Intégrer des textures de la vie réelle dans vos designs | Paul Oxborrow | Skillshare
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Intégrer des textures de la vie réelle dans vos designs

teacher avatar Paul Oxborrow, Graphic Designer & Illustrator

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Introduction du cours

      3:03

    • 2.

      Votre projet de cours

      2:46

    • 3.

      L'outil Tampon de duplication

      11:28

    • 4.

      Le mini projet de tampon de duplication

      9:54

    • 5.

      Trouver des textures

      9:00

    • 6.

      Trouver des photos et des vecteurs

      9:31

    • 7.

      Traiter vos images

      9:40

    • 8.

      Planification : composition en vignettes

      4:53

    • 9.

      Créer votre composition

      7:26

    • 10.

      Modifier votre composition

      7:10

    • 11.

      Enregistrement et exportation

      9:24

    • 12.

      Autres applications

      1:27

    • 13.

      Réflexions finales

      1:52

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

388

apprenants

3

projets

À propos de ce cours

Travaillez-vous dans la conception numérique ? Cherchez-vous à intégrer davantage de personnalité dans votre travail ? 
Voulez-vous apprendre un processus d'illustration primé fondé sur les textures pour donner vie à des projets ?

L'intégration de textures de la vie réelle dans vos modèles a quelque chose pour tout le monde, de la création de textures à la photographie et à l'illustration numérique avancée dans Adobe Photoshop. Les débutants-intermédiaires ambitieux pourront suivre le cours, via des raccourcis animés, des définitions et des invites ainsi que des textures et des dossiers de projet prêts à l'emploi.

 

Dans ce cours, vous allez apprendre : 

  • Comment créer des textures originales faites main et comment les numériser
  • Maîtriser le tampon de duplication et comment l'utiliser pour l'illustration
  • Utilisation des masques de calque pour une conception non destructive
  • Conceptualiser et planifier des illustrations qui se démarquent
  • Comment exporter votre conception pour Skillshare, les e-mails, les réseaux sociaux et l'impression à partir d'un seul fichier


Vous aurez besoin des éléments suivants pour suivre ce cours : 

• un ordinateur de
bureau• Adobe
Photoshop• Adobe
Illustrator• Un smartphone ou un appareil
photo• du papier et du crayon (en

option) des aquarelles, des acryliques, de l'encre, du café et du papier 300

g/m2Qu'allez-vous vous retrouver ?

À la fin de ce cours, vous saurez comment intégrer une texture dans une conception numérique, mais vous aurez également une bonne compréhension des éléments et des processus d'illustration. Ainsi, vous serez à même de vous attaquer à tout type de projet de conception graphique, d'illustration ou de marque !

Êtes-vous prêt ? C'est parti !

___________________________________

Adobe Photoshop, Adobe Illustrator et Adobe Scan sont des marques déposées ou des marques commerciales d’Adobe aux États-Unis et/ou dans d’autres pays.

 

Rencontrez votre enseignant·e

Teacher Profile Image

Paul Oxborrow

Graphic Designer & Illustrator

Enseignant·e

Serial filler of sketchbooks, design geek and incidental Lego Typographer, I've taught over 6,800 students the pro tips, cool tricks and interesting methods developed over two decades working as a Graphic Designer and Illustrator for advertising agencies and creative studios, on brands like Cadbury, Unilever, Ola, and Diageo.

I make friendly, detailed classes about real things that have accelerated my creative career.
You'll feel like you're right next to me when you take one of my classes. From mockups to Photoshop, chalk and brush pen, we've only begun to dig into digital illustration and creative exploration!

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Level: Intermediate

Notes attribuées au cours

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    Dépassées !
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Transcription

1. Introduction du cours: Ramenons un peu le monde réel dans le design. Je suis Paul, un créateur de Durban, en Afrique du Sud. Je suis graphiste et illustrateur depuis environ 18 ans. J'essaie toujours d'inclure la personnalité dans mon travail. C'est une approche simple qui distingue tout type de projet. Cela signifie parfois repousser les limites et trouver de nouvelles choses à faire avec des outils familiers. Cet emballage sur lequel j'ai travaillé, par exemple, où j'ai utilisé une technique de la vieille école d'une nouvelle manière. J'ai pris un peu de risques, mais c'est devenu l'un de mes projets les plus réussis. Le crochet était ces images qui semblent sortir des anneaux de café. C'est le centre de la classe d'aujourd'hui. L'astuce, c'est cette petite chose, l'outil Clone Stamp. Pendant des années, c'était l'occasion pour les professionnels de Photoshop qui avaient besoin de réparer ou de retoucher des photos. Dans ce cours, vous apprendrez comment l'utiliser comme outil d'illustration pour intégrer des textures réelles dans vos conceptions numériques. En gros, nous prenons une texture et nous prenons quelques images, puis nous les faisons cuire ensemble pour qu'elles semblent s'épanouir avec un récit visuel. Pour votre projet de classe, vous allez créer une carte postale illustrée pour votre ville. Vous allez fusionner texture et images pour nous montrer votre point de vue unique, vos endroits préférés ou choses intéressantes que nous ne connaissons peut-être pas. Composez une certaine culture. C'est une technique qui se distingue et pousse les gens à se demander comment ont-ils fait cela ? Nous commencerons par nous familiariser avec un outil Clone Stamp en déconstruisant le même processus que celui utilisé pour l'emballage du café que je viens de vous montrer. En gros, à la fin de la leçon 4, vous aurez déjà une illustration basée sur la texture dont vous pouvez être fier, une compréhension claire du fonctionnement de l'outil Clone Stamp et comment manipuler la texture pour créer différentes formes. Ensuite, nous le rendons personnel. Nous allons trouver où trouver nos éléments. Nous avons besoin de texture et d' images qui crient clairement, c'est là que je vis. Nous allons explorer différentes façons de générer des textures artisanales à l'aide de différents supports. Devenez un peu désordonné et amusez-vous un peu. Nous allons également penser à nos villes. Je vais vous guider à travers le mien. Nous allons faire une visite de Durban, la recherche d'images et d'idées. Enfin, nous allons assembler toutes nos photos, vecteurs et textures dans une illustration fleurissant d'images. Vous sauvegarderez votre projet comme un pro et votre carte postale sera prête pour le monde entier. Ce cours est parfait pour les graphistes et les illustrateurs ou tous ceux qui cherchent à explorer différents outils et à intégrer un peu du monde réel dans la conception numérique. Avoir une certaine expérience Photoshop est utile, mais ne vous inquiétez pas, si vous êtes un débutant ambitieux, je vous guiderai tout au long du processus et vous fournira des ressources de soutien et des fichiers de projet en cours de route. À la fin, vous disposerez d'une belle carte postale pour représenter votre ville, d'une nouvelle méthode d'illustration et d'une technique permettant d'intégrer des textures réelles dans votre travail de conception qui peut être appliquée à à peu près n'importe quel projet de conception graphique, d' illustration ou d'image de marque. Ça sonne bien ? Allons-y. 2. Votre projet de cours: Tu es là. Je suis tellement content que tu sois là. Jetons un coup d'œil au projet de classe ensemble. Votre projet consiste à créer une carte postale illustrée combinant des images et des textures représentant votre ville. s'agit pas d'une carte postale touristique, c'est l'occasion pour vous de partager votre point de vue unique sur l'endroit que vous appelez chez vous. un design numérique basé sur la texture En fait, un design numérique basé sur la texture n' est pas si difficile à réaliser, mais on ne peut pas l'apprendre en théorie, il faut l'essayer par vous-même. Pour créer votre carte postale, je vais vous apprendre comment créer des textures artisanales originales à l'aide de peintures, d'encre, de café et comment les intégrer dans Photoshop. Cette partie est super amusante. Nous ne ferons plus qu'expérimenter. Comment trouver des photos et des vecteurs pour vos projets. En capturant les vôtres et en obtenant des créations d'images gratuites en ligne. Comment étendre, combiner et composer numériquement ces ressources en fonction du processus que j'ai développé pour cet emballage de café. Vous vous retrouverez avec une superbe carte postale de votre propre design, prête à être partagée sur Skillshare, sur les réseaux sociaux, par e-mail, et même à imprimer et à envoyer sous forme de véritable carte postale. Lors de la planification de votre illustration, vous devez prendre en compte ce que vous montrerez pour représenter votre ville. Vous voulez penser à des lieux et des idées qui peuvent être distillées en une simple image oscillée. Par exemple, une photo d' une forêt veut utiliser cette technique, mais un simple garde-manger communique la même idée. design de votre carte postale devra être adapté à une carte postale de taille standard. Il existe des différences de taille entre les pays, alors utilisez le modèle qui vous convient le mieux. Vous aurez besoin d'accéder à Adobe Photoshop et Adobe Illustrator ou à tout autre logiciel de montage vidéo. Vous aurez également besoin d'un smartphone ou appareil photo, d'un papier et d'un crayon en option. Pour vous aider à suivre, attendez ces bannières qui apparaissent tout au long de la classe. Les invites de ressources s'affichent chaque fois que vous devez télécharger quelque chose à partir de la classe. Par exemple, les textures que vous allez me voir créer dans la classe peuvent être téléchargées. Les touches de raccourci apparaîtront chaque fois que nous lançons un outil. conseils d'outils expliquent la technique que nous sommes sur le point d'utiliser. Les conseils pratiques sont des incitations spéciales qui vous incitent à réfléchir à votre processus créatif. Lorsque vous voyez des diapositives comme celle-ci, c'est le moment idéal de suspendre la leçon si vous voulez mieux comprendre ce que nous faisons actuellement. Vous pouvez interagir avec moi dans l'onglet Discussions. N'hésitez pas à poster n'importe quel travail en cours, toutes les questions que je vous répondrai directement. Je vais vous montrer à quel point vous pouvez vous amuser à créer des textures à partir de supports ordinaires et à quel point il est simple de les mélanger avec des images pour obtenir des effets impressionnants. La première chose que nous allons apprendre nous permet de modifier et de joindre des textures ensemble [MUSIQUE] 3. L'outil Tampon de duplication: Êtes-vous prêt à tremper un peu vos pieds dans l'eau ? Dans cette leçon, nous allons ouvrir Photoshop et jeter un coup d'œil à l'outil Clone Stamp et à quelques autres options de clonage dans le logiciel. Ces outils sont dans Photoshop depuis lustres aussi longtemps que je m'en souvienne. Leur objectif initial est de réparer et de retoucher la photographie. Débarrassez-vous des imperfections, par exemple. [BRUIT] Au lieu de cela, nous allons l'utiliser pour joindre des pièces d' invictrices de la photographie à nos textures. Mais avant d'en arriver là, nous voulons simplement être à l'aise avec cela. Nous voulons nous familiariser avec quelques forets et simplement nous habituer à analyser des morceaux de texture, quelle partie est si facile à adapter et quelles pièces sont les plus efficaces. Si nous rencontrons certains pièges, comment les contourner ? Avoir les personnes et le dossier des ressources, ouvrez Photoshop et, lorsque vous êtes prêt, plongeons-y. Lorsque vous ouvrez le dossier, vous trouverez deux documents Photoshop. Ne vous inquiétez pas qu'ils aient tous les deux une miniature blanche unie. C'est juste un moyen de réduire la taille des fichiers. Ouvrons le premier. Perceuses. À l'intérieur se trouvent trois textures de café, que nous allons apprendre la technique du tampon clone , déversement, anneau et splat. Je vais vous apprendre à maîtriser contrôle de l'outil Clone Stamp lorsque vous échantillonnez et clonez différentes zones de ces textures. Maintenant, ne paniquez pas, il ne s'agit que d'une séance d'entraînement et nous allons apprendre à aborder chaque texture une à la fois. Le déversement est une grande texture complète que nous pouvons expérimenter et corriger facilement toutes les erreurs que nous commettons. La bague est légèrement plus complexe. C'est un anneau de café qui doit être modifié à coup sûr. Splat est un petit exercice amusant qui s'appuiera sur ce que nous faisons aux deux autres textures. Il suffit d'appuyer sur le raccourci S de votre clavier pour lancer l'outil. Maintenant, toute la méthode de cet outil est dans le nom l'outil Clone Stamp. Nous clonons une zone, puis nous la tampons ailleurs. Sweep, classe rejetée. [MUSIQUE] Je plaisante. Techniquement, nous nous approvisionnons dans une zone cible pour l'outil à inspecter et à échantillonner et nous montrons comment photoshop copier cette zone échantillonnée. Nous allons maintenir Option sur le Mac et le PC ultime pour obtenir cette petite croix ici et dire à Photoshop où chercher la zone source. Partout où nous débarquons nos pinceaux, où il va créer un clone ou une copie de cette zone. Disons que sur cette texture, nous voulons combler un peu ces petits plis. Nous devons l'inspecter. Nous avons une partie plus sombre de la texture ici une partie plus sombre de la texture et beaucoup de produits ici. En règle générale, nous n'allons pas sélectionner à partir de là et commencer à échantillonner là-bas, ou cela semble simplement un peu collé. Essayons de rester plus ou moins en phase avec l'endroit où nous avons échantillonné. Nous avons eu un échantillon là-bas et peut-être un peu plus bas, remplissez-le. Vous pouvez voir l'exemple de muse de la zone lorsque nous déplaçons notre curseur. En fait, il s'est bien mélangé pour nous là-bas. Maintenant, parce que nous avons choisi un pinceau plus doux, je préfère un pinceau plus doux car il a tendance à se fondre un peu plus autour de l'endroit où vous travaillez. Il va simplement appliquer ce principe sur le bord. Un moyen rapide consiste à obtenir un petit Mockito et nous pouvons faire glisser quelque chose aléatoire et simplement supprimer cela et nous avons plus ou moins changé la forme de notre texture. Une autre façon de le faire serait d'essayer d'échantillonner bord dur de cette texture et de la construire. Mais maintenant, l'inconvénient est que partout où la source se déplace vers vous, elle va le saisir y compris notre fond blanc. Je pense que pour un débutant, je suggère simplement d'utiliser votre outil de sélection juste pour donner un peu de forme et remplir votre texture. La bague est une texture légèrement plus complexe. Il y a un contraste très fort entre les zones sombres et claires. En général, la bague est vraiment très maigre. Ce que nous allons essayer d'apprendre ici, c'est comment épaissir une texture comme celle-ci en échantillonnant le milieu et en répétant les bords. Pour ce faire, nous allons devoir apprendre à modifier la taille de notre pinceau à la volée, afin de pouvoir échantillonner des zones sources de différentes largeurs. C'est un peu pour prendre notre pinceau et voir ce que nous regardons. Je pense que nous allons avoir besoin d'un bon bas donc probablement environ 20 pixels. Veillons à ce que la dureté soit près du milieu. Je vais vous montrer pourquoi. Si je mets cette sauvegarde de dureté et que ramène au rond-point où elle était, nous allons appuyer sur S pour sortir de l'outil et juste pour trouver les points sources et commencer à apprendre et cela fait assez de travail. Je suis venu dans cette zone et on a également échantillonné le reste de la page blanche. Mais vous savez, nous pouvons nier cela en allant à un pinceau plus petit et en obtenant simplement cette dureté, et il n'y aura pas de surface aussi grande à échantillonner qu'avant. Une autre façon de nier cette chose ramassant les zones tout autour. Si vous jetez un coup d'œil ici, vous êtes probablement sur un exemple de source de courants et en dessous, cela signifie que lorsque nous cliquons Option ou Alt pour définir une zone source, il va regarder notre couche actuelle et tout ce qui se trouve en dessous de ça. Si nous basculons simplement sur la couche actuelle, tout ce que nous faisons pour cela sera simplement verrouillé sur cette couche, même lorsque nous nous approchons du bord, c'est juste une petite chose assez subtile. Disons que nous le faisions alors que nous avons fait tout le chemin et que nous avions fait trop de mesures que nous ne voulions pas contrôler Z pour qu'il aille à reculer et faire cela. Une autre façon de se débarrasser de ce bord est de frapper J. Il a lancé le pinceau cicatrisant des taches. Maintenant, cela fonctionne de la même manière que l'outil Clone Stamp, sauf que nous n'avons pas besoin de trouver le point source. Le pinceau fait en fait cela pour nous. Nous allons juste traîner sur cette zone. Il va chercher des informations sur lesquelles il peut utiliser pour estomper une petite erreur. Effectuons un zoom arrière rapide et voyons comment vous avez fait. Regardez ça, il y kilomètres d'épaisseur, puis nous avons commencé, vous pouvez voir la différence là-bas. Vous pouvez imaginer qu'il y a un peu de travail à faire pour faire le tour du ring. Nous allons accélérer ici et je vais juste raconter les décisions que je prends au fur et à mesure. En général, je reste assez près du bord. Quand je me retire, c'est assez fou qu' il se souvienne encore à quoi ressemble ce bord. C'est un moyen facile de le rendre plus épais. Je surveille cette étape et je répète au fur et à mesure. Il suffit de déplacer mes points source pour sécuriser un peu plus au hasard que de loin. Maintenant, voici une astuce, je vais déverrouiller cette couche, et pour mélanger ces couleurs, je vais continuer à me remplir de la dureté de mon pinceau et de la taille de celui-ci. Jouez un peu [inaudible]. Quelles que soient nos peintures, elles ne se reflèteront qu' à l'intérieur de la couche. Il ne va pas tenir compte l'arrière-plan et il ne va pas peindre en dehors de cette tache. Regardez ça. C'est très pratique sur une texture comme celle-ci. Autour de la partie C maigre , c'est parfois que vous allez faire ce petit pas. Ce que je vais faire, c'est chercher une petite bosse à proximité qui pourrait se fondre dans laquelle je vais l'goûter. Nous voyons un peu d'étape et de répétition se produire là-bas. Je vais simplement échantillonner les zones claires dans la zone sombre pour les joindre ensemble. C'est génial. En fait, c'est vraiment sympa. Je pense qu'il semble plus fort maintenant que sa forme est plus épaisse. C'est notre dernier éclat de texture. Allons allumer Splat. Ce sera la première fois que nous fusionnerons deux textures ensemble. Prenons l'éclat et voyons où elle peut s'adapter. Je pense que, d'une manière générale, compte tenu du poids ici, il va se baser sur ce coin. Déplacons-le sur un calque au-dessus. On va juste baisser un peu ça. Commandez ou contrôlez T, et maintenez l'option O pour garder votre proportion, probablement ramenez-la à environ 80 %. Tu vois, je suis juste en train d'aligner ce bord , donc c'est tout à fait naturel. Et maintenant, qu'en est-il de la couleur ? Eh bien, allons bien ici. Vous ne pouvez pas le voir en bas de ce panneau Calques, recherchez la saturation des teintes. Je suis désolé, vous ne pouvez pas le voir là-dedans. Ensuite, nous allons simplement maintenir Option sur Mac aussi PC pour que ce calque de réglage n'affecte que le splat. Nous cliquons dessus. Mettons le panneau des propriétés en vue. Nous allons augmenter un peu la saturation. Prends ça dans la légèreté. Ça se rapproche. Ajoutons un autre calque de réglage. Cette fois, nous voulons des courbes. Encore une fois, nous voulons simplement que cela n'affecte que cette couche. On va se rapprocher ici. Nous voulons un peu plus de contraste. Je pense que c'est bien. Passons maintenant à cette texture et nous allons juste zoomer un peu. C'est [inaudible]. Assurez-vous de courir comme une dureté moyenne et qu'il suffit d'obtenir environ 30 pixels avec l'option Alt pour fusionner. Ensuite, nous allons commencer à planifier en fonction de la forme et taille de la texture des anneaux à laquelle elle était liée. Je vais juste laisser tomber l'opacité lorsque nous nous rapprocherons des bords. Allons dans la même chose ici, donc sauvegarde de l'opacité. Juste en train de se fondre ici. Ici, c'est un peu plus sombre, alors nous allons certainement baisser l'opacité. Nous allons chercher de l' or et essayer de nous débarrasser de cette petite promenade. Nous avons là une mesure de texture dans une autre. Si nous désactivons les réglages que nous avons effectués, nous pouvons voir la différence de couleur et la jointure est évidente, mais avec ceux qui sont de nouveau activés. Surtout si nous les relions ensemble. Nous devrions d'abord considérer cette texture complète. Permettez-moi de vous montrer ce que vous pouvez construire à l'aide de cet outil. C'est le projet de voyage qui a inspiré la classe. Je voulais vous montrer ça. C'est l'un des sacs avant qu'il ne soit rempli de café. Je demande toujours un prééchantillon de tout ce sur quoi j'ai travaillé. C'est l'occasion pour nous de voir comment il a été imprimé. Un bel endroit disparaît de boulot au-dessus de ce talon de ticket, par exemple. Ces petites illustrations ont été faites pour accompagner l'histoire au dos de la meute. Ensuite, nous avons créé en utilisant exactement les techniques que je viens de démontrer. Je vais maintenant ouvrir les fichiers Photoshop originaux de ces illustrations du panneau arrière. Nous regardons, une main coupée tenant de l'eau, une paire d'alliances, une araignée et un rat, ce qui, je pense, a été le plus réussi. Découvrez la photo de référence originale. Il s'agit de silhouettes assez fortes et d'informations manquantes ici et là. Mais c'était suffisant pour m'aider à construire une forme sur le dessus en utilisant beaucoup de spécifications pour le corps, quelques points et branches pour les membres et un anneau de café partiel pour la queue. Tous fusionnés à l'aide de l'outil Cloner Tampon avec un peu de splat supplémentaire en mode calque pour aider à définir les dernières zones des rats. Dans la prochaine leçon, nous allons recréer quelque chose de très similaire à celui-ci en utilisant les techniques que nous venons d'apprendre. Refroidir, récapitulons rapidement, lors de l'échantillonnage, recherchez une zone voisine exempte de taches ou de changements brusques de couleur, afin qu'ils ne créent pas de motif d'étape et de répétition. Si nous faisons un gâchis de texture grâce à un pinceau doux, nous pouvons utiliser les deux derniers outils pour redéfinir rapidement le bord. L'outil Clone Stamp peut être utilisé pour épaissir des parties maigres de sa texture. Nous voulons garder l'échantillon et les points de clonage les uns des autres à l'aide des supports durs de votre clavier pour agrandir et réduire la taille de votre pinceau, vous permettre de travailler plus rapidement sans avoir à le faire vous permettre de travailler plus rapidement sans avoir accédez au menu des pinceaux en haut de la barre d'outils. Lorsque vous combinez des textures, nous voulons correspondre à leur apparence en utilisant ajustements tels que la saturation des teintes pour les couleurs et les courbes pour le contraste. [MUSIQUE] 4. Le mini projet de tampon de duplication: [MUSIQUE] Bienvenue dans les mini-projets. Un petit rapide, nous allons simplement nous faufiler en utilisant les compétences que nous venons d'apprendre alors qu'elles sont fraîches dans notre esprit. Revenons à ce dossier, et cette fois, nous allons ouvrir Rat. Notre modèle aujourd'hui est les rats norvégiens élégants que l'on trouve sur Pinterest. Dans cette courte leçon, nous allons apprendre comment examiner les textures et choisir les meilleures parties de celles-ci afin de recréer cette image sous forme d'illustration de teinture de café. Toutes les textures dont vous avez besoin sont incluses dans ce PSD et il y a un calque de réglage des couleurs de base sur le dessus. La texture est un groupe que je tape, de grosses taches, anneaux de café, des coulées, des petites taches et des éclaboussures. Si nous développons l'un des groupes, les couches sont nommées en fonction de ce que nous allons utiliser pour illustrer ce nouveau rat café. Commençons par une couche corporelle. abord, nous positionnons chaque couche de texture manière à ce qu'il commence à rappeler les silhouettes ou forme de la photo de référence. Gardez à l'esprit que cela peut signifier les faire pivoter , les retourner ou les modifier. Quoi qu'il en soit, la partie principale du corps a fière allure. Cette texture suivante est appelée poils et possède un bord brossé Nostra qui a une belle allure pour les poils situés à l'arrière de la taupe. Je vais l'augmenter légèrement. Ça a l'air bien. Je pensais que le côté plus sombre de cette texture pourrait être utilisé pour le ventre car il fonctionnera bien pour une zone aussi ombragée. Je vais appuyer sur L sur mon clavier pour mon outil Lasso et c' est la première fois que nous découpons des parties de la texture. Mais regardez cela, alors que la sélection est toujours vivante, je peux simplement copier-coller et obtenir la nouvelle pièce que je veux sur un nouveau calque, sans détruire la texture d'origine. Il y a une autre partie de cette texture qui, je pense, fera une bonne oreille si on la tourne simplement. C'est venu sur Control T pour Transform et nous allons simplement le faire tourner. Ensuite, choisissons une texture à utiliser pour la queue. Je vais continuer à bloquer la silhouette avec les pieds et les moustaches. Ces textures particulières sont faites par de petits éclaboussures de café qui feront de superbes pattes. Même si je serai fabriqué à partir d'une texture café, nous allons aligner les deux à l'aide des commandes centrales verticales et horizontales du menu supérieur. Ces lamelles seront utilisées pour les zones plates un peu plus tard, mais mettons-les en position d'abord. Il est temps de commencer à affiner la forme du corps. abord, je vais supprimer l'opacité du calque pour pouvoir suivre la référence de près. Ensuite, je vais le rapprocher avec mon petit outil comme nous l'avons fait lors de la leçon précédente. Nous ferons de même pour la couche de poils. Commençons par joindre les textures avec l'outil de tampon clone. Je suis à la recherche d'un pinceau de taille moyenne de dureté moyenne, ni trop doux ni trop précis. Nous allons étendre le bord de la couche corporelle pour qu' elle se fonde visuellement dans la couche de poils d'origine. Je vais simplement déplacer la partie que j'ai découpée vers le haut pour pouvoir la positionner en place. Ensuite, j'étendrai à nouveau la texture du corps de la même manière. Vous n'avez évidemment pas eu à suivre en temps réel, mais j'utilise les mêmes techniques nous venons d'apprendre dans la leçon précédente. Ensuite, les oreilles. Voyez que je bloque toujours la forme et maintenant que nous avons la silhouette principale en place, nous faisons les petits détails. Encore une fois, il est en train de le couper avec l'outil lasso et d'étendre la couche de corps avec l'outil de tampon clone de sorte qu'il semble se joindre et former une texture complète. Lorsque chaque pièce est joliment jointe, je sélectionne les deux calques et, avec la commande ou le contrôle E, je les fusionne en une seule texture. Voici un choix artistique que vous devez faire lorsque vous utilisez des textures de cette façon. Est-ce que je fais en sorte que la queue suive exactement la référence, ou est-ce que notre position est une texture réelle et reconnaissable aussi proche que possible, mais pas [inaudible] désactivée ? Je vais activer les autres calques que j'ai positionnés précédemment et bloquer les détails les plus fins de cette illustration. Vous pouvez toujours réduire la visibilité de n'importe quelle partie de la texture qui bloque votre couche de référence si vous devez la voir pendant que vous travaillez. Je vais prendre une troisième partie de la couche initiale du ventre et des oreilles et utiliser pour la patte postérieure. C'est la plus utile de toutes les textures. Donc, quand vous créez les vôtres, rendez-les intéressants. Je pense que vous connaissez l'exercice. Je vais couper les pièces je n'ai pas besoin à l'aide de l'outil lasso. J'utiliserai l'outil de tampon clone pour étendre le calque principal du corps afin qu' il se fonde dans les textures que j'ajoute. Considérez cela comme un essai des compétences que vous venez d'apprendre dans la leçon précédente. On en tire un mini-projet. Cet exercice a été conçu pour vous équiper pour les prochaines leçons où nous commençons vraiment à penser à nos projets de classe. Oui, nous avons une texture entière sur sa propre couche juste pour un orteil. Mais regardez la quantité d'énergie de cette illustration lorsque nous commençons à voir petits morceaux qui ne sont pas directement connectés à la forme principale du composé. Nous allons maintenant devoir assombrir certaines parties de la texture pour donner de la profondeur à cette illustration. Curves me donne la possibilité d' ajuster les ombres et les tons moyens. Je regarde d'autres parties naturellement plus sombres de ces textures de café pour pouvoir les assortir. Découvrez ça. Je vais dessiner une jambe de main personnalisée à l'aide de l'outil lasso. Ensuite, je clone dans cette sélection pour qu'elle se remplisse de la texture du café. Pourquoi le faire de cette façon ? Eh bien, ce n'est pas une illustration après tout et s'il était entièrement composé de morceaux et de textures, cela ressemblerait probablement davantage à un collage. Je dois assombrir les bords pour que ma fausse texture corresponde à la vraie texture qui l'entoure. Rappelez-vous dans la leçon précédente comment sélectionner parties plus foncées ou plus claires de la même texture pour la manipuler ? C'est ce que nous faisons ici. Je vais faire le même processus rapidement sur la jambe avant. Arrêtons et inspectons le travail. Les bords sont un peu moelleux dans certaines zones, un moyen rapide de résoudre ce qui consiste à créer des calques dupliqués et à les fusionner l'aide de Commande ou de Contrôle E. Un bord flou est fait simplement des pixels transparents alternant avec des pixels opaques. Et chaque doublon que je fusionne sur le dessus commence à remplir ces pixels transparents pour créer un bord plus net. J'adore la façon dont la texture fait rage car les moustaches sont à peu près l'utilisation d'un bassin. Rappelez-vous ces éclats que j'ai dit que nous pouvions utiliser pour les dernières zones, je vais les essayer en mode de fusion. La superposition est un peu féroce, peut-être une lumière douce. J'aime bien ce que ça ressemble, mais je pense qu'il pourrait être plus lumineux alors j'ajouterai un calque de réglage. J'utilise des niveaux pour faire ressortir les tons moyens et les zones plates de la texture. Ce n'est pas une science exacte, je le regarde juste pour voir quand ça semble juste. Je me suis précipité dedans donc ça affecte toute l'illustration. Mais si je clique simplement sur l'option entre les calques, mon réglage n'affectera désormais que le calque en dessous. J'ai fait une copie pour que les deux spécifications aient les mêmes paramètres de réglage. Nous avons créé beaucoup de calques maintenant, c'est le bon moment pour nettoyer la fusion de certaines textures ensemble. N'oubliez pas que c'est juste Command ou Control E à fusionner. Maintenant, il y a une chose qui a rendu le travail d'emballage de café plus chaud et moins numérique, c'est l'outil Burn. Nous prenons l'outil Burn et nous l'utilisons pour assombrir certaines zones afin qu'elles ne soient pas totalement plates. Cet outil n'affecte que les ombres, les tons moyens ou les surlignements à la fois. C'est pourquoi je vais passer au menu ici pour le changer. Nous allons le modifier un peu. Je pense que ce noir à l'arrière sera mieux si je le redimensionne et que je le déplace vers le bas. Je vais aussi réduire l'opacité parce que ça a l'air d'enfer photoshopy en ce moment. Parce que je l'ai agrandi, il se heurte maintenant à la toile blanche en dehors de l'illustration. Avec mon outil de baguette magique qui est W, je sélectionne la forme principale des rats, puis clique sur le calque Splat et je frappe en arrière, supprimerai cette partie de celui-ci. Je ferai de même pour l'autre. En temps réel, ce rat a mis 20 minutes à créer. Nous avons mis en pratique tout, de la leçon d'outil de tampon clone et de nombreux outils supplémentaires comme la baguette magique et l'outil Burn. Cool, on a cloné. Lors de la prochaine leçon, nous allons nous amuser un peu. Nous allons descendre, ordinateur, devenir un peu expérimental, un peu désordonné et apprendre à créer nos propres textures réelles en utilisant des encres acryliques, aquarelles et même du café. Allons-y. [MUSIQUE] 5. Trouver des textures: [MUSIQUE] Créons notre propre texture. Nous sommes à la recherche d'accidents heureux et prévisibilité tels que le vacillement de la table ou ce qui arrive à la peinture lorsque de l'eau y est introduite. Prenez toutes les peintures et l'encre que vous avez posées autour de la maison, et je vous verrai dans mon sous-sol. Pour cette démonstration, j'utilise du papier Hahnemuhle. Nous pouvons utiliser n'importe quel papier aussi longtemps qu'il est épais, car nous ne voulons pas que le papier se déchire parce qu'il est trop gorgé d'eau. papier plus épais résiste également Le papier plus épais résiste également à l'absorption et donne plus de temps à sécher les médiums, sorte qu'un papier aquarelle de 300 grammes serait idéal. [MUSIQUE] Je vais faire un bal de promo avec un peu d'eau. Ensuite, je vais déposer de encre acrylique Daler-Rowney avec la pipette. Regardez comment les bords de l'eau captent cette couleur. L'encre coule et passe peut-être sous l'angle de la table ou la brise à travers la fenêtre, elle tire là où l'eau est encore épaisse et sèche là où elle n'est pas. Je vais présenter une marque acrylique de marque générique, vous pouvez voir qu'elle est beaucoup plus visqueuse que celle que nous venons d'utiliser. Il ne va pas tout à fait sur les bords, mais regardez quand vous introduisez un peu d'eau, magnifiques combinaisons de couleurs qui se fondent ensemble. [MUSIQUE] Cette encre tout-usage est essentiellement de l'acrylique, mais beaucoup plus aqueuse, sorte que nous pouvons les mettre directement sur un papier. L'encre se comporte comme des aquarelles, reste mouillée pendant longtemps et me permet de superposer lentement la couleur. Ici, je vais chercher ce que j'espère ressemblera à un ciel nocturne que je peux utiliser dans mes projets. Le principal avantage de ce support est que j'ai amplement le temps de tourner et de le tirer, mais il sèche très rapidement une fois que vous l'avez laissé reposer c'est donc idéal pour les designers numériques à échéance. On parle d'aquarelles. [MUSIQUE] Nous avons un peu mouillé sur mouillé ici ainsi que du papier directeur. Eh bien, je veux mélanger des couleurs pathétiques, ce n'est pas un résultat d'aquarelle typique que je cherche ; en fait, je veux les formes composées. Ces textures ne seront pas utilisées en oscillation, mais elles servent de point de départ pour une texture de vêtements de grande taille. Jetez un coup d'œil à ça. À l'aide d'un gros pinceau rond, on peut simplement secouer sur de petites bouches d'eau et cela en fait une texture intéressante. Mais voici la magie, introduisez doucement un peu d'eau de moyenne et cela devient cette texture de marbre tourbillon fantastique. Il ne dessinera pas comme ça, mais vous pouvez le capturer photographiquement avant cela. [MUSIQUE] Cette encre d'écriture a été utilisée par la reine d'Angleterre, c'est ce que j'imaginais être un stylo plume très traditionnel. On nous a appris comment l'utiliser à l' université parce qu'il est très polyvalent. Vous pouvez obtenir cette texture de pinceau sèche et grattée que je fais maintenant, ainsi que la texture mouillée sur mouillée sous son papier. Sa majesté pourrait aussi essayer de fracasser de texture punky comme celle-ci. Ce qui surprend les gens avec cette encre, c'est l'eau tombe en noir, elle dessine en fait le bleu marine avec des bords jaunes ; utilisez une serviette ou un chiffon pour tamponner les bords et éviter cela. Vous pouvez également utiliser la serviette pour tamponner une texture semblable à un nuage par la suite. Enfin, je vais essayer de combiner cette encre avec l'un des supports acryliques afin que nous puissions voir comment elles se comportent ensemble et à quoi elles ressembleront. Actuellement, c'est quelque chose comme un œuf au plat. [MUSIQUE] Le café, celui-ci est facile. Préparez-vous une tasse de café, noir ou blanc, et jetez-en une partie dans une soucoupe. Une deuxième tasse est trempée dans la soucoupe et estampillée sur le papier. Essayez de faire glisser la tasse pour obtenir des anneaux plus épais, ou de la presser fort et de la tirer rapidement pour obtenir des anneaux aléatoires plus sains avec des nœuds, des branches et des éclaboussures. Pour mettre le café à la piscine d'un côté de l'anneau, appuyez sur la tasse vers le bas et essayez de le retirer directement vers le haut par rapport à un angle pour obtenir différents résultats. Vous pouvez également utiliser un pinceau plat sec pour augmenter les bords. J'ai maintenant un disque plein de textures différentes, nous avons regardé toutes ces encres et supports différents que nous pouvons utiliser. Si vous êtes un concepteur numérique comme moi, je vous recommande vivement de sortir de l'ordinateur de temps en temps et de plonger dans quelque chose de désordonné et d'expérimental. C'est génial de ne pas être aussi parfait au pixel avec tout. C'est ça. Il s'agit d'un cours Photoshop, donc tout ce que nous avons créé, nous pouvons corriger les couleurs, nous pouvons en changer la forme, nous pouvons le déformer, nous pouvons le retourner pour qu' il y ait beaucoup de liberté dans ce domaine bientôt. Ensuite, nous allons voir comment ces textures dans Photoshop. Il y a deux façons de le faire , jetons un coup d'œil. Si vous êtes vieille école ou que vous travaillez à domicile, vous avez probablement un scanner d'imprimante. Voici les paramètres recommandés à utiliser. Modifiez vos résolutions par défaut pour au moins 300 ppp, et vos textures seront alors bonnes pour l'impression. Puisque nous voulons nous rapprocher de ces textures, doublons à 600 pour les prêter dans Photoshop et doubler la taille du projet. Vous pouvez également définir un dossier cible pour votre ID de fichiers, sur le bureau. Je vais nommer mon acrylique, car je vais scanner tous les acryliques l'un après l'autre. format JPEG est tentant, il a une taille de fichier plus petite, mais il est sujet à compression. Chaque fois que vous enregistrez JPEG sur lui-même, vous perdez plus de qualité d'image. Optons pour un format à haute efficacité ou TIFF qui est un fichier non compressé. L'option 2 est dans vos poches, que vous ayez un appareil Android ou iOS, Adobe Scan convient à tous. Vous pouvez vous connecter avec Google ou Facebook, je suis connecté avec mes comptes Derby. Je vais simplement cliquer sur l'icône de l'appareil photo, et il va commencer à chercher les documents immédiatement. Il va trouver les bords, il va rester stable et je cliquerai sur « Continuer », appuyez sur cette image juste pour y jeter un coup d'œil. Il a pompé un peu les couleurs qui pourraient convenir à vos objectifs. Il sera un peu plus facile à découper car il ne montre pas la texture du papier. Je préfère un scan plus représentatif, alors je vais simplement cliquer sur « Couleur » ici et lui donner la couleur d'origine. Vous pouvez également modifier le nom, alors faites le même nom ici, je l'appellerai simplement acrylique. Je vais juste mettre le numéro, le numéro 1. Enregistrez le PDF, cliquez sur « Partager », il le télécharge déjà dans le document Cloud partager une copie. Alors je suis fan d'Airdrop, je vais l'envoyer sur cet ordinateur ici. Vous pouvez également l'envoyer sous forme d'e-mail ou le partager sous forme de lien, et il apparaîtra dans le document Cloud. C'est là que je l'ai scanné, et je suis vraiment impressionné. Comparons ces numérisations à que nous avons faites sur le scanner de l'impression. Le scanner de l'impression perd un peu de saturation, mais il éclaircit le papier, ce qui facilite le traitement. Adobe Scan fait un travail incroyable avec les couleurs de l'encre, mais la texture du papier contraste très chaud par rapport à la lumière du jour venant de côté lorsque je l'ai numérisée. Je serais heureux de recommander l'une ou l'autre des méthodes. On peut dire sans risque dans cette leçon nous avons appris que nous sommes capables de créer nos propres textures, et que lorsque nous nous amusons, lorsque nous l'abordons sous un angle aléatoire, lorsque nous expérimentons un peu, nous pouvons obtenir de très bonnes formes, et beaucoup de ces formes si nous regardons de près, idées litigieuses pour des projets plutôt que d' être simplement une texture que nous avons trouvée en ligne et la publions pour des projets. C'était très amusant. J'espère que vous expérimentez un peu, que vous aurez peut-être des textures intéressantes. Si vous avez quelque chose dont vous êtes fier ou si vous avez une question, n'hésitez pas à poster dans la zone de discussion ci-dessous de ce cours. Si vous n'avez pas pu créer vos propres objets, oubliez pas que vous pouvez télécharger tout ce que nous venons de créer dans cette leçon à partir de la zone des projets et des ressources. Dans la prochaine leçon, nous allons chercher à trouver nos propres photographies et à réaliser cela pour nos projets. Je vous y verrai. 6. Trouver des photos et des vecteurs: Qu'allez-vous illustrer pour vos projets ? Peut-être que la musique est votre truc, vous pouvez utiliser des médiators de guitare, des épingles de sûreté, des bouchons de bouteille, selon le genre. Dans le projet qui a inspiré cette classe, l'illustration portait sur une marque de café donc inclure des grains de café aide à vendre cela. Personnellement, je veux faire une lettre d'amour à ma ville. Je vais donc utiliser l'architecture, les plantes, les animaux, l'industrie et les bibelots. [MUSIQUE] Nous sommes ici dans mon immeuble préféré. On peut le voir de presque n'importe où dans la ville, donc il agit comme une boussole et j'aime bien ça. J'utilise ici un reflex numérique avec un objectif de 22 à 55 millimètres parce que je veux obtenir la photo la plus nette possible. [MUSIQUE] Nous allons faire un gros plan dans la rue. Je veux m'assurer d'avoir une excellente référence du verre en détail pour mes illustrations. [MUSIQUE] Je pense qu'il est très important d'essayer de trouver nos propres photos originales pour nos illustrations. Lorsque nous comptons sur Google Images, notre travail manque d'originalité et peut paraître incohérent. [MUSIQUE] Maintenant, nous sommes au bord de la plage, avec des plantes sur la liste. Durban regorge de palmiers, mais j'aime bien ces palmiers car je peux avoir un cliché vraiment propre sans aucun autre bâtiment ou arbre derrière. Nous chercherons des bibelots pendant que nous sommes ici aussi. [MUSIQUE] Les étals Curio de ce genre proposent un mélange d'ornements faits à la main, instruments, d'armes zoulou et de bijoux qui nous rappellent tous avoir grandi ici. [MUSIQUE] La nôtre est une industrie maritime, et pour moi, rien n'indique cela plus que ces grues rouges. [MUSIQUE] Entre singes et oiseaux, je pense qu'un oiseau conviendrait mieux à tout ce que j'ai recueilli aujourd'hui. [MUSIQUE] Regardez l'élégance et l'équilibre de cette créature gracieuse. Mais mon oiseau est ici. [MUSIQUE] Hadada Ibis, le réveil de mère nature. Je suis un peu préoccupé par le fait que l'oiseau semble anxieux sur ma photo. Il s'agit d'une superbe photo de mon pote Jeff, photographe professionnel. Mon image que j'ai eue dans le parc était correcte. J'aurais pu sélectionner l'oiseau, mais il n'avait pas l'air correct et je ne peux rien faire dans Photoshop pour changer la posture, la sortie émotionnelle de l'animal. Il les obtient sur son toit tous les matins et il était assez heureux de m'arracher un couple. Regardez-les, vous pouvez juste voir qu'il semble presque heureux de se faire prendre en photo. J'adore aussi la façon dont nous regardons vers le haut, peu comme l'angle que j'ai eu par rapport au bâtiment. Je pense que lorsque nous regardons toutes nos photos ensemble, je les ai toutes dans différentes fenêtres de Photoshop. Nous pouvons commencer à comprendre ce qui va disparaître. Cela va probablement s'étendre au sommet de l'illustration. Ce type est définitivement perché sur le dessus parce qu'on les regarde. La mission sur la plage était plutôt bonne aussi. Contrairement à vous, je ne rêve pas de couper ou sélectionner un petit arbre touffu entier. Mais il s'agit de voir comment il se comporte. Si nous trouvons un vecteur de palmier, il est si souvent stylisé et on dirait que c'est au Copacabana ou quelque chose comme ça. Mais je veux un palmier tel qu'il a l'air, comme j'ai l'habitude de le voir. Il y a ces touffues qui résistent. Il y a aussi ces petits que je pensais avoir fait une paire mignonne. L'industrie n'a pas autant de succès. Malheureusement, il n'y a que si près de ces grues. C'est le pain et le beurre de la ville, du port et du commerce là-bas. Nous aurions pu monter sur les petits bateaux et les relever, mais je ne veux pas que tout soit aussi grand angle. Parfois, vous voulez un peu de grain, vous voulez simplement quelque chose représenté comme une silhouette de base. Je ne suis pas trop inquiet à ce sujet, j'étais content d'être allé voir le contexte, de voir leur forme. Je suis presque sûr que si nous regardons en ligne, presque tous les ports du monde ont des grues qui ressemblent à ceci. presque oublié. Il y a une autre chose que nous devons regarder, et c'est ce superbe petit bibelot que j'ai ramassé, c'est un travail traditionnel de perles zoulou. Je ne l'ai pas montré à l'écran car je ne sais pas très bien comment je vais l'utiliser. Je vais peut-être le recroqueviller et en prendre une photo. Je vais peut-être le scanner en tant que texture complète ou je pourrais simplement faire référence à ce petit motif que nous voyons là-bas et choisir certaines des couleurs. [MUSIQUE] Deux endroits où j'aime chercher images libres de droits pour les illustrations sont Unsplash et Pond5. Unsplash est définitivement des photos soumises par les utilisateurs, donc ce sont des gens comme vous et moi, juste des créatifs qui mettent des photos en place. La plupart du temps, tout ce dont vous avez vraiment besoin, c'est de créditer le photographe original si vous utilisez l'image textuellement, par exemple sur un blog ou sur un article ou quelque chose du genre. D'après ce que je peux dire dans les mentions légales, vous pouvez utiliser en partie n'importe quelle image dans une œuvre créative comme nous allons le faire. Je vais chercher une grue portuaire et voir si je peux trouver quelque chose de mieux que celui que j'ai obtenu. Je vais faire défiler vers le bas, je suis sûr que je vais trouver quelque chose qui me plaît. Tu vois, tu y vas. C'est ce que je veux. Ce qui est bien avec Unsplash, c'est qu'une fois que vous effectuez une recherche ciblée sur les grues portuaires ici dans mon cas. Vous pouvez regarder des photos associées et parfois trouver d'autres options. Regarde ça, c'est parfait. C'est vraiment magnifique. Je vais juste passer ici pour « Télécharger », et je pense que c'est une silhouette que je peux absolument utiliser dans mon projet. Pond5 est un favori des professeurs de Skillshare. Vous pouvez obtenir des images, obtenir de la musique, vous pouvez obtenir des photos de stock. Si vous venez à la section gratuite du site, vous pouvez simplement aller sur « Photos », « Voir toutes les photos gratuites », et comme on dit, nous pouvons simplement faire le plein de celles-ci. L'un des inconvénients de Pond5 par rapport à Unsplash est qu'il n'est pas aussi facile explorer exactement ce que vous recherchez. Vous allez effectuer une recherche par catégorie. Je pourrais avoir des animaux, je pourrais avoir la nature pour les plantes et les choses comme ça. « Urban », « Voyage ». « Industrie et agriculture » est probablement l'endroit où je vais trouver mes grues. Laissez-moi lancer ça. C'est assez large. Ici, nous avons des travailleurs des installations pétrolières, des grues de construction, des produits agricoles. Je vais probablement passer beaucoup de temps à chercher exactement ce dont j'ai besoin ici , mais je suis en train inspirer des couleurs et des angles. Pour les vecteurs, il y a deux endroits que j'aime chercher, disons des palmiers. L'un est Freepik et l'autre est Vecteezy. Nous allons à Freepik, voyons gratuitement, et voyons les vecteurs, allez à Palm Tree. Il y a des trucs incroyables ici. C'est ce dont je parlais là où il est très stylisé et Copacabana. Ensuite, vous obtenez ces autres packs où ils se déplacent un peu et vous obtenez même des vecteurs vraiment réalistes, ce qui est assez incroyable. Jetons un coup d'œil et voyons s'il y a quelque chose ici pour nous. C'est plutôt bien. Je peux simplement cliquer sur le bouton « Télécharger » pour télécharger. Vous pouvez vous inscrire en tant que membre payant et vous devrez effectuer une attribution. Pour le téléchargement gratuit, vous devrez simplement inclure quelque part dans votre travail qu'il vient de Freepik. Vecteezy a tendance à avoir vecteurs plus raffinés et professionnels. Nous allons vers les vecteurs ici et nous allons revenir à Palm Tree. Beaucoup de choses identiques, mais dans un paquet comme celui-ci, vous obtenez beaucoup d'options, et elles sont plutôt bonnes. Nous allons chercher gratuitement pour nous assurer que nous pouvons réellement l'utiliser sans avoir besoin de créer un compte. Vous pouvez passer beaucoup de temps à chercher des vecteurs. Mais si vous savez ce que vous cherchez, si vous avez cette référence naturelle, vous pouvez voir celles qui semblent réalistes et celles qui ont l'air caricaturales, et généralement vous allez vouloir un programme vectoriel comme Adobe Illustrator pour les distinguer pour votre image. Super amusant d'être un touriste dans ma propre ville et c'est génial de vous avoir avec vous pour le tour. Vous pouvez voir avec des outils très basiques, dans mon cas, c'est un reflex numérique extrêmement ancien et un iPhone très basique, je peux obtenir à peu près je peux obtenir à peu près n'importe quelle image dont j'ai besoin pour mon projet. où je reste coincé, je trouve l'inspiration pour ce qu' il faut chercher en ligne et nous avons appris où aller chercher objets libres de droits qui ne nous causeront aucun problème. Maintenant, une fois que nous avons tout cela et que nous l'avons mis sur l'ordinateur, nous devons traiter un peu pour le préparer pour Photoshop, afin de le préparer pour nos projets finaux. C'est le sujet de la prochaine leçon. Je vous y verrai les gars. [MUSIQUE] 7. Traiter vos images: Cette leçon porte sur le traitement des photos. Peut-être que, comme moi, vos photos proviennent de divers endroits, peut-être que certaines sont sur votre téléphone, peut-être que vous en avez trouvé en ligne, peut-être que vous avez fermé un reflex numérique. Dans tous les cas, ils vont être d'une qualité variable, il faut donc un peu niveler les règles du jeu. En plus de cela, pour ce projet, nous allons apprendre à dégrader soigneusement la photographie et à vraiment pomper le contraste pour qu' il ressemble à notre texture. Je suis super ravi de commencer là-dessus. [MUSIQUE] Nous allons utiliser des masques de calque à partir de maintenant, mais pour isoler nos images et combiner des textures. Si vous avez de l'expérience avec les masques de calque, n'hésitez pas à passer à l'avance. Si vous n'avez jamais créé de masque de calque dans Photoshop, restez avec moi. Masque de calque que vous masquez des parties d'un calque dans Photoshop sans les supprimer définitivement. Ajoutez un masque de calque à n'importe quel calque que vous souhaitez modifier en cliquant sur cette petite icône ici. Vos couleurs changent immédiatement en blanc et en noir, car ces couleurs déterminent ce qui sera caché et ce qui sera affiché. Par défaut, le masque de calque est en blanc, qui révèle l'intégralité de cette photo. Si je remplis le masque de noir, la photo est masquée, change en blanc et que la photo est de retour, masques de calques restent complètement modifiables de cette façon. Pour accéder directement au masque de calque, l'option Alt cliquez sur l'icône. Une fois à l'intérieur, ajouter du noir masque ou masquer ces parties de la photo. Si nous peignons en blanc à l'intérieur d'un masque noir, la photo ne s'affiche qu'à travers les zones blanches. noir dissimule les révélations blanches. Il suffit de cliquer sur le calque pour quitter le masque. Si vous devez désactiver ou activer le masque de calque, cliquez avec le bouton droit de la souris pour accéder aux options. Ce sont beaucoup de masques de calques. [MUSIQUE] Il s'agit d'un beau cliché propre qui sera facile à extraire. Nous voulons accéder à l'outil Magic One en utilisant la touche W du clavier. Cliquez maintenant sur « Sélectionner un sujet » dans la barre d'outils supérieure. Photoshop fait du bon travail là-dessus, mais on peut voir qu'il a manqué une partie du pied. Cliquons sur « Sélectionner un masque » et essayons de l'affiner un peu. Maintenant, il y a plusieurs façons voir votre masque, je préfère la superposition car je trouve plus facile de voir ce que fait Photoshop, vous pouvez changer ce rouge en une couleur personnalisée, ce que ce mode vous donne maintenant un pinceau pour montrer à Photoshop ce que vous souhaitez sélectionner d'autre. Ce pinceau sera par défaut à la dernière taille que vous aviez Vous pouvez donc peut-être l'agrandir ou la réduire avec vos clés de support dur. Nous allons simplement brosser rapidement la zone du pied, et Photoshop ajoute cela à la sélection. Dans le menu Propriétés , nous pouvons apporter d'autres améliorations. Je vais juste ajouter une plume d'un pixel, ce qui donnera un avantage plus doux et plus national et laissera les autres paramètres tels quels pour l'instant. Lorsque les paramètres de sortie prêts sont un peu plus bas, la sélection me donnera juste un peu isolé, mais comme je pourrais vouloir affiner davantage, je vais demander à Photoshop de créer un nouveau calque avec le masque de calque. Nous avons maintenant notre photo originale et un nouveau calque au-dessus avec l'arrière-plan masqué. Si je désactive le masque de calque, vous pouvez voir que c'est la photo entière. Avec le masque, nous avons une image isolée que nous pouvons bouger librement et qui est prête à utiliser une illustration. Si nous voulons entrer et modifier la façon dont le sujet est isolé, nous pouvons simplement accéder au masque de calque en maintenant l' option Alt enfoncée et en cliquant sur cette image en noir et blanc. Une fois à l'intérieur du masque de calque, on peut changer n'importe quoi, des plumes aux pieds. Mais qu'en est-il des images avec des détails de premier plan et d' arrière-plan comme un bâtiment ? Essayons à nouveau Select Subject. Il a manqué un peu de détails. Les bords sont vraiment croquants et Photoshop a complètement ignoré les lacunes et l'architecture. Comment résoudre ce problème ? Nous pourrions ajuster les propriétés dans la sélection démasquer pour affiner et améliorer cette sélection. N'oubliez pas que nous avons un pinceau pour apprendre à Photoshop ce que vous souhaitez inclure dans cette sélection. Si nous maintenons l'option ou la touche Alt enfoncée, notre pinceau va désormais diminuer les zones de cette sélection. Je ne veux pas vraiment jouer avec ça. Je pense que je peux faire mieux. Je vais créer mon propre masque de calque en ouvrant la fenêtre Chemins. Appuyez sur « P » pour faire apparaître l'outil Stylo et dessiner soigneusement autour du bâtiment. Je clique chaque fois que le chemin change de direction et pour un coin, une balustrade, etc. Permettez-moi de créer une copie de mon calque en faisant glisser la photo sur l'icône Little Plus. Cliquez sur cette petite icône qui ressemble un drapeau japonais pour ajouter un masque de calque à mon nouveau calque. De retour dans la fenêtre Chemins, je vais sélectionner le chemin que je viens de dessiner et je l'inspecterai de près. Je clique avec le bouton droit de la souris et je choisirai la sélection, puis je le remplis de blanc en allant à l'option Alt Backspace. Pour utiliser ces espaces dans un chemin, nous passons à notre outil Sélection directe appuyant sur le raccourci clavier A et en maintenant l'option Alt enfoncée pour sélectionner chaque point suivant. Encore une fois, cliquez avec le bouton droit sur Faire la sélection et maintenant nous remplissons noir en utilisant Commande ou Contrôle et Retour arrière. Une inspection en gros plan rapide et elle est magnifiquement déperchée. Vous vous souviendrez de ces encres acryliques avec lesquelles il manque [inaudible], elles ont séché avec des bords vraiment chauds et un bon contraste. La méthode Select Subject que nous avons utilisée sur l'oiseau fonctionne très bien ici. J'ai ajouté un peu plus de contraste au masque pour donner à la sélection ces bords plus rugueux. Select Subject est une excellente méthode pour les textures très opaques comme ces encres, peintures et aquarelles posées, mais qu'en est-il d'une texture très difficile ? Par nature, les aquarelles sont transparentes et je peux nous voir rencontrer des problèmes où ces textures se fondent dans le papier. Essayons Select Subject de toute façon, n'est-ce pas ? Nous allons voir beaucoup de raffinement ici et nous ne ferions pas grand-chose non plus pour tracer un chemin autour d'eux, alors que pouvons-nous faire d'autre. Il existe une troisième méthode de régénération d'un masque de calque, c'est-à-dire en créant deux copies de la texture d'origine, nous remplissons la couche supérieure d'une carte dégradée de noirs ou de blancs et la traitons jusqu'à ce que il devient quelque chose que nous pouvons utiliser comme masque pour isoler les textures aquarelles. Pour augmenter le contraste, je vais dupliquer le calque noir et blanc, le configurer pour le multiplier et le combiner avec le calque ci-dessous en appuyant sur Commande ou Contrôle E. Ensuite, j'utiliserai des niveaux pour jouer avec les ombres, les tons moyens et les reflets. Je veux préserver la transparence de la texture de l'aquarelle et je m' inquièterai ensuite du papier. Je clique sur « OK », puis sur Commande et ou Ctrl-A pour sélectionner l'ensemble du calque noir et blanc, puis je copierai, ajoute un masque de calque à la texture de couleur, option Alt, je clique dessus pour y accéder et coller mon noir et version blanche en. Nous devrons inverser cela avec Command ou Control I. Je vais remplir le calque ci-dessous avec une couleur unie afin que vous puissiez voir la quantité de notre texture masquée. Nous allons en fait choisir une couleur vraiment amusante. Nous voyons les bords de la texture que j'ai bien définis, et je pense que nous pouvons simplement peindre la texture du papier sur le masque de calque. N'oubliez pas qu'avec l'option Alt, je clique sur l'image en noir et blanc pour accéder directement au masque, et je vais simplement cacher le papier en peignant dessus avec du noir. Vous pouvez également peindre sur le masque tout en voyant la texture couleur, tant que le masque possède ce contour blanc, sinon, vous peignez probablement sur votre texture réelle. Allons inspecter. Oui, la texture est en bonne voie d'être isolée. Vous trouverez le dernier dans la section Ressources ci-dessous cette vidéo. [MUSIQUE] Nous sommes maintenant dans Illustrator et je vais traiter l'un des correctifs que j'ai téléchargés dans la leçon précédente. Tout d'abord, je vais cacher les calques que je n'utiliserai pas. Nous avons beaucoup de belles pièces ici. Je peux personnaliser leurs polices et leurs positions. Je vais prendre cet arbre ici, je simplifierai le vecteur à l'arbre lui-même en localisant et en masquant les calques que je ne veux pas. Ensuite, il s'agit d'un copier-coller dans Photoshop, en veillant à ce qu'il s'agisse d'un objet intelligent afin que nous puissions continuer à éditer le vecteur dans Illustrator. Vous pouvez utiliser immédiatement un vecteur à ce stade, ou vous pouvez double-cliquer dessus, ce qui le ramènera à Illustrator pour une modification ultérieure. Je vais juste le remplir de noir, sauvegarder et le fermer et il sera mis à jour dans Photoshop. Permettez-moi de nommer les couches et j'ai de l'architecture, de l'industrie, des animaux, des plantes. La seule chose qui me manque, ce sont des bibelots et je m'en occuperai dans la prochaine leçon. À l'heure actuelle, il est temps de [MUSIQUE] Nous devons changer toutes ces images en valeurs noir et blanc via une carte dégradée et les couleurs par défaut de Photoshop. Nous pouvons régler manuellement le contraste avec les niveaux, c' est-à-dire Command ou Control L à lancer. Je rapproche les valeurs moyennes et les valeurs de mise en évidence , puis je les déplace tous les deux vers les points d'ombre. Pour vraiment pomper le contraste d'une image, vous en sélectionnez des parties et les traitez individuellement. Il suffit de cliquer sur L sur le clavier faire apparaître l'outil du bailleur, et les niveaux ne s'appliqueront qu'à la zone que le bailleur a été utilisé pour sélectionner. Vous pouvez même soulever une zone qui semble être complètement ombrée et obtenir ce look contrasté qui se fondra bien avec nos textures colorées. Nous avons traité beaucoup de photos, de vecteurs et de textures, et il est maintenant temps de commencer à penser les combiner toutes pour nos projets de cartes postales. Je vous verrai dans la prochaine leçon. [MUSIQUE] 8. Planification : composition en vignettes: [MUSIQUE] Lorsque nous parlons de composition, nous entendons vraiment deux choses dans cette classe. Premièrement, la composition en termes de graphisme. Il est important que nous établissions une hiérarchie avec ces actifs. Quelle sera la taille ? Quelle est leur relation l'un avec l'autre ? Nous voulons avoir une hiérarchie visuelle agréable et, de façon cohérente, ils devraient raconter une histoire. Deuxièmement, la composition numérique que nous allons construire dans Photoshop. Mais avant d'en arriver là, parlons du numéro un. La composition est la disposition des éléments de sorte qu'ils paraissent bien équilibrés et intéressants pour l'œil du spectateur. Sans règles de composition en place, notre travail peut réellement épuiser et même confondre l'œil du spectateur. Regardez comment ces différents placements rendent le travail meilleur ou pire Il s'agit de la répartition du poids, contraste et du nombre de roches d'éléments. Voici les trois principales choses que je considère lorsque j'illustre. Numéro un, le point focal, l'équilibre, le parcours de l'œil à travers la composition. Numéro deux, ce qu'il faut réduire ce qu'il faut inclure. Nous voulons seulement conserver des éléments qui communiquent clairement les concepts fondamentaux. Numéro trois, la hiérarchie des images. Voici une grande petite théorie à ce sujet. Si on pense à un projet comme une voiture. Une voiture a un chauffeur, quelqu'un qui utilise un fusil et quelques passagers à l'arrière. Pour ce qui est de faire avancer la voiture, il y a une hiérarchie en jeu ici. Le conducteur est le plus important, fusil de chasse le plus important et les passagers sont des éléments de soutien qui sont le long du trajet. Pour m'aider à décider de la composition des éléments, je vais dessiner des miniatures très basiques, des miniatures si vous ne les faites pas sont esquisses rapides qui explorent différentes façons de l'illustration Je pourrais y aller. Il s'agit d'une approche de conception graphique classique qui solidifie efficacement l'idée et résout tous les problèmes de composition potentiels. Boom, quelques miniatures dans le coin supérieur. Cela m'aide simplement à me souvenir de quels atouts nous disposons, de quelle direction cette dernière est assise, et cetera. Dès notre première étude, je pense quelque chose de circulaire, évidemment, cela fonctionne très bien dans le travail du café et ce que j'ai aimé dans ce travail et ça marchera ici aussi, c'est que le cercle tourne peu. des formes hors de lui. Le bâtiment va être mon héros ici et j'utiliserai les palmiers, la perle zoulou, les perles et juste un peu de typographie pour m'asseoir en dessous. Ils ont donc besoin d'un modèle triangulaire, d'un cool. Je vais juste sortir un peu de la texture pour qu'elle n'ait pas l'air trop numérique. Je vais faire une version compressée du scan de la ville et de tous les endroits qu'il visite chaque jour, et maintenant que Hodeidah réside sur tout, c'est le réveil de Mère Nature. Au fond, nous allons utiliser les bibelots pour préciser le nom de la ville. Pour la dernière idée, je vais laisser la texture, parler. Mais Durban, par exemple, dans le haut et juste pour avoir toutes ces formes qui poussent hors de la texture. Le bâtiment va toujours être mon héros et j'aurai la Hodeidah la prochaine fois. [CONTEXTE] Ces babioles. Je vais juste aller à la profondeur et à la texture là-dedans. [ARRIÈRE-PLAN] [BRUIT] Très bien, j'ai mis les miniatures sur le mur et nous ferons un bref examen ici. Je veux juste financer le meilleur d' entre eux communique clairement que la hiérarchie de ces actifs a un bon équilibre et a un point focal qui nous raconte l'histoire ou la ville. Nous avons trois options ici, allant d'un peu sûr, quelque chose qui a été prouvé dans le café. Quelque chose d'un peu plus expérimental avec cette forme triangulaire très géométrique, puis quelque chose qui appartient probablement à un t-shirt plutôt qu'à une carte postale. Il y a deux candidats forts ici, permettez-moi de commencer par celui-ci. Il y a un angle humérus. Ce corps n'est donc pas aussi grand que le réveil d'une mère nature. Il fonctionne ici parce qu'il est séparé des autres éléments et la forme du triangle indique ce que le junior doit continuer. Nous commençons par l'Hodeidah qui attirera notre attention, puis nous descendons, traversons le paysage urbain et remontons vers l'oiseau Hodeidah. C'est plutôt cool. Celui-là est sorti si vous pouvez déjà le dire. Pourquoi je pense que cela ne fonctionnera pas aussi bien que l'autre option, c'est si droit, si graphique, c'est tellement Bauhaus et c'est juste comme un manque qu'il doit être libre. Il doit y avoir des coulées et des gouttes et c'est ce qui vend vraiment cette technique et la fait fonctionner. Je reviens à la première option que j'ai faite. J'adore la façon dont il fait tourner les formes, regarder, le conducteur clair et la situation est le bâtiment. Donc ça nous raconte l'histoire, allons à Durban, allons voir ce bâtiment. Le fusil de chasse est le perlage zoulou, c'est les bibelots et c'est le trésor vous trouverez dans la ville. Les passagers sont des éléments de soutien, ce que vous verrez sur le trajet. Vous avez donc les grues, qui représentent l'industrie. Il y a une partie de la faune et des plantes locales dans les palmiers l'Hodeidah, et la texture est liée. Faisons donc celui-là. [MUSIQUE] 9. Créer votre composition: [MUSIQUE] Maintenant que j'ai décidé quelle miniature je vais travailler à partir d'un projet, il est temps de commencer à construire la composition dans Photoshop. Bonne nouvelle, il ne s'agit que d'un processus en quatre étapes. Nous allons ajouter nos images, puis nous ajouterons nos textures. L'étape suivante consiste à fusionner les images dans les textures. Enfin, nous utiliserons l'outil de tampon clone pour étendre les textures sous les images. Je suggère que nous travaillons avec une résolution plus élevée que le modèle de cartes postales. Créons un nouveau canevas de ces dimensions. Cela nous permettra de zoomer très près, ce qui signifie que notre conception a plus de potentiel pour l'impression et le merchandising. L'ajout d'images n'a pas été plus facile, il suffit de les faire glisser dans votre nouveau canevas. Pour protéger la qualité d'image d'origine, je recommande de convertir chaque calque en objet intelligent vectoriel. Maintenant, lorsque nous redimensionnons ou diminuons la résolution de l'image est préservée. La cueillette de textures peut être difficile. Trouvez le couple qui convient à votre dessin miniature. Ces ressources de texture peuvent être coupées à l'aide de l'outil lasso, puis copiez-les collées dans le canevas de votre projet. J'ai vu une opportunité de textures contrastées. Mon design va avoir une texture orange chaude contraste avec la texture bleu frais. Cela va donner beaucoup d'intérêt visuel à l'illustration et soutenir le design de la ville côtière que j'ai choisi pour mes projets. textures contrastées conviendraient-elles également à votre idée ? La dernière partie de la deuxième étape consiste à regrouper nos calques par images et textures. Cela nous permettra d'appliquer un seul effet au groupe et l'ensemble du lot à l'intérieur assumera le même effet. Nous pouvons également facilement basculer la visibilité d'autres groupes, ce qui nous aidera à nous concentrer sur des parties individuelles à la fois. Pour mes projets, je dois personnaliser cette texture en forme d'anneau. Vous pouvez également personnaliser vos textures. C'est en fait quelque chose que nous avons déjà fait dans la leçon d'outil de tampon clone. Avec l'outil lasso, il suffit découper ou d'affiner les bords. Je ne veux pas un cercle parfait découpé, donc pour obtenir des effets plus naturels, je peux sélectionner autour de la texture elle-même avec l'outil baguette magique, inverser la sélection pour ramener à la forme de la texture, puis redimensionnez-le vers le bas pour créer le centre. Pour une personnalisation plus avancée, essayez ces boutons dans la barre de menus supérieure. Ils nous permettent d'utiliser notre outil lasso pour ajouter ou soustraire de la sélection actuelle. Une fois la sélection terminée, elle est utilisée comme masque de calque pour masquer le centre de la texture. J'ai aussi besoin de masquer une grande partie de cette texture bleue grande partie de cette texture bleue et je vais aussi découper ces petites éclaboussures pour plus tard. Pour mélanger des textures contrastées à l'endroit où elles se croisent, il suffit de peindre à l'intérieur notre masque calque à l'aide d'un pinceau rond doux. Je peux également sélectionner des parties du premier masque à l'aide de l'outil baguette magique, puis utiliser cette sélection pour protéger mon masque actuel pendant que je peins sur le chevauchement. Lorsque vos textures de base sont bien placées, cela vaut la peine de les regarder sous un autre angle. Nous avons parlé d'équilibre et composition, et la meilleure façon de voir si votre texture de base est bien équilibrée est de les regarder à l'envers. Appuyez sur R sur votre clavier pour faire pivoter la vue et faites simplement tourner le canevas. Vous pouvez réinitialiser la vue dans la barre de menus supérieure. L'étape suivante consiste à utiliser les modes de fusion pour faire vivre nos images avec les textures. modes de fusion modifient la façon dont un calque interagit avec le calque en dessous. Cette technique nécessite des modes de mélange additifs tels que Overlay et Soft Lights, qui apporteront la couleur de texture dans les parties sombres de nos images. C'est pourquoi nous traitons nos images avec un contraste aussi élevé, qui est optimal pour ces modes de mélange additif. Dès que nous appliquons un mode de mélange au groupe, nous constatons instantanément que les effets sont obtenus sur les projets de café. Votre vignette peut guider votre composition lorsque vous mettez toutes les images en place. La dernière étape consiste à étendre les textures à l'aide de l'outil de tampon clone. Clonez toujours sur un nouveau calque au-dessus de celui que vous étendez. Cela vous donnera beaucoup plus de flexibilité si vous décidez d'ajuster l'emplacement de l' une de vos images ultérieurement. Assurez-vous que le champ d'exemple la barre de menu supérieure est réglé sur actuel et en dessous afin que nous puissions choisir le bon [inaudible]. Ensuite, c'est le processus que vous avez appris dans les leçons 3 et 4, concentrez-vous sur ce que vous échantillonnez. Avez-vous besoin d'une partie plus foncée ou plus claire de la texture ? Rééchantillonnez-vous constamment pour éviter les effets de pas et de répéter. Vous constaterez que l'illustration commence vraiment à apparaître sur la scène et que vous pourriez bien, une fois qu'un client aura quelques images plus loin, je vais démontrer quelque chose d'un peu différent de ce que nous avons j'ai appris jusqu'à maintenant. Ce palmier est un élément vectoriel comme vous vous en souvenez, et nous n'utilisons pas réellement le vecteur textuel, mais plutôt pour créer un masque de calque. Je souhaite toujours conserver les objets intelligents vectoriels, je vais donc en créer une copie. Que va faire ce palmier noir dans un masque de calque ? noir cache des choses, n'est-ce pas ? Nous affichons un calque blanc en dessous et les fusionnons à l'aide de Commande ou de contrôle E. Commande ou contrôle J'inverse le calque aux couleurs correctes et il est prêt à copier-coller dans un nouveau masque de calque. La texture n'apparaîtra désormais qu'à travers le palmier blanc de cette couche. Si vos projets contiennent de nombreux éléments vectoriels, il s'agit d'un bon processus à utiliser. Vous pouvez également l'utiliser pour n'importe quelle image qui est vraiment une silhouette sans contraste variationnel comme ces grues ici. Ce procédé particulier est idéal pour incorporer également de la texture dans le dessus. J'ai déjà configuré mon type. Juste un simple message de bienvenue avec le nom de la ville. Comme pour vos vecteurs, gardez vos couches supérieures en vie et mettez-les de côté. Cela vous permet de modifier ce qu'il dit ou même de traduire votre message dans une autre langue. Le processus sera le même que celui du palmier vecteur. Je fusionnerai une copie de mes couches supérieures avec un calque blanc, puis je les inverserai pour que la texture ne s'affiche qu'à travers les lettres blanches. Maintenant, je suis en train d'inclure ce haut dans un masque de calque existant. Soyez prudent ici. Si je copiais et collait tout ce calque dans le masque existant, il l'écraserait complètement. Au lieu de cela, il suffit de sélectionner autour du haut le plus près possible et de coller uniquement cette section dans le masque de calque. Voila. Vous avez maintenant beaucoup d'options pour vos projets de cartes postales. Vous savez comment combiner des images et des textures avec le top et comment personnaliser n'importe lequel d'entre eux pour créer votre composition. La dernière chose que j'ai faite pour mon projet a été d' ajouter le bibelot que j'ai ramassé sur le front de mer. Je me suis légèrement écarté de mes miniatures parce que je voyais que ma composition en avait vraiment besoin en bas à droite pour équilibrer le grand bâtiment en haut à gauche. Il a été traité exactement de la même manière que les autres images et fusionné dans la texture de la même manière. J'aime vraiment la direction de mon projet, mais je pense qu'il pourrait être encore meilleur avec quelques améliorations. Mais tout d'abord, récapitons-le. Pour fusionner des images avec de la texture, nous suivons quatre étapes dans cet ordre. Placez les images selon votre meilleure vignette, ajoutez des textures, trouvez la meilleure position, personnalisez-les si nécessaire, mélangez vos images avec de la texture à l'aide modes de fusion additifs tels que des lumières douces et des superpositions. Étendez les textures sur les nouveaux calques jusqu'aux limites de chaque image. Faisons une pause rapide et dans la prochaine leçon, nous examinerons comment modifier notre travail. 10. Modifier votre composition: En tant qu'illustrateurs numériques, l'une des choses les plus importantes que nous devons apprendre est de savoir quand modifier notre travail, quand ajuster les couleurs, quand rééquilibrer l'illustration, quand être vraiment dur et retirez certains éléments et remplacez-les peut-être par angles différents ou [inaudible] triez peu de photos et vecteurs, et c'est le but de cette leçon. [MUSIQUE] Maintenant que j'ai eu un peu de temps loin de cette illustration, je la vois avec des yeux frais. Voici ce que je pense. Il est possible pour l'oiseau de se déplacer sur une terre avec cette partie de la texture. Je vais aussi cloner un peu plus loin pour révéler plus de corps. De petites révisions comme celle-ci montrent une grande attention aux détails. Le sommet est ce qui a retenu mon attention ensuite. Bienvenue dans les sons touristiques et nos projets urbains sont censés être plus personnels. Je vais le changer par quelque chose de plus localisé. Je vais également arrondir la taille des points, donc 57,8 points devient un 60 droit. Je vais faire un texte plus petit à peu près la moitié de cette valeur. Maintenant, les règles de composition entrent en jeu. La babiole est trop proche des grues, donc elles se heurtent les unes aux autres et cela pourrait s'avérer une distraction visuelle frustrante. De plus, je pense que nous avons assez de passagers qui se fondent dans la texture orange. Ce bibelot pourrait équilibrer l' élévateur bleu du bâtiment si je le ramène à la couleur. L'utilisation d'un vecteur coincé pour les palmiers m'a permis de gagner beaucoup de temps, mais ça semble toujours coincé. Comme il s'agit d'un objet intelligent vectoriel, je peux le modifier dans Illustrator et recréer cette paire de palmiers sur la plage. Attention au mélange soudain entre différentes textures comme celle-ci, mais nous pouvons lisser cela en brossant doucement le noir et le blanc à l'intérieur du masque de calque. Allons-y. J'ai un peu déplacé l'image de l'oiseau. À l'aide de l'outil Clone Stamp, nous pouvons modifier n'importe laquelle des couches supplémentaires que nous avons créées. Vous pouvez voir que j'ajoute un peu d'ion pour permettre l'apparition d'une plus grande partie de l'image de l'oiseau. Nous pouvons choisir autour de l'image originale comme guide pour nettoyer notre bousculade de clone à l'aide de l'outil Gomme. Pour révéler plus de l'image, il suffit de peindre du blanc dans le masque de calque à l'aide d'un petit pinceau plus doux à faible opacité. Sinon, peindre avec du noir couvrons tous les bords durs. N'oubliez pas d'utiliser vos supports durs pour modifier la taille de la brosse pendant que vous travaillez. Avez-vous gardé vos couches supérieures en vie ? Nous pouvons changer le message ici, la langue, la topographie, n'importe quoi. J'ai mis en place cette petite phrase entre les leçons ; C'EST WAAI. C'est de l'argot local pour, allons-y, rentrons chez nous, partons pour partir, tout ce qui est comme ça, essentiellement un appel à l'action, et je préfère beaucoup ça. Il s'agit ensuite d'arrondir les valeurs avant remplacer la partie supérieure du masque de calque, comme nous l'avons fait dans la leçon précédente. Cela améliore considérablement mes projets. Essayez-le. À quel point pouvez-vous y aller ? Apprenons un peu les uns sur les autres. La couche Trinket d'origine était toujours disponible, donc elle est à nouveau à la place de celle que j'ai traitée auparavant. Je suis toujours satisfait de la taille et de l'emplacement. Je considère que la grue fait partie du même problème que moi. Je vais ouvrir l'objet intelligent pour le montage et une solution qui m'est venue il y a quelques instants serait de réduire l'un d' entre eux et de les rapprocher. Le clonage des textures pourrait être meilleur. J'aimerais en fait ajouter plus de rouge pour donner à ces grues la couleur signature. Comme auparavant, nous pouvons rééchantillonner d'autres parties de la texture lors de la création de nos couches de clone. Lorsque l'outil Cloner fait référence à la partie rouge de la texture, je vais également cloner dans une ombre sous les babioles pour aider à la retirer de la texture. Pour mieux équilibrer le bibelot avec le bâtiment, je vais modifier légèrement la couleur dans le panneau Propriétés en utilisant couleur sélective et un ciblage du noir. Je retire les quantités de noir et je les remplace par du cyan, magenta et du jaune. En fait, nous faisons juste une couche de réglage ici, peu comme la tête des taches de café et écoutez. En tant que bibelot, c'est maintenant une image très représentative, en d'autres termes, reconnaissable comme photo, je suis inspiré de continuer l'ombre sur un calque en dessous de l'image. Il s'agit d'en peindre un, puis de le rendre plus réaliste en ajoutant un bleu mou et un peu de bruit. Nous sommes sur le vecteur maintenant. Vous avez vu comment revenir dans Illustrator en double-cliquant sur les calques Vector dans Photoshop, condition qu'il s'agisse d'objets intelligents. Voici mes conseils pour vous. [BRUIT] J'ai placé plus de photos de référence dans des documents Illustrator, et je vais construire les mêmes palmiers à l'aide de parties de l'image vectorielle. Dans mon cas, il s'agit simplement de réorganiser les fronts, puis de faire un double en maintenant commande Maj enfoncée pendant que je la fais glisser. Pour rendre les vecteurs uniques, nous avons essayé de jouer sur la symétrie et la répétition, qui sont toutes deux très faciles à repérer. Le deuxième ensemble de problèmes est retourné, tourné, mis à l'échelle pour créer un deuxième palmier différent et distinct. Je dois reconstruire une texture sous ces nouvelles paumes. En fait, je vais goûter à la fois les textures fraîches et chaudes sur leur propre calque. Essayez-le. Ces couches devront être regroupées ensemble pour que les palmiers vectoriels en tant que masque de calque puissent affecter les deux en même temps. Enfin, le gros gain des masques de calque. Je peux peindre une partie de la texture bleue originale pour ajouter poids et de l'équilibre à ces petits palmiers vectoriels maigres. Encore une chose. Il y avait une texture différente que j'ai apportée au début et je vais juste l'allumer pour vous montrer. Regardez à quel point la texture et la couleur modifient l'émotion de nos projets. Comme nous l'avons configuré en groupes, nous pouvons modifier radicalement le champ de notre illustration, simplement en essayant différentes textures au sein du groupe de textures. Dans cette leçon, nous avons appris à modifier notre projet pour plus de clarté. J'ai dû prendre quelques décisions difficiles pour rééquilibrer mes projets. Le bibelot est beaucoup plus touristique et double que je ne m'y attendais, mais c'est surtout un jeu de couleurs bleues et sa taille équilibre vraiment le côté opposé de l'illustration du grand texture bleue en haut à gauche. Une fois que j'ai su que j'allais avoir un bibelot plus commercial, je pouvais me permettre d'être plus audacieux sur le texte et les palmiers. C'était un bon commerce. Nous avons appris à échantillonner différentes zones de la texture pour que certaines parties de l'illustration se distinguent plus que d'autres. Avec les photos et les vecteurs en place, je vous ai montré comment continuer modifier les calques de texture car nous les avions conservés intégralement avec des masques de calques. Nous avons appris l'intérêt de configurer les calques en groupes afin de pouvoir échanger des textures, traduire du texte, modifier nos projets en un tout nouveau en quelques minutes. Dans la prochaine leçon, nous allons apprendre comment enregistrer nos projets pour l'impression, médias sociaux et Skillshare. Je vous y verrai. [MUSIQUE] 11. Enregistrement et exportation: [MUSIQUE] Je pense que la façon dont nous sauvons notre travail est extrêmement importante. Les fichiers de cet emballage de café étaient stockés en profondeur pendant plus de 10 ans, et grâce à un peu de soin à l'époque, le projet était facile à financer et les fichiers étaient excellents dans la dernière version de Photoshop. Voyons comment exporter et enregistrer vos projets. À partir du fichier de travail, celui dans lequel vous créez votre composition, nous allons enregistrer nos différents actifs utilisant « Exporter sous », qui est l'option de commande Shift W sur un Mac, et Control Alt Shift W sur un PC. Raccourci super long, fonctionnalité géniale. « Exporter sous » est idéal pour enregistrer des versions de vos projets. Vous pouvez devenir petit lorsque vous envoyez un e-mail pour approbation ou bien plus grand pour une affiche, disons. Au début, la taille de l'image et du canevas est la même et Photoshop a tout mis à l'échelle à environ 70 %. Nous allons exporter une version adaptée Web, au courrier électronique et à Skillshare. C'est 1920 par 1080. Photoshop recoupe ces dimensions et étend également l'arrière-plan. Mais jetez un œil à ça. Nous pouvons personnaliser la façon dont le graphique apparaît sur cette exportation. Pour mes projets, je suis satisfait d'une échelle de 70 %. Assurez-vous que la case « Convertir en sRGB » est cochée. Ceci est standard pour le Web et l'écran et vos couleurs seront comme elles le font ici, où que vous utilisiez cette ressource. Lorsque vous êtes satisfait, cliquez sur « Exporter ». La tâche de nommer le fichier nous revient et nous allons le distinguer en ajoutant le Web au nom du fichier. Nous sommes de retour sur notre fichier de travail et nous pouvons réexécuter « Exporter sous ». « Exporter sous » conserve généralement les paramètres précédents et il est préférable de réinitialiser avant d'ajouter de nouvelles commandes. 1080 d'ici 1920 est parfait pour les histoires, les rouleaux et toute autre fonctionnalité de portrait que l'on trouve sur les principales plateformes sociales. Encore une fois, nous pouvons personnaliser la taille de notre graphique dans le recadrage pour laisser de l'espace pour le texte, les autocollants et tout ce que nous pourrions ajouter lors de la publication. Vérifiez tous les paramètres, puis « Exporter ». Nommez ce nouveau fichier en conséquence, par exemple Insta post. Je vais appeler mon histoire IG à la fin. Pour télécharger votre projet, assurez-vous de vous trouver dans l' onglet « Projets et ressources ». Faites défiler vers le bas et cliquez sur le bouton vert. Je suggère de commencer par la description du projet. C'est ici que vous pouvez ajouter l'image de votre projet. C'est le fichier Web que nous avons exporté. Parlez-nous de cela. Que signifie votre projet ? À quoi devrions-nous faire attention ? Quel a été votre processus créatif ? Ensuite, donnez un titre à votre projet. J'ai tendance à nommer le mien de façon prévisible, mais appelez le vôtre comme vous voulez. La prochaine étape que les étudiants manquent parfois consiste à ajouter une couverture de projet. C'est ce que les gens verront dans la galerie des classes et sur votre chaîne. Vous pouvez utiliser le même fichier Web et ajuster son affichage. Peut-être souhaitez-vous zoomer directement pour nous montrer quelques détails, par exemple. Ajoutez autant d'informations et visuels que vous le souhaitez à la description du projet. Vous pouvez ajouter des vidéos ou des images supplémentaires telles que des textures que vous avez créées, des miniatures, etc. Vous pouvez également intégrer un lien vers vos réseaux sociaux ou peut-être un portfolio en ligne. Lorsque vous êtes prêt, cliquez sur « Publier ». Je vais vous montrer à quoi ressemblent les projets sur une chaîne Skillshare. C'était l'un de mes meilleurs projets en termes d'images et d'informations. C'est la couverture, puis la marque, un tas d'informations sur mon processus, puis le projet lui-même. Regardez comment j'ai créé les puces pour les projets, puis un GIF animé de différentes options que j'ai essayées lors de la création de ces projets. Une configuration de projet propre fait preuve professionnalisme et rend le fichier plus facile à comprendre lorsqu'il est ouvert par quelqu'un d'autre ou même vous-même à l'avenir. Nous allons inspecter et nettoyer les couches, supprimer tout ce qui n'est pas pertinent et nous assurer que toutes les couches sont nommées et regroupées correctement. C'est quoi ce truc ? Oh, l'ombre du bibelot. Je pense que vous pouvez en voir l'avantage ici. Je vais faire sauter le reste. Nous sommes sur le point de créer une vraie carte postale. Assurez-vous de saisir les bons modèles. Ensuite, nous allons juste clarifier cette image de marque ici. Nous faisons glisser une image depuis le fichier de travail, et il est tentant de fusionner ces groupes pour un fichier plus petit sans marge d'erreur, mais si nous le faisons maintenant, les modes de fusion ne sont plus en ligne et le toute l'image en noir et blanc dépasse la texture. Commençons par réduire notre illustration. Ensuite, nous l'enregistrerons sous forme de PSD avec le bon nom de projet. Ce fichier sera vu, il doit donc être logique. Nous allons maintenant créer le fichier de l'imprimante. Lorsque vous imprimez, vos textures perdront un peu de saturation et de luminosité, et vous pouvez prévisualiser ce à quoi cela peut ressembler avec Commande ou Control Y. Voir le décalage de couleur ici. Nous allons aplatir l'image entière afin qu' aucun calque ne puisse se déplacer hors de sa place lorsque l'imprimante récupère cette illustration. Nous allons l'enregistrer sous forme de fichier TIFF, qui est un format non compressé. Les réglages standard sont corrects ici. Ensuite, nous devons convertir en un profil couleur d'impression de CMJN. U.S. Web Coated est très bien, mais si vous avez besoin d'un contrôle absolu de la couleur, parlez-en à votre imprimante profil couleur qu'elle utilise et convertissez-le dans le même profil avant de l'envoyer. Une petite note, ce petit astérisque en haut signifie que nous n'avons pas enregistré récemment, donc nous allons simplement le sauvegarder. Il s'agit de notre fichier imprimé. C'est le TIFF que nous nous engageons dans les changements que nous avons apportés. Nous avons toujours notre fichier ouvert. Nous avons fabriqué ce PSD, donc tout va bien. Hey, un super conseil pour vous sur la sauvegarde des PSD. Les fichiers PSD sont volumineux car Photoshop doit calculer les informations visuelles à afficher dans l'aperçu. C'est un énorme 31,5 mégs. Peut-être que votre ordinateur n'est pas aussi plein que le mien, mais il le sera au bout de quelques années. Astuce numéro 1 peu encombrante, désactivez la visibilité du calque lorsque vous enregistrez un fichier légèrement plus petit. Je vais l'enregistrer sous forme de copie pour que nous puissions comparer. De 31,5 mégawatts, nous sommes en baisse à 29,4 juste pour éteindre les couches. astuce numéro 2 peu encombrante, la compression du fichier pourrait le rendre encore plus petit. Cliquez avec le bouton droit de la souris et choisissez « Compresser ». Nous avons rasé 13 mégs incroyables. Cela représente plus de 40 % de la taille de fichier d'origine enregistrée. Ce processus est le même sur Mac ou Windows et c'est un excellent moyen d'archiver vos projets à long terme. Vous savez maintenant comment exporter différentes versions de votre projet partir d'un seul fichier en utilisant « Exporter sous ». Vous savez que pour l'impression, il est préférable de faire une copie du fichier de la taille correcte, aplatie et convertie en CMJN. Tous ces éléments permettent de minimiser les erreurs commises par les imprimantes. Vous avez appris une nouvelle astuce pour archiver vos projets de grande envergure en désactivant vos projets de grande envergure en désactivant les couches et en comprimant le fichier. [MUSIQUE] 12. Autres applications: [MUSIQUE] En explorant de telles suites d'outils numériques, nous avons appris quelques compétences fondamentales ici. Vous pouvez appliquer ces compétences pour corriger ou étendre à peu près n'importe quelle image numérique. Dans mon cours sur les outils d'illustration numérique, les élèves apprennent à nettoyer un jouet vraiment sale à l'aide de l'outil de tampon clone. Je montre également comment étendre une texture nuageuse spectaculaire pour s'adapter à une culture beaucoup plus large en utilisant la même méthode. Que diriez-vous de la texture ? Eh bien, un autre endroit idéal pour l'incorporer est au top. Vous pouvez inverser ou frapper le dessus de son extra pour une sensation éditoriale ou pour faire une déclaration. Avec votre calque supérieur au-dessus, utilisez simplement la pipette pour échantillonner l'arrière-plan sous la texture et remplir le dessus avec la même couleur. Vous pouvez également placer la texture en haut d'une campagne ou publicité en utilisant le haut pour générer un masque de calque. La texture s'affichera uniquement à travers l'onglet blanc du masque. Lorsque le masque est éteint, nous voyons que la texture est fabriquée à partir de l'une de celles que nous avons en ressources. Vous pouvez utiliser ce que vous apprenez dans la leçon 4 pour durcir l'image au sein d'un motif. [BRUIT] Cette fois, les calques de référence au-dessus de tout le reste et sur un nouveau calque, nous échantillonnons des parties du motif alignées avec la référence pour créer notre image cachée. Il existe plusieurs possibilités d'utiliser les nouvelles compétences que vous avez acquises. Pouvez-vous penser à d'autres ? [MUSIQUE] 13. Réflexions finales: Oui, c'est fini. Nous avons appris beaucoup de choses qui nous permettent d' inclure des textures réelles dans notre travail numérique. [MUSIQUE] Vous avez appris que l'introduction de la texture est un excellent moyen d'ajouter de la personnalité à votre travail numérique. La texture humanise les formes, elle rend les choses chaudes et analogiques, et elle attire l'émotion. Mais si vous n'enlevez qu'une chose à ce cours, laissez les textures originales être faciles et amusantes à créer, et qu'elles puissent élever votre travail à des normes impressionnantes. J'espère que je vous ai inspiré à penser à votre ville. Votre projet peut réellement influencer la façon dont les gens perçoivent et ressentent l'endroit où vous appelez chez vous. J'ai choisi d'inclure un mélange éclectique d' éléments qui font partie de la vie quotidienne à Durban. Nous avons rencontré nos défis. Je veux que les Durbanites voient cela et sourient et se souviennent à quel point notre ville est géniale. Nos cartes postales peuvent apporter une vraie joie aux amis, à la famille et aux adeptes. Pourquoi ne pas publier le vôtre sur Skillshare cette semaine ? Où tous ceux qui suivent ce cours pourront le voir, à fois dans l'onglet Projets ce cours et sur votre chaîne personnelle. Si vous publiez sur Instagram, veillez à me taguer pour que je puisse le partager avec le monde entier. J'ai hâte de découvrir votre ville et de voir votre point de vue unique sur ce que c'est que d'y vivre. C'est un Zoulou. Celui qui est charmant. Qu'est-ce qui t'a plu ce cours et qu'est-ce que j'aurais pu faire de mieux ? Veuillez envisager de me laisser un avis. Vos commentaires m'aident directement à créer de meilleurs contenus, et ils permettent aux autres élèves de savoir si ce cours leur convient. [inaudible]. J'apprécie vraiment que vous ayez suivi ce cours, et j'aimerais vous inviter à me suivre ici sur Skillshare, où vous pourrez voir tous mes autres cours et être le premier à entendre parler de nouveaux cours. Je forme un [inaudible]. Ce fut un plaisir de partager mon processus et ma ville avec vous. Applaudissez pour l'instant.