Illustration numérique : Développer votre propre style unique

1. Introduction: Que vous soyez un artiste débutant ou expérimenté, créer un style reconnaissable sera l'une des choses les plus difficiles que vous ne ferez jamais. Non seulement vous devez créer un style qui vient naturellement à vous, mais il doit aussi être un style qui se démarque du reste. Cela pourrait prendre des années d'essais et d'erreurs avant que vous tombez enfin sur quelque chose qui vous satisfait à distance. Il est difficile de l'améliorer lorsque vous n'êtes pas sûr de ce qu'il faut chercher ou de ce qu'il faut affiner. Beaucoup de gens en parlent, mais comment faites-vous réellement avec cette classe ? Je suis ici pour vous donner une feuille de route sur la façon de développer votre propre style unique. Nous allons commencer par discuter de ce qu'est le style et de l'impact qu'il a sur vous en tant qu'artiste. Ensuite, nous explorerons votre intérêt et découvrirons des façons de construire votre style autour d'eux. En analysant d'autres artistes, vous pouvez avoir une meilleure idée de ce que vous souhaitez inclure dans votre propre bibliothèque visuelle. Et le meilleur de tous, je vais vous apprendre ce que j'aime appeler la méthode de remix, qui combine tout ce que vous aimez dans un style cohésif que vous êtes obligé d'aimer. Alors que je vais utiliser Adobe Photo Shop dans une tablette pour des démonstrations. Vous êtes invités à compléter certains de ces exercices traditionnellement aussi. Êtes-vous prêt à faire passer votre style au niveau supérieur ? Commençons. 2. Qu'est-ce qu'un style ?: ce qui est dans un style par définition style comme un aspect distinctif, généralement déterminé par des principes selon lesquels quelque chose est conçu. Un style est quelque chose qui est reconnaissable ou un élément commun dans l'art. Si vous avez un style très distinct, donc je pourrais reconnaître votre art même si vous n'aviez pas votre nom dessus. Quand on regarde des artistes plus âgés comme Vincent Bingo, George Surat, Leonardo da Vinci, Henri Matisse et Salvador Dali, ils sont extrêmement différents les uns des autres. Quand je vois quelqu'un qui a essayé de reproduire la célèbre œuvre d'art de Vincent Van Gogh mettant en vedette la nuit, je pense instantanément à ses coups de pinceau audacieux et à son mouvement directionnel. Tout comme la pièce de George Seurat utilise le mélange optique en peignant avec des pensées plutôt que de mélanger physiquement les couleurs sur la toile, Leonardo da Vinci a son rendu réaliste. Henri Matisse utilise des couleurs et des formes audacieuses, et Salvador Dali crée des peintures fantaisistes qui transforment la réalité. Même si vous ne saviez pas qui était l'artiste, il est possible que vous ayez déjà vu ces œuvres d'art auparavant. Ces peintures sont des exemples fantastiques de la façon dont les différents styles d'art peuvent être. Des exemples plus modernes seraient l'empereur choisi Saki Chan, Ugo Nano, mortaise et Leonid Ephraim off. Non seulement j'aime le travail, ces artistes de l'air que je reconnais toujours tout de suite et programme a un schéma de couleurs arc-en-ciel dans leurs peintures, avec une multitude d'objets mignons. Sakami Janice, célèbre pour le séchage des pinups de personnages mémorables avec de beaux détails lumineux, ing et expressions, Ugo est une faveur que la plupart des gens pourraient reconnaître dès le départ. Non seulement il a été autour depuis un moment, il n'y a pas beaucoup d'animaux qui pourraient surpasser ces coiffures folles. Et sur les formes. Nana mortis utilise parfaitement des formes abstraites et géométriques pour créer leurs personnages. Enfin, vous avez Leone en Afrique qui ne se contente pas de créer des peintures avec un couteau à palette. Il utilise également tout le spectre de couleurs pour générer une humeur différente et voir. Il peut utiliser toutes les couleurs sur le spectre avec pleine saturation, et il semble toujours agréable à l'œil. Afin de créer même votre propre style unique, vous avez besoin de trouver vos propres objectifs pour votre art, tels que vos intérêts Voulez-vous dessiner et ce que vous avez dessiné Naturellement, mon intérêt se compose de la magie fantastique. jeux vidéo, animation et le concept sont que je aime dessiner quelque chose fantaisie fanar lié et les personnages originaux . Même si je ne dessine pas Finn ou beaucoup, je l'aime toujours. Quand je dessine, je gravite vers un style plus semi réaliste. Bien que j'ai remarqué quand je crée des croquis rapides, il semble plus ennemi comme, et nous serons toujours présents dans mon style. Puisque c'est mes racines maintenant, vous pensez probablement, Pourquoi devriez-vous développer votre propre style en créant votre propre style ? Il vous aide à vous démarquer de la mer d'artistes à travers le monde. Avez-vous prévu de vendre des commissions un jour ? Il est encore plus important d'afficher un style unique en fraîcheur. Vous devez montrer à votre public et à vos clients quelque chose qu'ils ne peuvent obtenir de personne d'autre. Non seulement ce sera de l'art avec lequel vous pouvez vous connecter à un niveau personnel, mais vous pouvez être fier du fait que quelqu'un reconnaîtra votre travail. Quand j'ai commencé à évaluer l'art, j'ai toujours essayé de copier la façon dont d'autres artistes ont créé leurs dessins, que ce soit en traçant mes livres de manga ou en regardant des tutoriels sur l'art déviant. Mais après avoir regardé mes idoles, j'ai réalisé qu'il ne sert à rien d'essayer de copier tout ce qu'elles dio. Non seulement c'était trop difficile pour mon niveau de compétence, mais il n'était pas presque en profiter autant que je le voulais. Je voulais attirer notre attention pour s'amuser, pas me torturer moi-même. Vous pouvez voir dans mon D dans notre combien de mon art a changé au fil des ans. Je ne me suis jamais considéré comme un style, mais j'ai continué à expérimenter autant de choses que je pouvais trouver. C' était avant que j'ai eu une de mes pièces préférées dans une galerie. Je me suis rendu compte que j'ai vraiment un style, même si elle a vu mon art de loin. Une de mes camarades de classe a immédiatement reconnu mon travail et savait que c'était le mien avant même qu'elle regarde l'étiquette, elle pouvait dire, juste par toutes les couleurs vives, transitions de couleurs douces et les coups de pinceau gestuels que Point Ford. Je possédais ces qualités et continue à les affiner et à les construire pour les leçons l'exercice. Je veux que vous définissiez vos propres objectifs pour votre art. Quels sont vos intérêts ? Qu' est-ce que tu aimes dessiner ? Quel style gravitez-vous vers le plus lorsque vous dessinez naturellement 3. Analyses que vous vos propres travaux: dans cette leçon, nous allons apprendre comment analyser notre propre travail et voir ce qui est présent dans notre style actuel. Tout le monde a un style, même s'ils ne savent pas exactement ce que c'est. En prenant le temps de rassembler et d'analyser quelques-unes de vos œuvres passées, vous pouvez déterminer ce qui rend exactement votre style unique. Quelques points à garder à l'esprit lorsque vous analysez votre travail sont les thèmes communs vos médicaments et ce qui se répète ou reste cohérent. En regardant à travers mon travail, je trouve que la caractéristique la plus dominante que je vois est la palette de couleurs chaudes et froides. Peu importe l'évanouissement, il est toujours présent. Je dessine aussi beaucoup de femelles, et presque toutes mes pièces ont une sorte de sentiment mystique à elle. Il y a aussi beaucoup d'action et de mouvement dans les personnages. Les personnages ont des cheveux longs ou un tissu volant, que j'ai utilisé pour améliorer le mouvement ou la composition de mon art. L' une de mes caractéristiques préférées est l'éclairage dramatique. L' éclairage dramatique aide à rehausser les bords blancs que je peins sur la silhouette du personnage. Je sais que ce que je remarque, c'est que j'aime encadrer le personnage d'une manière ou d'une autre. En faisant cela, je peux créer encore plus de profondeur dans mon travail. Une autre façon d'analyser votre propre travail est de connaître vos faiblesses et vos forces personnelles. Mes forces personnelles sont l'utilisation du dessin de couleur, les cheveux, création de mouvements et de points focaux ainsi que la volonté d'expérimenter. Je me considère assez décent avec l'anatomie pour puiser de la mémoire, mais j'aime toujours avoir des références à portée de main pour être précis, qui m'amène à ce que je considère mes faiblesses. Quand il s'agit de portrait, j'aime toujours utiliser des références afin que je puisse varier autant que possible les soins du visage. Je peux dessiner des muscles, mais ils prennent beaucoup plus de temps. Pour rendre est la raison pour laquelle j'ai fermé certains caractères plus que d'autres. Je peux dessiner les mains, mais il me faut plus de temps pour les dessiner correctement. Certains imbéciles de tissu. Une autre chose. J' utilise des références pour et des arrière-plans complexes avec perspective. Je n'ai pas encore eu trop d'entraînement dans ce domaine. Les références sont votre ami pour surmonter vos faiblesses. En étant honnête avec vous-même, vous pouvez comprendre ce que vous pouvez améliorer et ce que vous pouvez affiner pour moins en deux . Exercice Je veux que vous collectionniez jusqu'à cinq de vos œuvres d'art et les analysiez. Qu' est-ce qui est cohérent ? Y a-t-il un thème commun ? Qu' est-ce qui arrive beaucoup dans vos dessins ? Nommez au moins cinq choses que vous répétez. Quelles sont vos faiblesses et vos forces quand il s'agit de dessiner ? 4. Vos influences: Savoir qui sont vos influences vous rapproche beaucoup plus de savoir qui aimerait inclure dans votre propre style. Certaines de mes plus grandes influences sont les mouvements que vous croisez des pailles. Royaume-Uni va déplacer Grassi Nano mortis, Shihlin et chaussettes michonne. Je suis beaucoup leur travail, et j'aime décomposer la façon dont ils ont créé chaque pièce. Dans cette leçon, nous allons trouver un tas d'œuvres d'art qui vous inspirent dans le tableau d'inspiration coréenne. Ici, j'ai rassemblé des œuvres d'art de mes plus grandes influences et d'autres artistes qui m'ont inspiré . Eh bien, c'est toujours agréable d'admirer une œuvre d'art. Cela vous aide encore plus si vous essayez de l'analyser vous-même comme ce que vous aimez à ce sujet. Quels sont les éléments que vous souhaitez incorporer dans votre ancienne œuvre ? Quels éléments se distinguent ? Qu' est-ce que vous n'aimez pas en regardant d'autres artistes travaillent. Il révélera ce que vous aimez et ce que vous n'aimez pas un art. Ces qualités refléteront probablement beaucoup dans votre propre travail et mon tableau d'inspiration. J' ai essayé non seulement d'énumérer le nom de l'artiste en question, mais je fais aussi des notes rapides sur ce que j'ai aimé dans le style de cette personne. Certains d'entre eux sont spécifiques, tandis que d'autres sont plus généraux. Comme comment Kwasi peint ses ombres. Il y a un bord saturé entre l'ombre et la couleur de base que j'aime vraiment, sans parler de l'utilisation de couleurs et d'effets subtils. Tout dans son Bork a l'air poli dans Amazing. Voici un bref aperçu de mon tableau d'inspiration personnel. Je vais l'inclure dans les projets de démonstration afin que vous puissiez profiter des photos de près pour moins de trois. l'exercice lorsque vous créez votre propre inspiration. Chaussures de planche. Au moins quatre artistes différents dont le style vous plaît comprendre ce que vous aimez dans leur style et ce que vous aimeriez imiter dans votre propre travail. S' il y a quelque chose que vous ne voulez pas imiter, assurez-vous de prendre note de cela aussi. 5. Mimétiser les « Masters »: dans notre copie. Une autre œuvre d'artiste est fortement désorientée. Le prix est un grand non non, et si vous ne trouvez pas quelque chose d'original, vous échouez en tant qu'artiste. Mais je comprends d'où viennent ces commentaires. n'y a rien de mal à utiliser ce que les gens ont créé avant vous comme référence pour votre propre art. Si vous avez fait partie de la communauté artistique ou des cours d'art, il est probable que vous ayez entendu le terme, imité les grands ou qu'on vous a dit de copier une vieille œuvre d'art. En essayant d'imiter de vieux artistes, Vous pouvez expérimenter de première main comment ils créent leur propre travail et former votre oeil pour voir la façon dont ils dio pour la leçon pour elle. Nous allons prendre le même concept et essayer d'imiter nos artistes préférés. Nous prendrons trois des artistes qui vous ont influencés depuis le dernier exercice et refléterons leur style lors de la sélection d'un artiste pour imiter soit prendre quelque chose de simple ou choisir une section à copier. L' idée est de ne pas s'inquiéter de la rendre parfaite et de se concentrer davantage sur ce que vous apprenez fur et à mesure que vous dessinez. Si ces artistes créent des tutoriels sont des pinceaux, assurez-vous de les utiliser comme référence. Les trois artistes que je vais imiter notre Ross Straws, Maju et UK Home 6. Mimicking RossDraws: le 1er 1 Je vais commencer avec Ross dessine avant un match nul. J' évalue le dessin et fais quelques notes mentales où la lumière source des formes et des couleurs communes . Comme vous le voyez, il y a plusieurs sources de lumière dans cette pièce, une venant de la poitrine et une venant de derrière elle, également connue sous le nom de rétro-éclairage. Une autre chose que j'ai vu est que beaucoup de formes que la paix sont implicites plutôt que complètement rendus. Pour avoir une idée générale des couleurs principales, j'ai choisi la couleur la plus proche de l'arrière-plan global. Je me suis abstenu d'utiliser l'outil compte-gouttes et d'utiliser mon meilleur jugement lors de la sélection d'une couleur pour former mon œil à prendre la teinte générale de la paix. J' essaie de garder mon croquis lâche, puisque c'est plus proche du style Ross dessine. Juste avec le croquis, je ramasse déjà quelques informations intéressantes. Habituellement, quand je dessine les yeux, le fond de l'œil n'a pas autant de courbure. La forme de l'œil et son expression semblent très captivante quand j'ai ajouté, Si vous utilisez photo shop, n'ayez pas peur d'utiliser l'outil liquéfier pour corriger les erreurs dans l'étape de l'esquisse. Maintenant que j'ai fait l'esquisse globale, je vais sauter directement dans la peinture. Puisque le fond a un fort mouvement directionnel, je vais commencer par l'arrière-plan et travailler mon chemin vers le haut. Je peins d'abord les formes générales pour que je puisse entrer plus en détail plus tard. Ne vous inquiétez pas si certaines formes ne ressemblent pas exactement à l'image originale, mais essayez de les rendre reconnaissables après que j'ai peint les formes générales et que j'ai remarqué que mes couleurs ont commencé à détourner. Pour résoudre ce problème, j'ai utilisé le filtre de balance des couleurs pour déplacer toutes les couleurs plus près d'une teinte bleue violette. Juste par ce petit changement, regardez à quel point les couleurs sont plus proches de l'original. Maintenant, pour peindre les ombres, j'ai créé un nouveau calque et je l'ai changé pour se multiplier. J' ai bloqué dans l'ombre avec des bords durs et utilisé cet outil beaucoup pour adoucir les transitions . Cela vous donne plus de contrôle sur vos formes d'ombre. Ici, j'utilise l'outil lasso pour obtenir des arêtes vives, puis passe à l'outil tache pour lisser l'autre bord. J' ai vraiment utilisé l'outil lasso quand je suis la peinture numérique, donc c'était une nouvelle stratégie pour moi, elle a été utile pour la masse, souvent zone à peindre. J' utilise un mélange de couleur esquive dans le Dodge près ici pour faire ressortir les points forts et les parties croissantes du dessin. Une partie de moi redoutait de peindre la pédale de feu, car beaucoup de formes étaient très peu claires. Comme il y avait beaucoup de bords durs, j'ai décidé d'utiliser l'outil lasso en combinaison avec l'aérographe. Cela m'aiderait à obtenir un look Grady tout en maintenant ces bords nets. Heureusement, j'avais aussi des pinceaux à pédales à portée de main pour accélérer le processus. Ici, je mets quelques touches supplémentaires mais plus mince esquive pour créer plus de faits saillants. Maintenant, je travaille sur la surpeinture réelle. Puisque le visage est plus un point focal, je me suis concentré sur le rendu du visage plus que le reste du corps. Le nez est probablement le plus difficile pour moi à saisir, car très peu de nuances ont été utilisées. Qu' est-ce que j'ai appris ? Pendant que je peignais ceci, j'ai découvert que l'outil lasso est très utile pour créer des bords durs en utilisant le dernier. L' outil, tout en essayant de raser les narines, a simplifié le processus pour moi et a facilité la création des différents plans sur le nez . Après avoir commencé le nez sur l'original, je me suis rendu compte qu'il était en fait plus facile de façonner si vous utilisez moins dit de définir les plans plutôt que les couleurs qui sont beaucoup plus foncées en utilisant moins de nuances en combinaison avec un fort point fort, comme sur le nez et j'ai balayé, vous pouvez créer plus de dimension dans le visage. Moins, c'est certainement plus. Dans ce cas, ce que j'ai le plus lutté était probablement les fleurs, car il était difficile de distinguer comment il a créé les formes. Le nez m'a aussi pris du temps pour m'y habituer, car il n'y avait pas autant de nuances utilisées. La chose la plus facile à répliquer pour moi était la forme globale, forme en couleurs. Cela semblait très similaire à mon propre style, qui est surtout parce qu'il a eu une telle influence sur moi. 7. Mimicking Muju: pièce de Loach dans l'ensemble est très gestuelle, avec une sensation plus traditionnelle et fluide, les visages impressionnants, plus réalistes par rapport aux précédents que j'ai essayé. Comment je vais m'approcher du fort, c'est d'esquisser le visage en premier. Comme il a le plus de détails à partir de là, je vais dessiner lâchement le reste de la forme pour me donner des directives générales pour la peinture . Après avoir fait ce croquis, je réduirai l'opacité et je travaillerai à partir de zéro avec l'utilisation et les valeurs pour l'arrière-plan . J' ai récemment acheté ces pinceaux appelés pinceaux de groupe qui imitent la peinture traditionnelle, donc j'ai l'intention de les essayer pour cette étude. Pour maintenir la sensation traditionnelle. Vous pouvez les obtenir sur leur site Web appelé pinceaux de groupe point com. Si vous essayez de penser à l'avance pendant votre processus de peinture, vous pouvez éviter les maux de tête plus tard sur la ligne. C' est pourquoi je rend la figure avec des couleurs moins saturées que l'original , donc quand j'ajouterai des effets plus tard, cela rendra ces zones moins saturées belles ombres pour le rendu. Je fais usage de mélanger à la fois les pinceaux, la texture et cet outil beaucoup. Quand j'utilisais autant pour notre façon de continuer à me rappeler de ne pas aller par-dessus bord avec le Bund, Ng dit. Je voulais toujours que les formes aient de la texture. Je prévoyais que le visage serait probablement le plus difficile pour moi à rendre, alors j'ai essayé d'aborder cela d'abord quand je serais frustré de peindre une section, j'ai essayé de passer à une autre partie du dessin qui se passait souvent avec le visage. J' ai trouvé mon style en essayant de jeter un coup d'œil. Quand j'essayais de répliquer le visage des moochers, j'ai fini par devoir refaire l'œil et utiliser liquéfier pour réparer ces choses. - Pour m' empêcher de devenir trop fou avec le rendu, j'ai lentement construit les nuances avec de la peinture normale et multiplié les couches. J' ai ensuite utilisé Lean Your Dodge pour faire apparaître les faits saillants, en particulier près de la main et des pédales. Une fois que je suis entré dans les dernières étapes de l'étude, j'ai pu dire que le film utilisait des photographies pour les textures du kimono, alors j'ai découvert que vous aviez conçu des similitudes avec eux et les avez intégrées dans la peinture. Je me suis débarrassé du fond blanc avec l'outil de sélection, puis j'ai expérimenté avec les modes lundi sur l'Obi j'ai utilisé l'outil de travail pour envelopper le motif autour de la forme. façon réaliste, maintenant, maintenant, qu'est-ce que j'ai déjà allumé ? Pendant que je peignais ceci, j'ai appris à être plus lâche avec le processus de blocage. détachant avec la peinture, j'ai trouvé de nouvelles façons intéressantes de peindre, tissu et de cheveux qui paraissaient plus organiques. J' ai également appris comment ajouter des textures photographiques peut rendre les vêtements plus attrayants et réalistes. J' ai vraiment lutté avec le visage le plus. Je n'arrêtais pas de remarquer mes objectifs pour les visages qui surgissent à travers cette cause de prendre de fréquentes pauses , donc je n'ai pas été frustré avec ça. D' autre part, j'ai trouvé le mouvement et les couleurs les plus faciles à répliquer les images fonctionnent. Cette pièce était de loin mon étude préférée. 8. Mimicking Yukihomu: vous regardant. Ki ho Mose artwork i comptel Il y a une transition douce entre les couleurs chaudes et fraîches dans la paix globale. Leur utilisation de teintes subtiles et de mélanges est lisse et raffinée. On dirait également qu'ils ont choisi un pinceau rond pour la plupart de leur peinture. Comme il y a beaucoup de bords arrondis et les coups de pinceau, il est possible qu'ils l'aient fait. Cette pièce dans un programme appelé Pain Tool Sigh, en raison de l'outil aquarelle et frange sombre sur certains de l'ombrage est une esthétique commune vu une œuvre créée dans ce programme. Comme il donne une sensation d'aquarelle, je vais commencer par l'outil Grady in pour configurer la transition d'arrière-plan. Comme il y a plus de lignes dans cette pièce que les deux précédentes, je vais prendre un peu plus de temps pour affiner l'esquisse. Je vais aussi me concentrer davantage sur la fille allongée au centre, donc je n'ai pas besoin de dessiner le reste des chiffres. Puisque la fille au centre de la pièce est allongée à une diagonale, je vais utiliser l'outil de rotation pour me rendre plus facile de l'esquisser. - Pendant que je sèche, j'utilise l'outil gomme pour soulever le croquis pour rendre les lignes clairement visibles. De cette façon, je peux garder la texture du croquis original en dessous. Ce n'était pas le moment de bloquer les couleurs. Le pinceau de nuage que j'ai trouvé dans votre labyrinthe art déviant était parfait pour reproduire l'arrière-plan . - Je me suis assuré qu'avant de continuer sur l'ombrage, j'ai coloré la doublure. De cette façon, j'ai les lignes là comme guides, mais ils ne vont pas dépasser le reste de la pièce. C' est normalement pour cela que j'utiliserais les lignes dans mes propres peintures. Yuki maison était couleur. ombrage est si délicat que le choix des couleurs est encore plus une tâche stratégique. Bien que je puisse simplement utiliser l'outil pipette pour obtenir toutes les couleurs, je vais profiter de cette occasion pour comprendre de quelle couleur il est par moi-même. Je me suis posé une série de questions quand j'essaie de déterminer la couleur comme quelle famille de couleurs est-elle la plus proche ? Est-il du côté plus chaud du spectre, ou est-il plus frais ? Les curseurs en bas de la fiche Congrès que j'utilise rend super facile d'ajuster les couleurs lorsqu'il est chaud et frais, commun à jouer par rapport aux couleurs d'origine. Ma version cherchait à être saturée, donc j'ai fini par devoir utiliser un filtre de saturation de teinte pour le tonifier un peu. Après avoir terminé la plupart de la sous-peinture, il était temps pour moi de rendre quelques autres zones et la plupart de la maison britannique. Ces pièces. Ils gardent les lignes relativement visibles tout en affinant les points focaux comme le visage. Les lignes sont plus présentes autour de la phase que le reste de la figure. Alors j'ai gardé ça à l'esprit en peignant. J' ai eu plus de mal à reproduire ce style. Comparé aux deux autres. Il était difficile de rester lâche pendant l'étape de l'esquisse et de ne pas essayer de perfectionner toutes les lignes . La qualité de la ligne était également très différente par rapport à l'artiste original, bien que j'ai réalisé que cela pourrait être dû à la taille de l'outil de peinture, la ligne incroyable sont des outils. Ce que j'ai appris, cependant, c'est que j'aime le look de toutes les différentes nuances ensemble, surtout dans les cheveux. Dans mon style, j'ai tendance à trop généraliser les couleurs et n'ajoute pas autant de variation que la maison britannique. Qui le fait ? J' aime avoir le croquis à travers et seulement affiner certaines zones de la peinture 9. Mises à jour et remixez: Maintenant que j'ai terminé mes trois études, je vais prendre les éléments que j'ai appris d'eux et les combiner en un seul dessin. C' est là que vous pouvez également ajouter votre propre touche personnelle. J' ai l'intention d'utiliser moins de travail de ligne, peindre plus de variations de couleur et de devenir plus lâche dans le processus de blocage et de rendu. Je vais également utiliser les photos et textures de l'outil lasso plus dans ma peinture. Rester desserrer. Le processus d'esquisse et de coloration sera probablement mon plus grand défi, mais cela m'aidera également à mettre en œuvre l'idée de moins est plus. J' aurai un laps de temps en arrière-plan pendant que nous passerons maintenant à quelques questions importantes . Combien d'inspiration pouvez-vous prendre d'autres artistes sans voler leur style ? La méthode de remixage est importante à utiliser si vous voulez éviter ce problème, plus les artistes qui se combinent, moins vous copierez complètement ce que vos idoles dessinent. Vous pouvez commencer par utiliser des idées générales comme la façon dont ils ont conçu des compositions, utiliser collier impose , mais après ce point, vous voulez plonger dans le minutieux et remarquer vos propres préférences stylistiques. Aimez-vous les nez qui ont l'air plus cartoony ou aimez-vous ? Un réaliste sait ? Comment cette personne dessine les cheveux différemment des autres artistes ? C' est quelque chose que tu veux ramasser ? Ou peut-être que vous voulez avoir une peau réaliste et faire les vêtements entièrement d'une couleur unie. En prenant des morceaux d'autres personnes, vous vous retrouverez avec un style qui vous semble tout à fait unique. Comment savez-vous ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas ? Comment savez-vous quand changer un choix stylistique ? Comment je trouve ce qui fonctionne, c'est de me demander si j'aime ce que je produit. Si ça vous plaît, il n' y a aucune raison de changer. Il ne s'agit pas de savoir si quelqu'un d'autre l'aime, ou si cela ressemble à cela dans son travail. Si nous allons le dessiner, vous voulez profiter de ce que vous dessinez et sentir que c'est le vôtre seul, ce qui mène parfaitement à la question suivante. Comment savez-vous ce qui se forme naturellement de vous et quelles pièces vous devez travailler et affiner ? Si vous vous êtes déjà demandé cela, demandez-vous. Est-ce que cette technique colle que vous saurez après avoir dessiné quelques autres pièces, si vous gravitez ou non vers une certaine technique ou une certaine façon de dessiner si vous vous trouvez revenir à une méthode particulière est une bonne chance que vous êtes familier et confortable travailler de cette façon. Si vous devez affiner des parties de votre style est une préférence personnelle. Disons que vous êtes à l'origine dessiner un nez de bande dessinée. Tu les aimes et elles sont faciles. Mais vous vous demandez si vous devriez commencer à dessiner des nez réalistes à la place. Si c'est quelque chose qui vous intéresse, essayez de le faire. Tout commence par le désir d'essayer quelque chose de différent et de trouver des moyens d'améliorer votre travail antérieur. Mais si tu aimes comment tu dessines, qui peut dire que ça ne va pas ? Si vous n'avez pas envie de le changer, alors considérez-vous bien. Et voici la pièce finie. J' aime vraiment comment cela est sorti s'il était extrêmement différent de mon style habituel, mais j'ai trouvé que travailler librement est beaucoup plus attrayant que peindre dans des lignes directrices strictes . Je n'ai pas eu l'impression que deux ans pour peindre, et j'ai l'impression d'avoir aimé peindre cette pièce beaucoup, beaucoup plus que mon travail précédent 10. Réflexions finales: maintenant que vous avez réussi et appris tout ce que vous devez savoir sur le développement de votre propre style, avoir quelques trucs de plus que vous pouvez emporter l'une des questions les plus courantes que l'on me pose A Zip. Et les artistes seront meilleurs ou pires si leur style est différent. La réponse à cette question n'est absolument pas. Chaque artiste a son propre intérêt pour les bizarreries vers lesquelles il gravite. C' est ce qui les rend uniques. Si vous voulez un journal, les animaux dessinent des animaux. Le portrait va droit devant. N' importe qui pourrait imiter un style. Mais c'est votre propre vision unique dans le monde qui frappe vraiment les gens. Peu importe combien nous essayons d'être comme un autre artiste, notre propre style essaiera toujours de jeter un coup d'œil. C' est pourquoi nous sommes frustrés quand nous essayons de dessiner parce que nous continuons à nous comparer à une autre personne. Ne soyez pas gêné si votre art ne ressemble pas à Michel-Ange ou à votre art inactif. Si vous prévoyez de faire de l'art pour gagner votre vie, voulez-vous vraiment être connu comme cette personne qui peut le faire quand Donc c'est de l'art, ou voulez-vous être connu pour ce que vous aimez vraiment faire ? Considérez les autres artistes comme une inspiration plutôt qu'une compétition. La prochaine fois que vous regardez vos artistes préférés, au lieu de vous comparer et d'utiliser une conversation négative, disséquez leur style et voyez ce que vous aimez à ce sujet. Plus vous êtes précis avec vos réponses, plus vous pouvez l'utiliser dans votre propre travail. Avoir un style cohérent est quelque chose dont beaucoup d'artistes parlent. Bien que cela puisse être important dans certains cas, comme les mammifères orographiques d'un Siri, vous ne pouvez pas le vivre et vous empêcher de grandir. Nous apprenons toujours, et il y a toujours de la place à l'amélioration, peu importe à quel point pensez-vous être bon. Même si vous pensez être au sommet de l'endroit où vous voulez être dans votre art, gardez un esprit ouvert et continuez à étudier le travail des autres, cela pourrait vous surprendre sur ce que vous pourriez apprendre. Votre style évoluera constamment, alors ne vous sentez pas obligé d'être stagnant et de rester dans un style unique