Illustration et entreprise : une introduction aux portfolios et à la fixation du prix de votre art

1. Intro: Bonjour. Je m'appelle Kendyll Hillegas et je suis illustrateur indépendant à temps plein. En tant qu'artiste commercial, je travaille avec des clients de grande et petite taille sur tout, de l'habillement à l'éditorial en passant par l'emballage. Ça a pris des années, mais j'ai bâti mon entreprise ne pas survivre en tant qu'artiste, mais aussi prospérer. Travailler régulièrement avec des clients comme le Wall Street Journal et Real Simple, ainsi que des grandes marques alimentaires nationales et internationales. Bien que cela puisse sembler superbe et avoir l'air rose de l'extérieur, c'était une route longue et difficile pour y arriver. Je ne suis pas du tout naturel avec l'art et les affaires. Quand je suis diplômé de l'école, je n'avais absolument aucune idée de la façon de faire une carrière d'artiste. J' avais des compétences artistiques de base et je pouvais dessiner, et j'étais créatif, mais je n'avais pas vraiment beaucoup d'orientation ou de clarté au-delà de ça. Il a fallu des années de lutte douloureuse et de trouver des choses par moi-même pour transformer ma passion en une carrière épanouissante. Donc, si vous êtes dans ce même bateau, si vous avez des compétences créatives et artistiques et que vous êtes intéressé à poursuivre l'art comme une vocation où vous gagnez réellement de l'argent, mais vous n'êtes pas vraiment sûr de quoi faire ensuite ou comment le transformer en une entreprise, cette classe est pour vous. Ce sera un cours d'enquête, qui signifie que nous aurons un aperçu général des 10 choses pratiques les plus importantes qui ne sont souvent pas enseignées à l'école d'art. Nous aborderons donc tout, depuis les compétences quotidiennes nécessaires à la gestion d'une entreprise artistique jusqu'aux compétences fondamentales nécessaires pour la construire comme des portefeuilles, service à la clientèle et la recherche de votre créneau. Tant d'artistes craignent quand ils entendent le mot affaires, et penser à des factures ou normes professionnelles de l'industrie ou au marketing leur donne envie de courir et de se cacher la tête sous un oreiller. Mais je suis ici pour vous dire que ce n'est pas si mal et que construire une carrière créative réussie est totalement possible. Dans ce cours, je ferai de mon mieux pour démystifier même les sujets les plus tabous du commerce de l'art afin que vous ayez ensuite une vue d'ensemble solide de certains des aspects les plus importants de la gestion d'une entreprise artistique réussie. S' il vous plaît garder à l'esprit que nous prenons beaucoup dans cette classe. Je couvrirai ce que je considère comme les choses les plus importantes et les plus vitales à savoir pour mettre en place votre entreprise artistique. Mais il y aura encore plus à apprendre. Comme je suis moi-même artiste commercial et illustrateur, ce cours s'adresse spécifiquement à d'autres artistes et illustrateurs. Il convient également aux personnes qui ont une bonne compréhension de leurs compétences artistiques et de leur style. Donc, si vous apprenez toujours à dessiner ou à peindre ou à trouver votre style, je vous recommande de passer à l'un de mes autres cours et de vous concentrer d'abord sur vos compétences artistiques techniques, avant de mettre trop d'énergie dans l'entreprise côté. Il y aura beaucoup de temps pour ça plus tard. Mais si vous êtes à un niveau plus intermédiaire et que vous avez un style de développement assez cohérent et que vous vous sentez prêt à commencer à travailler professionnellement, alors plongons dans. 2. Comment savoir si votre portfolio est d'un niveau professionnel ?: Leçon 1, comment savoir quand mon portefeuille est à un niveau professionnel. Que vous soyez un nouveau diplômé ou un artiste autodidacte, il peut être difficile de savoir quand vous êtes prêt à faire le saut vers le niveau professionnel. En tant que types créatifs, nous avons tendance à remettre en question nos capacités et à lutter avec le doute de soi. Une question avec laquelle j'ai personnellement lutté et entendu tout le temps est comment puis-je savoir si mon travail est à un niveau professionnel ? Indépendamment du style et de l'illustration commerciale, le travail de niveau professionnel a trois caractéristiques communes. Numéro un, la qualité ; il affiche des compétences et des métiers clairs quel que soit le style. Numéro deux, quantité ; la compétence et le style montrent la cohérence dans l'ensemble du portefeuille. Numéro trois, stratégie ; le créateur a réfléchi à la façon dont et où son travail pourrait s'intégrer sur le marché. Parlons maintenant de la façon dont ces trois caractéristiques jouent réellement dans la vie réelle en parlant de trois phases d'une carrière artistique. Le stade de germination, le stade de croissance et le stade de floraison. J' entends par e-mail et des DM de nombreux artistes débutants qui veulent poursuivre une carrière créative et sont frustrés de ne pas trouver d'attraction. Ils font des projets personnels, ils les partagent en ligne, ils font les choses qu'on leur a dit de faire, et pourtant ils ne sont pas embauchés ou mis en service, ce qui est compréhensible très frustrant. Chaque fois que j'entends ces gens et que je jette un coup d'oeil à leur travail, une fois que j'ai creusé, je constate qu'au moins une des trois caractéristiques que j'ai mentionnées manque. Soit leur travail n'est pas à la hauteur d'une qualité professionnelle, leur travail n'est pas professionnel, soit leur travail n'est pas ciblé et ciblé sur un marché particulier. Si le scénario numéro un est vrai et que leur travail n'est pas encore à la hauteur d'une qualité professionnelle, nous considérerons cette personne créative au stade de la germination. Un artiste germé peut avoir des compétences de base décentes et savoir comment utiliser des outils et des fournitures. Ils ne sont pas vraiment débutants, mais ils passent probablement encore beaucoup de temps à expérimenter, essayer différentes approches, et ils n'ont probablement pas une orientation claire dans leur travail. Selon leur personnalité, un artiste germé peut se sentir un peu perdu et frustré de ne pas être en mesure de produire ce qu'ils veulent ou ils peuvent être juste vraiment s'amuser et profiter du processus d'expérimentation. Si la quantité ou la taille du portefeuille est le problème, nous pouvons considérer cette personne au stade de la croissance. Un artiste de scène de croissance commence probablement à se concentrer sur un style, vraiment affiné sur cela. Peut-être même se concentrer sur des sujets spécifiques ou un certain type de médias, et ils investissent presque définitivement du temps sérieux sur une base régulière et s'enfoncent vraiment dans leur pratique créative. Il y aura des thèmes cohérents émergents et un aspect cohérent de leur travail. À ce stade, ils ont probablement un plus grand corps d'art et ils peuvent même attirer un client payant ici ou là. Enfin, notre créatrice de stade de floraison ressemble à la personne de stade de croissance, mais en plus de cela, plus grand portefeuille, compétent et cohérent, ils commencent à orienter leur attention dans des domaines spécifiques pour répondre à un besoin clair du marché. Ils grandissent toujours même dans cette phase de floraison, mais leur travail a maintenant non seulement un aspect et une sensation distincts, mais aussi un objectif vraiment clair. À ce stade, s'ils ne l'ont pas déjà fait, ils devraient vraiment commencer à promouvoir activement leur travail. Pour moi, quand j'étais à l'école d'art, j'ai beaucoup appris et mes compétences artistiques se sont améliorées, mais une fois mon diplôme, je ne produisais toujours pas un niveau professionnel d'art et ce n'est pas du tout rare. Mon travail était partout. Je ne savais pas comment me motiver efficacement et j'ai vraiment eu du mal à investir beaucoup de temps dans mon travail. J' étais constamment frustré et déçu en moi et en mon art. Essentiellement sans le savoir, j'étais au stade de la germination. Ce n'est certainement pas le cas pour tout le monde, mais beaucoup de diplômés d'écoles d'art et d'artistes autodidactes sont dans le même bateau. Si vous n'êtes pas sûr régulièrement de quoi dessiner ou que vous ressentez de l'anxiété à propos du dessin, ou si vous avez du mal à vous motiver à faire du travail, ou si vous vous trouvez souvent à penser, « J'ai juste besoin d'avoir un client et alors je serai motivé à dessiner », vous pouvez être dans le stade de la germination aussi. Recommandations pour le stade de la germination. Si vous êtes à cette étape de votre voyage créatif, votre objectif principal devrait être de trouver la chose, ce soit le style, le sujet, les médias, l'histoire, l'idée que trouver cette chose qui vous excite tellement et vous vous sentez tellement connecté que vous pouvez facilement passer des heures, des heures et des heures, des heures et des heures nécessaires pour que vos compétences et votre qualité de travail atteignent un niveau professionnel. Fondamentalement, vous devez travailler à trouver votre style d'abord, que je considère comme faire croître votre système racinaire. Vous pouvez tout de même suivre ce cours, mais si vous êtes au stade de la germination, ma recommandation honnête serait d'interrompre ce cours et d'aller suivre mon autre cours, la méthode scientifique pour les artistes à la place. Il s'agit de trouver votre style en trouvant cette chose qui va motiver et vous inspirer à investir le temps qu'il faut pour développer un style personnel. Maintenant, si vous vous sentez déjà motivé et motivé pour créer travail et que vous pouvez vous asseoir et passer volontiers des heures, mais que votre travail n'est pas encore cohérent ou que vous n'en avez pas beaucoup, vous pouvez passer de la phase de germination à la croissance scène. Quelques recommandations au stade de croissance. Si vous êtes dans cette phase, votre objectif principal est d'approfondir vos racines créatives créant un travail important et cohérent. Stade germe vise à la qualité ou à la santé d'utiliser une métaphore simple. L' étape de croissance vise la qualité et la quantité. À ce stade, il s'agit de santé et de taille. Maintenant, vous demandez peut-être, quelle est la taille ? Combien de pièces ? Comment saurai-je si mon portefeuille est suffisamment cohérent ? Encore une fois, il y a un peu de subjectivité ici, mais abordons cela avec une histoire. Ma première mission commerciale pour l'emballage a eu lieu après que je dessinais tous les jours depuis près d'un an. C' était pour un paquet bretzel et au moment où le client m'a contacté, j'avais déjà dessiné 10 articles différents de pain et de craquelins dont un bretzel. Cela ne compte pas les dizaines d'autres types d'aliments et d'autres catégories comme les animaux ou les plantes sur lesquelles je travaillais à l'époque. Si vous vous trouvez à penser, « Hé, je fais un cône de crème glacée quelques fois, pourquoi personne ne m'embauche pour dessiner de la crème glacée », ou « J'ai dessiné de la nourriture comme 10 fois, pourquoi personne ne m'embauche pour dessiner de la nourriture ? » Vous devrez probablement explorer catégories et des thèmes plus spécifiques dans les aliments ou les plantes, paysages, les intérieurs ou quelle que soit votre catégorie, et dessiner ces choses plusieurs fois. Lorsque vous êtes dans cette phase, je vous recommande de ne pas passer une tonne de temps sur les cartes postales, l'envoi de courriels froids, la mise en place de collaborations, obtention d'un super stratégique avec les médias sociaux. Vous pouvez par tous les moyens partager votre travail et je vous encourage à partager votre processus et à vous familiariser avec les pratiques commerciales de base. Ce cours est un excellent début. Mais d'ici là, jusqu'à ce que vous ayez réellement ce grand corps cohérent de travail poli, il peut être difficile d'attirer des clients commerciaux et la croissance en tant qu'artiste devrait toujours être votre objectif principal. Enfin, l'étape 3, l'étape de la floraison. Maintenant, si vous avez un gros travail cohérent et que vous vous connectez à tout ce que j'ai mentionné à propos de la phase de croissance, mais vous n'avez toujours pas vraiment frappé votre foulée avec des clients réellement débarqués. Peut-être que vous en avez eu quelques-uns ici et là, mais ce n'est pas cohérent, vous pouvez passer du stade de croissance au stade de floraison. Recommandations pour la phase de floraison. artistes de la scène de Bloom ou les bloomers devraient continuer à se concentrer sur tout ce qu'ils ont fait au stade de la croissance, en termes de faire régulièrement du travail de qualité et de l'ajouter à leur portefeuille croissant. Ils devraient également commencer à essayer de promouvoir activement leur travail en éliminant un petit pourcentage de leur temps d'art, peut-être 25 pour cent pour commencer à chercher leur créneau de marché et à se positionner à l'intérieur de celui-ci par la création d' encore plus de travaux et la présentation de leurs travaux existants. Ne pas sembler un record battu, mais cette classe est vraiment idéale pour les cultivateurs tardifs et les bloomers car la plupart des sujets que nous aborderons sont des choses sur lesquelles ils doivent se concentrer. Même si vous avez beaucoup de liberté pour passer du temps à travailler sur votre carrière artistique, nous avons tous des heures limitées dans la journée Il est donc essentiel de passer votre temps de façon stratégique et appropriée pour la scène dans laquelle vous êtes réellement. La mission de cette leçon est de déterminer dans quelle étape vous vous trouvez. Vous avez probablement déjà une bonne idée de l'endroit où vous êtes basé sur mes descriptions. Mais si vous avez besoin d'un peu plus d'aide ou si vous êtes comme moi et que vous aimez simplement passer des quiz, vous pouvez regarder dans la section projet de classe pour la leçon 1 et répondre au quiz. Ensuite, je vous encourage à vous présenter en créant un projet de classe, vous pouvez télécharger un morceau de votre travail ou une photo de vous-même et nous faire savoir dans quelle phase vous êtes. 3. Comment identifier votre marché et votre cible: Leçon 2. Comment identifier votre marché et votre créneau. Maintenant que nous avons un bon sens de la maturité du portefeuille, et quand un portefeuille est au niveau pro, il est temps de parler d'un autre élément clé du puzzle pour transformer votre art en carrière : identifier et positionner votre travail sur un marché qui est le principal défi pour les bloomers. Si vous voulez gagner votre vie de votre créativité, vous devrez à un moment donné réfléchir à la façon dont votre créativité et votre habileté peuvent être monétisées. identification de votre marché vous aidera à décider de la façon de chercher stratégiquement à gagner de l'argent grâce à votre art. Maintenant, nous ne pouvons pas aller de l'avant dans ce sujet sans reconnaître que ce sujet ou vraiment toute discussion sur l'argent et l' art ensemble peut être un véritable tabou dans le monde de l'art. Il y a beaucoup d'artistes qui détestent vraiment même considérant comment leur art pourrait être utilisé pour gagner de l'argent. Ils veulent le créer à partir d'une pure authenticité sans même tenir compte de la question de l'argent avant de faire le travail. Pour ces artistes, je dirais ceci : Si vous voulez gagner une vie fiable de votre travail créatif au-delà de simplement espérer qu' un milliardaire collectionneur d'art décide d'être votre mécène, vous devrez considérer d'autres valeurs, d' autres choses qui sont importantes pour vous autres que la pure authenticité. J' aime penser au processus de trouver votre créneau de marché et d'imaginer comment votre art pourrait être utilisé à l'intérieur ou quel besoin il pourrait remplir comme le développement de l'empathie. Oui, bien sûr, vous pouvez et devez parler de votre voix authentique et de votre style en tant que créateur, mais pour en faire une véritable carrière, vous devrez également en même temps développer votre empathie envers les personnes qui vous paiera pour votre travail. Maintenant, je pense que certaines personnes créatives ont une réponse différente à la question de l'argent, et elles sont impatientes de transformer leur passion en profit dès le premier jour. Maintenant, c'est génial à un niveau, mais pour ces artistes, je dirais ceci : Se concentrer trop tôt sur le profit peut être tout aussi problématique que refuser de le reconnaître. C' est comme décider de diriger un stand de limonade avant savoir si vous appréciez réellement le processus de fabrication de la limonade. Par exemple, peut-être que vous aimez boire de la limonade ou je le fais à l'occasion en petites quantités pour votre famille et vos amis, mais ce que vous aimez vraiment faire, ce qui finit par vraiment vous éclairer à l'intérieur et vous sortir du lit day out est en fait de faire les cookies que vous vendez sur le stand de limonade, pas de faire la limonade elle-même. n'y a aucun moyen de connaître la réponse à cette question tant que vous ne l'avez pas vraiment essayé à fond. Si vous voulez avoir une carrière créative épanouissante, je vous conseille d'éviter de passer beaucoup de temps sur l'étude de marché au début jusqu'à ce que vous soyez bien à travers la phase de germination et avoir une idée vraiment claire de ce que vous êtes passionné et motivé par, et quel processus vous aimez réellement participer. Si vous êtes au stade de la germination, essayez de vous concentrer d'abord sur votre passion jusqu'à ce que vos compétences soient perfectionnées et vraiment bien développées. Mais si vous êtes un cultivateur ou un fleuriste et que vous êtes prêt à commencer à identifier votre marché, voici quelques questions initiales clés. Numéro 1, où va ton art ? C' est une question assez simple et simple. Regardez autour de vous et trouvez l'art et les artistes dont le travail est semblable à la vôtre, que ce soit dans le style, dans le sujet, dans le contenu. Où travaillent-ils ? Qui achète réellement leur travail ? Cela devrait vous donner une idée approximative de l'endroit où vous pourriez vous situer dans le plus grand marché. Question numéro 2. Êtes-vous un artiste d'entreprise à entreprise ou un artiste d'entreprise à client ? En gros, ce que cela signifie, c'est vous vendez votre œuvre directement au client, à la personne qui va utiliser vous-même votre art, ou vendez votre œuvre à une entreprise qui utilisera cette illustration, cette œuvre d'art, pour promouvoir, vendre, construire leur propre entreprise ? Quelques autres questions pour vous aider à discerner si vous êtes un artiste d'entreprise à entreprise ou un artiste d'entreprise à client. Voulez-vous avoir un contrôle total sur votre travail ? Voulez-vous développer vos propres produits comme des romans graphiques, des autocollants, des estampes, des tasses, et les vendre directement à votre base de fans, à vos clients ? Est-ce que beaucoup de gens semblent vraiment se rapporter à votre travail ou le trouver partageable, ou est-ce que vous pourriez peut-être vous considérer comme un artiste de qualité, à savoir, vous prenez des commissions ou vous vendez dans des galeries ? Si vous avez répondu oui à l'une de ces questions, vous pouvez être un artiste d'entreprise à client ou un artiste de B2C, ce qui signifie que vous créez votre œuvre directement pour vos clients. Vos clients sont votre public. D' un autre côté, pour les artistes d'entreprise à entreprise, voulez-vous que votre travail soit réalisé sur des produits conçus par quelqu'un d'autre, ou dans des livres ou des magazines ? Vous souhaitez travailler avec des clients, des entreprises et des marques ? Êtes-vous doué pour recevoir vos commentaires et ouvert à écoute des commentaires des autres quand il s'agit de votre travail ? Êtes-vous prêt à utiliser votre talent artistique pour exécuter l'idée de quelqu'un d'autre ? Si vous avez répondu oui à l'une ou l'autre de ces questions, vous pouvez être davantage un artiste d'entreprise à entreprise, ce qui signifie que vous créez du travail pour que les entreprises utiliser et aider à vendre tout ce qu'elles vendent, ou pour faire en sorte que leurs produits soient beaux, ou pour raconter une meilleure histoire, et cetera. Dans ce cas, les propriétaires d'entreprise et les directeurs artistiques qui travaillent avec eux et qui vous embauchent sont votre public. Maintenant, ce n'est pas une catégorie fixe fractionnée par quelque moyen que ce soit. De nombreux artistes commencent en tant qu'artistes d'entreprise à client, puis optent pour le B2B, ou vice versa. Beaucoup d'artistes sont tous les deux en même temps, mais c'est une bonne idée de se concentrer davantage sur un abord car ils ont des processus différents. Ensuite, après avoir examiné si vous êtes un artiste B2B ou un artiste B2C, essayez d'explorer encore plus loin et de déterminer dans quelle industrie votre travail s'inscrit. Maintenant, une partie de cela, bien sûr, sera décidée si vous êtes un B2B ou B2C, car ils ont des industries différentes, mais en gros, vous pourriez penser à l'industrie comme le pays dans lequel votre travail vit. Il pourrait s'agir de beaux-arts, d'illustrations , d'animations, de produits de design de surface, etc. Ensuite, après l'industrie, à quel marché votre travail se connecte-t-il ? Le marché est comme l'État à l'intérieur du pays. Par exemple, certains marchés de l'industrie de l'illustration seraient le livre pour enfants, l' éditorial et l'emballage. Enfin, quelle niche ? La niche est comme la ville, creusant encore plus loin dans ce niveau de détail. Quelques exemples de niche seraient la nourriture, les portraits de mode, les animaux. Niche peut également inclure le style ou les médias que vous utilisez, donc réalisme, plat, fantaisiste, amusant, et cetera. Ces questions sont toutes sur la section des projets de classe d'ailleurs donc pas besoin de prendre furieusement des notes ici. Alors que vous travaillez sur les questions de niche du marché de l'industrie, il est naturel de commencer vraiment large, ou de trouver difficile de se rétrécir, surtout si vous êtes plus tôt dans votre carrière. Par exemple, en tant que quelqu'un qui illustre beaucoup de nourriture pour les magazines, l'emballage et la publicité, on me demande souvent comment percer dans l'illustration alimentaire. Ce n'est pas une réponse simple parce que l'illustration de la nourriture n'est pas assez spécifique. L' illustration alimentaire pourrait être faite en tant qu' artiste d'entreprise à entreprise ou artiste d'entreprise à client, il pourrait s'agir de commissions privées, il pourrait s'agir d'illustrations de recettes, il pourrait s'agir d'illustrations éditoriales, ou l'emballage, ou le motif de surface, ou des livres de cuisine, ou un parallèle, ou de la publicité. Il pourrait avoir un million de styles différents, vous devez donc obtenir le plus précis possible lors de l'identification de votre créneau de marché de l'industrie. Cela facilitera l'entrée par effraction et vous rendra plus clair lorsque vous avez remporté une victoire ou un succès, ou lorsque vous êtes prêt à aller de l'avant. Si votre travail peut s'intégrer dans plusieurs niches différentes, concentrez-vous sur le développement un à la fois. Ça va être un thème ici, une chose à la fois. Vous pouvez choisir le premier en fonction d'un grand nombre de critères différents. Vous pouvez, bien sûr, choisir d' abord le fruit suspendu, quel que soit le créneau le plus facile, vous pouvez choisir le premier le plus excitant, celui que vous vous sentez le plus passionné et profondément aligné, ou vous pouvez choisir celui qui rend le suivant plus facile. Parfois, briser dans une niche peut rendre l'après plus simple. Maintenant, si vous trouvez que vous vous sentez gêné en ayant à décider, retirez la pression et rappelez-vous que c'est une grande expérience, et vous changerez probablement d'avis et de concentration plusieurs fois au cours des prochaines mois et des dizaines de fois tout au long de votre carrière. Donnez-vous la permission de choisir le mauvais créneau. Tout ira bien, même si tu le fais. Votre mission. Utilisez les questions de réflexion que nous avons posées pour identifier un créneau de marché de l'industrie et savoir si vous êtes un artiste d'entreprise à entreprise ou un artiste d'entreprise à client. Rappelez-vous encore une fois que vous ne choisissez pas votre destin ultime pour toujours, vous choisissez quelque chose sur lequel vous concentrer pendant un certain temps. Pensez à une fenêtre de 1 à 6 mois au départ. Ensuite, s'il vous plaît partager ce que vous trouvez à partir des questions de votre projet de classe, ainsi que toutes les autres réflexions que vous avez sur le processus. 4. Comment établir le prix de votre illustration: Leçon 3, Comment tarifier le travail ? Passons au sujet préféré de tout le monde, Prix. Avant de plonger dans un avertissement rapide ; prix de l'illustration et de l'art est notoirement complexe et varie en fonction de tout, de l'habileté et du style, l'expérience de l'artiste, la taille et l'influence de le client, au créneau particulier du marché de l'industrie. Je vais faire de mon mieux pour décomposer les choses aussi simplement que possible, mais gardez à l'esprit que je viendrai à cette discussion avec l'objectif d'un artiste commercial spécialisé dans la publicité, emballage dans un tutoriel illustration. Mon expérience dans d'autres créneaux tels que la licence, modèle de surface, médical, ou même le livre pour enfants est vraiment limitée. Si vous vous dirigez vers quelque chose de super spécialisé comme l'animation ou l'illustration médicale, prenez tout cela comme point de départ et faites un peu plus de recherches adaptées à votre industrie. Aussi, puisque je vis aux États-Unis, tout ce dont je vais parler sera en USD. Allons-y et arrivons-y. Pour les pigistes, il existe deux approches de base journaliers et horaires et les tarifs basés sur la valeur ou forfaitaires. tarification horaire utilise une formule qui tient compte des heures que vous travaillez au cours d'une année, du travail non rémunéré ou administratif qui y est inclus, des dépenses, du coût de la vie, des frais généraux que vous avez pour votre entreprise, de la marge bénéficiaire, etc. Je vais mettre une formule de base pour déterminer votre taux horaire dans la section des projets de classe. Que vous l'utilisiez régulièrement ou non dans le cadre de votre schéma de tarification, c'est une bonne idée d'avoir une idée de votre taux horaire. Il y a des domaines dans l'art où un taux horaire est très couramment utilisé ou c'est même standard. Un exemple que je connais est l'animation et de nombreux artistes trouveront cela aussi utile lorsqu'il s'agit de commissions de prix ou de tableaux finis, juste pour avoir une bonne idée de leur taux horaire. Les illustrateurs commerciaux comme moi, qui n'utilisent pas souvent un tarif horaire, devront tout de même en divulguer un dans leur contrat si des changements imprévus survenaient dans le projet. Par exemple, des modifications supplémentaires qui n'ont pas été incluses dans le prix de base et nous en parlerons dans la section du contrat. En général, à moins qu'ils ne soient dans un domaine où la tarification horaire est standard, je ne recommande pas que la plupart des artistes l'utilisent comme leur seule structure de tarification. tarification basée sur la valeur ou à taux forfaitaire est ma méthode préférée et c'est certainement plus standard pour l'illustration commerciale. Ce prix tient compte des frais de base que vous auriez besoin de faire pour rendre la création de la paix utile, qui comprend, bien sûr, le temps nécessaire, les côtés de la pièce, le niveau de détail, le support utilisé, votre expérience, etc., et augmente ce nombre en tenant compte de la valeur que le travail apportera au client. Essentiellement, le client vous paie pour faire le travail, vos frais de base, plus le droit d'utiliser l'œuvre d'une manière spécifique. Tout cela est converti en un seul tarif forfaitaire qui est facile à comprendre et à budgétiser pour le client. La tarification forfaitaire est standard dans de nombreux créneaux du marché, y compris éditorial, livre pour enfants, emballage, publicité, scientifique et médical, essentiellement la plupart des créneaux dans l'art et l'illustration. Débalayons un petit exemple de tarification forfaitaire. Disons que je fais une illustration réaliste 5 par 7 d'une pomme. S' il est utilisé pour un magazine, peut-être qu'il sera utilisé comme illustration ponctuelle. Une illustration ponctuelle est une illustration utilisée dans le contexte du texte d'une mise en page. Si c'est pour une carte de vœux ou un motif de surface, il sera probablement utilisé plus largement, probablement comme une caractéristique importante du produit. S' il s'agit d'un logo ou d'un emballage, il sera utilisé abondamment, vue et fréquemment pour aider à vendre un produit de sorte que le client en tire plus de valeur que l'un ou l'autre des deux autres exemples et devrait ensuite payer plus. Un autre facteur est la taille du client. Un petit magazine ne sera pas vu par autant de gens, alors qu'un grand magazine international ou national aura un grand public. De même, une illustration ponctuelle est moins visible et importante qu'une illustration de couverture. Je sais que vous voulez tous savoir quels sont les chiffres réels, alors voici quelques exemples de prix commerciaux. Revenons à cette petite illustration 5 par 7 d'une pomme. S' il s'agit d'une illustration ponctuelle pour un magazine local ou régional, elle pourrait être quelque part dans la fourchette de 200$ à 300$ pour un style simple et quelque peu réaliste. Cette même illustration pour une société nationale de cartes de vœux serait probablement plus proche de la fourchette de $600. Encore une fois, la même illustration pour une petite entreprise serait de 800 à 1 000, et pour une grande entreprise ou peut-être pour une campagne publicitaire nationale, pourrait aller de 1 500 à 3 000. Fondamentalement, si l'illustration est plus visible et plus utilisée, elle a plus de valeur pour le client et devrait donc avoir un prix plus élevé. Maintenant, d'un autre côté, prix privés non commerciaux sont un peu différents. Si vous êtes un artiste de qualité et que vous créez du travail principalement pour les gens à accrocher chez eux ou si vous créez des commissions, votre tarification doit tenir compte des frais de base dont nous avons parlé, ainsi que de l'intégration du taux du marché ou à quoi votre concurrence vend son travail. Si vous avez une représentation de la galerie, vous devrez également prendre en compte les frais que la galerie prendra en charge. Commission, travail que vous créez pour quelqu'un d'autre qui est spécifié, le sujet est spécifié par quelqu'un d'autre, commissions privées devraient toujours coûter plus cher. Par exemple, si vous vendez une peinture de paysage 8 par 10 existante que vous venez de faire vous-même et qu'elle est déjà là, elle existe déjà. Si vous vendez cela sur votre boutique pour 400$, une commission devrait coûter au moins 25-50 % de plus car il est plus de travail pour vous collaborer avec le client et de créer du travail selon ses spécifications que pour vous de simplement vendre une peinture existante. Maintenant, toute discussion sur les prix ne serait pas complète sans toucher rapidement à travailler gratuitement ou pour la publicité ou pour le produit. Mon conseil sur ce sujet en trois mots est, ne le faites pas. Bien sûr, je peux dire que c'est mauvais pour l'industrie ou mauvais pour la tarification globale et ces choses peuvent être vraies, mais la raison honnête pour laquelle je le décourage est parce que c'est exaspérant, ça vous dégonde l'estime, et il n'est tout simplement pas nécessaire de faire progresser votre carrière. Si vous êtes tenté de travailler gratuitement parce que vous voulez la pratique, pratiquez en travaillant sur vos propres projets initiés à la place, vous avez le contrôle total dans ce cas et tous les avantages. Vous pouvez toujours le faire comme une mission. Choisissez votre parfum préféré et faire de ce parfum une campagne publicitaire illustrée ou vous pourriez réduire certaines des taches pour un article que vous avez vraiment apprécié ou vous pouvez faire un tissu à utiliser sur des cadeaux pour votre famille. Si vous êtes tenté de travailler gratuitement parce que vous voulez une expérience professionnelle, je suis triste de dire qu'il est peu probable que vous le trouviez avec un client qui vous demande de travailler gratuitement, parce que ces clients ne sont pas professionnels eux-mêmes. Souvent, ils ne sont pas rachetés dans les projets, de sorte qu'ils ne prennent pas au sérieux les délais ou les limites, c'est-à-dire qu'ils n'agissent pas professionnellement et il est également peu probable que cela conduise à un travail rémunéré futur avec le client, même s'ils le disent. La vérité est que si vous travaillez gratuitement, ils vous choisissent parce que vous êtes l'option libre, pas l'option qu'ils aiment le plus. Tout cela étant dit, je sais que certains d'entre vous décideront encore de travailler gratuitement à un moment donné. Si vous voulez vraiment travailler gratuitement ou pour un produit, assurez-vous que vous conservez le droit d'auteur et que vous et le client signez un contrat indiquant clairement que vous possédez l'œuvre et que vous lui donnez le droit de l'utiliser uniquement dans une capacité limitée, et n'oubliez pas de décrire ce qu'est cette capacité. Je vois beaucoup d'artistes jeunes et débutants qui travaillent pour l'exposition ou pour le produit et qui finissent par renoncer à leurs droits. Une autre chose que vous voulez faire est de vous assurer que vous avez un contrôle créatif total. Une situation dans laquelle j'ai travaillé gratuitement et fais encore occasionnellement est avec ma famille et mes amis. Je vais leur donner le choix de la remise de la famille et des amis, qui est fondamentalement moi prendre leur mémoire ou leur projet et courir avec elle. Ils n'ont pas l'occasion de demander des modifications et je peux le faire exactement comme je veux ou ils peuvent simplement payer un taux standard du marché s'ils ne veulent pas le faire. je le vois, si vous travaillez gratuitement, vous devriez au moins avoir le maximum de contrôle créatif et d'agence sur votre travail. Maintenant, si tout cela se sent un peu accablant, gardez à l'esprit que vous vous sentirez plus à l'aise, vous serez plus à l'aise avec la tarification plus vous avez d'expérience sous votre ceinture, mais il ne sera jamais complètement coupé. Il y a tellement de facteurs que nous avons discuté, donc avoir un ensemble de taille unique pour tous les prix ne sera tout simplement pas possible pour la plupart des créateurs et artistes. Vous devrez probablement tarifier chaque pièce, chaque produit, chaque projet commercial sur une base individuelle en utilisant votre propre expérience et en tenant compte des choses dont nous avons parlé, en particulier la visibilité égale équation de valeur. Compléter cela avec des ressources externes peut vraiment vous aider à vous sentir plus confiant et a certainement été d'une grande aide pour moi. Pour cette raison, je recommande aux artistes commerciaux, en particulier aux États-Unis et peut-être en Europe, d' obtenir un exemplaire du Manuel de la Guilde des artistes graphiques pour les prix et les directives éthiques. Si vous n'êtes pas en mesure d'obtenir le manuel de la guilde, de nombreuses bibliothèques publiques aux États-Unis ont un exemplaire de ce livre. Vous pouvez également en obtenir un usagé. Il a tendance à coûter environ 30$, c'est l'une de ces ressources que j'ai achetées quelques années dans ma carrière et si je pouvais revenir en arrière et me dire, au premier jour, investir dans quelque chose, ce serait cela. Cependant, si vous n'êtes pas en mesure d'obtenir le manuel de la guilde, il y a encore beaucoup de ressources gratuites comme Box.net a des soumissions réelles de véritables illustrateurs. Jessica Hische est une artiste de lettrage à la main et une enseignante de Skillshare, et elle a beaucoup de ressources de tarification gratuites sur son site Web, son PDF, « The Dark Art of Pricing », devrait être lu à mon avis. Elle vient aussi de sortir, je pense que c'est un séminaire de prix de 10$ ou 15$ qui va vraiment en profondeur dans les prix commerciaux. Ressources gratuites et payantes de Jessica Hische. Les hashtags Twitter peuvent également être une autre très grande source d'information, c'est-à-dire Publishingpaidme, c'est une grande source. Ils peuvent avoir beaucoup de bonnes informations sur ces hashtags. Ensuite, la recherche de prix par les pairs, cela est particulièrement utile pour les entreprises aux artistes clients. Cela implique de savoir ce que les autres chargent. Vous pouvez le faire en regardant leurs produits et boutiques sur Etsy ou Patreon, et en prenant note des prix d'autres artistes sur Instagram ou dans les galeries qui les représentent. Enfin, pour les ressources de tarification gratuites, j'ai beaucoup sur mes vidéos YouTube. J' ai bien sûr une chaîne YouTube où je partage des tonnes de ressources gratuites pour les illustrateurs et les artistes, y compris beaucoup sur les prix. Une dernière remarque sur la tarification est qu'elle peut bien sûr dépendre de l'emplacement de l'artiste et de l'emplacement de l'acheteur ou de l'entreprise. Par exemple, si vous vivez dans un pays où le coût de la vie est inférieur aux États-Unis, mais que votre client est aux États-Unis, vous pouvez vous assurer de toujours facturer des prix basés sur le marché américain, vice versa est également vrai. Si vous vivez aux États-Unis où le coût de la vie est élevé, mais que votre client se trouve à un endroit où le coût de la vie est beaucoup plus faible, vous devrez peut-être facturer un tarif inférieur à celui d'un client américain. Cela étant dit, la primauté de la visibilité est égale à la valeur doit toujours être cohérente sur tous les marchés. Une illustration publicitaire devrait généralement être plus coûteuse qu'une illustration ponctuelle, que le client soit aux États-Unis, au Canada, à Taiwan ou en Afrique du Sud. Votre mission pour cette leçon est de choisir l'un des scénarios de tarification dans la section projet de classe et de trouver votre propre prix. Assurez-vous de prendre en compte vos frais de base, qui comprennent toutes les choses dont nous avons parlé, le temps requis, la taille de la pièce, le niveau de détail, le support utilisé, votre expérience, etc., et la valeur que le travail aura apporter au client. Partagez votre schéma de tarification dans votre projet de classe. 5. Comment créer un site Web de portfolio: Leçon 4, comment faire un site Web de portefeuille. Tout comme considérer votre créneau de marché à un moment donné, si vous voulez gagner votre vie de votre art, vous aurez besoin d'un site Web. Bien sûr, il existe de rares exemples d'artistes qui réussissent sans un, mais ils sont l'exception rare et ne devraient pas être la règle. Nous allons vous parler des options pour créer et héberger votre site et comment rendre professionnel et adapté au marché que vous visez. Tout d'abord, quelques plates-formes communes pour les sites Web. Il y a bien sûr, WordPress, j'utilisais ça au tout début. C' est gratuit, mais vous aurez probablement besoin d'ajouter des points payés à moins que vous ne soyez vraiment à l'aise avec le code. Il y a Squarespace. C' est ce que j'utilise actuellement et que j'ai utilisé depuis plusieurs années. C' est très convivial et génial si vous voulez quelque chose qui a l'air agréable et il est prêt pour vous de simplement déposer votre contenu. Squarespace est payé, mais il a plusieurs niveaux de tarification. Il y a aussi Wix. C' est une autre plate-forme populaire qui est également payée. Je ne l'ai pas utilisé personnellement, mais je sais que certaines personnes le préfèrent parce que c'est un peu plus flexible que Squarespace. D' autres options gratuites seraient une plate-forme de blogs gratuite comme Tumblr, laquelle vous pouvez toujours connecter un domaine personnalisé à. Il y a beaucoup d'autres options aussi. C' est loin d'être une liste exhaustive. Je n'en parle que quelques-uns ici pour commencer la conversation. Si vous avez une plate-forme que vous utilisez et aimez, vous pouvez vous sentir libre de l'ajouter aux plateformes du site Web pour les artistes thread dans la section discussion, nous allons essayer d'obtenir quelques threads là-dedans. Discutons un peu sur les URL ou les noms de domaine. Maintenant, vous êtes peut-être super familier avec cela déjà. Je vais juste expliquer un peu à quoi ressemblent les URL personnalisées et dédiées. Si vous êtes déjà super familier avec cela, vous pouvez simplement sauter cette section. Mais pour ceux qui ne savent pas, une URL dédiée est fondamentalement juste le www.your name. quel que soit le suffixe. Alors qu'une URL gratuite ressemble plus à www.your name.tumblr.com ou .ntc.com, etc. Toute URL dédiée est toujours payée. Si vous voulez avoir quelque chose qui est votre nom, ça va être quelque chose que vous devrez payer. Je vous recommande de choisir votre service de site Web en fonction de l'endroit où vous vous trouvez dans votre carrière. Si vous êtes plus loin dans le stade de croissance ou le stade de floraison, dépensez plus d'efforts et plus d'argent, si votre plus tôt, disons au stade de la germination, dépensez moins. Au début, vous pouvez opter pour une plate-forme gratuite avec une URL gratuite, puis passer à un site payant plus tard. Vous n'avez pas besoin de vous sentir conscient d'avoir votre site web gratuit, la qualité du travail et la présentation du travail comptent beaucoup plus. J' ai vu beaucoup de sites d'artistes payants qui semblent très peu professionnels. Avoir un site payant n'est pas une garantie que vous allez être pris au sérieux. L' étape suivante, vous voulez choisir votre URL à bon escient, surtout si elle est payante. Somme opter pour utiliser leur nom comme je l'ai, certains optent pour un nom d'entreprise, certains optent pour l'art ou l'illustration ou le studio dans l'URL. Si vous décidez de le faire, je vous recommande d'utiliser un mot que votre public utiliserait pour vous trouver. Par exemple, si vous êtes un livre pour enfants Illustrator ayant votre URL comme studio Sarah Smith, peut sembler cool, mais cela n'ajoute pas beaucoup de valeur car plupart des gens ne recherchent pas un livre pour enfants Illustrator en recherchant studio. De même, si vous décidez d'utiliser un nom présumé ou un nom d'entreprise plutôt que le vôtre, réfléchissez-y et assurez-vous que c'est quelque chose qui, selon vous , fonctionnera et auquel vous vous en tiendrez compte à long terme. J' aurais parfois aimé avoir utilisé un nom de famille différent ou même juste raccourcir le mien à Hille parce que Hillegas est une telle bouche. Mais maintenant que je suis établi, c'est difficile de le changer. Vous pouvez également envisager de choisir plus d'une URL pour améliorer votre référencement. Par exemple, j'ai à la fois Kendyll Hillegas et illustration alimentaire réaliste. Avant de terminer, je veux aller plus de 10 sur principes généraux de mise en page et de conception à garder à l'esprit pour les sites d'art. Numéro 1, vous voulez garder le format simple et concentré sur les images. Il y a une raison pour laquelle tant de sites d'artistes ressemblent vraiment, surtout si vous mendiez, essayez de ne pas mettre trop d'efforts pour faire ressortir le format de votre site Web. Vous voulez que votre travail se démarque. Concentrez-vous sur le fait que votre œuvre soit la plus grande attention. Optez pour un fond propre sans motif. Le blanc fonctionne souvent mieux, mais ce n'est pas nécessairement vrai. Par exemple, le site Web de mon ami Fabiola est super coloré, mais il fonctionne très bien avec son style et l'image est toujours vraiment pop et sont la star du spectacle. Vous voulez également rendre facile pour les directeurs d'art, les acheteurs ou les galeries de voir le travail réel, alors faites-le bien en vue sur la page d'accueil. Cela semble être une évidence, mais tant de gens enterrent leur travail derrière menus et des boutons qui doivent être cliqués et les directeurs artistiques n'ont pas le temps pour cela et plupart des acheteurs ne sont pas assez patients pour creuser autour. Sur mon propre site Web, la page d'accueil capte environ 90 % du trafic, ce qui signifie que 90 % des personnes qui visitent mon site ne quittent jamais la page d'accueil. Gardez cela à l'esprit lorsque vous assemblez votre portefeuille. Si vous avez un portefeuille important, vous pouvez l'organiser en collections et avoir une image représentant chaque collection sur votre page d'accueil. Mon site Web est un exemple de cette organisation et ce n'est en aucun cas unique, c'est une façon très courante d'organiser votre site Web. Si votre portfolio est plus petit, en revanche, moins de cinq images dans la collection, ou peut-être moins de 30 images au total, assurez-vous de garder tout sur la page d'accueil. Ne faites pas cliquer l'utilisateur inutilement. Vous pouvez organiser les collections par projet. Travailler sur une mission particulière, par client, donc travailler pour un client particulier, ou par sujets, savoir fruits, botanique, portraits, scènes, etc. Vous pouvez également faire les deux, ce qui est ce que je fais sur mon site Web. Vous souhaitez également inclure uniquement le travail pour lequel vous souhaitez être embauché. N' ajoutez pas d'images aléatoires et non liées juste pour combler les lacunes. Vous serez peut-être tenté de le faire, autant plus que j'ai parlé de la quantité étant importante, mais rappelez-vous que la qualité est toujours la première préoccupation. Sur cette note, n'incluez que votre meilleur travail. Il est plus facile de le faire lorsque vous travaillez depuis plus longtemps et que vous avez plus de choix, mais gardez cela à l'esprit dès le début. En outre, vous voulez vous assurer que vos images sont correctement formatées. Assurez-vous qu'ils sont 72 DPI. Vous ne voulez pas avoir de jolies images haute résolution juteuses sur votre site Web pour que les gens puissent télécharger et imprimer sur les SOC. Ajoutez des signatures subtiles à votre travail. Ne pas avoir un grand filigrane klaxonnant sur l'image. Je sais que nous sommes tous nerveux que les gens volent des choses, comme je viens de le dire. Mais la solution à cela, malheureusement, la seule vraie solution à cela est de ne pas mettre votre travail en ligne jamais et ce n'est pas réaliste pour la plupart d'entre nous. Essayez de garder votre signature subtile, car elle est visible et rappellera aux personnes qui ont fait l'œuvre, mais ne faites pas de cet obstacle réel à un directeur artistique qui voit votre œuvre. Assurez-vous de rendre votre adresse e-mail visible, visible et facile à trouver. Ne faites pas travailler un directeur artistique pour vous envoyer un e-mail. Vous seriez surpris de voir combien de personnes ont du mal avec cela ou ont leur adresse e-mail enterrée quelque part sur leur site Web ou ont seulement un formulaire e-mail. Beaucoup de nos directeurs n'aiment vraiment pas les formulaires électroniques. Rendez votre adresse e-mail super visible. Ensuite, vous voulez faire un simple sur la page avec une photo de vous. Les gens aiment vraiment voir le visage de la personne avec laquelle ils travaillent, et affirmer clairement que vous êtes un artiste ou un illustrateur. C' est un autre endroit idéal pour votre adresse e-mail, il peut être dans plus d'un endroit sur votre site Web. Votre mission pour cette leçon. Si vous n'avez pas encore de site Web, faites quelques recherches et cherchez quelle plate-forme vous conviendra le mieux. Pensez à votre nom de domaine, quelle URL utiliseriez-vous, faites quelques recherches de base pour savoir si votre domaine préféré est même disponible. Il y a beaucoup de moteurs de recherche qui vous permettent de le faire. Si vous avez déjà un site Web, faites-lui un audit, jetez un oeil honnête à votre site Web et évaluez en fonction ces 10 critères généraux pour les sites d'art, où pouvez-vous améliorer ? Ajoutez vos résultats à votre projet de classe. 6. Les fondamentaux des réseaux sociaux: Leçon 5, comment utiliser les médias sociaux. temps d'avoir une très brève discussion sur les réseaux sociaux. On pourrait avoir toute une classe sur ce sujet. Il y en a déjà d'excellents sur Skillshare, mais si nous le faisions, je ne serais pas la meilleure personne pour l'enseigner. Il y a des artistes et des illustrateurs avec un public social massif qui comprennent vraiment et utilisent l'outil de manière sophistiquée. Heureusement, aucune de ces choses n'est nécessaire pour avoir une carrière artistique réussie. Un public engagé, quelle que soit la taille et le respect constant quelques principes clés pour l'utilisation des médias sociaux pour promouvoir et partager votre travail, sont les deux facteurs les plus importants. Les principes clés ne sont rien de nouveau ou révolutionnaire et vous les connaissez probablement déjà, nous allons aller les chercher très vite. Ils doivent bien présenter votre travail. Prenez de bonnes photos ou numérisez et modifiez votre travail avant de le poster. Numéro 2, vous voulez partager le processus de ce qui va dans le travail, pas seulement les pièces finies. Tu vas te montrer, toi et ton histoire. C' est quelque chose que je pourrais m'améliorer personnellement. J' ai tendance à montrer beaucoup de travail fini, mais partager cela dans les coulisses peut être très important et utile aussi. Numéro 3, vous voulez publier régulièrement, donc trois fois ou plus par semaine. Numéro 4, écrivez des légendes réfléchies, et numéro 5, interagissez autant que possible avec votre public. Ensuite, répondez à leurs commentaires, soyez gentils, commenter le travail des autres et ceux qui vous suivent. Numéro 6, assurez-vous que vos coordonnées sont clairement visibles sur votre profil de médias sociaux, et indiquez que vous êtes un artiste indépendant ou un artiste de qualité. Si vous avez un peu d'expérience client, vous pouvez nommer quelques clients pour lesquels vous avez travaillé, mais fondamentalement vous voulez juste être vraiment évident et dire votre nom et le fait que vous êtes un illustrateur indépendant, illustrateur commercial, beau artiste, peu importe ce que c'est, illustrateur de livres pour enfants. Ensuite, vous aussi bien sûr, voulez inclure votre site web dans votre bio si vous en avez un. Quelques autres choses à garder à l'esprit quand il s'agit de médias sociaux. Vous voulez choisir une ou deux plateformes sur lesquelles se concentrer, surtout au départ, il y en a tellement que cela peut être vraiment écrasant. Si vous êtes tout nouveau, essayez de vous concentrer peut-être sur un seul pour commencer. Si vous êtes au stade de la germination, par tous les moyens, partagez votre travail et votre processus d'apprentissage. Cela peut être vraiment un bon moment pour construire une suite parce que les gens aiment voir cela dans les coulisses. Mais ne vous laissez pas trop sucer à essayer de construire un méga public pour son propre bien. Pour la plupart des gens, il n'y a pas de raccourcis dans les médias sociaux, et avoir un public social massif n'est pas une panacée. Si vous voulez bâtir une carrière artistique florissante en B2C, une carrière d'entreprise à client, vous aurez besoin d'un public engagé, quelle que soit la taille. Si vous voulez construire une carrière artistique B2B florissante, vous aurez besoin d'abord et avant tout, cet ensemble important et cohérent de travail de qualité. Si vous êtes cultivateur ou bloomer et que vous êtes prêt à mettre davantage l'accent sur la promotion et le renforcement de l'audience, je vais mettre quelques liens dans l'onglet Ressources de classe pour les bons cours intermédiaires sur les médias sociaux. Je vous invite à faire de même dans la section de discussion. S' il y a un cours sur les réseaux sociaux sur Skillshare que vous avez suivi ou peut-être même une vidéo gratuite sur YouTube que vous avez trouvée comme une ressource vraiment utile, veuillez ajouter cela au fil de discussion dans la section de discussion. 7. Encensement à froid et promotion active: Leçon 6, comment lancer froid et promotion de base. Maintenant que nous avons couvert les sites Web et les médias sociaux, qui sont des formes plus passives ou résiduelles d'auto-promotion, nous allons changer de vitesse et parler de formes plus actives d'auto-promotion, comme le lancement de votre travail, froid envoyer des courriels aux directeurs artistiques et envoyer des courriers. Une mise en garde rapide avant de plonger. Certains artistes nouveaux et aspirants ont tendance à vouloir présenter leur travail trop tôt avant qu'il ne soit complètement développé. Ils cherchent à « être découverts » par un directeur artistique ou une agence qui les évite de l'obscurité et s'occupe de tous leurs problèmes artistiques. Maintenant, bien que cela puisse arriver pour quelques-uns très chanceux, ce n'est pas la norme et vous ne devriez pas en dépendre. Tous les lancements et promo actifs dans le monde ne compenseront pas les travaux qui manquent de qualité, de quantité ou de concentration. Si vous êtes au stade de la germination, vous pouvez absolument écouter et apprendre de cette section du cours, mais je vous conseille de ne pas passer trop de temps à ce sujet jusqu'à ce que vous soyez en retard dans le stade de croissance ou de floraison. Au lieu de cela, vous savez quoi faire, passez ce temps à faire le travail. Si vous êtes au stade de la floraison ou de la croissance tardive, que devez-vous faire pour vous assurer que les directeurs artistiques vous trouvent et vous confient des missions indépendantes ? Les composantes fondamentales sont des choses que nous avons déjà couvertes. Numéro 1, vous voulez réaliser ce vaste travail de haute qualité et continuer à y ajouter avec des projets stratégiques et auto-initiés qui s'intègrent dans votre niche de marché. Numéro 2 est que vous voulez maintenir ce site Web avec un propre, facile à trouver des exemples de votre meilleur travail et travail que vous voulez être embauché pour faire dans vos coordonnées. Numéro 3, vous voulez publier ce travail sur les médias sociaux régulièrement. Vous allez simplement lire et répéter ces trois choses encore et encore, continuant à expérimenter, affiner et itérer à chaque fois. Si vous voulez aller plus loin et rechercher activement de nouveaux clients, vous pouvez essayer différentes tactiques, y compris les mailers et les e-mails froids. Nous allons d'abord parler de courriels froids. Un e-mail froid est quand vous trouvez les coordonnées d'un directeur artistique ou client avec lequel vous souhaitez travailler et que vous les contactez pour vous présenter. Il y a quelques endroits pour trouver leurs coordonnées. Vous pouvez acheter une liste d'informations de contact. Pour la divulgation, je n'ai jamais fait ça, mais je sais que les gens le font. numéro 2 est que vous pouvez obtenir les informations d'un ami ou d'une référence, quelqu'un qui a peut-être travaillé avec ce client avant. Numéro 3, vous pouvez le trouver sur le site Web du client, et numéro 4, vous pouvez google, qui est ce que j'ai généralement fait. Google pour trouver le nom d'un directeur artistique et les coordonnées d'un directeur artistique. En googlant, vous voulez rechercher le nom de l'entreprise et l'expression « directeur artistique », ou peut-être « directeur créatif ». Une fois que vous avez une adresse e-mail et un nom et que vous êtes prêt à rédiger ce premier e-mail froid, oubliez pas de garder le message personnel, alors utilisez leur nom réel, pas à qui cela peut concerner. Vous voulez faire référence à quelque chose que vous aimez au sujet de la publication ou de l'entreprise ou du travail de ce directeur artistique ou à une raison spécifique pour laquelle vous avez décidé prendre réellement l'initiative proactive de les contacter. Numéro 2, Pithy. Courte et douce. Ne partez pas et continuez. Ils se soucient du travail, pas de vos qualifications, de votre éducation, etc. Ce n'est pas un CV. Numéro 3, pratique. Mentionnez que vous êtes disponible pour le travail indépendant et incluez vos coordonnées, un site web, et numéro 4, joli. Choisissez des images qui semblent fonctionner pour ce client et correspondent à leur esthétique. Ne choisissez pas des choses aléatoires. Joignez 3 à 10 images et assurez-vous qu'elles sont correctement dimensionnées. Vous ne voulez pas inonder leur boîte de réception et qu'ils ont votre nom sur le titre de l'image. En fait, mettez votre nom sur le titre de l'image lorsque vous donnez le titre au fichier. Je vais mettre un exemple d'email froid dans la section projet de classe. Une fois que vous avez envoyé un e-mail à froid, si vous voulez vraiment travailler avec eux, vous pouvez les ajouter à votre liste de mises à jour régulières et envoyer des mises à jour avec votre nouveau travail tous les 3 à 6 mois. Une confession, c'est quelque chose que j'ai toujours été vraiment terrible à faire parce que franchement, cela prend beaucoup de temps et j'ai toujours travaillé très bien via les autres méthodes dont nous avons parlé. Projets personnels, avoir un site Web et afficher régulièrement sur les médias sociaux. Mais dernièrement, j'ai essayé de mieux rester au courant de cette situation pour pouvoir rester en contact avec des clients existants avec lesquels j'ai vraiment aimé travailler et encourager les entreprises répétées. C' est toujours super agréable de travailler avec quelqu'un avec qui vous avez déjà travaillé, en supposant que c'était une bonne expérience de travail. Parlons maintenant de l'envoi de ces mises à jour de suivi et façon dont elles sont différentes ou similaires aux courriels froids. Pour envoyer une mise à jour, vous souhaitez suivre plus ou moins la même structure que celle que vous utilisez pour l'e-mail à froid. Vous voulez le garder personnel en utilisant leur nom, etc, référant le dernier projet que vous avez fait ensemble, peut-être la dernière fois qu'ils ont entendu parler de vous. Pithy, encore une fois, court et doux cette fois probablement plus court et plus doux. Mentionnez que vous avez été occupé et que vous avez un nouveau travail que vous voulez partager. Numéro 3, pratique, mentionnent que vous aimeriez toujours travailler avec eux et que vous êtes toujours disponible. Quatre, jolie. Choisir ces images pertinentes, en vous assurant qu'elles sont des choses que vous n'avez pas déjà envoyées à ce client auparavant. Une façon simple de le faire est d'avoir deux dossiers différents pleins d'images. J' ai un dossier d'images que j'utilise si je suis en train de tendre la main à quelqu'un pour la première fois, puis un dossier plein d'images que j'utilise pour les courriels répétés, pour les courriels de suivi, et je rafraîchis les images là dans ce dossier tous les trois mois que je crée un nouveau travail. Ma liste compte environ 40 personnes, composée principalement de clients existants avec lesquels j'aimerais travailler à nouveau, et si je ne veux pas travailler avec quelqu'un à nouveau, je ne les mets pas sur la liste et les clients aspirants ou rêvés. Je n'ai pas de méga listes de centaines de directeurs artistiques auxquels j'envoie des courriels de masse. C' est une approche qui fonctionne pour certaines personnes et que certaines personnes adoptent, mais elle n'a jamais été la mienne. D' autres types de promo. Bien sûr, il existe d'autres types de contenu promotionnel, y compris des cartes postales, des envois physiques, des autocollants de merch, etc., des packs de remerciement et plus encore. J' ai fait quelques envois de cartes postales depuis mon temps et j'envoie régulièrement des petits paquets de cartes postales, autocollants et parfois de petits originaux à des clients avec lesquels j'ai déjà travaillé. Mais comme pour les courriels froids, cela n'a jamais été une grande attention pour moi. Les avantages de l'envoi d'envois physiques sont qu'il est souvent plus facile de trouver les coordonnées du directeur artistique. Vous avez juste besoin de leur nom et de l'adresse de l'entreprise. Certains directeurs artistiques aiment aussi vraiment les mailers physiques et enregistrent les cartes postales dans un endroit visible dans leur studio plutôt que dans un dossier sur leur serveur de messagerie. C' est aussi amusant. Les quelques fois que je l'ai fait, j'ai vraiment apprécié. C' est une barre plus élevée pour l'entrée, donc pas autant de gens le font parce que, bien sûr, vous devez payer pour avoir les cartes postales faites. Si vous décidez d'envoyer une carte postale, vous pouvez trouver des informations de contact similaires à la façon dont vous avez trouvé des e-mails, soit en achetant des listes, soit en googlant. Il y a beaucoup d'endroits pour faire imprimer des cartes. J' ai utilisé Vistaprint et MOO. Personnellement, MOO a une qualité beaucoup meilleure, mais ils sont un peu plus chers. Vistaprint a foiré ma commande plusieurs fois, mais ils sont toujours prêts à la corriger gratuitement. Si vous allez sur la route Vistaprint, je vous recommande de choisir l'un de leurs papiers haut de gamme car cela fait vraiment une différence. Quand il est temps de faire votre carte postale, je vous suggère de choisir une image clé plutôt qu'une collection d'images. Cela rend l'image vraiment se démarquer beaucoup plus car c'est la star du spectacle. Bien sûr, vous pouvez toujours faire quelques cartes postales différentes avec des images différentes et en envoyer plusieurs dans une enveloppe à chaque directeur artistique. Une approche à prendre en compte consiste à envoyer une carte postale puis à effectuer un suivi avec un courriel ou vice versa. Maintenant, pour tout type de promo, gardez à l'esprit que vous obtiendrez un très faible taux de réponse. Mon taux de réponse est plus élevé maintenant que je suis plus établi et que ma liste comprend beaucoup de personnes avec lesquelles j'ai travaillé. Mais quand j'ai commencé, ce serait d'environ 5-10 pour cent par une bonne journée. Si j'envoie un courriel à 30 personnes, je serais très chanceux d'avoir trois personnes à répondre. Pas trois personnes qui me donnent du travail, mais trois personnes disent juste, merci d'avoir envoyé un e-mail. Si vous envoyez une grosse explosion de courriels froids et que ce n'est que des grillons, ne vous découragez pas. Ce n'est pas parce que quelqu'un ne répond pas qu'il n'aime pas votre travail ou qu'il ne veut pas travailler avec vous. Ils peuvent ne pas répondre parce qu'ils sont très occupés ou parce qu'ils n'ont pas exactement le bon projet pour le moment, ou parce qu'ils pensent que vos compétences ne sont pas encore là, mais ils sont intéressés à garder un œil sur vous. Si vous voulez toujours travailler avec quelqu'un et qu' ne vous a pas envoyé de courriel pour demander à être retiré de votre liste, vous pouvez par tous les moyens les garder sur cette liste et continuer lui envoyer des mises à jour trimestrielles même si elles ne vous répondent jamais. Maintenant, ce qui a fonctionné pour moi en termes de promo. J' ai eu du travail provenant de recherches d'images Google. C' est probablement ma principale recommandation, d'Instagram, qui est la prochaine, de Tumblr, d'Etsy, de Pinterest, de Twitter, et de Behance. La sensibilisation directe des clients n'a jamais été une grande peur pour moi. Votre mission pour cette leçon. Très bien pour cette leçon, nous allons essayer de trouver les coordonnées d' un directeur artistique avec lequel vous aimeriez travailler ou jusqu'à cinq personnes si vous vous sentez ambitieux. Suivez les étapes que nous avons utilisées pour parler de la façon de trouver un directeur artistique. Je vais aussi mettre un lien vers une vidéo YouTube que j'ai faite qui va vraiment en profondeur et en détail dans la recherche d'informations de contact de directeur artistique. Ensuite, vous voulez rédiger l'e-mail en utilisant le modèle que nous avons parcouru, et encore une fois, ce sera dans la section projet de classe ou une carte postale si vous le souhaitez. Vous pouvez partager cela dans votre projet de classe. Vous n'avez pas besoin de partager les coordonnées que vous avez trouvées. Tu as fait ça, c'est ton cœur déchirant. Gardez tout cela pour vous-même, mais partagez, si vous le souhaitez, le brouillon de courriel et les images que vous y joindriez. 8. Livraison du travail final et normes de l'industrie: Leçon 7, comment livrer le travail terminé et ce que les clients attendent. Parlons de la façon de livrer le travail fini et de ce que les clients attendent quand vous le faites. Maintenant, si vous créez des œuvres d'art pour des clients non commerciaux, c'est assez simple. Ils veulent généralement juste le travail physique fini réel, mais pour les clients commerciaux, c'est un peu plus compliqué et il y a certainement attentes spécifiques quant à la façon dont le travail final devrait être formaté et livré. La première chose à considérer est le format de fichier. Il existe plusieurs types de fichiers courants que la plupart des clients d'illustration commerciale utilisent. Nous allons rapidement examiner chacun d'eux et ce qui est utilisé pour. Première étape, il y a un JPG ou JPEG, parfois cela est utilisé pour l'impression, mais le plus souvent, il est utilisé pour les applications en ligne quand un arrière-plan transparent n'est pas nécessaire ou peut-être pour partager des brouillons bruts. Suivant est PNG, c'est généralement pour les applications en ligne ou numériques seulement. Il n'est jamais vraiment utilisé en impression, et il est utilisé lorsqu'un fond transparent est requis. TIFF pour T-I-F-F, il est généralement utilisé pour l' impression uniquement et peut avoir un arrière-plan transparent ou non. Il s'agit d'un fichier image de meilleure qualité qu'un fichier JPG. Et enfin, il y a un fichier PSD. Généralement, les fichiers Photoshop sont utilisés lorsque l'illustrateur fournit au client un fichier en couches où chaque couche doit être modifiée individuellement. Vous n'avez pas besoin d'utiliser Photoshop pour cela, vous pouvez utiliser un [inaudible] comme Affinity ou Pixelmator et l'exporter vers un fichier PSD. C' est ce que je fais personnellement. Enfin, je vais mentionner SVG et EPS. Ils sont généralement utilisés pour les illustrateurs qui travaillent au format vectoriel plutôt que raster. Bien sûr, il existe d'autres types de fichiers spécialisés utilisant l'animation, par exemple. Mais là encore, c'est du point de vue d'un illustrateur travaillant sur l'illustration commerciale, donc nous nous concentrons principalement sur les types de fichiers spécifiques à l'illustrateur. Suivant est le profil de couleur. Certains clients demanderont un profil de couleur particulier, par exemple, l'écran ou les applications numériques, généralement ils nécessitent une certaine forme de RVB et l'impression nécessite généralement CMJN. Maintenant, si vous êtes un artiste numérique travaillant à partir de zéro et que vous générez ou photoshop pour réaliser votre travail, et que vous créez pour impression, vous pouvez par tous les moyens choisir CMJN lorsque vous configurez votre fichier. Mais si vous êtes comme moi et que vous créez un travail traditionnel et que vous le numérisez, toutes vos scans seront RVB par défaut. Certains illustrateurs aiment éditer eux-mêmes le profil de couleur, et c'est tout à fait bien, mais je le fais rarement et voici pourquoi. Traduire RVB en CMJN est en fait une compétence sur elle-même, et il y a tellement de versions différentes de chacun de ces profils. De nombreux clients commerciaux préféreront le faire eux-mêmes car ils travaillent avec des séparateurs de couleurs professionnels. En outre, les profils de couleur et l'apparence d'une image lors de l'impression peuvent varier en fonction du processus d'impression et du substrat, sorte que l'image soit imprimée et d'autres facteurs également. Une autre chose à considérer est que même lorsque vous travaillez en CMJN sur votre iPad ou un ordinateur, vous voyez toujours les couleurs en RVB. C' est juste une approximation de ce que serait CMJN. Vous pouvez toujours demander au client quelle est sa préférence et cela ne sera pas considéré comme non professionnel, ou vous pouvez leur dire comment vous le fournissez de façon standard et demander si c'est correct. Différentes niches auront également des exigences différentes ici, donc si vous travaillez dans un créneau inconnu, alors il est probablement préférable d'aller de l'avant et de poser la question juste pour que vous sachiez ce que le client attend. La troisième attente pour la livraison avec les clients commerciaux est claire. Si vous avez une approche semblable à la mienne où votre travail est un sujet isolé sur fond blanc, plupart des clients s'attendent à ce que vous supprimiez ce contexte avant de livrer votre travail. On parle parfois de coupe nette ou de coupe propre ou même de superposition ou de superposition, ce qui transforme essentiellement l'illustration de numérisation finie en sa propre couche autoportante. Cela ne sera vraiment une préoccupation que pour les artistes médiatiques traditionnels qui scannent leur travail et la numérisent, car si vous travaillez numériquement, vous pouvez simplement désactiver la couche d'arrière-plan. Enfin, parlons de la taille du fichier. Vous voulez vous assurer que la taille du fichier et la densité sont appropriées pour le client dans leur but. n'y a pas de taille standard, mais au lieu de cela, le calibrage est basé sur l'utilisation finale. Si vous créez une illustration numérique ou une bannière, il est courant de recevoir les dimensions exactes de cette illustration en pixels. Si c'est pour un magazine imprimé, parfois, ils peuvent vous donner des proportions rugueuses, parfois ils vous donnent des dimensions exactes en pouces ou en centimètres. Fondamentalement, si le client a demandé une taille particulière, assurez-vous de livrer cette taille exactement. Vous pouvez utiliser un programme comme Pixelmator ou comme Affinity pour créer un canevas qui a ces dimensions exactes, puis importer votre image, votre numérisation, directement dans ce canevas. En ce qui concerne la densité, si votre client est numérique, vous voulez exporter quelque chose dans la gamme 72-150 ppp, ou s'il s'agit d'un magazine imprimé, plus proche de la gamme 350, et s'il s'agit d'un emballage ou d'une publicité, en général, c' est plus comme 400-600 gamme, car ils vont souvent l'utiliser dans quelques applications différentes. Encore une fois, vous pouvez demander au client quelles sont ses attentes et ce dont il a besoin si vous n'êtes pas sûr, et il est toujours préférable de demander et de ne jamais manquer de professionnalisme à demander. n'y a pas de mission pour cette leçon. Nous allons juste sauter dans notre prochaine leçon, travailler avec les clients. 9. Travailler avec les clients: Bienvenue de retour. Voici la leçon 8, comment travailler avec les clients. Un autre nom pour cette leçon serait service à la clientèle pour les artistes et les illustrateurs commerciaux. Que vous soyez un artiste d'entreprise à client ou un artiste d'entreprise à entreprise, vous aurez des clients. Si son entreprise à entreprise, vous appellerez ces clients, et tous ceux qui ont des clients doivent pratiquer un certain niveau de service à la clientèle. Il n'y a rien de compliqué ou de fou à ce sujet, j'essaie de suivre seulement cinq principes de base : Numéro 1, vous voulez être gentil et empathique. C' est une règle si simple, mais c'est si important et il peut être facile d'oublier, surtout si vous travaillez avec des clients commerciaux. Cherchez des occasions de faire en sorte que le client se sente vu, compris et apprécié. Essayez de voir les choses de leur point de vue quand vous pouvez, et surtout, vous soucier de leur projet et de leurs objectifs. Faites de votre travail de se soucier des choses qui leur tiennent à cœur. Numéro 2, vous voulez être à l'avance, direct et clair. Dites au client de savoir à quoi ressemble le processus de travail avec vous. Assurez-vous donc d'être clair sur ce que le client reçoit réellement, combien de temps il lui faudra pour l'obtenir, ce que vous aurez fini par quand ; donc les différentes phases du processus, et ce dont vous avez besoin du client pour ce faire. Last but not least, soyez clair sur le prix du client. Quel sera le coût de cette opération ? Qu' en est-il si nous avons besoin d'ajouter des extras ? Le troisième principe est d'être proactif et rapide. Recherchez et traitez les éventuels problèmes avant qu'ils n'apparaissent. Parfois, il semble que s'il peut y avoir risque de mauvaise communication ou de taches collantes, nous avons tendance à hésiter et à espérer qu' ils disparaîtront et que nous n'avons pas à les traiter. Cela ne vous servira pas à la fin. Si vous sentez un hoquet venant avec le client, essayez de le couper au passage, et soyez prêt à même sauter au téléphone si nécessaire. Tous les clients apprécient une communication rapide. Vous souhaitez également répondre dès que possible dans les limites de la raison. Bien sûr, vous ne répondrez pas à 23h00 un vendredi, mais n'essayez pas de vous rendre difficile à obtenir ou de vous forcer à attendre trois jours pour répondre à un client afin qu'il pense que vous êtes vraiment occupé ou important. Il suffit de répondre assez rapidement. Fondamentalement, traitez le client comme vous voulez être traité. Le quatrième principe est d'être humble et ouvert à la rétroaction. Souciez-vous plus d'aider l'équipe à atteindre l'objectif général que d'être la star du spectacle. Cela est particulièrement vrai pour les artistes d'entreprise à entreprise. Si vous laissez tomber la balle ou si vous faites une erreur, excusez-vous. Si vous voulez créer des œuvres commerciales ou prendre des commandes en tant qu'artiste de qualité, vous devez être ouvert aux commentaires des clients et changer le travail d'une manière que vous pourriez ne pas aimer. Parfois, vous allez venir à l'aimer à la fin et parfois vous ne le ferez pas. Au fur et à mesure que vous vous établirez, vous serez en mesure d'être plus perspicace sur les types de travaux et de projets que vous entreprenez, et ne vous occuperez que des travaux qui s'harmonisent bien avec votre esthétique. Mais même alors, les clients peuvent vouloir faire les choses différemment de vous, c'est super commun. Si vous ne pouvez pas recevoir de commentaires gracieusement ou si cela supprime complètement le vent de vos ventes et vous empêche de travailler, cela peut ne pas être le créneau pour vous. Le cinquième et dernier principe du service à la clientèle est d'être à temps. Définissez une chronologie réaliste et respectez-y. Surtout si vous commencez tout juste, vous voudrez peut-être être prudent dans votre estimation initiale. Donc, si vous pensez que quelque chose vous prendra deux jours, alors estimez trois jours. Si, pour une raison quelconque, vous savez que vous ne ferez pas une date limite que vous avez déjà fixée, dites au client dès que vous le savez, n'attendez pas que la date limite approche. Ne leur dites pas le jour où vous ne serez pas en mesure leur obtenir la mission, qu'il va être tard. Si vous connaissez la veille, dites-leur la veille. Ce type de communication claire sera toujours grandement apprécié par n'importe quel client, mais encore une fois, surtout par les entreprises et les marques. Votre mission pour cette leçon. Ça va être un peu différent. On va faire un exercice de réflexion ici. Imaginez votre projet client idéal. qui travaillez-vous ? Qu' est-ce que tu fais ? Quelle est la mission ? Imaginez maintenant que vous êtes le client. Après avoir articulé tout ça, essayez peut-être de l'écrire. Maintenant, vous allez imaginer que vous êtes vous-même le client. Essayez de vous imaginer à leur place ; quels sont leurs objectifs ? Pourquoi t'ont-ils choisi comme artiste ? Quelles sont leurs plus grandes préoccupations ou incertitudes à propos de travailler avec vous ? Comment pouvez-vous y remédier de façon proactive ? Si vous vous sentez à l'aise, partagez certaines de vos réflexions et réflexions dans la section du projet de classe. 10. Comment rédiger et comprendre un contrat: Leçon 9, comment établir un contrat de base. Nous approchons donc de la fin de ce cours, mais avant de terminer, nous devons aborder l'une des compétences commerciales les plus importantes qu'un artiste puisse posséder, créant et en comprenant des contrats et des accords. Bien sûr, je dois dire tout de suite que je ne suis ni avocat ni avocat. Je suis juste un artiste qui a travaillé à comprendre les contrats de propriété intellectuelle, qui est le grand parapluie auquel nos contrats sont habituellement assujettis. Mais vous devriez prendre tout ce que je dis avec un grain de sel et tout comme le reste de cette classe, l'utiliser comme un tapis de lancement pour en savoir plus. Ok, allons-y. Pour moi, les contrats et les accords étaient l'un des aspects les plus intimidants de ma première carrière en freelance. Je savais que j'avais besoin d'un accord ou d'un contrat, surtout si j'allais le faire à long terme. Mais ils semblaient tous si écrasants, longs et incompréhensibles. J' ai appris à travers des essais et des erreurs qu'il y a 10 éléments fondamentaux que je dois inclure dans chaque contrat, ce soit pour une grande entreprise qui commande une illustration pour une campagne nationale ou pour un mise en service individuelle d'un portrait d'animal de compagnie pour leur grand-mère. Ces 10 choses clés sont le numéro 1, les noms des parties, donc vous et le client. Numéro 2, livrables. Les livrables correspondent à ce que le client reçoit et à la forme dans laquelle il viendra. Cela pourrait être une illustration physique, un téléchargement numérique, etc. Vous devriez également inclure les dimensions, le style, le contenu, essentiellement une belle description détaillée de ce que le client paie spécifiquement. Vous seriez surpris de voir combien de fautes de communication douloureuses peuvent être évitées simplement en décrivant en détail les livrables. Numéro 3, le calendrier et le processus, donc quand le travail sera fait et comment. Vous voulez décrire chaque étape de votre processus et établir des échéances pour chaque phase. Ne comptez pas sur le client pour le faire. Vous voulez également épeler les révisions. Combien de fois le client peut demander des changements et les types de changements qu'il peut demander. Encore une fois, soyez très précis ici, alors précisez-le aussi clairement et simplement que possible, quels changements le client peut apporter et à quelle phase du projet. Vous voulez également mentionner ce que cela coûtera si le client a besoin d'avoir des changements supplémentaires. Si cela se produit, il est généralement construit sur une base horaire, sorte que vous pouvez simplement indiquer que ces frais supplémentaires seront à votre taux horaire standard, quel que soit votre taux horaire. Numéro 5, vous voulez inclure, bien sûr votre prix ou vos frais, donc combien cela coûte. Assurez-vous d'indiquer s'il s'agit d'une illustration ou d'une image et de rendre le coût total très clair et évident. Une structure de paiement, de sorte que cela pourrait inclure un dépôt de 25-50 pour cent, informations sur comment et quand vous acceptez le paiement, etc. donc que vous faites des chèques ou paiement en ligne ou PayPal, je recommande fortement d'obtenir un dépôt si vous le pouvez. Dans certains marchés, ce n'est tout simplement pas aussi commun, dans l'éditorial par exemple, mais vous devriez toujours le demander. Avec des clients privés, je fais généralement un dépôt de 50 pour cent puis un paiement final de 50 pour cent avant d'envoyer le travail réel. Ensuite, vous voulez également inclure des frais d'élimination, qui est le montant que vous serez payé si le projet est annulé à différents points. Imaginez donc que vous êtes à mi-chemin d'une illustration aquarelle et le client a soudainement annulé le projet parce qu'il n'a plus besoin de l'utiliser. Vous devez être protégé et vous assurer que vous serez payé équitablement pour votre travail, même si le client change d'avis. Vous voulez également avoir une clause de paiement conditionnelle. Cela stipule que le droit du client d'utiliser le travail est subordonné à ce qu'il vous paie. Ce n'est donc vraiment nécessaire qu'avec les clients commerciaux. Ensuite, les droits d'utilisation, la façon dont le client peut utiliser l'œuvre finie et qui détient le droit d'auteur. Cela peut sembler contre-intuitif, mais vous devriez avoir cette clause dans une commission privée aussi bien qu'une commission commerciale. C' est ce qui explique la valeur du client. Soyez précis une fois de plus. Décrivez exactement comment le client peut utiliser le travail. Donc s'ils ont l'intention de le mettre sur des serviettes, ne dites pas simplement les draps, dites les serviettes. Indiquer que toute utilisation supplémentaire devra être négociée séparément et pourra entraîner des frais supplémentaires. Ensuite, c'est le terme. Le terme est la durée pendant laquelle le client peut utiliser le travail aux fins spécifiées. Cela n'est vraiment nécessaire que pour les commissions commerciales parce qu'il n'y a pas vraiment de temps précis, pas de terme pour qu'une commission privée puisse faire peindre le portrait d'animal de compagnie pour leur grand-mère accroché au mur. Cela varie donc une fois de plus selon le marché, mais une durée peut aller de six mois à quelques années jusqu'à une durée indéterminée. Bien sûr, ce ne sont que les bases et vous pouvez inclure beaucoup d'autres choses dans votre accord. En plus de ces 10 éléments, lorsque je travaille avec un client commercial, j'utilise un modèle du manuel spécialisé de l'artiste graphique qui couvre des choses comme la médiation et une clause d'indemnisation. Vous pouvez également utiliser des modèles de contrat Google ou des modèles de contrat pour les illustrateurs ou les artistes ou acheter votre propre exemplaire du manuel GAG. Parfois, une entreprise vous fournira son propre contrat. Ceci est en fait assez commun si c'est une plus grande entreprise cliente et si cela se produit, j'ai toujours lu le contrat avec une attention particulière aux 10 choses ci-dessus que j'ai mentionnées. Vous pouvez également demander au client de signer votre contrat même si vous avez signé le leur ou s'il n'est pas disposé à le faire, vous pouvez lui demander de modifier son contrat pour y inclure les éléments qu'il n'y aurait pas inclus comme une chronologie spécifique ou des frais d'élimination. Donc, ce n'est pas parce qu'une entreprise vous envoie un contrat que vous devez accepter les termes et signer tels quels. Demander des changements est très commun et je le fais tout le temps. Par exemple, il devient de plus en plus courant pour entreprises d'inclure une clause de tous droits dans leur contrat. Cela signifierait essentiellement que le client possède votre travail dans son intégralité et que vous ne pouvez pas l'utiliser pour autre chose jamais. Maintenant, il y a des situations où le client a besoin de cette latitude. Mais en général, pour quelque chose comme l'éditorial, le livre photo ou la licence, ils en ont juste besoin pour un usage très spécifique. Si le contrat client contient une clause de tous droits et que cela semble inapproprié, je vous encourage à négocier et à demander si ces droits d'utilisation sont limités à ce dont le client a vraiment besoin. Ce n'est pas parce que le client a inclus une clause de tous droits dans son contrat qu'il est malveillant ou qu'il essaie de profiter de vous. Souvent, ces contrats, ils sont sous forme de contrat. Ils sont mis en place par un service juridique ou peut-être un avocat qu'ils ont embauché une fois pour conclure le contrat et qui essaie de rédiger le contrat d'une manière qui soit la plus avantageuse pour le client. Donc, ce n'est pas une indication qu'ils essayent de marcher sur vous ou d'essayer de profiter de vous, et comme d'autant plus pourquoi, puisque c'était juste un contrat de forme mis en place par un avocat qui ne connaît pas nécessairement toutes les subtilités spécifiques de l'industrie prix, raison de plus pour vous d'aller de l'avant et de demander d'y apporter des modifications. S' ils insistent sur tous les droits, si le client insiste sur cela, le prix devrait augmenter considérablement. Ou s'ils sont opposés à un saut de prix, limitez les droits. n'y a donc pas besoin d'un magazine qui imprimera votre illustration une fois pour posséder tous les droits pour toujours. Si vous créez votre propre contrat, vous pouvez créer un PDF et l'envoyer au client pour une signature électronique, ou vous pouvez lui demander de l'imprimer, de le signer et de vous le renvoyer, ou vous pouvez utiliser un service comme DocuSign ou BonjourSign. Personnellement, j'utilise quelque chose appelé Bonsai pour créer mes contrats en utilisant le modèle GAG que je viens d'importer, et il suit également les signatures et s'ouvre pour moi. Mais j'avais l'habitude d'utiliser des PDF dans les premiers jours parce que c'est facile et gratuit. Vous pouvez également avoir une combinaison dans laquelle vous signez le contrat du client qui détaille les prix, les livrables et l'utilisation, mais ne comprend pas de calendrier ni d'informations sur les révisions. Vous pourriez ensuite démêler les détails de ces choses dans le corps d'un e-mail. Fondamentalement, la chose importante à retenir au sujet des contrats et des accords est que vous avez besoin d'un registre écrit clair de ce que vous et le client avez accepté en ce qui concerne le projet. Votre mission pour cette leçon est d'être à l'aise avec la création votre propre contrat ou accord en rédigeant un modèle de contrat que vous pourrez utiliser plus tard. Donc, faites quelques recherches, modèle de contrat Google pour les illustrateurs, exemple de contrat pour les pigistes, lire plusieurs de ces modèles, et Google tous les termes que vous ne comprenez pas, essayez d'obtenir familier avec la langue. Ensuite, vous voulez choisir un ou deux modèles et les regarder avec ces 10 éléments clés dont nous avons parlé à l'esprit. Tous les 10 sont là ? Ont-ils l'air différents ? Doit-on les ajouter ou les modifier ? Y a-t-il des choses supplémentaires dans ce contrat qui ne sont pas spécifiquement pertinentes pour vous ? Si c'est le cas, vous pouvez simplement les supprimer ou les remplacer par quelque chose qui est. Bien sûr, vous pouvez toujours travailler avec un avocat en propriété intellectuelle ou demander aide juridique pour les artistes si vous vous sentez vraiment mal à l'aise avec cet aspect du travail. Vous pouvez demander à quelqu'un de préparer un contrat pour vous. Si jamais vous vous trouvez dans une situation où les enjeux sont très élevés, donc un très grand projet qui va vous prendre un an ou plus à travailler sur, illustration de livre pour enfants en est un bon exemple, vous pourriez envisager de faire quoi qu'il en soit, demander de l'aide, soit un agent ou un avocat qui peut naviguer sur certains aspects juridiques de cela pour vous. Mais je vous encourage fortement à vous familiariser avec contrats et le langage juridique de base liés à l'art indépendamment, surtout si vous visez une carrière dans le secteur commercial. Même si vous allez travailler avec un avocat pour une partie de cela, il est toujours dans votre intérêt de le comprendre et même si c'est un peu ennuyeux, cela vous servira très bien à long terme. 11. Factures et finances de base: Leçon 10, comment gérer les finances de base. Nous sommes sur la dernière dixième compétence en affaires, payés et nous traitons avec de l'argent. Première étape, un dernier avertissement. Vous savez tous que je ne suis pas avocat. Mais au cas où il y avait un doute, je ne suis pas non plus un CPA ou un pro financier. Je suis juste un artiste qui a appris à comprendre certaines de ces choses et qui est là, espérons-le, pour les démystifier un peu pour vous. Cela dit, plongons dans notre premier sujet. Faire et envoyer des factures. Similaire aux contrats, vous pouvez créer des factures super simplement avec un PDF ou avec un programme comme Bonsai ou FreshBooks. J' ai commencé avec le modèle PDF comme je l'ai fait avec le contrat et je me suis dirigé vers Bonsai une fois qu'il est devenu trop difficile de garder la trace des clients qui avaient payé et qui ne l'avaient pas fait. Cela a été utile, mais bien sûr, l'inconvénient est que Bonsaï coûte de l'argent. Pour cette raison, si vous venez de commencer et que vous n'avez que quelques projets clients ou un de temps en temps, je recommanderais absolument la route PDF initialement. Quelques conseils utiles sur le rassemblement des voix. Vous voulez inclure une grande partie des mêmes informations que dans le contrat, et au minimum, ces quatre choses. Numéro 1, vos coordonnées et les coordonnées des clients. Numéro 2, date d'émission et numéro de facture. Avoir ces derniers en haut de la facture si possible. Si vous avez besoin de contacter le client pour lui rappeler la facture, il est beaucoup plus professionnel de faire référence au numéro de facture et à la date plutôt que de simplement dire : « Hé, souvenez-vous de ce que je vous ai demandé de me payer cette fois. » Mettre une date d'échéance bien visible en haut de la facture est également bon, c'est le numéro 3. Je suggère un montant net de 30 jours, ce qui signifie que vous serez payé ou qu' ils devront vous payer 30 jours après la date d'émission. Si vous envoyez le premier Juin, il sera dû le 30 Juin, et ce 30 ou net 45 est standard pour la plupart des clients commerciaux. Mais si vous effectuez des commissions privées, il est plus standard d'avoir soit 100 pour cent à l'avance lorsque la facture est reçue avant le début des travaux, soit 50 pour cent à l'avance et 50 pour cent à la fin du projet. numéro 4 est une description de ce qui est effectivement couvert dans cette facture. Cela devient particulièrement important si vous travaillez avec un client plusieurs fois ou sur un projet en plusieurs phases. Vous voulez qu'il soit super clair ce qui avait été payé pour quand, afin d'éviter tout problème avec la double facturation. Ensuite, vous tirez le fichier avec le numéro de facture et votre nom. Quand envoyer une voix ? Vous souhaitez envoyer une facture pour un acompte dès que le contrat a été signé avant de commencer à travailler, puis vous souhaitez envoyer la facture pour le dépôt final dès que le client a signé le travail final. Quand faire le suivi d'une facture ? J' aime envoyer un rappel une semaine avant l'échéance de la facture. Bonsai le fait automatiquement pour moi, ce qui est super sympa. Ensuite, si la facture n'est pas payée à la date d'échéance, j'attends généralement 3 à 5 jours ouvrables, puis j'envoie un autre rappel. Cette fois, c'est écrit personnellement. Prochaine étape, suivi des finances. Je reçois des questions à ce sujet tout le temps et il semble que beaucoup de gens deviennent vraiment nerveux. Nous allons rester simple et parler mon conseil numéro 1 pour le suivi des finances de votre entreprise, c'est-à-dire d'avoir un compte et une carte de débit distincts pour votre entreprise. Cela peut être vraiment utile et peut simplifier le suivi des revenus et des dépenses. Il s'agit d'une référence tout-en-un qui est super utile non seulement au moment de l'impôt, mais tout au long de l'année pour vous permettre de voir tendances et de rester au courant des finances de votre entreprise. J' ai un compte distinct et chaque fois que je suis payé, que ce soit d'un client, d'une vente en ligne de Skillshare, tout va au même endroit. J' utilise également le compte pour toutes mes dépenses d'affaires comme l'hébergement web, studio, loyer, sous-traitants payants, etc. Cela dit, vous n'avez pas besoin d'avoir cette séparation avec le get-go, du moins vous ne le faites pas aux États-Unis. Surtout, si vous venez de chercher quelques clients ici et là, il est normal d'attendre de faire cette étape pour créer un compte distinct. chose la plus importante est que vous voulez être en mesure de suivre le montant que vous avez apporté et le montant que vous avez payé en dépenses. Vous pouvez le faire au début, même si vous n'avez pas séparé vos finances. Mais une fois que vous commencez à obtenir un travail plus cohérent, je vous recommande d'obtenir un compte distinct. Sinon, il peut être facile de manquer des choses et de faire des erreurs. Enfin, les impôts. Ce que je suis sur le point de dire ne s'applique vraiment qu'aux résidents américains, et je ne vais pas entrer dans une tonne de détails ici parce que, comme je l'ai déjà mentionné, je ne suis pas un CPA ou un expert fiscal. espère que je serai en mesure de vous donner aperçu général et une bonne idée de l'endroit où vous pourriez avoir besoin d'en savoir plus. Tout d'abord, les éléments de base, tout revenu d'un travail indépendant seront imposés différemment du revenu d'emploi. cette raison, mettre de l'argent de côté pour les impôts devient super important. Sinon, vous pouvez vous retrouver avec une grosse facture effrayante quand c'est le temps de l' impôt et pas assez d'argent en main pour le payer. Personnellement, chaque fois que je suis payé par un projet client, j'ai mis de côté 20 à 30 % dans un compte d'épargne fiscale. C' est difficile à faire, mais la façon dont je l'examine est que si j'étais un employé régulier, je ne verrais jamais cet argent dans mon chèque de paie de toute façon, il sera juste automatiquement retiré. J' essaie de le traiter de la même façon. Je retiens pour mon propre compte, c'est une autre raison pour laquelle il est utile d'avoir un compte bancaire distinct. Quand un dépôt arrive, je retire d'abord les impôts, puis je transfère un montant fixe sur un compte personnel pour mon salaire. Rester organisé en janvier. En janvier, une fois l'heure de l'impôt, vous recevrez 1099 au lieu de W-2. En tant que freelancer, vous aurez probablement plusieurs différents 1099. En raison de cela avoir un fichier à la fois numérique et physique pour enregistrer 1099 comme ils entrent est super utile. Je ne vais pas entrer plus en détail à ce sujet au sujet des impôts parce que je ne suis pas un expert et que les seuils et les règles changent constamment. Pour répondre à des questions comme, combien dois-je faire en freelance avant de devoir payer des impôts ? Il est préférable de faire un peu de googling afin que vous puissiez obtenir une compréhension de base vous-même. Plus important encore, il est normal de demander de l'aide à un expert fiscal et de travailler avec un professionnel si nécessaire. Sur cette note, je vais divulguer que mon partenaire est génial avec les chiffres et utilise TurboTax. Je lui donne juste toutes mes dépenses, mes rapports et 1099 et il s'en occupe. Mais si ce n'était pas le cas, je paierais à 100% un pro pour le faire pour moi parce que ce n'est pas mon truc et il n'y a pas de honte à l'admettre. Je vais mettre quelques liens vers des pigistes fiscaux [inaudibles] utiles dans la section des ressources. Votre mission pour cette leçon est d'être à l'aise avec la création vos propres factures en rédigeant un modèle de facture que vous pourrez utiliser plus tard. Encore une fois, comme vous l'avez fait avec les contrats, faites quelques recherches, essayez modèle de facture pour les illustrateurs ou exemple de facture pour les pigistes. Lisez plusieurs de ces modèles et Google tous les termes que vous ne comprenez pas pour vous familiariser avec la langue. Choisissez ensuite un modèle à utiliser comme point de départ et ajoutez ou modifiez les quatre composants de base dont nous avons parlé. Les coordonnées, la date et le numéro de facture, la date d'échéance et la description de ce qui est en cours de construction. Certaines personnes aiment avoir un peu de fantaisie avec la conception leur facture et c'est certainement bien de le faire. Mais dans l'ensemble, je vous recommande de le garder clair, simple et facile à comprendre. Ensuite, si vous le souhaitez, vous pouvez télécharger une image de votre modèle de facture rempli dans votre section projet de classe. 12. Leçon BONUS : Montage d'image: Leçon bonus, comment photographier et numériser le travail. Pour cette leçon bonus, nous allons nous concentrer sur l'une des compétences les plus élémentaires et pratiques qu'un artiste peut avoir pour capturer des images de son travail. J' ai débattu de savoir si je voulais inclure cette leçon dans la classe parce que ce n'est pas vraiment strictement une leçon liée aux affaires. Mais pour beaucoup de gens, quand ils font le saut pour simplement créer du travail comme un passe-temps ou créer du travail en tant que débutant et désireux de passer à un professionnel du travail, la chose qui les gêne est de partager des images de qualité de leur travail. Quel est l'obstacle réel à leur partage images de qualité de leur travail, c'est de faire des images de qualité. Donc, pour moi, même si ce n'est pas lié aux affaires dans le même sens que le marketing ou les finances, c'est vraiment une compétence qui a importance cruciale pour votre succès d'entreprise en tant qu'artiste. Nous allons y plonger aujourd'hui. Maintenant, certains artistes, en particulier les photographes, ont peut-être appris ces choses à l'école d'art, mais beaucoup d'artistes médiatiques traditionnels, y compris moi-même, ne l'ont pas fait. Si vous êtes photographe ou si vous vous sentez déjà très compétent pour capturer des images de votre travail, vous pouvez probablement ignorer cette leçon à moins que vous ne vouliez en apprendre davantage sur les scanners. Nous allons aborder les deux principales façons de capturer des images de votre travail pour la présentation, la photographie et la numérisation. Première étape, les bases de photographier votre art pour le spectacle ou la présentation, pas pour la reproduction. Numéro un, vous voulez photographier dans la lumière naturelle et indirecte. Cela signifie que vous voulez un environnement bien éclairé, mais vous ne voulez pas que la lumière soit directement sur votre art. Vous pouvez y parvenir de quelques manières différentes. Vous pouvez être à l'extérieur à l'ombre, c'est vraiment idéal, ou vous pouvez être à l'intérieur dans une pièce bien éclairée avec au moins deux fenêtres ou à l'intérieur en utilisant un équipement d'éclairage. Vous voulez également tirer sous une variété d'angles. Bien sûr, vous voulez un beau coup de tête, qui montre toute l'image. Vous pouvez utiliser une grille sur votre appareil photo, ou même votre iPhone l'aura, pour vous assurer que vous êtes directement en face, pas de prise de vue sous un angle, et que vous voulez essayer de reculer pour éviter toute distorsion de l'image. Ensuite, essayez de tirer de côté et de près. La prise de vue sur le côté montre la texture et la dimension de votre travail, ce qui est particulièrement important si l'œuvre est sur Canvas ou panneau ou si elle a une dimension de tri. Vous voulez également afficher l'échelle. Tirez à côté d'un accessoire ou d'un chevalet ou faites tenir le travail par un mannequin. Maintenant, pourboire numéro trois, c'est simple et c'est juste pour utiliser la meilleure caméra que vous avez. Cela ne doit pas nécessairement être un reflex numérique. Il peut s'agir d'un iPhone ou d'un smartphone, mais si vous avez un meilleur appareil photo, par tous les moyens, utilisez-le. Bien sûr, vous voulez utiliser un trépied si vous en avez aussi un. Si vous êtes stable lors de la prise de vue, l'image aura plus de détails et sera plus nette. Cela peut également aider à centrer et à éviter toute distorsion d'image. Si vous n'avez pas de trépied, vous pouvez essayer de configurer les photos et vous pouvez fixer votre bras sur un meuble ou un mur, puis une fois que vous avez une photo, vous allez la modifier à l'aide d'une application photo de base comme iPhoto. Vous aurez presque certainement envie de modifier la balance des blancs et l'exposition, surtout si l'art est sur un fond blanc ou a beaucoup de couleurs claires dessus. Vous voudrez également modifier la saturation. Votre objectif devrait être de le faire ressembler le plus à la vraie chose possible. Encore une fois, assurez-vous que lorsque vous prenez des photos de cette façon, c'est pour les présentations, donc pour l'inclure sur votre site Web peut-être, ou pour l'envoyer à une galerie ou à votre Instagram. Mais cela, vous ne seriez pas capable de prendre des photos pour faire des reproductions en utilisant cette méthode, vous aurez besoin d'un appareil photo différent, d'un équipement beaucoup plus agréable, tout cela. Maintenant, avant de passer à la numérisation, une note rapide sur la réalisation d'impressions d'art à partir de photos. Si vous souhaitez photographier votre travail afin de réaliser des reproductions, vous aurez besoin d'un très bon appareil photo, d'une configuration d'éclairage Pro et d'un trépied. Pour cette raison, il peut être préférable de travailler avec un photographe professionnel ou d'utiliser un scanner si possible. D' accord. Passer à la numérisation. Les bases de la numérisation de votre art, ce soit pour le spectacle ou pour la reproduction. On pourrait passer toute une classe à examiner les scanners et comment ils fonctionnent. Mais nous allons essayer de nous concentrer aujourd'hui sur les bases essentielles auxquelles vous devez faire attention lors du choix et de l'utilisation d'un scanner. Si vous numérisez des illustrations, vous voulez essayer de choisir un scanner à plat autonome. Vous pouvez obtenir la qualité de numérisation dont vous avez besoin à partir d'un scanner d'imprimante combiné, mais la surface de la plaque de numérisation est souvent beaucoup plus petite, ce qui peut être difficile. Lorsque vous choisissez un scanner, vous verrez un grand de mesures et de chiffres dans la description. voici deux que vous devriez certainement prêter attention à et ils très simples explications de laïc non technique : Résolution optique. OU est la quantité de détails que le scanner est réellement capable de capturer par pouce. Plus c'est mieux, une résolution optique plus élevée est meilleure. Mon scanner a un OR de 6400 DPI, mais vous devriez chercher quelque chose avec un OU d'au moins 1200. Le numéro deux est la profondeur de couleur. La quantité d'informations capturées dans chaque pixel, que ce soit 32, 36, 42 et 48 bits, ce sont toutes des mesures assez courantes ici. Cherchez plus haut, encore une fois, 42 ou 48 bits si possible. Consultez la section Projets de cours et ressources pour connaître les recommandations de mon scanner. Je dirais Epson perfection V600 sur le haut de gamme. C' est un scanner que j'utilise. Il est vendu au détail pour environ 220 et le Epson perfection B39 sur l'extrémité inférieure, qui est vendu au détail pour 100. D' accord. Donc, à l'utilisation de votre scanner. Une fois que vous avez votre scanner, téléchargez le pilote du scanner, qui est le logiciel qui permet à votre ordinateur de parler au scanner. Chaque fois que vous l'allumez, vous l'utilisez, veillez à sélectionner d' abord le mode pro ou manuel dans le menu du pilote. Selon le scanner que vous choisissez, lorsque vous ouvrez le pilote, vous disposez de plusieurs options pour le mode de numérisation, comme l'utilisation d'une caméra. Généralement, il y a un mode auto et un mode partiellement automatique, et le mode manuel. Dans mon pilote, le mode manuel est appelé professionnel. Vous voulez à peu près toujours choisir le mode manuel afin que les paramètres automatiques soient désactivés. Beaucoup de ces paramètres automatiques sont pour des photos ou des documents ou même des négatifs. Vous voulez que l'analyse simple non modifiée fonctionne avec. Dans la promo, désactivez tous les ajustements. J' avais l'habitude de passer du temps spécifiquement à peaufiner les paramètres de chaque numérisation pour que l'image soit exactement comme je le veux. Mais généralement maintenant, à moins que je scanne une pièce particulièrement gênante, généralement une pièce est tout jaune ou a beaucoup de couleurs très claires, je choisis le mode manuel professionnel et juste désactiver l'une de ces modifications, paramètres y compris l'exposition automatique. Je le fais parce que je préfère éditer la numérisation moi-même dans un programme de retouche photo. Je trouve que cela fait finalement gagner du temps et me donne les mêmes résultats à la fin. Vous voulez également choisir la photo comme paramètre de numérisation et la définir 48 bits ou l'option la plus élevée que vous avez pour capturer autant d'informations de couleur que possible. Ensuite, vous voulez choisir votre PPP. Je scanne à peu près toujours dans la gamme 350 à 700 DPI, et cela devrait suffire pour la plupart des applications artistiques. Vous pouvez, bien sûr, scanner plus haut, mais les fichiers seront énormes et seront vraiment lents à éditer. Vous devez finalement choisir votre PPP en fonction de l'utilisation finale. Par exemple, si je scanne une illustration de quatre par six qui serait imprimée dans un magazine. Je vais juste le scanner à 350 DPI. Mais si je scanne une illustration de quatre par six qui sera utilisée pour l'emballage et la publicité, je vais aller dans la gamme 600 à 700 DPI, puisque ce client est susceptible de vouloir agrandir illustration et l'utiliser et d'autres applications. Dans les deux scénarios, j'exporterai également une version à faible résolution pour mon portefeuille et pour une utilisation en ligne. Gardez à l'esprit que vous pouvez toujours dimensionner le fichier plus tard, mais vous ne pouvez pas le dimensionner sans une nouvelle analyse. Donc, en cas de doute, scannez avec une résolution plus élevée. Une fois votre numérisation effectuée, vous devrez la modifier. Vous aurez besoin de quelque chose avec un peu plus d'umph qu'iPhoto. Je recommande d'utiliser soit Pixel Meter ou Affinity Photo. Vous pouvez bien sûr utiliser Photoshop, mais c'est un coup assez lourd et si tout ce que vous l'utilisez est un peu d'édition post-scan, vous n'en avez vraiment pas besoin et vous pouvez facilement éviter les dépenses. Vous pouvez exporter les mêmes fichiers professionnels de haute qualité de Pixel Meter ou affinité et personnellement je n'utilise jamais Photoshop. Mes objectifs lors de l'édition d'un scan sont généralement de le faire ressembler autant que possible à l'original. Cela signifie généralement ajuster la plage tonale à l'aide de l'outil de courbes et parfois effectuer des ajustements de saturation et d'exposition. n'y a pas de recommandation universelle ou de cadre ici puisque le goût et le style de chacun et les œuvres d'art moyennes et réelles sont différents. Vous aurez besoin de tout gâcher et de comprendre ce que vous aimez en termes de paramètres et quels sont vos objectifs visuels. Comme mon travail est généralement des sujets isolés sans arrière-plan, il est également très important de supprimer l'espace vide autour de l'illustration afin que vous ayez un arrière-plan transparent. Nous en avons parlé plus tôt dans la section où nous parlions des attentes des clients en ce qui concerne la prestation du travail. Cela rend donc la suppression de l'arrière-plan ici rend reproduction comme faire des impressions et fusionner beaucoup plus facile, et il utilisera également moins d'encre si vous utilisez les numérisations pour faire des impressions d'art. Bien sûr, si vous visez à travailler avec ces clients commerciaux, ils voudront presque tous et s'attendent à ce que le fichier final ait eu l'arrière-plan supprimé. Donc, vous voulez montrer votre travail formaté de cette façon, même si vous le partagez simplement sur les réseaux sociaux ou votre site Web, même s'il a été fait pour un portfolio et non pour un client. Maintenant, j'ai déjà fait toute une classe sur la suppression des arrière-plans de votre travail. Nous n'allons pas entrer dans beaucoup plus de détails que ça pour l'instant, mais je vais lier la classe dans la section matériel. Évidemment, si votre travail a des arrière-plans, exemple si vous êtes un artiste d'arrière-plan ou si vous créez des peintures de scènes entièrement rendues, vous ne supprimerez pas l'arrière-plan. Il suffit de recadrer les bords désordonnés pour créer une belle image propre. Avant de terminer, une discussion rapide sur qui devrait utiliser une caméra et qui devrait utiliser un scanner. Très largement, un artiste dont le travail a beaucoup de texture, comme dans le travail lui-même est un peu 3D ou qui peint sur de grandes surfaces dimensionnelles comme des toiles ou des panneaux, aura plus souvent besoin d'utiliser un appareil photo parce qu'il va juste être joli difficile d'obtenir ce travail à poser à plat sur un lit de scanner, un artiste qui peint sur papier ou peut-être sur très petits panneaux et a une texture plus subtile pourrait aller dans les deux sens. Un artiste qui veut faire des tirages à partir de son travail ou travailler avec des clients commerciaux, éditorial, livre pour enfants, etc. aura besoin d'un scanner. C' est un peu comme un outil commercial essentiel. Donc, votre mission pour cette leçon est de capturer, modifier et partager une image de votre travail. Vous pouvez utiliser un appareil photo ou un scanner, éditer l'image en fonction de l'utilisation finale. Si vous voulez utiliser la photo dans votre boutique Etsy, gardez cela à l'esprit lorsque vous prenez une photo et le mettre en scène de cette façon. Si vous souhaitez utiliser l'analyse dans le cadre de votre portefeuille de motifs de surface, gardez cela à l'esprit également. Alors faites-nous savoir votre utilisation prévue lorsque vous partagez l'image dans votre projet de classe. 13. Round éclaire: Leçon 12 : Éclairage ou dépannage. Si vous n'êtes pas encore fatigué de parler d'affaires, abordons quelques questions supplémentaires ou hoquet qui peuvent venir pour les nouveaux propriétaires d'entreprises créatives. Et les NDA ? Une NDA est un accord de non-divulgation. C' est essentiellement vous promettez de ne pas parler du projet du client jusqu'à ce qu'ils disent que c'est correct de le faire. Il est très courant d'être invité à signer une NDA avant de se voir offrir un emploi, avant même de citer un prix, en particulier auprès d'une plus grande marque ou d'un client plus important. n'y a rien de louche à ce sujet. J' ai un fichier plein de NDA pour des travaux vraiment cool qui n'ont pas fini par se dérouler. Habituellement, si vous finissez par atterrir le concert, une fois que le travail sera public, vous serez en mesure d'en parler. Assurez-vous de le lire comme vous le feriez avec n'importe quel formulaire juridique juste pour comprendre ce que vous signez. Mais il n'y a pas de problème avec la signature des NDA et il n'y a rien de louche d'un client qui vous demande d'en signer un avant d'avoir accepté de faire le travail. Qu' en est-il du travail à louer ? Travailler pour embaucher est un terme que vous verrez dans certains contrats créatifs. Fondamentalement, cela signifie que tout ce que vous faites pour le client est entièrement détenu par eux dès qu'il est fait, similaire à tous les droits. Mais cela est encore plus complet, car vous ne possédez même pas la paternité de l'œuvre faite dans le cadre d'une entente de travail contre embauche. Je recommande d'éviter les arrangements de travail pour embaucher à tout prix, sauf dans des circonstances très précises où c'est plus standard. Par exemple, travailler dans une animation sur une propriété existante. Qu' en est-il des paiements tardifs ? Il est inévitable qu'à un moment donné, vous rencontrerez un client qui est très en retard dans le paiement de sa facture. Un peu tard, 1-2 semaines plus est super commun dans mon expérience, et envoyer un rappel poli est quelque chose que vous devez être à l'aise faire. Mais il y a certainement des clients qui, par oubli ou par quelque chose de plus intentionnel, vont aller bien au-delà de la date limite. Comme pour beaucoup de choses, la prévention est le meilleur médicament. Voici trois façons d'éviter les retards de paiement. Le numéro un 1 est d'inclure des frais de retard dans votre contrat, mien est de 1,5 pour cent. Cela commence à s'accumuler dès que la facture est en retard. Le numéro 2 comprend une clause de paiement conditionnelle. Inscrivez dans votre contrat que le client n'a pas le droit d'utiliser le travail jusqu'à ce qu'il vous ait payé. numéro 3 est d'être payé à l'avance ou avant de livrer les finales. Si vous travaillez pour un client vraiment petit ou inconnu, est préférable d' être payé à l'avance, surtout si vous avez un drôle de sentiment à ce sujet. S' il s'agit d'un client commercial plus important, obtenir au moins 50 % d'avance et 50  % avant de remettre le travail est une bonne idée, mais ce n'est pas toujours possible. Supposons que l'inévitable est enfin arrivé et que vous avez eu votre première facture en retard. Voici quatre façons d'y faire face. Numéro 1, envoyez des rappels hebdomadaires une fois la facture en retard. Numéro 2, appliquer les frais de retard s'il y a plus d'une semaine en retard, et certainement si un client a été en retard avant, je leur dis poliment que je vais appliquer les frais de retard que nous avons convenus dans notre contrat. Le numéro 3 est de prendre le téléphone. C' est effrayant, mais parfois vous devez prendre le téléphone et parler à un humain pour que la facture soit payée. Numéro 4 c'est quelque chose à garder dans votre poche arrière plus en dernier recours, et c'est d'atteindre la chaîne alimentaire. Le pire cas de retard de paiement que j'ai jamais eu était de travailler pour un organisme national à but non lucratif, ils étaient quelque chose comme huit mois en retard et avaient ignoré mes nombreux courriels et appels téléphoniques, et finalement par désespoir, je a fait des recherches auprès des membres du conseil d'administration et envoyé un courriel à chacun d'eux individuellement, et j'ai été payé en moins d'une semaine. Aller à l'avant. Une autre question commune est, devrais-je former une LLC ? Ça dépend. Personnellement, je n'ai pas formé une LLC parce que cela n'a pas encore eu de sens financièrement. Il y a beaucoup de fardeau en matière de déclaration et de paperasserie à gérer, et la structure fiscale est plus compliquée que pour les propriétaires uniques. Pour les artistes et les illustrateurs, il n'y a aucune raison de penser que vous devez former une LLC avant de pouvoir commencer à travailler. Vous pouvez toujours le faire sur la route quand cela a du sens. Fondamentalement, cela dépend vraiment de vos circonstances. Devrais-je avoir une assurance entreprise ? Puisque j'ai choisi de ne pas créer une LLC, fois que j'avais un studio séparé où les gens pouvaient venir visiter, j'ai pensé qu'il était important d'obtenir une assurance d'entreprise, à fois pour assurer mon équipement, mais aussi pour des raisons de responsabilité civile. Au cas où quelqu'un serait tombé sur un cordon de peintre et se blesser, par exemple. Si vous avez un home studio, vous pouvez toujours obtenir une assurance entreprise pour couvrir votre équipement. Comme la question LLC, ce n'est pas quelque chose que vous devez répondre immédiatement ou avant de commencer. Je suis pigiste à temps plein depuis 2013 et je n'ai senti qu'il était logique de prendre en charge les dépenses de l'assurance d'entreprise en 2019. Maintenant, si vous avez d'autres questions liées aux affaires ou à l'art liées aux affaires et que je n'ai pas abordées dans cette section particulière ou ailleurs dans la classe, hésitez pas à les laisser dans la section discussion en classe, je vais filmer une séance de questions et réponses de suivi un mois après la publication de ce cours, et je ferai de mon mieux pour inclure toutes les questions sans réponse. 14. Synthèse: Ok, les gars, c'est tout pour ce cours. Tu l'as fait passer. Si vous avez travaillé votre chemin à travers le projet de classe comme nous l'avons fait, bien joué. Merci. S'il vous plaît assurez-vous de le partager. Bien sûr, si vous n'avez pas encore commencé la vôtre, toutes les invites et descriptions se trouvent dans l'onglet Projets et ressources. Jetez un oeil et plongez dedans. pratique pratique des affaires peut ne pas être aussi amusante que la pratique artistique pratique, mais elle est tout aussi utile. La meilleure façon de se familiariser avec rédaction de contrats et de devis est juste de commencer à le faire. Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours. Si cela vous aide, j'apprécierais vraiment un avis positif. Si vous avez d'autres questions ou ressources commerciales à partager avec notre communauté, surtout si elles sont pertinentes pour les créneaux particuliers dont nous avons parlé, comme les livres pour enfants, les œuvres d'art de galerie ou les motifs de surface, je vous encourage à partager dans l'onglet Discussions. Plus nous partageons tous ce que nous savons, mieux nous serons tous. Si vous souhaitez en savoir plus de moi, vous pouvez suivre l'un de mes autres cours de Skillshare ou visiter ma chaîne YouTube. Jusqu' à la prochaine fois, mes amis. Au revoir.