Forme, ligne et rythme : une approche consciente du dessin abstraitto .

1. Introduction: Nous passons une grande partie de notre vie à essayer de tout comprendre. Nous ne cessons de nous demander et de nous demander si cela fonctionnera. Est-ce un bon choix ? Est-ce que je vais vraiment quelque part ? Mais la vie nous donne rarement une vue d'ensemble. La plupart du temps, nous ne pouvons passer l'étape suivante que sans savoir exactement où elle nous mènera. Bonjour, je suis Neha Modi. Je suis une artiste et l'une des meilleures enseignantes de Skillshare, et j'ai passé des années à explorer comment des lignes simples, des formes et une réputation peuvent aller Créez quelque chose de significatif et de complexe. Et quelque part en cours de route, je me suis rendu compte que la créativité ne consiste pas toujours à savoir ce que l'on fait. Parfois, il s'agit d'être curieux, de prendre une décision, voir ce qui se passe, puis de continuer à avancer à partir de là. Pour créer, vous devez vous soumettre au processus et suffisamment confiance en vous pour passer à l'étape suivante. Et c'est le fondement de ce cours. Nous allons commencer par des formes géométriques simples et apprendre à créer une composition abstraite en utilisant l'échelle, la répétition, l'équilibre, le mouvement et l'espace négatif. Nous verrons comment la couleur peut modifier l'ambiance et le poids visuel d'une composition, ainsi les différentes manières dont les formes géométriques peuvent être agencées pour créer une impression d'histoire et de mouvement. Ensuite, nous ralentirons tout et construirons l'œuvre d'art par le biais de marquages répétitifs pour créer de la texture, du rythme et un langage visuel unique L'objectif de ce cours n' est pas simplement de créer une œuvre d'art, mais de faire l'expérience de la transformation qui se produit lorsqu'une idée très simple reçoit le temps, attention et l'espace nécessaires pour se développer. Que vous soyez artiste ou débutant, rejoignez-moi pour découvrir comment des lignes, des formes et des couleurs simples peuvent se combiner pour créer un récit intentionnel. On se voit en classe. 2. Projet de cours et matériel: Bienvenue dans la classe. Je suis tellement contente que tu sois là. Avant de commencer, parlons un peu de ce que vous allez créer et manière dont vous pouvez aborder votre projet. Dans ce cours, vous allez maintenant créer votre propre œuvre d' art géométrique abstraite en utilisant des formes, des couleurs et des marques répétitives. Vous pouvez me suivre et recréer ce que je fais ou utiliser les techniques pour créer quelque chose qui vous ressemble complètement. Vous pouvez expérimenter avec les formes, la façon dont vous les arrangez, la palette de couleurs et même l'espace négatif. L'objectif n'est pas de créer une copie parfaite, mais de comprendre les principes qui sous-tendent le processus et de créer quelque chose qui vous semble personnel. Et une fois que vous avez terminé, partagez vos œuvres dans la galerie de projets. En plus de votre projet, j' aimerais également en savoir un peu plus sur votre processus. Avez-vous découvert quelque chose en le fabriquant ? L'œuvre a-t-elle évolué d' une manière à laquelle vous ne vous attendiez pas ? Parlons maintenant des matériaux. Je vais travailler sur un papier de 300 g/m² à cinq presses à chaud car sa surface lisse permet à la fine doublure de se déplacer facilement sur la page, mais il n'est pas nécessaire d' utiliser le même papier. Tout papier à surface lisse fonctionne bien. J'utiliserai des doublures colorées provenant d'un mélange de différentes marques Vous aurez également besoin d'un crayon et d'une gomme pour votre composition initiale et d'une règle si vous souhaitez créer des lignes géométriques plus nettes Enfin, vous aurez besoin de quelque chose aussi important que le matériel. Du temps et un peu de patience. Ne vous précipitez pas sur cette œuvre d'art, faites des pauses quand vous le souhaitez. Rangez votre téléphone pendant un petit moment, asseyez-vous dans un endroit confortable, détendez vos épaules et autorisez-vous à ralentir. Parce que, comme nous le découvrirons dans ce cours, dessiner ne consiste pas toujours à savoir où va aller la ligne. Parfois, il s'agit d'être prêt à le suivre. Rassemblez donc votre matériel et ne vous inquiétez pas de faire la marque parfaite. 3. Blocs de construction : formes et composition: La première étape de la création d'une œuvre abstraite géométrique consiste à créer la bibliothèque de formes. Considérez cela comme votre bibliothèque visuelle, une collection de formes simples que vous pourrez ensuite combiner, modifier et agencer pour créer vos propres œuvres d'art. Commencez par quelques formes géométriques de base, dessinez-les à main levée et considérez-les comme votre point de départ L'étape suivante consiste à jouer avec leur taille. Lorsque vous changez d'échelle, cela crée de la variété. Plus tard, lorsque vous planifiez votre composition, en jouant sur l' échelle d'une forme, vous pourrez choisir les éléments auxquels vous souhaitez accorder le plus d'importance. Étirez un cercle en ovale, agrandissez ou élargissez un carré, étirez un triangle dans une direction Vous pouvez prendre une forme de base et créer de nombreuses variantes en jouant avec leurs proportions. La prochaine chose à faire est de changer la direction des formes, les faire pivoter, de les incliner, de les retourner. Une fois que vous avez joué avec les formes de base, commencez à assembler différentes formes. Laissez certaines de vos formes se toucher. Ils peuvent se rencontrer bord à bord, point par point ou simplement se frôler l'un contre l'autre. Cela crée une relation entre les formes sans qu' il soit nécessaire d'ajouter des détails. Vous pouvez également laisser certaines formes se chevaucher. chevauchement peut créer de la profondeur, liens et des relations visuelles plus intéressantes Enfin, laissez certaines formes se poursuivre au-delà du bord. Le recadrage crée du mouvement et donne l' impression que la composition se poursuit en dehors du cadre. Une fois que vous aurez suffisamment joué avec toutes les formes et toutes les variations, assemblez-les et vous aurez votre bibliothèque de formes vocabulaire visuel auquel vous pourrez revenir chaque fois que vous commencerez une nouvelle œuvre d'art. Maintenant, une fois que votre bibliothèque de formes est prête, l'étape suivante consiste à vous demander ce que vous voulez dire. Vous pouvez vouloir représenter un lieu, un objet, un souvenir, une émotion ou un thème particulier, ou simplement explorer des formes sans rien représenter de spécifique. Il n'y a aucune règle concernant ce que doit être votre idée. C'est juste que vous devez passer quelques minutes à décider de ce que vous souhaitez communiquer. Une fois que vous savez ce que vous voulez exprimer, vous pouvez retourner à la bibliothèque de formes et vous demander quelles formes peuvent m' aider à communiquer mon idée. Et une fois que vous commencez à associer différentes formes à l'idée que vous souhaitez communiquer, la géométrie simple devient un langage visuel. Voici maintenant quelques exemples de la façon dont vous pouvez traduire une idée en une composition géométrique. Ici, j'utilise des formes organiques, des formes verticales et des jardinières en couches pour suggérer un jardin Pour un paysage désertique, de larges reliefs, un cactus et un simple soleil suffisent à établir le décor Et ici, les vagues en couches et un puissant phare vertical évoquent immédiatement un paysage océanique. Ici, la grande tasse et la cafetière deviennent un élément masculin tandis que la forme environnante suggère la table et l' espace qui les entoure. Ici, le papillon géométrique devient un symbole de transformation, et en utilisant une échelle de symétrie et des formes angulaires, nous pouvons suggérer le changement et le mouvement. Et parfois, vous n'avez même pas besoin de représenter quoi que ce soit de littéraire. Les changements d'échelle, de direction et de mouvement peuvent simplement suggérer une idée. Maintenant, mon idée de départ pour l'œuvre principale était le phénix sortant du feu. Ainsi, au lieu d'essayer de dessiner immédiatement un phénix détaillé, j'ai décomposé l'idée en éléments plus simples, savoir le corps, les ailes, la tête, queue, les flammes et le paysage environnant. J'ai commencé très petit en utilisant de petites boîtes dans mon carnet de croquis. À ce stade, je ne pense pas du tout aux petites marques. Je ne joue qu'avec les formes et je ne cesse de me demander quel doit être mon point central. Comment les formes doivent-elles se déplacer dans la composition ? Je crée plusieurs versions plutôt que d'essayer de bien faire les choses du premier coup Je déplace les formes, je change leur taille, je les fais pivoter, je les superpose et parfois je les supprime complètement. Ce n'est en fait qu'une autre façon d'utiliser la bibliothèque de formes, sauf que maintenant j'essaie de communiquer une idée précise. Finalement, une mise en page commence à me convenir, et c'est celle que je reprends et que je développe sur mon article final. Et même dans ce cas, je ne lis pas la miniature comme un ensemble de règles C'est simplement un point de départ qui me donne suffisamment de structure pour commencer. Vous pouvez donc maintenant essayer le même processus. Commencez par créer votre bibliothèque de formes, puis choisissez une idée que vous souhaitez explorer, puis créez quelques compositions miniatures Et une fois que vous avez une idée précise de ce que vous voulez faire, créez l'illustration sur le format de papier exact sur lequel vous souhaitez placer votre composition finale. 4. Couleur, humeur et sens: À ce stade, j'ai finalisé ma composition et je l'ai dessinée sur du papier au format AFI. Il s'agit d'une version de travail qui m'aide à voir exactement où tout va aller avant de commencer l'article final. J'utilise la scène pour élaborer ma palette de couleurs principale et décider la place de ces couleurs dans la composition. Maintenant, je veux que le phénix et le feu soient la source d' énergie de la composition Je vais donc utiliser des couleurs chaudes comme le rouge, l'orange et le jaune. Ces couleurs contribueront également à renforcer l'idée de chaleur, de mouvement et de transformation. Je vais rafraîchir les zones environnantes en utilisant du bleu et tons précoces plus foncés pour que les couleurs chaudes aient quelque chose à voir avec elles. Je n'ai pas besoin de colorier l' ensemble de l'œuvre à ce stade. Je marque simplement les couleurs principales pour que, lorsque je commence à remplir l'œuvre d'art avec les petites lignes, je sache exactement où les choses vont. Alors maintenant, avant de passer à l'étape suivante, prenons un peu de temps pour comprendre comment nous pouvons utiliser la couleur intentionnellement. J'aime considérer la couleur comme un autre langage dans vos œuvres d'art. Elle peut nous dire comment nous sentir, où regarder, et parfois même comment nous déplacer dans une composition. Cela peut faire partie de la façon dont vous communiquez votre idée. Alors que vous choisissez vos couleurs, commencez à réfléchir à ce que vous voulez qu'elles fassent. Une couleur peut rappeler à une personne l'énergie et le confort à une autre . Cela peut sembler complètement différent selon le contexte et les couleurs qui l'entourent. Utilisez donc la théorie des couleurs comme point de départ, mais faites également attention à votre propre association et l'idée que vous souhaitez communiquer. Maintenant, lorsqu'il s'agit de choisir les couleurs, il n'y a pas vraiment de chiffre magique. Vous pouvez créer une belle composition avec seulement deux ou trois couleurs, ou vous pouvez même utiliser une palette plus large pour donner plus de variété et créer une sensation plus riche et plus expansive Mais si vous trouvez que les choix de couleurs sont trop nombreux, je vous encourage à commencer modestement. Une palette de couleurs limitée peut faciliter la prise de décision et donner à votre œuvre un aspect plus intentionnel. Une façon simple de commencer à réfléchir relations entre les couleurs consiste à utiliser des couleurs chaudes, froides et neutres. Les couleurs chaudes peuvent apporter de l'énergie et de la chaleur. Les couleurs froides peuvent créer une sensation plus calme ou plus spécieuse, et les couleurs neutres peuvent donner à l'œil un endroit où se reposer Donc, au lieu de penser que chaque couleur doit avoir la même importance, attribuez à votre couleur des rôles différents. Peut avoir une couleur dominante qui a le plus de poids visuel, couleurs de soutien qui peuvent créer un équilibre, et une couleur d'accent plus petite qui peut ajouter de l'énergie ou attirer l'attention. Maintenant, la couleur devient vraiment intéressante lorsque nous réfléchissons à l'endroit où nous voulons la placer. couleur intense sur un arrière-plan calme peut immédiatement devenir un point central, tandis que lorsque vous répétez la même couleur dans différentes parties de l'œuvre, cela crée un lien visuel et à la composition une apparence cohérente La couleur peut également guider le spectateur à travers l'œuvre d'art. Vous pouvez passer d'une couleur plus faible à une couleur plus forte, créer une pause avec une couleur neutre, puis rétablir le contraste. Ainsi, même si la forme elle-même ne bouge pas, vos choix de couleurs peuvent créer une impression de voyage. Avant de planifier votre palette de couleurs, l'une des questions que vous pouvez vous poser quoi a besoin cette partie de mon œuvre d'art ? Peut-être qu'il a besoin d'énergie, peut-être qu'il a besoin d'espace, peut-être qu'il a besoin de chaleur ou d'équilibre. Ce simple changement de couleur peut transformer le simple remplissage de formes en une façon de raconter votre histoire. Maintenant, avant de commencer à colorer toutes les petites formes, je vous recommande vivement de créer une carte de couleurs rapide. C'est quelque chose que je trouve extrêmement utile car lorsqu'ils travaillent sur une petite section à la fois, il est très facile de perdre de vue l'ensemble de la composition. Une palette de couleurs vous permet de prendre du recul et voir la situation dans son ensemble avant de vous engager. Essayez deux ou trois versions rapides, changez la couleur dominante, changez l'accent ou réchauffez ou refroidissez la palette. N'oubliez pas que vous ne recherchez pas la bonne version. Vous testez simplement ce qui convient le mieux à votre œuvre d'art. Enfin, une fois que vous aurez compris certaines des idées de base, personnalisez la palette. Pensez aux couleurs qui vous attirent naturellement. Pensez aux endroits que vous avez visités, aux choses dont vous vous souvenez, couleurs que vous associez un sentiment particulier ou à un moment de votre vie. Vous pouvez choisir une couleur de ce que dit la théorie des couleurs à son sujet ou simplement parce que vous aimez la voir à côté d'une autre couleur. Il n'est pas nécessaire qu'il y ait une seule bonne réponse. Utilisez ces idées comme cadre, expérimentez un peu, puis faites confiance à votre propre œil. C'est à ce moment-là que votre œuvre d'art commence à devenir véritablement la vôtre. 5. De l'idée à l'œuvre d'art: Maintenant que j'ai planifié ma composition, je vais commencer à travailler sur la pièce finale. Je commence par diviser le papier en sections plus petites. Ces sections mesurent un demi-centimètre chacune. Je crée des sections plus petites parce que je veux que le patron final ait un aspect détaillé. Mais si vous préférez un motif plus ouvert ou si vous travaillez sur une feuille plus grande, vous pouvez agrandir un peu ces divisions. Il n'y a pas de taille idéale à utiliser. Cela dépend du type de look final que vous souhaitez créer. Je vais commencer par le Phénix, qui est l'élément principal de ma composition. Je veux que ce soit le point central de l'œuvre d'art, donc je lui laisse suffisamment d'espace pour qu'il se démarque des formes environnantes. Je n'essaie pas de dessiner un oiseau réaliste ici. Au lieu de cela, je simplifie la forme et je la construis avec des formes géométriques Je veux lui donner un aspect inspiré de l' origami Je construis donc la forme entière en utilisant des triangles et des formes angulaires nettes Maintenant, plutôt que de dessiner chaque partie séparément, je laisse les formes se connecter et se chevaucher pour former l'oiseau. Je fais également attention à l'orientation des formes. Les formes pointues aident à créer une sensation de mouvement et donnent au phénix l' impression de se lever. Maintenant, lorsque vous dessinez votre propre composition, réfléchissez à la manière dont vous pouvez simplifier votre sujet de la même manière. Vous n'avez pas besoin de dessiner quelque chose exactement tel qu'il apparaît dans la vie réelle. Commencez par l'examiner à travers ses formes de base. Réfléchissez aux formes que vous pouvez utiliser, manière dont elles peuvent se chevaucher et à la manière dont la direction peut vous aider à exprimer votre idée. Parfois, quelques formes simples peuvent communiquer bien plus qu' un dessin compliqué. Et pour moi, c'est ce qui rend ce type de dessin abstrait vraiment intéressant. Vous ne vous contentez pas de dessiner un objet, vous explorez dans quelle mesure vous pouvez simplifier sa forme tout en conservant son caractère et son mouvement. Une fois que je suis satisfait de la forme principale du Phénix, je commence à allumer le feu autour de celui-ci. Pour le feu, j'utilise des triangles de tailles et de proportions différentes. Certains sont longs et étroits tandis que d'autres sont courts et plus larges. Je laisse les formes se chevaucher et je les oriente dans différentes directions pour que le feu ait l' impression de bouger plutôt que de rester immobile. Je fais également le lien entre le feu le Phénix pour indiquer qu'ils font partie du même mouvement. Une fois les principaux éléments en place, je commence à regarder le reste de la page. Je recherche les endroits où une autre forme pourrait aider à équilibrer votre composition, et je recherche également les endroits où je peux laisser de l'espace libre. Vous savez, il est facile de penser que chaque zone vide doit être remplie, surtout lorsque vous travaillez avec un motif abstrait. Mais je ne veux pas que la page entière soit en compétition pour attirer l'attention. Je veux que le Phénix reste au centre de nos préoccupations, soutenu par le feu. C'est pourquoi je vais dessiner de grandes formes géométriques en arrière-plan en utilisant un mélange de rectangles, de strangles et d'autres formes simples Cela permet de relier les différentes parties de la composition sans que tout soit aussi important. Pendant que vous travaillez sur votre propre composition, prenez du recul et regardez la page dans son intégralité. Une forme peut sembler intéressante en elle-même, mais ce qui compte, c'est la façon dont elle fonctionne avec tout ce qui l'entoure. Vous n'êtes pas obligé de remplir tous les espaces. Parfois, c' est en omettant quelque chose que la composition est plus forte. Et si vous suivez ce design en particulier, ne vous sentez pas obligé de reproduire chaque forme exactement comme je l'ai dessinée. Vous pouvez modifier les proportions du Phénix, agrandir le feu, ajouter des triangles ou même laisser le feu se propager sur la page. Vous pouvez également remplacer certains éléments d' arrière-plan par vos propres formes. L'idée est de s'en servir comme point de départ et de trouver une version qui ressemble à la vôtre. Maintenant que la base est prête, je vais commencer à remplir les sections. Je commence par un coin, car il est plus facile de maintenir la direction de la ligne lorsque vous commencez par un coin. Je commence par le marron car c' est l'une de ces formes de fond. Maintenant, le motif commence par quelque chose de très simple, une courte ligne inclinée, puis je continue à dessiner une ligne après l' J'essaie de garder l'angle et l'espacement assez constants tout en répétant le mouvement Je veux que les lignes soient uniformément côte à côte, alors j'essaie de maintenir une distance constante entre elles. Maintenant, il n'est pas nécessaire qu'ils soient exactement les mêmes, mais le fait de garder un espacement similaire permet d'obtenir un motif équilibré Je surveille également les bords de la forme et je m' assure que chaque ligne reste dans les limites de cette section en particulier. Une fois la première série de lignes terminée, je commence à relier les premières lignes de section à la suivante en dessinant des lignes diagonalement opposées Je pars de la fin d' une ligne et je trace vers la ligne voisine pour créer une petite connexion en forme de V. Je vais continuer à faire cela une ligne à la fois et assurer que chaque nouvelle ligne suit un angle et une direction similaires. Au fur et à mesure que je poursuis ces lignes, vous pouvez voir comment les différentes marques se rejoignent progressivement pour former un motif en forme de hareng Après avoir terminé la première section, je passe à la suivante. L'objectif est de conserver le même mouvement de va-et-vient. Je commence donc par tracer les lignes inclinées, puis les intègre progressivement dans le même schéma connecté Avant de commencer une nouvelle section, je prends toujours le temps de regarder la section précédente et de décider quelle direction la ligne doit suivre. Cela m'aide à maintenir le rythme du motif sans tromper de direction. Donc, si vous ne savez pas dans quelle direction doit aller la ligne suivante, essayez de suivre le mouvement avec votre doigt ou votre stylo juste au-dessus du papier avant de le dessiner. Lorsque je dessine ce motif, j'essaie de ne pas trop me laisser emporter par l'apparence de l' œuvre finale. Il est très facile de penser à l'avenir, vous savez, la section suivante, aux couleurs ou à la quantité de travail qu'il reste à accomplir. Mais quand je fais ça, j'ai tendance à perdre de vue ce que je fais réellement. J'attire donc à nouveau mon attention sur le dessin. Je regarde la ligne devant moi, je marque le point suivant et je continue. Si mon esprit vagabonde, je reviens simplement au schéma. Je ne suis pas frustrée par moi-même ou je ne perds pas le focus. Je recommence simplement par la ligne suivante, et c'est ce qu'est vraiment la pleine conscience. Je n'essaie pas de me forcer à arrêter de penser. J'accorde simplement mon attention quelque chose de petit et de tangible sur lequel je peux revenir. Au fur et à mesure que je continue à remplir les sections, vous pouvez voir comment les simples lignes inclinées ajoutent non seulement de la couleur, mais ont également commencé à créer Si j'avais colorié chaque forme d'une couleur unie et plate, l'œuvre d'art aurait été très différente. Mais en utilisant ces marques répétées, j'ai introduit une couche de détails qui donne à ces formes une surface beaucoup plus complexe. Lorsque les lignes sont rapprochées, le motif apparaît plus sombre et plus compact. Lorsqu'elles sont légèrement espacées, les marques individuelles deviennent plus visibles. Ainsi, lorsque vous remplissez, vous pouvez également jouer avec l'espacement. Vous pouvez rendre certaines sections denses en traçant les lignes très proches les unes des autres, tandis que dans d'autres, vous pouvez laisser des espaces vides. Cela peut apporter un aspect très différent au motif et peut valoir la peine d'être essayé. Après tout, il n'y a pas de règles en matière de pratique créative. Vous pouvez expérimenter, explorer vos propres essais et erreurs et voir ce qui fonctionne le mieux. Le processus et les illustrations devraient vous rendre heureux. Les couleurs que vous choisissez doivent exprimer ce que vous voulez exprimer Suivez donc votre instinct et ne vous inquiétez pas des erreurs ou des erreurs. En dessinant, vous remarquerez que certaines zones sont plus faciles à remplir que d'autres. les espaces où différentes formes se croisent ou où les formes se rétrécissent, vous devez faire un peu plus attention à la façon dont les lignes se déplacent dans cette section N'oubliez pas que vous n'êtes pas obligé parcourir toutes les sections au même rythme. Maintenant, si vous débutez dans le marquage répétitif, vous remarquerez peut-être qu'au bout d'un moment, vous commencez à vous sentir un peu Vous faites la même chose encore et encore, et peut-être qu'une partie de vous commence à se demander combien de temps cela va prendre ou si vous pourriez faire autre chose à la place. Et c'est tout à fait naturel. Nous sommes tellement habitués à passer rapidement d'une chose à l'autre qu'il action simple pendant peut sembler étrange de s'en tenir à une action simple pendant un certain temps au début, mais si vous y consacrez un peu de temps, vous verrez comment cela commence à être apaisant. Il y a un certain rythme qui se développe. Vous faites une marque, puis une autre, et progressivement votre main commence à trouver son propre rythme. Vous n'avez pas à décider constamment de la marche à suivre , car le mouvement de base vous est déjà familier. Cela vous laisse un peu plus de place pour faire attention aux détails, la direction de la ligne, la distance entre les marques, la façon dont le motif se développe. Et surtout, c'est cette réputation et cette familiarité qui vous emmènent dans une zone méditative. Et en même temps, si vous vous sentez impatient, ne vous forcez pas à continuer. Vous pouvez faire une courte pause et revenir lorsque vous serez prêt. L'idée n'est pas de vous obliger à vivre quelque chose qui ne vous plaît pas. C'est pour vous donner l' opportunité de faire l'expérience de ce qui se passe lorsque vous ralentissez et que vous vous concentrez sur une seule chose pendant un peu plus longtemps. Et ce faisant, vous pourriez commencer à constater un changement dans votre façon d'envisager les progrès. Quand on regarde l'œuvre dans son ensemble, surtout lorsqu'elle est encore inachevée, on a l'impression qu' il reste encore beaucoup à faire Mais si vous vous concentrez à nouveau sur la section sur laquelle vous travaillez, vous pouvez voir les progrès se produire sur place. Ce sont de petits changements, mais ce sont des changements réels. Et lorsque vous retournez au travail, ces petits changements commencent à s'accumuler. Finalement, les sections commencent à se connecter les unes aux autres, et quelque chose qui n'existait autrefois que sous forme plan commence à prendre son propre caractère. Alors que vous travaillez sur votre article, essayez de ne pas mesurer votre progression uniquement en regardant le nombre de pages que vous avez terminées. Remarquez les sections que vous avez terminées, le rythme que vous commencez à trouver, la façon dont vous vous sentez à l' aise avec la répétition et la sensation que vous ressentez en faisant l'œuvre d'art. Je passe maintenant au feu, et je vais suivre le même schéma de couleurs que celui du Phénix. J'utiliserai un jaune, deux rouges différents et un orange. Je vais répartir ces couleurs chaudes sur les sections triangulaires du feu. Le jaune ajoute de la luminosité tandis que le rouge et l'orange créent un contraste entre les formes. Maintenant, je ne suis pas une règle stricte quant à savoir quelle couleur doit aller où. J'examine les formes voisines et décide comment les couleurs peuvent fonctionner ensemble. Par exemple, si deux triangles se rencontrent, je pourrais utiliser des nuances différentes pour rendre les limites plus visibles. Si vous avez des couleurs plus chaudes dans une gamme similaire, vous pouvez les utiliser pour créer des variations supplémentaires. Vous pouvez introduire un rouge plus foncé, un orange plus clair ou une autre nuance de jaune. Si vous le souhaitez, vous pouvez créer une interprétation complètement différente en utilisant le bleu, le violet ou le vert Je veux dire, vous n'avez pas besoin d'utiliser les couleurs de feu traditionnelles. Mais la seule chose que je voudrais envisager est garder le phénix et le feu dans la palette de couleurs correspondante. Comme elles appartiennent à la même histoire visuelle, l' utilisation de couleurs connectées peut vous aider à renforcer votre idée. Au fur et à mesure que vous travaillez, vous remarquerez probablement de légères différences dans vos notes. Une ligne peut être plus longue que l'autre, autres espacements peuvent légèrement changer Parfois, un segment ne correspond pas exactement comme vous le vouliez au précédent. Lorsque cela se produit, je n'essaie pas de corriger toutes les différences, car même si un motif répété nécessite une certaine cohérence, il n'a pas besoin d'être parfait mécaniquement Ce qui compte, c'est le rythme général des notes et la façon dont elles fonctionnent ensemble. Essayez donc de faire attention sans trop critiquer chaque ligne que vous tracez. Vous n'êtes pas obligé de supprimer le motif simplement parce que certaines lignes ne se présentent pas comme prévu Parfois, la meilleure chose à faire est simplement de continuer. Une fois que j'ai passé en revue les principaux éléments, je commence à remplir les sections d'arrière-plan restantes. J'utilise le bleu pour créer un contraste avec les couleurs plus chaudes du Phénix et du feu. Le bleu fait ressortir le jaune et donne la composition une zone plus fraîche pour équilibrer la chaleur. J'utilise également différentes nuances de brun dans certaines des autres sections pour introduire d'autres variations. Alors que je continuais à travailler sur cette pièce, j'ai apporté quelques modifications à l'arrière-plan. Au départ, j'avais prévu de laisser un espace blanc et j'avais également inclus des divisions de fond supplémentaires. Mais au fur et à mesure que les sections colorées se développaient, j'ai eu l'impression que la composition devenait un peu trop chargée. Je voulais que le Phénix et le feu restent au centre de mes préoccupations, car certaines divisions supplémentaires détournaient l'attention d'eux. J'ai donc décidé de supprimer certaines de ces sections d'arrière-plan et de laisser le bleu occuper une ces sections d'arrière-plan et de laisser plus grande partie de l'espace. Cela a permis de créer un arrière-plan plus continu et de faire ressortir les formes les plus claires. Je pense qu'il est important de se rappeler que votre plan initial ne doit pas nécessairement rester inchangé tout au long du processus. Parfois, vous ne comprenez ce une composition a besoin qu'une fois que vous commencez à la remplir. Une section qui semble nécessaire dans l'ébauche risque de vous distraire plus tard. Vous vous rendez peut-être compte qu'une zone a besoin plus d'espace pour respirer ou qu' en simplifiant quelque chose, le sujet principal sera plus clair Ainsi, lorsque vous créez votre œuvre d'art, n'hésitez pas à apporter ces modifications. Vous n'êtes pas obligé de conserver quelque chose simplement parce qu'il faisait partie de votre plan initial, et vous n'avez pas besoin de continuer à ajouter détails simplement parce qu' il y a de l'espace disponible. temps en temps, prenez du recul et regardez la composition dans son ensemble. Remarquez ce qui attire votre attention, si le sujet principal sort et si certains endroits semblent surpeuplés inutilement Parfois, le fait d'ajouter quelque chose aide et d'autres fois, le fait de supprimer quelque chose renforce l'œuvre d'art. Je vais continuer à travailler sur les sections restantes en utilisant le même processus. Et une fois que toutes les sections sont remplies, voici à quoi ça ressemble. Ce qui n'était au départ qu'un simple dessin de formes s'est progressivement transformé en quelque chose de beaucoup plus complexe grâce à la répétition d'une marque de base J'aime beaucoup la façon dont le phénix se détache sur le bleu et la façon dont les couleurs chaudes se répercutent sur le feu sous-jacent. Maintenant, voici d'autres exemples. Dans celui-ci, j'ai utilisé le stylo et le chemin comme élément principal et le reste des formes pour symboliser les obstacles et la résilience J'utilise le jeu des couleurs claires et foncées pour montrer que la résilience ne se limite pas aux parties difficiles Il s'agit également de moments de lumière, de changement et de possibilités qui coexistent. J'ai également laissé un peu d'espace négatif ici afin que le chemin devienne beaucoup plus visible et qu'il y ait un espace pour respirer. Dans celui-ci, au lieu de me concentrer sur un élément de héros, je voulais juste jouer avec des limites. J'ai donc utilisé une palette de couleurs limitée et des formes limitées pour créer une composition continue et dense. Dans ce modèle, je voulais créer une interprétation abstraite simple d' une ville sans la dessiner de façon trop réaliste Alors allez-y et créez votre propre version. Il peut être aussi direct ou abstrait que vous le souhaitez. L'objectif est de le simplifier en lui donnant des formes de base et de le ralentir avec une marque à la fois. 6. Dernières réflexions: Merci beaucoup d'avoir passé ce temps avec moi. Nous imaginons souvent le progrès comme quelque chose de grand et d'évident, mais la plupart du temps, c'est beaucoup plus discret. Il se présente, revient un peu demain et fait un peu plus. La plupart du temps, tout comme ces marques, peuvent ne pas sembler grand-chose prises isolément jusqu'à ce que vous preniez du recul et que vous réalisiez jusqu'où elles vous ont mené. Soyez donc patient dans votre processus et souvenez-vous que vos petits efforts commenceront à se manifester non seulement sur la planche à dessin, mais aussi dans la vie. J'adorerais voir ce que vous avez créé, alors n'hésitez pas à partager votre travail dans la galerie de projets. Si vous avez aimé ce cours, découvrez mes autres cours Skillshare où nous continuons à explorer les modèles de dessin conscients et les pratiques créatives de différentes manières Et n'oubliez pas de me suivre ici sur Skillshare afin de rester au courant de mes prochains cours Vous pouvez également rester en contact avec moi sur Instagram, et si vous souhaitez en savoir plus sur mon travail, vous pouvez visiter mon site Web où vous trouverez mes œuvres d'art, mes gravures, mes ateliers et autres offres créatives. Merci encore d'avoir créé avec moi jusqu'à la prochaine fois, continuez à dessiner, à explorer et à faire confiance aux petites tiges