Fondamentaux de la conception de personnages Partie 3 : couleurs et lignes

1. Introduction du cours: Qui n'aime pas un bon design de personnage, qui n'est pas enthousiasmé par un personnage à l'écran qui soit captivant visuellement et qui communique réellement avec le spectateur sur le plan émotionnel. L'impact que vos créations peuvent avoir sur les autres est quelque chose de vraiment unique et spécial. Presque comme une superpuissance. Concevoir un personnage est amusant et passionnant, mais cela peut aussi sembler un peu intimidant si vous n'avez pas appris les lois fondamentales d'une bonne conception de personnage. Bienvenue dans la série Character Design Fundamental. m'appelle Emma Gillette et je suis illustratrice professionnelle à plein temps avec expérience dans les secteurs de l'édition et de l'animation. J'ai un BFA en animation et directeur artistique le court métrage étudiant de type t2, nominé aux Emmy Awards. Je travaille comme illustratrice depuis cinq ans et mes clients incluent Disney, Random Penguin House et American Girl, entre autres. Il s'agit du troisième et dernier volet de ma série sur les fondamentaux et les bases de la conception de personnages. Dans cette série, je vous présente toutes les règles et principes fondamentaux que j'ai appris à l'école d'art. Au cours du premier cours, vous avez tout appris sur les bases de la construction et du langage des formes. Vous avez conçu deux personnages, un héros et un méchant. Dans le deuxième cours, nous avons appris à transformer vos créations en gestes dynamiques et expressifs. Maintenant, dans ce troisième cours, nous pouvons prendre tous ces croquis des deux cours précédents et les faire briller avec une doublure en couleur. Si vous n'avez pas suivi les autres cours de cette série, allez-y, cliquez sur pause, suivez d'abord ces cours, puis revenez à celui-ci, car vous devrez concevoir vos personnages héros et méchants pour mener à bien le projet de classe de ce cours Je vous recommande également vivement de suivre mon deuxième cours. La série couvre tous les principes de base et fondamentaux conception des personnages. Ces principes fondamentaux sont des outils du métier que tout concepteur de personnages aguerri et expérimenté connaît par cœur. Et bientôt, vous le ferez aussi. Dans cette troisième partie de ma série fondamentale, vous apprendrez à peaufiner vos croquis, les faire briller avec de belles couleurs et un dessin au trait attrayant. Il y a tellement d'autres choses que vous pouvez communiquer à votre spectateur sur la conception de vos personnages simplement à travers les couleurs que vous choisissez. Et en utilisant intentionnellement le dessin au trait, vous pouvez transformer une esquisse médiocre en une magnifique œuvre d'art, combinant les principes que vous avez appris dans les deux autres cours Lorsque vous aurez terminé cette série, vous serez en mesure de transformer une idée du concept en esquisse, et finalement en une belle œuvre d'art qui raconte une histoire claire et puissante. projet de classe d'aujourd'hui est de terminer conception de vos héros et personnages au trait et à la couleur. Le style de doublure et les techniques de coloration dépendront de vous. Il n'y aura donc pas deux projets identiques. Je vais partager différents styles, techniques et astuces que vous pouvez utiliser pour décider manière dont vous souhaitez aborder vos créations. Si vous débutez votre propre parcours de conception ou si vous souhaitez parfaire certaines compétences. C'est la série qu'il vous faut. Si vous appliquez régulièrement les outils que vous avez acquis dans ma série, vous pourrez aborder chaque nouveau projet de design en toute confiance, en sachant que vous serez en mesure de raconter histoires claires et percutantes avec vos créations. Et que ce faisant, vous évoluerez en tant qu'artiste à chaque nouveau projet que vous lancerez. Je suis très heureuse de voir les designs de vos personnages dans leur forme finale. Alors allons-y. 2. Votre projet: À la fin de ce cours, vous démontrerez votre connaissance de l'utilisation du dessin au trait et des principes de base de la conception des couleurs en utilisant le héros et le méchant que vous avez conçus dans la première partie, ou les gestes que vous avez faits pour eux, en partie dessin que vous avez préféré parmi les deux. Vous allez les amener à terminer le travail en couleur et au trait à l'aide des outils que vous apprendrez dans ce cours. Si vous comprenez le contenu du cours, vous obtiendrez de magnifiques designs de personnages de Rick qui ont l'air réfléchis et utiles. Le projet de ce cours est passionnant car il représente l'aboutissement de toutes les connaissances et compétences durement acquises au cours de cette série L'objectif est de concevoir un personnage cohérent dans son histoire, en utilisant tous les outils et compétences que vous avez acquis au cours de cette série, du langage des formes de base aux gestes, et enfin à en travaillant sur la couleur et le trait. En pratiquant et en utilisant les principes que vous avez appris dans cette série, que vous avez appris dans cette série, vous continuerez à développer votre art en tant que concepteur de personnages. Pour ce projet de classe, j'utiliserai Procreate sur iPad Pro. Mais vous pouvez utiliser n'importe quel programme numérique ou n'importe quel support traditionnel qui vous convient le mieux. Si vous êtes curieux de connaître les pinceaux que j'utilise dans mon projet de classe, vous pourrez me voir en faire une démonstration à la fin de ce cours Je les lierai ci-dessous dans la zone de description. Je les aborderai également un peu plus tard dans le cours. Les astuces que je partage, même si les pinceaux ne sont pas les mêmes que dans d'autres programmes, seront transférables vers n'importe quel autre programme comme Photoshop ou Clip Studio Paint. La plupart des programmes numériques ont le même flux les uns que les autres. Je donnerai également mes recommandations pour aligner les outils que vous pouvez utiliser si vous utilisez des outils traditionnels. Et ceux-ci seront également liés ci-dessous. Si vous êtes curieux, lorsque vous aurez terminé votre projet, partagez-le ci-dessous dans la galerie de projets J'adorerais voir vos créations. Si vous recherchiez une critique, veuillez également la demander. Recevoir des critiques, comme toujours, est le meilleur et le plus rapide moyen de grandir en tant qu'artiste. Alors n'hésitez pas à demander. De plus, si vous partagez votre article sur Instagram ou sur Twitter, n'oubliez pas de me taguer avec mon nom d'utilisateur. J'adorerais le partager avec mes spectateurs sur ces plateformes. Et j'adore voir les coulisses ou les croquis pendant que vous travaillez sur vos projets là-bas. Et comme toujours, je suis également disponible pour des critiques sur ces plateformes. J'aime faire des tirages au sort et je l'ai déjà fait sur mes stories Instagram. Parlons donc des outils. 3. Fournitures numériques et traditionnelles: Il existe de nombreux programmes d'art numérique géniaux, mais j'utilise principalement Procreate et parfois Photoshop. Vous avez terminé le projet de classe et Procreate sur iPad Pro. Tu me regarderas les colorier à la fin de ce cours. Si vous êtes curieux de connaître les pinceaux que j'ai utilisés, vous verrez que j'utilise principalement les pinceaux gouache flow et flow rough du pack Retro Max de Max que vous écoutez. Je les utilise pour la majeure partie de mes coloriages. Pour la doublure. J'utilise le crayon Narendra, qui est un pinceau de base pour procréer. Et pour les moments où je voulais être en mesure de mieux communiquer l' opacité de mes couleurs que ce que les pinceaux maximum me permettaient d' utiliser, le pinceau à laver, qui est également un pinceau Procreate de base. Cela me permet simplement de mieux modifier l'opacité que les autres. Personnellement, j'aime la texture des pinceaux simulant la gouache, mais vous ne les aimez peut-être pas pour votre style personnel. Utilisez donc les pinceaux que vous préférez. Je laisserai un lien dans l'onglet Ressources vers ensembles de pinceaux de Max si vous souhaitez les consulter Je pense qu'il existe vraiment un excellent outil pour tout Illustrator utilisant Procreate. Pour ceux d'entre vous qui s'attaqueront à leurs projets de manière traditionnelle, disposer de bons stylos en papier et fournitures de coloriage vous aidera à obtenir les meilleurs résultats possibles. Pour la plupart des supports, un papier mixte épais convient parfaitement. Ou si vous prévoyez d'utiliser des marqueurs à base d'alcool, un papier spécialement conçu pour un marqueur, marques telles que Prismacolor ou Copic vous aideront à éviter les saignements. Comme nous avons une couverture de haute qualité à Cancun, nous ferons une énorme différence lorsque vous la doublure de votre personnage. Il existe de nombreuses options parmi lesquelles choisir, mais je pense que le stylo le meilleur et le plus simple pour les débutants est la série Pentel Point Liner. Ces stylos sont disponibles dans une large gamme de tailles, donc en prendre quelques-uns différents vous aidera à avoir à peu près la chance que vous souhaitez. Comme vous pouvez le constater, j'ai beaucoup trop de ces stylos. Je les aime tellement. Si vous voulez essayer quelque chose d'un peu plus basé sur les compétences, vous pouvez essayer un stylo pinceau de style japonais. Ils sont parfaits pour obtenir des lignes fluides qui peuvent changer d'épaisseur sans interruption. Il existe également de nombreuses marques pour ces marques, mais j'aime ma marque Pentel autant que n'importe quelle autre marque. Elles sont cool car vous pouvez également les recharger avec de nouvelles cartouches d'encre. s'habituer à utiliser Cependant, s'habituer à utiliser un stylo-pinceau peut prendre de nombreuses heures. Il suffit donc d'en être conscient. Ce n'est peut-être pas un stylo idéal pour ce projet si vous débutez. Si vous souhaitez créer du dessin au trait en couleur au lieu d'utiliser de l'encre noire ordinaire pour votre œuvre traditionnelle, vous devrez faire preuve d'un peu de créativité. Vous pouvez soit utiliser un crayon de couleur que vous gardez bien aiguisé, soit utiliser un pinceau à pointe fine et utiliser de la gouache acrylique que vous n' édulcorez pas trop. Ou vous pouvez faire preuve de fantaisie et utiliser l'une des très belles encres de Chine. Et je pense à des stylos qui existent Vous avez le choix entre de nombreuses options différentes. Quel que soit le mélange qui vous convient le mieux. Expérimentez et amusez-vous. Les médiums traditionnels peuvent être peu effrayants au début, mais ils sont vraiment amusants et m'ont aidée à me sortir de la tête et peut-être un peu moins perfectionniste que je le fais avec mon art numérique. recommande donc vivement à tous ceux qui veulent se dépasser. Ou si vous optez pour le numérique cette fois-ci, revenez et recommencez le cours, mais avec un support traditionnel. Comme pour les pinceaux numériques, tous les outils traditionnels que j'ai mentionnés seront listés ci-dessous. 4. Qualité de la ligne et comment l'utiliser: Une expression courante que vous entendrez utiliser par les concepteurs de personnages est la qualité ou l'épaisseur des lignes. la même chose et elles se réfèrent simplement à l'épaisseur ou à l'intensité d'une ligne et d'un dessin. Les lignes épaisses ont plus de poids visuel que les lignes fines. Il en va de même pour les lignes sombres par rapport aux lignes claires. Un dessin sans qualité de trait aura des lignes de même épaisseur sur l' ensemble du dessin. Voyez-vous à quel point ce dessin a l'air fade ? Vous n'avez peut-être pas été en mesure comprendre pourquoi ce dessin semble terne. Mais comparons-le maintenant à un dessin avec une bonne qualité de trait. Tout au long de ce dessin, les lignes varient en épaisseur et en épaisseur. Chaque ligne a un but et son poids. L'œil se déplace doucement d'un endroit à l'autre sur le forum, semble avoir réel poids et semble même avancer et reculer dans l'espace. Ne vous y trompez pas. Les décisions relatives à l'emplacement d'une ligne épaisse et d'une ligne fine n'ont pas été prises au hasard ou de manière arbitraire. Regardons le même dessin avec une épaisseur de trait effectuée négligemment. Comme vous pouvez le constater, ce n'est pas parce que l'épaisseur des traits varie et que vous créez un dessin qu'il est beau ou attrayant. Qu'est-ce qui différencie ces deux dessins ? Eh bien, celui de gauche comprend que l'utilisation de lignes épaisses et fines n' ajoute rien à un dessin si elles ne sont pas utilisées les unes par rapport aux autres. Tracez une ligne très épaisse sur le bras d'un personnage sans vous demander pourquoi ou comment les autres lignes qui l' entourent agissent les unes par rapport aux autres. C'est juste un sortilège pour le désastre et le chaos. Celui de gauche comprend que le liner est une pratique et une organisation utilisant des lignes épaisses pour indiquer l'importance, la proximité, le poids et l'ombre. Et des lignes fines pour indiquer l'insignifiance, la distance, la lumière, connaissance et la compréhension des applications pratiques du dessin trait sont extrêmement importantes lors de la conception de personnages. Je pense qu'il existe principalement quatre façons d'utiliser une méthode légère et de première ligne pour souligner et atténuer l'accent. L'épaisseur de la deuxième ligne indique la proximité avec le spectateur. Poids de la troisième ligne pour exprimer la forme et attendre. Enfin, l'épaisseur du trait pour donner une impression d'ombre et de lumière. La première façon d'utiliser l'épaisseur des lignes est de mettre en valeur ou de réduire l'importance de certaines zones de votre dessin. Tout comme nous avons appris à attirer l'attention de notre public en utilisant des éléments contrastés dans les deux cours précédents. La même chose peut être faite avec le dessin au trait. Lorsque vous établissez une hiérarchie visuelle au sein de vos dessins, vous aidez le spectateur à savoir ce qu'il est important s'arrêter et ce qu'il doit parcourir. placer des lignes épaisses ou sombres entourées de lignes claires ou fines créera un contraste. Parce que nous, les humains, sommes programmés pour rechercher le contraste. Cela indiquera à votre spectateur que cette ligne est très importante par rapport aux autres lignes qui l'entourent. En choisissant soigneusement où concentrer vos lignes épaisses et fines, claires et sombres, vous serez en mesure d' établir un point focal ou zone d'intérêt sur laquelle votre spectateur pourra concentrer son attention. Un petit conseil. En matière de conception de personnages, vous souhaitez généralement que votre public la plus grande attention au visage et aux mains de votre personnage. Cependant, il ne s'agit pas d'une règle absolue. Dans de nombreux cas, vous souhaiterez peut-être ne pas mettre l' accent sur le visage à des fins d'histoire. Par exemple, si vous vouliez masquer l'identité du personnage, ou si vous voulez que le spectateur se concentre sur un élément de costume ou un objet qu'il tient dans ses mains. Peut-être que votre personnage est au cœur d'une action. Peut-être qu'il balance une épée et que vous voulez mettre l'accent sur l'action de l'épée tranchant dans les airs. Prenez toujours le temps de réfléchir au message et à l'histoire que vous essayez de communiquer et tracez vos lignes en conséquence. La deuxième application de l'épaisseur des lignes est d'exprimer la proximité et la distance. Tout comme vous pouvez organiser votre dessin du plus important au moins important, vous pouvez créer une hiérarchie qui apporte profondeur et perspective. Des lignes épaisses et sombres sautent aux yeux du spectateur. Ces lignes apparaissent toujours au plus près du spectateur, tandis que les fines lignes claires semblent s'estomper, donnant ainsi l'impression d' être loin du spectateur. Vous pouvez utiliser cela à votre avantage et donner votre personnage le sentiment d' exister dans l'espace et la profondeur. bras et les jambes qui sont détournés du spectateur peuvent être légèrement plus clairs, en les repoussant vers l'arrière. Cela permet au personnage de donner encore plus l'impression qu'il se détourne du spectateur. À l'inverse, si vous avez un personnage qui tend la main vers le spectateur, dessiner sa main en traits sombres et épais contribue à donner l'impression qu' il perce le quatrième mur et entre dans l'espace du spectateur. Il s'agit d'un outil très puissant qui vous aidera à ancrer votre personnage dans la réalité et à lui donner l'impression d'être un être vivant dans le monde réel. Vous serez étonné de voir à quel point cette application simple peut réellement transformer et améliorer vos dessins. épaisseur de ligne peut également être utilisée pour donner l' impression qu'un personnage a un forum. Ou en d'autres termes, on dirait qu'il s' agit d'un faisceau tridimensionnel. Ceci est similaire à l'application précédente de la proximité et de la distance, mais elle est utilisée de manière un peu plus nuancée. Commençons par un exemple simple de la façon dont vous pouvez l'utiliser pour exprimer, car ce cylindre semble déjà avoir une forme en utilisant une construction de base et l'utilisation de la perspective. Cependant, il peut atteindre un cran en utilisant l'épaisseur du trait. La partie de ce cylindre la plus proche du spectateur se trouve dans cette section située au centre et à l'ami. Alors que la partie centrale à l'arrière et les lignes sur les bords extérieurs s' incurvent le sens opposé au spectateur ou le plus éloigné. Nous pouvons contribuer à rendre cette courbure encore plus réelle en effilant les lignes de sorte que le point le plus épais commence ici, au milieu, et s'amincit lentement à mesure que le cylindre s'éloigne. Pour plus d'effet, nous pouvons utiliser des lignes intérieures plus courtes. Plus longs et plus serrés les uns contre les autres. Plus ils s'éloignent du spectateur le long de cette courbe. Ces lignes intérieures plus petites peuvent également être utilisées pour exprimer des fermes douces ou moelleuses qui peuvent avoir des coins arrondis. Au lieu de tracer une ligne dure qui donnerait l'impression d'un coin pointu, ces petites lignes légèrement crochues donnent à ce bord un aspect doux. Ces techniques conviennent aux dessins qui ne seront pas colorés ou qui ne comporteront que peu ou pas d'ombrage. En utilisant toutes ces applications, nous pouvons maintenant dessiner un oreiller cylindrique très crédible. Prenez le temps de pratiquer cet exercice avec une variété de formes et de formes de base. Car dès que vous aurez maîtrisé cette pratique sur des formes simples, il sera désormais facile de la traduire sur une forme humaine. Le corps humain est ferme grâce à ces formes de base Vous verrez où vous pouvez désormais souligner la courbure des membres, du torse, les nombreuses caractéristiques du visage et plus encore. C'est une façon belle et simple d'ajouter une touche de sophistication et de beauté à vos créations. Une autre façon de donner à vos créations l'impression véritables objets vivants et charnus est de leur donner du poids. La magie de la doublure réside dans le fait que nous pouvons imiter la gravité simplement grâce à l'épaisseur et à l'intensité de nos lignes. simple fait d'ajouter un peu d' épaisseur à la partie inférieure d' un bras ou à l'endroit où le corps repose sur un objet donnera immédiatement l'impression que ce côté de la figure est plus lourd que l'autre. Ou donnez l'impression que le personnage met beaucoup de poids sur le pied ou la main plutôt que sur l'autre. Vous souvenez-vous de l'exemple de hip pop du cours précédent ? Une autre façon de souligner cette touche est de rendre les lignes du pied porteur plus épaisses que celles du pied de repos. Il s'agit d'une façon modeste mais réfléchie d'aider à communiquer ce geste encore mieux qu'auparavant. Cette technique est très pratique si vous dessinez quelque chose de grand et de lourd et que vous voulez vraiment que le spectateur ressente ce poids. Il peut également être utilisé pour donner une sensation de légèreté et d'aération à condition que les lignes utilisées soient fines et légères. Contrairement aux lignes situées en dessous, il apparaîtra plumeux et tardif. La quatrième façon d' utiliser la doublure est de donner une impression d'ombre et de lumière. Des lignes sombres, épaisses et continues indiqueront ombre ou un manque d' exposition à la lumière. Alors qu'une lumière fine et une lentille cassée sembleront être fortement exposées à une source lumineuse. Cette technique est particulièrement utile pour les dessins dont la ligne est floue ou qui ne comporteront que peu ou pas d'ombrage. Certains artistes, comme Mike Mignola, masqueront des zones entières en noir pour indiquer les zones d'ombre. Toutefois, si cela est trop extrême à votre goût, vous pouvez utiliser seulement quelques lignes et les suivantes et les crevasses de votre dessin. Le costume de ce personnage comporte de nombreux petits endroits où le costume se détache de la peau, même des zones protégées de la lumière. Il y a également des endroits sur son corps comme dans vos oreilles, sous son menton et dans ses gestes de la main, qui peuvent recevoir petites lignes rapprochées qui peuvent donner l' apparence d'une ombre et d'une forme. C'est un moyen facile d'ajouter une couche de profondeur et d' intérêt à vos créations. Si cela vous semble beaucoup à assimiler et que vous ne savez pas vraiment comment vous allez appliquer toutes ces techniques à la conception de vos personnages. C'est peut-être le bon moment pour faire une pause et s'entraîner un peu à travailler en ligne. À cette fin, j'ai inclus dans l'onglet Ressources cinq exercices que vous pouvez télécharger et utiliser. Ces fichiers peuvent être imprimés pour la pratique traditionnelle ou déposés sur une toile numérique. Tout d'abord, mettez-vous en pratique votre capacité à obtenir une épaisseur et une intensité de lumière variables. Et dans le deuxième exercice, essayez de faire en sorte que le groupe de formes semble se déplacer correctement dans l'espace et en relation les unes avec les autres. Le troisième exercice consiste à étudier où les lumières pointent vers chaque objet, à quelle distance ou à quelle distance ils se trouvent. Et ajoutez un dessin au trait qui correspondra. Et le quatrième exercice, faites de votre mieux pour que les différents oreillers aient un aspect tridimensionnel et attendent. Et puis le dernier exercice, combinez les quatre applications sur la conception des personnages pour des résultats optimaux. Une fois que vous avez terminé, les personnages recommencent à zéro et voient si vous pouvez améliorer votre technique une deuxième fois. 5. Stylisation: Maintenant que vous connaissez ces applications d' épaisseur de trait, il est important de noter que vous n'avez pas besoin d'utiliser tous les dessins au trait . Vous pouvez les utiliser toutes ou aucune en fonction de votre projet et de vos besoins chose la plus importante à retenir de tout cela est que tout est une question de hiérarchie. Vous pouvez trier votre hiérarchie. Alors, quelles que soient les techniques que vous utilisez, cela aura l'air intentionnel. Cela peut vous aider dans votre recherche personnelle votre propre style ou dans l'exploration de nouvelles méthodes de stylisation. Par exemple, dans cette pièce, la hiérarchie en place ne comporte que trois ou quatre variations et une épaisseur de trait différentes. Les lignes les plus sombres les plus grandes sont les lignes extérieures qui tracent le périmètre du personnage. Ensuite, il y a les deuxièmes plus grandes lignes qui délimitent les formes principales qui s'y trouvent. Ensuite, les petits détails sont réalisés dans la plus petite ligne. Cette conception n'utilise vraiment aucune des techniques dont nous venons de parler. Et pourtant, il suit sa propre hiérarchie et semble donc cohérent et intéressant. Une fois que vous avez défini la hiérarchie de votre œuvre, le monde s'ouvre réellement à vous en termes de stylisation et de manière à ce que votre pièce unique et intéressante à vos yeux. n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon faire du liner et vous pouvez être plus attiré par certains styles de dessin au trait que par d'autres styles Vous pouvez vous concentrer sur des bandes dessinées, noir et blanc, avec des lignes d'ombrage vraiment intenses. Ou vous pouvez opter pour un dessin au trait coloré plus subtil à des fins d'illustration. Ou vous pouvez vous situer quelque part entre les deux. Ou vous pouvez faire quelque chose de similaire à moi en commençant par un bloc de couleur, puis en ajoutant des lignes là où je trouve qu'elles sont belles. C'est donc comme un mélange de dessin au trait et d'art insensé. Quelle que soit la manière dont vous choisissez de styliser, votre dessin au trait fonctionnera parfaitement. Tant que vous êtes cohérent avec les choix que vous faites au début. 6. Conseils et astuces Lineart: Avant de terminer cette section consacrée dessin au trait et de passer à la couleur, j'aimerais vous donner quelques conseils qui vous aideront à obtenir des traits plus précis et plus fiables. Et puis quelques conseils pour les utilisateurs numériques qui peuvent vous aider à obtenir looks différents pour votre dessin au trait. J'utiliserai Procreate, mais à peu près toutes les techniques que je vous ai montrées sont transférables sur n'importe quelle autre plateforme numérique. Cependant, la première étape que je vais partager avec vous s' applique à la fois aux artistes numériques et traditionnels. Et il s'agit d'utiliser des traits rapides et sûrs dans votre dessin au trait. Si vous dessinez de manière numérique, Z deviendra votre meilleur ami. sécher des traits rapides et sûrs refaire la même ligne à quelques reprises avant est préférable de sécher des traits rapides et sûrs et de refaire la même ligne à quelques reprises avant de tomber sur la bonne ligne plutôt que de faire lignes tremblantes et extrêmement timides. Vous êtes compétent, vous brillez dans votre art lorsque vous êtes courageux avec vos lignes, vous dessinez avec audace. Le prochain conseil s'adresse aux artistes traditionnels et numériques, mais les méthodes pour le faire seront un peu différentes. Mon conseil est de faire trois passes au total conception de votre personnage. Le premier sera votre premier croquis énergique qui définira la ligne d'action, formes de base et l' aspect général de votre design. Ce sera une esquisse très approximative et énergique qui vise à capturer l'énergie et la sensation générales de votre design. La deuxième passe sera votre esquisse affinée. Et cette passe, vous essayez de terminer vous-même votre design à 80 %. Ici, vous déterminez l'anatomie, l'expression et les détails de votre design. En gros, vous voulez vous assurer de ne pas avoir à faire travailler des invités sur la dernière ligne artistique. Comme vous voudrez vous concentrer uniquement sur le dessin au trait plutôt que sur la rédaction. Enfin, lors du troisième passage, vous compléterez votre dessin avec magnifiques dessins au trait polis. Cela peut sembler beaucoup d'étapes, mais travailler sur un dessin et des passes vous permet de résoudre chaque problème par étapes. Au lieu d'essayer de tout régler en une seule fois. La dernière chose que vous voulez faire, c'est de passer des heures à dessiner au trait, d' avoir oublié les croquis de construction et de vous rendre compte que et de vous rendre compte que leur construction est erronée, puis devoir les supprimer et tout recommencer. Si vous dessinez de façon traditionnelle, ce n'est pas si facile. Vous aurez soit besoin d'une table lumineuse, est-à-dire d'une table dont le dessus est recouvert d'un matériau translucide et d'une lumière en dessous. Ensuite, lorsque vous l'allumez, vous pouvez placer votre papier à croquis sur le dessus avec du papier neuf par-dessus et la lumière vous permettra voir le papier sous celui de votre genou. Cependant, si vous n'en avez pas, vous pouvez souvent acheter des tables lumineuses bon marché en ligne pour ne pas trop avoir les accents d'une table lumineuse Vous pouvez toujours assembler vos papiers et vous tenir debout devant une fenêtre pour obtenir le même effet. Mes prochains conseils s'adresseront uniquement aux artistes numériques, et ils porteront sur des moyens d' obtenir des looks différents avec vos dessins au trait. lissage des lignes est une fonction utilisée par de nombreux programmes tels que Procreate pour modifier vos lignes une fois que vous les avez dessinées pour leur donner un défaut de lissage. Pour certains projets et styles, cela peut être très utile. Mais pour les besoins de ce cours, je vous recommande de ne pas utiliser votre projet. Il est important pour votre croissance artistique de maîtriser le contrôle des lignes. Et vous ne pourrez pas le faire si vous avez un ordinateur qui modifie vos lignes à votre place. Alors éteignez-le et habituez-vous au bouton d'annulation. Vous constaterez que plus vous tomberez hardiment et sans assistance votre précision et votre exactitude s' amélioreront lentement avec le temps. Le moyen le plus simple de colorier votre dessin au trait est de dessiner votre liner sur une couche alpha. Les canaux alpha sont des couches mais n'ont pas de couleur d'arrière-plan. Il semblera avoir ce fond à carreaux blancs et gris. Cela signifie qu' il n'y a absolument aucune information sur les pixels sur cette couche. Ainsi, lorsque vous tracez votre liner dessus, les seules informations qui s'y trouvent seront les lignes de votre dessin. C'est ce qui vous permet de superposer différentes images les unes sur les autres tout en continuant à voir ce qui se trouve sur la couche inférieure. Tous les programmes d'art numérique disposent de cette fonction. Et tous les programmes d'art numérique vous permettent de verrouiller ces chaînes alpha. Lorsque vous verrouillez votre couche de couche Alpha, vous verrouillez les informations relatives aux pixels, ce qui signifie que vous ne pouvez pas colorer en dehors des lignes et des couleurs qui se trouvaient sur la couche alpha avant le verrouillage. Il vous suffit de sélectionner couleur que vous souhaitez la couleur que vous souhaitez colorer sur la largeur de votre dessin au trait et de la colorier par-dessus votre dessin. Regarde comme c'est simple. Vous pouvez sélectionner manuellement les couleurs au fur et à mesure, ou pour couvrir rapidement et efficacement votre travail au trait lorsque vous créez une pièce entièrement colorée. Remplissez le tracé avec une seule couleur, généralement le rouge, le rose et le violet, et définissez le style de couche pour qu'il se multiplie. Vous avez maintenant une ligne colorée qui correspond à ses couleurs intérieures. Il en va de même pour l'opacité et la couleur pour différents effets. Et le moyen le plus simple d'ajouter un bel effet à votre dessin au trait est de dupliquer d'abord votre couche de dessin au trait. Sur la première couche, utilisez un effet de flou gaussien et définissez le style de couche pour qu'il soit multiplié, ajustez l'opacité à. J'ai également effacé tous les effets de flou à l'extérieur de mes lignes. Vous pouvez donc jouer avec ça et voir ce que vous préférez. Mais vous verrez maintenant que votre dessin au trait aura un bel effet lumineux qui ajoutera une couche de profondeur et d'intérêt à votre dessin. Vous pouvez également jouer avec la couleur de cette couche et voir comment elle affecte l'apparence du dessin. C'est une astuce intéressante que j'ai récemment apprise. C'est-à-dire que pour des designs comme celui-ci que j'ai partagé plus tôt, ce design n'utilise que des variations de trois ou quatre lignes. Je pouvais essayer de le regarder de près chaque fois que j'avais besoin de changer de ligne. Mais si je voulais vraiment garder une vision cohérente de mon design, il serait très utile de pouvoir enregistrer les lignes que je souhaite, exactement ce que vous pouvez faire dans Procreate. Lorsque je tape sur le curseur correspondant à la taille des seins, je peux appuyer sur ce signe plus et le pinceau sera épinglé sur le curseur. Je peux en ajouter autant que nécessaire, puis passer de l'un à l' autre selon mes besoins. La solution à ce problème dans Photoshop serait de prendre des notes sur le numéro de la taille de mon pinceau, puis de le saisir dans le curseur lorsque je dois passer d'une taille à l'autre. J'espère que ces conseils et astuces vous seront utiles. Expérimentez avec les différents styles et techniques que je vous ai montrés et voyez ce qui vous convient le mieux. Et si vous avez une technique spéciale que vous aimez vraiment et que vous n'avez pas vue partagée dans cette vidéo. Partagez-les dans l'onglet Discussions. J'adorerais voir quelles techniques vous utilisez et j'adorerais les partager avec les autres élèves de la classe. Maintenant que nous avons tout appris sur le dessin au trait, allons-y, passons à la couleur et voyons comment nous pouvons l'utiliser pour mieux raconter l'histoire de nos personnages. 7. Schémas de couleurs et conception de personnages: Nous allons maintenant passer à la deuxième partie de ce cours et apprendre à donner du dynamisme à la conception de vos personnages grâce à la couleur. Ce ne sera pas un cours complet sur la théorie des couleurs, mais nous passerons en revue les bases. À la fin de cette section. Vous disposerez des outils nécessaires pour prendre décisions éclairées et intelligentes quant aux couleurs qui répondront le mieux à vos besoins pour la conception de vos personnages. Pour prendre ces décisions intelligentes, vous devez comprendre la roue chromatique et les termes saturation, teinte et valeur. Voici une roue chromatique de base. Chaque couleur différente sur cette roue représente une teinte différente. Vous connaissez peut-être l'acronyme Roy G Biv, qui signifie rouge, orange, jaune, vert, bleu, indigo et violet. Voici à quoi ressemblent la roue chromatique et Photoshop. Lorsque nous sélectionnons une teinte, nous avons cette boîte à deux axes. Valeur et saturation. La valeur correspond à la clarté ou à l'obscurité de la couleur , le blanc et le noir se trouvant aux extrémités. Et la saturation, c'est la pureté de la teinte dans sa forme la plus pure et la plus brillante, avec du gris aux extrémités. Voici à quoi ressemble la roue chromatique dans Procreate, qui est le même concept, mais dans, nous allons former. En jouant avec ces curseurs, vous découvrirez rapidement que les variétés de couleurs et de valeurs sont innombrables. Vous vous demandez peut-être comment je suis censée choisir une couleur pour mes créations alors qu'il y en a tellement parmi lesquelles choisir, quelles couleurs vont bien ensemble et comment savoir si c'est le bon choix pour mon personnage avant que vous ne vous laissiez emporter par une vague de confusion des couleurs . Nous vous proposons une branche à conserver sous la forme d'un outil spécial appelé combinaisons de couleurs, ou autrement appelées palettes de couleurs. Une palette de couleurs, ou palais, est simplement une combinaison de couleurs différente. Certains types d' arrangements ont échoué. Un designer peut intégrer les couleurs à presque comme s'il s'agissait d'un problème mathématique s'il le fait correctement. Ces combinaisons de couleurs créent des palettes cohérentes et attrayantes. Il existe de très nombreux types de combinaisons de couleurs. Mais pour les besoins de ce cours, nous n'aborderons que six des plus courants. La première et la plus simple est une palette de couleurs monochromes. Pour en créer une, il suffit sélectionner une seule teinte sur la roue chromatique. Couleurs : en ajustant la valeur et la saturation, vous verrez que cela crée un mouvement très cohérent et d' une seule note cohérent et d' une seule note pour vos peintures. Donc, si vous souhaitez communiquer un message ou une caractéristique très fort propos de votre personnage, un schéma monochrome peut vous convenir, en utilisant un schéma de couleurs analogue. Choisissez une teinte et les deux teintes adjacentes sur la roue. De nombreux designers appliquent la 16e règle 3010 pour atteindre l'équilibre. Cela signifie que la couleur principale sera utilisée 60 % du temps et que les deux autres couleurs, généralement celles du périmètre, devraient occuper les 40 % restants en tant que couleurs d'accent, l' une étant peut-être réservée aux petits détails et reflets, comme lors de la surveillance. Encore une fois, pour toutes les autres combinaisons de couleurs, vous êtes libre, avec ces teintes, de choisir différentes valeurs et saturations. Nous verrons comment vous pourriez prendre ces décisions un peu plus tard. Mais pour l'instant, continuons à aborder les combinaisons de couleurs de base. La palette de couleurs complémentaires vous oblige à sélectionner une file d'attente, puis à choisir la teinte directement opposée sur la roue chromatique. La couleur de base doit être utilisée comme couleur principale de l'image, mais ce sont des couleurs complémentaires utilisées comme accents. Un complément divisé est similaire à son prédécesseur, mais forme un petit triangle sur la roue, mais la couleur principale et les deux couleurs s'équilibrent en face. Une palette de couleurs triadique est une variante de la combinaison complémentaire divisée, mais les trois couleurs sont réparties uniformément sur la roue chromatique, créant ainsi un triangle équilatéral. Celui-ci peut être difficile à équilibrer, il est donc préférable de laisser l'un être la couleur principale et de laisser l'autre tube jouer les rôles secondaires. Enfin, il y a la tétrade, on peut également appeler la double palette de couleurs complémentaires. Il comporte deux paires de couleurs qui ont une couleur correspondante opposée, créant un rectangle sur la roue chromatique. Cela se traduit généralement par un pollen vif et vibrant qui peut également se détacher de manière agressive. donc preuve de prudence et essayez d'utiliser une couleur principalement avec l' autre comme accent. Vous remarquerez que dans chacune de ces palettes, il existe une large gamme de valeurs parmi les teintes. Vous verrez rarement une palette dont les différentes teintes ont également la même intensité et la même luminosité. Pourquoi ? Eh bien, faisons comme si nos couleurs chantaient sur un grand terrain. Si toutes nos couleurs chantaient à tue-tête. Alors que nous nous retrouvons avec un parcours très chaotique, sans nulle part où nous concentrer. Il n'y aurait aucune harmonie. Et si nos couleurs atténuaient leur voix pour qu' elles soient plus calmes et moins saturées, nous pouvons déjà constater qu' elles commencent à un peu mieux et même mieux encore Si nous permettons à une voix de chanter plus fort que les autres, nous obtenons un résultat bien plus intéressant puisque nous avons maintenant introduit le contraste. Et comme je l'ai mentionné tout au long de la série, les humains adorent regarder le contraste. L'application concrète de cette méthode consiste à rechercher moyens d'introduire du contraste dans vos palettes de couleurs. En choisissant certaines couleurs pour chanter fort et d'autres couleurs, deux bosses doucement en arrière-plan. Cela vous aidera à harmoniser vos palettes de couleurs. Maintenant que vous connaissez les combinaisons de couleurs et comment en créer une, vous pensez peut-être que c'est tellement cool. J'ai hâte d'en choisir une pour mes personnages, mais comment savoir quelle palette de couleurs convient à mon personnage ? C'est là que vous pouvez réfléchir et réfléchir à vos et réfléchir à personnages à travers le prisme de leurs histoires et de leur personnalité. Ensuite, essayez de voir si vous pouvez extrapoler ces histoires à des personnalités grâce aux différentes combinaisons de couleurs que vous avez connues . Quelle palette de couleurs correspond le mieux à la personnalité de votre personnage ? Concevez-vous une approche, un personnage et des corps de OneNote , un trait singulier ? Pensez à la tristesse de Pixar de fond en comble, elle incarne un trait singulier, la tristesse. Ainsi, une palette de couleurs monochromes correspond parfaitement à sa personnalité. Ou peut-être que votre personnage fait face à des croyances ou à des désirs opposés et qu'il doit faire un choix. Peut-être qu'une palette de couleurs complémentaire pourrait aider à montrer cette dichotomie au sein de la personnalité de votre personnage. Vous pouvez faire preuve de beaucoup de créativité dans la façon dont vous interprétez les différentes combinaisons de couleurs et dans la façon dont vous pouvez les interpréter à travers le prisme de la conception de vos personnages. Lors de la conception de personnages pour la télévision ou le cinéma, les concepteurs de personnages demandent souvent tous les acteurs de partager une palette similaire. Ou du moins, assurez-vous que deux ou trois couleurs sont présentes sur l' ensemble de la distribution afin qu'elles aient toutes l'impression d'exister dans le même monde. Un moyen si simple d' éviter qu'un personnage de Wine et vos acteurs aient l'impression qu'ils n'ont pas leur place dans votre histoire. Un autre outil extrêmement important à utiliser lors du choix des couleurs de vos personnages est de vous à utiliser lors du choix des couleurs de vos personnages souvenir de l'importance et du pouvoir de la psychologie des couleurs. La conception des personnages est une question de narration. Et la narration consiste à manipuler les sentiments, les émotions et les pensées de votre public pour amener le plus efficacement possible vos spectateurs à s'identifier et à ressentir vos créations. Il faut savoir comment fonctionne le cerveau de vos spectateurs et comment vous pouvez l'utiliser pour comment fonctionne le cerveau de vos spectateurs et comment vous pouvez l'utiliser pour obtenir les réponses que vous recherchez. Par exemple, le rouge est une couleur programmée dans notre cerveau pour attirer l' attention et peut également avertir d'un danger. C'est une couleur passionnée qui peut évoquer des sentiments de détermination, amour, de pouvoir et de force. Cette couleur est idéale pour le protagoniste et l'antagoniste, mais peut-être pas tant pour quelqu'un qui est paresseux qui n'a pas grand-chose à faire , qui n'a pas grand-chose à faire dans sa vie ou qui a beaucoup de passions. Chaque couleur possède des qualités associées. Et j'ai mis en lien ci-dessous une ressource qui présente chaque couleur et les qualités associées. Cette liste a été dressée en tenant compte des cultures occidentales. Il est très important de noter que chaque culture a des associations différentes pour différentes couleurs. Aux États-Unis, le blanc est une couleur souvent associée au mariage, à la pureté et à l'innocence. En Inde, le jaune peut être associé à des qualités très similaires. Si vous créez un personnage d'un pays en particulier, vous pouvez franchir une étape supplémentaire et découvrir les associations de couleurs que ce pays possède pour les couleurs que vous êtes susceptible de choisir. Une autre façon d'examiner psychologie des couleurs serait d'examiner des catégories de couleurs plutôt que couleurs individuelles et certaines catégories que vous voudrez peut-être prendre en compte. Ou des tons naturels, des tons bijoux, des tons pastel et des tons chauds et froids. La connaissance de ces catégories peut vous aider à déterminer la direction générale que vous souhaitez donner à la palette de couleurs de vos personnages. Ensuite, vous pouvez le réduire à partir de là. Par exemple, si je dessinais un roi ou une reine, je pourrais décider de choisir les couleurs qui seraient classées selon les tons des bijoux. Et puis choisissez ma palette de couleurs à partir de là. 8. Shading, texture et motifs: Une fois que vous avez terminé votre dessin au trait, choisi vos combinaisons de couleurs, déposez vos couleurs plates. Vous êtes sur le point d' avoir terminé la conception de votre personnage. La dernière étape consiste à ajouter de la texture, ombres et des motifs aux designs de vos personnages. Ces petits détails feront briller votre design et ajouteront de petites touches d' intérêt et de narration à votre design. C'est également ici que vous pourrez expérimenter ce style et les méthodes pour lesquelles vous utiliserez l'ombrage. Vous pouvez utiliser les dégradés de l'outil Lasso ou gros pinceaux doux pour ajouter des couches de couleur en douceur. Vous pouvez également choisir de créer de l'ombrage cellulaire et d'utiliser pinceaux ronds et durs pour bloquer de grandes zones d'ombre. Ces dessins de personnages ne sont pas destinés à être des peintures numériques hautement rendues. Essayez donc de ne pas vous perdre en essayant de peindre chaque forme d'une manière belle et réaliste. Laissez votre trait agir, faire le gros du travail à votre place. Vos nuances et couleurs accentuent et soutiennent la texture et les motifs peuvent également être des outils vraiment puissants pour ajouter de la profondeur et des intérêts supplémentaires à votre narration. Les autocollants et les logos apposés sur la boîte à lunch d'une écolière peuvent vraiment en dire long sur les intérêts et les loisirs d' une écolière. Les motifs complexes cousus sur une cape Royals peuvent vraiment donner une impression de luxe et de décadence, par opposition à une cape sale, boueuse et miteuse qu' un paysan pourrait porter. Encore une fois, une planification réfléchie et minutieuse de vos personnages et une connaissance approfondie de leurs histoires vous permettent de prendre décisions simples mais puissantes à chaque étape du processus, lorsque vous les concevez tous ensemble pour créer un magnifique design. Un design dont les éléments de base sont tous réunis pour raconter une histoire claire et puissante. 9. Démo: Bienvenue dans la partie démo de notre cours. Je vais vous montrer comment j'ai créé mes personnages de méchants et de héros. Vous verrez donc ici que j'ai créé des vignettes en couleur de mes personnages, juste pour m' assurer que les couleurs allaient bien fonctionner ensemble. Pour ne pas avoir à le découvrir pendant que je les terminais. C'est un peu ce que je disais propos de tes dessins et de tes passes. Faire une miniature en couleur peut vous aider à faire le gros du travail et à réfléchir avant de passer beaucoup de temps à colorier et de vous dire : « Oh non, je n'ai pas choisi la bonne couleur ». Maintenant, je dois revenir en arrière et le changer de toute façon. J'ai donc fait une variante du schéma complémentaire fractionné. Mes trois couleurs sont plus chaudes, puis j'en ai une croix, cette couleur vert bleuté que j' utilise dans le reste des palettes. C'est donc la palette de couleurs que je recherche. Et je vais les utiliser à la fois pour mon héros et mon méchant. La toute première chose que je vais faire est de tapisser les plus grandes zones de couleur. Vous allez voir ici que c'est très simple. J'ai aligné la zone, puis je vais les colorier avec le pinceau gouache Flow du pack Max. Je vais juste le faire pour chaque couleur du personnage. Parce que ce pinceau est assez translucide. Il a besoin de quelques couches pour obtenir l' opacité que je souhaite. Ainsi, au lieu de parcourir et de le faire manuellement à chaque fois, je duplique simplement la couche, puis je passe en revue les zones inégales et je les remplis. C'est un moyen facile de le faire. Maintenant que j'ai défini toutes les couleurs, vous verrez que je les ai chacune sur une couche séparée. Et je le fais parce qu' il est simplement plus facile de verrouiller ces couches et les ombrer individuellement plus tard. Mais pour l'instant, je vais commencer par le dessin au trait et je vais tout faire en noir. Ensuite, je reviendrai et choisirai les couleurs de ma couche de dessin au trait plus tard. Mais ici, j'utilise le crayon Narendra et je vais entrer et sortir. Vous verrez ici que j' essayais de savoir si je pouvais ajouter une plus grande sensibilité à la pression à cette brosse, car il s'agit essentiellement d'une brosse ronde dont les variations sont connues. Je n'y suis pas parvenu. donc que je Vous verrez donc que je n'arrive pas à obtenir ces coups rapides, comme je l'ai mentionné plus tôt dans le cours. J'aime beaucoup ce pinceau, mais il ne me permet pas de le faire. Je pense donc que je dois probablement créer mon propre pinceau qui ressemble à un crayon Narendra, mais qui me permette d'obtenir les traits rapides et sûrs que vous recherchez habituellement lorsque vous faites du liner. Maintenant, une fois mon liner terminé, je vais commencer à le colorier. Je vais juste verrouiller ma couche de dessin au trait. Et je vais choisir les couleurs locales pour chaque zone. Et je choisis généralement quelque chose d'un peu plus saturé et un peu plus foncé que la zone sur laquelle il va se heurter. Et je vais juste commencer à remplir mon dessin au trait corresponde aux couleurs qui l'entourent. Dans mon style personnel, je préfère que mes dessins au trait varient en couleur. Donc, ce ne sera pas juste sur sa peau ne sera pas juste cette couleur pêche. En fait, je vais me rendre dans les zones qui seraient protégées de la source lumineuse. Je vais les assombrir, les rendre plus saturés. Je trouve que ces changements de couleur s'ajoutent vraiment à mon dessin au trait. Je recommande donc vraiment de l'essayer. C'est très amusant à faire aussi. La doublure est terminée. C'est là que je peux intervenir et mettre en valeur les ombres, les ombres et la texture. J'utilise à nouveau le pinceau à gouache Max Pack Retro, le Max Pack Retro. Et je vais juste y aller et appliquer des reflets, des ombres et du fard à joues de base à la ferme. Rien de fou. Mais comme vous pouvez le constater, je lui donne vraiment vie et cela ne fait qu' ajouter la dernière touche de finition dont ces designs ont besoin. Je vais également ajouter des motifs, et vous verrez dans une minute que je vais ajouter des éléments, comme de la saleté sur ses bottes et sur sa robe, qui donnent l' impression que cette fille est une aventurière et qu'elle n'a pas peur de salir ses vêtements. Elle aime plutôt profiter de la vie et être dans la nature. Je vais également ajouter un peu de cette saleté au méchant. Et je vais porter une attention particulière à sa carapace de scarabée et m'assurer qu' elle a suffisamment de texture dans la mienne. Cela ressemble donc à une carapace de scarabée irisée et brillante. Cela ne ressemblerait pas à un bogue ni ne serait considéré comme un bogue s'il n'avait pas cette texture et ces reflets. C'est donc là que la texture peut vraiment vous être utile et vous aider à donner à vos créations une apparence et un toucher similaires aux matières que vous souhaitez qu'elles portent. Vous verrez également que j'ai ajouté des effets magiques au méchant. Ensuite, la conception de mes personnages est terminée. Merci donc de m'avoir rejoint. J'espère que cela vous a été utile pour voir comment je travaille et que cela pourrait vous aider dans votre flux de travail. 10. Réflexions finales: C'est toi qui l'as fait. Félicitations pour avoir terminé ma série fondamentale sur le design de personnages. Tu devrais vraiment te donner une grosse tape dans le dos. Ou si vous n'avez pas suivi le premier ou le deuxième cours de cette série, je vous encourage vivement à y retourner et à les suivre. Il y a tant à apprendre et à assimiler tout au long de ce voyage. Et je suis tellement fière de vous avoir persévéré et d'avoir travaillé dur pour développer vos compétences en design. Je suis très fier de votre dur labeur et j'espère que vous l'êtes aussi. J'ai tellement hâte de voir vos designs de personnages terminés. Cela a été un véritable voyage, qui a mené vos personnages du concept à la fin. Et j'espère vraiment que les outils que vous avez acquis dans cette série créeront un design dont vous serez vraiment fier et que vous aurez hâte de montrer. J'espère que vous éprouvez un grand sentiment d'accomplissement et que vous avez également l'impression d'être un peu sollicitée au cours du processus. La croissance artistique s'obtient de haute lutte grâce au courage et à la détermination. Permettez-moi donc de vous applaudir pour votre excellent travail. Toutes les techniques et principes que vous avez appris dans cette série constitueront outils précieux dans la boîte à outils de votre concepteur. Et si vous les passez souvent en revue, vous continuerez à progresser dans votre parcours artistique. Le parcours de l'artiste ne s'arrête jamais. Donc, si vous avez l'impression de vous heurter un obstacle sur votre chemin, assurez-vous de revenir et revue certaines choses qui pourraient réapparaître dans votre métier et vous aider à porter vos créations à un tout autre niveau. N'hésitez pas à partager vos projets terminés et la galerie ci-dessous. Et si vous voulez demander une critique avant cela, demandez dans l'onglet des discussions, ou si vous me la demandez sur Instagram ou Twitter, j'adore donner votre avis. Et si vous les partagez en ligne, n'oubliez pas de me taguer dans le post que vous partagez. Il s'agissait de la troisième et dernière partie de ma série sur les principes fondamentaux de la conception de personnages. Merci beaucoup de m'avoir rejoint dans ce voyage. Si vous pouviez laisser un commentaire qui aidera vraiment mes cours à être accessibles aux futurs étudiants. Et si vous souhaitez rester au courant de mes futurs cours, assurez-vous de me suivre ici sur Skillshare et me suivre également sur mes autres plateformes de réseaux sociaux. Merci encore, et je vous verrai à la prochaine fois.