Guide du débutant pour créer un style d'animation dessiné à la main dans Adobe After Effects

1. mise à jour en cours: L'animation dessinée à la main est incroyable, mais cela prend beaucoup de temps. Nous avons donc parfois besoin de prendre des raccourcis pour accélérer les choses. Bonjour, je suis Russ Encourage. Et aujourd'hui, nous allons faire de l'animation dessinée à la main, mais sans tracer une seule ligne. Et pour cela, nous allons utiliser After Effects. Je suis animateur et réalisateur indépendant basé à Brighton au Royaume-Uni. J'ai travaillé professionnellement pendant plus de dix ans dans l'animation, produisant des effets visuels, du motion design, animation de personnages 2D et 3D. On me demande souvent d' animer quelque chose dans After Effects , puis de le faire apparaître. Que ce soit parce qu' il doit s'asseoir à côté de quelque chose qui a déjà été dessiné, ou qu'il n'y a pas le temps de le faire correctement. une ou l'autre méthode est très utile pour apprendre à faire cet effet. Ce cours conviendra parfaitement aux animateurs dessinés à la main qui cherchent à ajouter un peu d' effets secondaires à leur travail principal. Ou les animateurs After Effects qui souhaitent travailler aux côtés de leurs collègues dessinés à la main. Je vais vous expliquer étape par étape. Ce cours conviendra donc aux débutants ou aux personnes qui ne connaissent pas très bien After Effects. Pour vous donner une idée rapide de ce que nous allons couvrir. Nous allons d'abord examiner les différents styles d'illustration qui fonctionneront dans After Effects. Qu'il s'agisse de Photoshop, Illustrator ou peut-être même d'un dessin réel. Nous allons étudier la préparation et l' importation de ces illustrations dans After Effects. Nous verrons ensuite comment reconstruire ces illustrations dans After Effects afin qu' elles soient plus faciles à animer. Je vais ensuite vous présenter les principales méthodes que j'utilise pour recréer une grande variété d'effets dessinés. Et enfin, quelques techniques d'animation qui vous aideront à relier tout cela, ainsi que des tonnes de trucs et astuces supplémentaires en cours de route. J'espère qu'une fois ce cours terminé, vous aurez non seulement les connaissances nécessaires pour créer un bel effet de drone dans After Effects, mais que vous saurez également quels effets vous utilisez dans quelles situations. Alors passons au dessin ou au faux. 2. mise à jour en cours: Bienvenue dans mon cours sur la création d' un style dessiné à la main dans After Effects. L'un des principaux objectifs de ce cours est de conserver tous les avantages de l'animation numérique. C'est donc comme la rapidité et la commodité. Et nous allons utiliser certains effets et techniques d' After Effects pour redonner un peu de charme à quelque chose de plus artisanal. Dans ce cours, vous aurez besoin d'accéder à quelques programmes Adobe que nous allons principalement travailler dans After Effects pour créer l'animation finale, mais nous allons utiliser beaucoup de Photoshop. Je recommande donc d'avoir également accès à Photoshop. Et nous allons aborder deux illustrations qui ne sont pas essentielles, mais si vous travaillez dans Illustrator, je vais également en parler. C'est assez délicat parce qu'il existe une telle gamme de styles d'illustration. Je vais donc faire de mon mieux pour aborder ce que je pense être les méthodes de travail les plus courantes. Mais s' il me manque quelque chose, n'hésite pas à m'appeler. Vous travaillez peut-être à partir d'une œuvre d'art aplatie ou d'un scan sur papier ou quelque chose comme ça. Si c'est le cas, il est possible accéder directement à After Effects, mais il est toujours utile d'avoir accès à Photoshop pour pouvoir recréer des textures et peut-être modifier votre illustration. avant de l'intégrer dans After Effects, je recommanderais toujours l'accès à Photoshop dans ce cas, comme je l'ai dit dans l' introduction, ce cours sera utile pour toute une série de raisons. Mais surtout si vous n'avez pas le temps d' animer quelque chose à la main. Mais c'est également utile si vous devez associer élément d'After Effects à un style d'illustration. Si c'est le cas, alors ce cours est fait pour vous. Je vous recommande vivement de faire vos propres illustrations et je vais vous expliquer différentes manières de préparer plus tard dans le cours. Si vous n'êtes pas vraiment un designer, la collaboration est toujours une option, mais veuillez obtenir l'autorisation avant utiliser l'œuvre d'une autre personne. Les artistes sont souvent à la recherche d' animateurs qui animent les œuvres d'art parce que c'est une chose assez amusante à faire. Et puis si vous voulez tous les deux le partager sur vos réseaux sociaux, alors c'est une situation gagnant-gagnant de toute façon, plus tard dans le cours, je vais préparer une animation de ma propre image. Et je vais collaborer avec la géniale illustratrice Dorothy Siemens pour celui-ci. C' est son image ici. Si vous ne connaissez pas son travail, elle passe par Dorothy.com ou sur Instagram. Elle possède également une boutique Etsy. Alors va y acheter toutes ses belles choses. Je ne fournirai pas les fichiers originaux de Dorothy. Je vous recommande vivement de vous procurer le vôtre, mais j'ai fait une illustration de test qui est disponible dans plusieurs formats différents et qui est disponible dans le matériel de cours. Comme pour tout ce qui concerne l'animation, les choses peuvent se compliquer très rapidement. Nous n'aborderons aucune animation de personnage ni aucune technique de lecture dans ce cours. Nous allons nous concentrer principalement sur les effets dessinés. Il y a un personnage dans l'illustration que j'ai choisie, mais je vais faire en sorte que les choses restent calmes. Juste des mouvements très lents, un peu de mouvement de la main et clignements des yeux ou quelque chose comme ça. Je vous recommande de faire de même si vous n'êtes pas habitué à l'animation dans After Effects, je ferai une animation dédiée je ferai une animation dédiée dans la classe After Effects plus tard dans la ligne. Alors gardez les yeux bien ouverts pour cela. Donc avec tout cela, faisons un bref résumé de ce que nous allons couvrir en classe. abord, nous allons parler une terminologie d'animation courante que l'on retrouve dans l'animation dessinée à la main. Ce sont les principes clés que nous allons recréer dans After Effects. Ensuite, nous examinerons de nombreux exemples de styles d' illustration. Et je vais vous expliquer ce qui fonctionnera assez bien avec les défauts et ce qui sera beaucoup plus difficile. Ensuite, j'ai voulu partager avec vous quelques exemples concrets où j'ai réellement utilisé ces effets conjoints dans un projet. Ensuite, nous verrons comment préparer et importer des illustrations provenant d'Illustrator, Photoshop, ainsi que des illustrations aplaties. Quand je dis illustration aplatie, je veux dire une œuvre qui ne comporte aucun calque. Il s'agit simplement d'un fichier JPEG ou PNG aplati. Si vous travaillez dans Procreate, je pense que vous pouvez simplement enregistrer votre fichier au format PSD pour que le flux de travail Photoshop s'applique à vous. Nous allons également mettre en place nos projets d'effets secondaires afin que tout soit prêt. Ensuite, nous allons créer une texture animée bouillante dans Photoshop que nous pouvons appliquer au reste de notre animation dans After Effects. Nous verrons ensuite comment appliquer cette texture animée aux calques et aux effets secondaires afin donner vie à nos illustrations. Nous examinerons également quelques autres effets dans After Effects pour lui donner ce dernier coup de pouce. J'ai également une leçon remplie de trucs et astuces à garder à l'esprit lorsque vous construisez votre image. Enfin, il y aura une leçon sur les techniques d'animation à garder à l'esprit lorsque vous faites bouger vos images. Mais encore une fois, il ne s'agit pas d'une classe d'animation After Effects complète classe d'animation After Effects , mais plutôt de techniques d'animation qui seront utiles pour améliorer le style dessiné. Assurez-vous également de regarder jusqu'à la fin de chaque leçon, car je vais vous fixer des devoirs qui vous prépareront pour la leçon suivante. J'espère que le plan est clair et clair. Dans la leçon suivante, nous allons parler une terminologie d'animation courante qui sera utile lorsque nous recréerons un effet artisanal dans After Effects. Alors je te verrai là-bas. 3. mise à jour en cours: Je pense que c'est un bon point pour aborder la terminologie de l' animation avant de passer aux choses pratiques afin que nous soyons tous sur la même longueur d'onde. Si vous êtes déjà familiarisé avec ces concepts d'animation, n'hésitez pas à passer à l'étape suivante. Mais je pense qu'il serait utile de le couvrir parce que nous allons essayer recréer des objets faits à la main numériquement. Donc je pense qu'il sera vraiment utile de cerner ces concepts et d' essayer de comprendre ce qu'ils sont vraiment. Ce sont essentiellement les principaux domaines que nous allons essayer d' imiter numériquement pour donner à tout un aspect fait main. J'aimerais commencer par ce que l' on appelle communément l' ébullition parce que les vidéos sont composées de plusieurs images par seconde, tout ce qui bouge légèrement au hasard, chaque image bouge, un peu comme de l'eau bouillante, d'où son nom. Par exemple, si vous deviez dessiner la même image d'animation encore et encore. Et disons du fromage parce que tu es humain et imparfait. Alors laisse-moi, tu le dessineras légèrement différemment à chaque fois. Et ces légères variations dans le cadre signifient que lorsque vous le rejouez, la ligne aura un léger effet d'oscillation. Et dans l'animation, cela s'appelle bouillir. Vous pouvez obtenir des effets d'ébullition en animant des textures ou tout autre élément qui change par image. Tout ce qui est un peu aléatoire. Il y a donc une sorte de secousse. C'est un outil vraiment utile lorsque vous essayez de donner un aspect artisanal aux objets. C'est bon pour rendre les choses un peu plus vivantes. Comme s'ils avaient une sorte de mouvement. Lorsque vous travaillez numériquement c' est quelque chose qui devra être ajouté délibérément. C'est donc quelque chose qui vient naturellement lorsque vous travaillez avec formats analogiques tels que le dessin à la main ou le stop motion. Mais lorsque vous travaillez numériquement, vous devrez délibérément le rajouter car l'ordinateur va juste redessiner le cadre parfaitement jaune est. La prochaine chose dont j' aimerais parler, que les gens trouvent souvent déroutante, est de parler de l' animation à deux, de l'animation dessinée à la main, en particulier de l'animation traditionnelle dessinée à la main qui est dessiné sur papier. Cela prend évidemment beaucoup de temps. Et la vidéo fonctionne normalement à 2425 ou 30 images par seconde. Ce sont les fréquences d'images les plus courantes. Donc dessiner autant d'images pour autant de minutes d'animation va évidemment faire beaucoup d'images. Donc, un moyen simple de gagner du temps est évidemment de réduire la fréquence d'images. Imaginons donc souvent que vous travaillez à 24 images par seconde. Vous pouvez le couper en deux et travailler à 12 images par seconde. Vous ne dessinez donc 12 images par seconde d'animation. Mais évidemment, lorsque vous jouez 12 images par seconde à 24 images par seconde, parce que c'est par exemple dans les salles de cinéma, ils veulent projeter les films à la même fréquence d'images. Tout le monde s'en tient donc à 24 images par seconde. Donc, si vous l'avez dessiné 12 fois par seconde, quand vous le lancez à 24 images par seconde, il sera trop rapide. Donc, la façon dont les gens le font est dupliquer chaque image en deux images. Vous dessinez donc une image , puis vous dupliquez cette image. Ensuite, vous dessinez l'image suivante , puis vous dupliquez cette image. Il y a donc deux cadres pour chaque cadre. Et c'est ce qu'on appelle être à deux. C'est pourquoi les animations dessinées à la main ont souvent cette sensation de bégaiement. Et nous sommes programmés pour voir 12 images par seconde, c' est un peu plus fait à la main, mais il en va de même pour les trois ou les quatre. C'est le même terme. Cela signifie Friends pour chaque image, quatre images pour chaque renommée et ainsi de suite. Plus le chiffre est élevé, plus il y aura de bégaiement. Il existe un effet, très simple, que nous allons utiliser dans After Effects, appelé durée de postérisation, qui vous permet de modifier la fréquence d'images d'une composition ou même de n'avoir qu' un seul calque. J'aimerais également mentionner rapidement les traits et les remplissages qui sont un peu plus explicites, mais qui valent toujours la peine d'être mentionnés ici. Je pense que je vais utiliser le terme traits pour décrire tout type de une ligne ou un trait de crayon ou quelque chose comme ça. Dans l'illustration. Nous allons le recréer dans After Effects, en utilisant simplement des traits sur les calques Shape. Vous avez donc un tracé dans After Effects , puis vous pouvez lui appliquer un effet de trait, qui trace simplement une ligne le long du tracé. Est-ce que cela va ajouter des textures et des effets dans After Effects pour essayer correspondre le style de trait et l'illustration originale ? remplissages, d'un autre côté, sont tout ce qui n' est pas un trait. peut s'agir d'une forme avec une seule couleur de bloc, Il peut s'agir d'une forme avec une seule couleur de bloc, d'une surface avec une texture, d'un dégradé ou d'un peu d'ombrage. Tout ce qui aura une sorte de couleur appliquée dessus et qui couvre plus de surface que la seule ligne. En gros, tout type de remplissage devant être animé dans votre illustration recréera également ceux avec des calques de forme. Et After Effects, il s'agira simplement d'une forme de tracé fermé avec une couleur pleine à l'intérieur. Ensuite, nous appliquerons également des textures et des effets à celles-ci. Incroyable. Maintenant que certains de ces concepts d'animation sont un peu plus clairs, je pense que c'est le bon moment pour jeter un œil à quelques illustrations que nous pourrions vouloir animer. Dans la leçon suivante, j'ai rassemblé un tas d' illustrations différentes avec une gamme de styles artistiques différents que nous pouvons examiner. Ensuite, nous pourrons discuter de ce qui fonctionnera et ce qui ne fonctionnera pas si bien lorsque nous essaierons d'animer dans After Effects. Je te verrai là-bas. 4. mise à jour en cours: Bon retour parmi nous. Dans cette leçon, nous allons examiner différents types de styles d'illustration. Ensuite, nous allons parler ce qui fonctionne bien lorsque vous animez dans After Effects et ce qui pourrait être un peu plus difficile. À ce stade, j'aimerais également présenter un peu de théorie, je suppose, en termes de mélange animation artisanale et d'animation numérique. Parce que si c'est mal fait, ça peut mal tourner. La principale question que vous devez vous poser, vraiment avec toutes ces images, est : est-ce que ce serait mieux dans les artefacts, ou devriez-vous simplement le faire à la main ? animations dessinées à la main prennent beaucoup de temps, mais certaines choses sont vraiment difficiles à reproduire dans After Effects. Il s'agit donc de savoir ce qui doit vraiment animer la façon dont il se déplace et pendant combien de temps également. La principale chose qu' After Effects vous permet de faire est de configurer ce que vous allez animer le personnage du bol de fruits ou quoi que ce soit d'autre. Une fois qu'il est configuré, vous pouvez l'animer plus facilement pendant une plus longue période. Dans After Effects , l'obtention de cette première image d'animation terminée peut prendre beaucoup plus de temps. Une fois que vous avez terminé tous vos effets et le rigging, il aurait été plus rapide simplement dessiner cette seule image. Mais ensuite, animer dix secondes de cette chose dans After Effects serait rapide par rapport à dessiner dans chaque image à la main. autre côté, si le plan que vous devez animer est vraiment court, et disons que 25 images ont une animation de personnage vraiment compliquée. Il peut être beaucoup plus rapide pour nous de dessiner le tout à la main plutôt que configurer dans After Effects, vous aurez déjà fini au moment où vous arriverez à la première image et à After Effects. Il est donc nécessaire de bien réfléchir à ce que vous allez animer. Ok, donc je vais juste, à ces photos que je viens de sélectionner parmi les personnes que je suis sur Instagram en gros et parler leur aptitude à l' animation dans After Effects. Et aussi quels bits seraient difficiles, quels bits seraient faciles, et s'il serait préférable de faire des choses dessinées à la main ou un After Effects en utilisant des techniques d' effets secondaires. Passons donc rapidement en revue ces éléments et discutons rapidement à ce sujet. Donc oui, ça vient du studio Foreign Place. Ce sont des gars avec qui j'ai travaillé dans leur région où je vis dans ma région du Royaume-Uni. Et je suis un groupe d'animateurs très talentueux. Il serait parfait pour l' animation dans After Effects. Ce serait un peu difficile d' obtenir cette pose, cette pose particulière de ce personnage, le corps va parfaitement bien, mais peut-être que les pieds sont difficiles. La principale chose qui est déjà assez difficile à régler est le changement de perspective. Comme si vous faisiez une sorte de rotation 3D, ce genre de choses. Évidemment, c'est facile dans l'animation 3D, et c'est aussi facile dans animation dessinée car il suffit de dessiner la rotation. Ce n'est peut-être pas parfait à 100 % lorsque vous faites un tirage au sort, mais c'est quelque chose qui est assez difficile à corriger. Donc par ici, près des pieds, le personnage sera probablement debout à un moment donné et fera ensuite cette pose très dynamique en un flip. Vous pouvez donc déplacer les pieds d'un certain cadre vers cette œuvre d'art en particulier. Mais des rotations en douceur et une rotation en trois dimensions seraient peu délicates, mais faisables. Le reste de ce personnage se prête parfaitement à l'animation vectorielle. Il faudrait probablement recréer les bras et les jambes, d' une manière ou d'une autre, principalement vers le haut. Ensuite, vous devrez probablement ajouter ces lignes supplémentaires en haut en tant que couche supplémentaire. Mais vous pouvez l'attacher avec des valeurs nulles, ce genre de choses. Vous pouvez ajouter ces cheveux ondulés par la suite, dessinés au-dessus de votre animation After Effects. Pareil avec ces jambes de pantalon. Je veux dire, il peut y avoir une forme juste en haut, mais si vous voulez qu'ils se retournent, alors c'est un autre niveau de difficulté dans After Effects. Il est probablement plus facile de les dessiner dessus. En gros, j' essaie de savoir quand vous commencez à utiliser des calques de forme et After Effects et que vous modifiez la forme image par image. Vous pourriez aussi bien tracer ces lignes parfaitement faciles à faire. Ce personnage est parfait pour After Effects. S'il est juste debout là, pieds se verrouillent au sol et tu plies juste ses jambes et penches en arrière et tu fais monter ses bras en l'air. Et c'est vraiment sympa. Le plus difficile, c' est que ces lignes en haut, ces lignes de détails supplémentaires, celles-ci sont assez délicates parce qu'elles ne feraient pas vraiment partie du rig des personnages là-bas. Mais encore une fois, c'est quand même assez compliqué parce qu'il faudrait briser le personnage. Vous auriez vraiment besoin de quelques artefacts, du rigging de personnage, mais l'effet réel de faire correspondre vos effets secondaires à ce style dessiné. C'est super facile. Il vous suffit de faire un peu de distorsion sur les traits, un peu de distorsion sur le bord de vos calques de forme. Pas de problème avec celui-ci. Celui-ci est réalisé par les robots de test Smith. Illustratrice vraiment incroyable que je suis. C'est un autre exemple parfait d'animation dans After Effects qui serait parfait parce que vous devez en quelque sorte imaginer quelle animation vous feriez sur celui-ci. Je suppose que c'est un tas de fraises qui sautent partout ou peut-être même se regardent, se regardent, ce genre de choses. Ils clignent des yeux et bougent leurs visages. Ce genre de choses est super facile. Il suffit d'utiliser des calques de forme, des traits pour les visages, des joueurs de forme pour l' extérieur de la tête. Idéalement, si cela a été fait à l'aide d'Illustrator, vous pouvez simplement importer votre fichier Illustrator dans After Effects. S'il s' agissait de formes soulignées, vous pourriez devoir les refaire sous forme traits afin de les animer plus facilement. Une très belle pièce de Nando von ARB. Celui-ci serait également idéal pour les artefacts. La seule chose délicate serait d'obtenir ces ombrages, ce que vous pourriez facilement faire avec une sorte de dissolution de danse ou peut-être un peu de bruit et de dégradés. On dirait que tout est dessiné sur un seul calque. Je ne sais pas comment il a été fabriqué. Cela pourrait même être écrit sur papier. Je suppose que c'est Photoshop. Vous devrez simplement redessiner les calques de forme que vous pourriez probablement créer une goutte de pluie, puis l'animer, et peut-être quelques petits, grands ici, le calcul pourrait être façonné. Les joueurs créent simplement différentes couches. Celui-ci serait donc très facile à faire dans After Effects. Tout ce qui a l'air, tout ce qui a l'air vectoriel, tout type de style vectoriel, tout ce qui est de couleur unie avec des traits, c'est très facile à faire. La seule chose qui serait difficile ici est peut-être la rotation de la tête, car elle a un visage assez détaillé. Faire un virage ne serait pas si difficile, mais il serait très difficile de montrer ce qui se passe. Peut-être que c'est juste en train de couler dans sa tête et hors de son nez. Je veux dire, celui-ci est tout droit Illustrator et c'est un dessin radioactif au néon fou par Inky Wang a l'air super numérique, super vectorisé, les intégrer dans After Effects est absolument aucun problème. Je veux dire, vous pouvez simplement importer votre fichier Illustrator. Vous devez probablement préparer votre fichier Illustrator parce que vous devez diviser le fichier Illustrator en calques en fonction de ce que vous allez réellement animer. Mais vous pouvez certainement faire des caresses pour les jambes. S'ils marchent tous, ils ont tous l' air plus ou moins statiques en regardant la caméra, les bras ne sont même pas attachés à leur corps, ce qui rend les choses vraiment faciles. Vous pouvez simplement faire une rotation dessus, oui, évidemment, celui-ci est très, très facile à animer dans After Effects. Il s'agit donc d'un artiste inconnu. J'ai ce virus, Instagram repost. Le siphon qui ressemble à ça vient de Star Wars. Ce n'est pas une source d'inspiration pour C3PO. Je ne sais pas ce que c'est. Bon, maintenant nous entrons dans un territoire qui va être bien plus difficile. J'ai donc voulu donner quelques exemples de situations où cela va être presque impossible. Je veux dire, vous pouvez animer dans After Effects. Vous pouvez l'animer suffisamment pour x, mais ça ne va pas être bon. Est-ce que ça va être beau ? Est-ce que votre style d'animation va correspondre au style d'illustration ? Parce que pour moi, cela semble devoir être fait soit très, très soigneusement, avec une animation très minimale, soit un step frame, lentement. J'ai choisi celui-ci parce qu'il est possible de l'animer, parce que ce qui se passe dans la scène n'est pas très dynamique. Ils sont juste là, ce type assis là. Tu pourrais faire un geste très subtil sur sa cravate. Vous pouvez avoir en clignant des yeux, bougeant sa main, très subtil, ce genre de choses. Tu ne voudrais rien faire de plus que ça. Vous pouvez certainement faire de l'animation sur le fond et ces équipements scientifiques, ces béchers et tout le reste, ces tubes à essai et ces béchers. Ça pourrait être très bien. Un peu de lueur qui passe par la fenêtre. Évidemment, vous pouvez animer ce grain. Tu peux faire croire que c' était peut-être une pellicule ou quelque chose comme ça. Tu ne voudrais pas devenir trop fou là-dessus. Sinon, le tout serait comme s'il pétillait de bruit. Donc tu veux garder ça plus subtil dirait, mais oui, je ne sais pas en termes d'animation de ça, tu pourrais animer son bras un peu. Mais si vous commencez à faire des marionnettes à partir de ce genre de bras très détaillés, ils ressemblent juste à des marionnettes qu'elle pourrait tracer toutes ces lignes et ensuite garder la texture en dessous. Ce serait une tonne de travail. Ce serait une tonne de travail. Vous pouvez faire un mouvement très subtil et une fréquence d'images très faible et avoir toutes les lumières bip et avoir des tonnes de mouvements en cours dans cette partie du robot, ce serait plutôt amusant. Mais en termes d'animation de personnage, de mouvements de personnages, vous allez garder vraiment minimal. Sinon, ça va commencer à ne pas avoir l' air vraiment bon. En gros. Je pense que quelqu'un pourrait probablement animer ça d'une très belle façon, mais oui, il faudrait être assez limité. Vous devez faire attention à la façon dont vous l'animez. En gros. Voici un autre tableau que j'ai pensé qu'il serait bon de partager car celui-ci ressemble un peu plus à Vector3. Il y a donc certainement un certain mouvement que vous pourriez faire à ce sujet. Je veux dire, il n'y a pas de personnages dedans pour commencer, donc ça facilite un peu les choses. Je ne sais pas exactement quelle animation vous aimeriez faire. Peut-être un mouvement de caméra, vous pourriez être en train de sur toute la perspective et cela a vraiment forcé. Pour que vous puissiez vous en sortir avec de jolies choses Slidy qui se déplacent avec un peu de parallaxe, vous devez simplement garder ces textures à l'intérieur des formes. Donc, si vous déformez les formes, vous devez conserver ces textures car il n'existe aucun moyen réel recréer à l'aide d'After Effects. Il faudrait peut-être les étendre un peu avec Photoshop, ce qui est tout à fait possible. Ensuite, vous pouvez utiliser des masques dans After Effects pour révéler vos textures, les textures Photoshop. Il se peut que les oranges tombent dans le bol, ce genre de choses. Et le bol se balance d'avant en arrière alors qu'ils atterrissent avec un beau mouvement. Il peut être un peu difficile trouver des choses à animer là-dedans, mais c'est tout à fait possible. C'est un B by Ben Marriott. voici un que j'ai trouvé bon à partager parce que c'est un autre qui ressemble un peu à un répertoire avec des ombrages très picturaux. Vous pouvez donc certainement faire très beaux effets d'ébullition sur ces parties du tableau pour lui donner vie. Vous pouvez certainement animer cette flamme, probablement des flammes dessinées à la main et beaucoup plus facilement que de le faire dans des vecteurs. Vous voulez ce brouillage bancal que vous donne ce feu dessiné à la main. Surtout sur un dessin comme celui-ci, où tout est assez lâche et bancal de toute façon, ces ailes vous pouvez certainement faire couches de forme avec un peu de texture bouillante au milieu, vous pouvez J'ai ces ailes qui battent et qui bourdonnent. Painted Pont fait du bruit d'ébullition que vous pourriez faire dans After Effects. Vous pouvez certainement l' animer très bien en utilisant des couches d'effets et des textures bouillonnantes. Je trouve ce dessin de Julie, vraiment sympa. C'est tellement beau, ce sketch naïf et enfantin, mais c'est tellement agréable. Les couleurs sont tellement belles. La quantité de mouvement dans ce style de dessin griffonné qu'elle a. C'est tellement sympa. Vous pouvez le faire très facilement à la main parce que vous pouvez le faire très lâche. Vous pouvez donc faire tous ces gribouillis à la main dans Photoshop et tout simplement le faire image par image. Cela fonctionnerait parfaitement bien. J'essaie de penser à l'avantage de le faire dans After Effects. Vous pouvez le faire dans After Effects. Vous aurez besoin de beaucoup de travail pour ces traits ressemblent que ces traits ressemblent à des traits de crayon comme ici. Si vous aviez juste besoin de faire un cliché comme celui-ci, Photoshop serait la solution, je pense. Mais vous pouvez le faire dans After Effects pour, par exemple, si cela devait être très long, si vous aviez besoin de ce personnage, vous promenez dans cette forêt pendant un certain temps pour marcher sur des rochers et de faire des charges de différentes actions. Et vous n'aviez ni le temps ni le budget pour faire de l' animation dessinée à la main sur celui-ci, alors je pense qu'After Effects serait la solution pour ce personnage, le style de ce personnage que vous pouvez installer After Effects assez facilement. Vous pouvez faire des choses comme animer les cheveux. Ensuite, tout ce que vous avez à faire est d' animer une version bouillonnante de toutes ces textures et les suivre dans votre installation d'effets secondaires. Vous pouvez avoir tous ces arbres sur cinq furoncles que vous pouvez simplement dessiner dans Photoshop, puis les utiliser pointillés au hasard dans la scène. Et vous pouvez créer un tas de textures différentes en gribouillant dans Photoshop. Les hommes et la même chose avec le soleil. Ensuite, vous pouvez intégrer le tout dans After Effects et ce serait certainement plus rapide. Je ne sais pas si ce serait si rapide qu'il vaudrait la peine faire un After Effects en fonction la durée de la prise de vue, vous pourriez certainement gagner du temps. Si c'était trop long, ce serait beaucoup plus rapide dans After Effects. Lorsque vous décidez comment animer quelque chose, notez que le style d'animation a tendance à correspondre au style d'illustration. Ainsi, si votre illustration est constituée de découpes papier, l'animation doit être animée de manière à ce que découpes papier puissent être animées. Le papier n'a donc pas tendance à se plier d'une certaine façon. Donc, si vous commencez à le plier, ce que vous pouvez faire numériquement, cela ne ressemblera plus vraiment à un papier découpé. Cela peut sembler évident, mais il existe de nombreux exemples d' animation où quelqu'un a appliqué effets assez numériques sur quelque chose qui a été fait à la main, comme des effets de particules, des flammes ou un flou de mouvement est un problème très courant. Si vous ajoutez cela à quelque chose qui est censé être fait main, alors les deux styles ne gèlent pas très bien. Je ne dis pas que cela ne peut pas fonctionner, mais très souvent, ajout de ces effets détourne du style d'illustration original sur le même point, parlant des personnages plus spécifiquement, si les personnages ont des proportions réalistes. Donc si les personnages ont été conçus d'une manière qui ressemble plus à un humain qu'à un personnage de dessin animé. Ensuite, ces personnages doivent également être animés d'une manière un peu plus réaliste. Sinon, ça aura l'air un peu bizarre. Si vous pensez à l'animation japonaise. Très souvent, les personnages sont conçus de manière très réaliste. Donc, le type d'animation correspond à des correspondances qui respectent leur mouvement d'une manière un peu plus réaliste. Je ne dis pas que c'est une règle qui ne peut pas être enfreinte parce qu'il est évident que les règles sont là pour être transgressées et surtout en termes d'art. Mais en général, cela semble un peu plus logique quand les choses bougent comme elles semblent devoir bouger. Évidemment avec des personnages stylisés et des personnages de dessins animés qui peuvent se déplacer de manière un peu plus irréaliste ou exagérée. C'est donc une bonne idée de garder tous ces points à l'esprit lorsque vous approchez de votre animation. Super. J'espère donc que nous avons une meilleure idée de la façon dont After Effects et que nous aiderons à faire bouger quelque chose par rapport à le faire à la main. Résumons rapidement les principaux points que nous avons abordés. Les artefacts peuvent donc être plus lents lors de la configuration de cette première image d'animation, en particulier après avoir terminé toutes vos lectures et tous vos effets. Mais une fois que vous l'aurez configuré, il sera beaucoup plus rapide de l'animer réellement. Vous devez généralement vous assurer que votre style d'animation correspond à votre style d'illustration. Donc, si vous avez une caractérisation réaliste, déplacez-vous de manière réaliste. Et c'est le contraire qui est vrai pour les personnages stylisés. C'est une bonne idée de réfléchir à ce qui va bouillir dans la scène. Quelles lignes vous allez devoir refaire. autre ligne va être en ébullition ou la texture va être bouillante, ce genre de choses. C'est donc une bonne idée de réfléchir à ce qui va bouger et à la quantité d' image que vous allez devoir refaire pour faire bouger les choses. Pensez aux parties de l' image qui seront laissées à la main. Donc, si vous travaillez avec quelque chose qui est peint, il sera un peu plus difficile recréer un After Effects. Beaucoup de dégradés, beaucoup de détails, ce genre de choses. Si vous voulez travailler avec ça, puis vous allez placer des calques de formes animées par-dessus, comment ces éléments se mélangent et quels types d'effets allez-vous devoir faire numériquement pour qu'il ressemble à ça, qu'il vive dans le monde de l'illustration. C'est donc une bonne idée de commencer à rassembler les textures et les éléments que vous allez utiliser pour faire en sorte que les vecteurs que vous allez animer dans After Effects ressemblent à l'original illustrations. Super, faisons une petite pause. Finalement, je vais te demander de trouver ton illustration. Ce sera l'un des devoirs et des leçons. Mais avant de commencer à faire cela, je pense que ce serait une bonne idée de regarder la leçon suivante où je voulais juste partager quelques projets d' animation sur lesquels j'ai travaillé et où nous devions faire correspondre un dessin et nous avons tout animé dans After Effects. Je vais parler un peu de notre processus pour ces projets et de la façon dont nous avons obtenu l'effet de drone. Je te verrai dans la prochaine leçon. 5. mise à jour en cours: Ok, encore un petit cours théorique. Avant d'en venir aux choses pratiques. Je voulais partager rapidement quelques exemples concrets où j' utilise les techniques que j' enseigne dans ce cours pour obtenir un aspect artisanal de l'animation d' artefacts numériques. Jetons un coup d' œil à ces deux emplois sur lesquels j'ai travaillé. Ce sont deux très bons exemples de prise d' œuvres d'art dessinées à la main et d'animation complète et d'effets secondaires. Le premier est Chronemics, que j'ai fait en 2015. Je pense que pendant que je travaillais chez animated, un studio d' animation basé à Londres. Tout a donc été conçu par le directeur artistique, Ed Barrett. Cette section du film a été donnée à un animateur différent dans le studio et ils ont la possibilité de réaliser leur propre petite section, projet vraiment amusant sur lequel travailler. Probablement l'un de mes plus beaux souvenirs d'animation. Le truc, c'est qu'Ed l'a conçu en pensant à l' animation After Effects. Il a donc rendu les choses très simples et nous avons dû faire beaucoup d'animation. Il a donc gardé la tâche super simple pour nous aider afin que nous ayons cela pour nous. En gros, j'ai été chargé de truquer les personnages d'effets secondaires et faire en sorte que l'effet dessiné fonctionne. Mais oui, vous pouvez le voir, mais tous les personnages sont simplement constitués de couches de formes. Ce ne sont que des caresses. L'animation de tracés et de traits dans After Effects est assez simple. Nous voulions faire en sorte que cela ait l' air d'avoir été dessiné sur papier. On aurait pu vraiment, tu peux vraiment aller trop loin. Vous devez donc tracer une ligne à un moment donné entre la durée du rendu et des effets secondaires, la simplicité des rigs et la lourdeur du travail lorsque vous animez , etc. ainsi de suite. C'est donc un peu comme trouver un équilibre. Nous avons trouvé quelques moyens assez efficaces de rendre ce film plus artisanal que les couches classiques d' After Effects. Et l'un des points clés était de garder à l'esprit que si vous animez sur du papier, lorsque vous numérisez ces images, par exemple, la texture de l'arrière-plan ne changera que lorsque les personnages Déménagement. Si rien ne bouge à l'écran, c' est que la texture de la texture du papier qui traverse l'arrière-plan ne changera pas. Tu vas tenir cette texture. J'ai donc dû créer une petite expression After Effects qui randomisait la texture du papier chaque fois qu'il détectait que quelque chose bougeait dans la scène. L'autre chose était évidemment de rendre les traits non uniformes. Donc, obtenir cette épaisseur aléatoire dans les traits était l'autre chose clé que nous avons faite. Il y avait un certain nombre de choses qui se passaient pour atteindre cet effet. Le fait que je sache que c'est fait dans After Effects, cela ressemble à After Effects parce que les lignes sont toujours assez nettes. Et si vous regardez de très près, si vous montez à 100 %, vous pouvez voir que ce n'est pas vraiment du papier. Vous pouvez le voir en tant que patient. Et il y a aussi peu de choses qui le révèlent, parfois avec le masque et ce genre de choses. Mais en général, je pense que nous nous en sommes assez bien sortis. Et l'autre sur lequel j'ai travaillé plus récemment avec mes amis d'o studio. Et l'animation était dirigée par Joe Bichon là-bas. C'était une bande-annonce de livre pour Chris Horton, un incroyable illustrateur pour enfants. Et pour son nouveau livre intitulé maybe, je pense qu'il travaille dans Photoshop, soit ça, soit il fait des choses sur papier puis en découpe et puis les apporte dans Photoshop. Quoi qu'il en soit, nous avions Photoshop, des documents Photoshop en couches avec lesquels travailler. Et il a ces jolis styles d' illustration découpés chaotiques et très lâches. L'animation devait donc toujours être assez encadrée. Nous avons donc évidemment fait un peu d' animation parallaxe sur tous les différents calques. Et c'est sur 12 images par seconde, je crois. Et puis les personnages étaient purement Reagan After Effects. Je crois que j'ai utilisé des découpes de tête pour les singes, mais je ne suis pas sûr d'avoir le sentiment. Je l'ai juste tracée en couches de forme afin de pouvoir les changer un peu par singe. Vous devez également animer les yeux car il n'y a que peu de formes. Parfois, il est plus facile de le suivre. Vous l'avez donc sous la forme d'un calque de forme plutôt que d'un document Photoshop que vous devez masquer. Et puis les corps, ce ne sont que des accidents vasculaires cérébraux. Je pense que c'est six traits et je pense qu'ils sont tous sur une seule couche. Donc le corps que les deux bras, les deux jambes, le corps et la queue. Je pense qu'ils sont tous dans un calque de forme ou peut-être un autre calque de forme pour le bras avant. Si le bras doit passer devant la tête. Et puis il n'y a que six coups et il y a des bords rugueux massifs dessus. Une couche de bords rugueux, des bords rugueux est juste un effet de distorsion et nous en utiliserons beaucoup, c'est quelque chose que vous devez utiliser tout le temps si vous voulez faire ressembler les choses Ils sont dessinés à la main et After Effects, il existe d'autres moyens d' obtenir cet effet, mais rendre les bords rugueux est si simple car il ne s'agit que d'un seul effet. Et vous pouvez le mettre sur n'importe quel joueur de forme ou n'importe quoi. Et cela donnera simplement ce genre de champ brut et fait main à n'importe quelle forme vectorielle, et c'est tout. Donc, juste quelques couches de forme simples pour le rig de personnage et belle animation d'image par étapes avec une faible fréquence d'images et tout semble vraiment fait à la main. Super. J'espère donc que vous avez trouvé cela instructif et utile pour voir comment ces deux styles d'illustration différents ont été créés. Cela utilise beaucoup des mêmes techniques sur les deux pour obtenir des résultats différents. Consultez les liens dans la description ci-dessous pour accéder la version complète des deux projets. Bien, votre devoir pour cette leçon est de trouver l'illustration que vous souhaitez animer. Cela peut donc être fait par vous-même ou avec un collaborateur peint dans Photoshop, dessiné dans Illustrator ou avec des crayons et du papier, peinture à l' aquarelle, quoi que vous fassiez. Et j'aimerais que vous gardiez à l'esprit tous les points dont nous avons parlé au cours des deux dernières leçons. De plus, il convient de mentionner à nouveau que si vous travaillez avec une illustration qui n'est pas la vôtre, assurez-vous d' obtenir d'abord la permission. C'est mieux ainsi parce que l'artiste original de l'artiste est normalement parfaitement adapté pour que vous puissiez l'animer. Ensuite, vous pouvez tous les deux le partager sur vos plateformes de réseaux sociaux. Quelques conseils si vous travaillez dans Photoshop ou Illustrator, ou dans un logiciel en couches qui vous permet de séparer les éléments en autant de calques que possible, car cela vous offre beaucoup plus de flexibilité plus tard. De plus, je dirais que vous vous inquiétez plus de faire une belle image que de la rendre facile à animer. Parce que très souvent , en tant qu'animateur, on vous demande de créer quelque chose sur illustration sur laquelle vous n'avez aucun contrôle, ils vous diront simplement : pouvez-vous l'animer ? n'y aura donc pas beaucoup de considération pour toi en tant qu'animateur quand tu auras ces dessins. Mais cela dit, pour cette leçon, essayez peut-être de garder les choses assez simples. Ce sera une perte de temps si vous essayez de suivre la leçon et que vous avez vraiment du mal avec une illustration très compliquée. Donc, comme vous avez le contrôle cette fois-ci, je pense que c'est probablement une bonne idée qu' une fois que vous aurez compris les fondamentaux, vous puissiez faire une illustration plus compliquée. Mais pour celui-ci, restez probablement simple si vous le pouvez. Bonne chance, et je vous verrai dans la prochaine leçon où nous allons commencer à importer des illustrations dans After Effects. Je te verrai là-bas. 6. mise à jour en cours: Bon, nous avons donc passé en revue nos fondamentaux et examiné différents types d'illustrations. Et nous avons une meilleure idée de la façon dont nous aborderions l'animation. Au cours des prochaines leçons, nous verrons comment préparer votre œuvre d'art. Qu'il s'agisse d'un fichier numérique auquel vous avez accès aux calques, comme un fichier Photoshop et Illustrator, ou d'une illustration aplatie, nous verrons comment les préparer et comment les artefacts et les met de différentes manières. J'espère que vous avez tous fait le devoir et que vous avez quelques illustrations que vous souhaitez maintenant animer. Que vous l'ayez fait vous-même ou que vous ayez trouvé un collaborateur avec qui travailler. Pour terminer mon animation, je vais travailler avec une illustratrice nommée Dorothy Seaman. Elle est géniale. Je recommande vivement d' aller voir son travail. Vous pouvez le voir affiché en arrière-plan ici, et je vais le mettre à l'écran pour vous maintenant. Les leçons suivantes ont donc été divisées en importation depuis Illustrator, puis Photoshop, puis illustrations aplaties. Ensuite, je vais passer à la préparation de l' image de Dorothy pour l'animation. Je l'ai séparé comme ça juste pour un accès facile. Et je sais que tout le monde se situe à des niveaux différents. Si vous êtes simplement un artiste Photoshop, vous travaillez normalement dans Illustrator, ou si vous ne faites que des peintures, mais que vous souhaitez apprendre à utiliser After Effects, j'espère que chacune de ces étapes est va vous aider à comprendre comment After Effects intègre différents types d' illustrations, car elles sont toutes légèrement différentes. Pour les trois prochaines leçons, je vais utiliser cette illustration que j'ai faite rapidement pour moi-même. J'ai réalisé une version illustrateur de la version Photoshop et une version aplatie. Et je les ai inclus dans le matériel pédagogique si vous voulez suivre. Bien, dans cette leçon, nous allons voir comment importer depuis Illustrator. Alors allons-y. Je pense que c'est un bon point de départ. J'ai créé ce fichier très simple, qui est un exemple de ce que vous pouvez utiliser. Une chose à garder à l'esprit est que c'est probablement beaucoup plus simple que un client ou un illustrateur qui n'anime pas pourrait vous donner. J'ai eu un vrai choc dans le passé où vous obtenez ces énormes documents chaque fois qu' il y a un million de couches et que tout est sans étiquette et groupé de manière étrange. Ou il y a des tonnes de choses cachées que vous avez faites ce que vous pouvez conserver et ce que vous pouvez supprimer, ce genre de choses. Évidemment, ce n'est pas un style dessiné à la main, c'est juste un style vectoriel, mais nous allons aborder les choses dessinées à la main dans un moment. Vous pouvez faire des choses dessinées à la main dans Illustrator, ce qui ne va évidemment pas couvrir cette fois-ci. Il s'agit d'un tout autre processus. Ce ne sont donc que des documents très simples pour vous donner une idée de la façon de préparer des éléments pour After Effects. J'aime donc avoir un aperçu des principales étapes. La première chose à faire est de jeter un coup d' œil à vos couches. Jetons donc un coup d' œil à la structure ici. Si vous ne voyez pas votre zone de calque, assurez-vous qu'elle est présente. Laisse-moi juste le poser ici. Cela peut ressembler ceci sur le côté de votre panneau latéral. Vous pouvez simplement cliquer dessus faire apparaître vos calques. Et j'aime le glisser dans une boîte séparée pour pouvoir le faire aussi grand que je veux. Si vous ne le voyez pas si vous cliquez sur, si vous cliquez sur ce bouton ici et que vous accédez à Essentials Classic, votre mise en page devrait correspondre à la mienne. Vous pouvez également accéder à la fenêtre et cliquer sur les couches ici. Et F7 est le raccourci et le PC de toute façon, je ne suis pas sûr de ce que ce serait sur Mac. C'est ainsi que vous obtenez la fenêtre Couches. Nous avons le fond, puis nous avons la plante sur une couche ou le fond. Ensuite, nous avons l' ombre du personnage et le personnage sur le calque supérieur. Ce sont donc les cinq couches principales de ce document, et il a évidemment été un peu rangé. Ces choses sont superposées assez bien d'une manière utile, ce qui est bien. titre d'exemple, voyons ce qui se passe si nous importons ce fichier Illustrator directement dans After Effects. Ils passeront à After Effects. Je vais aller dans la fenêtre de mon projet, puis dans Importation de fichiers, trouver mon document Illustrator, cliquer sur Importer. Ensuite, la première chose qui vous est présentée est cette boîte de dialogue de saisie. Et il vous demande comment vous voulez l' importer et assurez-vous sélectionner la composition, la tension. Il affichera simplement votre fichier Illustrator aussi plat qu'une image aplatie, ce qui n'est pas très utile pour nous. L'autre option ici est que vous avez la taille de la couche. J'opterais donc toujours pour la taille du calque, mais dans certains cas, vous pouvez avoir besoin de la taille du document. En gros, il s'agit du cadre de sélection de la couche. Parfois, cela rend le cadre de sélection vraiment grand. C'est le cas si vous travaillez avec des calques Illustrator, mais nous allons principalement les transformer en calques de forme. Cela n'a donc pas vraiment d' importance pour notre cas, mais gardez les tailles de couche les plus utiles, je pense, dans ma situation. Cliquez donc sur OK, puis vous avez maintenant une composition. Alors ouvrons ça. Il est également créé un dossier contenant tous les calques de votre fichier Illustrator sous forme d'images Illustrator distinctes. Le personnage est donc aplati en un seul calque, son ombre en un seul calque et ainsi de suite. Vous pouvez voir la même chose dans votre composition ici. Nous avons donc le personnage, puis voici l'ombre et les plantes, ainsi que les deux arrière-plans. Ok, donc c'est plutôt utile. On peut, on peut travailler avec ça. Mais la prochaine chose à faire, surtout pour ce personnage, est évidemment que vous voulez séparer tous les bras et les membres et les différentes formes. Donc, si vous cliquez dessus avec le bouton droit de la souris et que vous allez dans Créer, créer des formes à partir du calque vectoriel, en gros, cela crée un calque de forme qui est le calque illustrator. Et si vous l' ouvrez, allez dans Contenu, chaque forme est transformée en un groupe séparé à l'intérieur ce calque de forme très complexe. C'est donc très utile. Je veux dire, tu pourrais juste y aller et pêcher tout ce dont tu as besoin. Si je devais truquer ce personnage, je referais les traits simples des bras et des jambes toute façon avec un chemin pour la jambe comme celui-ci, je ne l'aurais pas comme forme de contour cette façon, vous pouvez l' animer dans un un peu mieux. Je ne vais pas trop parler de gréement et d'autres choses dans ce cours, mais c'est comme ça que je l' aborderais. Il y a donc certaines choses que vous voudrez garder directement dans Illustrator, comme peut-être la tête et la main, ce genre de choses. Mais tu devras refaire certaines choses. C'est la nature même de travailler avec des illustrations prédéfinies dans After Effects. Je pense donc à un peu de préparation dans Illustrator avant d'importer dans After Effects, c'est une bonne idée. Débarrassons-nous de ça pour le moment et recommençons. Je vais les sélectionner et les supprimer. Mais revenons à Illustrator. Donc, comme nous le pouvons, comme nous l'avons vu dans After Effects, After Effects voit chaque calque, calque racine dans Illustrator, comme un calque distinct. Alors. Ce qui serait vraiment utile, c'est si nous avions tous ces personnages en pause, s'ils étaient séparés en couches séparées. Mais pour le moment, vous ne pouvez pas mettre un chemin en dehors de son calque doit être contenu dans un calque. Nous devons donc créer une couche partir de chacun de ces chemins. C' est donc très facile de le faire. Assurez-vous donc que tout est désélectionné. Vous n'avez rien sélectionné dans vos calques ou sur la scène. Vous pouvez donc simplement cliquer n'importe où pour désélectionner, puis cliquer sur le calque et vous assurer que rien n'est verrouillé à l'intérieur. Assurez-vous que tous les cadenas sont éteints. Ensuite, cliquez sur le menu et allez sur relâcher, relâchez les couches à séquencer. Cela permet de placer chaque chemin à l'intérieur de ce calque dans son propre calque. Ensuite, il vous suffit de maintenir la touche Maj enfoncée et de cliquer sur pour sélectionner toutes ces couches. Il suffit de le faire glisser en dehors du calque d'origine, et celui-ci sera vide et nous pourrons simplement le supprimer. Maintenant, nous les avons tous là. Je vais donc passer en revue et le faire pour chaque couche que nous voulons séparer. Prenons simplement l' ombre pour le moment. Au moins les couches Relâchez vers couches, puis je déplace simplement ma plante ici, clique sur la plante et relâche en couches. Bon, maintenant, j'ai toutes mes formes sous forme de calques séparés. Aucun d'entre eux n'est étiqueté, mais c'est la même quantité de travail que de les étiqueter dans After Effects. Nous pouvons donc aussi bien le faire et les effets secondaires moins que vous n'alliez partager cela avec d'autres personnes. Je suis donc en train de sauvegarder une nouvelle version afin que nous ayons l'ancienne version. Si au cas où nous aurions besoin d'y revenir, revenons à After Effects. Cette fois, je vais faire Control I pour l'import. Je vais donc sélectionner le Filter Illustrator dans lequel je travaille, Control ou Command I sur un Mac et l'importer en tant que composition. Encore une fois, double-cliquez dessus. Nous avons maintenant toutes nos formes sous forme de couches séparées. Maintenant, si nous faisons notre truc de créer, créer des formes à partir d'un calque vectoriel, nous avons tous nos contours ici pour nous. Nous pouvons simplement les supprimer. Un petit conseil. Si vous appuyez sur le bouton Tilda du clavier, la fenêtre que vous survolez apparaît en plein écran. Donc, votre composition ou vos calques, voir les calques en plein écran est vraiment utile si vous ne savez pas lequel, le bouton, le bouton jusqu'à ce qu'il y en ait, tapez simplement le bouton T, L, D, E, le clavier dans Google. Et ça te montrera de quoi je parle. L'autre que je voulais vous montrer est un plugin appelé overlord, qui est créé par une société appelée battle ax. Donc je vais juste, ce que je vais faire, c'est supprimer tous ces calques d'illustrateur qui sont introduits ici. Je vais donc simplement supprimer cela. Ensuite, je vais supprimer tous les calques de forme ici. Il ne nous reste donc plus qu' une composition vide. Et je vais retourner voir Illustrator. Et je vais revenir à notre modèle d'origine avec juste les couches. Disons que nous n'avons pas fait exploser deux calques, toutes les formes, et qu'ils étaient juste dans cette disposition de calque d'origine est un plug-in payant. Donc, si vous avez le budget pour acheter ce plugin, alors il est vraiment utile si vous faites beaucoup de travail indépendant avec des fichiers Illustrator est essentiellement un outil essentiel. Je veux dire, ce n'est pas essentiel, mais c'est le cas. Dans certaines situations, cela accélère considérablement votre flux de travail. Je vais dans Windows, je vais dans Extensions et j'ouvre Overlord. Et il y a un tas d'options différentes ici que je ne vais pas aborder, mais elles peuvent être très utiles dans différents points d'ancrage que vous pouvez faire. Mais la principale chose que nous allons voir, c'est que je fais pression sur After Effects. Vous pouvez également tirer des effets secondaires, ce qui est vraiment cool. Vous pouvez réintégrer des calques de forme depuis After Effects dans Illustrator. Très pratique. Il s'assure donc que votre destination est sélectionnée dans After Effects. J'ai ouvert cette composition. Et je vais littéralement tout sélectionner. Je vais donc sélectionner l'ensemble. Rien n'est verrouillé. Et je vais juste appuyer sur Push selection to After Effects. Et il passe à After Effects. Ensuite, il reconstruit l'intégralité du document Illustrator dans After Effects en tant que calques de forme et conserve même une partie du nom du calque. Il est donc beaucoup plus facile de travailler avec. Il a donc fallu quelques étapes pour sortir du processus de saisie, ce qui est vraiment utile. Je vais préparer certaines de ces choses pour l' animation plus tard. Incroyable. Faisons donc une petite pause et récapitulons les principales étapes à suivre lorsque vous importez des illustrations depuis Illustrator. Ainsi, lorsque vous importez un fichier en couches que vous allez vraiment animer dans After Effects. C'est une bonne idée d' importer en tant que composition. Donc, si vous importez en tant que métrage, ce qui est l'autre option, il s'agira simplement d' une illustration aplatie sur un seul calque. Lorsque vous importez depuis Illustrator, soyez conscient qu' After Effects ne voit réellement les calques principaux que comme des objets distincts. Vous pouvez les séparer davantage dans After Effects, fois que vous les avez importés, mais c'est une méthode un peu compliquée. Il est donc préférable de faire la préparation dès le départ dans Illustrator, divisez ces formes individuelles en calques séparés, ce que je vous ai montré comment faire. Ensuite, tout sera un peu plus facile à gérer dans After Effects. Ou comme je l'ai mentionné plus tôt, vous pouvez utiliser ce plug-in appelé overlord, qui est créé par une société nommée battle ax. Cela facilite grandement certaines étapes. Ce n'est pas vraiment un plug-in magique à un bouton qui peut parfois mal tourner, alors soyez conscient de cela. Mais dans certaines situations, il est très facile de cliquer sur overlord et cela va tout transférer vers After Effects. Dans la leçon suivante, nous verrons comment importer des illustrations depuis Photoshop dans After Effects. Alors je te verrai là-bas. 7. mise à jour en cours: Bon retour. Nous allons poursuivre notre voyage d'importation. Cette fois, nous allons voir comment importer un fichier Photoshop en couches dans After Effects. Passez à Photoshop. J'ai la même image que le fichier Photoshop dessiné à la main. C'est donc un peu, maintenant nous allons aborder un peu plus cela, comment gérer les éléments dessinés à la main. vous l'a donné Un illustrateur vous l'a donné et on vous a demandé de l'animer, ou peut-être l'avez-vous fait vous-même. C'est cool d'y aller. Tu as des traits sur cette couche, j'ai la peau sur cette couche. C'est sympa. Et toutes ces textures sont intégrées dans le calque. C'est très bien ça. Les ombres sur un calque séparé. C'est donc très utile. Nous pouvons certainement travailler avec certains de ces éléments. Une remarque rapide est que lorsque vous avez reçu un fichier Photoshop ou si vous travaillez beaucoup dans Photoshop, vous avez un groupe pour un tas de calques. C'est peut-être le groupe de personnages. Si vous l'apportez dans After Effects, je ne vous montrerai pas comme je l'ai fait avec l'illustration. Mais si vous l'importez dans After Effects, tous les calques séparés seront intégrés. Donc c'est très bien. Mais il apportera chaque dossier en tant que PreComp, aura une composition principale Photoshop Composite. Et puis à l'intérieur, il y aura toutes les couches libres que vous avez à la racine. Ensuite, quand il voit un dossier qui entrera dans notre flex en tant que précomposition. Ensuite, vous ouvrez la pré-composition et à l'intérieur il y aura vos couches. Donc, si vous ne voulez pas que votre document soit pré-compilé exactement de la même manière que votre document Photoshop, ce qui est probablement le cas lorsque vous faites de l' illustration, c'est ici. C'est très différent de travailler dans l'animation et les After Effects. Parfois ça marche, parfois ça ne marche pas. Comme dans cette situation particulière, vous aurez probablement un précomp appelé personnage, mais j'aime bien prendre cette décision pour moi-même. Je regroupe donc normalement tous les éléments des calques dans Photoshop afin qu'ils soient tous comme des éléments libres dans le document phare. Parce que c'est à vous de décider vous-même quand vous êtes dans After Effects, comment l'organiser. J'ai donc cliqué sur Enregistrer. Allons dans After Effects et importons-le. Je vais donc aller dans mon dossier Photoshop, appuyer sur Control I et importer le fichier Photoshop. Et encore une fois, nous voulons juste de la composition. Nous avons maintenant tous nos calques dans Photoshop. Cela s'applique probablement à toutes les choses que vous êtes importantes. Vous devez vérifier la taille de votre image. Donc en fait, je me suis un peu facilité la tâche d'avoir fait ça en HD. Ce sont donc tous 1920 par 1080. Celui de l'illustrateur, celui de Photoshop et celui de l'aplatissement, ce que nous allons faire ensuite. Une fois que vous avez créé votre composition, allez dans Composition, Paramètres de composition. Et cela ouvre cette fenêtre. Ensuite, vous pouvez modifier la taille de celui-ci. Donc, si votre image est trop grande, comme si c'est quelque chose de grand, quelles illustrations ont tendance à être parce que normalement faites pour l'impression en grand format. Nous voulons évidemment travailler à quelque chose de plus raisonnable dans After Effects. Si vous travaillez, vous pouvez travailler très gros, évidemment comme pour k en tant que format totalement normal maintenant, mais il n'est toujours pas vraiment utilisé à ce point. Hd reste le format le plus courant que vous trouverez. Taille commune. Donc, si la taille de votre image est beaucoup plus grande que, je vous recommande de régler votre largeur sur 1920 ou votre hauteur sur 1920, votre largeur sur 1920 ou car vous pouvez travailler en mode portrait ou paysage. After Effects va très lentement lorsque vous travaillez rapidement avec de grandes tailles d'image. Je crois que je l'ai déjà mentionné, mais si vous travaillez dans Procreate, procreate peut enregistrer des fichiers au format PSD, qui est un format Photoshop. Et vous pouvez également les ouvrir dans Photoshop. Donc, si vous travaillez dans Procreate, ce que beaucoup de gens font de nos jours plutôt que ceux qui ne savent pas ce que c'est. C'est une application de dessin très courante sur iPad. Donc, si vous travaillez dans Procreate, vous pouvez simplement suivre le flux de travail Photoshop si vous souhaitez importer des éléments dans After Effects. Il suffit donc de parler rapidement de la façon dont nous aborderions l' animation à ce sujet. Le personnage. Je crains que vous n'ayez à refaire complètement ce brasier et cela implique de le retracer. n'y a pas vraiment de moyen de le faire automatiquement, sauf si vous ne pouvez pas créer de formes à partir de cela , sauf si cela a été fait à l'origine dans Illustrator . Vous voudrez peut-être suivre tout le processus de mise en évidence à l'aide des éléments illustrés automatisés, mais en utilisant trace ou n' importe quelle trace en direct. Mais personnellement, cette forme est assez simple. Même alors, avec l' Illustrator décrit. Si vous gérez cela, décrivez automatiquement cela dans Illustrator, vous devrez toujours en refaire une partie en utilisant différentes techniques dans After Effects pour pouvoir l' animer , donc je ne m'embêterais pas, ou il suffit de le reconstruire. Lisez le personnage comme vous voulez casser et utilisez-le simplement comme guide pour le plan. Vous pouvez probablement réutiliser ces feuilles, vous pouvez donc simplement faire des masques autour de chacune de ces feuilles. Et puis ces feuilles seraient bonnes à animer. Mais tout ce qui doit changer de forme ou de forme, vous devrez le refaire. Vous pouvez également utiliser les outils Puppet. Mais les outils de marionnettes ne fonctionnent pas toujours bien. Donc, si vous ne savez pas ce que sont les outils publics, je vais vous les montrer très rapidement si vous appuyez simplement sur ce bouton ici. Je vais donc mettre en solo cette couche corporelle parce qu'elle ne fonctionne que sur une seule couche. Vous pouvez évidemment pré-éjaculer , mais si vous appuyez sur ce bouton d' épingle ici, vous pouvez commencer à dessiner des punaises et il reconnaîtra où se trouve le canal alpha et en fait une forme flexible. C'est juste que ça ne plie pas les choses correctement. Cela fait des distorsions vraiment étranges. Donc, si vous voulez utiliser Puppet tells, vous devez tout séparer. C'est super utile et je l'utilise tout le temps et je l' utiliserais certainement sur des projets comme celui-ci. Mais vous ne pouvez pas simplement utiliser une couche et y coller des outils de marionnettes. Ce n'est tout simplement pas dans le travail. Si je n'arrête pas de parler de faire ces personnages des traits, c'est ce que je veux dire. Je traiterais donc ce personnage comme ceci. Disons que je veux cette jambe. J'utiliserais l'outil stylo. Ensuite, nous allons créer des calques de forme comme celui-ci. Ensuite, vous pouvez agrandir le trait. Quelque chose comme ça. Et puis ce serait une étape animée. Maintenant, une fois que vous avez ajouté vos effets, ne vous inquiétez pas trop à ce sujet. Mais pour l'instant, c'est juste pour vous montrer l'exemple, parce que je vais travailler sur une autre image plus tard. Mais ce personnage devrait être fait de traits comme ça. Vous pouvez créer tous les membres comme ça simplement parce qu'ils ont la forme parfaite pour les traits, ils ont une largeur uniforme tout en bas, ce qui le rend agréable et facile à travailler avec des traits. Mais oui, nous allons créer des calques de forme et faire tous les effets plus tard dans le cours. Avant de voir comment recréer ces textures et ces traits dans After Effects. Nous allons simplement parler rapidement de travailler avec des œuvres d'art paysager. Super. Il convient donc de mentionner rapidement qu'il s'agit en fait exemples assez simples d'illustrations que vous pouvez importer dans After Effects. Très souvent, vous pouvez obtenir un fichier Photoshop avec des centaines de calques, ou il contient de nombreux types de styles de calque masques et de calques de forme dans le document Photoshop. Mais cela vous donne une idée de la partie principale du processus. Résumons donc rapidement les principaux points de cette leçon. Dans Photoshop, vous pouvez donc regrouper des calques dans de petits dossiers. Et lorsque vous l'importez dans After Effects, il s'agit d'une pré-composition. Et puis, à l'intérieur de ces précompositions, il y aura les différentes couches qui se trouvent à l'intérieur de ce groupe. C'est donc un peu plus facile qu'Illustrator lors de l'importation. Mais il ne faut pas oublier que cette structure n'est peut-être pas la meilleure façon de l' animer dans After Effects. Assurez-vous donc de préparer votre fichier Photoshop en fonction de la structure souhaitée dans After Effects. Bien entendu, une fois que vous êtes dans After Effects, vous pouvez le réorganiser, mais il est bon de vous assurer que calques de votre fichier Photoshop structure des calques de votre fichier Photoshop est belle et propre. Ce n'est donc pas vraiment un gros gâchis quand on l'introduit dans After Effects. Selon ce que vous animez, de nombreux calques Photoshop peuvent simplement être animés tels quels. Par exemple, la plante, dans mon exemple, les plantes sur un seul calque, mais vous pouvez très facilement la découper avec des masques dans After Effects. Ensuite, vous pouvez animer les feuilles qui se balancent, quelque chose comme ça. Cependant, vous n'obtiendrez pas de joueurs façonnés provenant de Photoshop comme vous le faites avec les illustrateurs. Donc tout ce qui a besoin de changer de forme, par exemple, la tige sur la feuille ou le corps du personnage. Vous devrez peut-être les refaire. Vous devrez donc utiliser l'illustration Photoshop ou le premier calque de forme comme référence pour modifier quelque chose dans After Effects. Ensuite, nous verrons comment créer des textures et des effets imitant le style Photoshop. Nous y reviendrons donc plus tard. Je ne vais donc pas trop m'attarder trucage des personnages dans ce cours, mais avec les personnages, il est très tentant, par exemple, ce personnage ici coupe simplement les différentes parties des bras et les jambes avec des masques dans After Effects , puis les associer comme ça. Mais avec celui-ci, je dirais que c'est une bonne idée de simplement faire des traits puis avoir des traits assez épais pour fermer les calques de forme. Je veux dire, des traits de calque pour les bras et les jambes. De cette façon, vous pouvez simplement avoir quelques points et un trait épais pour créer le bras et la jambe. De cette façon, ils sont vraiment beaux et faciles à animer et parfaits pour le rigging également. Donc, gardez cela à l'esprit lorsque vous personnages, comme je l'ai dit, nous n'allons pas trop en parler dans ce cours, allons sauvegarder tous les éléments spécifiques de mes personnages pour un cours ultérieur. Mais ce n'est qu'un petit conseil à garder à l'esprit si vous envisagez de vous lancer dans animation de personnages avec vos illustrations. Ok, super. Dans la leçon suivante, nous traiterons de l' importation d'illustrations aplaties dans After Effects. Je te vois là-bas. 8. mise à jour en cours: Bon, donc le dernier type d'illustration dont je veux parler à propos l'importation dans After Effects est simplement de vieilles images aplaties. peut donc s'agir d'un JPEG ou d'un PNG. Il peut s'agir d'un scan d' un tableau ou d'un dessin au crayon. Ou il peut s'agir simplement d'une image pour laquelle vous n'avez pas le fichier numérique en couches d'origine. Nous allons parler de la façon dont Affects apporte cela, comment nous travaillerions avec, et comment peut-être le préparer avant, l' intégrer dans After Effects. À. La dernière chose avec laquelle vous travaillez est une œuvre totalement aplatie . Alors ouvrons-le simplement. Décliquez donc sur important, j'ai ce JPEG. Je vais donc simplement faire glisser ce JPEG sur cette icône ici, qui créera une nouvelle composition basée sur la taille JPEG. Et dans ce cas, c'est juste de la HD, donc c'est prêt à être utilisé immédiatement. Et puis c'est tout. Je veux dire, tu es en quelque sorte coincé avec une couche plate. Nous avons vu combien de travail cela allait être pour reconstruire un fichier Photoshop en couches. Il faudrait que tu puisses beaucoup t'intéresser à ce genre de choses. Vous l'utilisez essentiellement comme référence. Cela dépend de l'animation que vous faites réellement. Si vous avez juste besoin de le faire bouillir, vous pouvez y appliquer des textures et utiliser la transparence que vous avez dans le document Photoshop. Mais quand il s'agit de celui qui est aplati, vous ne pouvez pas le faire. va falloir que tu puisses tout dessiner. Vous allez devoir recréer tout cela à l' aide de calques de forme. Ensuite, vous allez devoir créer des textures dans Photoshop. Mais pour être honnête, ce n'est pas beaucoup plus de travail parce que vous allez devoir le faire, si vous travaillez avec un document Photoshop, vous allez devoir refaire beaucoup de choses de toute façon. Vous pouvez probablement conserver les calques d'arrière-plan et ne pas les toucher s' il y a juste une grande peinture qui n'a pas besoin d'être animée en arrière-plan. Évidemment, vous pouvez conserver toutes ces informations dans un document aplati. Vous allez devoir tout refaire, ou vous allez devoir refaire les éléments qui animent, puis les peindre, faire une version propre. Vous devriez donc probablement retourner dans Photoshop. Par exemple, je viens de dessiner un fond de feuille très rapide pour celui-ci, et il est toujours superposé. Mais si je l' aplatit, alors maintenant c' est essentiellement un travail aplati. La façon dont je séparerais ceci est probablement d'entrer et de découper le personnage comme ça sur un autre calque. Donc je vais juste dessiner autour de lui. Je ne vais pas aller trop loin là-dessus parce que nous allons nous concentrer sur le menu After Effects pour cela. Mais je voudrais séparer ça. Vous pouvez utiliser le contrôle J ou la commande J pour dupliquer ce que vous avez sélectionné sur un autre calque à l'aide de. J'utilise donc simplement la sélection Lasso , puis je cache ce calque. Pour l'instant, j'ai séparé les personnages. Il y a évidemment un peu plus de nettoyage à faire. Il suffit d'entrer et d'effacer tout ce qui entoure le personnage jusqu'à la ligne, jusqu'à ce que le compteur soit une ligne noire autour de ce personnage. Ensuite, en arrière-plan, vous devez simplement utiliser les outils Pinceau et peindre le tout. Débarrassez-vous probablement du mélange pour vous débarrasser de l'ombre également parce que l' ombre du personnage se déplacerait vers. Vous pouvez donc simplement y aller et effacer tout ça , puis vous pouvez peindre en arrière-plan. Ainsi, lorsque le personnage se déplace vous serez capable de voir l'arrière-plan ou quelque chose de plus compliqué. Vous pouvez utiliser un outil de tampon, peut-être prendre cette feuille et la coller ici. Vous pourriez le faire mieux si vous le faites avec plus de soin, mais c'est essentiellement le processus. Vous pouviez donc parcourir et effacer le personnage de la scène. Et lorsque vous ramenez ce personnage, vous avez maintenant un personnage qui peut se déplacer lorsqu' il s'anime devant. Gardez tout cela à l' esprit qu'il peut y avoir beaucoup plus de préparation dans votre document Photoshop lors de son introduction. Donc oui, c'est le processus qui travailler avec Illustrator, Photoshop et des illustrations aplaties lors l'importation dans After Effects. Super. J'espère donc que le processus de préparation et d'importation illustrations dans After Effects est un peu plus clair pour vous. Récapitulons rapidement les principales étapes que nous avons abordées dans ce cours concernant l'importation d'illustrations aplaties. Vous utiliserez probablement principalement l' illustration originale comme référence pour recréer des éléments dans After Effects qui seront animés s'il y a certains éléments dans l'image qui peuvent si vous animez autant ou si difficile de recréer un After Effects, vous pouvez toujours le mettre dans Photoshop. Et vous pouvez reconstruire cet élément sur son propre calque séparé, soit en peignant ce qui se trouve au premier plan, puis reconstruisant ce qui se trouve derrière cet élément en arrière-plan. Ainsi, par exemple, si vous aviez un personnage debout devant un paysage urbain, vous pourriez vouloir peindre le personnage en remplissant le paysage urbain là où il ne sera pas. Donc, si le personnage doit se déplacer, vous aurez évidemment besoin de voir partie que le personnage masque dans l' illustration originale la plupart du temps, comme ce que j'ai Je vais le faire pour la plupart de mes illustrations, même si j'ai un document Photoshop en couches pour cela, je vais probablement le refaire, en l'utilisant comme référence pour refaire des choses dans After Effects . Quoi qu'il en soit, c'est principalement parce que je prévois d'animer à peu près tout ce qui se trouve dans l'image. Donc, si tout bouge et que la plupart des éléments seront plus faciles à animer sous forme de calques de forme. Je vais quand même utiliser le document Photoshop original comme référence. Cela dépend donc ce que vous devez faire et du niveau de détail de vos images. Je pense que c'est également une bonne idée de garder à l'esprit que vous pouvez toujours préparer d'autres éléments à importer dans After Effects. Donc, si vous n'avez pas à vous soucier de la perfection de votre préparation avant de cliquer sur Importer et After Effects ou même si vous avez commencé à animer, si vous avez commencé à travailler sur une image et que vous vous rendez compte qu'il vous faut un élément supplémentaire, alors vous pouvez toujours retourner dans Photoshop, créer cet élément et l'importer à nouveau. Bon, une petite tâche pour cette leçon est de simplement préparer votre maquette, quelle qu'elle soit, et de l'importer dans After Effects. J'espère que ce sera assez simple pour ceux d'entre vous qui ont créé leurs propres œuvres d'art. S'il s'agit d'un document Photoshop en couches, par exemple. Mais si le travail est aplati et que c'est vraiment compliqué, certains d'entre vous ont peut-être du pain sur la planche. Alors bonne chance. Dans la leçon suivante, nous allons simplement examiner rapidement certains paramètres de projet After Effects pour nous assurer que vous êtes prêt à commencer à animer. 9. mise à jour en cours: Bon, donc pour compléter la section de préparation des illustrations, je voulais jeter un coup d'œil aux paramètres du projet Aftereffects juste pour m'assurer que tout le monde est bien configuré pour commencer à animer. Comme je l'ai dit, je vais utiliser cette œuvre de Dorothy Siemens pour mon animation. paramètres de votre projet peuvent donc être légèrement différents. En particulier, la taille car les dimensions sont probablement différentes. Mais tant que vous êtes en quelque sorte autour de la HD, c' est-à-dire 1920 par 1080, alors tout le reste devrait bien se passer. C'est si vous travaillez une sorte de paysage. Si vous travaillez en mode portrait, alors l'inverse, si vous travaillez autour de 1080 cm d'ici 1920, alors tout ira bien. Donc juste au cas où je perdrais quelqu'un pendant la section de préparation des illustrations, je vais commencer assez pour le projet x à partir de zéro. Je vais importer mes illustrations et vous montrer comment les configurer. Commençons un nouveau projet et importons à nouveau ces éléments, le bouton pour créer un nouveau dossier se trouve ici. C'est cette petite icône de dossier. À côté se trouve l'icône Créer une nouvelle composition. Il suffit de cliquer sur le dossier pour créer de nouveaux dossiers, j'aime juste faire un peu d'organisation ici, donc ses atouts. Donc, je vais importer mon fichier Photoshop de l'illustration originale ou comme si j'avais enregistré une nouvelle version de l'illustration. Je vais donc l'importer. Et comme auparavant, cliquez sur Importer et assurez-vous sélectionner la composition dans cette petite fenêtre. Ça surgit. Ensuite, nous avons notre œuvre principale ici qui est assez grande. J'ai reçu ma note temporaire à propos du pinceau. Je peux juste le cacher. Et puis je vais faire, je vais, ce que je vais faire c'est faire glisser cette maquette principale dans une nouvelle maquette comme celle-ci. Et ça, ça va être notre maquette principale. Je vais donc appeler cette animation en comps. Donc ça va être notre principal vient de ça, j'aime bien l'art qui vient. Et puis je vais, comme je l'ai déjà dit, c' est une taille beaucoup plus grande et je veux exporter l'exportation. Ce sera la taille de l' exportation maintenant. Je vais donc régler ça peut-être 248. Ensuite, il est beaucoup plus petit que l'œuvre d'origine. Et je veux travailler à une fréquence d'images de 24 images par seconde, parce que 24 images seconde est juste la meilleure fréquence d'images. Je trouve que c'est très beau et qu'il est également facile de travailler avec. Il se divise en plein de choses différentes. Par exemple, si vous voulez travailler sur deux, c'est ce dont je vais parler quand il s'agit l' apparence du mouvement avec une animation dessinée à la main. Ensuite, vous pouvez travailler sur notre femtoseconde. Vous cliquez sur six images par seconde. Vous n'aviez pas à faire de 12,5 à 6,25 ou ce genre de choses. J'aime travailler à 24 ans, alors faisons-le. Oh oui, il y a encore une chose ici, c'est la durée. C'est donc une bonne idée de travailler plus longtemps que ce dont vous avez besoin. J'espère que vos animations seront trop longues pour que vous les planifiiez. Mais je recommande vivement de définir la durée de votre maquette sur quelque chose de plus long. C'est donc la valeur par défaut, pourquoi ils ne le font pas, peut-être les valeurs par défaut et les images ou secondes ou peu importe, où que vous soyez. Si vous cliquez sur Annuler, vous pouvez accéder à la chronologie en bas et survoler le numéro de l' image. Et si vous cliquez sur Ctrl ou Commande, il basculera entre les images et les secondes. C'est maintenant sur les minutes, les secondes et les images. Et puis si nous revenons aux paramètres de composition, vous pouvez utiliser la touche Commande ou la touche Ctrl. Et maintenant, ce sera dans quelques minutes et quelques secondes. Donc pour le moment, la mienne ne dure que deux secondes et deux images. Ce n'est pas très utile, mais je vais régler la mienne une minute à quelques secondes et deux images parce que je ne vais pas faire une animation d'une minute. Ce sera plus court que ça. Je vais juste faire une sorte de boucle, peut-être 510 secondes, quelque chose comme ça. Et ça l' a allongé. Le problème, c'est que le mien est plus long de toute façon, parce que le mien était plus long que pour les importations. Donc si je clique sur ma maquette ici, elle est déjà à une minute O6. Donc c'est très bien. Si le vôtre est vraiment sûr, je recommanderais certainement de l'importer à nouveau. Le problème avec After Effects, c'est quand vous importez un fichier Photoshop ou quelque chose qui n'a pas vraiment de longueur. Cela fera simplement la longueur de la dernière maquette qui a été faite. Donc, si votre maquette est vraiment sûre. Et tu as des précompositions. Vous avez peut-être des groupes Photoshop ici. Toutes ces précompositions auront la même longueur que la composition principale créée lors de l' importation de fichiers Photoshop. Donc, ce que vous pouvez faire pour allonger cela, c'est que vous pouvez simplement les supprimer ou peut-être importants. Encore une fois, je ne vais pas supprimer le mien maintenant. Mais vous pouvez créer une composition et la définir sur, disons que vous voulez qu'elle dure deux minutes. Nous pouvons régler ce délai à deux minutes. Encore une fois, c'est les minutes, les secondes, puis les images. Donc deux minutes et c'est bon. Ensuite, lorsque vous importez à nouveau votre fichier Photoshop, durera désormais deux minutes. Donc, si vous cliquez dessus , vous pouvez voir que cela va jusqu' à deux minutes ici, ou cinquante neuf cinquante trois minutes. Plus tard, lorsque vous réaliserez votre exportation finale, vous pourrez travailler sur une maquette plus longue. C'est bien, mais devoir tout allonger est vraiment difficile. Et After Effects, ce n'est pas difficile, c'est juste très long. Donc, si vous avez beaucoup de pré-compositions, si vous modifiez la longueur de cette maquette principale pour qu'elle soit plus longue, toutes vos précompositions seront trop courtes. Disons que je voulais que celui-ci dure maintenant trois minutes. Si j'y vais et que je passe à trois minutes. Ce nouveau groupe ici, ce groupe, qui est une pré-composition, est trop court pour que vous puissiez récupérer toutes ces autres couches et c'est très bien. Mais les précompositions ou les précompositions trop courtes durent encore deux minutes, vous devrez donc aller à l'intérieur de cette pré-composition. Passez à la commande K, ceci à trois minutes, puis revenez en arrière et allongez-le. Et en fait, tu dois faire plus que ça. Vous devez, vous devez également allonger toutes les couches ici parce que cela va être un short, vous devez donc étirer toutes ces couches. C'est donc une bonne idée d' importer quelque chose qui est trop long, puis de le raccourcir plus tard. Et si vous avez du mal à faire en sorte que vos compositions soient plus longues que ce dont vous avez besoin, vous pouvez toujours créer une nouvelle composition, la définir à la longueur que vous souhaitez, puis saisir à nouveau et elle correspond à la longueur à partir de celle des ordinateurs fabriqués. Et la fréquence d'images ainsi que la même chose vaut pour la fréquence d'images. Si vous voulez que toutes vos compositions soient 24 images seconde et toutes les précompositions Photoshop, vous devez définir la nouvelle composition que vous créez sur 24, puis elle saisira les 24. Oui, je vais juste cliquer sur notre travail et je vais faire Control F ou Command F sur Mac. Et ce que cela fait, c'est qu'il adapte simplement l'illustration à votre maquette. Cela le réduit automatiquement. Je n'ai donc pas besoin de manipuler l'échelle pour l' obtenir exactement, ou vous pouvez simplement cliquer avec le bouton droit de la souris sur le calque. Sélectionnez donc le calque que vous souhaitez avoir à la bonne taille de la composition. Ensuite, vous pouvez cliquer avec le bouton droit de la souris et accéder à Transformer l'ajustement en composite. Je vais le faire. Et si votre image n'a pas le même rapport hauteur/largeur que la maquette, elle l'étirera. Vous pouvez donc faire Ajuster à la largeur de la composition ou Ajuster à la hauteur de la composition. Ensuite, vous allez soit adapter à la hauteur, soit la dispersion de la largeur en fonction de ce que vous voulez. Ensuite, je vais également cliquer dessus avec le bouton droit de la souris. Et je vais en faire un calque guide lorsque vous allez faire votre rendu final, un calque guide ou tout autre élément avec un calque guide, il n'apparaîtra pas, mais vous pouvez le voir dans votre maquette pendant que vous travaillez dessus. Ils sont donc très pratiques. Super. Donc maintenant, nous devrions tous avoir notre préparation d'œuvres d'art et nos projets d'effets secondaires ou bien mis en place. Récapitulons rapidement ce que nous avons vécu dans cette leçon. Assurez-vous d'utiliser des dossiers dans la fenêtre du projet After Effects pour que tout soit bien organisé. Il n'y a pas que tout dans une seule et même liste. J'aimerais séparer mes actifs de mes comps. C'est le niveau d'organisation le plus élémentaire. Faites donc glisser votre illustration importée sur le bouton de nouvelle composition et cela créera une nouvelle composition avec l'illustration à l'intérieur avec les bonnes dimensions. Assurez-vous ensuite de travailler à une taille raisonnable. Vous pouvez donc redimensionner la maquette qui a été créée pour quelque chose qui ressemble davantage à la HD. J'opterais donc pour une largeur maximale de 1920 ou une hauteur maximale de 1920, selon que vous travaillez horizontalement ou en portrait. J'ai opté pour quelque chose de légèrement plus grand que la HD, qui était deux ou quatre. Je crois que c'était ma taille. Je voulais qu'il soit légèrement plus grand parce que je vais le réduire par la suite. De plus, je vais l' exporter pour plein de choses différentes. Je savais donc que j'allais en avoir besoin un peu plus grand, sauf s' il y a une raison particulière pour laquelle vous voulez travailler à une fréquence d'images différente, je recommanderais d'opter pour 24 images seconde simplement parce que c'est une très bonne fréquence d'images pour travailler. C'est la fréquence d'images avec laquelle je vais travailler. Donc, si vous voulez suivre mes chiffres, travailler sur deux sera de 12 images par seconde et ainsi de suite. Ensuite, tout s'alignera si vous travaillez à 24 images par seconde également. Enfin, réglez votre complexe sur quelque chose de plus long que ce dont vous aurez besoin. Parce que dans After Effects, il est assez difficile de passer en revue et de prolonger ensuite parce que vous devez parcourir chaque pré-compilation et l' allonger une par une. Il est beaucoup plus facile d'avoir toutes les compositions plus longues que nécessaire. Et puis à la fin, faites simplement une compensation plus courte pour le temps d'affectation à l'exportation. Je veux juste que vous vous assuriez que votre maquette est entièrement préparée et importée dans After Effects et que tous les paramètres sont corrects. Assurez-vous donc garder à l'esprit tout ce que nous avons vécu jusqu'à présent et que votre composition d'effets secondaires est d'une bonne taille et d'une bonne longueur afin que nous puissions commencer à travailler dans la leçon suivante. J'espère que ce sera assez simple pour la plupart d'entre vous sauf si vous avez des illustrations vraiment compliquées. Et si vous travaillez avec des illustrations aplaties, essayez de garder vos idées d'animation simples afin ne pas avoir à séparer chaque petite chose. Parce que si tu as quelque chose de trop compliqué en tête, alors tu auras du pain sur la planche. Incroyable. Dans la leçon suivante, nous allons créer une texture animée à utiliser dans notre animation. Alors je te vois là-bas. 10. mise à jour en cours: Bonjour. Pour cette leçon, nous allons principalement utiliser Photoshop. Assurez-vous donc d'en avoir une copie si vous comptez suivre cette partie du cours. Cela n'est donc pas nécessairement pertinent pour tous les styles d'illustration. Il y a peut-être des objets faits à la main qui n'ont pas vraiment de texture, mais je pense que la plupart le seront probablement parce qu'ils seront faits à partir de papier, probablement s'ils sont faits à la main et si vous êtes animation 2D d'une illustration, alors il peut s'agir de papier, le sera probablement. Cela peut être la texture subtile du papier en arrière-plan, ou cela peut signifier s' il s' agit d'un dessin au crayon plutôt que de la texture qui se trouve à l'intérieur du trait ou du crayon lorsqu'il est dessiné sur du papier. Ou peut-être même un aérographe. Parfois, lorsque vous pulvérisez un aérographe sur du papier, il aura un motif de points très fin. Dans cette leçon, nous allons voir comment faire bouger ces choses. L'œuvre que je vais utiliser, que j'ai déjà mentionnée, est celle de Dorothy Siemens. Je ne vais pas partager ses fichiers sources originaux pour cela. J'espère que tu utiliseras tes propres illustrations. Mais je pense qu'en général, le processus sera à peu près le même pour la plupart des gens. Si vous n'avez pas Photoshop, vous pouvez suivre cette procédure. Vous pouvez ignorer le bit Photoshop et passer directement au bit after fix où je vais parler de la façon de prendre une texture statique. Eh bien, dans mon cas, ce sera une texture animée. Mais vous pouvez faire la même chose avec une texture statique. Par exemple, juste une image de la texture du papier que vous avez peut-être prise sur votre téléphone ou quelque chose comme ça. Et vous le déplacez pour lui donner un champ aléatoire. Mais je vais commencer par peindre une ébullition dans Photoshop, puis ajouter un peu plus de mouvement en utilisant le procédé de la progéniture. Donc, dans les deux cas, ce sera utile. Je recommanderais également pour Photoshop l' utilisation d'une tablette Wacom parce que je vais dessiner, c'est principalement la sensibilité à la pression que je vais utiliser. Lorsque vous utilisez une tablette Wacom. Si vous, si vous coloriez comme vous le feriez sur une feuille de papier, il y aura des variations naturelles dans la force avec laquelle vous appuyez. Et lorsque vous l'utilisez dans Photoshop, vous obtiendrez des zones plus denses, plus densément colorées et moins couvertes de sorte que vous obteniez cette variation. Et c'est ce que je vais rechercher dans Photoshop. Ne vous inquiétez pas si vous n'avez pas accès à une tablette avec webcam, vous pouvez utiliser une souris ou un trackpad. Il faudrait peut-être un peu plus de persuasion manuelle pour obtenir ce genre de sensation naturelle. Vous allez devoir modifier manuellement la pression du débit sur le pinceau, que vous pouvez régler en haut, soit cela, soit vous pouvez simplement utiliser une texture statique si vous souhaitez ignorer ce bit. C'est donc le résultat final que je rechercherai, c'est une texture assez chaotique, mais ça va être vraiment utile d'en découper de petits morceaux et de les utiliser partout comme sur les traits et les remplissages et des trucs comme ça. Voici à quoi cela ressemblera tout droit sorti de Photoshop. Photoshop a ce truc bizarre avec les textures. Cela ne rend pas vraiment aléatoire la texture. Cela permet de garder la texture fixe. Donc, si vous utilisez plusieurs cadres cela peut sembler un peu étrange. C'est pourquoi nous allons ajouter un peu plus de mouvement aux artefacts par la suite. Pour le reste de la classe, je vais monter ce film de Dorothy Siemens pour l'animation. Je vais commencer juste dans Photoshop, en jetant un coup d'œil et en faisant un plan dans ma tête sur la façon dont je vais refaire chaque forme. J'ai choisi celui-ci parce que je pense qu'il se traduira assez facilement en After Effects. Et il y a aussi beaucoup de traits clairs et de remplissages clairs. Et il n'y avait pas beaucoup d'ombrages ou dégradés qui seraient difficiles à recréer. J'ai donc pensé que celui-ci serait assez simple et également une très belle qualité texturée. L'animation finale sera en fait un portrait. Donc ça va. Les illustrations ont tendance à être très grandes car normalement, pour l'impression, cette hauteur est de 3 500 pixels et conserve tout. Tout est aussi grand et de haute qualité que possible avant d' entrer dans After Effects, sauf si cela va vraiment lentement. Si vous apportez des choses aussi gigantesques, alors vous pourriez finir par travailler très lentement et après les effets. C'est donc un peu un équilibre. Vous voulez conserver la qualité, mais vous voulez aussi pouvoir travailler dessus sinon cela devient vraiment pénible. Je recommande donc, si votre image source est énorme, réduire à un peu plus grande que les effets secondaires. Exportation finale depuis After Effects. Si vous travaillez en HD et que vos images sont de huit k, vous pouvez aussi réduire l' image à environ deux k, puis la redimensionner légèrement dans After Effects pour qu'elle soit en HD, si cela vous convient. Donc je ne sais pas vraiment. Je pense que cela a été peint dans Photoshop, mais je ne sais pas vraiment quel pinceau a été utilisé. J'ai déjà jeté un coup d'œil à travers mes pinceaux et je n' ai pas trouvé le pinceau exact, mais j'en ai trouvé un qui est assez proche. Et je pense qu'il y aura beaucoup de compromis avec ça. Je veux dire, tu peux y arriver, tu peux vraiment passer beaucoup de temps à le rendre exact. Ce n'est pas le cas dans mon cas particulier, il n'est pas nécessaire que ce soit exact, parce que nous allons animer. Il y aura des choses qui bougeront et changeront de toute façon, donc tu pourras toujours être plus précis comme je dis, mais ensuite c'est au détriment du temps. Vous devez donc décider de précision avec laquelle vous allez faire correspondre votre illustration originale. Les tests que j'aime faire, c'est aller voir si je peux le recréer. Je sais donc que je vais devoir recréer des textures. Peut-être que c'est là que nous devrions commencer, refaire certaines de ces textures et voir à quel point nous pouvons nous en approcher. J'ai regardé tous les pinceaux que j'ai dans Photoshop et j'en ai trouvé un qui est assez proche. Il s'appelle New Pastel, qui est l'un des pinceaux Kyle. Je ne me trompe pas. Les pinceaux Kyle sont maintenant livrés avec Photoshop au moins également disponibles. Tout le monde a obtenu une licence Adobe CC. Je pense que si vous allez sur, si vous cliquez sur votre pinceau et que vous cliquez sur le menu déroulant ici pour voir tous vos différents pinceaux. Si vous cliquez sur la roue dentée ici et que vous allez chercher plus de pinceaux, vous finirez par vous retrouver sur ce site Web où vous pouvez télécharger de nouveaux packs de pinceaux. Je pense que c'est ce méga pack. Je crois que c'est celui de la voiture, le Mega Pak. Donc, si vous recherchez de très bons pinceaux, je vous le recommande vivement. Je suis sûr qu'il y en a plein d' autres vraiment bons ici, mais ce sont les pinceaux actuels si vous pouvez obtenir les compresses , ils sont vraiment bons. Donc oui, j'ai trouvé ce pinceau et j'ai légèrement modifié les réglages. Je ne pense pas qu'ils aient vraiment changé, mais si je mets ça sur 20 pixels, donc ici, j'aime bien appuyer sur les crochets haut et bas pour changer la taille du pinceau. Si je passe à 20 et qu'ils dessinent un trait, oui, c'est un peu comme ça. Je pense donc que c'est assez proche. Je ne vais pas vraiment dessiner de traits. C'est en fait plus parce que je l'ai vu ici, si vous regardez la texture ici, mais on dirait qu'elle a fini, c' est qu'elle a dessiné la forme de ce que c'est comme cette jambe et qu'elle l'a ensuite colorée à la main. Allons gribouiller. Pour recréer cela, j'utilise After Effects, toutes ces lignes ici, je vais les recréer à l'aide calques de forme afin que nous puissions les animer facilement et facilement dans After Effects. Ensuite, nous allons lui appliquer des effets pour lui donner l'impression qu'il a été dessiné dans ce style. C'est donc l' objectif de ce cours. Mais cela a fait beaucoup de choses. Mais nous avons construit cela. Mais c'est essentiellement ce que nous essayons de faire dans ce cours. Je vais recréer tout cela en utilisant différentes techniques et effets secondaires. Vos traits seront différents. photo que tu as peut être complètement différente de la mienne. Mais essentiellement, je pense que le flux de travail est à peu près le même. Ce que vous devez faire, c'est faire correspondre la texture et les traits et évidemment les couleurs et tout ce genre de choses vont également venir. Mais concentrons-nous sur la recréation. Je pense que la première chose que nous allons recréer, une fois que j'aurai créé toute cette forme, cette forme rouge pour la jambe et cette main, qui signifie simplement faire quelques traits et une sensation de texture de feutre, alors tout le reste utiliserait à peu près le même effet, juste des couleurs différentes. Et ça a déjà commencé. Et une nouvelle image Photoshop. J'en ai fait deux ou 48 par deux ou 48. Nous voulons donc que la texture soit plus grande que l'image finale, ou au moins aussi grande, nous n' allons pas voir cette texture dans son intégralité. Nous allons simplement en utiliser de petits morceaux , donc ce n'est pas trop important. Mais pour ce faire, j'ai échantillonné la couleur d'arrière-plan et j'ai créé un calque de cet arrière-plan. Et puis en plus de ça, j'ai créé un calque vidéo. Si vous n'avez jamais utilisé de calques vidéo dans Photoshop auparavant, c'est ainsi que vous pouvez créer animations dessinées à la main dans Photoshop. Et pour cela , vous pouvez soit accéder à la chronologie de Windows, ce qui affichera accéder à la chronologie de Windows, la chronologie de votre animation. Vous pouvez également accéder aux mises en page ici et cliquer sur motion. Le mien est déjà en mouvement, puis j'ai déjà commencé ici. Donc je vais m'en débarrasser pour le moment juste pour ne pas créer de confusion. Et je recommande vivement la première fois que je l'ai fait, j' ai simplement opté pour la fréquence d' images par défaut dans Photoshop, qui était de 30 dans After Effects. Vous pouvez interpréter n'importe quel métrage à n'importe quelle fréquence d'images. Il suffit de cliquer dessus avec le bouton droit de la souris, aller interpréter le métrage et de modifier la fréquence d'images. Mais avec les documents Photoshop, j'obtenais un bogue ou je ne sais pas s'il s'agit d'une banque ou simplement d'un oubli, mais en gros, mon document Photoshop était réglé 30 et je veux qu'il fonctionne. Je voulais qu'il soit à 12 images par seconde chaque fois que je réenregistre le fichier Photoshop ou que je rouvre le document Artifacts, il se réinitialisait de 12 à 30. Je recommande donc vivement de régler la fréquence d'images dans le fichier Photoshop sur 12 images par seconde ou quelle que soit la fréquence d'images vous allez utiliser à la fin. Pour ce faire, allez dans le panneau Montage, cliquez sur ce bouton de menu en haut à droite et sélectionnez Définir la fréquence d'images de la timeline. Et réglez ce paramètre sur 12. Nous voulons que ce soit à deux. Nous travaillons donc à 24 images par seconde, et nous voulons que chaque image dure deux images. Nous en avons donc besoin à 12 images par seconde. Cliquez donc sur OK. Et il se peut que votre chronologie change un peu. Ensuite, vous pouvez créer vos couches vidéo. Si vous créez vos calques vidéo avant de modifier la fréquence d'images, celle-ci restera dans le calque vidéo. Donc, même si c'est le cas, si vous avez 30 ans et que vous créez un calque vidéo, vous changez ensuite votre fréquence d'images à 12 images par seconde. Il y aura toujours 30 images par seconde sur ce calque. Ce n'est pas un très bon système. La chronologie dans Photoshop, c'est pourquoi elle n'est pas géniale. Pour autant que je sache, il n'y a aucun moyen de modifier la fréquence d'images d'un calque. Il suffit donc de faire 12 images par seconde couche. Maintenant que nous avons atteint la chronologie À la femtoseconde, il y a peut-être un moyen de le faire. Je ne suis pas au courant. Donc oui, maintenant nous devons créer un calque vidéo. Accédez à Calque. Couches vidéo, nouvelle couche vidéo vierge. Nous allons maintenant avoir un calque vidéo de 12 images par seconde sur lequel nous pouvons travailler. Aussi pour savoir si votre Pugh fait glisser cette tête de jeu. Cela jouera donc tout au long de l'animation. Si vous n'êtes pas à l'image 0. Et lorsque vous créez un nouveau calque, nouveau calque vidéo vierge, ce calque est créé au niveau de la tête de lecture. Assurez-vous donc de garder un œil sur ce qui se passe ici. Parce que si vous essayez de dessiner, si vous sélectionnez le calque trois ici et que vous commencez à essayer de dessiner ici, vous ne le laisserez pas faire car le calque n'a pas encore commencé. Il suffit donc de garder un œil dessus maintenant. C'est un peu comme des artefacts à cet égard. Je l'ai déjà fait ici, mais en gros, nous voulons faire un remake. Cette texture, mais sur l'ensemble de l'image, nous avons donc beaucoup de texture avec laquelle jouer. Nous créons ces éléments de texture gâtés. Je vais juste agrandir un peu ce pinceau. Je veux toujours garder la rugosité des traits, mais évidemment je ne veux pas passer éternité à griffonner sur l'écran. Je veux que ce soit lisse, mais je ne veux pas qu'il soit trop parfait. Je veux un peu de ce genre d'imparfait. Notez que votre main apporte lors du coloriage. Et je vais faire rapidement parce que je l'ai déjà fait. Il suffit donc de colorer l'ensemble du cadre, puis vous pouvez simplement utiliser la barre de lecture en bas pour passer à l'image suivante et colorier dans une autre image entière. Et puis fais ça cinq à six fois quelque chose d'autre que j'ai fait quatre images. La façon dont les pinceaux Photoshop fonctionnent est qu'ils utilisent une texture pour l' opacité de ce pinceau. Et le problème est que la texture ne bouge pas entre les cadres, ou du moins le pinceau que j'utilise, elle ne bouge pas. Il y a peut-être un moyen de le faire bouger, mais je ne suis pas sûr de ce que c'est, mais nous pouvons contourner cela et les effets secondaires, donc c'est bon. Eh bien, je voulais surtout, c'est juste un peu de mouvement ici. Alors parcourez et créez quelques images ou cinq images lorsque vous appuyez sur play, c'est vraiment bouillant. Nous pouvons utiliser ce mouvement pour donner vie à la texture. Évidemment, vous pouvez également beaucoup ajuster cela. Vous pouvez rendre vos cadres plus différents uns des autres pour que l' ébullition ne soit plus intense. Il y a un peu de mouvement à l'intérieur, mais nous allons devoir en faire un peu plus dans After Effects pour décomposer cette texture qui ne bouge pas par image. C'est par là que j'aime bien commencer. Une fois que vous aurez créé cette texture, nous pourrons passer à After Effects. Oh oui, je suis une chose à retenir aussi, c'est beaucoup plus utile d'avoir cette texture transparente en arrière-plan. Donc, ce calque d'arrière-plan que j'ai créé pour commencer à dessiner. Je vais désactiver cela afin que nous n'ayons que le pinceau et aucun arrière-plan. C'est donc juste le pinceau et transparent en arrière-plan. Maintenant, je peux supprimer ce jeu très difficile que je viens de faire. Vous devriez maintenant avoir ce calque avec quatre ou cinq images de texture de pinceau animée. Ensuite, juste quand vous avez terminé, enregistrez simplement le fichier Photoshop car vous pourrez ensuite l' importer tel quel. Nous n'avons pas besoin de faire d' autre préparation ou exportation supplémentaire à partir d'ici. Vous pouvez simplement importer directement dans un fichier Photoshop vers des artefacts. Passons donc à After Effects. Vous pouvez voir ici que j'ai déjà commencé pendant un AVC. Nous allons parler de cela dans la prochaine leçon, mais c'est déjà dans mon projet After Effects , donc vous pouvez l' ignorer pour le moment. La prochaine chose que je dois faire est d'apporter la texture que nous avons créée. Donc, je vais aller dans mon dossier assets ici, puis faire Control I pour l'importation ou Command sur Mac. Et je vais cliquer sur mon ébullition de texture. Et je vais importer ça. Cette fois-ci. Je n'en veux pas en tant que composition. Je le veux juste en tant que vidéo et je vais vous montrer pourquoi c'est une vidéo. Ok. J'espère que, juste pour vous rappeler comment cela a été configuré, si je retourne à Photoshop, vous verrez comment je peux voir mon trait à travers. C'est parce que nous voulons activer le canal alpha. Donc, dans Photoshop, assurez-vous, si vous avez créé une couleur d'arrière-plan ou quelque chose de ce genre, que votre couche de peinture est visible. Vous voulez voir ces carrés de transparence Photoshop classiques gris carrés de transparence Photoshop classiques jusqu'à l'arrière-plan. De cette façon, lorsque vous utilisez la texture, vous ne l'utilisez pas comme un solide, mais comme une texture semi-transparente, avec un chance pour briser la texture. Donc oui, vous devriez avoir de la transparence dans votre couche. Il n'est pas obligé. Si tu faisais ça en noir et blanc, tu pourrais faire pareil. Mais la puissance de l'utilisation de Photoshop et de la combinaison After Effects signifie que vous pouvez utiliser un pinceau et obtenir de la transparence de ce pinceau, ce qui est vraiment agréable. Si vous utilisez une texture qui est en noir et blanc, cela signifie que vous pouvez l'utiliser en tant que texture, vous pouvez toujours utiliser cette texture comme cache, mais vous devez définir votre cache mat lumineux plutôt que ce que je vais utiliser, qui est Alpha Matte. Donc, si votre texture n' est pas transparente, vous pouvez essayer de l'utiliser comme cache de luminance. Je vais utiliser la transparence qui se trouve dans le calque pour le reste de la classe. J'espère donc que vous avez quelque chose de similaire. Votre fréquence d'images dans Photoshop doit être la bonne. Si vous me suivez en travaillant 24 images par seconde, vous devriez avoir modifié la fréquence d'images dans Photoshop pour qu'elle soit de 12 femtosecondes, de sorte que lorsque vous l' importez dans After Les effets, c'est à deux. Mais si ce n'est pas déjà fait, voici comment le modifier. Je pense que la fréquence d'images par défaut dans Photoshop est de 30 et que nous travaillons en 24 images par seconde. Je vais en faire la moitié pour que ce soit sur 12 femtosecondes, c'est sur deux parce que ça donne l'impression que c'est beaucoup plus dessiné à la main. Cliquez donc avec le bouton droit sur votre texture. Descendez jusqu'à Interpréter le métrage, puis cliquez sur Principal . Ce panneau devrait s'afficher. Je vais passer de 30 à 12 heures. Et c'est très bien de le faire. Il suffit de prendre ces images et de les ramener à 12 femtosecondes. Il ne tourne donc plus à 30 ans, il tourne à 12 ans. De cette façon, nous n'avons pas à faire d'étirement ou de poster sur cette texture, c'est juste. L'interprète comme des images brutes. En gros, si vous utilisez Interpret Footage pour modifier votre fréquence d'images, sachez qu'il y a un bogue. Je ne sais pas s'il s'agit d'un bogue, il peut s'agir d'une sorte d' oubli et d' After Effects où chaque fois que vous rouvrez le fichier After Effects ou que vous enregistrez à nouveau le fichier Photoshop, ou chaque fois qu'After Effects doit essentiellement recharger le fichier Photoshop. Il rétablit la fréquence d' images interprétée à la fréquence d'images par défaut ou à la fréquence d'images du fichier Photoshop. Ainsi, si vous déterminez la fréquence d' images par défaut de Photoshop, qui est de 30 et que vous l'avez modifiée à 12 à l'aide de la fonction Interpréter le métrage, elle reviendra à 30 images par seconde. Donc si vous vous demandez pourquoi votre animation est cassée, alors c'est probablement que si elle a l'air cassée après avoir enregistré la fermeture, flex l'a rouverte et elle a l'air bizarre, puis vérifiez cela d'abord parce que cela m'arrivait souvent. Je vais maintenant le faire glisser sur une nouvelle composition. Et si vous vérifiez les paramètres de composition ici, je suis désolé, j'appuie sur Ctrl K ou Command K sur un Mac. Cela affichera vos paramètres de composition. Vous pouvez également accéder à Composition, Paramètres de composition ici. Vous pouvez voir que la composition a été créée les mêmes paramètres que le fichier Photoshop, qui est maintenant de 12 images par seconde, et exactement de la bonne taille. C'est donc parfait. Ok, donc je n'ai besoin que des quatre premières images. Donc 1234, puis il devient noir. Je vais passer à la dernière image, l'image quatre, est-à-dire trois parce qu'elle commence à 0 et je vais appuyer sur N. Et cela réduit plage de prévisualisation à l' endroit où se trouve la tête de lecture. L'autre, juste pour que vous le sachiez, est B, qui définit votre cadre de départ. Je veux donc commencer au début puis à la fin de la quatrième image. Et puis je vais faire de la composition, la composition, de la maquette sur la zone de travail. Et maintenant, nous avons une maquette qui ne fait que quatre images. Ok, sympa. L'autre chose que nous devons faire ici est de décomposer un peu cette texture. Donc pour le moment, appuyez sur la barre d'espace, et il jouera et appuiera sur la barre d'espace et il jouera. Et vous pouvez voir que le texte ne bouge pas, mais que mes traits bougent. Donc ce que je veux faire, c'est juste ajouter un peu plus de hasard à tout ça et je vais le faire très simplement. Mais ce que je vais faire, c'est appuyer sur P et définir une image-clé pour la position. Donc p, si vous sélectionnez le calque et appuyez sur P, votre contrôle d'animation de position s'affichera. Je vais appuyer sur le chronomètre. Et il a créé une image-clé. Je vais juste en faire une image clé pour le moment parce que je vais peut-être prendre ma retraite avec ça, je ne prévois pas de prendre de retraite, mais si vous n'avez pas d'image clé en escalier ici et puis vous reprogrammez en quelque sorte cette séquence. Il essaiera de s'interpeller entre ces deux choses. Si vous appuyez sur la touche Ctrl et que vous cliquez sur l'image-clé, elle passe revue une image-clé linéaire et une image-clé automatique. Ce que je veux faire c'est que je peux maintenir les touches Ctrl et Alt enfoncées. Cela permet de basculer entre l'image-clé linéaire et une image-clé étagée. Je veux donc en faire un qui a ce carré sur le côté. Ok, et c'est bon. Désormais, chaque image-clé que nous définirons ensuite sera également une image-clé étagée. Tout ce que je vais faire c'est le déplacer un peu, haut à gauche. Ensuite, je vais le déplacer nouveau en haut à droite sur l'image suivante. Ensuite, sur l'image suivante, je vais juste le déplacer en bas à droite. Et puis si on appuie à nouveau sur Play sur la barre d'espace , d' accord, je vais le faire. Je suis en position. Je vais également ajouter de l'échelle. Je vais donc animer la gamme. Et encore une fois, je vais maintenir les touches Ctrl et Alt enfoncées sur cette première image-clé et en faire un pas vers l'image-clé. Et puis sur la deuxième image, cela doit être 100 moins 100 sur les deux échelles. De cette façon, c'est complètement inversé. Ensuite, à la prochaine image, nous allons le ramener à 100. Et puis à la quatrième image, je vais refaire moins 100. Maintenant, lorsque nous appuyons sur Play, c'est vraiment aléatoire. Maintenant, nous avons un bon pour faire bouillir le cadre. Donc ça a l'air assez chaotique. C'est un Boyle très intense qui se passe dans cette texture. Mais je pense que je vais commencer par cela pour le moment. Je pense que ce sera très bon parce que ce n'est pas comme remplir le fond. Si vous remplissez l'ensemble de l'arrière-plan et que vous allez en voir beaucoup, vous voudrez peut-être qu'il soit plus subtil. Mais parce que je vais l'utiliser en petits morceaux sur des traits et des formes, ce genre de choses. Je veux que ce soit très intense. Donc, si vous vouliez que ce soit moins intense, vous pourriez probablement essayer de ne pas inverser la gamme. Ou vous pouvez avoir votre texture, généralement moins texturée. Ou même vous pouvez simplement commencer par cela et vous pouvez simplement réduire la quantité d'opacité. Il y a donc beaucoup de choses que vous pouvez faire en termes de correction des couleurs sur la texture elle-même pour réduire son intensité , l'augmenter un peu ou la réduire. Une autre méthode consiste à superposer les couches les unes sur les autres afin de verrouiller les espaces que vous voyez là, ils seront réduits. Vous avez appris que vous ne verrez des lacunes que lorsque deux textures différentes s' alignent l'une avec l'autre, deux lacunes différentes dans la gamme de textures. Ce serait donc beaucoup moins intense. C'est une bonne idée. C'est bien de commencer par quelque chose de plus intense parce qu'il est facile réduire puis de le signer avec quelque chose de moins intense et d'essayer d'en augmenter l'intensité. Donc oui, je trouve que ça a l' air plutôt bon, super. Nous avons maintenant une belle texture bouillante que nous pouvons utiliser différentes manières dans toute l'animation. Récapitulons donc rapidement les principales étapes. Si vous travaillez avec quelque chose qui est dessiné, jetez un œil à vos pinceaux dans Photoshop pour voir si vous pouvez les associer. Ce style dessiné avec un pinceau Photoshop. Si vous travaillez déjà dans Photoshop, si votre illustration a été dessinée dans Photoshop et que vous connaissez déjà le pinceau, vous êtes prêt à commencer. C'est parfait. Dans mon cas, je ne savais pas que c'était dessiné dans Photoshop. Je ne connaissais pas ce pinceau, alors j' ai trouvé un qui était proche. De nombreux pinceaux sont fournis avec votre abonnement Adobe. Il vous suffit donc de cliquer sur le site Web d'Adobe et de les télécharger. Et puis vous pouvez l'installer séparément, ce que je vous ai montré précédemment dans la vidéo, le méga pack de kyle. Si vous pouvez trouver que c' est une très bonne collection, je n'ai pas vraiment exploré plus loin que cela parce que je ne fais pas des tonnes d' illustrations dans Photoshop. Mais je sais que la voiture Mega Pak me sert. Dans la plupart des cas. Les pinceaux Photoshop sont fournis avec toutes sortes de textures, mais cette technique fonctionnera aussi bien avec n'importe quel type de texture que j'aime vraiment. Il peut s'agir de textures de papier ou de béton, ou de petits points qui accompagnent l'aérographe. Tant qu'il y a une texture assez uniforme et qu'il n'y a pas beaucoup de variations folles sur l'image. Cette technique fonctionnera bien. Assurez-vous que la texture que vous utilisez est suffisamment grande pour couvrir la plus grande surface sur laquelle vous allez l'utiliser. J'ai fait le mien à 048 par deux ou 48, ce qui me semble être une bonne taille parce que mon exportation finale aura une taille maximale de deux sur 48. Donc une sorte de carré à la taille maximale de vos exportations finales. Donc, si vous travaillez en HD, 1920 par 1920 serait une bonne taille carrée pour travailler. Utilisez la fonction de calque vidéo Photoshop pour animer l'ébullition entre 46 images c'est probablement une bonne longueur. La texture du pinceau Photoshop ne change pas si vous l'animez par image. Ensuite, vous pouvez aller dans After Effects et ajouter plus de caractère aléatoire. Ils animent la position et l'échelle, etc. Et cette technique fonctionnera de la même manière sur une texture statique. N'oubliez pas que la fréquence d'images par défaut dans un document Photoshop est de 30 images par seconde. Et vous voudrez probablement l' utiliser à deux dans After Effects. Vous pouvez donc modifier cette fréquence d' images dans After Effects cliquant avec le bouton droit de la souris sur le métrage et en sélectionnant Interpréter le métrage. Dans mon cas, c'était 12 images par seconde parce que mon ordinateur central, c'était 24 images par seconde. Mais par exemple, si vous travaillez à 30 images par seconde, vous devez interpréter le métrage à 15 images par seconde. Une autre remarque rapide est qu'il y a un bogue vraiment ennuyeux dans After Effects au moment où j'ai remarqué que chaque fois que vous rouvrez le fichier de projet, il réinitialisera la fréquence d'images de le document Photoshop revient à la valeur par défaut, donc il continue de revenir à 30 pour moi. Pour éviter cela, vous pouvez aller dans Photoshop avant de commencer à animer votre texture et la définir sur 12 images par seconde ou quel que soit le résultat final souhaité. Donc, après avoir modifié la fréquence d'images des textes ou du fichier d'animation, vous avez obtenu la fréquence d'images que vous voulez pour moi, c'était des images hautes par seconde. Vous pouvez ensuite faire glisser ce fichier Photoshop sur une nouvelle composition. Ensuite, il vous suffira de créer une composition avec les dimensions et la fréquence d'images correctes pour vous. Raccourcissez la longueur en fonction de votre fichier de texture. Donc, pour moi, il y avait quatre cadres, donc ma composition était longue de quatre cadres. Ensuite, vous pouvez entrer et ajouter un peu plus de caractère aléatoire en animant la position, l'échelle et rotation, ou tout ce que vous voulez faire pour déplacer le remplissage un peu plus, plus vous le déplacez par cadre, plus l' effet d'ébullition sera important. Personnellement, je pense que c'est une bonne idée de commencer par une ébullition plus intense. Ensuite, c'est plus visible. Vous pouvez voir ce qu' il fait réellement dans votre maquette principale lorsque vous l'utilisez, vous pouvez toujours y revenir après avoir commencé à l'utiliser, si cela ne fonctionne pas particulièrement bien pour vous et réduisez-le. Je pense donc qu'il est plus facile de commencer par plus intense, puis de le réduire au besoin. Mais c'est à toi de décider. Ok, donc ton devoir cette fois est essentiellement de faire ce que nous avons fait dans cette leçon, juste t'assurer que ta texture est en ébullition. Et je veux que tu l'ajoutes dans After Effects, que tu fasses une maquette de la bonne longueur pour ton Boyle. Ensuite, nous devrions être prêts pour la prochaine leçon. Parce que dans la leçon suivante, nous allons appliquer cette texture aux traits pour leur donner l' impression qu'ils ont été dessinés. Alors je te verrai là-bas. 11. mise à jour en cours: Bon retour. Dans cette leçon, nous allons commencer à créer l'effet qui correspondra au style de trait d'origine de l'illustration. Pour ce faire, nous allons utiliser un calque de forme dans After Effects, et nous allons appliquer la texture que nous avons créée au la dernière leçon avec d'autres effets. Revenons donc à After Effects et lançons-nous. C'est ce que nous visons. C'est le genre de traits finis. Ce n'est qu'un exemple. L'AVC n'est qu'une partie du bras que j'ai repéré. Vous pouvez donc voir que la texture coule à travers elle et qu'il y a une belle rugosité au bord du trait qui va s'ajouter. Ce n'est pas l'effet final. Il y aura plus de mondanité en plus que nous allons ajouter à la fin. Mais c'est là que nous allons aborder dans cette leçon. Je vais maintenant faire un trait pour ce bras, et je vais cliquer sur l'outil Plume ici, assurez-vous qu'aucun calque n' sélectionné lorsque vous faites un trait. Sinon, il commencera à créer un masque sur le calque que vous avez sélectionné. À moins qu'un calque de forme ne soit déjà sélectionné, il commence à créer une autre forme à l'intérieur de ce calque de forme. Il fait donc différentes choses en fonction de ce que vous avez sélectionné lorsque vous utilisez l'outil Plume. Assurez-vous donc de connaître ce qui est sélectionné dans votre timeline avant de commencer à dessiner avec l'outil Plume. Et dans ce cas, nous allons l'utiliser sans rien sélectionner afin de créer un nouveau calque de forme lorsque nous commencerons à dessiner et que nous commencerons simplement à dessiner. Il y a donc quelques paramètres par défaut ici, mais c'est très bien. Nous pouvons simplement les modifier par la suite. Je vais donc faire quelques remarques. Et en général, vous voulez que ce soit aussi simple que possible. Mais tout en conservant ce genre de flux naturel de ligne dessinée à la main, si vous ajoutez trop de points ici, ce sera vraiment difficile à travailler. Et trop peu, tu n' auras pas la forme que tu souhaites. Il s'agit donc de trouver un équilibre. Vous pouvez voir des calques de forme apparaître ici. Vous aurez probablement d'autres types de couleurs et de traits par défaut ici. Mais nous voulons juste l'AVC. Je vais donc ouvrir ça. Je vais accéder à la forme du contenu et je vais masquer le calque de remplissage. Je ne vais pas le supprimer pour le moment, vais juste le cacher. On ne sait jamais quand on veut le remplir. Nous pouvons donc simplement le cacher. Et je vais ouvrir le trait et voir les réglages de trait ici. Et je vais augmenter la largeur jusqu'à ce qu'elle soit à peu près la largeur du trait dessiné à la main ici, juste un peu pour mieux correspondre au trait de celui-ci , peu importe la couleur du trait, parce que nous allons quand même ajouter une texture dessus. Je vais donc le rendre un peu plus visible. Et je ne veux pas faire correspondre la même couleur que les traits réels parce que je ne peux pas la différence comme s'ils allaient trop se fondre. Donc je vais juste en faire quelque chose qui se démarque et soit pas non plus la couleur de cette ligne de chemin. Dégradés. Bien. C'est juste un petit test pour obtenir le style du trait, non ? Ensuite, nous pouvons entrer et créer la main parce que, de toute évidence ce trait ne serait qu'un seul trait et en tout dans un seul calque de forme. Je reviendrai là-dessus plus tard. Je vais probablement le configurer et ensuite vous montrer ce que j'ai fait plutôt que de vous montrer chaque étape, c'est juste pour que le trait soit correct. Bon, nous avons le trait, je vais masquer le calque guide. Nous travaillons donc sur ce point. Et la première chose que je vais faire est d'ajouter l'effet de rugosité des bords. Si vous passez une texture à travers cela et que vous n' avez qu'un manuel, vous verrez toujours ces modifications très difficiles. Nous devons donc briser le bord de cette ligne vectorielle. Je vais donc cliquer sur le calque de forme et accéder aux commandes de mes effets. Si cela affecte les contrôles n' est pas visible, vous allez dans Fenêtre et cliquez sur Contrôles d'effets. Je sais que lorsque vous ouvrez After Effects, pour une raison quelconque la disposition par défaut est de ne pas avoir les contrôles d'effets ouverts. Vous cliquez sur le calque, allez dans Fenêtre et cliquez sur Contrôles des effets. S'il n'est pas ouvert, cliquez avec le bouton droit dans les contrôles d' effets. Je vais aller voir Stylize. Et je vais cliquer sur les bords rugueux. Avec des bords rugueux sur un calque de tracé, une distorsion ondulée douce et agréable est ajoutée à la ligne, et elle a déjà l'air beaucoup plus naturelle. Nous avons donc ça. La première chose que nous allons faire est de réduire l'échelle de dix. Ce que nous visons pour le moment, ce ne sont donc pas les grandes oscillations de la course. Nous allons essayer de donner l'impression que la texture est un trait texturé qui aurait pu être fait avec un crayon, un morceau de craie ou quelque chose comme ça. Et dans mon cas, ça ressemble un peu à de la craie, donc ce sera une grosse ligne épaisse avec un bord rugueux. Ensuite, nous allons lui ajouter de la texture. Donc, ce que je veux dire, c'est qu'il est également bon de continuer à apporter votre référence ici également. Jetons donc un autre coup d' œil à la référence. Donc, ce sur quoi je vais me concentrer en ce moment , c'est juste le bord même. Le bord de cette ligne est donc ce que j'essaie de recréer. Ce que nous pouvons faire, c'est une échelle de dix à la baisse. L'échelle ne descend qu'à environ 10 % ici, ce qui est très bien. Et puis vous obtenez ce très beau bruit qui se produit dans le trait d'édition. Si vous appuyez sur Ctrl Shift H ou Cmd-Shift H, tous vos guides et autres éléments seront masqués vos guides et autres éléments afin que vous puissiez vous concentrer uniquement sur ce que vous regardez. Ensuite, je vais augmenter la netteté des bords. Donc l'avantage pour quelqu'un en ce moment, et je veux qu'il soit beaucoup plus tranchant que ça. Si vous le montez complètement, alors vous commencez à avoir ce bord cassé vraiment dur. Je pense que c'est une bonne chose . Environ cinq heures. Et puis 4,8 mots comptent, puis bordure. Je ne veux pas qu'elle soit trop grande, sinon elle commence à disparaître, à trop se briser. Je n'essaie pas de faire la texture du milieu du trait avec ça. Je ne fais que regarder le bord. Donc si nous tournons ça vers quelque chose comme ça, peut-être cinq, oui, ça a l'air vraiment bien. Tu pourrais le dupliquer. Donc, si nous regardons notre trait en arrière , il a un bord vraiment rugueux et il y a aussi ce genre d' oscillations dedans. Vous voyez comment ce sont des cellules comme les oscillations légèrement plus grandes, ne vont pas créer cela pour le moment. Parce que nous pouvons ajouter ça juste à la fin en plus de tout parce que presque tout a des vagues. J'ai travaillé sur de nombreux projets où ça s'annonce vraiment bien. Nous rendons les bords rugueux sur chaque couche. Mais dans le prochain projet devient ingérable. Soyez lent car il doit traiter des arêtes de référence sur environ 2030 couches, quelque chose comme ça. C'est donc un peu un équilibre. Donc je vais le faire, le faire comme ça pour l'instant. Et ensuite, si c' est trop lent, nous pouvons essayer autre chose. Vous pouvez également en avoir un temporaire ou simplement désactiver tous les effets, puis les réactiver lorsque vous avez besoin d'un rendu. Mais si vous rendez de très grandes séquences longues et que le rendu prend une éternité, vous devrez peut-être faire des compromis. Super, donc ça a l' air plutôt bon. La prochaine chose que nous devons faire est de revenir arrière et de récupérer la texture que nous avons créée de la dernière leçon, car nous allons l'ajouter au trait. Si vous n'avez pas la texture que vous avez créée au cours de la dernière leçon dans le même fichier de projet que cela affecte le projet, vous pouvez toujours aimer si vous avez un projet distinct du projet suivant, que vous avez créée au cours de la dernière leçon dans le même fichier de projet que cela affecte le projet, vous pouvez toujours aimer si vous avez un projet distinct du projet suivant, peut simplement importer la texture affecte le projet. Et il sera simplement inséré dans le projet After Effects actuel en tant que dossier séparé. J'espère que vous travaillez sur le même projet car c'est une chose sur laquelle nous travaillons. Mais si vous ne l'avez pas, vous pouvez simplement entrer projet d'autres offres et vous devriez avoir tout ce dont vous avez besoin. Notre texture est en ébullition. Revenons à la composition dans laquelle nous faisons notre trait. Je vais donc faire glisser dans ma composition de mon ébullition de texture. Et maintenant, nous avons un Boyle à quatre cadres ici. Si vous remarquez, il y a en fait huit images ici parce qu' à l'intérieur de cette texture, cette texture tourne à 12 images par seconde. Ainsi, pour deux images de 24 images par seconde, nous obtenons une de nos 12 entreprises seconde. C'est logique. Donc ça va 11, 2233, et ainsi de suite. Évidemment, nous voulons qu'il soit en boucle pendant tout le temps. Nous voulons juste, Nous voulons que cette texture soit juste en boucle et en boucle, en boucle. Pour ce faire, si vous cliquez avec le bouton droit de la souris sur le calque de composition de texture et que vous accédez à Time, activez le remappage temporel. Il existe différentes manières de boucler des éléments dans After Effects. Vous pouvez en fait cliquer avec le bouton droit de la souris sur un métrage comme le fichier Photoshop et dire en boucle dans la zone Interpréter le métrage, mais ce n'est pas très bon si votre métrage est recadré exactement à la longueur de la boucle. Une façon plus efficace de boucler des éléments dans After Effects consiste donc à utiliser une petite expression à l' intérieur de la propriété que vous animez. Et si vous voulez faire une boucle et une précomposition complète , vous devez activer le remappage temporel. C'est donc une façon très détournée de boucler des éléments dans After Effects, mais c'est la méthode la plus puissante. Nous pouvons donc le boucler à l'intérieur de la précomposition, puis nous aurons simplement une texture en boucle tout le temps. Mais c'est le même processus, mais nous allons le faire en dehors de la pré-compétition. Je peux donc simplement vous montrer comment procéder à l'aide d'une carte chronologique. Cela semble compliqué et c' est plus compliqué qu' il ne devrait l'être à coup sûr. J'aimerais qu'il y ait un effet qui dit simplement boucle ou quelque chose comme ça. Mais il n'y en a pas, donc nous devons le faire comme ça. Mais si vous suivez mes pas d'assez près, alors tout devrait bien se passer. Donc, la première chose que je vais faire est de faire glisser l'extrémité de la couche d'ébullition de la texture jusqu'à la fin. Quel remappage temporel vous permet de faire. Cela ne fonctionne toujours pas en boucle. Cela deviendra simplement noir après la fin de ces images-clés que vous pouvez voir ici. Essentiellement, quelles sont ces images-clés si vous n'avez pas utilisé de mappage en temps opportun avant que je couvre rapidement, cela vous donne une propriété d'animation pour le temps à l'intérieur de ce calque, indépendamment de l'heure dans le parent composition. Donc, si vous voyez ici, la valeur de cette image-clé est 0 et la valeur de cette image-clé est de quatre, car nous avons quatre images et notre composition. Et nous allons utiliser un peu d' espresso ici pour le faire boucler parce que c' est comme ça que vous bouclez des éléments dans After Effects. Si vous maintenez la touche Alt enfoncée et cliquez sur le chronomètre sur la carte de chronométrage, vous obtiendrez un peu de code ici. Je sais que cela semble fou parce que vous devez faire du codage pour faire une boucle dans After Effects. Mais After Effects est ce genre de programme. C'est un peu démodé. Ce n'est pas particulièrement convivial. C'est très convivial pour démarrer. Mais une fois que vous avez besoin de faire des choses plus avancées, cela devient très vite compliqué. Mais ne vous inquiétez pas, ce n'est pas un code compliqué. Vous n'avez qu' à taper quelques mots, mais vous devez vous souvenir de ces mots chaque fois que vous voulez mettre quelque chose en boucle. Il doit donc s'agir exactement de cette boucle en minuscules. Et cela vous donne un petit indice ici. Ce n'était pas le cas auparavant, mais nous avons maintenant ces conseils ici. C'est vraiment pratique. Donc, une fois que vous tapez en boucle, vous pouvez simplement appuyer sur le bas et le LoopOut est ce que nous voulons. Nous voulons donc Loop Out, avec un O majuscule et un crochet ouvert, un crochet fermé. Une fois que vous l'avez dans votre zone d'expression, cliquez sur un endroit neutre. Et maintenant, il va mettre en boucle ces images-clés. Malheureusement, il inclut ce cadre noir dans la boucle, donc nous n'avons pas encore complètement terminé. La prochaine chose que nous devons faire pour le faire boucler correctement. Lorsque vous faites LoopOut, il supprime cette dernière image-clé en dehors de la première. Cela peut sembler correct pour le reste de la composition, mais cette première ne fonctionne pas. Ce que nous devons faire, c'est aller au cadre avant la fin. Donc, dans mon cas, c'est l'image sept, définissez une autre image-clé ici. Ensuite, je vais copier le premier, contrôler C, puis passer à la dernière image. Et je vais faire Control V. Donc maintenant, cela place la dernière image, puis elle revient à la première image. Et pour le reste, je retirerai celui-ci. Tu n'auras pas de double cadre ici. Nous allons simplement faire une boucle. Vous n'avez pas besoin de bien comprendre cela si cela, si c'est complètement nouveau pour vous, cela peut sembler totalement insensé juste pour boucler quelque chose. Mais si vous suivez exactement ces étapes, tout ira parfaitement en boucle. Et si vous vous intéressez éléments plus avancés d'After Effects, ce sera une configuration vraiment utile pour vous, car cela signifie que vous pouvez boucler tout ce que vous voulez. Vous pouvez sélectionner le milieu d' une vidéo ou le milieu d'une animation, l' intégrer en tant que composition. Appuyez sur le remappage temporel, définissez ces images-clés, mettez la boucle dessus et tout se passera parfaitement de toute façon. Alors testons cela et zoomons un peu pour voir ce que fait l'ensemble de l'image. Appuyez sur Play. Et nous avons fait sortir notre boucle et ça continue pour toujours. C'est donc parfait. Ensuite, pour obtenir un trait, il suffit s'assurer que la texture Boyle se trouve sous le calque de forme. Ensuite, vous allez ici, assurez-vous que vos tapis de piste sont allumés. S'il n'est pas activé, vous devrez peut-être basculer ce bouton vers le bas pour activer le mode et le cache de suivi afin qu'il soit visible sur vos calques. Cliquez sur le calque ci-dessous, puis sur Alpha Matte. Cliquez donc sur Masque de piste où il est indiqué aucun et allez sur mat alpha. Et cela désactive le calque supérieur et l' utilise comme canal alpha pour le calque inférieur. Nous avons maintenant notre texture qui traverse notre calque de forme de trait. Et si tu appuies sur Play maintenant, on a la texture qui le traverse, d'accord ? Mais ça n'a toujours pas l' air bien. Et la raison en est que les bords rugueux ne sont pas encore animés. Revenons donc à nos bords rugueux pour cliquer à nouveau sur notre calque de forme et passer à l'effet de rugosité des bords. Je vais juste augmenter un peu la frontière, juste pour la rendre un peu plus rugueuse. Ensuite, nous allons faire une autre expression, une autre très simple. Je vais donc simplement déposer l'effet ici. Donc, si vous déposez ce calque et que vous allez dans Effets et que vous ouvrez les bords rugueux dans les effets des calques en bas. De cette façon, nous avons un accès plus facile aux expressions. Et je vais trouver celui qui est les options d'évolution. Et je vais passer à la graine aléatoire. Et la graine aléatoire en gros, si vous changez cela, cela va simplement randomiser le bruit sur les bords rugueux. Cela vous donne une forme différente à chaque fois. Je veux donc que cela se produise à chaque image parce que c'est essentiellement comme un calque dessiné. Donc, la graine aléatoire , puis allez au chronomètre. Et je vais maintenir la touche Alt enfoncée et cliquer sur le chronomètre. Maintenant, ici, il y a cet effet qui est juste, est-à-dire la même valeur que ce qu'il y a dedans. Mais ne t'inquiète pas pour ça. Nous allons simplement supprimer tout cela. Je vais donc taper l'heure. Et cela vous donne l'heure en quelques secondes ici. Évidemment, je veux qu'il change chaque image, donc je le multiplie par 24 car notre composition est à 24 images par seconde. Donc, si vous prenez les secondes et les fois par la fréquence d'images, cela vous donnera un chiffre par image. C'est dur mais 24. Maintenant, ça devrait aller de un à deux. En gros, j'ai ton numéro de cadre ici. Mais il vous donne également une graine aléatoire à chaque image. Donc maintenant, si nous appuyons sur Play, nous obtenons cette belle ligne texturée et bouillante. Mais le truc c'est que je ne veux pas que ça change chaque image. Je veux qu'il change toutes les autres images. Donc dans After Effects parce que c'est possible, parce que nous animons 24 images par seconde. Je veux ajouter un calque de réglage ici. Donc, si vous cliquez avec le bouton droit de la souris sur un espace neutre à l'intérieur de votre timeline et que vous accédez à un nouveau calque de réglage qui créera un nouveau calque dans votre timeline appelé calque de réglage. Et les calques de réglage sont essentiellement calques dans lesquels vous pouvez ajouter un effet et cela affectera tout ce qui se trouve en dessous de ce calque. Il ne fait donc rien par lui-même et il sera invisible jusqu'à ce que vous y ajoutiez un effet. Et c'est très pratique car cela signifie que vous pouvez, au lieu d'ajouter un effet à chaque calque, vous pouvez simplement avoir un calque de réglage en haut. Et cela affectera tout ce qui se trouve en dessous. En fait, je le veux à deux. Donc, pour faire des effets 2 et After, même lorsque vous animez sur certains d'entre eux, car supposons que vous travaillez à 24 images par seconde. Vous ne voulez pas travailler à 12 images par seconde parce que ce n'est pas la chose la plus puissante et que c'est un peu étrange de régler votre composition sur cette base, ce sont souvent ces éléments qui sont en cours d'exécution à 24, mais vous ne voulez afficher que toutes les autres images. Il existe un effet très simple dans After Effects appelé Postérisation du temps, qui vous permet de le faire. Je vais simplement renommer ce calque de réglage deux, postériser l'heure. Vous pouvez donc cliquer avec le bouton droit de la souris dans le contrôle des effets et cela affichera tous les effets dont vous avez besoin. Et si Contrôles des effets n'est pas visible, vous pouvez accéder à, vous pouvez cliquer en haut de notre fenêtre Effets, Contrôles des effets. Et cela ouvrira la fenêtre de contrôle des effets. S'il n'est pas visible, vous pouvez simplement cliquer dessus avec le bouton droit afficher la liste complète des effets que vous pouvez ajouter. Ensuite, dans le contrôle des effets, je vais aller dans Time, postériser le temps. L'image par défaut ici est normalement 24 et il suffit de cliquer dessus, de la régler sur 12 afin que tout ce qui se trouve sous ce calque de réglage s'exécute désormais à 12 images par seconde au lieu de 24 images par seconde deuxième. Donc maintenant, lorsque nous appuyons sur play, tout tourne à 12 images par seconde, y compris les bords rugueux. Parce qu'avant cela, les bords rugueux s'épuisent, en changeant chaque image. Et la texture tourne à 12 images seconde parce que c'est ce que nous avons défini. Si je viens de passer en maintenant le contrôle et les touches fléchées gauche et droite. Donc j'appuie juste à droite, ça va passer. Alors allez 1212. Vous pouvez voir que la texture change chaque image sur deux. Mais les bords rugueux changent chaque image. Maintenant que l'heure de postérisation est activée, tout fonctionne à deux. 12. Allons-y. Maintenant, cela fonctionne parfaitement. Nous appuierions donc sur Play. Nous avons une très belle texture tout au long de notre trait. Alors oui, juste un petit mot. Si vous réinterprétez votre métrage de 30 à 12, comme je l'ai fait ici pour le faire à deux dans le paramètre Interpréter le métrage. Ensuite, allez dans Photoshop, modifiez votre document Photoshop et enregistrez-le. Lorsque vous revenez dans After Effects, il aura changé car After Effects recharge le fichier Photoshop. Et quand il est rechargé, il le ramène à 30 images par seconde. Vous devez donc vous assurer de revenir en arrière et de le modifier à nouveau. Je ne pense pas que c'était le cas auparavant, mais pour une raison quelconque, c'est ce qui se passe actuellement. Si c'était un jeudi, que s'est-il passé ? C'est un moyen très clair de savoir si cela a mal tourné c' est-à-dire qu'il va commencer à mal paraître moment où votre rendu clignote et s'éteint. Et il m'a fallu un peu de temps pour comprendre pourquoi je continuais à casser et je me suis rendu compte que c'était parce que je sauvegardais le fichier Photoshop. Il en va de même lorsque vous rechargez le projet aftereffects. Sachez donc si vous travaillez sur un cadre différent. Je l'ai dit plusieurs fois parce que la première fois que j'ai créé ce tutoriel, je venais de travailler avec la fréquence d'images par défaut dans Photoshop en pensant que nous pouvions interpréter des séquences et des artefacts, mais je ne savais pas que tu devais le faire. La fréquence d' images est réinitialisée chaque fois que vous enregistrez le document Photoshop ou que vous rouvrez le projet After Effects. Il suffit donc de garder cela à l'esprit. Et nous avons défini votre fréquence d'images dans le fichier Photoshop avant de l'importer dans After Effects Assurez-vous de revenir en arrière et d'avoir la bonne fréquence d' images dans Photoshop. Parce qu'une seule exportation, le fichier Photoshop sera également rechargé et il aura mauvaise apparence lorsque vous ferez votre rendu final. Assurez-vous donc de revenir en arrière et de corriger la fréquence d'images des fichiers Photoshop. Incroyable. Nous avons maintenant une configuration vraiment solide recréer les traits de l'illustration originale. Et cette technique avec quelques ajustements ici et là ne devrait pas pouvoir correspondre à la plupart des styles de traits. Récapitulons donc rapidement comment nous y parvenons. Nous utilisons l'outil Plume pour tracer le dessin original. Dans mon cas, il s'agissait du bras, en veillant à utiliser le moins de points possible pour le garder maniable mais suffisamment pour que vous puissiez conserver la forme originale. Nous sommes ensuite allés dans le calque de forme et avons appuyé sur le remplissage s' il était visible et ajusté le style de trait pour qu'il corresponde à la même largeur que le trait d'origine. Nous avons ensuite utilisé des bords rugueux pour donner au bord du chemin un aspect fragmenté et texturé que l' on obtient généralement avec objets comme le crayon ou la craie. Nous avons ensuite introduit notre texture boil dans la même composition et nous l'avons mise en boucle en activant le remappage temporel et en utilisant l'expression LoopOut. Nous avons ensuite utilisé le trait que nous avions créé comme cache pour la texture. Ainsi, la texture n'est visible que là où se trouve le trait. Après cela, nous avons fait bouillir aléatoirement les bords rugueux en trouvant la propriété random seed et en ajoutant une expression temporelle simple qui la fait changer à chaque image. Enfin, nous avons ajouté un effet de postérisation sur un calque de réglage afin que tout ce qui trouve sous le calque de réglage soit exécuté par deux, y compris les bords rugueux, l'ébullition et toute animation que nous Je vais m'installer plus tard. Incroyable. Donc, cette fois-ci, vous devez faire correspondre le style de trait de votre illustration. Cela devrait être totalement possible avec cette méthode précise. Il s'agira juste de faire correspondre la texture, la couleur, la largeur du trait, et peut-être de manipuler les bords rugueux, la largeur de la bordure, ce genre de choses. Je veux dire, l'animation numérique consiste essentiellement à jouer avec des chiffres. Alors bonne chance. Dans la leçon suivante, nous allons appliquer ce que nous avons appris dans cette leçon à une zone de couleur remplie plus grande. Alors je te verrai là-bas. 12. mise à jour en cours: Bonjour. Dans cette leçon, nous allons appliquer notre texture bouillante à une zone de couleur pleine. Pour ce faire, nous allons utiliser des remplissages plutôt que des traits à l'intérieur des calques de forme. Et nous allons étudier différentes manières modifier notre texture ou de l'ajuster pour qu'elle corresponde plus près à l'œuvre . Alors revenons en arrière. Donc, la prochaine chose que nous allons faire est de créer un fichier rempli. Je m'assois juste sur les techniques pour le moment. Assurez-vous que cela fonctionne. Ensuite, je vais passer en revue et appliquer cette technique à l'ensemble de l'image. Donc ce sera juste pour les tests. Et maintenant je vais essayer de lui faire un de ces remplissages. Donc la chose qui va être vraiment difficile de recréer ce flux, vous voyez comment quand le lac a été coloré, la coloration suit en quelque sorte la direction de la jambe. Ce truc va être vraiment difficile à recréer. Mais c'est l'un des compromis que nous devrons peut-être faire. Je vais donc essayer de faire cette partie de la jambe et voir à quoi elle ressemble. Je pense que vous pouvez voir, vous pouvez voir un trait ici aussi. C'est quelque chose que nous pourrions essayer de recréer. La première chose que je vais faire est de faire un remplissage et de voir à quel point nous nous en approchons , puis peut-être que nous pouvons commencer à l'ajuster à partir de là. Donc je vais juste tracer au-dessus de la jambe. Il est important de souligner que si vous voulez animer cette étape, vous n'aurez peut-être pas envie d'avoir un contour comme celui-ci. Vous voudrez peut-être trouver comment le faire à partir d'un trait, d'un seul trait, ce qui est possible, mais cette jambe est une forme assez compliquée, donc ce serait un peu difficile de le faire. Je vais juste désactiver le remplissage de la lumière pour voir ce que je fais. Je vais juste l' ajuster un peu. Ensuite, je vais désactiver le trait et activer le remplissage. Nous n'avons donc plus qu'un remplissage sur le calque de forme. Et je vais encore cacher la référence. En gros, tout ce que je vais faire pour le moment , c'est juste dupliquer ce que nous avons déjà sur le trait et voir à quoi ça ressemble. Ce sera donc le remplissage des jambes. Je vais juste cliquer sur notre test de bras. Je vais copier ces bords rugueux. Je vais le coller sur le remplissage des cuisses. Maintenant, nous avons exactement la même chose sur le bord. Et je vais dupliquer cette couche d'ébullition de texture en faisant le contrôle D, apple D sur un Mac, le mat alpha est déjà activé, mais le calque de remplissage des jambes est toujours visible, donc vous devez pour désactiver ça. Donc, si cela vous arrive , vous pouvez le faire ou cela le réinitialisera. Vous pouvez simplement cliquer sur le calque d'ébullition de la texture, cliquer sur No Track Matte et il sera réinitialisé. Ensuite, lorsque vous cliquez à nouveau sur Alpha Matte, il désactive automatiquement ce calque et l'utilise comme cache alpha. Donc, en gros, je veux dire, vous pouvez voir que la texture est très différente. Il y a donc certaines choses que nous pouvons faire pour qu'il ressemble un peu plus à l'illustration. Jouons juste là-dessus et voyons à quoi ça ressemble. Donc ça a déjà l'air très beau. Surtout à partir de cette distance l'ébullition est assez intense. Et si nous revenons à notre couche de référence, ce n'est pas le cas, la texture n'est pas aussi intense que ça. Je veux voir bouillir parce que je pense que ce serait bien. Cette texture bouge complètement, mais je pense que c'est un peu trop en utilisant cette texture actuelle. À partir de là, je vais juste peaufiner mes effets de texture. Ce n'est donc pas nécessairement pertinent pour toutes les illustrations, évidemment parce qu' il y aura une telle variété de textures si vous avez des textures dans votre image. Mais je pense que le processus est plutôt utile car il vous montrera comment ajuster la texture. Il existe de nombreuses techniques différentes pour l'affiner. Je pense donc qu'il est toujours utile de regarder. Comme je l'ai dit, cela n'est pas nécessairement directement pertinent pour chaque image. Il y a donc quelques mesures que nous pouvons prendre pour y remédier. La première chose que je vais essayer est de cliquer sur la texture et d'apporter un effet de niveaux. Je vais donc cliquer sur le calque de texture et dans les contrôles d'effets, je vais aller sur Niveaux de correction des couleurs. L'utilisation principale des niveaux de facteurs comme outil de notation. Il vous permet de contrôler le haut et le bas de gamme à l'aide des commandes gauche et droite en haut. Et vous pouvez faire différentes choses, comme couper le noir et le blanc. Et il y a un contrôle central qui vous permet de régler les niveaux intermédiaires. Mais je vais l' utiliser pour ajuster le canal alpha et la texture. Et je vais changer de chaîne les niveaux ici en Alpha. Cela vous permet de contrôler le canal alpha de la texture, car il s' agit de la transparence. Cela sera donc pertinent si vous avez un canal alpha dans votre texture, si vous utilisez une texture qui a pas, comme si c'était une image en noir et blanc, comme je l'ai mentionné avant, si vous l'utilisez comme cache de luminance, ce que vous pouvez faire comme de fond au lieu de ce que nous utilisons, un cache alpha ou un cache alpha, vous pouvez utiliser les niveaux dans la valeur par défaut, qui est le mode RVB, qui affecte uniquement les couleurs normales, plutôt que les moteurs Alpha, c'est comme ça que je vais l'utiliser. Et la première chose à faire est de jouer un peu avec ce contrôle central. Voyez si je peux simplement réduire la quantité de texture qui se produit. Ensuite, vous pouvez également baisser la lumière. Il y a une texture assez dure. Donc pour le moment. Je vais donc réinitialiser cela pour le moment. Et je vais ajouter un autre effet par dessus. Je vais ajouter un flou de zone rapide Flou et Netteté. Je vais mettre ça au-dessus des niveaux. Et je vais définir le rayon de flou quelque chose de bien trop petit. Donc peut-être 0,1 juste pour donner les niveaux de quelque chose avec lequel jouer. Parce que si je désactive cette option, vous pouvez voir que la texture est activée ou désactivée. La transparence est activée ou désactivée. Je vais donc d'abord mettre le flou, peut-être 0,2. De cette façon. Cela adoucit juste un peu cette texture. Permettez à ces niveaux d'avoir quelque chose avec lequel jouer. Ensuite, je vais revenir aux niveaux, sélectionner à nouveau Alpha. Maintenant, j'ai un peu plus de contrôle sur la luminosité de cette texture. Donc je peux essayer d'apporter ça, voir comment j'en ai un peu plus. Je ne veux pas m'en débarrasser. Je ne veux pas qu' il soit aussi fort. Ok, je pense que c' est mieux. Maintenant, je peux peut-être essayer d'ajouter un aiguisé jusqu'à ce que j'ajoute l'extrémité tranchante. Si vous allez aux effets de flou et de netteté, alors la netteté consiste à essayer de vous débarrasser du flou. Nous ajoutons du flou. Ensuite, nous utilisons les effets de niveaux pour ajuster la densité de la texture. Ensuite, nous pouvons ajouter un effet et net pour supprimer à nouveau le flou. Maintenant, il a été considérablement réduit. C'est donc en regardant de plus près le dessin. Je dirais qu'il faut jouer là-dessus. Ça a l'air mieux. Je suis encore très silencieux ce que nous pouvons faire maintenant est d'ajouter un autre calque juste pour réduire encore plus la texture. Aussi, je pense que je vais ajouter ce trait. Donc, si vous revenez à la référence, vous pouvez voir qu'elle est un peu plus épaisse vers le bord. J'aimerais en garder un peu pour voir si nous pouvons donner impression qu'il a été esquissé puis coloré. Je vais donc dupliquer le remplissage des jambes appuyant sur Ctrl D ou Command D sur un Mac. Ensuite, je vais réactiver la forme Contour au contenu. Et il y a des tonnes de traits dessus et désactivez le remplissage , puis changez-le obtenir une couleur de trait un peu plus visible et le rendre jaune. Je veux qu'elle soit identique à cette texture de trait. Allons voir quelle est la taille de cet accident vasculaire cérébral. Largeur de trait 10,5. Ok, c'est donc un peu la largeur de trait pour l'ensemble des documents. Donc 10.5 ou quelque chose pour que je garde la tête maintenant. 10,5, Agréable. Et puis j'ai déjà les bords rugueux dessus. Appelez cette jambe. Et je vais dupliquer mon texte pour le faire bouillir à nouveau et désactiver ce calque. Maintenant j'ai la ligne de la jambe ainsi que si je cache la texture de la jambe, vous pouvez voir que j' ai maintenant une ligne pour l' ensemble. Je ne m'ai pas répondu par texto. Je me rapproche. C'est sympa. Je vais essayer dupliquer la texture des jambes pour les films sur les jambes, récupérer le remplissage des jambes et sa texture et faire Control D dessus. J'en ai un autre. Voyez à quel point il est encore plus épais. C'est la même texture l'une sur l'autre, sur elle-même. Je vais juste le décaler si je fais simplement glisser le calque de texture pour que l'animation soit décalée par rapport à celle du dessous. C'est vraiment épais maintenant. Donc en fait, ce que je vais faire, c'est que je vais rendre celle-ci très légère, puisque nous avons rendu l'autre texture assez lourde en augmentant les niveaux. Vous pouvez donc le voir ici comme vous pouvez le contrôler ici. Donc en fait, c'est la couche inférieure qui se trouve sur ma couche de texture de basse. Et la couche supplémentaire suivante, je vais la réduire juste pour avoir juste un peu plus de texture sur le dessus parce que je vais reprendre le contrôle des niveaux intermédiaires et juste pompez-le pour obtenir une texture vraiment légère avec beaucoup de transparence. Et je vais juste voir si je peux plonger un peu. Je vais aussi faire pivoter ça, voir ce qui se passe. Déplace-le. Bon, voyons ce qui se passe quand on joue ça. Ça a l'air bien. Alors maintenant ce n'est pas trop intense, ça n'attire pas trop mon attention, je suppose que c'est ce que j'essaie de faire, mais je deviens un rouge complètement uni. Alors peut-être que ce que je peux faire maintenant est de prendre la couche inférieure et de commencer réduire la texture de celle-ci également. Jusqu'à ce que je trouve le bon niveau de texture. Ça a l' air plutôt bon. Je vais y aller pour le moment. Une chose que je n'ai pas faite est de mettre la couleur d'arrière-plan et celle-ci est toujours complètement noire. Je vais donc juste récupérer le contrôle de couleur d' arrière-plan Y. Et cela crée un nouveau solide. Ou vous pouvez aller sur calque nouveau solide, Control Y ou Command Y sur un Mac et utiliser simplement ce petit sélecteur ici, je peux échantillonner la couleur d' arrière-plan et ce solide est juste la couleur d' arrière-plan correcte. Je vais le faire glisser vers le bas qu'il soit derrière tout. Ok, c'est donc en gros ça. Il ne me reste plus qu'à appliquer cette technique à tout pour recréer l'ensemble du tableau. C'est donc la technique que je vais utiliser. football pourrait probablement se rapprocher avec cette texture. Je pourrais revenir dans Photoshop et rendre la texture plus proche, mais je pense que je vais juste opter pour celui-ci pour le moment. Il est assez facile de les échanger. Donc, si vous créez une nouvelle texture, vous pouvez simplement l'apporter comme une autre texture, faire bouillir à la texture pour O2, puis faire la même chose. Et puis vous pouvez juste regarder, disons que j'ai eu de la texture bouillie O2 ici. Je pourrais simplement l'attraper et maintenir la touche Alt enfoncée avec un calque sélectionné ici et remplacer ces textures afin de pouvoir les mélanger et les assortir. C'est une autre chose puissante avec le fait de le faire comme ça et After Effects est que vous pouvez réellement tout ajuster par la suite, en particulier c'est excellent pour les projets clients. Si un client vient vous voir et vous dit que cette texture n'est pas assez proche, d'accord ? Essayez de le rapprocher et vous avez gardé toute votre animation, tout est terminé. Mais vous pouvez ensuite revenir en arrière et corriger cette texture. Vous pouvez le modifier pour une texture complètement différente. Jusqu'à présent, tout est rouge en ce moment parce que c'est la couleur que j'ai peinte dans Photoshop, qui est échantillonnée à partir de l'image d'origine parce qu'il y a beaucoup de rouge dans mon image, mais je ne vous a pas montré comment modifier la couleur du remplissage. Je vais donc vous expliquer cela maintenant. Et évidemment, si je veux une couleur différente et cette texture, si je la change à l'intérieur de la pré-composition de la texture bouillie, alors cela changera la couleur de tout ce que nous utilisons. Nous devons donc le changer dans la maquette principale. Je vais donc simplement cliquer sur l'une de mes couches d'ébullition de texture. Je vais faire un clic droit parce que je travaille sur la tête maintenant, je vais aller dans Générer le remplissage. C'est un très bon effet pour changer la couleur de n'importe quoi sans affecter les propriétés du canal alpha. Je clique donc sur ce calque. Je vais juste le révéler pour pouvoir échantillonner ma référence, qui est ce jaune que je veux maintenant. Et puis je vais encore cacher ça. Maintenant, nous pouvons voir le jaune passer. Mais parce que comme sur la jambe, nous avions l'habitude de texturer les couches. Donc, évidemment, j'en ai également besoin sur la deuxième couche. Je vais donc simplement copier ce remplissage et je vais l'ajouter à celui ci-dessus. Et maintenant, j'ai exactement la même animation que celle que j'avais sur ma jambe. Maintenant j'ai une tête jaune, version jaune parce que tu ne vois pas. Donc en cours d'exécution. Super. Nous avons maintenant nos traits et remplissages, tous très proches du style d'illustration. Récapitulons rapidement ce que nous avons abordé dans cette leçon. Nous avons tracé cette zone de couleur pleine. Dans mon cas, c'était la jambe des personnages. Et nous nous sommes assurés que le film était allumé plutôt que le trait à l'intérieur du calque de forme. Nous avons ensuite appliqué l' ébullition texturée à cette zone remplie, comme nous l'avons fait avec un trait dans la leçon précédente en utilisant un cache de piste. Je vous ai ensuite montré comment j'ai pris mon ébullition assez intense et ai réduite un peu pour mieux correspondre au style de l' illustration. Et pour le rendre un peu plus subtil. Pour cela, j'ai utilisé une combinaison de l'effet de flou, un peu de flou, puis j'ai appliqué l'effet de niveaux afin que vous puissiez ajuster l' intensité de la texture. J'ai également utilisé plusieurs couches de texture sorte que lorsqu'elles étaient combinées, elles remplissaient plus de zones et il y avait moins d'espaces vides. Je vous ai également montré un moyen rapide de modifier couleurs de votre texture en utilisant l'effet de remplissage de couleur. Cette fois, vous devez faire correspondre une zone de couleur remplie dans votre illustration en appliquant votre texture et affinant pour qu'elle corresponde à votre illustration. Ainsi, lorsque vous êtes satisfait du style de vos traits et de vos remplissages. Dans la leçon suivante, nous allons examiner cette dernière pincée qui va vraiment vendre le look fait main. Mondanité. 13. mise à jour en cours: Ok, c'est donc le dernier effet principal que nous examinerons dans la création de nos styles faits à la main. Dans cette leçon, nous allons voir comment créer une sorte d'effet d'oscillation important mais subtil, qui aidera à recréer les petites incohérences qui se produisent lorsque vous faites des choses à la main. Et pour ce faire, nous allons utiliser un effet appelé déplacement de turbulence. Revenons donc à notre composition et je vais vous montrer comment la configurer. La dernière chose que je vais faire avant créer l'image entière en utilisant ces techniques, c'est d'ajouter un calque de réglage supplémentaire en haut. Celui-ci va être une sorte de distorsion globale. Je vais le mettre en dessous de l'heure de postérisation. L'heure de postérisation doit être juste en haut. Et je vais appeler ça une grosse distorsion. Et je vais cliquer dessus et cliquer avec le bouton droit de la souris sur les contrôles d' effets. Et je vais faire de la distorsion, et j'utiliserai une autre méthode appelée déplacement turbulent. Cela a rendu tout vraiment bancal comme ça. C'est donc trop gros pour le moment. Je veux juste ajouter un gros vacillement, mais un peu bancal. Je veux que l'échelle soit grande. Donc, quand je dis échelle grande, je veux dire comme ça, vous pouvez voir comment les oscillations diminuent. Je veux une assez grande oscillation. Je veux essentiellement recréer ce que j'essaie de recréer l'imprécision que votre main aurait en traçant la ligne. Je veux juste quelque chose, peut-être qu'on pourra aussi ajuster ça par la suite. Voyons à quoi ça ressemble quand il bouge. Mais je veux qu'il soit peut-être aussi grand. Donc je vais choisir la taille 64. Ensuite, j'en veux une petite quantité. Peut-être quelque chose comme deux. Lorsque vous l'allumez et l'éteignez. Peut-être que nous pouvons l' agrandir un peu pour le voir un peu plus. Mais je pense que ce sera une créance. Quand vous le regardez simplement sur un alambic, vous ne remarquerez même pas qu'il est allumé. Mais lorsqu'il est en mouvement, il ajoutera un niveau supplémentaire de fabrication artisanale. Comme si cela allait ajouter cette légère oscillation que vous auriez si vous redessiniez chaque image à la main. Ensuite, nous allons utiliser la même expression que celle que nous avons utilisée pour les bords rugueux. Nous allons donc passer aux options d' évolution et nous retrouverons cette graine aléatoire. Je vais le faire ici en fait bon pour affecter les options d' évolution de déplacement turbulent. Et je vais à nouveau maintenir la touche Alt enfoncée sur une graine aléatoire et cliquer sur le chronomètre. Cela nous donne accès au contrôle des expressions. Et je vais taper à nouveau une fois, fois 24, puis quelque part en neutre. Maintenant, cela devrait changer à chaque image, nous pouvons vérifier si vous avez créé une expression sur un calque et que vous souhaitez y revenir directement. Vous pouvez appuyer sur E pour afficher toutes les expressions de ce calque. Si vous appuyez simplement sur E, les effets s' afficheront. Si vous appuyez sur E, cela fait apparaître les expressions. Et vous pouvez voir si je passe à travers le cadre en maintenant la touche Contrôle enfoncée et la flèche droite et que nous avons laissé notre course là-haut. Vous pouvez voir que ça change. Ce nombre augmente une fois par image, comme nous l'avons fait auparavant avec les bords rugueux, appuyer sur L. L est en appuyer sur L. fait pour afficher les commandes audio, mais comme la plupart des couches n'ont pas de son, en fait, il se ferme là où vous êtes ouvert. Donc j'appuie simplement sur L dedans. Pourquoi tout fonctionne-t-il ? Alors testons ça. Et comme c'est en dessous du temps de postérisation, cette grosse distorsion changera toutes les deux images avec tout le reste. Alors vérifions-le. C'est très agréable. Donc maintenant, cela lie vraiment tout ensemble. Cela me dit maintenant que c'est assez dessiné à la main. Nous avons obtenu la texture. Nous avons le bord bouillant avec les bords rugueux. Et nous avons une sorte d' ébullition oscillante dessinée à la main en utilisant ce déplacement de turbulence. Et c'est à peu près tout. C'est probablement la plupart des effets que je vais utiliser pour celui-ci. Je vais donc passer en revue maintenant et terminer le reste du dessin. Je vais indiquer tous les endroits si j'utilise une technique différente ou si je l' affine d' une manière intéressante. Je vais essentiellement parcourir et recréer toute cette image en utilisant cette technique. Oui, et ensuite nous pouvons regarder quelques animations. Vous n'êtes donc pas obligée suivre cette section suivante, mais je vais juste passer en revue et de suivre cette section suivante, mais je vais juste passer en revue et supprimer tous les effets que nous avons réalisés jusqu'à présent et les comparer à ce à quoi cela ressemblerait si nous n' avions aucun effet. Nous avons donc un bel effet puissant et je voulais juste vous montrer le pouvoir de cela. Faisons donc un véritable test d'animation essentiellement sur ce bras. Je vais donc simplement changer la forme de ce chemin. Ensuite, définissez une image-clé sur ce chemin. Imaginons que nous voulions que le bras s'ouvre comme ça. Je veux dire, ce n'est pas vraiment une animation. s'agit simplement de déplacer un chemin juste pour vous montrer à quoi cela ressemblerait si ces pièces bougeaient. Je vais juste ajouter un peu d'assouplissement. Maintenant, nous avons ce bras bouge et il est complètement dessiné. Supposons que je veuille le changer. On dirait qu'il a été dessiné à la main ou qu'il aurait pu techniquement être dessiné à la main dans Photoshop. Et c'est complètement changeant, disons qu' au lieu d'aller là-bas, je voulais juste monter ici et prendre cette forme. Il est donc super facile à changer, tout est dessiné à la main et tout est vraiment beau. Nous avons donc cette animation belle et dessinée juste pour comparer. Si nous désactivons tous les effets, nous avons juste façonné des joueurs sans taxes ou quoi que ce soit d'autre. Et ce n'est pas à deux. Cela ressemble à une super animation vectorielle numérique. C'est ce à quoi ressemble After Effects par défaut, si vous animez à l'aide de calques de forme. Cela montre vraiment la différence lorsque vous ajoutez tous ces effets en haut. Incroyable. Nous avons donc maintenant une très bonne base pour un effet de dessin. Nous pouvons maintenant parcourir et terminer des illustrations à l' aide de ces techniques. Récapitulons rapidement les étapes cette leçon que nous utilisons pour créer l'effet d'oscillation Nous avons ajouté un autre calque de réglage dessous de notre temps de postérisation. À cela, nous avons ajouté un effet de déplacement de turbulence. Nous avons ensuite ajouté cette même expression temporelle à la graine aléatoire pour lui donner cet effet d'ébullition aléatoire sur chaque image. Je suis ensuite passé en revue et je vous ai montré à quoi ressemblerait une animation de trajectoire avant et après l'ajout de tous les effets dessinés juste pour vous montrer la différence que cela ferait. Votre mission cette fois-ci, si vous ne l'avez pas déjà fait, est d'ajouter que la turbulence s'affiche sur le dessus pour lui donner cette petite incohérence sur tout. Ensuite, je veux que vous finissiez votre illustration en utilisant toutes les techniques que nous avons utilisées jusqu'à présent. Tellement texturé, ébullition, bords rugueux , temps de postérisation, tout garantit que vous avez tout dedans. Ensuite, je veux que vous reconstruisiez toutes les formes que vous allez animer dans votre illustration. Ensuite, je veux que tu réfléchisses à ce que tu vas animer. Donc, restez simple à moins que vous ne soyez vraiment familier avec l'animation d'effets. Mais si ce n'est pas le cas, gardez l'animation simple. Ne pensez pas à créer des séquences d' action John Wick ou quoi que ce soit de ce genre. Je veux que vous pensiez à des choses plus subtiles que vous pourriez faire, comme ajouter le dépassement des nuages, peut-être quelques mouvements de la main. Si vous vous sentez aventureux, personnage clignote, ce genre de choses. Allez-y si vous êtes vraiment d'accord. Mais pour les besoins de ce cours, nous n'avons besoin que d'une simple animation. Dans la leçon suivante, je vais passer en revue une liste aléatoire de conseils et de techniques supplémentaires que vous pouvez garder à l'esprit lorsque vous créez vos illustrations. Vous pouvez donc regarder la leçon suivante tout en faisant votre devoir de créer votre illustration, vous trouverez peut-être quelque chose de vraiment utile. Je te verrai là-bas. 14. mise à jour en cours: Bon retour. Vous devriez donc être en train de créer votre illustration prête pour l'animation dans After Effects. Dans cette leçon, je vais vous présenter un ensemble de conseils et de techniques supplémentaires que j'ai rencontrés lors de la création de ma propre illustration pour l'animation qui, selon moi, pourrait vous être utile. Je les ai assemblés l'un après l' autre, comme un gant. Et j'ai ajouté quelques notes dans la chronologie, dans la chronologie Skillshare pour un accès plus facile. Mon bras, j'ai eu plusieurs coups. Je ne pense pas en avoir parlé tout à l'heure. Mais par exemple, le trait principal IS fait le tour du coude et il est simplement connecté à ce doigt. Mais il y a évidemment beaucoup de formes différentes ici. Vous pouvez également placer plusieurs formes dans un même calque de forme. Et en fait, ce que j' aime faire, c'est que les pièces seront à peu près les mêmes. Vous pouvez déposer les tracés sous un groupe de formes à l'intérieur du calque de forme. J'ai donc dessiné cette deuxième forme ici et elle a pris forme à l'intérieur du calque de forme. Mais pour ce deuxième doigt, je pense que ce sera à peu près le même que le premier doigt, mais il y a des réglages de dépouille différents. Alors peut-être que je vais aussi le garder comme un accident vasculaire cérébral. Mais oui, il y a beaucoup d'arrangements que vous pouvez avoir dans le Shape Player. Je vais donc faire tout ce bras à l'intérieur d'une seule couche. C'est une bonne idée de faire tout ce que vous pouvez au sein d'un même calque de forme, évidemment en fonction de la façon dont vous animez. Gardez donc à l'esprit que vous ne pouvez pas effectuer de position différente sur une animation de rotation sans difficulté sur différents calques de forme au sein d'un même calque. Si vous voulez animer uniquement la totalité du calque, c'est qu'il allait se déplacer. Toutes les formes au sein de plusieurs formes. Vous pouvez même avoir plusieurs tracés au sein d'un même groupe de formes, ce qui peut s'avérer pratique à bien des égards. Je fais juste cette ligne en arrière-plan. Je vais le faire d'une manière légèrement différente. J'ai juste pensé que ça valait le coup d' être montré parce qu'il y a deux couleurs différentes dessus. La scène devient assez lourde parce qu' il y a tellement de couches de textures. Et jusqu'à présent , j'ai fait une texture, c'est le calque qui visible et qui utilise le masque de calque de forme. Le problème, c'est que vous ne pouvez avoir qu'une seule couleur. Le calque entier est donc de la même couleur, ce qui convient à la plupart de cette image. Mais peut-être souhaitez-vous avoir plusieurs couleurs sur le même calque. Et peut-être souhaitez-vous conserver la couleur du calque de forme. Je vais le faire de cette façon cette fois. C'est donc assez simple. Donc je viens d'avoir cette ligne ici et je vais dupliquer ce chemin, qui est celui-ci ici, cette ligne verte que je viens de créer. Je vais donc cacher ça pour le moment, cacher l'illustration. Je vais mettre ce calque en solo parce que maintenant j'ai besoin qu'il soit d'une couleur différente. Je vais dupliquer la forme entière. Commande D sur la forme, Contrôle D. Ouvrez-la, puis je vais déplacer le chemin vers le haut pour créer le chemin bleu. Et je vais également sélectionner la couleur de trait et la masquer pendant une seconde, puis sélectionner le bleu. Nous avons maintenant des formes vertes et bleues. Je vais juste mettre ça un peu de côté. Maintenant, nous l'avons. Je vais prendre une texture, la texture que j'ai utilisée pour la commande lines , Control D dessus. Et cette fois, je vais utiliser le calque Shape comme couleur, et je vais utiliser le texte pour bouillir comme cache de piste. Je vais donc secouer lignes midi solitaires et sans nom , puis cliquer sur le cache de piste. Et je vais sélectionner Alpha Matte. Maintenant, j'ai la texture qui le traverse et nous avons gardé la couleur. Vous pouvez donc le faire dans les deux sens. Vous avez essentiellement deux couches avec des canaux alpha et des masques de suivi combinent en quelque sorte les deux canaux alpha ensemble. Il utilise donc l'un comme base , puis il pose l' autre sur le dessus. Donc pour ces joues, je vais, au lieu de créer un nouveau calque de forme, je vais simplement créer un calque de réglage et lui faire modifier la couleur de la tête en dessous. Ce sera donc une technique légèrement différente. C'est juste un peu plus facile. Je pense que ça va être assez simple. Je vais donc passer au calque, nouveau calque de réglage. Je vais le faire glisser juste au-dessus des couches de tête, ce que j'ai ici. Ensuite, je vais juste cacher ma référence. Et je vais montrer tout ce qui se trouve sous le calque de réglage. Allons-y. Voilà ma tête. Ce sera la couleur des joues et je vais faire une correction chromatique. teinte et la saturation permettent de procéder de différentes manières. Vous pouvez probablement changer la couleur, mais j'aime bien la teinte et la saturation. Ce sera donc un peu plus manuel, mais je pense que ce sera une meilleure façon de changer la couleur. Donc pour ce que je vais faire je vais juste commencer par deviner. Je pense que c'est plutôt orange, peut-être un peu plus saturé. Et puis je vais montrer ma référence d' assez près pour l'instant, nous retrouverons la couleur plus tard. Je vais obtenir cet outil de cercle et je vais juste dessiner deux masques. Ce ne sont donc pas des calques de formes, ces masques. Vous pouvez donc voir sur mon calque de réglage de la couleur des joues, qu'il s'agit d'un masque. Je vais juste en faire une autre, la deuxième joue. Ensuite, vous pouvez utiliser l'outil Plume pour les ajuster. Ce ne sont pas des ellipses parfaites, elles sont légèrement difformes, qui donnera un aspect un peu plus fait main. Et puis il y a un peu de plume dessus, donc ils sont légèrement flous. Donc je vais juste entrer dans ces masques et je vais cacher cette référence à maintenant. Attends de lire, mais oui, juste ça dans une seconde. Et je vais augmenter la plume du masque. Et maintenant je vais travailler sur la couleur. Je pourrais juste utiliser le petit outil photo ici. Vous pouvez prendre un instantané afin de ne pas avoir à masquer et à afficher le calque. Maintenant que j'ai un instantané, je peux simplement appuyer sur ce bouton Afficher l'instantané. Il faut évidemment le rendre un peu moins rouge. Je vais cacher la masse en faisant Ctrl Shift H ou Command Shift H sur un Mac, évidemment ce n'est pas identique. C'est juste un moyen rapide de le faire et cela permet d'économiser, car plus il y a de couches de texture, plus vous utilisez de couches de forme et de bords rugueux, plus la scène devient lourde. Donc c'est juste une sorte de triche rapide. Et évidemment, si vous voulez qu'il bouge avec le visage, ce que je veux faire, vous pouvez simplement l'attacher au calque des lignes du visage, assurant que les yeux sont également attachés. Quand tu déplaces ça. Bouge tout le visage. Si vous devez modifier la largeur de votre trait, ce qui arrive souvent dans les animations dessinées à la main. C'est une chose assez délicate à animer. Si ça change beaucoup, ça peut être difficile, mais si ça ne change pas, ce ne sera probablement pas le cas pour moi. Ouvrez le trait à l'intérieur des options de trait de votre calque de forme. Et puis je ne me souviens plus la version dans laquelle ils l'ont introduit. Je crois que c'était il y a quelques versions. Donc, si vous utilisez une ancienne version d'artefacts, vous ne l'avez peut-être pas, mais il y a les options de réduction ici. Et cela vous permet légèrement le début ou la fin du trait. Donc vous devez d'abord trouver lequel il s'agit. Si vous commencez à frapper le lien de départ jusqu'à la longueur de fin, vous pouvez le voir se rétrécir là-bas. Donc j'ai ce truc où le bout de ce doigt plus fin qu' il ne l'est ici au niveau du coude. Un seul trait. Je veux donc que ce soit plus mince, mais je ne veux pas qu'il descende à 0. Je veux juste que ça descende jusqu'à l'épaisseur qui est ici. Je peux donc augmenter la largeur de départ de 0, puis m'arrêter quand c'est à peu près correct. Et vous pouvez également modifier l'accélération ici, ce qui vous donne un peu de contrôle sur l'endroit où commence le dépouillement. Donc oui, vous pouvez utiliser le cône si vous avez besoin de faire varier l' épaisseur de votre trait. Je travaille donc simplement sur ces lignes en arrière-plan. Et contrairement aux traits et au reste de l'image, ceux-ci ont une largeur de trait variable, ceux autour du bras ici, ou juste une largeur unique. Je n'ai donc pas eu à faire varier la largeur le long de la ligne. Mais très souvent, lorsque vous faites une animation dessinée de ce type ou quelque chose comme ça , la largeur varie. La variation naturelle de votre trait lorsque vous dessinez, votre pression sera différente. se peut donc que vous fassiez un trait plus épais ou plus fin en général. Et c'est comme nous l'avons fait dans Chronemics et l'exemple de chronemics que je vous ai montré tout à l'heure, nous l'avons fait d'une manière différente, mais vous pouvez le faire d'une manière assez simple. Et donc le raffinat est que vous aurez déjà sur vos traits sera quelque chose comme ça. Il y aura une petite frontière, peut-être quatre ou cinq ou quelque chose comme ça. Et puis à petite échelle également. Et cela crée une très petite rugosité le long du bord du trait. Et la façon dont je vais faire varier l'épaisseur de ces lignes est de dupliquer les bords rugueux. Je vais donc appuyer sur Ctrl D ou Command D sur un Mac. Et ça nous en donne un deuxième. Je vais désactiver le second pour le moment et celui-ci ci-dessous. La façon dont les effets fonctionnent dans After Effects au fur et à mesure qu'ils diminuent. Donc, tout ce que vous avez haut se produit en premier , puis ceux qui sont en dessous affectent ceux du haut, si cela a du sens. Donc, ce que je veux, c'est que je veux faire varier l' épaisseur de la ligne d'abord , puis je veux ajouter la rugosité par la suite, varier l'épaisseur de la ligne en augmentant la taille de la bordure des bords rugueux juste un peu. Ensuite, je vais beaucoup augmenter l'échelle. Je vais augmenter l' échelle à quelque chose comme cent vingt, cent trente. Ensuite, je vais augmenter les podocytes un peu plus juste jusqu'à ce que j' obtienne la variation que je veux, je vais reprendre ma référence. Donc quelque chose comme ça fonctionne bien. Ensuite, si vous voulez également une ligne rugueuse, vous pouvez rajouter la rugosité en haut afin que nous puissions réactiver les secondes arêtes de rugosité et ainsi rendre rugueuse l'arête de la première rendre les bords rugueux si cela a du sens. Nous avons donc un gros trait lisse avec une ligne variable. Ensuite, nous pouvons rajouter la rugosité en plus de cela. Ma ligne n'est pas particulièrement rugueuse, donc je ne vais pas utiliser cette seconde arête rugueuse. Je vais juste garder le premier. Mais c'est comme ça que tu fais. Si vous souhaitez avoir une épaisseur de trait variable sur votre trait. Je suis d'accord avec ça. Je pense que je vais scinder ça en une deuxième scène. J'ai donc fait tout le personnage. Oui, je vais faire les choses en arrière-plan dans une autre maquette parce que ça va être beaucoup plus simple. Je vais donc simplement séparer cette composition avec une deuxième configuration identique. Et je vais faire une configuration nulle de tous les éléments d'arrière-plan. Il suffit d'aller dans le projet, onglet Projet. Et je vais dupliquer le hit control D sur mon anime et ensoleillé. Et ça va être, je vais renommer celui-là, ensoleillé et en général. Je vais nommer celui-ci, cet arrière-plan. Je veux garder certaines choses telles que référencées, mais je peux supprimer la plupart des éléments. Je veux conserver l'heure de postérisation. Je veux conserver la grande distorsion. Ensuite, je vais supprimer toutes les autres choses. Je peux toujours revenir à la copie et à la copie principales à partir de là si j'en ai besoin. Maintenant, j'ai fait les éléments de fond ici et je vais juste mettre ce calme ensoleillé et MPG. En fait, je vais créer un petit dossier ici. Ce sera une pré-compétition et je vais traîner Sunny et MEG. Je vais le mettre en dessous, juste en bas, au-dessus de la couleur de fond, mais en dessous de tout le reste. Maintenant, nous avons ce précomp ensoleillé et MPG là-dedans. Et vous pouvez voir que si je l'éteins, il y a mes éléments d'arrière-plan. Je vais y aller et je n'en ai pas besoin, ce n'est pas le temps de postérisation et la grosse distorsion. C'est mieux de les enlever pendant la pré-compétition. C'est juste pour que je puisse y travailler et que vous puissiez voir ce que vous faites lorsque vous animez réellement dans cette maquette, les effets sur afin que vous puissiez vous assurer qu'elle bouillonne correctement. Mais si je reviens à la composition principale maintenant, je n'ai besoin que de cet effet en plus de tout, donc il n'a pas besoin d'être ajouté deux fois sur cette maquette. Je ne fais que travailler le visage maintenant. Je voudrais juste, à titre de recommandation, mettre beaucoup plus d'efforts pour le visage bien vu qu'à peu près n'importe quoi d'autre à votre image. Juste parce que notre cerveau regarde d'abord les visages. Les artistes originaux de celui-ci ont fait une très belle grimace ici. Et je veux en quelque sorte saisir autant de détails que possible dans ma régression. Je ne suis pas sûr d'en avoir parlé tout à l' heure, mais n'oubliez pas que vous pouvez également déplacer la texture. Donc si quelque chose se met en travers du chemin, comme si je faisais passer cette ligne par le sourcil ici, ce qui ne me plaît pas trop. Je vais donc simplement saisir le calque de texture et le déplacer. Ensuite, je vais faire un test pour m'assurer qu'il n' apparaît sur aucun des autres cadres à ébullition. Ce bras que vous voyez me pose problème. Si vous regardez l'original, vous pouvez le voir au dos ici. Et puis, si vous regardez l'original, il y a une superposition intéressante. Donc ce bras est transparent, mais il n'est pas transparent l'arrière-plan est seulement S3 pour la tête. Je dois trouver un moyen de masquer tout ce qui se passe derrière le bras en dehors de la tête. Donc, évidemment, nous ne pouvons pas simplement rendre l'intérieur du bras noir parce que nous avons besoin d'un C34 sur le dessus de la tête. Donc évidemment, tout ce qui fait ce remplissage noir doit passer derrière la tête, mais devant les objets d' arrière-plan. Et à partir de ce bras, qui est un peu plus délicat, c'est que nous devons faire la même chose sur la jambe. Je n'y avais pas vraiment pensé avant. Je pensais avoir repéré ça sur le bras et j'ai pensé que ce serait facile. Mais alors évidemment, nous allons devoir le faire aussi avec la jambe, ce que je vais vous montrer une bonne façon de régler cela afin que nous ayons un remplissage identique au bras qui passe derrière la tête. bicouche avec la ligne de bras. Je vais juste le dupliquer, Control D, puis le faire glisser en dessous. Je vais mettre ça en solo et ce dont nous avons besoin. Il s'agit donc d'un trait ce moment et nous avons besoin que ce soit un remplissage. Je vais donc simplement ajouter un remplissage. Maintenant, nous avons juste le bras principal et je vais simplement l'ouvrir et je vais réactiver ce calque de remplissage et désactiver le trait. Et ce vert doit être la couleur de l'arrière-plan. Je ne vais pas bien l'utiliser, je suppose que oui, je vais le faire. Je vais donc sélectionner la couleur d'arrière-plan, et je vais à nouveau la sélectionner en solo. Maintenant, il ne s'agit que de la couleur de fond. Donc c'est très bien. Ensuite, nous pouvons mettre ça juste au-dessus de cette couche de bras blanche, que j'ai appelé notre bras, le bras droit y va. Et comme je vais probablement animer ces pads, je dois m'assurer que le remplissage en ligne se déplace de la même manière. Donc, pour ce faire, je vais sur Alt, cliquez sur le chemin et ouvrez la boîte d'expression. Ne vous inquiétez pas, nous n'avons pas eu à faire de programmation. Et je vais choisir Whip. Ça, le fouet, pas celui-là. Il y en a un à côté de l'analyseur d'expressions. Assurez-vous que vous êtes sur l'icône du fouet d'expression. Et il suffit de le maintenir enfoncé et faire glisser pour faire une petite ligne. Et je vais le lier au chemin correspondant sur la couche principale en ligne. Et cela met un peu de code automatique dedans , que vous n'avez pas besoin de connaître, mais essentiellement des points que les valeurs qui sont maintenues dans ce chemin vont juste dire que ces valeurs sont égales à ceci valeur. Donc tu fais juste un lien entre ça et ça. Ils deviennent donc la même chose. Ainsi, chaque fois que j' animerai ce chemin, nous ferons exactement la même chose et nous n'avons pas à nous inquiéter, nous n'avons pas à y penser. Je vais juste faire la même chose sur ce chemin deux. Cliquez sur le chronomètre. Cela ouvre les expressions. Je vais choisir fouet parmi les expressions et je vais choisir le chemin du fouet vers, et c'est son chemin vers là-dedans. Il y a donc le remplissage. Devrait probablement signaler que le remplissage, parce que c'est un tracé ouvert, il trace juste une ligne directement vers les points où il est ouvert. Donc ça n'a pas vraiment d' importance parce que je pense sur la photo et nous n'avons besoin que ce mors coudé pour être rempli. Mais nous avons de la chance avec ça parce que sinon tu verrais les choses par ici. Donc je vais juste faire attention à ne pas voir les choses par ici, juste pour vous montrer rapidement si je déplace les, ces chemins que nous avons liés ensemble sur ce calque, vous pouvez voir que les deux calques se déplacent. Les cartes sont liées entre elles. Autre petit conseil, si vous double-cliquez sur l'outil de forme. Donc, si vous n'avez rien sélectionné dans votre scène, double-cliquez sur l'outil Rectangle ou sur l'un d'entre eux. Si vous double-cliquez dessus, une forme aura la même taille que votre composition. Double-cliquez qui nous a façonnés. Forme rectangulaire, qui est exactement la même taille que ma maquette. C'est assez pratique, on peut aussi le faire avec des masques. Ainsi, si vous avez sélectionné un calque et que vous double-cliquez sur la forme, le masque de ce calque aura la même taille. Et il le fait avec n'importe laquelle de ces formes. Je pense que même si vous créez l'outil étoile, oui, cela fait une étoile de la même taille que la maquette. Je suis sur le point de tracer ces lignes pointillées ici. Donc, évidemment, je ne veux pas avoir à entrer et à faire une petite ligne séparée pour chacun de ces éléments. Si vous n'allez pas l'animer, vous pouvez simplement utiliser l'illustration originale et y appliquer un peu de déplacement. Mais je pense que je vais animer ça. Il existe donc un outil très pratique intégré à After Effects. Je vais juste rendre ce trait noir et je vais faire correspondre la largeur. Donc, à l'intérieur de l'onglet des traits, si vous regardez en bas, il y a une liste déroulante de tirets. Lorsque vous le déposez, rien ne se passe mais vous devez ajouter des tirets. Donc, en gros, vous ajoutez un tiret, puis vous pouvez ajouter des espaces. Et puis si vous continuez à cliquer, cela ajoute un écart de tiret, un écart de tiret. Nous voulons donc ajouter un tiret. Si vous n'avez pas d'espace, les tirets et les espaces auront juste la même taille. Il y a aussi, la troisième option ici est le décalage, donc vous pouvez simplement 12 cela et cela fait défiler vos tirets de haut en bas. Donc je fais juste ces pistes pour l'étoile filante. Et je pense que je vais utiliser la même technique que celle que j'ai utilisée pour les bordures ici, ces lignes pointillées. J'ai donc une ligne pointillée qui va ici. Et je vais juste dupliquer ce chemin que j'ai tracé. Et je vais faire plusieurs essais comme dans l'illustration. Ensuite, je peux simplement animer le décalage. Alors ils font comme ça alors que l'étoile filante vole dans le ciel, je pense que ce serait très efficace. Il existe des moyens plus compliqués de le faire. Tu pourrais le faire avec des particules. Mais la seule autre chose dont je dois m' inquiéter , c'est de m'assurer que ces lignes ne ressemblent pas à des lignes identiques. Alors peut-être que nous pouvons simplement les raccourcir ou oui, si je déplace le point de départ, cela change beaucoup. Ainsi, ils n'ont pas l'air identiques. Mais je pense que ce sera une très bonne façon d' animer le procès. donc garder à l' Vous devez donc garder à l'esprit la façon dont vous allez animer quelque chose avant de le configurer. Évidemment, si je dessine plein de petits carrés, ce ne sera pas animable, mais en le faisant sur une ligne comme celle-ci avec des tirets. Ensuite, il ne me reste plus qu'à animer le décalage des tirets. Alors ça va être très facile à animer. J'attache simplement ce sentier à l'étoile et je l' anime et le tout survole le ciel. Je dis juste que l' étoile est en arrière-plan, et je veux qu'ils aient l' impression qu'ils scintillent. Et pour le moment, voici à quoi ressemble l'effet. C'est juste l' effet statique qui recouvre tout ce qui donne l'impression qu'il est dessiné. Mais je pense que les étoiles devraient scintiller davantage. Ce que je veux faire, c' est exagérer Boyle. Et pour ce faire, je vais littéralement animer le chemin. Ce n'est donc pas nécessairement de l' animation, mais c'est juste exagérer encore plus l' effet d'ébullition. Donc je vais juste les tirer au hasard et voir ce qui se passe. Je vais faire ça et faire des étapes. Donc je vais juste les tirer un peu et avancer de deux images parce que je veux que ce soit sur deux. Et c'est peut-être une bonne idée de commencer par le premier. Sinon tu vas commencer à te promener. Je pense que je l'ai fait trop gros. Je ne veux pas que ça aille trop loin. Sinon, il va commencer à s'animer, donner l'impression qu'il grandit simplement en voulant qu'il ait l' air d'osciller. Le test, soit dit en passant, B et N définira vos points d' entrée et de sortie pour cette plage d'aperçu. Ensuite, je vais cliquer sur l'aperçu et je vais voir ce que vous ressentez. Je trouve que c' est très joli. Cela ressemble vraiment à un style dessiné à la main pour moi. Il y a cependant un problème, car il est difficile de boucler une animation de chemin. C'est la méthode normale pour boucler la couche. Donc vous appuyez sur l'expression, puis vous sortez en boucle. Et cela bouclera ensuite, parcourra toutes les images-clés par la suite. Et c'est ainsi que LoopOut boucle toutes les images-clés qui la précèdent, puis vous aurez besoin de ces crochets et cela bouclera. Mais c'est un problème, c'est que vous ne pouvez pas boucler des chemins pour quelque raison que ce soit, vous ne pouvez pas rechercher de chemins. Nous avons donc besoin d'une expression supplémentaire pour cela. Donc, ce que je vais faire, c'est que je n' écrirai pas cette expression et c'est une expression vraiment compliquée. Cette expression me dépasse un peu, mais elle prend les images-clés et regarde les nombres des images-clés , puis elle fait une boucle. Il s'agit donc d'un moyen manuel de boucler les images-clés à l'aide d'une expression. Je ne sais pas exactement d' où vient celui-ci. Je l'ai copié-collé. C'est peut-être un Dann eben, célèbre pour avoir écrit de nombreuses expressions, mais vous pouvez copier et coller cette expression. Une fois que vous l'avez copié, il vous suffit de le coller dedans. Et j'espère que ça ressemblera à ça. Tu as tout ça. Et puis quand vous appuyez sur rendu sera en boucle pour toute la chronologie que nous allons. Je pense donc que c'est un bon point pour montrer où j'en ai deux utilisant les techniques que nous avons utilisées jusqu'à présent. Je n'ai pas encore fait d'animation. Ce n'est que l'ébullition et vacillement que nous avons ajoutés. Pour cette leçon vous devez simplement terminer votre illustration. Je veux donc que vos illustrations soient en quelque sorte dégoulinantes dans After Effects en utilisant toutes les techniques que nous avons utilisées jusqu'à présent. Elle devrait donc ressembler à l'illustration originale, mais j'espère qu'elle déborde comme si elle était vivante. Ne faites pas encore d'animation. Ne bouge rien pour l'instant. Parce que nous allons maintenant vous donner quelques conseils d'animation à garder à l'esprit lorsque vous approchez réellement de l'animation. Alors je te vois là-bas. 15. mise à jour en cours: Ok, j'ai donc parcouru une animation, mon illustration et son résultat final. Je voulais rester assez simple et ambiant juste pour donner un peu de vie au personnage, je ne voulais rien faire de trop fou en termes de mouvements car ce cours se concentre principalement sur les effets dessinés. Dans cette leçon, je vais détailler certaines des techniques que j'utilise pour créer mon animation finale. Comme je l'ai déjà dit, il s'agit moins d'un tutoriel d'animation complet, ce qui est un sujet trop vaste pour être inclus dans ce cours. Il s'agit davantage de conseils et d'astuces d'animation pour vous aider à garder tout dans un style dessiné. Cela dit, je vais rapidement vous montrer quelques principes fondamentaux de l' animation et des effets secondaires. Juste au cas où quelqu'un serait complètement nouveau dans la chronologie, je recommande vivement de garder les choses très simples, comme dans mon animation. Je n'opterais pas pour des séquences d'icônes folles pour le moment à moins que vous ne soyez déjà vraiment à l' aise dans After Effects, comme dans la dernière leçon, je vais passer revue ces types de au hasard. Mais je vais à nouveau inclure les notes dans la chronologie pour en faciliter l'accès. Nous allons donc faire une introduction rapide à la timeline actuelle et à After Effects Je sais que nous avons déjà fait un cours d' effets complet à ce stade, mais je pense que cela vaut toujours la peine d'en parler la chronologie de l'animation un peu. Donc, si je fais juste une nouvelle composition 24 images par seconde, HD, puis je vais juste créer un calque de forme. Je vais cliquer ici et faire une étoile, une étoile dorée, cet or, assez d'or. C'est donc la chronologie, évidemment. Je veux dire, nous avons déjà animé un peu de texture et nous avons déplacé la position, mais je vais juste vous montrer un peu plus comment cela fonctionne en termes d'accélération. Et nous parlerons un peu des images-clés, des images-clés. Vous pouvez donc définir une image-clé dans After Effects en appuyant sur le chronomètre de la propriété que vous souhaitez déplacer. Donc, si vous voulez animer la position, vous appuyez sur le chronomètre de la propriété position, puis vous créez automatiquement une image-clé qui pour le moment est une image-clé linéaire et c'est un losange. Et disons que je veux commencer à me déplacer sur l'écran. Je vais donc le déplacer ici et il changera automatiquement cette image-clé à cette position. Ensuite, je vais aller de l'avant. Deux secondes, appuyez sur N juste à la fin de ma plage de prévisualisation. Et je vais déplacer ça d'un côté à l'autre. Ensuite, vous allez définir une nouvelle image clé à l'endroit de la timeline où se trouve la tête de lecture. Donc, si j' en fais un autre ici, si je le soulève, alors nous allons maintenant monter et il y aura une image-clé là-haut. Ensuite, cela revient à notre image-clé finale. Débarrassons-nous de ça pendant un moment. Et je vais déplacer ces images-clés assez facilement comme ceci. Vous pouvez simplement les faire glisser pour modifier leur timing. Maintenant, il reste immobile pendant un petit moment, il avance et s'arrête. Vous pouvez donc voir qu'Il se déplace de manière assez linéaire. Les trois types d' images clés sont linéaires, atténués, c'est-à-dire n'importe quel type de courbe que vous pouvez soit plus rapide lent, soit quelque chose comme ça, ou maintenez. Hold signifie que la touche conservera cette valeur jusqu'à ce qu'elle atteigne la suivante. Vous pouvez donc cliquer dessus avec le bouton droit de la souris sur l'image-clé et activer/désactiver l'image clé. Et maintenant, lorsque vous appuyez sur Lecture, l'étoile saute de cette position sur cette image clé jusqu'à la fin. Vous pouvez également appuyer sur Ctrl Alt et cliquer sur une image-clé. Et cela permet de basculer entre les images linéaires et les images bloquées. Et si vous sélectionnez plusieurs images, cela le fera sur plusieurs images. Et si vous cliquez dessus, si vous cliquez et maintenez Ctrl ou Commande sur un Mac, au fait, il basculera entre une touche automatique et une touche linéaire et automatique. Je ne pense pas que cela fasse quoi que ce soit à moins que vous n'ayez plus de mouvement, mais en gros, il essaiera et se situera automatiquement entre, entre les images. Je n'ai pas tendance à les utiliser beaucoup parce que j' aime faire de l'animation manuellement. Faisons donc le plus facile, qui est le plus courant. Donc, si vous sélectionnez vos images-clés et l' assistant d'images clés, c'est facile. Maintenant, ce qui va se passer, c'est qu'il les compresse en quelque sorte. Vous pouvez voir ces points ici. Il vous indique où se trouvent les images intermédiaires. Ainsi, lorsque vous avez une facilité facile, il compresse les images vers les images-clés. En conséquence, ceux entre les deux sont plus espacés, sorte qu'il ira plus vite au milieu et plus lentement vers la fin. Maintenant, lorsque nous appuyons sur Play, vous obtenez ce beau mouvement fluide. Et de même, disons que nous voulons ajouter un peu de rotation à ce sujet. Je vais donc appuyer sur le bouton Basculer et rotation. Je vais aller à la fin de l'animation, donc bascule, basculant sur leurs ensembles, une image-clé de cette rotation actuelle. Et nous allons jusqu'au bout , puis nous le faisons tourner. Faisons 360. Et maintenant, faites un tour fur et à mesure qu'il se déplace sur l'écran. Et si je clique sur les deux et que je passe à nouveau à Easy Ease, vous pouvez cliquer avec le bouton droit sur Keyframe Assistant, easy ease, F9. Maintenant, la fresque, maintenant à l'aise, est bien. Il oscille un peu parce que le point d'ancrage n'est pas au milieu de l'étoile. Vous pouvez donc corriger cela après, après l'avoir fait, si vous appuyez sur Y ou sur ce bouton ici, pourquoi ce raccourci ? Vous pouvez déplacer le point d'ancrage. Mais c'est un peu bizarre de le faire après avoir fait de l'animation, parce que vous pouvez déplacer l'image-clé, mais elle le verra. Il ne déplace pas l'image-clé suivante, donc il reculera en quelque sorte. La position finale de l' étoile est désormais différente. Sinon, vous pouvez aller dans le calque de forme et accéder à la transformation en polystyrène dans le groupe de formes. Donc, si vous allez au contenu, c'était spécifique aux calques de forme. Mais si vous allez dans Contenu, ouvrez l'étoile poly, allez dans Transformer. Et puis parce que tu l'as fait, parce que je l'ai dessiné au hasard sur l'écran ou grosso modo au milieu, il n'est pas tout à fait au centre. Déplacez la position à l'intérieur du calque de forme. Le calque de forme est donc toujours exactement au milieu de l'écran, car il est créé au milieu de la composition. Mais la position de la forme à l'intérieur du calque de forme est désactivée. Vous pouvez donc appuyer sur 00 pour le placer au milieu. Et maintenant, l'étoile est parfaitement au milieu. Et lorsque nous appuyons sur Play, il tournera sans vaciller, même si cela aura l' air plutôt cool. Mais maintenant, tournons parfaitement droit. Si vous appuyez sur le calque vous avez une animation et que vous appuyez sur vous, cela ne vous montrera que ces propriétés animées, ce qui est très pratique lorsque vous avez des tonnes de calques et vous manquez d'espace dans votre chronologie. Enfin, pour vous montrer une animation un peu plus avancée dans After Effects, vous pouvez utiliser l'éditeur graphique. Donc, si vous appuyez sur ce bouton ici sur la chronologie qui vous amène à l'éditeur de graphiques. Si vous avez sélectionné des images-clés, elles seront affichées dans l'éditeur graphique. Ce n'est pas très intuitif pour les débutants. Je dirais qu'il s'agit essentiellement d'un graphique de vitesse, sorte que vous pouvez voir comment cela se passe lentement au niveau de l'étoile et ensuite il est rapide au sommet. Et puis ralentissez encore. Je veux dire, je pense que c' est assez intuitif. Il y a essentiellement deux façons de représenter cela et tous les autres programmes utilisent une méthode différente appelée, je pense que je ne sais pas quel est son nom propre. Dans certains programmes sont appelés courbes F. Vous avez les deux modes dans After Effects. C'est ce qu'on appelle le Speed Graph. Et si vous basculez vers le graphique des valeurs, il vous montre la position en valeurs. Donc le rouge est x, le vert est y. Donc nous ne bougeons pas dans le fil, donc il reste au même niveau que X bouge. Sa valeur augmente parce que la position x augmente. Et aussi la rotation en bas. C'est la rotation en bas. La rotation passe de plus en plus de 0 à 360. Vous pouvez donc réellement changer cela. Je vais donc revenir au graphique de vitesse parce que c'est un peu plus facile. Toutes les touches sont au même niveau. Vous pouvez faire glisser ces poignées vers l'extérieur pour augmenter votre accélération. Donc cela fera juste, soyez prudent avec cela parce que vous pouvez le rendre mal aligné assez facilement, mais vous pouvez l'augmenter pour exagérer les 0. Donc maintenant, nous sommes vraiment lents au début, puis ça va très vite , puis encore très lentement. C'est ainsi que toutes les animations sont réalisées dans After Effects. Il vous suffit de définir des images-clés sur différentes positions et rotations ou ce que vous voulez faire. Et vous pouvez modifier l'assouplissement avec cela. Une dernière chose à dire est que vous avez également quelques poignées dans la composition elle-même ici. Revenons donc à notre vue habituelle. Supposons que vous souhaitiez que la trajectoire de l'étoile change pendant son mouvement. Vous pouvez également contrôler le mouvement de la trajectoire en tant que Bézier. Ces poignées sont appelées poignées de Bézier. Je ne sais pas si je l'ai déjà expliqué, mais c'est exactement comme ça qu'on les appelle. Lorsque vous avez une spline comme celle-ci, elle est appelée spline ou ligne de trajectoire. Ces poignées sont appelées poignées de Bézier. Il en va de même lorsque vous dessinez les tracés de vos calques de forme, mais il s'agit d'une trajectoire de mouvement. Maintenant, lorsque nous appuyons sur Play, l'étoile suivra la courbe en S que j'ai faite et la ralentira un peu. Ce n'est donc pas si fou. Et je peux exagérer un peu la courbe en S pour que nous puissions en voir plus. Tu y vas. Tels sont les principaux aspects de l'animation dans After Effects. La première chose que j' aimerais dire, c'est que mon illustration est dans un style calme et bancal. L'illustration elle-même est assez lâche et les textures sont belles et il y a généralement beaucoup d' oscillations dans le design. Cela convient donc au style d'animation d'être assez bancal d'avoir également animé la tête qui tourne lentement. Et il y a plus, une animation plus subtile. Le visage est donc assez subtil. Jetons donc un coup d' œil à leurs mains et je vais vous montrer comment aborder l'animation sur celles-ci. J'ai une comparaison séparée avec juste les mains dedans. On peut voir qu'ils avancent, que les doigts bougent. Cette main s'avance. Non, le personnage n'en fait pas trop. J'ai fait toutes les animations pour les deux mains sur un seul calque, un calque par main. Donc, si vous cliquez sur le calque où j'ai fait mon animation et que vous appuyez sur U, toutes les pistes animées de ce calque s'afficheront. Et au début, cela semble assez ingérable, mais vous pouvez voir que mes images clés sont assez soignées et organisées. Et la façon dont je l'anime consiste simplement à sélectionner les points et à les déplacer, mais c'est assez facile à utiliser si vous animez des choses comme ça. Assurez-vous donc que rien n' est sélectionné. Ensuite, vous cliquez sur un tracé qui révélera simplement tous les points des formes sur ce calque. Ensuite, vous pouvez simplement le faire glisser depuis n' importe quelle partie de l'écran qui ne se trouve pas sur le chemin. Vous pouvez simplement faire glisser une sélection de cases ici et vous assurer que vous ne sélectionnez que celles que vous souhaitez déplacer. Donc je ne veux pas de celui-ci qui fait partie de l'épaule, mais je veux celui-ci ici, donc je vais juste maintenir la touche Maj enfoncée et ajouter à ma sélection. Si vous maintenez la touche Maj enfoncée et que vous sélectionnez un point déjà sélectionné, il sera désélectionné. Ensuite, vous pouvez appuyer sur Ctrl T ou Commande T, ou vous pouvez simplement double-cliquer sur l'un de ces points sélectionnés. Donc je vais juste double-cliquer. Vous obtenez cet outil de transformation ici. Et cela vous permet simplement de bouger. Mettre à l'échelle, faire pivoter, mettre à Tu y vas, où tu veux. La seule chose qui nous rend particulièrement utiles est cet outil de point d'ancrage. Je peux simplement déplacer ce point d'ancrage jusqu'à l'endroit où se situe le risque, où la main tournerait autour du poignet. Et je peux simplement faire pivoter la main entière comme si elle était truquée. Il s'agit donc d'une main totalement indépendante. Il n'y a pas de plate-forme. C'est juste une forme que j'ai dessinée. Mais c'est un très bon moyen d'animer formes très complexes et des effets secondaires. Donc, tant que vous êtes soigné et bien rangé ici dans votre timeline, gardant toutes ces images-clés alignées, vous pouvez parfaitement bien animer en sélectionnant simplement les points que vous voulez faire. Déplacez le point d'ancrage vers le point où vous souhaitez qu' il tourne, puis faites-le simplement pivoter. La technique de transformation est vraiment utile. Supposons que vous vouliez simplement animer les doigts. Vous pouvez donc simplement sélectionner le doigt et déplacer le point d'ancrage. Et puis tu y vas. Parfois, vos points peuvent être légèrement déformés, mais vous pouvez toujours corriger cela facilement. Maintenant, vous pouvez voir qu'un doigt bouge et ainsi de suite. Donc tu peux, tu peux aussi le faire pour tout le bras. Supposons que je voulais que tout le bras bouge pour pouvoir sélectionner ces points. Vous n'avez même pas besoin de sélectionner les points de terminaison, car vous pourrez les ajuster ultérieurement. C'est une technique d' animation très, très indulgente. Et puis on y va pour que tu puisses voir que tout le bras bouge. Une chose à garder à l'esprit lorsque vous animez avec Postérisation Time activé, c'est que, dans mon cas particulier, vous travaillez à 24 images par seconde et utilisez le temps de postérisation pour Déposez-le à 12 images par seconde est qu'il n' affichera qu'une image sur deux. Ainsi, vous pouvez voir que la main se déplace, vous pouvez voir les pièces bouger, mais l'image ne met à jour que toutes les deux images. Et puis dans ce cas précis, j'ai créé cette image-clé sur une image étrange. Ainsi, vous pouvez voir que la dernière pose n'est pas visible tant que vous n'avez pas quitté les images-clés pour passer à l'image suivante, puis elle sera redessinée. Je recommande donc, lorsque vous créez vos images-clés, de les conserver sur les images paires. De cette façon, vous voyez réellement l'image-clé que vous créez plutôt que de la sauter rapidement. La seule autre chose que je voulais dire à propos cette technique d'animation lorsque vous animez avec des points, c' est qu'elle se déplace en ligne droite. Ainsi, tous vos points se déplaceront en ligne droite du début à la destination. Et dans ce cas, la main, si vous tournez autour d'un coude ou d'un poignet, ces parties des membres devraient vraiment se déplacer en arc de cercle. Il devrait donc arriver comme ça plutôt que de suivre une ligne droite. Et la façon dont vous pouvez lutter contre cela en définissant, par exemple, une image-clé au milieu. Donc si je prends tous mes cadres de mains, encore je devrais peut-être faire quelque chose d'un peu plus prononcé pour que vous puissiez réellement voir de quoi je parle. Disons que c'est un bras et que je souhaite animer les services, le bout de main. Je veux animer cela en passant d'un bras courbé à un bras droit comme celui-ci. Et quand je frotte entre les deux, on voit clairement que le bras rétrécit puis grandit. Et tu ne le veux pas vraiment. Une façon de lutter contre ce problème est de placer une image-clé au milieu, là où elle est la plus longue. Et de cette façon, vous obtenez l'apparition de cet arc. Mais vous pouvez voir maintenant que c'est une sorte de mouvement triangulaire. Donc ça a l'air correct au milieu, mais c'est toujours une ligne droite entre ce point central et les points d'extrémité. Ensuite, vous pouvez essayer d'ajouter plus d'images intermédiaires. Et c'est un peu mieux. Donc ça devient un peu plus arc, arc comme ici. Mais c'est là le problème. Donc, vous n'avez pas vraiment envie de dire des tonnes et des tonnes d'images clés comme celle-ci. Donc, si vous faites beaucoup d'animations qui nécessitent un arc très visible, vous pouvez commencer à chercher d'autres moyens de le régler. Sinon, votre animation va devenir vraiment désordonnée. Mais si vous n'avez à le faire qu'une seule fois dans une animation et que c'est assez rapide et que vous pouvez postériser temps et aussi une certaine distorsion en plus. Tout cela aide à cacher ces erreurs. Mais si cela doit être vraiment fluide et que vous devez vraiment voir qu'un mouvement arcanique lent, vous voudrez probablement truquer un null ici pour créer cette rotation. Et je vais parler de la façon de relier vos points à zéro. Cette méthode alternative d' animation avec des tracés. Et c'est pour attacher vos points directement aux valeurs nulles. Je vais donc parler de cela très rapidement. Je ne veux pas trop m'attarder là-dessus, mais c'est essentiellement comme ça que vous utiliseriez le calque de forme, un personnage composé de calques de forme. Je vais donc faire essentiellement un bras. C'est donc un membre sur lequel nous allons travailler à moins, disons, comme je le disais tout à l'heure, ce problème où vous, disons que vous voulez que le bras commence comme ça, et que vous voulez qu'il aille droit comme ça. Mais vous obtenez cet écrasement ou disons, faisons-le encore plus extrême, par exemple vous voulez qu'il descende comme ça. Alors tu as de gros problèmes. Je vais donc sélectionner ce chemin et aller dans Windows. Et c'est celui qui est intégré aux effets secondaires. Il s'appelle, vous allez dans Fenêtre et vous descendez pour créer des valeurs nulles à partir de chemins. Et quand vous cliquez dessus , vous devriez avoir une petite fenêtre qui apparaît comme ceci. Créer des pasteurs Nelson a quelques boutons, vous pouvez donc faire plusieurs choses différentes. Je vais juste l'ancrer à ma fenêtre ici pour que vous puissiez le voir. Je ne vais donc pas vraiment utiliser celui-ci. Ce que je vais utiliser est appelé créer des nulls à partir de chemins étendus. Et je pense que c'est le cas, vous le téléchargez séparément. Donc, si vous recherchez sur Google. Créez des valeurs nulles à partir de chemins étendus Tu devrais pouvoir le trouver assez facilement. Et juste parce qu'il y a encore quelques options. Je ne sais pas si nous allons utiliser ces options pour le moment, mais je voulais juste souligner que celle-ci existe. Et si vous comptez utiliser ce qu'on appelle des scripts, alors j'utiliserais celui-ci plutôt que celui-ci parce que celui-ci vous donnera juste plus d'options à long terme. Je vais donc donner un exemple très simple. Si jamais je fais mon cours de gréement d'œuvres d'art, j' y reviendrai peut-être. Ce que nous voulons faire, c'est avoir ce chemin et nous voulons l' animer en utilisant des valeurs nulles. Nous voulons donc que les points suivent les nuls. C' est donc ce que nous voulons faire. J'ai donc simplement cliqué sur le chemin auquel je veux l'appliquer, et je clique sur les points qui suivent les nuls. Et maintenant, il a créé trois valeurs nulles très utiles et parfaitement placées. Et il est automatiquement lié à ce chemin à leurs positions. Maintenant j'ai le contrôle de tout ça. Et évidemment, je ne peux pas simplement animer la position de ceci comme ça, parce que ça fait la même chose. Je veux dire, vous pouvez en fait, je suppose, animer cela dans une courbe maintenant que vous pouvez le faire. Cela fonctionne maintenant, mais c'est une solution. Mais ce n'est pas la meilleure solution. La meilleure façon de le faire est de ne pas animer la position de celui-ci. Et il suffit de parent this null à ce null. Dans mon cas, c'est nul trois. Et je vais juste le parent pour annuler l'utilisation de ce fouet sélection des parents ici. Donc je vais juste faire glisser le pick whip du nœud trois et je vais aussi choisir le whip maintenant. Donc maintenant, vous pouvez voir qu'il est nul dans le lien parent. Donc maintenant, quand je déplace null vers null, trois mouvements autour. Mais ce que nous voulons réellement faire, c'est tourner autour de ce point. Je vais donc cliquer sur l'image-clé de rotation et activer l'image clé pour la rotation. Et je vais simplement faire pivoter tout ça comme ça. Maintenant, nous avons notre chemin suivant un arc parfait et nous pouvons ajouter un peu d'assouplissement si nous voulons sélectionner les deux images-clés ici et je fais confiance à F9 et ils faciliteront dans un lieu d'animation un peu plus avancé. Si vous cliquez sur ce bouton ici, qui est l'éditeur de graphique, cela vous donnera accès au montant que ces choses facilitent. Donc pour le moment, c'est la facilité par défaut qui est déjà belle, mais elle a l'air un peu générée par ordinateur. Vous pouvez sélectionner ces points. Et si vous les retirez, c'est une courbe de vitesse, mais je ne vais pas entrer dans les détails pour le moment. Mais si vous exagérez cela, alors il a des courbes encore plus exagérées. Donc c'est vraiment agréable maintenant si vous les rendez un peu légèrement asymétriques et que cela semble un peu plus naturel. Nous avons donc un début très rapide et une fin plutôt lente. Une autre chose très utile lorsque vous avez également affaire à des traits, qui vaut la peine de mentionner est que les tracés de coupe vont à votre forme et que vous avez un tracé comme celui-ci, comme un trait sur un tracé. Et vous voulez le raccourcir tout en conservant la même longueur de chemin. Vous pouvez en fait dessiner un trait plus court le long d'un tracé. Pour ce faire, allez dans votre calque de forme, ouvrez votre forme, cliquez sur la forme dans le groupe de formes. Ensuite, allez dans Ajouter ici, ce clic, ce petit menu déroulant et c'est parti. Il y a plein d'autres choses. Cela vaut la peine d'être exploré ici, mais je vais juste parler rapidement des chimpanzés. Cliquez sur les tracés de découpe, ouvrez-les, qui seront ajoutés à votre groupe. Ensuite, vous avez un Stan, manettes de fin et un décalage. Et si vous abaissez un peu le n, cela raccourcira le trait. Et la guerre décalée le fait courir le long du trait également. C'est donc très utile dans de nombreuses situations différentes pour animer avec des traits joués par des formes. Juste un petit coup d'œil à la façon dont j'ai animé la pluie. Cela a l'air très chaotique, mais je pense que cela correspond au style. J'ai juste déplacé le calque vers le bas, donc j'ai dupliqué le nombre de gouttes de pluie. Vous pouvez donc voir qu'il y en a bien plus que ce que vous pouvez réellement voir une image lorsque je la sélectionne. Et puis je l'ai simplement déplacé d'une goutte de pluie à chaque fois. Donc il y avait un peu ce scintillement. La pluie change la sensation de chaque monture sur la couche de texture. Je viens de mettre un masque pour que vous ne puissiez voir que les gouttes de pluie qui se trouvent à l'intérieur de ce masque. Ensuite, je l'ai fait en sélectionnant simplement l'outil Rectangle. Et si vous avez sélectionné un calque, vous pouvez simplement supprimer ce masque pendant un moment. Si je mets un masque ici. Et maintenant, il ne fait que révéler les gouttes de pluie. Et parce que la pluie descend d'une couche, juste d'une rangée de gouttes de pluie à chaque fois. C'est ce qu'il a lu. Si je vous montre la couche entière, vous pouvez voir qu' elle ne fait que boucler, monter et descendre comme ceci, mais vous ne l'êtes que, mais je ne révèle qu'une partie d'entre elles. On dirait juste que ce sont des gouttes de pluie qui tombent continuellement. Motif scintillant. Je voulais aussi te montrer l'étoile filante. L'étoile elle-même n'est qu'un de ces styles et je viens animer en se déplaçant en arc de cercle de manière très simple, images clés simples et un peu de rotation. Et je viens de suivre la piste directement vers l'étoile. Et le sentier est très simple, c'est juste le chemin complet et il est sur le trait, il a de nouveau l' effet de tirets. Donc, comme pour les tirets que j'ai faits pour la taille des bordures, vous pouvez voir ici sur ces côtés, gauche et à droite, j'ai encore utilisé la même technique. Et j'utilise l'animation du décalage ici afin pouvoir simplement animer ces flux en provenance de l'étoile. Je ne pense même pas que vous le voyiez parce que c'est si rapide que vous pouvez nécessairement constater que les tirets éloignent de l'étoile, mais ils le sont. Donc si c'était assez lent, tu le verrais vraiment. Je pense que cela ajoute quelque chose à coup sûr au mouvement. Vous pouvez simplement faire quelque chose de très simple. Je dirais donc qu'il suffit de rester simple. Si cela semble simple, gardez-le simple car cela n'a pas besoin d'être compliqué. Incroyable. J'espère donc que ces conseils vous aideront à franchir la ligne d'arrivée dans cette catégorie. Votre dernière mission est de terminer vos illustrations en faisant bouger quelque chose. Qu'il s'agisse de quelques petits mouvements ambiants comme le passage du nuage, la pluie qui tombe, pluie qui tombe, les personnages clignent des yeux, regardent à gauche ou à droite. Quelque chose de subtil serait parfait. Quoi que vous fassiez, j' adorerais le voir, alors publiez-le dans les projets de classe. J'organise parfois des concours qui impliquent la publication de projets de classe afin que vous ne vouliez manquer aucun prix. 16. mise à jour en cours: Félicitations, bravo pour avoir terminé ce cours création de styles dessinés à la main dans After Effects. Un grand merci à tous ceux qui ont regardé cette vidéo. J'espère que vous l'avez trouvé utile et j'espère que vous avez appris quelque chose aujourd'hui. Prenons rapidement un moment pour récapituler toutes les étapes que nous avons suivies dans ce cours. abord, nous avons fait un résumé de la terminologie principale que nous utiliserons pour recréer des effets faits à la main dans After Effects, y compris des éléments tels que l'ébullition et le travail à deux. Ensuite, nous avons exploré différents styles d'illustration et discuté de ce qui fonctionnerait bien lors de l'animation dans After Effects et de ce qui serait plus difficile. Je vous ai également montré quelques exemples concrets où j'ai travaillé sur des projets utilisant ces techniques pour créer un effet artisanal. Nous avons ensuite préparé et importé des illustrations provenant de différentes sources, y compris Illustrator, Photoshop et simplement des illustrations aplaties ordinaires. Ensuite, nous sommes passés par After Effects et avons configuré notre composition pour qu'elle soit bien prête pour l'animation. Nous avons ensuite utilisé ces textures pour recréer les traits et les remplissages de couleur à partir d'une illustration existante. J'ai ajouté quelques effets supplémentaires tels que des affichages de turbulence, bords rugueux et du temps de postérisation pour vraiment vendre le terrain fait main. Je vous ai donné quelques conseils et astuces supplémentaires à garder dans votre poche arrière lorsque vous recréez vos illustrations. Et enfin, je vous ai présenté quelques techniques d'animation qui vous aideront à vraiment vous pencher dans cette sensation incroyable faite à la main. J'espère donc que vous l'avez trouvé utile et que vous en êtes reparti avec une bonne partie des connaissances After Effects. J'espère que vous pourrez utiliser ces connaissances pour créer des styles d'illustration que vous pouvez désormais animer numériquement. Veuillez publier vos propres résultats. J'adorerais les voir dans toute leur splendeur. J'organise également des concours occasionnels qui impliquent normalement la publication de projets. Donc, si vous ne voulez pas manquer quelque chose, publiez vos projets et suivez-moi afin de recevoir la notification du début d'un concours. Si vous avez des problèmes avec le cours, s'il n'y a rien qui n'est pas clair, je suis toujours heureux de vous aider et de me faire savoir s'il y a des techniques que je n'ai pas abordées et qui pourraient vous être techniques que je n'ai pas abordées et qui utiles pour vos illustrations. Je ferai de mon mieux pour t'aider dans toutes les situations. Encore une fois, je suis Russ Ethernets. Vous pouvez me suivre sur les réseaux sociaux à Russ Underscore Ether. Je suis généralement sur Twitter et Instagram. Et vous pouvez également vous abonner à ma chaîne YouTube où vous trouverez de nombreux contenus gratuits supplémentaires. Merci encore, et à bientôt.