Fourrure, plumes et écailles : peindre les textures animales à l'aquarelle

1. Aperçu du cours: Bonjour, tout le monde et bienvenue à la fourrure, aux plumes et aux écailles : peindre des textures animales à l'aquarelle. m'appelle Denise Soden et je suis coloriste Wildlife Water et créatrice de contenu éducatif. Vous avez peut-être déjà suivi certains de mes autres cours comme Mastering Water Control et comment dessiner et peindre les yeux d'animaux à l'aquarelle. Dans ce cours, nous allons continuer à développer nos compétences en aquarelle de la faune en apprenant à créer l'illusion de fourrure, de plumes et d'écailles dans les aquarelles tout conservant la qualité éthérée qui les entoure. Avec ce médium, je ne vise pas le réalisme photo car je sens personnellement que d'autres médiums se retrouvent mieux à ce style. Au lieu de cela, je préfère trouver un équilibre entre inclure suffisamment de détails pour le sujet soit lu comme un vrai animal tout en laissant les aquarelles faire leur propre chose. Pour cette classe, j'ai organisé une grande variété de textures afin de couvrir autant de bases que possible. Bien que je ne pouvais pas espérer couvrir toutes les textures du royaume animal, cette classe a sept démonstrations de texture individuelles, trois sur fourrure et deux pour les plumes et les écailles. Ces démonstrations se référeront les unes aux autres et s'appuieront sur des techniques récurrentes. Donc, je recommande pour au moins votre première fois à travers la classe de les regarder dans l'ordre sans sauter autour pour tirer le meilleur parti des leçons. Il y aura aussi trois projets de classe complète pour pratiquer chacune de ces nouvelles compétences avec une peinture complète, j'ai délibérément choisi des animaux pour ces pièces qui vous permettraient de flex une variété de textures dans chaque catégorie, comme inclure court, moyen et long pour tous dans la même peinture. J' ai également pris soin de choisir des animaux qui étaient principalement une couleur afin que vous puissiez vous concentrer autant que possible sur les textures elles-mêmes sans trop compliquer les choses avec d'autres facteurs. Il s'agit d'une classe de couleur d'eau de niveau intermédiaire à avancé qui suppose que vous avez des connaissances de base sur les applications et les techniques de l'aquarelle. Si vous n'avez pas déjà suivi mon cours sur la maîtrise du contrôle de l'eau, je vous recommande fortement de sauvegarder ce cours. Allez-y et prenez celui-là et revenez vous joindre à nous quand vous serez tous prêts à partir. De plus, le projet de classe dans cette classe est d' un rhinocéros qui a une peau ridée vraiment impressionnante, qui est encore une autre texture animale à apprendre à l'aquarelle. J' espère sincèrement que vous apprécierez cette classe et que les outils que vous apprendrez ici vous aideront à affronter n'importe quelle texture animale que vous rencontrerez à l'aquarelle. 2. Matériaux et ressources: En maîtrisant le contrôle de l'eau, nous avons discuté en détail de chacun des approvisionnements d'aquarelle de base, y compris le papier, les peintures et les pinceaux. Dans ce cours, je vais vous faire savoir ce que je vais utiliser spécifiquement. Mais si vous voulez plus d'informations sur le pourquoi, n'hésitez pas à visiter cette information supplémentaire sur les cours. S' il y a une de ces fournitures que vous n'avez pas en main, hésitez pas à faire des substitutions. Je veux que tu utilises ce avec quoi tu es à l'aise. Cependant, si vous rencontrez des problèmes tout au long la classe concernant vos papiers ou pinceaux spécifiquement, vous pouvez essayer ces exercices à nouveau avec différentes fournitures. Pour ce cours, j'utiliserai Arches, 140 livres de papier aquarelle de coton pressé à froid. Vous aurez besoin de deux feuilles de papier neuf sur 12 pouces et trois feuilles coupées en deux qui mesurent six sur neuf pouces. Argenté, noir, velours, pinceaux aquarelle ronds en taille huit et quatre. Vous pourriez vous en sortir sur une seule taille huit, mais vous me verrez utiliser deux des huit tailles dans cette classe. J' aime garder un pigment chargé et une seconde que j' utilise avec de l'eau propre pour adoucir mes bords. Cela m'évite d'avoir à gaspiller des pigments supplémentaires en rinçant constamment mon pinceau entre les applications de peinture et en ramollissant les bords. La taille quatre est entièrement facultative, mais je l'utilise pour les détails fins. La palette d'aquarelles Da Vinci respectueuse de la terre de Denise. Vous pouvez utiliser n'importe quelle aquarelle que vous avez sous la main ou préférez. Mais dans chaque leçon, je vais vous donner les noms de peinture et les numéros de pigment que j'utilise de cet ensemble particulier. La plupart des couleurs sont assez communes, donc le remplacement devrait être raisonnablement facile à trouver. Mais s'il y a des pigments spécifiques auxquels vous n'avez pas accès, suffit de trouver une autre couleur qui est similaire dans la teinte. Deux récipients d'eau, un pour rincer vos brosses sales et un pour l'eau propre pour adoucir ces bords. Une serviette ou des serviettes en papier propres et réutilisables pour buver votre pinceau. Vous pouvez utiliser du ruban adhésif pour coller votre papier sur un support rigide afin que votre papier ne se boucle pas, bien que ces deux options soient facultatives selon la façon dont vous préférez travailler. Vous aurez besoin d'un crayon, d'une gomme et éventuellement d'une gomme à gomme pour éclaircir vos lignes de crayon après les avoir transférées sur votre papier aquarelle. Tout au long de cette classe, nous allons utiliser un certain nombre d' images de référence sans droit d'auteur provenant de pixabay.com. Pour les démonstrations de texture, j'ai recadré chacune de ces images sur lesquelles vous pouvez voir exactement les zones de la photo sur lesquelles je me concentre pour l'étude. J' ai également fait deux versions, une vierge et l'autre avec des directives de feuilles de calcul pour rendre les choses encore plus faciles pour vous. Vous pouvez utiliser les modèles vierges pour dessiner vos propres directives pour vos études ou retracer celles que j'ai faites. Ceux que j'ai dessinés transmettent les informations que j'utilise personnellement pendant que je peins, et omet tous les détails supplémentaires que je ne veux pas et du graphite sur mon papier. Il y a aussi trois photos de référence de projet de classe recadrées à six sur neuf pouces. Ceux-ci n'ont pas de modèles esquissés pour eux parce que je veux que vous vous entraîniez à utiliser entièrement vos propres compétences de dessin ou que vous pratiquiez le traçage des informations qui vous sont précieuses pour votre propre sous dessin. Toutes ces ressources se trouvent sous le projet dans l'onglet Ressources d'un navigateur Web. Les matériaux sont énumérés dans la description du projet. Les images de référence et les modèles se trouvent dans la zone des ressources. Vous pouvez télécharger vos études de texture et vos projets de classe dans la zone intitulée Votre projet. Ne vous sentez pas devoir attendre jusqu'à ce que vous ayez complètement terminé avec tous les exercices de cette classe afin de télécharger. N' hésitez pas à télécharger au fur et à mesure que vous allez afin que vous puissiez partager et discuter de vos progrès avec moi et les autres élèves comme si nous apprenions tous ensemble dans une salle de classe. Une dernière chose, n'oubliez pas que si je bouge trop vite pour vous dans une leçon, vous pouvez ralentir la vitesse de lecture dans le coin inférieur gauche de la vidéo. Maintenant, je pense que nous sommes tous prêts à partir. 3. Démo : fourrure courte: La première de nos études individuelles sera les cheveux courts sur un museau domestique de chien. Pour cette étude, j'utiliserai les couleurs brûlées sienne, umber brûlé, et bleu outremer. Étape 1, mouillé sur mouillé. La première étape consiste à créer un lavage humide et humide pour notre couche initiale. L' eau est teintée si légèrement dans ces clips vidéo que vous pouvez voir où j'applique l'eau, mais la vôtre peut être claire. Comme nous l'avons appris dans la classe de maîtrise et de contrôle de l'eau, la peinture blanche ne s'étendra que dans la mesure où l'eau s'étend sur le papier. En utilisant du sienne brûlée, ajouter du pigment au lavage humide, commençant par le pigmenté le plus dans nos zones les plus sombres de l'étude, pour ce tableau qui est près de l'avant du museau, sous l'œil et le long des courbes des lèvres. La technique humide sur humide permettra à la peinture de se propager seule. Une fois que les zones les plus sombres ont été placées, j'aide les choses en rinçant ma brosse et en étalant le pigment qui est déjà sur le papier avec une brosse propre et légèrement amortie. Une fois que les tons moyens ont été remplis et que le papier est encore humide, je reviens avec plus de pigment et je l'ajoute à nos zones les plus sombres, pour équilibrer tout. Ces premières couches sont ce que j'appelle ma carte de valeurs. Nos sombres finiront par devenir beaucoup plus sombres, mais cela nous permettra au moins de savoir où concentrer notre attention dans les couches futures. Étape 2, ajoutez une valeur locale. Dans notre deuxième couche, nous allons créer une valeur localisée spécifique peignant avec de la peinture humide sur papier sec puis en adoucissant nos bords. Cela nous permet de placer une peinture exactement là où nous le voulons sans créer trop de bords durs. Pour cette technique, j'aime souvent utiliser deux brosses, une brosse a du pigment dedans et l'autre avec de l'eau pure pour ramollir les bords. De cette façon, je n'ai pas besoin de rincer le pigment de ma brosse chaque fois que j'alterne entre les deux. Pour une texture de fourrure courte, certaines sont des zones d' applications essentiellement plates comme les deux premières sections que vous m'avez vu créer ici, tandis que d'autres peuvent être peintes plus précisément avec la direction de la fourrure, comme ici sous le oeil. Lorsque vous essayez d'ajouter n'importe quelle longueur de fourrure sur un tableau, après avoir appliqué les lignes de fourrure spécifiques, j'aime adoucir certains des bords tout en laissant d'autres plus difficiles. Cela permet une partie de la texture à travers tout en conservant ces belles textures aquarelles que je cherche à inclure dans mes peintures. Cette technique nécessitera beaucoup de pratique pour trouver cet équilibre parfait comme vous le verrez tout au long de ces études. Cela peut prendre quelques essais, mais n'abandonnez pas. Étape 3, ajouter de la texture. Après avoir laissé sécher la deuxième couche, continuez à construire des textures en utilisant les mêmes techniques encore et encore, devenez plus raffiné au fur et à mesure que la peinture progresse. Étape 4, ajouter des sombres. Une fois que vous êtes satisfait des tons de sienne brûlés de la fourrure des chiens, commencez à placer les valeurs les plus sombres en utilisant un mélange d'ombre brûlé et bleu outremer. À partir du côté le plus à gauche de l'étude, appliquez une peinture humide sur du papier sec, en prenant soin de créer une texture de fourrure douce et courte le long du bord inférieur de la lèvre, ramollissez les bords intérieurs comme vous l'avez fait avec un brosse propre d'eau. Lorsque vous arrivez à la partie brillante de la lèvre, veillez à faire le tour du mieux possible, mais n'oubliez pas que vous pouvez toujours ajouter des reflets à l'encre ou laver à la fin de la peinture si nécessaire. Continuez tout au long de l'étude, en plaçant vos sombres autour du nez, yeux et des moustaches, selon le cas. Il y a plusieurs façons d'approcher les taches sombres près des moustaches, mais peu importe, je les peins vraiment avec des bords durs. Pour cette peinture particulière, j'ai mis une peinture humide sur du papier sec, puis je pulvérise soigneusement une seule fois avec un flacon pulvérisateur de brume fine pour adoucir les bords. Ensuite, j'utilise une serviette en papier pour soulever une partie du pigment et soulager le contraste. Étape 5, ajustez les tons moyens. Une fois que vous placez les sombres dans votre tableau, plus probablement qu'autrement, vous devrez probablement revenir en arrière et réajuster vos tons moyens. Pour ce faire dans ce tableau, je rémouille le museau avec une brosse douce, en prenant soin de ne pas réactiver la peinture en dessous, puis je place un peu d'ombre brûlée pour faciliter le gradient entre les valeurs les plus sombres et le plus léger Sienne brûlée. Vous pouvez continuer à ajouter cette couleur à d'autres zones de la peinture qui nécessitent des ajustements de valeur supplémentaires dans une texture complète. Étape 6, renforcer les sombres. En utilisant seulement la pointe d'un pinceau très fin, vous pouvez renforcer les zones les plus sombres autour des lèvres et même placer de minuscules poils et moustaches le long de ce bord inférieur. Étape 7, ajustements finaux. Enfin, vous évaluerez et modifierez les derniers détails de votre étude. Ici, je continue à ajuster mes tons moyens et textures finales avec de la sienne brûlée. Vous voudrez ajouter vos détails les plus importants à la fin de la peinture pour assurer qu'ils ne sont pas couverts ou adoucis par vos autres couches. Nous voulons être sûrs d'ajouter quelques instants de ces textures de fourrure vraiment fortes pour tirer tout dans la peinture ensemble. 4. Démo : Fourrure moyenne: La deuxième étude individuelle sera fourrure de longueur moyenne sur la joue et le front d'un chat domestique. Pour cette étude, j'utiliserai les couleurs bleu céruléen et rouge indien, qui se mélangent dans un joli gris doux. Étape 1, Calque de base. S' il vous plaît noter que j'ai déjà peint l'oeil du chat, qui est couvert dans mon autre cours de compétences appelé Comment dessiner et peindre les yeux d'animaux à l'aquarelle. J' ai aussi raté le premier petit enregistrement ici, malheureusement, en raison d'une erreur avec mon équipement de tournage, mais je vous promets que c'était plutôt la même technique que nous sommes sur le point de couvrir. La fourrure de longueur moyenne est probablement ma texture de fourrure préférée à peindre. J' ai l'impression qu'il y a un équilibre si agréable entre les lignes dures et les bords souples. Pour ce chat gris, je vais sauter la couche humide initiale que nous avons faite dans le dernier tableau. Mais si vous deviez peindre un animal plus sombre, vous voudriez faire cette étape ici pour donner le ton général de la pièce. Pour créer une fourrure moyenne, j'ai d'abord mis de la peinture humide sur du papier sec à l'aide de la pointe de mon pinceau. Nous allons ensuite ramollir certains bords, mais pas tous. Assurez-vous de laisser une partie du blanc du papier pour montrer à travers si vous peignez un animal aux cheveux plus légers comme ce chat. Des pigments supplémentaires peuvent être déposés dans les lavages humides et humides si nécessaire pour créer des valeurs plus sombres, mais assurez-vous de ne pas ajouter trop d'eau ou vous risquez de perdre les textures que vous avez déjà créées. Tout ce coup devrait aller dans la même direction que la fourrure sur votre photo de référence. Mais notez que la direction de la fourrure changera en fonction de la forme qu'elle tourne autour. Par exemple, les poils sur le sourcil tombent vers le côté du visage, mais la fourrure de la tempe commence à balayer vers le haut vers l'oreille. Suivez ces contours, en accumulant lentement la valeur et la forme, mais veillez à ne pas laisser deux bords humides s'enfoncer l'un dans l'autre ou vous risquez une floraison. Vous pouvez trouver plus d'informations sur la prévention des fleurs dans mon cours de maîtrise de l'eau si vous ne l'avez pas déjà pris. Deuxième étape, Développer la texture. Après que la première couche est complètement sèche, continuez à construire à la fois la texture et la valeur en ajoutant des couches supplémentaires de fourrure. Pour les poils fins, utilisez uniquement la pointe de votre pinceau lors de l'application du pigment, mais vous pouvez être plus généreux en utilisant le reste de votre brosse lorsque vous ramollissez les bords. Troisième étape, Peinture négative. Il n'y en a pas une tonne dans ce tableau particulier, mais souvent avec de la fourrure et en particulier lorsque vous peignez des oreilles, vous devrez utiliser de la peinture négative. La peinture négative est lorsque vous peignez une forme plus sombre autour d'une forme plus claire pour créer les bords de formes plus claires. Comme nous n'utilisons pas beaucoup de blanc à l'aquarelle, il est souvent nécessaire de pratiquer la compétence à l'aquarelle, peut-être un peu plus qu'avec des médiums opaques. Je finirai toujours par utiliser de la gouache blanche à la fin de ce tableau pour placer quelques points saillants. Mais je ferai de mon mieux pour peindre autour des zones plus légères de la fourrure pour faire moins de travail pour moi-même plus tard. Nous obtiendrons plus de pratique avec la peinture négative dans notre projet de classe pour les mammifères. Mais pour l'instant, nous pouvons pratiquer cette version simple de cette technique avec le coin intérieur sombre de l'oreille du chat. Quatrième étape, Plus de texture. Vous allez continuer à créer des calques les uns sur les autres jusqu'à ce que vous vous retrouviez à la fois avec la texture désirée et les valeurs recherchées. Je ne vous montrerai pas tout cela dans ce tableau car cela deviendrait un peu fastidieux, mais continuez simplement à étudier votre image de référence et votre calque avec bords durs et souples alternant comme nous l'avons fait tout ce temps. Étape cinq, Ajout de détails. Prenez soin des détails, en particulier autour des zones focales de votre peinture. Assurez-vous que vos sombres sont assez sombres, que vos lumières sont assez claires et que les transitions sont gérées avec soin. Étape six, Ajout de profondeur. Quelque chose que j'essaie de garder à l'esprit lorsque je travaille avec une seule couleur prédominante dans n'importe quel tableau, est d'ajouter des notes d'une seconde couleur pour rendre la première vraiment pop. Nous avons peint ce chat avec un mélange de gris de céruléen et de rouge indien. En ajoutant plus de rouge indien à ce même mélange, nous obtiendrons une couleur rouge brique désaturée qui est toujours liée au gris d'origine. Cela peut être placé dans certaines zones pour rendre la peinture plus dimensionnelle. J' utilise ces couleurs ajoutées avec parcimonie et j'essaie étudier la référence pour des indices d'où les placer. Dans ce cas particulier, je les place là où il y a un peu moins de fourrure faisant allusion à la peau ci-dessous. Septième étape, Ajout de blanc. En fonction de la peinture et de la façon dont j'ai réussi à préserver les blancs du papier, je finirai parfois une peinture avec de la gouache blanche. Si vous préférez, vous pouvez utiliser du liquide de masquage pour protéger les blancs du papier. Mais pour cette fourrure de longueur moyenne, je préfère en fait utiliser la gouache sur les zones plus sombres pour une chance plus transparente. Pour cette tâche, je suis passé à une brosse de taille quatre pour m'assurer que ces poils sont vraiment bien. 5. Démo : Fourrure longue: La fin de nos études sur la fourrure sera la longue fourrure d'un snark de loup gris. Pour cette étude, j'utiliserai les couleurs brûlées sienne et bleu outremer qui se mélangent dans un gris terreux. Étape 1, couche de base. Tout comme la dernière étude que nous avons réalisée, dans cette étude, nous allons poser une texture de fourrure sur toute la page. Cependant, si elles diffèrent de l'étude précédente ces coups de pinceau seront plus longs et plus lâches. Nous finirons par laisser plus de coups de pinceau sur le papier sans les ramollir pour créer l'illusion d'une fourrure plus longue, mais cette première couche sera tout de même assez douce dans l'ensemble. Toujours en faisant attention à la direction de la fourrure, nous pouvons alterner la force du pigment lorsque nous allons créer notre carte de valeur une fois de plus, ce qui aidera à nous guider dans les couches futures. Nous utiliserons également la peinture négative pour créer des sections de fourrure blanche qui ne sont visibles qu'en raison des ombres contrastantes qui les sous-tendent. Pour ce faire, vous utilisez la pointe de votre pinceau et la courbe figurée dans l'ombre en laissant le blanc du papier pour représenter la longue fourrure sur le dessus. Étape 2, valeur et texture. Après le séchage de la couche de base, continuez à ajouter la valeur et de la texture à la peinture et aux couches supplémentaires. Utilisez de longs coups de pinceau en se concentrant sur les valeurs plus sombres et ramollissez les bords un peu moins que nous ne l'avons fait sur les premières couches. Étape 3, en ajoutant de la profondeur. Une fois les valeurs de gris foncé ajoutées, nous allons ajouter des tons brun clair, un peu comme nous avons ajouté le glaçage clair de rouge indien au chat lors de la dernière étude. En ajoutant davantage de brûlures sienne à votre mélange de gris et en l'arrosant considérablement, appliquez des plis légers sur certaines zones de la peinture en utilisant la photo de référence comme guide. La deuxième teinte donnera plus de dimension à l'ensemble de la pièce. Étape 4, détails finaux. Celui-ci s'est réuni assez rapidement en partie en raison du fait que sa fourrure blanche, ce qui signifie que nous avons moins de papier physique à couvrir. Nous avons quelques détails de dernière minute clairs et sombres pour placer ce qu'ils ont finalement pointé pinceau, Je suis passé à ma taille 4 ronde et puis scintillement délicatement ajouter quelques ombres sombres ainsi que l'ajout d'un peu de badigeon pour les reflets. Ces dernières mèches de cheveux seront moins mélangées que les autres, donnant une texture de cheveux plus longue. 6. Démo : Plumes du corps: passer aux plumes, nous allons faire deux études, des plumes de corps et des plumes d'aile. Il y a tellement de styles différents aux plumes que je ne pouvais pas espérer les couvrir toutes dans une classe concise incluant d'autres textures. Mais j'espère que cette fondation vous permettra d'extrapoler à d'autres sujets. Pour cette première étude sur les plumes, nous allons peindre les plumes du corps d'une conure solaire avec Arylide Yellow, Hansa Yellow Deep et Da Vinci Red. Étape 1 : lavage à plat. Notre première étape est à peu près aussi simple que possible. Nous allons peindre un lavage plat jaune clair en utilisant Arylide Yellow ou tout autre jaune légèrement frais que vous avez sous la main. Contrairement aux premières études, nous n'avons pas besoin d'ajuster ici la valeur pour le moment car le jaune sera la valeur la plus légère dans cette étude particulière, et nous allons construire la profondeur dans les couches suivantes. Je suis délibérément choisi un oiseau avec une seule famille de couleurs pour cette étude, mais si vous peignez un oiseau avec différentes taches de couleurs différentes, vous voudrez créer un lavage plat, en utilisant la couleur la plus claire dans chacun de ces individus familles de couleurs, telles que l'utilisation de ce jaune clair pour les taches jaunes, ou un bleu dilué très pâle, pour les taches bleues de plumes. Étape 2 : Création d'une texture. Une fois la première couche sèche, nous ajouterons des tons moyens et une texture légèrement moelleuse et plume sur les différentes couches suivantes. Pour obtenir le look souhaité, maintenez votre pinceau parallèlement aux côtés droit et gauche du carré dans lequel vous travaillez, la pointe faisant face au bord supérieur. Marquez la page dans un mouvement de haut en bas tout en vous déplaçant de gauche à droite ou de droite à gauche, si vous êtes gaucher en forme de croissant. Répétez ce motif en vous assurant de randomiser à la fois les marques individuelles et la façon dont les plumes sont posées les unes sur les autres. Cependant, vous n'avez pas à suivre la référence avec précision. Une fois que vous en avez quelques-uns sur la page à la fois, utilisez un pinceau propre et humide pour adoucir chacun des bords inférieurs. Cela se rapproche de l'ombre qui tombe sur la plume ci-dessous, laissant les plumes qui sont sur le dessus avec un bord inférieur dur pour les définir. Il y a quelques choses à garder à l'esprit ici. L' un est que vous devriez tourner le papier lui-même pour créer l'angle correct dont vous avez besoin pour rendre la texture confortable pour votre bras et poignet à peindre. Ce n'est pas toujours une règle pour moi, mais surtout ici où la direction des plumes est la totalité de la texture, il est important que vous ne vous battiez pas avec l'angle de votre propre papier et de votre bras, alors assurez-vous d'être agréable et confortable avant de commencer. Deuxièmement, cette étude particulière grossit ces plumes, beaucoup plus grandes que je ne les peindrais jamais vraiment sur une pièce finie. Dans l'introduction de ce cours, vous vous souvenez peut-être d'avoir vu la peinture de deux Conures Soleil. Si vous revenez en arrière et regardez cette image de référence, vous verrez qu'il y a des indices de ce type de texture, mais à une échelle beaucoup plus petite. Cet exercice particulier vous aidera à pratiquer pour obtenir cette texture. Mais gardez à l'esprit que la plupart d'entre vous ne peindront probablement pas si grand et alors il ne sera pas si amplifié dans vos dernières pièces. Vous pouvez toujours répéter cet exercice sur une échelle différente pour voir ce qui fonctionne pour vous. Étape 3 ; Répétez avec des tons moyens. Répétez ce processus avec vos Tons moyens, en ajoutant de la profondeur le long des ombres que vous avez déjà commencé à poser. Il est important de noter que vous ne créez pas de nouvelles ombres, mais que vous ajoutez seulement à celles qui existent déjà. Dans le cas du Soleil Conures, notre Midtone sera juste un jaune plus chaud, qui est Hansa Yellow Deep. En appliquant cela dans l'ombre, nous avons besoin des plumes et commencer à se concentrer plus fortement dans les coins inférieurs ou les oiseaux commencent à passer dans des tons plus orange. Étape 4 : Ajouter des tons les plus sombres. Mélanger un peu de Da Vinci Red dans le Hansa Yellow Deep. Nous allons à nouveau superposer des tons plus foncés dans ces ombres, concentrant sur les deux tiers inférieurs du carré et en particulier sur les coins inférieurs. Encore une fois, et nous allons mélanger les bords inférieurs de chacun de ces lavages avec un pinceau propre et humide pour créer des dégradés lisses, tout en laissant des bords durs pour définir les plumes qui sont posées sur le dessus. Lorsque vous vous déplacez vers le haut, plus loin la pièce, assurez-vous d'utiliser une main délicate pour poser le trottoir seulement dans l'ombre que vous avez déjà tracée et prenez soin de ne pas être trop lourd. Au cours de la construction de ces couches, nous devrions commencer à voir un beau dégradé de couleur lisse qui va d' un jaune Arylide clair en haut à un orange plus profond sur le fond. Cette belle couleur de dégradé lisse fonctionnera avec notre texture pour créer une belle transition plutôt que de lutter contre valeurs non organisées et des couches placées au hasard. 7. Démo : Plumes des ailes: [ MUSIQUE] Ensuite, nous allons étudier une section de plumes sur l'aile pliée d'un Ara bleu et or. Cela vous donnera de la pratique pour peindre la texture de plumes plus définie qui peut être appliquée à la fois aux oiseaux perchés et volants. Pour cette étude, nous utiliserons la teinte bleue céruléenne, turquoise phthalo et le bleu indanthrène. Avant de nous lancer dans la peinture, passons en revue un vocabulaire de plume rapide afin que nous puissions essayer dissiper toute confusion sur les descripteurs que j'utiliserai dans cette leçon. Les plumes qui allaient peindre sur l'aile de cet ara sont appelées plumes évanées, par opposition aux plumes douces moelleuses que l'on trouve plus près de la peau de l'oiseau. La ligne au milieu de chaque plume est appelée un arbre ou un rachis. Les barbes se détachent de l'arbre et lorsqu'elles sont alignées, créent la surface plane et lisse des plumes que nous appelons la palette. Parfois, les barbes de la plume peuvent se séparer, provoquant un petit espace qui brise le contour de la plume globale. Lorsque vous voyez des oiseaux prélever, ils redressent généralement les barbes de leurs plumes afin qu'ils puissent être alignés pour un bon fonctionnement. Étape 1, lavage en dégradé. Ce bleu est un mélange de teinte bleue principalement céruléenne avec une touche de phthalo turquoise. Comme nous avons commencé la dernière étude, nous allons commencer celle-ci avec un lavage. Cependant, au lieu d'un lavage plat qui est similaire en valeur tout le long, nous allons créer un dégradé de l'obscurité à la lumière. L' objectif est de créer un sous lavage, les valeurs les plus légères dans la peinture. Cependant, en raison de la courbure naturelle des ailes et de l'éclairage de la photographie, les plumes en bas à gauche sont un peu plus foncées celles en haut à droite la plus proche de la source lumineuse. En créant ce lavage dégradé, il aidera à guider nos valeurs au fur et à mesure que nous construisons nos textures. Nous ne verrons pas ce lavage d'ici la fin, alors ne vous inquiétez pas qu'il soit parfait, mais utilisez plutôt comme carte de valeur pour aller de l'avant. [ MUSIQUE]. Deuxième étape, définissez les plumes. Après le premier lavage est séché en utilisant une version plus concentrée du pigment que nous utilisions juste à l'étape 1, commencez à définir les plumes en utilisant un pinceau à pointe fine pour remplir les zones d'ombre. Notez que j'ai mentionné des zones d'ombre et pas simplement pour tracer le contour de chaque plume comme si nous le dessinions. Nous voulons adoucir les bords comme nous l'avons fait dans la dernière étude pour créer des dégradés et des textures délicats. L' utilisation d'une brosse propre et humide ramollira immédiatement les bords inférieurs de chaque ombre, menant le bord supérieur principalement intact pour créer la pièce de la plume ci-dessus. Contrairement à la dernière étude, nous allons prendre cette peinture plume par plume. Nous travaillerons principalement à partir des plumes les plus proches du spectateur, jusqu'aux plumes qui sont en dessous, pour laisser entendre qu'il y a une ombre jetée par chaque plume individuelle. Cependant, nous pouvons avoir besoin de sauter autour de la peinture afin de laisser certaines zones sécher avant de passer à la plume juste à côté. Par souci de brièveté, je ne laisserai pas toutes les plumes dans cette vidéo. Cependant, je vais essayer de laisser dans une variété de plumes et d' angles différents afin que vous puissiez les appliquer à vos différentes peintures allant de l'avant. Lorsque vous parcourez cette vidéo et votre propre étude, faites attention à la photo de référence pour voir quelles plumes se chevauchent qui. Ils ne vont pas toujours dans la même direction. Assurez-vous que ces ombres sont aux bons endroits pour aider à résoudre les valeurs de votre peinture. Vous pouvez également utiliser la pointe d'un pinceau pour inclure de petites zones où des barbes individuelles d'une plume particulière se sont séparées afin de briser les pointes de vos pères. Aucune des plumes ne sera complètement parfaite avec de belles pointes arrondies et l'inclusion de ces imperfections rendra un rendu beaucoup plus réaliste. [ MUSIQUE] Troisième étape, approfondissez les ombres. Principalement utilisé en indanthrène avec une touche de phthalo turquoise. Nous allons commencer à devenir vraiment audacieux avec nos ombres et rendre cette étude plus dimensionnelle. En utilisant la carte des valeurs dans le calque précédent, ancrez vraiment vos ombres avec ces glaçures foncées pour ajouter un peu de contraste. Je continue à utiliser la pointe de mon pinceau pour ajouter légèrement de la texture à certains des pointes de plumes de sorte que pas chaque plume une lisse et ronde. N' ayez pas peur de laisser des bords durs et des endroits de contraste le plus élevé autour de la zone focale principale de cette pièce. [ MUSIQUE]. Quatrième étape, en ajoutant des détails. En utilisant le même mélange à l'étape trois, au niveau des arbres aux plumes les plus proéminentes. On n'a pas à faire ça à chaque plume. Assurez-vous simplement de vous concentrer sur les zones dans lesquelles vous souhaitez attirer le spectateur. Dans la plupart des cas, pour mon style de peinture à l'aquarelle fluide, je ne veux pas que les arbres soient rigides, lignes solides pour diviser ma plume en deux. Mais des lignes plutôt douces qui peuvent commencer et s'arrêter pour améliorer la texture globale que je vise. Selon l'espèce, les valeurs les plus sombres dans cette étape, peut-être l'arbre lui-même comme pour cet ara, mais d'autres fois il pourrait être les rainures de chaque côté de l'arbre. Assurez-vous d'étudier votre référence pour obtenir des conseils. J' aime aussi retirer la peinture de l'arbre dans la direction des barbes pour suggérer une texture supplémentaire sans trop de détails. [ MUSIQUE]. Étape 5, ajustez les valeurs. En utilisant principalement du bleu indanthrène, ajustez les valeurs les plus sombres de l'étude, en veillant à ne pas toucher les zones les plus claires. Ajoutez tous les détails finaux et vous avez terminé. [ MUSIQUE] 8. Démo : Petites échelles: Comme les plumes, on va faire deux études à l'échelle. Le premier sera une étude lâche de petites écailles sur un gecko léopard légèrement coloré pour impliquer une texture plus douce. La seconde sera des échelles plus définies que vous pourriez associer plus fortement aux peintures de reptiles. Je dois admettre cela et m'excuser pour que cette première étude n'est pas l'exemple le plus propre et nous allons utiliser une plus grande variété de couleurs que je l'aurais préféré pour un tutoriel. Les couleurs que nous utiliserons incluent le jaune arylide, ocre doré, l'ombre brûlé, un peu de rose rouge profonde ou de rose quinacridone, un léger glaçage d'orange brûlé de quinacridone, et un gris mélangé de bleu céruléen et d'Inde Rouge. Étape 1, lâche mouillé sur sec. Cette étude a une approche différente pour notre couche de base. Nous allons créer un lavage lâche, commençant par appliquer de la peinture humide sur du papier sec à l'aide d'Arylide Yellow et d'Ocre Or. Nous allons concentrer nos applications sur les zones présentant les valeurs les plus sombres de la photographie, comme sur le pli de l'œil, sur le dessus du museau et entre l'œil et la narine. Chaque fois que nous mettons du pigment, nous allons ramollir les bords et garder les choses aussi lâches que possible. Une fois que la zone a été principalement couverte, nous pouvons continuer à ajuster les valeurs en laissant tomber le pigment dans nos lavages humides. Une fois que les jaunes ont été placés, nous descendrons vers la zone autour de la bouche. Nous allons d'abord utiliser un mélange très dilué de Rose Red Deep et Ocre d' Or pour apporter un peu de vie à la peau et aux écailles dans cet espace. Ensuite, en utilisant un mélange de Cerulean Blue et Indian Red pour créer un gris, nous ajouterons une partie du flex gris et de l'ombrage et ramollirons à nouveau nos bords pour ce lavage initial. Deuxième étape, créez de la texture. Pour commencer à construire une texture qui implique petites écailles douces sans les peindre individuellement, nous allons peindre un motif de défilement irrégulier avec la pointe de notre pinceau. Mélangez un peu d'ombre brûlée dans votre mélange jaune pour créer une couleur de sienne brute ou ocre jaune foncé. Appliquez cette texture autour de l'œil et dans les zones de l'image qui semblent être les plus focalisées. Utilisez une brosse propre pour adoucir certains bords en utilisant le même style lâche dès le premier lavage. Répétez cette technique, mais avec un motif plus large ou plus lâche lorsque vous vous éloignez plus loin du point focal, assurant de laisser certaines zones du livre blanc à afficher pour les reflets. Troisième étape, ajoutez des échelles plus sombres. Pour créer une variété d'écailles implicites, ajoutez avec parcimonie un peu de bois brûlé dans le lavage encore humide du motif griffonné. Si une zone a déjà commencé à sécher, comme ici au-dessus de l'œil, vous pouvez utiliser une brosse à peine humide pour ramollir les bords sans provoquer la floraison de l'eau, si vous êtes prudent. En descendant la peinture, nous pouvons maintenant utiliser le gris que nous avons mélangé plus tôt pour définir les plus grandes écailles autour de la bouche. Cependant, tout comme nous ne voulions pas que l'arbre de la plume dans la dernière section divise la plume directement en deux, nous allons vouloir briser doucement le contour de ces écailles et ramollir leurs bords à certains endroits. Vous pouvez basculer entre une brosse chargée de pigments et une brosse propre et humide afin de ne pas gaspiller le pigment en rinçant constamment une brosse dans votre eau. Quatrième étape, affinez les échelles. Eh bien, nous n'allons pas vraiment affiner ces échelles, nous voulons continuer à renforcer une texture qui suggère des écailles dans les zones focales de notre peinture. Continuez à placer le mélange d'ombre jaune et brûlé dans les zones les plus sombres de la peinture. Cela utilise principalement la même texture de défilement, mais parfois vous finirez par fermer la boucle du cercle ou placer un point solide pour impliquer des échelles plus solidifiées. Étape cinq, ajoutez une touche de couleur. À ce stade, j'ai senti que notre petit gecko Freidman avait l'air un peu terne, alors je voulais faire des argiles dans un peu de quinacridone orange brûlé pour égayer les choses. Cette couleur semble plus éclatante lorsqu'elle est humide que lorsqu'elle est sèche, alors n'ayez pas trop peur quand vous la mettez initialement sur le papier. Cette couleur transparente ne couvrira pas la texture que vous avez déjà placée tant que vous utilisez du papier de coton, un pinceau doux et un toucher léger. Continuez à desserrer les bords et gardez le lavage cohérent avec les textures que nous avons créées jusqu'à présent. J' ai également veillé à ajouter un peu d'intérêt à la peinture en utilisant des gris plus foncés pour créer un peu plus de contraste. Étape 6, ajouter des surlignements. La dernière étape pour terminer ce gecko légèrement coloré a été d'ajouter quelques reflets blancs sur les écailles. Je l'ai fait avec parcimonie en utilisant le badigeon le long du nez, autour de l'œil et à quelques endroits sur les écailles autour de la bouche. Si vous n'avez pas de badigeon, vous pouvez à nouveau utiliser de l'encre blanche, acrylique blanc ou tout simplement vous arrêter à l'étape précédente. J' ai mentionné plus tôt dans cette classe que je n'aime pas utiliser de la nourriture de masquage pour la fourrure, mais je trouve que c'est plus facile à utiliser pour les faits saillants à échelle ronde. C' est aussi une option si vous préférez le faire aussi. 9. Démo : Échelles définies: [ MUSIQUE] Pour notre étude finale avant les projets de classe, nous allons travailler sur ces échelles définies d'un iguane. Nous allons utiliser la sienne brute, rose rouge profonde ou la rose quinacridone et une rose grise ou noire mélangée de sienne brûlée et bleu outremer. Étape 1, Peachy Scales. Commencez par un mélange dilué de sienne brute et de rose rouge profond. Appliquer la peinture, humide sur sec, les zones de la plus grande échelle en commençant par les zones de saturation la plus élevée en premier. À l'aide d'une brosse propre et humide, ramollissez ces zones, laissant parfois des taches de papier blanc à travers pour ajouter de la texture. Vous allez répéter cette technique sur chacune des échelles de couleur pêche de l'image de référence. Certaines zones peuvent nécessiter plus de sienne brute dans le mélange que la rose rouge profonde, sorte que vous pouvez ajuster votre mélange en conséquence et continuer tout au long de la peinture jusqu'à ce que toutes les écailles aient un peu de couleur sur elles. Pour les zones avec de très petites écailles, vous pouvez mettre un large badigeon sur toute la surface. Après avoir laissé sécher, nous les définirons plus tard avec le mélange noir et les transformerons en écailles appropriées. [ MUSIQUE] Étape deux, Définissez les échelles. En petites sections, commencez à placer votre mélange de gris foncé entre les plus grandes écailles. Utilisez de la peinture humide sur du papier sec comme nous l'avons fait , puis très soigneusement sur le bord intérieur, ramollissez les bords pour courber autour de la forme des écailles. Cette technique vous obligera à vous déplacer plus soigneusement et probablement plus lentement tout au long de la pièce à mesure que vous vérifiez continuellement votre image de référence pour obtenir des conseils. Faites de votre mieux pour ne pas précipiter cette étape car votre traitement de chaque échelle fera ou briser cette technique entière. Parfois, les échelles ont également des taches plus sombres à l'intérieur d'eux, et il est normal de commencer à poser le travail de fond en ce moment en utilisant la même technique. Vous pouvez également pointer des taches noires dans les lavages humides le cas échéant. Je tiens à noter ici que certains reptiles ont la couleur opposée ou que la peau entre les écailles va être plus légère que les écailles elles-mêmes. Pour ce type de motif, vous souhaitez inverser tout ce processus en utilisant un lavage léger sur toute la surface qui correspond à la couleur de la peau entre les écailles, puis former les écailles plus foncées sur le dessus de ce calque une fois qu'il sèche. [ MUSIQUE] Troisième étape, Adoucissant Focus. art hyperréalistes qui détaillent chaque échelle ou caractéristique d'un animal sont des œuvres d'art incroyables. Cependant, si vous visez une pièce d'aquarelle lâche qui a quelques zones de détail et d'autres qui se ramollissent sur le papier pour conserver cette fluidité de l'aquarelle, il est extrêmement important de choisir soigneusement et intentionnellement quelles zones de la peinture sont mis au point et qui ne le sont pas. Si vous avez l'intention de peindre chaque échelle et ensuite de devenir paresseux à mi-chemin, je parle d'expérience ici, vous et tous ceux qui regardent votre peinture et seront en mesure de dire que votre peinture est inachevée. Cependant, si vous avez l'intention de vous concentrer sur une zone spécifique de la peinture et d'adoucir les autres détails afin qu'ils ne rivalisent pas pour la mise au point, une peinture peut être vraiment réussie en utilisant cette approche. Dans cette étude, alors que nous nous éloignons des grandes échelles principales, nous allons délibérément adoucir certaines choses autour des bords afin que notre œil ne soit pas confus sur l'endroit où il est censé regarder. Nous pouvons le faire en utilisant moins de bords durs et de couleurs plus foncées dans l'ensemble, car les couleurs vives attirent davantage votre regard. Vous pouvez toujours définir certaines échelles dans ces zones, mais en général, vous utiliserez plus d'applications humides que vous ne l'avez fait auparavant afin de permettre aux zones adjacentes de s'écouler les unes dans les autres. Vous pouvez attendre qu'un lavage humide soit légèrement sec , puis ajouter du pigment concentré dans le lavage humide. Cela vous permettra d'ajouter des formes d'échelle qui se ramolliront par leurs propres moyens. Pour les zones d'échelles qui forment des lignes, vous pouvez d'abord placer les ombres globales dans des lignes irrégulières, puis coaxer les échelles dans ces formes linéaires. Cela apportera une certaine structure à la zone, mais n'accordera pas trop d'attention à ces petites échelles. Juste pour vous assurer que ces écailles restent un peu irrégulières, et que vous n'êtes pas simplement en hachant avec votre pinceau. [ MUSIQUE] Quatrième étape, Ombre et Forme. Nous nous sommes beaucoup concentrés sur des échelles individuelles, et maintenant il est temps de se concentrer sur la peinture dans son ensemble. En nous concentrant sur les valeurs globales de votre pièce, nous pouvons ajuster les valeurs tout au long de la peinture pour suggérer une forme plus tridimensionnelle que l'animal lui-même. Dans ce cas, j'ajoute des ombres au pli sur le côté gauche de la page ainsi qu'une légère courbe de la mâchoire juste à droite de cela. Plus tard, vous remarquerez également que j'ajuste la valeur globale des échelles qui forment la mâchoire sur le côté droit de la peinture. [ MUSIQUE] Étape cinq, Ajout de faits saillants. Pour cet exemple particulier, ajouter de l'acrylique à l'encre gouache blanche est entièrement facultatif. Si vous êtes en mesure de préserver les faits saillants de votre peinture, vous pouvez ignorer entièrement cette étape. Cependant, si vous voulez ajouter quelques zones supplémentaires de lumières plus légères qui ont peut-être été perdues pendant votre processus de peinture, vous pouvez le faire aussi. Tout comme nous l'avons fait dans les autres études de cette classe. 10. Projet de cours : Renard (1ère Partie): Nous avons finalement atteint le premier de nos projets de classe et il est temps de mettre à profit toutes nos compétences nouvellement acquises ou enrichies. Avant de commencer, passons en revue quelques choses pour vous préparer, vous et votre espace de travail. Assurez-vous d'avoir regardé les démonstrations sur les textures de fourrure courte, moyenne et longue pour cette classe. Sur un ordinateur, trouvez une photo de référence du renard sous la zone des ressources en dessous de la classe, l'image est recadrée à six sur neuf pouces, soit la moitié d'un neuf sur 12 feuilles de papier aquarelle. Vous pouvez dessiner votre propre croquis ou tracer la photo libre de droits d'auteur à l'aide d'une boîte lumineuse ou d'une fenêtre bien éclairée. Utiliser une gomme malaxée pour alléger votre croquis si nécessaire avant de peindre. Assurez-vous que vous avez toutes les couleurs que nous utiliserons prêtes à aller du bout des doigts. Pour ce tableau, nous utiliserons de la sienne brûlée, quinacridone orange brûlé, de l'ocre or, ou vous pouvez utiliser de l'or ocre jaune ou quinacridone, ombre brûlée et du bleu outremer. Préparez le reste de votre espace de travail. Ma palette est à gauche de ma peinture en raison de l'angle de la caméra et essayez de ne pas bloquer votre vue. Mais si vous êtes droitier, je vous recommande de garder votre palette à votre droite. Si vous êtes gaucher, je vous recommande de garder votre palette à votre gauche. Vous aurez aussi besoin de vos deux conteneurs, mien est au centre supérieur de l'écran quand vous me voyez atteindre dans cette direction. Il y a un chiffon bleu habituel pour bloquer mon pinceau à droite de mon écran. Je recommande de regarder ce tutoriel sur un plus grand ordinateur ou écran de télévision pour en tirer le meilleur parti par opposition à un petit téléphone ou une tablette. Pour la plupart du tutoriel, la caméra est définie de sorte que vous pouvez me voir interagir avec l'ensemble de mon espace de travail. Mais cela signifie que l'espace dans lequel je peins sera physiquement plus petit, alors gardez cela à l'esprit. Il s'agit d'un tutoriel principalement visuel qui sera concisément narré mais n'aura pas de musique jouée en arrière-plan. N' hésitez pas à mettre ce qui convient le mieux à votre créativité pendant que vous travaillez. Enfin, le tutoriel sera joué à 1,5 fois ma vitesse de peinture réelle. Mais vous pouvez toujours ajuster la vitesse du tutoriel dans le coin inférieur gauche si vous voulez que je ralentisse ou accélère. Quant à notre premier sujet, j'ai réfléchi longuement à l'image que je voulais utiliser. Je voulais m'assurer que l'animal nous permettrait de pratiquer toutes les longueurs de fourrure et le profil du renard ne compliquera pas votre perspective. Alors que nous aurons besoin de peindre une certaine fourrure blanche travaillera principalement dans des tons de sienne brûlée et d'orange brûlé pour essayer de garder l'histoire de couleur non compliquée aussi bien. Une dernière note de plus que dans l'un des deux autres projets de classe, je recommande fortement d'utiliser un pinceau ou un pinceau en velours noir argenté avec un point similaire pour meilleurs résultats que la texture de fourrure que je peins dépendra fortement de la forme de mon pinceau. On va commencer avec du sienne brûlée, peinture humide sur du papier sec. Sera adoucir les bords comme nous l'avons fait plusieurs fois auparavant dans cette classe ainsi que dans la classe de contrôle de l'eau de maîtrise. Vous allez continuer autour de la face du renard, mettre le pigment d'abord dans les zones les plus sombres, puis ramollir les bords. Ce ne seront pas les valeurs les plus sombres de notre peinture finie, mais nous fournirons cette carte de valeur pour nous aller de l'avant. Je veux mettre une petite note ici et que toute cette peinture en temps réel a pris un peu moins de deux heures à compléter et que ce format ne correspond pas parfaitement aux compétences partagées, surtout avec trois projets de classe. Je sais que cela bouge un peu rapidement. Encore une fois, vous pouvez ralentir la vitesse de la vidéo si vous en avez besoin. Je recommande de prendre cette couche par couche. Vous pourriez me regarder peindre une couche, puis la mettre en pause, puis revenir en arrière, puis peindre avec moi, puis attendre que votre peinture sèche et regarder le segment suivant et ainsi de suite. Pour le front, nous allons commencer à mettre une texture de fourrure déjà en faisant glisser notre pinceau en petits poils courts le long de cette crête et ensuite simplement adoucir le bord inférieur comme nous l'avons fait auparavant. Alors que nous remontons vers la joue, nous allons ramollir ce bord où la fourrure devient un peu plus légère. Ensuite, immédiatement derrière ça, nous allons redevenir plus sombres avec plus de sienne brûlée pour créer ces différentes couches de fourrure. Parfois, quand vous me voyez mettre trop de pigment sur la page, j'utiliserai un pinceau assoiffé ou même mon pouce. Je pense que vous m'avez vu utiliser un peu plus tôt pour ramasser peu le pigment qui reste sur le papier. Vous pouvez le faire comme nous l'avons couvert dans la classe de maîtrise de l'eau, en desséchant votre brosse et en vous assurant qu'elle est agréable et propre, puis en trempant l'eau qui est déjà sur votre page. Heureusement, la sienne brûlée est une couleur assez soulevante et cela signifie que c'est assez indulgent quand vous travaillez avec elle sur du papier aquarelle. Au fur et à mesure que nous montons dans l'oreille, nous allons continuer cette texture de fourrure que nous avons commencée sur le front, en faisant vraiment attention à créer nos bords ici. Vous me verrez lutter un peu avec cette ligne arrière tout au long de la peinture, pas seulement dans cette première couche et il y aura un peu de retour en arrière lorsque je ramasse un peu d'eau, ramasse quelques bords, ramasse d'autres poils. Dans l'ensemble, je vais chercher une belle texture de fourrure définie, mais qui n'est pas hors de propos avec le reste de la peinture. Certains de ces poils sont encore adoucis. Le bout de l'oreille va être noir, donc nous n'avons pas besoin de peindre ça maintenant. Comme je descends vers le cou, nous allons être opinion un lavage vraiment lâche, qui rappelle ce petit tutoriel échelle de reptile où nous sommes juste mettre tout vers le bas dans un beau lavage lâche de humide sur humide. Eh bien, il a commencé humide sur sec et ensuite on a dû mouiller sur mouiller assez vite ici. Nous allons mettre différentes couleurs et ça va devenir plus sombre au fur et à mesure que nous irons, tout comme le reste du tableau. Vous voulez vous assurer que vous continuez que la texture des cheveux jusqu'à travers la ligne arrière qui deviennent un peu scintillante sont ici. Il est vraiment important d'utiliser la pointe la plus fine de votre pinceau. Encore une fois, vous me verrez revenir en arrière quand j'ai rendu les choses un peu trop épaisses et que je veux les affiner dans les couches futures. Cette couche n'a pas besoin d'être vraiment raffinée en ce moment parce que nous allons en faire plusieurs autres sur le dessus. Vous allez attendre que cette couche sèche et ensuite entrer avec votre deuxième couche. Nous avons de la sienne brûlée et de l'ocre doré mélangés sur notre palette et nous allons utiliser pour des zones du renard qui sont un peu plus jaunes. Vous pouvez placer cette couleur le long de l'oreille en utilisant une texture de fourrure et en adoucissant vos bords une fois de plus. Il y a des zones de la peinture comme les oreilles ici que vous allez me voir un peu agité avec. Je vais aller et venir entre ajouter le jaune ou ajouter la sienne brûlée et jouer avec les textures, attendant que le papier sèche un peu. Tout cela est en remplissant et si vous le posez la première fois correctement, vous n'aurez pas besoin de faire ces ajustements, mais je voulais partir ici pour vous montrer que je lutte avec ça aussi. Passant à l'oreille au premier plan, nous allons imiter les mêmes types de zones que nous posons sur cette oreille arrière en mettant le mélange d'ocre d'or et de sienne brûlée vers le bas dans ces zones similaires. Ensuite, nous allons glacer un peu de ce mélange d'ocre jaune sur le dessus de la fourrure que nous avons déjà, mais nous allons laisser une plus grande partie de la texture de la fourrure intacte, ce qui signifie que nous n'allons pas ramollir les bords autant que nous l'avons fait sur le calque ci-dessous. Je trouve que l'ajout de ces zones de jaune dans la sienne brûlée fait de la fourrure un joli contraste visuel. Sinon, il deviendrait très monotone, tout comme nous l'avons vu avec la peinture de chat à cheveux moyens, où nous avions le gris et voulions nous assurer d'ajouter une autre couleur pour varier les choses jusqu'à. Nous allons ajouter ce jaune tout au long de la peinture afin qu'il ne soit pas seulement sur le visage en mettant une partie de cela dans la zone du cou aussi. Je vais glacer une partie de ce mélange jaune dilué vraiment léger sur les durs blancs de la fourrure et des oreilles. Une fois que nous avons eu nos tons plus foncés, cela va sembler très léger, mais je voulais avoir une cohésion non pas avec le reste de la peinture et pas seulement être le blanc du papier. Dans le sens de la cohésion, je voulais aussi m'assurer d'ajouter une partie de la peinture jaune dans la fourrure le long du cou. En passant au museau, nous allons mélanger le bleu indien et le rouge indien pour faire un noir doux quand il est dilué. Nous voulons être très prudents avec ce mélange. Si nous regardons la photo de référence, plupart de la fourrure blanche n'est pas blanche du tout, Il est en fait très gris, mais si nous commençons trop lourd mains, il sera difficile de revenir en arrière. Nous allons commencer un peu de lumière ici et ensuite nous pouvons ajouter un peu plus de texture au fur et à mesure que nous allons sans devenir trop sombre. Je veux m'assurer de définir la zone des lèvres ainsi que le menton. Alors vous allez aussi me voir ajouter un peu de ce mélange gris à ce petit morceau de fourrure rouge qui descend derrière les moustaches. J' ai senti qu'il était vraiment important de mélanger nos couleurs et encore, pour ce facteur de cohésion que nous n'avions pas seulement un cran de grâce que nous n'avons pas mélangé aux autres textures de fourrure. Vous verrez que ça devient plus fort au fur et à mesure que la peinture progresse. Nous allons juste continuer avec des glaçures très légères de ce gris derrière la lèvre et sous le menton. Les gris, nous allons obtenir un peu plus lourd que nous nous déplaçons dans le cou plus régions ombragées et vous voulez vous assurer d'utiliser la pointe de votre brosse, donc ferait cette texture de fourrure que nous nous déplacons à travers les différentes zones. En utilisant la peinture négative, nous allons commencer à carboniser les petites fourrures dans cette première petite section d'elle derrière l'œil, vous avez les deux différents niveaux de fourrure là-bas, donc la texture moyenne à gauche de c'est ce que nous allons essayer de créer ce moment. Il va être assez doux un peu et nous reviendrons plus tard pour le renforcer. Nous allons commencer à mettre dans les tons sombres dans les oreilles aussi, veillant à utiliser la pointe de votre pinceau pour glisser vers le haut et assurez-vous de continuer cette texture poilue le long de l'arrière du cou. Cette zone devrait passer à votre SNC brûlé, alors assurez-vous de ne pas être trop dure avec cette transition. Tournez votre papier pour que l'angle sur lequel vous travaillez soit plus confortable pour votre poignet et tirez dans une texture de fourrure qui définit la bonne fourrure du reste de l'oreille. C' est plus facile lorsque votre poignet peut se déplacer à un angle naturel et lorsque vous tirez vers vous-même contre horizontalement ou loin de vous-même et ramollissez le bord qui est à gauche et moins vers la zone à droite. J' ajoute un petit peu de cette texture gris clair au blanc des cheveux de cette oreille et ensuite on peut passer à la deuxième oreille. En utilisant le même type de technique, nous allons peindre négativement ces fourrures blanches, tout le long du bord, puis en utilisant un pinceau différent, nous allons ramollir le bord le plus éloigné sur la gauche pour qu' il se transforme en reste de la fourrure un peu plus transparente. En descendant à la base de l'oreille, je vais prendre les choses plus lentement et plus soigneusement pour assurer que ces fourrures plus longues sont comptabilisées. Ensuite, nous reviendrons à l'arrière et correspondrons la partie noire à l'arrière de l'autre oreille. Ici, si vous regardez attentivement, vous pouvez me voir tourner ma brosse chaque fois si souvent de sorte que lorsque la pointe de la brosse se plie d'une certaine manière, je peux en tenir compte en tordant la brosse et en la faisant bouger dans l'autre sens. Vous voulez constamment regarder la pointe de votre brosse, en particulier avec des brosses à cheveux plus douces comme ce mélange d'écureuils et ainsi vous pouvez toujours faire avancer votre fourrure dans la bonne direction. En revenant à la sienne brûlée, nous allons rester dans des tons moyens beaucoup plus forts. Nous allons continuer ou renforcer plutôt notre texture de fourrure depuis le lancement bas qui avait très peu de cela et vraiment commencer à définir les différentes zones de la peinture. Assurez-vous de vérifier votre photo de référence pour quelle direction la fourrure va dans chaque zone respective de l'animal. Nous allons mettre une partie de cette sienne brûlée à l'oreille pour contribuer à la cohésion dont nous avons parlé tout à l'heure. C' est une zone de la peinture avec laquelle j'ai eu un peu de mal et cela semble stupide parce que c'est une si petite zone, mais définir la crête arrière de l'œil du pont du nez était un peu difficile pour moi. Vous voulez vous assurer d'ajouter vos valeurs plus sombres au bord le plus éloigné, mais pas au milieu du nez où la fourrure devient beaucoup plus légère. Ensuite, nous sommes prêts à passer au premier plan de la peinture où nous pouvons commencer à poser dans ces tons aussi. Je vais commencer par la sienne brûlée, scintillant la pointe de ma brosse, puis en ramollissant les bords comme nous l'avons fait auparavant. Assurez-vous de regarder cette zone au cours des deux prochaines couches car elle commencera à se réunir et à prendre forme. Je vais concentrer le pigment dans le coin interne de l'œil, derrière l'œil, et sous le très minuscule petit os de joue qui est si bien sculpté par quelques reflets doux sur notre photo. Parce que cette photographie est allumée du côté gauche de ce tableau et derrière le renard, la face avant du nez de notre point de vue, va être principalement dans l'ombre. Nous pouvons commencer à poser ces tons maintenant pour nous aider dans les couches futures, j'ai une approche plutôt lente de mes peintures animales, et il est possible de les faire en moins de couches, mais c'est comme ça que je travaille. J' espère donc que vous apprécierez de voir le processus se réunir. Je trouve qu'il est beaucoup plus facile d'ajouter aux calques et de construire la définition et la couleur plutôt que de mettre trop bas accidentellement au début et d'avoir à corriger ces erreurs. Ici, je retourne à un peu de l'orche d'or juste pour amener ça sur le museau un peu plus loin aussi. En revenant sur la crête des sourcils, nous allons commencer à peindre certaines de ces textures de fourrure plus longues ou la gamme moyenne plutôt et nous allons les peindre avec lignes simples et ensuite ramollir assez tout de suite pour que nous puissions les faire passer doucement dans les autres zones de la peinture que nous avons déjà établie. Beaucoup de fois, j'ai posé ces lignes de peinture rudes, puis les ramollir immédiatement et vous ne pouvez presque pas dire qu'ils étaient là avant et que cela peut sembler étrange à certaines personnes, surtout si vous êtes juste de commencer avec le médium. Mais c'est comme ça que je trouve, j'obtiens les meilleurs résultats pour ces textures où je peux poser la peinture exactement où je le veux et ensuite l'adoucir autant que je le voudrais. Nous pouvons toujours aller avec les futures couches pour mettre textures de fourrure plus raffinées qui s'appuient sur ces tons et textures sous-jacents. Ici, j'apporte un léger glaçage de l'or se produit sur le front, ce qui réchauffera ces tons un peu et puis en plus de cela, je vais mettre quelques brèches très fines de la sienne brûlée, qui va adoucir, mais laisse encore un petit soupçon de cette texture de fourrure que nous recherchons. Je ne me souviens pas si j'ai complètement laissé ma page sécher ici ou non, mais beaucoup de fois lorsque vous vous déplacez dans ces couches vraiment légères, le papier va sécher assez rapidement. Si vous avez des doutes et que vous pensez que le papier est trop humide pour travailler, vous pouvez le mettre de côté pendant quelques minutes et le laisser sécher ou utiliser un outil chauffant. Nous allons sombrer dans ce coin interne de l'œil pour vraiment obtenir une partie de cette définition. Ici, je prends quelques instants supplémentaires pour juste vraiment délicatement avec juste la pointe de ma brosse, mettre dans la petite ligne du couvercle inférieur où le genre de fourrure se plie autour de l'œil. Autour du temple se trouve une zone de transition délicate où les fourrures montent et autour du front, puis reviennent vers le cou. Prenez votre temps avec elle et assurez-vous que vous posez la fourrure dans les directions appropriées, mais rappelez-vous aussi qu'elle n'a pas besoin d'être parfaite. Personne n'est dehors à brosser ce Fox sauvage. Ici, nous entrons avec de la sienne brûlée autour de l'oreille et essayons vraiment d'ancrer cette forme dans le reste de la forme. Pour notre deuxième couche autour du museau, nous allons essayer d'être un peu plus délicat et plus précis sur l'endroit où nous mettons notre pigment. Nous voulons obtenir des tons plus foncés ici qui lisent correctement, mais nous ne voulons pas que tout le blanc du renard disparaisse. Il est également important d'aller spécifiquement dans les zones de transition, par la joue où la fourrure blanche rencontre la fourrure rouge, pour s'assurer qu'il n'y a pas de ligne dure entre les deux, vous voulez le premier type de chevauchement dans les deux zones . Jusqu' à ce que vous ayez les endroits où les moustaches sont attachés au museau, nous allons faire un peu différemment que lors de la démonstration de chien plus tôt. Au lieu de poser le pigment sur du papier sec puis de pulvériser avec un flacon pulvérisateur, j'ai déjà mouillé la zone avec une brosse humide avec les autres couches que nous avons faites. Naturellement, ils vont commencer à s'étaler par eux-mêmes. Vous pouvez même me voir entrer ici pour les zones qui ne se sont pas assouplies autant que je le voulais, pour les faire sortir de leurs petits cercles rigides. Vous pensez peut-être que je passe un temps disproportionné à travailler sur la fourrure blanche ici. Bien que ce soit une très petite partie de la peinture, pas la zone focale, veillant à ce que je prenne le temps de l'adoucir comme je le veux et ne pas appeler plus de tension, cela rendra la peinture plus réussi dans l'ensemble. Nous allons enfin mettre un léger glaçage sur le nez dans les régions les plus ombragées. Nous nous ramollirons après cela et couvrirons la majeure partie de la zone, laissant de petits espaces pour les reflets. 11. Projet de cours : Renard (2e Partie): Bien que je ne mettrai pas tout l'œil dans ce tableau, je voulais vous faire savoir que l'œil est fait de l'ocre d'or et de la quinacridone orange brûlée. Si vous avez de l'or de quinacridone sur votre palette, vous pouvez l'utiliser à la place. Revenant à la sienne brûlée, nous allons continuer à construire des textures dans la fourrure avec des coups de pinceau légers et adoucissant les bords. Nous allons ajouter des couches supplémentaires de l'ocre d'or mélangé avec un peu de quinacridone orange brûlé pour apporter la couleur de l'œil dans le reste de la peinture. Cela comprend non seulement le front, mais sous l'œil, au-dessus de la tempe, et sur le pont du nez. Nous allons continuer à approfondir nos couleurs en ajoutant de l'ombre brûlé au mélange avec notre sienne brûlée pour mettre dans les ombres plus sombres sur la fourrure rouge. En utilisant ce mélange plus sombre, nous apporterons également des zones de sienne brûlée à transition entre les zones d'ombres et de tons moyens. En ajoutant un peu d'outremer à notre umber brûlé mais pas tout à fait noir, nous pouvons mettre dans l'ombre sur les oreilles et d'autres zones le renard qui nécessitent un ton plus sombre mais que nous ne voulons pas complètement noir. passant à notre petite taille quatre brosse bien que peut toujours utiliser la taille huit, nous allons glisser dans les fines textures de fourrure le long des oreilles avec les autres couleurs que nous avons utilisé jusqu'à présent. Parce qu'il n'y a pas de fond dans cette pièce, nous voulons nous assurer que les oreilles sont bien définies par rapport au blanc du papier. Nous continuerons à utiliser notre plus petit pinceau pour ajouter des détails fins aux zones focales de la pièce. La valeur est tout au sujet de la relativité. Alors que nous assombrirons les zones de fourrure rouge, le blanc va commencer à paraître trop léger si nous ne l'ajustons pas aussi bien. Nous pouvons continuer à utiliser la peinture négative pour courber certaines des fourrures blanches autour du visage. Nous pouvons à nouveau tourner notre page pour obtenir un meilleur angle pour travailler sur des zones difficiles comme la fourrure sur les oreilles, veillant à ce que vous utilisez le point de votre brosse pour courber dans la texture de la fourrure et tirer vers vous plutôt que de repousser ou en tirant horizontalement. Je crois que certaines images du nez se sont perdues, ce dont je m'excuse. Mais essentiellement, nous faisons un type similaire de chose pour construire de la valeur à travers différentes couches, même si nous n'utilisons pas de texture de fourrure. Au lieu de cela, nous utilisons un peu d'un motif de pointillé pour suggérer le nez doux et charnu du renard. La prochaine partie va devenir un peu effrayant en ce qu'on va commencer à mettre des ombres audacieuses sur le cou. cette photo de référence, une grande partie du cou est dans l'ombre et il y a beaucoup de touffes de fourrure qui ont des ombres sombres entre les deux. Vous pourriez prendre votre temps pour construire des couches de sienne brûlée et d'ambre brûlé comme nous l'avons fait dans le reste du renard. Je pensais commencer cette zone en mettant nos ombres plus sombres, puis en remplissant les tons moyens par la suite. Nous allons utiliser une combinaison de poser notre peinture humide sur du papier sec, adoucir les bords, et parfois utiliser une peinture négative pour mettre quelques poils définis ici et là. Nous continuerons d'ajouter de la texture à cette zone en introduisant la sienne cérébrale dans les lavages humides qui sont déjà sur la page. Il est important de noter que je ne cherche pas à reproduire toutes les taches de renard sur notre photo de référence, mais plutôt à donner l'impression de ce que je pense que la photo dégage. Nous pouvons également noter les zones de petites et grandes zones d'ombre et juste obtenir la sensation globale de cette texture et ombre très moelleuses. J' ai besoin d'un peu plus d'ombre brûlée à notre mélange de gris pour obtenir une couleur claire sépia foncée. Nous allons faire un peu plus de peinture négative le long cette deuxième distance de la pommette de la fourrure pour créer plus de cette longue texture de fourrure qui sépare le visage du cou. Vous continuerez à aller et en arrière avec votre mélange sombre dans votre cerveau sienne sur le cou jusqu'à ce que vous ayez les tons que vous recherchez. La dernière chose sur laquelle nous allons travailler dans cette pièce sont les moustaches. Nous allons utiliser notre brosse de taille quatre pour obtenir des ridules vraiment fines, mais nous voulons nous assurer que cette taille quatre peut contenir suffisamment d'eau pour que les lignes ne passent pas à travers la page. Je trouve que le velours noir argenté sont les meilleures brosses que j'ai utilisées pour cette tâche. Vous aurez besoin de suffisamment d'eau pour vous assurer qu'il y a un bon flux de pigments qui sortent de votre brosse, mais pas tellement qu'ils se transforment en lignes liquides et aqueuses. Je m'assure de tenir ma main à l'angle approprié pour obtenir le bon balayage et vous pouvez tourner les pages nécessaires. J' aimerais noter les points de départ et de fin de mes moustaches et de cette façon je peux regarder où je vais en peignant et essayer de finir dans la bonne direction sans aller si lentement que ça fait sauter mes lignes. Il y a encore quelques poils sur les yeux et on va finir. [MUSIQUE] 12. Projet de cours : Flamant rose: Pour le deuxième de nos projets de classe, nous allons travailler sur plusieurs textures de plumes différentes d'un flamant flamant. Bien que je comprenne que ce n' est peut-être pas exactement ce que vous imaginez d'abord quand vous pensez à peindre des plumes, j'ai choisi un précisément pour cette raison, en plus de quelques autres facteurs clés. Assurez-vous que vous avez regardé les démonstrations sur les plumes du corps pour trouver des plumes et des moyens pour les textures pour cette classe. Sur un ordinateur, trouvez la photo de référence d'un flamant flamant sous la zone de ressources inférieure à cette classe, les images recadrent à neuf sur six pouces, soit la moitié d'une feuille de papier à aquarelle neuf sur 12. Vous pouvez dessiner votre propre croquis ou tracer la photo de droits d'auteur à l'aide d'une boîte lumineuse ou d'une fenêtre éclairée. Utiliser une gomme malaxée pour alléger votre croquis si nécessaire avant de peindre, en particulier pour cette peinture qui aura des valeurs très légères. Assurez-vous que vous avez toutes les couleurs que vous aurez besoin d'utiliser, qui comprend l'ocre or, bien que vous pouvez utiliser ocre jaune ou rosiana comme alternative, rose rouge profonde ou rose quinacridone, anti-noir mélangé de bleu indanthrone et rouge indien. Préparez le reste de votre espace de travail. Ma palette est à gauche de ma peinture, en raison des angles de caméra essaye de ne pas bloquer votre vue, mais si vous êtes droitier, je recommande de garder votre palais à votre droite et si vous êtes gaucher, je recommande de garder votre palette à gauche. Vous aurez également besoin de deux conteneurs pour l'eau, les miens sont situés au-dessus du centre supérieur de l'écran et un chiffon réutilisable pour souffler votre brosse et le mien est à droite. Je recommande de regarder ce tutoriel sur un plus grand ordinateur ou écran de télévision pour en tirer le meilleur parti par opposition à un téléphone ou une petite tablette. Pour la plupart du tutoriel, la caméra afin que vous puissiez me voir interagir avec l'ensemble de l'espace de travail bien que j'ai essayé de zoomer le cas échéant. Ce tutoriel visuel sera concisément narré et n'aura pas de musique en arrière-plan. N' hésitez pas à mettre ce qui convient le mieux à votre créativité pendant que vous travaillez. Enfin, le tutoriel sera joué à 1,5 fois ma vitesse de peinture en temps réel. Vous pouvez seulement accélérer le tutoriel ou le ralentir en utilisant le coin inférieur gauche de l'écran. Pour notre sujet aviaire, je voulais choisir un oiseau solide mais coloré qui avait une variété de textures de plumes, y compris certaines que nous n'avons pas couvert exclusivement lors des démonstrations précédentes. Tout ce ne sont pas des plumes veinées fortement définies. Cela montrera comment vous n'avez pas toujours à peindre ce que vous imaginez être des plumes tout en peignant un oiseau, selon l'espèce. Entre les deux démonstrations précédentes de ce projet de classe, vous devriez être bien équipé pour aborder de nombreuses autres espèces d'oiseaux tout au long de votre travail. Nous allons commencer par mélanger la rose rouge profonde avec de l'or ocre et nous voulons mélanger une bonne quantité afin que nous n'ayons pas à remélanger trop fréquemment. Après avoir mélangé le pigment, vous allez vouloir ajouter une bonne quantité d'eau pour que nous puissions le ramener à un rose très pâle. En commençant par le visage, même si je sais que c'est sur le côté droit de mon papier et que je travaillerai à gauche. J' ai senti que j'avais besoin de travailler de la tête à la queue pour que tu puisses décider ce qui est le mieux pour toi. Je vais commencer à poser ma peinture humide sur papier sec et à ramollir nos bords très doucement. À ce stade, il s'agit plus de votre carte de valeur qu'il ne s'agit pas de textures, alors ne vous inquiétez pas trop d'ajouter de la texture tout de suite. Au fur et à mesure que nous arrivons à la zone du front, nous allons vouloir faire glisser notre pinceau vers l'extérieur pour créer le bord de nos plumes. Vous pouvez commencer à garder cela à l'esprit en ce moment. En revenant à la vue, nous allons commencer à descendre le cou, en plaçant l'ombre plus sombre sous la joue. Nous voulons faire attention à ne pas laisser la zone que nous peignons enfoncer lourdement dans la zone qui a déjà commencé à sécher. Alors faites attention à votre consommation d'eau. Il est très important de faire attention à l'endroit où se trouvent vos ombres et vos reflets. Encore une fois, puisque nous travaillons principalement sur notre carte de valeur en ce moment, nous allons utiliser une combinaison de mouillé sur sec et humide sur humide, selon l'endroit où nous sommes dans le cou. J' aime poser un peu de peinture et ramollir les bords, puis apporter un peu plus de pigment dans les zones qui ont besoin d'un peu de oomph et continuer à travailler comme ça. La source de lumière vient du dessus du flamant flamant, alors gardez cela à l'esprit que lorsque nous plaçons les lumières et les ombres nous veillons à ce que l'éclairage soit cohérent dans toute la pièce. Ça va frapper le haut de la tête, le haut de la courbure du cou et le haut du sac. Je commence à mettre un peu plus de texture le long des bords mesure que nous nous rapprochons de la poitrine à mesure qu'ils deviennent plus importants. Je finis par faire le corps en quelques morceaux différents et je vous le ferai savoir au fur et à mesure que nous arrivons à cela, mais la première petite zone sur laquelle je travaille sont quelques-unes des plumes plus longues qui commencent au sommet de l'aile. Ceux-ci vont être plus fortement pigmentés et assez doux. Ensuite, nous allons laisser sécher le papier et faire la portion suivante. Nous allons nous déplacer sous le ventre et commencer à placer les plumes très douces et douces qui vont de la poitrine à la zone de l'aile. Ceux-ci sont vraiment doux et soyeux ressemblant presque à une fourrure ce qui est pourquoi j'ai mentionné au début du tutoriel pour vous assurer que vous avez regardé le médium pour la vidéo de texture. Nous allons avoir certaines de ces techniques utilisées tout au long de ce tableau. Je place des pigments dans l'ombre de chacune de ces zones, puis je les ramollit pour qu'ils soient à peine visibles. Nous ne voulons pas que ce soient des contours durs, mais juste des transitions douces. Autour du ventre, les valeurs les plus sombres notre peinture seront sur le corps de l'oiseau. Nous allons donc commencer la voie dans les valeurs pour cela maintenant. Laissez votre peinture sécher et ensuite il fonctionnera à l'étape suivante. En utilisant votre brosse en velours noir argenté, presque comment nous avons mis dans nos textures de fourrure et quelques-unes de nos peintures passées. Nous allons mettre dans une texture lâche sur les ailes qui commencent à faire allusion à des plumes mais sont très douces à ce stade et nous utiliserons des peintures négatives plus tard pour en découper certaines. Laisser sécher aussi. En revenant à la zone sous la poitrine, nous allons placer des détails plus fins et quand nous nous ramollirons cette fois, nous le ferons moins que la dernière fois. Continuez à utiliser la pointe de la brosse pour dessiner dans les zones où vous voulez le pigment et le ventre de la brosse pendant que vous ramollissez vos bords pour vous assurer que vous avez un beau gradient lisse. Ici, nous avons encore le papier humide et nous allons y mettre un mélange concentré de pigment, il va se ramollir légèrement mais pas trop. Vous voulez juste vous assurer que le pigment que vous ajoutez contient très peu d'eau. Il est temps de mélanger un peu plus de notre couleur rose clair, et cette fois je mélange un peu trop. Plutôt que de gaspiller la peinture sur mon pinceau, je vais utiliser un puits vide en haut de ma palette pour diluer cela avec plus d'eau pour créer un mélange plus léger. Nous allons commencer à mettre une partie de la texture de la plume sur l'aile à l'aide de notre rose pigmenté, dessiner dans l'ombre et ensuite s'enfoncer avec le pinceau. Nous essayons tous les deux de placer nos ombres ainsi que de courber quelques reflets parce que le dos du flamant flamant est de couleur très claire. Continuez à tourner votre papier au besoin afin que l'angle de votre papier s'aligne à l'angle le plus confortable pour votre poignet. Nous allons mettre une couleur forte sous l'aile vers l'arrière de l' oiseau qui aidera à définir la valeur globale de cette région, et en utilisant la pointe de la brosse, nous allons soigneusement courber les plumes sous la queue. . Ici, j'ajoute plus de pigment au lavage humide qui est déjà sur la page juste pour créer un peu plus d'ombre sous la crête de l'aile. Nous allons aussi prendre la pointe de notre pinceau et commencer à dessiner dans l'ombre de quelques plumes qui sont empilées les unes sur les autres. Nous allons utiliser la pointe de notre pinceau pour commencer à dessiner les plumes qui pendent à l'arrière du flamant flamant. Je crois que ce sont en fait les pointes de leurs plumes d'aile, et ensuite nous allons peindre autour la queue que vous verrez venir en image un peu plus tard. Vous adoucissez ce pigment plus fort en utilisant beaucoup d'eau pour le mélanger parfaitement dans le reste des plumes. Nous allons soigneusement courber les plumes de l'aile à l'arrière de la peinture flamant autour de la queue. La queue va être dans ce triangle blanc en dessous où je suis en train de peindre. Nous allons continuer ces plumes de l'autre côté de la queue qu'elles restent cohérentes tout au long de la peinture. Avec un mélange très dilué, nous peindrons dans la queue enfin entre ces autres espaces en utilisant une touche très légère. En revenant à l'avant du flamant flamant, nous allons commencer à poser dans notre deuxième couche de couleur. J' ai passé à ma petite taille quatre pinceaux afin que nous ayons plus de contrôle sur cette petite zone de la peinture. Nous allons scintiller dans cette texture entre une texture de fourrure et les plumes du corps que nous avons faites plus tôt dans les démonstrations. Nous voulons qu'il y ait une petite texture douce ici , mais compte tenu de l'échelle de l'oiseau et de la taille de ces plumes, nous ne voulons pas peindre chacune d'elles individuellement. Nous allons faire la même chose derrière l'œil et la zone des plumes qui sont ombragées dans cet espace. Nous voulons nous assurer que nous pouvons voir la fois le front et la joue définis par cette ombre. Pour lier le projet de loi au reste de la peinture, nous allons déposer dans un mélange très dilué de rose sur la partie inférieure du projet de loi, adoucissant complètement les bords. La texture qui relie le bec au visage est plus une texture de peau qu'une texture de plume, nous voulons donc nous assurer que cette zone a un remplissage différent du reste de la peinture. Nous allons apporter une partie de cette couleur sur le bec supérieur et ensuite nous la définirons plus tard avec le noir après le séchage du papier. En retournant à notre pinceau taille huit, nous allons continuer à mettre en texture le long du cou, devenant un peu plus défini avec nos plumes au fur et à mesure que nous allons. Dans cette deuxième couche, nous allons commencer à poser petites lignes quelque part entre cette texture de fourrure comme je l'ai mentionné et les plumes du corps pour créer une texture douce et courte de plumes. Nous voulons concentrer cette texture dans les zones d'ombre car nous pouvons naturellement devenir plus sombres dans ces espaces. Les points forts que nous devons être beaucoup plus délicats avec, sorte que ceux-ci nécessiteront une main plus légère. Comme vous pouvez le voir tout au long de ce tableau, il n'y a pas beaucoup de différence entre une texture de fourrure courte et les plumes du flamant sur le cou. Ce qui va définir cet animal dans ce tableau va être les autres caractéristiques que nous rendons réalistes et les mettons en contexte. En revenant aux plumes des ailes, nous allons commencer à aligner des tons plus foncés pour séparer l'aile du dessous du corps. Je vais déposer du pigment avec la pointe de ma brosse, assez doux avec le ventre de ma brosse et parfois utiliser ma brosse sèche pour ramasser l'excès d'eau. Les quelques plumes évidentes qui apparaissent dans la peinture sont des zones sur lesquelles nous voulons passer un peu de temps pour qu'elles apparaissent comme des plumes. En utilisant la pointe de mon pinceau et en passant entre une taille huit et une taille quatre, nous sommes mis dans certains détails et commençons à peindre négativement certaines plumes d'aile à droite de la peinture. Nous ajouterons des ombres plus sombres à ces plumes qui tombent à nouveau dans le fond de la peinture, pour le rendre un peu plus tridimensionnel. En passant aux plumes de l'aile, nous allons tourner notre papier une fois de plus pour créer le bon angle pour notre repos. Nous allons placer quelques-unes des plumes les plus importantes, mais beaucoup de plumes sur cette zone sont très longues, soyeuses et lisses, plutôt qu'une texture de plumes plus rugueuse que nous avons faite dans notre étude de cours. Nous allons mélanger les ombres des zones ci-dessous sur lesquelles nous avions déjà travaillé qu'il y ait un peu plus d'une transition similaire à la photo. C' est à peu près tout ce qu'il y a jusqu'à ce que nous revenions vers le visage, nous allons continuer à couches de peinture de porc dans les zones d' ombre et les zones que nous avons besoin de définition et d'adoucir les bords. En utilisant un mélange qui a un peu plus à l'ocre d'or, nous allons placer une autre couche sur le bec. Ensuite, nous allons apporter un lavage dilué de notre bleu vert indien, et rouge indien pour commencer la voie dans nos ombres en commençant par le visage où ils sont les plus légers. Nous allons mettre dans des lavages délicats de gris, juste pour suggérer cette texture de peau que j'ai mentionnée plus tôt. Utilisez la brosse qui vous convient le plus à l'aise dans l'espace où vous travaillez. Ensuite, nous allons utiliser le même mélange dilué pour commencer à poser ombres sur les zones roses du flamant flamant. Ce noir vraiment cool qui a des nuances de bleu ou de violet complètera bien le rose. Nous voulons nous assurer qu'il est très dilué afin qu'il ne risque pas tacher les zones que nous voulons juste nettoyer en douceur. Certaines zones d'ombre que nous pouvons être plus précis avec, mais sinon ramollira les bords de manière appropriée. Nous voulons que ces ombres soient vraiment subtiles et juste une légère variation par rapport aux roses que nous utilisons. Contrairement aux ombres, nous allons utiliser un mélange de l'ocre rose et or qui a plus de l'ocre d'or à utiliser sur certains des faits saillants et fournir quelques différences visuelles par rapport aux couleurs qui nous avons déjà utilisé. Une fois cette couche sèche, nous pouvons entrer avec notre mélange noir foncé et mettre la touche finale sur le visage. On va le faire en deux couches. La première couche va descendre et cartographier l'endroit où nous allons mettre ceci et ensuite nous allons faire une deuxième couche pour assombrir ces tons. Assurez-vous également de prendre soin de la forme de la ligne de séparation entre le bec supérieur et le bec inférieur. Ce n'est peut-être pas là où vous vous attendez nécessairement à ce qu'il soit. flamants roses ont des factures très drôles, et c'est quelque chose que j'aimerais certainement divertir dans une autre classe si vous êtes intéressés. Je pense que ce serait vraiment amusant de regarder les différentes formes de becs d'oiseaux. Faites-moi savoir ce que vous pensez. Nous allons placer un iris jaune très pâle sur l'oiseau qui passera plus tard avec une pupille noire. Ici, nous mettons maintenant la deuxième couche que j'ai mentionnée sur le projet de loi, en veillant à ne couvrir que les domaines que nous avions déjà cartographiés pour nous-mêmes dans la couche précédente. Nous pouvons définir des zones comme la narine, la pupille dans l'espace autour des yeux. Ici, je fais un dernier ajustement à la rose qui est sur la facture, et ça va le faire. J' espère que vous avez apprécié ce tutoriel flamant. 13. Projet de cours : Serpent (1ère Partie): Pour la finale de nos projets de classe, nous allons travailler sur l'image en gros plan d'un visage de serpents arboricaux. Avant de commencer, assurez-vous que vous avez regardé les démonstrations sur de petites échelles et définissez des échelles de cette classe. Sur un ordinateur, trouvez la photo de référence du serpent sous la zone de ressources sous cette classe. L' image est recadrée à neuf sur six pouces, soit la moitié d'une feuille de papier aquarelle de neuf sur 12 pouces. Vous pouvez dessiner votre propre croquis ou tracer la photo sans droit d'auteur à l'aide d'une boîte lumineuse ou d'une fenêtre bien éclairée. Utilisez une gomme malaxée pour alléger votre croquis si nécessaire avant de peindre. Assurez-vous que vous avez toutes les couleurs que nous allons utiliser, qui pour cette peinture sera jaune arylide, bleu céruléen, vert de Denise ou votre vert vert de sève, vert pérylène et quinacridone cramoisi d'Alizarine. Préparez le reste de votre espace de travail. Ma palette est à gauche de ma peinture en raison des angles de la caméra. J' essaie de ne pas bloquer votre vue, mais si vous êtes droitier, je vous recommande de garder votre palette à droite de votre espace de travail. Si vous êtes gaucher, gardez-le à gauche. Vous aurez également besoin de deux conteneurs pour l'eau mineure au centre supérieur de l'écran quand vous me verrez atteindre dans cette direction et il y a un chiffon réutilisable sur ma droite. Je recommande de regarder ce tutoriel sur un plus grand ordinateur ou écran de télévision pour en tirer le meilleur parti par opposition à un téléphone ou une petite tablette. Pour la plupart du tutoriel, la caméra sera configurée afin que vous puissiez me voir interagir avec l'ensemble de mon espace de travail. Mais cela signifie que le temps spatial réellement peindre et sera beaucoup plus petit, donc s'il vous plaît garder cela à l'esprit. Ce tutoriel principalement visuel sera concisément narré et n'aura pas de musique en arrière-plan. N' hésitez pas à mettre ce qui convient le mieux à votre créativité pendant que vous travaillez. Ce tutoriel, nous allons jouer à 1,5 fois ma vraie vitesse de peinture. Mais vous pouvez ajuster la vitesse du tutoriel plus loin dans le coin inférieur gauche de la vidéo, si vous voulez m'accélérer ou me ralentir. Je sais que les serpents peuvent être un sujet délicat pour certains, mais je ne pouvais pas laisser passer l'occasion de travailler sur cette magnifique image de référence qui nous fournit tant de détails à partir desquels nous pouvons peindre. Il y a tellement de texture dans chacune des échelles au premier plan et la profondeur de champ fera un excellent moyen de pratiquer assez souvent, sont concentrés vers l'arrière-plan. Nous allons commencer notre peinture avec deux rapports différents de deux mêmes pigments mélangés ensemble. Dans mon Top bien, il y a Arylide Yellow mélangé avec un peu de Cerulean Blue Hue. Puis le deuxième puits il y a un mélange de Cerulean Blue Hue avec un peu de l'Arylide Jaune. Nous allons commencer par le mélange plus léger qui se penche plus vers jaune et nous allons mettre un lavage sur toute la surface du serpent. Ajoutez plus d'eau lorsque vous voulez que la couleur soit plus claire ou fine et ajoutez plus de pigment lorsque vous voulez qu'elle soit plus foncée. Cela va être un peu plus plat et plus cohérent que certaines des autres premières couches que vous m'avez vues mettre dans les projets de classe. Cependant, nous allons toujours ajuster les valeurs en utilisant une brosse assoiffée pour soulever reflets le long de la crête du nez du serpent et au-dessus de l'œil. Nous allons déposer des pigments supplémentaires dans des zones plus sombres comme sous l'œil et sur le côté opposé du visage. En arrivant au cou, nous allons ajouter une partie du mélange plus sombre qui a plus de bleu. C' est un vert très vibrant et nous devrons le jouer un peu, qui traitera des couches futures. Mais pour l'instant, nous voulons le mettre le long de la crête de la colonne vertébrale qui suggère que cette zone est plus sombre que le reste. Vous pouvez ajouter le mélange plus léger pour le mélanger aux autres zones environnantes. Si vous vouliez utiliser une brosse plus grande pour cette tâche, sorte que vous auriez moins de voyages d'aller-retour à votre tasse d'eau. Vous êtes le bienvenu pour le faire. Mais pour le bien des tutoriels et de simplifier nos fournitures, je suis resté avec la taille huit pinceau tout au long du lavage de base. Ici, je décidais si je voulais ou non aller sur le bord de ma bande ou si je voulais m'arrêter court et avoir un bord plus organique, j'ai finalement décidé que je voulais que le serpent aille jusqu'au sommet du papier, qui nécessitait un peu plus d'ajustement en termes de pigments que je posais. Nous allons également mettre un peu de ce vert plus foncé dans l'œil comme couche de base. J' ai découpé les images des yeux pour les autres tutoriels souci de brièveté et de rester au point de ce sujet. Mais il y a un peu de prise avec des serpents et que leurs yeux sont couverts d'une échelle transparente. Peut-être que je vais te donner un cadeau ici et on y travaillera. Ensuite, nous allons prendre un mélange de Denise's Green, qui est un vert de sève terreuse et vert pérylène. Nous voulons juste ajouter une sorte de désaturé au vert foncé riche que nous pouvons commencer à couches dans certaines des échelles. J' aimerais que vous pensiez à cette échelle comme une méthode de grille comme si vous étiez juste en train de transférer un dessin. Nous nous souvenons tous de ces livres de coloriage. Même si nous ne les avons pas utilisés dans nos aventures artistiques où vous créez une grille , puis créez un dessin basé sur une copie et une image sera alignée avec la grille. Nous allons regarder notre photo de référence et nous allons prendre chaque échelle individuellement en peignant les textures que nous y voyons. Pour celui-ci, le bas de cette échelle au-dessus du haut de la bouche est sombre vers l'endroit où la bouche s'ouvre , puis devient plus léger vers le haut de cette région. Afin d'équilibrer cela, nous jouons une partie de l'erreur de lumière met en évidence la couleur sur le dessus, puis nous pouvons tomber dans un peu plus que vert plus foncé pour un peu de texture. Nous allons continuer cette méthode échelle par échelle toute la face des échelles qui sont mises au point. Nous voulons examiner les teintes et les valeurs de chaque échelle pour nous assurer qu'au fur et à mesure que nous allons un par un, ils ressemblent toujours à une unité cohésive dans l'ensemble du serpent. Vous pouvez commencer avec vos couleurs plus claires puis tomber dans sombres ou si vous savez qu'une échelle est particulièrement sombre, nous pouvons commencer par des pigments plus foncés et laisser tomber les plus légers comme nous l'avons fait sur le devant. J' inclurai des images de la première moitié de ce prochain espace. Ensuite, par souci de brièveté, je découperai une partie des images afin que nous puissions continuer avec le reste du tableau. Mais rassurez-vous, chaque échelle que j'aborde est similaire à celles-ci dans la première section de ce tutoriel. Il est certain que si vous travaillez échelle par échelle et que vous travaillez sur des échelles adjacentes, vous pourriez provoquer des fleurs dans la zone à côté de l'endroit où vous peignez si elle est déjà un peu humide. Pour éviter cela, vous voulez vous assurer qu'il y a un petit, minuscule espace entre vos échelles et/ou vous pouvez aussi simplement aller avec le flux et les faire fondre bien les uns dans les autres. J' aime ces quatre écailles avant comme les coins intérieurs, sorte de faire ce modèle vraiment cool de type carrelage, où vous avez ces taches sombres vers les coins intérieurs d'eux et ensuite ils deviennent plus légers au fur et à mesure que nous allons. long de ce front de la face, nous voulons également garder à l'esprit qu'il y a un fort point fort qui traverse toute la région. Donc, d'une échelle à l'autre, nous voulons que cela soit toujours au même endroit et que cela continue comme un point culminant sur tout le visage. De temps en temps, vous me verrez déposer une partie du jaune du palais dans la peinture, et c'est juste si je veux vraiment une zone beaucoup plus légère que je l'ai mélangée. Donc, si vous voyez mon pinceau aller sur le côté et prendre une couleur dans les palettes, puis l'ajouter à la page, il est très probable que notre jaune clair. Si jamais vous faites trop sombre dans une zone particulière, vous pouvez utiliser une serviette en papier pour soulever votre pigment et ajuster ensuite. J' alterne entre trois verts que nous avons ici fonction de chaque échelle individuelle et de ce qu'ils appellent. Au fur et à mesure que nous nous rapprochons de l'œil, nous voulons tenir compte du fait que les échelles courbent réellement à ce point. Il va y avoir une ombre autour de cette bague là où elle est au plus profond. Ensuite, il sera plus léger et aura un point culminant juste autour du bord de l'œil. J' aurais probablement pu faire un meilleur travail sur les trois dernières échelles. premier que j'ai peint et les deux qui finiront par être vers la droite de ça. Mais j'ai fait un bon travail sur le côté gauche de l'œil et sur le dessus. Vous pouvez donc regarder ces domaines pour obtenir de meilleurs exemples de ce qu'il faut faire. Ce sera le point central de l'ensemble de la peinture, donc nous voulons garder cela à l'esprit lorsque nous ajoutons nos détails soigneusement. Nous voulons toujours garder à l'esprit ce point culminant qui va du nez à l'œil et garder ce intact. Il y a un peu d'ombre directement devant l'œil le long de cette crête, et dans ce point culminant va se rétrécir au sommet de l'œil et il y aura une autre zone sombre derrière l'œil pendant que nous avançons dans cette direction. Je n'ai pas tendance à graviter vers des peintures qui exigent beaucoup de détails et de précision. Je préfère un style lâche et fluide auquel je peux ajouter des éléments de réalisme. Cependant, pour ce serpent, la façon dont j'ai pu tout pousser et m'assurer que je m'amusais avec le processus n'est pas seulement de prendre en considération l'échelle sur laquelle vous travaillez à l'époque mais comment il s'intègre dans le plus grand puzzle. Si vous appréciez cette peinture vraiment détaillée où nous allons mettre à l'échelle par échelle, ou détail par détail. Espérons que vous apprécierez ce tutoriel et ce sera un bon changement de rythme par rapport à nos tutoriels précédents qui étaient un peu plus lâches et gratuits. Ici, je vais ajouter le coin intérieur sombre de l'œil et ça va rester comme ça pendant un moment. Nous ne reviendrons pas aux yeux avant la fin de la peinture. Mais placer ces valeurs plus sombres définit vraiment un bon point d'ancrage pour les autres valeurs de notre pièce et sera utile pour ajuster ou les valeurs plus tard. On va placer cette peinture sombre le long de ce coin de l'œil, et ensuite on veut qu'elle se courbe dans ces écailles. Les ombres vont dans ces rainures que nous nous déplacons autour de l'œil surfer assez sur le bord intérieur, mais laisser le bord extérieur dur. Pour cela, j'utilise principalement le perylène vert. Voici où je découpe les images et termine le reste des écailles autour du visage selon notre photo de référence. Passant au cou et au corps de cette pièce, nous allons poser une zone humide d'eau afin que nous puissions faire une technique humide sur humide qui nous aide naturellement à diffuser et à adoucir les zones en arrière-plan. Nous allons utiliser une partie de cette teinte bleue civile mélangée avec un peu de jaune clair pour aider progressivement à lisser cette transition entre les couleurs plus claires et plus foncées sur le cou et le rendre plus cylindrique. Cette photo en particulier que j'ai mentionné au début du tutoriel est celle qui m'a vraiment excité parce que le photographe a fait un travail merveilleux en fermant naturellement l'ouverture et en s'assurant que la photo était déjà prêt pour nous à diffuser cette attention. On n'a pas eu à faire de devinettes là-dessus. Une fois que ce calque humide est en bas sur la page, nous pouvons tomber dans nos couleurs plus sombres avec une habileté comme une mode qui se diffuse tout seul. Encore une fois, nous voulons approfondir ces couleurs le long du cou pour suggérer que le cou a une forme et des courbes autour de cette zone. Je n'ai pas fait un travail incroyable à ce sujet et j'aurais pu faire un peu mieux, je pense que sur une deuxième passe, une deuxième étude. Alors assurez-vous que vous regardez votre référence. La crête supérieure de la colonne vertébrale elle-même n'est pas aussi sombre, mais la rainure juste à côté est. Donc, vous pourriez vouloir laisser un peu plus de surbrillance dans cette zone sombre. Je vais aussi tomber dans quelques modèles d'échelle très vagues sur le côté ici. Sur la photo, vous pouvez voir qu'il y a des lignes en croissant, des lignes courbes qui ont laissé entendre une texture à l'échelle, ce que j'essaie juste de faire ici en adoucissant doucement les bords, et je reviendrai à cela plus tard dans la peinture comme bien pour aider à résoudre cela un peu mieux. Il y a une ombre très profonde où les différentes parties du corps se chevauchent. Alors je vais de l'avant et je mets du perylène vert dans cette zone et nous allons revenir à ce qui est une partie très légère du ventre du serpent. Alors que nous nous éloignons de cette ombre, nous ajoutons plus de vert de Denise et plus de bleu civil mélangé avec le jaune arylide afin que nous puissions obtenir une gamme de ces différents verts que nous avons utilisés dans la peinture. En utilisant plus sont alliés jaune et bleu civil teinte, nous allons commencer à les placer verts plus brillants sur le ventre du serpent pour éclaircir toute la zone, car il est une zone assez vibrante de la photographie. Nous ne voulons pas qu'il soit en compétition pour se concentrer sur le visage. Vous me verrez donc désaturer cela un peu dans une future couche où nous ajoutons un peu plus de vert [inaudible] pour juste faire baisser la valeur globale. Parce que cette pièce va être sur du papier blanc, que je pourrais vouloir reconsidérer et revisiter à un moment ultérieur, mais pour l'amour de ce tutoriel, nous sommes sur le papier blanc dans le corps disparaît effectivement dans une ombre. Mais pour le bien du tutoriel, nous allons juste assombrir cette zone avec du vert de Denise pour que nous puissions adoucir la mise au point. Maintenant que le futur Denise regarde cela voir le produit final. Je pense que je pourrais vraiment vouloir revenir en arrière et mettre dans un fond plus sombre. Je pense que ce serait vraiment amusant. Donc, si vous décidez d'inclure tout l'arrière-plan sombre avec un vert pérylène ou même quelque chose de plus sombre, j'aimerais le voir dans votre section de projet de classe. Pour cela, vous devez simplement décrire soigneusement le visage et puis en arrivant à cette partie arrière du corps, vous feriez doucement la transition entre l'obscurité et le corps. J' ai aussi laissé tomber dans le vert de Denise dans notre badigeon, mais je n'ai pas aimé comment j'ai posé ça. Donc tu me vois juste essayer de l'adoucir ici. Nous y reviendrons plus tard et apporterons des ajustements dans une couche future. Aller et venir ici juste en essayant de se poser dans les bonnes formes globales, alors que ce n'est pas mis au point, nous devons quand même nous assurer qu'il semble exact pour l'animal. Beaucoup de lignes que j'ai posées au début étaient trop maigres et j'ai dû utiliser mon pinceau pour les coaxer en écailles plus larges et plus plates. Contrairement aux écailles de mon côté d'un serpent qui sont relativement petites et qui se chevauchent, les écailles sur le ventre d'un serpent sont larges et plates. 14. Projet de cours : Serpent (2e Partie): Une fois que votre première couche est entièrement sèche, nous allons commencer à vitrage dans quelques ombres pour créer les formes et courbures du serpent.Je vais commencer avec Perylène vert sur la mâchoire inférieure, ramollissement sur le bord, pour essayer lui donner un aspect arrondi qui se courbe autour dessous. Vous pouvez utiliser une brosse propre qui a surtout séché, pour soulever un peu de peinture en excès et ensuite nous allons glaçer dans un peu plus de notre couleur verte plus claire pour adoucir cette couleur, sur le dessus. Vous pouvez vous déplacer d'avant en arrière avec votre brosse entre les deux zones pour les planifier en toute transparence. Déplaçant vers la partie supérieure de la tête, je veux ajouter quelques faits saillants plus lumineux en utilisant principalement le jaune de plomb. Alors que nous voulons laisser la plupart de ce point culminant le plus lumineux intacte, nous pouvons mettre jaune de chaque côté de celui-ci, pour vraiment améliorer l'effet. La zone autour de l'œil est l'endroit où nous voulons être le plus concentré, donc en ajoutant cette couleur jaune plus vif, nous attirerons l'œil sur cette zone plus naturellement. Continuez à évaluer toutes les différentes zones de votre peinture, et ajoutez de la couleur là où cela est nécessaire pour tout lier ensemble. Nous allons commencer à définir les écailles avec la pointe de notre pinceau en utilisant le vert pérylène. La zone entre ces animaux écailles, est plus sombre que plus claire, donc il nous sera facile de commencer à découper ces zones. Bien que nous ne voulons être sûr de ne pas les décrire de manière caritative, que je pourrais avoir bordé sur le bord d'ici, mais je me suis arrêté juste assez, je pense, je l'espère.Aussi être à l'affût de petites zones d'irrégularités comme sur cette échelle frontale, il y a un petit morceau de frontière plus sombre qui pénètre dans l'échelle, et nous verrons également quelques zones dans tout le tableau. Ajouter ces petits morceaux supplémentaires aidera à briser les contours et à ne pas avoir l'air trop faux. Si une zone devient trop épaisse ou sombre, vous pouvez nettoyer votre pinceau et estomper les bords pour l'adoucir. Ce processus de repenser tout va prendre un certain temps, alors soyez à l'aise avec votre livre audio préféré, podcast ou musique, et nous allons travailler notre chemin à travers la pièce. Afin de rendre la narine plus réaliste, au lieu de faire un cercle de peinture foncée, assurez-vous de ramollir ce bord arrière, de sorte qu' il se fond dans l'échelle à côté de lui. Je veux juste me balancer doucement pendant un moment même si je n'ai pas beaucoup de nouveau à dire juste pour vous rappeler de faire une pause si vous ne l'avez pas déjà fait, étirez ces membres et assurez-vous que vous êtes dans un bon état mental et physique Finissez cette pièce. Il y a beaucoup d'échelles, et on peut s'y perdre, alors assure-toi que tu prends soin de toi. Le parallèle en Indonésie est vert et à notre vert moyen de plus tôt pour faire juste un beau centre-ville neutre, nous allons commencer à placer dans certaines des ombres et des contours sur le visage. Cela aidera à fusionner nos reflets et nos ombres ensemble pour une pièce arrondie complète. Nous allons ajouter une texture mouchetée vraiment fine ou certaines des écailles qui ont peu de détails sur eux qui brisent les tons plats monotones autour de l'œil en particulier. Cela le rendra un peu plus réel et [inaudible] pas si plat ou unidimensionnel. En revenant à l'œil, nous allons mettre dans ces ombres sombres sur la partie supérieure de l'œil. Cette fois avec powerline vert, utilisera une brosse différente pour ramollir les bords et vraiment aidé à faire ce look sphère. Assurez-vous d'aller entre chacune des échelles avec un peu d'ombre. En plus des reflets triangulaires à l'avant de l'œil, il y a également mis en évidence l'arrière de l'œil, ce qui nous aidera également à regarder plus d'appels de sphère. Alors assurez-vous de ne pas couvrir tout ça. Si vous le faites, vous pouvez ajouter du blanc plus tard. Ici, je suis allé un peu lourd, donc j'ai utilisé une serviette en papier pour soulever cette application pigmentaire et ensuite nous allons essayer à nouveau. Se connecte à l'ombre intérieure supérieure à l'ombre. Nous avons déjà mis en place pour compléter la sphère. Pendant que vous attendez que l'iris sèche, vous allez mélanger le vert et la quinacridone cramoisie Alizarine pour mélanger un beau noir profond. Nous pouvons le placer tout au long de la peinture dans endroits où nous voulons être un peu plus sombres et avoir plus de contraste et nous l'utiliserons également pour les gens dans un instant. Pour revenir à l'élève, nous allons le dessiner avec la pointe d'une pointe très fine à brosser afin que nous puissions être vraiment précis sur ces faits saillants. Une fois que la pupille est en place, nous allons prendre une brosse propre et humide pour simplement toucher doucement le bord et rompre ce contour afin qu'il ne semble pas si déplacé. Nous pouvons ajouter une partie de ce mélange noir aux coins des yeux ainsi que pour tout rapprocher. En revenant au corps du serpent, nous allons utiliser une partie de ce mélange sombre une fois de plus pour le placer dans cette ombre sombre. En utilisant notre vert de ton moyen, nous allons placer une couche de plus sur la zone du cou, puis nous allons tomber dans des tons plus foncés pour définir davantage les échelles. C' est encore une fois le mélange de vert pérylène et de vert de Denise. Nous allons suivre les lignes que nous avons mises plus tôt, mais faire un peu plus de travail pour tailler quelques échelles individuelles dans un motif hachuré quelque peu, mais ne prenez pas cela trop littéralement. Nous allons assombrir les tons sur le côté droit du cou pour qu'il semble plus cylindrique comme nous l'avons fait au fond du pot. J' essaie de réparer certaines de mes erreurs en réparant la colonne vertébrale que j'ai mentionnée. Je n'ai pas laissé assez de points forts pour cela, mais vous pouvez aller de l'avant et éviter cette erreur en le faisant correctement la première fois et apprendre de mes erreurs. déplaçant vers le ventre du serpent, j'ai déjà couché de l'eau et on va tomber doucement dans vert de Denise dans ces écailles du ventre pour la séparation. Nous allons rincer cette brosse et ensuite, avec une brosse propre, nous nous assurerons que ces zones ne sont pas trop dures et qu'elles se mélangent, et ne sont pas concentrées. Je vais continuer à faire quelques ajustements au corps jusqu'à ce que je sois vraiment content de la façon dont les regards sont regardés. Je sais que c'était beaucoup de travail. Merci de rester avec moi et j'espère que vous avez apprécié ce tutoriel sur les échelles de peinture. J' aimerais voir vos peintures dans votre projet de classe, alors n'oubliez pas de les télécharger. 15. Réflexions finales: Merci beaucoup d'avoir suivi mon cours de compétences sur la fourrure, les plumes et les écailles. J' espère que vous apprécierez la classe et que vous apprendrez quelque chose de nouveau. N' oubliez pas de télécharger votre projet de classe dans la section projet de classe et laissez-moi savoir s'il y a une critique que vous aimeriez sur votre travail. N' hésitez pas à consulter mes autres cours de sculpture pour d'autres bontés d'aquarelle et laissez-moi savoir dans la discussion de classe de ce cours s'il y a quelque chose que vous aimeriez voir sur l'aquarelle à l'avenir. Jusqu' à la prochaine fois, joyeux tableau.