Transcription
1. Introduction botanique: [MUSIQUE] Qu'y a-t-il
dans le monde naturel qui capte notre attention et qui
nous inspire à la recréer ? En tant qu'artisans d'art, il y a tellement de beauté dans les couleurs
et les formes à explorer. Si vous aimez les
effets du stylo, de l'encre et de l'aquarelle mais que vous
ne savez pas par où commencer, vous avez
peut-être un peu d'
expérience mais
aimeriez savoir comment créer une composition
plus complexe, cette classe est pour les débutants les
artistes les plus chevronnés qui souhaitent créer et composer
leurs propres œuvres d'art dans un style unique
sans être submergés. Bonjour, là. Je m'
appelle Sarah Corren et je suis aquarelle
et journaliste nature. J'ai travaillé
dans divers domaines,
tels que l' écriture artistique dans
une agence de publicité, collaboration avec des personnes incroyablement
inspirantes et talentueuses tant qu'artiste de fond pour
les studios Disney de Sydney, ainsi qu'une enseignante et une mère. Chaque domaine est unique à part
entière, mais l'aquarelle a été le recul
constant du jeu et de l'exploration
du monde botanique. Dans ce cours, nous
travaillerons par étapes, chacun construit sur le
suivant pour créer et composer une belle illustration
botanique fluide. Chaque leçon s'
appuiera sur la suivante, introduisant davantage de formes
et de couleurs afin que vous puissiez passer à
l'étape suivante en toute confiance. Doucement, nous avancerons ensemble pour que,
avant de vous en rendre compte, vous aurez une
composition époustouflante au stylo, encre et à l'aquarelle. Non seulement vous aurez
la magnifique œuvre d'art que vous avez créée, mais vous pourrez traduire ces compétences dans d'autres projets. Si vous êtes
journaliste d'art et de nature comme moi, c'est l'une de mes façons préférées de me réchauffer pour une peinture et d'étudier
le monde naturel. Si vous êtes un artiste ou un
illustrateur désireux de développer ses
compétences en style et en composition, ce processus fonctionne. Pour ceux d'entre vous
qui veulent
injecter de la fraîcheur et
jouer dans votre travail, cette méthode est une façon fabuleuse
d'assouplir votre style. Je vous invite à
commencer et allons-y. [MUSIQUE]
2. Aperçu du projet: Le projet d'aujourd'hui consiste à créer et à composer une
illustration botanique. Parce que nous
travaillerons par étapes, c'est un excellent point de départ pour
les débutants. Nous allons nous réchauffer avec
des plantes et des fleurs simples. Ces études sont
un excellent moyen de se
familiariser avec
les plantes afin que nous
puissions intégrer plus tard toutes
ces études individuelles redessinant et en peignant
les mêmes sujets dans un nouveau, plus
composition complexe. J'ai fourni des guides dans la section
des ressources ci-dessous. Si vous n'êtes pas un tiroir
confiant, j'ai donné un modèle de ligne
pour vous aider à commencer. Pourtant, la beauté de ce processus est que si vous ne pouvez pas
tracer une ligne droite, vous êtes définitivement
au bon endroit. Votre succès
consiste plutôt à ralentir, être attentif et à apprécier la beauté simple de
ce sur lequel vous vous concentrez. De cette façon, vous avez
déjà frappé de l'or. Oui, vous aurez
créé une illustration dans votre propre style à
la fin de la leçon, mais mon plus grand espoir
est que vous utilisiez également ces exercices comme pratique
méditative. Cela m'a certainement aidé
personnellement à prendre des temps libres, ralentir et à apprécier la
beauté des couleurs et des lignes. Examinez les ressources du projet sur
lesquelles j'ai téléchargé. J'ai non seulement dessiné des modèles mais aussi des photos de ce que
nous allons étudier. De cette façon, nous pouvons peindre
et dessiner ensemble. Chaque leçon est conçue pour
renforcer la confiance au
fur et à mesure de la création de
notre illustration finale.
3. Matériel: Parlons brièvement des matériaux. J'adore les fournitures artistiques, mais je suis toujours un défenseur
de l'utilisation de ce que vous avez. En ce qui concerne le papier, de s'entraîner avec du papier
à
cartouche bon marché suffit
de s'entraîner avec du papier
à
cartouche bon marché. est un exemple de cela. Ce papier est un
peu plus agréable. C'est la presse à froid Hahnemuhle
qui, même si
elle a une dent, elle fonctionne toujours avec stylo et de l'encre car
elle est assez lisse. J'aime bien utiliser du papier presse à
chaud. C'est un exemple tiré de mon
journal avec du papier presse à chaud. Il vient d'ETRA, qui est une charmante marque de journaux. Vous verrez dans le tutoriel que j'utilise cette jolie palette Nuit
Blanche, mais si vous avez
quelque chose de plus petit, n'hésitez pas à l'utiliser. La façon dont j'ai conçu cette
leçon est que
vous pouviez utiliser
seulement trois couleurs. Un bleu cobalt, une rose permanente et un
jaune transparent sont à mon choix, mais n'hésitez pas à
remplacer une couleur
rose bleue ou
magenta rougeâtre et un jaune de votre choix. J'utilise une
brosse à cheveux naturels et des matières synthétiques, ce dont je suis vraiment content. Je pense que ces deux autres lettres pigeon de Peggy
Dean. Il s'agit d'une brosse Neptune
Snap Rigger. Comme vous pouvez le voir, c'est assez
vieux et délabré, mais j'aime le synthétique
pour dessiner à encre simplement parce que je
n'endommagerai pas le pinceau. N'utilisez jamais de
brosses à cheveux naturelles avec de l'encre car
elles les détruiront. J'utilise un
stylo à tremper ici et une plume. J'adore aussi utiliser encre de
noyer car je trouve qu'elle se fond parfaitement
avec les aquarelles. Il existe différentes marques. Daniel Smith, je pense que
celui-ci est Tom Naughton, et j'ai également essayé belles
encres Warner faites à la main qui sont aussi adorables. [BRUIT] Il s'agit d'une encre à dessin noire Winsor &
Newton. N'hésitez pas à utiliser une encre colorée pour
l'un des projets ou expériences. Encore une fois, un luxe, pas une nécessité pour
nous tous les amateurs de fournitures d'art.
4. Dessin de lignes simple: Pour notre première leçon, nous allons
dessiner cette branche, j'ai ramassée lors d'une de mes nombreuses promenades que je
fais quotidiennement avec mes chiens. Je trouve que la
plus grande inspiration j'ai provient de la nature
et elle
résonne certainement plus lorsque
vous dessinez quelque chose qui est personnel
et significatif pour vous. Comme vous pouvez le constater,
avant de commencer, j'ai tracé un contour bleu
clair du dessin que
nous allons faire. Et ce dessin est disponible sous forme de modèle
dans la section des ressources. Donc, si vous n'êtes pas
sûr de dessiner, n'hésitez pas à l'utiliser. Lorsque je dessine dans mes
revues artistiques ou mes carnets de croquis, j'ai tendance à dessiner à main levée parce que cela
vous donne une expressivité de ligne et d'exploration
qui est vraiment propice à la présence de l'
objet. que vous dessinez. Ici, je suis en train de le ramasser
et je le retourne. Je pense qu'un autre
avantage du dessin à main levée est que vous n'êtes pas enfermé dans des formes
ou des façons de dessiner, et que vous pouvez ajouter ou supprimer des éléments de la
plante comme bon vous semble. Je travaille également
de haut en bas. Je le fais parce que
je suis un artiste très désordonné, et je trouve que
mes mains et mes vêtements peuvent parfois avoir autant d'encre
qu'un papier. En parlant de papier, le
papier que j'utilise
n'est qu'un papier
cartouche léger et bon marché. Je pense que pour les échauffements, il est bon d'utiliser quelque chose qui n'est peut-être
pas aussi cher ou spécial, afin que nous ne soyons pas nerveux à propos nos fournitures artistiques
et ne le ruinons pas. Parce que lorsque vous
commencez une nouvelle technique
sur un nouveau support, l'idée est de faire autant de gâchis et d'erreurs
que possible afin d'en apprendre davantage sur la façon dont vous
travaillez et ce que vous faites. Je pense que l'une des raisons pour
lesquelles je suis attiré par stylo et l'encre est
la variation de ligne. Vous avez cette
merveilleuse flexibilité que vous pouvez obtenir
avec un stylo et une plume. Vous découvrirez également
quel artiste est. Par exemple, j'ai tendance à
être assez lourd. La façon dont je dessine, et l'utilisation d'un stylo et d'une encre m'
aident vraiment à être attentif, à
ralentir et à être conscient
du poids de la ligne sur
laquelle j'appuie. Parce que le papier
ici, comme vous pouvez le constater, est assez léger et nous avons un
peu de saignement,
des trempettes et des bassins où
l'encre est déposée. Il s'agit simplement d'un exercice de création d'un dessin au trait simple. S'habituer à votre propre
expressivité de ligne. Je ne suis donc pas trop dérangé. En fait, j'aime
voir la main de l'artiste dans le dessin. Ainsi, lorsque vous avez ces
petits déversements ou ces éclaboussures, cela montre la personnalité
et le caractère de la main. Je trempe également mon stylo dans mon pot d'eau et c'est
parce que si vous ne le faites pas, l'encre pourrait potentiellement
boucher le genou et rester coincée. C'est donc un bon moyen de
le rincer pour
garder vos lignes fluides. Comme vous pouvez le constater à partir de
cette branche, il y a peu de dentelures et de
retrait dans les feuilles. Une chose dont il faut aussi être
conscient, c'est les bords. Lorsque vous essayez d'obtenir l'illusion d'un
dessin représentatif dans la nature, vous avez vraiment besoin de ces
petites déviations d'arêtes. Par exemple, si je devais
dessiner ma branche et
simplement représenter des cercles,
comme ça, non seulement elle n'a pas l'expressivité, mais
elle
n' a tout simplement pas l'air aussi
naturelle que ce qu'elle ferait. Par exemple, si je viens
d'entrer et que j'étais juste attentif, même dans cette ligne, vous pouvez voir ces
petites plumes minuscules. Et ce n'est pas que vous
ayez besoin de dessiner chacun d'eux, mais de voyager
un peu, un peu de bosse, et vous avez plus de ce look naturaliste. Nous arrivons maintenant à la
fin de notre première leçon. Et je suis vraiment
content de sa forme. J'espère que vous
partagerez également votre projet dans la galerie. J'aimerais pouvoir
voir ce que vous avez imaginé. Notre prochaine leçon, nous
ajouterons une touche de couleur, et je vous y verrai.
5. Ajouter une couleur: Pour notre prochaine leçon, nous allons dessiner cette fleur. Je pense que c'est magnifique. C'est une petite fleur humble, mais elle a cette belle couleur magenta riche et
profonde des pétales avec le vert de
la tige et la feuille. Choisissez votre
magenta ou violet préféré, celui qui vous rend heureux. J'utilise une encre verte en sourdine, ce qui est le véritable incontournable pour
moi car c'est une couleur riche, mais elle est tout de même assez
naturelle. Sur la base de mon papier, j'ai utilisé un crayon
graphite soluble dans l'eau Derwent Light Wash. J'aime vraiment le faire parce que
je peux cartographier quelque chose, mais l'eau va le laver. Cela n'interfère pas
avec le dessin. Tout d'abord, nous
allons
dessiner ces magnifiques pétales. Une autre bonne chose à propos de
l'utilisation d'un crayon soluble dans
l'eau est que l'eau le lave, vous n'
avez pas vraiment l'impression d'être limité par la ligne. Vous pouvez revenir en
deuxième ou troisième passe, et le crayon a
presque disparu. Je pense que cela
vous donne une liberté. Le pinceau que j'utilise
est un pinceau synthétique avec un joli point pour que je puisse obtenir les
bords du pétale. À ce stade, je garde l'eau
et le ton assez clairs,
car quand il est mouillé, je veux revenir dans le violet plus fort juste pour
lui donner un peu d'intérêt visuel
et d'ombre. Je regarde sur les bords et le dessous des
feuilles qui viennent dessous et qui tombent dans une partie de la
couleur riche mouillée et humide. C'est une façon méditative et
réfléchissante de peindre. J'aime parfois
faire de petites études sans me lancer dans dessins ou des peintures
plus compliqués. Parce que je pense qu'il y a
juste une vraie beauté dans ces formes simples. De plus, l'aquarelle est
un médium merveilleux. Il sèche délicieusement. Même maintenant, je peux voir,
parce que je travaille sur un papier de presse chaud et lisse, je commence à avoir ces petits
filigranes
intéressants ici. Maintenant, un conseil que je peux vous donner est que si vous n'avez pas la même encre de
couleur que les pétales, parfois je vais entrer et mettre doucement de l'
aquarelle dans ma plume. [BRUIT]
Il suffit de le tester, puis d'entrer juste pour ajouter quelques petites arêtes et définition autour du côté
car c'est de la même couleur. S'il saigne dans les
pétales qui ne sont pas encore secs, cela ajoute un peu
d'intérêt visuel comme nous le faisons ici. Si vous ne l'aimez
pas, avec une brosse propre et
humide, vous pouvez revenir et retirer les pièces
que vous n'aimez pas. Il l'adoucit, mais il donne
tout de même les bords. Pendant qu'il sèche encore, vous pouvez revenir et ajouter un peu de définition
aux formulaires. Je pense qu'en travaillant comme ça, vous pouvez obtenir des effets vraiment
intéressants du lavage des lignes, de la couleur et de la forme au fur et à mesure que
vous le construisez. C'est une très belle façon de se
réchauffer pour des pièces plus grandes. En plus
d'apprécier une petite
fleur de jardin comme celle-ci. Une autre astuce consiste également à
laisser certaines zones non peintes. De cette façon, vous avez un contraste dans votre dessin et cela contribue à
créer un intérêt visuel. Maintenant, je nettoie ma tétine pour ne pas
bouer le vert. [BRUIT] Je vais me frayer un chemin vers le bas de la tige de la fleur. Vous entendez ce son ? Je
trouve ça tellement réconfortant, juste cette égratignure. Ce vieux monde a
l'impression de plonger contre le stylo. Beaucoup plus agréable que la
craie contre le tableau noir. [BRUIT] Permettez-moi de mettre un
peu de couleur ici, dessiner et de
plier quelques feuilles. Je pense que la meilleure façon
d'aborder une telle étude est avec
un peu de fantaisie. Ajoutez des choses, enlevez des choses. où je dessine, je ne suis certainement pas en train de suivre
l'esquisse que j'ai créée parce que je peux
voir des choses différentes et je ne suis pas restreint. Je pense que ce processus de
dessin est vraiment plus intuitif et plus ludique. J'ajoute ces petits
anneaux ici pour avoir cette sensation de blanc
au fond de la tige. [BRUIT] Faites une autre
petite feuille ici, comme ceci, et je pense aussi que je
pourrais juste en inventer une. En regardant cette zone, je pense que je pourrais partir tel
quel ou je pourrais entrer avec un violet plus foncé juste pour ajouter des zones
d'ombre ici et là. Je suis vraiment content de la
façon dont celle-ci s'est déroulée. Je pense qu'il est vraiment bon de
voir comment l'utilisation d'un violet fort et
vif contre
le vert
sourd des feuilles peut créer une illustration
dynamique. Seulement ces deux couleurs suffisent à faire ressortir un simple
dessin au trait, et je pense qu'il est également bon de se
réchauffer et de réitérer comment dessiner avec un pinceau peut nous donner la
vivacité des pétales. Notre prochaine leçon consistera à
introduire davantage de couleurs et travailler sur la création d'harmonie dans une palette limitée.
On se voit alors.
6. Harmonie à trois couleurs: J'adore la couleur et,
comme un oiseau bowerbird, je vais espionner une nouvelle couleur de marque dans mon nid
de fournitures artistiques. Cependant, une chose que
j'ai apprise est le maximum de couleurs
limitées, et l'utilisation d'une
triade tricolore de rouge, de bleu et de jaune
créera certainement de l'harmonie et des mélanges
intéressants. J'ai utilisé un
jaune transparent, un bleu cobalt et une rose permanente,
mais n'hésitez pas à utiliser ce que vous aimez et
ce qui résonne chez vous. J'ai créé un modèle
que vous pouvez utiliser si vous
n'êtes pas sûr de dessiner. Mais dans cette leçon, je vais vous montrer comment j'
aborderais cela à
la maison sans
utiliser de crayon. particulier, si je
travaille depuis la vie, je trouve que mon
dessin et ma peinture sont beaucoup plus expressifs
et intéressants à regarder. Si je
me laisse simplement la liberté d' explorer avec la couleur et la forme, je vois qu'il y a un jaune
tendre granuleux au centre. J'ajoute juste un petit peu de bleu
cobalt avec le jaune
juste pour le salir. J'utilise également un papier presse à
froid, ce qui est beaucoup plus convivial
pour l'aquarelle, mais il n'y a pas assez de
texture que je sens que le grignotage traîne lorsque
j'arrive à la partie dessin. Une autre chose également lorsque vous utilisez une palette
limitée consiste essayer de dessiner et de mélanger les couleurs sur
le papier réel. Ici, j'utilisais le
modèle et j'ai trouvé que le dessin qui en résulte
n'avait tout simplement pas l'énergie et l'
expressivité que je voulais. Je me suis dit, recommencez. fait, je
dessine beaucoup le même sujet encore et encore parce qu'en tant que professeur d'
art, on m'a dit : « Chaque peinture est une
possibilité d'une nouvelle peinture. » Je pense que lorsque vous
regardez ça comme ça, c'est assez libérateur parce que vous pensez que vous n'avez pas besoin de bien
faire les choses la première fois. En fait, on ne
s'attend pas à ce que vous y arriviez correctement. C'est juste beaucoup d'
explorer, de jouer, découvrir comment
vous aimez mélanger les couleurs et dessiner de nouvelles choses. Maintenant, c'est sommaire ici. Il y a des bords déchiquetés. Je n'irai pas avec une brosse à cheveux naturelle
et je m'arrête juste pour sortir certaines de ces zones. Juste parce que je veux
introduire des pièces légères. La peinture n'est pas trop humide, le shane vient de
soulever la surface, ce qui la rend plus
propice à la soulever. De cette façon, vous avez ce merveilleux effet de
sculpter votre plante avec de l'eau. Je pense que c'est charmant. J'adore les filigranes. Je pense qu'ils ajoutent tellement de caractère et de
mystère à un tableau. Je regarde cette
zone maintenant et je pense que je peux voir une
légère ombre portée, et je pourrais simplement utiliser
cela à un peu de jaune transparent à mon cobalt et faire une couleur d'ombre
sale. Je vais juste l'apporter ici. Je vais mettre de côté donc, on va juste
faire une petite vignette. C'est le moment de
préparer une tasse de thé. Laissez-le sécher et revenez et
incorporez quelques détails. J'ai beaucoup aimé la façon dont ces belles formes d'étoiles
entrent dans la plante. Ne le sauriez-vous pas ? Très bien. Je vais laisser ça dedans parce
que je sais que je ne suis pas le
seul à faire ça. Que faisons-nous lorsque nous trouvons quelque chose que nous aimons
et que cela arrive ? Je vais prendre une serviette en papier, je l'ai légèrement humidifiée et je ne fais que la
tamponner, la soulever. Vous pouvez dire qu'une fente
l'imprime. On y va. On peut encore voir une petite
empreinte de la chose circulaire. Mais vraiment, une fois que nous aurons intégré notre deuxième partie de l'aquarelle,
vous ne le verrez même plus. Est-ce que je l'ai fait intentionnellement ? Je ne le saurai jamais. Permettez-moi d'
être un peu plus prudent. Comme je l'ai dit, vous découvrez
quel artiste vous êtes et je pense que si je devais
me le dire ou celui de quelqu'un d'autre, c'
est parfois
ralentir et être plus conscient de
la marque et du processus. Parfois, je suis un peu
trop excité et je
veux juste courir dans le filet. Mais le truc, c'est que c'est de laisser sécher
les couches entre les deux. Cela ralentit le processus. Je vais plonger un stylo sur du papier. Cela
va vraiment vous aider. Je peux voir cette
formulation boucler. Je me souviens de tremper mon stylo dans l'eau pour ne pas l'obstruer
et créer une autre
leçon involontaire sur ce qu'il ne faut pas faire. Mais tout cela fait partie de tout ça. De plus, pour ces journalistes, c'est une autre
raison pour laquelle j'adore le journal c'est parce qu'on peut simplement tourner
la page et recommencer. Mais avec ce processus, il y a
toujours une issue. Comme je l'ai dit, une fois
que nous aurons mis ce deuxième passage
de coloration à l'eau, seuls vous et moi
connaîtrons la vérité. Quand je regarde
ces filigranes, je pense qu'ils sont trop délicieux. Pas de clé, donc je ne
pense pas que je vais passer en revue. En puisant dans la vie, je vois que c'est
plus long que le pétale réel. Mais en dessinant la ligne, cela ajoute encore une certaine unité à
l'image, donc cela fonctionne. Maintenant, je vais le dessiner à
nouveau et revenir. Maintenant qu'il est sec, vous pouvez voir que je n'ai pas
décrit toutes les formes, j'ai laissé quelques espaces entre
les deux pour empêcher l'énergie de
sortir de la fleur. Maintenant, je vais y aller avec un mélange bleu cobalt et rose
permanent et ajouter des ombres plus profondes ici et là sur la fleur, mais pas trop parce que je veux
toujours la
garder légère. et frais. Je reviendrai ici. J'utilise un pinceau pour
dessiner. On y va. Je passe juste en revue ce petit
tiret que nous n'avons pas vu. Personne ne connaîtra notre secret. C'est ça le truc.
En utilisant ce processus de dessin avec un pinceau, allant directement dans
le travail de ligne, c'est plus un
engagement à coup sûr. Mais je pense que cela entraîne définitivement votre œil à être un meilleur tiroir et à être plus conscient de ce que
vous créez. Il est en train de se réunir. Maintenant,
cette feuille en particulier, je pense que ce que je vais faire est de puiser l'eau propre
, puis de laisser tomber un peu de coloration. De ce côté, nous ne
voyageons pas uniformément. Ce processus est vraiment une
question de dessin au trait expressif. Vous voyez, tout commence
à se réunir maintenant. Maintenant, je vais juste faire la courbe de
ce pli particulier, introduire un peu plus
de cette ombre portée juste pour délimiter la fleur
de l'arrière-plan. On y va. Peut-être ici, l'ombre de la tige. Maintenant, en guise de touche finale, j'ai de la gouache blanche, et à l'aide de mon pinceau
gréeur synthétique, je trouve que les synthétiques
sont mieux pour faire ces lignes détaillées parce qu'elles sont plus rigides que
les cheveux naturels, et aussi avec des brosses à
cheveux naturels, j'ai tendance à les utiliser uniquement pour vraies peintures parce que je
veux les protéger. Je peux être assez brutal
avec mes stylos, donc je ne veux pas
détruire les pinceaux, et les brosses synthétiques sont
aujourd'hui assez robustes donc je peux être sûr de ne pas les détruire
ou être un peu lourdes. . Juste avec quelques
lignes clés ici et là, vous pouvez le voir commencer à se réunir et j'aime vraiment ça. Il suffit d'entrer avec un
peu plus de violet ici. Honnêtement, je pourrais continuer à faire du
potage et à ajouter, à soustraire, mais je ne veux pas le surcharger, donc je vais le garder tel quel
et le charger dans la galerie de projets pour que vous
puissiez voir ce que j'ai fait, Et peut-être que j'en mettrai
un pour
vous montrer à quoi ça ressemblerait si
j'avais passé plus de temps là-dessus. J'ai hâte de
voir ce que vous créez. Pour notre prochaine leçon, nous allons
introduire d'autres couleurs.
7. Formes créatives: Bienvenue dans la prochaine leçon où nous appliquerons les principes que
nous avons appris auparavant. En utilisant la référence
photo de votre téléchargement, ou les baies de vos propres baies, si vous avez la chance de les
avoir en saison, nous appliquerons
les mêmes principes que nous avons discutés dans nos leçons
précédentes. Comme vous pouvez le voir, je travaille
sur un dessin au crayon clair, et je cartographie des
formes en jaune. raison pour laquelle je fais cela est
d'avoir un jaune pâle doux sous lavage est vraiment
votre arme secrète pour créer un peu de magie
dans vos illustrations. C'est parce qu'il va sécher
dans une glaçure jaune tendre. Lorsque vous revenez à des lavages
successifs à l'aquarelle, ce qui se passera, c'est que vous
aurez cette belle lumière avec vos
feuilles et vos baies, ce qui le
rendra plus lumineux. J'ai aussi un
peu de rose opéra. Vous pouvez utiliser une
rose permanente si vous craignez des problèmes de
lumière [inaudible]. Mais je trouve que si je reviens plus tard avec un
rouge plus profond ou commun, cela a tendance à le rendre
plus léger plus rapidement. L'idée de celle-ci est créer légèrement de la lumière et du mouvement avec la peinture, puis de revenir
et de dessiner les éléments et de mettre en valeur
certaines caractéristiques de la plante. L'une des
leçons les plus importantes que j'ai apprises est de ne pas oublier de sécher
entre les étapes. Je pense que lorsque j'ai
commencé avec les aquarelles, j'étais tellement excité à l'idée de
passer à l'étape suivante que je n'ai parfois pas
tenu compte des conseils, et c'est une façon dont on peut se
retrouver avec des couleurs boueuses. Tout le principe
de l'aquarelle est
de laisser passer la lumière du blanc du
papier. Si vous êtes pressé
et que vous ne dessinez pas entre les couches
autorisées à ce moment-là, vous pouvez avoir
toutes sortes de problèmes. Comme vous pouvez le voir, vous avez cette belle
lueur jaune en dessous, et elle brille à travers
les feuilles,
ce qui lui donne un bel effet. Je vois que le journal a beaux filigranes ici. Parce que je les ai vraiment aimés, je vais juste me laver
très pâle sur le dessus parce
que je veux voir cette texture sur la feuille. J'utilise un papier
aquarelle à chaud. Celui-ci est de la cendre qui est
l'un de mes favoris pour la presse à chaud. Je pense qu'elle retient
l'eau très belle et sèche magnifiquement. J'utilise mon pinceau synthétique car il y a un
peu d'accrochage, donc je peux dessiner les
caractéristiques de ma plante. Je garde celle-ci assez
simple parce que j'aime l'expressivité et la
façon dont la peinture sèche ici. Je ne veux pas y retourner avec
trop de laissez-passer
pour couvrir ça. Je pense qu'avec
l'aquarelle, sa beauté ne fait qu'
embrasser son caractère, qui est la nature inattendue et spontanée
de sa façon de sécher. Je vais juste prendre du rouge maintenant et mettre en valeur
certaines baies. ne sont pas tous.
Parce que, comme je l' ai dit, je veux juste
les garder libres et frais. Je vais dessiner la tige juste ici. Ajouter un peu de jaune
et de vert ensemble. Je viens dessiner la
tige ici. Je m'y joins. Maintenant, je vais laisser
sécher et faire
ressortir quelques-uns des éléments à l'
aide du stylo et de l'encre, et cette fois, j'
utiliserai de l'encre de noyer. Mais comme je l'ai dit, j'aime les petites
caractéristiques de celles-ci, donc je ne veux pas trop travailler
et perdre cette fraîcheur. Nous allons maintenant
ajouter de l'encre de noix, juste pour extraire certains détails et accentuer des
parties de la plante. L'encre de noix est une
de mes préférées car elle est assez douce et elle a
ce beau ton terreux,
qui, je pense, fonctionne
très bien lorsque vous travaillez
avec un élément naturel. Je regarde la plante pendant
que je descends. Alignez le dessin autour de
certains éléments, car je veux
conserver la fraîcheur et fournir un contraste
dans le dessin. De plus, je ne vais pas
colorer sous toutes mes formes. Je vais laisser certains d' entre eux comme un travail de ligne parce
que je pense que cela donne juste un
peu de différence visuelle. Alors que je fais la leçon
et que je partage avec vous, n'oubliez pas que je travaille à
un rythme beaucoup plus rapide que ce
que je
serais si j'étais à un rythme beaucoup plus rapide que ce
que je
serais si j' la maison, que j'allume de la
musique, allumé aux chandelles
et que je le faisais. pour moi. Je pense qu'il est important
de se rappeler qu'il s'agit d'une façon
de travailler très réfléchie
et réfléchie même si
elle a l'air assez
lâche et gestuelle. Le fait qu'on utilise une plume signifie qu'il
faut être un peu conscient. Il commence à se réunir. Je suis content de tous ces
beaux filigranes, donc je vais les quitter. Comme je l'ai dit, retirez quelques petits éléments. J'aime la délicatesse
de ces feuilles. Vous pouvez voir le sous-ton
du lavage d'or que nous avons mis, et aussi de ce rose opéra, donc un blanc entre et en
fait trop. Je vais juste
créer un
travail de ligne pour le retirer. Je suis content de la
délicatesse de mon dessin. Maintenant, j'arrive avec un pinceau synthétique à pointe
fine, et je vais simplement
mettre en évidence certaines zones et ajouter un peu de blanc aux lignes l'aide d'une aquarelle plus foncée. Je ne veux pas
trop y consacrer car je pense que cela détruirait
la fraîcheur de ces derniers, et je pense vraiment que je le regarde avant qu'
il ne soit
trop surchargé. Ce que je ferais à ce stade, c'est brosses et peut-être en essayer
une autre version. Je ne rentre pas juste
et je détruis ce que j'aime. Pour notre prochaine leçon, nous allons
extraire tout ce que nous avons appris et intégrer tous ces éléments pour créer
une illustration botanique. J'ai hâte de vous y
voir.
8. Peindre notre composition finale: Bienvenue dans notre dernière leçon
où nous allons maintenant intégrer
tout ce que nous avons appris dans les leçons précédentes et créer une belle composition
botanique. La meilleure façon de créer un
design plus complexe est de
commencer par des études simples et de progresser. Vous avez une idée des
intrigues que vous allez intégrer et créer
dans votre dernière pièce. Pour le premier lavage, je vais simplement
relier tout cela en utilisant les couleurs de
ce que nous avons appris. J'ai les baies
et les pétales d' une fleur sont dans ces
jolis roses et rouges. Je vais les
cartographier légèrement et les dessiner
avec mon pinceau. Je pense que même si nous
utilisons le même modèle, je pense que
tout le monde aura une interprétation
différente. Même si je peins et dessine avec vous comme je le
fais maintenant, je peux revenir en arrière, utiliser le même modèle et avoir vraiment un million d'interprétations
différentes parce que nous dessinons
d'une manière tout à fait
libre et expressif. La peinture dessine
différemment chaque fois, et de cette façon, nous pouvons créer des designs
intéressants et nouveaux. La palette de
couleurs celle-ci est essentiellement rose,
violette et verte. Certainement, un de mes favoris. Je ne pense pas qu'il soit
nécessairement important de savoir quelle marque ou un violet
ou un rose particulier que j'utilise, il s'agit vraiment de trouver des
choses ou d'utiliser ce que vous avez. Parce que je pense que les
goûts de chacun sont uniques et différents. Vous aimerez peut-être les couleurs discrètes
ou vous pouvez être quelqu'un qui incarne
vraiment des couleurs vives, et vous aimez l'esprit
qui apporte à
votre illustration. Je pense vraiment que j'ai tendance à graviter vers des couleurs plus sourdes et des
couleurs terrestres. Mais en disant que
dès que le printemps arrive, vous dites simplement ce beau
monde de couleurs et croissance et que vos
goûts pourraient changer à nouveau. Je suis juste bloqué au fur et à mesure. Je suis très content de la façon
dont le bleu va saigner dans deux sections de
la fleur
parce que tout le reste
lié et harmonieux. Maintenant, je prends
un peu de rose violet. Je vais aller un peu différemment. Celui-ci était plutôt d'une
couleur discrète et celle-ci
reflète davantage la
fleur que nous avons utilisée. L'idée est que nous voulons que cela
reste libre et gestuel. Maintenant, c'est dangereux. À ce stade, si je veux entrer et
dessiner avec mon stylo et mon encre, je vais le laisser sécher
et entrer avec ma plume et peut-être faire ressortir
certains éléments avec un pinceau fin. Parce que je suis gaucher, je vais travailler de la droite autour de
l'arc que j'ai créé juste pour éviter toute tache potentielle
que je pourrais avoir. Encore une fois, même si je
travaille à partir d'un modèle, je laisse la fantaisie me dicter. Si je veux mettre une baie
supplémentaire, je le ferai. Si je ne veux pas suivre
les lignes parce que j'ai utilisé un
graphite hydrosoluble, je n'ai pas à le faire. Comme vous pouvez le voir ici, j'aime la façon dont l'aqua en sourdine
a saigné dans la fleur. Il crée simplement une
continuité afin
de rapprocher l'illustration
et les éléments. Utiliser un arc ou un wraith est une très belle façon de créer une composition
avec des plantes. C'est vraiment efficace maintenant. Encore une fois, je viens d'ajouter des
pétales de fond ici qui n'
étaient pas dans le dessin. Je pense que je vais garder cette allure
vraiment fraîche et
biologique. Gardez ce nitron fluide mettant pas
trop de détails. Si vous aimez les détails et la
création d'œuvres plus raffinées, n'
hésitez pas à partager
avec nous tous, nous aimerions voir votre travail. Mais je pense que dans le
cadre de cet exercice, je vais simplement garder
ce relâchement et cette sensation
vraiment gestuelle
de l'illustration. L'encre de noix fonctionne bien comme feuille d'aluminium
contre ces couleurs
douces et délicates
du premier lavage. J'aime garder certaines zones ouvertes. Il éprouve ce sentiment
de mouvement et relâchement
dans l'illustration. Il commence à se réunir. Ce que je vais faire maintenant, c'est
mettre de la musique et accélérer le processus afin que vous puissiez suivre les
subtilités de ce que je fais. [MUSIQUE] Ici, je dessine
la gouache blanche directement dans la
largeur de la feuille. Je pense que c'est efficace
car il va sécher flou et avoir un aspect plus naturel
et expressif. Encore une fois, parce
que j'ai fait sentir cette vignette ici, je pourrais l'introduire ici, derrière les feuilles d'une branche. Mettez un peu d'eau propre à l'intérieur. Il suffit de jeter un peu
de ce violet. [MUSIQUE] Un moyen de relier tous les
éléments ensemble consiste simplement à répéter des formes, des
formes et des couleurs. Maintenant, je vais juste
apporter un rouge plus profond, certaines baies,
pas toutes. Laissez certains d'entre eux
complètement vides, comme celui-ci ici. Si vous avez des questions, faites-le moi savoir dans la section
projet j'ai vraiment hâte de
voir ce que vous avez créé. Je sais que j'adore ce
processus de dessin.
9. Récapitulé: [MUSIQUE] Bonjour, encore une fois. J'espère que vous avez aimé partager cela avec moi
autant que j'ai aimé le créer. Honnêtement, je profite tellement de l'étude de la nature et de
l'utilisation du stylo et de l'encre. Je ne peux pas réitérer assez. Cela vous aide vraiment à
ralentir et à apprécier
les beautés subtiles. Merci beaucoup d'avoir
passé ce temps avec moi. J'aime vraiment créer
ce cours et je suis très heureux de voir
ce que vous avez créé. J'ai hâte. J'ai
hâte de voir et de répondre toutes les questions que vous pourriez avoir dans la galerie ci-dessous. Prenez soin de vous et à bientôt. [MUSIQUE]
Sara Corren, Watercolour Artist and Teacher
