Illustration culinaire : guide de l'émotion et des histoires à travers l'art alimentaire

1. Bande-annonce (Skillshare): Bonjour. Je m'appelle Kendyll Hillegas, et je suis artiste commerciale à plein temps et illustratrice. Je passe la majeure partie de mon temps à travailler pour des magazines et pour l'emballage en utilisant supports traditionnels tels que l'aquarelle, le crayon de couleur et la gouache. Bien que j'illustre tout, des paysages aux animaux en passant par les portraits, illustration alimentaire est probablement ce pour quoi je suis le plus connu, et j'adore ça. Parce que la nourriture et l'alimentation sont des aspects presque universels de l'expérience humaine. En tant que tel, la nourriture est comme cela vraiment riche, significatif, symbolique à travers l'émotion, et des histoires à travers les familles, les communautés, et même entre les cultures. Essayez de photographier n'importe lequel de vos aliments préférés. Essayez de l'imaginer maintenant. [RIRES] Imaginez-le maintenant. Lorsque vous le faites, il y a de fortes chances que cela rappelle beaucoup de souvenirs, de sens et d'associations spécifiques . Certains d'entre eux peuvent être uniques, comme si vous imaginez une sorte de gâteau à la noix de coco très particulier que votre grand-mère fabrique toujours pour les anniversaires. Certains sont beaucoup plus universels, comme s'mores, cornets de crème glacée ou pain. soit, la nourriture en tant que sujet a un potentiel symbolique incroyable, que ce soit pour un public restreint ou un public très large. Vous pouvez communiquer autant d'idées, de sentiments et d'histoires à travers le prisme de la nourriture. Dans ce cours, nous allons décompresser un processus pour cela. Pour créer une illustration culinaire qui communique une émotion spécifique ou qui raconte une histoire spécifique. Nous aborderons les bases telles que les matériaux et les médias. Ensuite, nous plongerons en profondeur dans l'imagerie alimentaire, sentiments et la façon dont vous pouvez utiliser les illustrations alimentaires pour raconter des histoires. Pendant ce temps, je travaillerai dans mon style habituel, ce qui est assez réaliste, comme vous pouvez le constater par certains des exemples que j'ai montrés. Vous n'avez vraiment pas à adopter la même approche. Le thème de cette classe, la nourriture et les sentiments, peut être traduit dans n'importe quelle approche stylistique ou médium. Si vous voulez suivre le cours, travailler dans un style similaire à moi, et quelque chose de plus proche du réalisme, vous voudrez probablement avoir une certaine familiarité avec le dessin tel que nous sommes ne va vraiment pas entrer dans des choses comme les proportions ou la perspective. Ce cours s'adresse à tous ceux qui aiment la nourriture et veulent explorer la nourriture dans l'art comme objectif symbolique pour raconter des histoires, communiquer des émotions et entrer en contact avec les autres. J'ai hâte de vous voir en classe [MUSIQUE] 2. Se connecter à des sentiments avec l'imagerie alimentaire (partie 1).: Bienvenue dans la classe. Avant d'entrer dans les travaux spécifiques et généraux, j'ai voulu passer en revue quelques matériaux, des choses. Je travaillerai sur du papier presse à froid Fabriano Artistico avec une combinaison d' aquarelle et de crayon de couleur. Comme je l'ai mentionné dans l'introduction, je travaillerai dans le réalisme, mais vous pouvez vraiment adopter n' importe quelle approche stylisée et travailler sur n'importe quel support que vous voulez, quel que soit votre familier, à l'aise. En fait, certains de mes artistes et illustrateurs préférés qui consomment beaucoup de nourriture dans leur travail ne sont pas vraiment réalistes. Deux qui viennent à l'esprit sont Elizabeth Graeber et Maira Kalman. Je vais mettre quelques exemples de leur travail à l'écran. Mais comme vous pouvez le constater, ils ont vraiment stylisé nourriture assez lourdement et j'ai l'impression qu'ils sont parmi les plus qualifiés pour utiliser nourriture pour communiquer une histoire ou pour communiquer une idée émotionnelle. Vous n'avez vraiment pas à le faire sous forme de réalisme si vous ne le voulez pas. N'hésitez pas à l'aborder de n' importe quel style avec n'importe quel média, et nous parlerons toutes les façons dont l'image que vous choisissez de peindre peut communiquer ces sentiments, communiquer ces émotions, puis le style et l' approche que vous utilisez peuvent également communiquer vos sentiments. Gardez cela à l'esprit. Cela étant dit, si vous voulez suivre avec moi et travailler dans votre propre version d'un style réaliste, tous les matériaux que j'utilise seront répertoriés dans la description de la classe. Vérifiez cela si vous voulez voir ce que j' utilise et que vous voulez suivre, sinon, utilisez simplement le support et la méthode que vous préférez. Nous allons maintenant parler un peu de la sélection votre sujet et de la façon de décider du contenu de votre peinture. Maintenant, peut-être avez-vous déjà un aliment spécifique que vous voulez peindre à l'esprit, ou peut-être que vous n'avez aucune idée et que vous êtes complètement ouvert à ce stade. Quoi qu'il en soit, nous allons passer en revue un tas d'exemples différents et décompresser les éléments que vous devez prendre compte lorsque vous choisissez votre sujet, ou même si vous avez déjà un sujet en tête, merci de réfléchir à la façon dont vous dépeignez ce sujet et comment vous montrez ce sujet. Les trois considérations fondamentales sont le but, quoi sert l'illustration ou la peinture ? Le public, à qui est destiné l' illustration ou la peinture, et ces deux-là sont connectés, puis le contenu. L'émotion, l'idée ou l'histoire que vous voulez transmettre, le sens que vous essayez de comprendre dans votre travail. Mais pour le but et le public, quoi et à qui cette peinture est destinée ? Certains exemples, comme s'il s'agit d'un projet commercial, il peut être utilisé pour accompagner une recette dans un magazine, ou peut-être pour rendre certains emballages alimentaires plus attrayants, plus appétissants. autre côté, s'il s'agit d' un projet auto-initié et d'un projet non commercial, c'est peut-être un cadeau ou une réflexion personnelle d'une sorte, c'est tout à fait correct si le but de la réalisation de cette pièce est votre propre plaisir à le faire, il n'est pas nécessaire que ce soit pour quelqu'un d'autre que pour vous-même. soit, prenez une minute pour réfléchir à cette question, qui et pourquoi, et nous reviendrons plus précisément plus tard sur la question du public avec un peu plus de profondeur après avoir parlé de contenu, émotions et d'idées. Quelle émotion voulez-vous transmettre avec cette pièce ? Quelle histoire voulez-vous raconter ? Qu'il s'agisse de sentimentalité, de nostalgie ou de délice, ou d'une ligne émotionnelle à un événement spécifique, ils peuvent tous être transmis avec la nourriture que vous choisissez, ou par le fait que vous choisissez de le montrer, ou par les deux. Nous allons plonger dans quelques exemples précis, je vais montrer un tas de photos de nourriture différentes. Celles-ci ont surtout été prises par moi-même ou ont été extraites de sites d'images du domaine public. Je pense qu'il y en a peut-être un ou deux qui proviennent d'une page Wikipédia, mais il y en a beaucoup ici et nous allons passer en revue tous ces sentiments différents et parler de ces sentiments différents et parler façon dont ils peuvent apparaître dans ces images culinaires, puis nous ferons le saut pour parler de la façon de faire l'illustration. Plongeons là-dessus. Juste une petite tête haute que vous pourriez tous me voir regarder mon ordinateur ici, j'ai tous mes exemples visuels, toutes mes références photo dans un petit diaporama ici. Je vais les regarder vers le bas et vous les aurez aussi à l'écran. Si vous me voyez vraiment regarder vers le bas, c'est pourquoi. La première idée d'histoire d'émotions laquelle je veux plonger est la plus simple et, en fait, c'est ce que j'appelle cela, la perspective directe ou directe. Comme vous pouvez le constater, certaines de ces images sont très simples. La nourriture est juste là, c'est un peu plus comme une perspective directe directe, parfois une perspective aérienne. C'est assez simple, il n'y a pas vraiment beaucoup de choses en plus de la nourriture, et vous avez probablement vu beaucoup de ces types d' illustrations. J'ai moi-même produit bon nombre de ces types d'illustrations. À un niveau, je pense que vous pourriez regarder cela et presque dire que ce n'est pas vraiment émotionnel ou qu' il ne communique pas vraiment un sentiment, mais je pense qu'il communique un sentiment, et surtout avec des sujets comme la nourriture que nous avons l'habitude de voir jour après jour, ils sont presque ordinaires, pas presque, ils sont littéralement ordinaires. En les voyant dans un contexte comme celui-ci où il vient d'être isolé, il n'y a rien d'autre qui se passe autour. Surtout si c'est dans cette perspective plus directe, cela peut vous donner une idée de presque tous les aliments. Cela peut vous mettre dans une perspective différente en tant que spectateur, cela peut vous forcer à une appréciation et une position d'appréciation lorsque vous regardez la nourriture et que vous le voyez dans cette comme vous ne le voyez généralement pas. Peut-être que ce n'est pas quelque chose que vous prenez souvent le temps de prendre du recul et d'apprécier vraiment ou de vous sentir reconnaissant ou de remarquer la beauté. Je pense que beaucoup d'entre nous à l'ère des médias sociaux sont devenus assez à l' aise et familiers avec le fait de regarder un morceau de nourriture ou de repas magnifiquement plaqué , et de prendre un moment pour dire : « Oh, Wow, ça a l'air tellement cool, c'est magnifique. » Mais à quelle fréquence regardez-vous une banane ou regardez la tête de chou-fleur et ressentez-vous ce sentiment d'émerveillement et d'appréciation pour ce que c'est, soit la beauté ou la ou le fait qu'il puisse vous nourrir ou quoi qu'il soit. Ce sentiment d' admiration et d'appréciation pour cet aliment que l'on trouve dans ce contexte plus vaste que nature. Cela est particulièrement vrai si vous le faites d'une manière plus grande que nature. Il peut être vraiment puissant si vous prenez quelque chose comme une myrtille super minuscule et que nous ne l' examinons généralement pas de près. Il sera jeté dans le bol de céréales ou dans le mélangeur ou dans notre bouche, quelle qu'elle soit, mais si vous voyez cette myrtille dans une taille beaucoup plus grande que nature, cela vous oblige à y penser dans d'une manière différente et de l'apprécier différemment. La prochaine émotion, je ne sais pas si cela se qualifie réellement d'émotion, mais c'est une réponse ressentie chez le spectateur et c' est de la délicieuse. C'est un sentiment que vous pouvez évoquer, une réponse que vous pouvez évoquer chez le spectateur, ce soit vous-même en tant qu'artiste qui apprécie et ressent ce sentiment délicieux, pensant que quelque chose est délicieux ou la personne qui regarde votre travail terminé. Il y a quelques caractéristiques clés à garder à l'esprit, qui doivent être prises avec un grain de sel, car certaines de ces caractéristiques vont être subjectives. Nous ne pensons pas tous aux mêmes choses que délicieuses et je viens du point de vue d'un illustrateur commercial. Quelqu'un qui fait beaucoup de travail pour être très franc aide à vendre des choses. Une grande partie de mon travail dans l' illustration commerciale consiste à rendre aliments délicieux parce que personne ne voudra acheter la nourriture, ni faire la recette ou essayer quelque approche que ce soit c'est ce qui est expliqué dans un magazine. Personne ne voudra le faire à moins que la nourriture soit vraiment bonne. La nourriture doit être appétissante ou délicieuse d'une manière ou d'une autre. Il existe un certain nombre de facteurs clés, dont l'un peut être la perspective dans laquelle vous l'affichez. Que ce soit le point de vue qui indique que vous êtes la personne qui vous place dans la position de la personne qui est sur le point de manger, la personne qui est sur le point de vivre le délice de cette image de gâteau, par exemple, comme s'il y avait cette bouchée qui vient d'être retirée et que vous pouvez presque sentir que vous allez prendre cette bouchée de gâteau au chocolat. Montrer une bouchée retirée de quelque chose qui peut vraiment indiquer : « Oh, c'est appétissant. C'est quelque chose qui est en train d'être mangé. » Quelque chose que je pense personnellement rend quelque chose vraiment délicieux et qui a tendance à s' habituer un peu à l' illustration commerciale aussi, c'est une sauce qui est versée dessus, quelque chose qui a l'air d'être versé, comme le sirop ou le miel qui vient d'être mis sur les crêpes, qui le donne l'air prêt à manger, il donne également l'impression qu'il vient d'être préparé parce que nous savons tous qu' avec des trucs sirupeux goutte à goutte à goutte, ils ne restent pas très longtemps. Il se sent donc frais d'une certaine manière. La fraîcheur est également un autre élément de délice. En regardant certaines de ces choses qui sont à l'opposé de ce que nous venons de regarder, je regarde ces choses vraiment collantes, sucrées et appétissantes. Quelque chose est vraiment frais et vraiment vert, ayant l' air d'être à son apogée en termes de maturité et gourmandise qui peut également ajouter de la délicieuse à l' illustration. Tout ce qui le rend croustillant, frais, coloré, probablement des niveaux de saturation plus élevés si vous faites quelque chose comme des fruits ou des légumes. 3. Se connecter à des sentiments avec l'imagerie alimentaire (partie 2e partie): Parfois de l'humidité ou de la jutosité, comme dans cette image de pamplemousse ici, ou même dans ce cocktail de pamplemousse, ou je suppose que c'est un cocktail d'orange sanguine, voyant une partie de la condensation à l'extérieur. du verre à cocktail, en voyant une partie de la jutosité à l'intérieur de la tranche d'orange sanguine, la lumière qui s'accroche sur les glaçons du pamplemousse ici, en voyant tous ces petits segments à l' intérieur de chacun Supremum, je pense que c'est ce qu'on appelle, dans chaque morceau de pamplemousse. voyant tous ces petits segments individuels capter la lumière, qui communique vraiment le fait que wow ça vient d'être coupé, c'est vraiment juteux, c'est délicieux. Vous voulez avoir cette fraîcheur, ça vient d'être fait, c'est à son apogée, ces indices qui indiquent qu'il est sur le point d'être mangé ou qu'il est en train d'être mangé, sont tous de très bonnes façons d'envoyer le spectateur signale que l'émotion ou le sentiment que vous essayez de communiquer est ce sentiment appétissant que la nourriture est vraiment délicieuse. Ensuite, c'est plutôt comme un sentiment direct, c'est définitivement une émotion et c'est de la nostalgie. La nourriture est fantastique pour communiquer la nostalgie, car beaucoup d'entre nous ont des souvenirs qui, comme nous le parlons dans l'introduction, des souvenirs vraiment étroitement liés et associés à des aliments spécifiques, en particulier des aliments issus de l'enfance ou peut-être des événements spécifiques ou des choses qui se produiraient encore et encore, comme certains jours fériés ou peut-être des rituels hebdomadaires avec un membre de la famille, ou un ami. La nostalgie peut être communiquée très efficacement avec la nourriture. Sans surprise, le plus souvent, ce que je trouve dans les aliments nostalgiques qui auront plus de nostalgie universelle sont certains de ces aliments que beaucoup d'entre nous aiment, comme les beignets ou les glaces, même comme la pastèque, quelque chose que c'est vraiment associé à une période particulière de l'année, nous mangerons souvent la pastèque ou des tomates en été. D'autres aliments comme peut-être des bonbons spécifiques ou des produits de boulangerie qui contournent les vacances , la crème glacée, je pense que j'ai déjà mentionné la crème glacée, mais ces aliments que beaucoup de gens aiment probablement font partie de l' enfance de beaucoup de gens et ils peuvent communiquer la nostalgie de manière vraiment unique. Je pourrais voir un cornet de crème glacée et ça va me rappeler que mon frère et sœur et moi avons traversé les bois pour rendre dans cette glacière située près de chez nous, mais vous verrez peut-être cette glace. et rappelez-vous comment, le jeudi votre grand-mère viendrait vous chercher à l'école et vous emmènerait chercher un cornet de crème glacée, quelle qu'elle soit. Il est puissant de cette façon parce qu'il peut vraiment se connecter à ces souvenirs spécifiques des individus, mais c'est un symbole universel. Un cornet de crème glacée est quelque chose que nous allons tous lire notre propre sens là-dessus. Ou c'est peut-être quelque chose de beaucoup plus spécifique, comme une marque de sauce piquante très particulière que vous et votre meilleur ami avez toujours aimé obtenir chaque fois que vous sortez chercher de la nourriture vietnamienne, comme si c'était la sauce piquante que vous avez toujours utilisée. Bien sûr, il y aura d'autres personnes qui se rapportent à cela, mais plus la nourriture est spécifique, probablement plus le public est petit, mais de la même façon, il est large, le plus elle aura un attrait émotionnel plus large, plus les gens ressentiront cette nostalgie, mais plus elle est spécifique lorsqu'elle se connecte avec le bon public qui a aussi ce sentiment, qui a cela. association, elle sera encore plus puissante. C'est de la nostalgie. En fait, une autre note à considérer sur la nostalgie ici, vous voulez être prudent lorsque vous sujets nostalgiques comme celui-ci , par exemple, ces fusées pops, c'est une chose que beaucoup Les enfants américains ont eu, surtout les enfants américains qui ont grandi dans les années 90 comme moi, qui auront une certaine association avec eux parce que c'était avec eux parce que c'était quelque chose que beaucoup d'entre nous ont mangé, et c'est vraiment comme l' été. de l'école, peut-être que vous l'avez eu du camion de crème glacée ou peut-être que vous l'avez eu dans la grande boîte que la mère de votre ami a reçue de Costco ou de n'importe où. Beaucoup d'entre nous auront une association avec eux, donc il y a le sujet lui-même qui évoque cette association, mais il y a ensuite la façon dont elle est montrée. Celle-ci est une composition intéressante ici avec les différents sucettes glacées, mais elle est très désinfectée et la couleur est même un peu plus fraîche, elle se sent un peu moins. éclatantes et vives que certaines de ces autres couleurs que nous avons vues. En gardant cela à l'esprit, surtout si vous visez la nostalgie, nostalgie de beaucoup de gens peut ressembler une situation de type rose, où vous regardez en arrière et vous vous souvenez les sentiments sous une lumière chaude presque. Si vous imaginez un sujet vraiment nostalgique dans un éclairage ou un cadre qui n'est pas aussi nostalgique que plus désinfecté et plus frais comme celui-ci, il y aura un élément de dissonance, et cela ne veut pas dire que c'est une mauvaise chose, sachez simplement que chaque choix que vous faites dans votre pièce a un impact sur ce que vous communiquez en ce qui concerne l'histoire que vous racontez ou le sentiment que vous suscitez chez le spectateur. La prochaine émotion dont nous allons parler est sagesse ou la tristesse, le désir, quelque chose qui s'intègre dans cette famille, et vous ne pensez peut-être pas immédiatement que nourriture est un excellent moyen de communiquer cela. émotion, beaucoup d'entre nous l'associent à des sentiments heureux, mais cela peut être un excellent moyen de communiquer certaines de ces émotions et sentiments. Prenons par exemple ce cornet de crème glacée qui a été renversé. Peut-être que cela ne vous est jamais arrivé, mais j'ai l'impression qu'en tant qu'enfant, cela m'est arrivé plusieurs fois, vous recevez le cornet de crème glacée, vous avez été tellement excité de l'avoir et ensuite comme vous faites-le boum, il tombe et atterrit face cachée sur le sol. Pour moi, voir cette image est un point de connexion immédiat avec cette expérience et ce sentiment d' excitation et oui, enfin, je l'ai enfin eue et puis, oh, non, ça n'a pas suivi ce que j'espérais. Si vous voulez tirer parti de cela, vous pouvez choisir quelque chose de très spécifique comme ce cornet de crème glacée qui aura cette association pour beaucoup de gens. D'autres façons que j' ai trouvées pour créer ce sentiment de méchanceté ou un sentiment un peu triste, de type mélancolique, c' est la nourriture qui semble juste un peu hors de sa place, un peu différente de celle-ci. qu'il s'agisse du cornet de crème glacée sur le sol ou de quelque chose qui est renversé. Cette écorce de banane est restée sur le trottoir comme celle-ci toute seule dans cette lumière du soir qui a une sensation très mélancolique et perspicace pour moi. Un autre très bon est le dernier morceau de nourriture dans une assiette, donc comme le dernier morceau de gâteau, le dernier biscuit, peut-être que c'est comme un biscuit partiellement mangé sur une assiette, une boisson renversée de d'une sorte. Ces images vont évoquer ces sentiments comme, oh, ce n'est pas tout à fait juste, ou comme quelque chose a été interrompu ici, quelque chose allait dans un sens et maintenant c'est parti dans un autre sens. connaissait le morceau de gâteau isolé dans l'assiette, je pense que certains de cela, oui, le morceau de gâteau pourrait sembler parfaitement bien, mais c'est juste un peu triste de voir ce morceau de gâteau solitaire comme contrairement à un gâteau entier ou à un gâteau qui contient un morceau, une tranche ou même une seule tranche de gâteau sur une assiette avec une fourchette prête à manger plutôt que comme celle-ci. biscuit dans cet éclairage rude qui a fait disparaître des morsures et y a été laissé. Encore une fois, puisque nous parlons de sentiments, tout cela va avoir beaucoup de subjectivité là-dedans et certains de cela, peut-être que cela n' évoquera pas certains de ces mêmes sentiments pour vous, mais vous pourriez y penser comme des points d'entrée généraux et des moyens d'accéder à ces émotions si c'est quelque chose que vous voulez communiquer dans votre pièce. Le prochain est le dégoût. Maintenant, je vais être très honnête ici, ce n'est pas un sujet sur lequel j'ai passé beaucoup de temps à travailler car en tant qu'illustrateur commercial, mon travail consiste à éviter ce sentiment. Nous voulons que le sentiment d'anticipation délices et quelque chose délicieux et vous voulez vraiment le manger. Vous voulez éviter le sentiment de dégoût, mais il y a des peintres gastronomiques et des artistes gastronomiques vraiment intéressants, surtout ceux qui travaillent peut-être davantage dans l'espace des beaux-arts, qui font créer des œuvres d'art basées sur des aliments qui ont un élément de dégoût. Cela ne sera probablement pas très surprenant ici, ce que cela inclut, mais les aliments qui sont gâtés, pourris ou moulés, des aliments qui viennent d'être dépassés, c'est un pic que vous ne voudriez pas manger ça. Quand on le regarde, on se sent un peu comme un peu dégueulasse, je ne veux pas ça. Il y a beaucoup de raisons qui pourraient être derrière le fait de vouloir inclure cela dans une pièce, mais historiquement, art culinaire faisait beaucoup plus partie du genre de la nature morte et donc les artistes le feraient utiliser de la nourriture et en particulier de la nourriture qui a atteint son sommet ou que les fleurs s' inscriraient également dans cette catégorie. Des fleurs qui s'estompaient, elles étaient utilisées pour communiquer l'idée de la mortalité, que nous allons tous mourir à un moment donné, un curveball ou un cours d'illustration culinaire discret. Mais oui, si vous voulez atteindre certaines de ces émotions plus profondes, pensez à certains de ces sentiments plus sombres, dégoût et utilisation de nourriture qui a gâté ou qui est passée ou qui n'a pas l'air appétissante. peut être un excellent point d'entrée et un moyen de communiquer certains de ces sentiments et émotions. 4. Raconter la histoire dans l'illustration alimentaire: Maintenant, je veux discuter un peu plus précisément de la façon dont vous pouvez augmenter l'élément de narration dans votre œuvre, dans votre œuvre. Nous avons déjà abordé tout cela, tout au long de tout ce dont nous avons parlé ici avec toutes ces différentes émotions, qui ajoute un élément narratif, même si vous ne faites que ce géant, Myrtille de 12 pouces, qui a toujours, communique une sensation. C'est une histoire très courte qu'il raconte, mais elle communique ce sentiment d'émerveillement et d'appréciation, et s' interroge sur cette chose que l'on ne regarde généralement pas dans ce contexte. Il raconte une histoire. Une très petite histoire, très courte, elle suscite ce sentiment. Mais si vous voulez ajouter un élément narratif plus profond, vous devez vraiment commencer à envisager d'inclure d'autres composants ou d'inclure la nourriture dans un contexte différent, dans un contexte différent du nourriture seule. Par exemple, si nous ne regardons que cette pomme, nous avons vu cette image plus tôt lorsque nous parlions de cette émotion d'émerveillement, et vous vous demandez quand vous regardez la nourriture hors de son contexte normal. Cela pourrait être une belle pomme et cela communiquerait ce sentiment, mais si vous la comparez à cette image suivante, deux pommes tenues par deux mains, chacune avec une morsure enlevée, et vous pouvez voir de l' herbe dans le sol, d' autres pommes dispersées sur le sol. Si vous comparez ces deux images, laquelle raconte le plus une histoire ? Certainement le deuxième. Celui où ils sont dans un verger, ils mangent des pommes, comme s'il y avait beaucoup plus de contenu narratif que dans le premier. Un autre exemple serait la coupe d' une pomme. En regardant cela maintenant, je pense que c'est probablement une paire en train d'être découpée. C'est l'une de ces images que j'ai trouvées sur un site du domaine public. Une paire ou une pomme se fait prendre pour aller dans une tarte. Ici, c'est une pomme. Cela raconte plus d' une histoire qu'une seule pomme. Quand je dis raconter une histoire, je ne veux pas forcément parler d'un récit super, très long. Si vous voulez raconter un récit très long, vous avez probablement besoin de plusieurs images ou d'une peinture vraiment, vraiment grande que vous pouvez faire. Je serais tout à fait excité de voir quelqu'un s'attaquer à cela pour ce cours. Mais même une petite fenêtre où il y a de l'action. Il n'y a pas que la nourriture, une pomme assise là. Cela évoque le sentiment dont nous avons parlé, mais une pomme avec une bouchée retirée . C'est un peu plus. Une pomme avec une bouchée prise dans la main de quelqu'un, même un peu plus. Une pomme coupée, c'est quelque chose. Une pomme qui est en train d'être découpée sur une planche à découper avec les mains de quelqu'un, qui est encore plus riche en narration. Dans cet exemple précis, nous n'allons pas le faire avec chacun des exemples alimentaires, mais simplement pour vous amener à réfléchir à la façon de raconter une histoire, s'il y a une histoire particulière que vous voulez raconter avec la nourriture, en plus de l'émotion que vous voulez transmettre, et rassembler ces deux choses peut être vraiment, vraiment puissant si vous considérez la fois l' émotion spécifique que vous voulez pour puiser dans l'histoire que vous voulez raconter. C'est juste quelque chose à garder à l'esprit lorsque vous planifiez votre concept et que vous choisissez votre image de référence. Quelques exemples plus rapides de quelques images qui montrent davantage la nourriture dans un contexte qui communique ensuite une histoire plutôt que la nourriture seule. Celui-là, nous voyons ces pots à confiture, et une vue aérienne de l'un de ces pots à confiture pourrait être plutôt cool. Mais le fait que nous voyons ce pot de confiture avec le couvercle et qu'il y bol de rhubarbe sur le côté, qui raconte un peu plus l'histoire de cette histoire n'est que de la confiture qui vient d'être faite comme par opposition à si nous voyons le bourrage sous un angle différent, peut-être juste une perspective directe où les bocaux juste là, nous regardons le côté de celui-ci, qui ont moins de valeur narrative, moins d'histoires sont communiquées. même, nous avons les beignets dans la boîte et il y a une histoire ici parce que les beignets sont dans une boîte et les mains poussent la boîte vers l'avant pour que nous puissions voir ce contenu, nous pouvons voir cette histoire de les beignets présentés. Mais nous avons eu cette autre image du beignet qui est en train d'être ramassé et il est sur le point d'être mangé, et nous pouvons voir que la personne le tient de cette manière très particulière, essayant de ne pas gâcher le glaçage ou d'avoir l' adhérence sur leurs doigts. On peut presque sentir l'anticipation d'être sur le point de prendre une bouchée de ce beignet. Pour moi, celui-ci a un contenu narratif un peu plus riche. Voici un autre excellent exemple. Ce café qui est en train d'être versé, j'ai réalisé plusieurs peintures au lait où je capture cette très belle œuvre d'art tourbillon qui se produit sur le dessus d' un café au lait si elle est faite par Barista vraiment compétent. Mais celle-ci raconte encore plus une histoire parce que nous voyons que la tasse est bercée dans la main de cette personne, les pichets en train de verser, vous avez vraiment une idée de la façon dont cela se est quelque chose qui a été conçu par quelqu'un. Il y a beaucoup plus de contenu narratif ici, beaucoup plus de narration ici. Le dernier ici. Juste pour ne pas avoir l'idée qu' il doit inclure les mains de quelqu'un. Les mains sont un excellent moyen de donner une composante narrative à un tableau, mais cela peut aussi être le décor. Si nous ne voyions qu'un bol d'oranges ou un bol d'agrumes assis sur le comptoir, ce serait une chose et cela pourrait être une belle peinture, et selon les associations spécifiques que vous avez avec les agrumes. Mais vu ici où nous avons ce sac d'épicerie réutilisable, il est jeté sur le comptoir, les fruits s'en sortent. Pour moi, ça me donne l'impression que quelqu'un qui vient de revenir du magasin. Elles sont fraîches, elles viennent d' être récupérées dans le magasin. Encore une fois, il y a juste plus de contenu narratif. prêtant attention à ces choses, en étant conscient de la façon dont elles ont impact sur votre pièce finale et de tout ce que vous essayez de communiquer avec cette pièce. Maintenant, une dernière note sur le public et le fait d'être spécifique à un public. Nous avons déjà parlé de l' importance du public au début lorsque nous parlions de ce que c'est, l'objectif de la pièce, puis de la personne à qui elle est destinée. Mais en gardant à l'esprit lorsque vous visez quelque chose à un public, je pense que j'ai déjà abordé cela aussi lorsque nous parlions de nostalgie. Si vous avez quelque chose qui est plus axé sur un public restreint, cela va probablement susciter, ou cela peut susciter une émotion plus forte que quelque chose qui s'adresse à un public plus large que tout le monde peut. dites : « Oh, oui, je comprends ça. » L'exemple que j'ai ici est très spécifique pour moi. [RIRES] Peut-être qu'il y aura quelques-uns d'entre vous qui obtiendront cela, peut-être pas, mais je pense que l' exemple fonctionnera toujours. Nous avons ici cette image de crème glacée très spécifique de ces boules de crème glacée qui ont un aspect différent. Ils ressemblent à ces petits cylindres. Je suis originaire de Californie du Sud, et là, l'endroit où nous aurions toujours crème glacée était cet endroit appelé Thrifty, qui n'est qu' une épicerie, une pharmacie slash, et ils avaient un comptoir de crème glacée et ils avaient ce type de cuillère à crème glacée très spécifique. Cette image, je pouvais voir une peinture de ce cornet de crème glacée n'importe où, et immédiatement je pense que Thrifty, comme la Californie. Être à San Diego et prendre un cornet de crème glacée comme celui-là fera ressortir toutes ces associations pour moi. Je me souviendrai de la saveur spécifique que j'obtiendrais toujours, qui était une boule de lait maltée, [RIRES] m'excelle maintenant, mais c'était mon préféré à l'époque. Contrairement à quelque chose comme celui-ci, qui est une image beaucoup plus générique d' un cornet de crème glacée, si vous adoptez l'approche de Thrifty, si vous faites quelque chose qui est vraiment spécifique à votre public, vous allez avoir un lien plus étroit, ce lien plus étroit parce que ces gens se disent : « Oh, ouah, c'est une chose bizarre que j'ai vécue. » Peut-être que certaines personnes de ma communauté l'ont expérimenté, mais tout le monde ne l'a pas contrairement à la photo de crème glacée plus générique, ce qui va encore susciter des sentiments pour moi parce que j' aime vraiment. beaucoup de crème glacée, [RIRES] et je l'ai eu dans de nombreux milieux différents en grandissant. Cela va encore puiser dans une partie de cela, mais il ne sera pas aussi puissant que celui de Thrifty. Je ne donne pas de bonne ou de mauvaise réponse précise, disant que vous devriez la rendre vraiment large ou que vous devriez la rendre vraiment spécifique. Je dis juste de garder à l'esprit cette différence lorsque vous faites vos choix, et pour décider, voulez-vous viser quelque chose vraiment spécifique qui va peut-être frapper ? qui note un peu plus près de chez vous pour quelques personnes, ou voulez-vous viser quelque chose de plus large, c'est presque comme cette toile laquelle beaucoup de personnes différentes peuvent lire sur laquelle beaucoup de personnes différentes peuvent lire leur signification, mais peut-être pas ont un impact tout aussi profond. Gardez simplement cela à l'esprit que l'audience différentielle lorsque vous travaillez sur le développement de votre concept ici. 5. Ce qui fait une bonne image de référence (partie 1): Maintenant que nous avons beaucoup déballé sur ce qu'il faut prendre en compte lorsque vous décidez compte lorsque vous décidez de votre concept lorsque vous développez votre concept, je veux prendre une minute pour parler des références. Une référence est quelque chose dont vous envisagez de travailler et de baser votre œuvre d'art et quel que soit le style dans lequel vous allez travailler si vous voulez travailler dans un style plus réaliste comme moi, ou si vous allez être vraiment stylisé ou peut-être même plus d'icônes comme la stylisation plate, il y a tout un spectre, tant de façons différentes d' aborder cela. Quelle que soit l'approche que vous utilisez, vous voudrez probablement inclure des références à un certain niveau. J'en ai longuement parlé dans différentes vidéos YouTube. Je pense que j'en ai probablement déjà parlé dans d'autres classes, donc si vous avez suivi un cours avec moi, vous saurez déjà que je suis tout simplement très favorable à l'utilisation de références, vous regardiez une image ou une chose réelle dans la vraie vie et c'est parce que nous avons tous cette tendance, cerveaux humains ont cette tendance à simplifier les choses et les aplatir et lorsque nous les mettons dans notre mémoire. Vous pouvez penser à vous-même, d'accord, oui, je vais faire de la crème glacée, je sais totalement à quoi ressemble un cornet de crème glacée. Pourquoi dois-je le chercher ? Surtout si vous allez adopter une approche plus stylisée. Mais un de mes amis, un autre illustrateur qui a une approche plus stylisée, je viens de me rappeler récemment quel point il est impactant et important d'avoir des références parce que nous sont dans un groupe ensemble et elle parlait de la façon dont elle avait vraiment apprécié ce dessin qu'elle avait fait, vraiment apprécié le processus, mais ensuite cet autre, elle n' aimait tout simplement pas ça du tout, elle n'aimait pas le processus, elle n'aimait pas comment ça s'est passé et puis quand on y a creusé, elle s'est rendu compte que c' est parce que j'ai utilisé une référence pour celle-ci que j'aimais faire et j'ai adoré comment ça refusé. J'adore le processus et je n'ai pas utilisé de référence pour cet autre. Alors qu'ils étaient tous les deux dans son style et qu'ils étaient tous les deux stylisés et c'était vraiment assez clair et assez stupéfiant à un certain niveau, comme comment ces différences subtiles entre les deux, un où elle avait ces petites nuances minuscules dans détails que même si c'était hyper-stylisé, ils vous ont mis au fait qu'ils l'ont rendu plus crédible, réel n'est pas le bon mot, mais ils ont fait cela semble plus crédible et ces petits détails, sont les choses qui ont tendance à se perdre si vous ne regardez pas du tout la référence. Bien sûr, la mise en garde, rien n'est jamais universel. Il y a bien sûr des gens qui créent des œuvres d'art sans regarder constamment les références, mais ils sont loin minoritaires, la plupart des gens que vous connaissez, plupart des gens que vous connaissez utilisent des références d'une manière ou d'une autre. S'il y a des artistes réalistes ils les utilisent assez fortement parce que vous avez besoin de ces informations pour rendre quelque chose réaliste. On ne peut pas simplement le sortir de nulle part, s' il s'agit d'un artiste stylisé, un artiste qui a un certain niveau de stylisation ils sont peut-être un peu plus lâches avec les références, mais ils les regardent toujours. Il y a ma boîte à savon, je vais descendre maintenant, mais je crois fermement que vous devriez utiliser des références, et maintenant nous allons parler de ce qui fait de bonnes images de référence et de la façon de repérer ces trois choses. Il y a trois caractéristiques dont nous allons parler qui, selon moi, constituent une très bonne image de référence. numéro 1 est que l'image, le sujet est immédiatement reconnaissable. C'est probablement le plus subjectif des trois même si je suppose qu' ils sont tous quelque peu subjectifs à un certain niveau. Prenons cette image ici. C'est un morceau de tarte et peut-être ne pourriez-vous pas le dire en le regardant. C'est en fait une tarte que j' ai faite et dont j'étais très fier, la croûte était assez solide pour que la tarte se lève toute seule, alors je voulais prendre une photo et je me suis dit, oh, ça serait peut-être un angle cool pour montrer la tarte et j'avais déjà montré la tarte à la citrouille à cet angle et ça a vraiment bien fonctionné. J'ai attrapé cette image de référence, mais je n'ai jamais fini par l'utiliser car la regarder n' est tout simplement pas claire tout de suite. Qu'est-ce que c'est que c'est ? Je peux dire que c'est quelque chose, mais ce n'est pas tout de suite pour moi. Oui, c'est un morceau de tarte comparé à autre chose. C'est une autre tarte, celle de gauche est une autre tarte que j'ai faite qui avait également une croûte très solide et j'en étais également fière. Mais c'est beaucoup plus immédiatement reconnaissable, j'étais comme oh ouais c'est une tarte ou même celle à droite que je n'ai pas prise, c'est aussi très clairement un morceau de tarte que nous pouvons . voyez immédiatement de quoi il s'agit. Un autre exemple serait celui ici, qui est une pâtisserie et si nous devions examiner cela, il est clair qu' il s'agit probablement d'une pâtisserie, mais n'est pas vraiment clair de quoi il s'agit. Ce sera un peu plus une barrière pour le spectateur que pour le spectateur que pour quelque chose comme celui-ci où c'est tellement clair qu' il y a un croissant au chocolat. Crème glacée, quelques exemples de crème glacée. C'est une image vraiment jolie, je pense, une image vraiment intéressante, mais juste en soi celle-ci , ou celle-ci, ou même celle-ci, elles sont un peu plus abstraites d' une certaine manière. comme si ce n'est pas le cas, bien le premier et le troisième le sont. En raison des perspectives dans lesquelles ils se trouvent, il n'est pas tout de suite clair de quoi il s'agit et même le second qui a tout ce qu'il y a de quoi il va être difficile de faire en sorte que cela ressemble à un cornet de crème glacée attrayant car il y a toute cette poussière dessus. Vous avez juste beaucoup plus de travail à faire pour que cela soit réel, comme quelque chose de reconnaissable tout de suite. Comparé à une image comme celle-ci où c'est très clairement comme les deux boules de crème glacée, nous pouvons voir le cône, nous pouvons voir ce qui nous incite à être de la crème glacée. Celle-ci aussi, c'est un cône plus unique, mais c'est toujours très évidemment de la crème glacée et, bien sûr , si vous vouliez inclure la main, il y aura un indice encore plus grand que oui, il s'agit d'un cornet de crème glacée. Tout simplement en gardant à l'esprit cet élément de reconnaissance, [RIRES] à quel point le sujet est immédiatement reconnaissable lorsque vous décidez si vous voulez le peindre ou non. C'est probablement une erreur que je vois beaucoup de nouveaux illustrateurs culinaires faire tout le temps, c'est de choisir quelque chose qu'ils aiment la photo, ils aiment la référence, mais ils ne le sont pas en fait. en pensant quel point cela va bien communiquer une fois que c'est dans une pièce finie. La prochaine chose à considérer est de savoir si la nourriture est déjà plus réaliste ou stylisée, sorte que toute image que vous faites est la nourriture elle-même , puis la photo est supprimée en une seule étape. puis l'illustration est supprimée d'une étape supplémentaire, puis si vous faites une illustration vraiment stylisée c'est une étape de plus supprimée. Surtout compte tenu du fait que vous avez déjà cette suppression de la réalité, est subjectif, mais je c'est subjectif, mais je trouve qu'il vaut mieux choisir des aliments réalistes et non hyperstylisés. Nous avons ce gâteau ici. C'est un beau gâteau. Évidemment, la personne qui l'a fait est un pâtissier extrêmement habile et je vois de nouveaux illustrateurs culinaires essaient de dessiner cette nourriture tout le temps parce que c'est comme, wow, c'est tellement magnifique, c'est vraiment impressionnant. Vous avez le sentiment que vous voulez passer du temps à l'apprécier en dessinant dessus. Mais quand vous avez un dessin de nourriture qui ne ressemble pas vraiment à de la nourriture, il ne communique pas aussi bien. Quelque chose comme ça, à mon avis, ce gâteau ici nous pouvons voir la texture rugueuse du gâteau, le glaçage, le glaçage entre les couches, le fruit qui se trouve sur le dessus, ce serait beaucoup plus efficace communiquer l'idée du gâteau et certains des sentiments qui l'accompagnent. C'est un autre gâteau, un autre gâteau moins parfait. Nous avons des bougies d'anniversaire qui sont bien sûr un très bon indice sur le fait que ce n'est pas n'importe quel gâteau, c'est un gâteau d'anniversaire. Le glaçage contient beaucoup d'imperfections que je trouve certaines des choses les plus intéressantes à regarder, puis en revenant à certaines notes que nous avions avant des sentiments différents que nous voudrions évoquer, ce désir de le manger. L'appétissance, la délice qui va être diminuée si elle ressemble à de la nourriture. Si vous peignez ici quelque chose comme ce gâteau qui est tellement parfait qu'il semble presque qu'il soit fait de verre, de plastique, ou quelque chose qui ne va pas entrer, ils sont comme , avec cela au moins pour moi, c'est plus comme wow, c'est impressionnant, c'est incroyable. Regardez-moi ça. C'est magnifique. Mais maintenant, j' ai hâte de manger ça. Si ce que vous cherchez, c'est vouloir que quelqu'un pense que c'est délicieux, en gardant à l'esprit que s'il ne ressemble pas autant à de la nourriture, il n' aura pas l'air aussi délicieux, sera vraiment utile. Juste un autre exemple rapide du stylisé par rapport au plus réaliste. Ces biscuits de vacances, ils sont magnifiques, ils sont tout simplement magnifiques, le glaçage est presque parfait. Ce serait une chose amusante à dessiner, mais à la fois à cause de la perspective dans laquelle vous vous trouvez , de la hauteur directe et du fait qu'ils ont un look stylisé parfait, il sera plus difficile de Incitez les gens sur le fait que c'est de la nourriture. Ils vont probablement penser que c'est juste une petite icône ou peut-être que c'est des ornements, une décoration ou quelque chose que vous dessinez par rapport à quelque chose comme celui-ci où le glaçage n'est pas totalement parfait , mais je pense que ce n'est pas fini. Nous pouvons voir que les mains sont impliquées. L'une ou l'autre de ces images raconterait plus d'une histoire et transmettrait probablement davantage de sentiments liés aux cookies plutôt que des biscuits finis super parfaits eux-mêmes. 6. Ce qui fait une bonne image de référence (partie 2): Très bien, dernière qualité. Je pense que c' est probablement le moins subjectif des trois. C'est le plus important si vous souhaitez effectuer un travail vraiment réaliste, c'est-à-dire travailler à partir d'une image de référence qui est entièrement mise au point. Nous avons une image comme celle-ci. Eh bien, l'une ou l'autre de ces deux premières images, ces deux beignets, où ce sont de superbes images, les images sont très bien, mais il y a beaucoup d' endroits dans l'image où il n'y a pas grand-chose dans focus. Ce sont des images que j'ai prises il y a un certain temps lorsque j'avais un reflex numérique pour la première fois, et j'essayais de prendre des images de référence, et j'ai appris cette leçon à la dure que de prendre ces images de référence avec le reflex numérique doté d'une grande ouverture et d'une grande défocalisation n'est tout simplement pas idéal. De nos jours, je prends des images de référence principalement avec mon téléphone. Donc oui, il suffit de comparer quelque chose comme ça où beaucoup de choses sont défocalisées à quelque chose comme ça où le tout, c' est une photo tout aussi belle, probablement une photo plus belle à bien des égards, mais le tout est au centre. Nous pouvons tout voir très clairement. C'est tout simplement important pour la quantité d' informations que vous allez pouvoir extraire de la référence. Ce sont les trois éléments majeurs que vous voulez prendre en compte lorsque vous choisissez votre image de référence, et bien sûr, toutes les autres choses dont nous avons parlé, juste quelques autres choses dont nous avons parlé. les considérations ici et ensuite, nous terminerons. Ceux-ci ne sont pas les plus importants, mais juste de bonnes choses à garder à l'esprit. L'image de référence que vous choisissez n'a pas besoin d'être jolie. En revenant à cette image, cette pile de beignets ici. C'est une photo assez belle. C'est une jolie photo comparée à celle de la pêche, je pense que nous avons vu les deux plus tôt. Cette photo, il y a toutes ces choses folles qui se passent en arrière-plan. Ce n'est pas comme une belle photo à elle seule. Cette photo de la pile de beignets est une photo beaucoup plus agréable à elle seule, mais la pêche a beaucoup plus d'informations utiles, et surtout si vous ne faites que la pêche, si vous voulez la mettre sur un fond blanc un fond coloré et vous n'avez pas toutes ces autres choses qui se passent, la pêche est une photo plus moche, mais elle est beaucoup plus utile en termes de quantité d'informations que nous pouvons obtenir par rapport la pile de beignets où une grande partie est défocalisée, même si c'est une photo plus belle. Ensuite, bien sûr, ces choses comme l'angle d'où vous choisissez de le montrer, où voulez-vous faire quelque chose qui est direct comme ça ou sur le côté comme ça, gardant à l'esprit que cela aura un impact sur certains éléments que vous pouvez communiquer en termes de sentiments et d'émotions, angle, de perspective laquelle vous choisissez de montrer cette pièce est pour dire au spectateur sur quoi il faut se concentrer. Cela aura un impact sur le sentiment que vous communiquez. Sur la même note, l'éclairage. Ayant quelque chose comme ça, ce popsicle où il est en plein soleil, vous pouvez voir que les sucettes glacées transpirent presque un peu. Vous pouvez presque sentir la chaleur sur cette image, il y a aussi une bouchée retirée de celle-ci. On a juste l'impression qu'il y a de l'action, qu'il y a de la chaleur, on le mange un jour d'été. Tout cela est immédiatement communiqué, par rapport à celui qui suit où l'éclairage est vraiment stylisé, plus humoristique, plus romantique à certains égards, le popsicle est entier et n'est pas mordu il y a de la condensation, mais il est beaucoup plus contrôlé et stylisé. Encore une fois, ni l'un ni l'autre n'est juste ou mal, ni meilleur ou pire. Il suffit de garder ces choses à l'esprit, l'éclairage, l'angle dont vous choisissez de le montrer et le fait que vous n'avez pas besoin d'avoir la photo la plus parfaite et la plus magnifique, comme cette photo ici est une photo magnifique, mais vous pouvez travailler à partir d' une photo moins parfaite à elle seule. Cela fait partie des choses magiques de la création d'un tableau, réalisation d'une illustration, c' est qu'il n'est pas nécessaire soit à partir de cette photo étonnante. Probablement, je ne connais pas le pourcentage exact, mais de loin, la majorité des photos sur lesquelles j'ai travaillé ne sont pas de superbes photos. Ce ne sont pas des photos que vous voudriez imprimer et mettre sur votre mur que vous voudriez avoir comme pièce de travail par vous-même. Ce ne sont que des photos qui sont utiles pour les informations dont ils disposent. Dernière note sur les références avant de plonger dans la démonstration réelle et de commencer le dessin et la peinture, et c'est si vous devez travailler de la vie ou non. Travailler de la vie est génial, et si vous le pouvez, c'est un exercice merveilleux, surtout si vous apprenez simplement, surtout si vous vouliez faire un travail réaliste. Travailler de la vie est merveilleux. Cependant, il y a beaucoup de limites lorsque vous travaillez de la vie avec de la nourriture. Vous pourriez facilement faire quelque chose comme une pomme qui va bien se passer. Assis sur le comptoir pendant un certain temps, voire quelques jours si vous n'êtes pas en mesure de faire cette pièce en une seule séance. Mais quelque chose comme un cornet de crème glacée ou même quelque chose comme un morceau de gâteau ou un beignet, ils vont changer considérablement dans les quelques heures, sinon dans quelques heures, crème glacée va changer significativement en quelques minutes. Mais même quelque chose comme un morceau de gâteau, si vous ne pouvez pas tout mettre en une seule séance, ce gâteau aura l'air un peu différent. Le lendemain, il va être plus sec, le givrage peut avoir changé de forme en fonction de la température de votre pièce. Ce sont toutes des choses que vous devez prendre en compte. Si vous savez que cela va vous prendre plus d'une séance, si vous savez que ce ne sera pas quelque chose que vous allez pouvoir simplement vous asseoir et faire, si vous savez que vous êtes pour travailler à partir d'un sujet qui changera avec le temps, il sera probablement préférable de prendre une photo vous-même. Si vous allez prendre les photos vous-même, bien sûr, les considérations qui vont de pair avec cela. Vous n'avez vraiment pas besoin d'un appareil photo de luxe. Comme je l'ai dit, j' utilise simplement mon smartphone, mais il faut avoir un éclairage décent. Donc, en mettant ça, on veut toujours entrer, eh bien, je ne devrais pas dire toujours, mais généralement, l' éclairage indirect est bon. Si vous choisissez de le mettre en lumière directe, vous aurez une certaine sensation, vous obtiendrez une certaine ambiance , comme vous l'avez vu dans certaines de ces différentes images comme cette image de popsicle que nous venons de regarder l'un d'entre eux était très exposé au soleil et cela a une sensation très spécifique. En général, si je prends la référence, j'essaie de l'avoir comme une fenêtre miroir, mais la lumière n'est pas directement dessus, donc j'aimerais le faire le matin ou en après-midi, puis, bien sûr, va sans dire qu' il faut vraiment être capable de mettre la main sur la nourriture elle-même. Je peux imaginer une situation comme si j'essayais de faire une peinture du cornet de crème glacée de Thrifty. Je devrais attendre la prochaine fois que je pars en Californie, prends la référence moi-même ou je devrais regarder des références différentes en ligne. Si vous souhaitez vous procurer une image de référence en ligne, vous voulez garder à l'esprit droits de propriété intellectuelle d'autres personnes et ne pas les enfreindre. C'est très important. Si vous décidez de vous procurer des images de référence en ligne, vous voulez essayer d'abord de chercher, c'est toujours ce que je fais, essayez abord de regarder les sites d'images du domaine public. Quelque chose comme Pexels, Pixabay, MorgueFile, il y en a beaucoup. S'assurer que ce n'est pas seulement libre de droits. Sans droits signifie simplement que vous n' avez pas à payer de redevances. Cela ne signifie pas que vous n'avez pas à payer les artistes pour l'utiliser, vous voulez le domaine public. Recherchez des sites d'images du domaine public et commencez vos recherches d'images ici. Si vous voulez simplement effectuer une recherche d'images sur Google, gardez à l'esprit que chaque image qui apparaît peut avoir un degré d'utilisation variable. Certains d'entre eux vont être sous licence, certains d'entre eux vont être rédactionnés, d' autres seront du domaine public. Si vous utilisez Google Images, il n'y a pas de moyen facile de le dire. Vous pouvez trier les images en fonction de la licence sous laquelle elles sont sous licence. Mais malgré tout, c'est un peu [inaudible] ce n'est pas aussi facile à faire. Je recommande vraiment d' aller sur l'un de ces sites que je viens de nommer Pexels, Pixabay ou MorgueFile, et d'y chercher. Ou si vous allez faire quelque chose à partir de Google Images ou d'Instagram ou de n'importe où, ne vous fiez pas seulement à cette image, regardez plusieurs images différentes et probablement ma chose préférée est de une image du domaine public qui n'est peut-être pas idéale, et elle présente quelques lacunes en termes d'informations dont j'aurais besoin. Mais trouvez une image du domaine public sur laquelle je peux compter principalement pour 50 ou 60 % de l'image, puis complétez-la pour de petites choses provenant d'autres images, comme une couleur spécifique ou la façon dont l'éclairage et les ombres à l'intérieur de la pâtisserie ou quoi que ce soit. Mais si vous n'allez pas utiliser uniquement une image du domaine public ou uniquement avec une image que vous avez prise vous-même, assurez-vous de dessiner à partir de nombreuses références différentes pour que vous soyez ne porte pas atteinte aux droits d'auteur de quiconque. C'est un domaine délicat. C'est un domaine qui suscite beaucoup d' anxiété pour beaucoup de gens. Si vous faites partie de ces gens, c'est comme : « Oh mon Dieu. Je ne sais pas comment je peux le faire ou je veux le faire de la bonne façon. » Ensuite, il suffit de s'en tenir aux sites d'images du domaine public et de ne pas gâcher tissant ensemble un tas d'images différentes. Mais oui, je pense que c'est tout ce que nous devons dire sur les références. Maintenant, c'est le meilleur moment, le dessin et la peinture. Je vais me resserrer ensemble et ensuite nous plongerons. 7. Démo (partie 1): Bienvenue dans la démo. Ici, je suis en train de rassembler ma palette. Je vais utiliser de l'aquarelle liquide hydre. Je mets un peu de bleu cobalt dans la palette. J'aime arranger les choses aux couleurs chaudes d'un côté. La façon dont vous regarderez sera couleurs chaudes sur le côté gauche et des couleurs fraîches sur le côté droit. Mon bleu froid était bleu outremer, puis pour mon vert chaud, j'utilise du vert sève. Si vous n'avez pas toutes ces couleurs, vous pouvez le faire avec une palette plus limitée. Le vert frais est vert viridien. Les choses les plus importantes seraient un jaune chaud et un jaune frais, puis un bleu chaud et un bleu froid, un bleu chaud et un rouge frais. Ces six, vous n'avez pas à avoir tous ces éléments. Mon jaune chaud est jaune cadmium, puis mon jaune froid est jaune Hansa. J'utilise aussi le jaune cadmium profond avec cette couleur orange que vous voyez, et pour le rouge, je crois, c' est écarlate, et le rouge froid est pourpre. Ensuite, j'ajoute également quelques violets différents ici, l' un est la quinacridone violette et la quinacridone magenta, puis un autre, je crois, s'appelle violette impériale. Ici, j'ai mon image de référence. Je l'ai tiré sur mon iPad, qui est branché sur une source d'alimentation car cela va prendre un peu de temps, et puis j'aime généralement le garder hors cadre ici, appuyé sur un petit chevalet, un petit stand. Voici les pinceaux que je pense utiliser. J'ai fait une très grande sélection. J'ai tendance à en attraper un tas et ceux que je pense être le plus susceptible d' utiliser dans mon tiroir à pinceaux. Il s'agit ici d' une plume de taille 6. Il s'agit d'un lavage ovale d'un demi-pouce, il est vraiment agréable à mélanger. Je ne vais probablement pas poser une tonne de couleur avec elle, mais c'est génial pour le mélange. Ensuite, j'ai un tas de pinceaux ronds plus petits ici, ne sais pas lequel d'entre eux je vais chercher. J'ai beaucoup de pinceaux parce que je suis un artiste professionnel, vous n'avez pas besoin d'en avoir autant. Une partie de la raison pour laquelle j'en tire autant, c'est parce que j'aime pouvoir utiliser différents pinceaux pour différentes couleurs. C'est juste un peu de temps pour gagner du hack que je fais. Je pense que ceux que je serais le plus susceptible d'utiliser sont cette taille 6 ronde, puis une taille 2 ronde. Ce seront mes pinceaux les plus polyvalents de cet ensemble. Je pense que je l'ai mentionné dans l'une des vidéos de tête parlante, mais je travaille sur du papier aquarelle pressé à froid Fabriano Artistico . Une autre petite note avant de plonger. Puisque je vous ai montré l'image de référence que je voulais mentionner, je vais faire des choix de couleurs différents ceux que nous voyons ici dans la référence. Je vais probablement rendre le glaçage plus rose comme le glaçage sur le beignet. Je vais probablement faire des saupoudres plus comme de vrais saupoudres arc-en-ciel plutôt que ce que nous avons ici, qui ne sont que quelques couleurs différentes. Mais les informations que nous avons ici sur les lumières et les ombres en particulier vont être très utiles et je vais m'en fier. J' utilise absolument une référence, j'y apporte juste quelques modifications. Si vous êtes super nouveau dans ce domaine, si vous êtes débutant, je commencerais par essayer de suivre l'image de référence beaucoup plus attentivement plutôt que de faire certains de ces choix de couleurs plus créatifs. Pour commencer ici, j' ai un morceau de papier d' imprimante ordinaire qui est juste pour protéger la surface de mon papier de travail de ma main, puis j'ai du papier test, qui est juste à l'arrière de l' ancien jetable. peinture. Je déteste même dire cela, parce que je sais que les gens n'aiment pas entendre dire que je jeterais un tableau, mais cela arrive parfois et j'aime les utiliser comme échantillons de test d'abord pour sauver du papier. J'ai ici quelques couleurs de rose différentes. J'ai un rose plus chaud à gauche, puis un rose plus froid à droite. Le rose plus chaud n'est qu'une version super évasée de ma couleur rouge chaud, puis le rose plus froid est en fait magenta quinacridone. Je pense que je vais aller avec un rose plus chaud. J'aime juste le sentiment de ça, c'est un peu plus comestible pour moi. Le rose plus froid est un peu trop violet, et je veux vraiment un beignet rose. Je suis moi-même fan du rose [RIRE], donc je suis juste en train de tester ici pour m'assurer d' avoir la bonne cohérence. Je veux qu'il soit vraiment épuré, je vais essayer de devenir super léger ici au début. Je fais juste bouger les choses. En entrant ici avec mon pinceau rond numéro 6, je crois, et juste un rose chaud super évasé, et je vais traverser à peu près toute la surface du glaçage avec cette couleur. Je vais essayer de laisser quelques zones où il y a un point fort lumineux, je vais essayer de les laisser intacts. En sautant devant ici, j' ai fini de poser cette première couche de rose sur toute la surface du beignet, et j'ai zoomé un peu pour que vous puissiez voir de plus près ce que je fais. Maintenant, je continue à décrire certaines lumières et les sombres de la surface du beignet du glaçage. Je fais cela en ajoutant simplement une deuxième couche plus intense de ce rouge chaud, et je commence aussi à mélanger lentement une partie du rouge frais dans les zones d'ombre. Maintenant, une fois que j'ai fini le glaçage sur la surface du beignet , je dois le laisser sécher, donc je passe à faire un peu de travail sur la main. Je décide de participer à cela , parce que je voulais accroître ce sens du récit, augmenter le sens de l'action de quelque chose qui se passe, de représenter un moment réel plutôt que simplement la nourriture. lui-même. Pour moi, les mains sont vraiment un excellent moyen de le faire, car elles font souvent partie de la façon dont nous interagissons avec la nourriture. Je voulais que la main soit incluse dans cela simplement pour augmenter ce sentiment d'anticipation, ce sentiment d' anticipation d'avoir ramassé un beignet et que vous êtes sur le point de prendre une bouchée. En commençant par ça, je fais un peu plus frais, plus les couleurs d'ombre sont d'abord, ce qui, pour moi, ressemble à un violet en sourdine qui est le teint que je prends ici. C'est la couleur que j' utilise pour les ombres. J'essaie de bloquer la plupart d'entre eux dans un premier temps, juste pour m'aider à me rendre clair sur l'anatomie et sur ce qui est où et où tous les différents bords et plans seront dans la main. Je ne commence pas toujours par les ombres, mais surtout dans ce type de situation où si je ne fais qu'un seul lavage de couleur sur toute la main, j'ai l'impression de perdre certaines de mes lignes de croquis. J'ai des lignes d' esquisse assez légères ici, donc je veux juste bloquer ces ombres. Alors que ceux-ci sèchent avant de pouvoir ajouter un autre lavage sur le dessus, je vais commencer à travailler dans la pâte réelle du beignet, la partie panée du beignet. Pour cela, je fais un jaune chaud et sourd. J'ai une partie du jaune cadmium ici, j'ai un peu de cramoisi alizarine, je crois, et je pense que j'ai je crois, et je pense que j'ai un tout petit peu d'outremer juste pour réduire l'intensité. Mais au fond, je ne veux pas cela car il est encore assez saturé. Mais je ne veux pas qu'il soit aussi saturé que le glaçage sur le dessus du beignet, car c'est vraiment coloré et super lumineux et je veux que ce soit la vedette du spectacle. Je viens d'ajouter cette première couleur jaune dorée. Désolé d'avoir regardé le téléphone ici, j'ai enregistré un peu pour les bobines, je pense. On y va. J'ai fait la partie supérieure et inférieure de la partie pâteuse du beignet. Habituellement, les beignets ont cette bande médiane où elle n'est pas tout à fait aussi dorée, donc celle que je fais beaucoup plus légère, gros juste une version épurée de cette couleur dorée. Ensuite, je reviens ici à la main pour poser une couche de top coat sur tout. Encore une fois, comme il s'agit d'un teint assez clair, je le fais assez léger. Je suis allé avec quelque chose qui à une famille de couleurs similaires, il y a encore beaucoup de rose dedans, pas autant d'or, mais c'est tellement épuré que je l'ai super léger. Je fais ça avec ma brosse ovale numéro 6 dans un lavage sur toute la surface de la main. Maintenant que la main est encore mouillée, je vais avec une version légèrement plus intense et rose, légèrement orange rosâtre, plus comme une couleur bouclée, et je fais un peu mouillé sur mouillé pour essayer pour apporter un peu plus de couleur au bout des doigts. Vous ne le voyez pas vraiment dans cette image de référence, mais si vous regardez votre propre main la plupart du temps, surtout si vous avez la peau claire, vous verrez que le bout des doigts est beaucoup plus rose, ils ont beaucoup plus de rouge visible que le reste de votre main. Les paumes de la main en général ont beaucoup de vaisseaux sanguins, elles ont donc tendance à appartenir davantage à cette famille de couleurs, mais vous le voyez surtout dans les doigts. C'est quelque chose qui me paraît vraiment intéressant et j'aime ça, donc j'ai tendance à amplifier cela à chaque fois que je fais les mains. fais juste une partie de ça ici, en essayant de le mélanger au fur et à mesure que j' utilise cette technique mouillée sur mouillé. Cela aide également à lui donner une sensation un peu plus organique, il réalise une partie du mélange pour vous. J'ai l'intention de ne pas trop travailler sur la main, alors je veux que ce sentiment soit lâche et naturel et organique. 8. Démo (partie 2): Maintenant, je commence sur quelques saupoudres et vous pouvez voir que j'ai ma petite nuance de test ici. Je viens de tester un tas de couleurs en essayant de comprendre ce que je veux que les différentes couleurs de chaque saupoudré soient. Je voulais les tester et les voir tous comme un groupe avant de les mettre sur le beignet juste pour avoir une idée de leur apparence ensemble et à quel point ils seraient équilibrés ou non équilibrés le beignet juste pour avoir une idée de leur apparence ensemble et à quel point ils seraient équilibrés ou non équilibrés . sentir dans le tableau. Je vais simplement faire une couleur à la fois. Je vais passer sur toute la surface faisant d'abord la saupoudrée verte, puis la saupoudrer bleue, et la terminer de cette façon plutôt que de travailler section par section, et je pense que j'utilise, Qu'est-ce que j'ai ici ? La brosse ronde Number 2. Cela va juste rester beau et petit, vraiment facile à contrôler. J'essaie également de les garder assez légers, car l'aquarelle fonctionne vraiment comme mon sous-tableau et je vais passer au sommet avec crayons de couleur semi-opaques, mais ils ne sont pas un milieu parfaitement opaque. Je veux éviter d'être trop sombre dans l'un de ces domaines, ce qui, si vous m'avez déjà suivi un cours, est un thème commun lorsque je fais mes sous-peintures. J'essaie toujours de le garder léger, de le garder saturé, puis d'apporter ces tons plus sombres et des ombres plus profondes plus tard avec le crayon de couleur. Je me frayais un chemin sur toute la surface de la garniture de beignets dans chacun de ces petits saupoudres. C'est probablement l'une des parties les plus satisfaisantes du processus. J'apprécie juste ces petits détails et c'est vraiment amusant à voir. Pour moi, travailler dans tout ce qui a une palette de couleurs arc-en-ciel est vraiment amusant. J'adore les couleurs. J'adore intégrer tout cela en une seule pièce et cela faisait partie de l'attrait de cette palette de couleurs arc-en-ciel. Ils ont fini par être à peu près les seuls pinceaux que j'ai utilisés pour cette partie du processus. J'utiliserai ma plume numéro 6, mon numéro 6, et la raison pour laquelle la plume numéro 6 est tellement plus grande que la ronde numéro 6 est simplement parce qu'elle vient d' une marque différente et qu'il s'agit d'un différents types de pinceaux et je ne le comprends pas honnêtement. [RIRES] Mais néanmoins, c'est ce qu'ils disent sur les côtés, plume numéro 6, ronde numéro 6, puis un tour numéro 2 voici le petit pinceau que j'ai à la fin. En changeant de vitesse, en passant au crayon de couleur, je commence ici avec le rose déco, qui est très similaire en ton et en température à ce que j' ai déjà baissé et à la raison pour laquelle je vais avec c'est d'abord parce que je veux juste uniformiser la surface du beignet. Je veux entrer dans certaines de ces petites zones que j'ai pu manquer avec la couche d'aquarelle et simplement rendre tout en général un peu plus lisse et poli. Je ne couvre pas toute la surface, mais je travaille à peu près dans toute cette zone, recherche de petits trous ou zones où il semble un peu plus rugueux et j'ai besoin de remplir les choses et lissez un peu les choses. Je suis en train de remonter ma carte d'essai ici. C'est ce que j'ai utilisé pour l'aquarelle évidemment, et c'est toujours très pratique quand je veux voir à quoi va ressembler quelque chose si je pose un crayon de couleur particulier sur cette couleur de aquarelle. Ici, je suis juste en train de tester comment je veux que l'ombre fonctionne. J'ai posé une partie de ce rose déco au-dessus de l' aquarelle rose que j'avais utilisée, puis j'ai ajouté un violet feutré, qui est une couleur Prismacolor. J'essaie juste de comprendre ce que les gens se sentent ensemble. Ensuite, j'apporte ici le crayon de couleur Luminance, c' est-à-dire que j'oublie le nom de cette couleur, mais c'est comme un rose corollaire. La plupart du temps, dans cette ombre, j'aime avoir une ligne entre le ton médian et l'ombre où il y a une petite bande de couleur sursaturée. Je suis juste en train d'expérimenter et voir quel rose je veux que ce soit. Ensuite, j'ai ici un crayon de couleur liant qui ressemble à un violet rose sourd crayon de couleur liant qui ressemble et j'ai juste arraché mon petit crayon, [RIRES] mon crayon de couleur pêche de mon rallonge de crayon là-bas. C'est le carmin de Prismacolor, qui est d'un rouge doux et frais. Je vérifie simplement qu' avec la combinaison de ma couleur d'ombre, vous pouvez voir combien d'itérations différentes que je traverse ici essayant d'obtenir exactement la bonne combinaison. Je ne le fais pas nécessairement dans chaque partie du dessin, mais cela va être ma stratégie globale pour l'ensemble de la zone de givrage. Je veux juste passer un peu de temps à le tester pour m'assurer que je l'aime bien parce qu' avec un crayon de couleur, on ne peut vraiment rien y faire si on s'allonge. Eh bien, non, vous pouvez, il y a des choses que vous pouvez faire à ce sujet, mais nous n'en parlerons pas dans ce cours et il est certainement beaucoup plus facile de simplement poser les couleurs. que vous voulez commencer par opposition à 25 pour cent du chemin, puis réaliser, oh mon Dieu, je suis allé beaucoup trop sombre ou trop rose ou beaucoup trop bleu ou quoi que ce soit, puis j'ai dû trouver comment résolvez ce problème. J'aime prendre un peu de temps, surtout s'il s'agit d'un élément important du dessin ou d'un élément clé du dessin et comprendre quelle sera ma stratégie de couleur et de valeur. Il suffit d'ajouter un peu plus d'un rose en sourdine ici. Je pense que c'est ce qu'on appelle le rose ballet, c'est Prismacolor, ce qui ajoute cela à certaines zones d' ombres plus douces. Ensuite, j'y vais avec le rouge carmin Prismacolor. Je l'utilise de la façon dont j'ai mentionné où j'aime passer d' une ombre ou peut-être une ombre qui a un reflet. J'aime avoir beaucoup de couleurs saturées dans cette zone. C'est quelque chose qui arrive naturellement si vous regardez autour et si vous regardez une référence qui contient beaucoup de couleurs, vous remarquerez ce motif dans la vraie vie tout le temps, surtout au fur et à mesure que vous obtenez plus à l'écoute de la couleur. Mais dans ce cas, mon image de référence a du glaçage blanc, donc il n'y a pas une tonne de couleur là-dedans, donc j'en invente une partie et c'est un moyen de le faire paraître un peu plus intéressant et un peu plus comme la vraie vie par opposition à quelque chose qui est fabriqué, c'est parce que je l'invente au fur et à mesure. Maintenant, je travaille le long du bord arrière du beignet, et il va y avoir un peu plus de rouge carmin car je veux qu'il ait ce sens de l'intensité. J'ai posé une partie de la couleur violette la plus discrète en dessous la couleur violette la plus discrète en dessous , mais je travaille dessus pour lui donner plus de sens vif et lui donner l'impression que c'est une ombre, mais il y a encore un peu de couleur dedans. C'est un autre élément qui, pour moi, donne une illustration alimentaire non seulement une émotion particulière, mais la rend appétissante ou donne l' impression qu'elle aurait envie de manger C'est comme des couleurs vraiment vives. C'est une ligne fine, elle ne peut pas être trop saturée car elle l'air fausse et ça ne semble pas comestible non plus. Mais je trouve qu'il y a beaucoup d' illustrateurs culinaires réalistes qui ont tellement de gris dans leurs tableaux, et ils peuvent être beaux, mais pour moi cela ne ressemble plus à de la nourriture. Cela ne ressemble pas quelque chose que je voudrais manger, et c'est juste un problème de goût, c'est ma préférence personnelle. Si c'est ce que vous aimez vraiment dans l'illustration culinaire, allez-y bien sûr, mais pour moi j'aime avoir une partie de cette couleur vive. Encore une fois, pas comme un fou saturé, mais j'aime que les choses soient fraîches et colorées et c'est en partie ce qui les rend intéressants et potentiellement comestibles pour moi. En passant aux saupoudres, j'ai sorti les différentes couleurs que je vais utiliser. J'ai eu comme un noir et une lumière pour chacun d'eux. C'est ce que je vais utiliser pour le jaune. Mon jaune est surtout un jaune frais. C'est rouge doré, je crois qu'il vient de Holbein. C'est comme l'un des seuls crayons de couleur jaune cool que j'ai trouvé. Tous les jaunes Prismacolor plus foncés sont plus chauds. J'ai aussi mon orange là-bas, ce jaune soleil, puis juste orange Prismacolor, puis j'ai quelques bleus différents ici, puis quelques verts différents. C'est un vert salade Holbein , puis je pense que j'ai aussi du vert pomme et du vert printanier. J'ai attrapé trois verts parce que je ne sais pas lequel je veux utiliser pour la couleur foncée. Ensuite, pour les rouges, j'ai un rouge écarlate Holbein, qui est comme un très beau rouge vif. Les crayons de couleur Holbein sont très friables et ils deux fois plus chers ou peut-être trois fois plus chers que Prismacolor. Ils ne seront jamais mes incontournables, mais il y a quelques couleurs qu'on ne trouve pas vraiment dans Prismacolor, donc je les aime bien pour cette raison. Ensuite, j'ai aussi du violet parme pour mes violets et mes lilas, c'est ce que je fais en ce moment. 9. Démo (partie 3): Lilas, c'est un peu plus rose. Il est un peu plus saturé. C'est certainement le plus chaud des deux. Ensuite, le violet de parme, qui est ce que j' utilise en ce moment est le plus froid, donc ça fera un peu mieux une ombre. Je vais juste plus ou moins contourner le bord de chaque saupoudré, puis probablement ajouter une petite ligne d'ombre médiane sur le dessus de la saupoudrée. Si vous regardez l'image de référence, vous serez en mesure de le voir, peut-être devrez-vous effectuer un zoom avant. [RIRES] Mais j'ai une image de référence incluse, vous pouvez donc zoomer si vous le souhaitez. C'est un motif de lumière assez courant avec ces saupoudres, c'est comme un peu plus sombre autour du bord, puis un peu d'ombre sur le dessus et c'est parce qu'ils sont brillants. Même s'ils courbent vers le bas et ont l'ombre lorsqu'ils courbent vers le bas, il y a un peu de lumière rebondissante provenant du givrage qui rendra les côtés un peu plus clairs que le haut. Recommencez l' angle juste pour que vous puissiez voir un peu mieux ce sur quoi je travaille et comment je vais sur la surface de ceux-ci. Encore une fois, je ne vais pas les remplir complètement. Je suis plus en train de tracer autour de l'extérieur, puis d' ajouter certaines de ces ombres où je peux augmenter le sens de la dimension. Il est vraiment facile lorsque vous travaillez sur de petits objets comme celui-ci finir par le rendre plus plat qu'il ne le devrait. C'est quelque chose dont je suis très consciencieux, et j'essaie de m'assurer que je laisse encore assez de l'aquarelle, suffisamment de zones plus claires qu' elles liront comme un point culminant. Vous pourriez dire, eh bien, pourquoi n'auriez-vous pas simplement mis le point fort avec le crayon de couleur ? Vous pouvez, mais il n' a jamais l'air aussi lumineux, tout aussi vrai que si vous avez l'aquarelle à travers. J'ai tendance à essayer d'éviter. Mon but n'est pas d'essayer de couvrir toute la surface de la pièce ou toute la surface d' une zone particulière du sujet avec un crayon de couleur. J'essaie généralement d'utiliser les crayons de couleur pour décrire davantage les tons médians et les ombres, puis de laisser l'aquarelle briller comme point culminant. Bien sûr, j'utiliserai un crayon de couleur blanche et d'autres choses pour ajouter reflets si nécessaire, mais ma préférence est simplement de voir l'aquarelle apparaître. En passant au beignet lui-même, c'est ce qu'on appelle la racine de gingembre, je crois. C'est une autre couleur prismacolée et c'est comme un grisâtre, jaunâtre, verdâtre. Je ne sais pas. C'est une couleur très intéressante. Je l'utilise tout le temps. Il se trouverait probablement dans mes 10 meilleures couleurs [RIRES] en ce qui concerne ce dont vous auriez besoin pour illustrer les aliments si vous faites beaucoup de pains et de pâtisseries. Celui que je passe à vous en ce moment est également dans le top 10, c'est la tige dorée prismacolor. Ces deux couleurs, la racine de gingembre et la tige dorée que j'utilise tout le temps dans presque n'importe quelle bonne illustration cuite, c'est ce que je vais utiliser. Les deux d'entre eux, la tige dorée est vraiment bonne, comme son nom l'indique, comme les zones plus dorées. parties du bien cuit qui seraient le dessus ou la croûte, quelque chose comme ça. Ensuite, la racine de gingembre est géniale pour les petites ombres qui se trouvent également dans une zone claire, comme l'intérieur d'une miche de pain où vous avez tous les petits trous dedans. La racine de gingembre est géniale pour ces petits trous. Ensuite, je lui apporte aussi un petit peu d'orange cadmium, comme un tout petit, tout petit peu dans ces coins. Il est très saturé et très vif, mais il fait aussi très sombre. Cela fonctionne donc bien, c'est comme une petite couleur d'ombre d' angle. Maintenant, en passant de vitesse à la main, j'utilise une couleur rose pêche. C'est de Holbein, mais il y a aussi beaucoup de magnifiques roses pêche prismacolor. Je vais juste passer par la zone de transition, la zone de transition claire à sombre, encore une fois en essayant de la garder assez rose et peut-être même un peu au-dessus rose stylisé parce que c' est sur le dessus du glaçage rose du beignet. Si vous regardez la référence de la main, cette couleur n'est vraiment pas là. Mais j'imagine que ce serait là car à mon image, il y a du glaçage rose. La lumière qui rebondit de ce glaçage rose va avoir un impact sur la couleur de l'ombre sur le bas de la main. Alors que dans l' image de référence, le glaçage est blanc, il ne changera donc pas vraiment la couleur de l'ombre sous la main si [RIRES] cela a du sens. C'est pourquoi j'essaie de pousser cela encore plus vers le voisinage chaud et rose des couleurs, car il ne s'agit pas seulement d'une ombre, mais d'une lumière rebondissante venant de la surface rose de la beignet. Je travaille sur de nombreux roses et roses brunâtres différents pour créer cette ombre. C'est une pêche prismacolor, et puis celle-ci juste ici, passer par-dessus le bord de la main que je tapisse le dos du doigt ici est une autre couleur vraiment belle. C'est rose saumon, c'est couleur prismacolor que j'apprécie vraiment et que j'utilise beaucoup. Ensuite, en revenant avec la pêche, je ne vais pas raconter toutes les couleurs [RIRES ] ici, mais vous comprenez l'idée. J'utilise principalement des pêches, surtout des roses, car il s'agit d'une peau claire, et puis nous avons aussi toute lumière rebondissante qui vient du beignet. Ensuite, pour la manche, je vais garder les choses vraiment simples. [BRUIT] Non seulement parce que c'est un peu un changement par rapport au dessin ou à l'image de référence, mais je veux juste que la main s'estompe dans l'arrière-plan. Je ne veux pas avoir un arrêt difficile, donc je fais juste un peu de ce bleu ciel qui surplombe la manche ici. Ensuite, je rends la main et je rends l'ombre alors qu'elle passe sous la manche. Mais je ne vais pas rendre complètement la pochette elle-même. J'ai la suggestion de la pochette. Ensuite, au moment où je finis, je pense que je veux changer la couleur du vernis à ongles. Le bleu est vraiment amusant et je sais [NOISE] J'aime bien ce que cela ressemble dans la référence, mais je veux juste continuer avec ce thème rose. Je vais tirer le rose du beignet lui-même. Désolé pour mes cheveux dans le cadre ici les gars, je les faisais pousser. Quoi qu'il en soit, je vais rendre mes ongles roses. Ce ne sont pas mes ongles. Je vais rendre les ongles roses des mains. J'utilise essentiellement les mêmes couleurs que celles que j' ai faites dans le dessus du beignet, sauf un peu plus vives. Le rouge carmin va être, oui, c'est toujours ma couleur d'ombre, mais je l'utilise un peu plus généreusement. Ensuite, je vais finir par quelques reflets dans la peau. C'est ce qu'on appelle le rose blanc, je crois. C'est de la couleur de luminance. Vous pouvez également utiliser uniquement du blanc. Luminance a quelques couleurs qui sont vraiment presque blanches avec juste une légère quantité de couleur, et elles sont vraiment agréables pour les reflets. Ensuite, j'arrive avec mon stylo à peinture Sharpie prismacolor, et je vais ajouter quelques petits points de blanc opaque brillant sur le dessus du beignet. Très souvent, lorsque je fais ce genre de choses, je vais aller et venir entre mon crayon de couleur blanche et mon stylo à peinture Sharpie blanche. Vraiment construire ces points forts et finir avec de petits détails, des endroits où j'ai l'impression que les ombres ne sont pas vraiment arrivées là où elles devaient être. Donner simplement le sens général de la valeur, ce dont il a besoin pour paraître réaliste. C'est assez courant pour moi de faire des allers-retours entre les super, super sombres, et vraiment lumineux à la toute fin, c'est là que nous sommes dans cette pièce. Juste un peu plus de cette couleur rouge orangé parcimoniale ici comme une ombre sous le glaçage du beignet. Je veux vraiment que ça ait l'air de dégouliner sur le bord, et c'est fini. 10. Projet de cours (Skillshare): Il est maintenant temps pour vous de créer votre propre illustration de nourriture et de sentiments. Numéro 1, commencez par sélectionner un sujet, en vous assurant de prendre en compte le but, votre public , les émotions, l'histoire que vous voulez raconter, les sentiments que vous voulez transmettre, toutes ces choses que nous j'ai parlé au début de la classe. Numéro 2, vous allez prendre des photos ou trouver vos images de référence d'une manière ou d'une autre, en gardant à l'esprit toutes les choses dont nous avons parlé dans la section image de référence. Une petite note de processus ici. Parfois, j'ai quelques idées différentes sur ce que je veux peindre pour communiquer une idée ou une image spécifique. Je vais faire quelques miniatures, puis je déciderai laquelle je vais transformer en illustration finie en fonction de l' image de référence qui fonctionne le mieux, illustration finie en fonction de l' image de référence qui fonctionne le mieux, et surtout si je dois me procurer des images de référence plutôt que de prendre les miennes. Gardez cela à l'esprit. Vous avez peut-être un concept que vous pouvez exécuter de différentes manières, puis choisir en fonction de celle pour laquelle vous obtenez la meilleure image de référence. Étape numéro 3, vous allez créer votre esquisse. Encore une fois, si vous voulez créer un dessin réaliste et que vous travaillez encore sur des choses comme les proportions, je recommande vraiment de suivre mon cours, dessiner des proportions réalistes pour les débutants, que vous donnera une très bonne base pour pouvoir créer un dessin réaliste basé sur n'importe quelle référence ou même sur la vie. Étape numéro 4 [RIRE] une fois que vous aurez votre croquis, travaillez dans le média de votre choix, que vous fassiez de l'aquarelle et du crayon de couleur avec moi, ou vraiment n'importe quel autre support à développer votre illustration alimentaire, puis assurez-vous de prendre des photos en cours de route. Partagez votre processus et votre pièce finie. Quoi que vous décidiez, j' espère que vous partagerez ce que vous faites dans la section des projets de classe. Vous pouvez également me marquer sur les réseaux sociaux. Je suis @kendyllhillegas sur Instagram, et vous pouvez utiliser le hashtag SkillShareWithKendyll. J'adore voir et partager le travail des étudiants. Merci beaucoup d' avoir suivi ce cours et d'avoir passé votre temps avec moi. J'ai vraiment hâte de voir ce que vous faites.