Transcription
1. Introduction: Ce que j'aime le plus avant de dessiner des personnages, c'est qu'il me
donne chance de canaliser toutes sortes d'émotions différentes à travers eux. Je m'appelle Yana Bogatch et je suis illustratrice et dessinatrice de bande dessinée. Dans la classe d'aujourd'hui, je vais vous montrer comment créer
une illustration de personnage à l'aide d'une combinaison de médias numériques et traditionnels. Spécifiquement en utilisant Photoshop, l'encre et l'aquarelle. Je suis vraiment excité de partager mon processus avec vous parce que j'ai passé de nombreuses années à le perfectionner. Je pense que commencer le processus numériquement, et l'esquisse dans Photoshop crée une base vraiment solide. revanche, l'utilisation des médias traditionnels nécessite beaucoup
d' engagement instantané là où il est vraiment difficile de réparer quelque chose. Donc, vous devez développer une compétence pour apprendre à travailler avec les erreurs que vous faites, et parfois ces petites erreurs sont ce qui rend le dessin beaucoup plus spontané et amusant à regarder. Dans la classe d'aujourd'hui, je partagerai tout mon processus avec vous, en
commençant par la toute première étape de l'échauffement,
en numérisation jusqu'au dessin et en faisant la touche finale dans Photoshop. Ensuite, je vais l'imprimer et utiliser une Light Box pour transférer le croquis sur du papier aquarelle. L' étape suivante consiste à encrerer le dessin, et la dernière étape consiste à mettre en couleur avec des aquarelles. Il y a quelque chose de vraiment satisfaisant de tenir une œuvre d'art finie entre vos mains et de pouvoir la regarder sous différents angles, et j'espère que vous pourrez suivre ce processus pour que vous puissiez l'expérimenter aussi. Veuillez poster vos œuvres dans la galerie du projet, parce que j'aimerais voir ce que vous venez avec. Je suis super excité que tu aies décidé de rejoindre ma classe. Commençons.
2. Processus et matériaux: Dans ce cours, je vais vous apprendre à dessiner un personnage en utilisant Photoshop, encre et l'aquarelle. Je commence habituellement avec au moins 30 minutes de croquis d' échauffement parce que je trouve que mes mains sont assez raides et cela aide à se desserrer et cela accélère vraiment le processus d'esquisse à mesure que je vais plus loin. Donc, en général, ça vaut vraiment la peine de prendre le temps de le faire en premier. Une fois que j'ai fini de m'échauffer, j'ai généralement une bonne idée du genre d'illustration que je veux créer dans ma tête, mais je n'ai pas encore fait de croquis. Donc, je vais faire quelques petites vignettes pour obtenir la composition vers le bas et je les fais généralement assez petits ce qui rend le processus beaucoup plus rapide et je peux
passer par beaucoup d'options et choisir celle que j'aime le plus. Une fois que j'ai choisi un croquis miniature qui me satisfait, j'en prends une photo rapide et je l'envoie à moi-même afin de pouvoir l'ouvrir dans Photoshop. Je fais glisser la photo dans un fichier Photoshop qui est généralement une taille de papier régulière donc huit et demi par 11. Je vais le faire sauter pour qu'il prenne toute la page et faire une autre couche afin que je puisse faire une version plus finalisée de l'esquisse. Dans l'étape suivante en fonction de la clarté de la vignette, je vais généralement faire un croquis très léger qui montre l'essentiel de l'endroit où tout
sera pour que je puisse faire une autre couche pour faire une version plus propre du personnage, espérons-le, le la dernière. Parfois, vous devez faire une couche supplémentaire juste pour assurer que tout est aussi clair que possible. Une fois que le croquis Photoshop est prêt à l'emploi, je l'imprime et j'utilise une boîte lumineuse pour le transférer sur du papier aquarelle. J' ai généralement une idée approximative du schéma de couleurs que j'utiliserai. Donc, selon cela, j'utiliserai un crayon de couleur pour créer un croquis vraiment léger sur le papier aquarelle. Une fois que c'est fait, je passe directement dans les encres. Mon approche typique quand il s'agit de créer une illustration numérique serait appelée cel-shading. Je vais donc commencer par faire de l'art au trait, puis créer d'autres calques au fur et à mesure que j'avancerai. C' est donc aussi quelque chose que j'ai transféré dans mon processus de peinture traditionnel. Donc, je vais aussi commencer avec l'art au trait en utilisant de l'encre et je vais également mettre des ombres et même manière que créer un autre
calque sur cela et le mettre pour multiplier pour fixer des couleurs plates, je vais juste utiliser des aquarelles pour faire la même chose et obtenir un effet similaire. Pour la dernière étape, je vais juste travailler sur les petites touches de finition
en utilisant de la gouache blanche pour un peu de reflets ou des crayons de couleur pour attacher l'image ensemble. Donc ce sont quelques-uns de mes outils de base et j'utilise ces crayons de couleur pour transférer le croquis. J' utilise habituellement ce stylo à bille que j'ai reçu de Muji pour faire des croquis. Pour une raison quelconque, je n'ai pas utilisé un véritable crayon pour esquisser depuis très longtemps. J' aime beaucoup utiliser ce stylo parce qu'il est très lisse et qu'il est relativement mince donc je peux obtenir des lignes très précises avec lui. J' ai aussi quelques stylos à encre micron ici. J' utilise habituellement une plume pour l'encre, mais parfois pour les détails très fins, je vais les utiliser. Ensuite, j'ai aussi cette gomme de précision qui aide si je travaille avec un dessin relativement petit qui a beaucoup de détails dedans. Donc c'est mon encre préférée que j'utilise, c'est celle de Ph Doctor Martin et il y a deux sortes différentes que j'ai. Il y a un tapis et une version brillante. Je vais habituellement avec le mat quand j'ajoute aquarelles plus tard afin qu'il ne distraire pas avec la brillance. J' utilise aussi l'encre noire Winsor et Newton. Mais j'ai beaucoup utilisé celui-ci dernièrement et j'aime ça. Ce sont les encres colorées que j'aime utiliser, elles sont aussi Winsor et Newton. Ce que j'aime vraiment chez eux, c'est qu'ils sont vraiment lumineux et éclatants et qu'ils sont en fait un peu comme l'aquarelle. Mais ce qui est génial chez eux, c'est qu'ils ne se font pas raviver avec de l'eau après qu'ils sont secs. C' est pourquoi je les utilise plutôt que de l'aquarelle pour les mélanger avec mon encre noire. Parfois, quand je veux donner une illustration comme une petite touche supplémentaire, je vais aussi mélanger
soit dans cette encre argent Winsor et Newton, soit dans cette encre Mica doré Kuretake. Ce sont les pinceaux qui sont utilisés. Je ne suis pas trop pointilleux quand il s'agit de brosses. J' ai généralement des pinceaux à aquarelle réguliers disponibles dans n'importe quel magasin d'art. Ces deux tailles sont mes incontournables, donc elles sont une taille quatre et deux. J' aime avoir la brosse plus petite pour un travail détaillé. Ce pinceau de taille moyenne est celui que j'utilise le plus couramment et j'aime aussi avoir
un peu plus grand pour remplir les zones plus grandes avec aquarelle ou de l'encre et j'utilise ces pinceaux pour l'encre et l'aquarelle de façon interchangeable. Pour la majorité du travail d'encre, j'utilise une plume de marque deleter, c'est le génome. Je pense que c'est vraiment populaire auprès des artistes de la bande dessinée au Japon, mais c'est une ligne très belle et mince et généralement en avoir quelques au cas où. C' est mon ensemble d'aquarelle préféré. Là, l'aquarelle transparente synchromatique du Dr Martin. J' aime vraiment ceux-là parce qu'ils sont très brillants et ils se mélangent très proprement. Donc, je peux obtenir une large gamme de couleurs et aussi liquide afin que je puisse être très précis avec la quantité de couleur que je mets sur mon palais. Donc, en plus des aquarelles du Dr Martin, j'aime utiliser des aquarelles régulières aussi. Je crois que ce sont des pentels et ils sont venus dans de petits tubes pressés. Donc je les ai mis tous en bouche pour qu'ils soient faciles à atteindre. Parfois, j'aime les utiliser parce qu'ils donnent un peu d'effet différent et quand ils sèchent, ils ne réveillent pas aussi facilement que ceux du Dr. Martin. Ils sont donc un peu plus faciles à utiliser dans ce sens, mais la couleur n'est pas aussi brillante. C' est le tampon de papier aquarelle que j'utilise le plus couramment. Je ne suis pas trop pointilleux sur le type de papier qui sont utilisés. Parfois, je vais aussi utiliser du papier Bristol si je ne veux pas texture, mais dernièrement j'ai utilisé du papier aquarelle la plupart du temps. Ma plus grande préoccupation est généralement de m'assurer que le papier n'est pas trop épais pour que je puisse l'utiliser sur la boîte lumineuse pour transférer le croquis. C' est mon carnet de croquis préféré actuel à utiliser. Je les utilise depuis quelques années maintenant constamment et ce que j'aime beaucoup à ce
sujet, c'est qu'il est très mince donc il est facilement portable et je peux l'amener où je veux. De plus, quand je l'ouvre, il reste relativement plat et il n'y a pas trop de bord pour que je puisse dessiner jusqu'aux bords du papier. Donc, c'est la boîte lumineuse que j'utilise, artograph est la marque et je l'aime beaucoup
parce que je l'utilise depuis plusieurs années et n'ai jamais eu de problèmes avec elle. J' aime comment la luminosité est relativement élevée. Donc, je peux utiliser un papier assez épais, mais aussi ce n'est pas si brillant que ça me blesse les yeux quand je travaille dessus pas quand je l'utilise pendant une longue période de temps. Pour la partie numérique de l'illustration, j'utilise Photoshop et un Cintiq 22 HD, mais vous pouvez utiliser n'importe quelle tablette que vous avez et ce n'est même pas Photoshop. Donc, quel que soit le programme numérique avec lequel vous êtes à l'aise fonctionnera très bien pour l'esquisse.
3. Échauffement par esquisse: La raison pour laquelle j'aime vraiment commencer le processus avec quelques croquis chauds, c'est parce que je trouve que mes mains sont généralement très raides. C' est quelque chose que je ne remarque même pas nécessairement. J' ai passé tant d'années à dessiner et la plupart du temps j'étais assez impatient, donc je m'asseyais et je me mettais directement au travail, mais j'ai trouvé que faire des échauffements et passer au moins 30 minutes et jusqu'à une heure et peut-être même plus parfois, aide vraiment à accélérer le processus plus tard. Il aide grandement à la précision et simplement le rend généralement beaucoup plus facile à dessiner. C' est quelque chose que j'ai certainement dû apprendre à la dure, et c'est vraiment facile à oublier. Mais je recommande de toujours commencer avec des échauffements, car cela en vaut vraiment la peine. Lors de l'échauffement croquis, je n'aime pas mettre trop de temps dans une seule pose parce que tout le but est de simplement utiliser votre main beaucoup, pour se réchauffer. Donc je vais peut-être prendre quelques minutes pour proposer, peut-être jusqu'à cinq au plus, mais habituellement il est environ deux ou trois minutes. J' aime généralement travailler à partir d'images de référence pour les croquis d'échauffement. J' aime généralement utiliser des poses dynamiques, différents types d'actions parce qu'elles sont beaucoup plus faciles à capturer et à voir. J' aime vraiment utiliser Pinterest et l'utiliser pour beaucoup d'autres aspects de mon travail, pas seulement des croquis d'échauffement. Pinterest est également très utile lorsque vous commencez un projet. J' aime généralement créer un dossier plein d' inspiration que je peux toujours aller et regarder, qui aidera à faire couler les jus créatifs. Donc, quand je fais des croquis d'échauffement, j'aime commencer par trouver la cage thoracique, suivie du bassin et c'est comme une forme de base oreiller. Dès lors, établir une ligne d'action est assez bonne. Cela vous donne donc une bonne idée du mouvement à l'intérieur de la pose. C' est assez important de placer les pieds. J' aime donc le faire tôt sans entrer dans les détails. Alors, la tête. J' essaie généralement de
le connecter au torse dès que possible afin que le placement soit relativement précis. Ensuite, je trouverai à peu près où les mains iront. Comme ça. Peut-être indiquer un geste rapide de ce que la pose des mains. Oui. Ensuite, après la base est juste prêt à partir. Je vais remplir un petit peu des détails. Habituellement, dans ce processus, je vais trouver que,
peut-être que j'ai raté la marque à un endroit particulier quand je commence juste à me réchauffer, donc je vais faire des ajustements au fur et à mesure que je vais. Le but ici n'est pas d'obtenir un beau dessin ou quelque chose comme ça, c'est juste de faire bouger votre main et de capturer la pose. Si ce n'est pas génial, il y a toujours le suivant. Allez-y et faites vos propres échauffements, essayez de passer au moins 30 minutes. Parfois, vous passez jusqu'à une heure, ce qui est vraiment bon. Vraiment, plus vous passerez de temps à ce sujet,
mieux c'est facile,
quand vous passerez aux étapes suivantes. Oui, ne vous concentrez pas trop sur ce à quoi ressemblent les dessins. Tout le but est juste de se réchauffer et de desserrer vos mains. L' étape suivante, nous allons commencer à planifier l'illustration en dessinant de petites vignettes pour obtenir la composition de base.
4. Planifier votre personnage: Donc, l'étape suivante est de choisir Miniature, l'illustration pour obtenir la composition
de base et comprendre à quoi vous voulez qu'elle ressemble. J' ai généralement une idée approximative de ce que je vais dessiner, donc ça aide à avoir un personnage en tête
bien sûr et peut-être comme une sorte d'action que vous aimeriez qu'ils fassent, ou peut-être même juste un sentiment que vous aimeriez traverser. Donc, avec cette illustration particulière, je veux dessiner ce personnage
et la chose sur laquelle je veux me concentrer est son expression faciale. D' habitude, je vais commencer par quelque chose comme ça et voir où ça me mène. Donc, avec ce petit croquis que j'ai dessiné ici, je pose l'angle du visage auquel je
pensais et je suis aussi venu avec peut-être la faire tenir ses cheveux comme ça. Donc c'est juste un peu une exploration pour que dans la prochaine miniature, je puisse comprendre à quoi ressemblera la pose entière. J' aime vraiment où cela va, mais je pense que je devrais dessiner quelques options de plus juste pour voir où je peux l'emmener. J' ai fait d'autres petites vignettes pour explorer l'idée que j'allais avec. J' ai commencé par esquisser cette pose ici. Bien que je l'ai aimée, ça semblait un peu trop formel et je ne l'aimais pas,
elle faisait directement face à la caméra. J' ai essayé ces deux-là et ils étaient beaucoup plus proches de ce que j'avais en tête, mais dans celui-ci, son visage n'était pas assez visible, alors j'ai décidé d'essayer une pose où elle était allongée. Mais celui-là encore, je n'ai pas aimé la composition,
mais j'ai vraiment aimé l'idée d'utiliser des champignons comme feuillage autour elle et comme une petite bûche sur laquelle elle peut être allongée. Puis j'ai dessiné quelques options supplémentaires et avec celle-ci, c'était une bonne combinaison de son visage étant suffisamment visible pour que je puisse incorporer l'expression faciale que j'aimais au début et je pourrais aussi utiliser les champignons comme feuillage autour. Venant avec des poses à utiliser pour mon personnage, j'aime éviter tout ce qui est trop statique, donc je n'ai généralement pas tendance à faire des poses debout. Pour ce dessin particulier, j'aime vraiment l'idée de la tenir sur ses cheveux. Je pense que ça s'est bien passé avec son expression faciale et a donné une certaine sensation de nerveuse même si elle est relativement détendue sur l'arbre ici. Donc oui, avoir un peu d'idée comme ça aide beaucoup à créer une pose intéressante. Donc, toute petite action comme un personnage tenant ses cheveux est plus que suffisant pour sortir, pour trouver une composition intéressante. Celle sur laquelle j'ai atterri était cette miniature, donc je vais aller de l'avant et apporter ceci dans Photoshop pour faire un croquis finalisé. J' aime vraiment cette partie du processus parce qu'elle me permet d'explorer rapidement mes options sans être trop pris dans les détails. Dans le passé, parfois, j'ai essayé d'esquisser des poses beaucoup plus grandes sur la page et malheureusement, cela m'a fait me concentrer sur les détails et cela a pris beaucoup trop de temps. Donc, avec ceux-ci, parfois plus petit, mieux c'est. Je trouve et je n'ai pas trop à m'inquiéter de bien faire les choses, parce que c'est surtout pour obtenir l'essentiel de ce que le dessin va ressembler. La bonne chose à prendre sur Photoshop est que je peux zoomer et utiliser la vignette comme sous-dessin directement pour le croquis final. Donc, à ce stade, une fois qu'ils ont une miniature avec laquelle je me sens assez à l'aise, je vais prendre une photo rapide de celle-ci et je vais juste prendre l'image directement dans Photoshop. Alors maintenant que je vous ai montré mon processus de base, vous pouvez aller de l'avant et commencer à dessiner des vignettes de votre propre et n'oubliez pas de vous amuser avec le personnage et d'entrer dans ce qu'
est leur personnalité et de l'utiliser comme un tremplin pour des idées de poses. Assurez-vous de ne pas être trop pris dans les petits détails parce que ce n'est que le tout début. L' étape suivante consiste à introduire l'image miniature dans Photoshop et à faire un croquis plus propre.
5. Esquisse dans Photoshop: Donc, la prochaine étape de mon processus est d'apporter le croquis de vignettes dans Photoshop pour en faire une version plus propre. Je vais aller de l'avant et commencer un nouveau dossier, et nous allons aller avec un huit et demi d'ici 11. La raison pour laquelle je le fais huit et demi par 11 pour qu'il puisse être facilement imprimé sur une imprimante ordinaire que vous pourriez avoir à la maison. Donc, pour le fichier, vous devez juste vous assurer qu'il fait au moins 300 ppp en résolutions afin que vous puissiez l'imprimer à bonne qualité. Alors je vais aller de l'avant et faire glisser la photo. Alors maintenant, je vais juste redimensionner le croquis, qu'il s'adapte mieux. À ce stade, vous n'avez pas nécessairement besoin d'avoir la taille exacte, vous pouvez toujours l'ajuster plus tard. Donc maintenant, je vais baisser l'opacité à environ 20 pour cent, pour que vous puissiez toujours le voir facilement. Je viens donc de créer un nouveau calque sur le dessus de la vignette pour faire une version plus propre. Mon pinceau préféré pour esquisser dans Photoshop est le pinceau de basalte rugueux de Megapack de Kyle, et je l'utilise depuis très longtemps. Je pense que je l'ajuste légèrement. Donc, si vous allez aux paramètres de la brosse, je m'assure généralement que le transfert est activé et que la gigue de
capacité de construction et une gigue de flotteur sont réglés sur la pression du stylo. Dans cette étape, je vais commencer par faire un geste, un geste grossier mais très légèrement pour que je puisse établir la figure avec une plus grande précision que la miniature. Ainsi, il peut également fixer n'importe quelle anatomie et cohérences. Habituellement, dans cette étape, je serai beaucoup plus précis avec l'angle du visage. Ici, je peux faire des petits changements au fur et à mesure qu'ils arrivent. Par exemple, ici, j'avais l'intention de tirer la main en montant comme ça, mais maintenant que je regarde, je pense que ça serait mieux si je le dessine comme ça. Je vais à peu près planifier où certaines fonctionnalités iront juste pour m'assurer que le placement est correct. Donc, à ce stade, j'essaie toujours juste d'obtenir l'essentiel de la pose, mais avec plus de précision ces fois -ci. Une fois que je suis encore en train d'établir la pose au premier passage du croquis final, je vais généralement mettre en forme pour les cheveux, afin que je puisse comprendre combien d'espace je voulais
prendre et quelle sera la forme globale. Maintenant que j'ai un premier passage ébauche de la pose du personnage, je pense que je pourrais vouloir changer la façon dont les jambes sont positionnées. Donc, je vais juste revenir en arrière et effacer ceci et essayer quelques options différentes. C' est l'une des meilleures choses à propos de l'esquisse dans Photoshop est qu'il est vraiment rapide de se débarrasser de quelque chose et d'essayer quelque chose de nouveau. À ce stade du processus d'esquisse, je n'ai plus besoin de voir la miniature, donc je vais juste m'en débarrasser. Maintenant que j'en ai fini avec le contour approximatif, j'ai établi le placement de tous les membres et la pose. Pour que je puisse entrer dans les détails. Après avoir terminé la première passe de l'esquisse, vous pouvez toujours ajouter un autre calque juste pour conserver celui-ci au cas où vous vouliez revenir en arrière et refaire les détails. Parfois, je vais le faire ou à d'autres moments où je me sens plus sûr de l'endroit où va la compétition, je vais juste continuer avec les détails sur la même couche. C' est également une bonne idée de commencer sur un calque différent si l'esquisse s'avère trop désordonnée qu'il est beaucoup plus facile de le nettoyer plus tard lorsqu'il est en dessous. Mais puisque c'est relativement propre, je vais juste aller de l'avant et dessiner dans la même couche. Dans cette étape, je vais me concentrer davantage sur certains éléments où je vais mettre plus de détails et laisser d'autres choses pour le processus d'encrage. Donc c'est un peu plus organique et je n'ai pas à passer trop de temps sur le croquis. J' aime généralement commencer par le visage parce que cela m'aidera à donner le ton au reste de l'illustration et c'est aussi
la partie la plus importante de l'illustration. Donc, quand j'esquisse le visage, j'essaie généralement de le faire aussi finaliser que possible afin que lorsque je passe à l'encre, il n'y ait plus rien à résoudre et que je puisse le tracer un à un pour que l'expression faciale reste aussi proche de la esquisse que possible. Le visage est généralement le point focal et c'est généralement la première chose que le spectateur regarde lorsqu'il voit l'illustration pour la première fois. Donc, c'est vraiment important de le faire correctement. Après avoir fini de finaliser le visage, je passe généralement aux mains parce qu'ils sont la prochaine chose la plus importante. La raison pour laquelle j'aime tellement me concentrer sur la main dans le croquis est parce que d'habitude, c'est un cadeau assez mort par manque de connaissances anatomiques. Donc je n'aime pas laisser ça au hasard non plus pour l'encrage. Donc, j'aime l'obtenir aussi près de la finale que possible dans le croquis que plus tard, je dois juste répéter soigneusement avec de l'encre. Habituellement, quand j'ai fini de finaliser le visage et les mains, je vais juste zoomer à nouveau et regarder l'image globale et m'assurer qu'elle me ressemble bien, et je pose quelques formes de base pour les vêtements, partout où il manque. Comme vous pouvez le voir ici, j'ai déjà indiqué où ira la jupe, mais je n'ai rien fait dans les zones du torse. Donc je vais juste y aller et faire ça. Habituellement, dans cette phase, je ne vais pas entrer dans les détails, je vais juste établir où les plis vont aller à peu près. Certaines des choses les plus importantes pour m'assurer que j'ai vers le bas sont les formes. Je vais me concentrer sur la façon dont les vêtements tombent et quel genre de forme il crée autour membres juste pour m'assurer que rien ne semble étrange, et tout est dynamique et rien ne se bat vraiment trop. Je ne fais généralement pas un élément à la fois. Donc, je voyage autour de l'illustration entière et j'ajoute des lignes ici et là comme ils le jugent bon. Donc maintenant, je vais passer aux cheveux et finaliser ça un peu plus. Dessiner les cheveux est généralement le plus amusant d'une illustration pour moi. J' aime vraiment combien de liberté et de permis et généralement je ne me soucie pas trop de ce que c'est censé ressembler dans la réalité. Je vais donc le diviser en brins et en formes plus grandes pour qu'il soit plus gérable et qu'il aide à organiser l'image et à la rendre plus cohérente, puis je peux revenir en arrière et ajouter des petits brins là où je me sens nécessaire. Je peux aussi le faire pendant l'encrage. Donc, je ne passe pas trop de temps à entrer dans les minuscules détails du processus d'esquisse. Donc, une fois que j'ai la plupart des éléments de caractères assez travaillés, je vais zoomer à nouveau et décider combien de détails mettre en arrière-plan. Donc, comme j'ai mentionné le croquis, j'aime vraiment l'idée de mettre des champignons et du feuillage. J' ai donc indiqué quelques zones rugueuses où je voudrais que cela aille et à peu près quelle forme je voudrais qu'il prenne. Donc, sur cette base, je vais juste dessiner. Ces types de choses sont assez rapides et faciles à dessiner, donc je n'ai pas à le dessiner tous les deux. Ce sont le type de détails que j'aime vraiment laisser à l'encre parce que c'est plus spontané de cette façon, et finira généralement par paraître plus intéressant. J' ai l'impression que ce n'est pas un bon endroit, mais je vais y travailler un peu plus longtemps juste pour descendre les lignes manquantes et resserrer un peu avant de pouvoir passer à la dernière étape du croquis. Donc, à ce stade, le croquis est plus ou moins bon à aller et j'ai été un peu emporté par l'ajout de détails. Donc c'est un peu plus détaillé que ce que j'irais habituellement, mais j'ai remarqué que c'est un peu difficile de dire ce qui se passe autour du visage et des cheveux. J' ai donc décidé d'ajouter un ton plat sur les cheveux juste pour le rendre
facile à voir à travers le papier une fois que je transfère le croquis à l'aide de la boîte à lumière. C' est donc un truc très rapide et simple. D' habitude, je vais aller dans les pinceaux et choisir quelque chose de régulier. Donc, à partir des brosses générales, je vais aller avec une brosse ronde dure et m'assurer que le débit est à 100 pour cent. Je vais juste aller vérifier les paramètres et m'assurer que le transfert n'est pas activé. Donc c'est un pinceau solide. Sans trop me soucier de rester dans les lignes, je vais juste choisir la lettre grise, un milieu de deux tons de lettre. Bien que quand il s'imprime, il ne fait pas trop sombre, donc je peux encore voir les lignes à travers elle. Je vais mettre le ton sur un calque séparé, généralement sous le croquis ou si vous voulez le mettre sur le dessus, assurez-vous qu'il est réglé pour se multiplier. Parce qu'il y a tellement de lignes dans le croquis, il est un peu difficile de dire où les cheveux se terminent et où la robe commence. Donc, il est juste plus facile et plus rapide d'encre quand il y a un ton plat là-bas. Donc, dans cette étape, essayez de vous concentrer sur la restauration de votre propre niveau de compétence et de voir combien de détails vous voulez aller dans. Habituellement, plus le croquis est détaillé et plus il est finalisé, plus il sera facile de deux encre. Pour moi, habituellement j'aime me concentrer sur le visage et les mains juste pour m'assurer que ces choses sont vraiment finalisées, et peut-être être un peu plus lâche avec les cheveux ou les vêtements juste parce que je l'ai fait tant de fois et j'aime ajouter un peu d'expérimentation dans. Mais indiquez simplement votre niveau de confort et assurez-vous que vous vous sentez vraiment bien au sujet de l'esquisse avant de passer à l'encrage. À ce stade, je me sens assez à l'aise avec le croquis. Donc je vais juste aller de l'avant et l'imprimer, pour que je puisse l'utiliser avec ma boîte lumineuse.
6. Dessiner votre croquis: Donc, dans cette étape, nous sommes prêts à transférer le croquis sur le papier aquarelle. J' ai donc le croquis imprimé juste ici et un morceau de papier aquarelle qui est légèrement plus grand que le papier imprimante, donc il sera facile à attacher. Pour le coller sur le papier aquarelle, je vais juste utiliser du ruban Washi. Il n'adhère pas trop au journal. Alors que quand je l'enlèverai plus tard, ça ne déchirera pas. Maintenant, nous sommes prêts à passer au transfert du croquis, et voir comment ajouter le ton plat aide vraiment, voir où les cheveux vont finir. Ainsi, vous pouvez déjà imaginer que le dessin va ressembler. Je fais ce processus depuis un certain temps et au début, j'avais l'habitude d'aller directement dans les encres sans d'abord recréer le croquis avec un crayon de couleur mais de l'essayer quelques fois, j'ai trouvé que c'est en fait beaucoup plus facile de passer un peu de temps sur le traçage de l'esquisse de sorte que je n'ai pas à garder la boîte lumineuse allumée tout le temps, parce que depuis la lumière passe, surtout quand je veux remplir une grande surface d'encre lavée, donc si je veux m'allonger ton plat, parfois il est difficile de déterminer à quoi cela va ressembler car il semble plus léger lorsque la boîte lumineuse est allumée. Il est donc plus facile de transférer le croquis, donc je peux juste l'éteindre et l'encre sans avoir la lumière brillante à travers le papier. J' aime tracer le croquis en utilisant un crayon rouge spécifiquement un prismacolor, donc je peux l'effacer facilement juste au cas où je ferais une erreur. Il fond assez facilement dans l'encre une fois que nous commençons à le sorte que je n'ai pas vraiment à revenir en arrière et à l'effacer après quand j'ai fini. J' aime, j'ai un tas de couleurs disponibles, donc je choisis généralement une couleur qui viendra compléter le reste de la palette de couleurs que je prévois d'utiliser. D' habitude, j'imprime deux copies du croquis. Donc l'un que j'avais l'habitude de coller à l'arrière de la feuille, mais l'autre, je vais garder juste à côté de moi pour que je puisse le regarder pour référence, parce que parfois quand les papiers collent, on ne peut pas vraiment voir les petits détails. Dans cette illustration particulière, le visage est assez petit par rapport
au reste du papier donc je ne peux pas vraiment le voir trop bien avec la boîte à lumière. Donc, j'aime garder la deuxième impression juste ici pour
référence juste pour que je puisse jeter un coup d'oeil rapide et la répliquer sur place. Alors que je travaillais encore sur le croquis dans Photoshop j'ai décidé de mettre quelques branches dans ses cheveux. Les trucs que je mets juste un peu plus de détails là-dedans. Quelque chose que j'aimerais souligner est recherche de modèles que vous regardez automatiquement. Par exemple, pour moi, je sorte de zone dehors et parfois j'ai tendance à placer les choses à des distances égales les unes des autres. Donc, si vous regardez ici, il y a une branche juste là et là et il semble que la distance entre eux est égale, ce qui semble bizarre, et ça a l'air un peu trop ordonné. Donc, ici, je vais juste omettre cette branche donc elle
n'est pas là du tout et ça aura l'air un peu plus organique de cette façon. De même, comme dans Photoshop, je vais omettre les détails pour les appliquer à mettre avec l'encre. Donc des retards. Encore une fois, je suis juste de tracer le contour de base que je ne vais pas entrer dans les petits détails ici. Bien que pour ce croquis, je cherche à être un peu plus propre que le Photoshop. Il est important de me rappeler que je veux le croquis soit assez léger pour qu'il se fond facilement dans les encres. Maintenant, nous sommes prêts à commencer l'encrage.
7. Encrage de votre personnage: La première chose que je commence avec est de mélanger la bonne couleur. Parfois, cela prend un peu de temps pour le faire , mais j'aime m'assurer que je vais bien le faire. Je garde toujours un petit morceau de papier. C' est généralement le même papier que je fais l'illustration juste pour que je puisse voir comment l'encre interagit avec elle et pour m'assurer que j'ai la bonne tonalité. J' aime généralement ajouter un peu d'encre colorée dans l'encre noire juste pour y ajouter une teinte afin qu'elle soit plus proche
du schéma de couleurs avec lequel je prévois de faire l'illustration. Pour cette illustration, je vais mélanger une couleur marron chaud. Je pensais à une humeur sombre pour une sorte de forêt brumeuse. Je vais le garder très minime avec couleurs qui collent principalement à un couple et je vais voir peut-être que je peux introduire une couleur supplémentaire mais j'aime généralement garder des schémas de couleurs très simples parce que je n'ai pas encore trouvé
exactement le rapport parfait mais il est toujours bon d'expérimenter. Maintenant que j'ai ajouté du brun et rouge ou comme une couleur rosâtre, je vais le tester. Je fais un ton plus clair pour que les lignes ne soient pas trop lourdes. Je l'utilise aussi pour ombrager. J' aime généralement prémélanger le ton sombre, le ton le plus sombre et un ton plus léger ainsi que les avoir prêts à aller. Comme je suis encré s'il est nécessaire d'avoir une sorte de ton
moyen, je vais juste le mélanger sur place et ensuite je m'assurerai toujours de le tester avant de l'utiliser sur l'illustration. Donc, l'étape d'encrage est probablement l'étape la plus difficile jusqu' car les erreurs sont beaucoup plus susceptibles se produire et vous ne pouvez pas vraiment revenir en arrière pour la corriger ou l'effacer. Mais cela rend aussi beaucoup plus amusant parce que parfois vous faites une petite erreur spontanément et ils finissent par ajouter à la pièce et aussi c'est une très bonne expérience d'apprentissage parce que apprendre à réparer quelque chose qui est relativement permanent sur la page est une très bonne compétence à avoir. Donc, à ce stade, j'aimerais ajouter quelques lignes. Je commence généralement par le visage parce que c'est la partie la plus importante de l'illustration parce que c'
est presque toujours la première chose que le spectateur va regarder. Pour moi personnellement, j'aime vraiment me concentrer sur les expressions faciales. Donc j'aime m'assurer qu'on va bien d'abord et juste au cas où je ferais une erreur que je ne pourrais pas réparer. Parfois, cela arrive que je dois juste recommencer et c'est pourquoi il est préférable de simplement commencer avec la partie la plus importante dans le mélange pour le faire correctement parce que tout le reste peut laisser erreur glisser s'ils se sont produits plus tard dans le processus, mais certainement pas dans le visage. Maintenant, je vais aller dans l'arrière-plan et ajouter un ton humide sur humide pour créer une atmosphère agréable et de donner le ton pour
que je puisse contraster les cheveux et la robe contre elle. Donc, la première chose que je vais faire est juste de mouiller le papier et ensuite je dois
juste m' assurer de le faire rapidement pour que je puisse revenir rapidement. Je vais aller chercher plus d'eau là où elle commence à se dessécher. Je fais surtout ça pour créer un effet de décoloration. Donc je n'ai pas à mouiller le papier partout où je vais juste le faire là où je veux fondre le code d'encre. Alors maintenant, je vais ajouter un peu plus de détails plus près du point focal qui est le visage. La raison pour laquelle je laisse ces détails à l'étape d'encrage parce que je me sens comme il est redondant de les faire encore et encore parce qu'il est vraiment facile de le
faire open spot qui ajoute également un élément organique à cela. Je ne sais jamais exactement quel type de modèle je vais aller avec. Donc c'est assez amusant de laisser ça au hasard. Mais encore une fois c'est aussi parce que je l'ai fait tant de fois auparavant. Donc, vous devriez certainement montrer ce que vous êtes à l'aise avec et si vous voulez inclure plus de détails dans le processus d'esquisse qui vous aide toujours si vous avez l'impression qu'il est difficile de prendre une décision. Donc, à ce stade du processus d'encrage, j'ai à peu près posé la plupart des choses importantes autour du visage et je vais essayer de mettre moins de détails dans la zone environnante comme en arrière-plan et tout de suite pour qu'il n'enlève pas le point focal de l'image. C' est généralement quand le détail est trop uniformément réparti cela crée un peu de confusion et pour moi personnellement, c'est un point assez important sur lequel j'essaie d'améliorer parce que j'ai toujours tendance à me perdre dans les détails et je les répartissais uniformément tout au long de l'image. J' essaie de travailler dur là-dessus. Donc, je pense qu'à ce stade, j'en ai assez fini avec l'étape de l'encrage. Je suis plutôt content de la façon dont ça s'est passé. Comme vous vous en souvenez, il n'est pas vraiment entré dans l'éclairage ou quelque chose comme ça dans le croquis. Donc j'aime laisser ça au hasard. Alors j'ai décidé sur place, je ne voulais pas aller pour quelque chose de trop réaliste. Je voulais juste se concentrer principalement sur le visage et créer une atmosphère étrange et un peu d'une sensation fantomatique. Alors maintenant, je suis prêt à ajouter un peu de couleur.
8. Ajout de l'aquarelle: Pendant que j'encrais cette pièce, j'ai décidé d'utiliser un schéma de couleurs analogue, qui signifie que je vais utiliser couleurs qui sont à côté de l'autre sur la roue de couleur. Depuis que j'ai utilisé un ton brun chaud à l'encre, je vais juste utiliser l'orange, comme un jeu de couleurs orangées ou brunâtres à rouges. Si vous êtes quelqu'un comme moi qui est assez intimidé en utilisant des combinaisons de couleurs compliquées, analogue est un très bon choix parce qu'il est presque garanti de bien paraître quoi que ce soit. Parce que les couleurs sont si proches les unes des autres. Ils se complètent très bien. Donc, comme avec l'encrage, je vais commencer par simplement mettre un peu de couleur sur la palette et m'assurer que je la
teste d'abord avant de l'ajouter à l'illustration. Donc, je pense à utiliser des teintes orange
plus chaudes ou brunâtres en arrière-plan juste ici et à les laisser tels qu'ils sont, puis ajouter peut-être un peu de rouge dans le visage pour créer un contraste supplémentaire. Ensuite, en utilisant peut-être un peu d'un brun plus vif pour mettre en évidence les branches qui sont dans les cheveux. Alors peut-être que je vais mettre un ton de basse sur la robe, mais nous verrons à quoi il ressemble avec tous les autres éléments d'abord. J' aime prendre beaucoup de décisions sur place. Parce que ça m'aide à apprendre et à expérimenter. Cette peinture particulière est très concentrée. Donc, j'aime ajouter beaucoup d'eau. Donc ici, j'utilise à nouveau la technique humide sur mouillé ; comme avec l'encre mais cette fois aquarelle. Je veux créer un dégradé doux autour des bords, comme ici, pour un effet intéressant et aussi pour conserver le type d'atmosphère brumeuse. Bien qu'à ce stade, c'est assez lumineux, donc peut-être que l'humeur change un peu, mais j'aime les mots disparus. C' est un processus spontané. Maintenant, je mélange juste une version légèrement plus lumineuse de cette couleur. Je suis juste colorier dans les branches afin qu'ils ne lisent pas dans le cadre des cheveux autant que faire en ce moment, et il crée également des petites touches de couleur dans toute la figure parce que maintenant elle semble très échelle de gris par rapport à l'arrière-plan. Donc je veux juste l'intégrer dans le reste de l'image sans mettre trop de couleur. Je crois que je vais ajouter un peu de rouge. Maintenant, je vais ajouter un peu droit sur le visage pour renforcer le contraste et attirer plus d'attention sur le point focal. Donc j'ai l'impression que maintenant l'illustration est dans un bon endroit et je suis prêt à passer à autre chose et à ajouter quelques touches de finition. J' ai généralement tendance à ne pas surmenage parce que parfois je peux ruiner le dessin en ajoutant trop de couleur ou simplement en passant trop de temps sur l'étape. L' étape suivante consiste à ajouter quelques touches de finition avec divers supports mixtes. J' aime utiliser la gouache pour ajouter quelques reflets blancs et peut-être un crayon de couleur pour attacher l'image ensemble.
9. Touches de finition: Alors maintenant, je vais ajouter quelques touches de finition à la pièce. abord, je vais utiliser de la gouache blanche pour ajouter des points forts et réparer certaines parties. Oh, j'ai fait de petites erreurs. J' ajoute donc quelques faits saillants ici et là. J' utilise habituellement de la gouache blanche pour passer et réparer certaines des zones que j'ai couvertes avec de la peinture, juste pour ajouter plus de précision et attirer l'œil vers le point focal. J' aime utiliser la gouache parce qu'elle est opaque, mais je peux aussi la mélanger avec de l'eau si je veux qu'elle ait un peu de transparence. Eh bien, je sais qu'il est assez courant d'utiliser un stylo gel blanc pour ce type de doux, mais je trouve qu'une gouache me donne juste plus de précision et une gamme plus large de qualité de ligne. Je suis là pour des mélanges d'épaules dans l'arrière-plan un peu. Donc, je vais juste ajouter une ligne de teinture pour créer un bord. Je vais juste ajouter un peu de détails à l'arrière-plan maintenant aussi juste pour voir ce qui se passe. Maintenant, je vais juste aller avec un pinceau plus large et voir si je peux réduire un peu cette tache sombre ici. J' aime comment mélanger le blanc et crée un peu d'un ton frais. Donc, il est un beau contraste avec le reste de la plus, lui donne une sensation plus brumeuse, comme je voulais initialement. Donc, je vais juste abattre ou renverser certains des mèches
de cheveux pour créer un peu plus de profondeur. Maintenant, je vais juste ajouter une dernière touche avec un crayon rouge. J' utilise le même crayon que j'utilise pour transférer le croquis. Ce que je fais en ce moment est surtout d'ajouter quelques ingrédients pour renforcer davantage le point focal qui est le visage. Je pense que c'est le bon moment pour dire qu'il s'arrête. C' est difficile de dire comment je décide exactement quand c'est fait, mais j'ai l'impression que si je mets un nouveau détail, ça se sentira surchargé. Je voulais juste laisser des parties lâches. Je pense que cela crée une atmosphère plus intéressante. Donc, dans cette étape, j'ai utilisé la gouache pour ajouter quelques détails supplémentaires et juste pour corriger toutes les petites erreurs que j'ai faites le long du chemin, et aussi pour attirer l'attention sur le point focal, puis ils ont utilisé un crayon rouge juste pour attacher ensemble et ajouter quelques dégradés subtils ici et là. Maintenant, vous pouvez aller de l'avant et faire de même avec votre illustration de personnage.
10. Conclusion: Maintenant, vous avez vu tout le processus commençant par le croquis des vignettes et en terminant par l'illustration finale, et maintenant vous pouvez enfin avoir la satisfaction de tenir une œuvre d'art finie entre vos mains. Donc, même si j'ai fait ce processus
plusieurs fois dans le passé, je trouve que la plupart du temps l'œuvre finie semble très différente de ce que je voulais à l'origine, ce qui est totalement bien parce que j'ai tendance à faire beaucoup de décisions sur place et je roule avec tout ce qui se passe. Donc, cela crée un niveau supplémentaire d'excitation à propos du dessin en général, et je suis vraiment heureux de la façon dont cela s'est avéré. Une fois l'illustration terminée, j'aime la numériser et la ramener dans Photoshop
afin de pouvoir ajuster davantage les couleurs si nécessaire, et peut-être réparer quelques petits détails en zoomant. Alors que vous continuez à utiliser ce processus avec espoir, j'espère que vous apprenez quelque chose de nouveau à chaque fois. Je vous conseille vraiment de ne pas
trop vous concentrer sur faire quelque chose de parfait parce que même cette pièce, bien que je suis vraiment heureux avec elle. Il y a encore beaucoup de choses que je peux emporter à l'
avenir et je ferais certainement certaines choses différemment la prochaine fois. Chaque illustration est donc une expérience d'apprentissage. Donc, si vous avez suivi ma classe, j'espère vraiment que vous avez appris quelque chose de nouveau et j'aimerais vraiment voir ce que vous avez trouvé. Alors s'il vous plaît, téléchargez vos créations dans la Galerie de projets. Merci beaucoup d'avoir pris mes cours et j'ai hâte de voir ce que vous créez.
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