Transcription
1. Introduction: Bonjour, je m'appelle Chris et je suis cinéaste et
photographe anglais à plein temps. Dans ce cours, je parle
de photographie. Si vous débutez dans la photographie
ou si vous souhaitez lancer dans la photographie
un peu plus sérieusement
, ce cours est fait pour vous. Dans ce cours,
nous allons couvrir tout ce que
vous devez savoir, de la mise en route aux réglages
de l'
appareil photo, mise en route aux réglages
de l' en passant par
la composition et le cadrage. Nous allons
parler d'éclairage. Nous parlerons des objectifs et différents types de
lentilles que vous pouvez obtenir. Ensuite, nous allons parler
des différents types
de photographie, de longue exposition, de portrait, faible luminosité, de sport et d'action. Je terminerai ensuite avec un petit tutoriel de montage et je
vous montrerai comment modifier mes
photos dans Adobe Lightroom. Prenez votre appareil photo reflex numérique
ou votre appareil photo sans miroir, et commençons à
apprendre à prendre photos
incroyables.
Allons-y.
2. Mode automatique vs manuel: Lorsque vous obtenez votre premier appareil photo reflex
numérique ou votre premier appareil photo sans miroir, il est très facile de mettre l'
appareil photo en mode automatique, prendre une photo et il
aura l'air plutôt correct. Mais le problème,
c'est que lorsque vous faites confiance mode automatique de
votre appareil photo, vous êtes sûr
que
les réglages seront corrects à chaque fois. Malheureusement, ce
n'est pas le cas. Parfois, cela peut gâcher
et s' il s'agit d'une photo vraiment
importante, alors peut-être que vous êtes photographe de
mariage et que vous avez besoin de cette photo parfaite. Eh bien, si vous faites confiance à
ces paramètres automatiques, vous ne pouvez pas garantir que
cela va être correct. Il y a des chances que cela puisse le faire, mais vous ne pouvez pas le garantir. C'est pourquoi nous devons tirer pleinement parti de notre capteur de
caméra et de ce que notre caméra est capable de faire passer notre caméra
en mode manuel. Tout d'abord, qu'
est-ce que le mode manuel ? Eh bien, le mode manuel
va fondamentalement vous permettre de
contrôler tous vos paramètres indépendamment les uns des autres. Si vous réglez un
mode automatique sur votre appareil photo, et que vous le faites
généralement en tournant la molette située en haut
de la caméra sur A. Nous pouvons avoir différents
modes tels que P, TV, AV, B, puis quelques autres modes
différents. paramètres. Mais si vous le réglez en mode automatique, votre caméra analysera
la scène et déterminera quels paramètres vous devriez probablement utiliser dans
cet environnement. Mais lorsque vous passez
en mode M ou manuel, cela signifie que vous pouvez contrôler
la vitesse d'obturation, l'ouverture, la
balance des blancs et l'ISO. Vous pouvez contrôler tous
ces paramètres
indépendamment les uns des autres. Cela signifie que vous pouvez capturer
des looks spécifiques qui répondent à votre style et à
vos différents besoins. La raison pour laquelle nous voulons ce contrôle du
mode manuel, c'est parce qu' il nous redonne notre liberté
créative. Si nous voulions une vitesse d'
obturation longue
, la mettre en
mode manuel et changer la vitesse d'obturation nous
permet de le faire. Si nous voulons que la photo
soit un peu sombre et un
peu plus maussade, nous pouvons ajuster les paramètres en conséquence pour atteindre ce look. Le problème est avec
un mode automatique, c'
est qu'il vous donnerait simplement une photo agréable la
plupart du temps. Si vous essayez d'ajouter du style
à votre photographie, automatique est un
moyen très difficile d'y parvenir, alors passez en mode manuel. C'est notre premier pas. Dans les prochaines vidéos, je
vais vous parler de
tous les différents paramètres
que vous devez
connaître pour tirer pleinement parti de votre
appareil photo et de son capteur.
3. Ouverture: Le premier paramètre que
vous voudrez
connaître est l'ouverture. Une ouverture va
contrôler deux choses, l'
une, elle va contrôler la quantité de
lumière dans les prises de vue. Deuxièmement, il modifiera
la quantité de l'image mise au point. Concentrez-vous d'abord sur la partie
luminosité. Lorsque vous voyez une ouverture
sur votre appareil photo, il est probable que F soit
suivi d'un chiffre, ce qui peut
aller de 1,2, 1,6, 1,8
jusqu'à F22. Bien sûr, en
fonction de votre objectif dans votre combinaison d'appareils photo,
cela va changer. Mais la règle
d'or de l'ouverture est l'amour de l'ouverture, donc plus le nombre est petit. F1.8, par exemple, laissera entrer plus de lumière
qu'une ouverture plus élevée. Si vous photographiez
dans une pièce sombre, vous voudriez abaisser
l'ouverture à un plus petit nombre d'environ F1.8. Maintenant, vous vous
demandez probablement ce qu' est réellement
l'ouverture. Eh bien, essentiellement à l'intérieur
de l'objectif de votre appareil photo, il y a ces lames qui se ferment et elles s'
ouvrent pour laisser pénétrer plus ou moins de
lumière dans le capteur de la caméra. Lorsque vous avez un nombre plus petit, les lames s'
ouvriront et vous
aurez une ouverture plus grande
dans l'objectif de votre appareil photo. Cela signifie que vous allez laisser entrer
plus de lumière dans le cadre, plus de lumière dans
le capteur de l'appareil photo, ce qui signifie que
vous allez obtenir plus de lumière sur votre photo. Alors que lorsque vous le tirez
vers le bas dans l'autre sens, donc F22, vous allez en fait
fermer ces lames et cela va créer un
petit trou dans votre objectif, ce qui signifie que moins de lumière
peut passer à travers. Ce faisant, cela signifie que
vous obtenez une image sombre. Tout d'abord, si
vous voulez une image plus claire, vous
descendez votre ouverture jusqu'à F1.8, F2, F3, F4, et si vous
voulez la rendre sombre, vous la tirez vers F22. Bien sûr, vous pouvez
choisir le nombre qui correspond à votre scène, mais plus sombre est un nombre plus élevé, léger est un nombre inférieur. Maintenant, l'ouverture
contrôle non seulement la légèreté, mais
elle contrôle également
le plan de mise au point. Sans être trop compliqué, c'est
essentiellement la partie
du cadre qui est en jeu. Si vous avez une ouverture de F22, cela signifie essentiellement que la majeure partie de votre image sera mise au point. Cela signifie que si ce cliché
était filmé à F22, je serais bien concentré
et l'arrière-plan serait parfaitement
mis au point. Alors que lorsque nous nous sommes
retirés dans l'autre sens, passons
donc à F1.8. Cela signifie que si je suis mis au point, l'arrière-plan s'estompera et ce sera hors de mise au point. Essentiellement, vous
ne faites que tracer une ligne entre l'objectif de l'appareil photo et
le back-end de vos prises de vue. S'il y a un nombre plus élevé, tout sera mis au point. Mais plus le nombre est petit, plus
la quantité de cadre sera faible. Si vous avez une ouverture de F1.8 et que je tiens ma main ici, cela signifie que le
plan de mise au point sera autour de ce grand voisin. Seule ma main sera mise au point
et tout ce
qui sort de cette zone dérivera vers le
défocalisation ou le flou. ouverture contrôle la
quantité de lumière qui pénètre dans le capteur de la caméra et l'ouverture contrôle
également le
flou du cadre, donc quelle est la mise au point ? Désormais, il n'existe pas de règle
spécifique pour numéro
que vous devez
définir sur votre ouverture. Aucune scène spécifique n'
a de numéro préféré. C'est à vous et à
votre créativité de déterminer le nombre
approprié. N'oubliez pas qu'un nombre plus petit, F1.8 va ajouter plus de
lumière et avoir moins de mise au point, alors qu'un plus grand nombre
F22 sera plus sombre, mais une plus grande partie de l'image
sera mise au point.
4. Vitesse d'obturation: Ensuite, nous avons la
vitesse d'obturation et la vitesse d'obturation, comme l'ouverture contrôle
deux choses différentes. Tout d'abord, cela
affecte la luminosité. Si vous avez un numéro d'
obturateur plus élevé, vous allez fermer
la lumière qui pénètre dans capteur de
votre appareil photo et vous
aurez une prise de vue plus foncée, et si vous allez au contraire, si vous ouvrez votre obturateur vous avez donc une vitesse d'
obturation plus longue, ce qui signifie que vous allez
laisser entrer plus de lumière. Mais qu'est-ce que l'obturateur ? Maintenant, l'
obturateur de votre appareil photo est essentiellement une « porte » et il est
fermé par défaut, mais lorsque vous déclenchez
l'obturateur, vous prenez une photo, ces portes s'ouvrent
et se referment. ils s'ouvrent longtemps, plus
la lumière
pénètre dans le capteur de la caméra. Si j'ai réglé ma
vitesse d'obturation sur 100, soit 100e de seconde,
c'est vraiment rapide, l'obturateur est ouvert pendant
[BRUIT] une très brève seconde, il est ouvert et fermé. Alors que si je
descends ça jusqu'à une seconde, donc une seconde complète, cela signifie que lorsque j'appuie sur
le bouton de déclenchement, [BRUIT] il est ouvert et fermé, de sorte qu'il reste ouvert plus
longtemps. vitesse d'obturation. La première chose que contrôle la vitesse d'
obturation
est la lumière, donc si vous avez un obturateur
très rapide, cela signifie qu'
une petite quantité de lumière va entrer dans
le capteur de la caméra. Mais si vous ouvrez cela et
que l'obturateur est
ouvert pendant 2, 3, 4, 5 ,
6 secondes, il va s'ouvrir et il y a beaucoup de lumière
sur cette photo. Mais bien sûr, la vitesse d'obturation ne se limite pas à la luminosité, vitesse d'
obturation contrôle également la quantité de
flou de mouvement dans l'image. Si vous avez une vitesse d'
obturation très rapide de 1/500, par
exemple, elle s'ouvrira et
se ferme en 1/500e de seconde, ce qui est très rapide. Cela signifie que si vous
prenez
des photos de quelqu'un qui saute en l'air, il sera très
net et très net. Mais si je devais réduire
ce nombre à 1/10e de seconde,
il est ouvert un
peu plus longtemps, ce signifie que lorsque vous prenez une photo de quelqu'un qui
reprend ce saut, l'obturateur s'en va. pour être
ouvert un peu plus longtemps, il va
donc flouter ce
mouvement dans la photo. C'est pourquoi, lorsque vous
prenez une photo de quelqu'un qui saute et qu'il y a
un peu de flou, c'est parce que la vitesse d'obturation est réglée sur le mauvais nombre. La vitesse d'obturation
doit être plus rapide. Essentiellement, la vitesse d'
obturation ne fait que mélanger le mouvement
dans la photo. Si votre obturateur est
ouvert pendant une seconde, cela signifie qu'une seconde de mouvement va
être intégrée à cette photo. Si vous faites
quelque chose qui est très lent et qu'il ne
bouge pas beaucoup, vous pouvez vous permettre
d'avoir une vitesse d'obturation plus lente, sorte qu'elle puisse être ouverte plus longtemps, donc plus de lumière et le flou de mouvement n'a pas
trop d'
importance car il
n'y a pas beaucoup de mouvements. En général, si vous faites de la photographie de
portrait, je recommanderais probablement
environ 1/100 ou 1/150. Mais si vous preniez une photo de quelqu'un
qui faisait quelque chose d'explosif, si énergique comme un saut
ou un back-flip par exemple, vous allez
regarder 1/500, 1/600 quelque part beaucoup plus rapidement. Bien sûr, vous pouvez
donc être très créatif avec votre vitesse d'obturation et
la garder ouverte pendant une période plus longue afin
de
pouvoir faire cinq secondes
ou 10 secondes. Vous pouvez profiter
de tout ce mouvement et créer des photos
plus longues, ou encore faire de la
lumière. C'est pourquoi vous ne faites que
déplacer des lumières dans le cadre, et comme l'obturateur est ouvert, il va fusionner tout
ce mouvement en une seule photo. Bien sûr, plus
l'obturateur est ouvert longtemps, plus
le mouvement sera important dans le cadre. Par conséquent, si vous tenez la caméra et qu'elle est
ouverte pendant cinq secondes, cela signifie que vous devrez
rester parfaitement immobile, ce qui n'est pas possible. Si vous avez un obturateur ouvert, un obturateur très long, je vous recommande de placer
votre appareil photo sur un trépied. Mais si votre obturateur est supérieur à
1/100 ou 1/50 en poussée,
vous pouvez vous en sortir
avec un ordinateur de poche. Votre vitesse d'obturation
contrôle la lumière, et elle contrôle également
la quantité de flou de mouvement dans le cadre.
5. L'ISO: La prochaine étape, nous avons l'ISO. L'ISO ou l'ISO n'est essentiellement qu'un outil d'éclaircissement
numérique. L'ISO ne contrôle pas
l'aspect de la photo. Il va simplement augmenter ou diminuer la
luminosité de l'image. En général, avec
l'ISO, plus le nombre est élevé, plus l'
image sera lumineuse, donc si vous avez une ISO
de 100 et que vous comparez ce chiffre à
3 200 ISO, 3 200
sera beaucoup plus lumineux. Le problème avec l'ISO, cependant, est qu'il s'agit d'un outil d'
éclaircissement numérique. Cela ne se fait pas dans
le capteur de la caméra, cela ne se fait pas dans l'objectif, mais dans l'appareil photo. Essentiellement, c'est comme
prendre une photo
puis augmenter la luminosité dans le programme de montage. Si vous tirez le numéro
ISO trop
haut pour exposer correctement l'
image, cela signifie non seulement que
vous allez extraire toutes les
parties propres de l'image, cela signifie également que vous
allez le faire apparaître toutes les imperfections
dans les zones sombres. C'est ce motif bruyant
ou granuleux que vous voyez sur l'écran. Essentiellement, parce que vous
remontez ces
zones sombres du cadre, vous
révélez essentiellement toutes
les imperfections du capteur de
la caméra. En règle générale, vous souhaitez maintenir
votre ISO aussi bas que possible. Considérez votre ISO
comme un dernier recours. Si vous ne parvenez pas à
abaisser
votre vitesse d'obturation pour laisser entrer plus de lumière et si vous ne pouvez pas régler votre ouverture pour
laisser entrer plus de lumière, alors votre ISO est votre
prochain endroit où aller. Mais si vous pouvez obtenir plus de lumière dans le capteur de la caméra ajoutant des lumières ou en ajustant l'ouverture ou la vitesse d'obturation, c'est ce que vous
voulez faire avant l'ISO. L'ISO, simple et agréable, c'est essentiellement un outil d'éclaircissement
numérique. Il rend l'image
plus claire ou plus foncée.
6. La balance des blancs: Le prochain paramètre que vous
voudrez
connaître est votre balance des blancs. La balance des blancs
se réfère essentiellement à la couleur de la
température de la lumière. Lorsque vous pensez à la lumière, la lumière est mesurée en Kelvins. Si vous avez déjà eu
à acheter des ampoules , vous en êtes déjà pleinement
conscient. Vous pouvez acheter une
ampoule indiquant 3200 K, 5500 K ou 5 000 K, par
exemple, le K
représente Kelvin. Essentiellement, ce n'
est que la couleur. Nous avons une échelle de couleurs et les lumières plus chaudes sont
généralement plus faibles, et les lumières plus froides ou plus bleues sont
plus élevées. Si vous aviez une lumière orange
ou tungstène, l'
une de ces
ampoules chaudes que vous obtenez, cela serait
quelque part autour de 3200. Ensuite, si vous êtes allé dans l'
autre sens et que vous aviez une
lumière blanche ou naturelle, par exemple, ce chiffre serait plus élevé, donc c'est plus une lumière
bleue plus froide,
et il s'agit de 5500 Kelvins. Vous pouvez aussi aller
jusqu'aux extrêmes. Vous pourriez opter pour des lampes fluorescentes
blanches brillantes, soit six ou
7 000, puis les
bougies à cette couleur de flamme seraient d'environ 2 000. Maintenant, en quoi est-ce
corrélé avec votre appareil photo ? Eh bien, il est très important que votre balance des blancs soit réglée
sur la couleur de la scène. Par exemple, dans cette scène, j'utilise une lumière blanche. Je réglerais mon appareil photo
à 5500 Kelvins. Maintenant, si je ne l'ai pas réglé
à 5500 Kelvins, si je le réglais à 3200 Kelvins, cela signifie que la couleur
sera complètement fausse. Même s'il me semble
juste aux yeux lorsque je prends la photo si je suis réglé
sur la mauvaise balance des blancs, malheureusement, elle
paraîtrait trop orange ou trop bleue. Si vous voulez vraiment
obtenir la couleur parfaite, alors vous voulez
regarder la scène, regarder la façon dont vous
prenez vos photos et essayez de faire correspondre la
couleur de la lumière à la couleur de
l'appareil photo des lumières dans la scène. Permettez-moi de
vous donner quelques exemples. Si vous prenez des photos dehors au milieu de la
journée, c'est une journée ensoleillée, vous voudrez régler
votre balance des blancs à l'appareil photo à 5500 Kelvins. Maintenant, si je devais aller à
l'intérieur et qu'il faisait sombre dehors et qu'il y
avait quelques lampes avec plus de lumière orange au tungstène , je voudrais régler
ma balance des blancs à 3200. Maintenant, si vous prenez des photos
individuelles, vous pouvez en fait vous en sortir en réglant
votre balance
des blancs sur automatique, ce qui
ira bien la plupart du temps. Mais si vous prenez
plusieurs photos au même endroit, vous
faites peut-être de la photographie de
portrait. Ensuite, si vous réglez cette
option sur automatique, chaque photo
sera un peu différente l'une
de l'autre. Cela signifie que vous
allez devoir résoudre ce problème lors l'édition ou cela
ne serait tout simplement pas cohérent avec
aucune de ces photos. Ils seront tous un peu plus chauds ou un peu plus frais. Un peu plus orange ou un peu plus bleu
que les autres. Je
recommande vivement de régler la balance des blancs
sur la couleur de la scène. Bien sûr, vous pouvez effectivement enfreindre cette règle et vous pouvez l'
ajuster à un autre
paramètre si vous
souhaitez manipuler l'
image pour qu'elle soit différente. Par exemple, si j'
étais dehors et que je voulais que l'image paraisse
un peu plus froide, un peu plus bleue, alors plutôt que de régler
la balance des blancs à 5500, je vais tirer ça dans l'
autre sens et descendre jusqu'à 4300 ou même 3200. Cela créerait une image
vraiment bleue. Même si la
balance des blancs n'est pas réglée sur
la scène en l'ajustant sur un nombre différent, cela signifie que nous pouvons réellement contrôler la couleur de la
scène et de la photo. Maintenant, je suis parfaitement conscient
que la balance des blancs semble vraiment difficile,
pour commencer. Il m'a fallu beaucoup de temps pour me
faire envelopper la tête autour balance des
blancs et des chiffres que je devrais fixer dans
chaque scène différente. Mais jouez simplement avec votre appareil photo et
essayez simplement de prendre des photos dans différents
environnements avec quelques réglages
d'éclairage différents dans différents
numéros de balance des blancs et découvrez comment les images changent dans
chaque réglage. C'est bien et bien que
je sois assis ici pour vous
parler et vous dire quels chiffres utiliser. Mais tant que vous n'aurez pas réellement pris une photo et que vous n'ayez pas vu les
résultats par vous-même, elle ne s'enfoncera pas complètement. Je vous recommande vivement ajuster la
balance des blancs sur votre appareil photo, prendre des photos et de voir en quoi chaque photo diffère l'une
de l'autre. Essentiellement pour colorer
cette vidéo, la balance des
blancs est
la couleur des lumières et vous
voulez essayer correspondre la couleur de la lumière
au réglage de la caméra.
7. RAW vs JPEG: Le prochain paramètre que vous
voudrez connaître est RAW contre JPEG. RAW et JPEG sont deux formats de fichiers différents dans lesquels vous pouvez capturer votre photo. RAW et JPEG ne sont pas paramètres qui modifient
l'apparence de votre image, RAW et JPEG, sont essentiellement le format de fichier dans
lequel se trouve l'image. La définition de votre photo au format JPEG ou la
définition de votre photo sur RAW ne fait aucune différence
sur son apparence,
c'est juste la quantité de
contrôle dont vous disposez lors de l'édition. Essentiellement, le format de fichier JPEG sera le format de fichier par défaut avec lequel
vous allez travailler. Si vous filmez
en mode automatique, JPEG est ce qui va
être sélectionné. Mais le problème avec JPEG,
c'est qu'il est destiné aux
personnes qui n'ont pas une compréhension complète de la photographie ou qui ne se soucient pas
suffisamment de la connaître,
elles veulent juste une
image à moitié décente hors de la caméra. JPEG
se lie essentiellement en couleur, contraste la saturation
dans l'image, puis il vous donne juste un look décent directement
hors de l'appareil photo. Mais le problème est qu'il pourrait
surexposer certaines zones afin qu'il puisse complètement
souffler le ciel, par exemple,
pour qu'il soit complètement blanc, ou qu'il pourrait sous-exposer
les ombres, sorte que les parties sombres de la
l'image pourrait être perdue. Le problème est qu'une fois que
vous avez pris une image en JPEG, toutes ces couleurs sont
gravées dans l'image. Si une image est surexposée, vous ne pouvez pas la réparer. Cependant, avec RAW, vous bénéficiez d'un
peu plus de liberté. format JPEG vous donne un
petit accès à ce que le capteur de
l'appareil photo et la caméra sont capables, mais RAW vous offre tout
le potentiel. Le RAW vous donne tous les détails de
la surbrillance, il vous donne tous les détails des
tons moyens et tous les détails de l'ombre. Lorsque vous chargez la photo
sur votre ordinateur, l'image sera très grise, mais vous verrez que toutes les parties de l'image sont bien exposées. Essentiellement, vous
obtenez toutes
les informations à votre
disposition, afin que vous puissiez prendre la décision surexposer les
points forts si vous le souhaitez ou de sous-exposer les
ombres si vous le souhaitez. Mais c'est votre
décision créative et
vous pouvez prendre toutes
ces décisions. Le problème avec RAW cependant, étant donné que le
fichier image garde toutes ces données
disponibles pour vous, les fichiers image sont beaucoup plus volumineux. Une image JPEG typique
peut être de 5 à 10 mégaoctets, alors qu'un seul fichier JPEG
peut être compris entre 20 et 50 mégaoctets pour une photo. Si l'espace informatique vous
inquiète
, JPEG peut être
l'option à utiliser. Mais si ce n'est pas un
problème et que vous
voulez vraiment contrôler complètement l'apparence de
votre image, alors si vous filmez en RAW, cela signifie que vous aurez un
accès complet au capteur de l'appareil photo. Permettez-moi de vous donner un exemple. Je vais maintenant montrer deux
photos à l'écran. La première est une image JPEG et la seconde
est une image RAW. Maintenant, c'est la même photo, j'ai configuré mon appareil photo
pour qu'il prenne un RAW et un JPEG en même temps. Avec cette photo, je vais
juste
baisser les
parties les plus lumineuses de l'image. Comme vous le verrez, le JPEG
ne fait vraiment rien,
ce ciel blanc
reste très blanc. Mais sur l'image RAW que ciel
blanc est maintenant
correctement exposé, nous pouvons voir les détails
dans le ciel et
toutes ces informations sont conservées pour nous. RAW et JPEG sont deux formats de fichiers différents dans lesquels nous pouvons prendre nos photos, mais RAW nous donne
plus d'informations et JPEG
nous donne un look très rapide et
décent tout droit
hors de l'appareil photo. Si vous voulez une photo
professionnelle, je vous recommande de prendre des photos RAW, mais si vous voulez une photo à
moitié décente, qui ne
nécessite pas vraiment beaucoup de retouche, JPEG est la solution à suivre.
8. Règle des tiers: L'une des principales
différences entre la professionnelle et la photographie
amateur est la composition et le cadrage.
Mais qu'est-ce que c'est ? Eh bien, la composition et le
cadrage
font essentiellement référence à la façon dont vous
cadrez votre photo, donc à l'endroit où vous placez vos
sujets dans le cadre. Il existe maintenant quelques techniques
et règles de
composition différentes que vous pouvez utiliser pour encadrer vos images afin rendre vos images
plus professionnelles. Le premier est
la règle des tiers. Maintenant, la règle des tiers
n'est pas nécessairement une règle, c'est juste un guide pour vous aider
à cadrer des photos ou des
sujets spécifiques, et essentiellement, il vous
suffit de tracer
deux lignes horizontales sur votre et deux
lignes verticales sur votre écran. Sur la plupart des appareils photo reflex numériques ou
sans miroir, vous pouvez en fait activer
une superposition afin voir la règle des
tiers sur votre image. Cela n'est pas inclus dans
l'image finale, vous voyez simplement cela lorsque
vous prenez la photo, donc cela
va vraiment vous aider
à comprendre la
règle des tiers. Une fois que vous avez passé
un peu de temps avec le guide, vous pouvez désactiver cela car
une fois que vous aurez pris suffisamment d'images, cela deviendra une
seconde nature pour vous. Vous avez deux
lignes à travers l' horizontale et deux lignes le
long de l'axe vertical. Mais comment les utilisez-vous ? Eh bien, vous
voulez simplement placer vos sujets sur ces lignes, donc si vous prenez
une photo d'un paysage, par
exemple, vous
pouvez placer l'horizon sur la ligne de fond
ou sur la ligne supérieure. Si vous prenez une photo
rapprochée de quelqu'un, vous pouvez placer ses yeux sur la ligne horizontale supérieure, sur la ligne horizontale supérieure,
ou
si vous prenez une photo d'un point de
repère, par exemple, vous pouvez utilisez l'une des lignes verticales pour la
décaler par rapport au
centre afin que vous puissiez la
placer sur
la ligne gauche ou la droite
, puis vous pouvez aligner les horizons pour traverser
le bas et vous avez a obtenu une composition vraiment intéressante
et unique. Bien sûr, la règle des tiers n'
est certainement pas une règle, vous ne pouvez certainement pas
enfreindre cela et il existe d'autres techniques que vous pouvez
utiliser pour cadrer vos prises de vue.
9. Symétrie: Suivant
la règle des tiers, la prochaine technique que
vous pouvez utiliser est la symétrie. Essentiellement, l'objectif
de la symétrie est de faire correspondre un côté de
la trame à l'autre côté du cadre. Cela permet
d'obtenir une image vraiment équilibrée et vraiment
agréable visuellement. En général, si je prenais
une photo d'une personne, je la
placerais au centre du cadre, puis j'aurais des objets
similaires encadrés derrière eux en miroir
les uns des autres. Sinon, si vous prenez des photos d'un point de repère, par
exemple, vous pouvez le
placer parfaitement au centre, ce qui créera un
bel aspect symétrique. L'objectif ici est de simplement faire en sorte que
cette sensation soit visuellement équilibrée entre la gauche et la droite
ou le haut et le bas. En ce qui concerne la symétrie, il n'y a plus de guides ou règles que vous pouvez
utiliser sur votre écran. Tout dépend de vous et de ce que vous équilibrez
dans le cadre. Assurez-vous simplement que la gauche
et la droite ou le haut
et le bas ont l'impression d'être symétriques,
qu'ils soient visuellement équilibrés,
et c' est une symétrie. Si vous utilisez la symétrie, vous pouvez obtenir un résultat très
beau.
10. Lignes principales: La prochaine
technique de composition est la première ligne. Désormais, les lignes principales sont
essentiellement des lignes du cadre qui vous attirent
vers un point d'intérêt. Si vous faites de la
photographie de rue, par exemple, vous pouvez utiliser
le paysage ou l'architecture ou
peut-être vous approcher d'une main courante, et cette rampe
tombant au loin pourrait pointer
vous envers vos sujets. Essentiellement, une
ligne de pointe n'est qu'une ligne dans le cadre qui
vous emmène vers votre sujet. Bien sûr,
comme je viens de le dire, vous pouvez utiliser une
main courante pour cela, et cela pourrait être la
ligne dans le cadre ou simplement la façon
dont vous cadrez une image. Si vous prenez une
photo sur un pont, vous pouvez utiliser les deux côtés
du pont pour
vous amener vers l'horizon
où vos sujets peuvent se trouver. Le but des
lignes directrices est de regarder ce voyage visuel à
travers le cadre et de vous pointer vers votre sujet. Vous pouvez devenir vraiment
intéressant avec cela, et vous pouvez modifier
votre perspective et votre angle d'où vous
prenez votre photo pour vraiment maximiser la quantité de
lignes de pointe dans le cadre.
11. La perspective: Ensuite, nous allons
parler de perspective et d'angle. Maintenant, lorsque vous prenez une photo, il est très tentant de
simplement tenir l'appareil photo debout et de
simplement prendre une photo. Mais réfléchissez à la façon dont elle pourrait
ressembler sous un angle bas, comment pourrait-elle ressembler
sous un angle élevé, comment cela rendrait-il l'image
ou la sensation différente. Il est très facile,
très sûr et très confortable de se tenir
là et de prendre votre photo, mais peut-être pourriez-vous vous approcher du sol et vous pouvez regarder
vers votre sujet, ce qui fait que le
le sujet se sent puissant, ou il pourrait simplement
vous donner un angle vraiment cool. Ou bien, vous
pouvez opter pour un angle élevé, et vous pouvez regarder vers
le bas votre sujet, ce qui les
rend inférieurs. Vous pouvez même jouer avec
la rotation de la caméra. Il n'est pas nécessaire d'être
parfaitement équilibré, il n'est pas nécessaire d'avoir l'
horizon complètement droit. Vous pouvez peut-être jouer
avec un angle néerlandais, qui correspond à une inclinaison d'angle de 45 degrés vous
puissiez tourner la caméra, regarder vers quelqu' que vous
puissiez tourner la caméra,
regarder vers quelqu'un
et créer une perspective vraiment
intéressante qui correspond à une inclinaison d'angle de 45 degrés pour que vous
puissiez tourner la caméra,
regarder vers quelqu'un
et créer une perspective vraiment
intéressante.
par conséquent, une photo vraiment
intéressante. La prochaine fois que vous
prendrez des photos, je veux vraiment que vous
réfléchissiez à l'angle
et à la perspective les plus intéressants ici. Ne vous contentez pas de prendre votre photo debout
typique. Pensez vraiment à l'
endroit où vous pourriez prendre la photo sous
différents angles, différents points de vue,
différents angles, et essayez vraiment de trouver le
meilleur angle pour votre photo.
12. Profondeur: Ensuite, je veux parler profondeur parce que
tout va bien et bien, il suffit d'encadrer un sujet
dans le cadre. Mais cela peut sembler très plat, et la raison en est que
vous pensez votre photo dans un espace
bidimensionnel. Essayez de penser à votre
photo dans un espace 3D, donc ce qu'il y a au premier plan, au milieu et à l'arrière-plan. Si vous avez quelque chose
au premier plan de votre photo, cela peut vraiment créer un élément de profondeur
dans votre cadre. Il y a peut-être de beaux
motifs dans cette balustrade. Peut-être
pourriez-vous filmer ce schéma dans cette rampe et cela
vous donnerait un très beau premier plan. Ensuite, vous avez votre sujet et les antécédents derrière eux. Vous disposez de trois calques
visuels votre photo et, par conséquent,
vous créez
cet élément de profondeur et d'espace
dans le cadre. Vous n'avez même pas besoin de
filmer à travers les choses. Vous pouvez simplement placer
un objet près de l'objectif de l'appareil photo, ce qui vous
donne une bonne mise au point, ce qui vous
donne cette belle profondeur dans le cadre. Ne pensez pas à vos photos
dans un espace bidimensionnel. Pensez à vos photos dans
un espace tridimensionnel. Vous ne vous contentez pas de
cadrer vos sujets, vous pensez également à
ce qu'il y a dans mon premier plan, arrière-plan et l'
espace entre les deux.
13. Cadre dans un cadre: Ensuite, je veux
parler de cadre dans un cadre. Il s'agit d'une
technique de composition simple qui peut réellement suivre notre vidéo précédente, qui
portait sur la profondeur. Le cadre dans un cadre est
exactement ce à quoi ça ressemble. Il utilise un objet ou un
cadre dans la photo pour
encadrer vos sujets. Un exemple très facile
de cela est, disons, que vous êtes debout dans un tunnel et votre sujet se trouve
à l'extérieur du tunnel. Si vous utilisez les
bords du tunnel pour encadrer cette photo, elle peut créer un look vraiment intéressant et
professionnel. Vous avez votre sujet et ils sont encadrés dans un cadre, donc un cadre dans un cadre. Maintenant, le but est
d'
ajouter de la profondeur dans le cadre. En revenant sur notre vidéo
précédente, la profondeur est le
premier plan, le sujet
et l'arrière-plan, donc l'
ajout dans un cadre dans votre cadre est un moyen très
rapide et facile d'ajouter cette profondeur.
14. Espace négatif: Enfin, je
veux parler espace
négatif car généralement lorsque vous encadrez une photo, vous voulez disposer de suffisamment d' espace entre les sujets
et le bord du cadre. Mais vous pouvez jouer avec votre espace et avoir un espace négatif dans le cadre pour
enfreindre les règles,
enfreindre ce qui vous semble naturel
et avoir un espace négatif. Mais comment créer
cet espace négatif ? Eh bien, si vous prenez
une photo de quelqu'un, s'il
regarde au loin, plutôt que d'avoir beaucoup
d'espace devant lui, vous pouvez l'
encadrer de façon à ce qu'ils regardent
bord du cadre. Tout d'un coup, cela semble très claustrophobe
parce que vous avez beaucoup d'espace derrière le sujet et si vous le
faites correctement, il peut se sentir très puissant
et cela peut vraiment aider à faire la photo semble mal à l'aise
et claustrophobe. L'espace négatif est
essentiellement plus d'espace derrière le sujet qu'il
n'y en a devant les sujets. Normalement, vous voulez
plus d'espace devant, mais avec un espace négatif, vous pouvez avoir ce cadrage
bizarre et vous pouvez le faire pour créer
une émotion spécifique. Il n'y a pas que des personnes avec qui
vous pouvez le faire, mais si vous avez un point de
repère par exemple, vous pouvez
placer le sujet dans le coin de votre photo. Nous pourrions l'avoir
juste sur le bord de la photo et cela crée
beaucoup d'espace négatif. N'ayez pas l'impression
d'être toujours obligé respecter ces règles
ou ces guides, vous pouvez réellement les
enfreindre et être flexible, ce qui crée un réel malaise dans
votre photo et cela, encore une fois, peut aider à améliorer la
sensation d'une photo. Si vous essayez de prendre
une photo de quelqu'un qui est anxieux par exemple, si vous utilisez cadrage négatif et un
espace négatif dans les clichés, cela peut vraiment aider à
accentuer ce sentiment.
15. Lumière naturelle: Quand il s'agit de prendre des photos, vous pourriez avoir le meilleur
appareil photo au monde, le meilleur appareil photo
que l'argent puisse acheter. Mais si vous n'avez pas assez de
lumière dans la scène, malheureusement, il y
aura beaucoup de céréales, il y aura beaucoup
de bruit numérique. Vous devrez remonter votre ISO, et tout
deviendrait un peu moche, et un peu amateur. Il est vraiment important que
nous nous concentrons sur notre éclairage. En passant, quand je parle
d'éclairage, je ne
parle pas d'exposition prolongée. Il est très possible d'être dans
un environnement très sombre, descendre votre vitesse d'obturation jusqu'à 30 secondes,
et vous
obtiendrez une grande quantité de lumière qui frappe le capteur de
votre appareil photo. Lorsque je parle d'éclairage, je parle plus particulièrement
de photographie de portrait, par exemple. C'est ici que nous sommes
dans un environnement, et nous avons besoin que notre
vitesse d'obturation soit d'environ
un plus de 100, une vitesse supérieure à 200. Si nous ne pouvons pas régler les paramètres de
notre appareil photo pour ajouter plus de lumière
à la scène, c'est pourquoi nous devons ajouter
plus de lumière à la scène. En plus d'ajouter de la
lumière pour aider l'appareil photo et ajouter plus de
lumière à la prise de vue, vous pouvez également façonner votre lumière pour créer un personnage
dans la photo. Il y a plusieurs types de configurations
d'éclairage dont
je veux parler. Cependant, avant de
parler d'éclairage, parlons simplement de
travailler avec la lumière naturelle. Vous prenez une photo de
quelqu'un en lumière naturelle. Que pouvons-nous faire dans
ces environnements ? Eh bien, quand vous
prenez des photos à l'extérieur, heureusement, vous avez la
grande lumière dans le ciel, le soleil. Vous allez avoir
suffisamment de lumière dans la caméra pour faire
ce que vous devez faire. Cependant, le problème
est que la lumière du soleil peut être un peu peu flatteuse si vous tournez
dans les mauvaises zones. La première chose que
je ferais est une, soit filmer par temps nuageux. Lorsque les nuages sont finis, nous avons essentiellement une
grande boîte à lumière au-dessus du soleil, et vous obtenez un éclairage très
doux. Cependant, si vous devez
photographier par une journée ensoleillée, je
vous
recommande
vivement de
détourner vos sujets du soleil pour placer le soleil derrière eux. La raison pour laquelle je suggère cela, c'est parce que si vous
détournez le
sujet du soleil, cela signifie que le soleil
sera derrière eux et que vous n'obtiendrez
aucune ombre dure et que vous n'obtiendrez
aucune ombre dure sur leur visage. Cependant, nous pouvons également acheter un kit de réflecteur
3M1 ou 5M1, et nous pouvons faire rebondir
ou adoucir la lumière. Ou nous pourrions même utiliser
un remplissage négatif pour créer une forme et ajouter
plus de lumière sur le visage. Voici une feuille de réflecteur
5M1 contextuelle. Comme vous le verrez, nous avons ce grand
côté argenté du réflecteur, sert à faire
rebondir la lumière. Si j'étais dehors
et qu'il faisait beau, et que je voulais ajouter un
peu plus de lumière sur le visage de mon sujet, j'utiliserais ce réflecteur
argenté pour rebondir la lumière
sur leur visage. Comme vous pouvez le voir, c'est sans, et quand je l'ajoute, je fais rebondir la lumière, et elle
ajoute simplement de la lumière sur ce côté du visage. Bien sûr, même si ce n'est pas seulement ce
réflecteur argenté que vous obtenez dans ces kits 5M1, vous avez également de l'or et du blanc. Comme vous pouvez le voir, je peux retirer cette veste
de la diffusion, puis à l'intérieur,
nous avons de l' or, et nous avons du blanc. Comme vous pouvez le constater, il s'agit du côté
doré du réflecteur. Si je place ça là
où il était auparavant, vous pouvez voir que je réfléchis une lumière
plus chaude sur mon visage. Si vous voulez une photo
argentée,
vous pouvez ajouter de la couleur dorée pour ajouter une lumière
plus chaude sur le visage. Par ailleurs, c'est assez dramatique, de
sorte
que nous pouvons utiliser le
côté blanc du réflecteur pour ajouter un rebond
de lumière plus subtil sur le visage. Lorsque vous tenez
l'un de ces réflecteurs, vous voulez simplement le maintenir
à environ 45 degrés, puis l'ajuster précisément jusqu'à ce
que lumière
rebondisse sur le visage. Bien sûr, si vous
ne vouliez pas faire rebondir la lumière et que vous vouliez simplement
adoucir la lumière
du soleil , nous pourrions
simplement utiliser la diffusion. À l'intérieur de cette veste, nous avons ce morceau de diffusion. Essentiellement, cela
va simplement
agir comme les nuages
au-dessus du soleil, donc cela va simplement
adoucir cette lumière. Tout ce que vous aurez
à faire est de tenir ceci au-dessus de votre sujet, et vous obtiendrez un très
bel éclairage doux. C'est sans, et c'est avec ça. Maintenant, j'ai une lumière de boîte à
lumière sur ma lumière, donc vous ne verrez pas de
différence énorme dans cet exemple. Mais l'adoucissement de la lumière est un moyen très rapide et facile de contrôler la
lumière naturelle de la scène. Ensuite, bien sûr aussi, vous avez le cinquième côté, qui est le côté noir, et c'est pour un remplissage négatif. Plutôt que d'ajouter des lumières, un remplissage négatif va aider
à arrêter la lumière. Il va annuler
une partie de cette lumière. Si vous tenez le côté noir à côté
de quelqu'un, cela aidera
à empêcher cette lumière rebondir et de
frapper son visage. Cela va juste nous aider
à donner un peu plus
de maussade,
en annulant une partie de cette lumière d'un
côté du visage. Si vous prenez des
photos de quelqu'un l'extérieur et que la journée est
ensoleillée, alors vous voulez l'
éloigner du soleil, ou vous pouvez utiliser le
réflecteur et le
kit de diffusion pour rebondir
ou adoucit la lumière. Cela vous donnerait un look
vraiment flatteur vos photos.
16. Éclairage à trois points: Bien sûr,
si vous avez besoin de
prendre des
photos de portrait à l'intérieur, par
exemple, vous aurez besoin
d'un éclairage. Il existe plusieurs configurations
d'éclairage différentes que nous pouvons utiliser pour capturer de
superbes photos. Le premier est un éclairage
à trois points. Désormais, en ce qui concerne l'éclairage à
trois points, vous pouvez utiliser des lumières vidéo
continues. Ce sont des lumières qui
restent allumées tout le temps. Ou vous pouvez utiliser des
lampes flash/stroboscopiques, qui sont
plus destinées à la photographie. Essentiellement, lorsque
vous prenez votre photo, la lumière clignote même temps que
vous la prenez pour que les lumières soient là. Peu importe que vous
utilisiez une lampe vidéo ou une lampe de poche photo. L'une ou l'autre option fonctionne pour cela car c'est plutôt
le positionnement des lumières qui constitue une configuration d'éclairage à
trois points. En ce qui concerne trois points, il n'
y a que trois lumières. Vous avez votre clé, votre remplissage et votre rétroéclairage. Il s'agit de deux lumières
derrière la caméra et d'une lumière
derrière le sujet. Votre lampe Key, votre lumière principale, sera juste sur le
côté de l'appareil photo et elle
va briller une belle
quantité de lumière sur le visage. Ensuite, nous avons
la lumière de remplissage, qui se trouve de l'autre
côté de la caméra. Il suffit de remplir
toutes les ombres que la
lumière clé aurait pu créer. Il y a deux lumières jusqu'à présent. Ensuite, nous avons notre
rétroéclairage et il s'agit une position claire derrière la personne qui brille
sur elle, et cela va juste nous
donner une belle lumière pour les cheveux. La lumière des cheveux est
là pour séparer le sujet de l'arrière-plan. Vous avez trois lumières. Comme je l'ai déjà dit, il peut s' agir
de lumières
vidéo continues ou clignotements photographiques ou stroboscopiques. Notre éclairage à trois points
est composé de nos trois lumières, deux à l'avant,
une à l'arrière. Nous avons la clé, le remplissage, le rétroéclairage. Ces trois lumières vous donneront un très beau look
complémentaire idéal pour la photographie de
portrait.
17. Éclairage à deux points: À partir de notre éclairage à
trois points, nous avons un éclairage à deux points. Pour un
éclairage à deux points, nous allons
commencer par nos trois points, mais nous allons
sortir nos feux de remplissage. Dans nos trois points,
nous avons eu 1, 2, 3. Maintenant, nous allons
sortir le feu numéro 2. Nous n'avons qu'une seule
lumière à l'avant et une lumière à l'arrière. Lorsque vous faites
cela, il est important que vous ayez votre clé et votre rétroéclairage sur
les côtés opposés des sujets. Si votre voyant principal se trouve à droite
du sujet, il est important que
le rétroéclairage se trouve gauche du
sujet, alors créez une ligne diagonale
entre ces lumières. La suppression de l'une de ces
lumières
crée essentiellement des ombres sur un
côté du visage. Cela nous donne un
peu plus d'allure maussade, et donc un
peu plus intense. Si vous prenez des photos de portrait et que vous voulez qu'elles
aient un avantage agréable, envisagez d'utiliser deux points
plutôt que trois points.
18. Éclairage dur: Lorsqu'il s'agit
d'éclairer vos photos, il existe deux types de sources
lumineuses différents sources
lumineuses une lumière dure et une lumière douce. Essentiellement, la
différence
est qu'une différence est diffuse et non. Une lumière dure est une source de lumière très
dure, ce qui peut créer des ombres
très dures. Si vous prenez des
photos de personnes, vous voulez généralement éviter
cela parce que des ombres très dures
apparaîtront sur leur visage. Mais un éclairage dur peut être très bénéfique si
vous essayez de
remplir un espace ou de créer des
ombres à l'intérieur de l'espace. l'autre côté, nous avons un éclairage
doux et c'est
exactement à quoi ça ressemble. Vous utilisez une
diffusion ou un tissu ou un tissu
blanc pour
adoucir les lumières. éclairage doux vous
donne un aspect très doux et
naturel et vous ne
voyez pas d' aspect très doux et
naturel et vous ne
voyez pas ombres dures sur le visage. Il s'agit plutôt d'un enroulement doux. Ce cliché
est filmé avec une lumière Soft-Box et c'est
une source de lumière douce. Comme vous pouvez le constater, il n'y a pas d'ombres
dures sur mon visage. Il y a juste un léger enroulement
sur le côté de mon visage. En général, si vous
prenez des photos de personnes et que vous voulez que les photos
soient flattrices, je vous recommande
d'utiliser une source de lumière douce
plutôt qu'une source de lumière dure. Maintenant, si vous regardez une lampe de
construction, c'est une
source de lumière dure car elle émet une lumière très dure. Mais un kit
d'éclairage de boîte à lumière douce est très
doux et doux. Il est très possible d'
adoucir une lumière dure. Si vous avez un t-shirt blanc un morceau de tissu blanc
ou un drap blanc, vous pouvez le tenir devant
cette lumière dure
pour adoucir le tout. Essentiellement, le soleil est une lumière dure et le nuage
adoucit la lumière dure. nuageux, vous
obtenez une lumière douce et une journée ensoleillée, vous obtenez une
lumière dure ou un éclairage dur. N'oubliez pas que chaque fois que
vous allumez des gens, vous voulez essayer de vous en
tenir à un éclairage doux, mais si vous allumez des espaces, vous pouvez utiliser un éclairage dur.
19. Éclairage RGB (couleur): Ensuite, nous avons un éclairage RVB ou rouge, vert, bleu ou couleur. L'éclairage couleur peut être utilisé
dans un but très créatif. Éclairage couleur, nous pouvons utiliser
pour la photographie de portrait, nous pouvons l'utiliser pour
la photographie de produits ou toute sorte de photographie pouvant être capturée
dans un environnement fermé. Notre point de départ
pour l'éclairage couleur consiste simplement à éteindre
toutes les lumières l'espace et à essayer de bloquer autant de
lumière naturelle que possible. Nous commençons par
une pièce très sombre, puis nous pouvons soit convertir
nos lumières normales en
utilisant un gel coloré,
soit
nous pouvons également accéder à un éclairage RVB, qui sont des lumières LED, qui peuvent passez au rouge, au vert, au
bleu ou à n'importe quelle couleur que
nous voulons qu'ils aillent, puis nous pouvons simplement construire
et ajouter de la couleur. En général, lorsque vous
travaillez avec la couleur, je recommande toujours
d'utiliser des couleurs contrastées. Si vous regardez la roue chromatique, vous souhaitez prendre deux couleurs
opposées à la roue chromatique et utiliser
celles de vos photos. Vous pouvez utiliser de l'orange et du bleu ou violet et du jaune
ou du rouge et du vert. L'utilisation de ces couleurs opposées crée un bon niveau
de contraste des couleurs l'
intérieur de l'image et
cela va nous donner looks vraiment
intéressants dans notre photographie. En général, je
déconseillerais d'utiliser une seule couleur car si vous utilisez trois voyants et
qu'ils sont tous réglés sur rouge, nous allons malheureusement perdre notre définition et il y
aura un manque de profondeur
dans le cadre. Mais si nous utilisons deux
couleurs
opposées à
la roue chromatique, vous pouvez créer un bon
niveau de contraste des couleurs. Peut-être que deux lumières à l'avant sont réglées en
rouge et celle à l'arrière est verte pour que nous
obtenions ce beau contraste de couleur, ou peut-être que nous
utilisons simplement deux lumières, peut-être que l'une peut être orange,
une autre peut être bleu. Cela va encore nous donner ce
beau contraste. Peu importe le jeu de
couleurs que vous regardez, mais je
recommande vivement d'utiliser la roue chromatique pour
avoir des couleurs opposées. La couleur est quelque chose qui prend un peu de pratique
, donc je
recommande vivement de configurer
une séance d'entraînement et d'obtenir un éclairage
coloré, prendre beaucoup de photos avec différentes couleurs et
déterminez ce que vous aimez l'apparence et les types de looks
que vous pouvez créer l'aide d'un éclairage RVB ou couleur.
20. Photographie avec flash: Lorsqu'il s'agit d'ajouter des
lumières supplémentaires à vos photos, un des
moyens les plus rapides et les plus simples pour un photographe d'ajouter cette lumière est d'utiliser un
flash ou un voyant de vitesse. Mais le problème, c'est que
si vous mettez cela sur votre appareil photo et que vous face à cette lumière directement vers faites
face à cette lumière directement vers
la personne dont vous
prenez une photo, la photo
sera vraiment surexposée, et elle va
être très dur et direct et ça n'aura pas l'air
très flatteur du tout. Il aura l'air vraiment amateur
et ce n'est pas ce que nous
recherchons si nous voulons
prendre des photos professionnelles. Il existe maintenant de nombreuses
façons d'utiliser un flash pour ajouter de la lumière supplémentaire
à notre scène. Tout d'abord, nous
voulons simplement commencer par ajouter le flash
au-dessus de l'appareil photo. Nous utiliserions votre chaussure chaude ou votre adaptateur de chaussure froide en haut pour ajouter cela. Ensuite, vous
voulez simplement vous assurer qu'il s' enfonce dans vos appareils photo afin que lorsque vous prenez une photo,
elle clignote réellement. Comme je l'ai déjà
mentionné, la première façon d'ajouter des lumières est de faire briller
directement ce flash
vers les sujets. Mais le problème, c'est que cela crée un aspect vraiment dur. La première option consiste
à adoucir la lumière. Généralement, si vous avez un flash, vous obtenez l'une de ces majuscules. Ce n'est qu'un bouchon de diffusion. Vous le placez sur
le devant du flash, et cela va simplement adoucir
instantanément cette lumière, créant
ainsi un aspect plus doux. Encore une fois, mais personnellement, j'ai l'impression que c'est juste un
peu trop dramatique. C'est ici que vous pouvez
orienter le flash vers le haut. Nous allons mettre fin à la diffusion,
puis nous pourrons
accéder à ces cartes. Ces cartes ici
sont des cartes rebondissantes, et elles doivent être en haut de votre flash. Vous sortez ça
et comme vous pouvez le voir, il y a ce morceau de plastique ici. Cela passe juste
au-dessus de notre lumière pour
orienter la lumière vers la carte de rebond, puis la lumière
va apparaître, frapper la carte et rebondir. Plutôt que de
frapper directement la personne, maintenant avec la
carte de rebond va frapper ça abord, puis
rebondir sur le sujet. C'est une excellente façon de l'
adoucir encore plus. Bien sûr, si vous
n'avez pas de carte de rebond, vous pouvez simplement la faire
rebondir d'un mur ou d'un plafond. Plutôt que d'avoir le flash directement vers l'avant,
vous pouvez l'
orienter vers le haut et faire rebondir la lumière
du plafond, remplissant
ainsi l'espace. Le problème, c'est que si
vous avez un plafond sombre. Si vous avez un plafond noir ou si vous avez de très
hauts plafonds, alors cette lumière va se perdre et vous ne verrez pas cela. Cela ne
fonctionne vraiment que si vous avez des plafonds
inférieurs et qu'il s'agit d'une couleur
blanche ou plus vive. Si vous avez de hauts
plafonds ou des plafonds sombres , vous
pouvez également éteindre le flash et le
faire rebondir du mur. Vous pouvez prétendre que le
mur est une lumière, de sorte que vous rebondissez du mur et
qu'il frappe le sujet. Le problème avec le
rebondissement est que lorsque vous faites rebondir la
lumière sur un mur, il prendra la couleur
du mur et la mettra
sur le sujet. Si vous avez un mur blanc, cela n'a pas d'importance
car vous avez une belle lumière blanche
et vous pouvez simplement ajuster la balance des blancs dans l'appareil photo pour
compenser cela. Mais si vous rebondissez
sur un mur bleu
vif ou vert vif, toutes ces couleurs rebondissent sur le sujet. Il est vraiment important que lorsque vous faites rebondir la lumière, vous regardiez
où la lumière pourrait rebondir
et déterminer s'il y a de la couleur qui se
déverse sur la personne. Enfin, enfin, j'ai ma façon préférée d'ajouter du flash et c'est d'enlever
le flash de l'appareil photo. Vous devez vous
assurer que vous disposez d'un flash sans fil
dans cet exemple. En général, ce que je fais,
c'est que je fais
remonter la carte de rebond et j'utilise le
rebond ou je la fais rebondir au plafond. Je prends l'appareil photo,
je prends la photo et je tiens les
lumières ici. Cela va
maintenant ressembler
à une
configuration d'éclairage sur un support d'éclairage. Vous pouvez le configurer sur
un support d'éclairage si vous
souhaitez ajouter plusieurs
lampes de poche. Mais si vous n'avez que le seul, il suffit de tenir cette longueur
de bras à peu
près sur le côté, ce qui vous
donnera un bel aspect, et cela vous donnera
un peu plus de forme. Bien entendu, cette option
dépend du fait que votre flash soit sans fil
ou non. Si ce n'est pas le cas,
vous pouvez acheter des adaptateurs qui le convertissent
en flash sans fil, et je le
recommande vivement. Maintenant, avec la photographie au flash, vous pouvez également
profiter pleinement de l'éclairage couleur. Vous pouvez acheter des gels colorés, qui
ne sont essentiellement que de petits morceaux de plastique qui collent sur
le dessus du flash. Encore une fois, vous pouvez recréer ce même aspect coloré
à l'aide de votre flash, plutôt que de
lumières vidéo continues ou de grands voyants de configuration. Que vous
utilisiez un flash sur votre appareil photo, que utilisiez un flash sur votre appareil photo, vous utilisiez des lumières
vidéo externes ou que vous profitiez simplement
de la lumière naturelle et utilisez un kit de réflecteur
pour contrôler cette lumière, il est très important
que vous
réfléchissiez à l'éclairage, car d'abord, vous devez insérer de la lumière
dans le capteur de votre appareil photo. Mais deuxièmement, vous
voulez contrôler la lumière, contrôler l'apparence et
la sensation de votre image. Il ne sert à rien de simplement
jeter de la lumière sur votre photo, car vous
devez ajouter de la lumière supplémentaire. Vous devez vraiment
recadrer cela et développer un look qui fonctionne
pour le ton de votre photo. Pensez à l'éclairage
d'un point de vue technique, mais pensez également
à l'éclairage d'un point de vue créatif, car vous pouvez vraiment aider à créer une ambiance avec
votre éclairage. Malheureusement, en ce qui
concerne la photographie, l'
une des choses que les gens
oublient toujours est l'éclairage. simple fait d'ajouter une lumière supplémentaire ou
deux dans le bon angle peut
vraiment faire la différence entre une photo amateur et une photo
professionnelle. Passez du temps à
connaître votre éclairage et à faire des expériences avec vos
photographies et vos éclairages.
21. Distance focale: Lorsqu'il s'agit de prendre des photos, les gens croient généralement que tout est contrôlé par
l'appareil photo. Mais le fait est qu'il
y a deux parties de l'ensemble de l'appareil photo. Vous avez le boîtier de l'appareil photo,
puis vous avez l'objectif, et l'objectif peut réellement faire une différence considérable
sur vos photos. Un bon exemple de cela
est votre distance focale. Maintenant, votre distance focale est essentiellement le
nombre de votre objectif, ce qui représente le zoom. Si vous regardez un objectif zoom, par
exemple, il indiquera 18, 24, 32 ,
50, il ira
jusqu'à un nombre. Ou si vous avez un objectif principal, il sera défini sur
un nombre spécifique. Votre distance focale
correspond essentiellement au zoom de la prise de vue. Lorsque vous avez un nombre
inférieur, 16, 18, cela signifie que vous avez un champ de vision
très large. Mais quand vous le tirez
jusqu'à un nombre plus élevé, allons
donc aller 105. Cela signifie que vous allez
être très zoomé, de sorte que vous vous concentrez sur une zone très
spécifique du cadre. Ce n'est pas seulement le zoom avant et zoom arrière que la distance
focale contrôle. La distance focale contrôle
également les caractéristiques
des prises de vue. Si vous avez pris une photo de plus près personne dont la distance
focale est fixée à 18, vous remarquerez qu'
elle est complètement
différente d'une photo prise à 105 ou un
nombre supérieur comme celui-ci. L'objectif peut réellement
modifier la forme de l'image et modifier la forme du sujet
devant l'appareil photo. Prenons trois photos. Nous allons
les encadrer comme des gros plans, il y aura trois photos de moi. Le premier sera de
18 millimètres, le second sera de 55 et le troisième sera de 85. Nous avons donc trois photos toutes réglées sur des distances
focales différentes, et vous remarquerez qu'elles sont
toutes très différentes. Les réglages de la caméra sont les
mêmes dans tous ces domaines, l'éclairage est identique. L'éclairage n'a pas
changé du tout, mais ils sont tous
très différents. Cela est dû à la distorsion
de la distance focale. J'ai l'air très fin dans la
version 18 millimètres de la photo, mais quand je change cela
jusqu'à 50 millimètres, mon visage est
un peu plus rempli. Puis quand je vais jusqu'
à 85 ans, mon visage commence à
paraître un peu plus grand. Il s'agit de la distance
focale en jeu. La distorsion de l'objectif créée par cette distance focale est ce qui change la forme de moi dans toutes ces
différentes photos. Il est vraiment important que
lorsque vous prenez des photos, vous compreniez parfaitement comment
votre objectif spécifique et la distance focale
que vous choisissez vont déformer le sujet. Si vous voulez que quelqu'un
soit un peu plus mince , optez pour un nombre plus petit. Si vous voulez que quelqu'
un soit un
peu plus plein en face, optez pour un nombre élevé. Généralement, si vous prenez des
photos de personnes, vous voulez être à
environ 50 millimètres. Parce qu'aux alentours de la barre 50,
il y a un aspect assez naturel. Ainsi, non seulement la
distance
focale contrôle le zoom avant ou le
zoom arrière des images, mais
elle contrôle également
la quantité de distorsion
dans le cadre. Choisissez une distance focale qui
vous satisfait et comprenez comment cela
affectera votre image.
22. Objectifs Prime vs Zoom: Maintenant, lorsque vous envisagez
d'acheter des objectifs, vous remarquerez qu'il existe
deux types
d'objectifs photographiques différents . Vous disposez d'un zoom et
d'un objectif principal. Essentiellement, un zoom
a la possibilité de changer la distance focale pour que
vous puissiez obtenir un 18-35, un 24-105, un 35-50. ne s'agit que de la plage de focale disponible
pour ces objectifs. Ensuite, vous avez un objectif à distance
focale fixe ou un objectif principal. Il ne s'agit que d'un objectif de 50
mm, d'un objectif de 30 millimètres et d'un objectif de 18 millimètres. s'agit d'une seule distance focale, donc vous ne pouvez pas zoomer avant
et vous ne pouvez pas effectuer de zoom arrière. suite, la principale
différence entre ces deux objectifs est que l'objectif zoom a
plus de flexibilité, l'objectif principal dont vous n'
avez qu'une seule distance focale. On pense généralement que l'objectif zoom est la solution à suivre. Bien, même si vous avez moins de flexibilité
sur un objectif principal, il y a certainement un avantage à utiliser un objectif principal car, abord, vous obtiendrez
un aspect très cohérent. Comme la distance
focale est fixe, rien ne va changer. La seule chose qui
va changer lorsque vous avez un objectif principal allumé, c'est tout ce que vous faites dans l'appareil photo , de sorte que l'objectif ne
change rien. Le problème, c'est que lorsque
vous utilisez un zoom avant pouvez modifier l'ouverture de
l'appareil photo. Si vous êtes réglé sur F2.8
sur un objectif 24-105 et que vous êtes réglé
sur 24 sur la distance focale. Si vous zoomez sur 105, votre ouverture atteindra
réellement F4. C'est le problème avec
certains objectifs photographiques. Vous n'avez pas de
réglage cohérent sur toutes les distances focales différentes, ce qui signifie que si vous n'êtes pas prudent et que
vous ne faites pas attention, certaines photos seront plus
lumineuses que d'autres photos. fait d'avoir un objectif principal
signifie que votre ouverture
ne changera pas sans
que vous le sachiez. De toute évidence, vous pouvez toujours
modifier l'ouverture, mais elle ne sera pas
différente entre chaque image. C'est à vous de régler cela
manuellement. Il y a une apparence plus
homogène et une facilité
d' utilisation avec les objectifs de premier choix que
les zooms. Les objectifs Prime
produisent également généralement une image plus belle. La plupart des photographes et de
la plupart des vidéastes pencheraient également vers un objectif principal plutôt qu'un zoom, car vous obtenez une image plus belle à
partir d'un objectif principal. Le problème, c'est que les objectifs
primes peuvent coûter cher si vous
devez acheter un ensemble. Un zoom est un moyen très agréable
et abordable d' obtenir toutes les distances
focales dont vous pourriez avoir besoin.
23. Filtres: L'un des meilleurs moyens
de modifier votre photo consiste à utiliser des filtres sur votre objectif. Si vous regardez la face avant de votre objectif, où se trouve le verre, vous remarquerez qu'il y a
un filetage et c'est pourquoi vous pouvez visser un filtre. Il existe différents
types de filtres, et ils sont tous destinés
à faire différentes choses. Dans cette vidéo, je vais vous
présenter
quelques-uns des plus
populaires et pourquoi vous voudrez peut-être utiliser l'un d'entre eux pour votre travail photographique. Le premier est un filtre ND,
un filtre à densité neutre. Le moyen le plus simple de
décrire cela est une paire de lunettes de soleil
pour objectif de votre appareil photo. Comme vous pouvez le constater, il s'agit d'un filtre
très sombre et c' est parce qu'il s'agit de ND 1000. Maintenant, les NDD sont évalués en force. Un ND2 n'est pas aussi
intense qu'un ND 1000. Plus le nombre est élevé, plus
le filtre est sombre. Mais pourquoi voudriez-vous
retirer la lumière du cadre ? Pourquoi mettriez-vous quelque chose de
sombre devant l'objectif ? Comme vous pouvez le voir, si je mets ça
devant cet objectif vidéo, vous pouvez voir qu'il est complètement rendu
ce cadre noir. Eh bien, en supprimant
cela
du cadre , vous pouvez laisser passer
plus de lumière dans
vos autres paramètres. Si vous vouliez faire une photo longue
exposition pendant la journée, vous vouliez garder votre obturateur ouvert pendant
environ 20 secondes. Si vous n'
avez pas de filtre ND, votre image serait
complètement surexposée et vous
obtiendrez simplement une photo blanche. Mais lorsque vous retirez la lumière qui pénètre dans
l'objectif de l'appareil photo, cela signifie
que vous pouvez
profiter de cette ouverture plus longue de l'obturateur et ainsi obtenir
une photo plus longue. Essentiellement, il s'agit simplement d'
éliminer
la lumière qui pénètre dans le capteur de la caméra afin
que vous puissiez
ouvrir l'obturateur pendant de
longues périodes. C'est juste contrôler la
lumière qui pénètre dans la caméra. La prochaine étape, nous avons
un filtre polarisant. Il s'agit du filtre numéro 2. Un filtre polarisant va
faire baisser un peu votre lumière, mais ce n'est pas
ce à quoi il est prévu. Un filtre polarisant
va augmenter la saturation de vos
verts et de vos bleus. Si vous faites face loin du soleil et que vous placez un
filtre polarisant sur l'objectif de votre appareil photo, si vous le retournez, vous remarquerez que le ciel
deviendra plus ou moins bleu. La même chose fonctionne également
pour l'herbe. Si vous filmez un
champ et que vous tournez cela, il deviendra plus ou moins
vert, plus saturé. Si vous orientez votre appareil photo vers le soleil et que vous faites
la même chose, malheureusement, vous ne
verrez pas beaucoup de différence. Ce n'est vraiment que lorsque vous êtes
face loin du soleil. Mais la beauté d'un filtre
polarisant est
qu' il peut réellement supprimer les reflets
de votre photo. Si vous prenez une
photo d'un bâtiment et qu'il y avait des reflets
du ciel sur le bâtiment, et que vous voulez les supprimer. Si vous utilisez un
filtre polarisant, vous l'
allumez, retournez-le allumez, retournez-le et vous remarquerez que ces
reflets disparaissent. C'est très pratique. Filtre numéro 3, nous avons
un tiffen black pro mist. C'est comme un filtre à
effets spéciaux. Maintenant, un brouillard pro est
essentiellement
cela pour épanouir les points forts. Si vous avez l'impression que
votre photo semble un peu nette
et un peu clinique, vous pouvez simplement placer un filtre
Tiffen Pro Mist sur votre objectif et cela
adoucira tout. Maintenant, c'est un quartier noir
pro miste. Vous pouvez en obtenir la moitié ou
vous pouvez obtenir un plein. Plus le nombre est élevé, plus
le look est intense. Si vous allez
jusqu'au complet, cela signifie que
cela
aura l'air très dramatique et très onirique. C'est un filtre très stylisé, mais il peut vraiment aider
à améliorer vos photos. Enfin, nous avons un autre filtre à effets
spéciaux. Celui-ci est le filtre CinePacks
Clear Streak. Si vous
regardez attentivement cet objectif, vous remarquerez qu'il y a des lignes au
milieu de l'objectif. Le but
est de changer certaines lumières et
de créer des
traînées lumineuses. Encore une fois, nous allons le placer
devant l'objectif. Comme vous pouvez le voir, en
regardant là-bas, vous obtenez ces belles
stries à travers l'objectif. Bien sûr, c'est très
stylisé et très particulier, mais c'est vraiment génial d'avoir cette option lorsque vous
prenez vos photos. Bien sûr, je
n'en ai pas ici, mais le dernier filtre est
probablement le plus basique, c'est le filtre UV,
le filtre ultraviolet. L'objectif principal
est d'empêcher les rayons UV d'endommager l'
objectif de votre appareil photo et le capteur de votre appareil photo. Mais la plupart des gens l'utilisent simplement comme moyen de protéger leur objectif. Vous vissez le filtre UV. C'est tout à fait clair. Cela n'affecte pas vos photos, mais il protège le capteur de
votre appareil photo, et les gens aiment l'utiliser pour protéger l'extrémité de leur objectif. Si vous grattez votre objectif, vous ne pouvez pas faire grand-chose à ce sujet. Mais si vous grattez
le filtre UV, il
vous suffit d'acheter un nouveau filtre
et votre objectif est toujours en sécurité. Vous disposez d'un filtre UV
qui protège votre objectif. Vous disposez d'un filtre à
densité neutre qui assombrit l'image. Vous disposez d'un
filtre polarisant qui élimine les reflets et
améliore la saturation. Ensuite, vous avez un filtre
pro mist qui épanouit vos points forts. Ensuite, vous disposez d'un filtre à effets
spéciaux comme ce filtre à rayures claires, qui
va simplement manipuler les lumières du cadre. Maintenant, il est vraiment
important d'acheter le filtre adapté à votre objectif. Si vous regardez votre objectif
à l'extrémité de l'objectif, il devrait y avoir un chiffre. Il faut dire 77, 72, 68, quelque part là. Assurez-vous d'acheter
le bon numéro. Parce que si vous achetez
un filtre 77 millimètres et que le
diamètre de votre objectif est 72, ne sera pas vissé. Il est très important de
trouver le diamètre de l'objectif, puis de le
faire correspondre au filtre. C'est vraiment important. Vous ne pouvez pas acheter de filtres
arrêtés, ce qui signifie que
vous pouvez convertir un filtre plus grand pour travailler
sur un objectif plus petit. Il s'agit d'un 77 millimètres et l'objectif que je suis actuellement allumé est 72,
donc je peux acheter un filtre
arrêté, pour que je puisse l'utiliser sur
cet objectif. Mais le problème, c'est que vous ne
pouvez pas aller dans l'autre sens. Si l'objectif est trop petit
pour l'objectif de votre appareil photo, vous ne pouvez malheureusement rien
y faire
. Là, les filtres
sont un excellent moyen de contrôler votre
image et de vous offrir plus de flexibilité et d'options
créatives lorsque vous prenez vos photos.
24. Photographie à longue exposition: La photographie à longue exposition est une
technique photographique utilisée pour créer de belles images. Mais qu'est-ce que c'est et
comment le faire ? Eh bien,
la photographie à exposition prolongée profite
essentiellement
d'un obturateur ouvert. Il va simplement flouter
tout le mouvement dans le cadre pour créer
une belle photo. Aujourd'hui, l'exemple typique d' une
photo à exposition plus longue est le trafic. Vous prenez une photo
de la circulation avec une vitesse d'obturation longue
et vous verrez tous
les feux arrière et
les phares estomper dans cette très
belle série de lumière. Il s'agit d'une
photographie à longue exposition au travail. Mais comment capturer
une photo longue exposition ? Eh bien, tout d'abord, vous
voulez obtenir votre appareil photo, assurer qu'il est en mode manuel, puis tirez votre
obturateur jusqu'à un plus grand nombre. Quelque part environ 10 secondes, 20 secondes ou 30 secondes. Ensuite, vous voulez placer votre
appareil photo sur un trépied. C'est vraiment important
que vous fassiez cela, car si vous
tenez la caméra, tous vos petits mouvements
seront intégrés dans les images et vous obtiendrez
un résultat désordonné. Vous voudrez placer votre
appareil photo sur un trépied
, réduire votre
vitesse d'obturation
jusqu' à une vitesse d'obturation longue, puis ajuster tous vos
autres paramètres en conséquence. Vous souhaitez maintenant
régler la minuterie de votre appareil photo pendant deux
secondes si possible. Cela signifie
qu'une fois que vous appuyez sur l'obturateur, il faut deux secondes avant
de commencer à prendre la photo. La raison pour laquelle je suggère cela est que l'action physique consistant appuyer sur le bouton de l'obturateur pourrait secouer la photo, ce qui ruinera vos résultats. Réglez un minuteur de deux secondes, puis laissez votre
appareil photo prendre sa photo. Maintenant, si vous prenez des photos
plus longues pendant la journée, vous devrez contrôler la quantité de lumière
qui pénètre dans le capteur. C'est pourquoi nous utiliserions nos filtres ND ou nos filtres à
densité neutre. Posez un filtre ND à l'
avant de votre objectif, puis réglez tous vos réglages pour obtenir la bonne exposition. Toutefois, si vous faites
une photo à longue exposition le soir quand il fait sombre
et que les lampadaires sont allumés, vous n'aurez pas besoin d'un filtre
ND à moins d'avoir une vitesse d'obturation très
longue. Mais par défaut, vous n'
aurez probablement pas besoin de votre filtre ND Vous pouvez
donc le retirer
si vous capturez
votre exposition plus longue à
l'extérieur la nuit, lorsqu'il fait
nuit. C'est essentiellement ça. Il suffit de vous
assurer d'avoir une vitesse d'obturation ouverte, que une vitesse d'obturation ouverte, votre appareil photo est sur un trépied et que vous disposez d'un filtre ND
si vous avez besoin de
contrôler la lumière. C'est votre photographie
d'exposition plus longue. Maintenant, il est très important
que lorsque vous prenez des photos à
longue exposition, vous ayez du mouvement dans le cadre. Il est inutile de prendre
une photo d'exposition plus longue d' une photo dans un musée d'art,
car malheureusement, rien ne change et
rien ne va se passer. Assurez-vous d'
avoir un mouvement dans le cadre pour voir cela. Si vous preniez une
photo d'une rivière, les ondulations dans l'
eau créeront une très belle photo lisse. Ou peut-être pourriez-vous
prendre des photos de voitures sur une route où la circulation
va vous donner un très
beau flou et vous verrez les lumières s'estomper
dans le cadre. Cependant, si vous êtes à un point de repère très fréquenté dans
un centre-ville animé, vous pouvez utiliser une
longue exposition pour vous débarrasser des gens, car
les gens vont se
déplacer si fréquemment. Si vous réglez votre
vitesse d'obturation sur 30 secondes, en 30 secondes, toutes les personnes
se seraient déplacées et auraient changé
de position. Tant que personne ne
traîne trop longtemps, ils devraient
disparaître complètement de la photo. Parce qu'ils sont ici
un seul et qu'ils
passent ensuite à travers le
cadre et disparaissent, il n'est pas assez long
pour qu'ils soient cuits dans l'image. Bien sûr, s'ils
restent là pendant 20 ou 30 secondes
et qu'ils ne bougent pas, ils seront
dans le cadre. Mais s'ils ne font que passer, ils ont juste une vitesse d'obturation
longue, ayant cet effet d'
exposition prolongée, cela
aidera vraiment à s'en débarrasser. Si vous voulez faire croire qu'il n'
y a personne à ce point de repère, si vous avez la vitesse d'
obturation la plus longue et que c'est un excellent moyen de vous
débarrasser de ces personnes, longue exposition est une technique
vraiment géniale qui tire pleinement parti de la vitesse
d'obturation de votre appareil photo pour créer de beaux résultats
époustouflants.
25. Photographie sportive: Quand il s'agit de prendre des
photos de sports ou d'action, vous devez vous
assurer de porter une attention particulière aux deux
réglages de votre appareil photo, à vitesse d'
obturation et à
vos modes de rafale. Tout d'abord, la vitesse d'obturation, nous savons ce que c'est. C'est pendant combien de temps cet
obturateur reste ouvert, et nous savons que plus
la vitesse d'obturation est élevée, plus l'
action sera nette. Si vous capturez des sports
ou quelque chose d'action, vous voulez
vous assurer d'avoir un obturateur haut, car si vous avez
un obturateur inférieur, vous verrez un
flou de mouvement dans le cadre, ce qui semble amateur. Vous voulez vous
assurer que vous êtes à une
vitesse d'obturation appropriée, donc 1/200,
1/400, 1/500, l'
une de ces
vitesses d'obturation les plus élevées devrait faire l'affaire. Si vous constatez un flou
dans vos images, vous souhaitez augmenter ce nombre
à un nombre encore plus élevé. Mais bien sûr, vous voulez
également vous assurer que vous prêtez attention
à vos modes de rafale. Vous ne voulez pas être
réglé sur une prise de vue unique, vous voulez être réglé sur
des prises de vue multiprises ou multiimages. Cela signifie essentiellement que
si vous êtes réglé sur prise de vue
unique lorsque
vous prenez une photo, il ne prendra qu'une seule photo. Mais si vous avez défini ce prise de vue multiple
ou en mode rafale, cela signifie que lorsque vous appuyez sur
l'obturateur vers le bas, si vous le maintenez enfoncé
et que vous ne le lâchez pas, cela signifie que l'appareil photo
prendra autant de photos par seconde, comme la
caméra est capable de le faire. Le nombre de photos qu'il peut prendre par seconde varie, mais il peut s' quatre à
15 photos par seconde. Si quelqu'un saute en l'air, si vous maintenez
simplement ce bouton enfoncé avec ce mode rafale activé,
cela signifie que vous obtiendrez
un certain nombre de photos par seconde, ce qui vous permet de voir chaque partie de cette action est capturée. Cela signifie que vous
n'essayez pas
d'obtenir une seule photo
des moments parfaits. Vous pouvez simplement maintenir le bouton de
l'obturateur enfoncé et il y a de fortes chances que vous obtiendriez la
photo que vous recherchez. Bien sûr, une fois que
vous avez la photo, vous pouvez vous débarrasser du reste de cette rafale dont vous
n'avez pas vraiment besoin. Le
réglage de vos appareils photo en mode rafale est un excellent moyen de vous
assurer de ne pas manquer la prise de vue que
vous recherchez. Si quelqu'un fait un back-flip, vous voulez ce moment parfait
quand il est en l'air. Si quelqu'un donne un
coup de pied sur un terrain de football, vous voulez que son pied touche
simplement la balle
et
où touche
simplement la balle le ballon
commence à voyager. le mode rafale est activé, il est très
possible de capturer.
26. Photographie de portraits: En ce qui concerne la photographie de
portrait, il y a quelques
éléments auxquels vous
souhaitez prêter attention. L'un concerne les réglages de l'appareil photo
et l'autre est votre éclairage. Passons donc dans les paramètres de
notre caméra. Votre vitesse d'obturation n'a pas
besoin d'être trop élevée, mais elle ne peut pas non plus être trop basse. Si la personne devant la caméra
fait
des poses
et des mouvements, vous devez vous
assurer que vous n'êtes pas trop bas au point
où elle pourrait s'estomper. En général, lorsque je fais de la photographie de
portrait, j'ai réglé ma
vitesse d'obturation autour de 1/100 ou 1/150 quelque part dans cette zone. Donc, s'ils bougent, il n'y aura pas de
flou de mouvement, mais je
laisse toujours suffisamment de lumière
dans le capteur de la caméra. L'ouverture peut alors être
ce qu'elle doit être. Cela n'a pas d'importance pour la photographie
de portrait. Il peut être ouvert ou fermé, haut ou bas, peu importe. Votre ISO peut également
s'adapter à l'endroit où elle doit aller. Mais en général, j'
essayais toujours de garder cela aussi bas que possible. Mais votre balance des blancs est ce qui va vraiment
être important ici. Vous voulez vous
assurer de définir votre balance des blancs sur la couleur
de la scène, car si vous réglez balance des blancs automatique ici, cela signifie que
vous modifiez toutes ces photos à partir
du au même endroit, ils auront tous des couleurs
légèrement différentes. Donc, si vous réglez la
balance des blancs sur un réglage spécifique, exemple la lumière du jour ou le
tungstène 55 ou 32, cela signifie
que toutes vos
photos auront le même aspect et la
même couleur s'y appliquera. C'est vraiment
important si vous vous trouvez dans un seul endroit et que vous prenez potentiellement des centaines
de photos d'une même personne sur
le même arrière-plan. Vous ne voulez pas avoir
à effectuer
ces ajustements précis
dans l'édition de chaque photo,
il suffit de régler votre balance des blancs avant de commencer à
prendre les photos. Ensuite, vous voulez faire
attention à l'éclairage car il est très important de façonner votre éclairage
ici. Donc, pour la photographie de portrait, je recommande normalement un éclairage à trois points ou
à deux points. Je
recommande vivement
d'avoir une
source de lumière plus douce plutôt qu' une source de lumière dure, car une source de lumière douce peut vous donner très beaux résultats
flatteurs. Bien sûr aussi, en tant
que photographe, c'est à vous de faire en sorte que
la personne devant
l'appareil photo se sente aussi confortable que possible. Vous devez donc avoir un
dialogue ouvert avec eux et les mettre à l'aise
avec le processus. Il convient également de noter que
vous devrez peut-être les
ajuster , les déplacer
et les placer dans des positions
différentes. Assurez-vous simplement qu'il existe une ligne de communication
ouverte entre vous en tant que photographe
et le modèle à l'écran. Il est vraiment important ici de ne pas avoir peur de dire
à quelqu'un d'essayer une autre pose ou de bouger la tête
d'une certaine manière. Il est vraiment important que
vous obteniez la bonne photo plutôt que de regarder en arrière et qu'
elle n'ait pas l'air bien. N'ayez donc pas peur de bouger
quelqu'un, de modifier quelque chose ou de lui demander de faire quelque chose légèrement différemment ou d'
essayer une autre pose. Le but de la photographie de
portrait est d'essayer différents looks, différents styles,
différentes poses, jusqu'à ce que vous trouviez les
bonnes photos. Alors, entrez un dialogue ouvert entre vous et la
personne dont vous prenez les photos pour vous
assurer d' obtenir
les meilleurs résultats. C'est vraiment une
collaboration ici, il
faut leur faire confiance, ils doivent vous faire confiance. Il est donc très important
que vous les écoutiez et vous trouviez ce dont vous avez besoin pour
obtenir les meilleures photos. La photographie de portrait peut
être très amusante, surtout si vous avez quelqu'un avec qui il est
génial de travailler. Tu mets juste de
la bonne musique et tu pars. C'est un processus vraiment amusant. Juste un rappel,
assurez-vous simplement de définir votre
balance des blancs à l'avance. Utilisez un éclairage complémentaire, donc trois points ou deux points, puis assurez-vous d'
avoir une conversation ouverte avec la personne dont vous
prenez des photos.
27. Montage dans Adobe Lightroom - Partie 1/2: Une fois que vous avez pris
toutes vos photos, vous devez maintenant les
importer dans Adobe Lightroom. Laissez-moi vous guider dans
ce processus maintenant. Comme vous pouvez le constater, nous sommes
à l'intérieur d'Adobe Lightroom
et, pour
importer votre photo, il
vous suffit d'
entrer dans le coin inférieur gauche et de cliquer sur
le bouton Importer. Ensuite, vous voulez simplement
naviguer sur votre disque dur, votre dossier, quoi que vous ayez,
vous souhaitez
naviguer jusqu'à l'endroit où se trouvent
ces photos. Comme vous le verrez,
toutes vos photos seront chargées. Maintenant, comme vous pouvez le voir, le
mien dit .CR2 et c'est parce
que j'édite des fichiers
bruts dans cet exemple. Maintenant, comme vous pouvez le constater, certaines de ces photos commencent
à se griser et c'est
parce que je les ai
précédemment importées et exportées depuis
Adobe Lightroom. Si vous ne l'avez pas encore fait auparavant, si c'est la première
fois que vous importez certaines photos dans Lightroom, elles
apparaîtront toutes en couleur. Vous pouvez simplement les
importer tous ou sélectionner
tout décocher et ensuite cocher ceux que
vous souhaitez importer. Je vais simplement
importer celui-ci,
donc je vais le sélectionner, et j'appuierai sur « Importer » en bas à droite. Cela prendrait juste une seconde
pour les importer. Maintenant, comme vous pouvez le voir, si je
double-clique sur cette photo, elle tourne mal. Je peux soit le faire pivoter ici
comme ça, soit alternativement, je peux revenir dans la vue principale et je peux
simplement la faire pivoter comme ça. C'est généralement ce que
je cherche, car cela signifie que vous pouvez mettre en évidence
des photos spécifiques. Je vais donc sélectionner le
premier, maintenir la touche Maj enfoncée, sélectionner le second et simplement les
faire pivoter en même temps. Si vous avez 300, 400 ou 500 photos, il
vous suffit de commander
A ou de Contrôler A pour toutes les
sélectionner, puis les
faire pivoter de la bonne manière. Il suffit de
les faire pivoter en une seule fois. Pour le moment, nous sommes
dans l'onglet Bibliothèque, mais nous ne pouvons pas
modifier ici. Nous devons
double-cliquer sur la photo et accéder à Développer
en haut à droite. Cela va charger l'onglet
Développer ou modifier. Comme vous pouvez le constater, nous sommes
à l'intérieur de l'onglet Développement et à droite, nous avons toutes ces différentes sélections. Sur la gauche,
vous pouvez voir aussi que nous avons tous ces préréglages. Vous pouvez ajouter un préréglage si vous
le souhaitez. Ils sont maintenant préinstallés sur Adobe Lightroom ou vous pouvez
installer vos propres préréglages. Vous pouvez en sélectionner un
qui vous convient. J'aime beaucoup le look
de ce CN18, qui a l'air vraiment joli. Mais je ne vais pas
ajouter de préréglage. Au lieu de cela, je vais aller
à droite vers ces dossiers. Je vais juste les
parcourir un par un et vous expliquer ce qu'ils font et ce que je
ferais en cours de route. Dans le dossier de base, nous avons notre
température et notre teinte de base, donc c'est la balance des blancs. Si vous vouliez réchauffer cela, poussez-le vers les chiffres les
plus élevés. Si vous voulez le refroidir, poussez-le vers
les chiffres inférieurs. Je vais juste réchauffer
un peu ça . Ensuite,
vous avez la teinte. Si votre appareil photo prend plus de
vert ou de violet, vous pouvez le modifier dans l'autre
sens pour corriger cela. Canon est un peu du
côté vert, donc je vais pousser
ça vers les violets juste pour équilibrer un peu
ça. Ensuite, vous avez votre exposition, c'
est-à-dire votre luminosité. Je vais juste remonter un peu
ça. Maintenant, vous avez le contraste. Comme vous pouvez le voir si
je remonte
ça, ça va juste
rendre ces sombres plus intenses et la
partie la plus brillante sera plus intense. Je vais juste ajouter un
peu de contraste. Ensuite, vous pouvez voir que ce ciel est complètement soufflé,
il est surexposé. Nous pouvons accéder au
curseur de surbrillance et nous pouvons l'extraire pour restaurer
ces points forts. Maintenant, si vous aviez une image JPEG, cela ne serait pas possible. Cela n'est possible qu'en raison
du format brut que je modifie. Ensuite, vous avez vos ombres.
C'est la partie la plus sombre, donc je peux tirer les ombres
vers le haut pour les faire ressortir aussi. Mais comme vous pouvez le constater, si
je remonte trop haut, nous exposons tout
ce bruit et ce grain, donc je ne le retire qu'
une certaine quantité. Ensuite, nous avons les blancs. C'est assez explicite. Vous pouvez voir les parties blanches de l'image ou les nuages
dans cet exemple, alors je les tire vers le bas, tire la luminosité
de ceux-ci vers le bas. Il expose tout
cela beaucoup plus gentil. Ensuite, vous avez les noirs et vous pouvez les rendre plus intenses ou moins intenses. En général, une fois que j'aurai
équilibré tout cela, je reviendrai
au contraste et j' ajouterai une touche
plus contrastée. Je pense que c'est
vraiment beau. Si vous vouliez comparer cela à l'original, alors vous pouvez descendre en bas
à gauche ici et vous pouvez appuyer sur YY. Dites que c'est à gauche que c'est l' avant et à
droite, c'est l'après. Vous voyez déjà que nous avons
apporté de beaux changements. Ensuite, ici,
nous avons de la présence, afin que vous puissiez ajouter des textures, ce qui, si nous zoomons, vous pouvez voir que cela va simplement
intensifier ce détail. Mais personnellement, je trouve
qu'il y a un peu beaucoup, donc je vais juste
rester assez bas. La clarté fait la même chose. Cela ne fait qu'intensifier
ces détails. Ensuite, le curseur Dehaze est
parfait si vous prenez des photos et qu'il était un peu smoggy ou un peu flou. Vous pouvez simplement faire glisser
le curseur
Dehaze restaurer une partie de ce détail. Ensuite, vous obtenez de la vibrance
et de la saturation, ce qui n'est que l'
intensité de la couleur. En général, j'aime garder la vibrance
supérieure à la saturation. J'ai
la saturation autour de plus cinq et la vibrance peut
atteindre environ 30. Bien sûr, cela
changera en fonction votre photo et de
votre style. Si vous vouliez aller
en noir et blanc, vous pouvez simplement tirer ce curseur de
saturation jusqu'au bas ou vous pouvez le
tirer jusqu'au haut, mais cela semble un peu intense. Personnellement, pour mon style, j'aime le garder
quelque part. Ensuite, la courbe
tonale suivante est votre courbe tonale et si vous connaissez les courbes dans Adobe
Premiere ou After Effects, cela fonctionne exactement de la même manière. Si ce n'est pas le cas, je vais vous guider. Vous avez votre RGB1, qui est votre blanc,
donc il s'agit de vos canaux rouge, vert et bleu. Si nous devions tirer le haut à
droite vers la gauche, vous verriez qu'il
augmentera la luminosité des
parties lumineuses, les reflets. Ensuite, si je tire le
bas vers le haut vers
le haut, cela augmentera la luminosité dans
les ombres ou les zones sombres, puis le
milieu sera vos points médians. Si vous voulez rendre
une zone plus lumineuse, vous la poussez en haut à gauche et si vous voulez la
rendre plus sombre, vous
la tirez en bas à droite. Parce que nous avons le RVB, nous pouvons aller dans les canaux
individuels et
réduire ou augmenter la luminosité de chaque
canal de couleur. Vous pouvez être très précis avec votre correction des couleurs et
votre classement des couleurs ici. En général,
je saute cette partie. J'ai l'impression de faire beaucoup plus
de poids lourd dans le HSL et que
la couleur glisse vers le haut plutôt que dans les courbes de tonalité. Dans HSL secondaire, vous avez saturation et une luminance de
teinte. Comme vous pouvez le constater, je peux sélectionner des
couleurs spécifiques ici. Je vais commencer par la teinte, qui est votre couleur,
et nous visons le bleu. Nous avons le ciel bleu ici. Si je fais glisser le
curseur bleu vers la gauche, il va changer la
couleur car la teinte est la couleur. Ensuite, si vous passez à la saturation et que nous ciblons à nouveau ce bleu, vous pouvez voir qu'il va
augmenter ou diminuer la saturation sur le canal
bleu uniquement. Comme vous pouvez le constater, j'augmente la saturation sur les bleus, mais le reste de l'
image reste place, elle ne change pas. Ensuite, votre luminance
est essentiellement la luminosité de
ce canal de couleur, donc je peux
abaisser la luminance pour faire éclater ce ciel ou je peux le tirer vers le haut pour lui donner l'
impression qu'il est correctement exposé. Mais personnellement, j'ai l'impression que c'est un peu ennuyeux de
passer par ces différents onglets, alors je passe à l'onglet de couleurs. Vous pouvez sélectionner votre couleur
et vous avez une teinte, saturation et une luminance
dans cette même fenêtre. Concentrez-vous sur ce bâtiment, il est de couleur jaune orangé. Je veux le faire
baisser un peu. Je peux aller sur le curseur de teinte et je peux juste tirer ça. Faisons en sorte que cela devienne
plus orange et je vais juste baisser
un peu
la saturation pour qu'elle
ne soit pas aussi intense. Ensuite, nous allons passer au
bleu et nous allons simplement rendre le bleu un peu
plus aqua-bleu comme celui-ci. On y va. J'ai
l'impression que ça commence vraiment à se réunir. Ensuite, l'étalonnage des couleurs, il s'agit de vos tons clairs, de tons moyens et d'ombres. Voyez vos points forts
en bas à droite, ombres en bas à gauche et les
tons moyens en haut. Vous séparez toutes les
parties lumineuses,
les parties sombres et les
parties entre les deux. Vous pouvez modifier la
couleur de ces zones. Un point culminant
serait le ciel ici. Si j'ai changé les
reflets vers le rouge, vous pouvez voir que les parties les plus lumineuses
de l'image deviendront rouges. Mais si je pousse les ombres
vers le bleu ici, vous pouvez voir que ça devient bleu, mais le ciel est rouge. Vous pouvez donc obtenir une notation des couleurs vraiment intéressante et
créative ici à l'aide de cet onglet. Encore une fois, j'évite généralement
cela ou si je l'utilise, je ne l'utilise qu'un peu juste pour pencher une couleur
d'une manière spécifique. Ensuite, nous avons
des détails et voici notre affûtage
numérique
et notre réduction du bruit. Si je zoome
jusqu'au détail, gardez une attention particulière
aux détails de cette image. Si je descends la quantité d'
affûtage à zéro, vous pouvez voir qu'elle a l'air
un peu douce. Mais si je tire ça
jusqu'à 100, c'est beaucoup plus net. Le problème est que lorsque vous ajoutez trop de netteté numérique, cela peut commencer à paraître
un peu anormal, surtout si vous tirez le
rayon et les détails vers le haut. Vous pouvez voir que ça commence
vraiment à ne pas
paraître génial du tout. Maintenant, en raison de la
compression du
téléchargement de ce fichier
sur Skillshare, il se peut que
vous ne puissiez pas le
voir correctement. Lorsque vous êtes dans Lightroom, tirez votre
curseur d'affûtage jusqu'au haut et voyez à quel point cela peut être
intense. En général, j'aime garder
les montants à environ 20, puis je retire le rayon et
les détails jusqu'au bas. Cela semble beaucoup plus naturel. Ensuite, vous obtenez votre réduction
du bruit. Si nous passons à une
partie terne de l'image, et si je ne fais que remonter l'
exposition, vous pouvez voir que c'est
tout le bruit. Mais si nous passons
à la réduction du bruit, vous pouvez voir que je peux
remonter la luminance et cela va commencer
à manger à ce bruit. Je peux également ajuster les détails et les curseurs de contraste, puis
je peux aussi entrer dans la couleur, détails
et la douceur, ce qui va vraiment
lisser cela. Le problème, c'est que si vous êtes trop intense là-dessus, cela commence vraiment
à adoucir l'image. Comme vous pouvez le voir si je
ramène l'exposition à l'endroit où elle était, vous pouvez voir que l'image
est très douce. Si vous appliquez une réduction
du bruit, je garderais généralement
cela assez subtil pour garder les chiffres petits si possible. Mais je n'ai pas besoin de réduction
du bruit là-dedans, alors je vais juste tirer le
mien jusqu'au bas, et ensuite je vais juste ajuster
l'exposition à nouveau. Je vais juste
remonter cette exposition là où elle était. Ensuite, en dessous des détails, nous
avons des corrections d'objectif ce
qui corrige essentiellement toute distorsion de votre objectif. Donc, si vous aviez un objectif grand angle, un objectif fisheye ou si vous aviez un téléobjectif
qui se déforme,
vous pouvez déformer l'objectif pour qu' il
aille là où vous voulez qu'il aille. Par exemple, si vous aviez un angle
vraiment grand comme celui-ci et que vous pouvez voir que votre horizon commence à
se plier, vous pouvez simplement tirer ce curseur vers l'
arrière pour vous
retrouver avec une belle
ligne droite comme celle-ci. Ce serait avant et
ce serait après. Bien sûr, vous pouvez également le tirer
dans l'autre sens, mais cela
ne fait que compenser la distorsion de l'objectif
que
vous obtiendrez sur vos objectifs. Il s'agit principalement de vos objectifs grands angles ou de
type fisheye. Ensuite, vous pouvez bien sûr
ajouter un peu de défringage, qui n'est essentiellement que
toutes les petites imperfections que l'objectif aurait pu
créer à la couleur. En dessous de cela,
nous avons transformé. Dans Transform, vous pouvez
voir que nous pouvons ajuster le curseur vertical
pour ajouter une certaine rotation. Nous pouvons faire le
curseur horizontal pour ajouter une rotation ou une inclinaison
à l'axe horizontal, puis ajouter une rotation. Nous pouvons modifier le rapport d'
aspect, nous pouvons augmenter l'échelle, nous pouvons décaler le x et le y. Mais cette image n'a pas besoin de
tout cela, donc je vais simplement
annuler tous ces ajustements
et ça a l'air génial. Ensuite, nous
avons les effets vous avez votre vignette
et vous avez votre grain. Si nous tirons la quantité sur
les vignettes jusqu'à gauche, vous pouvez voir que nous obtenons cette vignette noire vraiment
intense. Mais si nous allons
jusqu'à droite,
nous obtenons la même intensité,
mais avec le blanc. Je vais juste tirer
ça vers le noir et vous pouvez voir si nous
ajustons les points médians, ça va changer l'
endroit où se trouve cette vignette. Vous pouvez en avoir un très
beau subtil dans les coins ou vous pouvez le
rendre très intense. Ensuite, nous pouvons changer la rondeur afin de
pouvoir l'avoir davantage cercle ou nous pouvons l'
avoir plus comme une belle bordure. Ensuite, nous avons notre
plume, qui n'
est que la douceur. Donc, zéro va
être assez intense, 100 va être très doux. Ensuite, nous avons nos points forts
et, comme vous pouvez le constater, il va juste s'effacer des coins sur ces points forts. Mais je ne suis pas un grand fan d'avoir une vignette, donc
je vais juste garder ça à zéro et nous allons
passer au grain. Maintenant, le grain va
ajouter du grain plutôt que de le
retirer. Même si vous n'avez pas de
grain dans l'image, si
vous le souhaitez, vous pouvez tirer votre
curseur de grain jusqu'au haut
afin d'ajouter un faux
grain à l'image. Vous pouvez également modifier la taille
et la rugosité de celui-ci si vous souhaitez ajuster
l'aspect de celui-ci. Bien sûr, vous n'
avez pas à ajouter
cela, c'est complètement stylistique et c'est votre choix en tant que créatif. Mais en général, j'aime garder mes images aussi propres que possible, donc je garde ça à zéro. Le dernier réglage que nous
avons ici est l'étalonnage. Il s'agit simplement d'ajuster
les ombres, la primaire rouge,
la primaire verte et la primaire bleue. Ce n'est qu'une autre façon modifier la couleur. Ainsi, si une couleur est
légèrement dénuée, vous pouvez simplement tirer la
teinte ou la saturation d' un canal de couleur spécifique pour effectuer ces ajustements
affinés. Mais en général, c'est
un onglet que je saute toujours.
28. Montage dans Adobe Lightroom - Partie 2/2: Ensuite, si nous allons jusqu'
ici tout en haut, vous pouvez voir que vous
avez cette icône de recadrage, afin que nous puissions réellement recadrer cela. Vous pouvez effectuer ces
ajustements
, puis vous pouvez voir que
vous avez votre angle ici pour pouvoir modifier
l'angle de votre photo. Ensuite, vous pouvez
entrer dans le rapport hauteur/largeur et
régler le rapport hauteur/largeur, sorte que vous pouvez
opter pour un format personnalisé, un par un, qui est carré quatre par cinq, ou
vous pouvez le
modifier en un spécifique
rapport d'aspect là. Mais une fois que vous êtes satisfait de
cela, vous pouvez simplement le fermer et
cela fera
ces ajustements. Ensuite, nous avons ce petit plâtre ou
cette icône de pansement, et c'est juste pour
corriger toutes les imperfections. Si vous tentiez d'enlever une tache du
visage de quelqu'un, vous pourriez utiliser cela. Il suffit de zoomer sur l'image. Disons que nous allons juste
dessiner ici. C'est ce que nous voulons supprimer. Maintenant, si je déplace ce
cercle vers la gauche, vous pouvez voir que je
copie ce qui se gauche et
que je l'ajoute à droite. Maintenant, je peux ajuster
la taille de celle-ci, je peux ajuster la plume, je peux ajuster l'opacité. Mais une fois
que je suis satisfait de cela, je peux le
fermer et cela devrait
m'en débarrasser. Cependant, j'aurais besoin de faire
plus de travail, juste pour mélanger cela et
rendre cela beaucoup plus agréable. Ensuite, nous avons l'œil rouge
ou le correcteur pour les yeux. Si vous avez un œil rouge sur l'une de vos photos suite à l'utilisation du flash, vous pouvez simplement utiliser cette option. Il vous suffit de
sélectionner l'œil rouge, dessiner le cercle autour et
cela corrigerait cela pour vous. Ils peuvent simplement ajuster
la taille de la pupille, le curseur sombre et
effectuer ces ajustements. Ensuite, la prochaine option en face est
ce cercle. Comme vous pouvez le constater, il
s'agit d'une façon d'ajouter des
masques à votre image. Vous pouvez sélectionner un sujet qui va
trouver quelqu'un dans le cadre et il va simplement
dessiner un masque autour d'eux. Maintenant, comme vous pouvez le voir, il vient de
dire « détection de sujet », mais comme il n'y
a pas de sujet dans le cadre, vous ne les trouverez probablement pas. Au lieu de le faire, nous pouvons descendre pour sélectionner le ciel. Comme vous pouvez le constater, Adobe Lightroom va
déterminer où se trouve le ciel. Comme vous pouvez le voir, on a compris
que c'est le ciel. Vous pouvez ensuite effectuer des ajustements
sur ce masque spécifique, afin de modifier la
teinte, la température,
l'exposition, le contraste, les reflets, texture, et vous
pouvez ajuster tous ces autres paramètres dans
ce type spécifique. zone uniquement. Ensuite, vous pouvez voir que
vous avez l'outil pinceau. Plutôt que de faire confiance
à l'IA pour déterminer ce qui
doit être ajusté, vous pouvez en fait entrer
et simplement peindre ce que vous estimez devoir
être ajusté, et bien sûr, vous pouvez modifier la taille
du brossez en descendant jusqu'ici et vous pouvez
ajuster la plume, le débit et la densité. Ensuite, une fois
cela fait, vous avez sélectionné zone que vous
souhaitez ajuster, vous n'avez qu'à entrer en
vigueur et vous pouvez modifier à nouveau tous ces
paramètres. C'est terrible, alors
revenons à cette zone, vous pouvez voir ensuite que nous avons
un dégradé linéaire. Si nous le sélectionnons,
nous la sélectionnons et la maintenons
en haut, puis faites glisser la souris vers le bas. Vous pouvez voir, vous pouvez avoir
ce joli dégradé linéaire descend. Nous pouvons retourner dans nos
curseurs. Nous pouvons ajuster la
température, les teintes, l'exposition, les points forts. Comme vous pouvez le constater, elle ne l'
affecte que sur la partie supérieure de l'image, puis
elle
se dessine au fur et à mesure que l'image
progresse vers le bas. Si vous aviez un ciel très
lumineux et que vous ne
pouviez pas le tirer vers le bas
avec votre onglet Exposition, vous pouvez simplement ajouter cet
effet de dégradé linéaire en haut de l'image pour faire baisser le intensité de
ces points forts. Ensuite, bien sûr, nous
avons des dégradés radiaux. Vous pouvez simplement dessiner un
masque dans le capteur. Si nous sélectionnons des dégradés radiaux
et dessinons un cercle ici, vous pouvez voir que cela n'affectera que ce qui
se trouve dans ce cercle et nous pouvons déplacer le cercle
où nous le voulons. Encore une fois, exposition, teinte ,
température, nous pouvons faire tous
ces réglages ici. Mais ce sera
juste ce cercle. Vous pouvez sélectionner une couleur spécifique. J'ai chargé l'
outil pipette. Je vais sélectionner ce
bleu dans le ciel. Comme vous pouvez le voir, il va
comprendre ce qui est bleu dans le cadre et
c'est là que nous pouvons entrer et nous pouvons changer la
température du bleu, nous pouvons ajuster
les teintes du flou, nous pouvons y entrer et ajustez l'exposition, le
contraste et les hautes lumières. Cela n'affectera
que ce canal bleu. J'ai l'impression que cela
a vraiment fait du bon travail. Nous fermons cela,
puis nous passons à notre dernière option de masquage. Parce que j'ai appliqué ce
masque, comme vous pouvez le voir, je ne peux pas ajouter un autre
masque ici. Je dois passer à
cette option ici et sélectionner, Créer un nouveau masque. Maintenant, nous allons simplement faire le dernier qui est une plage de luminance. C'est juste, encore une fois, que nous allons acheter l'outil
pipette. Nous allons sélectionner une
couleur et il suffit déterminer quelle est cette
intention en termes de luminosité. Vous pouvez régler la luminance. Comme vous pouvez le constater, tout le
rouge va être ajusté. Si je fais passer ça, vous pouvez voir que j'
isole les bâtiments et que je quitte
le ciel tout seul. Vous pouvez voir, encore une fois,
si je baisse l'exposition, cela va faire
ces ajustements. Mais je n'en suis pas un
grand fan, donc je vais simplement
supprimer ça. Maintenant, si je voulais copier cette notation de couleur et la placer
sur mon autre image, il y a deux façons de le faire. Je pourrais soit aller en
bas à gauche et donc copions. Je peux tout vérifier si je
voulais tout vérifier, ou je pourrais désactiver le recadrage si l'autre image est encadrée
légèrement différemment. Je vais sélectionner Copier, revenir à cette vue sur la bibliothèque et je vais simplement aller
sur cette image,
aller dans Développer et je
sélectionnerai simplement Coller. Comme vous pouvez le constater, cette couleur
a maintenant été ajoutée dans. Bien sûr, si je le voulais
, je pourrais juste faire quelques ajustements
pour que cette couleur fonctionne parfaitement
avec cette image. Il faisait un peu sombre avant, donc le simple fait de tirer ça
rend ça un peu plus agréable. C'était l'avant
et c'est l'après. Tout ce que j'ai eu à faire
était de régler
l'une des photos et elle
est ajustée à l'autre. Bien sûr, si vous
ne vouliez pas le faire de cette façon, supposons
peut-être que vous
avez 100 images, tout ce que vous auriez à faire est de revenir à cette vue. Disons qu'il y a
100 images ici. Il vous suffit de
les mettre en surbrillance et de vous assurer que
les réglages exécutent le premier. Vous allez ensuite en bas à
droite, synchronisez les paramètres, synchronisez, et cela prendra
tous ces paramètres de la première image et les
collera sur les autres images. Encore une fois, nous pouvons accéder à
cette deuxième image et nous
pouvons simplement ajuster l'exposition et
notre image est maintenant parfaite dans Lightroom. C'est tout pour l'
étalonnage des couleurs et la correction dans Lightroom, mais
comment l'exporter ? Eh bien, vous pouvez sélectionner une seule image ou
sélectionner plusieurs images. Ensuite, nous allons en bas à
gauche et appuyez sur Exporter. Ensuite, vous pouvez voir que vous avez
exporté vers un dossier spécifique, afin que nous puissions choisir où
cela va aller. Je vais juste mettre ça dans mon dossier de cours de photographie. Ensuite, nous allons simplement faire
défiler vers le bas et vous pouvez renommer les fichiers, vous pouvez renommer ces fichiers
en quelque chose de spécifique. Les textes personnalisés peuvent être Photography Course,
comme vous pouvez le voir, il
s'agit d'un exemple
Photography Course.JPEG, et vous pouvez avoir une extension minuscule
ou majuscule, mais je vais juste
garder cela comme minuscules. Ensuite, en faisant défiler vers le bas,
vous avez le format de votre fichier. Je vais exporter
cela en JPEG, je m'assure que la qualité
est jusqu'à 100. Si je descends
ça à 10, la taille de l'image sera vraiment
petite, mais la qualité ne
sera pas là. Je l'ai fait jusqu'à 100 et ça va être de
très haute qualité. Alors tout le reste
ici va très bien. Si vous vouliez ajouter des filigranes et que
vous pouvez le
faire en ajoutant vos filigranes. Mais je ne vais pas m'en
préoccuper pour l'instant. Nous allons simplement appuyer sur Export. Comme vous pouvez le constater, le
cours de photographie A a été chargé, ces deux images ont maintenant été exportées depuis Adobe Lightroom. Si nous obtenons simplement les informations à ce sujet, parce que la qualité était sur 100, vous pouvez voir que cette image
est de 25,8 mégaoctets, donc elle est vraiment de haute qualité, mais c'est une taille de fichier volumineuse. Si vous vouliez une taille de fichier
plus petite, exportez simplement vers une
qualité de 60, 70, 80. Mais voilà,
c'est ainsi que vous allez importer vos photos dans
Adobe Lightroom et les
modifier en utilisant tous
les différents paramètres disponibles dans Adobe Lightroom.
29. Pour conclure: là que tu y vas. C'est tout pour
ce cours de photographie. En ce moment, vous devriez vous sentir à l'
aise pour utiliser
et capturer photos sur votre appareil photo reflex
numérique ou votre appareil photo sans miroir. Le défi que je vous pose maintenant est d'
utiliser toutes ces
techniques que vous avez apprises dans ce cours et
de prendre trois photos. Ceux-ci peuvent être tout ce que vous voulez, peuvent être une longue exposition, ils peuvent être des
portraits,
des photographies nocturnes, des photographies
sportives, peu importe ce que c'est, prenez juste
trois photos que vous êtes je suis fier de les télécharger dans la section
des projets des étudiants, et je commenterai mes réflexions
et mes opinions sur votre travail. Bien sûr, si vous
souhaitez en savoir plus sur le cinéma
et la photographie, n'hésitez pas à
consulter l'un des cours sur mon profil. Mais merci beaucoup d'
avoir regardé ce cours. J'apprécie vraiment votre
soutien et j'espère que je vous verrai sur le prochain
cours. On se voit là-bas.