Peindre avec moi : Mauvaises herbes et fleurs sauvages

1. Bande-annonce: Avez-vous déjà fait une promenade dans un endroit ordinaire comme votre quartier ou peut-être un petit parc près de votre travail et vous surpris par toutes les belles choses que vous y trouvez ? Pas les fleurs flashy comme les dahlias et les roses, bien que j'aime vraiment ces deux, mais le moins supposé, plus résilients et en quelque sorte plus surprenants et intéressants mauvaises herbes et fleurs sauvages. Je m'appelle Kendyll Hillegas. Je suis illustrateur indépendant à temps plein. J' ai travaillé avec des clients comme The Wall Street Journal et Oprah Magazine, et mon travail est utilisé commercialement dans le monde entier sur produits transportés dans des magasins comme Whole Foods et Target. J' adore peindre des plantes et des fleurs, et je voulais fusionner cet amour avec mon enthousiasme pour trouver des papillons sur la plante d'asclépiade qui pousse à côté de la route ou regarder une abeille bourdonnement autour d'une parcelle de trèfle. Être dans ces moments me fait sentir comme un enfant à nouveau, quand je ne comprenais pas vraiment la différence entre une mauvaise herbe et une fleur sauvage, et tout ce que je voulais c'était de trouver le pissenlit parfait. Dans ce cours, nous allons célébrer ces moments de beauté ordinaire en apprenant à les dessiner dans un style vintage unique. C' est un cours Paint With Me, ce qui signifie que tu viendras à mon studio et veilleras sur mon épaule pendant que je dessine. Toutes les instructions de cette classe sont en temps réel avec une démo en temps réel, qui signifie que vous serez en mesure de suivre chaque étape du chemin créant trois œuvres uniques d'art botanique. Dans ce cours, vous apprendrez à créer une belle composition stylisée à partir de photos simples que vous accrochez sur votre téléphone lorsque vous êtes dehors pour une promenade ou même celles que vous trouverez dans un site d'image du domaine public. Tisser ensemble ces photos pour créer une illustration unique qui transcende l'image de référence. Vous apprendrez également à travailler sur un fond sombre pour donner à vos fleurs un look vintage spectaculaire qui se démarque vraiment et met en valeur de petits détails. Nous allons travailler avec un crayon de couleur dans ce cours, mais n'importe quel support opaque fera de sorte que vous pouvez facilement faire ce cours avec des stylos à peinture ou avec de la gouache. Ce cours est le mieux adapté pour ceux de niveau intermédiaire qui ont déjà une certaine expérience avec le dessin d'observation. Donc, si vous vouliez fêter les abeilles et les pollinisateurs , les mauvaises herbes et les fleurs sauvages sur lesquelles nous et nous comptons, venez avec moi et nous perdons dans une prairie de fleurs sauvages et dessinons. J' ai hâte de te voir en classe. 2. Fournitures: Bienvenue dans la classe. Je suis tellement excité de te voir ici. Nous allons plonger dans un instant. Mais très vite avant nous, passons en revue quelques choses fondamentales. Tout d'abord, le matériel dont vous aurez besoin pour le cours. Numéro 1, vous aurez besoin d'un papier mixte noir ou foncé. Il ne doit pas nécessairement être noir, mais vous voulez qu'il soit assez sombre. Si vous ne l'avez pas sous la main ou si vous n'êtes pas en mesure de l'obtenir facilement, vous pouvez prendre vous-même un morceau de papier aquarelle et le tonifier en y posant une couche uniforme d'aquarelle foncée pour le laisser sécher complètement. Moi, je vais utiliser le papier de gravure Rives BFK en noir. Numéro 2, vous aurez également besoin de supports opaques comme des crayons de couleur. Les crayons de couleur ne sont pas parfaitement opaques, mais ils sont assez opaques. Ils vont être assez opaques pour nos besoins dans cette classe. Mais oui, vous pourriez utiliser des crayons de couleur, de la gouache, stylos à peinture, n'importe quel support opaque. Mais une remarque ici est que si vous utilisez un support humide comme la gouache ou un stylo à peinture, assurez-vous d'aller de l'avant et d'acheter le papier noir plutôt que de le tonifier vous-même. Si vous allez le tonifier vous-même avec de l'aquarelle, vous voulez vraiment planifier d'utiliser un média sec comme des crayons de couleur ou même des pastels pour être honnête. pastels à l'huile, tout ça sera bien sur un papier que tu t'es tonifié. Mais si vous avez tonifié votre propre papier, vous allez vouloir éviter tout média humide à base d'eau. Je vais utiliser une combinaison de crayons de couleur Prismacolor, Holbein et Caran d'Ache. Mais j'ai une tonne de crayons de couleur à portée de main puisque je suis illustrateur professionnel et je travaille avec des crayons de couleur tout le temps. Vous n'avez pas besoin d'avoir un ensemble massif pour cette classe, vous pouvez vraiment utiliser n'importe quel ensemble que vous avez sous la main, vous voulez juste qu'ils soient des crayons de couleur à noyau doux. Quelque chose comme un Prismacolor et ce sera juste trouvé. Je vais décrire chaque couleur que j'utilise. Mais je vais aussi essayer de non seulement vous dire quel est le nom de la couleur, mais de vous donner une petite description de ce que la couleur est, sorte que si vous n'avez pas les crayons exacts que j'utilise, vous pouvez comprendre le crayon équivalent ou comment mélangez-le avec votre propre ensemble. Enfin, vous aurez besoin d'un moyen de collage de plusieurs références différentes ensemble. Vous pouvez le faire sur votre ordinateur avec un programme comme Pixelmater ou Photoshop, ou vous pouvez utiliser un iPad dans Procreate, qui est ce que j'utiliserai, ou vous pouvez même utiliser des photos de référence imprimées que vous découpez collage, comme faire un véritable collage. Beaucoup de façons de le faire. Vous pouvez également ignorer l'étape de collage et simplement rassembler plusieurs images de référence différentes et créer une esquisse de composition. Nous décompacterons tout cela quand nous entrerons dans cette leçon, qui est la prochaine étape. Mais je voulais juste vous donner une idée que vous aurez besoin d'une sorte de collage, moyen de créer un collage ou simplement de renoncer au collage et d'aller avec un croquis de composition. C' est tout pour le travail de base. Allons-y et plongons dedans. 3. La composition: Parlons un peu de la composition et de la façon de créer une composition en utilisant plusieurs images de référence différentes. Pour ce cours, pour les pièces sur lesquelles je vais travailler dans cette classe, je voulais avoir un peu de style vintage, une sensation de manuel scientifique, qui est un look populaire en ce moment. Vous pouvez trouver beaucoup de choses, beaucoup de pièces vintage si vous regardez Etsy ou Pinterest ou quoi que ce soit, et je pense juste qu'ils ont l'air vraiment cool. J' ai toujours aimé les avoir chez nous et j'aime ce style comme approche globale. C' est comme un bel équilibre entre quelque chose de super, super réaliste, qui est ce que je fais beaucoup pour le travail, et quelque chose qui est un peu plus stylisé et planifié. Cela peut s'écarter quelque peu de la réalité, mais semble tout de même réaliste mais stylisé. C' est le regard que nous allons chercher ici. La première étape que je recommanderais et que j' entreprendrais est juste de faire une recherche d'images, ce soit sur Pinterest ou sur Google, pour avoir une idée des types de choses que vous voudriez inclure dans votre composition. Si vous avez déjà une idée du sujet que vous voulez faire, disons que vous voulez faire, je ne sais pas, des boutons de célibataire ou quelque chose comme ça. Je pense juste à une autre herbe commune ou une fleur sauvage que nous ne ferons ce cours ou si vous voulez faire quelque chose que je vais faire comme la dentelle de la reine Anne. On va faire des pissenlits, dentelle de la reine Anne et de l'asclépiade. Vous pouvez simplement commencer par googler une illustration scientifique ou une illustration vintage de la dentelle de la reine Anne et voir ce qui arrive, voir quelles compositions vous trouvez dans votre recherche d'images. Cela peut vous donner un bon sens pour les types de choses qu'ils incluront ou non dans leur pièce. Parfois, vous verrez des racines ou des gousses de graines ou quelque chose qui comprend un peu plus de détails anatomiques. Vous pouvez également avoir une idée des différentes étapes de croissance qu'ils montrent généralement et qui vous donne un indice pour les types de photos que vous devez rechercher. Une fois, j'avais fait un peu de regarder autour et je me suis inspiré. Je vais créer un très rugueux, et je veux dire un croquis très rugueux juste pour montrer la forme globale. Ce n'est pas le croquis très rugueux ici. C' est en fait mon image de référence finie. J' ai déjà supprimé le calque qui avait mon croquis dedans, mais quand j'avais mon croquis, j'avais juste un sens très basique que que je voulais avoir comme ces trois plus grandes fleurs et deux en cours de processus, une autre partie de la phase de croissance. Puis j'ai su que je voulais des feuilles, mais je ne savais pas exactement ce que j'allais faire. Une partie de cela serait éclairée par ce que je serais en mesure de trouver pour les images de référence. J' avais en fait presque toutes les images de référence de choses que j'avais prises. Juste celui-ci ici est celui que je ne me suis pas pris moi-même, celui que j'ai trouvé sur un site d'image du domaine public. Mais si je n'ai pas les images de référence, j'irais sur le fichier Pixabay ou MOGG, l' un des sites d'images de référence du domaine public open source. Je vais commencer à chercher la photographie de dentelle de la reine Anne. Une photo de la recherche de dentelle de la reine Anne ou juste sur celles-ci, tout ce que vous avez à faire est de dire la dentelle de la reine Anne. Mais vous pouvez aussi dire le bourgeon de dentelle de la reine Anne, ou la verdure de la reine Anne, ou la gousse de graines de dentelle de la reine Anne, peu importe ce qu'il finit par être à la fin du cycle de vie afin que vous ayez une bonne idée de tous les différents stades de croissance. Une fois que vous en avez, vous pouvez les extraire dans un programme comme Procreate. Si vous n'avez pas d'iPad, vous pouvez le faire de différentes façons. Vous pouvez le faire sur votre ordinateur dans Photoshop. Si vous n'avez pas Photoshop, je n'ai pas Photoshop personnellement parce que je ne l'utilise pas. Vous pouvez utiliser quelque chose comme Pixelmator ou tout ce qui vous permettra de couper une photo et de la déplacer comme un collage. Si vous le souhaitez, vous pouvez même le faire de la manière très ancienne et faire imprimer les photos et les découper, et les mettre sur un morceau de papier comme un collage d'abord. Si vous ne voulez pas faire le collage ensemble, vous pouvez simplement regarder les images individuelles. Pour celui-ci, je l'ai évidemment collé ensemble. Je l'ai fait pour que vous puissiez tous voir l'image de référence, une image de référence unifiée, mais pour être honnête, si je faisais cela seul, je ne prendrais probablement pas le problème. Je ferais le croquis, les nouvelles choses que nous allons faire. Ensuite, je voudrais juste regarder chacune de ces images individuelles. C' est à vous de décider comment vous voulez aborder cela, si vous voulez prendre l'étape de collage des choses dans. Mais fondamentalement, une fois que vous avez votre concept, vous avez créé le croquis grossier qui s'inspire de certaines des compositions que vous avez vues. Évidemment, ne copiez pas directement une composition, mais vous pouvez avoir une idée de la façon dont les gens exposent les choses et l'abordent de la même manière. Une fois que vous avez ça, c'est votre cadre, votre squelette, c'est le fondement de votre pièce. Ensuite, vous pouvez commencer à regarder ces images de référence que vous avez obtenues, et regarder et voir ce qui irait, ce qui fonctionnerait où, et par exemple, quand j'ai fait cette pièce, je pense que j'avais tout sauf pour ce petit in-process. Qu' est-ce que c'est ? Je pense que c'est la fin du cycle de vie, après que les choses jaunes ont éclaté, mais avant qu'elles ne soient bouffées. Je ne suis pas sûr. Je ne suis pas un expert en pissenlit, mais j'ai réalisé qu'il me manquait une partie du cycle de vie. C' est le but de cette anecdote. J' y suis allé et j'ai cherché cette référence, puis je l'ai trouvée et je l'ai laissée tomber. Avoir un peu d'un plan à l'avance pour que vous sachiez quelles pièces vous cherchez, est super utile. Alors pour cette pièce, si je faisais cela dans mon style habituel, je ferais un croquis très détaillé. Mais vous pouvez voir ici, tout ce que je finis par faire est un croquis numérique vraiment simple pour avoir les parties de base, l'emplacement de base des choses, et quand j'ai besoin de le transférer, c'est que j'imprime mon croquis sur du papier imprimante et puis j' utilise le papier de transfert avec mon croquis sur le dessus et le papier noir en dessous. Je ne vais pas entrer dans la façon de transférer notre croquis dans cette classe parce que c'est déjà un cours long et il y a beaucoup d'informations. Mais si vous allez sur ma chaîne YouTube il y a un tutoriel très détaillé sur la façon d'utiliser le papier de transfert. Si vous n'êtes pas à l'aise avec elle ou si vous ne l'avez pas fait avant et c'est totalement gratuit, donc vous pouvez simplement rechercher sur YouTube Kendall Hilly obtient de transférer du papier et Kendall Hilly obtient de transférer un croquis et il devrait venir. Je vais imprimer mon croquis, déposer le papier de transfert, déposer mon croquis, puis transférer légèrement de cette façon. Une fois que nous avons plongé dans les démos, vous verrez à quoi ressemblent les croquis une fois qu'ils seront transférés. C' est l'idée de base de la façon dont je créerais une composition, comment j'ai créé la composition pour chacune de ces images de référence, ce sont toutes des compilations, elles sont toutes réunies à partir de plusieurs sources différentes et ce sont toutes les choses que j'ai réfléchies à l'avance, ce que je voulais que la composition soit. Ensuite, j'ai obtenu les images et ensuite j'ai branché les images. Mais encore une fois, si vous ne voulez pas passer par cette étape supplémentaire de collage des images ensemble, ce que je ne fais généralement pas moi-même, c'est tout à fait bien de simplement avoir votre croquis et ensuite avoir votre référence individuelle images que vous allez regarder. Cependant, vous voulez l'aborder là fonctionne bien. Je pense que nous sommes prêts à aller de l'avant et à plonger dans la démo. 4. Démarrer votre projet de cours !: Hé, les gars. Je reviens ici avec mon visage une fois de plus avant de plonger dans le travail. Je voulais juste mentionner rapidement que puisque cette classe est en temps réel et qu'il y a beaucoup de séquences en temps réel, beaucoup de contenu, c'est vraiment l'ajustement parfait si vous voulez essayer de faire votre projet de classe en regardant la démo. Maintenant, j'ai fait de la peinture dans les classes avant et ils ont tous eu cet objectif final en tête, que quelqu'un puisse peindre avec la classe. Mais quelque chose que beaucoup d'entre vous ont signalé et une raison pour laquelle cette classe a été créée est qu' il est parfois difficile de faire lorsque le processus a été accéléré ou lorsque de petites choses ont été découpées. Même quand j'ai essayé de raccourcir le processus, j'ai encore dû condenser les vidéos. C' est la première fois que je n'ai rien condensé, pas rien découpé, pas spéculé quoi que ce soit, c'est juste processus en temps réel. C' est vraiment comme si tu étais assis à côté de moi ou à deux pieds au-dessus de moi pendant que je peins. Je vous encourage à faire un saut sur votre projet de classe. Puisque nous avons déjà vu la section de composition, la leçon de composition, et parlé de la façon de créer votre propre composition si c'est quelque chose que vous voulez faire, j'ai disponible un couple de différents esquisses de composition que vous pouvez télécharger si vous êtes sur un ordinateur. Je ne pense pas que vous pouvez le faire à partir de l'application mobile, malheureusement, mais ce sont les deux options. Vous pouvez soit créer votre propre composition ou utiliser l'une de celles que j'ai créées, mais ce que vous aurez besoin de sauter directement, c'est juste d'avoir un de ces croquis, faire transférer sur votre papier noir, et avoir votre couleur crayons prêts à aller. Alors si vous avez ça devant vous dans votre ordinateur ou votre téléphone ou quoi que vous regardiez ce cours, vous pouvez juste travailler avec moi. On va d'abord travailler sur le pissenlit. Si vous voulez faire exactement la même chose sur laquelle je travaille, c'est celle sur laquelle vous devriez vous installer en premier. Ensuite, on ira à la dentelle de la reine Anne, puis à l'asclépiade. Bien sûr, j'adorerais si vous faites votre propre truc et que vous faites vos propres compositions, j'adorerais les voir. Je suis super excité de voir ce que vous avez tous trouvé là-bas, mais je voulais juste fournir ceux existants juste au cas où quelqu'un voudrait juste le faire plus comme une chose relaxante plutôt que d'essayer de créer le leur. Je crois que c'est tout. Prenez ce truc et allez-y et commencez votre projet de classe pendant que vous regardez la démo. 5. Pissenlit 1: On va aller de l'avant et plonger dans notre pissenlit. J' ai mon image de référence configurée ici en face de moi sur mon iPad. L' exposition en ce moment est définie pour ce morceau de papier noir, donc il semble délavé et il n'y a pas beaucoup de variation de couleur là-dedans, mais c'est une photo relativement normale. Peut-être que je vais le faire apparaître à l'écran aussi pour que vous puissiez le voir. Comme vous pouvez le voir, quand je zoome ici, c'est juste une compilation d'images différentes, comme nous l'avons dit dans la leçon de conception. Je n'ai rien fait de trop fantaisiste. Je viens de les coller autour de la forme que je veux, faire un croquis de base, puis transférer le croquis sur mon papier noir. Une note très rapide sur les crayons de couleur avant de commencer. Pour la plupart, je vais utiliser des crayons de couleur Prismacolor. Il y a quelques crayons de couleur Holbein que je vais utiliser aussi bien parce qu'ils sont des couleurs que Prismacolor ne fait pas vraiment. Ils sont légèrement différents. Ils ne sont pas différents, mais celui-ci, en particulier, jaune moutarde, ce jaune moutarde Holbein, c'est un jaune plus foncé mais c'est cool. C' est la couleur que j'utilise tout le temps pour la verge d'or Prismacolor, c'est un beau jaune foncé mais c'est vraiment chaud. Vous pouvez voir même juste dans les douilles, la différence entre ces deux. Ce Holbein est devenu mon nouveau favori. Puisque nous allons faire du jaune, le jaune est une couleur délicate, surtout les sujets qui sont entièrement jaunes. Donc, ces têtes de fleurs ici seront un peu sur le côté délicat donc je veux avoir une bonne gamme, quelques bonnes options pour les crayons de couleur jaune. J' ai aussi quelques crayons de luminance Caran d'Ache. J' ai la gamme complète de ceux-ci et je les aime et je les utilise quand j'en ai besoin, mais ils sont probablement trois fois plus chers que crayons Prismacolor donc j'ai tendance à les sauver et à essayer de les utiliser seulement quand j'en ai vraiment besoin. Ensuite, une gamme de différents verts ici. J' ai tout des verts chauds plus légers comme la chartreuse, puis des verts chauds plus profonds, du zeste de citron vert, puis des verts frais très légers. J' ai ça, c'est juste vert clair. Vous pouvez voir que c'est un petit coup en bas à la fin, et je l'ai collé à la cheville de bouleau. Juste utilisé super colle pour coller l'extrémité à la cheville de bouleau afin que je puisse utiliser tout le crayon. Prenez quelques de ceux-là. C'est de la sauge pâle. Si je les utilise, je peux échanger les nouveaux crayons de couleur réels pour ceux-ci, puis pour les verts foncés, j'ai vert olive, puis celui-ci de Caran d'Ache qui est vert anglais foncé. Je vais prendre Prismacolors vert foncé aussi. Alors que je vous montre ça, je me rends compte que j'ai aussi besoin de neutres pour les tiges des fleurs et pour la partie bouffante du pissenlit. Alors, bien sûr, je vais prendre du blanc. On va avoir besoin d'un peu de blanc. Je vais prendre du noir aussi. Nous n'allons pas en utiliser une tonne, mais nous en utiliserons probablement pour nettoyer les bords. Ensuite, j'aurai quelques gris clair différents, un gris clair plus chaud et un gris clair plus frais. Beige mastic, qui est un croisement entre le gris et le mastic, puis celui-ci ici, c'est appelé rose coquillage, mais c'est une très belle couleur neutre. Je pense que ça ira très bien sur les tiges des fleurs. Ensuite, je vais attraper de la sienne brûlée et de l'ocre brûlé, puis de la terre cuite aussi. Je pense que c'est probablement tout ce dont j'ai besoin pour l'instant. Je sais que ça ressemble à beaucoup de crayons de couleur. Je n'utiliserai probablement pas toutes ces couleurs, et si vous n'avez pas toutes ces couleurs, c'est bon. Certaines des raisons pour lesquelles je vais de l'avant et j'ai tant de crayons de couleur, ayant une telle gamme ici, c'est que ça va me permettre de travailler un peu plus vite. Comme c'est la démo, j'essaie toujours de le faire de la manière la plus efficace possible. Donc, si vous avez une gamme plus petite, il suffit de travailler avec ce que vous avez. Vous n'avez pas à vous arrêter et aller chercher des couleurs spéciales pour ceux-ci. Vous n'avez peut-être pas eu de papier noir à portée de main, mais si vous avez choisi de suivre ce cours, vous pouvez soit avoir du papier noir, soit vous avez fait certaines des solutions de contournement dont nous avons parlé dans la leçon précédente, façons d'obtenir autour, ou faites votre propre papier noir. Si vous constatez que vous n'avez pas toutes les mêmes couleurs que moi, c'est tout à fait bien, juste travailler avec ce que vous avez et cela pourrait vous prendre un peu plus de temps pour mélanger ou tester les choses, mais oui, il n'y a pas besoin pour obtenir des crayons de couleur spéciaux pour cela. Ensuite, j'ai aussi un petit morceau de papier de test ici, une petite bande de papier de test ici. C' est juste pour que je puisse avoir quelque chose à tester la couleur des crayons de couleur sur, s' assure que c'est ce que je veux avant de le coucher, puisque nous allons le faire 100 pour cent crayon de couleur ici. Je ne vais pas faire d'aquarelle, et nous travaillons sur cette surface noire, nous allons vraiment avoir une chance de l'obtenir comme nous le voulons. Dans l'ensemble, cela va être une interprétation plus lâche de ces objets de toute façon, par rapport au réalisme super serré que je fais habituellement, mais je veux quand même être en mesure de vérifier et de m'assurer que la couleur est ce que je vise. Je vais commencer avec un peu de jaune plus clair et je vais le poser assez légèrement sur le papier et ensuite l'accumuler progressivement. J' ai mon bout de papier ici pour éviter de tout baver. Je pense que je vais juste commencer à construire quelques petits pétales ici. Maintenant, avec ce sujet à cette échelle, il serait vraiment facile de gribouiller et de faire la bordure de la fleur de cette façon, mais j'essaie d'être intentionnel et de faire quelques petites formes de pétales pour qu'il plus de dimension et ne se sentent pas seulement comme un gribouillis rugueux sur le bord. Je presse probablement environ 30 ou 40 pour cent de ce que je pourrais faire en termes de pression que j'applique. Je vais attendre qu'on descende plus et qu'il y ait plus de pigment pour travailler avant de commencer à appuyer très fort. Donc je travaille juste autour du pissenlit. Comme vous pouvez le voir, c'est vraiment sympa, ce truc du papier de transfert, il est juste à peu près couvert tout de suite. J' ai testé ceci afin que je puisse confirmer qu' une fois que vous posez des couches vraiment lourdes ou des pigments, vous ne remarquerez même pas le blanc qui vient à travers. Maintenant, je construis l'anneau central que vous pouvez voir dans la référence que les pétales sont un petit gâteau de pétales. J' ajoute juste une partie de la couche centrale. Celle-là vise à nous. Donc c'est assez circulaire, assez uniforme, je vais allonger certains de ces pétales ici. Certains d'entre eux sont plus longs. Je ne veux pas les allonger tous parce que je veux qu'il ait un aspect irrégulier comme n'importe quoi dans la nature. Il y a de la symétrie, mais il y a aussi beaucoup d'irrégularités. Je vais commencer à en ajouter quelques, quelques pétales entre les deux. Vraiment construire ce gâteau de couche. Maintenant, si vous êtes quelque chose comme moi, chaque fois que vous commencez sur un morceau qui a plusieurs éléments différents, la première chose sur laquelle vous commencez, la première chose sur laquelle je commence me prend toujours le plus de temps. Je pense que c'est parce que je suis en train de comprendre le processus, l'approche que je veux adopter. Puis une fois que je l'ai cloué dans ma tête, je suis capable de bouger beaucoup plus vite tout le reste de la pièce. En regardant la référence ici, je vois que le jaune a un jeu entre chaud et frais. Il y a des zones très chaudes de jaune qui sont plus bas entre les pétales, puis les zones plus froides de jaune sont en haut, et c'est inversé de ce que vous voyez beaucoup de temps avec les ombres ont tendance à être plus les couleurs fraîches et les couleurs claires ont tendance à être plus chaudes, mais il a un renversement intéressant donc je vais juste aller avec ça. Je pense que je vais mettre de l'orange espagnole parce que c'est intéressant, ces ombres sont en fait assez saturées. Donc je vais mettre un peu de ça, et ensuite je pense que je vais chercher le crayon entier après ça, on verra. 6. Pissenlit 2: Je vais juste dans ces petites zones entre les deux. En fin de compte, je vais couvrir à peu près tout le noir ici. Mais j'essaie de ne pas mettre trop de pigment jusqu'à ce que je sache que j'ai les bonnes couleurs. Parce que oui, avec un crayon de couleur, c'est un peu un et fait une fois que tu l'as posé. Une fois que vous l'avez vraiment posé, vous ne pouvez pas revenir en arrière. Donc j'essaie de ne pas en faire trop avec les couleurs jusqu'à ce que je sache que je les ai bien. Je regarde ma référence, mais je regarde ma référence plus pour des informations générales sur la couleur et la forme. Je ne suis pas super, super serré à propos du pétale que je fais, l'échelle de chacun des pétales. J' essaie juste de m'en sortir pour m' assurer que je ne suis pas vraiment super parfait avec eux, que je permets qu'il y ait une différence et une irrégularité puisque cela aidera avec le réalisme. Mais contrairement à beaucoup de ce que je fais avec un réalisme plus serré, je ne mesure pas et essaie vraiment de capturer de près les proportions de tous ces pétales, plus profiter de l'expérience et essayer de simplement chercher le informations dont j'ai besoin à partir de l'image de référence, mais ne pas compter trop étroitement sur elle. Ajout d'un peu plus de ce jaune canari sur le dessus. Je pense que je vais utiliser toute la ligne, jaune moutarde que j'ai mentionnée parce que maintenant que je regarde l'image plus longtemps, je vois des zones plus fraîches ici. Je vais juste mettre ça derrière quelques pétales. Je vais essayer de communiquer une forme aux pétales. Je ne veux pas que ce soit un tas de zigzags, j'essaie de faire en sorte que les pétales aient l'air dimensionnels. Cela sera particulièrement évident une fois que nous aurons mis les faits saillants. Mais pour l'instant, j'essaie de faire le tour de certains pétales plus légers et m'assurer que ce sens de la dimension est communiqué. En fait, non, c'est la même couleur. Quelle couleur je cherche ? C' est la couleur que je cherche. C' est le soleil, c' est pareil ? Oui. C'est de l'orange sunburst ici, qui est juste un peu plus orangé et un peu plus saturé que l'orange espagnole. Je suis juste en train de sauter un peu de ça à quelques endroits. Maintenant, j'appuie probablement 60 pour cent aussi fort que j'ai pu appuyer, essayant de créer plus de dimension et de poser plus de pigment vers le bas, essayant de couvrir plus de noir. Très bien, [inaudible] centre là. D' accord. Laisse-moi voir, qu'est-ce que je veux faire ici ? Ok, pense maintenant que je veux ajouter un peu de ce jaune citron. C' est un jaune très saturé qui a un tout petit peu de blanc dedans. Il va lire comme cool, et ça va vraiment l'égayer parce qu'il a du blanc dedans. Certaines couleurs avec des crayons de couleur car ils sont principalement tous des mélanges et des mélanges que nous aurons du blanc déjà mélangé, alors soyez conscient de cela quand vous les posez. Je continue juste à suivre une partie de la structure que j'ai déjà mise en place. Je me concentre plus sur cette partie supérieure de la fleur parce que je vais essayer de faire de cette zone ici être comme la zone vers le bas ou l'ombre. Maintenant, je vais prendre une tige d'or, peut-être mettre quelques petits morceaux de ça, entre les choses. Ce ne sera pas parfait, ce sera une interprétation lâche d'un pissenlit, mais c'est exactement ce que je vais faire. Je veux qu'il soit un peu stylisé par rapport à certaines des choses que je ferais habituellement. Voyons voir, je pense que je vais utiliser, c'est une couleur appelée bronze, qui est comme un jaune, vert, brun, un peu plus jaune, même quelque chose comme l'ombre. Avant que j'ai eu ça, avant que j'aie le jaune moutarde de Holbein, je l'utilisais toujours, mais comme vous pouvez le voir, c'est un peu plus sombre. Je vais juste mettre ceci dans certains des points de chevauchement, certains des domaines où je veux qu'il soit vraiment lu car ils sont un pétale couché sur un autre, plutôt que juste une grosse boule. Oh oui, c'est sympa. C' est le jaune citron de la luminance. Il n'a pas autant de blanc que le Prismacolor jaune citron, brun, mais il apparaît encore vraiment parce que le pigment et la luminance crayons de couleur sont si intenses. ce moment, j'essaye d'épaissir certains des petits pétales qui ont fini par paraître trop scintillants pour moi ou trop comme s'ils n'avaient aucune structure. J' ajoute juste un peu d'épaisseur à ceux pour qu'ils se sentent dimensionnels. Ensuite, je vais faire une petite, minuscule glaçure d'orange espagnole sur le dessus de celui-ci parce que la couleur globale se sent juste un peu trop cool pour moi. Je pense que c'est parce qu'il a été posé sur un fond noir, donc ça le rend plus cool. Quand je fais un glaçage, je tiens le côté du crayon, va assez doucement, et plutôt que d'avoir la pointe du crayon frapper le papier, j'ai ce côté du vitrage au crayon dessus, et cela aide simplement à ajouter un peu de chaleur au sujet. Où est mon blanc ? Je vais juste faire quelques petits pétales ici et ensuite je ferai probablement plus de blanc à la fin une fois que j'aurai du pigment posé sur toute la pièce. Mais pour l'instant, j'utilise cet aiguiseur ici, c'est ce qu'on appelle l'aiguiseur de tias. Il est devenu mon préféré pour les crayons de couleur qui ont tendance à briser beaucoup parce que vous pouvez changer l'angle du point pour la façon dont raide ou combien peu profonde vous voulez qu'il soit, donc comme vous pouvez voir ce crayon, j'ai aiguisé avec mon aiguiseur préféré, la balle en laiton alvin, qui est toujours mon préféré parce qu'il est le plus facile à utiliser, vraiment facile de changer les lames, mais il a un angle assez raide. Si vous avez affaire à un crayon qui se brise beaucoup, ou qui s'effrite beaucoup ayant un angle moins profond comme celui sur le tia est vraiment utile et c'est environ 6$, je pense. C' est un aiguiseur assez peu coûteux, mais l'inconvénient est que vous, eh bien, je trouve qu'il est encombrant à tenir par rapport à la balle en laiton, ce qui est juste si agréable et peu, et puis l'autre inconvénient est que vous ne peut pas changer les lames de sorte que vous devez jeter cette grosse chose en plastique chaque fois que vous avez besoin d'une nouvelle lame. Si vous êtes comme moi et que vous faites une tonne de crayons de couleur et que vous passez par beaucoup de lames, ça peut être un peu délicat. Je pense que je vais faire une pause sur le poids pour l'instant, je voulais juste avoir un sens pour un peu là-bas. Je n'ai même pas appuyé si fort, je vais revenir et ajouter plus. Je pense que maintenant je vais commencer sur ce petit gars ici parce que je veux rompre avec le jaune, et ensuite je vais passer à l'autre fleur de pissenlit dans une minute. Ça ressemble à un vert plutôt cool, laissez-moi tester ça. Je pense que c'est sympa en fait. C' est des lumières vertes de sève. Ensuite, je remarque qu'il se réchauffe vers la fin de la, Je ne sais pas si cela est encore techniquement appelé la fleur ou si elle est changée en, ressemble à un petit pod. Mais je pense que je vais ajouter un peu de ce Holbein, Olive Yellow. Vous pouvez aussi utiliser quelque chose comme la chartreuse. 7. Pissenlit 3: Ce n'est tout simplement pas aussi saturé et intense qu'une chartreuse le serait, mais si tout ce que vous avez est chartreuse, alors utilisez-le par tous les moyens. Je vais commencer par faire une petite glaçure de ça sur le dessus. C' est ma première fois que j'utilise ce truc de transfert blanc avec des crayons de couleur. Chaque fois que j'ai utilisé le papier de transfert blanc avant, il a été avec un morceau d'aquarelle, donc j'étais un peu nerveux sur la façon dont les crayons de couleur fonctionneraient avec, et j'ai fait quelques tests juste pour m'assurer. Mais maintenant que je l'utilise en action, je l'aime vraiment. Il se marie vraiment bien avec les crayons de couleur. C' est beaucoup plus facile que ce que je pensais ou espérais. Ceci ici juste ajouter un peu de vert chaud vers le haut en haut. Je pense que je pourrais avoir besoin d'un vert légèrement plus foncé et frais, c'est pourquoi j'ai laissé ces couleurs dehors. Laisse-moi voir. Est-ce que je l'ai déjà ? Laisse-moi essayer vert olive, voir comment ça marche. Ça devrait être bon. Il ne me reste qu'un petit peu ici, comme vous pouvez le voir, jusqu'à la fin. Ajouter un peu ici pour que je lui donne une certaine dimension. Je pense que je vais essayer de créer certaines des stries que je vois sur le côté, il semble que cela indique peut-être où étaient les pétales. Quelle est la lumière ? Un peu plus léger. Voyons voir. Et ce gars ? C' est de la sauge pâle et je vais ajouter ceci. Je mets ça, pose ça avec un trait long et étroit rayé parce que j'essaie de mettre l'accent sur les stries que je vois dans le sujet. Alors j'ai besoin d'une autre couleur que je n'attendais pas. Cela arrive toujours. Je construis ma palette et puis je vois des couleurs que je ne m'attendais pas dans le sujet. Juste en haut de cette petite gousse, les pointes des feuilles semblent presque rosées, alors voyons, je vais prendre le rose et le rouge acajou. Voyons, je vais commencer par un peu de rose. Maintenant, c'est plus saturé que ce que je vois dans le sujet, mais je veux l'amplifier. Ensuite aussi, puisque nous travaillons sur un fond noir, les crayons de couleur, ils ont une certaine opacité pour eux, absolument, mais nous n'allons jamais couvrir complètement le noir dans la mesure où c'est comme travailler sur un blanc non tonique papier. Vous devez compenser si vous voulez quelque chose à lire comme vraiment moyen saturé, vous devrez peut-être utiliser un crayon de couleur plus saturé. Maintenant, je vais utiliser ce vert brumeux de Holbein sur les petites feuilles qui descendent ici. Je fais juste un peu de glaçage du vert, puis laissez-moi ajouter une partie de la rose de cendres et voir à quoi ça ressemble. Voyons voir, il a besoin d'un peu plus de saturation ici. Peut-être que ce type vous aidera. vert de plomb de Holbein. Eh bien, les crayons Holbein, si vous êtes curieux à leur sujet, ils ont été seulement récemment disponibles stock ouvert, ils étaient auparavant vous ne pouviez obtenir que l'ensemble de crayons que je ne suis jamais intéressé à faire parce que je ne suis pas veulent aimer en utilisant un crayon de couleur et puis seulement être en mesure de remplacer les couleurs que j'utilise le plus souvent en achetant un tout nouvel ensemble, il est tout simplement pas pratique pour quelqu'un qui utilise beaucoup de crayon de couleur. Mais une fois qu'ils ont ouvert le stock, j'ai commencé à essayer quelques couleurs de plus et je les ai vraiment aimé. Ils sont très similaires au prix de la Luminance, donc ils sont un crayon haut de gamme beaucoup plus cher, mais ils sont un peu plus doux que la Luminance, ce que j'aime vraiment aussi. Ils se sentent plus crémeux comme le font les Prismacolors. Maintenant, je veux vraiment me sentir vraiment dimensionnel, donc je vais ajouter dans un peu d'ombre en utilisant la châtaigne ici, ce qui est comme une couleur brunâtre rosée. C' est une ombre vraiment agréable, neutre, pas trop intense, donc parfois si je suis juste de comprendre ce que je veux arriver dans une zone donnée, je vais poser ça parce que vous pouvez commencer une ombre, mais alors ne pas être entièrement engagé à comme vraiment brun foncé ou quelque chose et qu'il fonctionne encore bien comme un demi-ton. Ensuite, si vous voulez vraiment le pousser jusqu'à l'ombre, c'est facile à faire plus tard. Une autre petite feuille ici. Vous pouvez voir à quel point ils sont doux. C' est un positif et un négatif, c'est vraiment agréable de pouvoir se fondre et ils ont une couleur très opaque, mais c'est vraiment une douleur de faire face à la rupture. Si vous êtes quelqu'un qui, comme moi, utilise Prismacolor, mais déteste la rupture, ça pourrait vous déchirer le cœur pour avoir un autre crayon qui a aussi des problèmes et des ruptures. Avec les crayons Luminance, une bonne chose à propos de ceux-ci, même si ils sont si chers, est qu'ils sont certainement beaucoup moins enclins à la casse que les Prismacolors, mais les Holbein sont tout aussi chers que Luminance et encore briser. Ils ont juste des couleurs intéressantes que Prismacolor n'a pas. Retourner avec le châtaignier ici pour essayer de tailler quelques petites zones d'ombre. Maintenant, je pense que je veux utiliser le vert foncé pour mettre dans une ombre vraiment sombre. J' ai attrapé le noir par accident. J' ai dit : « Wow, c'est très intense pour un vert foncé. » C' est bon, ça n'a pas l'air si mal en fait, peut-être que je vais juste rouler avec ça. Je n'aime pas habituellement utiliser le noir pour l'ombrage parce que j'ai l' impression que ce n'est pas aussi intéressant que d'utiliser une couleur. Il y a tellement de couleurs intéressantes et de choses intéressantes que vous pouvez faire avec des combinaisons de couleurs, donc j'ai tendance à atteindre cela plus quand je crée mes ombres. Mais nous avons le fond noir, alors peut-être que je vais essayer un peu avec celui-ci. Maintenant, si vous n'êtes pas aussi intéressé à devenir vraiment serré et réaliste avec ce genre de chose, vous pouvez être beaucoup plus lâche avec ça, vous pouvez être beaucoup plus stylisé, vous pouvez le rendre vraiment uniforme et parfait, et cela lui donnera un look différent. Mais ce n'est pas incompatible avec ce genre de travail. Beaucoup d'illustrations scientifiques, en particulier l'illustration scientifique botanique que vous voyez, est assez stylisée et a été rendue beaucoup plus uniforme par les artistes. Si c'est la façon dont vous aimez travailler, si vous préférez cela, cela fonctionne parfaitement bien aussi. Comme vous pouvez le dire, je suis super dans ces zones qui ont l'air irrégulières et différentes, et donc j'ai tendance à vouloir amplifier cela. C' est de retour avec un vert profond, qui est ce vert vraiment cool de Prismacolor. Je vais ajouter une partie de la laitue verte sur le dessus en quelques endroits pour le réchauffer. 8. Pissenlit 4: Où est passée la châtaigne ? Il est là. La châtaigne pour ajouter quelques ombres, ombres habituelles. Celui que j'ai fait avec le bronze doit être un peu plus sombre. Celle-ci a besoin d'un peu d'obscurité en dessous, aussi. Laisse-moi voir. Celui-ci est tout rose et je veux ajouter un peu de vert. C' est plutôt bien. Mettons juste quelques petites taches de noir ici. Quand je fais celui avec le crayon de couleur noire, je vais assez doux et assez délicat parce que je ne veux pas submerger les choses. Je ne serais pas capable de le mélanger non plus si je finissais par décider que j'ai trop fait. C' est une nouvelle chose, je me rends compte. Je peux utiliser le crayon noir pour nettoyer un bord et aiguiser un peu un bord, qui est super sympa sur quelque chose comme ça qui a ces très petits points pointus à elle. C' est une chose cool que vous pouvez faire avec le papier noir que vous ne pouviez pas faire avec le papier blanc. Puis, en haut, il y a ce petit truc moelleux. Il me semble très blanc dans la référence, mais je pense que je vais faire de la crème pour que j' ai de la place à ajouter plus tard si je veux l'égayer. Si j'y vais avec du blanc, je serai coincé. Le blanc pur et le noir pur sont des couleurs vraiment puissantes. Vous devez être judicieux avec la façon dont vous les utilisez et vous assurer de les utiliser au bon moment. Sinon, parce que c'est de la lumière et de l'ombre, vous devez être prudent avec la façon dont vous communiquez cela. J' aime ça jusqu'à présent, je crois. Maintenant, je vais entrer et je veux juste avoir une idée de ce à quoi ressemblera la tige avant d'entrer dans cette feuille. Je vais prendre cette couleur, le rose coquillage, que j'ai mentionné plus tôt. Donnez-lui un affûtage. Je vais aller et venir entre ces deux taille-crayons juste à la base de laquelle les couleurs que je connais ont tendance à s'effriter beaucoup. Parfois, pour être honnête, ce n'est pas seulement une couleur spécifique, c'est un vrai crayon, c'est la santé. Il y a des moments où j'ai eu des crayons de couleur blanche qui sont grands qui ne s'effritent pas. Mais alors, ce crayon de couleur blanche que j'utilise en ce moment a été super friable. Même chose avec le rouge toscan. C' est une autre couleur que parfois c'est génial et parfois ça tombe complètement en morceaux et je finis par devoir l'aiguiser comme 20 fois pour obtenir un point. Gardez cela à l'esprit que vous me voyez changer d'avant en arrière, il y a une rime et une raison à cela. Je peux déjà dire à quoi cela ressemble qu'il se sent un peu pâle et anémique pour moi. Je voulais seulement être châtaignier parce que je veux qu'il soit un peu minuscule. On dirait qu'il a un petit ton pour moi, c'est sympa. Je fais juste un petit glaçage sur le dessus. Ces tiges sont probablement la partie la plus stylisée de la pièce entière. J' ai vraiment créé cette forme imaginée pour le pissenlit. Évidemment, il n'y a pas vraiment quelque chose comme ça dans la nature juste parce qu'il y a tellement d'étapes de floraison différentes qui se produisent en même temps. Mais j'aime vraiment ce regard et c'est quelque chose que vous voyez beaucoup avec des illustrations botaniques vintage. Ils auront plusieurs phases de croissance sur la même plante, même si ce n'est pas vraiment comme ça que fonctionne la nature. Mais c'est vraiment quelque chose d'intéressant à regarder. Jusqu' au sommet, ici. Laisse-moi voir. Je pense que ça va être une bonne couleur globale. Ensuite, je vais devoir décider combien je veux travailler pour le rendre floue parce que le pissenlit signifie comme un look très unique 30 pour eux, donc je ne suis pas sûr si je vais essayer de le communiquer ici ou non. Mais cette couleur, le rose coquillage et la châtaigne sont parfaits pour la tige de pissenlit. Je veux l'assombrir un peu. Je veux que ce soit plus léger. Je prendrai cette décision dans un peu. Celle-là, je pense que je vais faire le châtaignier d'abord. Je regrette déjà que parce que je suis retourné à la référence et vu qu'il y a un vraiment cool, la tige devient verte comme il devient vers le haut. Peut-être que je pourrai dire que nous devrons voir que la châtaigne est une couleur plus forte. C' est peut-être difficile de poser un vert clair là-dessous, mais on va essayer. C' est ce qui arrive quand nous avons une de ces classes où c'est une classe tombante avec moi et que je n'ai pas complètement compris tous les plis à l'avance. Des surprises se produisent et je finis par devoir résoudre des problèmes et vous voyez ça. Essayons un peu de la laitue verte et en fait, ce que je veux faire très rapidement d'abord, vous ne pouvez pas aimer effacer complètement avec un crayon de couleur, mais vous pouvez. Oui, génial. Cool. Vous pouvez prendre une partie du pigment. C' est pour une raison quelconque, cela avait besoin d'une gomme comme une gomme vraiment collante. Ce n'est pas génial pour frotter d'avant en arrière et obtenir des marques sur le papier, mais il s'est avéré être vraiment bon pour ramasser du pigment. J' ai réussi à obtenir la majeure partie de la châtaigne. Voyons ce que nous avons. On y va. Ça sent cool. Avoir le vert en haut et il va s'estomper au rose sourd de la châtaigne. Je pense que je vais aussi y aller avec un peu de vert plus clair. C' est le printemps vert Prismacolor. Il est très similaire à la laitue verte que vous pouvez voir, mais il n'a pas autant de blanc dedans. On y va, c'est cool. Ensuite, cela va s'estomper dans la châtaigne, qui devrait être le plus sombre au fond. Je pense que je pourrais même attraper, est-ce que je l'ai ici ? Non. Il y a une couleur appelée henné, qui est similaire à la châtaigne, mais c'est un peu plus rose et un peu plus saturé. Je vais prendre un peu de ça pour le fond de la tige. C'est sympa. Quand je fais une pièce stylisée, même si je vais prendre des libertés et le faire paraître différent de ce qu'il fait dans la vraie vie, ce n'est pas strictement réaliste. J' aime encore vraiment puiser l'inspiration pour la stylisation de la nature, de la vraie vie. Je vais probablement amplifier une partie de l'intensité des couleurs qui sont dans cette tige. Mais le modèle, que le vert en haut descendant vers le rose-rouge en bas, qui est pris de la réalité. Je pense que travailler de cette façon, tirer votre inspiration du monde réel, même si vous allez styliser, peut juste rendre les choses un peu plus intéressantes et surprenantes que ce que vous faites habituellement si vous tirez-le complètement hors de l'air mince. En fait, je devrais retirer un peu de tout ça en haut pour que je puisse avoir plus de vert là-bas. Sur la fleur, je ne vois pas vraiment beaucoup de la couleur verdâtre au sommet de la tige, mais je l'aime toujours. Je vais en faire un peu de toute façon, mais peut-être pas aussi intense que ce que j'ai sur ce que ces petites gousses sont appelées. Juste un peu là-haut et un petit peu de la saturation. Ony On va. 9. Pissenlit 5: Je suis juste en train de travailler sur cette feuille et de développer cette feuille un peu avant de passer aux autres fleurs. Je vais prendre, où est passée ma bandelette de test ? Ici, c'est. Puis-je prendre ma bandelette de test ici et trouver de quelle couleur je veux que cette feuille soit ? Je pense que je dois tirer certaines des couleurs qui sont déjà ici. Je vais regarder celui-là à nouveau. C' est le feu vert de sève. Puis j'utilisais ce jaune olive de Holbein. Regarde ça aussi. Je pense que ça marchera bien. Alors si je veux quelque chose d'un peu plus lumineux, j'irai avec ce treillis vert je pense, il y aura peut-être bien pour le centre de la feuille et la veine. Ensuite, j'ai aussi, bien sûr, certains des jaunes et j'ai tiré de quelque façon que ce soit pour les pissenlits lui-même. Je peux faire une combinaison de ces quatre. Alors aussi peut-être aussi vert foncé ici. J' ai juste mis ça dedans. Prêt à aller dans les zones les plus sombres. J' ai supercollé celui-ci il y a un peu de temps et j'ai dû ajouter la bande pour le garder parce que je voulais l'utiliser avant qu'il ne soit complètement sec, mais cela a été il y a plusieurs jours maintenant donc devrait être bon à aller. Je pense que je vais d'abord ajouter la veine au centre. Je pourrais faire des veines sur les petits segments des feuilles, mais je pense que je vais juste m'en tenir à une veine centrale principale. Gardez-le un peu plus simple et stylisé. En descendant. Assez léger. Encore une fois, comme j'ai été sur tous les autres éléments quand je vais au crayon pour la première fois, je n'appuie pas si fort. Alors même si cette feuille a une forme très réaliste, je veux continuer à styliser de la même façon que j'arrive tout au long de la pièce. Je pense que ce que je vais faire ici, c'est choisir un côté pour être un peu plus sombre, un côté pour être un peu plus léger. Puisque ce côté est un peu réduit, je pense que je vais rendre celui-ci le côté plus sombre et ensuite celui-ci le côté plus léger mais honnêtement, il pourrait être l'un ou l'autre puisque cela est stylisé dans un peu. Je ne veux pas dire artificiel, mais certainement pas exactement à quoi ça ressemble dans la vraie vie. Je commence du côté plus sombre et plus frais ici avec le feu vert sève. Je vais juste être très doux sur toute la surface ici. Je vais devoir faire un peu plus dur pour couvrir une partie du croquis blanc. Mais pour l'instant, je vais garder ça gentil et doux. Je vais faire la couleur plus chaude de l'autre côté. Ensuite, nous allons travailler à construire une certaine dimension, pour qu'elle ne se sente pas si plate. Probablement en appuyant sur environ 50 pour cent de force. Maintenant, si je ne faisais pas ça pour un cours, ce n'était pas une démo, je retournerais constamment cette pièce pour que l'angle sur ces différents petits points soit plus facile à entrer, plus facile à atteindre. Si je filme, j'ai essayé de le garder dans le même angle pour que personne n'ait de vertige. Mais si je travaille seul, je vais le retourner, le retourner constamment juste pour le rendre plus simple et plus facile d'atteindre les choses. C' est l'une des raisons pour lesquelles j'aime travailler à plat, même s'il y a beaucoup de raisons pour lesquelles il vaut mieux travailler sur un chevalet. J' aime travailler à plat parce que j'aime pouvoir tourner les choses très facilement et travailler sous différents angles. Maintenant, je change de vitesse au Holbein, tout jaune. Je pense que je l'ai déjà mentionné, mais c'est similaire à la chartreuse de Prismacolor. Ce n'est pas tout à fait aussi saturé. Si ce que vous avez est la chartreuse de Prismacolor, par tous les moyens, il suffit de l'utiliser. n'y a pas besoin d'obtenir la couleur spécifique. Il suffit de choisir un vert plus chaud et plus léger. Encore une fois, ils sont vraiment, vraiment légers, coups doux. Un mélange entre circulaire. Juste comme, je ne sais pas, tout droit, à colorier comme un petit gamin d'aller-retour avec des traits presque linéaires. J' essaie de couvrir un peu le bord ici ou au moins aller droit au bord parce que je ne veux pas avoir un contour blanc visible. Je voulais tous être parti comme dans ces autres éléments de la pièce, mais pour l'instant, juste la couvrir doucement. Ensuite, on va faire un peu dur à la fin. Je suis en train d'amener et de courir jusqu'au bord de l'endroit où cette veine centrale est ici. Mais je ne vais pas revenir sur ça parce que je veux préserver que c'est une zone où je veux la légèreté, je veux que cette ligne plus brillante le traverse pour ressembler à un truc de feuille. Près de la fin ici. Maintenant que je fais ça, j'ai l'impression que c'est trop jaune pour moi. Même si c'est le côté plus léger, le côté plus chaud, je vais certainement faire une autre couche de quelque chose sur le dessus parce que je voulais me sentir plus comme cette couleur ici, peut-être cette section ici. Je pense que je vais devoir faire un glaçage d'une autre couleur dessus. Juste une autre couche vraiment légère. D' abord, je veux que cette zone soit un peu plus sombre. Je vais essayer. Voyons voir, je ne pense pas que je veux un usage complet vert foncé. Je serai juste un peu trop intense. J' ai un peu, juste le plus petit peu de vert olive sur ce petit crayon que j'ai ici. Je pense que je pourrais utiliser ça parce que c'est ce que je faisais pour certaines des zones les plus sombres de là. Ce sera bien du côté saturé, mais je pense que ça va être bon. Je ne suis pas trop inquiet d'avoir des bords parfaits ici sur les feuilles parce que je vais retourner et nettoyer certains avec un crayon noir. Une fois que j'arrive vers la fin, j'ai déjà expérimenté un peu avec ça et ça semble fonctionner très bien. Mais comme vous pouvez le voir à ce stade, je passe directement sur les lignes blanches, en essayant de les cacher. Je pourrais laisser un peu d'entre eux à certains endroits parce que cela me permettra de mettre un point culminant là-bas et de l'avoir vraiment pop. Je ne vais pas le revoir uniformément, mais dans la plupart des endroits je le couvre. Je dois aiguiser ce crayon, mais je pense qu'une fois que je l'aiguiserai, je serai jusqu'au bout et je vais devoir aller en trouver un autre dans le stockage de sauvegarde. Voyons voir, faire un peu d'une zone de lumière à la fin de cela aussi je pense. Puis en descendant vers le bas, c'est probablement là que je veux obtenir le plus sombre parce que je veux qu' il se sent incurvée en dessous comme tout tirant vers le bas vers ce point central au bas de la plante et aller en dessous de ces tiges. Je vois peut-être à quoi ça ressemble. Je pense que je pourrais utiliser un peu de vert foncé ici. Chaque fois que je viens avec une couleur vraiment sombre, je vais toujours provisoirement d'abord parce que vous pouvez toujours ajouter plus. Mais comme nous avons parlé de toute cette classe, c'est beaucoup plus difficile de l'enlever. Même peut-être impossible de l'enlever. Au moment où vous le posez avec toute la force, la pleine pression, il se sent vraiment enfoncé dans la dent du papier, vous aurez beaucoup de mal à le faire disparaître vraiment, même si vous utilisez une gomme pétrie pour choisir c'est en haut. Voyons si j'ai encore un aiguisant dans ce truc. Non. Voyez que c'est ce qui arrive quand vous arrivez à la fin. Ce morceau est fait, ce crayon est fini, laissez-moi en prendre un autre. Tout est aussi vert. J'ai un nouveau vert olive. Puis j'ai aussi attrapé, j'ai oublié que j'avais cette couleur. C' est ce qu'on appelle vert pâle et deuxième beau cool sombre je pense qu'il y a encore un peu de blanc dans cette feuille entière donc peut-être que c'est plus d'un ton moyen, mais c'est une version plus sombre de la lumière verte sève. Il va très bien avec le feu vert sève. Ouais, c'est sympa. Ça va être génial. 10. Pissenlit 6: Je pense que je vais utiliser une partie de ça, certaines des zones de ton moyen de cette feuille. À ce stade, j'appuie essentiellement aussi fort que je peux appuyer avec toute ma force. Vraiment petits traits circulaires et en essayant de le brunir dans la dent du papier. Puis avec le vert olive qui est plus sombre que cela et venir dans la zone d'ombre et appuyez sur agréable et dur. La formule de base que j'utilise est qu' il va être plus sombre vers le centre de la feuille, vers la veine, puis plus sombre vers la base. Ensuite, certaines de ces petites zones qui sortent, je vais ajouter un petit point fort aussi. Je regarde mon image de référence, mais ce n'est pas particulièrement utile dans cette situation parce que, comme vous pouvez le voir, l'éclairage est juste très différent de ce que j'ai ici. C' est vraiment complexe, l'éclairage extérieur naturel et donc le rétroéclairage. Beaucoup de choses différentes qui se passent là-bas. Puisque je travaille avec une image composite, beaucoup d'images différentes que j'ai rassemblées, je dois rendre la lumière logique et être cohérente pour la structure globale de la pièce elle-même. Je ne peux pas juste partir et suivre la lumière de très près. Ça a l'air drôle à dire. Suivez le motif de lumière de très près de la référence lorsque toutes ces autres choses ont un motif de lumière différent en cours. Ce motif de lumière et les références sont très spécifiques. Si vous faites cela comme votre projet de classe, et que vous faites également une image composite, vous avez décidé de faire une image composite, gardez juste cela à l'esprit, que vous devez peut-être styliser et simplifier l'éclairage, format, la structure de l'éclairage. Si vous faites une image composite où l'un des éléments a un motif d'éclairage vraiment distinctif et les autres semblent plus neutres. Quelque chose qui rendra le motif d'éclairage très distinctif et très reconnaissable et spécifique à un certain contexte est vraiment forte lumière directe. Le reste de ces éléments est sous une lumière plus indirecte. Ils ont l'air juste doucement éclairés avec une source de lumière douce provenant d'un côté ou d'un autre, alors que, comme c'est dans le cœur, la lumière naturelle, vraiment lumineuse directe a toutes les ombres et sources de lumière différentes qui entrent donc beaucoup plus compliqué. Je vais faire un minuscule, très doux petit glaçage de crayon de couleur noire ici pour assombrir ça. Ce n'est pas quelque chose que je fais habituellement. Je n'utilise presque jamais le noir pour l'ombrage. Des tonnes d'artistes le font, et c'est tout à fait bien, mais j'ai tendance à utiliser des couleurs complémentaires pour assombrir les choses. Mais puisque cela a un fond noir, j'ai remarqué que l'ombrage noir semble vraiment sympa. Maintenant, je vais utiliser cette sève verte une fois de plus et essayer de couvrir certains des derniers petits morceaux de blanc là-bas. Ensuite, nous allons travailler de l'autre côté de la feuille. Mon taille-crayon a encore un peu de crayon vert olive. On y va. Je veux l'avoir bien et pointu. Ensuite, essayez de créer un bord ici. Je ne peux pas nettoyer le bord comme on l'a dit. Je ne peux pas nettoyer le bord avec le crayon de couleur noire plus tard, mais ce sera juste plus facile si je le garde bien et pointu pour l'instant. La lumière verte sève est en fait assez intense et peut-être un peu trop légère. Parce que je ne veux pas que cette feuille soit brillante. Les feuilles de pissenlit sont soyeux et rugueuses et grattées et très texturées. Je ne veux pas que ça ressemble à une très belle feuille brillante et cireuse. Je veux qu'elle se sente douce. Ouais, c'est mieux. Je pense que ce que je vais devoir faire, c'est juste abattre. Je vais utiliser un peu de ça pour abattre l'intensité avec Kelly Green. Voir. Je l'aiguise. J' essaie vraiment de garder ma main sur ce papier autant que possible puisque nous posons un crayon de couleur si épais. Ce sera vraiment facile de baver les choses. C' est des trucs sympa là-bas. Puis faire un peu le vert kelly plus foncé sur le bord très extérieur, et même un peu de vert olive. Maintenant, ce que j'imagine, c'est que cette feuille descend de ce côté, donc elle semble plus sombre là-bas, puis vient toucher un peu d'un point culminant ici, puis redescend. Motif de lumière très stylisé, mais je vais essayer d'être cohérent tout au long pour faire paraître stylisé mais toujours réaliste. C' est tout le nom du jeu en termes de look que nous allons chercher avec ces pièces. Avoir à la fois réaliste, reconnaissable, sensé, structurellement par rapport à lui-même, mais aussi avoir quelque chose qui semble ouais, plus stylisé, presque perfectionné comme une forme idéale de l'image. Ensuite, je vais entrer avec un crayon de couleur noire ici juste le long du bord pour juste essayer d'aiguiser ça un peu. Quand je fais ça, je ne fais pas comme une ligne très forte parce que cela attirera un peu d'attention sur lui-même. Même s'il y a du papier noir. Après que j'ai mis dans la ligne, je la plume un peu. C' est juste un peu plus sombre que le papier noir. Mais je pense que ça a l'air cool. Il ajoute un peu d'ombre, un peu de dimension. Je ne vais pas le faire sur toute la pièce. Je vais le faire dans quelques zones. zones où les bords ont l'air un peu doux ou où je veux qu'il y ait plus de netteté. C' est là que je vais ajouter le noir. Kelly Green encore ici. Il rebondit entre le vert kelly, le feu vert sève et le vert olive. vert olive est le plus sombre. lumière verte Sap est la plus légère, puis kelly est le ton moyen. Oui, Kelly a un peu de blanc dedans. n'y a pas une tonne de blanc, mais il y a du blanc dedans. Ceci un peu ici, je pense qu'il a besoin d'affûter jusqu'à ces petits points. Comme ils ont perdu leur pointage . Dès que c'est fini, je vais le faire de l'autre côté. Quelque chose que je ferais autrement, c'est que je retirerais une partie du pigment blanc du papier de transfert. Je voudrais tirer une partie de cela, je pense que le long des bords extérieurs juste pour rendre plus facile d'obtenir ce beau bord net. J' aime ça au centre parce que ça a fait vraiment éclater cette veine centrale. Mais je pense que le long des bords, j'en retirerais une partie. Je l'ai inventé quand je fais l'autre feuille [inaudible] de l'autre côté. Voir ici. Parfois, pour se débarrasser de chaque petit morceau de papier de transfert de poids, je dois obtenir le crayon très pointu et ensuite descendre avec de petits petits traits circulaires juste sur cette zone. Maintenant, à ce stade, je suis très heureux que je sois allé plus doux au début et n'ai pas rempli toute la dent du papier parce que vous ne pouvez vraiment que faire. Même si c'est du papier noir, vous pouvez avoir un peu plus de flexibilité en ce qui concerne la façon dont vous construisez les choses et l'ordre dans lequel vous travaillez. C' est comme tous les récifs papier PFK, où il a bien, n'importe quel papier du tout vraiment. Il a une quantité limitée qu'il peut supporter une quantité limitée de pigment qu'il peut prendre avant que les fibres du papier soient pleines. 11. Pissenlit 7: Le logiciel donne d'abord plus de flexibilité par la suite. ce moment, quand je veux ajouter plus de ce naissant, développer la forme un peu plus. Je pense que ça va être bon pour ce côté-ci pour l'instant. Je pense que ça a besoin d'un peu plus de travail. C' est l'impression que j'ai en ce moment, mais maintenant je veux développer davantage le côté léger de la feuille et revenir à une étape plus complète avant prendre d' autres décisions sur la complexité que je veux y avoir. Je passe pour laisser l'écran par Holbein. C' est une version plus légère du vert printemps, un peu moins saturé et un peu plus blanc. Mais si vous ne l'avez pas, je ferais un peu de glaçage vert printanier puis peut-être un peu de lumière verte sauge. Où est-ce ? Je sais que j'ai ça par ici, quelque part. C' est là. Juste un minuscule petit à gauche. Je suppose que vous pourriez en fait vous pourriez probablement juste faire feu vert sage. lumière verte sauge en soi est juste un peu moins saturée, mais vous obtenez un look similaire là si vous travaillez exclusivement avec des crayons prismacolor. Désolé pour le bruit de fond. Si tu entends ça, ils font des travaux de construction tout autour de mon studio. La chose qui va arriver ici, c'est que nous allons utiliser une partie de la belle définition du centre de la veine. Parce que maintenant nous rapprochons beaucoup plus en termes de valeur de ce qu'est la veine centrale. Mais je pense qu'on va s'allonger, voir à quoi ça ressemble et ensuite peut-être créer un peu plus de séparation avec une autre couleur. J' avais pressé très fort de cet autre côté plus tôt et maintenant je suis de retour à appuyer assez léger. Interrupteur rapide pour réparer quelque chose. J' ai vu quelque chose que je voulais changer. En appuyant assez légèrement, il suffit de faire un glaçage plus et même le glaçage sur toute la surface. C' est d'obtenir la couleur beaucoup plus près de l'endroit où je veux être. J' aime vraiment ce mélange de vert nuder jaunâtre avec le vert nuder plus frais plus léger sur le dessus. Les mêmes couleurs que j'utilise ici pour la lumière et les feuilles que les strates. Je vais probablement utiliser le vert Kelly et la ligne verte sève. Partout où je vois des coups de crayon évidents, je fais juste glaçage sur ça. J' ai une surface relativement lisse. va y avoir une certaine texture à cette phase parce que je n'ai pas encore commencé à brunir. Alors seulement il se lisse une fois qu'il est bruni, au moins avec ce papier. Mais quand même j'essaie de minimiser la texture afin je ne finisse pas avec une tonne de celui-ci que je dois traiter à la fin. Je pense que je vais arrêter de tirer trop de cela vers le bas, vraiment vers la zone ci-dessous, dans la zone d'ombre parce qu'il y a beaucoup de blanc dedans. Une fois que je tire ça là-bas, si je veux ajouter une couleur plus foncée, il sera difficile de le faire sans créer de boue. À ce stade, je vais juste entrer avec le Kelly Green pour essayer de créer une partie de cette pente descendante, ce sens. La feuille courbée vers le bas vers la grande veine centrale ici. J' appuie un peu plus fort mais pas tout à fait à pleine force. Faites en coups circulaires, faisant un peu de brunissement. Peut-être vers le centre où je veux que ce soit le plus sombre mais surtout encore vitrage. Encore une fois, je vais empêcher d'aller jusqu'au fond ici parce que cette couleur a du blanc dedans et je veux que cette zone devienne presque aussi sombre que cette zone. Ce que je pourrais faire en fait, c'est juste passer la veine ici. On y va. Ça va être bien. Parce que ça devrait devenir plus sombre aussi si ça descend vers cette partie la plus sombre de la feuille. Il ne devrait pas être aussi léger qu'ici. Je redécrit juste une partie de cette veine. Certains des bords sont devenus un peu mous parce que je venais sur les côtés. Voici le vert olive. Je pense que c'est ce que je vais mettre ici pour l'ombre. Ça a l'air bien. Je ne veux pas y faire un arrêt dur. Je veux l'estomper un peu. Je fais juste une ligne de ce côté, ce côté de la veine. Un peu d'aller-retour ici pour obtenir un joli bord droit. Bien sûr que je dois couvrir tout le blanc là-bas. Je pense que je vais même aller sur la veine tout en bas parce que je veux juste que tout ait l'impression que ça tombe sous la fleur. vais essayer d'éviter d'ajouter trop de détails ici parce que plus j'ajoute de détails, plus il sera intéressant. Je veux vraiment que cette zone s'assied et se calme. Retour au Kelly Green. Pour certaines de ces feuilles qui sont un peu plus grandes, je fais la suggestion d'une forme de feuille au centre ici. Je ne vais pas ajouter une veine ou quoi que je vais juste rester avec cette veine centrale, mais je vais élever l'ombre au centre de ces petits points sur la feuille pour la rendre un peu plus dimensionnelle. Encore une fois, c'est très stylisé, eh bien, à ce stade assez stylisé. Nous n'obtenons pas un motif de lumière complètement réaliste ici , mais essayons de le faire paraître cohérent dans son propre monde. Que pour moi, est la clé pour avoir quelque chose qui est stylisé look, citez sans citation réaliste, est qu'il a un sens sur son propre. C' est la même raison pour laquelle j'aime l'un de ces films d'animation super réalistes sur ordinateur. Il y a des parties d'entre elles qui ressemblent à la vraie vie, mais beaucoup d'entre elles sont très stylisées, mais d'une manière ou d'une autre, cela semble toujours réaliste. C' est parce qu'il est cohérent en soi comme l'éclairage et la structure ont tous un sens dans le monde de ce sujet. Ils travaillent tous ensemble pour avoir du sens. Gardez cela à l'esprit pendant que vous travaillez sur votre stylisation. Ce n'est pas forcément la vraie vie. Mais il faut qu'il apparaisse dans le même monde pour avoir ce sentiment de réalisme. Un peu plus de la Kelly et puis je pense que je vais revenir avec la lumière et commencer à sortir certains des faits saillants. Évidemment, je dois faire beaucoup pour nettoyer le bord ici. Il y a encore beaucoup de lumière visible. On y va. Je vais faire la même chose que j'ai fait de l'autre côté où si quelque chose devient trop floue, regarder dehors, revenir et nettoyer. Ne vous inquiétez pas trop de créer un bord parfait. Je pense que je veux abattre l'intensité de la veine ici aussi. Je veux que ce soit le droit le plus intense au milieu, car c'est ce le plus de sens en termes d'éclairage et de structure. J' ai juste tiré le vert foncé ici. Je vais mettre une partie de cela à la base de cette feuille. 12. Pissenlit 8: Je pense que je veux aussi que les faits saillants qui sont ici soient un peu plus sombres que les faits saillants qui sont ici. Je vais utiliser le vert Kelly au lieu de ce vert Lotus super brillant comme je traçais les bords de ceux-ci. Aiguisez encore ça. Ces petits points peuvent être très difficiles à obtenir si votre crayon n'est pas pointu. Je veux dire qu'ils peuvent être difficiles à obtenir de toute façon, mais vous devez certainement avoir un crayon pointu pour pouvoir les capturer. Maintenant, si vous pouvez leur dire ce que je fais ici, j'ai fait ça à quelques endroits où j'ai décidé d'aller au-delà de ce qui est dans le contour. Comme cette petite tache juste ici, si vous pouvez voir le bout de la feuille ici, touche vraiment juste le bord de la tige. Compositionnellement, ça peut être un peu gênant. C' est beaucoup plus agréable d'avoir un chevauchement que deux lignes qui rencontrent directement, sauf si vous le faites exprès. Partout où il y a deux lignes ou points qui se rencontrent, ça va attirer beaucoup d'attention sur lui-même. Je vais essayer de m'assurer de mettre un peu de chevauchement. Cela aura juste l'air plus intentionnel. Ça a l'air bien, je crois. Bon, reviens avec le vert Lotus et va bien et dur sur le contour blanc. À ce stade, j'appuie probablement 80 pour cent de mes forces. Je fais beaucoup de pression pour obtenir beaucoup de pigment sur la surface du papier. J' aime pas à quoi ça ressemble. Je vais utiliser le noir pour couper ce bord. C' est un peu mieux. C'est gentil et pointu là. Beaucoup mieux. Juste en utilisant ce noir pour décrire très doucement ces bords où je veux qu'il y ait plus de précision. Alors n'importe quel endroit où je veux ajouter un peu plus d'ombrage ou estomper les choses pour le rendre plus dimensionnel, je viens avec le vert Kelly. Je vais probablement aussi venir un peu plus avec le vert olive. Maintenant, parce que ce côté est si léger, j'ai l'impression d'avoir besoin de rendre les faits saillants de ce côté un peu plus lumineux. Je vais juste avec ce même crayon de couleur, le vert Lotus, et je brunis un peu plus sur les points forts, certains des points forts de ce côté pour le rendre plus équilibré. Ensuite, ici, je pense que je veux aussi faire un peu plus d'une ligne nette. J' utilise du vert foncé. Assez doux. J' ajoute juste une petite ombre supplémentaire là-haut. Je pense que c'est peut-être aussi loin que je vais aller sur cette feuille pour l'instant. En fait, laisse-moi juste réparer ça. J' ai remarqué un autre bord blanc. Je pense que je vais retarder tout développement ultérieur sur cette feuille pour l'instant. Puis une fois que j'aurai plus du reste posé, puis je reviendrai et ajouterai probablement quelques reflets blancs et peut-être aiguiser quelques points supplémentaires. Passons à cette prochaine fleur. Je sais que nous allons avoir la tige ressemblant plus ou moins à ces autres tiges. J' ai certaines de ces couleurs ici en ce moment, donc je pense que je vais juste aller de l'avant et faire la tige d'abord en utilisant le C-Shell rose. Vraiment léger parce que je dois ajouter ce look vert ombre. Maintenant, j'ai mis ces lignes pour indiquer la courbe que je voulais dans la tige. Mais maintenant que je les transforme en formes tridimensionnelles, pas seulement en une seule. Eh bien, ils sont encore 2D, mais maintenant que je leur donne un sens de la forme, je veux changer légèrement la courbe. Je veux que celui-là sorte par là. J' utilise toujours la ligne comme espace réservé général mais je ne la suis pas. Je ne le traiterai pas comme un contour. Vous pourriez voir que je suis allé d'un côté là-bas et ensuite je suis passé à aller de l'autre côté par ici. Je vais juste faire un glaçage léger sur toutes les tiges pour voir où elles sont. Alors j'attendrai pour finir celle-là. J' ai juste pensé à ça pendant que je travaillais, je devrais prendre une partie de la forme du jaune je devrais prendre une partie de la forme du jauneici parce que je ne veux pas que la tige se fasse sur la façon dont je veux que ces pétales soient gros. Je vais faire le glaçage léger pour les tiges et ensuite commencer à faire au moins une partie de l'empreinte du pissenlit jaune. Eh bien, le seul pissenlit jaune que nous avons fait jusqu'ici, je pense que nous avons commencé avec le jaune canari pour obtenir la structure et la forme vers le bas et cela a bien fonctionné. Ils entrent et refont ça. Je pense que je vais faire différemment ici est, ici nous avons eu la vue directe. Sur celui-ci, c'est comme une vue latérale inclinée des trois-quarts. Je veux faire croire qu'on voit presque le côté d'un dôme. Je vais essayer de vraiment souligner cela sous la forme des pétales. Je fais la même chose que celle que j'ai faite pour la première. Je vais poser certains de ces gros pétales initiaux. Pas trop sombre et ensuite je construirai les couches. Certains d'entre eux, je pourrais faire un peu exagéré, rendre les pétales un peu plus longtemps pour augmenter ce sentiment d'être ce dôme d'ouverture. Puis en haut, je veux prendre note du fait que la structure du pissenlit, nous passons de voir, ici, nous voyons tous les pétales pointant vers le bas. Je ne veux pas que des pétales pointent vers le haut. Je veux que ça ait l'air différent. J' aurais dû vérifier l'anatomie des fleurs. Je ne connais pas le nom spécifique de ces petites choses, mais les petites frondes qui arrivent, je veux en capturer quelques-unes donc je vais m'assurer de laisser une partie de cet espace entre les deux pour le faire ressembler un peu plus de zone et un moelleux. J' aiguise un peu mon crayon et puis je vais venir ici avec quelques lignes pointues. Je peux toujours ajouter plus. Je peux toujours épaissir cela, mais je n'ai vraiment que le seul coup pour le rendre agréable, délicat et aéré. 13. Pissenlit 9: J' aimerais aussi avoir effacé les contours blancs ici, car ils rendent un peu difficile d'obtenir la légèreté. Ils sont un peu du côté épais eux-mêmes. Je vais laisser ça pour l'instant, je peux toujours revenir et faire plus. Oui, j'ai besoin d'arrêter. Maintenant, nous allons faire d'autres niveaux, quelques couches de pétales, comme nous l' avons fait avec le premier pissenlit. J' essaie d'éviter la tentation d'être trop symétrique ici, essayant de garder un élément de hasard ou de surprise. Encore une fois, cela ne va pas être super serré et réaliste parce que c'est stylisé, mais quelque chose que je remarque, c'est que nous voyons qu'il y a un raccourcissement qui se passe ici. Nous voyons presque toute la longueur des pétales parce qu'ils sont longs et orientés vers le bas, mais alors les pétales commencent à s'incliner vers le haut, et de haut en haut et de haut en haut. Tout comme ce qui se passe au crayon où vous voyez toute la longueur du crayon, puis vous voyez de moins en moins le crayon quand il s'incline vers vous. La même chose se passe avec ces pétales. Les pétales qui sont ici ont besoin d'être vraiment réduites pour les comparer aux pétales qui sont ici. Je pense que c'est une bonne structure initiale, ou peut-être que vous voulez un peu plus de ce côté-ci, peut-être un autre long de ce côté-ci, un moyen qui vient ici. Je veux vraiment cettesensation de dôme en expansion, sensation de dôme en expansion, donc je ne fais qu'ajouter un peu plus. On y va. Je pense que c'est une bonne structure initiale. Il a la forme que je veux. Nous avons les feuilles dans leurs différents stades de réduction. Ensuite, je vais faire le même motif de couleur que j'ai fait la première fois. Je vais aller en premier avec la moutarde Holbein dans certaines des zones d'ombre, qui sur celui-ci sont, encore une fois, un peu plus sur le côté droit de la fleur, Certaines des taches entre les deux, bien sûr, l'intérieur de certains pétales eux-mêmes, surtout lorsque vous descendez vers le bas, auront aussi plus d'ombre en eux, parce que ces pétales, ils ne sont pas complètement indépendants. Ils s'empilent les uns sur les autres. Partout où un pétale croise un autre pétale, tu auras de l'ombre là. Je ne vais pas faire autant de moutarde une fois que je serai de ce côté, parce que de ce côté, ces zones d'ombre semblent un peu plus chaudes, donc je vais probablement passer au jaune sunburst comme nous l'avons utilisé sur le pissenlit initial. Pause là-dessus. Sunburst jaune, et je vais être assez judicieux avec ça, ne pas en faire une tonne. Voyons voir que j'essaie de plisser mes yeux quand je regarde l'image de référence afin que je puisse obtenir un peu plus d'un sens global de l'endroit où y a-t-il beaucoup de couleurs chaudes, où y a-t-il beaucoup de couleurs fraîches, et je vois beaucoup de couleurs chaudes dans ce domaine ici . C' est là que je vais le concentrer, en faisant encore attention de ne pas venir trop loin et de perdre ces espaces vides ici. Ce côté, je remarque, a juste beaucoup de jaune vif. Je ne vais probablement même pas avoir trop d'ombre là-bas. Il y a un peu de zones qui ont le jaune soleil plus chaud, puis un peu de jaune froid, mais surtout ce sont ces lumières jaunes canaris vraiment brillantes. Je pense que je pourrais utiliser celui-là. Essaie ça, si ça. Je ne me souviens pas si on l'a fait la dernière fois. C' est jaune citron ? Jaune bismuth. Non, je ne pense pas qu'on ait utilisé ça une dernière fois, mais je vais essayer ici. Vraiment essayer d'utiliser le crayon pour créer des pétales réels au lieu de simplement griffonner. Je veux que les pétales se sentent dimensionnels, comme s'il y avait une forme et une forme pour eux, même si je ne suis pas de très près la référence. Ce bismuth jaune est en fait super sympa. Ce n'est pas aussi cool que le jaune citron, ce qui est logique de les regarder côte à côte. C' est le citron, et puis c'est le bismuth. Si vous vous souvenez avec celui-ci, il a fini par être trop cool, et nous avons dû faire le glaçage du jaune plus chaud sur le dessus. Je vais revenir au jaune canari, on en fait un peu plus dans les entre-deux-là, tu en as besoin ici, juste pas beaucoup. Certains de ces pétales avec lesquels j'étais assez léger et délicat, maintenant je vais avec beaucoup plus de pression, essayant de vraiment brunir ce pigment et d'obtenir beaucoup plus d'opacité. Chaque fois que vous faites une couleur plus claire, ou surtout quelque chose comme le jaune, qui a juste beaucoup de translucidité naturelle, il ne couvre pas aussi bien que le blanc le fait, donc avec un jaune, vous allez devoir appuyez beaucoup plus dur pour obtenir le même type d'opacité que nous avons fait sur la feuille. Je fais ce jaune canari plus brillant vers la pointe des pétales, puis je le laisse s'estomper pour être un peu plus sombre à l'intérieur. Ces personnes vraiment réduites ici, et nous voyons juste le petit bord de, vont être parmi les plus difficiles à distinguer. Je veux que ce soit un peu plus chaud. Je remplis toutes les zones où je vois du noir avec le jaune sunburst, ce qui est vraiment comme une orange jaune si vous utilisez un ensemble différent de Prismacolors. Je pense que je vais aiguiser le bismuth et essayer d'en faire un peu plus ici pour que ça paraisse plus structurel. En ce moment, il a l'air étrange et déconnecté du reste de la fleur. J' essaye juste d'avoir de belles lignes, propres et petites. J' ajoute quelques-uns de ces petits curlicues qui sont visibles dans la référence, mais je ne vais pas par-dessus bord avec ceux-ci. 14. Pissenlit 10: Je continue d'avoir à arrêter d'aiguiser le crayon parce qu'il perd juste ce point si rapidement, et c'est la raison pour laquelle j'utilise le clair et cendré en fait sur n'importe quel Prismacolor ici, est parce que clair et cendres est mieux que Prismacolor à garder un bord, même si elle vient de rompre là. En général, c'est mieux que Prismacolor pour garder un avantage. Maintenant, je vais faire quelques petites lignes du jaune soleil, et je pense que je vais devoir faire un peu plus de travail dans l'ombre après ça. Je vais courir certains de ces trucs, ces petites choses ressemblent surtout à un jaune frais, mais il y a quelques endroits où il y a de la chaleur. Je voulais prendre note de cela, essayer de le créer ici. D' accord. Je plissais les yeux, chaque fois que je me perds ou si je perds ma place en termes d'où les valeurs sont dans l'ensemble de la pièce, je vais me plisser les yeux juste pour savoir si la zone dans laquelle je travaille devrait être claire ou plus foncée, une certaine combinaison. Ce jaune citron, c'est un Prismacolor et il y a un peu de blanc dedans, donc je vais utiliser ça ici pour essayer d'égayer certains de ces pétales. En fait, avant d'aiguiser ça, le crayon terne est vraiment une bonne taille pour obtenir le bord du pétale. Je veux l'avoir terne pour ça, pour certains de ces plus gros pétales et ensuite je l'aiguiserai. Maintenant, de ce côté tous les bords ont l'air vraiment lumineux, j'utilise le jaune citron assez uniformément de ce côté, alors que de ce côté, juste la pointe de certains d'entre eux ont l'air brillant et puis l'initié ou le long de la pétale est plus du ton médian. Nous ne l'avons pas encore fait, mais je pense que nous allons ajouter un peu plus de blanc, un blanc important à ces deux, je me tiens juste jusqu'à la fin. Ce qui est un report de mon processus habituel avec n'importe quel autre sujet, ce n'est pas spécifiquement à voir avec le fait que ce sont des pissenlits sur papier noir, je le ferais peu importe. Maintenant, quand j'ajoute l'ombre ici, je le fais dans les deux endroits. Mais je le fais aussi le long du pétale lui-même pour essayer de lui donner l'impression que le pétale a une ombre dedans. Deux de ces pétales que je veux épaissir, donner plus d'une forme. Je pense que je vais utiliser juste un petit peu de bronze ici sur certains des plus gros chevauchements, juste ceux qui sont vraiment au fond des zones. Le jaune moutarde est plus foncé et il est plus frais et dans l'ensemble il fait le travail, mais il y a juste quelques endroits qui ont besoin de quelque chose qui ressemble plus à une ombre traditionnelle et le bronze nous aide à le faire. Vous devez vraiment faire attention quand vous travaillez avec jaune pour ne pas aller trop sombre avec les ombres, surtout le jaune très lumineux comme ceux-ci, il commence à avoir l'air vraiment boueux et surchargé si vous faites trop sombre d'une ombre. Maintenant, même si j'utilise le bismuth jaune qui est un peu plus chaud, j'ai toujours l'impression que ça a fini par me sentir trop cool, donc partout où je vois le jaune chaud, je suis en train de le glaçage. C' est une orange espagnole, qui est un peu plus sourde que le jaune sunburst, le jaune sunburst est juste très intense. J' évite cette zone ici parce que je veux que ça soit plus cool comme ce qu'on a ici. Ensuite, juste cette zone très centrale qui a la couleur chaude vraiment intense, juste dans ces taches entre les deux. Je mets plus de jaune soleil et c'est un peu un risque, je ne suis pas sûr si ça va marcher, mais je vais faire un petit peu de l'orange cadmium juste à quelques endroits. Je le traite comme une ombre, même si c'est dans l'image de référence, il semble en fait qu'il est allumé de l'intérieur de la lueur. Alors je suis en train de sortir les bords avec le jaune soleil et un peu de, où est passée cette couleur ? Verge d'or, qui est beaucoup moins saturée que l'une de ces couleurs. Puis de retour en haut, où est ce bismuth ? C'est là. Retour sur le haut de certains pétales pour redéfinir leur forme avec du jaune bismuth. Quelques zones où j'ai l'impression que les pétales sont trop uniformes, comme plusieurs dans une rangée qui ont l'air exactement le même, j'essaie d'ajouter un peu plus d'irrégularité là. D' accord. Je pense que ça va être bon pour cela pour l'instant nous allons, évidemment, ajouter le blanc comme nous avons parlé, nous allons l'ajouter à la fin, mais pour l'instant je vais développer un peu la tige. Maintenant, sur celui-ci, je vais devoir indiquer qu'il y a une sorte d'ombre là-bas. J' arrache le brun olive, j'espère que ça va m'aider à faire croire que la tige passe sous ces feuilles. brun olive n'est peut-être pas assez sombre, je pense que je pourrais avoir besoin d'un bronze, qui est légèrement plus sombre. vois, et puis on va devoir s'assurer que le pétale a l'air beau à la lumière pour qu'il apparaisse. Ensuite, je pense que sur celui-ci j'ai ajouté du vert printanier ou peut-être que c'était le jaune olive. Non, il a dû être vert printanier, l'a testé dans la zone minuscule et il a l'air trop chaud, oui, ça a l'air mieux. Ça m'a l'air gênant, je pense que je pourrais finir par mettre un autre pétale dedans. Je perds le bismuth, il est là. Juste avoir cette ligne de pétales directement avec la tige est juste gênant dans la composition, donc je vais ajouter un autre pétale qui vient dans un angle différent. Essaie de l'étendre sur le côté, on y va. Je pense que je vais aussi essayer de faire tomber cela un peu, puis prendre ce bord légèrement avec le crayon de couleur noire. Voyons voir ici, ouais , ça a l'air mieux. Je veux que cette zone intérieure ait l'air un peu plus sombre, est-ce que j'ai sorti brun foncé ? Essayons de tester ça et voyons comment ça marche. Ça se rapproche peut-être. 15. Pissenlit 11: Juste aller et venir entre plusieurs couleurs différentes comme vous pouvez le voir, jusqu'à ce qu'il commence à me regarder droit. Je pense pourquoi ne pas vouloir un Noël de ce côté aussi, là. Je pense que ça a l'air assez bon pour le point de connexion. Maintenant, je dois le fondre vers le bas sur la tige et développer une partie du rose. Nous utilisons cette rose de cendres par Holbein, mais la rose d'argile par Prismacolor fonctionnerait aussi très bien pour cela. Ensuite, je vais fondre ça en quelque chose qui est un rose plus saturé, puis le henné en bas parce que je suis sûr de ce qu'on a fait de l'autre côté aussi. Un tout petit peu de ça, je crois. Monter ici pour obtenir ce tranchant. Ensuite, voici la châtaigne et le henné peuvent être utilisés les deux. henné est beaucoup plus rose et saturé. A l'une de ces couleurs qui ne vient pas dans l'ensemble Prismacolor de base ou même l'ensemble 72 je pense. Mais c'est un ajout sur un que vous pouvez obtenir OpenStack et c'est une très bonne couleur polyvalente. Je l'utilise tout le temps pour tout ce qui est vivant, des plantes, des animaux, des gens. C' est vraiment génial pour tout ce qui est dans cette catégorie. Ne l'utilisez pas tellement pour les illustrations alimentaires, mais c'est un rose doux, neutre, polyvalent et peut être vraiment bon pour les ombres et la peau, ou bien évidemment nous l'utilisons ici dans une plante. Beaucoup d'applications. Si vous n'avez pas cette couleur, je vous recommande de la ramasser. Ensuite, on va faire de la châtaigne en bas. La châtaigne est comme une version plus foncée, moins saturée du henné. Maintenant, c'est plus blanc que ce que j'ai ici. J' essaie de me souvenir de ce que j'ai fait différemment. Je pense que je dois juste mettre un peu la saturation sur celui-ci pour avoir l'impression qu'il correspond. Maintenant cette petite erreur que je viens de faire, je pourrai peut-être tirer ça avec une gomme. On y va. Nous avançons tout droit. Prenons ce petit sommet du pissenlit qui a perdu toutes ses frondes. C' est assez blanc sur la photo de référence. Je pense que je vais commencer par quelque chose qui est plus dans cette gamme rose la plus claire, la rose frêne et ensuite peut-être que je vais passer au rose coquillage. Cela aura du blanc dedans, mais je ne veux pas qu'il soit juste blanc solide, c'est ennuyeux, je veux qu'il ait l'impression qu'il a une certaine dimension donc je vais commencer avec un peu de couleur et ensuite construire le blanc sur le dessus. Où il est coquillage rose aller ? On y va. Le rose coquillage est très similaire en termes de valeur, mais ce n'est pas aussi saturé, je veux dire que ce sont à la fois des couleurs très désaturées, mais des couleurs très sourdes. Mais le rose coquillage est assez neutre, puis la rose cendrée est juste un peu plus rose, il y a donc une différence, mais vous pouvez utiliser l'un pour la couleur supérieure. J' utilise le rose coquillage pour la couleur supérieure parce que je sais que je vais arriver au blanc finalement sur le dessus ici, mais vous pourriez l'utiliser. La plus neutre est l'ombre. Vraiment, tu pourrais faire ce que tu veux, tu dois juste être cohérent. Alors ces petites choses frondiales qui sortent du fond ne sont pas aussi intéressantes que celles d'ici. Je pense que je vais les rendre un peu plus intéressants que sur la photo de référence, mais je vais essayer de m'en tenir à ce que je vois dans la vraie vie. Je vais commencer par ce vert plus chaud ici. C' est comme un jaune vert, c'est pour ça que j'ai dit jaune. Cela va avoir besoin d'un peu de noir, je pense autour du bord pour le rendre agréable et pointu. Ajout d'une autre petite fronde parce qu'elle me semblait déséquilibrée. On y va. Enfilons un peu de Kelly green. Est-ce que ça vient de se casser ? non. Avant de partir, trop de couleurs blanches ici, laissez-moi utiliser olive pour décrire le bord de celui-ci un peu et créer un peu d'ombre. Lumière verte de sève. Venez ici pour sauver la journée pour les faits saillants. La chose délicate à propos de ceux-ci par rapport à ceux-ci est qu'ils ont une forme de tasse, donc je dois faire glisser l'ombre vers le bas à l'intérieur pour les faire croire qu'ils sont curling dedans et séchés. C' est pour ça qu'ils ont ce regard. C' est un peu plus difficile à faire que ce sur quoi on travaillait là-bas. Je tire juste un peu d'ombre à l'intérieur de la feuille, essayant de lui donner cet effet dimensionnel. Ensuite, je vais tirer quelques points saillants sur les bords de la feuille et ensuite je vais aiguiser les petits points. Je pense que c'est peut-être la plus simple des trois fleurs. Je dois réparer ça avec ce crayon de couleur noire. Voyons voir à quel point cela aide. Je vais l'obtenir bien et pointu ici. C' est le vert foncé, je ne veux pas ça. Le noir et le vert foncé semblent tellement similaires juste de l'extérieur. Une fois posé sur le papier, le vert foncé est beaucoup plus léger et évidemment beaucoup plus saturé. Mais quand vous regardez simplement le boîtier de crayon, ce vert foncé peut facilement sembler noir. Juste affûter ces points. Ajout d'une image. 16. Pissenlit 12: Maintenant, même si je ne vois pas vraiment la référence, j'aime la teinte rose des points sur celui-ci. Je pense que je vais en ajouter un petit peu ici. Peut-être même pas à tous, juste à quelques-uns d'entre eux. J' essaie de recréer très similaire à ce que j'ai ici. Peut-être un peu moins saturé, je me sens comme si je voudrais que ce n'était pas tout à fait si saturé, ils pourraient abattre ça plus tard. Faire l'écran en treillis maintenant, et puis je vais passer à l'argile, cendres rose, je pourrais probablement appliquer la rose de cendres. Je suis vraiment excité de travailler sur le pissenlit blanc gonflé. Ash rose, se mélangeant un peu dans le vert. Je pense que je veux réduire ce côté de ça. C' est ce que je cherche, aiguiser ce coin là-bas. Maintenant, faisons un peu de la montagne verte plus saturée, juste un peu de glaçage pour égayer ça et un peu de rose comme nous fondions vers le bas en Hannah. Je vais devoir décider. Je n'ai pas vraiment réfléchi. Quand je faisais le croquis et l'idée, je n'ai pas vraiment réfléchi à la façon dont ces points se rencontraient tous. Comme vous pouvez le voir, c'est un peu gênant comment tout cela se passe ici et tout ça est par ici. Je pourrais essayer de soulever une partie de cela et de rapprocher ça juste ici pour qu'ils se croisent tous à ce moment. ce moment, ça a l'air un peu trop pesé de ce côté. Bien sûr, si vous faisiez un tas de croquis très prudents et que vous preniez plus de temps dans votre phase de conception, vous n'auriez probablement pas ce problème. C' est certainement quelque chose qui aurait pu être remarqué dans le croquis, mais j'allais juste un peu plus lâche à ce sujet, voulant être plus lâche que je ne le suis habituellement. Mon processus typique était d'embrasser une partie de ce relâchement, donc j'ai fini par mettre les choses là où elles ne devraient pas être. cette raison, je vais éviter de développer trop de choses là-bas parce que je ne sais pas comment je vais résoudre ce problème. Laisse-moi voir à quel point ça arrivera si je tire ça. Si vous décidez de le faire, faites certainement la presse et tirez plutôt que de le frotter partout. Surtout avec le papier noir, vous aurez beaucoup de brouillards, que nous allons avoir un peu de bruyant de toute façon, il n'y a pas de contourner ça. Mais si vous frottez autour du papier de transfert, vous aurez beaucoup plus de flou à traiter. On dirait que je peux en tirer la plus grande partie. Laisse-moi utiliser ce Kelly Green très vite. Que se passe-t-il si je ramène ça ici ? Il suffit de remonter le bord de la feuille. Puisque ceux-ci sont stylisés, je dois juste m'assurer que cela a du sens. Ça n'a pas besoin d'être parfait. Il faut juste avoir un sens dans ce monde que nous avons créé ici. Je veux qu'ils aient le même avantage. Ça va de cette façon et ça va s'élargir un peu ici. Je pense que ça marchera bien. La partie qui reste gênante est d'avoir ces deux tiges juste l'une à côté de l'autre. Essayer de penser s'il y a un moyen de réparer ça. En fait, je sais ce que je peux faire. Je vais ramener le bord de celui-ci pour qu'il rencontre cette tige ici, et ensuite je vais attendre une minute pour le faire parce que je ne pourrai pas y retourner. Mais je vais me tailler ici pour l'éclaircir de ce côté. Ça fera que toutes les tiges se rencontrent d'une manière un peu plus uniforme. Ici, tu y vas. En utilisant la châtaigne en ce moment, en revenant de ce que j'ai fait sur les autres tiges. Chestnut à Hannah et ensuite on fera la rose des cendres. Espérons que le fait de voir ce petit processus décisionnel vous donne une idée de la façon dont vous serez capable de continuer à prendre des décisions et de continuer à penser à des choses comme la composition même après avoir terminé votre croquis. Je trouve que nous avons tendance à vouloir les séparer complètement et il est vraiment bon de faire la plupart de votre pensée de composition lorsque vous êtes à la phase de croquis et cela vous rend la vie beaucoup plus facile. Si vous n'avez pas de choses à changer et que vous n' avez aucun problème plus tard. Mais ce n'est pas toujours la réalité. Il y a beaucoup de temps pour moi, à la fois dans les dessins personnels et dans le travail avec des clients où quelque chose est allé au-delà de la phase de croquis et je finis par devoir changer la composition même légèrement. Je sens pour moi que la partie compositionnelle de mon cerveau ne s'éteint jamais complètement. Je suis toujours à la recherche de petites zones gênantes comme des lignes qui ne devraient pas se croiser et je cherche à les réparer quand je peux. Parce que la composition, surtout dans un stylisé, vraiment dans n'importe quelle pièce, mais surtout dans une pièce stylisée, ayant une bonne pensée, sentiment équilibrée ou une composition sentiment intéressant qui a un sens du mouvement, qui va vraiment aider et ajouter un autre niveau d'intérêts au-delà de l'image elle-même. Avoir une composition solide lorsque vous travaillez sur une image stylisée peut vraiment aider. Je pense que je vais probablement affûter ces bords un peu plus tard. Lisser ça un peu chaque fois que je fais ça, mais maintenant, j'ai hâte de commencer sur le pissenlit. Je zoome un peu plus près sur mon image de référence. Permettez-moi de réfléchir à la façon dont je veux aborder cette question. Ici, ce n'est pas juste comme une boule bouffante blanche solide, il y a un centre plus sombre visible là-bas. On peut même voir des petits morceaux de la tige derrière ça. Je tiens à prendre note de cela. Je veux qu'il ait cette structure qui se sent douce et moelleuse à l'extérieur et ensuite nous verrons l'intérieur ainsi que ces petites taches lumineuses ou blanches qui sont les petites gousses de graines réduites que nous voyons. C' est le plan général ici. Semblable à certaines de ces autres zones où j'ai utilisé une couleur autre que le blanc d'abord et ensuite j'ai sauve le blanc pour la dernière fois. Je pense que je vais y aller d'abord avec ça. C' est 10 pour cent gris chaud. Je pourrais même utiliser une couleur plus foncée, comme si j'utilisais du mastic beige. En fait, c'est ce que je vais faire. Je crois que j'irai avec du mastic beige. Ce petit gars est vraiment prêt à aller dans une extension de crayon, mais je n'ai pas envie de m'arrêter maintenant. Je pense que ce que je veux faire est de noter quelques-unes de ces petites zones plus lumineuses dans le centre. 17. Pissenlit 13: Je regarde certainement et je tire de l'image de référence en ce moment pour cela, parce que c'est la chose qui est juste trop facile pour finir par le rendre trop symétrique. Je regarde le placement réel de ceux-ci dans l'image de référence afin qu'il ait cette belle irrégularité qui m'intéresse. Ceux-là, je mets doucement ici. Je n'insiste pas très fort, je n'essaie pas de les obtenir vraiment brillants. Je les aurai vraiment brillants plus tard avec le crayon de couleur blanche, mais pour l'instant, il devient doux. Alors je pense que je vais faire quelques lignes ici, en entrant de l'extérieur. Il est important lorsque vous faites cette chose de changer un peu votre angle pour que vous ne finissiez pas avec une ligne vraiment même trop régulière tout le long du bord. Je veux juste avoir un sens de l'endroit où se trouve le bord de l'objet. Ça va m'aider en termes de planification. Il passe par quelques notes de vert là-bas. Peut-être qu'on devrait avoir un vert plus clair en fait. Je pense que c'est Prismacolor vert printemps. Je ne remplis pas cette zone, je fais juste un peu comme des pointillés pour juste obtenir un peu de vert. Celui-ci va être intéressant parce que sur les deux, nous les remplissions plus ou moins en solide. Alors que celui-là, on va encore voir un peu de noir passer. Pour être honnête avec vous, ce pissenlit exact, c'est la chose qui a inspiré toute la classe. Je voulais peindre un pissenlit. Même si elles sont considérées comme une mauvaise herbe, je les trouve vraiment intéressantes et belles. Je voulais en peindre un et ils sont pour la plupart blancs, donc un pissenlit blanc sur un morceau de papier blanc. Non pas que cela puisse être fait, mais il y aurait des défis inhérents à cela et peut-être des choses qui ne seraient tout simplement pas aussi agréables que de l'avoir sur un fond noir. C' est ce qui a inspiré toute cette classe, mon désir de peindre le pissenlit. Je veux vraiment prendre mon temps avec ce type et le faire correctement. Encore une fois, je suis vraiment doux avec cela comme je étais au début avec toutes les autres sections. Je fais juste des petits coups circulaires pour essayer de noter le fait qu'il y a le centre du pissenlit visible ici. Maintenant, laissez-moi réfléchir à la couleur que je veux pour ça. J' ai besoin d'un brun plus foncé là-dedans et je n'ai pas le brun foncé tiré en ce moment. Laisse-moi juste saisir, c'est Prismacolor brun foncé. Je vais faire un peu d'embout là-dedans, mais en fait, je ne veux pas trop faire. Je pense que peut-être je vais ajouter cela après avoir fait les couleurs plus claires. Ce mastic beige fonctionne assez bien je pense. Mais je vais essayer d'attraper un autre Caran d'Ache parce qu'ils tiennent mieux leur avantage. Je n'en ai pas ici, mais je vais m'en occuper très vite. Je viens de tirer trois couleurs de Caran d'Ache. Nous avons l'ombre brute 10 pour cent, le gris français 10 pour cent, et le gris argent. Où est passé notre papier de test ? On y va. Voyons voir. Voici le bois brut. C'est sympa. C' est très similaire à ce que nous avons utilisé. Voici le gris français, un peu plus frais. Alors voici le gris argenté, le plus cool d'entre eux. Je pense que je vais utiliser le bois brut. Je vais obtenir un bon point pointu et ensuite travailler sur d'autres fronts. Maintenant, avec les fronts, on peut voir dans la référence, ce n'est pas juste une ligne droite. En fait ici, vous pouvez voir l'un d'eux venir ici. Ils s'évanouissent un peu. Nous voulons avoir la ligne droite et ensuite indiquer l'évanouissement de l'avant. C' est ce qui lui donne cet avantage, ce look vraiment moelleux et irrégulier. C' est aussi pour ça que je voulais le point très pointu sur mon crayon ici. Je pense que pour obtenir ce look moelleux, le bord va devoir être une combinaison d' applications opaques plus lourdes et ensuite des applications vraiment douces, légères et plus translucides. Je fais un peu de l'application plus lourde initialement. Puisque nous avons une application douce en dessous, juste en essayant de construire le bord ici, et ensuite je vais travailler mon chemin dans. C' est l'une de mes choses préférées sur le dessin, juste généralement du tout. Le dessin et la peinture de l'art en général est qu'il est tellement de résolution de problèmes. Le plus tôt vous réalisez que chaque peintre, peu importe son expérience ou son plan détaillé, une fois que vous y arrivez, c'est une fois que vous y arrivez, c' comme un voyage et vous ne pouvez faire qu'une étape à la fois. Même si vous êtes l'un de ces artistes qui a une feuille de route super détaillée et que vous avez une idée générale de l'endroit où vous allez, le processus réel lui-même est toujours une aventure et vous finissez par rencontrer problèmes auxquels vous ne vous attendiez pas ou avoir à comprendre votre approche d'une manière différente. Parfois, au moins pour moi, j'aurai une approche planifiée au début. Puis une fois que je suis dedans et que j'essaie de l'exécuter, je finis par devoir changer de plan et adopter une approche différente. On y va. Maintenant, je vais faire certaines de ces premières lignes jusqu'au centre. J' essaie de garder cette jolie lumière jusqu'à ce que je sache avec certitude que j'aime à quoi ça ressemble, juste une partie de la résolution de problèmes dont je parlais juste. Si vous avez une main naturellement lourde, ce que je fais certainement, un bon moyen que vous pouvez vous forcer à éclaircir est de tenir le crayon plus loin en arrière et presque simplement le glisser sur le papier plutôt que de le pousser ou vraiment le creuser dedans. Maintenant, je fais beaucoup plus de ces petits coups. Vous pouvez, par tous les moyens, faire avec le crayon Prismacolor, mais vous devrez juste arrêter et aiguiser plus souvent. Vous pensez peut-être que je devrais utiliser un polychromos ou une artérine, mais malheureusement, c'est juste un peu trop dur. Vous pourriez être en mesure d'obtenir de belles lignes de lumière avec celles sur ce, mais vous ne serez pas en mesure d'obtenir l'opacité et le pigment que vous pouvez avec un crayon doux, soit un luminace ou un crayon, ou un Prismacolor ou un Holbein. Ce sont tous des crayons de couleur à noyau doux. J' aime comment ça a l'air jusqu'à présent, mais maintenant j'ai peur de tout gâcher. Je pense que je vais, voyons, qu'est-ce que je veux faire ici ? Je pense que je veux essayer de m'épaissir et de s'estomper dans cette frontière. Je vais toujours continuer à utiliser le même crayon de couleur. Cela va probablement être le crayon de couleur principal pour la plupart de cette pièce, je pense. Je fais des petites lignes, mais je les mets en forme de fan pour indiquer le fait qu' ils sortent de ces petites gousses de graines ou de noix de pépins petits fronts. 18. Pissenlit 14: Maintenant, à cause de la réduction, la façon dont cela fonctionne est que, imaginez que ce crayon est comme la petite graine avec la fronde à la fin s'épanouissant. Donc, sur les côtés, nous voyons le côté du ventilateur, c'est pourquoi cela semble tellement plus épais et puis comme il se dirige vers le centre du pissenlit, nous regardons plus haut en bas à travers le ventilateur, sorte que nous pouvons voir le haut de la graine et nous avons une vue plus translucide du centre du pissenlit. Je fais presque comme des petits X, allant d' avant en arrière à partir de la connexion des deux bords du X pour former la forme en V pour la fronde. Comme je travaille vers l'intérieur, je ne fais pas autant de superposition parce que, comme nous l'avons dit, regardaient vers le bas au-dessus des frondes, donc il va y avoir beaucoup moins d'opacité. Puis sur les bords. Certains d'entre eux, j'essaie même d'indiquer comme un peu d'une forme d'étoile. Ceux-ci dans le centre que vous voyez vraiment directement vers le bas sur le ventilateur. Donc je fais les petits points de l'éventail étalés autour d'elle comme une fleur et puis quand j'arrive sur le côté au lieu de regarder directement dessus, nous regardons vers le côté. Donc, il devrait avoir un peu d'une vue inclinée, ceux sur le dessus devraient être raccourcis et ceux de ce côté devraient être plus longs. Je veux aller un peu plus sombre à quelques endroits et par plus sombre, je veux dire, plus lourd. J' appuie un peu plus, ce qui est évidemment encore une couleur très claire et je pense autour du bord ici, je vais même juste faire un peu de, c'est ce dont il a besoin. Un peu de vitrage léger, une sorte de trait circulaire, essayant d'augmenter cette opacité. Je veux toujours leur look très doux et moelleux. Je vais venir ici avec quelques petites taches de brun foncé. J' essaie juste de définir les choses et un peu de vert ici, ce brun olive. Excusez-moi. Toute la liaison. Je pense que je vais attendre tout développement sur le pissenlit jusqu'à ce que je fasse quelques feuilles ici. Cela va être plus simple. Je vais traiter ce bord qui est comme, cette feuille a plus d'une forme ouverte ou plus d'un canal. Je ne peux pas penser au mot pour ça, mais il a plus d'une forme de V qui passe par. Donc, ce sera le côté de l'ombre et alors ce sera le côté plus léger. Je pense que sur celui-ci je vais juste aller droit dans le vert Kelly parce que je sais que ce sera principalement ce que je cherche et je fais même pression un peu plus lourde que je l'ai fait sur cette feuille pour mon première couche parce que je sais que c'est le plan. Pour celui-ci, j'essayais toujours de comprendre ce que la formule de couleur allait être, donc j'étais un peu plus provisoire avec certains de mes choix mais, maintenant que je sais que le vert Kelly va être la couleur principale de l'ombre et je Je vais avoir vert olive là-dedans et peut-être quelques petits faits saillants, je suis juste plus audacieux avec elle. Je trouve cela assez régulièrement en fait qu'avec n'importe quel tableau, la première partie que je fais est toujours la partie qui me prend le plus longtemps parce que comme vous avez parlé, c'est toujours comme cette nouvelle aventure. Il faut toujours le comprendre. La prochaine étape doit toujours être comprise et discernée. Quand je commence, c'est toujours là que je prends le plus de temps. C' est toujours la partie qui demande le plus de temps, puis une fois que j'ai compris le modèle et l'approche globale, j'ai tendance à être capable de simplement exécuter beaucoup plus rapidement. Je devine. C'est moi qui parle juste dans l'existence que ces feuilles vont prendre un peu moins de temps que la première. Où est le vert olive ? On y va. Laisse-moi prendre un peu de ce blanc parce que sinon je vais juste me battre car tout va être plus sombre ici. Un peu mieux. J' ai en fait ramassé une partie du vert aussi. Je ne veux donner de vertige à personne, mais je vais retourner ça. Je ne peux pas résister à celui-là. Je sais que je vais juste obtenir une meilleure ligne si je travaille dessus sous cet angle et ensuite je vais la retourner. Je vais à peu près en pleine force ou peut-être comme 85 pour cent de force en termes de combien je pose cela parce que je suis très confiant sur la couleur et la valeur ici. Maintenant peut-être juste un petit peu de vert foncé en bas ici. J' aimerais qu'il y ait un vert foncé. C' était aussi sombre que le vert foncé, c'est le nom de cette couleur, mais c'est aussi moins saturé. C' est la seule chose qui me rend fou à propos de cette couleur, c'est que c'est sombre. C' est encore très saturé et pour moi ça se distingue toujours un peu plus et si je fais une vraie ombre [inaudible], je veux quelque chose qui est moins saturé. Maintenant, je vais remplir l'intérieur. Qu' est-ce que j'ai fini par faire sur celui-là ? Tu te souviens ? Je pense que j'ai fait un peu de la sève vert, je suis à peu près sûr que j'ai fait le jaune d'olive comme première couche, j'ai fait ces trois. Essayons de répliquer ça. Sur celui-ci, je vais aller très doux. Ce sera plus un glaçage parce que je construis quelques couleurs différentes pour obtenir le look que nous avons là-bas de l'autre côté. Doux petits traits circulaires et puis voici où j'ai fait le changement de l'esquisse originale. J' ai fait élargir la feuille un peu pour remplir une partie de cet espace négatif ici. Cela a fini par être tout simplement pas ce que nous recherchions et je vais laisser cela parce que je pense que je vais probablement faire plus d'un ton moyen parce que encore une fois, tout comme sur cette première feuille, je veux que la couleur devienne plus foncée vers la base, ce qui donne l'impression qu'il tire en dessous. Vraiment léger glaçage avec la laitue verte ici et si vous n'avez pas cela, si vous avez juste prismacolor, vous pourriez faire la lumière verte sauge, désolé, je pense que ça s'appelle la sauge légère en fait. 19. Pissenlit 15: Nous devons faire un très faible passage avec eux, vert printanier. C' est un Prismacolor assez commun. Je pense qu'il est dans le jeu de base. Encore une fois, en allant probablement à la moitié de la force ici, j'essaie de le garder gentil et doux. Maintenant, je pense que je vais retourner le dos, puis venir dans certains avec le vert sève et essayer de créer plus de dimension, ce moment c'est juste plat. En fait, avant de faire ça, je pense que je vais aller jusqu'au bord avec celui-ci et couvrir ce blanc. Appuyer pas aussi dur que je peux appuyer, mais certainement beaucoup plus dur à ce stade juste pour obtenir ce blanc couvert. Puis ici, je pense que je vais utiliser Kelly Green puisque c'est plus une ombre, la fondre en vert sève, où est allé mon rose foncé ? Je vais rendre ce bord un peu plus défini. Maintenant, je vais avoir le vert de sève soit dans la partie intérieure ici fanant jusqu'au sommet, et puis je vais probablement aussi mettre un peu de vert Kelly là-bas, et puis cela peut me conduire dans une position où j'ai besoin de réaffirmer le bord là pour le rendre agréable et croustillant. Celui-ci ne va pas être aussi détaillé que l'autre, ce qui est très bien. Il y en a deux de ce côté, donc c'est intrinsèquement plus intéressant. C' est là que vient la complexité d'ici. Je vais devoir encore assombrir le côté obscur parce que le temps que je mets un peu d'ombre pour indiquer une courbe ici, c'est juste perdre le bord. Difficile de voir où se trouve le côté sombre, le dessous. C'est vert olive. Ce que je vais faire, c'est avoir une application plus foncée et plus lourde du vert olive vers le bord supérieur et ensuite il va s'estomper pour donner l'impression qu'il y a une courbe parce qu'alors, il descend jusqu'aux verts les plus sombres sur le côté inférieur, mais j'ai encore besoin d'avoir un bord vraiment, vraiment fort ici, sinon l'intérieur ne ressemble pas à un autre plan. On se rapproche. Aiguisez le vert olive ici. Rendre ces bords agréables et serrés. Je pense que je vais ajouter un petit peu de vert Kelly sur les bords de la partie plus légère. Ce serait le plus brillant ici parce que c'est le haut de la feuille et le plus dans la lumière. Maintenant, je veux nettoyer quelques petits bords ici, et on finira la dernière feuille. Sur celui-ci, je pense que je veux retourner le motif et que le côté lumineux soit ici et que le côté plus sombre soit ici. Cela ne va probablement pas devenir aussi sombre, ça va être plus sombre, en commençant par le vert kelly. Maintenant, si vous êtes quelque chose comme moi, ça peut commencer à devenir tentant de précipiter les choses parce que vous êtes à la fin. Vous êtes si près, la fin est en vue et il est vraiment difficile de ne pas simplement pousser vapeur en avant et essayer de finir les choses, mais vous voulez garder le même soin et l'attention que vous avez donné le reste de la pièce. Vous voulez continuer tout au long, jusqu'à la fin, sinon vous risquez de vous retrouver avec des incohérences. Sur celui-ci, j'ai oublié, je veux ajouter la veine comme on l'a fait là-bas. Entrer dans le coin avec le vert olive jusqu'au bord de la veine. Peut-être que je mettrai un peu de sève en haut. Oui, surtout du vert Kelly et du vert olive ici. Un peu vert foncé à la base parce qu'il passe sous la feuille supérieure. Ensuite, nous ferons la même chose que nous avons fait jaune d'olive, puis vert laitue avec du vert Kelly pour les ombres. Maintenant, je ne vais pas prendre la laitue verte tout le chemin là-bas, parce que je ne veux pas que les couleurs plus foncées deviennent calcaires. Avec les couleurs claires, vous essayez toujours d'éviter la boue ou les tons clairs et les tons moyens que vous essayez d'éviter la boue. Avec les couleurs plus sombres, si elles sont juste à côté d'une zone blanche ou si vous passez sur une couleur vraiment sombre avec un crayon de couleur blanche, alors vous pouvez parfois vous retrouver avec la craie. Kelly vert et un peu de vert olive. Voyons voir ici. Juste à peu près terminé avec cette petite feuille ici et maintenant je vais devoir décider si je veux faire les zones de lumière finales d'abord ou les zones sombres finales d'abord. Ça pourrait être l'un ou l'autre. Nous allons enfin utiliser le crayon de couleur blanche et le crayon de couleur noire, et peut-être que je vais faire les zones sombres d'abord parce que c'est ce que je redoute. C' est de trouver ce qui se passe ici. J' ai besoin de donner l'impression que tout est en train de tirer et d'entrer et d'avoir plus de sens structurellement, et ensuite je vais enregistrer les faits saillants vraiment amusants jusqu'à la fin. 20. Pissenlit 16: Les faits saillants se sentent moins intimidants parce que j'ai l'impression que je sais surtout ce que je vais faire avec ça. Les ombres, je ne suis pas tout à fait sûr comment je vais résoudre ce problème encore. Je vais en parler dans une minute. Je vais faire cette courbe de bord un peu vers le bas, puis les points forts seront en haut. Si je commence à faire des trucs sur du papier noir régulièrement, je vais devoir changer mes habitudes d'achat avec couleurs prisma parce que pour le moment je n'utilise presque jamais des crayons de couleur noire. J' utilise toujours du rouge toscan ou du vert foncé, ou même du violet pour créer une ombre. Voyons voir ici. Faisons le crayon de couleur noire. Je pense que ce que je vais faire , c'est essayer de séparer certaines de ces tiges comme on l'a dit tout à l'heure. Je pense que je vais essayer de faire croire que cette tige va en fait en avant ici, donc je dois penser un peu à la structure et puis je pense que je vais fondre le fond et le bord inférieur de ces feuilles je pense que je suis va le fondre avec un peu de noir. Laisse-moi d'abord travailler sur la structure et ensuite celle-ci, pour donner l'impression qu'elle arrive, laisse-moi utiliser un peu de brun foncé. Je trouve le bord là-bas et je suis juste en train de suivre la courbe vers le bas et encore. sera une tige, Cesera une tige, et je pense que je veux que celle-là du grand pissenlit central, aussi que ça va dans la même direction parce que maintenant ces trois, boum, boum, boum, boum, tout ça, c'est vraiment un peu trop intense de composition, c'est un peu trop puissant, donc je veux que ça me donne l'impression que ça va sous un angle différent. Réfléchissons à ça ici. Ça va s'estomper, dans le noir. Celui-ci, puisqu'il est sur le dessus, ne va pas s'estomper dans le noir de la même manière. Je vais ajouter un peu de châtaignier et je sors du rouge toscan, mais c'est ici. Je vais utiliser du rouge toscan, un peu de rouge toscan. Tu sais quoi, c'est trop saturé. Retour sur le dessus avec un peu de châtaigne. Je pense que je vais mettre un peu de noir ici dans le coin et juste le glaçage doucement. Ajouter un peu de cendres s'est levé ici comme un point culminant vraiment délicat. Je ne veux pas compléter le surlignement, mais je veux que cette section se sente un peu comme si elle apparaissait, par rapport aux autres choses autour d'elle. Un peu de henné là-bas, un petit peu de noir dans le coin, et ce que vous voulez faire si vous faites ça, c'est éviter d'avoir des lignes fortes. Vous ne voulez pas juste tracer tout ça et laisser ces lignes là. Il sera trop puissant visuellement donc vous voulez vous assurer que le noir est utilisé a un fondu à elle, qu'il est un peu adouci et pas seulement mis là pleine force. Brun foncé, c'est une bonne ombre moins intense. J' ajoute un peu de ça là et là pour qu'ils aient l'impression d'être derrière. Un peu de noir s'évanouit ici, chacune de ces tiges. Maintenant, j'ai besoin de relier certaines de ces feuilles ici. À ce stade, vous pouvez voir pourquoi il est si important de prendre une minute pour réfléchir à ce qui est fini, ce qui est sous et nous n'aurions pas été en mesure de créer cette structure ici, même si c'est une structure imaginée, pour réfléchir à ce qui est fini,à ce qui est sous et nous n'aurions pas été en mesure de créer cette structure ici, même si c'est une structure imaginée, est toujours une structure. Nous n'aurions pas pu créer ça si nous n'avions pas réfléchi à laquelle des tiges allait où. Je dois faire la même chose ici. Je pense que ce qui se passe, c'est que cette feuille, celle-ci est un peu en dessous, et celle-ci est un peu à l'intérieur, donc je vais ajouter un peu de noir à la base et ensuite fondre ça dans la feuille ici. Si doux au moment où j'arrive vers les couleurs plus claires, je suis juste vraiment le garder très doux. Il suffit de le fondre dans la partie inférieure de la structure de la feuille pour qu'il semble crédible comme si tout est en train de descendre à un point central. Je pense que je veux avoir un petit peu d'ombre portée juste là. Joli. Il suffit de nettoyer quelques bords ici avec le noir. Je pense que je suis prêt à aller sur les faits saillants, mais avant de le faire, je veux ajouter quelques petits morceaux de couleur à cela. Quand je le regarde, je vois que toutes les tiges ne sont pas blanches. Il y en a qui ont l'air d'avoir un peu de couleur pour eux, une couleur subtile. Donc j'ajoute juste quelques petits morceaux de ça et puis je pense que je vais le faire, ça me semble un peu fou, mais je pense que je vais faire quelques petits points de noir là-dedans pour faire sentir que c'est vraiment couler et où est le crayon que j'utilisais ? J' utilisais la cendre ambre à 10 pour cent, [inaudible]. Juste un peu plus de vitrage ici et ensuite nous y arriverons avec le crayon de couleur blanche, qui est, je sais ce que tout le monde attend. Cette partie est toujours si satisfaisante. Puisque c'est de la stylisation et pas super réaliste, tout comme nous avons parlé tout le temps, tout ce que j'ai à faire est de m'assurer que cela a du sens dans le contexte de la pièce. Il ne doit pas être exactement ce que dit la photo de référence, donc je choisis certains des endroits que je veux avoir ces reflets blancs et si je faisais un type différent de feuille, ces feuilles sont ordinairement un endroit où je vais faire faits saillants blancs assez intenses parce qu'il lui donne une belletexture cireuse brillante, texture cireuse brillante, mais les feuilles de pissenlit, comme nous l'avons déjà parlé, sont beaucoup plus comme floue, donc je ne veux pas exagérer les reflets blancs. 21. Pissenlit 17: Coller avec le crayon de couleur Prismacolor parce qu'il est à mon avis le plus opaque pour les reflets blancs, beaucoup plus opaque que Caran d'Ache. Il va être un peu plus sombre aussi dans certains de ces domaines. Vous pouvez voir que ce crayon est si doux, il s'effrite déjà. garder beau et pointu ici. Maintenant, ceux-là sur les fleurs que nous allons essayer qui concentrent les points forts de ce côté, puisque c'est d'où vient notre source de lumière imaginée. Alors si jamais je deviens trop intense, je vais juste revenir sur le dessus avec un peu de jaune. d'entre eux sont devenus trop blancs parce que même en regardant ma photo de référence, il n'y a vraiment pas de blanc ici, c'est juste du jaune vif. Je ne veux pas aller par-dessus bord avec le crayon de couleur blanche. Je veux que ça aide à le soulever et à le rendre plus intense, mais je ne veux pas qu'il se sente délavé. Deux d'entre eux sont sur le bord, je vais frapper avec le blanc car ils ont potentiellement un peu de rétroéclairage. Alors peut-être les pointes de certains de ces pétales aussi mais je ne monterai pas toute la longueur du pétale sur ceux-ci comme je l'ai fait de l'autre côté. Encore une fois, rebondissant chaque fois que j'en ai besoin avec le crayon de couleur jaune. C' est du bismuth une fois de plus. Jaune bismuth. Parfois, l'ajout de surlignements vous permet de voir certains endroits où vous avez besoin d' ombres supplémentaires ou où vous avez besoin de la structure pour être plus claire. C' est toujours bien de revenir en arrière et de changer ça, de modifier ça comme bon vous semble. Maintenant, j'aime sur ma photo de référence comment la tige a de petits poils qui en sortent. Si je faisais cela à une plus grande échelle, je serais tout à fait dans ce sens, mais je pense qu'à cause de l'ampleur de cette mesure, nous devons éviter d'être trop détaillés à ce sujet. Je ne vais pas représenter ces petits poils, même si je le veux vraiment. Je vais juste ajouter quelques petits points saillants sur la tige. S' éloigner à travers. Maintenant, vous pouvez voir la différence entre celui-ci et celui-ci, combien d'une différence les faits saillants font. Je vais ajouter quelques faits saillants à celui-ci maintenant. Je vais faire la même chose qu' on faisait sur ce premier gars ici. Concentrez-les sur ce côté gauche, puis ajoutez quelques petits morceaux sur le côté droit pour indiquer le rétroéclairage ou la lumière rebondie. Je fais attention à l'endroit où j'ai indiqué qu'il y a une structure aux pétales. Je ne suis pas juste comme aller partout avec ça. J' essaie de suivre les lignes des pétales que j'ai déjà établis plutôt que de parcourir certaines zones où il pourrait y avoir des ombres ou des taches sombres. Alors que je croise cette ligne de la tige, je vais passer à avoir le point culminant être vraiment seulement au bout des pétales et puis comme je l'ai fait avec le premier, je vais adoucir certains de ceux en particulier, si elle devenait trop blanche. Maintenant, un peu de la pointe de la tige. Maintenant, ce petit gars ne va pas voir. C'est vraiment intéressant. Il a un motif fractal et je m'attendais à ce que les petits points soient la partie la plus légère, mais une fois que je zoom dans la référence, oh garçon j'ai renversé mon stand, espère que vous pouvez voir cela, partie la plus légère est en fait la base de la fleur , puis ces petits points où les frondes se sont détachés, ce sont les parties les plus sombres. Laisse-moi comprendre comment je vais faire ça. Je pense que nous allons probablement essayer de tracer quelques lignes, qu'est-ce que c'est, pour essayer de créer ce petit modèle fractal. Je veux d'abord noter où se trouve le centre, donc je ne me perds pas trop. Juste à cause de l'ampleur de ceci, il n'y a aucun moyen que je puisse être aussi détaillé que ça obtiendra autant de ces petites bosses. Maintenant, il me semble que c'est un motif de tourbillon. Je sors comme un fan, presque comme une coquille de nautilus dans une direction et puis je vais retourner comme une coquille de nautilus dans l'autre direction. Il y en a plusieurs qui se produisent, plusieurs de ces lignes qui créent cette texture cahoteuse. Je ne vais pas être en mesure d'atteindre tout ça. Maintenant, je change d'avis, je fais comme un peu de glaçage sur tout le truc et puis je pense que parce que je n'ai pas été capable de l'obtenir assez sombre ou assez lumineux plutôt avec ces lignes. Oui, on y va. C'est plus proche. Quelle couleur voulons-nous utiliser ? Peut-être la même chose, peut-être l'umber. C' est gris français en fait, ce ne sera pas assez sombre. 22. Pissenlit 18: Essayons le mastic beige très rapidement et voyons si c'est assez sombre. Pas assez sombre. C' est 20 pour cent gris chaud. Essayer d'ajouter quelques petits points, toujours pas assez sombres. Je pense que c'est 70 pour cent gris français, donc ça devrait certainement être assez sombre, et en fait, je vais devoir faire attention à ne pas aller par-dessus bord. Je pense que je vais profiter de cette occasion pour m'aider avec l'ombrage. Je vais le rendre plus sombre sur les bords pour indiquer qu'il passe sous, et ensuite je vais essayer de mettre quelques petits points ici. Je ne vais pas pouvoir obtenir ce beau motif en spirale, encore une fois à cause de l'échelle. Si nous travaillons à plus grande échelle, nous aurions tout pour obtenir ce motif en spirale cool. Mais pour la plus petite échelle, il suffit de se contenter de l'aspect basique. Je veux qu'il ait l'air texturé. Je pense que ça va être plutôt bon. Peut-être un peu plus ici de ce côté-ci. Ensuite, je pense que je vais prendre très soigneusement un peu de noir sous la jante juste pour le faire sentir connecté à l'arrière-plan. Trop, le ramollir avec ce gris français. Heureusement, j'ai été assez léger avec le noir, je n'ai pas trop appuyé. Je pense que c'est bon. Je n'aime pas ce bord blanc brillant ici, me débarrasser de ça, petit point culminant sur ce type sur la tige. Oh mon Dieu, ça arrive, ça va être le pissenlit. Voyez ce qu'il faut faire ici. Je relocalise d'abord certains de ces petits points que j'ai faits tout à l'heure. J' appuie vraiment fort, juste mettre le point de mon crayon vers le bas et appuyer très fort pour essayer de les décrire à nouveau. Nous ne allons pas simplement passer sur toute la surface de tout ça parce que je veux garder cette variation de couleur. C' est une de ces choses où ça va paraître beaucoup plus intéressant si nous essayons d'avoir une certaine complexité de couleur de la même façon que nous le faisons dans la vraie vie, même si nous stylisons ceci. Maintenant, je l'ai aussi pointu que je peux. On devra peut-être passer au Caran d'Ache pour ça. Je l'ai aussi aiguisé que possible et on va faire quelques petites frondes blanches, des lignes blanches. Encore une fois, ne voulez pas aller par-dessus bord ici, mais il suffit d'ajouter quelques-uns des petits Vs blancs. Déjà à arrêter et aiguiser à nouveau, c'est à quel point ce crayon est doux. Alors je pense que nous avons besoin de plus concentrés de ce côté-ci, puisque c'est de là que nous avons la lumière qui vient. Quelque peu de plus en bas, des frondes plus blanches là-bas. Je pense que je veux faire quelques points plus grands et plus proéminents. Ensuite, je veux avoir quelques petites choses floues visibles qui sortent d'eux. Un petit point culminant pour cette tige ici. Puis quelques faits saillants sur les feuilles. Voyons voir, non, je ne pense pas aimer ça, me débarrasser de ça, le vert olive. Maintenant, je vais juste utiliser ma gomme malaxée pour ramasser certains de ces petits morceaux de poussière afin que nous ne finissions pas avec trop de bruits sur notre pièce. Je pense que cette pièce est enfin terminée. Je pense que nous l'avons à un bon point, il est à peu près aussi développé que je veux obtenir pour cette classe. Ici, je vais l'amener un peu plus près pour que vous puissiez voir, et je vais certainement mettre une version numérisée sur l'écran aussi bien. Nous allons mettre celui-ci de côté et passer à la prochaine pièce de notre série Weeds and Wildflower. 23. Dentelle de la Reine Anne 1: Bienvenue de retour. Nous allons plonger dans notre prochaine pièce, qui est la dentelle de la reine Anne. C' est une autre mauvaise herbe ou fleur sauvage, selon la façon dont vous voulez le dire, que j'aime vraiment. Celui-ci va avoir un peu d'une palette de couleurs différente. Nous allons commencer comme nous l'avons fait avec la dernière en choisissant les couleurs, et je vais vous montrer l'image de référence que je vais utiliser, qui est, encore une fois, une compilation de plusieurs images différentes, et puis nous allons juste plonger dans la pièce et je parlerai à travers chaque étape que je vais. En fait, avant de choisir les couleurs, avant de choisir la palette de couleurs, j'ai pensé que je devrais juste aller de l'avant et vous montrer les images de référence à partir desquelles je vais travailler, donc vous avez une idée de ce que je cherche pour quand je sélectionne les couleurs. Selon la façon dont cela ressemble à l'écran, je peux juste faire apparaître une version de ceci pour vous de voir. Comme vous pouvez le dire à partir de cette compilation ici, nous avons plusieurs schémas d'éclairage différents en cours. Je pense que celui-ci est celui que je vais essayer de suivre le plus près en termes de structure d'éclairage et les couleurs que je veux utiliser. Ceux-ci sont beaucoup plus cool. Celui-ci est assez similaire à ça. Celui-ci est un peu différent, mais dans l'ensemble, je vais aller chercher quelque chose dans cette gamme plus chaude et lumineuse, et ensuite je vais suivre celui-ci ici pour la structure des feuilles. Allons de l'avant et choisissons les couleurs avec lesquelles nous allons travailler. Je pense que celui-ci va être assez limité en termes de palette de couleurs. Je vais juste laisser de côté tout mon contenant de Blancs ici. Ceci a, bien sûr, mon incontournable, celui que nous avons tant utilisé dans la dernière pièce, le blanc Prismacolor. J' ai aussi quelques blancs de différentes températures qui sont de la gamme de luminance Caran d'Ache. J' ai un buff de titane, qui est comme un peu d'un blanc jaunâtre, et puis j'ai rose blanc, qui est, comme son nom l'indique, un rose ou un blanc, puis quelques couleurs de Prismacolor aussi. Celui-ci est gris-vert pâle, mais c'est presque un blanc. Ensuite, j'ai un peu 10 pour cent gris chaud, 10 pour cent gris frais. Toutes les couleurs qui sont vraiment dans la gamme blanche, nous allons juste aller de l'avant et les laisser dehors parce que je pense que nous allons avoir besoin d'une variété à partir de laquelle travailler. Ensuite, je vais tirer aussi quelques bleus super légers. J' ai du bleu poudré et je pense que c'est de la lumière bleu ciel. C' est un PC 1086, ce sont deux versions Prismacolor. Ensuite, je vais aussi prendre celui-ci dans mon seau violet et rose ici. Ceci est gris lavande PC 1026. Alors laissez-moi venir ici. Je pense que je vais aller de l'avant et tirer quelques roses. Je vais prendre blush rose et déco rose et puis peut-être ce PC 1018 qui est je pense argile rose. J' ai déjà aiguisé le nom à ce stade. Je pense que c'est tout ce que je vais prendre pour les roses en ce moment. Je ne finirai peut-être même pas par les utiliser, mais certaines Dentelle de la Reine Anne ont une légère teinte rosâtre à elle, et je pense que je pourrais vouloir incorporer cela même si les images de référence ne l'ont pas. Ensuite, je vais prendre quelques jaunes, aller chercher de la crème, qui est le jaune le plus clair de Prismacolor, puis un autre appelé jaune citron, qui est très léger, très lumineux. Je ne sais pas si on va l'utiliser ou non. Ensuite, je prendrai une tige d'or, jaune canari et, où ça va, une déco jaune. Je ne sais pas si ça va s'habituer autant. Ils seront probablement juste des petits indices de ces couleurs, mais je vais aller de l'avant et les attraper. Alors j'ai toute cette couleur d'achat ici, qui est un jaune plus frais. Je m'attends à ce que ça puisse être utilisé dans les verts. Ensuite, je vais prendre une autre couleur Holbein, qui est vert laitue. Ensuite, sur le Prismacolor est tout perche sève lumières vertes , vert pomme, qui est mon vert pour beaucoup de feuilles. C' est le zeste de citron vert Prismacolor, c'est un autre très bon. Vert printanier, un autre grand de Prismacolor, et puis c'est un minuscule petit [inaudible] de vert foncé ici. Je vais probablement utiliser ça assez vite. C' est quoi celle-là ? Je crois que celui-ci est de la chartreuse de Prismacolor, est-ce le nom de celui-ci ? Oui PC 989. Je vais aussi prendre du bronze ici, qui est un brun plus léger, légèrement verdâtre, légèrement jaunâtre. Je pense que ce sera à peu près tout pour eux, et bien sûr, j'ai tous les Blancs ici. Je pense que ce sera un bon point de départ, et je dois juste prendre mon papier sur lequel je peux me reposer la main très vite. Nous sommes prêts à plonger. Encore une fois, comme je l'ai fait avec la pièce de pissenlit, je vais travailler de gauche à droite ici. qui veut dire que même si je veux vraiment commencer par celui-là, je pense que je vais essayer de me forcer à commencer avec celui-ci ici et à poser cette feuille. Voyons voir à quoi ça ressemble. J' ai mon papier testeur ici aussi. C' est toute la ligne, laitue verte, sève Prismacolor lumière verte, puis Prismacolor vert pomme. Je pense que ce sera un bon point de départ pour cette feuille ici. Puisque c'est le ton moyen, je vais aller légèrement sur une grande partie de la feuille ici avec ce ton moyen, puis je reviendrai sur les zones d'ombre et les zones de surbrillance avec les couleurs appropriées plus tard. Je vais vraiment, très doucement, petits traits circulaires minuscules. J' essaie d'aller sur le blanc aussi là où je le trouve parce que je veux nettoyer les bords ici. Je vais probablement devoir faire une chose similaire à celle que j'ai faite sur le pissenlit où je vais sur certains de ces bords avec le noir Prismacolor, juste pour les obtenir vraiment gentils et croustillants. Mais pour l'instant, j'essaie juste de poser cette première couche. Je sais que je l'ai dit quelques fois, mais il faut le répéter, chaque fois que vous allez ajouter des couches supplémentaires sur le dessus, vous voulez vous assurer de ne pas appuyer aussi fort que vous pouvez dès le début. Je n'appuie que sur 30 pour cent de ce que je pourrais presser. J' essaie de poser une belle couche uniforme de ceci, mais je ne veux en aucun cas que ce soit une couche vraiment opaque. Je veux avoir encore plus de place dans la dent du papier pour ajouter dans l'ombre et le point culminant. Lorsque vous travaillez avec un crayon de couleur, il est assez courant, je dirais, ne colorer que dans la zone où vous allez utiliser cette couleur. Beaucoup de gens ont cette approche où ils pourraient simplement essayer de regarder spécifiquement et dire où sont les plusieurs endroits où je n'ai besoin que de la lumière verte de sève, puis essayer de poser le crayon seulement dans ces zones ? Si cette approche fonctionne bien pour vous, alors par tous les moyens, allez-y et faites-le. Pour moi, ça n'a jamais vraiment fonctionné aussi bien, je pense beaucoup mieux en couches et je pense que c'est parce que j'étais à l'origine peintre et je me considère toujours comme un peintre parce que je peins aussi bien que dessiner, mais aussi illustrer. Mais il est beaucoup plus d'un état d'esprit de peinture de fixer une grande zone de couleur comme celle-ci, puis de construire les zones plus sombres et les zones plus claires sur le dessus, et si vous allez de lui plus d'un état d'esprit strictement coloré au crayon, vous êtes beaucoup plus susceptibles de ne pas peindre par nombre, mais qui est l'image qui vient à l'esprit, où vous essayez de comprendre partout où vous utilisez cette couleur et de le poser seulement dans ces taches. Mais pour cette application, pour la façon dont j'aime travailler, je pense que ça va très bien marcher de poser tout le ton médian vers le bas. Une autre raison qui fonctionne dans ce cas est parce que ce n'est pas si loin, ces trois couleurs ne sont pas si éloignées les unes des autres en termes de valeurs. Si j'essayais d'avoir un super, super vert foncé ici, même les verts dans les feuilles de pissenlit, il y avait beaucoup plus de différenciation de valeur, donc les sombres les plus sombres étaient significativement différents, beaucoup plus sombre que les lumières les plus légères. Alors qu'ici nous sommes tous plus ou moins dans le même quartier. 24. Dentelle de la Reine Anne 2: Il y a une légère différence entre eux et surtout il y a une différence de température et de saturation et une différence de valeur, mais ils ne sont pas si éloignés. Ça marche à poser tout ça. Si j'essayais alors de poser quelques couleurs vraiment sombres sur le dessus, cela a une quantité décente de blanc en elle comme vous pouvez le voir, sorte que cela rendrait les couleurs sombres un peu sur le côté boueux et un peu difficile. Je veux nettoyer un peu plus ce bord blanc. Je pense que je vais l'aiguiser un peu. Je fais confiance à l'Alvin Brass Bullet. Garder votre crayon relativement pointu est une autre bonne façon d'éviter d'appuyer trop fort. Si vous avez une bonne astuce sur votre crayon, vous serez en mesure de le poser un peu plus facilement, surtout dans ces zones étroites que nous avons travailler sur les petites feuilles, les fleurs et ces sujets. Je pense que je reviendrai sur ces bords plus tard avec un crayon de couleur noire. Pour l'instant, ça va être assez bon pour le ton moyen. Maintenant, mon image de référence ici est en fait assez plat à la recherche. Il y a certainement une différence et il y a une certaine subtilité en termes de couleur et de valeurs, mais je ne vois pas une tonne de dimension ici. Une partie de cela est due à l'éclairage qui se produisait dans l'image de référence. Ce type de pièce, ce type de style, je veux avoir ce look stylisé comme je l'ai fait avec le pissenlit. Je vais imaginer un peu plus de structure que ce que je vois dans la référence. Je vais toujours tirer de la référence pour avoir une idée de la façon dont je veux prendre ces décisions. Vous pouvez voir ici, il y a quelques différences dans la façon dont j'ai tracé le croquis, et ce que j'ai pour l'image de référence. En fait, laisse-moi juste éteindre ce croquis. Faites en sorte qu'il soit un peu plus facile de voir la référence ici. Ces feuilles, vous pouvez voir qu'elles ne sont pas parfaitement plates. Ils sont un peu en forme de V comme si vous imaginez que c'est la feuille et beaucoup de feuilles ont cette structure à elle. Ce n'est pas super apparent ici, mais vous pouvez voir qu'il y a un peu de couture qui coule au milieu de la feuille. La feuille globale a cette structure à elle. Ensuite, les petites frondes individuelles ont une partie de cette structure aussi. Je vais juste amplifier ça en faisant un côté le côté de l'ombre et d'un côté le côté lumière. Maintenant, il n'y a pas vraiment un indice super puissant sur lequel devrait être lequel dans l'image, mais si vous pouvez le voir, cette partie supérieure semble légèrement plus sombre, et c'est parce que la lumière vient du haut. Vous pouvez le voir un peu mieux ici, un peu plus d'ombre. Je pense que je vais aller de l'avant et suivre ça pour un indice. Cela sera beaucoup plus évident dans l'illustration finale une fois qu'elle sera stylisée. Je peux déjà voir que je fais ça, je vais avoir besoin que ça soit un peu plus sombre le plus probable, mais je vais attendre que je reçoive mon point culminant vers le bas. C' est pourquoi il est si important et si utile d'avoir des références parce que, même si vous apportez des changements importants comme je l'ai fait, vous pourriez voir certaines des différences dans l'esquisse. Il est tout de même inestimable de pouvoir regarder une source réelle pour obtenir des informations sur le fonctionnement de la lumière. Ensuite, vous pouvez utiliser cette information pour la faire dire, vraiment ce que vous voulez qu'elle dise. C' est plus difficile à faire quand vous débutez quand vous êtes relativement nouveau dans la création d'art, mais cela devient plus facile et plus facile avec la pratique comme n'importe quoi d'autre. Je pense que je vais faire cette pièce ici. Dans l'image de référence, il pointe vers le bas, et c'est un peu une forme différente. Je vais faire face à cette pièce, je pense qu'elle va avoir plus de points forts là-dessus . C' est le vert de laitue Holbein que j'utilise ici. On va faire sortir un peu de ça par ici. J' appuie sur 50 ou 60 pour cent. Je veux toujours me laisser un peu de place si je décide que je dois ajouter du blanc ici si j'ai besoin d'ajouter un peu de blanc à la place. Je veux avoir une certaine marge de manœuvre pour ajuster, mais vous pouvez voir simplement en ajoutant que là, nous avons déjà une quantité beaucoup plus grande de dimension. Même si c'est un peu contre-intuitif, parfois si vous voulez vraiment augmenter le sens d' une courbe de quelque chose qui se courbe vers le bas, vous voulez avoir le point le plus léger soit vers le bas à la couture dans la feuille, avoir le point le plus léger et le point le plus sombre rencontre. Ensuite, vous pouvez avoir un autre point lumineux, un autre point culminant à la pointe de la feuille et qui lui donnera ce sens arrondi incurvé. C' est ce que je travaille à construire ici. Maintenant, avec certaines de ces zones, je vais revenir ici et aiguiser les bords avec le crayon de couleur noire, comme je l'ai fait avec la pièce de pissenlit. J' ai l'air un peu fatigué ici. Ajout d'autres faits saillants sur les pointes de ces feuilles. C' est ma première expérience en utilisant les crayons de couleur Holbein pour un projet plus long. Je viens de les tester ici et là avant, mais cette fois je les ai utilisés tout au long de ce processus, fois sur cette pièce et sur la pièce de pissenlit. Ce n'est que quelques couleurs sélectionnées, mais jusqu'à présent je peux dire que je les aime vraiment, mais ils sont encore plus fragiles à certains égards que les crayons Prismacolor. La meilleure chose à leur sujet, à mon avis jusqu'à présent, c'est qu'ils ont des couleurs uniques que Prismacolor n'a pas. Comme celui-ci ici que j'utilise cette laitue verte, il n'y a rien de semblable à ça à Prismacolor. Il y a des verts très légers, mais ils sont beaucoup plus muets comme la lumière verte sauge, qui est comme vous pouvez le voir, beaucoup plus léger, plus sourd, moins saturé, et globalement plus léger que celui que nous avons de Holbein. C' est un crayon de couleur Luminance. Je ne pense pas avoir vraiment utilisé tout ça sur la dernière pièce. J' essaie de me rappeler si j'ai utilisé des luminance, mais ceux-ci sont un peu plus durs que les crayons Prismacolor, mais la gamme de couleurs est plus limitée. Vous pouvez voir que je fais juste la même chose que la dernière fois en construisant couche par couche. La plupart de ces choix de couleurs à ce stade, je fais intuitivement, basé sur la façon dont je veux que la pièce ressemble et le genre de verts que je veux avoir dans la pièce, plutôt que de les rendre uniquement basés sur, de la image de référence, ou même basée sur une stratégie que j'avais planifiée depuis le début. ce moment, je suis la plupart du temps juste de poser un peu de couleur légèrement et puis de voir si j'aime à quoi il ressemble et j'aime à quoi il ressemble, puis je me couche plus et appuie un peu plus fermement pour donner quelque chose qui va être plus d'un application opaque. 25. Dentelle de la Reine Anne 3: En ce sens, les crayons de couleur peuvent finir par être beaucoup comme la peinture où vous travaillez simplement en couches et l'ajouter et aller progressivement peu à peu. Ça sera sympa quand je rentrerai avec un noir. Je vais attendre ça. Je pense que je veux juste un peu plus de ténèbres à la base de ce gars ici. Peut-être un peu de saturation là-dedans aussi. Je pense que j'ai besoin d'avoir certains de ces bords un peu plus croustillants et ensuite nous serons prêts à passer à la première fleur dont je suis super excité. Maintenant, comme je l'ai fait avec la pièce de pissenlit, je vais sauver les blancs super brillants jusqu'à la toute fin et ça va m'aider à ne pas être trop clair ou avoir quelque chose que je ne peux pas facilement ajouter de l'ombre à plus tard. Mais je suis en train de créer une structure de surbrillance. Je ne vais pas aller aux lumières les plus légères jusqu'à la toute fin de la pièce. Encore plus important étant donné qu'il s'agit d'une pièce qui contient une quantité assez importante de blanc. Je dois m'assurer que le blanc est utilisé judicieusement. C' est plutôt bon pour l'instant. Pour cette prochaine pièce, je zoome sur cette petite fleur juste ici. Je vais essayer d'obtenir l'idée générale, encore une fois, je ne vise pas le réalisme photo, je vise un look stylisé. Il est très clair que c'est la dentelle de la reine Anne, mais ce n'est pas nécessairement une représentation photoréaliste de la dentelle de la reine Anne. Je crois que j'ai besoin de ça. Autre vert ici. Sortons cette Chartreuse. Je vais commencer ici avec Chartreuse et avec le vert printanier Chartreuse, comme vous pouvez le voir, est beaucoup plus chaud. Je vais juste marquer légèrement quelques-unes de ces tiges. Je vais suivre certaines des lignes que j'ai ici en essayant de les couvrir d'abord et avant tout. Mais ils m'aident aussi à déterminer comment je veux que les choses soient placées. La bonne chose à propos de travailler sur le papier noir, je suis relativement nouveau à cela, à travailler sur du papier noir, mais quelque chose que j'aime déjà à ce sujet, c'est que si je veux ajouter plus d'espaces négatifs ici, Parce que, je ne sais pas comment on les appelle, les petites frondes. Ils sont rapprochés, ils sont emballés, mais ce n'est pas un objet solide. Si je veux ajouter dans quelques espaces plus négatifs, je serai en mesure de ce qui est juste un vraiment sympa. C' est plus difficile à faire avec le blanc. J' en ai quelques-uns. Maintenant, comme je ne veux pas entrer directement avec le blanc, je vais faire un logiciel. C' est 10 pour cent gris chaud. Je pense que c'est pourquoi je vais utiliser principalement tout au long de la pièce pour ma couleur de base quand il s'agit des zones blanches. Mais en fait, laissez-moi juste voir à quoi ça ressemble. Je pense que ça va être bien. Je veux vérifier une autre chose avant de commencer à travailler sur une fleur. Laisse-moi juste tirer quelque chose sur mon iPad ici. Je viens de faire une recherche rapide sur Google pour la dentelle rose de la reine Anne. Je le sais quand j'ai vu la dentelle de la reine Anne dans le passé, comme si j'avais fait une randonnée ou quelque chose comme ça et que je l'ai vu. Il y a des moments où il y a un peu de rose dedans. C' est un bon exemple en fait, ici. Je voulais regarder et voir où le rose se produit sur la fleur et à quel stade de la fleur vous pourriez voir la couleur rose dans. Parce que certains d'entre eux sont un peu artificiels. Mais ici, c'est un bon exemple. Celui-ci a l'air beaucoup plus rose. Je ne sais pas si c'est la dentelle de la reine Anne. On dirait que c'est un peu fissile. Mais c'est ce que je cherche, il y a juste un peu d'indication de rose. Je ne veux pas en faire des fleurs roses, ce sont des fleurs blanches, mais avoir une autre couleur sur laquelle je peux compter en dehors du gris pour créer quelque chose qui n'est pas pur autre que de compter sur juste le blanc pur, ça va être vraiment utile. On dirait que c'est juste entremêlé assez uniformément tout au long de la fleur. Je pense que je vais devoir compter sur cela en termes de suivre n'importe quelle couleur ou motif. Celui-ci est potentiellement utile là-bas. Voyons voir. J'espère que cela vous donne une bonne idée de ce que je regarde. Maintenant, je ne vais pas regarder aucune de ces images de référence spécifiquement, je vais revenir à mon image de référence, mais je suis juste en gardant à l'esprit le motif de couleur général comme où j'ai vu le rose dans ceux-ci. Je vais encore commencer avec la même couleur grise, mais je vais probablement incorporer un peu de rose dans cela. Si vous êtes assez nouveau dans le dessin ou surtout assez nouveau dans le dessin de façon réaliste, je vous recommande de vous en tenir un peu plus à votre image de référence. Si à chaque fois que vous apportez une modification de la référence ou que vous essayez d'incorporer quelque chose d'autre qui ne figure pas dans votre référence, cela va devenir un peu plus compliqué. Si vous êtes assez nouveau à cela, je collerais juste avec votre image de référence, puis plus tard, une fois que vous avez un peu plus d'expérience, vous pouvez incorporer d'autres couleurs, d'autres images de référence et ce sera plus facile à ce stade. Lorsque vous êtes nouveau, essayez de vous en tenir à votre image de référence initiale. Quelque chose que je remarque à propos de cette fleur est que nous voyons, non seulement nous voyons ces petites tiges, mais il ressemble à l'intérieur d'un parapluie presque ce petit peu ici. Ces bits qui tiennent les fleurs blanches donc je dois indiquer certains d'entre eux. Je ne vais pas devenir trop fou avec eux parce que encore une fois, c'est stylisé, pas hyper-réaliste. Je vais juste en indiquer quelques-unes. Affûter un peu certaines de ces tiges. [inaudible] à la base ici. Maintenant, j'ai fait ce que j'ai fait dans toutes les autres phases, j'ai commencé vraiment léger et maintenant je commence à augmenter progressivement la pression avec laquelle j'appuie sur mon crayon. Certains de ces petits gars, le dessous, les parties en dessous de la fleur semblent avoir presque une couleur argentée stagnante. Je vais entrer avec ce vert jade et faire juste les sommets d'eux. Il y en a plus dans l'image de référence, mais je vais simplifier et juste en avoir quelques-uns ici, sinon ça sera un peu trop encombré, je pense. Maintenant, je viens avec cette illuminance qui était cette mosquée verte 225, un peu plus sombre, moins saturée. Je veux essayer de concentrer ça autour de la base de cette petite fleur ici. 26. Dentelle de la Reine Anne 4: Alors je pense que du vert prussien ici. Encore plus sombre, mais un peu plus saturé. Qu' est-ce que c'est ? Jaune olive par Holbein, c'est probablement ma couleur préférée de Holbein jusqu'à présent, celle qui résout le plus de problèmes pour moi, c'est comme un jaune de lecture vraiment plus cool. Si tu dois juste avoir une couleur Holbein, j'irais pour celle-là. Il résout ce que je pense est un gros écart dans la palette Prismacolor. n'y a pas de trace fraîche et plus foncée sur certains d'entre eux du tout. Je ne sais pas comment les appeler, le fond de parapluie ici. Je pense que je pourrais utiliser ce vert jade comme un peu de couleur d'ombre ici. Cette chose a en fait un peu de structure de tasse, il ne s'agit pas seulement de régler le côté ou de voir un peu à l'intérieur. Je vais l'indiquer en créant une ombre ici. Je crois que je vais tester un peu de rose. Voyons voir à quoi ça ressemble. Nous ajouterons toujours du blanc en plus de cela. J' essaie d'aller en petits points, petits cercles pour faire ressembler aux petits pétales qu'on voit. Je veux mettre quelques petits faits saillants ici avec la laitue verte. Nous espérons que ça sortira. Un peu vert de printemps ici, la chartreuse est juste un peu trop chaude pour la taille de ceux-ci et pour la tige. Quand vient le temps pour la tige, je vais juste à main levée ici le long de l'esquisse en essayant de faire un bel arc lisse puisque les lignes que j'ai ici de l'esquisse originale sont un peu rugueuses à cause d' être transférées et la façon dont ils ont été transférés avec le papier de transfert de poids, il y a beaucoup d'entre eux être bords, donc je veux juste m'assurer d'obtenir un bel arc lisse. Ça va vraiment être cohérent avec cette stylisation plus victorienne. Termes de la stylisation. C' est encore le vert prussien. Laisse-moi voir. Je vais utiliser un peu de blanc. Je ne vais pas appuyer très fort, mais je vais juste savoir si la forme va avoir du sens. Que ce soit pour être vu magique, qu'il soit lu en trois dimensions ou si j'ai besoin de faire quelques ajustements. Une chose que je peux certainement dire que je veux faire déjà est de rendre cela moins encore haut. Je veux avoir un peu plus de ces petites formes rondes ont l'impression qu'elles sortent de la grappe. Parce que sinon, il se sent juste trop compact et trop parfait. Je veux faire ces petites choses de gousses de graines. Ces petites choses noires qui sont à la base des frondes ici, je vais essayer de les mettre dedans, mais je ne veux pas entrer directement avec cette couleur super sombre. Je pense que je vais commencer par, où est-ce que ça est allé ? Ma main, non. C'est là. Je pense que je vais commencer avec ce bronze Prismacolor. Maintenant, j'y vais avec un peu de couleur plus foncée. Ceci est techniquement vert ocre, mais cela signifie vraiment comme un brun foncé assez cool, moyen. Je vais essayer d'ajouter quelques petites choses de plus. Je vais faire un point pointu ici et ensuite en faire un peu vers l'extérieur. Laisse-moi voir. Maintenant, quand je fais quelque chose comme ça, j'aime toujours essayer de les empêcher d'être trop parfaits. Je veux qu'ils soient un peu irréguliers, un peu surprenants. J' essaie de faire une pause et de réfléchir avant de les placer. Si j'y vais vraiment intuitivement, ça finira par être bien plus égal que je ne le voulais. Bien sûr, regarder l'image de référence elle-même est toujours génial pour ce genre de chose parce que la vraie vie va être un peu plus aléatoire et un peu plus surprenant. Je reviens un peu à la référence ici. Je me souviens, je pourrai les rendre un peu plus nets une fois que je rentrerai avec un noir. Un peu plus de laitue verte ici pour quelques faits saillants. Ensuite, c'est vert foncé, ce qui est très cool donc vous devez être prudent car si vous finissez par poser trop de cela sur le blanc, il va saigner une couleur bleuâtre dans le blanc. Maintenant, j'ai un peu plus de ces petites taches, ces petites choses de graines mais cette fois, j'utilise soigneusement le noir et je les mets un peu à l'intérieur de la fleur puisque c'est ce que je vois dans la référence. Peu de petites zones sombres. Maintenant, je vais appuyer un peu plus sur le blanc, je sais que j'ai dit que j'allais attendre jusqu'à la fin, mais je dois m'assurer que cela fonctionne structurellement, donc je pousse aussi fort que je peux sur cet ajout quelques petits pétales à l'extérieur de la zone principale aussi, pour le rendre plus surprenant et irrégulier. 27. Dentelle de la Reine Anne 5: C' est le 10 pour cent gris chaud à nouveau pour qu'il soit clair qu'ils vont à l'intérieur de la fleur, et je frappe cette partie ici un peu plus d'un des applications intenses du rose, et l'intérieur ici va aller un peu gris plus foncé. C' est 20 pour cent gris chaud. C' est 30 pour cent. Maintenant la couleur des prisonniers rend gris chaud, gris frais et gris français, ils sont tous beaux mais personnellement je pense que gris français est bon pour certaines choses et c'est une couleur vraiment agréable. J' irais juste pour le gris chaud et le gris frais si je dois choisir. Des petites pagaies supplémentaires à l'extérieur de ce centre de gravité essayent de le rendre plus irrégulier, ici. En revenant avec le vert jade, je pense que j'ai peut-être besoin de faire quelque chose encore un peu plus sombre là-bas pour faire vraiment l'impression qu'il s'enfonce. Essayons, c'est une couleur appelée gris ardoise, qui est un gris moyen très bleuâtre, parfois avec une température ayant température vraiment fraîche qui peut vous aider à obtenir quelque chose à lire est en baisse. Si vous ne voulez pas utiliser une couleur foncée. Je pense que je vais m'arrêter là-dessus pour l'instant, et je vais revenir et ranger toutes ces tiges plus tard. Passons à cette fleur ouverte ici. Celui que nous voyons un peu de la face inférieure, ce sera un peu de la face inférieure aussi, et je pense que ce que je vais faire est d'avoir du rose visible sur celui-ci et celui-ci, et je pense que ces trois. Je vais avoir moins de rose visible. Je peux même revenir sur celui-ci et faire quelques zones plus sombres de rose, mais pour l'instant je vais commencer ici avec le vert printanier. Maintenant, celui-ci, les petites poignées de parapluie sont beaucoup plus distinctes parce que celui-ci, ils sont emballés très étroitement ensemble. Ceux-ci sont tous étalés, donc nous allons voir les tiges, les tiges individuelles beaucoup plus, et j'ai les tiges de base ici dans mon croquis, mais je n'ai pas inclus les autres. Les autres, je vais juste à main levée quelques-uns et encore une fois va essayer d' éviter de le rendre trop parfait, trop régulier. Si vous imaginez que ceux-ci se courbent progressivement vers nous. Nous devons tenir compte du raccourcissement et nous assurer que nous changeons l'angle au fur et à mesure que nous nous rapprochons du centre. Si vous êtes nouveau dans le dessin, encore une fois, c'est quelque chose que je vous recommande d'obtenir un peu plus clair dans le croquis, mais je suis assez certain que je peux faire paraître assez réaliste pour mes besoins dans ce dessin. Je suis juste libre, et bien sûr ce seront ces mêmes petites frondes de base. Maintenant, sur celui-ci, je ne pense même pas que je vais mettre du gris. Comme base, je vais juste aller très doucement avec du blanc et essayer de marquer certaines de ces fleurs. J' appuie probablement sur 30 pour cent de ce que je pourrais presser. Maintenant, l'idée de base est que plus nous approchons de ces frondes , plus les petites marques blanches devraient être serrées, je pense à chacun de ceux-ci est comme un des petits pétales ou l'une des petites fleurs miniatures. Ici, je fais quelques coups circulaires parce que je peux voir la base de la grappe, toutes ces fleurs blanches, il y a en fait comme une ligne droite à travers sont une ligne relativement droite à travers, donc je vais indiquer qu'ici avec un application douce de blanc uniforme, et je vais essayer de continuer à suivre certaines de ces lignes irrégulières que j'ai mis ici pour mon croquis pour indiquer les bords des différentes petites grappes de fleurs. Vous n'avez pas besoin de faire des petites formes de fleurs parfaites pour chacune d'elles, mais si vous le faites sur quelques-unes, cela aidera à donner l'impression que c'est ce qui se passe dans l'ensemble, même si vous n'êtes pas articulé dans tous les autres domaines. Je prends le temps ici pour faire quelques petites formes de fleurs. Les autres que je vais juste faire un peu de marques circulaires ici en appuyant sur 30 pour cent encore juste essayer d'obtenir une structure de base pour l'empreinte blanche essentiellement, et puis je vais revenir en arrière probablement avec un un peu plus vert et rendre les choses plus claires. Un peu plus de vitrage avec le blanc. Je pense que je veux un peu plus de rester de ce côté-ci. On y va. Peut-être une petite fleur ici. Maintenant, obtenons un peu plus de cela comme la même idée de ces porte-parapluies à l' envers ou poignées de parapluie. Je vais en tirer certains. 28. Dentelle de la Reine Anne 6: Je pense que je veux en faire quelques autres avec le vert plus foncé et ensuite je reviendrai sur le dessus avec les plus légers. Cela va juste aider à le rendre dimensionnel. Si je les ai tous de la même couleur, ils auront tous tendance à lire comme s'ils étaient au même niveau. Avoir une variété de légumes verts différents avec lesquels vous fabriquez vos tiges peut vraiment aider. Bien sûr, comme nous avons le fond sombre, les verts foncés, plus ils couleront dans ce fond et se fondront au lieu de sortir. Il suffit d'utiliser l'écran de masque de Luminance. Je pense que j'ai fait cette tige un peu trop épaisse ici, mais la bonne nouvelle est que je peux juste la rétrécir avec le noir. D' abord, je vais le faire, le couvrir un peu avec ces petits fronts de base. J' ajoute un peu plus des poignées de parapluie plus brillantes, faute d'un meilleur mot. Maintenant, je vais entrer avec la laitue verte, qui est ce que j'ai utilisé comme point culminant. Je vais toujours utiliser du blanc plus tard, mais c'est ce que j'ai pour le moment. On dirait qu'il a un peu d'ombre en dessous. Maintenant, toutes ces choses sur lesquelles je veux qu'elles soient vraiment pointues, je vais devoir revenir et les obtenir avec le crayon noir parce qu'il n'y a pas vraiment moyen d'obtenir ce point pointu à moins que je ne sois constamment aiguisé . Encore quelques zones sombres ici, à la base. Faites-le lire plus dimensionnel. Je vais ajouter quelques petits morceaux de ce vert plus chaud à la base ici, en faisant le tour où les fronts de parapluie se connecteraient aux petites fleurs blanches. J' aurais vraiment dû apprendre un peu plus d'anatomie des fleurs avant de faire ce cours. Maintenant, je vais aller un peu plus lourd avec le blanc. Appuyer vers le bas de près aussi dur que je peux à ce stade. Pas complètement, mais très proche du plus dur que je peux. Maintenant, laisse-moi prendre cette tige. Maintenant, je peux faire quelques petites fleurs ici. Maintenant, laisse-moi mettre cette tige un peu plus articulée. J' y vais avec ce vert de printemps, qui est la même couleur que j'utilise pour la tige sur cette pièce. À ce stade, je veux être assez cohérent. J' utilise juste ma gomme pétrie pour tirer un peu de cette brumeuse blanche que je vois. Je devrais probablement attendre la fin pour le faire, mais je veux juste savoir ce qui est quoi. Maintenant, cette fleur fait face à des directions différentes, donc je pense que sur celle-ci je vais commencer par le blanc. Je vais faire une chose similaire à ce que j'ai fait ici où je commence assez doux et puis je vais plus dur. Faire la même chose aussi, essayant d'indiquer les petits pétales et de sortir des lignes de mon croquis. J' évite d'avoir une ligne dure qui ferait vraiment paraître moins dentelée et aérée. Je veux faire en sorte que ce sentiment séparé de dentelle soit un peu plus important à l'avant. En raison de la réduction, cette zone va être inclinée vers nous. On va voir plus de cette structure de pétales. Je le rends plus visible ici et à l'arrière je vais mélanger les choses un peu plus et peut-être même le garder un peu plus doux, du moins pour l'instant. Du moins pour moi, avec la façon dont je travaille, une fois que j'ai une idée de ce qu'est le plan ou comment je vais aborder quelque chose, je suis capable de bouger beaucoup plus rapidement. Certaines des premières parties de la pièce quand je suis de déterminer exactement la couleur que je veux utiliser, à quel point je veux appuyer, à quelle couleur je veux commencer, à quelle couleur je veux suivre, à quel point c'est ce qui prend le plus de temps. À ce stade, puisque nous avons la plus grande partie de cela avec celui-ci et celui-ci, je sais comment je veux commencer et je suis capable de plonger et d'aller beaucoup plus vite. Je dirais que c'est quelque chose qui est vrai. Oui, au niveau pièce par pièce, mais c'est aussi vrai pour l'art dans son ensemble. Plus vous vous sentirez à l'aise avec elle et plus vous dessinez et peignez souvent, plus vous prendrez rapidement ces décisions et plus vous pourrez facilement voir ce qu'est votre plan pour une pièce. Ce n'est pas comme s'il n'y avait plus de prise de décision, il y en a toujours. C' est l'une de mes choses préférées en matière d'art, est qu'il s'agit juste d'un processus de prise de décision constante. Mais vous devenez de mieux en plus confiant dans la prise de décisions, sorte que vous n'avez pas à aller et venir autant de fois et vous mémorisez votre approche, mémorisez comment vous voulez résoudre les problèmes, ce que vous voulez faire. 29. Dentelle de la Reine Anne 7: À ce stade, vous pouvez voir que je fais encore un peu plus d'un glaçage. Je suis vraiment léger, même peut-être 25 pour cent ou environ. Appuyer vers le bas avec le crayon de couleur blanche et donner plus d'un revêtement uniforme à travers le centre ici. Je ne deviens pas totalement solide. Je veux encore quelques petits endroits où il y aura des noirs qui jettent un coup d'œil. Mais comme je vois beaucoup plus de pétales et beaucoup plus de densité dans le centre, surtout quand nous arrivons à l'arrière, c'est beaucoup plus rapide pour poser cette base et ensuite je peux ajouter des taches plus brillantes sur le dessus. Sur celui-ci, je vais éviter le rose, mais je pense que je pourrais ajouter un petit peu de jaune. Voyons voir comment ou peut-être même c'est une couleur appelée bus de titane. C' est une couleur de luminance. C' est comme un blanc légèrement chaud. Ce n'est pas comme Prismacolor, c'est de la crème. Ce n'est pas jaune, c'est juste chaud. C' est un peu comme un sous-ton beige. En ajoutant cela à quelques endroits à l'avance ici. Je pense que je veux que ce côté-ci en fasse un peu plus. Maintenant, je prends du bleu poudre qui est la couleur Prismacolor et je suis juste en train d'expérimenter avec ça un peu. Je ne sais pas si je vais aimer à quoi ça ressemble, mais je mets un peu de couleur bleue à l'arrière juste pour le faire couler un peu. Voyons voir. C'est vraiment subtil. Je ne suis pas sûr qu'il va même continuer sur la caméra, mais c'est une bonne façon de donner un peu de sens de la dimension sans aller trop sombre. Ensuite, c'est de la crème de Prismacolor. Je vais en donner quelques petites taches ici. Puis quelques-uns à contraster avec le bleu. Maintenant, je vais laisser ça pour l'instant et faire la tige. Même couleur, vert printemps. Ce qui est ce joli vert frais et lumineux. Encore une fois, je donne la priorité à la douceur. Une fois que j'aurai tout mis en place, je vais probablement le retourner pour que je puisse avoir un joli bord tranchant de l'autre côté de la tige. Mais pour l'instant, je vais juste descendre d'un côté. Je veux que les tiges finissent par être très belles et croustillantes. Je vais aiguiser cela à nouveau au point super pointu afin que je puisse obtenir des pièces avant plus visibles qui sortent librement. Il n'y en a que quelques-uns que nous pouvons voir. On ne peut même pas les voir tous, mais je fais une indication très simple qu'on peut y voir des petites tiges vertes. Alors pendant que je suis ici, puisque j'ai le point pointu sur le crayon, je vais en ajouter un peu plus ici. Retournez ceux-ci un peu plus loin. Maintenant, nous allons passer à ce type et celui-là je pense que je veux vraiment que la peinture soit assez visible et un peu plus visible. En fait, j'attrape quelques roses supplémentaires. C' est le fard à joues rose. Comment s'appelle celui-là ? Je pense que c'est juste une rose, mais c'est une couleur Prismacolor. Celui-ci, je pense que ça va être bon pour des zones plus saturées. Ça marcherait bien. Juste tester et ajouter de ce côté avant que je le pose ici. Maintenant, je vais entrer avec la rose et je vais faire le tour de chacun de ces petits groupements de pétales. Je ne vois pas cela dans la photo de référence, comme vous pouvez le voir si vous regardez la photo de référence avec moi. Ce n'est pas évident sur la photo de référence, c'est juste quelque chose que j'ai remarqué. C' est un motif que j'ai remarqué quand on a regardé la dentelle rose de la reine Anne et c'est un peu un risque. Je ne suis pas sûr si je vais aimer à quoi ça ressemble, mais je vais essayer et puis on reviendra sur le dessus avec du blanc. J' appuie avec probablement 50 % de force. Ce sont de minuscules traits circulaires. Certainement, je vais vouloir revenir à celui-là que je peux dire. Maintenant, je vais entrer avec le blanc et je vais faire un peu de glaçage doux sur chacun d'eux. fais juste ces mouvements circulaires légers et j'essaie délibérément de laisser un espace négatif entre eux. Puisque c'est la très grande fleur, complètement ouverte, je veux qu'elle ait ce joli look poilu de la dentelle de la reine Anne. Alors cette zone ici va avoir le même traitement , des petits coups circulaires. Maintenant, la dentelle de la reine Anne est vraiment le sujet parfait pour mettre en évidence ce qui est si grand dans le travail sur ce papier plus sombre. Si nous essayions de le faire sur un livre blanc, nous aurions presque aucun de ces petits détails sera visible à moins que nous ne décrivions chacun d'eux, ce qui devient vraiment difficile à un certain moment de faire autant de choses ébauche des travaux. Le papier plus sombre permet vraiment d'en faire un peu plus en termes de détails, si vous travaillez avec un sujet qui est entièrement blanc ou blanc, couleurs vraiment claires comme nous avons dans la dentelle de la reine Anne ici. Maintenant, c'est un rose très pâle que j'utilise. C' est ce qu'on appelle déco rose et je fais la même chose que j'ai fait ici où je fais certains de ces petits groupements plus définis de pétales qui ressemblent presque à leur propre petite fleur. J' essaie de sortir spécifiquement de la ligne que j'ai ici. Je suis en train de presser assez fort à ce stade. Je veux vraiment couvrir cette ligne de croquis. 30. Dentelle de la Reine Anne 8: Sur cette note, en fait, si vous faites la même méthode que moi, si vous faites le papier de transfert blanc, et que vous travaillez avec des crayons de couleur sur ce substrat sombre. Si votre sujet est vraiment sombre, si c'est un feu de forêt ou qu'il a beaucoup plus de valeurs lumineuses sombres que cela. Je recommande d'essayer d'effacer plus de l'esquisse, ou de tirer plus de l'esquisse avec une gomme pétrie. Parce que je dirai qu'en tant que quelqu'un qui est relativement nouveau dans cette méthode particulière, vous devez appuyer très fort pour obtenir tout le blanc couvert, et même alors une partie de cela peut apparaître à travers. Si vous travaillez avec une couleur plus foncée qui peut être rendue boueuse en passant, cela pourrait être un peu délicat. Je pense que ça va être assez sympa en termes de quantité de rose que nous montrons. J' ajoute juste quelques petits coups ici pour l'aider à le fondre jusqu'au sommet. Je vais venir faire le même traitement. Faire ces petites formes de pétales. Je ne suis pas tout à fait pointillé, faisant les petits points, mais c'est comme une combinaison de pointillés et un petit coup circulaire. Appuyer très dur pour obtenir le blanc vers le bas agréable et opaque. Je quitte le centre. Je n'ai pas encore fait le centre. Dans chacune de ces petites grappes laissant un peu ouvertes, je pourrais essayer d'obtenir une partie de ceci, la tige verte à travers de dessous. Je vais juste incrémentalement pour que je puisse laisser cette option ouverte. Ma main est fatiguée quand je dois appuyer dessus. Faites la même chose sur toute la surface. Pas sur toute la surface, mais sur chacun de ces petits cercles, chacun de ces petits groupes. On va expérimenter quelque chose. C' est un autre risque, cela semble être la fleur que je veux expérimenter le plus, mais je vais utiliser quoi. Est-ce que je veux celle-là ou je pense qu'en fait je vais faire une trêve forte. Non, je suppose qu'ils vont faire le dernier écran. Si je viens ici avec un peu de vert en haut, pas trop presser. Parce que si je n'aime vraiment pas ce que ça ressemble, je devrais être capable de tirer la plus grande partie avec la gomme malaxée. Un peu de vert juste faire les mouvements circulaires doux ici, et je vais essayer un peu d'autres centres. Je ne sais pas ce que je pense de ça. J' aime mieux si j'en ajoute un peu dans celui-ci. C' est vraiment réaliste en fait, vous verrez le vert au centre de ceux-ci. C' est plus logique. Il est certainement plus intéressant d'avoir une autre couleur à l'intérieur qu'un simple blanc. Ça va toujours très doux. Maintenant, je pense que je veux ajouter certaines de ces petites tiges en dessous, comme nous l'avons fait avec la dernière fleur. Je vais ajouter un peu plus de petits pétales ici. moment, la texture de ceci semble tout simplement très inintéressante par rapport à la texture ici bas. J' ai besoin d'ajouter un peu plus de complexité pour qu'il puisse rivaliser. Laissons ce vert s'asseoir pour l'instant, et je verrai ce que je ressens à ce sujet une fois que j'aurai les autres composants plus disposés. pour l'instant, je ne peux toujours pas dire avec certitude si ça me plaît ou non. Une partie de moi pense, oui, une partie de moi pense non. Voyons voir, je pense que je veux aussi étendre cela un peu. Maintenant, la tige que je vais la faire venir derrière cette fleur. Maintenant, la raison pour laquelle j'ai étendu cela était parce qu'avant, quelle est la pointe de ceci aurait juste touché la courbe de cette tige, et cela créerait un point vraiment puissant, un peu gênant dans une composition chaque fois qu'il y a deux lignes qui se croisent. J' essaie de ne pas faire ça involontairement. Chaque fois que j'intersecte des lignes, je veux que ce soit exprès. Plutôt que d'avoir ce point d'intersection un peu gênant, je l'ai juste tiré légèrement dessus. Tirez légèrement la fleur sur. Je pourrais, bien sûr pousser la même chose, mais c'est plus facile à faire avec la fleur. Même affaire avec les autres tiges, vert printemps et juste essayer de créer une belle courbe soignée. Eh bien, ici, je pense que je vais tirer cette tige aussi. Ne vous inquiétez pas, je vais passer un peu de temps à la fin pour nettoyer toutes les tiges. Je sais qu'ils ont l'air un peu rugueux en ce moment. Nous voici sur notre dernière leçon. Je pense que ce que j'ai dit c'est que j'allais faire du blanc, puis les avoir roses, mais je pense que je vais aussi avoir celui-ci rose. Je pense que ça sera vraiment sympa. Mais d'abord, j'ai besoin d'être clair sur les petites pièces avant. Je vais avoir un bon point à ce sujet, et c'est très similaire à ce que nous avons fait ici. C' est juste un peu plus fermé. Encore une fois, assez léger pour commencer. Pour celui-ci, je veux vraiment penser à ça plus comme un objet solide. Je pense que je vais mettre un peu de vert foncé en arrière-plan ici. C' est mon écran [inaudible] qui le pose assez légèrement. Comment puis-je faire ce rose ? Permettez-moi de réfléchir à mon approche ici. 31. Dentelle de la Reine Anne 9: Je vais utiliser cette rose plus foncée. Je vais commencer à en vitrer doucement une partie là-haut. Essayer d'entrer à l'intérieur d'un cluster ainsi que sur le dessus. Je vais ajouter quelques petits pétales visibles. Je n'en veux pas autant que j'en ai ici. Je devrais probablement aiguiser ça un peu plus. Je pense que le rose était le bon choix là-bas. C' est, encore une fois, décor rose. Allez un peu plus sombre sur quelques-unes de ces à l'intérieur. Maintenant, je veux faire en sorte que quelques-unes de ces petites tiges ressemblent vraiment à être assis sur le dessus. Je vais d'abord aller assez dur avec le vert de printemps, parce que c'est agréable et saturé, et il est plus léger. J' ai utilisé le ton moyen, mais c'est généralement une couleur plus claire. Ensuite, je vais utiliser la laitue verte comme point culminant. D' abord, je vais l'aiguiser. J' ai aussi besoin de faire certaines de ces petites friandises. J' essaie de concentrer le point culminant vers la partie supérieure ici, sorte que le fond aura toujours l'impression qu'il a plus de profondeur et de dimension à lui. Maintenant, je viens avec le vert de pression en essayant de repousser quelques-unes de ces petites zones. Je veux que ce genre de cage à oiseaux y regarde. Mettre un peu plus de ces petites choses pokey ici parce que ce sont juste ces poignées de parapluie vraiment serrées, groupées, à l' envers, ou des squelettes, je suppose, parapluie squelettes, c'est probablement le mot le plus précis. Je vais faire quelques petits morceaux de blanc ici en haut. Remplissez ceci avec le vert de laitue. Pression verte à nouveau pour essayer d'ajouter un peu d'ombre à l'intérieur ici. Maintenant, nous allons faire ces dernières petites feuilles. Je n'ai pas vraiment de référence pour cela, donc je vais juste essayer de refléter la structure que j'avais de ce côté. En fait, qu'est-ce que j'ai utilisé ? Je pense que j'ai utilisé ça, que je n'ai pas vraiment utilisé dans beaucoup d'autres endroits. Je vais apporter cela sur les tiges, mais je suis presque sûr que j'ai utilisé cette lumière verte comme [inaudible]. L' un des dangers du tournage sur plusieurs jours. fais juste un glaçage mince ici et puis je passe sur une grande partie de cette zone. Je pense que c'est une approche différente que j'ai adoptée au début, mais cela arrive parfois. Je vais le garder réel avec vous tous. Nous sommes dans le tronçon de la maison pour cette pièce, et ensuite nous aurons juste une autre à faire dans le cours. Encore une fois, je vais choisir un côté pour être le côté sombre, le côté un côté pour être le côté léger. Je pense que je vais rester cohérent avec ce qu'il y a ici. Ce sera le côté le plus sombre. C' est encore le vert mousse. Un peu de vert pomme. vert mousse et le vert pomme sont très similaires, mais le vert mousse est un peu plus sourd et un peu plus sombre. C' est aussi un crayon de luminance, donc c'est un peu plus fin, plus net, ce qui est vraiment agréable pour certaines de ces petites zones de détail. Maintenant, comme je l'ai fait tout le temps, plus je me rapproche de la fin ici, j'appuie de plus en plus fort avec le crayon pour que je puisse obtenir plus d'une couche de couleur opaque. Je vais entrer avec la laitue verte sur le côté clair de la feuille. Ça fait un glaçage uniforme pour commencer. Presser peut-être 50 pour cent, 60 pour cent. C' est la couleur de base. À ce stade, je vais retirer la bande pour que je puisse retourner cela, qui va me permettre de travailler sous plusieurs angles différents sur les tiges, que je puisse obtenir ces belles lignes nettes. Je m'excuse à l'avance si ça te rend étourdi, j'espère que ce n'est pas le cas, mais c'est pour ça que je fais tout le filage. Voyons voir. 32. Dentelle de la Reine Anne 10: Avant de faire l'affûtage des bords avec le crayon de couleur noire, je vais entrer avec cette couleur qui est le vert mousse, puis la sève vert lumière, vert printemps. Ensuite, je vais probablement donner quelques faits saillants avec cela, et puis je vais faire les derniers faits saillants sur toute la pièce avec du blanc. À ce stade, comme j'ai tellement de pigments ici, il est encore plus important pour moi d'utiliser mon repose-main. vert sève est la couleur de l'ombre. Maintenant, je dois décider lequel je veux être devant. Je pense que je veux que cette tige soit derrière celle-ci, mais devant celle-ci, ce qui signifie que je dois mettre une petite ombre portée là-bas pour faire croire qu'elle est en face. Ça n'a même pas besoin d'être trop intense. Vous pouvez voir que c'est comme une ombre très subtile là-bas. Espérons qu'il se porte à l'écran, mais juste avoir ce petit peu d'obscurité, un peu moins saturé, ça l'aide vraiment à s'enfoncer dans le dos et à ressembler à ce qu'il est en dessous. Un peu de la sève verte ici. Cela aide juste à atténuer une partie de l'intensité du vert de printemps, mettre en évidence le vert de laitue juste ici. Un petit point culminant de laitue verte juste là. Il s'agit d'une lumière verte de printemps, et de sève verte pour abattre cette saturation. Je ne veux pas utiliser le vert mousse parce que le vert mousse est ce que j'ai pour l'ombre portée derrière elle. Mais si je mets la mousse verte là-dedans, ce sera juste un peu plus difficile de dire quoi. Un petit point culminant ici pour le faire sortir encore plus. Celle-ci, je veux qu'elle aille derrière cette tige donc je vais mettre l'ombre portée sur celle-ci sur cette tige ici en utilisant ce même vert mousse. Je pense que ça va aller derrière celui-là aussi. Devant, derrière, derrière, devant. Souvenez-vous de ce dont je parlais avec les lignes qui se croisent étant un élément très puissant dans une composition. Ce domaine a été fait intentionnellement. Donc, c'est beaucoup de différentes lignes qui se croisent évidemment, mais cela a été pensé et planifié depuis le début de la pièce. Donc, c'est différent que si nous avons juste des lignes qui se croisent au hasard sans y avoir pensé ou planifié de cette façon. Ces lignes qui se croisent étaient censées être ainsi. Maintenant je pense que je vais faire passer celui-ci en dessous. Il est passé devant ici, je vais le faire passer par ici. Je pense que c'est tout ce que nous devons décider. Venir avec le feu vert sève pour abattre une certaine saturation dans quelques-uns de ces endroits. Encore une fois, c' est un écran de laitue, qui va être un point culminant, mais il y aura toujours le point culminant blanc, qui va être le point culminant le plus brillant que nous ayons. Mais c'est ce que j'utilise si je veux que quelque chose se sent au-dessus d' un autre élément ou composant de la pièce. Plus de sève lumière verte. Maintenant, je vais utiliser le noir comme je l'ai fait sur la pièce de pissenlit pour aiguiser quelques bords, ou les choses sont devenues moins croustillantes que je n'aime, ou peut-être où certaines des tiges sont devenues un peu trop épaisses. Je m'estompe un peu, juste une légère plume très légère. Si je devais faire un contour vraiment dur sur tout, ça finirait par ressembler à un contour même si c'est noir sur noir. Donc je veux juste faire attention à ne pas devenir trop fou avec ça. l'autre côté, je vais essayer de rester avec le vert. C' est la lumière verte sève que je suis devenu gentil et pointu. Je trouve toujours ça plus facile parce que je suis prêt à avoir un avantage net sur quelque chose que je fais face. C' est donc l'une des autres raisons pour lesquelles continuer à tourner le papier. Mais le travail en ligne n'est vraiment pas mon costume fort, donc si vous êtes quelqu'un qui a une main vraiment stable ou si vous vous sentez vraiment confiant avec le travail en ligne, vous pouvez maintenant faire tout autant de retournement. Mais pour moi, puisque je ne me sens pas particulièrement compétent et que je n'ai pas la main super stable, retourner est vraiment utile. Juste un tout petit peu plus étroit. Juste un petit peu. Maintenant, je vais chercher certaines de ces petites frondes et essayer de les aiguiser, et je vais m'occuper de ça sur les bords des feuilles. Alors je pense que nous serons prêts pour nos derniers moments blancs, ce qui est la partie amusante super satisfaisante. Prends juste ces gentils et croustillants. Flançons ça un tout petit peu plus. Je vais prendre les bords de certaines de ces feuilles ici. Ils sont les plus flous pour moi de ce côté-ci. Bon, faisons nos derniers reflets blancs. 33. Dentelle de la Reine Anne 11: C' est un crayon de couleur blanche holbein que je n'ai pas encore eu la chance d'essayer. Je vais l'aiguiser avec celui-ci par opposition à mon four folate de laiton, qui est ce que j'ai utilisé pour la plupart du cours. Parce que les crayons de couleur blanc, bien, holbein crayons de couleur en général, puis crayons de couleur blanc spécifiquement ont tendance à être souvent beaucoup plus doux que d'autres crayons de couleur. Je vais juste voir comment cela se compare au Prismacolor. Le crayon de couleur blanche Prismacolor a été mon saint Graal, crayon de couleur blanche. Si j'appuie aussi fort que possible, c'est à propos de la façon dont je peux obtenir un Prismacolor opaque. Oh wow, c'est si doux, oh mon Dieu. Wow, regarde ça, oh mon Dieu. C' est dingue. Désolé pour l'intensité de ma réaction, vous les gars, c'est un grand développement pour moi. Prismacolor a peut-être été déplacé pour mon crayon de couleur blanche préféré. Je dirai que c'est encore plus miettes qu'un blanc Prismacolor, mais je m'en fous parce que regardez comme c'est opaque, c' est tout simplement sauvage. Prismacolor en haut, Holbein en bas. Je suppose que nous savons ce que nous allons utiliser pour le point culminant ici. On va y aller avec le Holbein. Vous pouvez même voir, j'espère que vous pouvez voir la fin de cela s'est plié juste avec la façon dont je pressais, c'est comme si c'est doux, ça ressemble presque à un pastel à l'huile. Je vais soigneusement couvrir ça ici. Je vais choisir quelques zones pour ajouter mon blanc très opaque. C' est sauvage, je n'arrive pas à croire à quel point c' est opaque . Cela se sent vraiment assez similaire à travailler avec comme un pastel à l'huile ou broyer la couleur néo cendres si vous avez déjà essayé ceux. Sensation très crémeuse, très cireuse, vraiment agréable pour donner ce blanc super opaque. Je ne l'ai pas aiguisé une fois à ce stade, j'ai juste travaillé avec une pointe plus terne. Mais je pense que je vais l'aiguiser un peu plus. J' ai remarqué sur le côté du crayon qu'il dit d'aiguiser avec un taille-couteau. Je pense que ce serait bien si tout ce que tu avais était ça. Mais ce taille-crayon jusqu'à présent a été vraiment génial pour moi avec des crayons fragiles. Cela semble fonctionner correctement jusqu'à présent avec celui-ci, mais je vais en commander plusieurs autres. Juste super excité à ce sujet. Je pense que je vais le faire, ai-je besoin de quelque chose ici, peut-être un ou deux petits morceaux. Je vais l'aiguiser et essayer d'obtenir quelques faits saillants sur les tiges. C' est probablement plus difficile parce que je veux maintenir une pointe pointue pour cela. Voyons voir. Qu' est-ce qu'on en pense ici ? Il se fond bien avec un autre crayon de couleur. C' est tellement opaque, même si je fais un très léger, j'appuyais très fort là-haut sur les fleurs. Mais ici, si j'utilise juste super, super léger vitrage, il est toujours vraiment opaque, wow. Je pense que nous en avons fini avec la dentelle de la reine Anne. Nous avons maintenant deux pièces terminées, la pièce de pissenlit ou j'ai deux pièces terminées. La pièce de pissenlit et la pièce en dentelle de la reine Anne. On va aller de l'avant et passer à la troisième pièce de la classe. 34. Asclépiade 1: J' ai décidé de faire de l'asclépiade parce que c'est très important. Eh bien, numéro 1, je le verrais tout le temps quand on prenait des voyages dans le Maine. C' est très important dans le cycle de vie du papillon monarque. C' est l'un des endroits où ils pondent leurs œufs. J' espère que j'ai bien compris. Encore une fois, je pense que j'aurais dû regarder ça avant de commencer à filmer, mais je sais que c'est super important pour le cycle de vie du monarque et important pour les autres pollinisateurs aussi. Avec cette pièce, comme vous pouvez le voir, j'ai fait un peu plus d'une composition complexe. J' ai d'autres choses qui se passent. Il est plutôt pondéré au centre, mais il a aussi quelques éléments supplémentaires sur le côté. J' ai la plante principale avec les fleurs dessus, puis j'ai aussi les gousses de graines à différents stades parce qu'ils sont juste vraiment intéressant à la recherche. J' ai aussi décidé de le mélanger un peu sur celui-ci et d'y inclure un papillon monarque, car c'est une partie importante du cycle de vie de cet insecte. Avant de plonger ici sur celui-ci, je vais prendre un peu de blanc supplémentaire sur le papier de transfert. C' est devenu vraiment, vraiment brillant sur celui-là. Je pétris ma gomme [inaudible]. C' est beau et collant. Ensuite, il suffit de le presser sur le dessus de certaines de ces zones. Il va en ramasser beaucoup, mais il ne va pas ramasser tout. Sur la dentelle de la reine Anne, je me sentais comme si j'avais laissé beaucoup trop là-bas et je me battais vraiment avec elle tout au long de la pièce, alors je voulais m'assurer de ne pas répéter cette erreur ici. Si vous remarquez que je ne frotte pas d'avant en arrière. Je suis juste en train de presser. frottement d'avant en arrière en enlèvera trop et le rendra aussi un peu désordonné. Comme vous pouvez le voir, il est encore en train de créer un peu de ce halo en dehors des lignes, mais je vais m'occuper de ça comme je l'ai fait avec les autres sujets, donc je ne suis pas trop inquiet à ce sujet. Comme il n'y a vraiment rien de plus à dire à ce sujet et que c'est un peu ennuyeux, je pourrais aller de l'avant et sauter ici, donc vous n'avez pas à regarder tout ce processus. Je pense que c'est bon pour l'instant et nous devrions être prêts à aller de l'avant et à commencer. Je vais construire un peu ma palette ici. Je reviens juste dans le même espace de travail que j'avais laissé et où je travaillais sur la dentelle de la reine Anne. Je vais ajouter d'autres verts ici. Je pense que je pourrais modifier un peu la température du vert dans celui-ci. Ensuite, j'ai aussi besoin de quelques couleurs pour le papillon monarque, et pour le fond violet des fleurs d'asclépiade. Je vais prendre de la lavande, qui est une couleur Prismacolor, lilas, qui est probablement un peu sur le côté cool, mais je vais aller de l'avant et prendre quand même. Pourpre foncé qui est très chaud et Dahlia, qui est également assez chaud, puis cerise noire. Ensuite, j'attrape un peu d'orange, un vermillon pâle, ceux de Prismacolor, puis quelques cornaline de Luminance, et puis je pense que c'est jaune soleil, aussi de Prismacolor. Alors je veux du vert céladon et du vert Kelly. Ce sont les verts plus froids que je pourrais utiliser. On dirait aussi que j'ai besoin d'un brun pour la tige. J' ai aussi besoin d'un peu de brun pour la gousse de graines. C' est la couleur Luminance, c'est ocre brûlé, j'ai brûlé ocre, 50 pour cent, et juste ocre brûlé régulier. Ensuite, c'est russet, une autre couleur Luminance. Je pense que cela fonctionnera très bien pour les gousses de graines. C' est la racine de gingembre, qui est Prismacolor 1084. C' est un peu comme un verdâtre frais, jaune grisâtre. C' est une couleur très agréable, polyvalente, je l'utilise pour beaucoup. Puis Prismacolor brun foncé, chocolat Prismacolor. Alors j'ai du noir ici aussi. Beige saisissant, beige Prismacolor, puis rose coquillage Prismacolor. Ce sujet a beaucoup plus de variété dans les couleurs, donc je ne suis pas totalement sûr quand je vais finir par l'utiliser. Je pense que nous allons commencer en haut à gauche ici et travailler notre chemin vers le bas. Je vais commencer par déco rose, et je vais bloquer certaines de ces petites fleurs, ces petites structures florales ici. Je ne vais pas devenir super, super serré et réaliste avec ça. Cela va être stylisé comme toutes les autres pièces, mais il est toujours utile de noter la structure globale. On dirait que ces petites fleurs ont cinq pétales ou ce qui ressemble à des pétales à l'intérieur. Ensuite, ils ont, comme cinq pétales à l'extérieur aussi et ils sont dans cette grappe ronde. C' est ce que nous allons essayer de recréer dans une certaine mesure. Je vais juste entrer vraiment, vraiment léger avec le rose déco et faire cinq petits pétales. Nous l'avons fait avec la dentelle de la reine Anne, où les fleurs, les petites fleurs qui étaient plus proches de l'avant étaient plus immédiatement visibles, lisibles comme des fleurs. Ils avaient cette structure, ils avaient cette forme. Alors qu'une fois que vous sortez vers le côté de la fleur, ils sont un peu plus diffus et nous voyons juste la couleur globale. Je vais essayer de suivre le même modèle ici. Je vais être moins articulé, moins bien décrit quand je me tourne vers l'extérieur. C' est aussi à cause de la perspective. C' est une balle que nous regardons. Celles à l'avant, nous verrons la vue complète. Mais une fois que nous tournons vers le côté de la balle, nous ne verrons que la vue latérale. On ne verra pas autant de fleurs, donc c'est tout à fait normal. La façon dont cela regarde les bords est cependant que nous voyons la vue de profil essentiellement de la fleur. J' essaie de le dire clairement. Encore une fois, essayer d'éviter d'être trop parfait et trop régulier. C' est le premier. Je suis juste en train de trouver la structure ici, de comprendre ce que je veux finir par faire sur les autres. Appuyer sur 25 pour cent de ce que je pourrais appuyer. Je ne sais pas à quel point vous regardez attentivement la photo de référence, mais la photo de référence, ce petit globe ici, était en fait partiellement décomposée. Mais je vais aller de l'avant et en faire un tour. Je me suis juste fait tout le chemin. Ça a l'air décent. Je pense que je vais faire la même chose ici. Je fais juste ces cinq petits pétales intérieurs. Je vais essayer de décrire les pétales extérieurs, certains, mais je ne vais pas être aussi détaillé sur ceux-ci parce qu'ils vont être plus bas. 35. Asclépiade 2: Juste quand vous travaillez à cette échelle de toute façon, vous devez prendre des décisions sur ce qu'il faut garder ou ce qu'il ne faut pas garder. Si vous travaillez sur une très grande échelle, vous pouvez obtenir à peu près n'importe quelle quantité de détails que vous voulez, mais c'est une pièce assez petite, donc nous sommes vraiment limités dans la quantité de détails que nous pouvons entrer. J' appuie toujours très léger. Si vous n'avez pas de rose déco, si vous venez de rougir rose dans la gamme Prismacolor, cela fonctionnerait bien aussi. Ce dont nous avons besoin, c'est vraiment juste un rose doux avec beaucoup de blanc dedans. Je suppose que vous pourriez même utiliser du blanc si vous le vouliez. Je dois juste aller très doux pour m'assurer qu'il ne soit pas trop lourd. Je pense que je vais nettoyer certains de ces trucs blancs supplémentaires du croquis. Je suis devenu plutôt désordonné quand j'essayais de retirer le supplément. Juste pour que je puisse voir ce qui est quoi. La même chose ici. Vous ne pouvez vraiment voir l'angle latéral de la fleur, je dois tenir compte de la réduction. Alors je pense que j'ai besoin d'une autre couleur. Je pense à la couleur henné, qui est un Prismacolor, et je garde le mien en rouge. Ici, c'est lui ? Je pense que oui. Oh non, c'est rouge acajou, mais ça a l'air bien aussi. En fait, on pourrait l'utiliser. Voilà le henné. Nous avons trois options différentes en sourdine ou rougeâtre ici. Voyez si ça va être mis au point pour vous. Je pense que ça va très bien marcher pour l'intérieur de l'asclépiade. Pour les pétales inférieurs intérieurs. Je pense que le henné est ce que je veux, car c'est le plus rose, le plus saturé. Mais je pourrais finir par utiliser du châtaignier, qui est le moins saturé, ou de l'acajou, qui est un peu plus violet. Ensuite, nous pouvons venir avec les couleurs plus vives comme ceci est ce que je pensais d'abord que je pourrais utiliser une lavande pour, mais c'est juste si léger et si saturé. Je pense que ce sera trop si j'y vais depuis le début. Je vais commencer par le henné et je vais essayer de décrire certains de ces petits pétales. Je vais l'obtenir bien et tranchant, et ma superglue devrait être sèche maintenant donc je vais retirer cette cassette. C' est ce que je fais quand un crayon est trop court pour aller dans une extension de crayon plus. Je le colle sur une cheville avec de la superglue, cette façon je peux utiliser tout le crayon. Je suis en train de vérifier ici sur la structure, donc beaucoup de temps les fleurs qui ont ces deux couches de pétales auront l'intérieur et ensuite le pétale extérieur sera entre deux des pétales intérieurs. C' est ce que nous avons ici. Je vais suivre ce modèle. Je fais la même chose qu'avec les pétales extérieurs. Juste les serrer entre les deux, c'est une autre chose agréable à travailler sur le noir. Nous allons avoir tout cet espace négatif déjà rempli, ce qui aidera à créer un sentiment de profondeur. Maintenant, ces bien ont probablement besoin d'avoir quelques faits saillants ajoutés à eux, mais ce sera une bonne couleur de base, je pense. Alors quelque chose d'autre qui se produirait puisque c' est un dôme, c'est que lorsque nous arrivons vers l'extérieur du dôme, nous verrons plus de densité des fleurs intérieures plus légères parce qu'elles collent plus haut. Quand nous regardons directement le dôme, quand nous le regardons droit, nous allons voir l'intérieur fleurir , puis le vraiment visible l'extérieur fleurit. Mais alors que nous nous dirigeons vers le côté du dôme, nous allons surtout voir les fleurs intérieures parce qu'elles s'accrochent plus loin. C' est pourquoi nous allons avoir plus d'obscurité, plus de pourpre visible au centre, et alors que nous allons vers l'extérieur, ce sera plus blanc et rose. Cela commence déjà à évoquer une fleur d'asclépiade. Toujours pas tout à fait là. Bien sûr, que nous sommes sur la bonne voie, je pense. Comme je le disais dans la dernière leçon, les premières parties d'un sujet sont toujours les plus longues. Parce que c'est là que vous testez vos théories quant à l'approche que vous voulez utiliser ou la façon dont vous voulez faire ressembler quelque chose et que vous le testez un peu. Voyez comment vous l'aimez, puis si ça a l'air bien, continuez dans cette direction et sinon, vous avez changé de direction et ce processus prend plus de temps que d'exécuter la même chose encore et encore. Faire un peu presque d'un glaçage ici et nous allons ajouter plus de pétales visibles avec du blanc plus tard. Ils ont l'air assez bien jusqu'à présent. Je sais que je vais vouloir augmenter le sens de la profondeur, de l'épaisseur, en ce moment ils lisent comme très aéré parce que je n'ai pas encore posé quelque chose de super lourd vers le bas. Mais je sais que je vais vouloir ce sens plus solide parce que c'est en fait à quoi ils ressemblent dans la vraie vie. Ils n'ont pas l'air aussi aéré qu'un pissenlit par exemple. Je viens ici avec le rouge acajou , un peu plus frais et juste remplir quelques petits espaces. Maintenant, avant de faire trop de choses sur ceux-ci, je pense que je veux faire un peu sur la tige et un peu sur la feuille. Je vais faire la même chose que j'ai fait avec les deux dernières pièces qui sont là où je vais obtenir un peu de formule dans la structure des feuilles. Je pense que je vais utiliser Kelly Green pour le vert plus foncé et ensuite peut-être le feu vert de sève ou potentiellement, c'est quoi celui-ci ? Vert brumeux de Holbein. Voyons voir. Comparons ces deux-là. C' est vert brumeux, c'est assez sourd, doux, léger, vert sève, Prismacolor. Ils sont très proches, si vous avez juste Prismacolor, je dirais que vous êtes tout à fait bien d'utiliser celui-ci. Le feu vert sève est un peu plus saturé et un peu plus sombre, mais puis le vert brumeux, je pense que ça va bien fonctionner comme un point culminant, avec le vert Kelly. Je finirai peut-être par utiliser les trois, mais je pense que ces deux seront ceux sur lesquels je compte principalement. Je vais avoir ça pour être le côté plus sombre, je pense, parce que vu que c'est contre la fleur. Je fais juste un glaçage léger. Oh, tellement plus facile d'effacer un peu de ce blanc, ne pas avoir à couvrir ça. Je pense que je vais effectivement commencer avec la sève vert lumière, juste pour vraiment glaçage clair et ensuite je vais passer sur le vert brumeux. 36. Asclépiade 3: Changer d'avis est tout à fait normal et fait partie du processus. Je le fais tout le temps. Je viens avec un plan pour faire quelque chose, puis je finis par changer une petite chose à ce sujet et ensuite le fais comme plan au lieu de ce que j'avais initialement prévu. Oui, c'est une partie très normale du processus créatif. Tu n'as pas à savoir où tu vas aller dans un bon endroit. Eh bien, tu n'as même pas vraiment besoin de savoir où tu vas, je pense, pour aller quelque part bien. Finalement, tu apprends. D' accord. Je cherche, voyons, est-ce que je veux celle-là ? Peut-être que je le fais. Je vais prendre ce vert mousse pour éclairer le petit écran qu'on utilisait hier. Trop léger. Vert prussien peut-être ? Oui. Un peu du côté saturé, mais nous voulons quelque chose qui soit plus d'une vraie ombre sous cette fleur là-bas. Voilà vert foncé. En fait, je vais retarder ça une seconde. Ces feuilles ont un aspect très brillant et cireux. probablement je vais aller avec plusieurs couches ici pour construire ça. C' est mon premier, donc je prends plus de temps ici pour que je puisse développer ce que je veux vraiment en tant que structure globale. Alors ce sera beaucoup plus rapide une fois que je l'exécuterai sur les autres. Appuyer assez fort maintenant puisque je veux obtenir une belle couche épaisse vers le bas. Maintenant, je vais entrer avec le vert brumeux. Je vais frapper certains de ces domaines que je m' attendrais à ce qu'il y ait plus d'un véritable point culminant. Tu peux être un peu plus net sur celui-là. Tout comme nous l'avons fait tout au long de ce processus, nous allons attendre à ajouter n'importe quel vrai blanc ici. Je reviendrai et je le ferai une fois que nous serons sur le point d'être finis. Appuyer avec environ 80 pour cent de force en ce moment. En descendant vers la base, je pense que je veux que ce soit plus un ton moyen. Il va toujours être plus léger que l'autre côté, mais je ne veux pas qu'il soit aussi brillant qu'en haut. Puis glaçage sur un peu de vert Kelly. Pas une couche vraiment lourde, mais juste un peu pour abattre légèrement la luminosité. En appuyant très doucement. Peut-être ajouter un peu de vert prussien ici. Oui. Je pense que c'est un bon début pour les feuilles. Ajoutez un peu plus d'obscurité là-bas, mais oui, je pense que c'est un bon début pour les feuilles. On dirait que la tige saigne. C' est plus d'une couleur brunâtre pour moi. Je pense que je veux faire quelque chose d'assez calme qui n'attire pas beaucoup l'attention sur lui-même. Je veux faire cette couleur bronze pour la tige. C' est en fait un peu du côté épais, ce qui est intéressant. Épais et [inaudible]. Comme tous les autres, si je finis avec trop d'épaisseur ici, je vais juste nettoyer le bord avec un crayon de couleur noire une fois que nous arriverons vers la fin. Kelly Green, je travaille sur la face inférieure de la feuille. Vous pouvez avoir des dessous des feuilles plus foncées ou plus claires. Ça n'a pas vraiment d'importance. Vous avez juste besoin d'être cohérent avec celui que vous choisissez. Changer légèrement la forme de celui-ci. Sap vert clair, vert brumeux. Un peu enroulé avec le vert Kelly. Revenir avec la sève verte. Je pense que j'ai besoin d'un peu plus d'obscurité, donc je vais avoir un joli avantage sur le vert prussien ici. Chaque fois que vous travaillez avec des lumières et des sombres où il n'y a pas énorme de différence de valeur entre eux, surtout dans une petite zone comme celle-ci, il peut être un peu difficile de voir ce qui se passe. Ajouter juste un petit peu plus d'une couleur foncée, une couleur qui est plus radicalement séparée sur le spectre de valeurs peut vraiment aider à rendre les choses sensées. D' accord. Je pense que je vais prendre du chocolat par Prismacolor et faire un peu de travail sur les tiges, et ensuite les rapprocher d'être finis. Cela me donnera une bonne idée des couleurs et des valeurs globales de la pièce et de l'endroit où nous allons aller avec les choses. Le chocolat est encore un peu sur les côtés saturés. J' ai peut-être besoin d'apporter un peu de brun foncé, qui est un autre Prismacolor, juste beaucoup moins saturé. 37. Asclépiade 4: La tige est assez sombre, donc je pense que ce que je vais faire pour les ombres sur la tige est d'avoir l'ombre qui descend au centre, puis qu'elle soit un peu rétroéclairée de chaque côté, donc il y aura la zone lumineuse à venir en bas de chaque côté. Cela va juste l'aider à lire un peu mieux. Aidez-le à sortir du noir plus. C' est du rose coquillage. J' utilise juste ceci pour créer cette petite touche de bord, et puis je vais ajouter un petit peu de texture avec elle aussi, juste pointiller ici, pour me donner une impression que cette tige est plus rugueuse, plus texturée, par opposition au vert vraiment brillant provient de ce sur quoi nous étions en train de travailler. C' est plutôt bien. Voyons maintenant. Maintenant, pour comprendre avec ces fleurs intérieures, avec ces pétales intérieurs plutôt, comment les faire paraître un peu plus dimensionnels. ce moment, ils sont assez plats. Essayons un peu de cette lavande, la lavande Prismacolor. Voyez à quel point c'est intense. Super léger, 10 pour cent peut-être, juste le vitrer sur le dessus. Je pense que c'est bon. Je pense que ça pourrait marcher. J' essaie juste de tracer le bord d'un pétale. C' est en fait à quoi ça ressemble dans la référence. Le point culminant semble suivre le bord du pétale, et le rendre un peu plus clair ce qui est quoi. Oui, ça aide vraiment. J' espère que ça continue sur la caméra. C' est très subtil, mais ça le rend beaucoup plus visible, et ensuite je vais attraper l'acajou. En fait, peut-être que je devrais attraper le châtaignier. Où est passée la châtaigne ? Oui, l'acajou est encore assez saturé, donc ça sort vraiment. Châtaigne, non. Peut-être une cerise noire. Essayons ça pour l'ombre. Oui, c'est bien. C'est ce qu'on va utiliser, cerise noire. Techniquement, j'aurais pu utiliser mon papier d'échantillon pour ça, et parfois je le fais, mais je travaille depuis un petit moment sur ça. Maintenant, je suis dans la zone. Je voulais juste le mettre sur le journal. Maintenant, si vous vous souvenez de la dernière pièce, de l'incroyable blanc que nous avons découvert, l'incroyable Holbein blanc doux. Je vais garder ça pour la toute fin, et je vais utiliser ce blanc Prismacolor pour voir faire la même chose que je viens de faire aux pétales extérieurs, à ces pétales intérieurs. Je dessine un petit contour blanc le long du pétale, ce que je vois dans la référence. Puis j'ai aussi mis un petit peu de blanc au centre. Essayons avec ces trois, et on verra à quoi ça ressemble. Je vais revenir avec le rose déco. C' est, je pense, rose poussiéreuse, je pense que c'est le nom de ça. C' est un Prismacolor, c'est PC1018. Enlever une partie de cette cassette parce que je n'en ai plus besoin. Ceci est similaire en termes de valeur au rose déco, mais il est beaucoup moins saturé. Ça va lire un peu plus comme une ombre. Si je regarde la référence, ces choses ne sont pas super, super saturées. Maintenant, je vais aller dans la partie centrale de chacun de ces petits pétales, et poser ça un peu plus lourd. Voyons si ça marche. Ouais, je pense que ça a l'air bien. Je vais faire un peu plus de ces contours blancs. Les centres blancs. Ouais, si nous faisions juste une de ces fleurs vraiment grandes, il y aurait tellement de détails intéressants que nous pourrions entrer dans. Mais nous ne serons pas en mesure de faire tout ça à cette échelle. Avoir à garder cela vraiment forte, sinon nous perdons ce bord assez rapidement. Une autre chose que vous pouvez faire pour garder le bord est de faire pivoter le crayon comme un quart de tour chaque fois que vous le déplacez. Vous devrez toujours l'aiguiser, mais cela vous permet d'économiser un peu. Cela vous fait gagner un peu plus de temps avant d'avoir à le faire. Ensuite, je vais revenir avec la rose poussiéreuse, et ajouter un peu au centre de chacun de ces pétales. Oups, cerise noire. J' ai pas besoin d'une tonne de ça. Ce n'est que quelques petits points d'ombre. Maintenant, je pense que je vais prendre le rose déco à nouveau, et faire un peu plus lourd couché autour de l'extérieur. Vous pouvez voir à quel point ce développement fait une différence dans celui-ci par rapport à celui-ci. Celui-ci semble juste beaucoup plus lourd, beaucoup plus solide, beaucoup plus solide, et les détails sont beaucoup plus visibles et lisibles par rapport à celui-ci. Cela dit, si vous n'êtes pas obsédé par les détails comme moi, vous n'avez pas à aller aussi loin. Vous pouvez l'amener ici, et le laisser à ce moment-là si c'est le regard que vous aimez. J' appuie probablement sur environ 70 pour cent, et j'essaie de faire croire que ce sont les vues de profil de certaines de ces petites fleurs. En fait, je fais des formes de pétales plutôt que de simplement griffonner à l'extérieur, ou de faire un glaçage. En fait, en essayant de créer une petite structure florale. J' aurais probablement dû le faire d'abord, puisque maintenant je vais devoir être au-dessus de celui-ci et la salir, mais, oh, eh bien. Maintenant, je vais passer par le haut avec un peu de blanc. vais juste suivre certains de ces pétales que j'ai couchés, en appuyant sur environ 80 pour cent. Mais encore une fois, c'est le blanc Prismacolor, donc nous allons sauver ce blanc Holbein super opaque. 38. Asclépiade 5: Maintenant hier, après avoir terminé le tournage, j'ai posté sur ce crayon de couleur blanche sur Instagram et un certain nombre de personnes ont suggéré le Darwin, blanc chinois aussi. Mais c'est un autre qui est vraiment sympa et opaque en plus de celui dont j'ai parlé hier, celui de Holbein. Si vous ne trouvez pas le Holbein ou si c'est plus facile pour vous d'obtenir Darwin ou quoi que ce soit apparemment, blanc chinois de Darwin est également très agréable et opaque. C' est encore du henné. J' essaie de remplir un peu de noir qui est sur le côté ici. Si nous finissons avec l'ombre le long de l'extérieur, c'est plus sombre que ce que nous avons à l'intérieur qui va gâcher l'effet que nous avons en cours. Je vais mettre un peu de cette lavande là aussi, juste me faufiler entre les deux partout où je vois un peu de noir jeter un coup d'œil. Peut-être même un peu d'acajou. C'est sympa. Maintenant, ça peut être exagéré. Je ne suis pas sûr si elle va même porter, mais je pense que je vais essayer de faire une petite ligne avec la châtaigne juste autour du centre de chacune de ces petites fleurs. Ouais, c'est sympa. C' est vraiment subtil, mais ça aide à rendre cette partie plus claire. J' ai seulement besoin de le faire sur ces quelques centres, je n'ai pas besoin de l'obtenir vraiment nulle part ailleurs. Maintenant, faisons la même chose à cette autre fleur. Combien d'autres fleurs nous avons dans cette pièce, au fait. Eh bien, tout un groupe de trois de plus là-bas. Ce sera le plus long, je pense. Je vais d'abord faire la lavande sur les bords des pétales de henné. Cela devrait, j'espère, aller un peu plus vite. Je traçais chacune de ces petites lignes. Puisque je sais que je voulais faire ça, remplissez certains de ces points sur celui-ci. Je vais aller de l'avant et juste jeter un peu dans certains de ces espaces négatifs, ces zones noires en ce moment depuis que je suis là. J' ai obtenu la plupart de ces énoncés ici. Maintenant, je vais passer au blanc, et je vais faire le blanc sur les fleurs intérieures. Ce serait très difficile avec ce blanc super doux parce que même celui-ci a du mal à maintenir un point. On y va. Maintenant, je vais entrer avec une rose poussiéreuse et faire le centre de chaque pétale Un peu plus de celui-ci forme couché. Maintenant, je vais utiliser la châtaigne pour encercler ces centres, un peu d'ombre au centre. Faire cela dans un ordre différent de celui que j'ai fait dans le dernier. Le dernier, j'ai mis la partie lumineuse au centre d'abord , puis je l'ai tracée avec un châtaignier. Voyons, je pense que je vais faire le décor rose pour le centre. Il n'y a pas mieux de faire le châtaignier en second lieu sinon certains d'entre eux sont tachés. Maintenant, je ne sais pas parce que je ne regarde pas l'horloge, mais j'ai l'impression que celle-ci va beaucoup plus vite. Depuis que je sais ce que je fais. En fait, je veux la cerise noire. J' utilise ça pour combler quelques petites lacunes ici au centre. Puis en me dirigeant vers l'extérieur, je vais combler les lacunes avec l'acajou. Je ne vais pas les faire tous encore, attrapant quelques uns et ensuite je vais faire les pétales, les pétales extérieurs. Obtenir une autre belle pointe pointue sur le décor rose ici. J' essaie de faire des profils visibles de ces petites fleurs. Si j'ai l'occasion de faire un bâton un peu plus loin que les autres, ça aide vraiment à l'empêcher de regarder trop matchy matchy et parfait. Je ne sais pas si vous pouvez entendre cette musique bruyante, mais il y a une brasserie juste à côté de mon studio. Ils aiment vraiment écouter le death metal pendant qu'ils font de la bière. Maintenant, je vais faire ce que j'ai fait ici où je me suis évanoui un peu pour lui donner ce sens de courbure, la sphère qui se courbe. Un peu de blanc ici aussi. Faites-le sentir plus dimensionnel. Maintenant, je vais entrer avec le petit henné, prendre certains de ces endroits entre eux puis un peu avec de la lavande. Je veux toujours appeler celle-là lilas et celle-là lavande, mais c'est l'inverse. Je ne suis pas très content de cet angle là-bas. 39. Asclépiade 6: On va déménager un peu dans l'usine. Je pense que nous ferons peut-être ce morceau de feuilles ici et cette gousse de graines. Ensuite, nous allons passer de ce côté ici, qui va être le côté général, le côté beaucoup plus complexe. Ici, j'ai le fond de la feuille comme le vert plus foncé, qui est vert Kelly. Je vais essayer d'être cohérent avec ça. C' est un dessous ici, et c'est un dessous ici. Faisons juste un glaçage rapide pour les mettre en place et puisque nous allons faire un gros tas de feuilles en ce moment, je pourrais juste aller de l'avant et assommer toutes les zones de Kelly Green où je sais que je vais vouloir un glaçage de ce particulier couleur. C' est Kelly Green. Cette partie ici est un autre dessous, cette petite partie ondulée ici. Je vais le faire descendre. Une autre raison pour laquelle il peut être utile de le faire en dehors de gagner du temps, est juste si vous faites un grand groupe de verdure comme celui-ci, il pourrait être facile de se perdre là-bas et ensuite vous faites la mauvaise section, la mauvaise couleur ou vous utilisez le mauvaise couleur sur la section particulière, puis vous finissez coincé parce que vous voulez créer cette cohérence. Maintenant, c'est ce que nous essayons de faire ici parce que c'est plus stylisé. Encore une fois, si nous essayions de faire une représentation super réaliste, nous serions simplement en train de suivre ce que nous avons dans la référence. Nous essayerons également de travailler plus avec l'image de référence unique car l' éclairage est très important pour l'ultra réalisme. Mais comme c'est juste un réaliste, mais stylisé, nous prenons plus de libertés avec l'éclairage et en utilisant une approche plus stylisée, ce qui exige juste que vous soyez cohérent tout au long. Que se passe-t-il là ? Laisse-moi voir. Je vais nettoyer un peu, je peux gâcher ici avec ce blanc supplémentaire. Je pense que c'est un autre côté inférieur juste là. Beaucoup de Kelly Green. Maintenant, je ne veux pas perdre ce bord. Permettez-moi de le marquer rapidement avec un peu de vert foncé. Maintenant, l'asclépiade, je remarque que je regarde de plus près ces feuilles. Il a une structure veineuse assez visible, mais je pense que nous pouvons simplement simplifier cela et inclure peut-être la veine centrale qui coule sur chacun. Mais je ne suis pas sûr que nous allons rendre toute la structure veineuse visible parce qu'il y a déjà beaucoup de choses dans cette pièce et je veux garder cette simplicité stylisée. Celle-ci est aussi une face inférieure. Celui-ci est en dessous, celui-là est à l'intérieur. Je pense que je vais les sauver. Mettons-nous cela articulé. Maintenant en voici un où il serait agréable de voir une tige vraiment visible. Je vais commencer avec la même couleur que j'ai utilisée, ou désolé, une veine vraiment visible. Je vais le faire. Ensuite, nous verrons peut-être que nous ajouterons un peu plus de veines en fonction de la complexité de cela plus tard, mais ce sera bon pour un point de départ. Je suis devenu un peu trop épais sur celui-là, mais je vais le réparer avec un vert plus tard. Ensuite, je vais faire la sève verte lumière, juste une fine couche et ensuite je vais passer dessus avec le vert brumeux. Je vais commencer à tordre un peu cela pour que je puisse travailler à obtenir plus de ces bords nets et couvrir tout le blanc restant de l'esquisse. C' est dimensionnel, il y a une courbe à elle. Je pense que je vais ajouter un peu de lumière verte de sève comme point culminant du dessous sur une ou deux de ces courbes. Ça va avoir l'air beaucoup plus intéressant. J' ai juste un gros avion plat. Un peu de vert prussien mélangé ici pour un peu plus de saturation. Ça a l'air bien, je crois. J' ai accidentellement attrapé un peu de brumeux vert. Un petit point culminant de bord là-bas. De ce côté, ça va être la même chose, sève la lumière verte. Je ne suis même pas très prudent avec mes marques ici. Je gribouille juste d'avant en arrière parce que je fais ce glaçage plus mince et je sais que je vais revenir et avec beaucoup plus de pression dans les couches suivantes. Kelly Green, pose ça un peu plus épais. Encore une torsion. Ajoutons un peu de tige ici, je vais la rendre plus épaisse à la base et la faire reculer quand on monte la feuille. Je vais mettre une partie du vert prussien à la base de la feuille ainsi pour lui donner un sens de la courbe. Cela doit être affûté. 40. Asclépiade 7: Alors faisons un peu de vert mousse. Maintenant, laissez-moi réfléchir, comment puis-je aborder cela ? Je pense que je vais le rendre le plus léger sur le bord extérieur, puis le faire fondre vers le centre et ensuite je ferai un autre surlignement le long de ce bord. Maintenant, j'ai pris cette décision en regardant une des feuilles qui est dans la référence, celle-ci juste ici, il y a un point fort fort le long du bord de la feuille, et puis il y a un autre point fort fort ici. Maintenant celui-là, nous avons un peu de lumière qui brille à travers le fond de la feuille. C' est un peu plus complexe que ce que nous avons. Nous avons juste l'ombre sur le dessous, et puis en haut nous aurons un point culminant, mais ce ne sera pas aussi intense que ça, mais c'est le plan global. La plus légère sur les deux bords, puis la décoloration vers plus d' un ton moyen que nous descendons loin du bord de la feuille. Sap vert clair, vert prussien, un peu de vert Kelly ici à la fin pour le faire sentir courbé. Sap feu vert à nouveau, en appuyant vraiment dur. Vert brumeux le long de ce bord supérieur ici. White va être vraiment utile pour cela aussi quand viendra le temps de l'ajouter. En fait, je vais changer d'avis. Je pense que c'est trop confus, ça ne lit pas très bien. J' ai un point culminant en plus de ça. Je vais couvrir ça. Heureusement, ce n'était pas blanc pur et ce n'était pas trop intense, et puis je vais ajouter une ligne de vert prussien en en fait. J' ai l'impression de perdre une partie du bord tranchant et net de la feuille. On y va, c'est beaucoup mieux. Je vais apporter du vert foncé ici, aider à couler un peu plus. Maintenant, je vais revenir avec le bronze pour la tige à l'intérieur et ensuite j'ai utilisé, qu'est-ce que j'ai utilisé ? J' ai utilisé du chocolat un peu au centre, puis brun foncé au centre. Ensuite, j'utilise le rose coquillage pour obtenir ce petit point culminant de bord, le point culminant enveloppant. Ensuite, j'utilise aussi le rose coquillage pour m'aider à texturer un peu la tige. Ajoutez un peu d'ombre ici pour qu'il semble qu'il soit assis à l'intérieur de cette feuille. Je ferais mieux de qualifier ça pour que je puisse avoir un avantage plus net. Je devrais probablement attendre, mais je veux juste que ça soit arrangé. On a fini avec le noir ici. Maintenant sur celui-ci, puisque nous avons le vert Kelly dans l'ombre, cette partie de la feuille sera la plus légère, et cette section sera plus sombre, probablement pas aussi sombre que la face inférieure, mais cela va être semblable à la façon dont nous abordons cette question ici. Encore une fois, juste faire un glaçage léger vraiment mince et puis sève la lumière verte ici. Depuis que je suis là, je vais faire le feu vert de sève de ce côté aussi. Maintenant à peu près juste suivre exactement ce que j'ai fait pour cette feuille puisque je sais que cela fonctionne. Je pose ce Kelly vert un peu plus lourd ici, et j'ajoute un peu de lumière verte à la pointe extérieure pour un point culminant, puis je vais utiliser un peu de vert prussien parce que je veux vraiment que celui-ci s'assied un peu. C' est sous cette feuille, donc je veux qu'il se sente derrière les autres. Vert foncé ici. Je vais venir ici avec brumeux vert, qui est le plus léger. J' aurai un point culminant à la fin. Mettez en surbrillance vers le bas. Lumière verte de sève. Appuyer assez fort ici parce que je veux créer beaucoup plus d'opacité. Vert prussien, semblable à ce que j'ai fait ici. Je vais aussi mettre un peu de ça au centre de cette feuille comme je l'ai fait ici, et ensuite revenir avec le Kelly Green. 41. Asclépiade 8: Tournez-le ici pour que je puisse l'obtenir belle et croustillante sur le bord. J' essaye juste un peu vert foncé dans celui-là. Le vert foncé a une température beaucoup plus fraîche, beaucoup plus bleue, plus saturée que certains de ces autres verts. Si je l'ai sur certaines feuilles et pas du tout dans d'autres, ça a l'air un peu bizarre. J' ai besoin d'ajouter quelques endroits pour le rendre cohérent. Ici, je vais le faire à l'intérieur, ce qui est un peu un flip-flop d'un que j'ai eu sur d'autres. Vert prussien. Nourrir le vert prussien dans le vert Kelly ici. Kelly vert Vous pouvez voir une fois que vous obtenez toutes ces couches vers le bas, il commence vraiment à avoir l'air assez agréable et crémeux enfin. Un peu de vert prussien sur le bord de ceux-ci. Je pense que celui-ci a encore besoin d'un peu plus de vert foncé, sinon, la couleur semble juste trop différente des autres feuilles. Feu vert sève par ici. Vert brumeux. Vert prussien. Je vais faire la même chose que j'ai fait sur celui-ci, a la petite ondulation au bord où j'ajoute un peu de vert prussien à l'intérieur de la vague pour donner l'impression qu'il pousse vers le bas, et ensuite je vais utiliser un peu de vert sève lumière comme point culminant, même sur la face inférieure ici. Puis je reviens avec un vert Kelly pour l'adoucir et le mélanger dans le vert sève. Non, pas celle-là. Pas vert sève, vert prussien. Je pense que je veux ajouter un peu de tige sur celui-ci aussi. Pas de tige, veine centrale. J' aime la façon dont ils ont l'air. Un peu plus de vert prussien et je vais mettre un peu vert foncé dans le coin ici pour que ça s'enfonce vraiment. J' ai une belle pointe sur le vert Kelly ici, donc je vais venir pour essayer d'obtenir un point très net sur cette feuille. On y va. Vert brumeux. Je vais coller un peu de Kelly Green ici dans le coin pour l'aider à couler. Mettez plus de vert brumeux le long du bord ici. Pendant que je suis là, je vais faire ce petit morceau de bronze , puis chocolat et brun foncé. Comme il passe sous quelques endroits, je vais mettre un peu d'une ligne de brun foncé, presque comme une ombre coulée, puis un peu de coquillage rose. On est en train de brancher. Sap lumière verte à l'intérieur de cette feuille ici. Je vais aller un peu, en fait, mettre un peu de vert prussien. Même chose à l'intérieur de la petite ondulation, je l'utilise pour créer une certaine dimension et puis sur le côté ici apporter un peu lui vert dans, où il semble qu'il s'enfonce derrière ces autres feuilles ou où je veulent le faire ressembler de cette façon. Puis un peu plus du vert Kelly, cette fois avec une pression plus intense. Décoloration dans le vert prussien. Je vais ajouter cette veine centrale avec le bronze, puis un peu de vert brumeux ici sur les sommets, les reflets de l'intérieur de la feuille. Lumière verte de sève. Je pense que le blanc va vraiment aider quand je l'apporte sur certaines de ces feuilles. Ça va vraiment aider avec la dimension. En ce moment, certains d'entre eux se sentent un peu à plat. Eh bien, un peu de Kelly vert ici dans le coin. Celui-ci est à peu près juste en dessous, c'est visible. Je vais ajouter un peu de vert prussien. 42. Asclépiade 9: Le vert foncé, puis le vert kelly. Un peu de sève lumière verte comme un point culminant ici à la fin. Revenir avec un vert Kelly pour l'intégrer. Maintenant, je fais une pause sur les feuilles et je pense à ces petites gousses de graines ici. Maintenant, ces gars sont ce que je voulais pour ces blues sagey vraiment cool. Ils ont l'air très intéressants, ils sont pointilleux. C' est du céladon ? C' est PC 1020, c'est Prismacolor. Alors où est l'autre ? C' est céladon, vert céladon, et puis c'est vert jade. Ce sont les deux que je crois que je vais utiliser. C' est le point de départ pour ça. Nous avons probablement besoin de tirer dans une couleur différente, un vert pour une ombre. Je vais commencer par le vert jade parce que c'est un peu plus léger. Ils sont tous les deux super légers. Je vais prendre Kelly Green pour l'instant et mettre un peu le long du centre. En fait celle-là, je pense que la scène sera moins visible. Faisons juste un peu de glaçage vert jade. Très léger ici, pas vraiment trop pressant. Je pense que cela va être l'un des composants les plus difficiles. Ces petites pointes qui sont sur la surface vont être difficiles à faire avec un crayon de couleur. Très peu de traits circulaires doux, 20 à 25 pour cent de la force que je pourrais presser. J' essaye juste de faire tomber toute la surface et ensuite nous allons réfléchir à la dimension, à la façon dont elles sont formées, à la façon dont nous voulons créer un sens de la forme. Et enfin, je vais penser à la texture, aux petites choses épineuses. La tige est en fait similaire à la couleur des feuilles. Je pense que je vais utiliser la lumière verte de sève comme base pour cette tige, puis je reviendrai avec autre chose plus tard. Vert céladon, ce n'est vraiment pas beaucoup plus sombre. C' est un peu plus sombre et un peu plus vert, mais ce n'est pas beaucoup plus sombre. Essayons l'ardoise pour une couleur d'ombre ici. C' est Prismacolor, gris ardoise, qui est aussi assez léger. Voyez quelles autres options nous avons pour le vert. Nous n'avons peut-être pas exactement la bonne couleur, nous devrons peut-être en mélanger une, mais essayons quelques-unes ici. Je suis un peu perdue donc je ne veux pas continuer à m'empiler, sinon je finirai par remplir le papier. Je ne suis pas sûr de quelle couleur c'est, mais c'est PC 109. C' est une belle obscurité, mais c'est encore assez chaud. C' est vert olive, c'est un grand vert. Cela fonctionne très bien pour beaucoup de feuilles, mais je pense qu'il est encore assez chaud pour ce vert mousse. Très chaud en fait. Maintenant, je prends le cobalt turquoise. Voyons à quoi ça ressemble. C' est une bonne couleur, mais c'est trop saturé, beaucoup trop brillant. Que se passe-t-il si je mélange cobalt turquoise et gris ardoise ? Voyons voir. Je vais faire vraiment mince cobalt turquoise, puis un peu de gris ardoise sur le dessus. C' est une très jolie couleur, mais je pense que c'est encore un peu du bon côté. Que diriez-vous du cobalt turquoise et du céladon ? Aussi, très lumineux et saturé. Ça peut être trois couleurs. Que diriez-vous du cobalt turquoise ? Où est allé vert olive ? En fait, je me demande si la pression verte fonctionnera pour ça ? Pression verte, puis sauge. Ça regarde de plus près de ce que je veux. Essayons ça. On va voir comment ça se passe. Je peux dire que je vais toujours avoir besoin d'une autre couleur vraiment sombre là-bas, et je pense que je pourrais juste compter sur un gris très foncé. C' est gris français, je pense, 90 pour cent gris français. Non, c'est un gris chaud à 90 %. Je pose ça un peu dans l'ombre la plus profonde parce que j'ai déjà quelques couleurs qui ont beaucoup de blanc dans cette ombre profonde et je ne veux pas en mettre trop. Comme si ce gris avait du blanc dedans, le vert céladon a du blanc dedans. Si je deviens trop blanc là-dedans, je ne pourrai jamais le rappeler. Oh mec, il a l'air si brillant mais faire une turquoise de cobalt vraiment mince. Alors je vais faire un peu ici. Shadow part ici, et un peu ici. J' appuie probablement sur 15 % de ce que je pourrais presser. Maintenant, vous pouvez faire beaucoup de mélange et de mélange et de superposition. Je vais faire un autre test ici. Que se passe-t-il si nous faisons cobalt turquoise avec vert foncé puis ardoise ? Un peu trop bleu, je crois. On va rester avec du cobalt turquoise, puis de la pression, puis de l'ardoise. Ouais, vous pouvez faire beaucoup de mélange avec des crayons de couleur. Il y a beaucoup de gens qui mélangent plus de leurs propres couleurs, mais personnellement, puisque je les utilise pour le travail et puisque c'est ma vocation et je travaille souvent sur des projets clients qui ont des délais courts et des délais rapides, c'est beaucoup plus simple d'avoir quelque chose de très proche de la couleur que vous voulez et peut-être seulement avoir à le mélanger ou le calquer avec une ou deux autres couleurs. Eh bien, avec vraiment une autre couleur par opposition à ce que nous avons à faire ici, qui est vraiment soigneusement posée sur quelques couleurs différentes. Ce sera jusqu'à quatre couleurs au moment où nous aurons fini. Si tu fais ça tout le temps, ça finit par manger beaucoup de temps. Faites un peu plus sur le côté ici. 43. Asclépiade 10: Toujours en appuyant vraiment léger. Une autre chose qui peut changer la couleur, si vous appuyez très fort et que vous finissez par brunir, il peut faire les couleurs saigner à travers d'une manière différente et peut lui donner une température différente, une saturation différente. Ça peut vraiment changer beaucoup les choses. C' est pourquoi, pour moi, si je superpose, j'essaie d'être très léger, donc j'ai plus de contrôle. Voyons voir. Je vais prendre un expresso, et 90 % gris français. Voyons où ça nous mène. Maintenant, j'essaie de faire un peu d'une forme particulière avec les marques que je fais. J' essaie de faire quelques petits cercles pour que j'aie une zone centrale qui semble un peu plus légère. Je ne vais pas être capable de le faire parfaitement, et c' est bien, parce que c'est stylisé. Mais je veux avoir quelques indications sur le petit genre de, quoi ils ressemblent, petits trucs de pokey. Ce ne sont pas tout à fait des épines, mais il y a comme une texture nubbly, pokey à la surface de ces choses, et je veux au moins faire allusion à cela. Ça va me laisser en créer un sens. Toujours en utilisant l'expresso, en posant un peu d'une couche plus lourde ici sur le côté. Je veux plus d'ombre qu'en ce moment. C' est le gris français à 90 pour cent, un peu trop brun. Au lieu de faire les petits cercles, je fais quelques petites lignes qui ressemblent à des ombres à l'arrière des pointes. Je vais ajouter un petit peu de noir ici. Vraiment doux pour donner l'impression qu'il s'enfonce en dessous, un peu là-haut. Toujours continuer avec les petites lignes pour ressembler à des pointes plutôt. Maintenant, je crois que je vais attraper le céladon. Je vais essayer de créer quelques petites pointes qui sortent. Maintenant, je vais dire que j'ai essayé de tirer quelques indices de couleur de la référence, comme vous le savez, c'est une partie de la raison pour laquelle j'ai poussé cela vers l'extrémité bleue du spectre. Mais à ce stade, je souhaite vraiment que je avais juste gardé cohérent avec ceux-ci, aurait été moins réaliste, oui, mais je pense que ça aurait été plus agréable pour l'ensemble de la pièce. Mais c'est là que je suis en ce moment. On verra si je peux le changer. Maintenant, j'ajoute juste quelques petites pointes sortent du côté de la gousse de graines. Tout comme je l'ai fait quand je travaillais sur les fleurs, j'essaie d'éviter de les rendre super parfaits et je veux préserver un élément d'irrégularité, sinon ils auront juste l'air vraiment ennuyeux. On veut que ça ressemble à une croissance, pas comme si quelqu'un l'avait fait. Maintenant, je vais faire quelques-uns d'entre eux sur la surface de la capsule aussi, encore une fois, en essayant de leur donner cette ambiance pokey. Ajouter quelques petits morceaux de vert Kelly ici, juste pour essayer de rassembler une partie de la couleur des feuilles et la couleur de ces gousses vert brumeux. Faire la même chose. Essayer d'utiliser les marques pour indiquer où sont les bords des petites pointes. Cela va vraiment être aidé par le blanc aussi. Faisons encore quelques petites pointes. Maintenant, je vais entrer avec le vert brumeux, tout par brumeux vert. Ajout de quelques petits faits saillants. Cette chose a le même motif de surbrillance que la tige, elle est un peu rétro-éclairée. Ajouter un peu plus d'ombre ici au centre. C' est dur, je n'arrive pas à obtenir la couleur que je veux. Ça me fait penser que je dois chercher un autre vert qui n'existe pas encore. Ajoutons un peu de vert Kelly à cette tige, puis peut-être un tout petit peu de vert brumeux comme point culminant là-bas. Je pense qu'on va faire une pause là-dessus pour l'instant. Faisons ces feuilles, et ensuite on va passer à tout ce quadrant ici, dont je suis super excité, c'est la partie la plus intéressante que je pense. Sap lumière verte pour l'intérieur. Ensuite, nous ferons Kelly Green de l'autre côté. C' est un dessous, donc ça va être un glaçage vert Kelly. 44. Asclépiade 11: Bloquons une partie de ce bronze ici à la tige, et ici à la base, et pour celui-ci aussi . Se confondre en pensant que pourquoi ai-je mis cette tige géante sur cette feuille ? Mais c'est en fait cette tige juste ici. Une fois qu'il y aura de la couleur là-dedans aussi, ça aura l'air plus connecté. Sur cette pièce, les tiges que j'ai la plupart du temps inventées similaires à celles j'ai créé la forme que je voulais, puis juste fait des tiges pour s'adapter et travailler à l'intérieur de cela. Il suffit de tirer un peu de ces trucs blancs, parce que ça me confond et rend difficile de voir ce qui est quoi. Mettons ces plus définis, faisons un peu de vert prussien ici à l'intérieur de cette feuille, et puis peut-être certains, où est allé le vert foncé, où est le vert foncé ? Vert foncé dans le coin. Tu connais le marché, pour l'aider à s'enfoncer un peu plus. Chaque fois que nous utilisons les couleurs vraiment sombres, ça va aider à faire baisser les choses, les faire ressembler plus à ce qu'elles sont sous tout ce qui est autour d'elle. Bien sûr, la partie délicate de cela est si elle est vraiment saturée comme ça est en fait assez vert saturé, cela peut parfois le faire sortir un peu plus que vous pourriez le souhaiter. C' est quelque chose que je déciderai à la fin. ce moment, toutes ces petites zones d'ombre ont l'air assez saturées, donc je pourrais finir par passer sur celles avec un peu de gris juste pour les abattre un peu ou peut-être même un rouge. J' aime beaucoup faire ça. Utilisez des couleurs complémentaires pour atténuer la saturation. C' est la sève verte. Je voulais juste créer un petit point culminant doux là-haut. Je ne veux pas que ce soit super brillant, mais je veux un petit point culminant. Maintenant, allons tirer un peu de vert prussien à l'intérieur pour qu'il ne se sente pas comme un tel bloc de vert foncé là-bas, et là il y a une petite courbe juste ici, donc je pense que ce sera le point le plus élevé, ce sera le point culminant. Bloquez ça, et puis on mettra du vert Kelly ici pour une ombre, un peu de vert Kelly là-dedans, et le reste, on va se fondre avec la sève verte, je crois. Voyons voir. On y va. Tirez un peu plus de ça là-haut. Parfois, il faut plusieurs couches lorsque vous mélangez deux couleurs pour obtenir le mélange que vous voulez. Faisons un petit peu de vert prussien ici, faites-le couler un peu et puis ça, je pense que tout est en dessous, mais nous allons faire de ce côté ici un peu plus sombre, comme s'il se retirait et s'éloignait parce que c'est ce qu'il fait. Je pose un peu d'un vert prussien plus lourd en ce moment le long de cette tige, puis une partie du vert Kelly, encore une fois avec l'application plus lourde. Cela nous aide non seulement à faire croire que ce côté s'éloigne, mais nous créons aussi un peu de dimension ici. La feuille a une forme de fluttery vraiment intéressante à elle. Ça a l'air très naturel. Ce n'est pas une fausse feuille. Frapper un point plus net ici pour que je puisse rendre certains de ces bords agréable et propre, et croustillant comme j'aime à le dire. Techniquement, c'est croustillant, mais c'est croustillant. Ça a l'air croustillant, c'est pour ça que j'aime utiliser ce mot. Maintenant de ce côté, faisons une danse d'avant en arrière entre la lumière verte de la sève. Je pense qu'on verra le feu vert vers le haut, puis Kelly verra vers la base. Probablement même un petit peu de vert prussien en bas. Oui, définitivement. Ensuite, on va tirer le Kelly Green jusqu'ici. La seule chose délicate est cet endroit, nous allons devoir trouver un moyen de créer une certaine séparation là-bas, donc je pense que je vais faire un peu plus de vert prussien, un peu plus de vert foncé ici, et puis un peu plus de Kelly vert pour donner l'impression qu'il est en bas et en dessous un peu. Alors peut-être que nous allons juste tirer une partie de cette lumière verte de sève le long du bord inférieur ici pour créer un point culminant et l'aider à apparaître. Ça marche. J' ai une grande surface. J' utilise juste le côté plat du crayon pour le poser. Je vais utiliser un peu plus de vert prussien ici pour créer la suggestion d'un peu de veine. Je ne vais pas vraiment mettre les veines dans je pense, parce que je ne veux pas attirer trop l'attention sur les feuilles avec beaucoup de détails attirant l'attention, donc je pense que je vais juste rester avec la création de la suggestion de la feuilles, ou la suggestion des veines, mais pas en fait complètement dessiner dans les veines vraiment bien décrites. Je pense que j'ai besoin d'un peu plus de vert foncé ici, sinon ça a l'air dissonant avec les autres feuilles. Un peu ici aussi. Je veux avoir un point pointu juste là, puis je finirai ces tiges, et ensuite on va travailler sur toutes ces choses amusantes. Finissons ces tiges, donc j'ai besoin de chocolat et de brun foncé. Encore une fois, j'essaie de créer ces ombres portées. On dirait que la tige est sous les feuilles. 45. Asclépiade 12: Ok, maintenant, rose coquillage, qui n'est vraiment pas rose du tout, mais comme un beige sablonneux presque comme un beige frais, c'est la façon de le décrire. Utilisation de cette option sur les surlignements de bord. Bien que c'est un peu trop intense, je pense. Je devrais peut-être juste être un peu plus calme avec pas tellement de point culminant car il est en bas et en dessous de cette partie peut se démarquer un peu plus. Bien que, il a encore beaucoup de blanc sur le bord. Laisse-moi faire ça d'abord. Ensuite, venez ici avec cette affûtage vers le haut du bord, puis ajoutez également la texture à la tige. La même chose ici. Texturisation de la tige et création de cette petite ombre rétroéclairée sur le côté. Même essayer de rendre le bord de la tige un peu cahoteux. Retournez avec un peu de chocolat pour le réchauffer. Maintenant, nous avons une gousse de graines, ces trois fleurs, et le papillon. Eh bien, je veux vraiment faire le papillon, mais gardons le papillon pour la fin. Je vais faire le même processus que j'ai fait avec ça. Je vais essayer d'articuler ces petites fleurs. Ensuite, j'ajouterai l'extérieur, puis nous ferons les pétales intérieurs, et ensuite je passerai avec tous les détails. Excusez-moi. Faites exactement la même chose, faisant une petite forme circulaire ici, plus comme un ovale pour décrire chacun des pétales. Je crois que je vais ajouter une autre petite fleur ici. Juste un peu de plus que je veux presser dedans. Je n'ai pas été aussi développé dans ce croquis que sur les deux autres. Fais la même chose que j'ai faite sur ceux-là. Un peu d'un bord doux, juste en mettant quelques lignes ici. C' est une autre fleur là-bas. C' est un juste ici. Laisse-moi juste mettre du bronze ici pour que je ne perde pas la trace de cette tige. Allons descendre celui-là. D' accord. Ajout de ce petit bord. Je suis en train de passer un peu plus vite et je sais que je vais revenir et mettre d'autres choses ici, mais je veux juste avoir une idée de la façon dont la balance va fonctionner avec ces trois. C' est un autre ici. Une autre fleur. Laissez-moi remonter cette image de référence. La même chose par ici. Faire couler certaines de ces fleurs et ensuite nous mettrons dans les pétales intérieurs. Il suffit d'ajouter quelques petites touches avec le rose autour du bord pour créer cette sensation de rondeur. Je veux aussi nettoyer un peu ici. En voici quelques-uns, oh non, ça vient d'une feuille. C' est bien, je n'ai pas effacé ça. Sur cette note, puisque j'étais sur le point de perdre ma place là-bas, je pense que je vais aller de l'avant et poser, peu de vert Kelly ici pour que je puisse voir quoi, juste une fine couche de glaçage similaire. Je finirai cette feuille après avoir fait les fleurs. Je voulais juste les faire descendre pour que je puisse voir ce qu'il y a là, voir à quoi ressemblent les valeurs autour de ces fleurs. C' est le dessous, donc ça devrait être Kelly vert aussi. C' est mieux comment nous pouvons voir avec quoi nous devons travailler là-bas. Qu' est-ce que j'ai utilisé ? Je pense que j'ai utilisé du henné pour les fleurs intérieures ici. Je vais aiguiser ça. Je vais faire la même chose entre chacune des paires de pétales roses. 46. Asclépiade 13: J' insère un de ces autres intérieurs, les pétales roses plus profonds. essaie juste de suivre essentiellement la structure que je vois dans l'image de référence , mais évidemment c'est une version stylisée et simplifiée. Je vais juste travailler mon chemin à travers ces trois étapes, chacune des étapes pour les trois. Maintenant, je vais entrer avec la lavande et faire les bords des pétales intérieurs. Maintenant, faisons le blanc autour des pétales intérieurs et ensuite nous allons commencer à ombrage pour rassembler tout cela. J' appuie vraiment dur ici, mais probablement seulement comme 60 ou 70 pour cent parce que si j'appuie super dur, c'est juste très difficile de maintenir n'importe quel point avec ce crayon parce que cela signifie toujours pas aussi doux que l'autre, pas aussi doux que celui Holbein mais il est encore assez doux. Alors je finirai par avoir à aiguiser encore et encore et encore. Tout ce dont j'ai vraiment besoin, c'est un peu de légèreté sur le bord ici. Je n'ai pas besoin que ce soit une application complètement opaque. Je veux juste un peu de croustillant sur les bords. Ceux-ci, puisque c'est en arrière-plan, je ne veux peut-être pas qu'ils obtiennent tout à fait comme à trouver. Je vais ajouter quelques petits centres ici. En fait, je pense utiliser le rose et je reviendrai avec la châtaigne. Maintenant, je veux faire un acajou et une cerise noire ou faire une cerise noire et nous voilà. L' acajou va être dehors vers les bords là-bas et je fais juste, c'est en gros pointilleux. Je frappe la surface comme la parsemer jusqu'à la surface, puis je remue un peu le crayon, mais c'est similaire à ce que vous feriez avec la brosse. Puis ici avec la cerise noire qui vient dans quelques petites taches entre les deux. Le but est d'obtenir la plus grande partie de la zone intermédiaire, donc le long de l'extérieur rempli afin que nous ne voulons pas faire de la cerise noire là-bas , mais ici à l'intérieur, cela fonctionne bien. Excusez-moi. Stippling avec l'acajou à l'extérieur. peux voir qu'ils commencent déjà à regarder plus rond. Maintenant, faisons quelques pétales extérieurs avec le rose. Laisse-moi juste avoir les cercles intérieurs avec la châtaigne depuis que j'y pense. Je ne vais pas faire ça sur toutes les fleurs, juste sur quelques-unes d'entre elles. Appuyer assez de lumière ici aussi parce que je veux maintenir ce point. Maintenant, puis-je essayer de créer ces profils de fleurs pétales. Ceux qui sont à l'arrière et qui sont un peu plus petits. Celui-ci est sur le plus petit côté et celui-ci est à l'arrière. Je n'essaie pas d'être aussi bien décrit que clair sur ceux-ci. Je n'essaie pas de les faire ressembler autant à un pétale bien décrit que je vais ajouter celui-ci et comme je l'ai fait sur ceux-ci, ils sont un peu plus d'un bord doux uniforme parce que je ne veux pas qu'ils apparaissent autant. Celle-là je pense que je vais le faire descendre un peu dans la feuille juste parce que nous finissons avec le même problème que nous avons eu ici à la dentelle de la reine Anne où il y avait un peu d' intersection gênante donc plutôt que d'avoir ces deux choses juste se croiser l'une contre l'autre, je vais essayer de faire croire que celle-ci est vraiment croisée. Ça va être mieux, je pense. Laisse-moi faire des pétales plus clairs et ensuite je fais la même chose que j'ai fait ici, je les estompe un peu. Je ne veux pas que l'anneau vraiment léger autour de l'extérieur. Je veux qu'il ait un fondu doux pour qu'il ait l'air vraiment rond. La même chose ici, en la décolorant un peu. Maintenant, je vais utiliser, j'ai réalisé que j'avais oublié un pas. Poussiéreux rose à l'intérieur de certains de ces pétales et je vais aussi l'utiliser ici je pense que parce que c'est un peu moins saturé, c'est un peu plus gris et je veux que celui-ci coule un tout petit peu. Maintenant, un peu avec le blanc, je vais juste ajouter quelques pétales sur le dessus. Retournez avec le rose. La même chose ici et je pense que je vais garder le blanc de l'arrière parce que je veux que celui-là coule un peu plus. En fait, je dois penser à quelque chose à faire pour pousser ça un peu plus bas. Je pense que je vais prendre ce gris chaud ici pour voir ce qui se passe si je fais juste un peu de celui où le sommet de certaines de ces fleurs plus larges et peut-être juste ici aussi bien. Ouais, c'est délicat parce que je veux qu'on dirait qu'il est en bas, mais je ne veux pas devenir boueux. Je pense que je vais probablement m'arrêter pendant que je suis en avance et essayer de ne pas faire trop. 47. Asclépiade 14: Je pense que ce sera bon pour l'instant. Parce que je vais revenir avec le blanc doux et poser des couleurs plus intenses. Pour l'instant, nous allons finir certaines de ces feuilles et ensuite nous allons faire la gousse de graines et ensuite nous ferons le papillon, j'ai gardé le papillon pour la dernière fois. J' ai juste utilisé un peu de couleur verte là-dedans. C' est le vert brumeux que j'ai utilisé pour mon point culminant. Je pense que je vais ajouter une tige, je continue d'appeler ça une tige, mais je veux dire la veine centrale. Je vais ajouter ça à cette feuille ici. Devenez un peu plus sombre avec la couleur verte et je vais ajouter du vert prussien ici, alors laissez-moi aiguiser ça. Pousser cela vers le bas vers la base de la feuille pour lui donner l'impression qu'il est courbé vers le bas, vert bouclé vers le haut et puis je vais utiliser cette sève lumière verte vers le bout de la fleur. Ça va être un point culminant. Je ne me souviens pas si j'en ai parlé dans ce cours jusqu'à présent. Je sais que j'en ai parlé dans d'autres cours, mais avec des reflets et des ombres, vraiment tout peut être mis en évidence, n'importe quoi peut être une ombre. Vous avez juste besoin de cette couleur pour être plus claire ou plus foncée que ce qui l'entoure. Même si la lumière verte de sève a été un ton moyen sur beaucoup d'autres choses. Comme il est juste à côté du vert Kelly, ça va être lu comme un point culminant ici et je n'ai même pas besoin de venir avec quelque chose d'aussi dramatique que le vert brumeux. Mettre un peu de vert prussien derrière cette feuille, essayant de montrer clairement ce qui se passe là-bas. Maintenant celui-là, qu'avons-nous décidé ? Nous avons besoin de la lumière verte de sève pour la partie supérieure, la partie médiane et ceux-ci sont tous les deux en dessous. Je commencerais par le vert Kelly mais je pense que je vais juste entrer directement avec le vert prussien sur celui-ci parce que le vert Kelly est à l'intérieur ici. Je sais déjà que je vais avoir besoin de quelque chose d'un peu différent. Sinon, ils ne liront pas comme des plans séparés. Je vais juste faire un peu d'application plus sombre, application plus épaisse plutôt. Essayez d'obtenir plus d'opacité. Je vais mettre du vert prussien ici derrière cette tête de fleur et ensuite dans la petite fente ici. Je pense que je vais mettre du vert foncé là-bas aussi. Maintenant, je commence à vraiment penser à la fin de cette pièce et à la façon dont nous allons finir ça et je me demande si nous devrions faire ces derniers temps blancs ou si nous devrions faire le papillon d'abord. Je voulais vraiment sauver le papillon jusqu'à la fin, mais je pense que c' est probablement le plus logique de faire les derniers moments forts à la fin. Retour au vert prussien ici. Mettons un peu de sève de lumière verte ici en haut et puis peut-être juste ici aussi. Je vais fondre ça avec la Kelly. Alors je vais faire un peu de Kelly vert ici pour l'ombre. Avoir votre application de sève lumière verte. Lourde application de la sève de la lumière verte ici aussi. Beau bord croustillant. Maintenant, je vais mettre le vert brumeux juste ici. Puisque c'est la main la plus légère ici. J' ai juste besoin d'un peu de décoloration avec le vert prussien sur le bord de cette feuille. Juste un peu trop forte d'un déclin là-bas. Ça a l'air mieux. Maintenant, je vais faire vraiment mince un peu de la veine centrale, être visible sur la face inférieure de la feuille. On y va et je vais mettre un peu de vert foncé ici aussi, faire clairement comprendre que ça tourne vers le bas. Maintenant, faisons la gousse de graines. Permettez-moi de réfléchir à ce que mon approche sera ici. Mais je pense que je vais d'abord essayer d'obtenir la structure extérieure de la gousse de graines. Je vais faire ça gros, pour que vous puissiez le voir. J'espère que c'est bon. La structure extérieure de la gousse de graines et puis je veux obtenir certaines de ces petites graines intérieures et nous pouvons voir qu'elles sont attachées à ces petits cheveux presque, très longs cheveux colorés en soie de maïs. Je vais faire cette partie en dernier lieu parce que c'est le moins structuré. Je pense qu'on va encore utiliser le rose coquillage pour ça en fait. Où est-ce que ça a fini ? C' est là. Je vais faire l'ocre brûlé du milieu pour ça et je vais avoir besoin d'un peu de gris aussi. Je pense que je vais utiliser le gris français que j'avais utilisé sur la fleur du couvercle nog. Je vais faire un coquillage rose très léger d'abord. Super doux pas vraiment presser dur du tout, juste obtenir la couleur bloquée pour l'extérieur de la gousse de graines ici. Je veux nettoyer un peu plus, pour ne pas me confondre. Maintenant, ces petits gars, je vais juste les poser légèrement et je suis à peine pressé du tout. Ce crayon luminance est très pigmenté. Ils ont tendance à être sur le plus pigmenté à l'intérieur en général que Prismacolor. Mais ils ne sont pas aussi doux à mon avis et ils sont super chers. C' est trois fois le prix de Prismacolor. Un peu plus juste là-dedans. Maintenant, dans celui-ci, je ne peux pas vraiment remplir toute cette zone que je fais essayer de les faire fondre dans le noir parce que l'intérieur a des zones vraiment, vraiment sombres, plus sombres que tout ce qui est ici. 48. Asclépiade 15: ce moment, je mets juste un peu de brun dans les sommets de certaines de ces graines qui sont en dessous et les estompe dans l'arrière-plan. C' est l'arrière-plan. Quelques autres petites graines là-bas. Maintenant, je vais prendre ça comme l'ocre, 50 pour cent, qui veut dire juste qu'il est coupé avec du blanc, donc c'est le même pigment, c'est la même couleur, même teinte, mais c'est une valeur plus claire. C' est quelque chose de vraiment sympa à propos de la luminance. Ils ont cela dans un certain nombre de couleurs différentes où ils viennent de créer essentiellement la version plus légère de celui-ci. Je l'utilise pour créer ce sens de la dimension, la forme particulière que ces petits gars de la gousse de graines ont. Il y a un point culminant autour du bord et un point culminant au centre. Encore une fois, comme avec ceux-là, je n'ai pas besoin d'obtenir tous les mêmes détails. Si je reçois quelques-uns qui sont au premier plan agréable et détaillé, cela ira un long chemin. Ouais, je pense que c'est à propos de ce que je veux faire en fait. Je veux faire cela beaucoup plus [inaudible]. Maintenant, je vais faire une pause là-dessus et prendre les 30 pour cent gris français, faire un peu d'ombrage ici sur le côté de la gousse de graines. C' est très cahoteux, mais il a presque un regard floue pour moi. Je vais ajouter des bosses à l'extérieur ici. Je pense que je vais utiliser un peu de brun foncé en fait, où est l'espresso ? Laisse-moi utiliser un expresso. Espresso est un peu plus frais, plus gris que le brun foncé est. Je dessine vraiment, vraiment faiblement en utilisant cela pour créer une certaine dimension. Maintenant, le défi que j'ai rencontré ici est que la couleur que j'ai posée initialement, le rose coquillage a tellement de blanc dedans. Cela devrait être assez léger, mais j'ai besoin d'un peu d'ombrage ici pour que 30 pour cent gris français ne le coupe tout simplement pas. J' aurais probablement dû le faire comme la couleur de base en fait. Ouais, ça a l'air bien comme la couleur de base. Je vais ajouter un peu de brun à l'intérieur ici et un peu plus de rose coquillage, mais cette fois je le pose un peu plus épais et j'essaie de l'utiliser pour créer un peu de texture. Maintenant, je pense que pour les fronts, je vais aller avec la couleur que j'utilisais hier, le buff de titane pour le tabac. J' ai trop de couleurs à ce stade. Maintenant, j'ai [inaudible] commencé. C'est là. Je vais commencer par ce qui s'appelle mastic beige qui est comme un gris très chaud, presque rosé. Ensuite, c'est le titane buff, le blanc plus chaud, et puis c'est de la sable ou du sable je pense. Eh bien, Sable, au moins le français est toujours là. C' est PC940. Ces deux sont à la fois prismacolor, mastic beige et 940 sont prismacolor, puis buff titane est luminance. Je vais les aiguiser parce que j'ai besoin d'un bon point pointu pour obtenir les petits fronts de peluches. Encore une fois, ce ne sera pas super réaliste, ça va être stylisé mais je veux toujours faire attention à une partie de la structure ici. La tentation quand tu fais ça peut être juste de glisser sur un tas de petits poils. Mais si nous regardons de près, nous pouvons voir qu'il y a beaucoup de hauts et de bas. Il y a ces petites lignes qui indiquent où il y a un écart entre les deux. Ensuite, cela ici aussi, il descend par les graines et puis remonte, puis redescend. Je vais essayer d'articuler une partie de ça. Ensuite, nous avons aussi fondamentalement comme deux couches ici donc nous voyons la graine, puis les petits morceaux à fourrure, puis les graines et ensuite les petits morceaux flurry. Je vais essayer de faire exprimer tout cela ici. Tout d'abord, je vais à je pense venir au centre ici et mettre un peu de jaune là-dedans. Il y a un peu de jaune dans le coin aussi. Un peu de jaune à ce bord. Ensuite, nous avons la petite fourrure qui colle aux graines. C' est du mastic beige, ce que j'utilise ici. J' ai été super, super léger en essayant d'abaisser une partie de cette structure. Je vais utiliser le buff titanium où je vois quelques faits saillants et je vais juste faire comme une voie vraiment rugueuse de ce que je vois comme un point culminant. Je ne veux vraiment pas être trop sombre ou trop brillant ici avec un sujet qui est tout simplement si brillant, comme ce que nous avons ici. Il y a tellement de légèreté dedans. Il est vraiment facile de perdre un sens de la profondeur ou la dimension, donc je veux m'assurer que nous conservons ce que nous pouvons. Même en le faisant, une couche plus lourde du mastic beige fonctionnera toujours comme un point culminant. Voici les domaines où je veux les mettre plus lourd application de jaune vers le bas aussi. Je vais faire quelques petits saucisses sur le côté [inaudible] centre je pense. Je fais un peu plus du point culminant ici avec le buff en titane. 49. Asclépiade 16: Quelques petits faits saillants ici. Cela doit arriver à, beaucoup trop sombre. Cette petite zone intérieure ici est en fait un jaune assez saturé. Je vais assombrir ça, puis tirer un peu plus de titane. Faites plus de petits morceaux juste là. J' ajoute un peu de bronze ici comme l'ombre. Je veux qu'on dirait que cette peluche est en train de s'écouler. Je vais l'aiguiser à nouveau. Je vais avoir d'autres fronts. Alors je peux vraiment enduire les départs de cette partie assez tôt parce que je ne veux pas qu'il soit surchargé avec ça. Il commencera à ne pas paraître bon très rapidement si je l'obtiens trop de travail. Mastic beige. Maintenant, cela a besoin d'une petite ombre en plus de cette saturation. C' est bien. Je pense qu'il en a besoin un peu plus ici pour. Alors peut-être un peu juste ici pour. Ensuite, certains mettent en surbrillance vers le haut sur le pod. C' est gentil et pointu. Faisons un autre couple de bouts de de bouts de folie, puis quelques petits faits saillants sur la gousse de graines elle-même. Maintenant, nous reviendrons à ça avec le blanc super opaque. Je pense que ça va être bon pour l'instant, et comment nous allons passer au petit papillon. Je pense que ce que je vais faire en premier, c'est de déposer l'orange. Alors j'irai avec un peu de blanc. Probablement pas de blanc pur, mais un peu de blanc pour les taches d'aile et les taches sur le corps, et puis nous allons laisser un peu de noir. Je vais devoir savoir si je vais faire un noir supplémentaire ou un contour ou quelque chose comme ça. Mais je pense que ces taches intérieures ici, elles ressemblent à une orange rougeâtre. Je vais commencer tout de suite avec le vermillon pâle. C' est l'une de mes couleurs préférées de Prismacolor. Je l'utilise tout le temps pour toutes sortes de choses. C' est vraiment juste lumineux, beau, rouge chaud, désolé, orange. vermillon est une couleur rouge, c'est pourquoi je considère toujours comme un rouge, mais c'est techniquement. On dirait une orange. Je pense que ça pourrait même devenir un peu plus intense. Je vais y ajouter du rouge coquelicot. Alors je vais attraper ce jaune de soleil ici. Eh bien, cette colle n'a pas marché. Ça va rendre difficile l'aiguiser. Voyons si je peux obtenir ce dont j'ai besoin. C' est un peu sur le côté jaune, mais je pense que je vais le faire comme une couche très mince, et ensuite je reviendrai avec un peu d'orange sur le dessus. Il y a juste régulier. C' est juste en haut de Prismacolor orange. Je vais passer en revue toutes les zones où j'ai le jaune soleil. Si vous avez Prismacolor orange espagnol, ça aurait probablement été la meilleure couleur pour cela. Mais c'est ce que nous avons maintenant, alors nous allons avec. C' est une autre couleur de luminance, elle s'appelle rose blanc. Tu pourrais utiliser du blanc pour ça, mais je vais aller de l'avant et commencer avec du blanc rose, et mettre d'autres points qui sont sur le corps et sur l'aile. Maintenant, si vous avez quelque chose comme l'aluminium, c'est un crayon plus net, serait vraiment sympa et utile à ce stade de l'utiliser. Le blanc Prismacolor fonctionnera mais il est plus doux et plus friable, vous aurez plus de mal à garder un point dessus. Maintenant, ce que je vais vraiment essayer ici, c'est d'éviter de faire des pois. Je vais essayer de les rendre un peu variées en termes de forme et de placement là. Je ne veux pas que ça ressemble à une rangée de pois. Je veux que ça ait l'air naturel même si c'est stylisé. Je veux toujours avoir ce hasard naturel qu'on verrait dans le monde réel. [ inaudible] intéressant. On y va. Je viens de réaliser que cette aile ici est en fait, c'est une aile et puis il y a l'autre aile juste là. J' étais confus sur mon croquis là-bas, donc j'ai failli perdre ce détail. Mais heureusement, nous l'avons ici. Continuant à polka dans certaines de ces petites zones plus légères, ces taches blanches. Certains d'entre eux sont en fait une orange blanche. Je vais faire des superpositions pour obtenir la couleur dont j'ai besoin. Ensuite, ici, nous avons le même modèle que nous l'avons fait là-bas avec deux rangées qui ont des points. 50. Asclépiade 17: Je pense que je pourrais finir par laisser une partie de ce contour blanc ou même affûter ce contour blanc parce que c'est la meilleure façon d' aider les ailes à se démarquer de l'arrière-plan. Je ne sais pas. Je ne suis pas sûr que ça me plaise ou non. Laisse-moi voir à quoi ça ressemble si je me débarrasse de certains d'entre eux. Je vais juste poser un peu de noir à l'intérieur de cette aile. Mettez des points sur le corps ici. Ajouter un peu plus de noir. Voyons voir. Non, je pense que peut-être je vais faire un gris foncé, peut-être [inaudible]. Ajoute un peu de surbrillance sous le corps pour aider à sortir de l'arrière-plan. On y va. Voyons voir à ce sujet pour les jambes. Pensez que ça peut être aussi bon que possible avec le papillon. Je pense que ça va être à ce sujet pour le papillon. C' est littéralement la seule partie où être sur le fond noir était plus difficile, pas moins difficile. Je n'avais pas vraiment pensé que quand j'ai décidé de mettre le papillon dans cette pièce, c'était un peu une dernière minute sur une décision caprice. La prochaine fois, je réfléchirai plus attentivement à toutes les parties qui vont être vues parce que ce papillon ayant un corps tout noir vient de rendre vraiment difficile de voir complètement les détails. Mais cela étant dit, j'aime toujours à quoi ça ressemble, et j'aime avoir cette touche de couleur là-haut. Je vais aller de l'avant et faire la touche finale avec le blanc doux Holbein. Cela va vraiment aider les choses à sortir et à leur donner un look beau, brillant et cireux. Il suffit de choisir des endroits qui sont compatibles avec le schéma d'éclairage. Partout où il y a de la lumière ou où il semble qu'une lumière pourrait attraper une des zones les plus sombres, c'est là que j'ajoute ceci. Alors si jamais je sens que c'est trop intense ou trop différent de ce qui l'entoure, je vais juste le mélanger en utilisant le vert brumeux. Je vais prendre quelques petits morceaux ici sur la gousse de graines. Maintenant, je vais faire un peu là-dessus. Voyons voir. Honnêtement, je ne sais pas si j'aime ce que ça ressemble. Un peu plus avec le rose pour l'adoucir, et ensuite je vais en casser une partie avec le henné. C' est juste un peu trop solide pour moi. [ inaudible]. Je vais essayer d'en prendre un peu parce que c'est juste un peu trop intense. On y va. Il suffit de faire une plus petite quantité sur celui-ci et plus concentré et concentré sur le sommet de la fleur. C' est bien. Maintenant, je vais faire un peu sur ces deux-là, je crois. Celle-là je pense que je veux faire ce bord extérieur ici pour le faire sortir de l'arrière. On y va. Puis, en bas, je vais frapper quelques moments forts. C' est honnêtement ce qu'il semble être le plus approprié pour. Il se mélange juste si soyeux et agréable sur ces zones. On y va. Peut-être quelques petites taches sur le papillon. Je pense que c'est à propos de cette pièce, qui veut dire que nous sommes à peu près emballés sur nos démos. Pas seulement à peu près, nous sommes emballés sur nos démos. Je vais faire un dernier petit spectacle de chacune de ces pièces pour que vous puissiez les voir tous ensemble, puis nous allons passer à la fin. 51. Partager votre projet de cours: Avant de terminer la classe, je voulais juste venir ici pour vous encourager à travailler sur un projet de classe, terminer un projet de classe, partager un projet de classe. Si vous avez travaillé tout au long du cours pendant que vous avez visionné ces démos, alors vous avez déjà votre projet de classe, vous êtes prêt à partir. Tout ce que vous avez à faire est de le partager, il suffit de prendre une photo, de le scanner, utiliser votre smartphone pour prendre une photo, quel que soit le moyen le plus simple pour vous de le faire monter. Vous n'avez pas à l'avoir complètement terminé avant de le partager. Vous n'avez pas à finir les trois démos certainement ou finir trois pièces. Il suffit de terminer une partie de la pièce ou de faire un peu vers elle, puis poster dans les projets de la classe et d'obtenir des commentaires de vos camarades de classe. Je vais y aller aussi. Si vous ne l'avez pas encore fait, si vous n'avez pas travaillé avec la démo, si vous avez un peu sauté et vu une partie de la démo en premier. Ensuite, je vous encourage à plonger en vous-même et à travailler sur le projet de classe. Faire ces choses vous-même est absolument la meilleure façon d'apprendre à le faire. C' est pourquoi même lorsque j'ai créé cette pièce en temps réel, classe en temps réel que vous pourriez suivre avec chaque étape, l'intention est de ne jamais simplement vous donner, ici, suivre ces étapes et c'est ainsi que vous le créez. L' espoir est que vous allez utiliser cela comme une influence plus large pour apprendre à faire ces choses vous-même. Bien sûr, alors que nous avons créé ces pièces avec un accent botanique en termes de sujet, vous pouvez vraiment faire ce que vous voulez avec cela. Tu n'as même pas besoin de travailler sur du papier noir si tu veux. Vous pouvez travailler sur un papier de couleur différente ou sur du papier blanc. Prenez quelque chose que vous avez appris de cette classe si vous n'avez pas fait le projet exact de la classe pendant que vous regardez les démos. Prenez quelque chose que vous avez appris de cette classe et faites-en quelque chose. Ce n'est pas forcément ce que tu m'as vu faire. Cela peut être quelque chose que vous faites à partir de ce que vous avez appris en classe. Je vous encourage vraiment à le faire. Partagez-le aux projets de la classe, et merci encore d'avoir suivi le cours. 52. Synthèse: C' est tout pour cette classe. Nous en avons fini avec les trois pièces de démonstration. C' est probablement la classe la plus longue que j'ai jamais faite, alors j'espère que vous l'avez appréciée. S' il vous plaît, faites-moi savoir ce que vous pensez. Vous pouvez toujours me trouver sur Instagram, à Kendyll Hillegas. Si vous aimez ce contenu de forme plus longue, c'est génial pour moi de le savoir parce que je veux avant tout créer des classes qui vous sont utiles, des cours que vous aimez suivre. Si vous aimez le contenu en temps réel de forme plus longue, alors faites-le moi savoir car c'est significativement différent de ce que je fais habituellement. Merci beaucoup d'avoir pris le cours. Merci d'être venu avec moi alors que j'ai expérimenté un peu une approche différente, des médias différents pour moi. C' était vraiment amusant de t'avoir dans le studio avec moi et je suis excité pour tout ce que nous faisons ensemble ensuite. Bonne chance sur vos propres pièces et oui, n'oubliez pas de les poster sur les réseaux sociaux et de me marquer à Kendyll Hillegas pour que je puisse voir ce que vous faites. Au revoir.