéler les menus sous mon masque, je vais sélectionner « Chemin du masque » et le chemin du masque va animer la forme de mon tapis. Je vais faire défiler mes cadres jusqu'à ce que le cadre 4 soit assez décent. Mais à l'image 5, il coupe un de mes rochers, donc je vais attraper mon outil de sélection, sélectionner ce point et je vais juste animer rapidement ce point et c'est l'homme des ordures complètement nettoyé en haut et puis avec ma main qui bouge d'avant en arrière, je veux vous faire savoir rapidement qu'il y a deux effets sur ce calque stop motion. Remarquez comment cette main je voulais juste souligner cela très rapidement, remarquez que cette main que je zoome a beaucoup d'ombres dessus. J' ai ajouté un effet appelé Matte Choker. Choker mat, c'est un joli raccourci, il prend tous ces petits pixels que la lumière de la touche peut avoir manqué et il fait rapidement un ajustement au gain et supprime ceux. Vous pouvez le faire manuellement en ajustant les paramètres de votre effet que vous utilisez pour la touche chroma dans ce cas, c'est la lumière de la touche. Mais After Effects a ce tour de cou mat super effet qui l'enlève automatiquement et vous rend la vie beaucoup plus facile. Comme vous pouvez le voir, j'ai tout ça gentil et nettoyé et prêt pour la composition. N' oubliez pas de terminer la suppression de l'arrière-plan, ajouter des images clés si nécessaire, nettoyer le numérique incomplet et de terminer le nettoyage pour passer à la prochaine leçon de notre série. Merci beaucoup pour votre temps et votre attention. J' espère que beaucoup de ces conseils et cette revue technique vous ont été utiles dans le nettoyage de votre propre animation. Avant de passer à la vidéo suivante, assurez-vous que votre actif animé est nettoyé et qu'il est prêt pour la composition. 5. Mise en scène: Bienvenue à l'introduction au cinéma d'animation. C' est la leçon 5, mettre en scène la scène. Examinons. Vous avez un actif animé qui a été nettoyé et prêt pour la composition. Commençons maintenant le processus de construction d'un court métrage autour de cet atout. La première chose dont vous aurez besoin ici est le carnet de croquis ou une tablette avec une application de réservation de croquis dessus. Moi personnellement, je préfère un carnet de croquis juste parce que vous n'avez pas à vous inquiéter à ce sujet, perdre du pouvoir ou de la corruption de données, peu importe, mais tout va bien. La première étape est de regarder votre animation et de vous demander, quelle histoire puis-je construire à partir de cela ? Tu te dis peut-être, Eve, j'ai animé un morceau d'herbe soufflant dans le vent, comment faites-tu une histoire intéressante ? Je répondrais alors, bien jeune pagaie sur. Pensez à la façon dont vous pouvez utiliser l'herbe dans une scène plus grande. Une suggestion serait de créer une scène où un soldat est assis sur une colline herbeuse avec la tête dans ses mains. Bouclez l'herbe qui coule, zoomez sur la caméra et faites jouer de la musique triste pour piano pendant sept secondes, ou avoir une silhouette de deux enfants loin dans un long champ comme les couchers de soleil. Ce sont de bonnes suggestions si vous êtes doué dans le dessin de figure, mais disons que vous n'êtes pas si bon dans le dessin de figure. Je dirais, pensez à un paysage où vous pourriez utiliser votre herbe qui coule. Une autre suggestion serait d'avoir un château en arrière-plan qui s'est effondré par des années de négligence ou un terrain abandonné avec de l'herbe clairsemée et un fort pour enfants fait maison en arrière-plan. Ces scènes sont beaucoup plus intéressantes à regarder dans un portefeuille ou une bobine de démonstration que l'actif seul. La clé ici est de capter l'attention de votre public. Bon, d'accord, comment faites-vous ça ? Eh bien, pour commencer, faisons une petite expérience. Je pense que vous êtes familier avec Internet, le contenu sur Internet. Maintenant, il y a des millions de clips qui essaient de rivaliser pour votre attention tous les jours. Essayons dans une petite expérience et comprenons davantage vos propres habitudes de visualisation. La prochaine fois que vous êtes sur un service de streaming ou que vous perdez du temps sur Internet, commencez à déterminer pourquoi vous choisissez certaines parties du média. Pour un service de streaming, allez-vous à un genre que vous appréciez et faites défiler jusqu'à ce que vous voyez quelque chose qui n'est pas familier ou intéressant. Lorsque vous vous arrêtez sur un média désiré, commencez à vous demander pourquoi avez-vous pris cette décision ? Était-ce la miniature qu'ils utilisaient, était-ce les couleurs qu'ils utilisaient, était-ce le titre de ce qui vous a attiré ? Lorsque vous commencez à comprendre vos propres habitudes de visionnage, cela vous aidera à mieux comprendre comment communiquer avec votre public. En tant qu'éducateur, je crois que vous vous comprendrez mieux en comprenant ce qui vous attire dans le contenu que vous aimez. Soyez précis lorsque vous vous posez ces questions. Aimez-vous la couleur ou la miniature, ou y a-t-il un acteur particulier que vous aimeriez suivre ? Quelle que soit la raison, commencez à les noter afin que vous puissiez appliquer certaines de ces techniques à votre propre travail. Maintenant que vous avez une meilleure compréhension de vos habitudes de visionnage, commençons à réfléchir à ce que votre scène peut ressembler. Voici quelques conseils pour vous aider à démarrer. Collectez des histoires, écoutez un podcast, regardez des courts métrages sur Internet, lisez un essai, faites attention aux types d'histoires qui vous attirent et consommez histoires avec un contenu similaire pour élargir vos connaissances sur le sujet. Conservez autant de points de vue que possible. Faites la recherche, au lieu de taper des mots aléatoires dans votre moteur de recherche, allez à la bibliothèque, visitez un endroit et prenez des photos avec votre téléphone. Je recommande toujours l'expérience de la vie. Après des années de travail dans l'industrie, il est évident de voir quelqu'un qui fait juste une heure de recherche sur Internet par rapport à quelqu'un qui a réellement visité un endroit. Obtenez de l'aide. J'avoue que je suis un écrivain terrible quand je travaille seul. J' invite souvent un ami à un repas ou à regarder un film pour me sortir d'un bloc. Heureusement, j'ai beaucoup d'amis qui aiment raconter des histoires. Je prends souvent des notes et demande d'utiliser une partie de leur histoire dans mes propres récits. Les histoires de la vie réelle comprennent de petits détails qui sont parfois difficiles à évoquer par vous-même. Appliquez ces idées dans votre carnet de croquis. Commencez à combiner ce que vous avez appris de vos habitudes de vision et ce que vous avez appris de vos recherches. Voici une copie de mon carnet de croquis. J' ai pris les deux atouts animés que j'ai démontré et je les ai combinés dans cette maison hantée comme un scénario où la main sort du sol et le personnage 2D réagit. Maintenant, je dois créer le reste des actifs de ce dessin, comme la maison, l'arbre et l'arrière-plan. Ce sera beaucoup de plaisir. Dans notre prochaine leçon, nous commencerons à énumérer les actifs que nous devons créer pour notre courte scène en fonction de nos croquis, puis nous discuterons de la façon de les créer. Merci beaucoup pour votre temps et votre attention, et je vous verrai la prochaine fois. 6. Créer des ressources: Bienvenue à l'introduction au cinéma d'animation. C' est la leçon 6, la création d'un actif. Vous m'avez entendu utiliser le terme « actifs » un peu pendant cette série jusqu'à présent. L' actif fait référence à tout ce que l'artiste a créé pour être réutilisé dans le film. Les actifs peuvent être des personnages, des accessoires, meubles, n'importe quoi en arrière-plan. Les animateurs ont des bibliothèques de biens de la même façon que les cinéastes ont des acteurs, des meubles ou des accessoires. En tant que réalisateur, j'ai ma propre bibliothèque personnelle que je revisite afin de faire des expériences ou d'utiliser pour des projets futurs. Commençons maintenant à planifier et à créer nos propres actifs. Pour cet exercice, nous devrons retourner à notre carnet de croquis. J'ai ma liste. Je vais organiser ma liste en personnages, accessoires, environnement et arrière-plan. N' oublie pas les sons. Assurez-vous que votre liste contient les types de sons dont vous aurez besoin pour votre scène. Les sons peuvent être de la musique, des effets sonores, du dialogue et de l'atmosphère. Atmosphère pour le ton de la pièce se réfère aux sons de fond dans un endroit. Par exemple, si votre emplacement se trouve dans un parc, vous pouvez vous rendre à pied jusqu'à votre parc local, trouver un endroit où il n'y a pas de personnes et enregistrer quelques minutes avec votre téléphone ou tout autre appareil d'enregistrement sonore. Après avoir enregistré et collectionné vos sons, placez-les dans un dossier et étiquettez correctement chaque fichier. Nous reviendrons à eux dans la leçon 10. Retour aux visuels. Maintenant, je dois déterminer comment je vais faire mes actifs visuels. Il existe d'autres méthodes que vous pouvez utiliser pour vos ressources en arrière-plan. Certains des plus courants sont la photographie et la peinture mate. Ces deux méthodes sont un peu difficiles. Pour la photographie, vous devez vous assurer que vous avez la bonne taille d'image et qu'elle est assez grande pour mettre en arrière-plan. En outre, l'éclairage est un peu délicat avec la photographie. Si vous ne parvenez pas à faire correspondre l'éclairage correctement, il sera très difficile pour votre public de comprendre que vos éléments photographiés et vos actifs animés sont dans la même scène. Ils ont presque l'air d'être collés ensemble. Une peinture mate est une représentation peinte d'un fond dans un environnement. C' est pour créer l'illusion d'un plus grand ensemble, ce que nous appelons communément les extensions de l'ensemble de l'entreprise. Les peintures mates sont bidimensionnelles et représentent souvent espaces tridimensionnels qui nécessitent une compréhension de l'éclairage réel. Pour cette leçon, je vais faire la démonstration avec de la peinture mate, mais je vous recommande fortement de le garder simple et de créer un arrière-plan en utilisant le même support que votre actif automatisé. Pour ce point particulier du plan de leçon, je veux parler de la loi sur le droit d'auteur. Je sais qu'il y a plusieurs étudiants qui suivent ce cours qui opèrent dans leur propre pays, et donc la loi sur le droit d'auteur peut varier en fonction de votre situation géographique. Avec cela à l'esprit, je veux vous donner quelques conseils généraux pour vous éviter des ennuis pendant que vous produisez votre travail. Si vous travaillez sur Internet, il est facile de copier et coller des photos ou des dessins ou des fan art pour vos projets. Je fais souvent référence à des documents protégés par des droits d'auteur pour améliorer mes propres compétences en pratique. Cependant, je n'utilise jamais de matériel protégé par pour des travaux de client ou des travaux commandés pour lesquels je suis payé. Je vous encourage à utiliser le moins possible les documents protégés par le droit d'auteur, sorte que vous vous évitez de tomber dans des pièges juridiques. Cela inclut également des didacticiels. Saviez-vous que les tutoriels sont la propriété intellectuelle de l'auteur ? Si vous téléchargez des ressources pour un didacticiel, elles ne sont techniquement pas les vôtres. Si vous publiez le résultat de ce tutoriel, vous ne pouvez pas prétendre qu'il s'agit de votre propre travail, c'est en fait le travail de l'auteur. Ce qui signifie que vous suivez simplement les instructions que l'auteur vous a données. Si vous souhaitez en savoir plus sur le droit d'auteur, je vous recommande fortement d'aller sur le site Web de votre gouvernement pour voir quelles sont les lois de chaque pays concernant les documents protégés par le droit d'auteur. Je vous recommande également d'aller à creativecommons dot org. Ils disposent d'excellentes ressources pour documents qui sont publiés et distribués sur Internet. Il y a plusieurs choses que vous devez garder à l'esprit lorsque vous créez vos actifs. Taille du cadre. Quelle est la taille de votre cadre ? Pour ce projet, nous travaillons en format HD. Le cadre mesure 1920 pixels de large et 1080 pixels de hauteur. Ceci est important à savoir avant de commencer à travailler, toujours rechercher comment vous allez distribuer votre animation et connaître la taille de l'image. Pour les arrière-plans, ma règle générale est de créer votre arrière-plan deux fois la taille de votre cadre afin que vous puissiez effectuer un zoom ou un panoramique à l'intérieur de votre arrière-plan sans perdre de qualité. Je parlerai de cette question plus avant dans les leçons à venir. Taille de l'actif. Quelle est la taille de votre actif dans le cadre ? Les actifs plus petits peuvent être moins détaillés que les actifs plus importants. Palette de couleurs. Assurez-vous que vos actifs semblent appartenir à la même scène. Les artistes conceptuels feront quelque chose qu'on appelle un script de couleur, qui est la palette de couleurs qui détermine les couleurs en production pour une scène donnée. Les couleurs peuvent déterminer l'heure de la journée, l'humeur ou le genre. L' esthétique doit être cohérente pour être cru. Parallaxe de mouvement. Diviser votre scène en éléments de premier plan, milieu de terrain et d'arrière-plan. Ce sera le sujet de notre prochaine vidéo. Merci beaucoup pour votre temps et votre attention. Avant de passer à la création de vos actifs, je vous recommande vivement de consulter la leçon suivante, la parallaxe de mouvement, afin de vous donner plus d'informations et de conseils sur la création de vos actifs. Merci beaucoup. Prends soin de toi. 7. Appareil photo: Bienvenue à l'introduction au cinéma d'animation. C' est la leçon 7, caméra. Il y a une erreur courante pour les animateurs de ne pas tenir compte de la caméra. Dans l'animation, la caméra n'est pas une méthode courante de création d'image. Nous créons nos actifs, puis utilisons la caméra pour capturer ces éléments dans le cadre. Pour le film d'action en direct, faire la caméra est le premier outil que artistes utilisent pour maîtriser l'animation et le storyboard. Compte tenu de la caméra et du storyboard, ma règle générale est de déplacer la caméra avec un but en fonction de l'intrigue et de l'action. Si vous n'avez pas la raison de déplacer votre appareil photo, ne le déplacez pas. Un voyage familier pour mes élèves suit cet ordre d'événements ; l'ignorance de la caméra, personnages et les accessoires sont disposés dans un cadre bidimensionnel, semblable à une sitcom, une scène de théâtre ou un jeu vidéo 2D. Dans ce premier exemple des Simpsons, l'équipage était limité par le temps et les fonds. L' action est plate le long d'un accès bidimensionnel. Caméra démêlée, quand l'artiste reconnaît qu'il y a une caméra, elle se trouve partout sans raison. Dans la fonctionnalité Foodfight, la caméra vole à travers le paysage dans l'introduction. Le timing est mauvais parce que les caméras ralentissent quand il n'y a pas d'action et accélèrent pendant l'action, qui rend difficile pour le public de reconnaître ce qui se passe. Ensuite, il y a l'appareil photo mûri, le médium heureux entre les deux, où la caméra se déplace efficacement pour améliorer l'humeur de leur histoire révélée. Dans The Incredibles, la caméra se déplace avec l'action pour améliorer l'élan de la mer. Dans le processus d'animation, placement du soignant est décidé dans la phase de storyboard du projet. Ce que nous appelons la pré-production. pré-production est quand l'histoire est écrite, le storyboard et automatique sont dessinés et édités et le son de temp est enregistré. La production est lorsque les actifs sont organisés et animés sur la base du storyboard et automatique. Ceci est essentiel parce que l'animation a besoin de savoir quoi créer et comment tricher. Maintenant, le concept de tricherie n'est pas insidieux. Pensez-y, quand vous êtes sur un jeu d'action en direct devant vous, vous voyez le set et les personnages et les accessoires, mais parfois il y a un écran vert ou une équipe autour de la caméra. Il y a beaucoup que vous ne voyez pas derrière la caméra ou ce qui se passe derrière le plateau. C' est la même chose pour l'animation, lorsque la caméra est allumée, vous voyez ceci ? Derrière la caméra, vous voyez ça. Stop motion est la méthode de production la plus proche de l'action en direct, puisque les animateurs traitent des objets physiques et des caméras, cependant, la méthode d'animation utilise les mêmes principes. Je démontre ce concept dans After Effects. Lorsque j'écrase un objet 2D, je le déplace à travers la scène, je le déplace à travers la scène, mais il ne continuera pas à s'animer une fois qu'il est hors de l'écran, il n'existe pas dans aucun contexte de mon film. Voici Autodesk Maya, un programme d'animation 3D. Voyez comment je déplace ces objets et les organise en fonction de la caméra. Regarde ce qui se passe quand je déplace mon appareil photo. Beaucoup de ces objets ne sont pas finis, où ils sont placés de manière à cacher leurs défauts. Ça ne veut pas dire que je suis paresseux ou non qualifié. De nombreux studios professionnels comme Pixar ou Sony animation utilisent les mêmes principes pour tricher tout le temps. C' est une méthode pour être efficace avec votre temps. Moins vous consacrez de temps à des activités sans conséquence, plus vous pourrez maîtriser ce qui est important dans votre histoire. Créer des atouts avec l'esprit de la caméra est essentiel pour être un bon cinéaste d'animation. L' un de ces principes que les animateurs doivent maîtriser est l'idée de la parallaxe du mouvement. parallaxe de mouvement fait référence au fait que les objets se déplaçant à une vitesse constante à travers le cadre sembleront se déplacer dans une plus grande quantité s'ils sont plus proches de l'observateur, alors ils le feraient s'ils étaient à une plus grande distance. Si un objet est proche de la caméra et qu'il déplace la même vitesse exacte qu'un objet loin de la caméra, l' objet le plus proche de la caméra se déplace rapidement à travers le cadre, tandis que l'objet plus éloigné de la caméra apparaîtra pour se déplacer plus lentement. Walt Disney a reconnu cet effet et testé son équipe d'animation pour créer la caméra multiplan dans les années 1930. Il a été utilisé pour la première fois dans une expérience dans la production de The Silly Symphonies Old Mill. Démontrons pourquoi cela compte. Disons qu'on me donne l'arrière-plan et que l'histoire appelle est de zoomer sur le cadre. Prenons cet arrière-plan et zoomons. C' est génial au sens littéral, mais c'est plat et ennuyeux. Mais de meilleures façons de briser l'arrière-plan en couches. La caméra peut sembler se déplacer à travers le paysage. Lorsque je crée ces actifs, je les agrandit par rapport à la taille de l'image, donc ils semblent avoir la même qualité que si je les gardais à la même taille d'image. Maintenant, regardez comment le zoom de la caméra est accompli. L' arrière-plan est divisé en couches et se déplace à des vitesses différentes pour créer l'illusion de parallaxe de mouvement. Si vous voulez en savoir plus sur la science de la parallaxe du mouvement ou sur l'histoire de la caméra multiplan, j'ai inclus quelques liens pour vous aider à démarrer. L' utilisation de cette technique améliorera certainement la qualité de votre film. Si vous envisagez cette technique, il est important de prendre cette décision lorsque vous créez vos actifs afin de connaître la qualité et la taille de chaque actif. Lorsque vous complétez vos ressources, n'oubliez pas de prendre en compte l'appareil photo. Ils devront être terminés pour passer à la prochaine leçon. Merci beaucoup encore pour votre temps et votre attention.Dans notre prochaine leçon, nous allons couvrir l'éclairage. Merci. Prends soin de toi. 8. Éclairage: Bienvenue à l'introduction à la réalisation de films d'animation. C' est la leçon numéro huit, l'éclairage. Nous avons couvert les bases du nettoyage, de création d'actifs et de la caméra. Il est temps de passer à l'éclairage. Pour aujourd'hui, je voulais aborder rapidement comment lumière est un élément important de la réalisation de films d'animation. La lumière peut servir de nombreuses fins dans un film. Il peut identifier le but de la scène. Il peut sensibiliser un objet ou un personnage important pour l'histoire. Il peut révéler un indice vital à l'intrigue narrative. Il peut révéler l'identité d'un personnage et aider le public à passer d'une scène à l'autre. Le monde entier t'aime. Mike. Tu ne sauras jamais ce que c'est d'échouer, parce que tu es né un Sullivan. Vous pouvez gâcher encore et encore, et le monde entier vous aime. Mike. Tu ne sauras jamais ce que c'est d'échouer, parce que tu es né un Sullivan. Oui. Je suis un Sullivan. Je suis un Sullivan qui a raté chaque test. Celui qui s'est fait virer du programme, celui qui avait tellement peur de laisser tomber tout le monde que j'ai trompé et j'ai menti. Eva. Les artistes utilisent l'éclairage créatif depuis des siècles. Cette peinture Night Watch, réalisée par le peintre néerlandais Rembrandt, utilise l'éclairage créatif comme un moyen de révéler personnages et les relations dans la composition. La figure centrale, la femme en robe d'or, est positionnée à l'arrière de la composition, loin des figures au premier plan. Cependant, l'éclairage sépare sa silhouette des personnages environnants. Ensuite, une lumière qui semble venir directement du plafond, révélant les deux personnages devant le groupe. Une autre lumière du côté droit, une autre du sol. Ces lumières aident le public à se concentrer sur la peinture. Tout cela est mis en habillage, pour soutenir la relation centrale entre l'homme à droite, et son regard sur la femme en arrière-plan. Dans cette photo du parc Yosemite, le photographe Ansel Adams, utilise des techniques de chambre noire pour contrôler l'éclairage autour de toute la composition, afin que le public puisse prendre le paysage, comme une prise magnifique équilibrée. Pour notre classe, j'ai voulu introduire rapidement la technique d'éclairage en trois points comme moyen d'éclairer n'importe quel sujet. L' éclairage à trois points est la pratique courante dans toute production de films. Une configuration de base consiste à mettre deux lumières devant un sujet, à 45 degrés à gauche et à droite. Ensuite, mettez la troisième lumière derrière le sujet, pour obtenir une quantité égale d'éclairage dans la scène. La lumière clé est notre source de lumière principale. C' est généralement la lumière la plus brillante de la scène. La lumière de remplissage a moins d'intensité que la lumière clé, sa fonction principale est d'éclairer les sections du sujet qui ont été laissées sombres, par la lumière de la touche directionnelle, sans la surcharger. Ensuite, il y a la lumière arrière ou la lumière capillaire. Lors de l'éclaircissement du sujet humain, le rétroéclairage a été surnommé la lumière du cheveu, car il donne aux cheveux un effet halo. Le but de la lumière des cheveux, est de séparer le personnage de l'arrière-plan et de réduire la quantité d'ombre de la lumière clé. Pour le stop-motion dans l'animation 3D, les lumières ressemblent davantage à des objets physiques qui peuvent être déplacés dans la scène. Les animateurs 2D doivent exposer la source de l'éclairage et conceptualiser l'effet de l'éclairage sur la couleur de la scène. Dans un studio professionnel, ils ont tout un département qui ne travaille que sur les équipements d'éclairage. La façon dont vous appliquez l'éclairage dépend de la technique que vous avez choisie pour votre animation. Les animateurs de stop-motion incluent l'éclairage pendant la production. S' ils tournent au-dessus d'un écran vert, ils imitent l'éclairage qu'ils prévoient utiliser pour l'arrière-plan, afin que l'équipe de composition puisse faire correspondre l'éclairage entre les prises de vue. Dans l'animation 2D et 3D, éclairage se produit dans le processus de post-production, sur un calque séparé de la couleur. Permettez-moi de démontrer avec ces pannes. Dans le film d'animation Klaus sur Netflix, SPA studio d'animation, sépare le passage de couleur du passage d'éclairage. J' ai acheté une marchandise fragile, pire jamais enregistrée. Mes amis, j'ai acheté une marchandise fragile, pire jamais enregistrée. Dans le film original du Pixar Animation Studio, Toy Story, le rendu des couleurs est séparé du rendu de l'éclairage. Mais pas de l'ombrage, et voici l'ombrage, mais pas de l'éclairage. En fait, vous pouvez voir les textures, toutes les textures sur boisé. La différence est dans la surface, certains sont en tissu, d'autres en plastique, tout cela est fait. Mais alors le look réel, cette ambiance et l'ambiance, tirant les personnages de l'arrière-plan, donnant à tout sa forme réelle, tout est fait dans l'éclairage ici, pour l'arrière-plan et pour le caractères. Où est cette bande de collage. Et une autre chose, arrêtez avec ce truc de l'homme de l'espace. productions séparent les passes d'éclairage, sorte qu'ils ont le contrôle sur eux dans la post-production. Si quelque chose doit changer dans l'éclairage, la couche d'éclairage peut être modifiée dans le composite, plutôt que de rendre l'animation à nouveau. Nous allons sauter un instant et montrer comment l'éclairage est créé en production, puis ajusté en post-production. Voici une démonstration de la façon dont je vais manipuler l'éclairage dans le composite. Pour ma couche 2D, j'ai remarqué que j'ai les couleurs bloquées, et j'ai une définition dans ses oreilles, ses yeux et son nez, yeux et son nez, mais il n'y a pas de définition réelle de l'éclairage. J' ai identifié l'éclairage quand elle est debout devant la fenêtre, pour devenir du coin supérieur droit. Je suis allé dans Photoshop et j'ai créé des ombres. J' ai simplement pris le ton de la peau et le ton de la robe, et je l'ai ramené quelques points de pourcentage dans la zone de luminosité. Pour les faits saillants, j'ai décidé que la couleur de la lumière sera jaune. J' ai identifié quelques zones dans son front, os des joues, et dans la zone des épaules, des zones qui apparaîtraient en termes de 3D. En mettant ces couches au-dessus de ma silhouette, la zone d'ombre semble assez bonne, mais ma zone de surbrillance est juste trop lumineuse, moment elle ressemble à du maquillage que j'ai giflé. Je veux le fondre un peu plus dans la figure en utilisant un mode de fusion. Dans After Effects, les modes de fusion sont situés dans la zone des calques. Tout programme de composition que vous utilisez aura un mode de fusion. L' autre programme de composition le plus courant, Nuke, a une version de ceci lorsque vous fusionnez vos calques. Les modes de fusion ont plusieurs options, et tous ces modes de fusion font simplement comprendre comment les images s'intègrent les unes sur les autres. Au lieu de la normale, qui place simplement une image au-dessus d'une autre, vous pouvez choisir de faire fusionner les pixels de différentes manières. Puisqu' il s'agit d'un point culminant, je veux aller à l'éclairage. Notez ici que la saturation de la couleur a été retirée un peu, et cela se fond beaucoup mieux dans la figure. Cela a un peu plus de définition et il s'intègre un peu plus naturellement dans la figure. Ici vous pouvez comparer le résultat final. C' est le pré-composite sans reflets et ombres. Voici le pré-composite avec des reflets et des ombres. C' est une différence très subtile, mais nécessaire au fur et à mesure que vous continuez avec ce processus. Pour comparer, voici les images brutes de ma main stop-motion. Maintenant, remarquez à quel point ce rouge est saturé, il a presque l'impression qu'il sort de l'écran. J' ai utilisé deux types d'effets différents pour manipuler l'éclairage. Donc vous pouvez voir celui-là clairement. J' ai utilisé la teinte et la saturation. Cet effet réduit simplement la saturation, afin de faire correspondre les autres éléments de la scène. Cet effet, l'exposition, cela est utile car il contrôle la luminosité et l'obscurité. L' effet d'exposition fonctionne de la même manière qu'une caméra physique, puisque j'utilise des séquences stop motion, cela a du sens. Pour être inclusif, je voulais inclure un exemple d'animation 3D. Ici, j'ai un cycle de marche très générique. C' est la moitié d'un cycle de marche à travers un paysage photographié. Quand j'ai rendu ce personnage hors du programme d'animation 3D, Autodesk Maya, j'ai inclus un pass beauté. Un pass beauté me donne simplement les couleurs et la forme de mon personnage. J' ai aussi rendu quelque chose qu'on appelle un laissez-passer normal. Un laissez-passer normal me donne des informations d'éclairage qu'il traduit en informations de couleur. Il me donne une couleur rouge, verte et bleue, qui correspond à l'espace X, Y et Z. Cela me donne le contrôle de la profondeur et de la façon dont le programme de composition traduit cette profondeur. Avec le passage d'éclairage séparé, je peux contrôler la lumière ou l'obscurité de mon image. C' est tout pour la leçon 8. Merci beaucoup pour votre temps et votre attention. Prochaine leçon, nous parlerons de quelques principes de base dans votre composite. 9. Composition: Bienvenue à l'introduction au cinéma d'animation. C' est la leçon 9, compositing. Dans cette leçon, nous allons définir la composition et partager quelques conseils pour tirer le meilleur parti de votre composition. Compositing est l'acte de combiner deux images pour créer une seule image. Le composite de base dans l'animation est le caractère devant l'arrière-plan. L' arrière-plan reste statique pendant que le personnage peut se déplacer à l'intérieur de l'emplacement. Le temps de l'animateur CFC afin que vous n'ayez pas à redessiner l'arrière-plan avec chaque image. Le processus de composition peut être aussi simple ou aussi complexe que vous le souhaitez. Jetons un coup d'oeil. C'est ici notre composite le plus basique. Nous avons notre caractère au premier plan et l'arrière-plan se déplace constamment avec notre personnage. Ce qui est bien dans la composition, c'est que j'ai un contrôle indépendant libre sur ce personnage. À tout moment, si je voulais, disons, changer le plan et en faire un gros plan, je pourrais rendre mon personnage beaucoup plus grand ici, et nous pouvons voir le personnage en gros plan. Aussi, si je voulais réutiliser ce cycle et ensuite faire apparaître ce personnage comme s'il était plus éloigné de la caméra, j'ai la liberté de le faire aussi dans le composite. Pour l'exemple de la classe, j'ai quelque chose de beaucoup plus complexe. La raison pour laquelle j'ai construit ce complexe est que j'ai des contrôles indépendants sur tous les actifs de la scène. Je peux les repositionner, je peux les redimensionner, et je peux aussi faire plus d'animation dans le composite. C' est le bon moment pour faire apparaître des fichiers de données. Quel type de fichiers devriez-vous utiliser dans votre composite ? Lorsque vous utilisez n'importe quel logiciel de manipulation d'images, 2D ou 3D, vous disposez d'une variété d'options pour explorer vos fichiers. La plupart des animateurs exporteront un fichier vidéo car vous créez un média de mouvement. Les formats les plus courants are.mov, .mpg, .mpg4, and.avi. Ces formats créent un problème de composition pour deux raisons. L' un est la compression. Afin de lire un fichier vidéo, l'ordinateur abrégera l'image pour une lecture fluide. Avez-vous déjà zoomé sur une photo et ça ressemble à ceci ? C' est de la compression. C'est mauvais si vous redimensionnez votre ressource, il pixélisera dans le processus. Deux canaux Alpha, tous les formats vidéo ne conservent pas le canal Alpha. Il y avait une option pour préserver le canal Alpha sur la plupart des logiciels, mais il n'est pas toujours fiable en raison de la compression. La meilleure façon et la plus fiable d'exporter votre ressource animée consiste à sélectionner une séquence d'images dans un format sans perte. Vos formats sans perte sont TIFF, PNG et GIF. Dans l'animation 3D, vous pouvez également utiliser des EXR. JPG est un format avec perte. Cela signifie que lorsque vous redimensionnez votre image, elle peut se briser en raison de la compression. Lorsque vous importez votre métrage dans le programme de composition, il y a une option pour lire votre fichier sous la forme d'une séquence d'images. Assurez-vous que votre séquence d'images est correctement étiquetée. Si vous trompez avec vos fichiers, le programme de composition ne pourra pas les lire. Je voulais rapidement démontrer visuellement ce dont je parle quand je parle d'étiquetage approprié. Ici, j'ai ma séquence d'animation 2D. C' est la séquence de photographie originale que j'ai. Comment j'ai créé mon animation 2D c'est que je l'ai dessinée à la main sur du papier, puis je l'ai photographiée à l'aide du logiciel Stop Motion. Le logiciel Stop Motion étiquette automatiquement chaque image numériquement. Maintenant, quand il est étiqueté numériquement, le programme de composition peut facilement lire la logique de la séquence. Donc 1, 2, 3, 4, etc. Il peut alors importer ce fichier. Lorsque ma première image est sélectionnée, je ne peux pas choisir aucune image dans la séquence. Je dois choisir la première image de la séquence. Je peux ensuite venir ici à mes options de séquence. Le programme de composition que j'utilise After Effects reconnaît automatiquement le format de fichier en ce sens, c'est un TIFF, et il peut l'importer sous forme de métrage. La même logique vaut pour mon animation 3D. Pour mon animation 3D, j'ai exporté ma séquence d'animation en tant qu'EXR, le même principe d'importation s'applique. Il numérote chaque image 1, 2, 3, 4, etc. Ensuite, le programme de composition reconnaît automatiquement la séquence EXR dès que je choisis la première image, puis il peut l'importer tout de suite. Je voulais clarifier quelque chose qui est venu après que j'ai écrit le script pour cet épisode. Quelqu' un m'avait interrogé sur l'exportation à partir du composite, et je voulais dire très clairement que l'utilisation d'un programme de composition comme After Effects vous donne seulement la possibilité d'exporter un fichier vidéo non compressé. Maintenant, ce n'est pas moins qu'une séquence d'images. En fait, un fichier vidéo est préférable pour la phase d'édition de votre projet. L' édition est essentiellement lorsque vous prenez plusieurs photos et que vous les assemblez. La composition ne devrait vraiment se produire que pour un coup à la fois, donc vous ne devriez avoir qu'une composition pour chaque tir. Maintenant, il y a des compositions que vous pouvez réutiliser dans votre séquence et c'est tout à fait acceptable. Cependant, pour les besoins de cette classe particulière, je voulais simplement introduire l'idée de la composition. Maintenant, à des fins d'édition, Adobe After Effects ne pompe qu'un fichier vidéo afin que vous puissiez utiliser ce fichier vidéo avec plusieurs autres fichiers vidéo de l'édition. Maintenant, pour être clair, le fichier vidéo non compressé est énorme. Ça va prendre beaucoup d'espace sur le disque dur. Il est important de vous assurer que vous disposez suffisamment d'espace sur votre disque dur pour accueillir le rendu. Dans la composition, vous disposez d'autres options pour manipuler votre métrage, telles que la taille, la couleur et le timing. Commencez à créer votre composite en important vos ressources et en les organisant dans votre cadre. N' hésitez pas à continuer à jouer avec les options qui vous sont disponibles via le logiciel. Expérimenter et explorer. Hé tout le monde. Je voulais vous parler rapidement d'une partie de mon processus créatif, surtout en matière de post-production. Comme vous l'avez vu plus tôt dans mon carnet de croquis, j'avais créé l'idée de mon atout 2D, cette femme criante et elle regardant la fenêtre d'une maison les mains sortant du sol. C' est ce que j'avais prévu au départ. Maintenant, à l'origine, je la voulais dans un cimetière, mais comme je créais des actifs de cimetière, j'ai réalisé que le cadre avait l'air vraiment encombré et qu'il retirait l'attention des mains. Donc, je me suis débarrassé de ça et j'ai juste coincé avec l'arbre. Cependant, lorsque j'ai commencé à créer ces actifs, si vous l'avez vue dans des vidéos antérieures, mon actif 2D était énorme dans le cadre. Sa tête a pris environ un quart de la taille si vous avez vu dans des vidéos précédentes, et pendant que j'étais en train de composer, je me suis rendu compte que sa tête était beaucoup trop grande, alors j'ai décidé de la redimensionner et de la déplacer plus petite dans le cadre. Cependant, en résolvant ce problème, j'ai créé un autre problème en ce sens que je n'avais pas vraiment de corps pour elle. Au lieu de réanimer un corps entier, regardant comme s'il marchait dans le cadre. J' ai juste décidé de cacher le corps un peu avec un feuillage soigneusement placé, j'ai inclus le feuillage dans cette autre fenêtre, donc il y a de la cohérence dans tout le cadre. On dirait que c'est quelqu'un qui garde des plantes sur le côté de la maison. Je voulais aussi préserver ses couleurs. Je ne voulais pas la désaturer, pour lui faire croire qu'elle n'était pas dans le cadre de la nuit. J' ai ajouté ces lumières dans le composite afin de donner un sens à cette coloration. Encore une fois, j'ai continué à être créatif et à ajouter à la scène dans le composite. Maintenant, c'est quelque chose qui arrive assez régulièrement dans le studio ainsi que dans ma propre pratique personnelle. Plus je mets la main dessus, plus d'idées apparaissent. N' ayez pas peur de continuer à planifier, à ajuster et à créer au fur et à mesure que vous allez dans le processus. Ne vous laissez pas emporter parce que vous voulez finir vos projets. Dans la prochaine leçon, nous commencerons à mettre du son sur nos films. Merci beaucoup. Je te verrai la prochaine fois. 10. Son: Bienvenue à l'introduction au cinéma d'animation, voici la leçon 10, son. Vous vous demandez peut-être, Eve, pourquoi chuchotez-vous dans un microphone, c'est pour attirer votre attention sur le son. Vous voyez, quand le son ne fonctionne pas dans un film d'animation, vous le remarquez vraiment. bande son très bien organisée et mixte peut enrichir votre expérience de visionnage d'un film. C' est tout aussi important pour le succès de votre film que les images. C' est là que vous vous souvenez de la leçon 6, lorsque nous assemblions nos actifs, que je vous ai rappelé de créer un dossier pour vos sons enregistrés. Il est temps de retourner dans ce dossier, commencer à retirer ces sons et de jouer avec eux dans le mix sonore. Nous utiliserons le logiciel d'édition Adobe Premiere pour faire notre mixage sonore. Un bref mot à ce sujet, jusqu'à présent, nous avons principalement utilisé le logiciel de composition Adobe After Effects pour la plupart de nos démonstrations techniques. Bien que ce logiciel ait la possibilité d'importer et de mélanger des sons, je vous recommande fortement d'utiliser Adobe Premiere pour effectuer votre mixage sonore, non Adobe After Effects. Le but de l'importation de sons dans un programme de composition est de retarder votre animation ou de reprogrammer une partie de votre boîte de dialogue ou de votre synchronisation des lèvres. Ou si vous avez une bande son pré-enregistrée, pour vous assurer que les rythmes de votre composition correspondent à cette bande son. Dans Adobe Premiere, il est beaucoup plus approprié de modifier les sons que vous allez mettre dans le visuel, ainsi que de mélanger correctement la musique et le dialogue. Il y a de meilleurs outils avec cela, et c'est beaucoup plus facile à utiliser. Alors jetons un coup d'oeil. Nous sommes actuellement dans Adobe Premiere et j'ai exporté mon animation à demi-résolution. Cela permettra une lecture très facile car je suis en train de frotter et de mélanger mes sons. Écoute ce que j'ai fait jusqu'à présent. J' aime où cela va jusqu'à présent, pour vous laisser une idée dans la façon dont j'aime faire le mixage sonore est, j'aime travailler de bas en haut. Lorsque j'édite des dialogues et des effets sonores, ces effets ont tendance à avoir le plus de modifications parce que je dois faire correspondre l'image à ce qui se passe dans la bande son. J' ai tendance à garder ces pistes le plus près possible de mon image, sorte que je peux aligner l'image et le son. Pour d'autres effets sonores comme la musique ou l'ambiance, j'ai tendance à les laisser vers le bas parce qu'ils courent tout au long de ma pièce et je ne les édite généralement pas beaucoup. Il y a un effet sonore critique qui manque cette composition et c'est le cri à la fin. Commençons à éditer ce cri. Ici, j'ai créé une corbeille pour mes effets sonores et j' ai une variété d'effets provenant d'un CD libre de droits, que j'ai depuis longtemps. J' ai aussi quelques sons que j'ai enregistrés sur mon téléphone. On dirait les bruits extérieurs et une partie du sol en mouvement. Mais maintenant je veux choisir une femme qui crie. Je vais aller dans mon dossier qui dit femme crie, sélectionnez ça. Je vais écouter quelques sons et voir lesquels j'aime. J' aime vraiment ce dernier, je pense que ça correspond le mieux au personnage. Je vais sélectionner ce clip en mettant des points d'entrée et de sortie de chaque côté. Je vais ensuite revenir ici à ma séquence, je vais m'assurer que la bonne piste est sélectionnée. Adobe Premiere vous permet de sélectionner n'importe quelle piste audio ou vidéo dans laquelle vous pouvez importer. Pour moi, je vais importer dans cette piste audio haut de gamme ici, et nous voulons que notre audio arrive juste ici. Je vais frapper écrasement, afin de mettre ça directement dans notre piste. Faisons en sorte qu'il soit aligné. Je veux que ça arrive un peu plus tard. Une autre chose agréable à propos de Premiere est que, je peux voir le fichier WAV, donc je peux observer où commence cet audio. ce moment, je vais aligner la tête de lecture pour correspondre quand elle commence à ouvrir la bouche, et c'est là que notre écran va commencer. Je vais faire glisser ça vers le bas et cette ligne droite me dit qu'il n'y a pas de son ici, donc je peux juste rendre ce clip un peu plus court. Rejouons ça et veillons à ce qu'il corresponde. On doit lui donner un peu plus de temps pour que cet écran s'affiche, alors déplaçons ça vers le bas. Ça marche beaucoup mieux. Pour faire mon mixage, je vais avoir besoin d'un plus grand nombre d'outils. Sous ma fenêtre, je vais dans les espaces de travail et choisissez Audio. Ce qui est agréable à propos de Premiere, c'est qu'il dispose d'une variété de préréglages qui rendent ce processus de mixage plus efficace. Puisque je ne suis pas un concepteur sonore, ces outils sont très bénéfiques à mes fins. Avec cette piste sélectionnée, je vais l'étiqueter comme un effet sonore. J' ai une variété de préréglages à choisir. Pour celui-ci, je veux la rendre un peu plus éloignée. Voyons comment ça. J' aime la réverbération dessus, mais c'est très calme dans le mix, donc je veux réparer ça. J' ai aussi tout en jouant à travers, j'ai identifié un problème. Maintenant, beaucoup d'animateurs ont tendance à faire confiance à leurs oreilles, s'ils portent des écouteurs pour le mixage sonore, ce n'est pas la meilleure méthode, vous devriez vraiment faire attention aux portées que vous avez ici. la même manière que vous feriez attention à n'importe quel type de portée si vous effectuez une correction de couleur avancée. Lorsque vous voyez ces lignes rouges ici, cela indique que l'effet sonore est un peu plus modulé et qu'il sonnera craquement lors de la lecture sur d'autres appareils. Pour réparer ça, je veux faire tomber. Je vais prendre l'égaliseur, ce qui augmente un peu plus la piste sonore. Je vais voir si ça résout le problème. Non, c'est toujours trop modulé. On dirait que je vais devoir faire baisser le bruit. C' est encore fort, alors maintenant je vais régler le volume. Une fois mon clip sélectionné, je vais monter ici et je vais faire baisser le volume. Maintenant, vous pouvez voir que je n'ai pas d'avertissement que le son est trop modulé. Pour notre autre bande-son, je vais en parler quelques décibels. C' est une démonstration rapide sur la façon de commencer le processus de mixage sonore. À ce stade, vous pouvez continuer à travailler sur votre image jusqu'à ce qu'elle soit prête à être affichée. Alors continuez à travailler sur votre composition, votre éclairage, jouer avec vos couleurs, et même votre appareil photo. Prochaine leçon, nous allons nous préparer à rendre. Merci beaucoup pour votre temps et votre attention. J' ai hâte de vous voir la prochaine fois. 11. Rendement et partage: Bienvenue à l'Introduction à la réalisation de films d'animation. Voici la leçon 11, Rendu et partage. On l'a fait. À ce stade. Vous devriez être terminé, le processus de production et de post-production. La composition doit être faite, le mélange sonore doit être résolu. Maintenant, nous allons nous préparer à frapper le rendu à partir de ce composite. Avant de le faire, nous allons nous assurer que nous avons les paramètres appropriés pour explorer notre projet. Nous sommes de retour dans Adobe After Effects, mon composite est complètement terminé et maintenant je suis prêt pour l'exportation. Je vais passer à Fichier, et sous Exporter, j'ai une variété d'options différentes qui incluent envoi à Adobe Media Composer pour compression, envoi directement à la file d'attente de rendu, ce qui me donne un fichier non compressé. Nous l'envoyons au programme de montage Adobe Premiere Pro. Ma méthode consiste à toujours envoyer des composites After Effects à la file d'attente de rendu car je veux une version non compressée de mon projet. La raison pour laquelle je fais cela est que je n'ai pas à continuer à ouvrir mes fichiers de projet chaque fois que j'ai besoin d'une nouvelle version de ce fichier vidéo. Maintenant, j'ai introduit mon projet dans Adobe Premiere, j'ai la version non compressée de mon projet, et je le glisse maintenant dans ma chronologie pour accompagner ma bande son. Je suis maintenant prêt pour l'exportation. abord, je veux vérifier deux fois mes paramètres de séquence pour assurer qu'ils sont tous à leur taille appropriée. Ma taille d'image est 1920 par 1080, et je travaille à 30 images par seconde. Je veux également m'assurer que la séquence est en pixels carrés, tout autre préréglage rendra le résultat oblong ou déformé. Je vais maintenant exporter. Lorsque j'exporte depuis Adobe Premiere de la même manière que depuis After Effects, je veux m'assurer que j'exporte une version non compressée, et vous pouvez le voir dans le résumé des paramètres d'exportation. Pour cette version particulière, je vais utiliser un Codec QuickTime avec un préréglage apple progress 422. Cela me donne une version non compressée à 30 images par seconde en utilisant 1920 par 1080. Assurez-vous que vos fichiers audio et vidéo sont sélectionnés, sinon, l'un ou l'autre risque de ne pas sortir. Vous avez également la possibilité de scruter votre animation pour vous assurer que tout semble bien avant d'appuyer sur le rendu. Maintenant, je suis dans Adobe Media Encoder. Je fouille mon court métrage. Maintenant, je voudrais le préparer à une variété de méthodes de distribution. méthode de distribution la plus courante est l'utilisation de la compression H.264. En regardant les presets, une autre raison pour laquelle j'aime utiliser la suite Adobe dans le cadre de ma démonstration est qu'il existe différents presets qui sont applicables aux distributions populaires sur les réseaux sociaux comme Facebook, Twitter, Vimeo et YouTube. Je peux choisir n'importe lequel d'entre eux en fonction de la façon dont j' exporterai mon film ou de la façon dont je veux que mon public voie mon film. Une fois que j'ai sélectionné le bon, je peux appuyer sur mon bouton de lecture et je suis prêt à exporter. Avec cette version non compressée, je peux avoir une variété de méthodes différentes, telles que YouTube, Vimeo, etc. Je peux toutes les configurer et les configurer pour rendre successivement. Avant de continuer, faites vos recherches. Où veux-tu que ce film aille ? quelles plateformes de médias sociaux souhaitez-vous le partager, ou voulez-vous simplement le télécharger sur un site Web ? Chaque point de distribution a des critères pour les types de formats de fichiers dont il a besoin pour être mis sur sa plateforme. Assurez-vous que vous exportez avec la bonne structure de fichiers. Vous devez toujours tester chaque fichier avant de le placer sur votre compte. Vous cherchez des images supprimées ou si le son n'est pas synchronisé, ou peut-être qu'il y a simplement une erreur. Prochaine et dernière leçon, nous allons discuter de la façon de gagner un public pour votre court métrage. Merci beaucoup pour votre temps et votre attention. Je te verrai la prochaine fois. 12. Distribution: Bienvenue à la dernière leçon de cinématographie d'animation, voici la leçon 12, distribution. Félicitations, vous avez fait un court métrage. Maintenant, pour poser la question séculaire, si vous avez fait un film et que personne ne l'a vu, existe-t-il ? Pour vous, bien sûr. Bien sûr qu'il existe. Cela montre un morceau de temps dans votre vie dans lequel vous mettez beaucoup d'efforts, peut-être que c'est juste un grand exercice créatif. Cependant, je vous encourage à trouver un public avec votre travail. Il est toujours utile de partager quelque chose et d'obtenir des commentaires significatifs. Maintenant, je sais que c'est Internet et parfois vous obtenez pas vraiment de bons commentaires, mais vous pourriez obtenir quelque chose de vraiment utile ou inspirant. N' ayez pas peur, allez là-bas, trouvez votre public. La dernière étape de ce processus consiste à identifier ce public. Qui veut regarder votre travail ? Demandez-vous d'abord dans la création de ce projet, quel est le but que ce projet vous sert ? Est-ce que c'est une pratique ? Si elle est montrée à des gens qui vous donneront une critique utile. Vous cherchez du travail ? Assurez-vous que les compétences que vous démontrez dans l'abrégé s'appliquent à la description de travail. C' est une preuve de concept. Assurez-vous que cela résume la tonalité et le caractère en un court clip. Partagez-le avec des personnes qui souhaiteraient en savoir plus sur votre projet. Quelle que soit votre raison, assurez-vous de le montrer aux bonnes personnes afin de vous donner des conseils utiles pour votre progression en tant qu'artiste. C' est là que les médias sociaux sont vraiment précieux. Chaque année, je participe au Festival d'animation d'Ottawa pour des références professionnelles et du réseautage. En 2018, j'ai entendu l'animatrice Celia Bullwinkel parler de son court-métrage d'animation autoproduit : Strottoirs. trottoir est une métaphore visuelle d'une femme qui marche dans la vie, confronte son corps changeant, et apprend à s'aimer elle-même. Qu' il y a plus de trois millions de vues sur Vimeo et a remporté plusieurs prix et festivals de cinéma. Au cours de son exposé, Celia a décrit sa stratégie pour trouver un public en ligne. Horaire, Celia a choisi une date pour publier son film sur son compte Vimeo. En recherche, elle a trouvé des sites Web et des groupes de médias sociaux qui soutiennent les questions relatives aux femmes. Contact, elle a envoyé aux administrateurs de ces espaces en ligne un message personnalisé et leur a demandé s'ils annonceraient le film à leurs téléspectateurs. Incentive, comme un bonus supplémentaire, toute personne qui a accepté, a obtenu un lien d'accès anticipé à partager avec son public. Pour sa plus grande joie, Celia a obtenu une réponse universellement positive. Eh bien, c'est une histoire de réussite assez exceptionnelle. Je crois que la stratégie de Celia pour gagner un public est assez universelle et accessible. J' espère que vous avez apprécié ce cours et que vous avez appris à utiliser vos compétences en animation pour des projets beaucoup plus importants. Je vous encourage à continuer à pratiquer et à partager votre travail. Merci encore beaucoup pour votre temps et votre attention et j'ai hâte de travailler avec vous pour les futures classes. Merci et prenez soin de vous.