Helleboré à l'aquarelle : fleur réaliste étape par étape

1. Introduction: Bonjour, et bienvenue sur ce tutoriel alibar. Dans ce cours, je vais vous guider étape par étape dans la peinture cette magnifique fleur pleine de violets profonds et de verts riches et luxuriants Ce projet est un peu plus avancé, mais quel que soit votre niveau de compétence, vous pouvez l'essayer, surtout si vous êtes d' humeur à relever un défi léger. Explorez de magnifiques combinaisons de couleurs et apprenez à mélanger ces violets foncés profonds à d' autres tons vifs et éclatants qui donnent vie à cette fleur Vous vous entraînerez également beaucoup avec la technique humide sur mouillé que nous utiliserons sur l'ensemble des pétales pour créer des transitions douces et de la profondeur. C'est une peinture plus exigeante qui demande de la patience, un peu de précision et du courage avec la couleur. Mais si vous prenez votre temps et suivez le processus, je suis sûr que vous serez vraiment fier de ce que vous créez. Il y a tant de beaux détails à apprécier en cours de route, les délicates veines des pétales et ce joli contraste entre les étamines claires et le centre plus foncé de la fleur C'est l'une de ces peintures qui prend du temps, mais c'est incroyablement gratifiant de les voir s'assembler lentement. Je vous montre étape par étape comment aborder un sujet plus complexe comme celui-ci. Bien sûr, cela pourrait être simplifié, mais dans ce didacticiel, nous allons ralentir, observer attentivement et nous concentrer sur la construction de notre peinture avec intention. Nous ne nous précipiterons pas, prenons-le couche par couche. Pour rendre les choses plus faciles et plus relaxantes, j'ai divisé ce didacticiel en parties plus petites afin que vous puissiez le parcourir confortablement et à votre rythme, construisant progressivement la peinture section par section. J'espère que vous vous sentez inspirée et excitée à l'idée de commencer. Rassemblez vos fournitures, respirez profondément et commençons à peindre ensemble. 2. Projet et ressources: J'ai préparé une sélection de ressources utiles pour votre projet, disponibles dans la section projet et ressources. Vous trouverez un fichier PDF contenant la liste des fournitures que j'ai utilisées pour cette peinture, ainsi qu'une photo de référence et une image de mon œuvre terminée à titre indicatif. Des dessins au trait de différentes tailles sont également fournis afin que vous puissiez les imprimer et les transférer sur votre papier aquarelle au format qui correspond le mieux à vos besoins De plus, vous trouverez des photos de l' avancement des travaux pour vous aider à suivre le processus et à vous concentrer sur des domaines spécifiques. N'hésitez pas à explorer ces matériaux et à les utiliser pour créer votre propre peinture unique et magnifique. Veuillez partager votre peinture finale dans la section des projets et des ressources. Je vous encourage également à prendre le temps de visionner travail de chacun dans la galerie de projets étudiants. C'est toujours une source d'inspiration de voir ce que les autres créent, et le soutien de vos camarades peut être incroyablement réconfortant. N'oubliez pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. Enfin, je vous recommande vivement de regarder chaque leçon avant de commencer à peindre. Cela vous permettra de bien comprendre à quoi vous attendre à chaque étape du didacticiel. Si vous trouvez ce cours utile, je vous serais très reconnaissant de bien vouloir laisser un commentaire honnête. Vos commentaires m'aideront à améliorer mon contenu et aideront les autres étudiants à décider de rejoindre ce cours. Merci d'avance. 3. Plan de peinture: Avant de passer au processus de peinture, prenons un moment pour examiner le sujet dans son ensemble et discuter du plan. Je pense que nous pouvons tous convenir que la palette de couleurs la photo de référence est absolument magnifique, et c'est ce qui m' a immédiatement attirée vers cette fleur. La combinaison du violet foncé, des roses tendres ces verts éclatants et juteux est tout simplement époustouflante, et je savais que cela se traduirait merveille dans une aquarelle Les violets foncés sont particulièrement frappants. Même s'il peut parfois être difficile d'obtenir des couleurs riches et profondes à l'aquarelle, dans ce cas, je me suis sentie assez confiante J'ai tout de suite pensé à utiliser des mélanges avec des peintures grises, en particulier des combinaisons de magenta et alizarin cramoisi avec du gris Pains pour créer ces tons veloutés profonds faisait un moment que je voulais explorer ces combinaisons de couleurs, donc c'était l'occasion idéale. L'éclairage de la référence est également agréable avec des reflets lumineux et des ombres fortes. Ce type de contraste en fait un sujet idéal pour l'aquarelle En y regardant de plus près, j'ai remarqué qu'il y avait beaucoup de détails complexes. À ce moment-là, j'ai dû décider dans quelle mesure je voulais simplifier. La simplification peut impliquer non seulement de peindre des objets de manière plus souple, mais également de supprimer des éléments qui ne sont pas essentiels Dans ce cas, j'ai choisi de garder une bonne partie des détails car je pensais que cela en valait vraiment la peine. Je voulais que ce soit une étude plus détaillée, quelque chose qui nous permette de ralentir et de prendre vraiment plaisir à observer et à peindre toutes ces belles structures. En même temps, je voulais toujours que cela ressemble à une peinture, pas à une photo. Donc, même si je n'ai pas beaucoup simplifié en termes de détails, j'ai simplifié la composition. Si vous comparez la photo de référence à la peinture terminée, vous remarquerez que j'ai retiré les fleurs floues en arrière-plan ainsi que les étamines séchées posées sur les pétales J'ai pensé que ces éléments n'étaient pas nécessaires, mais bien sûr, si vous les aimez, vous pouvez tout à fait les inclure dans votre propre version. Pour aider à visualiser la composition finale, j'ai ouvert la photo de référence dans l'application Adobe Fresco sur mon iPad et j'ai fait quelques expériences J'ai retiré le fond et peint un plus simple numériquement. J'ai essayé quelques options, notamment un arrière-plan plus clair, mais j'ai finalement choisi un fond plus foncé. fond plus foncé aide vraiment à faire ressortir la lumière dans les pétales et crée un contraste plus fort avec les fleurs et les feuilles. La répétition de certaines des couleurs principales de la fleur en arrière-plan permet également de maintenir la composition des couleurs harmonieuse sans détourner l'attention du sujet principal Ensuite, j'ai pensé au liquide de masquage. J'utilise souvent du liquide de masquage sur les bords du sujet principal afin de pouvoir peindre l'arrière-plan plus librement, mais pas toujours Dans ce cas, j'ai d' abord rempli les espaces négatifs de mon dessin au trait avec une couleur plate , juste pour voir clairement les formes. Cela m'a permis de constater que les zones de fond entre les pétales et les feuilles sont en fait assez simples. C'est pourquoi j'ai décidé de peindre confortablement autour d'eux sans utiliser de liquide de masquage Cependant, les étamines au centre sont une autre histoire. Si nous essayions de peindre soigneusement chaque petite forme, cela interromprait le flux, en particulier lorsque vous travaillez avec doux ou humide sur les pétales Ici, l'utilisation d'un liquide de masquage est donc parfaitement logique. Cela nous permet de peindre les pétales librement et en toute confiance sans nous soucier de préserver ces petits détails Dans ce tableau, les étamines sont donc le seul endroit où j' appliquerai du liquide de masquage Après avoir pris ces décisions, j'ai passé du temps à planifier l'ensemble du processus. Que peindre en premier, qu'est-ce qui va suivre, quelles couleurs utiliser et comment créer les couches. Cette étape de planification peut parfois prendre un certain temps. Et dans ce cas, cela m' a pris quelques jours. Une fois que j'ai un plan clair en tête, le processus de peinture devient beaucoup plus détendu et agréable. Voici donc comment nous allons aborder ce tableau étape par étape. Nous allons commencer par appliquer un liquide de masquage pour protéger les étamines, puis commencer par le fond Ensuite, nous allons peindre les feuilles en trois étapes une première couche, une deuxième couche pour approfondir les couleurs et enfin les détails. Nous passerons ensuite aux sépales, suivant le même processus en trois étapes Ensuite, nous passerons du vert au violet et nous peindrons les bourgeons en deux étapes Ensuite, nous allons commencer à travailler sur les pétales. Tout d'abord, nous allons appliquer une couche de base sur chacun d'entre eux. Ensuite, nous approfondirons les couleurs en deux tours afin de pouvoir peindre des pétales alternatifs sans perturber les couches précédentes. Une fois que nous aurons une base solide, nous ajouterons les belles veinures et les détails les plus fins. Enfin, nous retirerons le liquide de masquage et nous nous concentrerons sur les déclarations, la partie la plus délicate et la plus complexe, et achèverons l'ensemble du tableau Comme vous pouvez le constater, plusieurs étapes sont nécessaires. C'est donc une excellente occasion de pratiquer les patients. Prends ton temps, et je te promets que ça en vaut la peine. Divisez intentionnellement le processus en parties plus petites afin que vous puissiez le suivre confortablement et faire des pauses chaque fois que vous en avez besoin. Vous n'êtes pas obligé de terminer ce tableau en une seule séance, et il est fort probable que vous ne le ferez pas, c'est tout à fait normal. Ce n'est pas une course et il n' y a aucune pression pour se précipiter. Que ce soit une expérience calme et agréable, une occasion de ralentir, de vous concentrer et de passer du temps significatif avec vos peintures. Essayez de considérer ce projet comme un projet plus long et plus immersif, une chance de mettre en pratique vos techniques, gagner en confiance et simplement profiter du processus de peinture. Et juste pour cette fois, permettez-vous de vous éloigner de tout le reste. Lâchez les distractions, relâchez la pression et concentrez-vous sur ce moment de calme et de créativité. J'espère que vous êtes prêt maintenant car dans la prochaine partie, nous allons commencer par appliquer le liquide de masquage 4. Appliquer le fluide de masquage: Avant de commencer à appliquer le liquide de masquage, j'aime éclaircir doucement dessin au crayon à l'aide d'une gomme pétrie Une gomme à effacer malaxée est souple et souple. Vous pouvez le façonner en rouleau et le déplacer légèrement sur le dessin. Il soulève l'excès de graphite et adoucit les lignes sans les éliminer complètement. aime particulièrement le faire lorsque je peins des zones plus claires, et ici je me concentrerai principalement sur l'éclaircissement des étamines Pour le masquage, j'utiliserai le liquide de masquage Windsor Newton, qui a une teinte jaune Au lieu de travailler directement à partir du flacon, j'en verse une petite quantité dans le bouchon d' un vieux flacon de liquide de masquage, juste assez pour ce dont j'ai besoin Gardez également un petit morceau de savon à proximité, ce qui est très important lorsque vous appliquez du liquide de masquage avec un pinceau Pour cette étape, j' utilise toujours un pinceau peu coûteux. Le liquide de masquage peut être très agressif pour les poils, c'est pourquoi je garde généralement quelques pinceaux synthétiques bon marché juste à Utilisez également un petit récipient d'eau séparé pour rincer le pinceau Je n'utilise jamais mon eau de peinture principale. Je commence par verser une petite quantité de liquide de masquage dans le gobelet puis je ferme immédiatement le flacon Cela permet d'éviter qu'il ne se dessèche et de le garder utilisable plus longtemps. J'évite également de plonger mon pinceau directement dans le flacon car cela est moins pratique et expose le liquide à l' air trop longtemps. Avant de prélever le liquide de masquage, je plonge mon pinceau dans l'eau propre et je le frotte doucement sur le savon Cela crée une couche protectrice sur les poils et aide à empêcher de coller ensemble. Et ne vous inquiétez pas, le savon n' affectera pas votre papier ou votre peinture plus tard. Je peux maintenant plonger le pinceau dans le liquide de masquage et commencer à l'appliquer Prenez votre temps ici et essayez de respecter les lignes du crayon. Il s'agit d'une petite zone avec des détails complexes, elle nécessite donc un peu de précision Il faut faire attention car une fois le liquide de masquage retiré, les bords seront très visibles, d' car une fois le liquide de masquage retiré, les bords seront très visibles, autant plus que les étamines seront entourées de tons beaucoup plus foncés Dans le matériel pédagogique, vous trouverez une illustration montrant exactement où j'ai appliqué le liquide de masquage, ce qui devrait être utile comme guide Il n'est pas nécessaire de précipiter cette étape. C'est le seul endroit ce tableau où le liquide de masquage est vraiment nécessaire, sauf si vous décidez de masquer également les bords des pétales et des feuilles Si vous le souhaitez, c' est le moment de l'appliquer. Une fois que vous avez terminé, rincez soigneusement votre brosse à l'eau et nettoyez-la à nouveau avec du savon. Cela permettra de maintenir les poils en bon état. Sans savon, le liquide de masquage va les sécher et les coller ensemble. Laissez maintenant le liquide de masquage sécher complètement et naturellement Une fois qu'il sera sec, nous passerons à la peinture du fond. 5. Arrière-plan: Le liquide de masquage est maintenant complètement sec, nous pouvons donc passer à la peinture du fond Avant de commencer et aussi de temps en temps pendant la peinture, j'aime vaporiser légèrement mes peintures avec de l'eau propre à l' aide d'un vaporisateur. Cela aide à les adoucir et à obtenir plus facilement une couleur plus fluide et plus facile à travailler Commençons par préparer nos mélanges. Pour cela, j' utilise généralement un pinceau plat, juste un simple pinceau synthétique peu coûteux. Cela permet de récupérer beaucoup plus rapidement de grandes quantités de peinture dans les puits et de les transférer vers la zone de mélange. Le premier mélange que nous allons préparer est quinacrodon magenta avec des peintures grises J'aimerais mentionner que mon quinacrodon magenta est fabriqué avec le pigment PR 122, qui est une version très brillante Certaines peintures de différentes marques portent le même nom de cette couleur, mais elles sont fabriquées avec le pigment P V 19. Et celui-ci a tendance à être légèrement plus sombre et plus discret. Donc, si vous souhaitez obtenir des résultats similaires, assurez-vous d'avoir le pigment PR one, 22. Ce mélange donne déjà un violet foncé, mais j'aimerais le décaler légèrement. Je vais donc ajouter une touche de pourpre lazaren permanent. Cela déplace légèrement la couleur vers le rouge et crée un violet vraiment riche et magnifique. Pour les verts, j' utiliserai un mélange d'or vert, peinture grise et de teinte jaune vert Windsor. Ce sera mon vert de base. Je peux facilement l'ajuster, en ajoutant plus d' or vert pour des tons plus chauds et plus clairs ou plus peinture grise pour un vert plus foncé plus foncé. Je vais commencer à peindre dans la partie supérieure où nous avons deux petites formes de fond. Ensuite, je vais me déplacer vers le bas le long du côté gauche , puis nous allons peindre le côté droit de haut en bas. Je vais légèrement faire pivoter le tableau pour rendre cette première zone plus confortable à atteindre. Il s'agit d'un petit ajustement, mais il aide vraiment à contrôler, en particulier dans ces espaces restreints Pour cette partie, j' utiliserai un pinceau taille 6. Je peins ici mouillé et sec, en remplissant simplement ces petites zones d'un vert foncé. Maintenant, je vais passer à un pinceau six à dix et passer à la plus grande section d'arrière-plan sur la gauche. Je vais commencer par le vert , puis progressivement passer au violet Vous remarquerez peut-être que je continue à travailler mouillé sur sec, ce qui n'est pas mon approche habituelle pour les arrière-plans. Normalement, je préfère le mouillé sur le mouillé pour des transitions plus douces et plus douces. Et si vous aimez cette technique, n' hésitez pas à l'utiliser ici. Il n'y a absolument rien de mal à cela. Cette fois, j'ai choisi le sec et le humide pour deux raisons. abord, je savais que la fleur elle-même prendrait beaucoup de temps à peindre à cause de tous les détails. Je voulais que l' arrière-plan soit relativement simple et rapide. Mouiller et sécher est plus rapide car il n'est pas nécessaire d'appliquer une première couche d'eau. Et la deuxième raison est qu' il est plus facile d'obtenir immédiatement des tons plus foncés. Lorsque nous peignons mouillé sur mouillé, la couche d'eau supplémentaire dilue le pigment et une fois que tout est sec, les couleurs peuvent apparaître plus claires que prévu Cela peut impliquer d'ajouter une autre couche ultérieurement. Ici, je voulais atteindre ces tonalités profondes en une seule fois. Bien entendu, le compromis est que l'humidité et sec peuvent entraîner des transitions moins fluides. Vous remarquerez peut-être de légères incohérences, et c'est parfaitement normal Cela ne me dérange pas ici, car c' est naturellement la fleur qui attirera le plus l'attention. Sur le côté gauche, je passe d'un vert foncé à un violet riche, puis un magenta quinacrédon plus propre Même si les couleurs semblent assez foncées, j'utilise toujours une bonne quantité d'eau dans mes mélanges. Cela permet de garder la peinture humide plus longtemps, faciliter le mélange et de créer des transitions plus douces. Aujourd'hui, il fait assez chaud ici où je peins, donc la peinture sèche rapidement. Je sais que cela peut créer quelques zones inégales, mais je suis heureuse de l'accepter. Utilisez également des violets et des magentas en arrière-plan pour faire écho aux couleurs du sujet principal Cela crée un lien agréable entre la fleur et le fond, ce qui rend l'ensemble du tableau plus cohérent Le violet en arrière-plan peut aussi malheureusement suggérer d'autres fleurs au loin sans qu'il soit nécessaire de les peindre en détail. Ensuite, je vais peindre les plus petites sections en bas, puis passer à la partie supérieure droite. Ici encore, je commence par vert, puis je passe au violet. J'essaie de mettre un peu de violet entre les feuilles, afin d'obtenir plus tard un beau contraste entre les formes vertes et le fond. Une fois toutes les sections remplies, nous laisserons le tout sécher complètement. Et lorsque le fond sera complètement sec, nous passerons à la peinture des feuilles. 6. Feuilles - Couche initiale: Le fond est maintenant complètement sec, nous pouvons donc commencer à peindre les feuilles. Je vais commencer par nettoyer le côté gauche de ma palette pour préparer des couleurs fraîches et pour que vous puissiez voir clairement ce que je mélange. Pour cette étape, je pense qu'un pinceau taille 8 fonctionnera très bien. Pour les verts, j'ai décidé d'utiliser un mélange de jaune transparent et de bleu-vert Windsor. La raison de ce choix est que les feuilles présentent une gamme de teintes allant des verts jaunâtres plus chauds aux tons plus froids et plus bleutés. Vous pouvez même remarquer des notes de bleu dans les sépales Cette combinaison permet donc de maintenir l'harmonie sur le tableau J'aime créer une petite gamme de couleurs sur ma palette, un mélange équilibré des deux couleurs du milieu. Plus de bleu ajouté d'un côté et plus de jaune de l'autre. De cette façon, je peux facilement choisir la teinte exacte dont j'ai besoin pour le moment. Je vais commencer par la feuille de gauche. Vous pouvez voir qu'il comporte deux zones de couleur distinctes, un vert plus jaune d' un côté et un vert bleuté plus froid de l'autre Pour que ces couleurs restent propres et fraîches, je vais d'abord peindre un côté, puis revenir sur l'autre côté une fois qu'il sera sec. Je vais commencer par prendre un mélange avec plus de jaune et l'appliquer humide sur sec. Pendant qu'il fait encore humide, je vais ajouter un peu plus de vert moyen pour créer une variation douce. Je vais maintenant passer à la feuille suivante, où je vais appliquer une couleur similaire sur un côté et introduire doucement un vert légèrement plus riche le long de la nervure centrale. À ce stade, nous établissons simplement les couleurs de base. Il n'est pas encore nécessaire de se concentrer sur les détails. Nous voulons simplement recouvrir toutes les feuilles de leurs tons verts généraux. Ici, je vais commencer par le vert moyen, puis introduire du jaune plus transparent le long du bord. Le jaune transparent est une belle couleur éclatante qui se marie très bien avec les autres couleurs Si vous l'avez, je vous recommande vivement de l'utiliser. Sinon, vous pouvez créer un effet similaire en mélangeant un jaune froid avec un jaune chaud, en gardant le mélange légèrement sur le côté couleur. Par exemple, vous pouvez mélanger le jaune Windsor avec le jaune Windsor profond. Pendant que je peins, j'essaie de ne pas peindre la veine centrale pour le moment car elle est assez proéminente et nous la définirons plus clairement plus tard Pour créer un vert plus foncé, je vais mélanger le jaune transparent et le bleu-vert Windsor avec une teinte plus foncée. Ici, j'utilise un peu de violet, mais les peintures grises seraient en fait une option encore meilleure. Je vais continuer à appliquer ces couleurs de base sur toutes les feuilles, en observant toujours les variations entre les verts plus chauds et les verts plus froids et en essayant de préserver les nervures principales. C'est un excellent exercice d'observation et de mélange des couleurs, car il y a une telle variété de légumes verts dans les feuilles. Mais n'oubliez pas que la précision des couleurs est moins importante que les valeurs tonales Même si vos greens ne correspondent pas parfaitement à la référence, ce qui compte vraiment, c'est de savoir s'ils sont suffisamment clairs ou foncés aux bons endroits. Lorsque vous travaillez sur cette couche initiale, qu'il s'agisse des feuilles, des sépales ou plus tard des pétales, il est utile d'imaginer qu' il n'y a pas encore d'ombres ni de détails Vous pouvez même plisser les yeux devant votre référence pour simplifier ce que vous voyez Nous cherchons juste la couleur générale générale. Considérez cette couche comme une base ou une carte de couleurs. Il n'est pas nécessaire qu'il fasse nuit. Nous augmenterons progressivement la profondeur dans les couches suivantes. Pour le moment, concentrez-vous sur l'identification d'une zone plus jaune ou bleue et ajustez vos mélanges en conséquence. Une fois la première couche sèche, je reviendrai sur la feuille initiale et je peindrai le second site d' un vert plus bleuté plus froid Je vais également peindre la petite feuille en bas. J'ai juste eu besoin d'attendre un moment que la zone ci-dessus sèche légèrement avant de continuer. Pour accélérer les choses, je vais sécher doucement cette couche avec un sèche-cheveux, puis terminer les dernières sections restantes. L'une d'elles est plus jaune, et pour la dernière zone, je vais mélanger un vert plus clair avec une subtile touche de violet. Maintenant, la couche de base est appliquée sur toutes les feuilles. Laissez tout sécher complètement et à l'étape suivante, nous commencerons à construire la deuxième couche. 7. Feuilles - Approfondir les couleurs: Cette partie sera très similaire à la précédente. Nous utiliserons les mêmes couleurs, mais l'objectif est légèrement différent. Nous voulons maintenant approfondir les couleurs. Cela signifie les rendre plus intenses, plus saturés et, dans certaines zones, plus sombres. Vous vous demandez peut-être pourquoi nous ne l'avons pas fait tout de suite dans la première couche, et c'est une très bonne Bien entendu, nous pourrions essayer de tout réaliser en une seule fois. Mais l'effet serait différent, pas radicalement différent, mais suffisamment pour que je préfère de loin construire la couleur progressivement en couches. L'aquarelle étant transparente, une seule couche laisse toujours apparaître une partie du papier blanc Cela peut rendre la couleur plus claire et moins profonde. Mais une fois que nous avons une couche de base, ajout d'une autre couche transparente sur le dessus augmente la richesse et la profondeur, car nous ne peignons plus directement sur du papier blanc. C'est pourquoi créer de la couleur avec des couches est si efficace. Cela prend un peu plus de temps, mais cela en vaut vraiment la peine. Un autre avantage est le contrôle. À chaque nouvelle couche, nous pouvons ajuster en douceur la couleur et les valeurs du tunnel, en apportant de petites améliorations au lieu d'essayer de tout rendre parfait en une seule fois Pour cette étape, je vais travailler mouillé sur mouillé. Et j'expliquerai pourquoi au fur et à mesure. Je vais commencer par appliquer une fine couche d' eau propre sur une section, puis je vais ajouter la couleur. Il y a plusieurs raisons pour lesquelles j'ai choisi cette technique ici. Tout d'abord, c'est plus doux pour la couche précédente. En travaillant sur une surface humide, je peux introduire de la couleur en douceur et la laisser se répandre naturellement sans perturber ce qui se trouve déjà en dessous Si je travaille sur une surface humide et sèche, je dois déplacer davantage le pinceau, ce qui augmente le risque de le soulever ou de perturber la couche précédente. La deuxième raison est que cela permet de créer des transitions plus fluides. Les couleurs se mélangent plus naturellement sur une surface humide, ce qui permet d'unifier la zone et d'adoucir les bords Enfin, cela permet d' affiner l'apparence générale. Cette couche renforce non seulement les couleurs, mais atténue également subtilement les petites imperfections de la première couche pour une finition plus cohérente La différence entre la première et la deuxième couche peut sembler assez subtile, mais c'est tout à fait normal. Nous construisons tout progressivement, profondeur, couleur et forme étape par étape, sans précipitation Une fois que vous avez terminé, laissez cette couche sécher complètement. Vous pouvez utiliser un sèche-cheveux si vous souhaitez accélérer les choses, et quand tout sera sec, nous passerons à l'étape suivante et finirons les feuilles. 8. feuilles - Peindre les veines: Cette partie prendra un peu plus de temps car nous allons maintenant nous concentrer sur l'ajout des nervures et les derniers ajustements pour amener les feuilles au stade final . Je vais commencer par un pinceau taille 4. Prenez un moment pour examiner à nouveau chaque feuille et demandez-vous s'il y a quelque chose que vous pouvez affiner ou améliorer. Par exemple, dans cette première feuille, j'ai l'impression que le vert bleuté pourrait être un peu plus profond Je vais donc rapidement appliquer une autre couche humide sur sec pour renforcer Passons maintenant à la feuille suivante, nous allons commencer à travailler sur les nervures. Tout d'abord, j'aime nettoyer et affiner la veine centrale. Pour ce faire, je passe un pinceau humide le long de cette veine pour réactiver doucement la peinture , puis je la soulève avec un essuie-tout Cela permet de lisser la forme et de mieux définir la veine. Pour les petites veines secondaires, lifting prendrait beaucoup de temps, autant plus que nous utilisons des colorants plus difficiles à éliminer. Nous utiliserons donc plutôt une méthode beaucoup plus simple et mieux contrôlée. Mais d'abord, je vais également nettoyer rapidement la veine centrale de la feuille suivante. Maintenant, je vais mélanger du jaune transparent avec une petite touche de jaune Windsor profond pour créer un jaune légèrement plus chaud, et je vais m'en servir pour teinter les veines afin qu'elles ne restent pas d'un blanc pur. Pendant que je suis ici, j'ajouterai également une petite ombre subtile entre les feuilles. Ensuite, nous allons passer à l'utilisation de guash. J'utiliserai le guash blanc permanent Windsor Newton. Je vais en extraire une petite quantité juste un peu, et placer sur une surface colorée pour que je puisse voir la couleur plus clairement. À ce blanc, j'ajouterai un peu de jaune Windsor foncé et brûlé, créant un brun jaunâtre très clair et chaud Ce sera la couleur de nos veines. Je vais commencer par mon pinceau rond taille 4, mais je me rends vite compte qu'il est un peu trop grand pour des détails aussi fins. Je vais donc passer à un pinceau à doublure taille zéro. Un pinceau à doublure ou à manche possède des poils pointus très fins, ce qui le rend parfait pour peindre des lignes délicates Travailler avec de la gouache à cette échelle peut être un peu délicat Trouver la bonne consistance demande un peu de pratique, et il ne faut pas oublier que la gouache sèche légèrement plus foncée et plus transparente qu'elle n'y paraît lorsqu'elle est mouillée cette raison, vous devrez peut-être passer plusieurs fois sur les veines pour les rendre visibles. En général, ajouter un peu plus de blanc au mélange les aide à se démarquer. Dans cette peinture, le contraste est assez subtil, sorte que les veines ne seront pas très audacieuses, mais vous pouvez les reconstituer doucement. Prends ton temps ici. Il n'y a pas besoin de se précipiter. Cette étape bénéficie vraiment de la patience et de la précision. Après avoir peint les veines, vous pouvez également les mettre en valeur en ajoutant ombres très subtiles à côté elles en utilisant un vert légèrement plus foncé. Cela rend non seulement les nervures plus visibles, mais donne également à la feuille une sensation plus tridimensionnelle. Vous remarquerez à quel point ce pinceau est fin. On a presque l'impression de peindre avec seulement quelques poils. Il est parfait pour ce genre de travail de détail, et nous le réutiliserons plus tard pour les sépales et les pétales Je vais répéter le même processus sur les feuilles suivantes. Tout d'abord, affinez la veine centrale, puis peignez les petites veines avec le mélange de gouache Sur cette feuille, je vais d'abord utiliser de la Sienne brûlée pour peindre les veines, puis je vais recouvrir d'un mélange de gouache plus clair Je remarque également une touche de rouge au bout de la feuille, je vais donc ajouter un peu de rouge quinacrodon Eh bien, je vais l' exagérer légèrement pour créer une touche de couleur subtile Et maintenant, j'aimerais approfondir le vert bleuté ici J'appliquerai la couleur entre les veines, ce qui aidera également les veines à mieux ressortir. Pour cela, je vais revenir à ma taille fush puis ajouter des ombres douces le long des veines comme précédemment Je vais répéter les mêmes étapes sur les feuilles restantes. Vous remarquerez peut-être qu'au fur et à mesure que la gouache sèche, elle devient moins visible Je continue donc à superposer tons plus clairs pour renforcer progressivement l'effet À ce stade, nous pouvons également introduire un peu de texture supplémentaire. J'utiliserai un vert légèrement plus foncé pour ajouter quelques marques organiques irrégulières, très subtiles juste pour donner plus d'intérêt à la surface. Sur la petite feuille, en plus des nervures, je vais également approfondir l'ombre avec un vert plus foncé. Maintenant, je vais utiliser une brosse à récurer dans mon étui, une brosse Windsor Newton Galeria taille 4 adoucir doucement l'un des bords Je plonge le pinceau dans l'eau, enlève l'excédent et je frotte légèrement cette zone. Ensuite, je laisse la peinture avec un essuie-tout. Cela crée une transition plus douce et plus naturelle. Ensuite, j'ajouterai un jaune plus vif, et cette fois, j' utilise le jaune Windsor. Je peux également voir quelques accents rougeâtres, je vais donc à nouveau utiliser le rouge quinacrodon pour les mettre en J'aimerais aussi assombrir un peu plus la feuille située sous la tige Je vais commencer par un mélange de vert et violet, puis l' approfondir avec un vert plus foncé. Enfin, nous avons deux petites feuilles en bas. Sur la feuille en forme de cœur, je vais commencer par peindre la nervure centrale. Ajoutez ensuite une touche de rouge quinacradon, à la pointe et adoucissez le tout Comme cette feuille se trouve dans l'ombre, je vais l'approfondir en utilisant un mélange de vert et de violet. Ici, je ne me soucie pas trop de faire correspondre les couleurs exactes. Ma pensée est très simple. C'est une feuille verte, donc j'utilise du vert. Comme il se trouve dans l'ombre, je l' assombrit et j'ajoute du violet pour le relier aux couleurs environnantes et pour atténuer et approfondir naturellement le vert Sur le dernier feuillet, je vais créer une texture intéressante l'aide de simples coups de pinceau irréguliers. Avec un vert plus foncé, je vais peindre de petites formes organiques, en laissant les espaces entre elles. Cela crée une texture subtile mais belle. Pour terminer, je vais appliquer une couche supplémentaire sur le côté recourbé de la feuille, rien de compliqué, il suffit d' approfondir légèrement les tons en utilisant les mêmes verts et violets Et avec ça, les feuilles sont finies. Et 9. Sépales - couche initiale: Dans cette partie, nous allons peindre les sépales. Ce sont des éléments vraiment magnifiques, en particulier celui du bas avec sa belle gamme de couleurs et ses veinures complexes. Cela peut sembler complexe au début, mais vous verrez que c'est en fait plus gérer lorsque nous y allons étape par étape Pour cette étape, j'utiliserai un pinceau taille 6 pour appliquer la couche initiale sur tous les sépales. Je vais commencer par un vert jaunâtre, un mélange de jaune transparent avec des restes de vert de J'aime commencer par la couleur la plus claire et la plus brillante, puis passer progressivement vert et enfin au violet Nous allons suivre la même approche qu'avec les feuilles. Cette première couche consiste simplement à créer une palette de couleurs, en plaçant les couleurs principales dans les bonnes zones. Vous n'avez pas encore à vous soucier des contrastes forts ou des tons profonds. Nous pouvons les suggérer gentiment, mais l'objectif principal doit être d'établir les relations chromatiques globales et de préserver les zones les plus claires. Pour la prochaine étape, je vais commencer par la sienne brûlée, puis passer au vert et au violet je vais commencer par la sienne brûlée puis passer au vert et au À la pointe, je reviendrai au jaune transparent. Ce sépale capte beaucoup de lumière, donc je vais garder la valeur globale du tunnel assez faible Passant maintenant aux sépales du bas, je vais commencer par un mélange vert composé de jaune transparent, de bleu Windsor, de vert et de peintures grises Il y a en fait deux sépales ici, mais je vais les traiter comme une seule forme plus grande pour le moment Cette zone est un peu plus complexe en termes de couleur, alors prenez votre temps pour l'observer. vert est la base, mais il y a aussi de beaux tons bleus, je vais donc introduire plus de bleu Windsor dans ces zones. J'ajouterai également du violet, principalement du magenta quinacrodon, et laisserai ces couleurs se fondre doucement sur le papier Lorsque le violet rencontre le vert ou le bleu, il devient plus discret, ce qui fonctionne très bien ici J'aime particulièrement l'ajouter le long de la veine centrale. Ne vous inquiétez pas si le violet semble disparaître à ce stade. La couche verte est encore très claire et sèche encore plus pâle. Nous aurons donc de nombreuses occasions de renforcer ces couleurs plus tard. Je pense que cela suffit pour cette section pour le moment. Je pense que cela suffit pour cette section pour le moment. Pendant que nous sommes ici, appliquons également rapidement des couleurs de base à la tige de droite. Comme il s'agit d'une petite zone, je ne créerai pas d'étape distincte pour cela. Comme je remarque un peu de rouge, je vais utiliser du rouge quinacrodon sur un côté, puis une touche de violet foncé et de vert pour compléter la base N'oubliez pas que cette couche initiale n'est qu'une base. Si vous savez que vous allez ajouter d'autres couches ultérieurement, il n'est pas nécessaire que celle-ci soit parfaite. Les couches suivantes affineront et amélioreront le tout. Ce qui compte, c' est de couvrir le blanc du papier et d'établir une base pour des couleurs plus riches et plus profondes. Maintenant, laissez tout sécher complètement. Vous pouvez utiliser un sèche-cheveux si vous le souhaitez N'oubliez pas de laisser le papier refroidir avant de passer à la couche suivante. 10. Sépales - Approfondissement des couleurs: Dans cette partie, nous allons appliquer la deuxième couche de réglage de couche. Nous allons maintenant approfondir les couleurs et renforcer les ombres. Le but ici est de préparer les sépales pour l'étape finale, qui sera le veinage Avant d'ajouter ces derniers détails, nous voulons nous assurer que les valeurs tonales et les ombres sont déjà bien établies Commencez par le premier sépale en utilisant les mêmes couleurs que précédemment et le pinceau taille 6 Je vais commencer par le violet en haut, puis passer progressivement au vert au fur et à mesure que je descends. sur quoi je me concentre ici, c'est l'ombre, donc je la façonne en fonction de ce que je vois dans la référence. Dans les espaces verts, je peux également introduire tons légèrement plus bleutés pour ajouter de la variété Et dans les zones d'ombre les plus sombres, je vais approfondir la couleur avec un violet plus riche Je vais maintenant passer au sépale suivant. Ici, l'ombre est plus forte un côté de la veine centrale Je vais donc commencer par placer la forme la plus foncée en premier. Ensuite, je vais créer doucement les zones d'ombre environnantes. Au fur et à mesure que j'applique le vert, je vais adoucir le bord inférieur pour que seule la partie supérieure de la forme reste mieux définie. Cela permet de créer une transition plus naturelle. Et voici un petit mot et des excuses, mon appareil photo a arrêté d'enregistrer pendant un moment. Donc, ce que vous voyez maintenant, c'est après quelques minutes de travail. J'ai ajouté d'autres formes vertes et également peint la veine centrale en violet. Je vais continuer en ajoutant un peu plus de Sienne brûlée en haut et quelques formes vertes supplémentaires Ces formes simples et souples permettent suggérer la structure côtelée du sépale Je vais également ajouter quelques accents de vert plus foncé pour refléter ce que je peux voir dans la référence et terminer cette zone avec une touche de vert jaunâtre à l'extrémité Ensuite, je vais mélanger une plus grande partie de ma base verte, du jaune transparent, des vents bleus et des douleurs grises, et je l'utiliserai pour ajouter une petite ombre à proximité. Je vais également revoir la tige pour approfondir les couleurs. Sur le côté gauche, je vais renforcer le rouge du quinacridon, et sur le reste, je vais renforcer Près de la base, j'ajouterai un violet plus foncé pour renforcer l'ombre. Maintenant, pour le dernier seple, je vais commencer par un vert plus foncé sur le côté gauche, là où se trouve l'ombre la plus profonde Cette fois, j'ajoute de la peinture grise à mon mélange vert pour obtenir cette profondeur. Je vais laisser un petit espace pour la zone veineuse plus claire, que nous affinerons plus tard. Les bords peuvent sembler un peu nets pour le moment, mais nous pouvons toujours les adoucir suite avec une brosse humide ou une brosse à récurer. Au fur et à mesure que je continue, j'utilise les mêmes couleurs qu'avant. Mais comme nous avons maintenant plusieurs couches, les tons semblent plus riches et plus intenses. Le blanc du papier n' influence plus autant la couleur, ce qui nous donne un aspect plus profond. Lorsque je peins, je garde à l'esprit qu'il y a une ombre projetée par la fleur sur la partie supérieure du sépale Donc, dans cette zone, je vais m' assurer d'utiliser une couleur verte plus foncée. J'introduis également un peu plus de bleu Windsor et magenta quinacrédon dans cette couche pour enrichir la Pour les ombres les plus profondes, je vais mélanger le vert avec une partie du violet foncé déjà présent sur ma palette et je l' appliquerai de manière sélective. Je vais terminer ce sple en équilibrant doucement les greens dans la zone inférieure. Je vais maintenant faire un zoom arrière pendant un moment et regarder le tableau dans son ensemble. Je remarque que l'ombre du premier sépale est encore un peu trop claire, alors je vais y retourner et l'approfondir légèrement avec une autre couche de vert et de violet Comme la surface est déjà sèche, c'est une bonne occasion de procéder à ce réglage. Et c'est ainsi que se termine l'étape. Dans la partie suivante, nous nous concentrerons sur les magnifiques derniers détails, les veines des sépales M. 11. Sépales - Peindre les veines: C'est ma partie préférée de toute la peinture. Nous allons maintenant ajouter ces belles nervures délicates aux sépales. Cette étape a quelque chose de vraiment spécial, la façon dont les violets interagissent avec les verts et les bleus et la façon dont ces ridules donnent soudainement vie à tout Ils ajoutent tellement de caractère et d'élégance. Pour peindre les veines, j'utiliserai un pinceau Assize Zero Liner Ces lignes sont très fines, il est donc essentiel d'avoir un pinceau à pointe fine et pointue. Quel que soit le pinceau que vous utilisez, assurez-vous qu'il est bien adapté. Essayez de garder vos lignes délicates. S'ils deviennent trop épais, nous pouvons perdre cet effet complexe raffiné Pour les couleurs, j'utiliserai principalement des tons violets, mais j' introduirai également un peu de vert ici et là pour que le motif ne soit pas trop uniforme. Je vais regarder la photo de référence pour obtenir des conseils généraux, mais je n'essaie pas de copier exactement chaque ligne. Je cherche plutôt à recréer l'impression générale du motif. Il y a trois points essentiels à garder à l'esprit lorsque vous peignez ces veines. Tout d'abord, gardez les lignes très fines. Utilisez un pinceau à pointe fine et commencez par de légers traits délicats. Vous pouvez toujours épaissir certaines zones plus tard, mais il est beaucoup plus difficile de fixer une ligne trop épaisse dès le départ Variez la ligne avec subtilité. Laissez les lignes se réduire vers les extrémités, presque comme ses lignes, pour qu'elles soient douces et naturelles, comme si elles disparaissaient doucement à la surface du sépale Soulignez certaines intersections. épaississant légèrement quelques intersections, le motif paraît plus organique et visuellement intéressant Pendant que je travaillerai ici, j'apporterai également quelques petits ajustements. Je vais approfondir l'ombre sur le sépale gauche et adoucir le bord à l'aide d'une brosse à récurer. J'utiliserai également le pinceau à récurer pour adoucir doucement quelques bords durs et soulever un peu de peinture pour créer des reflets subtils Ces petites améliorations peuvent faire toute la différence. Sur le côté gauche, je trouve que la zone est un peu trop claire, alors je vais rapidement la recouvrir d'un vert clair chaud et la sécher avec un sèche-cheveux Cela nous rappelle que nous pouvons toujours ajuster et affiner les choses au fur et à mesure. Je suis maintenant prêt à commencer à veiner. Je vais commencer par un violet très clair, juste pour indiquer où je veux que les lignes aillent. Une fois que je serai satisfait du placement, je les repasserai avec une couleur plus forte, renforçant les zones sélectionnées et épaississant légèrement certaines intersections À ce stade, mes lignes directrices au crayon ont presque disparu sous la couche de peinture. Si vous préférez, vous pouvez légèrement redessiner les veines avant de peindre Mais j'aime bien travailler sans eux. Cela permet une plus grande liberté et les lignes sont plus nettes, sans traces de crayon visibles. Sur le côté droit, je vais commencer par la veine centrale, puis par les petites nervures ramifiées Notez que la veine principale n'est pas parfaitement droite. Son écoulement naturel légèrement irrégulier ajoute au réalisme. Pour la veine principale, j'utilise du magenta quinacrodon pur. Il crée un beau contraste avec les verts et les bleus. Je vais également faire varier la force du tunnel des veines. Certaines sections sont plus sombres, en particulier aux intersections, tandis que d'autres restent plus claires Les lignes varient également légèrement en largeur. Tout cela permet d'éviter un aspect uniforme et plat et créer plutôt un motif organique plus vivant. Une fois les veines en place, j'aime faire un zoom arrière et regarder le tableau dans son ensemble. Cela m'aide à identifier les zones qui pourraient nécessiter des ajustements. Ici, j'ai remarqué une petite zone qui avait besoin d'un peu plus de vert, et j'ai également ajouté un peu plus de Sienne brûlée sur le sépale C'est l'un des avantages du travail en couches transparentes. Nous pouvons toujours affiner et améliorer au fur et à mesure. Et avec ça, les sépales sont finis. Dans la partie suivante, nous passerons à la peinture des boutons violet foncé. Et. 12. Bourgeons - Couche initiale: Dans cette courte partie, nous allons appliquer la couche initiale aux écrous. J'utiliserai un pinceau taille 6, et je vais commencer par nettoyer ma palette pour pouvoir mélanger des couleurs fraîches et propres, et pour que vous puissiez voir clairement ce que j'utilise. Pour le mélange principal, je combinerai magenta du quinacrodon avec de la peinture grise, puis ajouterai une touche de pourpre lazarin permanent pour déplacer légèrement la teinte vers le Cela nous donnera un violet foncé riche. Je vais également ajouter de l' alizarine pourpre pur et magenta quinacrodon pur sur la palette afin de pouvoir les trouver facilement en cas Et en bas, je garderai également un peu de teinte bleu-vert Windsor. Je vais commencer par appliquer du bleu Windsor au milieu du mais là où je peux voir un léger reflet. Ensuite, je vais passer au mélange violet principal et peindre autour de cette zone. Comme le bleu est encore humide, les couleurs se fondront doucement sur le papier Vers le bout du fil, je vais ajouter du cramoisi Azaren pour apporter un ton rougeâtre légèrement plus chaud Une fois que les couleurs principales seront en place, je choisirai un violet plus concentré et plus foncé et je l'ajouterai aux zones d'ombre les plus profondes. Ici, j'aime utiliser un léger mouvement de tamponnage avec le pinceau Cela permet de libérer une plus grande quantité de pigment exactement là où je le place plutôt que de l' étaler d'un coup de pinceau régulier. C'est une technique très utile lorsque vous souhaitez augmenter la profondeur et l'intensité à un endroit précis. Sur la batte de droite, je vais également introduire du jaune. Je vais commencer par le jaune transparent en haut, puis passer au pourpre Alizarin et enfin au violet à Vous remarquerez peut-être un petit détail que j'ai oublié ici. Juste en dessous du sépale, il y a en fait une partie plus foncée de la toile que je n'ai pas peinte à ce stade Je ne l'ai remarqué que plus tard en travaillant sur les pétales et j'ai fini par le traiter comme une partie de la fleur. Si vous préférez rester plus près de la référence, vous pouvez désormais inclure cette zone violette plus foncée. Mais honnêtement, c'est un si petit détail qu'il n'affectera pas le résultat global, autant plus qu'il devient moins visible dans la peinture finale. Pour le dernier morceau, je vais commencer par Lazarin Crimson, puis par du violet dans les zones ombragées Dans l'ensemble, ces bourgeons sont assez foncés. Ainsi, même à ce stade initial, nous pouvons viser des tons relativement profonds. La couche sèchera un peu plus tard, mais elle nous donnera une base solide et les couleurs finales apparaîtront plus riches et plus éclatantes. 13. Bourgeons - Ajouter des ombres: Après avoir appliqué la couche initiale, nous avons maintenant une belle base de travail. Dans cette partie, nous allons approfondir les tons sombres et terminer les chauves-souris avec quelques petits ajustements et détails. Vous pouvez déjà constater que même si les couleurs paraissaient très foncées lorsqu'elles sont mouillées, elles paraissent plus claires une fois sèches. C'est parce que le blanc du papier transparaît toujours. Pour obtenir des couleurs plus riches et plus profondes, nous devons les assembler en couches. Maintenant, je vais reprendre le même mélange de violet foncé et concentrer sur le renforcement des ombres les plus profondes. Essayez de ne pas trop travailler la surface ici. Il est préférable d'utiliser le moins de coups de pinceau possible. Ce mélange violet en particulier ne tache pas trop, ce qui signifie qu'il est plus facile de perturber la couche précédente même lorsqu'elle est sèche. Travaillez donc doucement et placez les tons les plus sombres avec intention. J'ajouterai également le violet foncé à la bande de droite. Tout d'abord, je suggère légèrement la structure en quelques lignes, puis j'approfondis les ombres. Sur la batte inférieure, je vais commencer par peindre quelques lignes pour indiquer la séparation entre les pétales. Ensuite, j'appliquerai un ton plus foncé cette fois avec un peu plus d'alizarine cramoisi vers la partie inférieure pour enfin approfondir l' ombre juste en dessous des sépales Je vais revenir brièvement à la chauve-souris précédente et appliquer une fine couche de lysarine pourpre sur Cela le réchauffe et le déplace légèrement vers le rouge. Mais dans un instant, je vais soulever un peu de peinture pour redonner un peu de ce jaune. Maintenant, je vais tout sécher complètement. Une fois que la couche est complètement sèche, nous pouvons effectuer quelques derniers ajustements. Pour améliorer les reflets, j'utiliserai ma brosse habituelle de taille 6 plutôt qu'une brosse à récurer Je le plonge dans de l'eau propre. Retirez l'excédent sur une serviette en papier, puis activez doucement la peinture avant de la soulever avec une serviette en papier. Cela crée des reflets très doux et subtils. Maintenant, je préfère utiliser un pinceau rond ordinaire car ces couleurs se soulèvent assez facilement, il n'est donc pas nécessaire d'utiliser un épurateur rigide Un pinceau plus doux est plus doux pour le papier et crée des reflets naturels plus délicats, qui est exactement ce que nous voulons dans ce cas. Je vais également répéter ce processus sur les autres chauves-souris. Ensuite, je vais faire un zoom arrière et regarder le tableau dans son ensemble. J'ai remarqué que l'un des sépos est un peu trop pâle par rapport aux autres et semble légèrement inachevé Même si la référence est similaire , j'ai décidé d'ajouter quelques veines pour mieux l' aligner sur le reste du tableau Maintenant, je suis beaucoup plus heureuse de l'apparence des choses. Prenez un moment maintenant, respirez profondément et faites peut-être même une courte pause. Et lorsque vous serez prêt, nous passerons à la peinture des pétales. 14. Pétales - Couche initiale: Nous allons maintenant commencer à peindre les fleurs principales. Dans cette première étape, nous appliquerons une première couche à tous les pétales, à une petite exception près. À ce stade, nous allons introduire ces magnifiques tons chauds qui apporteront une toute nouvelle qualité à la peinture Si vous regardez la référence sur les travaux en cours, vous pouvez voir que nous allons recouvrir la plupart des pétales de couleurs de base. Tout en laissant quelques petites zones non peintes, comme le dernier pétale supérieur et certains des bords fins et incurvés Le simple fait d'observer cette image vous donne une bonne idée de la direction dans laquelle nous nous dirigeons. Je vais tout de même vous guider, bien entendu, étape par étape et vous montrer exactement comment je l'aborde. Je vais d'abord nettoyer le côté gauche de ma palette pour préparer de nouveaux mélanges. Je vais également changer l' eau, car nous allons désormais travailler avec des couleurs plus claires et plus propres, en particulier les jaunes, et nous ne voulons pas qu'elles deviennent ternes à cause des résidus de pigments Parce que les pétales sont plus grands et que nous voulons travailler efficacement, je vais passer à un pinceau taille 10. Préparons les couleurs principales, rouge quinacrédon, magenta quinacrédon, jaune transparent, sienne Je garderai mes mélanges violets de l'autre côté de la palette pour qu'ils soient toujours facilement accessibles. Pour les pétales, nous travaillerons mouillé sur mouillé pour obtenir des transitions douces et des dégradés doux Je vais commencer par appliquer une couche d'eau propre sur le premier pétale à sur le premier pétale gauche et légèrement sur le suivant Il n'est pas nécessaire de mouiller toute la farine en une seule fois, car lorsque nous atteignons le dernier pétale, la surface sera déjà sèche Il est préférable de travailler dans des sections plus petites et faciles à gérer. J'évite également le bord fin et bouclé. Cette zone ne sera pas peinte afin de préserver ce point fort Je vais commencer par le jaune transparent car c'est la couleur la plus claire et la plus claire Pendant qu'il fait encore humide, j'introduirai sienne brûlée, puis progressivement au magenta quinacudon Je vais maintenant passer au deuxième pétale, et ici je vais utiliser un mélange de quinacrodon magenta et de rouge de quinacrodon Cela crée un beau ton rouge moyen que nous pouvons facilement déplacer soit vers le magenta, soit vers le rouge, selon la zone. Comme toujours, j'applique d'abord une couche d'eau pour garder la surface humide et permettre aux couleurs de se fondre en douceur. Le troisième pétale a une teinte plus brune Je vais donc commencer par du bois de Sienne brûlé près du centre, puis introduire du magenta et du rouge vers les bords Ce sera beaucoup plus sombre plus tard, mais pour l'instant, nous établissons simplement une base et recouvrons le blanc du papier. Sur le quatrième pétale, je vais également commencer par le jaune transparent, puis passer au rouge quinacradon et au magenta vers les bords, en laissant le bord recourbé non peint Vous remarquerez peut-être que je traite ces pétales comme une seule zone connectée. Même s'il s'agit de formes distinctes, il est parfaitement normal à ce stade que les couleurs se mélangent entre elles. Nous définirons plus clairement les pétales individuels dans la couche suivante. Passons maintenant à la fleur en bas à gauche. Ici, j'ai besoin d'un magenta de quinacrodon propre et pur, donc je vais lui préparer un nouvel espace J'utiliserai également le bleu Windsor, que j'ai toujours dans ma palette. Je vais commencer par appliquer une couche d'eau sur toute la fleur, y compris la tige. L'eau n'est plus parfaitement propre, mais c'est bon. C'est toujours bon pour cette étape. Assurez-vous que la surface est correctement mouillée. Il vaut mieux avoir un peu trop d'eau que trop peu. Je vais maintenant commencer à appliquer de la couleur, commençant par un magenta quinacrodon puissant C'est une couleur très vive et puissante. Bien qu'il se ramollisse légèrement en séchant, il reste l'un des roses froids les plus intenses Lorsqu'il est combiné avec le bleu Windsor, il crée un violet plus doux Comme le bleu Windsor a un biais vert, le mélange devient légèrement atténué, ce qui fonctionne parfaitement ici Cela nous aide également à maintenir l'harmonie des couleurs avec le reste du tableau. Pour la dernière fleur, il est utile de préparer toutes les couleurs à l'avance. Celui-ci comprend une gamme plus large. Nous avons ici du magenta, du rouge quinacrédon, du pourpre à la lizarine, du violet, de la Sienne brûlée et même des touches de vert. Sur les pétales latéraux, je vais utiliser un mélange de rouge et de magenta. Sur le pétale principal, j' appliquerai de la lizarine pourpre et de la sienne brûlée d'un côté et le mélange violet de l' Dans la zone verte, j'utiliserai un mélange de jaune transparent et de bleu Windsor. Il y a également une forte touche blanche sur ce pétale, alors assurez-vous de préserver cette zone. Vous pouvez suggérer doucement une ombre douce si vous le souhaitez. Mais à ce stade, il est plus important garder ce surlignage propre et léger. C'est aussi à ce moment que je me suis rendu compte que quelque chose semblait un peu bizarre dans ma peinture, mais je n'avais pas encore remarqué que j'avais oublié une petite zone violet foncé du lit tout à l'heure. Si vous avez également laissé cette zone non peinte, vous pouvez continuer et la remplir maintenant avec les couleurs des pétales environnants Je vais le corriger à l'étape suivante, mais c'est un peu plus facile à ce stade. Et c'est notre couche initiale pour les pétales. Maintenant, laissez tout sécher complètement, et dans les deux parties suivantes, nous commençons à approfondir les couleurs et à donner plus de profondeur aux pétales. 15. Pétales - Approfondir les couleurs Partie 1: Dans cette partie, nous allons commencer à approfondir les couleurs des pétales. Je dis « commencez » parce que j'ai divisé la scène en deux parties. Dans celui-ci, nous allons nous concentrer sur ces quatre pétales, et dans la partie suivante, nous allons peindre les autres. La raison en est simple. À ce stade, nous voulons créer une séparation claire entre les pétales. Et comme nous allons travailler à nouveau mouillé sur mouillé, la peinture restera humide pendant un certain temps Nous devons donc travailler sur des pétales alternés. De cette façon, nous évitons de toucher les zones encore humides et empêchons les couleurs de circuler involontairement entre elles. Avant de commencer, assurez-vous de bien voir les bords de vos pétales. Si nécessaire, redessinez-les doucement. Je me concentre principalement sur les bords extérieurs plutôt que sur les lignes des veines internes, car je ne veux pas que ces marques de crayon restent visibles. Tout comme pour les sépales, on pourra improviser les veines Ma palette, j'ai toujours les mêmes couleurs que celles du calque précédent. Je vais juste mélanger un peu plus de Sienna brûlée et rafraîchir mon mélange de rouge quinacrodon et de magenta de quinacrodon Je vais commencer par le premier pétale. regardant, je peux voir qu'il pourrait utiliser un peu plus de rose et de brun Je vais donc commencer par appliquer une couche d' eau propre, puis introduire ces couleurs. Ce pétale a également une ombre plus foncée avec un bord tranchant, car je travaille mouillé sur mouillé Je ne pourrai pas créer ce bord net pour le moment. Pour l'instant, je vais simplement approfondir couleurs avec de la Sienne brûlée et le mélange rouge-magenta et introduire doucement un peu de violet dans la zone d'ombre Je passe maintenant au pétale suivant Celui-ci est assez foncé avec forts tons bruns et plus rouge et de magenta sur les bords. Je vais préparer deux mélanges plus foncés. Sienne brûlée avec du gris pâle pour un brun foncé, et du magenta quinacrédon avec bleu Windsor et du gris pâle pour un Je vais d'abord appliquer une couche d'eau généreuse, en m'assurant que la surface est uniformément humide. Je n'ai pas trop peur de suivre les lignes du crayon. Je laisse généralement un petit espace puis je tire la peinture vers le bord. Maintenant, je vais commencer par le mélange brun , puis introduire le violet foncé près des étamines. Lorsque ces couleurs se rencontrent, elles créent un ton magnifique, profond et complexe. Autour de la partie centrale du pétale, j'utiliserai un mélange de rouge et de magenta, et je peux également ajouter une touche de jaune transparent pour plus de variation Gardez vos mélanges de peinture assez fluides afin qu'ils ne sèchent pas trop rapidement sur le papier. Une fois que le pétale entier est couvert et encore humide, nous arrivons à une étape importante Je vais choisir le violet foncé et utiliser un léger mouvement de tamponnage pour placer plus de pigment près du centre Cette technique de tamponnage permet de libérer plus de peinture exactement là où vous en avez besoin, ce qui vous permet de créer ombres riches et profondes sans trop travailler la surface Vous pouvez voir que lorsque j'incline le tableau, celui-ci bouge toujours. Cela me dit que la surface est bien mouillée. Je vais en profiter pour ajouter un peu plus de violet foncé et un mélange de rouge et de magenta. Au lieu de mélanger avec le pinceau, je vais simplement incliner le tableau pour laisser les couleurs s'écouler et se mélanger naturellement Pendant que ce pétale se stabilise, je vais préparer la couleur du suivant, un mélange de magenta quinacuine avec une touche de violet ou de bleu Windsor Après avoir appliqué une couche d'eau, je vais peindre ce pétale avec ce mélange Passons maintenant à la dernière fleur de cette section. Nous utiliserons les mêmes couleurs que précédemment, mais comme nous les superposons, le résultat sera plus riche et plus intense Avant d'ajouter la peinture, prenez le temps de vérifier votre couche d'eau. La surface doit avoir une brillance uniforme, ne pas avoir de plaques sèches ni de grandes flaques d' Si vous voyez de l'eau s'accumuler sur le bord lorsque vous inclinez le papier, utilisez simplement votre pinceau pour redistribuer sur toute la surface Maintenant, je vais commencer à appliquer de la couleur. Sur le côté gauche, un puissant mélange de rouge, de magenta et de brun. Sur la droite, plus de magenta. Au milieu, de la Sienne brûlée, et en bas, un peu de vert Je vais également introduire un peu de vert dans la partie supérieure et le tirer doucement vers la tige. Encore une fois, je vais légèrement incliner le tableau pour que les couleurs se mélangent naturellement. Une fois que la peinture cesse de bouger, laissez le tout sécher. Si possible, laissez-le sécher naturellement. Il en résulte généralement une finition plus lisse. Mais si la surface commence à perdre son éclat et que vous souhaitez accélérer les choses, vous pouvez également utiliser un sèche-cheveux. Dans la partie suivante, nous allons répéter le même processus sur les pétales restants. 16. Pétales - Approfondir les couleurs Partie 2: Une fois que la couche précédente est sèche, vous pouvez vraiment voir la profondeur que nous avons atteinte. Comme nous avons créé deux couches, le blanc du papier ne transparaît plus et les couleurs paraissent déjà beaucoup plus riches. Dans cette partie, nous allons nous concentrer sur les pétales restants. Avant de commencer, je vais préparer un peu plus de peinture. Passons rapidement en revue les couleurs que j'utilise. Quinacrédon magenta et rouge quinacrédon de Sienne brûlée mélangés à des peintures grises. Un mélange violet de magenta, les vents sont bleus et les peintures sont grises, et je vais également ajouter une touche de lysarine pourpre à Comme précédemment, je travaillerai mouillé sur mouillé Je vais donc commencer par appliquer une couche d' eau puis introduire les couleurs. Lors de l'application de l'eau, j'éviterai soigneusement la zone surlignée sur le côté gauche. Je vais laisser un petit espace pour que je puisse conserver un avantage net ici. Je vais commencer par la mise en forme magenta du quinacrodon qui se met en évidence en premier afin de ne pas le perdre accidentellement Ensuite, j'appliquerai du magenta sur le côté opposé du pétale, passant progressivement à un mélange de magenta et de rouge quinacrodon Au fur et à mesure que je me rapprocherai du centre, j'introduirai un violet plus foncé avec un pourpre sarin et j' utiliserai enfin le violet le plus profond juste à côté Alors que la peinture est encore humide, je vais augmenter l'intensité en ajoutant plus de pigment, plus de magenta et de rouge, une touche de sienne brûlée au centre et du violet plus foncé là où les ombres sont les plus fortes La zone foncée située près des étamines est particulièrement importante car elle crée un contraste avec les étamines plus claires situées au centre de la fleur En inclinant doucement le tableau pour que les couleurs se mélangent, j'ajouterai également une petite touche de jaune transparent mélangée sienne brûlée à quelques endroits, juste pour apporter un peu de chaleur et de variation Sur le pétale suivant, je vais commencer par un mélange de jaune et rouge, puis passer au magenta vers les bords Ce pétale a également une ombre plus nette et plus foncée que nous ne définirons pas encore complètement Nous y reviendrons plus tard une fois que cette couche sera sèche. Passant aux pétales suivants, je vais continuer avec la même approche, appliquant d'abord une couche d'eau, puis en ajoutant de la couleur sur la surface humide. Ici, je vais commencer par un violet plus foncé pour établir une séparation et une ombre claires entre les pétales. Sur le pétale de droite, je souhaite approfondir encore la couleur Je vais ajouter du violet à quelques endroits et introduire une touche d' orange chaud sur le côté droit. Je ferai attention à ne pas couvrir la zone bleue. Je veux que cela reste visible. Pour l'ombre la plus profonde, j'utiliserai le mélange violet. Si nécessaire, je mélangerai rapidement un nouveau lot en utilisant du magenta, bleu Windsor et du gris pâle. Je souhaite également renforcer cette zone bleue Je vais donc préparer un mélange propre de bleu Windsor et l'appliquer là, laissant se fondre naturellement avec les couleurs environnantes. Passons maintenant à la dernière fleur, je vais commencer par les pétales latéraux. Passons maintenant à la dernière fleur, je vais commencer par les pétales latéraux. Et en fait, dans ce cas, je travaille mouillé sur sec plutôt que mouillé sur mouillé. C'est parce que je dois conserver un bord tranchant, et cette zone est également suffisamment petite pour ne pas avoir besoin d' une couche d'eau complète. J'utiliserai du rouge et du violet dans les zones les plus sombres tout en laissant quelques zones plus claires non peintes près du haut J'y introduirai également un peu de brun jaunâtre. Sur le pétale opposé, je vais commencer par le même brun jaune chaud, puis passer au violet foncé et enfin à un mélange de rouge et de magenta C'est aussi à ce moment que j'ai pleinement réalisé que j'avais oublié cette petite zone sombre tout à l'heure. J'ai fini par le peindre comme une partie du pétale plutôt que comme le mauvais ci-dessus Mais comme vous pouvez le constater, cela fonctionne toujours visuellement, n'y a donc pas lieu de s'inquiéter trop à ce sujet. Et c'est ainsi que se termine l'étape. Maintenant, laissez tout sécher complètement et préparez-vous pour l'étape suivante. Nous ajouterons de petits détails avant de passer au veinage final Qui 17. Pétales - Ajouter des détails: Avant de commencer à peindre les veines des pétales, nous devons nous assurer que les pétales sont entièrement préparés. Cela signifie qu'il faut terminer tous les ajustements maintenant, car une fois que nous avons ajouté les veines, il devient beaucoup plus difficile de revenir en arrière et changer quoi que ce soit sans perturber ces petits détails Dans cette partie, nous allons donc passer en revue chaque fleur et compléter tout ce qui doit encore être affiné. Tout d'abord, je ne veux pas laisser le pétale supérieur complètement blanc Maintenant que tout est peint, nous pouvons ajouter en toute sécurité des ombres douces. J'appliquerai une légère couche d'eau puis j'introduirai du magenta, du rouge et du violet très dilués , principalement sur le dessus, les côtés et les bords Je vais garder le centre plus clair car c'est là que la lumière frappe le plus fort. Ensuite, je vais retourner au pétale de gauche et peindre cette zone d'ombre. J'appliquerai un peu d' eau, puis j'ajouterai un mélange violet avec du lazarin cramoisi dans la partie la plus foncée, en le un mélange violet avec du lazarin cramoisi dans la partie la plus foncée, en le mélangeant doucement vers l'extérieur. Je vais répéter le même processus sur le pétale de droite, abord dans la zone orange plus chaude, puis dans l'ombre violette plus foncée Passons maintenant à la fleur en bas à droite Il y a quelques petits détails j'aimerais affiner ici. Tout d'abord, je vais ajouter un peu plus de vert à la feuille en arrière-plan. Il s'agit d'un petit domaine moins important, il n'est donc pas nécessaire de le surcharger Juste une touche de vert plus foncé au centre et un vert jaune plus clair sur les bords. Un autre détail est le pli subtil sur le côté gauche du pétale. Pour créer cet effet, il suffit de peindre une ombre douce au-dessus et en dessous de cette zone, en laissant un espace plus clair entre les deux. Ce contraste crée l' illusion d'un pli où la zone la plus claire semble être plus haute et capter plus de lumière. C'est également le bon moment pour ajouter des ombres projetées. Au début, je ne savais pas s'il fallait les inclure, mais j'ai décidé de les ajouter un peu plus doucement que dans la référence. Je vais commencer par un violet très légèrement dilué pour cartographier les formes des ombres. Une fois que je serai satisfait de leur placement, j'approfondirai certaines zones avec un ton légèrement plus fort. Enfin, nous nous occuperons des tiges. Choisissez un style simple, juste un peu de vert, peu de violet plus foncé pour plus de profondeur et des bords légèrement mélangés Il n'est pas nécessaire de surcharger ces zones. Sur la fleur de gauche, j'ajouterai également quelques touches de magenta et de violet plus foncé et même une petite touche de jaune sur le pétale pour varier les couleurs Et c'est tout ce que nous devons faire avant la phase finale. Nous sommes maintenant prêts à passer à la peinture des veines. 18. Pétales - Peindre les veines: Cette partie transformera vraiment vos fleurs et leur donnera vie en ajoutant des veines Cela peut prendre un peu de temps, c'est donc une bonne idée de prévoir environ une heure pour profiter de ce processus. Avant de commencer à peindre les veines, je vais faire quelques petits ajustements à l'aide d'une brosse à récurer Je vais commencer par adoucir le bord dur autour du point culminant de ce pétale O Ensuite, je vais lisser le bord de l' ombre sur la tige. Je vais également soulever un peu de peinture pour mettre davantage en valeur le côté gauche de cette fleur. Ici, je veux nettoyer le surlignage blanc sur le bord recourbé Je l'ai accidentellement recouvert tout à l'heure avec un peu de rouge, alors je vais doucement relever cette couleur. Je vais également créer un petit surlignage au bas de ce pétale. Et j'allège légèrement le bout de celui-ci. Ces petites améliorations aident à préparer la surface avant d' ajouter les derniers détails Maintenant, je suis prêt à commencer à peindre les veines. J'utiliserai un pinceau à doublure taille zéro. Je vais commencer par un doux mélange de jaune et de brun et m'en servir pour tracer quelques lignes très claires sur le premier pétale Dans Then , je vais passer à un mélange de rouge de quinacrodon et de magenta de quinacrodon et commencer à former les veines du pétale principal Je commence généralement par un endroit aléatoire, juste quelque chose qui attire mon attention dans la référence. À ce stade, les lignes sont très légères et subtiles. Je ne veux pas faire trop noir tout de suite. Au lieu de cela, je les construis progressivement, renforçant certaines zones plus tard, en particulier plus près du centre. Comme mes traits de crayon ne sont plus visibles, je me sers simplement de la référence comme guide et j'improvise. L'idée principale est que les veines soient fines et délicates, qu'elles deviennent légèrement plus épaisses et plus foncées vers le centre et qu'elles se rétrécissent à mesure qu'elles se déplacent vers l'extérieur Vous pouvez également utiliser les veines pour créer la forme du pétale. Par exemple, en fonction de la forme particulière des veines, nous pouvons suggérer comment le pétale est incurvé ou plié le long des bords Je vais répéter ce processus sur les autres pétales. Certaines lignes seront à peine visibles, d'autres un peu plus définies. Mais dans l'ensemble, ils restent fins et subtils. Sur le pétale droit, je vais commencer par un ton rougeâtre dans la zone orange plus chaude , puis continuer à former les veines Dans les sections les plus sombres, je vais passer à un violet plus foncé pour que les lignes restent visibles. Sur le pétale supérieur, je vais d'abord ajouter et sécher rapidement une couche rose pâle , puis peindre les nervures sur le dessus J'imagine les veines rayonnant vers l'extérieur à partir du centre en forme d'éventail Pour la fleur en bas à gauche, je vais préparer un violet légèrement plus vif en utilisant un mélange frais de magenta et de bleu Windsor. Ici, les veines sont un peu plus visibles et certaines d' entre elles penchent vers le bleu. Je vais commencer par placer les principales veines les plus saillantes. Elles aident à établir la structure, puis j'ajouterai des veines secondaires plus fines entre les deux Je vais répéter cela sur le pétale adjacent, en faisant attention à la légère modification du motif Ici, les veines permettent d'obtenir des formes fluides plus arrondies. Encore une fois, à la fois la largeur et la force tonale. Gardez les extrémités très fines et souples et laissez certaines zones ressortir un peu plus. Dans la dernière farine, le veinage est plus subtil, je n'ajouterai donc que quelques lignes délicates Ici, je vais également approfondir une petite ombre le long d'un côté de la veine centrale. Je vais utiliser un ton légèrement brunâtre et l'estomper doucement. Je le répète doucement sur le côté opposé, faisant attention de ne pas en faire trop Enfin, j'ajouterai quelques lignes d'arrivée supplémentaires si nécessaire, et cela complète l'étape. J'espère que vous l'avez trouvé agréable et que cela a semblé plus facile à gérer qu'il n'y paraît au début Une fois que vous serez prêt, nous passerons à la peinture des étamines. 19. Des tiges: Dans cette partie, nous allons terminer le tableau. C'est probablement l'étape la plus complexe et la plus détaillée mais aussi la plus difficile à décrire étape par étape, car le processus est moins structuré Mais je vais vous guider à travers les idées et les décisions clés. Et avec l'aide de la vidéo, de la photo de référence et de la peinture terminée, je suis sûr que vous serez en mesure de suivre. Et n'oubliez pas que vous pouvez simplifier ce domaine autant que vous souhaitez et ajouter autant de détails que vous le souhaitez. Je vais commencer par retirer le liquide de masquage à l'aide mon outil de masquage en caoutchouc éprouvé. Et maintenant, nous nous retrouvons avec une forme blanche éclatante et effrayante, qui peut sembler un peu intimidante au début Et pour le rendre moins accablant, la première étape consiste à l' atténuer en appliquant une couleur de base très claire. Pour cela, je vais mélanger un mélange très pâle de Sienne brûlée et de jaune transparent Appliquez-le sur toute la surface à l'aide d'un pinceau de taille 4. Les extrémités des étamines sont plus claires et plus jaunes, tandis que la zone la plus proche du centre est un peu plus foncée Donc, dans les parties supérieures, j'utiliserai plus de sienne brûlée, et j'introduirai même une touche de rouge près du centre Une fois que c'est fait, je vais tout sécher, puis nous pourrons commencer à ajouter les détails. Juste pour vous donner une idée, il m'a fallu environ une demi-heure pour terminer cette étape. Alors prenez votre temps et ne vous précipitez pas. Pour les détails, je vais passer à un pinceau à doublure de taille zéro, le même que celui que j'ai utilisé pour les veines. Je peux également revenir au pinceau taille 4 pour les zones légèrement plus grandes. En termes de couleurs, je continuerai à utiliser le mélange de brun jaune clair, CNM brûlé et les bruns plus foncés créés avec des touches de violet Lorsque l'on travaille dans un domaine aussi complexe, il est difficile de suivre un plan strict. Je commence généralement par les formes qui ressortent le plus et je construis le tout petit à petit, étape par étape. Par exemple, je commence par peindre les espaces les plus sombres entre les étamines. Ils sont faciles à identifier et aident à définir la structure. Je commence par un brun clair. Cela me donne plus de contrôle et facilite les ajustements si nécessaire. Si je fais une erreur, il est plus facile d'enlever le brun clair qu'une couleur très foncée si je l'utilise maintenant. Les déclarations comportent également quelques éléments plus généraux. J'utiliserai mon pinceau taille 4 pour les bloquer plus rapidement avec un ton brun clair. H. C'est également là que nous pouvons utiliser un peu de peinture négative. Par exemple, au lieu de remplir toute cette petite zone avec de la peinture foncée, je peux imaginer qu'il y a une étamine d' une couleur brun plus clair que celle que j'ai utilisée dans la première étape, et que je peux peindre autour d'elle Cela crée l'illusion de déclarations supplémentaires sans qu'il soit nécessaire de les peindre individuellement. Vous pouvez répéter cette technique dans différents domaines pour renforcer la profondeur, la complexité et pour ajouter d'autres déclarations en arrière-plan. À ce stade, les formes commencent à devenir plus claires et la zone semble moins envahissante. Maintenant, je peux commencer à approfondir les tons. Je vais revenir dans les espaces plus sombres avec des bruns et des violets plus riches, affinant les formes et en renforçant le contraste Je continuerai également à utiliser la technique de la peinture négative , qui permet de définir des formes supplémentaires. Ensuite, j'utiliserai un brun clair pour tracer des lignes fines entre les étamines, afin de les séparer et de suggérer leur structure J'ajouterai également des ombres très subtiles le long de certaines d'entre elles. Les anthères, les petites extrémités arrondies des étamines, ont souvent une ligne qui passe par le milieu Je vais donc également inclure ce détail. Je vais continuer à ajuster progressivement les valeurs du tunnel, approfondissant certaines zones et en affinant d'autres jusqu'à ce que tout soit équilibré. Ensuite, je vais revenir à mon pinceau taille 4 et utiliser un mélange de jaune transparent et de sienne brûlée pour ajouter des ombres légèrement plus fortes dans certains énoncés Plus près du centre, je peux également introduire un peu de rouge, comme je peux le voir dans la référence. Enfin, je travaillerai sur les petits éléments environnants en utilisant des bruns et des rouges plus foncés pour affiner leur forme et leurs bords Je vais le laisser sécher et, si nécessaire, approfondir encore les tons. Pour terminer, j'ajouterai quelques petites touches de jaune transparent ici et là pour redonner une touche de chaleur et de lumière aux déclarations. Et c'est ainsi que le tableau est terminé. Vous pouvez désormais signer votre œuvre et retirer le ruban adhésif pour révéler les bords nets C'est toujours un moment tellement satisfaisant. Ce voyage a été assez long et certainement difficile, mais aussi très gratifiant. Je suis vraiment content du résultat final, et j'espère que vous l'êtes aussi. Prenez un moment pour apprécier ce que vous avez créé, et j'espère que vous êtes également un peu soulagée que ce soit terminé maintenant. Félicitations. Dans la dernière partie, nous allons résumer brièvement ce que nous avons appris tout au long de ce didacticiel. 20. Résumé: Félicitations pour avoir terminé ce tableau d'hellébor. Il s'agissait d'un projet plus détaillé et plus complexe, et j'espère que vous avez non seulement apprécié le processus, mais que vous êtes également fier de ce que vous avez créé. Récapitulons rapidement points les plus importants que nous avons explorés Nous avons commencé par analyser la référence, simplifier la composition et planifier l'ensemble du processus étape par étape avant de commencer la peinture Au lieu d'essayer de tout réaliser en une seule fois, nous avons utilisé plusieurs couches transparentes pour créer progressivement des valeurs tonales plus riches et plus fortes Nous avons exploré le mélange de violet foncé, verts éclatants et de tons chauds, tout en préservant la cohérence et l'équilibre de la palette de couleurs globale cohérence et l'équilibre de la palette de Les deux techniques ont été utilisées intentionnellement mouillé sur mouillé pour des transitions douces et des dégradés lisses, et humide sur sec pour des bords plus nets et des tons plus foncés plus forts En divisant le tableau en parties plus petites et en travaillant étape par étape, nous avons rendu un sujet complexe beaucoup plus facile à gérer et moins accablant agisse de nervures sur les feuilles et s'agisse de nervures sur les feuilles et les pétales, de textures ou d'ombres, nous avons appris comment de petits détails peuvent donner vie à une peinture sans trop la travailler Plus important encore, ce projet consistait à ralentir, observer attentivement et à laisser la peinture se développer progressivement avec patience et intention. Merci beaucoup d'avoir peint avec moi. J'espère que ce projet vous aidera à renforcer votre confiance en matière de superposition, mélange de couleurs et de travail sur des sujets botaniques plus détaillés Prenez ce que vous avez appris ici et utilisez-le dans vos futurs tableaux et , surtout, appréciez le processus. Bonne peinture et j'espère vous voir la prochaine fois. Au revoir.