Illustration à l'aquarelle : transformer des objets du quotidien en personnages fantaisistes | Hélène Baum | Skillshare
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Illustration à l'aquarelle : transformer des objets du quotidien en personnages fantaisistes

teacher avatar Hélène Baum, Illustrator

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Introduction

      2:14

    • 2.

      Le projet

      5:08

    • 3.

      Inspiration

      3:23

    • 4.

      Rassembler des objets

      2:18

    • 5.

      Esquisse

      5:18

    • 6.

      Transformation

      6:43

    • 7.

      Choix des couleurs 1

      11:00

    • 8.

      Choix des couleurs 2

      5:40

    • 9.

      Les bases de l'aquarelle

      9:28

    • 10.

      Techniques d'aquarelle 1

      13:54

    • 11.

      Techniques d'aquarelle 2

      8:17

    • 12.

      Peindre 1

      9:02

    • 13.

      Peindre 2

      6:09

    • 14.

      Peindre 3

      8:34

    • 15.

      Conclusion

      1:18

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

7 153

apprenants

100

projets

À propos de ce cours

Vous voulez apprendre à peindre des illustrations uniques et originales ? Apprenez à transformer des objets du quotidien en personnages inventifs et à leur donner vie grâce à l'aquarelle !

Les artistes, les illustrateurs et les dessinateurs sont souvent jugés sur leur capacité à faire part d'une vision très personnelle du monde. Dans ce cours, nous allons découvrir comment s'inspirer des objets qui nous entourent et à regarder autour de nous avec un œil nouveau.

Je vous montrerai comment transformer des objets du quotidien en personnages fantaisistes, inspirés par la tradition artistique japonaise. En utilisant notre imagination et en faisant preuve de créative, nous allons créer une histoire visuelle insolite qui s'appuiera sur un jeu de couleurs et de textures ainsi que des techniques propres à l'aquarelle, Nous allons apprendre à :

  • Observer ce qui vous entoure et créer des croquis
  • Dessiner et peindre avec précision à l'aide d'une boîte à lumière
  • Transformer des objets en créatures originales
  • Utiliser les couleurs de manière surprenante
  • Utiliser différentes techniques d'aquarelle pour obtenir un aspect unique

Que vous soyez un illustrateur débutant ou confirmé, ce cours devrait stimuler votre imagination, vous donner des idées de création ainsi que les moyens pour utiliser l'aquarelle d'une manière personnelle.

Rencontrez votre enseignant·e

Teacher Profile Image

Hélène Baum

Illustrator

Enseignant·e

Hélène is a French/German  illustrator and designer who lives in Berlin. 

"There are no lines in nature, only areas of colour, one against another"
said painter Édouard Manet.

This quote evokes a principle that is strong in Hélène’s life and work.

Coming from a diverse cultural background, what defines her universe is a sense of “collage” and kaleidoscopic identity. She creates vibrant spaces where through humour, magic and idealism, elements from different cultures coexist in peace and diversity is celebrated.

The colourful images draw inspiration from her environment and personal life but also largely from mythology, black history, art, ... Voir le profil complet

Level: Beginner

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Transcription

1. Introduction: Salut, tout le monde. Je suis Ellen Baum et je suis illustratrice indépendante basée à Berlin, en Allemagne. A l'origine, je suis graphiste. J' étais principalement graphiste jusqu'à trois ans et j'ai quitté mon emploi et décidé de faire de l'illustration. J' ai toujours dessiné et ça a toujours été ma passion. Je n'avais pas pratiqué la peinture depuis longtemps, et j'ai dû m'apprendre à nouveau. Dans mon travail, j'utilise principalement deux techniques, qui sont : l'art vectoriel et l'aquarelle. Dans cette leçon, nous allons nous concentrer sur l'aspect aquarelle de celui-ci. Comme vous pouvez le voir dans mon travail, c'est super coloré. Coloré pour moi est le début et la fin de tout. Je pense que c'est vraiment un symbole de la vie. Je vois tout à travers la couleur. C' est pourquoi j'aime utiliser des palettes de couleurs très audacieuses et vibrantes. Un autre sujet très important dans mon travail est la diversité. Beaucoup de mes clients demandent mon travail parce que je fais un principe de montrer des gens de couleur et d'origines différentes dans les peintures que je fais. Je fais beaucoup de natures mortes et les objets qui sont autour moi et mes livres et choses apparaissent juste en eux. C' est aussi en partie ce que nous allons faire dans le cadre de nos projets de classe. Il va s'agir de ne pas faire des vies mortes, au contraire, nous allons collecter des objets de nos maisons et les transformer en personnages musicaux vivants. Nous le ferons en nous inspirant de la culture et de l'art japonais. Ce cours ne sera pas sur la peinture à l'aquarelle classique, il va être plus sur moi de vous enseigner certaines choses que j'ai apprises, techniques que j'utilise qui rendent mon travail si spécifique, et simplement vous encourager à créer votre propre style, d'expérimenter avec n'importe quel moyen que vous aimez utiliser, et l'importance de trouver une façon de peindre qui est votre propre. Donc, si vous aimez mon travail, vous pouvez me suivre sur Instagram ou regarder d'autres choses sur les sites Web. deux liens sont sur l'écran en ce moment, et nous pouvons passer à nos projets. 2. Le projet: Donc, notre projet de classe va être de transformer des objets quotidiens en personnages fantaisistes qui semblent avoir pris vie. Pour ce faire, nous nous inspirerons de l'art et de la culture japonais. Donc, après avoir regardé un peu d'inspiration, nous allons parcourir nos maisons, regarder les objets que nous voulons peindre, et une fois que nous avons fait cela, nous pouvons les esquisser à l'aide d'une boîte lumineuse. Je vais vous montrer quelques bases et la théorie des couleurs et de l'aquarelle, nous allons regarder les effets de l'aquarelle et ensuite entrer dans le processus de peinture. Donc, les deux grands enseignements que nous voulons tirer de notre classe sont une technique avec le croquis et la peinture et un peu de théorie des couleurs et de base de l'aquarelle. Ensuite, le second, et peut-être même le plus important, est de former l'œil créatif. En tant qu'artiste, peu importe que vous soyez professionnel ou simplement amateur. La capacité de voir quelque chose d'autre dans le monde qui vous entoure, de voir les choses d'une manière différente et avec un esprit créatif est ce qui rendra votre art vraiment spécial, et cela rend la vie vraiment intéressante. Passons à la recherche des outils dont nous aurons besoin. Si vous êtes quelqu'un qui peint et dessine déjà beaucoup, il n'y a pas tellement de choses nouvelles dont vous aurez besoin. Je pense d'abord, stylos, croquis avec gomme et bien sûr, taille-crayon, peinture aquarelle. Ils viennent dans une grande variété de marques, ce qui peut être très bon marché, très cher. Je vais vous laisser ce que vous voulez utiliser, combien de fois vous peignez. J' utilise la plupart du temps rétractable une marque, ils viennent dans ces pas de stylos ou dans des tubes. Si vous allez peindre beaucoup, vous pouvez acheter des tubes, que vous pouvez remplir vos stylos avec ou simplement utiliser directement à partir du tube. Vous n'avez pas besoin d'autant de couleurs bien sûr, si ce n'est pas quelque chose que vous faites tous les jours, surtout, un jaune, un rouge, un bleu, un noir et blanc que vous auriez besoin, et à partir de ceux-ci, nous pouvons mélanger n'importe quelle couleur En fait. Tout ce que vous voulez ajouter sur le dessus est à vous de décider. Assurez-vous que vous avez également des puits de mélange ou un support où vous serez en mesure de mélanger les couleurs, mais aussi des puits de mélange supplémentaires. Assurez-vous d'avoir du papier de soie pour tamponner vos pinceaux avec et un peu d'eau. J' aime l'avoir dans une cruche parce que quand on ne l'utilise pas, on peut la fermer. Ne renverse pas. Du ruban adhésif, que nous utiliserons pour attacher notre croquis à notre papier aquarelle quand nous peignons. Ensuite, bien sûr, j'utilise les pinceaux les plus exclusivement ronds par rapport aux pinceaux plats qui sont plus carrés. C' est le plus grand que je possède, puis de taille moyenne et j'aime en avoir de très petits pour les détails, les doublures. Cette marque est royal langnickel série majestueuse, ils ont bien fonctionné pour moi jusqu'à maintenant, mais à vous de voir ce qui vous convient le mieux et d'expérimenter. plan du papier, c'est juste du papier recyclé normal, que nous utiliserons pour esquisser. On n'a pas besoin de plus de fantaisie pour cette scène. Puis le papier pour la peinture, je suis vraiment habitué à cette marque maintenant, je l'utilise depuis de nombreuses années. Ce n'est pas techniquement du papier aquarelle mais, je ne sais pas, j'aime juste la sensation et la façon dont la peinture se propage. Vous pouvez, bien sûr, utiliser également du papier aquarelle, qui est généralement plus granuleux et rugueux. Assurez-vous d'obtenir quelque chose qui n'est pas trop épais. Ce sont 200 grammes, ce qui aidera lorsque nous utilisons la lightbox. Si c'est trop épais, on pourrait ne pas voir le croquis qui est en dessous. Maintenant, la lightbox s'est déjà allumée, nous aurons besoin d'une lightbox. C' est un format A4, ce qui est totalement suffisant pour ce que nous allons faire. Vous pouvez l'obtenir vraiment pas cher en ligne, j'ai eu celui-ci pour 18€ et vous venez de le brancher. Celui-ci, vous pouvez réellement moduler la lumière, ce qui peut être utile. Maintenant que nous savons quels outils nous avons besoin et que nous avons parcouru notre projet de classe, je tiens à vous encourager à partager et télécharger ce que vous faites au fur et à mesure que nous avançons. Passons à notre première leçon, qui portera sur l'inspiration. 3. Inspiration: Cette leçon porte sur l'inspiration. recherche d'inspiration est une partie essentielle du processus créatif. Cela rend notre travail plus riche parce que nous nous connectons avec des choses qui existent déjà ou avec les expériences que les autres ont vécues. Nous faisons partie du monde et tout ce que nous faisons dans le présent est lié au passé et à ce que les autres ont fait ou font actuellement. qui est important, c'est que vous ne copiez pas, mais que vous transformiez cette inspiration en quelque chose qui vous appartient. L' inspiration peut provenir de nombreuses sources de n'importe où en fait. Cela peut provenir de vos passe-temps, de votre musique, de la lecture, d'autres personnes, d'expériences que vous avez vécues, vraiment n'importe quoi à la fin qui vous fait cocher et qui vous inspire juste à créer quelque chose de nouveau hors de lui. Comme je l'ai déjà dit, l'inspiration de ce projet provient de l'art et de la culture japonais. Plus précisément, nous allons examiner le phénomène qui s'appelle Tsukumogami. Alors, qu'est-ce que Tsukumogami ? C' était une croyance médiévale au Japon qu'une fois que les outils avaient atteint environ 100 ans et les gens les ont jetés parce qu'ils pensaient qu'ils étaient trop vieux. Ces objets viendraient à la vie et ils seraient tout à fait en colère parce qu'ils venaient d'être jetés sur le bord de la route sans aucun remerciement ni considération pour les services qu'ils avaient rendus aux humains depuis si longtemps, alors ils sauterait à la vie et viendrait hanter les humains. Nous pouvons voir dans ce matériau que les objets qui se sont transformés en Tsukumogami ont grandi des visages. Parfois, les visages ont été ajoutés sur l'objet, mais parfois il ressemble aussi à des traits que les objets avaient déjà transformés en yeux et en bouches, de même pour les membres. Certains ont de nouvelles jambes ou comme des membres d'animaux, mais certains ont simplement transformé des appendices qu'ils avaient déjà en jambes ou en bras ou semblent tout simplement bouger le long. Si le sujet Tsukumogami et Yokai en général est quelque chose qui vous intéresse, vous serez en mesure de trouver toutes les références aux livres que je montre en ce moment dans la section Ressources. Alors pourquoi cette inspiration, je pense que le thème va nous aider à être vraiment ludique et utiliser notre imagination et notre oeil créatif. Nous n'avons pas besoin de le rendre aussi effrayant que Tsukumogami, nous pouvons simplement faire des personnages amusants à partir d'objets de notre maison si vous voulez une inspiration plus locale. Je pense que nous avons tous vu dans notre enfance la beauté et la bête de Disney, il suffit de penser aux tasses et aux théières et à tous les objets du château qui prennent vie aussi. Ensuite, l'art japonais est aussi beau en soi, qui nous donnera aussi une inspiration sur ce niveau di-listicule et sur le plan technique. Pour récapituler, nous avons établi l'importance de l'inspiration et nous sommes liés une vieille croyance japonaise et aux arts japonais qui nous inspireront et nous aideront à transformer les objets en personnages fantaisistes. La prochaine étape sera de trouver ces objets dans nos maisons et passons à la leçon suivante. 4. Rassembler des objets: Maintenant que nous savons de quoi consiste le projet, nous avons notre inspiration. Nous pouvons faire le tour dans notre maison et recueillir les objets dont nous avons besoin. Nous allons en recueillir trois juste parce que je pense que c'est sympa d'avoir une certaine variété. Si vous choisissez juste d'esquisser et de peindre un ou deux ou si vous voulez en faire plus, c'est à vous de décider mais je pense que trois est un bon nombre et juste obtenir quelques objets avec des formes très différentes pour jouer avec. Ceci étant dit, je te laisserai passer par ta maison. Je vais passer par le mien, et nous nous réunirons à nouveau avec l'objet que nous avons trouvé. Quand vous traversez votre maison, essayez de regarder déjà vos biens avec un œil imaginatif, ce qui m'aide toujours est de créer de petits récits dans mon esprit comme si mes pantoufles avaient des visages ou si ma brosse à dents coulait avec un dentifrice. Les objets avec lesquels les formes peuvent bien sûr être des choix évidents parce qu'ils sont déjà amusants, mais pouvez-vous imaginer même votre appartenance la plus basique venir en vie ? J' ai traversé ma maison et trouvé les trois objets que je veux transformer en personnages. J' ai choisi ma théière parce que c'est quelque chose que j'utilise tous les jours, et c'est une théière normale, il a encore quelques belles caractéristiques, mais je pense que ça va être amusant d'imaginer qu'il se transforme en quelque chose de vivant. Ensuite, j'ai choisi mon peigne Afro, qui est aussi un usage quotidien des objets. Je pensais vraiment que ceux-ci ressemblaient déjà à des dents ou des jambes, et c'est comme la forme générale aussi avec le trou ici, pourrait être quelque chose comme un œil. J' aime vraiment cet objet. Le troisième est vraiment petit. C' est un brûleur d'encens, un porte-encens. C' est un peu vieux et battu, mais je pensais que cela ressemblait déjà à un pied et quelque chose que vous pourriez faire avec les trous et la pointe lente ici et le fait qu'il s'ouvre aussi. Je suis curieux de voir ce que vous avez choisi chez vous. Maintenant que nous avons notre matière première, nous pouvons passer à la première phase de transformation de nos objets en caractères fantaisistes. Passons à la leçon suivante, qui est l'esquisse. 5. Esquisse: esquisse est la base de l'œuvre d'art. Techniquement, c'est l'acte de traduire ce que l'on voit au dessin. J' ai toujours l'impression que c'est un moment où nous devenons assez intime avec l'objet que nous voulons dessiner parce que nous devons le regarder attentivement, regarder ses formes et ses spécificités, et vraiment apprendre à en connaître le caractère. Bien que je ne recommande à personne de sauter une partie de ce cours, même si vous êtes un débutant dans le dessin et l'esquisse et que vous pourriez vous sentir aise si c'est vraiment nécessaire, vous pouvez également trouver mes propres croquis dans la section du matériel. Vous pouvez les télécharger, puis continuer dans la leçon suivante. Donc, nous allons procéder en deux étapes et esquisser, d'abord, nous allons faire un croquis très rugueux et ensuite nous allons commencer à le raffiner. Donc quelques conseils avant de commencer. C' est à vous de voir à quel point vous voulez faire vos croquis, surtout si vous êtes un débutant et que vous voulez le garder assez général pour commencer, c'est bien si vous voulez y aller et avoir autant de détails que possible, c'est aussi génial. C' est à vous de décider. Conservez les éléments qui rendent votre objet unique. Pendant que vous dessinez déjà, vous pouvez apprendre à connaître votre objet et savoir quel type de personnage il va devenir. Donc, j'ai maintenant pris dans l'objet, regardé les formes générales comme ici, il est assez rond et ici aussi. Ici, la courbe entre. Alors les spécificités sont comme ce genre de cou, ces ouvertures. Je pense que je vais garder les modèles pour plus tard juste au cas où. Rappelez-vous, ce n'est pas une compétition dans le dessin. Alors prenez votre temps. Soyez vraiment rude et général au début. Il y aura le temps de le faire paraître plus tard. C' est à quoi ressemble mon croquis vraiment rugueux en ce moment. Remarquez comme si ça ne me dérange pas de repartir si je pensais que je voulais que la forme soit différente. Vous pouvez également le faire autant de fois que nécessaire jusqu'à ce que vous soyez déjà satisfait de votre croquis rugueux. Ensuite, une fois que nous aurons ceci, nous pouvons passer à l'affinage lentement. Alors gardez celui-là. Maintenant, nous allons aussi prendre la boîte à lumière, placer notre croquis grossier dessus, prendre une feuille de papier fraîche. Allumez la boîte lumineuse. Donc, vous voyez les lignes à travers. Maintenant, nous pouvons commencer à choisir les pièces que nous aimons et amener lentement à l'endroit où nous voulons qu'elles soient. Donc maintenant, vous pouvez voir que c'est déjà beaucoup plus propre. Mais j'ai encore trouvé des choses que je voulais affiner très bien. Encore une fois, gardez celui-ci et prenez une nouvelle feuille de papier. Rallumez la boîte lumineuse car il ne s'agit pas de dessiner l'objet parfait. Ce n'est pas une classe sur le dessin et la peinture hyper-réalistes. Je veux juste avoir une sensation générale de l'objet. Nous pouvons ensuite utiliser pour transformer dans la classe suivante. Il s'agit vraiment de former votre œil créatif et d'utiliser votre imagination plus que d'être correct dans la façon dont quelque chose devrait être. C' est mon croquis propre que je vais utiliser dans la prochaine étape. Je vais le faire pour tous les autres objets et ensuite nous pourrons passer à autre chose. Donc, pour récapituler, nous avons fait des croquis propres de notre objet, et nous avons appris à mieux connaître nos objets. Nous sommes donc prêts pour la prochaine étape de la transformation. Nous avons maintenant fait le travail de base et nous allons utiliser les esquisses d'écran pour transformer les objets en personnages fantaisistes. Passons donc à la leçon suivante. 6. Transformation: Maintenant que nous avons nos objets cueillis et esquissés, comment les transformer en personnages vivants ? En regardant en arrière l'inspiration des Tsukumogami, qu'est-ce qui les a rendus vivants et ludiques ? Ils avaient des visages avec des expressions effrayantes, drôles, tristes ou bizarres. Certains avaient des membres, humains ou animaux, et ils avaient l'air de bouger et de parler. Maintenant, nous allons utiliser ces attributs et les impressions que nous avons faites de nos objets tout en les esquissant pour créer des caractères fantaisistes uniques. Précédons. Choisissez l'esquisse avec laquelle vous souhaitez commencer. Prenez votre croquis propre. Je recommencerai avec le porte-encens. Y a-t-il quelque chose dans votre objet qui ressemble déjà à une fonctionnalité en laquelle vous pourriez le transformer ? Comme par exemple, mon porte-encens, je pense que ceux-ci ressemblent déjà vraiment à des yeux et cela comme la bouche et je pourrais imaginer que c'est un pied ou une jambe. Je ne suis pas sûr de ce bouton peut être que ça reste là donc c'est reconnaissable, toujours quels objets c'était. Une fois que vous avez décidé quelles fonctionnalités vous voulez ajouter, où vous voulez placer de nombreux yeux et la bouche et les bras. Si c'est plus humain ou animal, alors encore une fois, s'il vous plaît nettoyer la feuille de papier sur votre croquis. Mettez votre boîte lumineuse et dessinez déjà ces fonctionnalités sur votre objet. Ne commencez pas par copier l'objet en dessous, commencez par les fonctionnalités que vous souhaitez ajouter. Faire une bouche ici. C' est pourquoi je disais comme ne pas dessiner l'objet qui est en dessous parce que vous allez probablement changer la forme de celui-ci. Placez d'abord ce qui change, puis à la fin, vous pouvez remplir le reste de l'objet. Je veux ajouter des dents. Ici, je vais transformer ce pied en un lac littéral. Maintenant que j'ai ajouté ceci, je sais que je peux finir de dessiner cette partie. Je les transforme en narines. C' est déjà mes premiers objets, vous n'avez pas toujours besoin de faire beaucoup. Juste quelques actions pour changer un objet en face. Passant aux objets suivants, le peigne Afro. Ici, j'ai gardé ces pièces en plastique parce que je pensais qu'elles ressemblaient déjà aux yeux et aux dents ou aux dents du noyau. En fait, je pensais les transformer en jambes comme une araignée. J' ai vraiment aimé les objets ayant une bouche donc je pourrais juste ajouter une bouche ici. Peut-être que ça pourrait être un troisième œil, je verrai comment ça se passe quand je commencerai à dessiner. On a fait croire que les dents sont des jambes qui marchent. J' ai ajouté des yeux, des yeux fous regardant des directions différentes et utiliser le bord pour faire des petits sourcils qui sortent. Il tire sa langue. Juste pour ajouter un peu de variation de l'autre. Ils ont déjà poussins que je veux ajouter plus tard, et j'ai décidé de garder cela comme une ouverture juste à nouveau, donc l'objet reste aussi reconnaissable un peu. Passons aux derniers objets. La théière, la forme me fait déjà penser comme un oiseau, et donc je vais utiliser le bec, comme littéralement c'est un bec. C' est la queue et nous ajoutons le visage dans cette région. J' aimerais vraiment ajouter quelques jambes ici. Pour celui-ci, ajoutez vraiment un peu plus de détails que les autres, qui sont plus simples de cette façon. Comme vous pouvez le voir, j'ai ajouté des plumes et comme les cuisses de poulet peut-être pas tant de poulet, mais une certaine forme d'oiseaux et fait cela ressemble vraiment à un bec d'oiseau aussi, J'ai ajouté un troisième œil, que je pense que je voulais ajouter dans l'un des les dessins et a également fait la poignée ressembler à une plume de queue. Maintenant, nous sommes prêts à passer à l'étape suivante. Donc, pour récapituler, nous avons utilisé nos dessins préliminaires pour transformer nos objets en caractères. Nous avons maintenant des croquis clairs que nous pouvons utiliser pour peindre. Maintenant que nos dessins sont terminés, nous pouvons passer à la phase suivante de la transformation de nos personnages, que nous allons ajouter de la couleur et de la texture. Avant de continuer à travailler sur les personnages cependant, nous allons entrer dans une approche plus théorique de la couleur. Nous examinerons la palette de couleurs, bases de l' aquarelle et certains effets spécifiques. Passons à la leçon suivante. 7. Choix des couleurs 1: Donc, dans cette leçon, nous allons plonger dans les couleurs. Les couleurs sont toujours l'événement principal dans mon art. Je les aime audacieux, vibrants, abondants et dans des combinaisons inhabituelles. Chaque personne a une relation unique avec la couleur et est naturellement attirée par des tons et des teintes différents, et c'est ainsi que cela devrait être. Nous allons brièvement passer à travers les bases de la théorie des couleurs, mais l'objectif ici est de vous faire expérimenter avec couleur et de trouver une palette qui vous fait picoter à l'intérieur. La théorie des couleurs est essentiellement un ensemble de directives pratiques concernant mélange des couleurs et les différents effets qui peuvent être obtenus par des combinaisons de couleurs spécifiques. Nous allons passer en revue les bases de la théorie des couleurs en utilisant cette roue de couleur, que nous allons remplir progressivement. Nous commençons par le centre. Ce sont les couleurs primaires, qui sont le rouge, le bleu et le jaune. Ils sont appelés couleurs primaires parce qu'ils ne peuvent pas être obtenus en mélangeant deux autres couleurs ensemble. Habituellement, vous les sortez du tube directement de la [inaudible]. C' est jaune. Cette combinaison de couleurs est très audacieuse. Vous pouvez le savoir du Bauhaus, par exemple, il fait une identité visuelle très reconnaissable. Personnellement, j'aime la combinaison de ces trois couleurs. Pour certains, c'est peut-être un peu trop, mais tout le monde [inaudible]. De ces couleurs primaires, nous obtenons trois suivantes qui sont des couleurs secondaires, également appelées couleurs complémentaires, et donc la façon dont elles fonctionnent est que vous obtenez chacune d'entre elles en mélangeant deux des primaires. Donc jaune et rouge, rouge et bleu, bleu et jaune. jaune et le rouge créent ensemble de l'orange. Le rouge est assez pigmenté. Nous devons ajouter un peu plus jaune, puis jaune et bleu, nous donne vert. C' est un peu désordonné, mais vous comprenez le point. Puis bleu et rouge, ce qui nous donne violet. Selon les couleurs primaires que vous utilisez, car bien sûr, il existe également différents types de jaune, rouge et bleu, les couleurs secondaires changeront également. Habituellement, lorsque vous obtenez les couleurs secondaires directement à partir du mélange des couleurs primaires, elles ont tendance, à mon avis, à être moins belles que les tons directs que vous pouvez acheter. Mais je pense que c'est juste utile de voir comment fonctionne la théorie. Ce qui est intéressant dans les couleurs secondaires, c'est qu'elles s'harmonisent avec les deux couleurs qui les ont créées et qu'elles sont en contraste avec la troisième qui n'a pas été utilisée pour la créer. Donc, l'orange crée le plus grand contraste avec le bleu, violet et le jaune, car il a été créé de bleu et de rouge. vert est le plus grand contraste avec le rouge car il a été créé avec le bleu et le jaune. C' est une bonne chose à garder à l'esprit lorsque vous faites une image. Si vous voulez un contraste très fort, vous savez que vous pouvez utiliser ces combinaisons de couleurs. Si vous voulez quelque chose de plus harmonisé, alors il est plus logique de garder le complément avec les deux couleurs primaires qui l'ont créé. Nous passons aux couleurs tertiaires. Ceux-ci sont obtenus en mélangeant le complémentaire et le secondaire. Il sera plus facile de le voir sur la roue. Nous devons ajouter les couleurs que nous avons déjà à la roue extérieure. Nous avons entré nos couleurs primaires et les couleurs secondaires sur la roue extérieure, maintenant il sera plus facile de voir comment les couleurs tertiaires sont créées. Ils seront créés à partir du primaire et du secondaire. Ici, nous aurons quelque chose entre le jaune et l'orange. Ici, nous aurons quelque chose entre orange et rouge, et ainsi de suite. Ils sont fondamentalement juste différentes teintes de ces deux couleurs. Plus violet rougeâtre, plus violet bleuâtre, et cette roue n'a que 12 étapes, mais vous pouvez, bien sûr, rendre ces intermédiaires aussi petits que vous le souhaitez et créer autant de teintes que vous le souhaitez. Nous avons maintenant terminé notre roue de couleur. Vous pouvez maintenant voir les couleurs tertiaires, qui sont comme des hybrides du secondaire et primaire. Vous avez peut-être remarqué que nous n'utilisons pas de noir et blanc dans tout ça. C' est parce que le noir est considéré comme la somme de toutes les couleurs et le blanc, l'absence de toutes les couleurs. D' habitude, cette théorie pure des couleurs est laissée de côté. Cependant, nous l'utilisons, bien sûr. Ils sont très utiles pour rendre les couleurs plus foncées et plus claires. Par exemple, si nous prenons l'orange, si j'ajoute du blanc, je ferai une teinte d'orange plus claire. Si j'ajoute du noir, j'ai beaucoup de noir là-dedans. C' est devenu brun en gros. Si j'avais ajouté moins, laissez-moi juste prendre un peu d'orange et [inaudible], nous aurions des teintes différentes. Ensuite, d'une manière générale, si vous mélangez toutes les couleurs ensemble, vous obtiendrez quelque chose de brunâtre et aussi si vous mélangez toutes les primaires ensemble, alors nous avons avec l'aquarelle, en particulier, une autre façon de faire des teintes plus légères ou colorier simplement en utilisant plus d'eau. Cette orange, quand elle est très saturée, c'est comme ça et en ajoutant de l'eau, je peux la rendre plus légère et plus légère. Vous pouvez le faire sur votre palette bien sûr, pas directement sur votre papier, juste pour être sûr. Parce que l'ajout de la peinture blanche ajoute également plus de pigments et rend la couleur plus opaque. Si vous voulez rester translucide et léger, alors il est préférable d'ajouter de l'eau. Nous verrons plus de cela aussi dans les bases de l'aquarelle. Un autre concept qui est également utile est la notion de couleurs chaudes et froides, donc tout ce qui est de ce côté du spectre est généralement considéré comme des couleurs chaudes. Fondamentalement les couleurs qui sont émises à partir du jaune et du rouge, et tout ce qui contient du bleu est du côté froid du spectre. C' est un autre élément à prendre en considération lorsque vous ajoutez de la couleur à un tableau. De la même manière que le bleu et l'orange sont le plus grand contraste aussi parce qu'ils sont chauds et chauds, vous pouvez créer ces effets. Juxtaposer les couleurs du côté opposé. Si vous voulez faire votre propre roue de couleur, je vais attacher le modèle dans la zone de téléchargement. Je pense qu'il est très utile d'avoir à se référer à. J' en ai aussi un pour moi-même que j'ai rempli avec des couleurs directes de ma palette qui rend des couleurs plus brillantes. Oui, c'est utile juste d'avoir un aperçu de ce que vous avez et à quoi il ressemble. Ensuite, quelque chose que je trouve utile pour moi-même est que j'ai aussi ceci où j'ai toutes mes couleurs cataloguées avec les noms et les numéros au cas où j'aurais besoin de les acheter à nouveau. C' est bien d'avoir une vue d'ensemble parce que, bien sûr, vous pouvez les voir dans votre palette, mais ici, je les ai aussi dilués mi-chemin pour que je puisse voir à quoi ils ressemblent quand ils sont clairs et quand ils sont sombres. 8. Choix des couleurs 2: Maintenant, avec notre connaissance de la théorie des couleurs et de nos préférences en matière de couleurs, nous avons une double mission. Premièrement, nous voulons jouer avec les couleurs et découvrir ce que nous aimons chacun, quelles sont nos préférences un peu plus profondes. Deuxièmement, nous voulons créer une palette de couleurs pour nos projets, qui sera composée de cinq couleurs sans compter le blanc et le noir. Commençons à jouer avec nos palettes, je vais juxtaposer quelques couleurs tertiaires avec primaires. C' est jaune, mais c'est un peu plus orangé, donc j'appelle ça une couleur tertiaire. Couleurs gratuites, vous pouvez également jouer avec la saturation et les teintes diluées, et juste généralement avoir du plaisir. Il suffit d'aller sauvage avec votre palette, essayer toutes les couleurs les unes à côté des autres et de voir ce que vous aimez, ce qui vous fait sentir à l'aise, ce qui vous fait sentir chaud à l'intérieur, ou peut-être aussi ce que vous n'aimez pas vraiment. Donc, vous pouvez voir si vous êtes quelqu'un qui aime les couleurs chaudes plus ou les couleurs froides plus. Si vous êtes quelqu'un qui aime la combinaison de ceux-ci. Si vous êtes quelqu'un qui aime plus pastel ou audacieux. Vous pouvez vraiment voir comment lorsque vous combinez différentes couleurs, l'effet est très différent, comme ceux à côté d'un jaune, il est assez similaire. Un à côté d'un rouge profond, c'est un très grand contraste. Le rose, bien qu'il ne soit pas aussi rouge que cela crée également un joli contraste et à côté du bleu donne une impression plus cool. Parce que si vous n'avez pas autant de stylos, vous pouvez explorer plus avec le mélange de différentes teintes. Voyons aussi ce qui se passe quand vous faites avec, J'ai maintenant mélangé rose et vert. C' est aussi intéressant, fait juste un rose effier plus foncé. Je suis un amoureux des couleurs très audacieuses, donc j'ai tendance à utiliser les couleurs tout à fait directement hors de la fenêtre. Je mélange, mais l'effet final est généralement très fort, mais il y a vraiment beaucoup à explorer dans le mélange de couleurs comme celui-ci. Au fur et à mesure, vous commencerez à avoir une idée de ce que vous aimeriez utiliser pour ce projet. Je pense que pour moi, j'ai décidé d'opter pour ce jaune plus foncé pour un bleu. Ce qui, je pense, est un bleu céruléen, je ne suis pas sûr. Pour le rose magenta, beau, terreux, presque brun orangé, et je n'ajouterai pas vraiment de rouge fort au mélange. La plupart des tons chauds et je suppose que le bleu sera la couleur de contraste. Ensuite, bien sûr, nous avons aussi le noir et le blanc. En général, il est logique de définir votre palette de couleurs avant de commencer une nouvelle illustration. Vous n'avez pas toujours à choisir seulement cinq échantillons, vous pouvez en utiliser autant que vous le souhaitez, toutes les couleurs même ou moins. Vous pouvez également aller un monochrome, il suffit d'utiliser un ton et ses différentes variations. Il est toujours utile de définir cela à l'avance, alors vous pouvez vraiment vous concentrer sur la peinture. Par expérience, j'ai passé beaucoup de temps à penser à quelle couleur utiliser ensuite au milieu de la peinture, ce qui n'est pas toujours la chose la plus productive. Pour récapituler, nous avons appris comment le mélange des couleurs fonctionne à travers la théorie des couleurs, et nous avons trouvé notre propre palette unique que nous allons utiliser pour peindre nos personnages. Maintenant que nous avons notre ensemble spécial de couleurs, allons dans les techniques et les effets de la couleur de l'eau afin que nous puissions rendre nos personnages fantastiques encore plus fantastiques. 9. Les bases de l'aquarelle: Cette leçon portera sur les bases de l'aquarelle. Chaque outil de peinture et de dessin a ses propres qualités uniques. aquarelle est devenue mon médium de choix parce que j'aime sa polyvalence. Comme je l'ai déjà mentionné, je ne suis pas formé à l'aquarelle, donc tout ce que je sais vient d'être appris par des essais et des erreurs, expérimentation, et aussi, bien sûr, regardant comment les autres artistes le font. Passons à travers la base de ce médium. aquarelle ou aquarell est une peinture à base d'eau, ce qui signifie que les pigments contenus dans la peinture sont liés ensemble par une solution à base d'eau et que nous utilisons de l'eau pour diluer et appliquer la peinture. Par exemple, dans la peinture à l'huile, nous utilisions de l'huile et de la térébenthine. Comme vous l'avez deviné et comme c'est dans le nom, l'eau est l'élément clé de cette technique de peinture. Je vais vous montrer pourquoi. La quantité d'eau que vous utilisez générera différents effets. Si vous utilisez très peu d'eau comme celle-ci, la peinture sera très saturée de pigments et très opaque. Il sera également très facile de contrôler à quoi ressemble la peinture. Un peu comme utiliser un stylo, c'est une répartition assez uniforme des pigments dans la surface. Ensuite, plus vous diluez cela, plus il sera léger comme nous l'avons vu dans le chapitre des couleurs. De plus, comme il y a moins de pigments et plus de quantité d'eau, il sera plus difficile de contrôler où vont ces pigments. Comme vous pouvez le voir déjà, ils ont tendance à suivre la brosse et à aller là où l'eau se déplace. Une fois que cela sèche, vous saurez à quoi ressemble la surface parce que les pigments continueront à bouger et à se rassembler dans certains endroits jusqu'à ce qu'ils ne puissent plus le faire jusqu'à ce qu'il soit sec. Bien sûr, vous pouvez toujours faire des lignes égales avec cela, mais plus léger. Ensuite, nous pouvons utiliser beaucoup d'eau. Il y a deux façons de le faire. Soit vous appliquez déjà beaucoup d'eau sur votre papier directement, puis ajoutez votre peinture là, soit vous diluez plus dans vos palettes et appliquez ensuite. Vous pouvez voir qu'ici la peinture est complètement diffusée. C' est une perte totale de contrôle ou tout ce que vous voulez faire, mais c'est un effet intéressant. Cette technique de mise en premier de l'eau sur le papier est souvent utilisée pour les lavages. Un lavage est principalement utilisé pour faire un fond, je peux vous montrer brièvement. Gardez à l'esprit que maintenant pour ce projet, nous avons du papier aquarelle très mince, très léger, son seulement 200 grammes. Si vous voulez peindre quelque chose qui utilise beaucoup plus d'eau, il est préférable d'obtenir un papier plus lourd afin qu'il ne bouge pas autant. Je pense que celui-ci ne prendra pas vraiment autant d'humidité. Pour faire un lavage, vous mouillez d'abord votre papier, et aussi gros que vous en avez besoin. J' ai vraiment utilisé ça pour les milieux. C' est juste deux ans et demi, et puis vous pouvez choisir la couleur dont vous avez besoin. Vous pouvez déjà voir que le papier est levé, se dilate, bouge. Fondamentalement juste faire un gradient, tu pourrais faire un ciel comme ça. Vous pouvez décider de mélanger simplement différentes couleurs. Imaginez que si vous faisiez un coucher de soleil ou quelque chose, cela vous permet de simplement faire une grande surface. Il suffit de créer des arrière-plans intéressants pour tout ce que vous voulez peindre plus tard. Ici, nous avons vu et aussi dans le lavage que la peinture diffuse dans beaucoup d'eau. C' est la très belle chose à propos de quelle couleur est que vous pouvez vraiment jouer avec ça. Si vous tamponnez simplement la surface, faites ces cercles diffus, et selon à nouveau combien ou combien petite vous faites la peinture que vous avez amortie à l'intérieur, vous pouvez faire des impressions plus petites. Je suis d'accord, jouer avec ça et juste voir quels effets vous pouvez faire. La beauté vraiment à l'aquarelle est cette tension entre certaines choses qui sont vraiment contrôlées et ensuite certaines choses qui ne sont pas du tout, et où la peinture prend le dessus. Si vous parvenez à mélanger ces deux propriétés des peintures, alors votre travail devient vraiment intéressant. Par exemple, mélangeons le très saturé et contrôlé avec quelque chose de moins de contrôle. Ici, je peux peindre comme si je tenais un stylo. Je sais exactement ce que je fais. Je peux définir les formes où je veux. Je vais juste le colorer. Ensuite, je commence à ajouter de l'eau. Je veux faire des cheveux, donc j'ajoute beaucoup d'eau ici sur mon papier et je commence lentement à le joindre à la forme que j'ai déjà faite. Alors je pourrais ajouter des choses à mes cheveux. Juste cette transition de quelque chose de très contrôlé et dessiné avec précision peint un peu vite maintenant, mais vous obtenez ce que je veux dire. Puis entrer dans cette explosion de formes très spontanées, parce que nous ne savons toujours pas à quoi cela ressemblera quand il sèche. C' est vraiment beau, et c'est tout à fait unique, je pense, parmi les techniques de peinture. Que la peinture a aussi sa propre vie d'une certaine manière. Vous avez besoin de beaucoup de patience si vous ne voulez pas que quelque chose comme ça se produise là où une couleur saigne dans la suivante. Si vous voulez avoir deux surfaces de couleur l'une à côté de l'autre, vous devez vraiment attendre que l'une sèche avant d'ajouter la suivante, ou vous pouvez être sûr qu'il y aura une contamination sur l'autre surface. C' est aussi vraiment beau, c'est un effet que vous pouvez faire exprès. Mais si vous voulez des surfaces très distinctes avec de la couleur de l'eau, vous devez certainement attendre que tout sèche avant de continuer. Pour résumer, nous avons appris les principes fondamentaux de la peinture à l'aquarelle. Nous avons appris l'importance de la quantité d' eau que vous utilisez lors de la peinture avec ce médium, et nous avons commencé à avoir une idée du style de peinture que nous pouvons faire avec les aquarelles. Maintenant que nous avons les bases en bas, nous pouvons passer à l'apprentissage de certains effets plus spécifiques. On verra ça dans la prochaine leçon. 10. Techniques d'aquarelle 1: Dans la leçon précédente, nous avons appris les bases de la peinture à l'aquarelle. Maintenant, je veux vous montrer trois techniques que j'utilise qui produisent de beaux effets. Ce sont des gradients, des superpositions et des juxtapositions monochromes. Plongons dans les gradients. Comme nous l'avons vu dans les bases de l' aquarelle, l'aquarelle a une tendance naturelle à créer des gradients. On l'a vu avec la diffusion. Comme quand nous mouillons le papier et ajoutons de la peinture, nous pouvons voir que c'est déjà en soi un dégradé. Il fait plus sombre au milieu et devient plus léger et plus léger. Nous utiliserons cette tendance naturelle de la peinture pour créer nos propres dégradés avec différentes combinaisons de couleurs. Bien sûr, la façon la plus simple de créer un dégradé est d'utiliser une seule couleur, et c'est donc un dégradé monochrome. Même principe qu'ici, nous ajoutons la couleur que nous voulons, puis nous enlevons l'excès de peinture, et nous prenons cette peinture qui est déjà sur le papier et simplement la traîner jusqu'à ce qu'il n'y ait pas de couleur du tout. C' est le moyen le plus simple de faire des dégradés avec une couleur. Pour faire deux dégradés de couleur, c'est le même principe que nous ferons essentiellement deux dégradés monochromes, qui se croisent au milieu. Encore une fois, je vais prendre cette orange, je vais la rendre assez saturée au début. Enlevez l'excès de couleur, tirez ceci, je veux qu'il devienne très léger au milieu, mais pas complètement disparu. Maintenant, je prends ma deuxième couleur, prends un rouge plus foncé, je le mets ici. Encore une fois, retirez l'excès de peinture et tirez-le vers le milieu, afin qu'ils fusionnent ici. Parfois, un côté est un peu séché, vous pouvez l'aider en le mouillant à nouveau. Le dégradé semble parfois un peu gênant alors qu'il est encore humide, mais une fois qu'il sèche, il s'assouplit. Utilisez également un peu d'eau maintenant. Si j'utilise moins, je peux le contrôler un peu plus comme ça. Encore une fois, vous devez tester la quantité d'eau qui fonctionne pour vous. Vous pouvez bien sûr aussi, une fois de plus, faire une variation où vous mouillez d'abord la surface, puis ajoutez la couleur. Pour moi, c'est juste une façon de travailler très instable, mais pour chacun le leur. J' ai tendance à aimer contrôler où les choses vont dans certaines situations, selon ce que je peins. Oui, cela peut aussi être un moyen de faire. Ensuite, nous pouvons réfléchir à nouveau à la théorie des couleurs et à ce que nous avons appris là-bas. Ici, nous avons un gradient assez harmonisé de l'orange à une sorte de rouge. Bien sûr, le rouge est contenu dans l'orange, il va donc sans dire qu'ils devraient vraiment fusionner bien. Maintenant, si on prend des couleurs complémentaires, ça devient un peu plus compliqué. Parce que, comme nous l'avons vu, lorsque nous mélangeons primaire et gratuit, nous pouvons obtenir une couleur qui est proche du brun ou du gris. Essayons. Je vais prendre du bleu, le sortir, et de l'orange plus claire. Vous pouvez voir au milieu ça crée une sorte de vert kaki. C' est une combinaison de couleurs spéciales, surtout au milieu. J' aime vraiment ça, est mon gradient préféré. Tout le monde n'aimerait pas ça. Vous devriez vraiment essayer comme nous l'avons fait avec les palettes de couleurs, ce que vous aimez et tout ça. Je viens de faire quelques formes, on peut remplir. Faisons encore une fois un harmonisé. Par exemple, si vous faites des coeurs, commencez par le rouge en bas, faites-le glisser un peu, je veux que cela devienne encore un peu plus léger, alors repoussez les pigments. Ensuite, je vais prendre un peu de magenta que je vais, placer en haut. Je suis vraiment désordonnée. Maintenant, je le pousse vers le rouge. rose et le rouge sont généralement très faciles à mélanger, ils ont une transition très douce. Ensuite, nous pourrions essayer une autre combinaison de couleurs gratuite. J' ai dessiné une sorte de forme de pomme, peut-être que nous pourrions même faire un gradient qui a appelé les sources sous différents angles, donc placer rouge. Bien sûr, vous n'avez pas toujours à faire des gradients dans le simple chemin de droite à gauche, cela pourrait aller dans la direction que vous voulez, de toute façon vous en avez besoin. Gratuit au rouge est vert, dans ce cas, je vais placer la couleur au milieu et ensuite travailler mon chemin vers le rouge des deux côtés. Tu dois travailler un peu plus vite. Dans ces situations, si vous ajoutez plus de paramètres, plus d'angles, plus de couleurs différentes afin que les couleurs que vous avez mises en premier ne sèchent pas parce que cela devient un peu plus compliqué. Bien sûr, si vous ajoutez de l'eau à nouveau, sur la surface de l'aquarelle, elle a tendance à se détendre à nouveau et vous pouvez continuer à peindre, mais cela ne fonctionne pas toujours avec tous les pigments. C' est aussi quelque chose que vous découvrirez lorsque vous venez expérimenter avec vos couleurs de votre palette. Chaque marque et chaque couleur différente a, bien sûr, une composition chimique différente et certaines d'entre elles réagissent très différemment aux effets différents. Une fois qu'ils ont séché, certains d'entre eux vont vraiment se desserrer à nouveau lorsque vous ajoutez de l'eau et d'autres ne le font pas. Tu essaieras de le découvrir par toi-même. Pourquoi ne pas essayer un dégradé avec trois couleurs ? Peut-être que je reprends ce bleu. Parce que j'utilise trois couleurs différentes, ce serait trop compliqué de faire les trois en même temps, comme ici. Ici, nous sommes toujours dans les deux mêmes, mais je devrais nettoyer ma brosse trop souvent ici. Nous avons le premier, puis ajoutons du magenta dans le haut. Essayez ceci par vous-même, essayez quelques formes différentes, différentes combinaisons, essayez plusieurs couleurs, ou tout simplement monochrome, et oui, vous pouvez créer votre propre vocabulaire de gradient, donc la juxtaposition monochrome. C' est un terme que j'ai inventé, je ne sais pas s'il existe réellement, mais c'est comme ça que je l'appelle. C' est une technique très simple, elle a juste besoin de patience. Comme nous l'avons vu dans les bases de l'aquarelle, elle repose essentiellement sur l'attente que les surfaces sèchent complètement avant de continuer, et sur la tendance des pigments à se rassembler naturellement au bord d'une surface lorsque cette surface sèche. La façon dont cela fonctionne est que vous choisissez votre couleur, faites la surface que vous voulez. Veillez à ne pas le rendre trop saturé, trop sombre, ou il sera difficile de le voir. Ensuite, vous attendez que cette surface sèche. Attendons un instant. On dirait qu'il a séché maintenant. Maintenant que cette surface a séché, vous pouvez déjà voir que très légèrement le bord est un peu plus sombre que l'intérieur de la forme, que les pigments se sont rassemblés là. Nous prenons à nouveau la même couleur, il suffit de faire la prochaine surface de couleur à côté, et il y a aussi un peu de chevauchement, sorte que vous allez rendre cette partie un peu plus sombre à nouveau et attendre que cela sèche à nouveau. En attendant, comme j'utilise habituellement cette technique pour peindre des feuilles, eh bien, c'est ce que je l'utilise pour beaucoup parce qu'elle crée de la structure sans avoir à dessiner des lignes, et je vais vous montrer comment ça ressemble aux feuilles. Pour gagner du temps, j'ai déjà peint chaque seconde surface, donc ils ont le temps de sécher et ensuite je pourrais créer ceux qui manquent et nous verrons cet effet apparaître. Nos surfaces d'essai ont séché. Vous pouvez vraiment voir cette ligne très bien maintenant. Ensuite, vous pouvez voir dans ce feuilles que j'ai rempli, vous pouvez aussi voir les lignes, et il semble que je les ai peintes sur, mais en fait je ne l'ai pas fait. J' ai juste juxtaposé ces mêmes surfaces de couleur l'une à côté de l'autre, et j'attends qu'elles sèchent. Juste les chevaucher légèrement aussi pour qu'il devienne un peu plus sombre. Tu peux faire beaucoup de choses avec ça. J' ai également peint cette surface de table avec cette technique, comme vous pouvez le voir dans l'exemple. Encore une fois, essayez-le. Essayez-le avec toutes les couleurs que vous voulez. Il suffit de regarder autour de vous, vous pouvez également voir ce que vous avez dans votre maison qui est structuré de cette façon. choses qui ont la même couleur comme ici, mais ont encore une forme de motif à l'intérieur. Le bois est un très bon exemple pour lui et les plantes. Je vais vous laisser expérimenter et nous verrons le dernier effet. 11. Techniques d'aquarelle 2: Nous allons maintenant examiner la technique de superposition. Encore une fois, c'est beaucoup de patience. Encore une fois, comme nous l'avons vu dans les bases de l' aquarelle, la peinture à l'aquarelle est elle-même assez translucide, donc nous pouvons vraiment jouer avec cela avec différentes couches. Il y a aussi des choses à garder à l'esprit car bien sûr, cette peinture est soluble dans l'eau. Lorsque vous ajoutez une deuxième couche pour mettre la première, veillez à ne pas ajouter trop d'eau ou vous allez simplement ramollir la première couche à nouveau. Nous allons voir comment surveiller les couleurs à calquer et comment. Commençons par ça en fait. Je pourrais prendre un peu rouge et faire une surface sur le jaune. Je l'ai dilué beaucoup maintenant pour qu'on puisse voir ce qui se passe. Vous pouvez toujours voir la forme jaune sous le carré. Vous pouvez voir le bord de celui-ci ici. Bien sûr, ce pot rouge a été orangé parce que le jaune est en dessous. Si j'utilisais le rouge d'une manière très saturée, alors il couvrirait juste la couche en dessous et on ne le verrait plus du tout. Nous devons penser à la théorie des couleurs ici. Parce que quand on couche, les mêmes principes sont actifs. Par exemple, si je prends un peu de bleu et l'ajoute, vous pouvez voir que la partie qui est au-dessus du jaune est maintenant devenue verte, ou elle semble verte parce que le jaune brille avec le bleu et nous avons vu que le bleu et le jaune font vert. C' est un très bel effet. Mais alors si je prends le violet, qui est la couleur complémentaire au jaune, c'est un peu plus difficile parce qu'il a l'air un peu gris, un peu brunâtre. Gardez cela à l'esprit lorsque vous calquez cela, surtout si vous calquez assez translucide, la colonne ci-dessous brillera à travers et changera le code supérieur. Si nous le faisons avec une couleur plus foncée et ajoutez une lumière très translucide sur le dessus, ce n'est pas suffisant, nous verrons à peine le code supérieur, surtout quand il va sécher. En outre, parce qu'un peu de la première couche deviendra douce à nouveau, elle entachera la couche supérieure. S' il fait plus sombre en dessous, vous obtiendrez probablement une partie de cette couleur dans votre deuxième calque. Comme maintenant, j'ai du rouge dans mon jaune. Il est généralement toujours plus facile d'utiliser une couleur plus foncée que ce qui est utilisé dans la première couche. Ajout de la couleur gratuite sur le dessus, il est assez léger. Je peux à peine le voir. Je veux dire, d'où je suis assis, ça a l'air un peu brunâtre. C' est une façon de superposer, en ajoutant simplement une couleur sur l'autre. Cela peut être très utile si vous peignez des visages, par exemple. Vous voulez faire peut-être couche de lumière d'abord, puis ajouter quelques détails du visage sur le dessus. C' est une très bonne façon de le faire. Ensuite, nous pouvons utiliser la superposition monochrome. C' est essentiellement là que vous utilisez, comme j'ai ici une orange très claire et je prends cette même orange mais de la manière la plus saturée. Je vais juste aller sur le dessus à nouveau, afin que je puisse ajouter plus de détails sur la surface inférieure avec la même couleur. Vous n'avez pas toujours besoin de changer de couleur juste pour ajouter plus de détails à quelque chose. Encore une fois, nous pouvons faire la même chose avec le vert. C' était le vert clair et l'ajout de la version saturée sur le dessus. Si vous ne saturez pas trop votre couleur supérieure comme ici, vous pouvez en fait faire quelques finitions assez subtiles avec cela, ce qui je pense est vraiment beau. J' utilise souvent cette technique juste pour ajouter des détails sur ce que je peins. Par exemple, si j'avais un récipient en céramique lente et que je veux ajouter quelques embellissements, je le fais parce que la surface est aussi agréable et sèche, elle ne se relâche pas. Vous pourriez vraiment peindre une toute autre peinture en plus de ce que vous avez déjà. J' aime vraiment créer de la texture en faisant ces petits points, ce qui est similaire au pointillage. Parfois, il est juste agréable d'ajouter ces petits détails pour briser l'apparence de la peinture. Vous pouvez simplement jouer avec des formes. C' est aussi beau quand une partie de quelque chose chevauche une forme et ne le fait pas de l'autre. Ensuite, si vous avez un blanc très opaque dans votre palais, vous pouvez même voir ce qui se passe lorsque vous ajoutez du blanc à une couleur plus foncée. C' est aussi de la peinture à l'aquarelle. Si vous vouliez vraiment ajouter du blanc très opaque, vous pouvez même utiliser d'autres peintures. Utilisez de la gouache, de l'acrylique pour colorer. Cela quand il sèche, il est absorbé par la couleur ci-dessous à nouveau. Vous devrez peut-être ajouter plusieurs couches. Encore une fois, si vous voulez quelque chose de très subtil, c'est aussi une bonne chose à faire. Ce sont quelques-uns des effets de superposition que j' utilise que j'aime juste rendre mon travail un peu plus riche. Pour résumer, nous avons appris trois nouvelles techniques que nous pouvons utiliser avec l'aquarelle, leurs gradients, la superposition et la juxtaposition monochrome. Maintenant que nous avons creusé dans les couleurs et que nous avons nos palettes et que nous avons appris les bases de l'aquarelle, et que nous avons nos effets pour créer de belles textures, nous pouvons maintenant commencer à peindre nos personnages fantaisistes. 12. Peindre 1: Nous avions donc mis de côté nos objets de croquis pendant un certain temps afin que nous puissions en apprendre davantage sur la couleur et l'aquarelle. Maintenant que c'est fait et que nous avons toutes ces nouvelles compétences et notre palette de couleurs, nous pouvons maintenant commencer avec la peinture. Essayons pour chaque objet que nous peignons d'appliquer les trois effets que nous avons appris, et d'utiliser la plupart des couleurs de notre palette de couleurs cinq plus noir et blanc. Je vais passer par la façon dont j'ai peint mes trois objets. Dans cette leçon, nous allons passer par la première. Donc, même si maintenant nous attaquons l'œuvre finale, essayez toujours de la traiter comme une expérience. Restez ludique, restez détendu tout en le faisant. Sonne un peu ennuyeux, mais je me sens toujours comme les sentiments que vous avez pendant que vous peignez, comme la joie et juste ludique en fait peut être vu dans le résultat de la peinture. Alors amusez-vous. Choisissez le caractère que vous voulez commencer à peindre, placez-le sur votre boîte lumineuse, puis votre papier aquarelle sur le dessus. Pour le garder en place, je vais utiliser une cassette. Il peut être utile de déjà mettre la Lightbox sur. Cet objet est assez petit donc il n'y a pas de risque que nous le couvrons avec la bande, c'est quand vous avez quelque chose de plus grand pour que vous puissiez voir ce que vous faites. Cela nous aidera à garder notre peinture en place parce que nous allons colorier dans notre croquis essentiellement, et avec l'eau, le papier va bouger un peu et bien sûr, vous pouvez aussi simplement déplacer le papier donc au moins cela garantit qu'il restera en place. Nous allons essayer d'appliquer les trois effets que nous avons appris dans chaque peinture, dégradés, juxtaposition et superposition tout en utilisant la palette que nous avons créée. Jetez donc un oeil à votre peinture avant de commencer, juste pour voir où vous voulez utiliser quelle couleur et quel effet. Je pense à utiliser un gradient sur le corps. Peut-être du rose pour la jambe au brun et au brun sur le dessus. Je pense peut-être rose pour les lèvres, et tous les détails, je vais utiliser les couleurs restantes, qui sont jaune et bleu. L' intérieur de la bouche, je veux utiliser principalement le rouge dans différentes nuances, puis les détails seront noirs. Alors continuons. Comme nous l'avons appris, je fais maintenant mon dégradé, arrachant la couleur autant que possible. J' ajoute maintenant une deuxième couleur ici. On va le rendre un peu plus sombre ici. Donc, vous pouvez voir qu'en fait, nous mélangeons deux types de gradients. C' est d'une part, un dégradé monochrome. Donc, du rose foncé au rose clair et brun foncé au brun clair puis sur le dessus, du rose au brun. Partie supérieure, je veux faire juste d'un dégradé brun monochrome à brun clair. Je vais retourner mon dessin parce que ça doit sécher et je ne veux pas mettre ma main dedans. Commençant lentement à alléger cette couleur brune. Je vais ajouter beaucoup d'eau maintenant, rendre vraiment légère parce que je vais remplir ça, parce qu'il y a beaucoup de sections à peindre. En raison de tous les détails, nous prendrons un peu de temps et pour que tout s'intègre à la fin. Juste pour faire accentuer la caractéristique spéciale ici, sorte que le cou est visible. J' aime peindre les orteils laissant ceux-ci entre libre et aussi, il a un peu de temps pour sécher. C' est donc encore une fois l'idée de la juxtaposition. Si je les laisse sécher un peu avant de les colorer, on aura une belle petite frontière entre eux. Si je les colore l'un après l'autre, alors que tout est encore assez humide, il va fondre ensemble et il deviendra juste un gros blob. Donc oui, vous devez souvent attendre un peu que les choses sèchent, mais vous pouvez aussi utiliser ce temps pour peindre tous les morceaux ou simplement faire quelque chose d'autre complètement. Donc, pendant que cela sèche, je vais juste travailler sur les yeux un peu comme définir la forme un peu mieux. Si je viens de mouiller mon pinceau, je peux mouiller aussi la peinture nouveau et juste l'utiliser pour définir la forme, manière plus précise sans ajouter de nouvelle couleur. Chaque fois que vous en avez besoin, vous pouvez simplement utiliser une feuille de papier supplémentaire. Voyez à quel point votre peinture est saturée sur le pinceau pour vous assurer que vous avez la bonne saturation. Maintenant, j'ai décidé de simplifier un peu la bouche. J' avais aussi fait des dents en bas, mais c'était un peu trop bondé. J' ai donc pris la décision de garder les dents supérieures. C' est quelque chose que vous pouvez bien sûr faire une fois que vous peignez et que vous voyez quelque chose est trop ou que vous n'aimez pas vraiment ça. Vous pouvez toujours le changer. Peut-être que vous pouvez vous en souvenir, mais sur mon objet il y avait des motifs. Je les ai gardés un peu pour le nez, pensant maintenant que ça pourrait être agréable de les ajouter sur le dessus. Pour le rendre un peu plus comique, j'ai envie d'ajouter quelques petits poils sur la jambe. Donc nous avons peint notre premier personnage. Nous avons utilisé tous les effets que nous avons appris et essayé de garder une position détendue pendant la peinture. Passons aux deux suivants. Je vais vous montrer dans la prochaine leçon ce que j'ai fait avec mes deux objets restants, et n'oubliez pas de poster vos premiers résultats déjà dans la galerie. 13. Peindre 2: Dans la session précédente, nous avons peint nos premiers objets, nous allons maintenant continuer avec les deux autres. Nous allons continuer à appliquer les faits et le palais, en gardant le même état d'esprit. Alors que nous utilisons toutes les mêmes choses, nous allons essayer de les faire paraître un peu différents. Ils seront tous uniques, mais font toujours partie de la série. Je vais maintenant vous montrer ce que j'ai fait avec mes deux personnages restants. Pour celui-ci parce que je n'ai pas utilisé beaucoup de rouge, je pense que ce sera la couleur principale. Encore une fois, je veux avoir des gradients et des jambes. Peut-être juxtaposition avec l'eau dehors. Je vais rester sur un gradient monochrome ici, donc je passe du rouge foncé au rouge clair. Tracer légèrement les formes. Soyez agréable à la façon dont la couleur a changé vers le haut. Je cherche un joli jaune sprite. Je vais rendre l'intérieur de la bouche brune. Souviens-toi qu'il y avait des petites dents ici. Je vais le garder blanc. arrière-plan semble être sec, je peux maintenant faire le contour. Je pense que ce serait bien d'inverser le jaune et le rouge ici, alors commencez par le jaune, dessinez un dégradé en rouge en haut. Il y aura toujours des aquarelles symétriques, parfaites. C' est aussi le charme de ça. J' ai mis de l'eau sur mon tableau. J' essaie de l'imprégner sans trop déplacer le peintre. Nous pouvons aussi simplement le laisser sécher. Une partie des déversements, vous pouvez vraiment vous en sortir avec beaucoup d'eau. Parfois, il est plus facile de le laisser sécher un peu d'abord. Ces choses arrivent. Si des erreurs se produisent, il suffit de les intégrer dans votre peinture, d'en tirer le meilleur parti. Ce n'est pas vraiment une erreur si tu le fais toujours bien à la fin. Il me manque les pupilles aux yeux. On n'a pas vraiment utilisé de superposition ici, sauf pour les yeux. Mais j'aime bien le dessin tel qu'il est, donc j'ajouterai la touche finale à la langue, et je pense que nous avons fini. 14. Peindre 3: Mon personnage de théière est le plus grand que j'ai et l'un des plus détaillés. Je pense que ce serait le parfait pour vraiment essayer tous ces effets à nouveau et utiliser toutes les couleurs de la meilleure façon possible. Je pense à rendre le corps principalement bleu, avec du bleu et du brun pour les plumes, puis dans les pieds et le bec, utiliser les autres couleurs chaudes, le rouge et le jaune et un peu de brun, peut-être le rose peut venir à nouveau dans les joues et dans ces pétales fleuris. Ce sera vraiment l'occasion d'essayer la juxtaposition monochrome et les gradients. Voyons comment ça se passe quand je commence à peindre. Je vais commencer par la plus grande surface, juste l'arrière-plan. Paint joue tandis que la peinture est humide afin qu'elle puisse fusionner plus en arrière-plan, et je suis tout à fait bien avec juste le laisser devenir fou. Pendant que je fais l'arrière-plan, j'essaie vraiment de chercher la structure d'une théière. Les zones qui sont plus dans la courbe, un peu plus en dessous, je les rend plus sombres, donc vous avez ce sens d'un peu de tridimensionnalité. Nous avons beaucoup de lumière dans cette vidéo, donc vous pouvez voir ce que je fais, mais quand vous peignez vos propres personnages, vous voudrez peut-être réduire la lumière un peu voir les lignes de votre croquis sur le light box un peu plus facile. N' allez pas trop sombre pour que vous puissiez toujours voir vos couleurs, mais un peu plus sombre aide certainement. Maintenant, ici, il y a une piscine d'eau et la couleur s'est assemblée. Je vais le siphonner légèrement avec ma brosse parce qu'il faudrait beaucoup de temps pour sécher, et en fait je ne voulais pas que autant de bleu soit à la surface. Avant de pouvoir continuer dans ce domaine, il faut que cela sèche maintenant. Pendant ce temps, les pieds ne touchent pas le fond bleu, donc je peux déjà commencer à les peindre. Parce qu'ils sont plus petits, je vais utiliser un petit pinceau aussi. C' est à sécher aussi maintenant. Je pense que cette zone a l'air assez sèche, donc je vais continuer avec le bec. Là, je veux faire un gradient du rouge au jaune, peut-être avec un peu de brun au début du bec. Avec cela, je pourrais ajouter après. Je vais commencer par le rouge. Je vais attendre que cela sèche avant de pouvoir continuer avec la narine et la bouche et l'ouverture à la pointe du bec. Il y a beaucoup de séchage en ce moment, je pourrais faire la pupille, l'iris de l'œil. Sur mes pattes de poulet ou d'oiseau, j'ai beaucoup de plumes et je veux les faire brunir jusqu'ici. Ce sera un mélange de gradients et de juxtaposition monochrome. Encore une fois, nous ne voulons pas que ces surfaces se touchent parce qu'elles doivent sécher avant de pouvoir continuer. Vraiment m'assurer que je veux toujours continuer à peindre, mais m'assurer de ne pas prendre des plumes qui sont vraiment à côté de l'autre. J' ai fait la pointe de cette plume un peu plus sombre que je le voulais, donc avec mon pinceau et un peu d'eau, j'essaie d'enlever un peu de couleur en excès. A partir de là, j'aimerais que mes plumes deviennent lentement bleues. La couche suivante, je vais faire dégradé du brun au bleu. Parce que ce brun est très proche de l'orange, quand il rencontre le bleu, c'est un peu comme ce que nous avons vu avec les dégradés orange et bleu. Il crée une couleur brunâtre grisâtre kaki au milieu. Mais je pense qu'il va vraiment bien maintenant aussi avec eux étant des plumes. On dirait qu'ils ont séché, donc on peut continuer cette fin. Vous avez maintenant peint vos trois personnages fantaisistes. Vous avez maintenant trois tsukumogamis, ou des monstres, ou des fantasmes, ou tout simplement des objets drôles. Félicitations. Dans la leçon suivante, nous allons examiner les résultats et terminer cette classe. 15. Conclusion: Félicitations encore pour la finition de vos œuvres. Comment ont-ils l'air tout à fait ? Si vous aimez faire ces personnages, pourquoi ne pas en faire un défi quotidien ou hebdomadaire ? Vous pourriez également décider de faire tsukumogami possession comme ceci. Nous avons parcouru tout, de l'inspiration, de recherche de nos matériaux, de l'esquisse, transformation, de l'apprentissage de la théorie des couleurs, de l'apprentissage des bases et des effets de l'aquarelle, puis de la peinture. Plus important encore, nous avons utilisé notre imagination et notre créativité, je produit quelque chose d'unique. Quelle que soit l'œuvre d'art que vous faites, quel moyen vous utilisez, essayez simplement de vous souvenir d'explorer des expériences, être ludique, de vous amuser avec elle. n'y a pas de bien ou de mal, l'important est de trouver un moyen de travailler qui vous convient le mieux et qui fait briller votre art. Suivez-moi et mon travail sur Instagram ou sur mes sites web, et soyez au courant de toutes les nouvelles classes. Ce serait génial si vous pouviez partager vos œuvres dans l' onglet Projets et ressources afin que nous puissions tous avoir un regard et être inspirés les uns par les autres. J' espère que vous avez apprécié la classe. Merci beaucoup d'avoir suivi, et à la prochaine fois.