Illustrer des commandes : le processus du professionnel

1. Intro: Bienvenue pour illustrer et commissions. Je suis illustrateur, arpégiateur, Clint clairement, je suis surtout connu pour mon travail que j'ai fait pour les jeux fantastiques au cours des dix dernières années et plus. En plus d'être le créateur et l'hôte d'échantillons, matériel d'éducation artistique et de chaîne YouTube. Au fil des ans, j'ai dû faire face à de nombreux obstacles dans ma carrière artistique. Et l'un des premiers et je ne m' attendais pas vraiment à avoir à travailler à partir d'un plan. C' est quelqu'un d'autre est venu avec l'idée de la scène, mais ensuite j'ai dû réaliser cette idée. Voir beaucoup d'artistes à ce point avant que devenir des professionnels. Ils travaillent sur tout ce qui les intéresse. C' est leur idée et ils décident de ce qui est bien ou mal pour cette idée. Mais en tant qu'illustrateur professionnel, ce n'est pas toujours le cas. Et que vous soyez un professionnel qui travaille et que vous soyez sur bébé, nous parlons d'un défi artistique ou même d'un concours artistique. Tu dois toujours suivre les règles de quelqu'un d'autre. Alors, comment obtenir l'idée de quelqu'un d'autre, obtenir son contour et la transformer en une image professionnelle de haute qualité. Eh bien, c'est ce que cette classe aborde. Et nous passons en revue tout le processus depuis la lecture initiale du plan, ce à quoi vous devriez faire attention, et la création de votre plan de jeu sur la façon dont vous allez aborder votre image impressionnante. Et nous passons par la phase d'esquisse et la conception du personnage, faisant des études de valeur et des études de couleur. Parce qu'il est sur le flux de travail qui vous donne ce système fiable pour obtenir une bonne image à la fin. J' espère donc que vous vous joindrez à moi pour illustrer les commissions, et je vous montrerai ce que j'ai appris au cours des dix dernières années de formation et de travail professionnel. Je te verrai là-bas. 2. Commission et flux de travail: Vous avez une condition où en supposant que vous le faites tout au long de cela, vous travaillerez à partir de quelque chose qui a un plan, ce soit une commission payée ou quelqu'un pour contester ou la concurrence. Il peut être intimidant de prendre une illustration complexe. Et ce matériel, nous allons marcher à travers un exemple de projet de commission complète ce qu'il faut faire et ne pas faire à chaque étape. Et discutez de ce processus de pensée de deux points de vue, du novice et du Pero. Et le novice est ambitieux, mais il est inexpérimenté. Il commencerait par dire, lisons le contour était assez bonne approche, mais le pro, autre côté, est créatif et expérience qu'il sait mieux que de simplement lire cette ligne. Étudions le plan et le plan. Donc, vous construisez un arbre pour ça comme un enfant sans plan. Mais en tant qu'adulte, on ne construit pas une maison sans une. Vous griboulez sans plan, mais vous n'illustrez pas une commission sans un. Avoir un plan de jeu sur la façon dont vous allez atteindre votre image impressionnante assure un plus grand niveau de succès éventuel. Nous réalisons donc que les professionnels de l'informatique planifient et que les novices ne le font pas, ne se contentent pas de s'attaquer à tout à la fois, concevoir un plan et de le suivre. C' est un signe artistique et humain général de maturité. À mon professeur d'art m'a appris de retour comme un lycée. Cet art, c'est comme jongler. Vous commencez avec une balle et vous pratiquez jusqu'à ce que vous puissiez la jongler sans remplir. Ensuite, vous ajoutez un autre jusqu'à ce que vous puissiez les jongler sans tomber et répéter ce processus. Pour nous, les balles sont des aspects de l'image. C' est la conception, composition, les valeurs, la doublure, les couleurs, chaque boule représentant un aspect différent. Maintenant, si vous sautez sans planification, c'est comme juste aller et ramasser huit balles et essayer de commencer immédiatement à les jongler toutes. Beaucoup de balles vont frapper le sol, vont toutes les perdre. Beaucoup des aspects de l'image pour nous vont tomber à plat si nous l'abordons de la même manière. C' est pour ça que nous avons un plan. Nous décomposons le processus en un flux de travail. Cela nous permet d'ajouter une boule qui est un aspect de l'image à la fois dans le processus. Donc on ne finit pas avec un gâchis sur le sol. C' est le problème initial que beaucoup de novices font. Ils laissent leur créativité ambitieuse l'emporter sur leur bon sens. Ils sautent avec les deux pieds et ils finissent par tomber beaucoup de balles sur le sol. Peut-être qu'un aspect ou deux de l'image finit par être correct. Mais les autres tombent à plat. Nous voulons donc faire mieux quand nous utilisons l'approche des pros et le prendre un à la fois, mettre en pleine intention dans chaque aspect avant de passer à autre chose. Dès que nous plongons directement dans la peinture finale, nous allons suivre un flux de travail qui nous permet de nous concentrer sur chaque aspect individuellement était possible, nous allons utiliser l'illustration Pegasus comme un exemple du processus. Et l'illustration de Pegasus était une couverture de livre que j'ai été chargé de faire. Et je pense que c'est un bon exemple de chaque étape tout au long du processus, mais qu'il sera également complété par d' autres illustrations et commissions qui sont également faites. Si j'ai l'impression qu'ils pourraient mieux illustrer ce point particulier. Maintenant, le novice a l'approche générale de, je veux juste faire le processus chaque fois que je vais le comprendre comme je vais. Pour le pro, d'autre part, va utiliser un flux de travail logique fiable. Mais soyons clairs ici, tous les pro n'utilisent pas ce flux de travail particulier. Et c'est bon. Celui-ci est en fait assez lent en ce moment je le fais parce que j'ai besoin que vous puissiez voir l'étape claire de ce qui est accompli à chaque étape. Ce n'est pas le moment d'une nouvelle approche créative. Il ne s'agit pas de votre liberté en tant qu'artiste. Il s'agit d'apporter une image de qualité à votre client pour son projet. Mot du jour, itérations, nous allons frapper plusieurs fois sur les itérations tout au long de ce projet. Je voulais juste te mettre ça dans la tête en ce moment, payé pour le faire au fur et à mesure que nous progressons. 3. Planification de concept: Nous commençons dans la phase de conception. C' est là que nous avons commencé à jeter un coup d'oeil sur les grandes lignes. Maintenant, c'est aussi là que nous allons faire des recherches, remue-méninges et décrire comment vous allez aborder votre projet. C' est votre plante. la même façon qu'un chef va s'assurer qu'il a tous les ingrédients dont il a besoin avant de commencer à faire un plat. Numéro un, commencez par vous familiariser avec le plan fourni. Et nous supposons que votre travail à partir d'un. Beaucoup de choses que nous allons examiner seront applicables même à un projet personnel. Mais cela est spécifiquement conçu pour répondre à un que vous avez à partir d'un contour. Donc, si vous voulez vraiment vous rapprocher de cela, vous pourriez même vous écrire un plan pour votre propre pièce personnelle et travailler de la même manière. Numéro deux, si quelque chose n'est pas clair dans le plan, demandez à ce sujet. Maintenant, si vous travaillez à partir d'une commission, cela signifie que vous avez probablement un directeur artistique, ce directeur artistique est dans votre équipe. Leur travail est de vous diriger littéralement et de vous aider à atteindre votre objectif. Numéro trois, déterminez la sortie ou l'utilisation. C' est-à-dire, comment cette image va-t-elle être utilisée ? Est-ce une publicité sera imprimée sur un couloir ou une couverture de livre ? Quelles sont les spécifications à suivre ? Combien de pouces, quelle largeur, ce genre de chose, indéfiniment. Quelles sont les dates limites et les mettre sur votre calendrier ? Numéro quatre, écrire des notes sur les scènes demandées. Sachez exactement ce qu'ils demandent. Les références de diplômés dont vous aurez besoin, mais ne les ont pas encore collectées. Je vais vous dire de ne pas les cliquer encore parce que vous ne voulez pas être trop influencé tant que vous n'avez pas fait vos esquisses. Ensuite, vous cliquez sur vos références. Oublie-moi dingue. 0s et 1s que j'ai commencé à faire plus récemment ou après quelques années d'expérience. Pardonnez-moi, les nœuds sont des choses que j'ai l'impression que j'oublierai probablement dans l'image. N' oubliez pas que cette personne a cet article particulier. N' oubliez pas que ce genre de bâtiment doit être en arrière-plan. Et faites une petite note, assurez-vous que c'est là une image supplémentaire ou mettez-la sur une note collante et mettez-la sur votre moniteur. Et commencez également à faire une liste de mots-clés. On va passer par ça et je vais te montrer comment je ferais une telle chose ici du bon côté. Magasinez avec le 56 numéro cinq, non ? Une liste de ces concepts vus que vous souhaitez esquisser. La grille de vos idées que vous voulez dessiner avant de commencer à dessiner. Numéro six, rassemblez des références d'idées. Maintenant, ce sont des références différentes. Voici les objets réels de la scène. Vous allez dessiner une personne, vous allez obtenir une référence pour les messages. Ne comprends pas encore ça. Cependant, nous avons besoin de références d'idées. Cela inclurait certainement les préexistants ne sont pas créés pour la propriété intellectuelle de propriété intellectuelle. Dans ce cas. L' illustration de Pegasus était avec le deuxième livre de la série. Je devais donc m'assurer de trouver une copie de la première couverture du livre afin que je puisse aider à faire correspondre l'apparence des personnages et le style et les images similaires de genre, mais pas les références de sujet. Ceux-ci servent de forum d'idées. La sonde dira, ne sous-estimez pas l'importance de la phase conceptuelle. Rappelez-vous la règle 80-20, 80% d'un résultat est souvent fixé par les 20% initiaux du processus. Et si vous avez une très bonne phase de concept et que vous vous assurez que vous consacrez votre temps. Ça en vaudra la peine, non ? Il paiera pour lui-même dans le temps. 4. Reading l'ébauche: D' accord. Voici les grandes lignes du projet Pegasus qui m'a été donné. J' ai abrégé un peu. Maintenant, les scènes il y avait assez ouvert devant plusieurs idées qui est très agréable. Ça me donne de la place pour travailler. Il y aura deux Pegasus et une fille dans chaque concept. Pensez à les placer dans un environnement luxuriant , car une partie de l'histoire se déroule là-bas. Nous aimerions aussi que le jeune Pegasus soit élevé avec énergie et que la jeune fille tenant ou a grimpé comme un prédateur de type ptérodactyle, vole au-dessus, effrayante. Explorez ce que le Pégase pourrait faire, couché, se tourner vers la fille ou apercevoir un serpent à proximité ou éditez des drames ou Suspense. Un autre endroit à essayer serait une plage ou un océan. La fille et Pegasus regarde un géant volonté que je créature brèche de l'eau. Donc, après avoir lu le plan, je ne voulais pas commencer à prendre des notes et à travailler dans ma tête sur ce que je vais faire quand cela dans certains points et comprendre comment je vais aborder cela. Je vais commencer par mettre une liste de références dont j'aurai besoin. Je sais que j'ai besoin d'anatomie de la force. Je ne dessine pas beaucoup de chevaux. Certainement, ne fais pas Pegasus. Je mettrais ça là-dedans. J' ai besoin de références d'aile. J' aurai besoin d'une référence de pose pour la fille. Aussi probablement besoin d'une référence de jungle et un puits aussi, parce que pas quelque chose que je dessine très souvent. Je pourrais aussi avoir besoin d'une référence de serpent et j'ai besoin d'images IP existantes. Donc, comme je l'ai dit, cette image précédente des mots-clés de la série, c'est celle que je ne pense pas que beaucoup de novices font, mais c'est une que je veux toujours faire. Qui est, de quoi parle cette image ? Quelle est l'émotion, quel est le sentiment ? C' est ou pas ? Je dois m'assurer que, cette image que je leur donne a ce sentiment. Je pense que le plus grand ici est l'aventure. C' est une aventure MOOC. Pauvres enfants, non ? Et il doit donc avoir qu'il pourrait y avoir un élément de mystère, peut-être, peut-être, de mythe. Mais une entreprise va être mon mot clé principal, localités. Alors, où ces images doivent-elles avoir lieu ? Je vais juste effacer dans ma tête, quand fondamentalement nous avons une jungle et puis nous avons comme une plage ou l'océan emplacement. Donc, nous y allons et puis la liste des concepts. Mais c'est là que je commence à noter ce que je pense que les scènes sont que je pourrais dessiner. Ok, eh bien, ils demandent déjà quelques choses. On veut voir le trio dans la jungle. Ok, ça va être mon classique. Trois personnes dans la jungle dans une sorte de voir l'aventure, ensuite nous allons avoir blessé Pegasus, gardienne de fille. Ensuite, nous voulons en avoir quelques-uns de l'emplacement de l'océan et de la plage. Donc trio regardant. Eh bien, créature que je vais bien mettre, je sais que ce n'est pas exactement un Puit, mais oui. Ensuite, nous aurons le trio qui survolera l'océan. Il y a donc le genre de sait que c'est quelque chose qui est vraiment bon. Parce que si vous pouvez y réfléchir, vous pouvez vous épargner beaucoup de temps aller de l'avant et que vous n'avez pas vraiment besoin de le faire sortir. Vous pouvez juste jouer et votre tête voir ce dont vous avez besoin et ensuite aller dans. Maintenant, c'est la même chose que notre entreprise ou fait. Il regarde ce qu'il a besoin de faire. Ça lui donne un peu de réflexion. Et puis il crée ce qu'on appelle une coupure. Et que c'est une liste de, j'ai besoin de 510 par 12 en planches de cette taille, j'ai besoin, et vous faites juste une liste de chaque coupe de chaque planche dont vous avez besoin. De cette façon, tu n'auras pas à le comprendre une fois que tu arrives à la scie. Et de la même façon que nous sommes pour Granta, exactement ce que notre sans couture fait avant d'arriver à la partie dessin. 5. Créations contrôlées: Nous voulons sauter dans le dessin, mais avant, nous allons avoir une conversation rapide. Créativité incontrôlée. Depuis les artistes, nous sommes des gens créatifs. Les clients embauchent pour être créatifs et donner vie et égaler les sièges. Cependant, une commande dans d'autres projets esquissés, nous devons exercer le contrôle, la créativité, et des pièces personnelles que nous pouvons exécuter avec tout ce que je fais est prendre notre fantaisie, mais les projets esquissés ont des contraintes. Cela signifie que nous devons identifier les paramètres dans lesquels notre créativité peut être utilisée et où elle ne peut pas être utilisée. Et ces cas, juste parce qu'une idée peut être cool, ça ne veut pas dire que c'est viable. Souvent, nous avons de la créativité dans notre conception, dans le rendu de la scène, mais pas de la réimaginer, sauf indication contraire par le client dans une sorte de hit est le cas. La plupart du temps, ils ne sont pas à la recherche de votre nouvelle vision personnelle de leur propriété. Ils sont à la recherche de YouTube, fidèlement rendu leur propriété d'une manière visuellement créative et attrayante. Si vous avez une idée que vous pensez améliorer le projet, mais vous n'êtes pas sûr de ce qui a pris trop de licence créative, alors demandez à votre directeur artistique, qui vous fera savoir si c'est un concours artistique ou un défi et il n'y a pas de directeur artistique disponible, alors il est préférable de rester dans les grandes lignes. Fourni. Un peu de conseil. Si vous avez une idée intéressante et qu'elle n'est pas utilisable sur le projet outline. Ça ne veut pas dire que c'est une mauvaise idée. Et cela signifie probablement que l'idée n'est tout simplement pas la bonne solution pour ce projet particulier. Et c'est bon. Donc, vous venez de sauvegarder l'idée ou le croquis et cherchez des opportunités qu'il peut être adopté pour un autre projet et envisagez de le faire dans votre propre projet personnel. Évidemment, vous ne voulez jamais utiliser des propriétés intellectuelles ou des caractères. Mais il ne faut généralement pas beaucoup de modifications pour y apporter la vie sous un angle légèrement différent. Donc, nous avons à nouveau le plan. Et dans ce cas, il y a certaines choses que nous pouvons changer et certaines choses que nous ne pouvons pas. Chez Bernstein, on peut probablement changer la couleur de la robe de la fille. Et on pourrait changer la pose dans laquelle se trouvent les personnages. Nous n'avons aucune indication de l'éclairage ou de la moyenne du cadre de la scène. Il y a donc beaucoup de créativité là-bas. Ce que nous n'avons pas le droit de faire ou la liberté de création, c'est, par exemple, de changer le genre. Je pourrais dire ici, allez savoir ce qui serait vraiment cool. Sois vraiment cool si l'un des Pegasus était cybernétique. Et comme si l'un était organique et qu'il était le dernier Pégase organique ou que l'autre était comme ce Pegasus artificiel que la fille a créé parce qu'elle est comme ce bricoleur et qu'elle a rencontré l'autre, le dernier Pégase. Et elle a pensé, non, je vais me faire un ami pour lui pour qu'il ne soit pas le dernier alors qu'elle construise cet autre Pegasus. Oui, c'est vraiment cool. Et puis peut-être des partages comme ce bras qui est aussi cybernétique. Elle a perdu un accident quand elle est comme construire l'autre Pegasus. Ok. Donc tout cool. Mais ce n'est pas ce que le client demande. Et c'est le genre de chose si sûre. Tu peux le noter si tu aimes cette idée. Tu crois que ce serait amusant à faire ? Classé, trié ? Ce n'est pas ce que le client veut. Ils n'ont pas besoin de vous pour réinterpréter leur projet. Ils ont besoin de toi pour que ça soit joli. D'accord. Ils ont déjà leur idée. Le concept est déjà créé, ce n'est pas votre travail dans ce cas. Ce que vous devez faire, c'est obtenir leur truc et le faire paraître bien. C' est potentiellement un problème pour beaucoup de novices car jusqu'à présent, tout a été leur propre travail personnel. Ils ne sont tout simplement pas habitués à travailler à partir d'un contour. Ils ne sont pas habitués à quelqu'un d'autre pouvoir dire ce qui est bien ou mal sur un projet. Et en tant qu'illustrateur professionnel, Cela peut être un peu un changement difficile, mais c'est un que nous devons apprendre où sont ces limites afin que nous puissions offrir le meilleur que nous pouvons pour nos clients. 6. Conception de personnages pt. 1: Maintenant, nous passons à la phase conceptuelle où nous allons commencer par le design du personnage. Maintenant, j'aime le sujet de la conception de caractères. Je pense que beaucoup d'artistes font réellement, en particulier dans l'art conceptuel et illustratif rempli le novice, nous dirons, nous allons juste faire le mur des personnages que nous peignons. La sonde sait. Je peux m'en sortir parfois. Mais vous n'êtes pas MA conception en premier. Serveur de peinture. Les mini-projets nécessitaient l'apparition de nouveaux personnages dans un C. Alors abordez le design du personnage avant de commencer à peindre. Ainsi, vous pouvez y mettre toute votre attention sans être distrait en ayant à jongler avec tous les autres aspects. Si des caractères que vous illustrez ont déjà été illustrés. Comme je l'ai dit, nous sommes IP existants, obtenir des copies de ces images pour la cohérence et concevoir une référence. Beaucoup de clients vous enverront cela. Quand ils vous envoient votre commission, vous pouvez travailler sur les dessins de personnages dans les miniatures de composition. En même temps. L' illustration de Pegasus ne nécessitait presque aucun soin ou design, car un personnage était déjà préconçu et les autres étaient assez simples. Les deux Pegasus ont l'air blanc, similaire. Donc il n'y avait pas beaucoup de changement là-bas. Et la fille fondamentalement juste ajouter une coiffure simple et une robe simple avec une épée. Donc je n'ai pas eu à mettre beaucoup de temps dans la chauve-souris et ils n'étaient pas très intéressants. J' ai donc utilisé d'autres exemples pour mettre en valeur l'itération de concepteur de hamburgers. La clé des bonnes idées et des conceptions est les itérations. Vous devez les explorer, les développer et en produire davantage. Toutes les scènes que vous avez vues ne produisent pas quelque chose. C' est pourquoi vous si plus de graines que le minimum. Si vous voulez un arbre, ne plantez pas de AC. Mais quelques sièges. Les idées sont comme ça aussi. Développer plus d'idées qu'une seule. Parce que même si ça vous plairait, ça pourrait être un raté. itération consiste à rendre un lot d'idées que de choisir les paris avec l'image choisie à un lot de variations et de choisir le meilleur et la répétition. Maintenant, c'est un vieux personnage S l'a probablement fait il y a dix ans, mais c'est une bonne illustration de ce à quoi ressemble l'itération. A a fait une pose de base. Et puis je l'ai copié plusieurs fois. Et puis il a juste fait beaucoup de versions du personnage. J' ai choisi mon six préféré et je les ai nettoyés un peu, ajouté un peu plus de détails à eux, fait quelques variations de couleur de ceux-ci, choisi mon favori et ensuite travaillé à qui est allé vers le haut. Donc, l'image finale ici est la troisième itération. Le premier est juste dans le lot entier. La suivante est l'endroit où nous l'avons dessiné et coloré. Et le troisième, c'est là que nous avons eu ça et que nous l'avons entièrement peint. Et je pense que c'est le mieux pour ça. Et c'est l'approche que nous allons utiliser tout au long de la conception du personnage. Il y a tellement plus à la conception de personnages que cela. Mais j'essaie juste de vous donner quelques faits saillants. Ce sera suffisant pour vous permettre de travailler pendant votre processus de création. Numéro un, notez les caractéristiques fournies à partir du contour afin que vous n'oubliiez rien. Je l'ai fait, d'autres le font. Ça arrive. Écrivez-le pour ne pas oublier. Et ce contour de cas est un guerrier forgeron fantastique. Donc, nous dessinons le corps de base et en faisons au moins trois copies. Je dirais en fait faire beaucoup plus. Mais si vous êtes pressé pour le temps, R0 est probablement votre minimum. Lorsque vous obtenez ces et esquissez des variations sur les copies, visez à la variation des formes, de la silhouette et de la symétrie. Mais nous parlons de symétrie et asymétrique. Pas de détails à ce stade. Ce n'est pas de quoi il s'agit, suffit de représenter des éléments avec des formes C. Eh bien, à ce stade, il y a beaucoup de choses qui se passent. Donc, nous allons aller à trois IE, qui est considéré comme l'emplacement des personnages et l'histoire pour élaborer ce qu'ils ont où et possèdent. Donc ce personnage vient d'un climat froid. Ils ont probablement besoin de rester au chaud. Ils ont besoin de nourriture pour leurs voyages. Ils ont besoin d'un capot pour savoir s'ils vont être dehors beaucoup. Tout cela informe le personnage, rend plus crédible et aide à vous donner une idée de ce à quoi le personnage devrait ressembler. 3b, envisagez de concevoir des éléments pour suivre un modèle visuel. Méthodologie Will. Cela fournira des réponses à la taille, la nature et à l'emplacement des formes à utiliser. Les méthodologies peuvent lier des éléments à un aspect cohérent. Il y a beaucoup de paradigmes sur lesquels ils reposent. Voici quelques exemples. Donc la méthodologie est, que dois-je mettre, où, quelle est la taille ? Comment puis-je obtenir toutes ces choses différentes et les faire fonctionner ensemble ? Dans ce cas, nous utilisons un motif en zigzag sur cette version du gars est, au lieu de faire la petite cravate d'un côté à l'autre va droit à travers, nous le mettons à un angle, serait alors laisser cet angle déplacé en ayant la sangle de cou en dessous, à travers la poitrine. Allez quel angle opposé. Nous avons ensuite la ligne suivante de la chemise de la tablette linteau aller à et angle opposé à cela. Donc, tout au long de l'ensemble, nous avons une série de motifs de zag qui maintient l'œil en mouvement. Et c'est la méthodologie globale pour le personnage. Ici, nous avons trois personnages Dryades, chacun d'eux ayant une apparence très similaire et utilisant beaucoup des mêmes éléments visuels et formes, mais les arrangeant de manière complètement différente. Encore une fois, c'est un motif en zigzag exagéré. Mais une fois que nous comprenons que c'est le modèle que nous utilisons pour les articles et que nous prenons la décision de placer quoi et de quelle taille il devrait être dans quel angle, cela devrait être beaucoup plus facile. Ensuite, nous avons un modèle X ou des cultures. Et tout ici suit ce modèle. Variation de taille utilisant les mêmes formes à différentes tailles dispersées, mais toutes suivant la même disposition symétrique. Ce serait en fait une bonne pratique de s'asseoir et d'essayer de penser à différents types de méthodologies ou d'étudier d'autres caractères et de voir quelle est l'une des méthodologies qu'ils utilisent. Le genre de logique pour le placement des tailles des formes et des angles sur le caractère. Numéro quatre, choisissez le meilleur design. Il est là, itération. Et faire des études de sujets du monde réel qui pourraient éclairer la conception et les éléments qui peuvent être inclus. Donc, pour le guerrier forgeron fantastique, j'ai fait des études sur les dessins historiques des Vikings. J' ai aussi conçu quelques accessoires que le personnage pourrait porter. Cela m'aide à avoir un sentiment plus ancré à ce que ce personnage ressemble. C' est une erreur que beaucoup de novices font, c'est qu' ils ne basent pas assez de choses sur la réalité. Ils tirent trop de l'imagination et de leurs connaissances, leur connaissance innée de la façon de rendre les choses plus réelles et plus ancrées n'est pas là, ils n'ont pas assez d'expérience pour cela. Alors assurez-vous de dessiner des informations à partir de sujets de Rio World et laissez cela informer votre personnage afin qu'ils soient plus crédibles. 7. Conception de personnages pt. 2: Très bien, les étapes 5 à 7 affinent le concept choisi avec une connaissance des études pour aider à améliorer la précision de conception et la crédibilité des éléments. Un bon design est souvent juste une réalité avec une torsion. Donc obtenir quelque chose de relable, comme dégoûter que je viens d'étudier et de lui donner une poussée de conception dans une direction différente. Cela peut être un changement dans son genre, sa technologie, physicalité, ou même un décalage temporel. Donc c'est le personnage dessiné à nouveau avec plus de connaissances tirées des études du monde réel, le personnage peut encore être générique. Donc, nous voulons trouver le noyau de cette personne et le dire. Il pourrait y avoir plusieurs choses ou vous pourriez vous concentrer sur. Alors choisissez un aspect, donnez-lui un mégaphone et dessinez un autre ensemble d'itérations. Un, un autre. Oui, un autre. Rappelez-vous générique, trop spécifique ou commun à uniq ? Cela se sent comme juste votre NBC moyenne. Ça ne semble pas très cohésif. Il se passe beaucoup de choses. Visuellement, il y a beaucoup à regarder. Mais il ne se sent pas encore comme un personnage unique. Il n'a pas l'impression qu'il s'agit d'une chose. Il parle de beaucoup de choses différentes. Et maintenant, nous essayons d'avoir un aspect de lui sur ce personnage, sur son regard, sur sa personnalité et de le rendre plus clair. Tout d'abord, nous avons cette version qui se penche pour être un guerrier arctique. Nous voulons jouer cet aspect froid de Helmand là où il est et le faire se sentir plus comme un guerrier et moins comme un forgeron. On lui donne le regard plus lourd. Nous lui donnons une doublure sur beaucoup de ses pièces d'armure. On a de la neige sur le fond de son manteau. Nous avons donné plus de cravates et ses cheveux ou faire un peu plus robuste à la recherche. C' est aussi le même personnage, mais nous nous concentrons sur un aspect différent. On ne se concentre pas sur le guerrier arctique, on se concentre sur le forgeron. Maintenant, nous avons plus d'outils accrochés à sa ceinture qu'il pourrait utiliser pendant son métier. Nous avons présenté une partie de son travail manuel avec l'armure qui descend son bras là-bas. Nous montrons qu'il est peut-être qu'il a eu un accident dans son magasin, qu'il travaillait. Donc, comme un iPad, ces deux remplissant des caractères plus uniques. Il n'y a pas seulement le PNJ de fond, Maccabee, Le personnage principal. Maintenant, le concept film plus spécifique et unique que générique. Avoir des vêtements sont importants. Ce serait le moment de choisir le meilleur concept à de nouvelles études de couleurs sur. Vous feriez au moins trois variantes et choisissez le meilleur. Ce personnage n'avait pas besoin de couleurs, donc il a fini à ce stade. Mais sur la scène de croquis. Cependant, note rapide sur ce qu'il faut. Si vous voulez des résultats de niveau pro, vous devez mettre en effort de niveau pro. Vous pouvez voir des vidéos où procède à produire sans effort un personnage dynamique. Mais ce que vous ne voyez pas, ce sont les milliers d' heures d'étude sur les centaines de dessins qu'ils ont faits. Pour que leurs conceptions moyennes puissent être à ce niveau. Il y a beaucoup de travail dans les coulisses qui vont dans les grandes illustrations. Et la plupart des gens ne le voient jamais comme un iceberg. Tu ne vois que le haut. Tu finis, tu vois l'image finie. La plupart des choses sont invisibles. Tous les concepts rejetés, tout le disque un 100 caractères, toutes les compositions de changement, toutes les retouches. Tu ne vois pas ça. Pas très souvent. Si vous voulez plonger plus profondément dans le sujet de la conception de caractères, tarier négliger si je ne l'ai pas recommandé et noter que j'ai un eBook appelé personnages conception et dessin. Vous pouvez le ramasser une fois comme art.com. C' est de là que sont pris tous ces exemples. Et je vais dans beaucoup plus de détails et j'ai plusieurs autres illustrations. Alors n'hésitez pas à y aller et à y jeter un coup d'oeil. 8. Ongles de scène: Et les vignettes de composition, le novice peut l'aborder en pensant, je voulais juste commencer à peindre et espérer qu'il s'avère bon. Approche dit, J'esquisse de nombreux concepts et pose intentionnellement chaque élément que je choisis le meilleur. Tu n'as pas à espérer. Vous pouvez connaître miniatures de composition armées de votre liste de scènes, il est temps de commencer à esquisser. À ce stade, tout est question de composition. Il ne s'agit pas de détails, d'éclairage ou même de valeurs. Juste la composition d'éléments dans le cadre. Pour être clair, il y a beaucoup d'approches pour construire la nouveauté. Voyez où vous faites vos études de composition en même temps que dans vos études de valeurs, beaucoup d'artistes travaillent de cette façon, peut-être même avec la couleur. Mais nous prenons un aspect de son temps pour simplifier le processus. Et à mesure que vous vous sentirez plus à l'aise avec elle, c'est à ce moment que vous pouvez commencer à jouer un peu avec le flux de travail pour savoir si vous pouvez faire plusieurs choses en même temps. Mais pour l'instant, nous allons simplement nous concentrer sur la composition elle-même. Une bonne composition dirigera l'œil vers les points focaux, rendra un complexe plus lisible et aidera à transmettre l'humeur désirée. La composition n'est pas une chose en soi, mais le contexte du thème. Comment toutes les choses se rapportent les unes aux autres. Ce n'est pas l'image sur les pièces du puzzle, c'est le puzzle lui-même. Beaucoup de non-professionnels sous-estiment à quel point la composition est critique. Ils concentrent toute l'huile et l'image réelle plutôt que comment tout se rapporte. Et c'est pourquoi nous voulons accorder une attention particulière à la scène. La composition affecte l'humeur la plus forte grâce à un sens de l'équilibre. L' énergie, et l'espace est important d'avoir une idée de ce que l'humeur désirée ou juste des images. Donc, vous pouvez utiliser et l'arrangement de composition qui reflète cela et nous y reviendrons dans un instant. Voici donc l'exemple des rughs que j'ai créés pour ce projet. Maintenant, d'autres réfs qui esquissent aussi, mais ceux-ci étaient les plus prometteurs, donc je continue avec eux. J' ai fini par supprimer ceux dont je n'avais pas besoin. Ils ne sont donc pas inclus ici. Je pensais que les partis pour le travail le mieux. C' est donc ce que vous allez voir progresser pour aller mieux à ce stade, une excellente pratique pour améliorer vos compétences en composition et en valeurs est de faire des études du cinéma. Recherchez des films avec une bonne photographie et n'utilisez pas de détails. Ceci a été pris du Seigneur des Anneaux, Fraternité de l'Anneau. Notez qu'il y a très peu de détails, cas échéant, dans ces scènes. Quand je fais attention à est où ils alignent le personnage dans le cadre. La taille des personnages est un plan moyen de plan large, plan rapproché. Et puis aussi comment équilibrer les valeurs de la scène ? Bonne pratique, non ? Ils sont faciles à faire. 9. Utiliser des motifs de composition: Modèles dont nous avons parlé à l'aide d'un modèle de composition. Passons à travers ça. Vraiment la scène peut être déroutante en mettant en place un puzzle sans une image de ce à quoi la finale est censée ressembler. Vous pouvez passer des âges à déplacer les choses et à espérer trébucher sur un arrangement qui fonctionne. Vous pouvez également simplifier ce processus en utilisant des modèles et des guides fiables. L' idée est d'obtenir une collection de divers sujets et formes et de créer un ordre hors de celui-ci qui coïncide avec les images désirées points d'humeur à retenir est de remplir le cadre avec le sujet. L' un des meilleurs conseils à retenir à ce stade. Généralement, vous voulez simplement construire un cadre avec le sujet. Autrement dit, les faire prendre plus de l'immobilier visuel était quelqu'un de coller à des formes simples sans détails. Vous pouvez vous poser la question de, quel élément voulez-vous attirer l'attention ? Le frittage rend le caractère du film plus stable. La composition de l'étude, vous trouverez que mettre un personnage en eux, le ciment, aller complètement plombé verticalement sur les côtés de la toile les fera se sentir plus stable et fiable, plus fiable. L' arc triangulaire rend les personnages et l'unité a, équipe C, Tous ces gars sont alignés afin de faire un modèle simple. Cela lui donne une cohésion. Ça leur donne l'impression de faire partie d'une équipe. Si vous avez rompu ça en ayant un autre personnage ici, il se comblerait comme s'il faisait partie de l'équipe. Et nous pouvons le faire pour donner l' impression que l'un ne fait pas partie de l'autre. Mais pour ces gars ils le sont, ils sont alignés de cette façon. Les angles z de balayage permettent à l'œil de se déplacer sur toute l'image. Donc ici je pense à ce type va élever comme ça. Autrement dit, les ailes pourraient être créées motif de cette façon. Je ne veux pas traverser tout droit. C' est Boyne. n'y a pas de mouvement là-bas. Ce n'est pas très intéressant. Donc nous sommes allés les incliner de cette façon. Et qu'est-ce que ça veut dire ? Que je veux le prochain et aller à un contre-angle à cela, puis l'île suivante et aller Modifier l'angle de contre-angle à cela. Cela permet de garder l'œil en mouvement dans toute l'image. C' est un super motif de composition. Le suivant, le Pegasus enroule autour de la fille en boucle notre attention sur elle. C' est presque un dessin en spirale ou Q au motif où le Pegasus est couché sur le sol, enveloppant sa tête autour de la fille. La fille est à nouveau centrée, ce qui en fait le point focal. Ce mélange de motifs que vous ou moi finit sur ce personnage. L' ensemble du design de celui-ci est une scène à l'intérieur d'une silhouette Pégase qui approche l'image d'une manière graphique qui peut être très dramatique. Donc tout cela ici, cet espace négatif serait complètement différent scène ou couleur différente. Eh bien, tout ce qui existe à l'intérieur de ça serait une scène de jungle où un des Pegasus a été blessé. Ce n'est pas vraiment quelque chose que ce projet particulier a demandé et obtenir une sorte d'approche graphique pour lui. Mais il est un design que beaucoup de livres dans le genre utilisé. C' est pourquoi je voulais le mettre ici et leur donner l'option. Mais le suivant, nous voyons que cette courbe de week-end du Pegasus au puits lui permet de circuler dans toute l'image. Et le second Pegasus regarde dans un contre-courant qui dirige notre attention sur la fille. Et hors du coin. Encore une fois, caractère centré parce que nous voulons qu'elle soit le personnage principal. Et le dernier concept, nous voyons que le personnage est encore une bande horizontale, laissant de la place pour le texte et laisser des caractères suggérés. Et l'angle du puits est contré par l'angle des neuropeptides. Et donc le plus proche Pegasus est mis à un angle, pourquoi ? C' est plus intéressant, c'est plus dynamique que de les faire traverser directement. Donc, nous voulons le faire. Nous ne voulons pas non plus qu'il mette le puits au même angle. On veut contrecarrer ça. Donc, cela le rend vraiment bon dynamique. Maintenant, cela a été mis dans un groupe parce que dans beaucoup d'images sur les couvertures de livres, ils voulaient suggérer le sujet ou le nécessairement dire. Ou ils veulent que le titre et le nom de l'auteur vendent essentiellement le livre, pas tant l'image, encore une fois, montrant une variété, voulant simplement le mettre au client et voir quel genre de commentaires est sur ce qu'ils recherchent. 10. Choisir une conception de composition: Choisir un design, ok, donc vous devriez utiliser un motif visuel, mais comment décidez-vous lequel ? Comme point de départ ? J' ai déterminé les images, l'humeur ou le thème. Nous interprétons alors cette humeur en termes d'énergie visuelle. Depuis de toutes les différentes métriques, la composition, plupart des effets, les scènes, l'énergie, tous les arrangements, modèles tombent quelque part sur la compétence de basse énergie, ce qui est des choses très stables, et de haute énergie, qui est très généralement des choses actives. Cela signifie que nous voulons choisir un modèle qui correspond aux niveaux d'énergie de nos scènes. Eh bien, une petite panne ici. Humeurs de haute énergie sont des thèmes, serait souvent considéré comme une aventure ou une action dynamique, épique, gai ou des scènes magiques. Où d'autre part, les humeurs et les thèmes à faible énergie seraient des scènes paisibles sont des environnements sombres. Peut-être une scène, un mystère, un sentiment inquiétant ou pas de guerre. Bien sûr, il existe des exceptions à cette ventilation. Mais ce sont des règles générales. Il y a des exceptions pour presque tout. Faible énergie ou statique. Les lignes plates sont statiques, prune et bas niveau. n'y a pas de mouvement pour eux. Ils étaient complètement, d'autre part, des scènes de haute énergie ou actives devraient probablement utiliser plus de lignes d'angle qui ont un sentiment d' être plus actif ou d'émotion ou ayant une énergie plus élevée et des scènes basses et statiques, peu à rien est le film serait comme un arbre ou la construction de plus de caractère, assis tranquillement quelque part. Et ceux-ci peuvent provoquer des émotions positives ou négatives. On a cherché à utiliser une disposition symétrique centrée et ou un alignement à aplomb sur le cadre. En outre, placer un personnage au centre de peut aider à transmettre stabilité, le contrôle et important. De même, des graines à haute énergie ou actives. angles dans les diagonales ont plus d'énergie que les prunes, les verticales et les horizontales car ils ont la sensation de déséquilibre ou de mouvement. conceptions courbes ont également un sens de la vie et de l'utilisation du mouvement. Ce sont des scènes à haute énergie physique ou émotionnelle. Maintenant, ces types de modèles sont ceux que vous voulez penser à utiliser dans vos miniatures de composition. Ce serait un motif cible, qui est très similaire à la spirale, mais pas tout à fait aussi énergique. Et tout est encore segmenté et non continu. Prune, verticales et horizontales ainsi qu'un triangle statique. Et nous pensons que c'est équilibré, mais il utilise des diagonales. Si quoi que ce soit. Ce gars pourrait effectivement s'asseoir quelque part ici au milieu, est une combinaison de la symétrie équilibrée de la basse énergie avec des diagonales de l'énergie supérieure. Une option incontournable dans les scènes énergétiques actives est celle des lignes rayonnantes. Maintenant, cela peut rayonner souvent du sujet. Ça peut être la tête du sujet ou peut-être où il se trouve, non ? Et vous voulez que tout pointe vers l'endroit où se trouve ce point focal principal, ce soit pour marquer un élément ou un emplacement. En continuant, en regardant les schémas et les conceptions et à faible énergie, inactif dans les schémas statiques, il n'y a peut-être pas mieux tout autour de la composition des illustrateurs. Et puis le triangle. Il fonctionne pour la plupart des images verticales et horizontales. Et la plupart du temps, vous pouvez organiser un personnage pour utiliser ce motif ou des images classiques qui utilisent ce motif triangulaire ou pyramidal fort. Également des personnages d'auteur. Et d'autres formes simples comme les chiffres et lettres peuvent aussi faire de grands motifs de composition. Caractères qui peuvent bien fonctionner avec des motifs ou AC, GH, JL, OK. La télé de Yahvé, XYZ 12, 69. Ceux-ci ont tous un bon équilibre et symétrie ou un angle par rapport à eux. Ils peuvent fonctionner comme un modèle de composition. Maintenant, le poème vertical et horizontal de la tombe, combiné avec le centre et le positionnement donne une impression stable et calme. Encore une fois, tout est très statique. Il ne bouge pas, il n'est pas diagonale. Et les scènes actives ou de mouvement à haute énergie semblent utiliser plus de diagonales, angles rayonnants et convergents, des spirales et posant des personnages hors équilibre ou dans un mouvement de torsion. 11. Simplifier la composition: Si vous n'utilisez pas un motif préconçu spécifique comme une ligne rayonnante ou une spirale. Comment pouvez-vous l'aborder autrement ? Ce que vous n'avez pas à utiliser un guide préfabriqué. Mais quel que soit le design que vous faites, assurez-vous que c'est simple. Rappelez-vous, à la composition ne peut pas être indiqué avec seulement quelques formes et lignes simples. Il est susceptible de compliquer et il devrait l'être. Il est préférable de déterminer quels sont les modèles de composition de base dans les premières esquisses pour sauver la difficulté de mini, changements plus tard. Si vous avez déjà été agressivement image à l'endroit où vous mettez dans les détails et que vous avez plusieurs sources de lumière et des expressions d'ombrage et de caractère et tout cela. Le nouveau magasin hepta retravaillant la composition. Ce n'est pas une situation idéale. Vous allez perdre beaucoup d'heures à travailler ce truc tôt pour que vous ne perdiez pas de temps à revenir en arrière et éditer des trucs. Et ces deux illustrations que j'ai faites, elles n'utilisaient pas un seul motif de composition de base qui était préfabriqué comme la lettre G par exemple. Donc, je suis allé avec un motif essentiellement irradiant, combinant avec un ovale. Et celui-ci, ce sont des lignes courbes qui montent au centre. Encore une fois, le point focal est le visage du personnage. Donc, tout tourne pour vous attirer l'attention sur cet endroit. Et la même chose avec son personnage soeur ici, que les ailes sont intentionnellement conçues pour suivre une forme ovale avec tous les objets rayonnant dans un motif prévisible. Maintenant, vous ne remarquerez probablement pas cela lorsque vous regardez l'image elle-même. Mais il a été intentionnellement conçu cette façon parce qu'il obtient quelque chose qui peut être très chaotique. Avec les ailes et les bras et les jambes, dans l'épée et les tissus, dans les choses techniques et ondulant erreur qui deviennent tous fous. Mais je les harmonise de telle sorte que la plupart des principaux suivent un angle prévisible. Nous n'avons pas besoin d'utiliser un seul motif de composition sont conçus. En fait, la combinaison est une très bonne idée. superposition et la combinaison de motifs peuvent augmenter le poinçon visuel, renforcer la composition et aider à diriger l'œil vers le point focal. Donc, lorsque cette illustration ici, nous voyons plusieurs modèles de composition utilisés. Tout d'abord, nous voyons le motif des lignes rayonnantes qui sortent de la tête et elle était la déesse du lever du soleil. Ce qui est logique qu'il y avait des faisceaux de lumière qui sortaient autour d'elle. Nous avons également l'arrière-plan et les autres éléments alignant deux anneaux concentriques et un motif cible. Les deux ensemble attirent beaucoup d'attention, sauvegardent leur sort. Passons maintenant à ces deux autres images. Maintenant, ils n'ont pas de lignes sur eux pour indiquer la composition. Donc on va faire ça. Nous allons les examiner et regarder ce qui se passe dans la composition qui les fait fonctionner. Tout d'abord, c'est cette illustration de J que j'ai faite. Et nous avons remarqué qu'il est centré. Cela fait immédiatement de lui le point focal de la pièce et il se sent plus fiable et stable. Ceci est situé par le fait que son bas du corps crée un motif triangulaire très fort qui le fait de nouveau remplir. Stable. Les pieds sont plantés larges et cet angle pointe vers son visage. Quelque chose qui se passe avec son visage, c'est que tous ces petits modes magiques bleus tournent autour de sa tête. Ceci utilise le même type de motif de cette autre image, qui est le REMS concentrique, qui attire notre attention visuelle. Donc, c'est ce qui se passe là-bas. L' arrière-plan a quelques choses qui se passent avec elle aussi. Et il utilise une sorte de forme de ventilateur ou pourrait envisager des lignes rayonnantes. Fondamentalement, tout provient d'un point juste ici, où nous avons cet angle et ce côté qui est équilibré avec le même angle de l'autre côté. Maintenant, vous ne voulez pas garder les choses absolument parfaites. Par exemple, je ne veux pas d'une ligne droite là, mais vous voulez organiser les choses de sorte que fondamentalement suivi ce modèle. Et alors que nous continuons vers le haut, ces lignes continuent à partir de l'arbre suivant l'angle du genre de modèle de ventilateur rayonnant de la maison étant juste au milieu attire plus d'attention. Ce personnage. C'est un motif de composition subtil mais fort utilisé dans la scène. Maintenant, avec toutes ces lignes s'écoulant vers les bords, nous ne voulons pas exécuter le i en dehors de l'image. Donc nous avons mis quelque chose là pour bloquer la scène. Ici, nous avons de l'eau qui descend de ce côté, qui crée une sorte de barrière visuelle qui vous ramène dans la scène. Et de la même façon que nous venons et nous avons frappé toutes ces fleurs suspendues et cette petite végétation qui coulent dans la prochaine cascade, et ça vous ramène dans le siège. Si vous avez beaucoup de choses qui pointent hors de la scène, cherchez à arranger quelque chose dans le coin qui bloquera l'œil ou courbera l'œil en arrière. Maintenant sur cette autre scène, nous avons un trio de personnages et un très fantasmes. Une image amusante ici. J' ai vraiment aimé faire celui-là. Et celui-ci utilise aussi des motifs de composition très simples. Encore une fois, il s'est centré. Nous voulons que ce soit un équilibre. Tu vois, c'est une sorte de cadre centré classique. Et bien sûr la lune. La lune est un outil de composition visuelle très fort qui nous maintient au centre de l'attention. termes de valeur, c'est aussi fantastique parce qu'il nous donne un fond lumineux, tous les éléments plus sombres et les personnages contre lesquels se présenter. Et le brillant Keller aide à ajouter une bonne pop à la scène. Mais que se passe-t-il d'autre ? Encore une fois ? Triangle peut difficilement tourner mal avec le triangle. Et si vous le regardez, vous pouvez probablement le voir aussi. Tous ces types sont arrangés pour s'adapter à un triangle. Missouri est arrivé chance qu'ils sont arrangés comme ça ? Pas du tout. Ils ont été délibérément aménagés de cette façon parce que je savais que cela fonctionnerait le mieux. Et c'est aussi pour ça qu'il n'y a pas un autre rocher aléatoire ici qui ne correspondrait pas à tout ce qui n'aurait pas de sens. Donc il n'y en a pas. C' est aussi pourquoi l'autre personnage n'est pas entendu à la place avec son arc de cette façon, cela n'aurait pas de sens. Ça ne suivrait pas le modèle. Donc, tout est aligné d'une manière qui a du sens et qui attire l'intention en arrière. la même façon, nous avons eu ce genre de poudre rayonnante et des arbres en arrière-plan, nous l'avons aussi des nuages dans celui-ci où nous gardons tous ces courbes dans cette scène pour attirer notre attention sur les personnages. C' est ce à quoi vous devez penser à ce stade. Et vous voulez les esquisser dans très lâche, mais très intentionnellement pour comprendre quels sont vos modèles. 12. Conseils de composition supplémentaires: Eh bien, regardons quelques conseils de composition supplémentaires pour vous rappeler lors de l'esquisse. Tout d'abord, une ligne de vue, le placement des éléments dans la scène peut attirer le spectateur dans ou les bloquer. À moins que vous ayez une raison spécifique d'éviter de placer tous vos sujets sur un objectif plat à l'avion de visualisation semble d'aventure et épiglotte besoin du monde pour se sentir expansif et un Vitis dans l'aventure. Et nous le faisons en permettant une ligne de vision directe à la distance. Commençons sur ce sujet en jetant un coup d'oeil à ces deux exemples. Celle-ci, je veux que la scène remplisse les dépenses. Je veux que tu ressentes l'émotion qu'il a alors qu'il regarde cette vue sur la première image. C' est pourquoi il s'agit moins du caractère spécifique et plus de la relation de ce personnage avec l'arrière-plan. C' est pourquoi il est poussé sur le côté et pas complètement centré. Je voulais le déplacer un peu pour qu'on puisse voir ce qu'il voit. A, c'est une ligne de mire. Autrement dit, notre vision est tournée vers la distance et rien ne nous empêche de voir cette distance. n'y avait pas de montagne ici au milieu pour bloquer notre vue. Donc, cela aide le monde Fillmore expansive et nous inviter à. Cependant, ici, nous avons le même genre de chose, mais utilisé différemment. Le monde existe. Nous faisons SeaWorld dehors dans ce personnage, dans, dans, vers la distance. Mais nous utilisons ce modèle pour attirer notre attention sur le personnage. Toutes ces lignes rayonnantes du point de vue, attirent notre attention ici. Mais tout cela est concentré sur le personnage. Il ne s'agit pas des personnages et de la relation avec l'environnement, et il ne s'agit certainement pas de l'environnement. Donc, dès que vous mettez un personnage ou tout autre objet au milieu de la ligne de visée, cela fait cesser la division. Vous devez vraiment prendre le temps et faire des efforts pour regarder l'arrière-plan et comprendre ce qui se passe là-bas et ce qu'est le reste du monde. Parce que ça vous bloque quand vous montez votre scène. Tu ne veux pas tout mettre en une seule ligne. Disons que vous avez votre appareil photo ici et que vous regarderez dans cette direction que dans votre scène. Dis que tu as ton avion d'observation ici. Et dans votre plan d'observation, les personnages sont de retour ici. Vous ne voulez pas avoir un personnage ici et un personnage ici, et un personnage ici, puis un arbre sur ce même plan. Alors tu veux que cette maison soit sur le même avion. Parce qu'il n'y a pas de profondeur. Donc, ce que vous voulez faire, c'est avoir votre appareil photo avec son angle de vision et sa zone de vision. Et puis vous voudrez avoir comme un personnage ici et un personnage là-bas, et un personnage ici. Et puis tu veux que l'arbre revienne ici. Et puis tu veux que la maison revienne là-bas. De cette façon. Il a une profondeur à elle. Mais ce n'est que si vous voulez que ce personnage soit le personnage principal. Sinon, ce que vous voulez faire est en fait déplacer le personnage de côté parce que nous voulons avoir une ligne directe à l'arrière-plan, auquel cas vous voulez placer tout le monde autour de cela. À travers la ligne et pas dans le chemin parce que nous voulons vous attirer dans la distance. Prochaine étape, nous voyons scission. Évitez de diviser une image au milieu direct, horizontalement ou verticalement. Ajuster la division même 10%, ou l'autre direction peut faire une grande différence. Donc, vu que nous avons une scène que nous regardons du côté d'un immeuble. Et nous avons le bâtiment ici. On aurait le bâtiment comme ça et on aurait les fenêtres. Et c'est bien parce que vous savez que les fenêtres sont en perspective et ça donne l'impression que c'est plus réel. Mais nous mettons juste le bord du bâtiment au milieu du cadre. Ce n'est pas très bon parce que nous voulons un déséquilibre même peu. Et d'une manière générale, le déséquilibre doit avoir le point focal et la grande moitié. Donc si on le met comme ça, et que le bâtiment est là et que tu as toutes les fenêtres de ce côté. Ceci est maintenant un peu poussé sur le dessus. Nous nous attendons naturellement à ce que nous en soyons conscients ou non, que le point focal de la scène soit ici parce que ce côté est plus grand que ce côté. Nous voulons donc être conscients du moment où vous le divisez, ne le divisez pas, puis mettez votre point focal de ce côté. Sauf si vous arrangez les choses d'une certaine manière. D' accord. Il y avait des moments pour faire ça, mais c'est juste une règle empirique. La même chose entre guillemets va horizontalement. Dis qu'on a une scène de plage et que tu as la croûte de plage ici. Et puis vous avez l'océan. L' endroit où vous ne voulez pas mettre la ligne de l'océan est juste là au milieu de la scène, non ? Nous voulons le faire monter ou descendre. Et des scènes horizontales qui sont au niveau des yeux, scènes verticales aussi. Mais si vous imitez le niveau II, vous voulez généralement le mettre à environ un troisième à droite à ce sujet. C' est une sorte de consensus sur ce qui se sent le plus correct pour correspondre au niveau de l'œil humain. Maintenant orientation, faites correspondre l'orientation des chimies à la direction du mouvement dans la scène. Et quel aspect de l'image voulez-vous situer ? Donc, si nous avons une fusée qui décolle, quelle est la direction du mouvement ? Les deux vers le haut, un tel vaisseau de fusée. Donc, nous voulons probablement avoir une toile verticale. D' accord, on veut que la fusée monte par là. Mettez des petits spoilers là-dedans. Alors. Donc maintenant, nous avons un meilleur sens qu'une autre fusée décollerait et ne se remplirait pas correctement, d'avoir une scène horizontale avec le vaisseau fusée ici. Ça pourrait-il, tout ça finit par être un espace mort là-bas. Et nous n'avons pas besoin de ça. De même, si c'est une scène d'un train, que nous voulons qu'il aille côte à côte, non ? Le train va aller dans cette direction. Nous voulons donc avoir une scène qui suit le mouvement du train. Oh, gardez ça à l'esprit si vous essayez de le comprendre. Et cela aide aussi à faire quoi ? Remplissez le cadre avec le sujet. C' est le problème avec celui-ci. Ce n'est pas de remplir le cadre avec le sujet. Il utilise la plupart de la toile ou quelque chose qui n'est pas le sujet. 13. Démo de composition des miniatures: Nous arrivons maintenant à la démo miniature. Maintenant, nous ne allons pas faire le contour de l'illustration de Pegasus. Encore une fois, je l'ai déjà fait. J' ai donc écrit un nouveau plan ici, un tyran et ses deux jeunes amis traînants partent en quête pour trouver le dernier des dragons aînés qui seul peut être capable d'arrêter le Gorgon éveillé. Comme je l'ai dit, j'ai inventé ça. Je voulais trouver quelque chose qui serait un livre similaire couvre le contour de l'histoire de style. Ce serait comme l'illustration de Pegasus, mais évidemment pas la même chose. Départ. Une des premières choses que je veux faire est de considérer quels sont les ingrédients ou les pièces de puzzle avec lesquelles je dois travailler ? Ce sont les principaux qui devraient être inclus. Le reste d'entre eux sont une sorte de prendre ou le laisser en fonction de ce que l'idée est. Si je devais juste m'asseoir sur le dessin historique, je vais probablement tomber dans un bloc mental. Donc, je vais me donner quelques lignes directrices triées ou critères à essayer de répondre afin de maximiser les croquis que je suis sur le point de faire. Cela signifie aller à mon transparente, je veux noter juste quelques idées qui ont une sorte de scènes, différents types de mise en page afin de m'aider à obtenir de meilleures images et à stimuler ma créativité. Maintenant, je fais cela en allant à Pinterest sur mis ensemble sur quelques minutes, je Conseil de quelques idées différentes d'illustrations et de couvertures de livres. Je regarde juste ça. En ce qui concerne comment ont-ils arrangé le siège ou est-il proche ? Était à loin était graphique était illustratif, est-ce qu'ils étaient symétrique était asymétrique, ce genre de chose. Alors j'ai noté quelques idées ici sur un morceau de papier à côté de moi, et nous allons les examiner et les dessiner. Et le premier que je vais faire est un garçon qui est centré et les dragons ou étroitement recadrés autour de lui. Je ne suis pas vraiment préoccupé par la précision de l'anatomie ou de tout ça. Et puis je veux que les dragons tournent autour de lui. Et son cou tourne autour du dragon. L' autre, je pense, pourrait tourner autour de ce chemin en dessous de lui. Et peut-être qu'il a même la bouche ouverte parce que ça ferait une belle silhouette. Peut-être arranger une aile ou quelque chose pour être de retour là juste pour qu'on n'ait pas vraiment d'espace négatif. Et je pense que ça pourrait être une image plutôt cool. Dans ce cas, nous envisageons d'ajouter la marée ici. Et je pense à cela comme une couverture de livre, alors je voulais l'exposer de manière à avoir une place pour un titre. Vous pourriez passer par un certain nombre de variations pour comprendre comment cela fonctionnerait. Mais dans l'ensemble, cette idée, je pense que c'est bon et c'est un peu cool. Suivant up silhouette garçon avec un dragon à l'intérieur de la scène. Ok, sur celui-ci, c'est certainement plus graphique. On refait le titre ici. Je pense que nous avons la silhouette du garçon qui prend la plus grande partie de tout ça. Et puis vous auriez la scène des dragons à l'intérieur d'ici. Et on les voudrait probablement dans une pose plus intéressante. Comme s'ils allaient voler autour, pas seulement rester là comme il l'est. Et tous les projets n'ont pas vraiment besoin d'une approche graphique comme celle-ci, mais c'est amusant et ça vaut probablement le temps de lui donner un coup de feu et de voir comment cela fonctionne. Le prochain concept serait un garçon qui marche au-dessus avec les ombres du dragon. Oui, celui-ci est plutôt cool et ça donne une idée différente que vous ne voulez pas toujours montrer et illustrer directement les sujets. Autrement dit, je n'ai pas à rendre complètement réaliste en montrant toutes ces choses, même si ce sont les sujets principaux. Et ce cas nous l'avons fait ici avec cette silhouette que nous indiquons les garçons par juste la silhouette de sa forme serait l'image à l'intérieur de cette forme. Mais nous affirmons directement que le dragon est en les illustrant. D' accord, je travaillerais sur cette pose plus tard, mais ça me donne juste l'idée, donc je n'oublie pas. Et là, je veux le titre ici parce qu'il marche vers le bas. Et cela signifie que R i va prendre la direction qu'il va prendre. Donc on veut le titre là-bas. Et voici où nous avons les ombres des dragons. Et donc ici, nous voyons une silhouette très claire du dragon sur cette aile pourrait tomber même en face d'une partie de lui là-bas. Ceci indique un parcours, les trois sujets sans nécessairement montrer les deux dragons. Si vous êtes allé dire de qui est ce personnage nous avons parlé, suggérez-vous le personnage au spectateur ou vous êtes resté dans les Caraïbes ? Cela serait d'indiquer le personnage parce qu'il est pleinement visible pour nous et marchant vers nous. Cependant, le contraire pourrait également être vrai lorsque nous regardons l'arrière de la tête du personnage et qu'il s'éloigne. Et puis nous avons les ombres qui vont par là. Et puis on a mis le titre ici. Et ce cas, nous indiquons les trois personnages principaux sans vraiment montrer aucun d'entre eux. Et le client peut aimer ça, connaître beaucoup de couvertures de livres. Ils aiment simplement suggérer des choses. Ok, et certainement garçon dans l'erreur, essentiellement il est debout ici sur une sorte de rebord, piédestal, vieille branche d'arbre. Je veux dire, ça n'a pas vraiment d'importance. Et puis nous l'avons encerclé dans l'erreur par son ami dragon. Je cherche ce genre de modèle. Il pourrait faire des opérations bancaires et son ailé pourrait être là. Et je cherche à utiliser le chevauchement afin d'aider à construire un sentiment de profondeur. Donc il chevauche ça, et il chevauche ce type. Si vous avez vu quel personnage statique, alors vous pouvez mettre beaucoup de mouvement autour de lui étaient les autres personnages. Et même si ce sont les gars en mouvement, parce qu'il est centré, il se sentira plus comme le sujet principal. Et le suivant est similaire, mais un peu différent et il donne une humeur différente. Et ce serait ce que le garçon émetteur aussi. Mais il tombe. Je voudrais certainement aller vérifier quelques références ou des gens tombant. Et puis je pense aux dragons ou à la plongée autour de lui. Et nous voulons avoir ce sentiment de chute libre, mais aussi beaucoup de sens de la profondeur dans cette scène. Nous cherchons des endroits où se chevaucher. Vous utilisez le chevauchement de ce Dragon ou que ce dragon va venir ici et le chevaucher. Mais ce serait l'idée de base et rien qui puisse être assez cool. Mais nous voulons le reposer. Donc, le tout devrait probablement être déplacé vers le bas et ajouter le titre là-haut. Et vous pourriez même regarder certains éléments, en particulier d'une sorte dans l'erreur. Donc, si cela était plus d'un crépuscule comme vu dans le ciel ici, a été rencontré plus sombre que nous pourrions avoir comme les employeurs dans l'erreur d'un incendie. Ensuite, nous avons le style de l'affiche de film. Maintenant, celui-ci est une excellente option si le client demande une sorte de tout dans l'évier de la cuisine. Donc, s'ils veulent voir les garçons et deux dragons, et le dragon aîné et les monstres Gorgon et certains des principaux endroits. Et vous repartez, comment puis-je organiser une scène qui a littéralement tout dedans ? Eh bien, l'une des meilleures façons de le faire est ce qu'ils font avec des affiches de cinéma, qui est l'approche de style collage. Et c'est que tu n'as pas de scène littérale. Vous avez une purée de tailles dans les cultures. Il y avait beaucoup de façons de le faire. Une façon classique d'avoir un grand visage en arrière-plan. Alors peut-être que tu regardes le visage du garçon pour qu'on ait ce lien humain avec l'ébullition ici. On a peut-être le dragon aîné, d'accord ? Les deux dragons principaux, nous les voulons dans la pose entrelacée d'une sorte ou d'un motif X. Alors c'est là qu'entre ces deux plans, on peut avoir comme des silhouettes de certains méchants ou d'autres personnages secondaires. Et nous pourrions peut-être revenir ici comme la montagne ou le château d'où ils viennent. Donc, ce genre d'approche peut prendre beaucoup de temps. Vous devez passer par beaucoup et beaucoup de variations pour savoir à qui vous utilisez la tête ? Vous l'utilisez sur le côté gauche ou le côté droit sont centrés et tout ce genre de chose. Et je suggère d'aller regarder une collection d'affiches de cinéma et de voir comment elles sont disposées. Bords, grande silhouette de l'autre traînée. Celle-ci est cool si tu peux le faire, non. Et c'est que vous utilisez la forme d'une chose, la forme positive d'une chose pour créer la forme négative de quelque chose d'autre. Silhouette du dragon aîné. Puis-je utiliser une sorte d'élément positif comme le garçon ou les autres dragons pour remplir toute cette zone et quitter cet espace. Alors que cela ressemble à la silhouette de quelque chose d'autre. Comme si tu avais l'année du garçon, comme le côté de son visage et sa cape s'est échappée. Vous pourriez les construire, être comme le soufflet du tissu pour faire la forme sous laquelle les dragons mâchoire et le long de son cou. Alors peut-être que vous avez un autre de la ligne Dragons, la partie inférieure de l'autre vie Dragon forme cette forme. C' est un peu difficile à faire, mais ils peuvent être vraiment cool s'il peut les retirer. Eh bien, c'est toutes les idées que j'avais vues. Pourquoi esquissé pour essayer l'un d'entre eux, je pense a assez de mérite pour essayer personnellement, si je devais juste passer à autre chose avec celui-ci, lequel est-ce que je pense serait le plus amusant ? Lequel pourrait, selon moi, fonctionner le mieux ? Je vais en quelque sorte pour celle-là j'aime que tu aies une récolte très proche de tout ça. Je ne suis pas un grand fan de la silhouette avec la scène à l'intérieur. Je le ferais absolument si le client le demandait, mais ce ne serait pas ma première pensée. Espérons que vous avez trouvé cette démo utile et peut-être vous donner quelques idées sur la façon d'aborder le processus vous-même. Mais nous devons l'envelopper et continuer à affiner les croquis. 14. Peaufiner l'ébauche: Avec une esquisse brute dessinée est sélectionnée, et il est temps d'affiner ces esquisses en dessins clairs. Cela signifie donné ombrage simple puis présenté au client. Maintenant, la clarté est essentielle à ce stade. Si le client ne comprend pas ce qu'il voit, ce n'est pas bon. Cela ne signifie pas qu'il doit être détaillé et ne signifie pas de flou, effets de filtre ou de formes ambiguës. L' objectif de cette étape est de transformer nos concepts bruts en directions d'image raisonnablement précises. Et nous voulons bien gérer notre temps à ce stade, desserrer. C' est un endroit où beaucoup de gens perdent beaucoup de temps. Il est facile de perdre des heures en poursuivant le parfait notre référence et le rendu méticuleusement détails superflus a simplement été rendu pour cette étape particulière va regarder quelques erreurs courantes dans un moment. Pour l'instant, regardons simplement un exemple de la façon dont j'ai appliqué cela et travaillez à travers ce processus avec le concept un. J' ai aimé cela sur le fait qu'il y avait un mérite à cette composition. J' avais donc besoin de transformer cela en quelque chose de plus précis, plus réaliste, mais aussi de le faire aussi efficacement que possible. Numéro un, l'esquisse sert maintenant de direction, d'approximation du placement et des poses. Je commence par faire une liste des références dont j'ai besoin. Et R2, je trouve des références d'espace réservé qui sont rapides à localiser et une précision suffisante ou raisonnable. Maintenant, les images sont floues en raison du droit d'auteur. Mais ce sont des images que je viens de tirer d'une recherche d'images en ligne. Et je cherchais quelque chose qui était des capes qui me donnaient assez d'informations pour que je puisse utiliser cela en combinaison avec ma compréhension des sujets et être capable d'obtenir quelque chose qui correspond à mon croquis grossier. Maintenant, je ne voulais pas passer autant de temps à la référence de l'état Wi parce que je ne sais pas que ça va être choisi et je ne veux pas perdre ces heures. Numéro trois, je combine les informations pertinentes des photos. Autrement dit, je ne les ai pas copiés textuellement. J' ai utilisé ce qui était pertinent pour mon esquisse qui correspondait à la direction de l'image et affiné le dessin. L' ombrage sera plus tard un nombre pour les lignes raffinées ou le concept, ou maintenant terminé. Je peux résoudre l'esquisse initiale pour m'assurer que la direction de l'image n'a pas viré pendant le rendu. À cette fin, ce n'est pas parfait. Ce n'est même pas très détaillé. Je n'ai pas travaillé tous les arbres. Je n'ai pas compris où sont toutes les plumes et, vous savez, tout le tissu et tout est. D' accord. Ce n'est pas parfait pour le retravailler public. Mais c'est bon. Il est assez clair que le client comprendrait tout ce qu'il regarde. Surtout une fois que nous obtenons un peu d'ombrage là-bas. Et nous allons simplement passer en revue ces deux autres à travers quatre concepts. Et sachez qu'il y a plusieurs façons de détruire la scène, comme je l'ai dit tout à l'heure. Donc, certains artistes vont juste commencer à peindre avec pleine couleur et raffiné comme ils vont. Mais on ne fait pas ça. Nous allons sur une manière viable pour non prose, ce qui signifie séparer le dessin et l'ombrage et les étapes de couleur l'un de l'autre. Jongler et rappelez-vous, n'oubliez pas que tous les projets n'ont pas besoin de plusieurs images soumises pour lesquelles je soumets, pour celui-ci. Ce n'est pas toujours le cas. Souvent, un seul concept est nécessaire. Donc clarifié cette attente avec un client avant de commencer à affiner vos concepts. Et ce cas, sur lequel nous avions convenu, leur enverrait un ensemble de concepts qui seraient nettement différents les uns des autres. Donc, avec concept to, j'utilisais la silhouette de l'image dans une approche image, mais ce n'était tout simplement pas une très bonne silhouette. Et donc fini par changer cela en utilisant une meilleure vue latérale du Pégase et en mettant l'image dans cela à la place. Concept trois, encore une fois, webcam photo de moi-même comme elle. Oui, l'anatomie n'est pas parfaite. Le vêtement n'est pas parfait, mais il me suffit de le mettre très rapidement à ce stade. Et le dernier, le même genre de chose, juste écraser un peu rapidement pour trouver des photos et obtenir cette information là-dedans. 15. erreurs Common pt. 1: Qu' est-ce que les gens obtiennent habituellement dans cette phase de concept quand ils dessinent ça et l'affinent, je vais juste jeter un oeil. Le numéro un fait référence aux novices. J' ai regardé une vidéo sur l'anatomie. Je suis bon sans référence ce processus. J' ai enseigné une vidéo sur l'anatomie et j'ai toujours fait référence à la bureaucratie. L' une des différences déterminantes et le processus de peinture entre novices et professionnels est l'utilisation des références. Si vous ne connaissez pas le sujet et si vous n'êtes pas littéralement un expert sur le sujet, alors trouvez une référence. Arrête. Devine. Vu. La mise en œuvre de l'utilisation de référence est probablement le moyen le plus simple et le plus efficace d'améliorer un art non bros. Quand je commence à faire mes étudiants en art doivent prendre référence. Ils doivent avoir une référence opposée, une référence de phase, une référence d'éclairage. Devine quoi ? Leur travail s'améliore. Pourquoi ? Parce qu'ils n'en savent pas assez pour essayer de s'en passer. Et un professionnel se rend même compte souvent ça ne vaut même pas la peine d'essayer de couper ce coin. Et il vaut mieux juste avoir quelque chose à regarder. Ça n'a pas besoin d'être parfait. Comme si on jette un coup d'oeil à ça ici. C' était une photo de moi que j'avais un ami à angle droit et non, je ne porte pas de tenue de j et ce n'est pas parfait. Et je ne ressemble pas exactement à Jake. Mais il y a assez de bonnes informations en ce sens qu'il peut me lancer dans le processus. La même chose avec le petit homme et le pistolet ici. Donc, le monde visuel est une chose complexe et personne ne pouvait se souvenir de ce que tout a l'air. Alors faites ce que les autres ne veulent pas. Référence. Texte et graphiques. Avez-vous besoin de laisser de la place pour le texte et d'autres graphiques ? La plupart des illustrations utilisées pour le marketing, comme les couvertures de livres, les affiches , l' emballage, l'art, auront toutes des zones de textes dont vous devrez tenir compte. Ces zones devront encore être peintes. Mais vous ne pouvez pas y mettre quelque chose de critique car il sera probablement couvert. Alors gardez les lignes directrices qui repèrent ces zones sûres et préoccupez-vous d'obtenir toutes ces informations centrales là-dedans. Je ne vous ai pas montré cela jusqu'à présent, mais oui, j'avais des directives et des boîtes mises en place pour que je me souvienne où se trouve le texte et de ne pas mettre, par exemple, aucun de leurs visages dans l'un de ces blocs. Une carte MTG comme celle-ci avec J seulement les zones à l'intérieur de la fenêtre ou entièrement visible sur la carte Walker des plaines. La composition doit fonctionner dans le cadre et la scène complète. Donc nous devons voir tout ce qu'il faut à propos de J pour comprendre qui il est, peu ce qui se passe avec lui et l'endroit où il se trouve avec ce cadre. Mais si vous voyez l'œuvre sans le cadre, elle doit également fonctionner en pleine figure. 16. erreurs communes pt. 2: Ensuite, encadrer les erreurs courantes avec le cadrage, il est important d'apporter ses sujets pour correspondre aux besoins de votre image. Parce que chaque type de tir comme des cordes et des faiblesses. Par exemple, le personnage devrait occuper la majeure partie de l'immobilier visuel dans l'illustration du personnage. S' il y a petit, cela change le contexte. Quelques exemples ci-dessus, sauf si vous avez une bonne raison, sinon, ils seront encadrés avec le sujet. Et cela facilite également la lecture de l'image dans un format plus petit. Donc, lorsque ci-dessus, nous voyons une gamme de cadrage sur la proximité de la caméra est recadrée dans le sujet. Et en utilisant un peu de caractère ici comme sujet. Un gros plan extrême est tout au sujet des personnages. L' émotion. Il n'a aucun égard à l'arrière-plan est fondamentalement juste recadrée aux yeux. Et le gros plan il s'agit de l'émotion ou d'une pensée du personnage. Peu de fond est visible, généralement recadrée au visage. Le médium commence à changer ça en ce moment, nous avons beaucoup plus de contexte. Il s'agit toujours de l'expression, mais il y a un élément mineur de l'arrière-plan. Nous savons très bien où ils sont. Invite à la tête et aux épaules. Et au milieu du plan, il s'agit des actions du personnage. Qu' est-ce qu'ils font ? Et ce n'est pas leur émotion, et ce ne sont pas leurs pensées. C' est ce qu'est leur action physique. Est-ce qu'ils ramassent un livre ou qu'ils préparent ce genre de choses ? L' arrière-plan a beaucoup plus prédominant et a maintenant à propos de cette personne étant dans cet endroit. Prop de la taille vers le haut. Et le plan large est dans un plan d'établissement, généralement utilisé pour définir l'endroit où se trouve ce personnage, puis vous vous déplaceriez vers un plan intermédiaire ou un plan plus serré. Si c'était au cinéma, c'est partagé entre le personnage et l'arrière-plan. Encore une fois, est d'établir l'OMS dans l'endroit, ne pas être sur le fond et ne pas être sur le caractère d'être sur la relation entre les deux d'entre eux, qui est généralement récolté à l'ensemble du corps. Ils sont très larges, centrés sur l'environnement. Nous nous sommes éloignés du personnage qui est le sujet. Maintenant, le personnage est le sujet principal ici. Et diviser fondamentalement entre le personnage dans l'environnement que vous obtenez au plan large. Mais une fois que vous arrivez au plan très large, il est plus sur l'environnement est le personnage. Et puis un plan extrêmement large, l'environnement reste un sujet et le personnage a été rétrogradé à être fondamentalement un pero mineur. Nous voulons utiliser le cadrage et le recadrage. C' est exact. Bo scène de désordre que vous créez. C' est à propos du personnage ? Ok, qu'on ne veut pas utiliser un plan très large. Est-il à propos de l'environnement à nous ne voulons pas utiliser un plan de gros plan moyen. Quelle que soit la scène, construisez un cadre avec ce sujet. D' abord, la troisième personne. Une autre image que vous piégez consiste à placer la caméra en dehors de l'action dans la scène. Habituellement, il est préférable d'être dans l'action. Le père de la caméra vient des événements. Plus ils deviennent abstraits. Par exemple, une vue plus large donne un contexte plus large pour ce qui se passe dans la scène. Mais au prix de la suppression de la connexion personnelle et du dynamisme, en plaçant la caméra au niveau des personnages, nous devenons un participant invisible. Gardez cela à l'esprit pour les scènes de bataille où la vue à la troisième personne donnera une vue de l'Avent, mais une première personne vous le rendra plus visible. Donc nous avons cette conversation peut-être houleuse entre ces deux personnages. Mais à la troisième personne en voyant que nous sommes au-dessus des personnages ont été vus beaucoup de l'environnement. Nous ne sommes pas vraiment investis dans ce qui se passe, c'est plutôt à peu près où ils sont et ce qui se passe d'une manière générale. Mais ici, sur la vue à la première personne, c'est plus sur l'échange émotionnel et la dynamique de ce qui se passe entre ces deux personnages. Souvent, vous le voulez, si vous voulez plus d'énergie dans votre scène. Parfois, vous le voulez si vous ne faites que mettre en valeur un emplacement. Mais s'il s'agit des personnages, mettez la caméra vers le bas avec les personnages au niveau des yeux des personnages bas ou quelque part près de cela. 17. erreurs Common pt. 3: Pose orthogonale, moyens orthogonaux de ou impliquant des angles droits. Lorsque les personnages ont posé orthogonale à l'angle de vision et faire des Phil plat ou des poèmes. Vous voyez que lorsque l'opposition est complètement plat pour vous, le bras est complètement droit dans le visage est complètement droit pour vous. Regardé un peu d'inclinaison et se tourner vers le corps et les membres pour ajouter un plus grand sens de la profondeur et rendre le remplissage de pose plus naturel. Et l'exemple ici, nous avons une pose orthogonale peut être condamné à une amende pour la conception de caractères parce qu'il simplifie la tâche. Cependant, même à la pose finale est d'être droit sur un peu incliné et se tourner vers le corps. Film photo plus 3D. Donc, en tordant le haut du corps comme ça un peu. En inclinant un peu la tête vers le bas. Il rend le corps rempli plus naturel et il a un peu meilleur sens du volume. Maintenant, probablement même envie d'aller plus loin que ça. Mais même cela est une grande amélioration. Soyez donc vigilant pour éviter d'accrocher la pose à être complètement face ou vue latérale. Nos cerveaux veulent naturellement claquer tous les membres qui sont presque orthogonaux à orthogonaux. C' est souvent le cas et mettre les jambes pour une raison quelconque, les jambes sont particulièrement sensibles à être posé parfaitement sur le côté quand un autre trois-quarts pose. Maintenant, le point de vue orthogonal est également un problème. C' est là que vous arrangez les choses et orthogonales et à 90 degrés à plat à l'appareil photo. Rappelez-vous que la scène est la scène, et vous êtes le réalisateur. Vous pouvez déplacer cette caméra où vous voulez qu'elle soit. C' est à vous de déterminer où les caméras devraient être. Pour être plus efficace. niveau des yeux droits et les vues latérales plates peuvent être la meilleure option lorsque la lisibilité de la scène est primordiale. Maintenant, cela peut inclure des scènes qui sont vraiment complexes et beaucoup de sujets occupés. Beaucoup de choses en mouvement ou en action ou les images vont être vues dans une très petite taille. Mais si l'un de ces points ne s'applique pas, essayez d'utiliser un angle de caméra plus dynamique. Maintenant, testez la caméra dans différentes positions dans vos esquisses ou dans la scène. Peut se défoncer. Mettez-le bas jusqu'à ce que la caméra soit un peu plus proche du sujet, balle en arrière plus loin du sujet. Vous devez penser à cela, car c'est quelque chose qui est rarement considéré par le novice. Et novice choisit simplement le placement de la première pensée le plus direct pour la caméra, et ensuite ils ne le reconsidèrent plus jamais. Et vous voulez le considérer parce que le simple déplacement de la caméra peut faire une énorme différence dans la scène. Souvent, ce n'est pas la conception du personnage qui doit changer. Ce n'est même pas les couleurs sont les valeurs. La caméra n'était pas dans la position optimale sur votre petite scène. Maintenant, c'est comme ça que j'y pense souvent. Je pense à cette scène que j'illustre comme un petit diorama ou comme si c'était juste une pièce qui se déroulait sur scène. Et que j'ai reconnu que tout ce qui est là-bas, c'est juste un petit accessoire. Et je pense juste, ok, eh bien, je suis le réalisateur. Je peux déplacer mon appareil photo où je veux. Peut-être que je devrais être en bas à la recherche de ce personnage. Ou peut-être que je devrais être ici en regardant de côté. Donc je fais quelques croquis pour savoir où cette caméra devrait se vanter d'un train. Donc on est une bonne idée. Bien sûr, nous devons nous entraîner et compréhensible. Et si vous demandez à quelqu'un de tirer le train, il pourrait s'approcher de cette façon. Et la plupart des gens le comprendraient. Mais est-ce vraiment l'endroit idéal pour mettre l'appareil photo pour cette scène ? Je veux dire, ne pourrions-nous pas faire mieux ? Et si on le déplaçait ? Et si au lieu de cela, on essayait de le rendre un peu plus intéressant ? petite chambre là-bas. Et si le niveau des yeux restait à peu près le même ? Mais au lieu de cela, le train a bouclé vers la caméra. Ça semble plus intéressant, non ? Ou vous pouvez même le changer à la verticale si nous mettons l'angle de la caméra plus bas. Tu as ce genre de poisson, je pense qu'il y a. Maintenant que cela est aussi plus intéressé, mais tout cela est plus intéressant qu'une simple vue latérale plate. C' est, c'est bon. Si vous travaillez juste sur ce qui doit être dans la scène, vous avez juste une sorte de comprendre ce truc. Mais c'est vraiment, vraiment ennuyeux. Recherchez d'autres façons que vous pouvez placer l'appareil photo plus près, sont plus haut ou plus bas pour rendre l'ensemble de la scène lu a un peu plus intéressant et engageant. 18. erreurs Common pt. 4: Ne positionnez pas vos sujets. Ainsi, l'a un tampon visuel entre eux et il aplatit l'image et la rend non naturelle à la place, utilisez le chevauchement pour aider à ajouter de la profondeur et faire en sorte que les sujets s'intègrent dans l'environnement. Va faire un petit croquis ici, mais laisse-moi lire le reste. Et la plupart des cas, vous voulez établir un premier plan, milieu du sol et l'arrière-plan que chevaucher les éléments de chaque plan avec le plan derrière lui. Si vous empilez tous les sujets sur le même plan, la scène se remplira à plat, semblable au jeu en voyant les sujets orthogonaux à l'angle de vision. Donc, à emporter ou utiliser le chevauchement pour créer une meilleure sensation de profondeur et créer un premier plan, milieu de terrain et un arrière-plan. Ok, disons qu'on a juste une petite scène. Voici quelques sujets simples. Tension pour avoir une ligne d'horizon là-bas. Nous avons notre personnage au milieu parce qu'ils sont au sous-o principal , et puis nous avons un arbre. Et l'arbre est par ici. Et puis l'arbre monte dans leurs branches ici, vient comme ça et il y a du feuillage et des trucs là-haut. Je dirai qu'il y a une maison en arrière-plan. Et les maisons ici viennent là-haut comme ça. Ensuite, il y a une chaise assis là à côté d'eux et ils ont juste mis en place qui a tous les sujets dedans. Mais c'est de ça que je parle, tamponner. Il y a une zone tampon, aucune ne se chevauche. Quelque chose d'autre ? Chaque chose a de la place à côté, donc il n'y a pas de chevauchement à cela, aplatit cette scène. Même si vous avez cette scène complètement ennuyeuse d'un personnage dans un arbre, dans une chaise et chevauche juste une partie de celui-ci. Ce serait un peu mieux. Et maintenant on dirait qu'ils existent dans le même univers. Maintenant, nous avons beaucoup de chevauchements qui se produisent. Où vous avez l'élément de premier plan, qui est ce bâtiment de bouton. Et elle, l'élément moyen du sol, qui est fondamentalement cette série de bâtiments et ces bâtiments. Et puis les tours au sol lointain. Et chacun d'entre eux est autorisé à se chevaucher. L' autre, Prince, je ne veux pas que ce bâtiment monte deux là et s'arrête. Non, je voulais continuer derrière elle. En utilisant aussi des choses comme les nuages pour aider les actes au centre des sourds. Pour essayer de faire cela, essayez de créer un premier plan, un terrain intermédiaire et un arrière-plan. Mettez les choses à un léger angle. Ces bâtiments sont intentionnellement inclinés ce qu'il faut vous attirer dans la scène. Ils ne sont pas dessinés complètement à plat à l'angle de la caméra. Et la dernière chose que nous allons regarder, c'est le surrendu. Évitez donc de mettre trop de détails dans le concept pitch qui n'a pas été approuvé pour la finalisation. La scène n'est pas choisie, vous perdrez de précieuses heures de travail. Donc, des éléments comme les compétences, les maillons de chaîne et les tatouages, sont des parties secondaires qui peuvent être impliquées dans un croquis avec très peu de temps. Mais cela ne signifie pas nécessairement avoir besoin d'être bâclé. Donc, comme vous pouvez le voir ci-dessus, l'image est claire, les proportions sont bonnes et tous les éléments sont pris en compte, ce est tout simplement pas vraiment détaillé. Tout est là où il devrait être. Tout suit la bonne perspective. Tout est de la bonne taille. Je n'ai pas fait toutes les lignes de perspective pour tout. Je n'ai pas mis toutes les petites pièces d'équipement et les nuances. Donc j'ai donné ça au client et je lui ai dit, hé, est-ce que c'était le bon SIG, est-ce que ce sentiment est juste pour toi ? Et ils ont dit, oui, on aimerait ça, allez-y et allez-y. Et ce n'est qu'après que cela a été approuvé que je suis allé plus loin et j'ai passé le temps de l'affiner jusqu'au dessin final. Donc, nous l'enveloppons là-bas sur les erreurs courantes et passons à des études de valeur. 19. Études de valeur: Passant à l'étape suivante, nous allons mettre un peu d'ombre. Et rappelez-vous que le dessin définit le sujet, l'éclairage définit l'ambiance. Et nous voulons utiliser l'éclairage est mis une certaine humeur, mais aussi juste pour des raisons de clarté. Sur ce projet est ombrage passes nécessaires en commun les concepts sont soumis au directeur artistique. Ce que vous voyez ici sont les finales que je choisis de pécher, mais ce que vous ne voyez pas ce sont les variations de chacun qui ont expérimenté avant d'arriver à ceux-ci. J' ai malheureusement supprimé ces variations car je ne savais pas que j'allais en avoir besoin pour cette vidéo, mais nous allons jeter un oeil à la démo du processus un peu plus tard. Le but de cette étape est d'établir un schéma d'éclairage qui reflète le, le désir et l'humeur et maintient l'image compréhensible. Si vous n'avez pas une bonne compréhension des valeurs. Découvrez mes principes fondamentaux de l'art, épisode de valeurs sur youtube.com slash swatches. Maintenant, le client peut vouloir voir plus de variations de constante choisie particulière, mais pour l'instant, l'un de chacun est des études de valeur suffisantes. Le novice pourrait penser, généralement je commence juste à ombrage et voir comment ça se passe. Je suis à la mode, dit que je fais des études de valeur pour élaborer le schéma de valeur. Donc je sais où ça ira. Faites ce qu'au moins trois études de valeur de chaque concept. Chaque étude est devrait utiliser une valeur différente et un arrangement d'éclairage, pas seulement de petites variations de la même. Il y a deux facteurs à expérimenter. Bonne variété. A est la position de la source lumineuse et être le motif clair et sombre avec une position de lumière. Essayez de déplacer la source lumineuse dans la scène. Devant, côté gauche, côté droit, en dessous. Et combiné avec être élevé ou bas. Idées de déplacer la caméra dans toute la scène. Afin d'obtenir une scène plus dynamique, nous voulons envisager de déplacer la source lumineuse pour qu'elle ait la bonne humeur pour l'image et créer un motif lumineux et sombre dynamique. Pour les motifs clairs et sombres, votre attention sur Placer les choses légères contre l'obscurité et vice versa. Je pense en termes de grandes unités ou des zones comme un personnage entier ou Obamacare. Et faites ressortir une unité parce qu'elle est moyennement plus claire ou plus foncée que l'arrière-plan. Passez à travers. Commencez par faire des cartes des différentes zones principales de l'image. Ce sont généralement les plaines, mais peut-être de grandes unités comme des personnages. Ça prend un moment au lieu de la masse. Mais si vous faites plusieurs variations, c'est plus rapide à long terme. Et ce cas, il est divisé en premier plan, caractères du milieu et arrière-plan. Selon la scène, vous pouvez subdiviser l'une des zones telles que l'unité de caractères en cartes individuelles. C' est aussi précis que vous voulez le prendre à ce stade. Ne pas subdiviser en éléments de vêtements et de peau et les différentes plantes en arrière-plan. Je suis note que les concepts de schéma de valeurs sont plus sur la modification du motif de lumière et d' ombre dans la scène que sur la modification des valeurs des objets dans cette scène. Nous n'essayons pas de faire du Pegasus un manteau de couleur plus claire ou plus foncée. Mais que nous mettions le Pégase à la lumière ou à l'ombre, c'est une différence importante et que les novices se trompent souvent. 20. Apprêtes d'étude de valeur: Approches de valeur du sodium. Ok, donc tu dois faire des études de valeur. Mais où le stockes-tu ? Comment même aborder cela ? Quoi, quelle est la ligne directrice pour faire une étude de valeur décente ? Parce que de quoi il s'agit, nous voulons créer des schémas de valeurs simples avec des valeurs limitées. Maintenant deux approches pour commencer avec nos trois plans de valeur et les dégradés inversés. Ce sont juste ceux que j'ai nommés pour moi-même que j'utilise parfois qui je pense, ont un certain mérite en ce qui concerne être très facile à ramasser par quelqu'un d'autre. Sur le côté gauche, nous avons juste une petite ventilation ici qu'il existe de nombreuses façons d'utiliser tons de valeur simples et des dégradés pour créer schémas de valeurs clairs et engageants sans détails. Tous ceux-ci ont un schéma d'éclairage différent là-bas sur la panne. Et ils se présentent tous très bien. Mais ils montrent pour différentes raisons. Est-il léger contre moyen, ou est-il clair contre sombre ou moyen contre plus sombre, sombre contre moyen ? Une obscurité contre la lumière. Reste-t-il un ton cohérent ? Est-ce qu'il va de l'obscurité à la lumière comme il va de haut en bas ou vers le haut ou d'un côté à l'autre. Ce genre de variations est ce que nous recherchons dans l'état. Maintenant, les trois plans de valeur sont une façon très, très simple d'aborder les études de valeur. Mais passons en revue parce qu'il a le concept le plus basique ici. Attribuez chaque plan ou sol, sol moyen et arrière-plan. L' une des trois valeurs de la lumière, moyenne ou non. Si vous ne voulez pas commencer avec des schémas de valeur qui peuvent vous amener à bouger. Certains sembleront OK de ceux ne le seront pas. Et c'est bien. Cela vous aide à vous donner une direction pour vous déplacer ou une direction pour ne pas vous déplacer. Maintenant, exemple un ici a le mérite avec un schéma de dork à lumière qui reculent. Ceci est très cohérent et très accessible en tant que spectateur. Il conserve également les caractères principaux dans la plage de valeurs moyennes, qui est l'endroit où vous allez avoir le plus de saturation de couleur. Le numéro trois est bon avec un faisceau lumineux sur le point focal. C' est donc le plus brillant ici, que le fond est sombre. Ce beau contraste entre la lumière et l'obscurité là. numéro deux peut être rejeté parce que le fait d'avoir les personnages et les ombres sombres donne juste le mauvais ton et les rend presque comme s'il y avait les méchants de l'histoire et ce n'est pas ce que nous recherchons. numéro quatre est aligné sur la roche de premier plan, ce qui est juste distrayant et fait sentir que les personnages se cachent dans l'ombre. Donc, nous rejetons aussi l'un des trois serait le meilleur pour essayer la zone de variation père. Et comme je l'ai dit, des itérations. Mais les dégradés inversés, nous utilisions l'outil dégradé pour bloquer les valeurs et la doublure. Et c'est ce qu'on appelle les dégradés inversés parce que nous voulons positionner la moitié légère d'un gradient par rapport à la moitié sombre de la suivante. Cela garantit que tous les sujets se démarquent les uns des autres et évitent les appariements de l'obscurité, de l' obscurité ou de la lumière. Et c'est à ça que je pense toujours quand je vais les étaler. C' est le jumelage. Et il n'y a que quatre appariements possibles. Si vous travailliez avec l'idée de la lumière et de l'ombre. Et c'est la lumière et la lumière. Lumière sur l'obscurité, sombre sur la lumière, ou sombre contre l'obscurité. Et si vous avez des tons moyens et que vous savez, il y a plus de jeu là-bas. Mais c'est la façon la plus simple d'y penser. Alors passons en revue à quoi ils ressemblent. Il n'est pas nécessaire d'utiliser toute la plage de dégradés. Exemple numéro un. Eh bien, en regardant cette pourriture de premier plan, parce que c'était un caractère d'élément ou un arrière-plan d'élément en tant qu'élément. Donc, ça ne devient pas vraiment lumineux ici. Il y a juste utilise l'extrémité sombre du gradient, mais pas la lumière dedans parce que je n'ai pas vraiment besoin de lumière sur ce rocher juste là. Numéro deux, utiliser un dégradé droit ou un dégradé circulaire peut être mieux. Alternez entre ceux-ci en fonction de votre scène et de vos besoins. Et le gradient de déformation va juste rendre les choses plus claires ou plus sombres sur une ligne droite tout au long du gradient circulaire. Vous pouvez voir ici un exemple de trois, qui est la partie la plus légère, est juste là au milieu, et il rayonne dans un motif de cercle. Alors lequel a raison ? J' utilise probablement un cercle plus que le droit. Mais l'un n'est pas nécessairement toujours meilleur que l'autre. Expérimentez avec la lumière venant dans des directions différentes. Comme sur la photo, en haut vers le bas, en haut à gauche, en diagonale et au centre. Donc celui-ci a la lumière qui descend par là. Celui-ci a laissé, venant de cette façon. Celui-ci s'est centré sur la sortie dans toutes les directions. Encore une fois, nous examinons la variété à ce stade, qui est d'essayer de couvrir un éventail d'options pour voir ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. Et il y a un exemple de dégradés inversés. Et nous pouvons voir qu'avec la lumière dans le dégradé sur les caractères est placé en haut à gauche. L' obscurité à sa place en bas à droite. Mais l'inverse se fait avec le fond. Donc, quand l'arrière-plan, la lumière est en bas. Donc, nous avons le contraste de l'obscurité contre une lumière. Et puis à l'autre bout, nous avons l'obscurité contre une lumière ici. C' est la puissance de l'approche de gradient inverse. Maintenant, ceci est un exemple d'un mal fait qui utilise un sombre, sombre et clair, parents clairs étaient la lumière dans le gradient est utilisé sur le dessus de ces caractères avec une moyenne de base et l'ombre. Rien de mal à ça. Exactement le même genre de chose que nous avons ici. Cependant, nous imitons exactement la même chose en arrière-plan. Avec le fond est également clair à sombre avec la même direction. Et cela signifie que les personnages ne se distinguent pas du tout. Et la chose qui ressort le plus, c'est ce rocher au premier plan. 21. Démo inverse: J' ai chacun de ces plans sur une couche différente à l'intérieur d'un masque d'écrêtage, comme nous l'avons déjà vu à l'arrière-plan. Je vais aller par ici. Je vais tirer vers le haut l'outil de dégradé. Et puis je vais commencer par l'arrière-plan. Et je pense que nous allons peut-être expérimenter avec quelque chose d'un peu différent. Allons monter la lumière. De cette façon. C'est un peu intéressant. Puis sur les personnages du milieu du sol, peut-être que la lumière descend dans la direction opposée. Ça peut descendre comme ça. Il met plus l'accent ici sur cette force. Mais nous obtenons d'excellents bords tout le long ici et nous obtenons une excellente silhouette le long de là. Et ce cas, je veux m'assurer que cette jambe de cheval est meilleure. Nous voulons probablement soulever cela pour qu'il puisse être considéré comme une silhouette un peu mieux, car cela ne va pas avoir assez de lumière dessus. Maintenant sur le rocher et voir ce qu'on veut faire là-bas ? Nous voulons la lumière sur cela ou non, doit le basculer vers un gradient droit. Et on pourrait le faire comme ça, disons, ok, eh bien le sommet de ce rocher en attrape un peu. Mais je n'ai pas vraiment besoin de lumière ici qui nous attire. Et aussi nous le perdons là-bas, ce qui est une lumière contre le peering de lumière. Donc peut-être qu'il pourrait faire tout noir ou peut-être qu'il peut être sous allumé, ce qui est un peu intéressant, mais nous ne voulons pas qu'il soit aussi brillant que le reste. Donc c'est plutôt cool. Dans l'ensemble, j'aime la façon dont les valeurs sont claires les unes contre les autres là-bas. Ce serait le travail de l'artiste alors de vendre ça. Pourquoi est-ce que c'est comme ça qu'il y a quelque chose de substantif ici. Cela pourrait-il être la lumière reflétant d'une piscine ? Pourriez-vous avoir un large tableau de moyenne d'effet projetée sur les caractères à cet état. Aussi, on perd un peu là-bas sur cette jambe. Donc, ce pourrait être un cas où vous vouliez réellement créer une lumière secondaire juste pour sortir certains d'entre eux, ou nous pourrions jouer avec. Jouons avec d'autres options pour un instant. Et si, par exemple, les caractères étaient sous allumés ? Nous n'avons pas de variation de cette façon. Donc, si cela arrivait comme ça, un peu intéressant, maintenant ils se tiennent encore assez bien de l'arrière-plan, pas beaucoup de changeabilité nécessaire. Changez-le et voyez ce que nous obtenons. Ok, eh bien, c'est vraiment intense, mais j'aime vraiment comment ça les met dans autant d' ombre que les visages semblent maintenant trop inquiétants. Et c'est un peu intéressant. J' aime en quelque sorte ça. Pour que ce type puisse avoir une lumière vive qui vient juste frapper ses bords là-bas. Et il va essentiellement être dans l'ombre, mais ces gars vont attraper ce sous-jacent, pourraient même tirer un peu plus ça et obtenir plus de pop sur le vin. Et puis sur cette roche, nous devons faire un changement, obtenir un peu de lumière sur le dessus de cette récolte parce qu'il va y avoir un appariement sombre et sombre sur le fond. Donc, nous allons avoir ce premier plan. Et qui va faire un peu de lumière sur ce lancer. Pas tout à fait aussi lumineux que le personnage, mais ce qui serait comme quelqu'un qui déverse de la lumière est également obtenir la lumière réfléchie. C' est une approche que j'utilise toujours. Je ne fais pas toujours une approche particulière, mais c'est une que j'utilise définitivement et c'est une que je recommande car vous pouvez obtenir beaucoup d'informations très rapidement. Et il construit immédiatement un schéma de valeurs fort. Et si vous le faites correctement, sous-estimez pas non plus l'audience. Beaucoup de novices font beaucoup de tons plats, que le personnage est uniformément éclairé. Généralement, les gradients sont plus intéressants. Ils passent de la lumière à l'obscurité. Il y a une transition entre les personnages et les sujets. Et c'est une meilleure option. 22. 3 plans de valeur: Les études sont très simples comme en particulier les trois plans de valeur. Et vous devez les faire pousser un peu avant qu'ils soient prêts à être soumis à votre client, utilisera la variation un des trois études plaines de valeur comme exemple, bien que le processus puisse toujours être utilisé sur les gradients inversés aussi. Je pense en fait que les versions de gradient inverse sont plus intéressantes, mais je ne voulais pas montrer comment il peut être appliqué à la version la plus simple. Alors j'ai attrapé celui-là. Le but ici est d'établir un modèle de lumière et d'ombre dans nos valeurs. Ceci est important sans compromettre le schéma de valeurs. C' est là que les gens font l'erreur. Ils créent un schéma de valeurs. Ensuite, ils commencent à entrer et à ajouter de la lumière dans l'ombre sur tous les différents sujets. Et ils ignorent totalement le schéma des valeurs et le sapent. On ne veut pas faire ça. Cela signifie que nous ne pouvons pas nous éloigner trop des valeurs de base déjà établies. Le calque de lignes est sur le dessus et il est défini pour se multiplier. Donc nous serons toujours plus sombres que les choses en dessous. Un tons plats ou sous les lignes entre eux, une nouvelle erreur normale est faite, et il est réglé environ 33% opacité. C' est un tiers qui est important. C' est important parce que si nous le laissons déplacer plus d'un tiers, alors nous laissons la lumière aux transitions vers les médiums et les médiums vers les sombres. Et cela compromettrait tout le système de valeur. On pourrait voir la différence ici. C' est notre valeur de base, c'est notre lumière, c'est notre médium, et c'est notre obscurité. Et à l'intérieur de cela, nous voulons être en mesure d'avoir un léger, moyen et sombre de chacun d'entre eux. Mais vous saurez qu'aucun d'entre eux n'est autorisé à avoir la plage de valeurs complète. Essentiellement, l'obscurité de ceci est juste d'arriver à celui-ci. Et l'obscurité de ceci arrive à la fin de celui-ci. Personne ici ne peut y arriver, non ? Et cela permet de garder les choses plus cohérentes. Mais je peux peindre en noir et blanc. Je peux juste appuyer sur la lettre D sur mon clavier par défaut, qui est noir à l'avant, blanc et arrière, je peux appuyer sur la touche X pour échanger ceux. Vous permuterez toujours le premier plan et l'arrière-plan. Si tu fais ça, je vais juste me chercher un pinceau carré arrondi ici. Mettez ça à l'échelle un peu. Et je peux payer dans ma lumière et dans mon ombre sans soucier de savoir s'ils vont dépasser la valeur suivante. Parce que cette couche est définie, comme je l'ai dit, trente-trois pour cent. Je vais mettre un peu de ton dans les arbres de fond. Je veux juste que certains d'entre eux soient silhouettés. Si vous allez regarder beaucoup de travail professionnel, vous verrez que c'est une caractéristique majeure qu'ils utilisent dans leur travail, qui est la valeur limite dans les choses à une certaine plage de valeurs, particulier pour les choses qui descendent dans la distance. Maintenant, quand ces gars, disons juste que la lumière vient en quelque sorte pour voir d'une vue de dessus. On peut y avoir un peu d'ombre parce qu'elle est en dessous et c'est vraiment malade. C' est essentiellement un ORM en dessous. Et je vais laisser ça devenir un peu plus sombre. Et puis cela va bien marcher parce que pourquoi je pense toujours à des motifs clairs et sombres, même si je ne peux pas aller à la gamme complète de valeurs, cela ne signifie pas que je ne pense pas aux motifs clairs et sombres. Je veux que la lumière l'emmène là-bas. Le filet le met contre l'ombre de l'aile jetée ici. Maintenant, je vais dire que cet autre Pégase est peut-être sorti sous l'ombre de cette aile. Et donc je vais le laisser s'allumer. Je veux indiquer le formulaire. C' est quelque chose que vous voulez faire à ce stade est simplement d'ajouter un peu de lumière pour aider à faire ressortir ce que sont les formes qui vont regarder. Et voilà, ce serait une valeur rapide et un passage de lumière au-dessus de cela. Trouve juste ce que sont les dynamiques. Et vous pouvez l'éteindre et vous pouvez faire une autre variation où vous mettez la lumière venant d'une direction différente. Si je viens ici et que je pousse ça, c'est une opacité totale. Et le schéma de valeur vient de sortir de la fenêtre. Ne fais pas ce genre d'erreur. Il a mis fort en ayant un peu de contrôle. Maintenant, si vous voulez bien cette scène globale et donné un ajustement, absolument, vous pouvez le faire et copier et coller cela. Et puis je peux juste faire une valeur. Dites, OK, je vais ajuster les valeurs globales là-bas. Si vous pensez que ça devient peut-être trop clair ou trop sombre, vous pouvez faire ce changement. 23. Direction et discussions: Après avoir pris le temps d'examiner les concepts et le client s'installe sur le concept pour a été soumis. Maintenant, c'est assez commun pour le client de choisir un, mais aussi quand certains changements en même temps. Et ce cas, ils ont aimé cette scène, mais ils veulent être plus près des personnages avec la caméra, avec eux remplissant plus de l'image. Il aimerait voir que les cochons arrière est placé sur la gauche et en dessous du Pegasus avant pour mieux utiliser l'espace de la nouvelle composition. Maintenant, c'est un bon appel si vous voulez être plus proche du personnage, est ce placement du Pegasus sur de l'autre côté fait un meilleur usage de la pièce globale. Maintenant quelques couvertures de livres Vous voulez suggérer au personnage principal de les garder plus petits avec leur tour arrière ou de les garder dans l'ombre. Et cela permet à l'imagination du lecteur et le personnage de se développer encore, nous faire qu'ils ne sont pas spécifiquement représentés dans l'art. Alternativement, certains Klein sont allés à représenter clairement les personnages en définissant exactement ce à quoi ils ressemblent. Maintenant, les changements qu'ils ont demandés feront passer le concept de l'approche suggérée à l'approche spécifique. C' est une requête sensée qui est immédiatement implémentée. On va tomber sur les personnages, a déplacé le Pegasus. Et si les changements demandés ou ou pour une raison quelconque de votre directeur artistique ou de votre client, alors il demande des éclaircissements. Ne commencez pas bien, en devinant ce qu'ils veulent et en faisant tous les changements, puis voyez si c'est correct. Maintenant corrigez-le avec eux d'abord. Ensuite, allez mettre en œuvre les changements. Ainsi, un recadrage rapide et un repositionnement plus tard, la nouvelle composition est établie. Avant d'aller plus loin, cela est envoyé au client pour confirmation que ce sont les résultats qu'il souhaitait. D' accord. La couleur parlante et le contour fourni n'ont donc pas défini un moment précis de la journée ou un schéma de couleurs. Donc maintenant, nous devons faire des variations de couleur et d'éclairage. Et peut-être que le client et une fois un ensemble d' options à choisir comme il était dans ce cas. Cependant, même s'ils n'ont pas besoin d'options, vous devriez toujours faire un minimum de trois variantes juste pour vous assurer que vous couvrez vos bases. Iterations, améliorer l'image, et ils ne veulent voir quelques options. Je leur ai dit de choisir votre préféré parmi les quatre. Je l'ai été, je vais faire quelques variations de couleur. Je vous l'enverrai. Vous me dites lesquelles vous aimez le plus. C' est donc sur quoi je vais travailler à ce stade. Maintenant, eh bien, la direction du schéma de valeur a été définie. Il y avait encore beaucoup de marge de manœuvre dans la façon dont la lumière et les couleurs peuvent être manipulées. Essentiellement, je dois conserver ces facteurs que les caractères restent plus légers que l'arrière-plan. L' arrière-plan est principalement sombre et la lumière directe frappe les personnages. Dans cela, il y a encore beaucoup de jeu avec quelle direction vient la lumière et quelles couleurs tout est, car cela dévaluerait les études. Il ne s'agit pas de changer le ton des éléments individuels dans la scène, mais de changer le jeu de couleurs et la palette de couleurs entrera dans cela. Donc, vous comprenez que quelque part différent. Et avant les études, discutons de la couleur. Une ambiance dégradante clé dans l'image est de limiter la palette de couleurs. Maintenant, le novice a tendance à penser que plus de couleurs mieux. Mais le pro reconnaît que pour créer une bonne humeur, souvent le contraire est vrai. Limiter la palette de couleurs rend les choses plus harmonieuses, lie les choses ensemble, et cela crée une certaine humeur contrôlée. Apprenez à reconnaître les jeux de couleurs réussis et enregistrez-les pour référence ultérieurement. Maintenant, ne vous sentez pas coupable d'avoir utilisé un schéma semblable à une autre image. Parce que tous les schémas ont déjà été utilisés. Chaque combinaison de couleurs de la lumière et de l'obscurité, chaque type de palette de couleurs a déjà été utilisée par quelqu'un à un moment donné. Et c'est bon. Évidemment, nous ne voulons pas copier les œuvres d'une autre personne. Mais si vous avez un sujet complètement différent dans un genre complètement différent, même et que vous voulez utiliser les mêmes couleurs, alors faites-le. Ce n'est pas comme si ils étaient la première personne à utiliser ce schéma de couleurs non plus. Nous travaillons tous dans le même bassin de couleurs. Personne n'a la propriété de l'un d'eux. Et aussi, nous voulons en savoir plus sur ce qui fonctionne. Nous voulons comprendre ça. couleurs elles-mêmes sont rarement aussi importantes que la relation des couleurs. Une fois que vous définissez la relation entre les couleurs à partir de vos références, il devient des informations utilisables. Vous pouvez déplacer les couleurs utilisées, mais tant que vous conservez la même distance relationnelle et les mêmes variations de luminosité, et que vous êtes adapté jeu de couleurs fonctionnera. Maintenant, cela a à voir avec les couleurs étant subjectives. Et aussi longtemps que vous gardez la même distance entre vos réchauffements et refroidissons, vous pouvez déplacer un réchauffe et refroidit autour de la palette, puis rester la même distance et ils ont la même relation les uns des autres, va regarder plus dans ça. La différence entre un jeu de couleurs et une palette de couleurs est qu' un schéma fait référence à l'arrangement par rapport à eux-mêmes sur la roue de couleurs. Alors que la palette de couleurs est un ensemble spécifique de couleurs sur la volonté. Par exemple, un schéma de couleurs analogue est n'importe quel ensemble de couleurs voisines, disons juste ces ici, qui pourraient être de n'importe où sur la volonté. Alors qu'un schéma de couleurs chaudes est également analogue, c'est une famille similaire, mais il est spécifiquement situé sur le côté chaud de la roue de couleur. Donc, le schéma de couleurs a à voir avec le groupe de couleurs dans qui peut s'asseoir de n'importe où sur la roue de couleur. Analogous pourrait être analogue dans le ton vert ou analogue dans le ton rouge. Et la palette de couleurs est toujours un ensemble spécifique de couleurs et vous ne pouvez pas les déplacer autour de cela, c'est votre palais. C' est comme dire, j'ai brûlé l'ombre et le noir et blanc. C' est une palette spécifique. Ce n'est pas un plan. 24. Schémas de couleur: Maintenant, regardons quelques schémas de couleurs. Ceux-ci sont tous basés sur cette même couleur. Allons-nous avoir monochromatique ici, qui est une couleur et divers degrés de lumière et d'obscurité et divers degrés de saturation. Et vous pouvez faire une image entière avec un ton comme celui-ci. schémas de couleurs analogues sont des couleurs similaires. Il peut prendre environ un tiers de la roue de couleur. Et vous remarquez que ce ne serait pas à peu près la même chose que si vous dépassez un tiers de la couleur, nous allons alors vous obtenez vraiment des choses qui finissent par être opposées. Donc, si nous avons étendu tout cela jusqu'ici, maintenant vous avez des couleurs complémentaires dans la même chose. Et ça ne marchera pas. Ce n'est plus des vues analogues ont vous deux opposés. Vous devez donc le garder à moins de 30 % de la couleur. Cela a un ton proche ou comme esprit, et c'est un schéma de couleurs très cohésif et il peut être utilisé pour des semble positifs, il peut être utilisé pour les émotions négatives semble. Mais il joue très bien ensemble. Les schémas de couleurs complémentaires créent beaucoup de tension ou d'opposition ou font bien d' exemple ceux parce qu'il est basé sur avoir des couleurs opposées. Dans le cas de cela ici, il est rouge et vert. Ensuite, nous avons ces doubles portages complémentaires. Celui-ci est en fait l'un de mes favoris parce qu'il vous donne la tension d'avoir des tons fondamentalement opposés. Mais c'est un peu plus d'équilibre. Donc, vous n'utilisez pas seulement des opposés complets. Vous remarquez ici que sur le compliment partagé Mary, vous n'utilisez pas le contraire direct. Vous utilisez le voisin de chaque côté de ce direct opposé. C' est en fait le schéma de couleurs utilisé ici sur cette petite pièce de Yana, sorte que vous avez le ton violet. Mais au lieu d'avoir le direct un jaune comme le contraire, nous avons le vert jaune et l'orange jaune. Et cela fonctionne assez bien ensemble. Non, ce que nous avons fait des images très colorées. Et le triadique est assez délicat. C' est très coloré parce que tu as un triangle à travers tout ça. Aucun d'entre eux n'utilise ses opposés directs. Mais essentiellement en utilisant toutes les primaires sont toutes les couleurs secondaires. Et c'est assez bien équilibré. Mais vous ne créez pas vraiment beaucoup d' humeur à partir de lui parce qu'il couvre juste l'ensemble du testament. Et c'est aussi celui qui était beaucoup plus populaire dans les bandes dessinées parce que dans l'ancien temps, ils n'avaient que quelques couleurs pour travailler avec. Et c'est pourquoi vous avez les personnages principaux dans la bande dessinée utilisant des rouges brillants , des bleus et des jaunes comme beaucoup des couleurs principales étaient les personnages de l'ancienne école. Déménager. Nous avons la racine carrée de celui-ci est très coloré, mais il est difficile à utiliser parce que encore une fois, c'est deux ensembles d'opposés. Il s'agit de deux combinaisons de couleurs complémentaires utilisées en même temps. Et c'est plus juste d'avoir de la couleur. Vous n'allez pas créer beaucoup d'humeur très facilement. Le plan. Si vous voulez créer plus d'humeur, vous voulez aller avec un de ces gars ici parce que vous pouvez contrôler les couleurs un peu mieux. Le rectangle est très similaire, encore une fois, très coloré. C' est aussi deux ensembles de compléments, et l'arrondir est discordant, qui est tout est fondamentalement dans la gamme de gris ou un très grand Kaldor similaire. Et tu as une couleur d'accent comme nous l'avons ici. Maintenant, le ton gris est en fait légèrement brunâtre, mais il est essentiellement juste cuve en rouge. Et cela peut être une image très brutale. Cela peut avoir beaucoup de signification pour cette tonalité de couleur particulière. Qu' est-ce que cela signifie pour vous ? Qu' est-ce que cela signifie pour moi ? Cela signifie que je dois être conscient que chacun d'entre eux est meilleur dans certaines choses et que d'autres sont meilleurs dans d'autres choses. Et je veux en choisir un qui suit le genre d'humeur et de direction que je veux pour mon image. Donc si je veux quelque chose qui est juste vraiment coloré, je ne vais pas choisir analogue parce que analogue ne va pas me donner assez de gamme de couleurs. Je veux probablement choisir un de ces trois. Et si je veux quelque chose qui a un sentiment très paisible, très harmonieux ? Je ne vais pas essayer au triadic parce que c'est partout. Je veux essayer un de ces types. Et si je veux quelque chose qui a une plus dynamique à elle comme un conflit entre deux parties opposées différentes. Je ne veux pas cela parce qu'il n'y a pas assez de contraste de teinte dans les couleurs. Au lieu de cela, je veux quelque chose qui a un contraste de couleurs d'un côté contre l'autre côté. Nous obtenons donc cette information sur l'humeur dans l'image, et nous traduisons cela à travers la composition comme nous l'avons fait plus tôt. Et maintenant, nous traduisons cela à travers la palette de couleurs aussi. 25. 3 Paradigms de couleur: Tous ces schémas de couleurs que nous venons d'examiner, ils visent à atteindre l'un des trois objectifs, soit l'harmonie, le contraste ou la plénitude des couleurs. Dans l'harmonie. Il comprend les schémas de couleurs achromatiques, monochromatiques et analogues. Et ils visent à atteindre la puissance visuelle grâce à la similitude des couleurs. Cela peut créer des scènes harmonieusement paisibles ou harmonieusement terrifiantes. Sa puissance vient du fait que toutes les couleurs sont très similaires. Il rassemble les choses et il y a une chose particulière qu'il dit, et il le dit très clairement. harmonie des couleurs est ce que beaucoup de peintures classiques utilisaient pour créer un impact visuel. Donc, beaucoup de vos images classiques et vos peintures de maître, Cependant, les schémas de couleurs de contraste utilisent dynamique complètement différente. Maintenant, ces gars comprendraient gratuit, split , gratuit, rectangle, et jetés. Et ils veulent créer un impact visuel à travers un choc de couleurs qui reflètent le conflit émotionnel, psychologique ou physique qui se produit dans la scène. Donc, si vous avez une scène qui traite de l'un de ces sujets, et que vous voulez probablement utiliser l'un de ces jeux de couleurs. C' est principalement ce que vous voyez dans les publicités. Quand ils essaient de vendre quelque chose, quand ils essaient de mettre une affiche et d'attirer votre attention, ils vont utiliser le contraste pour le faire. Couleurs opposées lumineuses qui se démarquent les unes des autres. Et le dernier est coloré, qui comprend triadique dans les schémas de couleurs carrées, qui sont les plus communs chez les sujets orientés vers les enfants. Les enfants répondent la plupart des deux couleurs, plutôt que l'harmonie de la couleur ou les contrastes de couleur fantaisie. Ils répondent juste à l'éclat. Soyez conscient que plus vous irez avec votre image. Autrement dit, plus la gamme de couleurs est large, plus il peut être difficile. Grande, riche émotion basée sur les couleurs dans la scène. Souvent, quand je fais des douleurs pour les étudiants, l' une des premières choses que je fais est de limiter la gamme de couleurs parce que souvent ils vont trop large avec les couleurs. Ils ont des oranges pleines pour les jaunes, verts pleins, des bleus de bol, et n'a tout simplement pas d'émotion cohésive à elle, alors cela ne peut vraiment pas fonctionner parce que toutes les couleurs n'existent pas sous toutes les lumières. Donc, en la limitant, nous arrivons souvent à une meilleure image, plus professionnelle. Parlons de l'harmonie des couleurs. Il y a quelques options ici. Il est important de se rendre compte qu'il existe plusieurs façons d'harmoniser les couleurs. Et les schémas de couleurs le font en utilisant uniquement des couleurs voisines. Monochromatique, et exemple analogue qui ici avec la couleur va juste le limiter à une section, comme la zone analogue là autour du jaune. Ceux-ci seront naturellement harmonisés parce qu'ils sont des couleurs voisines. Une autre option est de désaturer. Pellet tout-petits harmonisent tous comme ils désaturés, palettes tamisées le font dans des schémas achromatiques, noir et blanc naturellement, toutes les couleurs D saturent au gris au milieu. Ça veut dire qu'ils me sont tous ici. Alors que les choses D saturent, elles deviennent plus alignées. Donc, nous pouvons effectivement harmoniser les couleurs en poussant num plus désaturé. Si vous avez une scène qui doit avoir beaucoup de couleurs, mais vous ne voulez pas aller par-dessus bord avec elle étant si colorée. C' est probablement un très bon choix pour juste apporter la saturation, le dynamisme de la couleur est un peu bas, et je vais les faire jouer ensemble beaucoup mieux. Enfin, vous pouvez utiliser une couleur unifiante ou clé pour les autres couleurs. soleil orange, faites-le naturellement. Comme on l'a dit. Toutes les couleurs ne peuvent pas exister dans toutes les situations car la couleur dépend de la lumière. Et si la lumière est fortement tendue, comme elle peut l'être d'un coucher de soleil, alors que l'un juste étain va assister à tout ce qu'il frappe et cela fait jouer toutes les différentes couleurs ensemble. Maintenant quoi ? C' est beaucoup d'informations que nous venons de traverser. Alors mettons-le dans son contexte. abord, nous voulons définir l'ambiance des images, déterminer si cette humeur est plus harmonieuse, contrastée, ou simplement orientée vers les enfants, ce que nous prendrions être plus coloré. Ensuite, recherchez des jeux de couleurs qui correspondent à la catégorie sélectionnée et expérimentez avec ceux-ci. Et ce n'est pas un système parfait, mais c'est un moyen solide de commencer dans une direction. Passons maintenant aux études de couleur. 26. Études de couleurs: Maintenant que l'histoire de Pegasus est centrée sur l'aventure, je peux traduire cela pour contraster un jeu de couleurs de base. Cela signifie que je veux me concentrer sur l'utilisation de schémas de couleurs fractionnés, complémentaires, rectangulaires et jetés gratuits . Je vais commencer par rassembler les références des deux arts dans des photographies qui utilisent cette combinaison de couleurs. Examinons les notes. Différence de valeur. Ainsi, chacun est conservé sur sa propre couche pour un ajustement facile du recadrage. Il est conseillé de garder une couche de culture au-dessus de tout pour vérifier occasionnellement que suffisamment d'espace est ajouté le long du bord ou à haute voix le long du bord. Pour le processus d'impression, en général, vous pouvez autoriser un quart de pouce autour du bord. Cela est particulièrement vrai dans tout ce qui sera dans un article marketing qui va être imprimé physiquement. Ils ont besoin d'un peu plus d'image que l'image réelle parce que certaines d'entre elles vont être coupées. Et il y aura aussi un peu d'allocation. Le papier peut être tiré un peu dans une direction ou dans l'autre. Donc, vous avez besoin de plus d'image, alors vous aurez réellement visible. Enfin, il suffit de jeter un oeil à ces images ici à droite. Alors que l'image est orientée aventureux, qui, comme je l'ai dit, j'équivaut à un contraste de couleurs. Je veux en inclure un, un schéma de couleurs analogue juste pour tester les eaux avec le client. Maintenant, ils ne finissent pas par le choisir, mais j'ai pensé que ce serait bien de leur donner cette option. Les autres variations ou une combinaison d'une dynamique chaude et fraîche. Et parce que nous visions une villas raisonnables sur chaque variation de couleur était basée sur une photo ou une œuvre d'art, pas seulement moi, les couleurs de la Pologne hors de l'air. Notez que chaque variation utilise également une direction d'éclairage différente. On en a un du côté droit, on en a un du haut. Nous en avons un du côté gauche, et nous n'avons pas gagné essentiellement à venir par derrière. Donc, pendant que j'expérimente avec les palettes de couleurs, je vais aller de l'avant et expérimenter avec la direction de la lumière ainsi que chacun d'entre eux crée un motif d'ombre de lumière différent. Et le client peut vraiment aimer le motif de l'un, mais les couleurs de l'autre. Et c'est très bien. Je peux facilement faire ce changement. Je voulais vous montrer le processus de création de quelques variations de couleurs et je me suis dit qu'il y avait plusieurs façons de créer cela. Nous allons donc examiner trois options différentes. Tout d'abord, nous allons chercher à saisir quelques couleurs et être inspirés par les couleurs des graines de cinéma. Et puis nous allons le faire par simplement la couleur est aussi une autre variation où nous créons une pseudo-palette basée sur le nez. Et la semaine dernière, nous allons jeter un oeil à la volonté de couleur et créer des palettes de couleurs basées sur une masse de cela. Commençons donc par regarder ces images. Ce ne sont que des captures d'écran de trois films différents. Hobbit, Gladiateur et La Vie de Pi respectivement. Je ne veux pas réfléchir un peu à la façon dont je vais vraiment adapter certaines de ces couleurs à mon siège. Je regarde aussi le schéma de valeur ici. Maintenant, pour ces variations, je ne vais pas suivre les schémas de valeur que nous avons mis en place plus tôt. Je suis, je vais me laisser guider plus par ce que mon inspiration dans mes guides de couleur sont ici. Donc, pour celui-ci, il a un recul de l'obscurité à la lumière. Autrement dit, l'objet de premier plan est dans l'ombre la plus sombre, puis il devient un peu plus léger que l'arrière-plan est très léger. Maintenant, nous pourrions certainement suivre cela ici. Je suis allé goûter la tonalité moyenne, qui est quelque part au milieu. Je ne veux pas attraper le Blanc et je ne veux pas saisir la partie la plus sombre de l'arrière-plan. Je vais prendre quelque chose entre les deux. Alors allez-y et remplissez tout sur ça. Et puis dans un instant et prenez une sélection que j'ai pré-faite de juste le puits. Et le puits va être quelque chose comme ça, non ? Il va en quelque sorte être un support pour le monde. Ce ton juste là. Prends ça Pegasus. Vraiment chaud juste là. Peut-être qu'il doit être un peu plus sombre. Et puis j'attraperai encore ce personnage de premier plan. Les sélections les ont déjà enregistrées juste pour gagner du temps. Et puis ça va être quelque chose comme son théorème de barbe blanche. je puisse voir que c'est un peu intéressant. J' ai été sur ce personnage de premier plan. Ce n'est pas approuvé par le client du cours d'eau. Je fais juste cela par exemple, les fins nettes. D' accord, que vous pourriez l'avoir dans l'ombre, mais avoir une partie de cette vraie lumière maintenant pour imiter ça et ne pas avoir à échantillonner encore et encore et encore et encore inquiétant, allez-y et passer à une Dodge linéaire était une sorte de ton brun. Et venez ici et voyez ce que ça serait si je courais un peu le bord de la lumière croise ceci et peut-être que son principal peut être attraper un peu de lumière. Je vais un peu mon audition pâteuse rejeter une partie de cela afin que vous puissiez voir où j'utilise l'inspiration et les couleurs de cela. Mais pas nécessairement simplement échantillonner chaque couleur et essayer de la copier textuellement. Je ne veux pas être limité par ça. Je voulais être guidé par ça. Donc c'est un peu cool. Et puis vous voyez aussi qu'il y a beaucoup de lumière fraîche qui fait le remplissage ici. Donc je vais prendre un ton beaucoup plus frais, un bleuâtre peut-être légèrement sur le côté plus chaud là-bas. Que mon opacité s'assied à environ 30 %. Je suis juste curieux de mettre un peu de lumière de remplissage qui est du côté cool. Ici comme l'œil pouvait voir ce travail qui semble avoir une direction intéressante là-bas. Cela servira donc de variante à notre cour. J' y reviendrais probablement un peu plus si je le faisais pour moi-même. Mais nous devons passer par d'autres idées. Mais la suivante à regarder, celle-ci avec Gladiator. Et celui-ci a un contraste très élevé entre les lumières dans l'ombre des ombres tombent au noir très rapidement. Et il y a plusieurs façons de prendre ça. Nous voulons utiliser la lumière directe ici. Voulons-nous réellement juste traiter il a un schéma de couleurs analogue. On pourrait faire ça, quelque chose dans ce ton bleu. Commençons par ça et on y va, et ensuite le puits ressemblera plus à ce que nous avons avec cet arbre arrière. Je pense juste que bien est très silhouette. Et une partie du déversement, le ton plus clair de la brume là-bas. J' en veux un peu, mais je ne veux pas m'uniformiser complètement. Et qu'est-ce que je vais faire de ce Pegasus ? Je peux essayer de le traiter beaucoup plus léger ou beaucoup plus sombre. Et si nous avons traité un peu comme la neige ici, donc la, la plupart de la scène est juste le même genre de couleurs. C' est très analogue. Et ça pourrait être une scène de nuit. Tu vois que ça marche. Tu sais, s'ils étaient vraiment sombres, ce serait intéressant. Donc nous utilisons le même contraste que sur le personnage de corbeaux de lutte ici. Si nous faisions ça quand il brillait vraiment les lumières, donc pourrait avoir ça, alors ce serait vraiment bien éclairé dans n'importe quelle zone la lumière rampant au-dessus d'une montagne ou elle rampait sur et autour de ces abeilles jusqu'à ce qu'elle soit. Ce ne serait pas un peu difficile à faire parce que nous aurions besoin de construire un dire beaucoup d' informations avec juste un petit côté menti ou lumière de bord. Et ça pourrait être vraiment, vraiment délicat. Et nous devrions faire ressortir un peu plus de ton autour du ciel pour que cette forme sombre apparaisse. Et revenons à l'autre type. Et c'est un acte d'équilibre. On les met juste. Nous sommes en train de rassembler le puzzle et de découvrir ce qu'il est en même temps. Pas mon préféré, mais c'est amusant à essayer. Normalement, je ne pense pas à utiliser une ombre vraiment sombre avec un contraste élevé sur le personnage principal. Mais c'est un peu intéressant. Je ne sais pas comment vous pourriez vraiment prendre ceci est d'aller ici et attraper cette couche qui a les captures d'écran. Je veux aller filtrer, filtrer la galerie de lunettes évincées. Le dernier que j'utilise, donc il est apparu automatiquement. Mais vous pouvez modifier la taille de la cellule en fonction de la précision que vous voulez obtenir. Tu veux de belles grandes cellules et de petites cellules. Dans ce cas. Je veux juste assez pour pouvoir suivre ça. On y va. Alors on pourrait juste en échantillonner si on le voulait. Et je pourrais juste remplir l'arrière-plan et dire, hé, on va faire ça plus comme un schéma de couleurs analogue. Donc, je vais juste le faire de cette façon en arrière-plan, eh bien va être cette couleur. Et je vais utiliser ce ton pour le gars principal. Et je peux voir que je pourrais utiliser des lumières brillantes comme ça. Et donc cela devient essentiellement juste une palette à échantillonner. Et parce qu'il a été tourné dans la vraie vie avec la dynamique réelle normale de la lumière et de la couleur. Il y a une certaine harmonie à cela qui fonctionne automatiquement. Ils vont éteindre ça. Regardons l'autre nom d'option ici. Je suis celui qui regarde comment utiliser cette image afin d'en retirer quelques couleurs, ou comment je peux faire correspondre certaines des couleurs de ceci à ma scène. Par exemple, si je les veux vraiment lumineux dans ma scène, une graine que c'est censé être un Pegasus blanc et c'est un bateau blanc était plusieurs choses blanches comme son pantalon. Et donc je pourrais presque cartographier les couleurs ici. Et le dos pourrait juste être dans l' ombre ou être similaire à ce que nous avons dans les nuages et le puits, les cours de ton bleuâtre pour que je puisse utiliser l'eau. C' est donc plusieurs marqueurs dans cette image que je pourrais utiliser pour générer un granulé. Et c'est l'une des raisons que j'ai choisies. Et c'est une sorte de tons frais, très doux là-bas en arrière-plan. Mais tu as une bonne idée de cette lumière. Je vais réduire l'opacité ici. Et je suis juste indique une partie de ça sur les ailes. Je crois que cela est en fait très similaire à la façon dont je l'aurais bloqué à l' origine simplement utiliser l'opacité inférieure, 40% ou environ avec une Dodge linéaire pour obtenir cette lumière à travers les ailes. Alors je vais choisir le testament et ensuite on l'aura un peu plus sombre. Il n'a pas assez de cette différence de valeur. Ou le bleu pour le dos Pegasus et les jambes du premier à se démarquer. Donc, vous devez jouer avec ces interdits et vous voir un peu ce qui fonctionne. Mais ce serait aussi une approche intéressante. Jetons donc un coup d'oeil à la palette de couleurs dans la façon dont vous pouvez générer des couleurs ou obtenir des idées à partir d'une palette de couleurs comme celle-ci. Nous voulons limiter les couleurs. Rappelez-vous, je ne veux pas simplement échantillonner n'importe quelle couleur de la palette en la limitant, je peux généralement obtenir un meilleur sens de l'humeur et des couleurs cohésives. Donc, ce que j'ai créé est une série et essentiellement une masse afin de limiter le jeu de couleurs à un arrangement de couleurs standard. Et cela était basé sur des trucs que j'ai appris de James Gurney, livre de couleur et de lumière. Il montre où il a une palette de couleurs physique qu'il crée un morceau de plastique et y coupe un trou et passe sur sa roue de couleur afin qu'il puisse voir quelles couleurs il veut se permettre d'utiliser dans son image. Donc ce serait votre scission complémentaire. Donc, je peux obtenir ce calque et juste exécuter une transformation dessus et le faire pivoter et dire, ok, eh bien, quel jeu de couleurs que je veux, et ce sera un schéma de couleurs complémentaire split. Ou je pourrais venir ici et dire si je vais faire un schéma de couleurs analogue, et ça va me donner 30% de la roue de couleur. Je peux juste faire tourner ça et voir lequel j'aime. Maintenant, vous pouvez aller avec les standards que nous avons déjà examinés. Ou vous pourriez créer le vôtre comme la pluie des boomers. Et cela vous donnerait, encore une fois comme ensemble primaire de couleurs. Mais ce ne sont pas les versions complètes de toutes les couleurs. Disons que nous allons avec celui-ci et qu'il suffit d'illustrer une idée. Dites que nous voulons maintenant créer notre nouvelle palette de couleurs à ce sujet. C' est donc nos nouvelles couleurs refroidisseurs. Donc c'est en bas là-dessus dans la chose la plus jaune que nous ayons est en fait ceci, qui n'est pas vrai jaune. Et la chose la plus chaude que nous ayons est ce cisaillement rouge, qui n'est évidemment pas rouge pur. Mais c'est notre nouvelle palette. Et si je veux qu'ils jouent plus ensemble, je peux simplement passer au centre parce que plus ils sont désaturés, plus ils sont semblables, et plus ils seront harmonieux à ce que vous pouvez faire avec, alors est juste échantillon hors de cela et cela sert de palette de couleurs et devrait avoir en utilisant votre menu d'échantillons complet juste là. Ok, eh bien, on ne va pas en créer un autre. Je pense qu'on franchit ça avec toi. Espérons que vous avez peut-être quelques idées à ce sujet ou différentes façons de créer un jeu de couleurs. Mais nous allons l'envelopper là-bas et nous allons de l'avant et passer à la direction est fixée. Les pièces ont choisi la variation polaire un, mais le côté lumineux Lloyd et le chaud, lumière, l'ombre fraîche dynamique. L' étape suivante est de passer à affiner la bureaucratie du dessin, ce qui signifie qu'un meilleur lot de références spécifiques doivent être recueillies sur vous faire mieux que les détenteurs de place rapide que j'ai saisi à l'origine. Juste pour un crédit supplémentaire, voici quelques concepts d'un projet différent. Encore une fois, juste essayer d'avoir chacun a un schéma de couleurs différent, visuel un peu dynamique se passe. Et c'est juste donné aux clients des options pour les aider à me dire dans quelle direction ils aiment. 27. Affiner le dessin: Pour affiner le dessin. Jusqu' à présent, Detroit a été basé sur références d' espace réservé et ma connaissance générale du sujet. Maintenant, ce n'est plus suffisant pour se joindre maintenant doit être affiné et des références plus spécifiques et des études supplémentaires sont nécessaires pour ce faire. Novice peut dire, je n'aime pas dépenser de l'argent sur une ressource pour améliorer l'image. libre est la voie à suivre. Le processus. Je par des modèles et des packs de photos, un marché de construction et de louer des modèles pour améliorer l'image. Un chef qui achète du thon en conserve et une sorte de thon frais est en fin de compte auto-vainqueur. Fresh coûtera un peu plus et nécessitera plus d'efforts pour obtenir, mais le résultat sera une meilleure saveur, des vues, de meilleurs ingrédients. Ça aura de meilleurs résultats. De la même manière avec nous que l'art est. Avons-nous travaillé à partir de meilleures images, avoir de meilleures ressources à partir de. On va avoir un meilleur résultat. Donc, si vous allez seulement avec les options gratuites faciles à trouver, alors vous travaillez probablement avec des ingrédients inférieurs comme il proportionnel. J' irai acheter ce marché. Je vais construire un petit diorama, tout ce que je devais faire pour obtenir les ressources nécessaires pour construire la scène autant que je veux. Jetons un coup d'oeil à la réponse qui se passe ici. Il est temps de prendre les formes de base dans les subdiviser en plus complexe, une collection de formulaires précise. Donc, tout est une collection de petites formes construites ensemble pour créer des formes plus grandes et plus complexes. C' est donc un peu comme changer un modèle 3D d' un nombre de polygones faible à un nombre de polygones plus élevé. On va voir ça avec les jambes de cette guerre. Un fondamentalement juste eu un petit cylindre pour la partie supérieure de la jambe là-bas. Mais ensuite, j'y vais et je subdivise cela en trois formes plus petites. Nous sommes juste en train d'obtenir cela et d'être plus précis avec l'informatique. Certainement sur le visage, sur la tête. Et obtenir cette sorte de forme ambiguë de base de ouais, c'est généralement comme un cheval. Maintenant, nous sommes en train de déterminer exactement où se trouvent les angles, où se trouvent les entités et les volumes de ces entités. Une attention particulière est accordée à la compréhension et à l'établissement des plans des formes. C' est important parce que si nous voulons reproduire la réalité ou au moins une version illustrée de celle-ci, nous devons calculer les variables qui font ressembler la réalité comme elle le fait. Cela signifie comprendre les forums et comment la lumière tombera sur eux. Et de cette façon, nous travaillons comme un programme de rendu, cartographiant la lumière sur notre forme filaire. J' en parle dans une certaine mesure. Il mon conseil d'art vidéo qui vous fera économiser des années sur la chaîne d'art là-bas sur YouTube. Voici maintenant un exemple des références que j'ai créées pour m'aider à mieux comprendre comment illustrer cela. Je suis sorti et j'ai acheté deux modèles de ceinture BAD, ce modèle de petite force portatif, qui n'était pas parfait. Il était en fait tout Brown aimerait des tons d'or dessus. Et je l'ai eu et je pulvérise peint à ce gris plat pour que je puisse voir les ombres et les tons beaucoup plus facilement. Et j'ai utilisé une fenêtre pour une lumière et je l'ai posée comme j'en avais besoin. Et parce qu'il y aurait des ombres jetées des ailes, j'ai pris un morceau de carton et je l'ai mis là pour imiter l'ombre des ailes. Et cela m'a aidé à me donner beaucoup d'informations, en particulier sur le corps. Maintenant, je ne pouvais pas l'obtenir pour poser exactement la façon dont j'en avais besoin. Il y avait une limitation à ce que les jointures. Mais je peux poser une partie de la façon que je voulais ensuite poser l'autre section comme je le voulais. Et en combinant les civils ensemble, je peux obtenir les informations dont j'ai besoin. Maintenant la tête était un peu petite et je n'ai pas pu obtenir de vraies bonnes photos de ça. J' ai donc acheté un deuxième modèle, qui était en fait un objet de décoration d'intérieur. Et c'était la tête était assez grande. C' est à peu près la taille de ma tête. Et je l'ai peint aussi. Ce n'était pas le bon ton. Et je l'ai mis en place à la fois avec une lumière de fenêtre et une lumière de remplissage d'une lampe afin d'obtenir un peu de lumière rebondissant et de contrôler l'environnement pour obtenir de meilleures informations. J' ai ensuite contacté quelques amis pour photographier l'un d'eux pour le stand in de mon modèle. Et elle n'a pas l'air exactement comme j'ai besoin, mais il s'agit principalement de la forme globale sous cette perspective. Au sens de la gravité et du mouvement humain normal que je veux obtenir. Puis-je utiliser un modèle 3D ? Mais ils sont limités. Ok, quand vous utilisez un modèle 3D d'un humain, il ne calcule pas pour la gravité, il ne calcule pas pour le mouvement, et il ne calcule pas pour l'équilibre. Donc, il ne sait pas que si je laisse tomber la hanche d'un côté, j'ai besoin d'un équilibre avec les bras. D' accord, nous le faisons naturellement. Un modèle ne va pas le faire naturellement ou jusqu'à présent, il n'est pas fait pour le faire. Je ne suis pas vraiment préoccupé par les phases. Ce sont des visages supplémentaires d'autres choses que j'utilise juste pour aider à donner une idée du bon âge et de la direction pour aller avec le personnage. Je n'en possède pas, donc elles sont floues. Je n'ai pas vraiment besoin de te montrer qui elle est. Donc je l'ai floue aussi. Lorsque nous recevons la progression du visage sur la gauche, nous voyons le bloc de base dans juste je savais sur la taille de l'emplacement que la tête devrait genoux allés, mais que dans et puis je dessine les caractéristiques basées sur ma photo. Mais je ne veux pas être contraint par cela parce que ce personnage doit avoir l'air un peu différent de triché. Alors, nous l'affiner et je change les caractéristiques, les rendre un peu plus illustratives et un peu moins littérales. 28. Les longueurs de nous vont et niveau Go: Pas toutes les images vous obligeront à construire des dioramas et chiffres du marché ou une gamme de séance photo avec un modèle, avec un costume. Mais parfois, c'est le cas. Et vous devez être prêt à le faire. Cela peut être vraiment amusant partie du processus de création. Et vous trouverez peut-être que vous aimez la fabrication confus dans la photographie ou la fabrication de costumes. Donc, à ce stade, privilégiez la qualité par rapport à la vitesse. Dans un monde de douleurs de vitesse et de trigs numériques. Un étudiant en art pour avoir l'idée que toutes les images peuvent et devraient être en mesure d'être créées rapidement. Et ce n'est tout simplement pas si complexes conditions prennent souvent beaucoup de temps à illustrer. Concentrez-vous tout d'abord sur être en mesure d'atteindre la qualité que vous voulez. Peu importe le temps nécessaire, sauf si vous n'êtes pas une date limite que honnêtement, vous devez respecter cette date limite. Ne sacrifiez pas la qualité pour la vitesse, car vous ne pouvez jamais tomber assez vite pour compenser l'inexactitude. La vitesse viendra toujours avec l'expérience. Ne vous inquiétez pas pour ça. Plus vous le faites, plus vite vous obtiendrez. Mais vous ne pouvez pas aller si vite pour compenser le fait que c'est faux. Règle empirique pour non-prose. Aussi longtemps que vous pensez que cela devrait vous prendre pour créer l'image, triplez-la. Ce n'est pas une blague. Il y a peu de problèmes qui ne peuvent pas être résolus en y jetant plus d'heures. C' est quelque chose qui arrive assez souvent sur la console 101 que j'ai avec les étudiants. Et c'est qu'ils sous-estiment énormément le temps qu'il faut pour créer des illustrations plus grandes. Ils y consacrent leur temps. Et ce n'est pas d'atteindre le niveau de professionnalisme qu'ils voulaient ou s'attendaient à ce qu'il puisse. Et ils m'ont demandé, eh bien, que dois-je faire différemment ? Je vais dire, combien de temps as-tu travaillé dessus ? J' ai travaillé dessus pendant cinq heures. Euh, vraiment ? Tu sais combien de temps je travaille sur certains des miens ? Non. Et ils pensent que je veux dire huit heures, 30 ou 40 heures. Et leurs yeux vont large, genre, oui. C' est un vrai travail. Ça prend beaucoup de temps. Quel que soit le temps que vous consacrez. Ça n'a pas vraiment d'importance. Et vous n'obtenez pas le résultat que vous voulez, ce n'est pas suffisant. Donc, vous continuez à mettre plus de temps jusqu'à ce qu'il atteigne où vous devez aller. Je connais une de mes premières pièces, j'ai fait une image de quelques NIH ajoute dans une eau. J' y ai consacré environ 20 à 30 heures, ce qui est à peu près le plus que je l'ai mis dans une image jusqu'ici. Et ça ne regardait pas bien. Donc je l'ai mis sur des formes d'art. Et je commençais à recevoir des commentaires des gens et je me rends compte comment je peux améliorer la pièce. Donc j'ai juste continué à lancer plus d'heures ajoutées et de plus plus pour l'améliorer et continuer à l'améliorer et continuer à l'améliorer. Et je n'ai jamais poussé si fort sur un morceau avant. Je n'ai jamais poussé un morceau pendant si longtemps avant. Et finalement, il est devenu l'un de mes morceaux préférés dans j'ai tellement appris en prenant cela autant que je pouvais. Et je suis connecté bien plus de 100 heures sur l'image. Mais c'est ce qui était nécessaire pour me faire franchir ce plateau. Un au niveau suivant. Jetons un coup d'oeil à quelques exemples ici. James Gurney, grand fan de son travail et de son enseignement. James jardinage construit des dioramas, des marchés et des costumes pour donner de la crédibilité à son travail. Pickup comme des livres où il explique son processus. Maintenant, il est le créateur des propriétés DynaTac Olbia. Les livres. Il retrace ce processus dans ses livres de réalisme imaginatif. Donc, si ça vous intéresse, prenez ce livre. Si vous voulez en savoir plus sur la façon dont il aborde la couleur et la lumière et sa compréhension de ces sujets en tant qu'artiste. Et puis ramasse son autre livre, couleur et ligne. Ici, nous voyons quelques travaux de Gil L1 dans Norman Rockwell. Ils embauchent régulièrement des mannequins et confectionnent des costumes pour leurs séances photo. Vous voulez leurs résultats, alors vous devez faire la même chose. Va faire de même. Parlons du niveau de détail. Nous ne voulons pas affiner le dessin juste pour le raffiner. Et nous l'affinons pour clarifier l'ambiguïté des formes et nous aider à comprendre les formes au degré nécessaire pour rendre l'OEM et de manière réaliste. Il y avait donc un but à cela. Et c'est à vous, les artistes, de comprendre les volumes des sujets et de construire la précision dans vos sujets. Nous voulons clarifier tout ce qui était un peu ambigu. Un peu, OK, j'ai juste mis une forme là pour représenter cette chose. On doit partir. Ça représente la chose aussi. C' est en fait à quoi ressemble la chose maintenant, c'est pourquoi chaque image nécessitera un niveau de détail différent pour le dessin de refind. Certains éléments seront simples à comprendre et ce que nous avons besoin d'un beaucoup de raffinement pour que vous sachiez exactement comment le rendre. D' autres éléments comme l'anatomie Pegasus ici, m'ont obligé à passer beaucoup de temps inventé sur les formes et l'anatomie. Dans ce cas, je n'ai pas retrouvé les Weems parce que j'ai étudié et la douleur et les ailes plusieurs fois auparavant et que j'étais confiant de pouvoir les établir pendant le processus de peinture. Un petit bonus ici, voici quelques autres exemples qui ont montré le niveau et la manière de détail dans la façon dont il change d'une pièce à l'autre. Mais l'ombrage ici est vraiment nécessaire. Donc chacun de ces éléments a été pris au niveau nécessaire pour que je comprenne correctement où se trouvent tous les détails et quels sont les sujets, quelles sont les formes pour chacune des images. 29. Peindre le Block-In: Il est temps de commencer le bloc de peinture réel pour l'image finale. Il y a plusieurs façons de passer à cette étape, mais soyons clairs. Vous pouvez commencer par les niveaux de gris et passer à la couleur. Vous pourriez utiliser des photos, les basher et les peindre dessus. Tu pourrais juste dire, hé, je vais redémarrer à partir d'une toile blanche et utiliser mes autres trucs comme ressources et direction. Vous pourriez continuer à partir de l'étude des couleurs, et cetera, à droite. Ces autres options là aussi. Je n'ai pas le temps de passer en revue toutes ces approches. Il triplerait la taille de ce matériau. Au lieu de cela, je prévois de couvrir cela dans un futur contenu. Le code est le sodium a déjà été approuvé. Alors j'ai commencé à peindre là-dedans. Ce n'est pas toujours le bon choix. Ce n'est même pas ce que je fais la plupart du temps, mais c'était la bonne décision dans ce cas. Prenez un moment et décidez quelles sont les meilleures approches pour votre image. Cela peut vous faire économiser des heures à long terme. Alors ne pense pas que je vais me rencontrer, au moins commencer à peindre dessus à partir de l'étude de couleur. Il pourrait y avoir un meilleur moyen. Vous constaterez peut-être que si vous faites quelques pas en arrière, vous le retravaillez dès le début que vous allez obtenir un meilleur résultat. Je ne dis pas que c'est la réponse, mais tu dois y réfléchir. Faites une pause un instant. Donne-lui cinq minutes. Pensez à ce que le moyen le plus efficace serait d'aborder cela, puis d'y aller. Aussi, une des choses que je fais ici maintenant que je commence à entrer dans le processus de peinture, commence par diminuer l'opacité des lignes. Je ne veux pas trop compter sur les lignes. Rappelez-vous que nous l'avons regardé plus tôt. Et si nous avons de bonnes valeurs et que nous avons une bonne lumière contre motif sombre avec les valeurs, alors je n'ai pas besoin de compter sur la clarté des lignes. Et j'ai fini par les tourner tout le chemin vers le bas parce que j'ai assez d'informations mises dans les couleurs et les valeurs que je n'ai plus besoin d'elles comme guide. Ou vous pouvez simplement peindre sur le dessus de la ligne. Et je trouve que vous ne saviez pas si je commençais à faire ça, j'ai tendance à laisser certains d'entre eux rester. Ce n'est donc pas ma première option, c'est d'aider à garder mon image sur la bonne voie. Je garde une collection d'images à côté de ma peinture. Et cela peut inclure que l'étude des couleurs, l'alignement des réfs, anatomie imposée réfs, réfs d'illustration orale de style et préexistants ne sont pas de la propriété. Donc, si c'est ma toile et que je peignais ici, alors ce que je fais souvent c'est de créer une pièce supplémentaire de ce côté de l'image. J' augmente la taille de la toile. Et puis ici, j'ai toutes mes images de référence que j'ai besoin d'avoir un accès rapide à regarder. Et je les laisse juste là et je peignais ici sur cette zone. Et ça marche plutôt bien pour moi. Il y a aussi d'autres options. Mais si vous n'avez pas normalement vos guides urbains ouverts là pour que vous puissiez juste regarder entre les deux. Je suggère d'essayer de travailler de cette façon un peu. Et vous éviterez d'avoir à activer et désactiver les calques tout le temps. Je vais accorder une attention particulière à l'établissement de la forme à travers la couleur et l'éclairage. Changez à travers les plans. avions qui attrapent la lumière directe sont chauds, dans ce cas, les avions de l'ombre prennent la couleur bleue du ciel. Donc vous voyez ici en utilisant les informations que j'ai de mes photos, j'ai une assez bonne idée des forums et de l'anatomie du visage. Et je veux vraiment jouer le sens des formes. Et c'est quelque chose que les novices ont tendance à négliger. Ils commencent juste à mettre des couleurs, mais ils ne correspondent pas à cette couleur d'une manière qui nous aide à situer les formes. Je veux indiquer les avions sur le visage. Parce que si vous pouvez travailler des choses en termes d'avions, vous avez beaucoup plus de sens du volume du sujet. Eh bien, c'est vraiment à propos de mocassins photo. On est un moment. Tout le monde ne le fait pas, mais je trouve cela utile. Parfois. C'est, parfois il peut être utile de déposer un élément photo juste pour voir comment la couleur et le motif vont regarder sur la peinture. Maintenant, aucune de la photo ne finit dans le tableau. Mais il peut accélérer le processus de prise de décision pour pouvoir le juger. Soyons clairs, il n'y a rien de mal avec les photos. Si vous possédez la photo. Et c'est le style avec lequel le client est satisfait. Maintenant photo bashing est certainement utilisé très souvent dans le concept ne sont pas remplis. Où est seulement l'idée de la chose qui est le plus important. Ils ne se soucient pas vraiment de la façon dont vous arrivez à l'image tant que l'image transmet ce dont elle a besoin. Donc, dans ce cas, je veux que tout soit peint à la main et que nous voulons ce look peint à la main. Nous ne voulons pas un regard de photo bashing, mais cela ne signifie pas que je ne peux pas jeter un coup d'oeil à une photo MOG commencer à voir comment ce motif ressemblerait dans ma scène si je suivais cette direction. C' est ce que j'ai fait ici. J'ai le bloc de couleurs. Et puis ici, j'ai des photos de quelques ailes qui avaient des couleurs et des valeurs assez proches dont j'avais besoin. Et en fait, je les ai juste fait pour correspondre plus près de mon image. Et puis je les ai mis là-dedans. Et puis je peux regarder ça et dire, d'accord, eh bien, si je suis ça, mon résultat va ressembler à ça. D'accord ? Qu' est-ce que j'aime à propos de ça ? Et pourquoi je n'aime pas ça ? Qu' est-ce que je voudrais changer pendant le processus ? Pendant que je vois que ça a été vraiment soufflé ici, non ? Je ne sais pas si je suis un grand fan de ça. Mais j'aime ce genre de transition cool à chaud il y a, c'est plutôt cool. Encore une fois, ce modèle semble un peu tacheté, donc je pourrais essayer de l'égaliser un peu. Et c'est de ça que je parle. J' utilise ceci pour m'aider à prendre des décisions avant de commencer à peindre. Ils servent donc de guide, pas en règle générale. Maintenant, il y a des ailes à votre image. C' est juste sur le sujet des ailes sont huit, étude de l'anatomie des ailes. Prenez le temps de regarder un tutoriel sur la façon de dessiner et de peindre. Winx est, est quelque chose que je vois venir assez souvent dans le travail non professionnel. Où ils avaient cette compréhension de base de la façon dont les vents fonctionnaient et comment les ailes se pliaient. Mais ils ne le comprennent pas vraiment. Et donc ils le bloquent, dans toutes les plumes sont symétriques. Il n'y a pas d'uniforme à ça. La mécanique de ce qui se passe là-bas signifie qu'il y a besoin de différentes tailles, il doit y avoir différents angles. Et puis vous pouvez avoir plusieurs éléments qui se chevauchent, des ailes qui travaillent tous ensemble. Donc, si vous avez besoin de savoir quelque chose comme ça, si ce sont des ailes ou comment les plis fonctionnent, ou à quoi ressemble l'eau quand elle éclaboussure. suis allé à un mot comme Pinterest et juste mettre un tutoriel d'art, peinture et le dessin des ailes. Quelqu' un a mis sur pied un tutoriel très agréable et concis d'une page qui vous donne les informations de surbrillance sur le fonctionnement des ailes et le fonctionnement de la dynamique des plumes. Alors va jeter un oeil à ça. Beaucoup de pros prendront le temps de le faire. Beaucoup de novices ne le feront pas. 30. Notes de peinture: Ce que vous pensez de ce sur quoi vous vous concentrez, le genre de questions que vous vous posez. Ceux-ci sont vraiment importants pendant le processus de peinture. Alors passons par quelques notes ici. À partir du point focal quand une marque chaque élément compréhensible pour le spectateur, tout devrait être clair. ne veut pas dire détaillé, mais il devrait être clair que le spectateur peut regarder l'image et distinguer, ok, cette chose est une personne, c'est un rocher, c'est un arbre. C' est un morceau de tissu, et cetera. Il suffit de commencer au point focal parce que c'est là que c'est le plus important. Et puis, vous faites votre chemin juste donné un laissez-passer à tout, le raffiner et préciser ce qu'ils regardent. Rappelez-vous, consistance de la lumière. Vous voudrez vous assurer que la direction de la lumière, l'intensité de la lumière et la couleur de la lumière restent cohérentes sur toutes les choses allumées. C' est quelque chose que les novices commencent à descendre. Ils permettent qu'il y ait trop de variance dans la lumière. Dom, peut-être comme le bras avec la direction de la lumière qui descend ici, mais alors pas de lumière, la tête comme si la lumière venait directement de l'avant. Donc on ne veut pas faire ça. Nous voulons nous assurer que c'est cohérent sur toute la scène. Donnez une passe de peinture à toutes les zones de l'image. Déformer notre point focal, c'est travailler votre chemin autour de tout, nettoyer les bords, clarifier quel que soit le sujet. Alors qu'est-ce compréhensible. Vous voulez également subdiviser de grands navires à plus petits, intéressants à chante serait approche intermédiaire, comme nous l'avons fait avec affiner le dessin de donner les formes de base du sujet et de les subdiviser, essentiellement obtenir que le nombre de polygones plus élevé hors du sujet filaire. Et nous faisons la même chose maintenant avec les couleurs dans les avions. Peignez les lignes ou abaissez l'opacité de la couche de ligne. Nous allons continuellement nous éloigner de la dépendance à ces lignes. C' est donc une bonne étape pour le faire. Quand commencer tous les éléments d'authenticité à partir de références. Ça pourrait être un tissu et des plis. Expression, matériaux, lumière rebondissant, etc. Si vous pouvez aller regarder des exemples réels de ces choses et obtenir cette précision et ajouter cette précision à votre scène. Et pour vraiment aller en aide elle-même comme étant plus authentique et plus crédible. Maintenant celui-ci aurait vraiment pu être ajouté plus tôt, mais c'est là que je l'ai mis dans une option différente. Envisagez de commencer par poser les couleurs de base comme si elles étaient sous l'ombre, puis ajoutez l'éclairage dans les ombres profondes. C' est une approche que j'utilise fréquemment. J' ai mes lignes, je vais mettre les couleurs de base et mes sujets, mais je les mets comme s'ils étaient tous nuageux. Tout est dans cette sorte d'ombre douce. Ensuite, j'ajoute mes sources de lumière à cela. J' ai vraiment aimé travailler de cette façon. Cela a beaucoup de sens pour moi. Et donc je le fais assez fréquemment et je recommande d'autres personnes d'essayer parce que vous pourriez aussi trouver qu'il clique bien, la façon dont vous pensez. Pour des scènes réalistes, il est temps de changer. Tout, de ce que vous pensez qu'il ressemblerait à ce qu'il ressemblerait réellement. C' est une grande différence. Voir relativement généralement a plus nuancé dans des couleurs harmonieuses que notre imagination considère d'abord. Mais nous devons nous battre est le genre de programmation mentale que nous avons fait enfants avec notre boîte de crayon OCR, non ? Où ? Graminées vertes. Oui, mais ce n'est généralement pas ce genre de vert. Si vous allez regarder l'herbe, l' herbe est généralement quelque chose de plus comme ça. C' est un peu plus terne. Il fait beaucoup plus chaud. C' est donc ce genre de choses que tu veux t'éloigner. Tu veux dire, oui, dans mon esprit, je pense que l'herbe, verte. Mais je dois réaliser en tant qu'artiste observatrice que ce n'est pas ce genre de vert. C' est plus nuancé que ça. Et c'est ce que nous voyons ici sur cette image que oui, elle a des vêtements verts. Mais sous cet état de doublure, tu ne vas pas les réchauffer aussi. Donc ils sont plus nuancés que ça. Et la même chose avec les clowns. Je pourrais bloquer dans Cloud, dire qu'il y a juste ces grandes formes bouffantes blanches. Oui, parfois, mais c'est le genre d'approche de base. En fait, il semble probablement mieux et être moraliste s' il y avait beaucoup plus chaud que le ciel derrière eux. C' est pourquoi nous devons jeter un oeil aux références. Cela nous éloigne de notre simple compréhension holistique ou pensée de ce à quoi cela ressemble pour imiter ce à quoi il ressemble réellement. Maintenant, ici, les feuilles reçoivent une fois dessus. En ajoutant des ombres projetées dans la lumière directe. Il s'agit de transformer une forme en sujet. 31. Copie et principes: Copie et principes. Lorsque vous utilisez vos références. Ne les copiez pas, s'il vous plaît. Je veux que vous cherchiez à comprendre les principes de ce qui fait ressembler les choses comme elles le font. C' est comme le vieil adage d'apprendre à un homme à pêcher et vous le copiez. C' est une utilisation unique. Cependant, si vous apprenez les principes du sujet de ce qui se passe visuellement en y, alors vous pouvez réutiliser cette connaissance pour toujours. Si vous apprenez les principes, cela vous libère également de la référence. C' est très important. Vous n'avez plus besoin de suivre exactement parce que vous pouvez modifier la conception et extrapoler comment le principe s'appliquerait à la nouvelle conception. Donc, au cours de votre peinture, vous voulez déplacer les choses du générique à l'unique. Lorsque vous choisissez quelque chose pour l'imagination, c'est généralement générique. Ce n'est pas spécifique, c'est l'idée d'une chose. On a juste regardé ça dans l'autre image, non ? La lumière bleue, les nuages bleus, c'est le nuage générique. n'est que ma première idée de ce que devrait ressembler le nuage. Mais ce n'est pas unique. Ce n'est pas spécifique, et ce n'est pas exact. Donc, en changeant les nuages, en observant qu'il y a souvent plus chaud dans cette situation, qu'il les rend uniques et plus précis. Nous voulons aller au-delà de ça. Cela ne vient que de l'observation et de l'apprentissage des principes et de l'exemple. Vous voulez que vos personnages se sentent comme une personne spécifique, pas seulement un aveugle. Encore une fois, jetons un coup d'oeil. Ce qu'on a ici. Bien référencé dans un tissu renouvelé est une marque d'un frère. Tu veux être un pro. C' est quelque chose que vous voulez faire attention. L' aversion au début de la gauche remplit générique en inintéressant. Alors que la bonne version, Brinkley à Phil est réel. Donc le tissu ici est ce que je viens d'esquisser. Et je l'ai colorée et je pense que c'est fondamentalement de bonnes couleurs. C' est fondamentalement la bonne valeur. Il a une idée générale de ce que devrait faire l'article. À l'intérieur de quoi. Je suis allé et j'ai trouvé une référence photo. J' ai trouvé une photo de référence de cette zone juste ici. Maintenant, ce n'était pas exactement comme ça. Il y avait certains de ces éléments. Je me souviens à quel point c'était proche de ça. Mais il y avait une partie de cet élément qui se passait ici. Et j'ai eu cette information, et je l'ai suivie. Puis j'ai extrapolé, tenu ce même type de motif en forme et un flux pouvait être appliqué sur le reste du tissu. Cela construit comme quel tissu ferait réellement que crédible. Et si ça n'a pas pris autant d'efforts. Mais pourtant, ça a l'air beaucoup plus professionnel. Ici, une référence supplémentaire dans l'étude prend le caractère d' être juste un personnage à remplir comme une personne spécifique. C' est comme un type dans la peinture d'un type. Et pour moi, c'était presque comme une personne, comme une personne individuelle, pas seulement quelqu'un qui dessine une personne qui semble plus réelle, plus crédible. Et il y a juste une tonne de petits changements subtils à celui-ci que j'avais peint avec une sorte de référence d'espace réservé. Je pensais en savoir assez sur le dessin du visage que je pourrais utiliser ces références combinées avec ce que je sais pour atteindre le niveau que je veux. Et j'ai mis ça, dit le directeur artistique, c'est plutôt bon, mais je pense qu'on pourrait faire mieux. Tu peux lui donner un autre laissez-passer ? Alors je l'ai fait. Je suis allé et j'ai pris encore plus de références, références plus précises, des références qui imitent plus la direction de l'éclairage. Et j'ai compris ce que c'était trop brillant. Ce serait mieux pour un ton aussi bas. Et il y a des changements subtils comme le côté du visage ici et comment ces cheveux sortaient trop loin pour cet angle particulier. Et puis les variations subtiles de tonus de la peau où la ligne de la mâchoire est plus froide ou là, mais ensuite la chaleur de la lumière venant à travers les narines avec une dispersion souterraine. Donc toutes ces minuscules variations s'additionnent pour lui faire sentir plus comme une vraie personne. Exemples 567, apprendre les principes des plumes rétroéclairées me permet d' améliorer les références en clarifiant les zones surexposées et en ajustant la conception. C' est donc là que nous voulons dépasser la référence. Rappelez-vous les références, le guide. Ce n'est pas la règle, ce n'est pas le conteneur. Une étude de couleur ici était ceci. Et je pense que beaucoup de tons fonctionnaient assez bien. Maintenant, le blocus était fortement basé sur la référence photo. Mais j'ai pensé que je pourrais faire mieux. Je peux le rendre plus dynamique là où je le fais mieux pour mon image. qui veut dire que je ne veux pas vraiment ce coup sur les bords. Et j'aime en quelque sorte ce motif du motif sombre clair. Donc je vais continuer ça. J' en ai appris assez sur comment cela fonctionne, comment les plumes se superposent et comment la lumière passe à travers les ombres, une plume contre la plume derrière elle. Et je change le système de conception. Ça avait un gros bloc de cette façon. Il était très arrondi là et je voulais laisser cela être un peu plus courbé, un filet allongé pour être une transition plus douce. Donc, en comprenant les principes ici, je suis capable de le modifier et de clarifier à partir du croquis parce que la photo était un peu floue. Donc, je peux en fait obtenir plus de détails et être plus intéressant que la chose sur laquelle il est réellement basé. En extrapolant à quoi il ressemblerait dans un design légèrement différent. 32. Motif clair et sombre: Motif clair et sombre. Nous avons gagné les éléments et nous sommes perçus comme étant clairement distinguables les uns des autres, en particulier le personnage qui se distingue de l'arrière-plan. S' en tenir à vos études de valeur devrait aider à cela. Mais vous voulez également chercher des occasions de grande une lumière, contrastes de valeur sombre dans toute la scène. C' est quelque chose qui peut donner une grande différence très rapidement. D'accord ? Ces petits jugements de valeur apparaissent tout au long du travail des professionnels. Mais ils sont vraiment remarqués. Leur placement se fait parfois par hasard, mais c'est souvent par intention. Au cours de ces réglages, vous pouvez trouver que vous pouvez réellement suggérer des objets et des formes sans autant de détails. En outre, c'est un bon moyen de passer au-delà des lignes. Ne définir les bords dans un travail réaliste avec des contrastes de valeur appropriés entre les éléments, les lignes de soutien visuel ne sont tout simplement pas nécessaires. Notez ici que les contrastes de couleur pour la séparation sont bons, mais que le contraste de valeur est plus efficace et plus important. Notes. Et on fera une petite démo ici. Recherchez des endroits où deux objets, des bords ou des plans créent une dynamique sombre, sombre ou légère. Nous allons examiner cela dans les études de valeur, n'est-ce pas ? même genre de chose. Mais nous voulons revenir sur ce sujet maintenant que nous sommes dans le processus de peinture et que nous utilisons aussi en couleur. A moins qu'il n'y ait une raison de le garder comme ça. Vous voudrez la changer en lumière, sombre OU sombre. Non, ce que je veux dire par là, c'est parfois que tu veux faire ce que James Gurney appellerait le soudage de forme. Qui est que vous voulez simplifier quelques ombres et lumières pour faire une unité plus grande. Vous ne voulez pas nécessairement faire ressortir chaque élément. Par exemple, les feuilles ici. Je ne veux pas faire un motif clair et sombre sur chaque feuille, donc chaque feuille se distingue. Je n'ai pas besoin de ce genre de contrastes là-bas. Je n'ai pas besoin d'attirer l'attention connue là-bas. Donc, je laisse certaines de ces ombres se saigner l'une dans l'autre. Je les soudure ensemble afin qu'ils simplifient cette collecte d'informations. Mais généralement sur un personnage chanter comme ça, vous voulez vous assurer qu'il y a beaucoup de lumière, motif sombre pour que le personnage sort de l'arrière-plan. Donc, si vous avez un élément qui est léger et quand élément qui est sombre, mais alors vous avez besoin que l'obscurité pour être réellement la chose de lumière ici qui permet à ceci d'être maintenant l'objet de lumière contre l'objet sombre suivant. Donc, en utilisant des dégradés, nous pouvons le changer. Nous pouvons retourner flop avec une façon que ce motif fonctionne à travers l'image. C' est une pratique incontournable que j'implémente dans la douleur overs qui peut rapidement faire une grande différence. Si jamais vous allez regarder une partie de mon peint sur est que je fais pour les défis de l'art et propre flux. Vous verrez que c'est l'une des choses que je fais pour que les choses soient clarifiées et se démarquent dans une scène. Faisons une démo rapide ici sur ce personnage de Liliana. Et puis nous examinerons comment ce même genre de chose s'applique à certaines de ces autres images ici. J' utiliserai mon pinceau arrondi et jetons un coup d'oeil. Nous cherchons ce que la dynamique de la brûlure sombre, sombre et la brûlure lumineuse ne sont pas bien, écrivez-les plutôt que nous pouvons voir ici que nous avons cheveux foncés sur un fond sombre. Ce n'est pas bon. Quelque chose en fait tout le chemin ici. Côté sombre du personnage sur un fond sombre. Ce n'est pas un bon caractère sombre, un fond sombre. Il y en aurait des grandes. On dira que c'est assez sombre. C' est presque comme un médium contre un noir. Donc j'ai pu voir cela aussi être corrigé. Commençons par ceux-là et nous verrons si nous pouvons en trouver d'autres. Je vais venir ici et l'appliquer de ce côté. Je vais dire, nous devons vraiment faire ressortir ce bord parce que nous avons juste un fond sombre et Gibson bord sombre là-bas. Maintenant, je ne veux pas faire ça maintenant. C' est une erreur que beaucoup de novices font et c'est la solution la moins chère à ce problème. Qu' est-ce que les novices vont réellement reconnaître, ce que je veux que ce bord se démarque. Donc la chose la moins chère que vous pouvez faire est de dire, oh, je vais juste ajouter une lumière qui descend le bord de tout ça. Je vais avoir cette lumière de bord. Il clarifie le bord. Mais les gars, s'il vous plaît, ne le faites pas. Si vous voulez mettre une lumière, lourde pour être une source de lumière appropriée où elle va développer la forme et pas seulement une petite lumière de bord. Vous voulez l'utiliser pour qu'il traverse réellement un ancien aide à indiquer les volumes de tout et il doit affecter tout ce que la lumière frappe. Mais en général, une meilleure option est de rechercher les changements globaux de valeur que vous pouvez effectuer. Donc, dans ce cas, nous avons déjà quelques éléments dans le ciel qui sont un peu plus légers. Quelqu' un a attrapé ce ton plus léger là-bas. Et je vais laisser des nuages plus légers qui vont jusqu'à ce coin. Et puis je le découvrirai. Et c'est assez pour faire ressortir ça et sembler une sorte de chose ici. Peut-être quelqu'un d'aussi léger. Et il y a peut-être une lumière qui frappe le ciel, une lumière en forme de pyramide là-bas. Et nous pouvons ajouter juste assez de lumière. Ces cheveux et ce bras sombre se distinguent. Et nous pouvons faire la même chose ici aussi. On pourrait ajouter, juste allumer une lumière là-bas. On pourrait le laisser faire sombre pour que ce tissu blanc ait quelque chose contre. Mais si nous avons un peu plus léger ici, alors cette partie sombre des déchets peut se démarquer. Et s'il y avait de la lumière, cette lumière ici qui frappe de ce côté, les marches se déversaient de ce côté. Ok, alors nous pourrions avoir le sommet de certaines de ces marches qui viennent cette façon et frapper un peu de sable de ce côté pour que ces moutons sombres se démarquent. Encore une fois, nous regardons maintenant avoir un motif sombre contre lumière. Nous pourrions faire à l'inverse, la chose que nous avons une lumière, un motif de lumière, nous pourrions prendre un ton plus sombre là-bas. Eh bien, laissez certaines de ces ombres arriver ici. Et il peut entrer dans l'ombre quand il se déplace vers le haut. C' est donc une meilleure lumière dans le motif sombre que nous aidons ce personnage à sortir un peu plus. Mais la plupart des téléspectateurs ne remarqueront jamais ce genre de chose. Cela va juste penser, eh bien, c'est vraiment sympa que ce ciel soit plus léger pour que la tête du personnage se démarque. Ce n'est pas par accident, qui a été intentionnellement placé là. Donc d'autres choses qui se passent ici. Et on peut regarder ces gars. Et si vous essayez aussi d'apprendre cela et d'observer cela à partir d'autres œuvres d'art. Oui, vous pouvez lancer, sur le calque d'ajustement noir et blanc et jeter un oeil à seulement les valeurs si vous voulez regarder les valeurs. Mais vous pouvez aussi apprendre à le faire sans avoir besoin du filtre noir et blanc. Ici, nous avons sombre mais au moins la version ombragée, non ? Et la même chose ici. C'est sombre et la version plus courte de cela. Donc cette zone serait perdue si elle était de la même couleur, non ? Nous aurions l'obscurité contre l'obscurité, et ensuite nous perdrions toutes les formes de ce qui se passe là-bas et ce n'est pas bon. Donc la lumière est ajoutée. J' ai ajouté de la lumière là-dedans dans la partie arrière de ces plumes sorte que la pose de cette jambe et le bord de cet argent de cheval soient distingués. Porter cette même pensée jusqu'au, voici le Héron est votre lumière, évidemment attraper la lumière directe ici était dans l'ombre. Maintenant, l'ombre pourrait être cette idiot, et nous l'avons déjà établi ici. Mais alors nous avons un sombre contre un sombre et il y a deux tons de fermeture, même si ce sont des couleurs différentes. Donc, je laisse ça devenir de plus en plus léger, mais je vais le laisser rester dans la gamme plus fraîche. Donc maintenant, nous avons un léger chaud contre un léger cool parce qu'il ne devient pas vraiment beaucoup plus sombre. Donc, cette transition de la teinte, combinée avec une demi-hadrons de transition comme ne devrait pas réellement avoir une valeur, elle équilibre de sorte que cela reste la lumière contre l'obscurité là. Donc, dans l'image suivante des J, nous avons beaucoup de petits motifs sombres allégés qui se passent pour que les choses se démarquent les uns contre les autres. Nous avons la jambe sombre et la partie légère de la jambe. Maintenant, c'est problématique parce que ce fond est naturellement à peu près la même valeur que la partie légère de cette jambe. Donc ça ne devait pas se démarquer et j'avais besoin d' une partie de cette jambe pour attraper la lumière. Alors, qu'est-ce que je fais ? Je dois soit aller plus sombre avec le fond dans cette zone, soit je dois aller plus clair. Donc c'est ce que j'ai déjà établi que ces plantes de ventilateur en arrière-plan, il y en a ici sur l'autre partie de l'image. Donc j'en ai déplacé un ici pour qu'on puisse avoir une lumière contre un idiot. Et puis cela peut servir de lumière contre une obscurité aussi. Mais si vous travaillez avec une gamme plus large de valeurs, le médium peut effectivement servir de lumière ou d'obscurité de l'autre n'est pas extrême. Donc le médium sert de lumière contre cette obscurité, mais il sert d'obscurité contre cette lumière. Vraiment intéressant. C' est à peu près aussi loin que vous pouvez vraiment le pousser aussi loin qu'un médium peut être l'un ou l'autre. Et puis nous avons la forme sombre ici contre la feuille de lumière là-bas, non ? Mais c'est en fait plus léger que le plus sombre ici. Donc c'est sombre, devient lumière. Encore une fois, frapper ce plan de moyenne portée dans les deux directions par ici. Et nous avons un genre de circonstances similaires où nous avons eu ce projecteur, les projecteurs qui frappent cette zone ici frappent également cette zone ici. Donc ici, nous avons une obscurité dans l'ombre contre la lumière. Et nous avons cette lumière contre les ténèbres, sur l'obscurité contre la lumière, et cette lumière contre l'obscurité. Et donc ce modèle fonctionne pour que tout commence à se démarquer l'un de l'autre. Et nous ne voulons pas que cela soit très bien allumé, parce que nous voulons que l'intention du visage et la lumière sur le visage apparaissent vraiment. Et ça ne marcherait pas si tout cela était la même luminosité. Donc, quand nous faisons cela intentionnellement, la même façon que nous avons ici la lumière qui aide à distinguer ce qui se passe avec cette jambe et le côté du cheval. lumière a été ajoutée pour filtrer à travers le bas de la cape là afin que nous puissions voir le bord du personnage et le bras. Naturellement, vous penseriez que ce serait probablement la zone la plus sombre. Mais si tu fais ça, ça la met dans tant d'ombre et on n'a pas assez de couleur. Donc je veux m'assurer que cette couleur sort. Et je dois augmenter un peu la valeur pour que cela se produise. 33. Réévaluez: Avant de passer aux derniers détails, qui est l'étape suivante, nous allons faire une pause et vérifier votre progression avant de continuer. C' est le moment de s'assurer que l'image est toujours sur la bonne voie. Ce sont les choses que vous voulez considérer à ce stade. Relisez le contour et demandez-vous, comme le vient de changer. Ça nous arrive, d'accord ? On a une idée. On commence à courir avec une idée. Et nous nous sommes vraiment éloignés de ce que l'esquisse demandait. J' ai déjà fait ça avant. J' ai déjà vu des étudiants faire ça avant. Chaque artiste le fait à un moment donné. Mais essayez de vérifier vous-même. Retournez, lisez le plan et dites : est-ce que cela semble être ce que le client, le concours ou le défi demande ? Aussi, Avez-vous oublié quelque chose du contour ? J' ai été là, j'ai fait ça. Les éléments qui sont spécifiquement demandés sont oubliés et ne sont pas inclus. Double-vérifier. Vérifiez également que la date limite est la date à laquelle vous pensez qu'elle est. Faire cette date qu'il est fait à nouveau, erreur que j'ai fait c'est pourquoi l'habitude dans ma liste de contrôle ou les couleurs toujours sur la bonne voie avec une étude de couleur ? Hé, ça arrive, tu commences à équilibrer une couleur contre l'autre. Plus vous travaillez avec elle, les couleurs, les schémas et les palettes de couleurs ont tendance à dériver. Alors regarde où tu es. Ça ressemble à l'endroit où vous vouliez aller au départ ? C'est proche ? Ok, cool. Et si c'est un peu décalé, c'est probablement bien. Mais on ne veut pas aller trop loin. Vérifiez si les couleurs sont à faire ou sursaturées. Encore une fois, ce sont des choses qui, au fil des heures et des heures de travail sur une image, vous pouvez les faire passer un peu sur vous et vous ne remarquez pas que leur globalement arriver à DOE ou se sursaturation. C' est aussi un endroit où vous pouvez le jeter à quelques commentaires. Si vous n'êtes pas en vertu de la NDA et de l'accord de non-divulgation, vérifiez le auprès d'un autre artiste ou vérifiez avec un instructeur artistique. Retournez l'image horizontalement et vérifiez les problèmes. Donc, vous obtenez votre image blip à l'horizontale. C' est l'une des meilleures façons de vérifier s'il y avait quelque chose de mal avec le dessin, les formes, la perspective, ce genre de chose. Il vous fait voir l'image de l'effet frais. Si vous ne l'avez pas déjà fait, il est temps de retourner l'image horizontalement et de vérifier si quelque chose attire votre attention, puis le travail sur l'image de cette façon pendant un certain temps. Je fais ça tout le temps. Je vais travailler sur l'image et notre dans une direction. Et puis je le retourne. Et puis je travaille dessus pendant une heure dans cette direction, et je le retourne en arrière, fais un calque d'ajustement noir et blanc et vérifie si le schéma de valeurs est encore fort. Il y a un travail de scène en noir et blanc. Les valeurs dériennent-elles à faible ou élevé en contraste ? Sont-ils globalement trop sombres ou clairs ? A également déposé déplacé de la référence ou de l'étude post. Nous voyons ici un exemple de cela. fur et à mesure que le poteau s'est décalé pendant la peinture, placez votre croquis sur le personnage actuel et vérifiez qu'ils s'intègrent bien dans leur tenue vestimentaire ou que leur tenue s'y glisse correctement. Donc, quand un personnage comme celui-ci où vous avez une grande armure encombrante et toutes sortes de couches de matériaux est sur le personnage. Il se peut que vous commenciez à changer les formes de ces gars sans remarquer qu'en fait, la figure humaine ne rentrerait plus naturellement à l'intérieur de cette pose. Donc, vous voulez vérifier ça et vous assurer que vous n'avez pas simplement contorqué votre personnage dans une position non naturelle. Et avez-vous demandé des commentaires de jetées d'art ou d'un instructeur professionnel ? Cela peut ne pas toujours être l'option si vous êtes sous un NDA, mais c'est quelque chose qui est une bonne option si vous n'êtes pas si bon, certains commentaires voient de nouveaux yeux, du point de vue de quelqu'un d'autre. Ok, maintenant nous passons aux derniers détails. On est presque à la fin. 34. Détails et conclusion: Les détails ne font pas une image, mais utilisent correctement. Ils peuvent le rendre plus réel et être visuellement plus intéressant. Commencez donc par détailler les points focaux et vous trouverez probablement que ce n'est pas autant de détails que nécessaire ailleurs. Maintenant, les points focaux sont là où les gens veulent regarder le plus et c'est là que le plus de détails doit être. En fait, trop de détails et les zones non focales peuvent réellement distraire inImage, tout reçoit une quantité de signal de détail. Il dit fondamentalement que tout est tout aussi important. Et on ne veut pas ça. Nous voulons que la plus grande partie de l'attention et de la plus grande partie des détails soient dans ces points focaux. Très bien, les détails pour prêter attention aux points focaux et surtout aux visages de personnages ne sautent pas sur les phases. Rendu des matériaux. Est-ce que le tissu se remplit comme un chiffon ? Est-ce que le rempli d'eau mouille ? Le métal est-il durci, brillant ? Double vérification du rendu du matériau, essayons de le garder loin d'être tout le même genre de ton plasticky. Vérifiez votre travail de bord. Éliminez les bords de sélection durs avec un ton moyen pour adoucir. Si vous utilisez beaucoup d'arêtes de masse ou de sélection pendant votre processus de peinture, vous allez probablement avoir cela très dur sur les bords tranchants numériques. Et parfois tu en as besoin. Mais la plupart du temps, pas encore. La plupart du temps, ce sera mieux si vous le ramollissez un peu. Et parfois, la bonne chose à faire est d'obtenir un peu de ton médian, un ton médian pur. Et que vous pouvez courir directement le long du bord pour aider à adoucir entre les deux tons. Alors quand l'image est-elle terminée ? Eh bien, il peut être considéré comme terminé. Et quand tu n'as plus de temps, c' est vraiment basique. Mais si tu as atteint ton délai, c'est fini, mec. Où que ce soit, c'est fini. Vous devez le tourner d'autres façons, en ajoutant plus de surmenage du bois et en abaissant son énergie. Tu ne veux pas faire ça. Vous ne voulez pas travailler dessus si longtemps que l'énergie globale, le zeste et la fraîcheur de l'image disparaissent. Considérez également que si elle dit tout ce qu'elle a besoin de dire, c'est probablement fait, c'est pourquoi tout n'a pas besoin d'être détaillé. S' il s'agit de transmettre une certaine émotion de c'est sur la commodité, idée, un bunker Vénus ou une action. Et maintenant, l'image fait déjà cela et cela peut juste être fait. Ne vous inquiétez pas pour ça. Enfin, plus serait superflu et moins inadéquat. Off s'inquiéter, a appris celui-là, mais j'ai vraiment aimé ça. Alors je vais vous le transmettre. Si vous ajoutez plus à la scène à ce stade et que vous avez l'impression que ce serait superflu, alors n'ajoutez plus. Mais si vous pouviez enlever quelque chose et simplifier la scène plus à partir d'ici, cela se sentirait plus inadéquat. Je veux dire, vous avez probablement le bon équilibre. Plus serait le sperme Oculus. Moins serait un adéquat. On dirait que les images sont probablement terminées. Qu' est-ce que vous essayez d'établir à ce stade de détail ? Tonalités, faire l'une des grandes zones tonales doivent être ajustées de sorte que l'image de lit mieux lorsqu'elle est petite. Ce n'est pas vraiment une chose détaillée. C' est plutôt un ajustement final et c' est certainement quelque chose que vous devriez considérer à ce stade. Maintenant, c'était le cas avec le Pégase qui avait besoin d'être éclairé. Ici, j'avais travaillé sur le Pegasus et il avait tous l'air assez bon pour lui-même. Mais dans l'ensemble, il était juste un peu trop dans les tons moyens, devenant un peu trop sombre, et devenant similaire et tonique à l'arrière. Vais-je le vérifier par rapport à mon schéma de valeurs d'origine ? Et réalisez que ces gars dans l'ensemble ont besoin d'être un pas décent plus léger que l'arrière-plan. Je l'ai égayé. J' ai également unifié ses couleurs de sorte qu'il était globalement un peu plus chaud que l'arrière-plan. Et il n'utilise pas autant de blues que le fond est des visages. Une attention particulière devrait être accordée aux visages. Même les non-humains. Clarifiez toutes les formes imprécises dans les ombres, aidez à transmettre la bonne texture de service. Et vérifiez l'expression. Deuxième lecture. C'est le moment de le mettre en une seconde lecture des détails comme les coutures, papiers d' alignement de texte, les enseignes, les étiquettes , les rayures, les intempéries, etc. Ces détails ne vont pas rendre l'image, mais ça la rend un peu plus réelle. Et il fait sentir un peu plus tactile. Et la deuxième lecture, ça s'appelle ça parce qu'au premier coup d'œil de l'image, on ne remarque pas vraiment cette couture. Vous ne remarquez pas les croquis ou les lignes sur le papier. Vous avez remarqué la scène générale, vous avez une idée de ce qui se passe dans la scène en général. Mais à la deuxième lecture, vous tournez plus de temps, vos yeux errant autour et vous ramassez de petits détails dans la scène. Générique. Tout ce qui est encore trop générique devrait être retravaillé pour être plus unique et intéressant. C' était le cas de ce garde d'épées ici. C' était basé sur une photo que j'ai vue. Mais franchement, ce n'est pas si intéressant. Et ce n'est pas vraiment si unique. Donc, nous l'avons retravaillé pour qu'il soit beaucoup plus intéressant de regarder un film comme la lame personnelle de quelqu'un et qu'il soit peut-être fait sur mesure. Donc, ce serait un bon exemple de prendre quelque chose de générique à être plus unique. Le processus d'illustration est maintenant terminé. Je tiens donc à vous remercier de m'avoir rejoint tout au long de ce matériel. J' espère vraiment que vous l'avez trouvé utile. Et si tu veux être plus fiancée et mettre ça en pratique, déteste. Je fais des défis artistiques tous les mois. Vous pouvez vérifier ceux sur ma chaîne YouTube, youtube.com slash swatches. Essayez ceci, d'accord, allez trouver un plan, trouver un concours, prendre un emploi, et suivre le matériel. Je pense que vous le trouverez utile. Et jusqu'à ce que je te vois la prochaine fois, restez tirée.