Guide de la photographie pour les débutants (photographie DSLR et mirrorless) | Chris Brooker | Skillshare
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Guide de la photographie pour les débutants (photographie DSLR et mirrorless)

teacher avatar Chris Brooker, Filmmaker & YouTuber

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Introduction

      0:48

    • 2.

      Mode automatique vs manuel

      2:11

    • 3.

      Ouverture

      3:22

    • 4.

      Vitesse d'obturation

      3:55

    • 5.

      L'ISO

      1:36

    • 6.

      La balance des blancs

      4:13

    • 7.

      RAW vs JPEG

      3:23

    • 8.

      Règle des tiers

      1:54

    • 9.

      Symétrie

      0:58

    • 10.

      Lignes principales

      0:58

    • 11.

      La perspective

      1:14

    • 12.

      Profondeur

      1:06

    • 13.

      Cadre dans un cadre

      0:50

    • 14.

      Espace négatif

      1:36

    • 15.

      Lumière naturelle

      4:58

    • 16.

      Éclairage à trois points

      1:47

    • 17.

      Éclairage à deux points

      0:49

    • 18.

      Éclairage dur

      1:50

    • 19.

      Éclairage RGB (couleur)

      2:03

    • 20.

      Photographie avec flash

      5:19

    • 21.

      Distance focale

      2:58

    • 22.

      Objectifs Prime vs Zoom

      2:23

    • 23.

      Filtres

      5:59

    • 24.

      Photographie à longue exposition

      3:55

    • 25.

      Photographie sportive

      2:11

    • 26.

      Photographie de portraits

      3:25

    • 27.

      Montage dans Adobe Lightroom - Partie 1/2

      13:26

    • 28.

      Montage dans Adobe Lightroom - Partie 2/2

      8:09

    • 29.

      Pour conclure

      0:49

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

1 040

apprenants

14

projets

À propos de ce cours

Si vous êtes nouveau dans le monde de la photographie, il peut sentir un peu étonnant lorsque vous ouvrez votre caméra et voyez 1/100, F4, ISO1000, 3200K, RAW et même plus dérangeant. Eh bien, dans ce cours, je vais vous conduire à travers tous les paramètres importants de votre caméra. Cela vous permettra de prendre votre caméra en mode automatique et de la mettre en mode manuel, vous permettant de profiter pleinement de la caméra et de la capteur.

Il ne prend pas là Lorsque je crée ce cours, je suis là pour vous sentir suffisamment à l'aise pour prendre des photos dans tout environnement. Nous allons donc passer à la composition et à jump éclairage, objectifs et filtres, puis vous dirigons à travers quelques types différents de photographies et ce que vous devez regarder (portrait, longue jump sports/action, etc.) avant de commencer avec un tutoriel de montage photo dans Adobe Lightroom Classic.

Si vous êtes nouveau à DSLR et / ou non, ce cours est destiné à vous. Ce cours est conçu avec les débutants et je fais donc savoir chaque terme et plus important qu'à quelle date et pourquoi vous pourriez utiliser certains paramètres et techniques. Si vous ne devez pas accéder à une caméra DSLR ou sans miroir, cela va mieux ! Vous pouvez utiliser la composition et la photographie de votre téléphone, l'éclairage et les objectifs de caste et le montage pour améliorer votre photographie téléphonique.

Alors, prenez votre caméra et commençons à prendre des photos étonnantes !

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Teacher Profile Image

Chris Brooker

Filmmaker & YouTuber

Enseignant·e

I'm a filmmaker and photographer from England. I graduated from London South Bank University with a first-class honors degree in 2015 and have since created hundreds of music videos, corporate films, and commercials with many established companies, record labels, and artists.

In 2018, I turned the camera on myself and launched the Brooker Films YouTube channel. With 1,000 uploads and 135,000 subscribers, I focus on sharing educational content to help others create compelling video content. I wanted to take that a step further though, so here we are.

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Level: Beginner

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Transcription

1. Introduction: Bonjour, je m'appelle Chris et je suis cinéaste et photographe anglais à plein temps. Dans ce cours, je parle de photographie. Si vous débutez dans la photographie ou si vous souhaitez lancer dans la photographie un peu plus sérieusement , ce cours est fait pour vous. Dans ce cours, nous allons couvrir tout ce que vous devez savoir, de la mise en route aux réglages de l' appareil photo, mise en route aux réglages de l' en passant par la composition et le cadrage. Nous allons parler d'éclairage. Nous parlerons des objectifs et différents types de lentilles que vous pouvez obtenir. Ensuite, nous allons parler des différents types de photographie, de longue exposition, de portrait, faible luminosité, de sport et d'action. Je terminerai ensuite avec un petit tutoriel de montage et je vous montrerai comment modifier mes photos dans Adobe Lightroom. Prenez votre appareil photo reflex numérique ou votre appareil photo sans miroir, et commençons à apprendre à prendre photos incroyables. Allons-y. 2. Mode automatique vs manuel: Lorsque vous obtenez votre premier appareil photo reflex numérique ou votre premier appareil photo sans miroir, il est très facile de mettre l' appareil photo en mode automatique, prendre une photo et il aura l'air plutôt correct. Mais le problème, c'est que lorsque vous faites confiance mode automatique de votre appareil photo, vous êtes sûr que les réglages seront corrects à chaque fois. Malheureusement, ce n'est pas le cas. Parfois, cela peut gâcher et s' il s'agit d'une photo vraiment importante, alors peut-être que vous êtes photographe de mariage et que vous avez besoin de cette photo parfaite. Eh bien, si vous faites confiance à ces paramètres automatiques, vous ne pouvez pas garantir que cela va être correct. Il y a des chances que cela puisse le faire, mais vous ne pouvez pas le garantir. C'est pourquoi nous devons tirer pleinement parti de notre capteur de caméra et de ce que notre caméra est capable de faire passer notre caméra en mode manuel. Tout d'abord, qu' est-ce que le mode manuel ? Eh bien, le mode manuel va fondamentalement vous permettre de contrôler tous vos paramètres indépendamment les uns des autres. Si vous réglez un mode automatique sur votre appareil photo, et que vous le faites généralement en tournant la molette située en haut de la caméra sur A. Nous pouvons avoir différents modes tels que P, TV, AV, B, puis quelques autres modes différents. paramètres. Mais si vous le réglez en mode automatique, votre caméra analysera la scène et déterminera quels paramètres vous devriez probablement utiliser dans cet environnement. Mais lorsque vous passez en mode M ou manuel, cela signifie que vous pouvez contrôler la vitesse d'obturation, l'ouverture, la balance des blancs et l'ISO. Vous pouvez contrôler tous ces paramètres indépendamment les uns des autres. Cela signifie que vous pouvez capturer des looks spécifiques qui répondent à votre style et à vos différents besoins. La raison pour laquelle nous voulons ce contrôle du mode manuel, c'est parce qu' il nous redonne notre liberté créative. Si nous voulions une vitesse d' obturation longue , la mettre en mode manuel et changer la vitesse d'obturation nous permet de le faire. Si nous voulons que la photo soit un peu sombre et un peu plus maussade, nous pouvons ajuster les paramètres en conséquence pour atteindre ce look. Le problème est avec un mode automatique, c' est qu'il vous donnerait simplement une photo agréable la plupart du temps. Si vous essayez d'ajouter du style à votre photographie, automatique est un moyen très difficile d'y parvenir, alors passez en mode manuel. C'est notre premier pas. Dans les prochaines vidéos, je vais vous parler de tous les différents paramètres que vous devez connaître pour tirer pleinement parti de votre appareil photo et de son capteur. 3. Ouverture: Le premier paramètre que vous voudrez connaître est l'ouverture. Une ouverture va contrôler deux choses, l' une, elle va contrôler la quantité de lumière dans les prises de vue. Deuxièmement, il modifiera la quantité de l'image mise au point. Concentrez-vous d'abord sur la partie luminosité. Lorsque vous voyez une ouverture sur votre appareil photo, il est probable que F soit suivi d'un chiffre, ce qui peut aller de 1,2, 1,6, 1,8 jusqu'à F22. Bien sûr, en fonction de votre objectif dans votre combinaison d'appareils photo, cela va changer. Mais la règle d'or de l'ouverture est l'amour de l'ouverture, donc plus le nombre est petit. F1.8, par exemple, laissera entrer plus de lumière qu'une ouverture plus élevée. Si vous photographiez dans une pièce sombre, vous voudriez abaisser l'ouverture à un plus petit nombre d'environ F1.8. Maintenant, vous vous demandez probablement ce qu' est réellement l'ouverture. Eh bien, essentiellement à l'intérieur de l'objectif de votre appareil photo, il y a ces lames qui se ferment et elles s' ouvrent pour laisser pénétrer plus ou moins de lumière dans le capteur de la caméra. Lorsque vous avez un nombre plus petit, les lames s' ouvriront et vous aurez une ouverture plus grande dans l'objectif de votre appareil photo. Cela signifie que vous allez laisser entrer plus de lumière dans le cadre, plus de lumière dans le capteur de l'appareil photo, ce qui signifie que vous allez obtenir plus de lumière sur votre photo. Alors que lorsque vous le tirez vers le bas dans l'autre sens, donc F22, vous allez en fait fermer ces lames et cela va créer un petit trou dans votre objectif, ce qui signifie que moins de lumière peut passer à travers. Ce faisant, cela signifie que vous obtenez une image sombre. Tout d'abord, si vous voulez une image plus claire, vous descendez votre ouverture jusqu'à F1.8, F2, F3, F4, et si vous voulez la rendre sombre, vous la tirez vers F22. Bien sûr, vous pouvez choisir le nombre qui correspond à votre scène, mais plus sombre est un nombre plus élevé, léger est un nombre inférieur. Maintenant, l'ouverture contrôle non seulement la légèreté, mais elle contrôle également le plan de mise au point. Sans être trop compliqué, c'est essentiellement la partie du cadre qui est en jeu. Si vous avez une ouverture de F22, cela signifie essentiellement que la majeure partie de votre image sera mise au point. Cela signifie que si ce cliché était filmé à F22, je serais bien concentré et l'arrière-plan serait parfaitement mis au point. Alors que lorsque nous nous sommes retirés dans l'autre sens, passons donc à F1.8. Cela signifie que si je suis mis au point, l'arrière-plan s'estompera et ce sera hors de mise au point. Essentiellement, vous ne faites que tracer une ligne entre l'objectif de l'appareil photo et le back-end de vos prises de vue. S'il y a un nombre plus élevé, tout sera mis au point. Mais plus le nombre est petit, plus la quantité de cadre sera faible. Si vous avez une ouverture de F1.8 et que je tiens ma main ici, cela signifie que le plan de mise au point sera autour de ce grand voisin. Seule ma main sera mise au point et tout ce qui sort de cette zone dérivera vers le défocalisation ou le flou. ouverture contrôle la quantité de lumière qui pénètre dans le capteur de la caméra et l'ouverture contrôle également le flou du cadre, donc quelle est la mise au point ? Désormais, il n'existe pas de règle spécifique pour numéro que vous devez définir sur votre ouverture. Aucune scène spécifique n' a de numéro préféré. C'est à vous et à votre créativité de déterminer le nombre approprié. N'oubliez pas qu'un nombre plus petit, F1.8 va ajouter plus de lumière et avoir moins de mise au point, alors qu'un plus grand nombre F22 sera plus sombre, mais une plus grande partie de l'image sera mise au point. 4. Vitesse d'obturation: Ensuite, nous avons la vitesse d'obturation et la vitesse d'obturation, comme l'ouverture contrôle deux choses différentes. Tout d'abord, cela affecte la luminosité. Si vous avez un numéro d' obturateur plus élevé, vous allez fermer la lumière qui pénètre dans capteur de votre appareil photo et vous aurez une prise de vue plus foncée, et si vous allez au contraire, si vous ouvrez votre obturateur vous avez donc une vitesse d' obturation plus longue, ce qui signifie que vous allez laisser entrer plus de lumière. Mais qu'est-ce que l'obturateur ? Maintenant, l' obturateur de votre appareil photo est essentiellement une « porte » et il est fermé par défaut, mais lorsque vous déclenchez l'obturateur, vous prenez une photo, ces portes s'ouvrent et se referment. ils s'ouvrent longtemps, plus la lumière pénètre dans le capteur de la caméra. Si j'ai réglé ma vitesse d'obturation sur 100, soit 100e de seconde, c'est vraiment rapide, l'obturateur est ouvert pendant [BRUIT] une très brève seconde, il est ouvert et fermé. Alors que si je descends ça jusqu'à une seconde, donc une seconde complète, cela signifie que lorsque j'appuie sur le bouton de déclenchement, [BRUIT] il est ouvert et fermé, de sorte qu'il reste ouvert plus longtemps. vitesse d'obturation. La première chose que contrôle la vitesse d' obturation est la lumière, donc si vous avez un obturateur très rapide, cela signifie qu' une petite quantité de lumière va entrer dans le capteur de la caméra. Mais si vous ouvrez cela et que l'obturateur est ouvert pendant 2, 3, 4, 5 , 6 secondes, il va s'ouvrir et il y a beaucoup de lumière sur cette photo. Mais bien sûr, la vitesse d'obturation ne se limite pas à la luminosité, vitesse d' obturation contrôle également la quantité de flou de mouvement dans l'image. Si vous avez une vitesse d' obturation très rapide de 1/500, par exemple, elle s'ouvrira et se ferme en 1/500e de seconde, ce qui est très rapide. Cela signifie que si vous prenez des photos de quelqu'un qui saute en l'air, il sera très net et très net. Mais si je devais réduire ce nombre à 1/10e de seconde, il est ouvert un peu plus longtemps, ce signifie que lorsque vous prenez une photo de quelqu'un qui reprend ce saut, l'obturateur s'en va. pour être ouvert un peu plus longtemps, il va donc flouter ce mouvement dans la photo. C'est pourquoi, lorsque vous prenez une photo de quelqu'un qui saute et qu'il y a un peu de flou, c'est parce que la vitesse d'obturation est réglée sur le mauvais nombre. La vitesse d'obturation doit être plus rapide. Essentiellement, la vitesse d' obturation ne fait que mélanger le mouvement dans la photo. Si votre obturateur est ouvert pendant une seconde, cela signifie qu'une seconde de mouvement va être intégrée à cette photo. Si vous faites quelque chose qui est très lent et qu'il ne bouge pas beaucoup, vous pouvez vous permettre d'avoir une vitesse d'obturation plus lente, sorte qu'elle puisse être ouverte plus longtemps, donc plus de lumière et le flou de mouvement n'a pas trop d' importance car il n'y a pas beaucoup de mouvements. En général, si vous faites de la photographie de portrait, je recommanderais probablement environ 1/100 ou 1/150. Mais si vous preniez une photo de quelqu'un qui faisait quelque chose d'explosif, si énergique comme un saut ou un back-flip par exemple, vous allez regarder 1/500, 1/600 quelque part beaucoup plus rapidement. Bien sûr, vous pouvez donc être très créatif avec votre vitesse d'obturation et la garder ouverte pendant une période plus longue afin de pouvoir faire cinq secondes ou 10 secondes. Vous pouvez profiter de tout ce mouvement et créer des photos plus longues, ou encore faire de la lumière. C'est pourquoi vous ne faites que déplacer des lumières dans le cadre, et comme l'obturateur est ouvert, il va fusionner tout ce mouvement en une seule photo. Bien sûr, plus l'obturateur est ouvert longtemps, plus le mouvement sera important dans le cadre. Par conséquent, si vous tenez la caméra et qu'elle est ouverte pendant cinq secondes, cela signifie que vous devrez rester parfaitement immobile, ce qui n'est pas possible. Si vous avez un obturateur ouvert, un obturateur très long, je vous recommande de placer votre appareil photo sur un trépied. Mais si votre obturateur est supérieur à 1/100 ou 1/50 en poussée, vous pouvez vous en sortir avec un ordinateur de poche. Votre vitesse d'obturation contrôle la lumière, et elle contrôle également la quantité de flou de mouvement dans le cadre. 5. L'ISO: La prochaine étape, nous avons l'ISO. L'ISO ou l'ISO n'est essentiellement qu'un outil d'éclaircissement numérique. L'ISO ne contrôle pas l'aspect de la photo. Il va simplement augmenter ou diminuer la luminosité de l'image. En général, avec l'ISO, plus le nombre est élevé, plus l' image sera lumineuse, donc si vous avez une ISO de 100 et que vous comparez ce chiffre à 3 200 ISO, 3 200 sera beaucoup plus lumineux. Le problème avec l'ISO, cependant, est qu'il s'agit d'un outil d' éclaircissement numérique. Cela ne se fait pas dans le capteur de la caméra, cela ne se fait pas dans l'objectif, mais dans l'appareil photo. Essentiellement, c'est comme prendre une photo puis augmenter la luminosité dans le programme de montage. Si vous tirez le numéro ISO trop haut pour exposer correctement l' image, cela signifie non seulement que vous allez extraire toutes les parties propres de l'image, cela signifie également que vous allez le faire apparaître toutes les imperfections dans les zones sombres. C'est ce motif bruyant ou granuleux que vous voyez sur l'écran. Essentiellement, parce que vous remontez ces zones sombres du cadre, vous révélez essentiellement toutes les imperfections du capteur de la caméra. En règle générale, vous souhaitez maintenir votre ISO aussi bas que possible. Considérez votre ISO comme un dernier recours. Si vous ne parvenez pas à abaisser votre vitesse d'obturation pour laisser entrer plus de lumière et si vous ne pouvez pas régler votre ouverture pour laisser entrer plus de lumière, alors votre ISO est votre prochain endroit où aller. Mais si vous pouvez obtenir plus de lumière dans le capteur de la caméra ajoutant des lumières ou en ajustant l'ouverture ou la vitesse d'obturation, c'est ce que vous voulez faire avant l'ISO. L'ISO, simple et agréable, c'est essentiellement un outil d'éclaircissement numérique. Il rend l'image plus claire ou plus foncée. 6. La balance des blancs: Le prochain paramètre que vous voudrez connaître est votre balance des blancs. La balance des blancs se réfère essentiellement à la couleur de la température de la lumière. Lorsque vous pensez à la lumière, la lumière est mesurée en Kelvins. Si vous avez déjà eu à acheter des ampoules , vous en êtes déjà pleinement conscient. Vous pouvez acheter une ampoule indiquant 3200 K, 5500 K ou 5 000 K, par exemple, le K représente Kelvin. Essentiellement, ce n' est que la couleur. Nous avons une échelle de couleurs et les lumières plus chaudes sont généralement plus faibles, et les lumières plus froides ou plus bleues sont plus élevées. Si vous aviez une lumière orange ou tungstène, l' une de ces ampoules chaudes que vous obtenez, cela serait quelque part autour de 3200. Ensuite, si vous êtes allé dans l' autre sens et que vous aviez une lumière blanche ou naturelle, par exemple, ce chiffre serait plus élevé, donc c'est plus une lumière bleue plus froide, et il s'agit de 5500 Kelvins. Vous pouvez aussi aller jusqu'aux extrêmes. Vous pourriez opter pour des lampes fluorescentes blanches brillantes, soit six ou 7 000, puis les bougies à cette couleur de flamme seraient d'environ 2 000. Maintenant, en quoi est-ce corrélé avec votre appareil photo ? Eh bien, il est très important que votre balance des blancs soit réglée sur la couleur de la scène. Par exemple, dans cette scène, j'utilise une lumière blanche. Je réglerais mon appareil photo à 5500 Kelvins. Maintenant, si je ne l'ai pas réglé à 5500 Kelvins, si je le réglais à 3200 Kelvins, cela signifie que la couleur sera complètement fausse. Même s'il me semble juste aux yeux lorsque je prends la photo si je suis réglé sur la mauvaise balance des blancs, malheureusement, elle paraîtrait trop orange ou trop bleue. Si vous voulez vraiment obtenir la couleur parfaite, alors vous voulez regarder la scène, regarder la façon dont vous prenez vos photos et essayez de faire correspondre la couleur de la lumière à la couleur de l'appareil photo des lumières dans la scène. Permettez-moi de vous donner quelques exemples. Si vous prenez des photos dehors au milieu de la journée, c'est une journée ensoleillée, vous voudrez régler votre balance des blancs à l'appareil photo à 5500 Kelvins. Maintenant, si je devais aller à l'intérieur et qu'il faisait sombre dehors et qu'il y avait quelques lampes avec plus de lumière orange au tungstène , je voudrais régler ma balance des blancs à 3200. Maintenant, si vous prenez des photos individuelles, vous pouvez en fait vous en sortir en réglant votre balance des blancs sur automatique, ce qui ira bien la plupart du temps. Mais si vous prenez plusieurs photos au même endroit, vous faites peut-être de la photographie de portrait. Ensuite, si vous réglez cette option sur automatique, chaque photo sera un peu différente l'une de l'autre. Cela signifie que vous allez devoir résoudre ce problème lors l'édition ou cela ne serait tout simplement pas cohérent avec aucune de ces photos. Ils seront tous un peu plus chauds ou un peu plus frais. Un peu plus orange ou un peu plus bleu que les autres. Je recommande vivement de régler la balance des blancs sur la couleur de la scène. Bien sûr, vous pouvez effectivement enfreindre cette règle et vous pouvez l' ajuster à un autre paramètre si vous souhaitez manipuler l' image pour qu'elle soit différente. Par exemple, si j' étais dehors et que je voulais que l'image paraisse un peu plus froide, un peu plus bleue, alors plutôt que de régler la balance des blancs à 5500, je vais tirer ça dans l' autre sens et descendre jusqu'à 4300 ou même 3200. Cela créerait une image vraiment bleue. Même si la balance des blancs n'est pas réglée sur la scène en l'ajustant sur un nombre différent, cela signifie que nous pouvons réellement contrôler la couleur de la scène et de la photo. Maintenant, je suis parfaitement conscient que la balance des blancs semble vraiment difficile, pour commencer. Il m'a fallu beaucoup de temps pour me faire envelopper la tête autour balance des blancs et des chiffres que je devrais fixer dans chaque scène différente. Mais jouez simplement avec votre appareil photo et essayez simplement de prendre des photos dans différents environnements avec quelques réglages d'éclairage différents dans différents numéros de balance des blancs et découvrez comment les images changent dans chaque réglage. C'est bien et bien que je sois assis ici pour vous parler et vous dire quels chiffres utiliser. Mais tant que vous n'aurez pas réellement pris une photo et que vous n'ayez pas vu les résultats par vous-même, elle ne s'enfoncera pas complètement. Je vous recommande vivement ajuster la balance des blancs sur votre appareil photo, prendre des photos et de voir en quoi chaque photo diffère l'une de l'autre. Essentiellement pour colorer cette vidéo, la balance des blancs est la couleur des lumières et vous voulez essayer correspondre la couleur de la lumière au réglage de la caméra. 7. RAW vs JPEG: Le prochain paramètre que vous voudrez connaître est RAW contre JPEG. RAW et JPEG sont deux formats de fichiers différents dans lesquels vous pouvez capturer votre photo. RAW et JPEG ne sont pas paramètres qui modifient l'apparence de votre image, RAW et JPEG, sont essentiellement le format de fichier dans lequel se trouve l'image. La définition de votre photo au format JPEG ou la définition de votre photo sur RAW ne fait aucune différence sur son apparence, c'est juste la quantité de contrôle dont vous disposez lors de l'édition. Essentiellement, le format de fichier JPEG sera le format de fichier par défaut avec lequel vous allez travailler. Si vous filmez en mode automatique, JPEG est ce qui va être sélectionné. Mais le problème avec JPEG, c'est qu'il est destiné aux personnes qui n'ont pas une compréhension complète de la photographie ou qui ne se soucient pas suffisamment de la connaître, elles veulent juste une image à moitié décente hors de la caméra. JPEG se lie essentiellement en couleur, contraste la saturation dans l'image, puis il vous donne juste un look décent directement hors de l'appareil photo. Mais le problème est qu'il pourrait surexposer certaines zones afin qu'il puisse complètement souffler le ciel, par exemple, pour qu'il soit complètement blanc, ou qu'il pourrait sous-exposer les ombres, sorte que les parties sombres de la l'image pourrait être perdue. Le problème est qu'une fois que vous avez pris une image en JPEG, toutes ces couleurs sont gravées dans l'image. Si une image est surexposée, vous ne pouvez pas la réparer. Cependant, avec RAW, vous bénéficiez d'un peu plus de liberté. format JPEG vous donne un petit accès à ce que le capteur de l'appareil photo et la caméra sont capables, mais RAW vous offre tout le potentiel. Le RAW vous donne tous les détails de la surbrillance, il vous donne tous les détails des tons moyens et tous les détails de l'ombre. Lorsque vous chargez la photo sur votre ordinateur, l'image sera très grise, mais vous verrez que toutes les parties de l'image sont bien exposées. Essentiellement, vous obtenez toutes les informations à votre disposition, afin que vous puissiez prendre la décision surexposer les points forts si vous le souhaitez ou de sous-exposer les ombres si vous le souhaitez. Mais c'est votre décision créative et vous pouvez prendre toutes ces décisions. Le problème avec RAW cependant, étant donné que le fichier image garde toutes ces données disponibles pour vous, les fichiers image sont beaucoup plus volumineux. Une image JPEG typique peut être de 5 à 10 mégaoctets, alors qu'un seul fichier JPEG peut être compris entre 20 et 50 mégaoctets pour une photo. Si l'espace informatique vous inquiète , JPEG peut être l'option à utiliser. Mais si ce n'est pas un problème et que vous voulez vraiment contrôler complètement l'apparence de votre image, alors si vous filmez en RAW, cela signifie que vous aurez un accès complet au capteur de l'appareil photo. Permettez-moi de vous donner un exemple. Je vais maintenant montrer deux photos à l'écran. La première est une image JPEG et la seconde est une image RAW. Maintenant, c'est la même photo, j'ai configuré mon appareil photo pour qu'il prenne un RAW et un JPEG en même temps. Avec cette photo, je vais juste baisser les parties les plus lumineuses de l'image. Comme vous le verrez, le JPEG ne fait vraiment rien, ce ciel blanc reste très blanc. Mais sur l'image RAW que ciel blanc est maintenant correctement exposé, nous pouvons voir les détails dans le ciel et toutes ces informations sont conservées pour nous. RAW et JPEG sont deux formats de fichiers différents dans lesquels nous pouvons prendre nos photos, mais RAW nous donne plus d'informations et JPEG nous donne un look très rapide et décent tout droit hors de l'appareil photo. Si vous voulez une photo professionnelle, je vous recommande de prendre des photos RAW, mais si vous voulez une photo à moitié décente, qui ne nécessite pas vraiment beaucoup de retouche, JPEG est la solution à suivre. 8. Règle des tiers: L'une des principales différences entre la professionnelle et la photographie amateur est la composition et le cadrage. Mais qu'est-ce que c'est ? Eh bien, la composition et le cadrage font essentiellement référence à la façon dont vous cadrez votre photo, donc à l'endroit où vous placez vos sujets dans le cadre. Il existe maintenant quelques techniques et règles de composition différentes que vous pouvez utiliser pour encadrer vos images afin rendre vos images plus professionnelles. Le premier est la règle des tiers. Maintenant, la règle des tiers n'est pas nécessairement une règle, c'est juste un guide pour vous aider à cadrer des photos ou des sujets spécifiques, et essentiellement, il vous suffit de tracer deux lignes horizontales sur votre et deux lignes verticales sur votre écran. Sur la plupart des appareils photo reflex numériques ou sans miroir, vous pouvez en fait activer une superposition afin voir la règle des tiers sur votre image. Cela n'est pas inclus dans l'image finale, vous voyez simplement cela lorsque vous prenez la photo, donc cela va vraiment vous aider à comprendre la règle des tiers. Une fois que vous avez passé un peu de temps avec le guide, vous pouvez désactiver cela car une fois que vous aurez pris suffisamment d'images, cela deviendra une seconde nature pour vous. Vous avez deux lignes à travers l' horizontale et deux lignes le long de l'axe vertical. Mais comment les utilisez-vous ? Eh bien, vous voulez simplement placer vos sujets sur ces lignes, donc si vous prenez une photo d'un paysage, par exemple, vous pouvez placer l'horizon sur la ligne de fond ou sur la ligne supérieure. Si vous prenez une photo rapprochée de quelqu'un, vous pouvez placer ses yeux sur la ligne horizontale supérieure, sur la ligne horizontale supérieure, ou si vous prenez une photo d'un point de repère, par exemple, vous pouvez utilisez l'une des lignes verticales pour la décaler par rapport au centre afin que vous puissiez la placer sur la ligne gauche ou la droite , puis vous pouvez aligner les horizons pour traverser le bas et vous avez a obtenu une composition vraiment intéressante et unique. Bien sûr, la règle des tiers n' est certainement pas une règle, vous ne pouvez certainement pas enfreindre cela et il existe d'autres techniques que vous pouvez utiliser pour cadrer vos prises de vue. 9. Symétrie: Suivant la règle des tiers, la prochaine technique que vous pouvez utiliser est la symétrie. Essentiellement, l'objectif de la symétrie est de faire correspondre un côté de la trame à l'autre côté du cadre. Cela permet d'obtenir une image vraiment équilibrée et vraiment agréable visuellement. En général, si je prenais une photo d'une personne, je la placerais au centre du cadre, puis j'aurais des objets similaires encadrés derrière eux en miroir les uns des autres. Sinon, si vous prenez des photos d'un point de repère, par exemple, vous pouvez le placer parfaitement au centre, ce qui créera un bel aspect symétrique. L'objectif ici est de simplement faire en sorte que cette sensation soit visuellement équilibrée entre la gauche et la droite ou le haut et le bas. En ce qui concerne la symétrie, il n'y a plus de guides ou règles que vous pouvez utiliser sur votre écran. Tout dépend de vous et de ce que vous équilibrez dans le cadre. Assurez-vous simplement que la gauche et la droite ou le haut et le bas ont l'impression d'être symétriques, qu'ils soient visuellement équilibrés, et c' est une symétrie. Si vous utilisez la symétrie, vous pouvez obtenir un résultat très beau. 10. Lignes principales: La prochaine technique de composition est la première ligne. Désormais, les lignes principales sont essentiellement des lignes du cadre qui vous attirent vers un point d'intérêt. Si vous faites de la photographie de rue, par exemple, vous pouvez utiliser le paysage ou l'architecture ou peut-être vous approcher d'une main courante, et cette rampe tombant au loin pourrait pointer vous envers vos sujets. Essentiellement, une ligne de pointe n'est qu'une ligne dans le cadre qui vous emmène vers votre sujet. Bien sûr, comme je viens de le dire, vous pouvez utiliser une main courante pour cela, et cela pourrait être la ligne dans le cadre ou simplement la façon dont vous cadrez une image. Si vous prenez une photo sur un pont, vous pouvez utiliser les deux côtés du pont pour vous amener vers l'horizon où vos sujets peuvent se trouver. Le but des lignes directrices est de regarder ce voyage visuel à travers le cadre et de vous pointer vers votre sujet. Vous pouvez devenir vraiment intéressant avec cela, et vous pouvez modifier votre perspective et votre angle d'où vous prenez votre photo pour vraiment maximiser la quantité de lignes de pointe dans le cadre. 11. La perspective: Ensuite, nous allons parler de perspective et d'angle. Maintenant, lorsque vous prenez une photo, il est très tentant de simplement tenir l'appareil photo debout et de simplement prendre une photo. Mais réfléchissez à la façon dont elle pourrait ressembler sous un angle bas, comment pourrait-elle ressembler sous un angle élevé, comment cela rendrait-il l'image ou la sensation différente. Il est très facile, très sûr et très confortable de se tenir là et de prendre votre photo, mais peut-être pourriez-vous vous approcher du sol et vous pouvez regarder vers votre sujet, ce qui fait que le le sujet se sent puissant, ou il pourrait simplement vous donner un angle vraiment cool. Ou bien, vous pouvez opter pour un angle élevé, et vous pouvez regarder vers le bas votre sujet, ce qui les rend inférieurs. Vous pouvez même jouer avec la rotation de la caméra. Il n'est pas nécessaire d'être parfaitement équilibré, il n'est pas nécessaire d'avoir l' horizon complètement droit. Vous pouvez peut-être jouer avec un angle néerlandais, qui correspond à une inclinaison d'angle de 45 degrés vous puissiez tourner la caméra, regarder vers quelqu' que vous puissiez tourner la caméra, regarder vers quelqu'un et créer une perspective vraiment intéressante qui correspond à une inclinaison d'angle de 45 degrés pour que vous puissiez tourner la caméra, regarder vers quelqu'un et créer une perspective vraiment intéressante. par conséquent, une photo vraiment intéressante. La prochaine fois que vous prendrez des photos, je veux vraiment que vous réfléchissiez à l'angle et à la perspective les plus intéressants ici. Ne vous contentez pas de prendre votre photo debout typique. Pensez vraiment à l' endroit où vous pourriez prendre la photo sous différents angles, différents points de vue, différents angles, et essayez vraiment de trouver le meilleur angle pour votre photo. 12. Profondeur: Ensuite, je veux parler profondeur parce que tout va bien et bien, il suffit d'encadrer un sujet dans le cadre. Mais cela peut sembler très plat, et la raison en est que vous pensez votre photo dans un espace bidimensionnel. Essayez de penser à votre photo dans un espace 3D, donc ce qu'il y a au premier plan, au milieu et à l'arrière-plan. Si vous avez quelque chose au premier plan de votre photo, cela peut vraiment créer un élément de profondeur dans votre cadre. Il y a peut-être de beaux motifs dans cette balustrade. Peut-être pourriez-vous filmer ce schéma dans cette rampe et cela vous donnerait un très beau premier plan. Ensuite, vous avez votre sujet et les antécédents derrière eux. Vous disposez de trois calques visuels votre photo et, par conséquent, vous créez cet élément de profondeur et d'espace dans le cadre. Vous n'avez même pas besoin de filmer à travers les choses. Vous pouvez simplement placer un objet près de l'objectif de l'appareil photo, ce qui vous donne une bonne mise au point, ce qui vous donne cette belle profondeur dans le cadre. Ne pensez pas à vos photos dans un espace bidimensionnel. Pensez à vos photos dans un espace tridimensionnel. Vous ne vous contentez pas de cadrer vos sujets, vous pensez également à ce qu'il y a dans mon premier plan, arrière-plan et l' espace entre les deux. 13. Cadre dans un cadre: Ensuite, je veux parler de cadre dans un cadre. Il s'agit d'une technique de composition simple qui peut réellement suivre notre vidéo précédente, qui portait sur la profondeur. Le cadre dans un cadre est exactement ce à quoi ça ressemble. Il utilise un objet ou un cadre dans la photo pour encadrer vos sujets. Un exemple très facile de cela est, disons, que vous êtes debout dans un tunnel et votre sujet se trouve à l'extérieur du tunnel. Si vous utilisez les bords du tunnel pour encadrer cette photo, elle peut créer un look vraiment intéressant et professionnel. Vous avez votre sujet et ils sont encadrés dans un cadre, donc un cadre dans un cadre. Maintenant, le but est d' ajouter de la profondeur dans le cadre. En revenant sur notre vidéo précédente, la profondeur est le premier plan, le sujet et l'arrière-plan, donc l' ajout dans un cadre dans votre cadre est un moyen très rapide et facile d'ajouter cette profondeur. 14. Espace négatif: Enfin, je veux parler espace négatif car généralement lorsque vous encadrez une photo, vous voulez disposer de suffisamment d' espace entre les sujets et le bord du cadre. Mais vous pouvez jouer avec votre espace et avoir un espace négatif dans le cadre pour enfreindre les règles, enfreindre ce qui vous semble naturel et avoir un espace négatif. Mais comment créer cet espace négatif ? Eh bien, si vous prenez une photo de quelqu'un, s'il regarde au loin, plutôt que d'avoir beaucoup d'espace devant lui, vous pouvez l' encadrer de façon à ce qu'ils regardent bord du cadre. Tout d'un coup, cela semble très claustrophobe parce que vous avez beaucoup d'espace derrière le sujet et si vous le faites correctement, il peut se sentir très puissant et cela peut vraiment aider à faire la photo semble mal à l'aise et claustrophobe. L'espace négatif est essentiellement plus d'espace derrière le sujet qu'il n'y en a devant les sujets. Normalement, vous voulez plus d'espace devant, mais avec un espace négatif, vous pouvez avoir ce cadrage bizarre et vous pouvez le faire pour créer une émotion spécifique. Il n'y a pas que des personnes avec qui vous pouvez le faire, mais si vous avez un point de repère par exemple, vous pouvez placer le sujet dans le coin de votre photo. Nous pourrions l'avoir juste sur le bord de la photo et cela crée beaucoup d'espace négatif. N'ayez pas l'impression d'être toujours obligé respecter ces règles ou ces guides, vous pouvez réellement les enfreindre et être flexible, ce qui crée un réel malaise dans votre photo et cela, encore une fois, peut aider à améliorer la sensation d'une photo. Si vous essayez de prendre une photo de quelqu'un qui est anxieux par exemple, si vous utilisez cadrage négatif et un espace négatif dans les clichés, cela peut vraiment aider à accentuer ce sentiment. 15. Lumière naturelle: Quand il s'agit de prendre des photos, vous pourriez avoir le meilleur appareil photo au monde, le meilleur appareil photo que l'argent puisse acheter. Mais si vous n'avez pas assez de lumière dans la scène, malheureusement, il y aura beaucoup de céréales, il y aura beaucoup de bruit numérique. Vous devrez remonter votre ISO, et tout deviendrait un peu moche, et un peu amateur. Il est vraiment important que nous nous concentrons sur notre éclairage. En passant, quand je parle d'éclairage, je ne parle pas d'exposition prolongée. Il est très possible d'être dans un environnement très sombre, descendre votre vitesse d'obturation jusqu'à 30 secondes, et vous obtiendrez une grande quantité de lumière qui frappe le capteur de votre appareil photo. Lorsque je parle d'éclairage, je parle plus particulièrement de photographie de portrait, par exemple. C'est ici que nous sommes dans un environnement, et nous avons besoin que notre vitesse d'obturation soit d'environ un plus de 100, une vitesse supérieure à 200. Si nous ne pouvons pas régler les paramètres de notre appareil photo pour ajouter plus de lumière à la scène, c'est pourquoi nous devons ajouter plus de lumière à la scène. En plus d'ajouter de la lumière pour aider l'appareil photo et ajouter plus de lumière à la prise de vue, vous pouvez également façonner votre lumière pour créer un personnage dans la photo. Il y a plusieurs types de configurations d'éclairage dont je veux parler. Cependant, avant de parler d'éclairage, parlons simplement de travailler avec la lumière naturelle. Vous prenez une photo de quelqu'un en lumière naturelle. Que pouvons-nous faire dans ces environnements ? Eh bien, quand vous prenez des photos à l'extérieur, heureusement, vous avez la grande lumière dans le ciel, le soleil. Vous allez avoir suffisamment de lumière dans la caméra pour faire ce que vous devez faire. Cependant, le problème est que la lumière du soleil peut être un peu peu flatteuse si vous tournez dans les mauvaises zones. La première chose que je ferais est une, soit filmer par temps nuageux. Lorsque les nuages sont finis, nous avons essentiellement une grande boîte à lumière au-dessus du soleil, et vous obtenez un éclairage très doux. Cependant, si vous devez photographier par une journée ensoleillée, je vous recommande vivement de détourner vos sujets du soleil pour placer le soleil derrière eux. La raison pour laquelle je suggère cela, c'est parce que si vous détournez le sujet du soleil, cela signifie que le soleil sera derrière eux et que vous n'obtiendrez aucune ombre dure et que vous n'obtiendrez aucune ombre dure sur leur visage. Cependant, nous pouvons également acheter un kit de réflecteur 3M1 ou 5M1, et nous pouvons faire rebondir ou adoucir la lumière. Ou nous pourrions même utiliser un remplissage négatif pour créer une forme et ajouter plus de lumière sur le visage. Voici une feuille de réflecteur 5M1 contextuelle. Comme vous le verrez, nous avons ce grand côté argenté du réflecteur, sert à faire rebondir la lumière. Si j'étais dehors et qu'il faisait beau, et que je voulais ajouter un peu plus de lumière sur le visage de mon sujet, j'utiliserais ce réflecteur argenté pour rebondir la lumière sur leur visage. Comme vous pouvez le voir, c'est sans, et quand je l'ajoute, je fais rebondir la lumière, et elle ajoute simplement de la lumière sur ce côté du visage. Bien sûr, même si ce n'est pas seulement ce réflecteur argenté que vous obtenez dans ces kits 5M1, vous avez également de l'or et du blanc. Comme vous pouvez le voir, je peux retirer cette veste de la diffusion, puis à l'intérieur, nous avons de l' or, et nous avons du blanc. Comme vous pouvez le constater, il s'agit du côté doré du réflecteur. Si je place ça là où il était auparavant, vous pouvez voir que je réfléchis une lumière plus chaude sur mon visage. Si vous voulez une photo argentée, vous pouvez ajouter de la couleur dorée pour ajouter une lumière plus chaude sur le visage. Par ailleurs, c'est assez dramatique, de sorte que nous pouvons utiliser le côté blanc du réflecteur pour ajouter un rebond de lumière plus subtil sur le visage. Lorsque vous tenez l'un de ces réflecteurs, vous voulez simplement le maintenir à environ 45 degrés, puis l'ajuster précisément jusqu'à ce que lumière rebondisse sur le visage. Bien sûr, si vous ne vouliez pas faire rebondir la lumière et que vous vouliez simplement adoucir la lumière du soleil , nous pourrions simplement utiliser la diffusion. À l'intérieur de cette veste, nous avons ce morceau de diffusion. Essentiellement, cela va simplement agir comme les nuages au-dessus du soleil, donc cela va simplement adoucir cette lumière. Tout ce que vous aurez à faire est de tenir ceci au-dessus de votre sujet, et vous obtiendrez un très bel éclairage doux. C'est sans, et c'est avec ça. Maintenant, j'ai une lumière de boîte à lumière sur ma lumière, donc vous ne verrez pas de différence énorme dans cet exemple. Mais l'adoucissement de la lumière est un moyen très rapide et facile de contrôler la lumière naturelle de la scène. Ensuite, bien sûr aussi, vous avez le cinquième côté, qui est le côté noir, et c'est pour un remplissage négatif. Plutôt que d'ajouter des lumières, un remplissage négatif va aider à arrêter la lumière. Il va annuler une partie de cette lumière. Si vous tenez le côté noir à côté de quelqu'un, cela aidera à empêcher cette lumière rebondir et de frapper son visage. Cela va juste nous aider à donner un peu plus de maussade, en annulant une partie de cette lumière d'un côté du visage. Si vous prenez des photos de quelqu'un l'extérieur et que la journée est ensoleillée, alors vous voulez l' éloigner du soleil, ou vous pouvez utiliser le réflecteur et le kit de diffusion pour rebondir ou adoucit la lumière. Cela vous donnerait un look vraiment flatteur vos photos. 16. Éclairage à trois points: Bien sûr, si vous avez besoin de prendre des photos de portrait à l'intérieur, par exemple, vous aurez besoin d'un éclairage. Il existe plusieurs configurations d'éclairage différentes que nous pouvons utiliser pour capturer de superbes photos. Le premier est un éclairage à trois points. Désormais, en ce qui concerne l'éclairage à trois points, vous pouvez utiliser des lumières vidéo continues. Ce sont des lumières qui restent allumées tout le temps. Ou vous pouvez utiliser des lampes flash/stroboscopiques, qui sont plus destinées à la photographie. Essentiellement, lorsque vous prenez votre photo, la lumière clignote même temps que vous la prenez pour que les lumières soient là. Peu importe que vous utilisiez une lampe vidéo ou une lampe de poche photo. L'une ou l'autre option fonctionne pour cela car c'est plutôt le positionnement des lumières qui constitue une configuration d'éclairage à trois points. En ce qui concerne trois points, il n' y a que trois lumières. Vous avez votre clé, votre remplissage et votre rétroéclairage. Il s'agit de deux lumières derrière la caméra et d'une lumière derrière le sujet. Votre lampe Key, votre lumière principale, sera juste sur le côté de l'appareil photo et elle va briller une belle quantité de lumière sur le visage. Ensuite, nous avons la lumière de remplissage, qui se trouve de l'autre côté de la caméra. Il suffit de remplir toutes les ombres que la lumière clé aurait pu créer. Il y a deux lumières jusqu'à présent. Ensuite, nous avons notre rétroéclairage et il s'agit une position claire derrière la personne qui brille sur elle, et cela va juste nous donner une belle lumière pour les cheveux. La lumière des cheveux est là pour séparer le sujet de l'arrière-plan. Vous avez trois lumières. Comme je l'ai déjà dit, il peut s' agir de lumières vidéo continues ou clignotements photographiques ou stroboscopiques. Notre éclairage à trois points est composé de nos trois lumières, deux à l'avant, une à l'arrière. Nous avons la clé, le remplissage, le rétroéclairage. Ces trois lumières vous donneront un très beau look complémentaire idéal pour la photographie de portrait. 17. Éclairage à deux points: À partir de notre éclairage à trois points, nous avons un éclairage à deux points. Pour un éclairage à deux points, nous allons commencer par nos trois points, mais nous allons sortir nos feux de remplissage. Dans nos trois points, nous avons eu 1, 2, 3. Maintenant, nous allons sortir le feu numéro 2. Nous n'avons qu'une seule lumière à l'avant et une lumière à l'arrière. Lorsque vous faites cela, il est important que vous ayez votre clé et votre rétroéclairage sur les côtés opposés des sujets. Si votre voyant principal se trouve à droite du sujet, il est important que le rétroéclairage se trouve gauche du sujet, alors créez une ligne diagonale entre ces lumières. La suppression de l'une de ces lumières crée essentiellement des ombres sur un côté du visage. Cela nous donne un peu plus d'allure maussade, et donc un peu plus intense. Si vous prenez des photos de portrait et que vous voulez qu'elles aient un avantage agréable, envisagez d'utiliser deux points plutôt que trois points. 18. Éclairage dur: Lorsqu'il s'agit d'éclairer vos photos, il existe deux types de sources lumineuses différents sources lumineuses une lumière dure et une lumière douce. Essentiellement, la différence est qu'une différence est diffuse et non. Une lumière dure est une source de lumière très dure, ce qui peut créer des ombres très dures. Si vous prenez des photos de personnes, vous voulez généralement éviter cela parce que des ombres très dures apparaîtront sur leur visage. Mais un éclairage dur peut être très bénéfique si vous essayez de remplir un espace ou de créer des ombres à l'intérieur de l'espace. l'autre côté, nous avons un éclairage doux et c'est exactement à quoi ça ressemble. Vous utilisez une diffusion ou un tissu ou un tissu blanc pour adoucir les lumières. éclairage doux vous donne un aspect très doux et naturel et vous ne voyez pas d' aspect très doux et naturel et vous ne voyez pas ombres dures sur le visage. Il s'agit plutôt d'un enroulement doux. Ce cliché est filmé avec une lumière Soft-Box et c'est une source de lumière douce. Comme vous pouvez le constater, il n'y a pas d'ombres dures sur mon visage. Il y a juste un léger enroulement sur le côté de mon visage. En général, si vous prenez des photos de personnes et que vous voulez que les photos soient flattrices, je vous recommande d'utiliser une source de lumière douce plutôt qu'une source de lumière dure. Maintenant, si vous regardez une lampe de construction, c'est une source de lumière dure car elle émet une lumière très dure. Mais un kit d'éclairage de boîte à lumière douce est très doux et doux. Il est très possible d' adoucir une lumière dure. Si vous avez un t-shirt blanc un morceau de tissu blanc ou un drap blanc, vous pouvez le tenir devant cette lumière dure pour adoucir le tout. Essentiellement, le soleil est une lumière dure et le nuage adoucit la lumière dure. nuageux, vous obtenez une lumière douce et une journée ensoleillée, vous obtenez une lumière dure ou un éclairage dur. N'oubliez pas que chaque fois que vous allumez des gens, vous voulez essayer de vous en tenir à un éclairage doux, mais si vous allumez des espaces, vous pouvez utiliser un éclairage dur. 19. Éclairage RGB (couleur): Ensuite, nous avons un éclairage RVB ou rouge, vert, bleu ou couleur. L'éclairage couleur peut être utilisé dans un but très créatif. Éclairage couleur, nous pouvons utiliser pour la photographie de portrait, nous pouvons l'utiliser pour la photographie de produits ou toute sorte de photographie pouvant être capturée dans un environnement fermé. Notre point de départ pour l'éclairage couleur consiste simplement à éteindre toutes les lumières l'espace et à essayer de bloquer autant de lumière naturelle que possible. Nous commençons par une pièce très sombre, puis nous pouvons soit convertir nos lumières normales en utilisant un gel coloré, soit nous pouvons également accéder à un éclairage RVB, qui sont des lumières LED, qui peuvent passez au rouge, au vert, au bleu ou à n'importe quelle couleur que nous voulons qu'ils aillent, puis nous pouvons simplement construire et ajouter de la couleur. En général, lorsque vous travaillez avec la couleur, je recommande toujours d'utiliser des couleurs contrastées. Si vous regardez la roue chromatique, vous souhaitez prendre deux couleurs opposées à la roue chromatique et utiliser celles de vos photos. Vous pouvez utiliser de l'orange et du bleu ou violet et du jaune ou du rouge et du vert. L'utilisation de ces couleurs opposées crée un bon niveau de contraste des couleurs l' intérieur de l'image et cela va nous donner looks vraiment intéressants dans notre photographie. En général, je déconseillerais d'utiliser une seule couleur car si vous utilisez trois voyants et qu'ils sont tous réglés sur rouge, nous allons malheureusement perdre notre définition et il y aura un manque de profondeur dans le cadre. Mais si nous utilisons deux couleurs opposées à la roue chromatique, vous pouvez créer un bon niveau de contraste des couleurs. Peut-être que deux lumières à l'avant sont réglées en rouge et celle à l'arrière est verte pour que nous obtenions ce beau contraste de couleur, ou peut-être que nous utilisons simplement deux lumières, peut-être que l'une peut être orange, une autre peut être bleu. Cela va encore nous donner ce beau contraste. Peu importe le jeu de couleurs que vous regardez, mais je recommande vivement d'utiliser la roue chromatique pour avoir des couleurs opposées. La couleur est quelque chose qui prend un peu de pratique , donc je recommande vivement de configurer une séance d'entraînement et d'obtenir un éclairage coloré, prendre beaucoup de photos avec différentes couleurs et déterminez ce que vous aimez l'apparence et les types de looks que vous pouvez créer l'aide d'un éclairage RVB ou couleur. 20. Photographie avec flash: Lorsqu'il s'agit d'ajouter des lumières supplémentaires à vos photos, un des moyens les plus rapides et les plus simples pour un photographe d'ajouter cette lumière est d'utiliser un flash ou un voyant de vitesse. Mais le problème, c'est que si vous mettez cela sur votre appareil photo et que vous face à cette lumière directement vers faites face à cette lumière directement vers la personne dont vous prenez une photo, la photo sera vraiment surexposée, et elle va être très dur et direct et ça n'aura pas l'air très flatteur du tout. Il aura l'air vraiment amateur et ce n'est pas ce que nous recherchons si nous voulons prendre des photos professionnelles. Il existe maintenant de nombreuses façons d'utiliser un flash pour ajouter de la lumière supplémentaire à notre scène. Tout d'abord, nous voulons simplement commencer par ajouter le flash au-dessus de l'appareil photo. Nous utiliserions votre chaussure chaude ou votre adaptateur de chaussure froide en haut pour ajouter cela. Ensuite, vous voulez simplement vous assurer qu'il s' enfonce dans vos appareils photo afin que lorsque vous prenez une photo, elle clignote réellement. Comme je l'ai déjà mentionné, la première façon d'ajouter des lumières est de faire briller directement ce flash vers les sujets. Mais le problème, c'est que cela crée un aspect vraiment dur. La première option consiste à adoucir la lumière. Généralement, si vous avez un flash, vous obtenez l'une de ces majuscules. Ce n'est qu'un bouchon de diffusion. Vous le placez sur le devant du flash, et cela va simplement adoucir instantanément cette lumière, créant ainsi un aspect plus doux. Encore une fois, mais personnellement, j'ai l'impression que c'est juste un peu trop dramatique. C'est ici que vous pouvez orienter le flash vers le haut. Nous allons mettre fin à la diffusion, puis nous pourrons accéder à ces cartes. Ces cartes ici sont des cartes rebondissantes, et elles doivent être en haut de votre flash. Vous sortez ça et comme vous pouvez le voir, il y a ce morceau de plastique ici. Cela passe juste au-dessus de notre lumière pour orienter la lumière vers la carte de rebond, puis la lumière va apparaître, frapper la carte et rebondir. Plutôt que de frapper directement la personne, maintenant avec la carte de rebond va frapper ça abord, puis rebondir sur le sujet. C'est une excellente façon de l' adoucir encore plus. Bien sûr, si vous n'avez pas de carte de rebond, vous pouvez simplement la faire rebondir d'un mur ou d'un plafond. Plutôt que d'avoir le flash directement vers l'avant, vous pouvez l' orienter vers le haut et faire rebondir la lumière du plafond, remplissant ainsi l'espace. Le problème, c'est que si vous avez un plafond sombre. Si vous avez un plafond noir ou si vous avez de très hauts plafonds, alors cette lumière va se perdre et vous ne verrez pas cela. Cela ne fonctionne vraiment que si vous avez des plafonds inférieurs et qu'il s'agit d'une couleur blanche ou plus vive. Si vous avez de hauts plafonds ou des plafonds sombres , vous pouvez également éteindre le flash et le faire rebondir du mur. Vous pouvez prétendre que le mur est une lumière, de sorte que vous rebondissez du mur et qu'il frappe le sujet. Le problème avec le rebondissement est que lorsque vous faites rebondir la lumière sur un mur, il prendra la couleur du mur et la mettra sur le sujet. Si vous avez un mur blanc, cela n'a pas d'importance car vous avez une belle lumière blanche et vous pouvez simplement ajuster la balance des blancs dans l'appareil photo pour compenser cela. Mais si vous rebondissez sur un mur bleu vif ou vert vif, toutes ces couleurs rebondissent sur le sujet. Il est vraiment important que lorsque vous faites rebondir la lumière, vous regardiez où la lumière pourrait rebondir et déterminer s'il y a de la couleur qui se déverse sur la personne. Enfin, enfin, j'ai ma façon préférée d'ajouter du flash et c'est d'enlever le flash de l'appareil photo. Vous devez vous assurer que vous disposez d'un flash sans fil dans cet exemple. En général, ce que je fais, c'est que je fais remonter la carte de rebond et j'utilise le rebond ou je la fais rebondir au plafond. Je prends l'appareil photo, je prends la photo et je tiens les lumières ici. Cela va maintenant ressembler à une configuration d'éclairage sur un support d'éclairage. Vous pouvez le configurer sur un support d'éclairage si vous souhaitez ajouter plusieurs lampes de poche. Mais si vous n'avez que le seul, il suffit de tenir cette longueur de bras à peu près sur le côté, ce qui vous donnera un bel aspect, et cela vous donnera un peu plus de forme. Bien entendu, cette option dépend du fait que votre flash soit sans fil ou non. Si ce n'est pas le cas, vous pouvez acheter des adaptateurs qui le convertissent en flash sans fil, et je le recommande vivement. Maintenant, avec la photographie au flash, vous pouvez également profiter pleinement de l'éclairage couleur. Vous pouvez acheter des gels colorés, qui ne sont essentiellement que de petits morceaux de plastique qui collent sur le dessus du flash. Encore une fois, vous pouvez recréer ce même aspect coloré à l'aide de votre flash, plutôt que de lumières vidéo continues ou de grands voyants de configuration. Que vous utilisiez un flash sur votre appareil photo, que utilisiez un flash sur votre appareil photo, vous utilisiez des lumières vidéo externes ou que vous profitiez simplement de la lumière naturelle et utilisez un kit de réflecteur pour contrôler cette lumière, il est très important que vous réfléchissiez à l'éclairage, car d'abord, vous devez insérer de la lumière dans le capteur de votre appareil photo. Mais deuxièmement, vous voulez contrôler la lumière, contrôler l'apparence et la sensation de votre image. Il ne sert à rien de simplement jeter de la lumière sur votre photo, car vous devez ajouter de la lumière supplémentaire. Vous devez vraiment recadrer cela et développer un look qui fonctionne pour le ton de votre photo. Pensez à l'éclairage d'un point de vue technique, mais pensez également à l'éclairage d'un point de vue créatif, car vous pouvez vraiment aider à créer une ambiance avec votre éclairage. Malheureusement, en ce qui concerne la photographie, l' une des choses que les gens oublient toujours est l'éclairage. simple fait d'ajouter une lumière supplémentaire ou deux dans le bon angle peut vraiment faire la différence entre une photo amateur et une photo professionnelle. Passez du temps à connaître votre éclairage et à faire des expériences avec vos photographies et vos éclairages. 21. Distance focale: Lorsqu'il s'agit de prendre des photos, les gens croient généralement que tout est contrôlé par l'appareil photo. Mais le fait est qu'il y a deux parties de l'ensemble de l'appareil photo. Vous avez le boîtier de l'appareil photo, puis vous avez l'objectif, et l'objectif peut réellement faire une différence considérable sur vos photos. Un bon exemple de cela est votre distance focale. Maintenant, votre distance focale est essentiellement le nombre de votre objectif, ce qui représente le zoom. Si vous regardez un objectif zoom, par exemple, il indiquera 18, 24, 32 , 50, il ira jusqu'à un nombre. Ou si vous avez un objectif principal, il sera défini sur un nombre spécifique. Votre distance focale correspond essentiellement au zoom de la prise de vue. Lorsque vous avez un nombre inférieur, 16, 18, cela signifie que vous avez un champ de vision très large. Mais quand vous le tirez jusqu'à un nombre plus élevé, allons donc aller 105. Cela signifie que vous allez être très zoomé, de sorte que vous vous concentrez sur une zone très spécifique du cadre. Ce n'est pas seulement le zoom avant et zoom arrière que la distance focale contrôle. La distance focale contrôle également les caractéristiques des prises de vue. Si vous avez pris une photo de plus près personne dont la distance focale est fixée à 18, vous remarquerez qu' elle est complètement différente d'une photo prise à 105 ou un nombre supérieur comme celui-ci. L'objectif peut réellement modifier la forme de l'image et modifier la forme du sujet devant l'appareil photo. Prenons trois photos. Nous allons les encadrer comme des gros plans, il y aura trois photos de moi. Le premier sera de 18 millimètres, le second sera de 55 et le troisième sera de 85. Nous avons donc trois photos toutes réglées sur des distances focales différentes, et vous remarquerez qu'elles sont toutes très différentes. Les réglages de la caméra sont les mêmes dans tous ces domaines, l'éclairage est identique. L'éclairage n'a pas changé du tout, mais ils sont tous très différents. Cela est dû à la distorsion de la distance focale. J'ai l'air très fin dans la version 18 millimètres de la photo, mais quand je change cela jusqu'à 50 millimètres, mon visage est un peu plus rempli. Puis quand je vais jusqu' à 85 ans, mon visage commence à paraître un peu plus grand. Il s'agit de la distance focale en jeu. La distorsion de l'objectif créée par cette distance focale est ce qui change la forme de moi dans toutes ces différentes photos. Il est vraiment important que lorsque vous prenez des photos, vous compreniez parfaitement comment votre objectif spécifique et la distance focale que vous choisissez vont déformer le sujet. Si vous voulez que quelqu'un soit un peu plus mince , optez pour un nombre plus petit. Si vous voulez que quelqu' un soit un peu plus plein en face, optez pour un nombre élevé. Généralement, si vous prenez des photos de personnes, vous voulez être à environ 50 millimètres. Parce qu'aux alentours de la barre 50, il y a un aspect assez naturel. Ainsi, non seulement la distance focale contrôle le zoom avant ou le zoom arrière des images, mais elle contrôle également la quantité de distorsion dans le cadre. Choisissez une distance focale qui vous satisfait et comprenez comment cela affectera votre image. 22. Objectifs Prime vs Zoom: Maintenant, lorsque vous envisagez d'acheter des objectifs, vous remarquerez qu'il existe deux types d'objectifs photographiques différents . Vous disposez d'un zoom et d'un objectif principal. Essentiellement, un zoom a la possibilité de changer la distance focale pour que vous puissiez obtenir un 18-35, un 24-105, un 35-50. ne s'agit que de la plage de focale disponible pour ces objectifs. Ensuite, vous avez un objectif à distance focale fixe ou un objectif principal. Il ne s'agit que d'un objectif de 50 mm, d'un objectif de 30 millimètres et d'un objectif de 18 millimètres. s'agit d'une seule distance focale, donc vous ne pouvez pas zoomer avant et vous ne pouvez pas effectuer de zoom arrière. suite, la principale différence entre ces deux objectifs est que l'objectif zoom a plus de flexibilité, l'objectif principal dont vous n' avez qu'une seule distance focale. On pense généralement que l'objectif zoom est la solution à suivre. Bien, même si vous avez moins de flexibilité sur un objectif principal, il y a certainement un avantage à utiliser un objectif principal car, abord, vous obtiendrez un aspect très cohérent. Comme la distance focale est fixe, rien ne va changer. La seule chose qui va changer lorsque vous avez un objectif principal allumé, c'est tout ce que vous faites dans l'appareil photo , de sorte que l'objectif ne change rien. Le problème, c'est que lorsque vous utilisez un zoom avant pouvez modifier l'ouverture de l'appareil photo. Si vous êtes réglé sur F2.8 sur un objectif 24-105 et que vous êtes réglé sur 24 sur la distance focale. Si vous zoomez sur 105, votre ouverture atteindra réellement F4. C'est le problème avec certains objectifs photographiques. Vous n'avez pas de réglage cohérent sur toutes les distances focales différentes, ce qui signifie que si vous n'êtes pas prudent et que vous ne faites pas attention, certaines photos seront plus lumineuses que d'autres photos. fait d'avoir un objectif principal signifie que votre ouverture ne changera pas sans que vous le sachiez. De toute évidence, vous pouvez toujours modifier l'ouverture, mais elle ne sera pas différente entre chaque image. C'est à vous de régler cela manuellement. Il y a une apparence plus homogène et une facilité d' utilisation avec les objectifs de premier choix que les zooms. Les objectifs Prime produisent également généralement une image plus belle. La plupart des photographes et de la plupart des vidéastes pencheraient également vers un objectif principal plutôt qu'un zoom, car vous obtenez une image plus belle à partir d'un objectif principal. Le problème, c'est que les objectifs primes peuvent coûter cher si vous devez acheter un ensemble. Un zoom est un moyen très agréable et abordable d' obtenir toutes les distances focales dont vous pourriez avoir besoin. 23. Filtres: L'un des meilleurs moyens de modifier votre photo consiste à utiliser des filtres sur votre objectif. Si vous regardez la face avant de votre objectif, où se trouve le verre, vous remarquerez qu'il y a un filetage et c'est pourquoi vous pouvez visser un filtre. Il existe différents types de filtres, et ils sont tous destinés à faire différentes choses. Dans cette vidéo, je vais vous présenter quelques-uns des plus populaires et pourquoi vous voudrez peut-être utiliser l'un d'entre eux pour votre travail photographique. Le premier est un filtre ND, un filtre à densité neutre. Le moyen le plus simple de décrire cela est une paire de lunettes de soleil pour objectif de votre appareil photo. Comme vous pouvez le constater, il s'agit d'un filtre très sombre et c' est parce qu'il s'agit de ND 1000. Maintenant, les NDD sont évalués en force. Un ND2 n'est pas aussi intense qu'un ND 1000. Plus le nombre est élevé, plus le filtre est sombre. Mais pourquoi voudriez-vous retirer la lumière du cadre ? Pourquoi mettriez-vous quelque chose de sombre devant l'objectif ? Comme vous pouvez le voir, si je mets ça devant cet objectif vidéo, vous pouvez voir qu'il est complètement rendu ce cadre noir. Eh bien, en supprimant cela du cadre , vous pouvez laisser passer plus de lumière dans vos autres paramètres. Si vous vouliez faire une photo longue exposition pendant la journée, vous vouliez garder votre obturateur ouvert pendant environ 20 secondes. Si vous n' avez pas de filtre ND, votre image serait complètement surexposée et vous obtiendrez simplement une photo blanche. Mais lorsque vous retirez la lumière qui pénètre dans l'objectif de l'appareil photo, cela signifie que vous pouvez profiter de cette ouverture plus longue de l'obturateur et ainsi obtenir une photo plus longue. Essentiellement, il s'agit simplement d' éliminer la lumière qui pénètre dans le capteur de la caméra afin que vous puissiez ouvrir l'obturateur pendant de longues périodes. C'est juste contrôler la lumière qui pénètre dans la caméra. La prochaine étape, nous avons un filtre polarisant. Il s'agit du filtre numéro 2. Un filtre polarisant va faire baisser un peu votre lumière, mais ce n'est pas ce à quoi il est prévu. Un filtre polarisant va augmenter la saturation de vos verts et de vos bleus. Si vous faites face loin du soleil et que vous placez un filtre polarisant sur l'objectif de votre appareil photo, si vous le retournez, vous remarquerez que le ciel deviendra plus ou moins bleu. La même chose fonctionne également pour l'herbe. Si vous filmez un champ et que vous tournez cela, il deviendra plus ou moins vert, plus saturé. Si vous orientez votre appareil photo vers le soleil et que vous faites la même chose, malheureusement, vous ne verrez pas beaucoup de différence. Ce n'est vraiment que lorsque vous êtes face loin du soleil. Mais la beauté d'un filtre polarisant est qu' il peut réellement supprimer les reflets de votre photo. Si vous prenez une photo d'un bâtiment et qu'il y avait des reflets du ciel sur le bâtiment, et que vous voulez les supprimer. Si vous utilisez un filtre polarisant, vous l' allumez, retournez-le allumez, retournez-le et vous remarquerez que ces reflets disparaissent. C'est très pratique. Filtre numéro 3, nous avons un tiffen black pro mist. C'est comme un filtre à effets spéciaux. Maintenant, un brouillard pro est essentiellement cela pour épanouir les points forts. Si vous avez l'impression que votre photo semble un peu nette et un peu clinique, vous pouvez simplement placer un filtre Tiffen Pro Mist sur votre objectif et cela adoucira tout. Maintenant, c'est un quartier noir pro miste. Vous pouvez en obtenir la moitié ou vous pouvez obtenir un plein. Plus le nombre est élevé, plus le look est intense. Si vous allez jusqu'au complet, cela signifie que cela aura l'air très dramatique et très onirique. C'est un filtre très stylisé, mais il peut vraiment aider à améliorer vos photos. Enfin, nous avons un autre filtre à effets spéciaux. Celui-ci est le filtre CinePacks Clear Streak. Si vous regardez attentivement cet objectif, vous remarquerez qu'il y a des lignes au milieu de l'objectif. Le but est de changer certaines lumières et de créer des traînées lumineuses. Encore une fois, nous allons le placer devant l'objectif. Comme vous pouvez le voir, en regardant là-bas, vous obtenez ces belles stries à travers l'objectif. Bien sûr, c'est très stylisé et très particulier, mais c'est vraiment génial d'avoir cette option lorsque vous prenez vos photos. Bien sûr, je n'en ai pas ici, mais le dernier filtre est probablement le plus basique, c'est le filtre UV, le filtre ultraviolet. L'objectif principal est d'empêcher les rayons UV d'endommager l' objectif de votre appareil photo et le capteur de votre appareil photo. Mais la plupart des gens l'utilisent simplement comme moyen de protéger leur objectif. Vous vissez le filtre UV. C'est tout à fait clair. Cela n'affecte pas vos photos, mais il protège le capteur de votre appareil photo, et les gens aiment l'utiliser pour protéger l'extrémité de leur objectif. Si vous grattez votre objectif, vous ne pouvez pas faire grand-chose à ce sujet. Mais si vous grattez le filtre UV, il vous suffit d'acheter un nouveau filtre et votre objectif est toujours en sécurité. Vous disposez d'un filtre UV qui protège votre objectif. Vous disposez d'un filtre à densité neutre qui assombrit l'image. Vous disposez d'un filtre polarisant qui élimine les reflets et améliore la saturation. Ensuite, vous avez un filtre pro mist qui épanouit vos points forts. Ensuite, vous disposez d'un filtre à effets spéciaux comme ce filtre à rayures claires, qui va simplement manipuler les lumières du cadre. Maintenant, il est vraiment important d'acheter le filtre adapté à votre objectif. Si vous regardez votre objectif à l'extrémité de l'objectif, il devrait y avoir un chiffre. Il faut dire 77, 72, 68, quelque part là. Assurez-vous d'acheter le bon numéro. Parce que si vous achetez un filtre 77 millimètres et que le diamètre de votre objectif est 72, ne sera pas vissé. Il est très important de trouver le diamètre de l'objectif, puis de le faire correspondre au filtre. C'est vraiment important. Vous ne pouvez pas acheter de filtres arrêtés, ce qui signifie que vous pouvez convertir un filtre plus grand pour travailler sur un objectif plus petit. Il s'agit d'un 77 millimètres et l'objectif que je suis actuellement allumé est 72, donc je peux acheter un filtre arrêté, pour que je puisse l'utiliser sur cet objectif. Mais le problème, c'est que vous ne pouvez pas aller dans l'autre sens. Si l'objectif est trop petit pour l'objectif de votre appareil photo, vous ne pouvez malheureusement rien y faire . Là, les filtres sont un excellent moyen de contrôler votre image et de vous offrir plus de flexibilité et d'options créatives lorsque vous prenez vos photos. 24. Photographie à longue exposition: La photographie à longue exposition est une technique photographique utilisée pour créer de belles images. Mais qu'est-ce que c'est et comment le faire ? Eh bien, la photographie à exposition prolongée profite essentiellement d'un obturateur ouvert. Il va simplement flouter tout le mouvement dans le cadre pour créer une belle photo. Aujourd'hui, l'exemple typique d' une photo à exposition plus longue est le trafic. Vous prenez une photo de la circulation avec une vitesse d'obturation longue et vous verrez tous les feux arrière et les phares estomper dans cette très belle série de lumière. Il s'agit d'une photographie à longue exposition au travail. Mais comment capturer une photo longue exposition ? Eh bien, tout d'abord, vous voulez obtenir votre appareil photo, assurer qu'il est en mode manuel, puis tirez votre obturateur jusqu'à un plus grand nombre. Quelque part environ 10 secondes, 20 secondes ou 30 secondes. Ensuite, vous voulez placer votre appareil photo sur un trépied. C'est vraiment important que vous fassiez cela, car si vous tenez la caméra, tous vos petits mouvements seront intégrés dans les images et vous obtiendrez un résultat désordonné. Vous voudrez placer votre appareil photo sur un trépied , réduire votre vitesse d'obturation jusqu' à une vitesse d'obturation longue, puis ajuster tous vos autres paramètres en conséquence. Vous souhaitez maintenant régler la minuterie de votre appareil photo pendant deux secondes si possible. Cela signifie qu'une fois que vous appuyez sur l'obturateur, il faut deux secondes avant de commencer à prendre la photo. La raison pour laquelle je suggère cela est que l'action physique consistant appuyer sur le bouton de l'obturateur pourrait secouer la photo, ce qui ruinera vos résultats. Réglez un minuteur de deux secondes, puis laissez votre appareil photo prendre sa photo. Maintenant, si vous prenez des photos plus longues pendant la journée, vous devrez contrôler la quantité de lumière qui pénètre dans le capteur. C'est pourquoi nous utiliserions nos filtres ND ou nos filtres à densité neutre. Posez un filtre ND à l' avant de votre objectif, puis réglez tous vos réglages pour obtenir la bonne exposition. Toutefois, si vous faites une photo à longue exposition le soir quand il fait sombre et que les lampadaires sont allumés, vous n'aurez pas besoin d'un filtre ND à moins d'avoir une vitesse d'obturation très longue. Mais par défaut, vous n' aurez probablement pas besoin de votre filtre ND Vous pouvez donc le retirer si vous capturez votre exposition plus longue à l'extérieur la nuit, lorsqu'il fait nuit. C'est essentiellement ça. Il suffit de vous assurer d'avoir une vitesse d'obturation ouverte, que une vitesse d'obturation ouverte, votre appareil photo est sur un trépied et que vous disposez d'un filtre ND si vous avez besoin de contrôler la lumière. C'est votre photographie d'exposition plus longue. Maintenant, il est très important que lorsque vous prenez des photos à longue exposition, vous ayez du mouvement dans le cadre. Il est inutile de prendre une photo d'exposition plus longue d' une photo dans un musée d'art, car malheureusement, rien ne change et rien ne va se passer. Assurez-vous d' avoir un mouvement dans le cadre pour voir cela. Si vous preniez une photo d'une rivière, les ondulations dans l' eau créeront une très belle photo lisse. Ou peut-être pourriez-vous prendre des photos de voitures sur une route où la circulation va vous donner un très beau flou et vous verrez les lumières s'estomper dans le cadre. Cependant, si vous êtes à un point de repère très fréquenté dans un centre-ville animé, vous pouvez utiliser une longue exposition pour vous débarrasser des gens, car les gens vont se déplacer si fréquemment. Si vous réglez votre vitesse d'obturation sur 30 secondes, en 30 secondes, toutes les personnes se seraient déplacées et auraient changé de position. Tant que personne ne traîne trop longtemps, ils devraient disparaître complètement de la photo. Parce qu'ils sont ici un seul et qu'ils passent ensuite à travers le cadre et disparaissent, il n'est pas assez long pour qu'ils soient cuits dans l'image. Bien sûr, s'ils restent là pendant 20 ou 30 secondes et qu'ils ne bougent pas, ils seront dans le cadre. Mais s'ils ne font que passer, ils ont juste une vitesse d'obturation longue, ayant cet effet d' exposition prolongée, cela aidera vraiment à s'en débarrasser. Si vous voulez faire croire qu'il n' y a personne à ce point de repère, si vous avez la vitesse d' obturation la plus longue et que c'est un excellent moyen de vous débarrasser de ces personnes, longue exposition est une technique vraiment géniale qui tire pleinement parti de la vitesse d'obturation de votre appareil photo pour créer de beaux résultats époustouflants. 25. Photographie sportive: Quand il s'agit de prendre des photos de sports ou d'action, vous devez vous assurer de porter une attention particulière aux deux réglages de votre appareil photo, à vitesse d' obturation et à vos modes de rafale. Tout d'abord, la vitesse d'obturation, nous savons ce que c'est. C'est pendant combien de temps cet obturateur reste ouvert, et nous savons que plus la vitesse d'obturation est élevée, plus l' action sera nette. Si vous capturez des sports ou quelque chose d'action, vous voulez vous assurer d'avoir un obturateur haut, car si vous avez un obturateur inférieur, vous verrez un flou de mouvement dans le cadre, ce qui semble amateur. Vous voulez vous assurer que vous êtes à une vitesse d'obturation appropriée, donc 1/200, 1/400, 1/500, l' une de ces vitesses d'obturation les plus élevées devrait faire l'affaire. Si vous constatez un flou dans vos images, vous souhaitez augmenter ce nombre à un nombre encore plus élevé. Mais bien sûr, vous voulez également vous assurer que vous prêtez attention à vos modes de rafale. Vous ne voulez pas être réglé sur une prise de vue unique, vous voulez être réglé sur des prises de vue multiprises ou multiimages. Cela signifie essentiellement que si vous êtes réglé sur prise de vue unique lorsque vous prenez une photo, il ne prendra qu'une seule photo. Mais si vous avez défini ce prise de vue multiple ou en mode rafale, cela signifie que lorsque vous appuyez sur l'obturateur vers le bas, si vous le maintenez enfoncé et que vous ne le lâchez pas, cela signifie que l'appareil photo prendra autant de photos par seconde, comme la caméra est capable de le faire. Le nombre de photos qu'il peut prendre par seconde varie, mais il peut s' quatre à 15 photos par seconde. Si quelqu'un saute en l'air, si vous maintenez simplement ce bouton enfoncé avec ce mode rafale activé, cela signifie que vous obtiendrez un certain nombre de photos par seconde, ce qui vous permet de voir chaque partie de cette action est capturée. Cela signifie que vous n'essayez pas d'obtenir une seule photo des moments parfaits. Vous pouvez simplement maintenir le bouton de l'obturateur enfoncé et il y a de fortes chances que vous obtiendriez la photo que vous recherchez. Bien sûr, une fois que vous avez la photo, vous pouvez vous débarrasser du reste de cette rafale dont vous n'avez pas vraiment besoin. Le réglage de vos appareils photo en mode rafale est un excellent moyen de vous assurer de ne pas manquer la prise de vue que vous recherchez. Si quelqu'un fait un back-flip, vous voulez ce moment parfait quand il est en l'air. Si quelqu'un donne un coup de pied sur un terrain de football, vous voulez que son pied touche simplement la balle et où touche simplement la balle le ballon commence à voyager. le mode rafale est activé, il est très possible de capturer. 26. Photographie de portraits: En ce qui concerne la photographie de portrait, il y a quelques éléments auxquels vous souhaitez prêter attention. L'un concerne les réglages de l'appareil photo et l'autre est votre éclairage. Passons donc dans les paramètres de notre caméra. Votre vitesse d'obturation n'a pas besoin d'être trop élevée, mais elle ne peut pas non plus être trop basse. Si la personne devant la caméra fait des poses et des mouvements, vous devez vous assurer que vous n'êtes pas trop bas au point où elle pourrait s'estomper. En général, lorsque je fais de la photographie de portrait, j'ai réglé ma vitesse d'obturation autour de 1/100 ou 1/150 quelque part dans cette zone. Donc, s'ils bougent, il n'y aura pas de flou de mouvement, mais je laisse toujours suffisamment de lumière dans le capteur de la caméra. L'ouverture peut alors être ce qu'elle doit être. Cela n'a pas d'importance pour la photographie de portrait. Il peut être ouvert ou fermé, haut ou bas, peu importe. Votre ISO peut également s'adapter à l'endroit où elle doit aller. Mais en général, j' essayais toujours de garder cela aussi bas que possible. Mais votre balance des blancs est ce qui va vraiment être important ici. Vous voulez vous assurer de définir votre balance des blancs sur la couleur de la scène, car si vous réglez balance des blancs automatique ici, cela signifie que vous modifiez toutes ces photos à partir du au même endroit, ils auront tous des couleurs légèrement différentes. Donc, si vous réglez la balance des blancs sur un réglage spécifique, exemple la lumière du jour ou le tungstène 55 ou 32, cela signifie que toutes vos photos auront le même aspect et la même couleur s'y appliquera. C'est vraiment important si vous vous trouvez dans un seul endroit et que vous prenez potentiellement des centaines de photos d'une même personne sur le même arrière-plan. Vous ne voulez pas avoir à effectuer ces ajustements précis dans l'édition de chaque photo, il suffit de régler votre balance des blancs avant de commencer à prendre les photos. Ensuite, vous voulez faire attention à l'éclairage car il est très important de façonner votre éclairage ici. Donc, pour la photographie de portrait, je recommande normalement un éclairage à trois points ou à deux points. Je recommande vivement d'avoir une source de lumière plus douce plutôt qu' une source de lumière dure, car une source de lumière douce peut vous donner très beaux résultats flatteurs. Bien sûr aussi, en tant que photographe, c'est à vous de faire en sorte que la personne devant l'appareil photo se sente aussi confortable que possible. Vous devez donc avoir un dialogue ouvert avec eux et les mettre à l'aise avec le processus. Il convient également de noter que vous devrez peut-être les ajuster , les déplacer et les placer dans des positions différentes. Assurez-vous simplement qu'il existe une ligne de communication ouverte entre vous en tant que photographe et le modèle à l'écran. Il est vraiment important ici de ne pas avoir peur de dire à quelqu'un d'essayer une autre pose ou de bouger la tête d'une certaine manière. Il est vraiment important que vous obteniez la bonne photo plutôt que de regarder en arrière et qu' elle n'ait pas l'air bien. N'ayez donc pas peur de bouger quelqu'un, de modifier quelque chose ou de lui demander de faire quelque chose légèrement différemment ou d' essayer une autre pose. Le but de la photographie de portrait est d'essayer différents looks, différents styles, différentes poses, jusqu'à ce que vous trouviez les bonnes photos. Alors, entrez un dialogue ouvert entre vous et la personne dont vous prenez les photos pour vous assurer d' obtenir les meilleurs résultats. C'est vraiment une collaboration ici, il faut leur faire confiance, ils doivent vous faire confiance. Il est donc très important que vous les écoutiez et vous trouviez ce dont vous avez besoin pour obtenir les meilleures photos. La photographie de portrait peut être très amusante, surtout si vous avez quelqu'un avec qui il est génial de travailler. Tu mets juste de la bonne musique et tu pars. C'est un processus vraiment amusant. Juste un rappel, assurez-vous simplement de définir votre balance des blancs à l'avance. Utilisez un éclairage complémentaire, donc trois points ou deux points, puis assurez-vous d' avoir une conversation ouverte avec la personne dont vous prenez des photos. 27. Montage dans Adobe Lightroom - Partie 1/2: Une fois que vous avez pris toutes vos photos, vous devez maintenant les importer dans Adobe Lightroom. Laissez-moi vous guider dans ce processus maintenant. Comme vous pouvez le constater, nous sommes à l'intérieur d'Adobe Lightroom et, pour importer votre photo, il vous suffit d' entrer dans le coin inférieur gauche et de cliquer sur le bouton Importer. Ensuite, vous voulez simplement naviguer sur votre disque dur, votre dossier, quoi que vous ayez, vous souhaitez naviguer jusqu'à l'endroit où se trouvent ces photos. Comme vous le verrez, toutes vos photos seront chargées. Maintenant, comme vous pouvez le voir, le mien dit .CR2 et c'est parce que j'édite des fichiers bruts dans cet exemple. Maintenant, comme vous pouvez le constater, certaines de ces photos commencent à se griser et c'est parce que je les ai précédemment importées et exportées depuis Adobe Lightroom. Si vous ne l'avez pas encore fait auparavant, si c'est la première fois que vous importez certaines photos dans Lightroom, elles apparaîtront toutes en couleur. Vous pouvez simplement les importer tous ou sélectionner tout décocher et ensuite cocher ceux que vous souhaitez importer. Je vais simplement importer celui-ci, donc je vais le sélectionner, et j'appuierai sur « Importer » en bas à droite. Cela prendrait juste une seconde pour les importer. Maintenant, comme vous pouvez le voir, si je double-clique sur cette photo, elle tourne mal. Je peux soit le faire pivoter ici comme ça, soit alternativement, je peux revenir dans la vue principale et je peux simplement la faire pivoter comme ça. C'est généralement ce que je cherche, car cela signifie que vous pouvez mettre en évidence des photos spécifiques. Je vais donc sélectionner le premier, maintenir la touche Maj enfoncée, sélectionner le second et simplement les faire pivoter en même temps. Si vous avez 300, 400 ou 500 photos, il vous suffit de commander A ou de Contrôler A pour toutes les sélectionner, puis les faire pivoter de la bonne manière. Il suffit de les faire pivoter en une seule fois. Pour le moment, nous sommes dans l'onglet Bibliothèque, mais nous ne pouvons pas modifier ici. Nous devons double-cliquer sur la photo et accéder à Développer en haut à droite. Cela va charger l'onglet Développer ou modifier. Comme vous pouvez le constater, nous sommes à l'intérieur de l'onglet Développement et à droite, nous avons toutes ces différentes sélections. Sur la gauche, vous pouvez voir aussi que nous avons tous ces préréglages. Vous pouvez ajouter un préréglage si vous le souhaitez. Ils sont maintenant préinstallés sur Adobe Lightroom ou vous pouvez installer vos propres préréglages. Vous pouvez en sélectionner un qui vous convient. J'aime beaucoup le look de ce CN18, qui a l'air vraiment joli. Mais je ne vais pas ajouter de préréglage. Au lieu de cela, je vais aller à droite vers ces dossiers. Je vais juste les parcourir un par un et vous expliquer ce qu'ils font et ce que je ferais en cours de route. Dans le dossier de base, nous avons notre température et notre teinte de base, donc c'est la balance des blancs. Si vous vouliez réchauffer cela, poussez-le vers les chiffres les plus élevés. Si vous voulez le refroidir, poussez-le vers les chiffres inférieurs. Je vais juste réchauffer un peu ça . Ensuite, vous avez la teinte. Si votre appareil photo prend plus de vert ou de violet, vous pouvez le modifier dans l'autre sens pour corriger cela. Canon est un peu du côté vert, donc je vais pousser ça vers les violets juste pour équilibrer un peu ça. Ensuite, vous avez votre exposition, c' est-à-dire votre luminosité. Je vais juste remonter un peu ça. Maintenant, vous avez le contraste. Comme vous pouvez le voir si je remonte ça, ça va juste rendre ces sombres plus intenses et la partie la plus brillante sera plus intense. Je vais juste ajouter un peu de contraste. Ensuite, vous pouvez voir que ce ciel est complètement soufflé, il est surexposé. Nous pouvons accéder au curseur de surbrillance et nous pouvons l'extraire pour restaurer ces points forts. Maintenant, si vous aviez une image JPEG, cela ne serait pas possible. Cela n'est possible qu'en raison du format brut que je modifie. Ensuite, vous avez vos ombres. C'est la partie la plus sombre, donc je peux tirer les ombres vers le haut pour les faire ressortir aussi. Mais comme vous pouvez le constater, si je remonte trop haut, nous exposons tout ce bruit et ce grain, donc je ne le retire qu' une certaine quantité. Ensuite, nous avons les blancs. C'est assez explicite. Vous pouvez voir les parties blanches de l'image ou les nuages dans cet exemple, alors je les tire vers le bas, tire la luminosité de ceux-ci vers le bas. Il expose tout cela beaucoup plus gentil. Ensuite, vous avez les noirs et vous pouvez les rendre plus intenses ou moins intenses. En général, une fois que j'aurai équilibré tout cela, je reviendrai au contraste et j' ajouterai une touche plus contrastée. Je pense que c'est vraiment beau. Si vous vouliez comparer cela à l'original, alors vous pouvez descendre en bas à gauche ici et vous pouvez appuyer sur YY. Dites que c'est à gauche que c'est l' avant et à droite, c'est l'après. Vous voyez déjà que nous avons apporté de beaux changements. Ensuite, ici, nous avons de la présence, afin que vous puissiez ajouter des textures, ce qui, si nous zoomons, vous pouvez voir que cela va simplement intensifier ce détail. Mais personnellement, je trouve qu'il y a un peu beaucoup, donc je vais juste rester assez bas. La clarté fait la même chose. Cela ne fait qu'intensifier ces détails. Ensuite, le curseur Dehaze est parfait si vous prenez des photos et qu'il était un peu smoggy ou un peu flou. Vous pouvez simplement faire glisser le curseur Dehaze restaurer une partie de ce détail. Ensuite, vous obtenez de la vibrance et de la saturation, ce qui n'est que l' intensité de la couleur. En général, j'aime garder la vibrance supérieure à la saturation. J'ai la saturation autour de plus cinq et la vibrance peut atteindre environ 30. Bien sûr, cela changera en fonction votre photo et de votre style. Si vous vouliez aller en noir et blanc, vous pouvez simplement tirer ce curseur de saturation jusqu'au bas ou vous pouvez le tirer jusqu'au haut, mais cela semble un peu intense. Personnellement, pour mon style, j'aime le garder quelque part. Ensuite, la courbe tonale suivante est votre courbe tonale et si vous connaissez les courbes dans Adobe Premiere ou After Effects, cela fonctionne exactement de la même manière. Si ce n'est pas le cas, je vais vous guider. Vous avez votre RGB1, qui est votre blanc, donc il s'agit de vos canaux rouge, vert et bleu. Si nous devions tirer le haut à droite vers la gauche, vous verriez qu'il augmentera la luminosité des parties lumineuses, les reflets. Ensuite, si je tire le bas vers le haut vers le haut, cela augmentera la luminosité dans les ombres ou les zones sombres, puis le milieu sera vos points médians. Si vous voulez rendre une zone plus lumineuse, vous la poussez en haut à gauche et si vous voulez la rendre plus sombre, vous la tirez en bas à droite. Parce que nous avons le RVB, nous pouvons aller dans les canaux individuels et réduire ou augmenter la luminosité de chaque canal de couleur. Vous pouvez être très précis avec votre correction des couleurs et votre classement des couleurs ici. En général, je saute cette partie. J'ai l'impression de faire beaucoup plus de poids lourd dans le HSL et que la couleur glisse vers le haut plutôt que dans les courbes de tonalité. Dans HSL secondaire, vous avez saturation et une luminance de teinte. Comme vous pouvez le constater, je peux sélectionner des couleurs spécifiques ici. Je vais commencer par la teinte, qui est votre couleur, et nous visons le bleu. Nous avons le ciel bleu ici. Si je fais glisser le curseur bleu vers la gauche, il va changer la couleur car la teinte est la couleur. Ensuite, si vous passez à la saturation et que nous ciblons à nouveau ce bleu, vous pouvez voir qu'il va augmenter ou diminuer la saturation sur le canal bleu uniquement. Comme vous pouvez le constater, j'augmente la saturation sur les bleus, mais le reste de l' image reste place, elle ne change pas. Ensuite, votre luminance est essentiellement la luminosité de ce canal de couleur, donc je peux abaisser la luminance pour faire éclater ce ciel ou je peux le tirer vers le haut pour lui donner l' impression qu'il est correctement exposé. Mais personnellement, j'ai l'impression que c'est un peu ennuyeux de passer par ces différents onglets, alors je passe à l'onglet de couleurs. Vous pouvez sélectionner votre couleur et vous avez une teinte, saturation et une luminance dans cette même fenêtre. Concentrez-vous sur ce bâtiment, il est de couleur jaune orangé. Je veux le faire baisser un peu. Je peux aller sur le curseur de teinte et je peux juste tirer ça. Faisons en sorte que cela devienne plus orange et je vais juste baisser un peu la saturation pour qu'elle ne soit pas aussi intense. Ensuite, nous allons passer au bleu et nous allons simplement rendre le bleu un peu plus aqua-bleu comme celui-ci. On y va. J'ai l'impression que ça commence vraiment à se réunir. Ensuite, l'étalonnage des couleurs, il s'agit de vos tons clairs, de tons moyens et d'ombres. Voyez vos points forts en bas à droite, ombres en bas à gauche et les tons moyens en haut. Vous séparez toutes les parties lumineuses, les parties sombres et les parties entre les deux. Vous pouvez modifier la couleur de ces zones. Un point culminant serait le ciel ici. Si j'ai changé les reflets vers le rouge, vous pouvez voir que les parties les plus lumineuses de l'image deviendront rouges. Mais si je pousse les ombres vers le bleu ici, vous pouvez voir que ça devient bleu, mais le ciel est rouge. Vous pouvez donc obtenir une notation des couleurs vraiment intéressante et créative ici à l'aide de cet onglet. Encore une fois, j'évite généralement cela ou si je l'utilise, je ne l'utilise qu'un peu juste pour pencher une couleur d'une manière spécifique. Ensuite, nous avons des détails et voici notre affûtage numérique et notre réduction du bruit. Si je zoome jusqu'au détail, gardez une attention particulière aux détails de cette image. Si je descends la quantité d' affûtage à zéro, vous pouvez voir qu'elle a l'air un peu douce. Mais si je tire ça jusqu'à 100, c'est beaucoup plus net. Le problème est que lorsque vous ajoutez trop de netteté numérique, cela peut commencer à paraître un peu anormal, surtout si vous tirez le rayon et les détails vers le haut. Vous pouvez voir que ça commence vraiment à ne pas paraître génial du tout. Maintenant, en raison de la compression du téléchargement de ce fichier sur Skillshare, il se peut que vous ne puissiez pas le voir correctement. Lorsque vous êtes dans Lightroom, tirez votre curseur d'affûtage jusqu'au haut et voyez à quel point cela peut être intense. En général, j'aime garder les montants à environ 20, puis je retire le rayon et les détails jusqu'au bas. Cela semble beaucoup plus naturel. Ensuite, vous obtenez votre réduction du bruit. Si nous passons à une partie terne de l'image, et si je ne fais que remonter l' exposition, vous pouvez voir que c'est tout le bruit. Mais si nous passons à la réduction du bruit, vous pouvez voir que je peux remonter la luminance et cela va commencer à manger à ce bruit. Je peux également ajuster les détails et les curseurs de contraste, puis je peux aussi entrer dans la couleur, détails et la douceur, ce qui va vraiment lisser cela. Le problème, c'est que si vous êtes trop intense là-dessus, cela commence vraiment à adoucir l'image. Comme vous pouvez le voir si je ramène l'exposition à l'endroit où elle était, vous pouvez voir que l'image est très douce. Si vous appliquez une réduction du bruit, je garderais généralement cela assez subtil pour garder les chiffres petits si possible. Mais je n'ai pas besoin de réduction du bruit là-dedans, alors je vais juste tirer le mien jusqu'au bas, et ensuite je vais juste ajuster l'exposition à nouveau. Je vais juste remonter cette exposition là où elle était. Ensuite, en dessous des détails, nous avons des corrections d'objectif ce qui corrige essentiellement toute distorsion de votre objectif. Donc, si vous aviez un objectif grand angle, un objectif fisheye ou si vous aviez un téléobjectif qui se déforme, vous pouvez déformer l'objectif pour qu' il aille là où vous voulez qu'il aille. Par exemple, si vous aviez un angle vraiment grand comme celui-ci et que vous pouvez voir que votre horizon commence à se plier, vous pouvez simplement tirer ce curseur vers l' arrière pour vous retrouver avec une belle ligne droite comme celle-ci. Ce serait avant et ce serait après. Bien sûr, vous pouvez également le tirer dans l'autre sens, mais cela ne fait que compenser la distorsion de l'objectif que vous obtiendrez sur vos objectifs. Il s'agit principalement de vos objectifs grands angles ou de type fisheye. Ensuite, vous pouvez bien sûr ajouter un peu de défringage, qui n'est essentiellement que toutes les petites imperfections que l'objectif aurait pu créer à la couleur. En dessous de cela, nous avons transformé. Dans Transform, vous pouvez voir que nous pouvons ajuster le curseur vertical pour ajouter une certaine rotation. Nous pouvons faire le curseur horizontal pour ajouter une rotation ou une inclinaison à l'axe horizontal, puis ajouter une rotation. Nous pouvons modifier le rapport d' aspect, nous pouvons augmenter l'échelle, nous pouvons décaler le x et le y. Mais cette image n'a pas besoin de tout cela, donc je vais simplement annuler tous ces ajustements et ça a l'air génial. Ensuite, nous avons les effets vous avez votre vignette et vous avez votre grain. Si nous tirons la quantité sur les vignettes jusqu'à gauche, vous pouvez voir que nous obtenons cette vignette noire vraiment intense. Mais si nous allons jusqu'à droite, nous obtenons la même intensité, mais avec le blanc. Je vais juste tirer ça vers le noir et vous pouvez voir si nous ajustons les points médians, ça va changer l' endroit où se trouve cette vignette. Vous pouvez en avoir un très beau subtil dans les coins ou vous pouvez le rendre très intense. Ensuite, nous pouvons changer la rondeur afin de pouvoir l'avoir davantage cercle ou nous pouvons l' avoir plus comme une belle bordure. Ensuite, nous avons notre plume, qui n' est que la douceur. Donc, zéro va être assez intense, 100 va être très doux. Ensuite, nous avons nos points forts et, comme vous pouvez le constater, il va juste s'effacer des coins sur ces points forts. Mais je ne suis pas un grand fan d'avoir une vignette, donc je vais juste garder ça à zéro et nous allons passer au grain. Maintenant, le grain va ajouter du grain plutôt que de le retirer. Même si vous n'avez pas de grain dans l'image, si vous le souhaitez, vous pouvez tirer votre curseur de grain jusqu'au haut afin d'ajouter un faux grain à l'image. Vous pouvez également modifier la taille et la rugosité de celui-ci si vous souhaitez ajuster l'aspect de celui-ci. Bien sûr, vous n' avez pas à ajouter cela, c'est complètement stylistique et c'est votre choix en tant que créatif. Mais en général, j'aime garder mes images aussi propres que possible, donc je garde ça à zéro. Le dernier réglage que nous avons ici est l'étalonnage. Il s'agit simplement d'ajuster les ombres, la primaire rouge, la primaire verte et la primaire bleue. Ce n'est qu'une autre façon modifier la couleur. Ainsi, si une couleur est légèrement dénuée, vous pouvez simplement tirer la teinte ou la saturation d' un canal de couleur spécifique pour effectuer ces ajustements affinés. Mais en général, c'est un onglet que je saute toujours. 28. Montage dans Adobe Lightroom - Partie 2/2: Ensuite, si nous allons jusqu' ici tout en haut, vous pouvez voir que vous avez cette icône de recadrage, afin que nous puissions réellement recadrer cela. Vous pouvez effectuer ces ajustements , puis vous pouvez voir que vous avez votre angle ici pour pouvoir modifier l'angle de votre photo. Ensuite, vous pouvez entrer dans le rapport hauteur/largeur et régler le rapport hauteur/largeur, sorte que vous pouvez opter pour un format personnalisé, un par un, qui est carré quatre par cinq, ou vous pouvez le modifier en un spécifique rapport d'aspect là. Mais une fois que vous êtes satisfait de cela, vous pouvez simplement le fermer et cela fera ces ajustements. Ensuite, nous avons ce petit plâtre ou cette icône de pansement, et c'est juste pour corriger toutes les imperfections. Si vous tentiez d'enlever une tache du visage de quelqu'un, vous pourriez utiliser cela. Il suffit de zoomer sur l'image. Disons que nous allons juste dessiner ici. C'est ce que nous voulons supprimer. Maintenant, si je déplace ce cercle vers la gauche, vous pouvez voir que je copie ce qui se gauche et que je l'ajoute à droite. Maintenant, je peux ajuster la taille de celle-ci, je peux ajuster la plume, je peux ajuster l'opacité. Mais une fois que je suis satisfait de cela, je peux le fermer et cela devrait m'en débarrasser. Cependant, j'aurais besoin de faire plus de travail, juste pour mélanger cela et rendre cela beaucoup plus agréable. Ensuite, nous avons l'œil rouge ou le correcteur pour les yeux. Si vous avez un œil rouge sur l'une de vos photos suite à l'utilisation du flash, vous pouvez simplement utiliser cette option. Il vous suffit de sélectionner l'œil rouge, dessiner le cercle autour et cela corrigerait cela pour vous. Ils peuvent simplement ajuster la taille de la pupille, le curseur sombre et effectuer ces ajustements. Ensuite, la prochaine option en face est ce cercle. Comme vous pouvez le constater, il s'agit d'une façon d'ajouter des masques à votre image. Vous pouvez sélectionner un sujet qui va trouver quelqu'un dans le cadre et il va simplement dessiner un masque autour d'eux. Maintenant, comme vous pouvez le voir, il vient de dire « détection de sujet », mais comme il n'y a pas de sujet dans le cadre, vous ne les trouverez probablement pas. Au lieu de le faire, nous pouvons descendre pour sélectionner le ciel. Comme vous pouvez le constater, Adobe Lightroom va déterminer où se trouve le ciel. Comme vous pouvez le voir, on a compris que c'est le ciel. Vous pouvez ensuite effectuer des ajustements sur ce masque spécifique, afin de modifier la teinte, la température, l'exposition, le contraste, les reflets, texture, et vous pouvez ajuster tous ces autres paramètres dans ce type spécifique. zone uniquement. Ensuite, vous pouvez voir que vous avez l'outil pinceau. Plutôt que de faire confiance à l'IA pour déterminer ce qui doit être ajusté, vous pouvez en fait entrer et simplement peindre ce que vous estimez devoir être ajusté, et bien sûr, vous pouvez modifier la taille du brossez en descendant jusqu'ici et vous pouvez ajuster la plume, le débit et la densité. Ensuite, une fois cela fait, vous avez sélectionné zone que vous souhaitez ajuster, vous n'avez qu'à entrer en vigueur et vous pouvez modifier à nouveau tous ces paramètres. C'est terrible, alors revenons à cette zone, vous pouvez voir ensuite que nous avons un dégradé linéaire. Si nous le sélectionnons, nous la sélectionnons et la maintenons en haut, puis faites glisser la souris vers le bas. Vous pouvez voir, vous pouvez avoir ce joli dégradé linéaire descend. Nous pouvons retourner dans nos curseurs. Nous pouvons ajuster la température, les teintes, l'exposition, les points forts. Comme vous pouvez le constater, elle ne l' affecte que sur la partie supérieure de l'image, puis elle se dessine au fur et à mesure que l'image progresse vers le bas. Si vous aviez un ciel très lumineux et que vous ne pouviez pas le tirer vers le bas avec votre onglet Exposition, vous pouvez simplement ajouter cet effet de dégradé linéaire en haut de l'image pour faire baisser le intensité de ces points forts. Ensuite, bien sûr, nous avons des dégradés radiaux. Vous pouvez simplement dessiner un masque dans le capteur. Si nous sélectionnons des dégradés radiaux et dessinons un cercle ici, vous pouvez voir que cela n'affectera que ce qui se trouve dans ce cercle et nous pouvons déplacer le cercle où nous le voulons. Encore une fois, exposition, teinte , température, nous pouvons faire tous ces réglages ici. Mais ce sera juste ce cercle. Vous pouvez sélectionner une couleur spécifique. J'ai chargé l' outil pipette. Je vais sélectionner ce bleu dans le ciel. Comme vous pouvez le voir, il va comprendre ce qui est bleu dans le cadre et c'est là que nous pouvons entrer et nous pouvons changer la température du bleu, nous pouvons ajuster les teintes du flou, nous pouvons y entrer et ajustez l'exposition, le contraste et les hautes lumières. Cela n'affectera que ce canal bleu. J'ai l'impression que cela a vraiment fait du bon travail. Nous fermons cela, puis nous passons à notre dernière option de masquage. Parce que j'ai appliqué ce masque, comme vous pouvez le voir, je ne peux pas ajouter un autre masque ici. Je dois passer à cette option ici et sélectionner, Créer un nouveau masque. Maintenant, nous allons simplement faire le dernier qui est une plage de luminance. C'est juste, encore une fois, que nous allons acheter l'outil pipette. Nous allons sélectionner une couleur et il suffit déterminer quelle est cette intention en termes de luminosité. Vous pouvez régler la luminance. Comme vous pouvez le constater, tout le rouge va être ajusté. Si je fais passer ça, vous pouvez voir que j' isole les bâtiments et que je quitte le ciel tout seul. Vous pouvez voir, encore une fois, si je baisse l'exposition, cela va faire ces ajustements. Mais je n'en suis pas un grand fan, donc je vais simplement supprimer ça. Maintenant, si je voulais copier cette notation de couleur et la placer sur mon autre image, il y a deux façons de le faire. Je pourrais soit aller en bas à gauche et donc copions. Je peux tout vérifier si je voulais tout vérifier, ou je pourrais désactiver le recadrage si l'autre image est encadrée légèrement différemment. Je vais sélectionner Copier, revenir à cette vue sur la bibliothèque et je vais simplement aller sur cette image, aller dans Développer et je sélectionnerai simplement Coller. Comme vous pouvez le constater, cette couleur a maintenant été ajoutée dans. Bien sûr, si je le voulais , je pourrais juste faire quelques ajustements pour que cette couleur fonctionne parfaitement avec cette image. Il faisait un peu sombre avant, donc le simple fait de tirer ça rend ça un peu plus agréable. C'était l'avant et c'est l'après. Tout ce que j'ai eu à faire était de régler l'une des photos et elle est ajustée à l'autre. Bien sûr, si vous ne vouliez pas le faire de cette façon, supposons peut-être que vous avez 100 images, tout ce que vous auriez à faire est de revenir à cette vue. Disons qu'il y a 100 images ici. Il vous suffit de les mettre en surbrillance et de vous assurer que les réglages exécutent le premier. Vous allez ensuite en bas à droite, synchronisez les paramètres, synchronisez, et cela prendra tous ces paramètres de la première image et les collera sur les autres images. Encore une fois, nous pouvons accéder à cette deuxième image et nous pouvons simplement ajuster l'exposition et notre image est maintenant parfaite dans Lightroom. C'est tout pour l' étalonnage des couleurs et la correction dans Lightroom, mais comment l'exporter ? Eh bien, vous pouvez sélectionner une seule image ou sélectionner plusieurs images. Ensuite, nous allons en bas à gauche et appuyez sur Exporter. Ensuite, vous pouvez voir que vous avez exporté vers un dossier spécifique, afin que nous puissions choisir où cela va aller. Je vais juste mettre ça dans mon dossier de cours de photographie. Ensuite, nous allons simplement faire défiler vers le bas et vous pouvez renommer les fichiers, vous pouvez renommer ces fichiers en quelque chose de spécifique. Les textes personnalisés peuvent être Photography Course, comme vous pouvez le voir, il s'agit d'un exemple Photography Course.JPEG, et vous pouvez avoir une extension minuscule ou majuscule, mais je vais juste garder cela comme minuscules. Ensuite, en faisant défiler vers le bas, vous avez le format de votre fichier. Je vais exporter cela en JPEG, je m'assure que la qualité est jusqu'à 100. Si je descends ça à 10, la taille de l'image sera vraiment petite, mais la qualité ne sera pas là. Je l'ai fait jusqu'à 100 et ça va être de très haute qualité. Alors tout le reste ici va très bien. Si vous vouliez ajouter des filigranes et que vous pouvez le faire en ajoutant vos filigranes. Mais je ne vais pas m'en préoccuper pour l'instant. Nous allons simplement appuyer sur Export. Comme vous pouvez le constater, le cours de photographie A a été chargé, ces deux images ont maintenant été exportées depuis Adobe Lightroom. Si nous obtenons simplement les informations à ce sujet, parce que la qualité était sur 100, vous pouvez voir que cette image est de 25,8 mégaoctets, donc elle est vraiment de haute qualité, mais c'est une taille de fichier volumineuse. Si vous vouliez une taille de fichier plus petite, exportez simplement vers une qualité de 60, 70, 80. Mais voilà, c'est ainsi que vous allez importer vos photos dans Adobe Lightroom et les modifier en utilisant tous les différents paramètres disponibles dans Adobe Lightroom. 29. Pour conclure: là que tu y vas. C'est tout pour ce cours de photographie. En ce moment, vous devriez vous sentir à l' aise pour utiliser et capturer photos sur votre appareil photo reflex numérique ou votre appareil photo sans miroir. Le défi que je vous pose maintenant est d' utiliser toutes ces techniques que vous avez apprises dans ce cours et de prendre trois photos. Ceux-ci peuvent être tout ce que vous voulez, peuvent être une longue exposition, ils peuvent être des portraits, des photographies nocturnes, des photographies sportives, peu importe ce que c'est, prenez juste trois photos que vous êtes je suis fier de les télécharger dans la section des projets des étudiants, et je commenterai mes réflexions et mes opinions sur votre travail. Bien sûr, si vous souhaitez en savoir plus sur le cinéma et la photographie, n'hésitez pas à consulter l'un des cours sur mon profil. Mais merci beaucoup d' avoir regardé ce cours. J'apprécie vraiment votre soutien et j'espère que je vous verrai sur le prochain cours. On se voit là-bas.